Romantik i billedkunst i det 19. århundrede kort. Romantik i europæisk maleri-præsentation af mhc

Romantikken som trend i maleriet blev dannet i Vesteuropa i slutningen af ​​det 18. århundrede. Romantikken blomstrede i kunsten i de fleste vesteuropæiske lande i 1920'erne og 1930'erne. 19. århundrede.

Selve udtrykket "romantik" stammer fra ordet "roman" (i det 17. århundrede blev romaner brugt til at henvise til litterære værker skrevet ikke på latin, men på sprog, der stammer fra det - fransk, engelsk osv.). Senere blev alt, hvad der var uforståeligt og mystisk, kaldt romantisk.

Som et kulturelt fænomen blev romantikken dannet ud fra et særligt verdensbillede genereret af resultaterne af den store franske revolution. Skuffet over oplysningstidens idealer skabte romantikerne, der stræbte efter harmoni og integritet, nye æstetiske idealer og kunstneriske værdier. Hovedobjekterne for deres opmærksomhed var fremragende karakterer med alle deres oplevelser og ønske om frihed. Helten af ​​romantiske værker er en ekstraordinær person, der ved skæbnens vilje befinder sig i vanskelige livsbetingelser.

Selvom romantikken opstod som en protest mod klassicismens kunst, lå den på mange måder tæt på sidstnævnte. Romantikere var til dels sådanne repræsentanter for klassicismen som N. Poussin, C. Lorrain, J. OD Ingres.

Romantikerne indførte ejendommelige nationale træk i maleriet, det vil sige noget, der manglede i klassicisternes kunst.
Den største repræsentant for fransk romantik var T. Gericault.

Theodore Gericault

Théodore Gericault, den store franske maler, billedhugger og grafiker, blev født i 1791 i Rouen i en velhavende familie. Kunstnerens talent manifesterede sig ret tidligt i ham. Ofte, i stedet for at deltage i undervisningen i skolen, sad Gericault i staldene og tegnede heste. Selv da forsøgte han ikke kun at overføre dyrs ydre træk til papir, men også at formidle deres temperament og karakter.

Efter sin eksamen fra Lyceum i 1808 blev Gericault elev af den dengang berømte malermester Karl Vernet, som var berømt for sin evne til at afbilde heste på lærred. Den unge kunstner kunne dog ikke lide Vernets stil. Snart forlader han atelieret og går ind for at studere hos en anden, ikke mindre talentfuld maler end Vernet, P.N. Gehren. Ved at studere med to berømte kunstnere blev Gericault ikke desto mindre efterfølgeren til deres traditioner inden for maleri. Hans rigtige lærere bør højst sandsynligt betragtes som J. A. Gro og J. L. David.

De tidlige værker af Gericault er kendetegnet ved, at de er så tæt på livet som muligt. Sådanne billeder er usædvanligt udtryksfulde og patetiske. De viser forfatterens entusiastiske humør, når han vurderer verden omkring ham. Et eksempel er maleriet med titlen "Officer of the Imperial Horse Rangers under angrebet", skabt i 1812. Dette maleri blev første gang set af besøgende på Paris Salon. De accepterede entusiastisk den unge kunstners arbejde og satte pris på den unge mesters talent.

Værket blev skabt i den periode af fransk historie, hvor Napoleon var på toppen af ​​sin berømmelse. Samtidige forgudede ham, den store kejser, der formåede at erobre det meste af Europa. Det var med denne stemning, under indtryk af Napoleons hærs sejre, at billedet blev malet. Lærredet viser en soldat, der galopperer på en hest for at angribe. Hans ansigt udtrykker beslutsomhed, mod og frygtløshed over for døden. Hele sammensætningen
ekstremt dynamisk og følelsesladet. Beskueren har følelsen af, at han selv bliver en reel deltager i begivenhederne afbildet på lærredet.

Figuren af ​​en modig soldat vil dukke op mere end én gang i Gericaults værk. Blandt sådanne billeder er heltene fra malerierne "Officer of the Carabinieri", "Officer of the Cuirassier før angrebet", "Portrait of the Carabinieri", "The Wounded Cuirassier", skabt i 1812-1814, af særlig interesse. Det sidste værk er bemærkelsesværdigt ved, at det blev præsenteret på den næste udstilling, der afholdes i Salonen samme år. Dette er dog ikke den største fordel ved sammensætningen. Endnu vigtigere viste det de ændringer, der er sket i kunstnerens kreative stil. Mens oprigtige patriotiske følelser blev afspejlet i hans første lærreder, i værkerne, der går tilbage til 1814, er patosen i skildringen af ​​helte erstattet af drama.

En lignende ændring i kunstnerens humør var igen forbundet med de begivenheder, der fandt sted i Frankrig på det tidspunkt. I 1812 blev Napoleon besejret i Rusland, i forbindelse med hvilken han, der engang var en strålende helt, blandt sine samtidige vinder ære af en uheldig militærleder og en arrogant arrogant mand. Ideelt set inkarnerer Gericault skuffelse i maleriet "The Wounded Cuirassier". Lærredet forestiller en såret kriger, der forsøger at forlade slagmarken så hurtigt som muligt. Han læner sig op ad en sabel – et våben, som han måske for bare et par minutter siden holdt og holdt det højt oppe.

Det var Gericaults utilfredshed med Napoleons politik, der dikterede hans indtræden i Ludvig XVIII's tjeneste, som overtog den franske trone i 1814. Pessimistiske følelser var også forbundet med det faktum, at Napoleon efter den anden magtovertagelse i Frankrig (perioden af ​​de Hundrede) Days), forlod den unge kunstner sit hjemland sammen med Bourbons. Men også her var han skuffet. Den unge mand kunne ikke roligt se, hvordan kongen ødelægger alt, hvad der blev opnået under Napoleons regeringstid. Derudover blev den feudal-katolske reaktion under Ludvig XVIII intensiveret, landet rullede i stigende grad tilbage og vendte tilbage til den gamle statsstruktur. Dette kunne ikke accepteres af en ung, progressiv person. Meget snart forlader den unge mand, efter at have mistet troen på idealerne, hæren, ledet af Louis XVIII, og tager igen pensler og maling op. Disse år kan ikke kaldes lyse og noget bemærkelsesværdigt i kunstnerens arbejde.

I 1816 tog Gericault på en rejse til Italien. Efter at have besøgt Rom og Firenze og studeret berømte mestres mesterværker, er kunstneren glad for monumentalt maleri. Michelangelos fresker, der pryder Det Sixtinske Kapel, er af særlig interesse for ham. På dette tidspunkt skabte Gericault værker, der i deres omfang og majestæt på mange måder ligner højrenæssancemalernes lærreder. Blandt dem er de mest interessante "Bortførelsen af ​​en nymfe af en kentaur" og "Manden, der vælter tyren."

De samme træk ved de gamle mestres maner er synlige i maleriet "The Run of Free Horses in Rome", skrevet omkring 1817 og repræsenterer rytternes konkurrence ved et af karnevalerne i Rom. Det ejendommelige ved denne komposition er, at den blev kompileret af kunstneren ud fra færdiglavede tegninger i fuld skala. Desuden adskiller skitsernes karakter sig markant fra stilen i hele værket. Hvis førstnævnte er scener, der beskriver romernes liv - kunstnerens samtidige, så giver den generelle komposition billeder af modige gamle helte, som om de kom ud af gamle fortællinger. Heri følger Gericault J.L. Davids vej, som for at give billedet af heroisk patos klædte sine helte i antikke former.

Kort efter at have skrevet dette maleri vendte Gericault tilbage til Frankrig, hvor han blev medlem af oppositionskredsen, der havde dannet sig omkring maleren Horace Vernet. Ved ankomsten til Paris var kunstneren især interesseret i grafik. I 1818 skabte han en række litografier over et militært tema, blandt hvilke den mest betydningsfulde var Tilbage fra Rusland. Litografien forestiller den franske hærs besejrede soldater, der vandrer over en snedækket mark. Figurer af mennesker, der er krøblet og tortureret af krigen, er skildret på en livagtig og sandfærdig måde. Kompositionen mangler patetik og heroisk patos, hvilket var typisk for Gericaults tidlige værker. Kunstneren søger at afspejle tingenes virkelige tilstand, alle de katastrofer, som de franske soldater, der blev forladt af deres kommandant, måtte udstå i et fremmed land.

I værket "Return from Russia" lød for første gang temaet om en persons kamp med døden. Men her er dette motiv endnu ikke udtrykt så klart som i Gericaults senere værker. Et eksempel på sådanne lærreder er et maleri kaldet "Medusas flåde". Den blev skrevet i 1819 og udstillet på Paris Salon samme år. Lærredet forestiller mennesker, der kæmper mod det rasende vandelement. Kunstneren viser ikke kun deres lidelse og pine, men også ønsket om med alle midler at gå sejrrigt ud i kampen mod døden.

Kompositionens plot er dikteret af en begivenhed, der fandt sted i sommeren 1816 og begejstrede hele Frankrig. Den dengang berømte fregat "Medusa" fløj ind i revene og sank ud for Afrikas kyst. Af de 149 personer på skibet var kun 15 i stand til at undslippe, blandt dem var kirurgen Savigny og ingeniøren Correar. Ved ankomsten til deres hjemland udgav de en lille bog, der fortalte om deres eventyr og deres lykkelige frelse. Det var fra disse minder, at franskmændene lærte, at ulykken skete på grund af en uerfaren skibskaptajns skyld, der kom om bord takket være protektion af en adelig ven.

Billederne skabt af Gericault er usædvanligt dynamiske, fleksible og udtryksfulde, hvilket kunstneren har opnået gennem langt og omhyggeligt arbejde. For sandfærdigt at skildre forfærdelige begivenheder på lærredet, for at formidle følelserne hos mennesker, der dør på havet, møder kunstneren øjenvidner til tragedien, i lang tid studerer han ansigterne på afmagrede patienter, der behandles på et af hospitalerne i Paris , samt sømænd, der formåede at flygte fra skibsvrag. På dette tidspunkt skabte maleren et stort antal portrætværker.

Det rasende hav er også fyldt med dyb mening, som om man forsøgte at sluge en skrøbelig træflåde med mennesker. Dette billede er ekstremt udtryksfuldt og dynamisk. Han var ligesom menneskers skikkelser afskrevet fra naturen: kunstneren lavede flere skitser, der skildrer havet under en storm. Under arbejdet med den monumentale komposition vendte Gericault mere end én gang til de skitser, der var udarbejdet tidligere for fuldt ud at afspejle elementernes natur. Derfor gør billedet et enormt indtryk på beskueren, overbeviser ham om realismen og sandfærdigheden af, hvad der sker.

Medusaflåden præsenterer Gericault som en bemærkelsesværdig mester i komposition. I lang tid overvejede kunstneren, hvordan man arrangerede figurerne på billedet for bedst muligt at udtrykke forfatterens hensigt. I løbet af arbejdet blev der foretaget flere ændringer. Skitserne forud for maleriet indikerer, at Gericault oprindeligt ønskede at skildre folks kamp på flåden med hinanden, men senere afviste en sådan fortolkning af begivenheden. I den endelige version repræsenterer lærredet det øjeblik, hvor allerede desperate mennesker ser skibet "Argus" i horisonten og rækker hænderne ud til det. Den sidste tilføjelse til billedet var en menneskelig figur placeret nedenfor, på højre side af lærredet. Det var hende, der var den sidste touch af kompositionen, som derefter fik en dybt tragisk karakter. Det er bemærkelsesværdigt, at denne ændring blev foretaget, da maleriet allerede var udstillet på Salonen.

Med sin monumentalitet og forhøjede følelsesmæssighed minder Gericaults maleri på mange måder om skabelsen af ​​højrenæssancemestrene (mest Michelangelos sidste dom), som kunstneren mødte under sin rejse til Italien.

Maleriet "The Raft of the Medusa", som blev et mesterværk af fransk maleri, var en stor succes i oppositionskredse, som så i det en afspejling af revolutionære idealer. Af samme grunde blev værket ikke accepteret blandt den højeste adel og officielle repræsentanter for den smukke kunst i Frankrig. Derfor blev maleriet på det tidspunkt ikke købt af staten af ​​forfatteren.

Skuffet over modtagelsen af ​​hans skabelse i sit hjemland, tog Gericault til England, hvor han præsenterede sit yndlingsværk for briternes hof. I London tog kunstkendere imod det berømte lærred med stor entusiasme.

Gericault kommer tæt på engelske kunstnere, der erobrer ham med deres evne til oprigtigt og sandfærdigt at skildre virkeligheden. Gericault vier en cyklus af litografier til livet og hverdagen i Englands hovedstad, blandt hvilke de mest interessante er de værker, der fik navnene "Great English Suite" (1821) og "Den gamle tigger dør ved døren til bageriet" " (1821). I sidstnævnte portrætterede kunstneren en vagabond fra London, i hvis billede de indtryk, som maleren modtog, blev afspejlet i processen med at studere menneskers liv i byens arbejderkvarterer.

Denne cyklus inkluderer også sådanne litografier som "The Blacksmith of Flanders" og "At the Gates of the Adelphin Shipyard", der præsenterer beskueren for et billede af livet for almindelige mennesker i London. Interessant i disse værker er billeder af heste, tunge og overvægtige. De adskiller sig markant fra de yndefulde og yndefulde dyr, der blev malet af andre kunstnere - samtidige med Gericault.

Mens han er i Englands hovedstad, er Gericault engageret i skabelsen af ​​ikke kun litografier, men også malerier. Et af de mest slående værker i denne periode var lærredet "Races in Epsom", skabt i 1821. På billedet skildrer kunstneren heste, der skynder sig i fuld fart, og deres fødder rører slet ikke jorden. Mesteren bruger denne snedige teknik (fotografiet har bevist, at heste ikke kan have en sådan stilling af deres ben, mens de løber, dette er kunstnerens fantasi) for at give kompositionen dynamik, for at skabe indtryk af lynhurtige bevægelser af hestene i seeren. Denne følelse forstærkes af den nøjagtige gengivelse af plasticiteten (stilling, bevægelser) af menneskelige figurer, såvel som brugen af ​​lyse og rige farvekombinationer (rød, bay, hvide heste; dyb blå, mørkerød, hvid-blå og gylden) -gule jakker af jockeyer) ...

Temaet hestevæddeløb, som længe har tiltrukket sig malerens opmærksomhed med sit særlige udtryk, blev gentaget mere end én gang i værkerne skabt af Gericault efter færdiggørelsen af ​​arbejdet med "Hestevæddeløb i Epsom".

I 1822 forlod kunstneren England og vendte tilbage til sit hjemland Frankrig. Her er han engageret i skabelsen af ​​store lærreder, der ligner værkerne af renæssancens mestre. Blandt dem er "Handel med sorte", "Åbning af dørene til inkvisitionens fængsel i Spanien." Disse malerier forblev ufærdige - døden forhindrede Gericault i at fuldføre arbejdet.

Af særlig interesse er portrætterne, hvis skabelse af kunstforskere tilskrives perioden fra 1822 til 1823. Historien om deres forfatterskab fortjener særlig opmærksomhed. Faktum er, at disse portrætter blev bestilt af en ven af ​​kunstneren, der arbejdede som psykiater på en klinik i Paris. De skulle blive en slags illustrationer, der demonstrerer forskellige psykiske sygdomme hos en person. Sådan blev portrætterne "Crazy old woman", "Crazy", "Crazy, imagining yourself a commander" malet. For malermesteren var det her vigtigt ikke så meget at vise de ydre tegn og symptomer på sygdommen, men at formidle den indre, mentale tilstand af en syg person. På lærrederne optræder tragiske billeder af mennesker foran beskueren, hvis øjne er fyldt med smerte og sorg.

Blandt portrætterne af Gericault indtager et portræt af en neger en særlig plads, som i øjeblikket er i samlingen af ​​Rouen-museet. En beslutsom og viljestærk person ser på beskueren fra lærredet, klar til at kæmpe til ende med kræfter, der er fjendtlige over for ham. Billedet er usædvanligt lyst, følelsesladet og udtryksfuldt. Personen på dette billede ligner meget de viljestærke helte, der tidligere blev vist af Gericault i store kompositioner (for eksempel på lærredet "The Raft of Medusa").

Gericault var ikke kun en malermester, men også en fremragende billedhugger. Hans værker i denne kunstform i begyndelsen af ​​det 19. århundrede var de første eksempler på romantiske skulpturer. Blandt sådanne værker er den usædvanligt udtryksfulde sammensætning "Nymph and Satyr" af særlig interesse. Billederne frosset i bevægelse formidler nøjagtigt den menneskelige krops plasticitet.

Théodore Gericault døde tragisk i 1824 i Paris, da han styrtede ned, mens han faldt fra en hest. Hans tidlige død var en overraskelse for alle samtidige af den berømte kunstner.

Gericaults arbejde markerede en ny fase i udviklingen af ​​maleriet ikke kun i Frankrig, men også i verdenskunsten - romantikkens periode. I sine værker overvinder mesteren indflydelsen fra klassicistiske traditioner. Hans værker er usædvanligt farverige og afspejler al naturens mangfoldighed. Ved at introducere menneskelige figurer i kompositionen stræber kunstneren efter at afsløre en persons indre oplevelser og følelser så fuldstændigt og levende som muligt.

Efter Gericaults død blev traditionerne for hans romantiske kunst taget op af kunstnerens yngre samtidige, E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, den berømte franske kunstner og grafiker, efterfølgeren af ​​romantikkens traditioner, der udviklede sig i Gericaults værk, blev født i 1798. Uden at have afsluttet sin uddannelse på Imperial Lyceum, indskrev Delacroix i 1815 studiet af den berømte mester Guerin. Imidlertid opfyldte den unge malers kunstneriske metoder ikke lærerens krav, derfor forlader den unge mand ham syv år senere.

Mens han studerer hos Guerin, bruger Delacroix meget tid på at studere Davids og renæssancens malermestres arbejde. Antikkens kultur, hvis traditioner David også fulgte, anser han for grundlæggende for udviklingen af ​​verdenskunsten. Derfor var de æstetiske idealer for Delacroix værker af digtere og tænkere i det antikke Grækenland, blandt dem satte kunstneren især stor pris på værkerne af Homer, Horace og Marcus Aurelius.

Delacroix' første værker var ufærdige lærreder, hvor den unge maler søgte at afspejle grækernes kamp med tyrkerne. Men kunstneren manglede dygtighed og erfaring til at skabe et udtryksfuldt maleri.

I 1822 udstillede Delacroix sit værk med titlen Dante og Virgil i Paris Salon. Dette lærred, usædvanligt følelsesladet og lyst i farven, minder på mange måder om Gericaults værk "Medusaflåden".

To år senere blev et andet maleri af Delacroix - "The Massacre on Chios" præsenteret for Salonens publikum. Det var i den, at kunstnerens mangeårige plan blev inkorporeret for at vise grækernes kamp med tyrkerne. Billedets overordnede komposition består af flere dele, som danner grupper af personer placeret hver for sig, som hver har sin dramatiske konflikt. Generelt giver værket indtryk af en dyb tragedie. Følelsen af ​​spænding og dynamik forstærkes af kombinationen af ​​glatte og skarpe linjer, der danner figurernes figurer, hvilket fører til en ændring i andelen af ​​den person, som er afbildet af kunstneren. Men det er takket være dette, at billedet får en realistisk karakter og vital overtalelsesevne.

Delacroix' kreative metode, fuldt ud udtrykt i "Massakren på Chios", er langt fra den klassiske stil, som dengang blev vedtaget i de officielle kredse i Frankrig og blandt repræsentanterne for den skønne kunst. Derfor blev billedet af den unge kunstner mødt med hård kritik på Salonen.

På trods af fiaskoen forbliver maleren tro mod sit ideal. I 1827 dukkede et andet værk op om temaet for det græske folks kamp for uafhængighed - "Grækenland på ruinerne af Missolonghi." Figuren af ​​en beslutsom og stolt græsk kvinde, afbildet på lærredet, personificerer her det uerobrede Grækenland.

I 1827 færdiggjorde Delacroix to værker, der afspejlede mesterens kreative søgninger inden for midler og metoder til kunstnerisk udtryk. Det er malerierne "Sardanapalus død" og "Marino Faliero". I den første af dem formidles situationens tragedie i menneskelige figurers bevægelse. Kun billedet af Sardanapalus selv er statisk og roligt. I kompositionen "Marino Faliero" er kun hovedpersonens figur dynamisk. Resten af ​​heltene så ud til at blive frosset af rædsel ved tanken om, hvad der skulle ske.

I 20'erne. XIX århundrede. Delacroix udførte en række værker, hvis plot er hentet fra berømte litterære værker. I 1825 besøgte kunstneren England, William Shakespeares hjemland. Samme år, under indtryk af denne rejse og tragedien af ​​den berømte dramatiker Delacroix, blev litografien "Macbeth" lavet. I perioden fra 1827 til 1828 skabte han litografien "Faust", dedikeret til værket af samme navn af Goethe.

I forbindelse med begivenhederne, der fandt sted i Frankrig i 1830, udførte Delacroix maleriet "Liberty Leading the People". Det revolutionære Frankrig præsenteres i billedet af en ung, stærk kvinde, dominerende, beslutsom og uafhængig, dristigt i spidsen for mængden, hvor figurerne af en arbejder, en studerende, en såret soldat, en parisisk gamine skiller sig ud (et billede, der forudså Gavroche, der senere optrådte i Les Miserables af V. Hugo).

Dette værk var markant anderledes end lignende værker af andre kunstnere, som kun var interesserede i den sandfærdige overførsel af denne eller hin begivenhed. De lærreder skabt af Delacroix var præget af høj heroisk patos. Billederne er her generaliserede symboler på det franske folks frihed og uafhængighed.

Med Louis Philippe - den borgerlige konges - kom til magten - heltemod og de høje følelser, som Delacroix prædikede, var der ingen plads i det moderne liv. I 1831 foretog kunstneren en rejse til afrikanske lande. Han besøgte Tanger, Meknes, Oran og Algeriet. Samtidig besøger Delacroix Spanien. Østens liv fascinerer bogstaveligt talt kunstneren med dets hurtige flow. Han laver skitser, tegninger og en række akvareller.

Efter at have besøgt Marokko, maler Delacroix lærreder dedikeret til østen. Malerierne, hvor kunstneren viser løbene eller slaget om de mauriske ryttere, er usædvanligt dynamiske og udtryksfulde. Til sammenligning virker kompositionen "Algeriske kvinder i deres kamre", skabt i 1834, rolig og statisk. Den mangler den ivrige dynamik og spænding, der er iboende i kunstnerens tidligere værker. Delacroix fremstår her som en farvemester. Farveskemaet, som maleren bruger i sin helhed, afspejler palettens lyse variation, som beskueren forbinder med østens farver.

Den samme afslappede og regelmæssighed er karakteristisk for maleriet "Jødisk bryllup i Marokko", malet omkring 1841. Her skabes den mystiske orientalske atmosfære takket være kunstnerens nøjagtige gengivelse af originaliteten af ​​det nationale interiør. Kompositionen virker overraskende dynamisk: Maleren viser, hvordan folk bevæger sig op ad trapperne og kommer ind i rummet. Lyset, der kommer ind i rummet, får billedet til at se realistisk og overbevisende ud.

Orientalske motiver var stadig til stede i Delacroix' værker i lang tid. På den udstilling, der blev arrangeret på Salonen i 1847, var fem ud af seks værker præsenteret af ham, som var helliget Østens liv og hverdag.

I 30-40'erne. I det 19. århundrede dukker nye temaer op i Delacroix' værk. På dette tidspunkt skaber mesteren værker med historiske temaer. Blandt dem fortjener lærrederne "Mirabeaus protest mod opløsningen af ​​staternes general" og "Boissy d'Angla" særlig opmærksomhed. Skitsen af ​​sidstnævnte, vist i 1831 på Salonen, er et levende eksempel på kompositioner med temaet folkeopstand.

Malerierne "Slaget ved Poitiers" (1830) og "Slaget ved Taibur" (1837) er dedikeret til skildringen af ​​folket. Kampens dynamik, menneskers bevægelse, deres raseri, vrede og lidelse vises her med al realisme. Kunstneren søger at formidle følelser og lidenskaber hos en person, der er grebet af et ønske om at vinde for enhver pris. Det er personernes figurer, der er de vigtigste til at formidle begivenhedens dramatiske karakter.

Meget ofte i Delacroix' værker er vinderen og de besejrede skarpe modsætninger til hinanden. Dette ses især tydeligt på lærredet "Corsfarernes erobring af Konstantinopel", malet i 1840. I forgrunden ses en gruppe mennesker, grebet af sorg. Bag dem er et dejligt, fortryllende landskab. Der er også skikkelser af sejrrige ryttere, hvis formidable silhuetter står i kontrast til de sørgmodige skikkelser i forgrunden.

"Korsfarernes indtagelse af Konstantinopel" præsenterer Delacroix som en bemærkelsesværdig kolorist. Lyse og rige farver forstærker dog ikke den tragiske begyndelse, som kommer til udtryk ved sørgmodige figurer placeret tæt på beskueren. Tværtimod skaber den rige palet følelsen af ​​en fejring afholdt til ære for vinderne.

Ikke mindre farverig er kompositionen "Trajans retfærdighed", skabt i samme 1840. Kunstnerens samtidige anerkendte dette billede som et af de bedste blandt alle malerens lærreder. Af særlig interesse er det faktum, at mesteren i løbet af sit arbejde eksperimenterer inden for farveområdet. Selv skyggerne antager forskellige nuancer fra ham. Alle farver i sammensætningen matcher nøjagtigt naturen. Udførelsen af ​​værket blev forudgået af lange observationer af maleren af ​​ændringerne i nuancer i naturen. Kunstneren skrev dem ind i sin dagbog. Så, ifølge optegnelserne, bekræftede videnskabsmænd, at opdagelserne gjort af Delacroix inden for tonalitet var fuldt ud i overensstemmelse med teorien om farve, der blev født på det tidspunkt, hvis grundlægger er E. Chevreuil. Derudover sammenligner kunstneren sine opdagelser med paletten, som den venetianske skole brugte, og som var et eksempel på billedfærdighed for ham.

Blandt Delacroix' lærreder indtager portrætter en særlig plads. Mesteren henvendte sig sjældent til denne genre. Han malede kun de mennesker, som han var fortrolig med i lang tid, hvis åndelige udvikling fandt sted foran kunstneren. Derfor er billederne i portrætterne meget udtryksfulde og dybe. Det er portrætterne af Chopin og Georges Sand. Lærredet, dedikeret til den berømte forfatter (1834), forestiller en ædel og viljestærk kvinde, der glæder sin samtid. Chopins portræt, malet fire år senere, i 1838, repræsenterer det poetiske og sjælfulde billede af den store komponist.

Et interessant og usædvanligt udtryksfuldt portræt af den berømte violinist og komponist Paganini, skrevet af Delacroix omkring 1831. Paganinis musikstil lignede på mange måder malerens malemetode. Paganinis værk er præget af det samme udtryk og intense følelsesmæssige, som var karakteristisk for malerens værker.

Landskaber indtager en lille plads i Delacroix' værk. De viste sig dog at have stor betydning for udviklingen af ​​fransk maleri i anden halvdel af 1800-tallet. Delacroix' landskaber er præget af ønsket om præcist at formidle naturens lette og undvigende liv. Levende eksempler på dette er lærrederne "Himmel", hvor følelsen af ​​dynamik skabes takket være snehvide skyer, der svæver på himlen, og "Havet synligt fra Dieppes kyster" (1854), hvor maleren mesterligt formidler lette sejlskibes glidning på havoverfladen.

I 1833 modtog kunstneren en ordre fra den franske konge om at male en sal i Bourbon-paladset. Arbejdet med skabelsen af ​​det monumentale værk varede i fire år. Ved opfyldelsen af ​​ordren blev maleren primært styret af, at billederne var ekstremt enkle og lakoniske, forståelige for beskueren.
Det sidste værk af Delacroix var maleriet af de hellige engles kapel i Saint-Sulpice-kirken i Paris. Det blev udført i perioden fra 1849 til 1861. Ved hjælp af lyse, rige farver (pink, lys blå, lilla, placeret på en askeblå og gulbrun baggrund) skaber kunstneren en glædelig stemning i kompositionerne, der gør beskueren føle henrykt glæde. Landskabet, der indgår i maleriet "Uddrivelsen af ​​Iliodor fra templet" som en slags baggrund, forstørrer visuelt rummet i kompositionen og kapellet. På den anden side introducerer Delacroix, som om han forsøger at understrege rummets lukkethed, en trappe og en balustrade i kompositionen. Figurerne af mennesker placeret bagved ser ud til at være næsten flade silhuetter.

Eugene Delacroix døde i 1863 i Paris.

Delacroix var den mest uddannede af malerne i første halvdel af det 19. århundrede. Mange emner i hans malerier er hentet fra de litterære værker af berømte pennemestre. Et interessant faktum er, at kunstneren oftest malede sine karakterer uden at bruge en model. Han stræbte efter at lære sine tilhængere det samme. Ifølge Delacroix er maleri noget mere komplekst end den primitive kopiering af linjer. Kunstneren mente, at kunst primært ligger i evnen til at udtrykke mesterens stemning og kreative intention.

Delacroix er forfatter til flere teoretiske værker om spørgsmålene om kunstnerens farve, metode og stil. Disse værker tjente som et fyrtårn for malere fra efterfølgende generationer i deres søgen efter deres egne kunstneriske midler, der blev brugt til at skabe kompositioner.

Romantikken(Romantikken) er en ideologisk og kunstnerisk tendens, der opstod i den europæiske og amerikanske kultur i slutningen af ​​det 18. århundrede - første halvdel af det 19. århundrede, som en reaktion på klassicismens æstetik. Oprindeligt dannet (1790'erne) i filosofi og poesi i Tyskland, og senere (1820'erne) spredt til England, Frankrig og andre lande. Han forudbestemte kunstens sidste udvikling, selv de retninger, der stod ham imod.

Frihed til selvudfoldelse, øget opmærksomhed på individuelle, unikke menneskelige træk, naturlighed, oprigtighed og afslappethed, som erstattede efterligningen af ​​de klassiske modeller fra det 18. århundrede, blev nye kriterier i kunsten. Romantikerne afviste oplysningstidens rationalisme og praktiske karakter som mekanistisk, upersonlig og kunstig. I stedet prioriterede de følelsesmæssigheden af ​​udtryk, inspiration.

Da de følte sig fri fra det faldende system af aristokratisk regering, stræbte de efter at udtrykke deres nye synspunkter, afsløret af dem sandheden. Deres plads i samfundet har ændret sig. De fandt deres læsere blandt den voksende middelklasse, klar til følelsesmæssigt at støtte og endda bøje sig for kunstneren - et geni og en profet. Tilbageholdenhed og ydmyghed blev afvist. De blev erstattet af stærke følelser, der ofte nåede ekstremer.

Unge mennesker var især påvirket af romantikken, efter at have fået muligheden for at studere og læse meget (hvilket er lettet af den hurtige udvikling af trykning). Hun er inspireret af ideerne om individuel udvikling og selvforbedring, idealiseringen af ​​personlig frihed i verdensbilledet, kombineret med afvisningen af ​​rationalisme. Personlig udvikling blev sat over standarderne for et forfængeligt og allerede falmende aristokratisk samfund. De uddannede unges romantik ændrede det europæiske klassesamfund og markerede begyndelsen på fremkomsten af ​​en uddannet "middelklasse" i Europa. Og billedet" Vandrer over tågehavet"med god grund kan kaldes et symbol på romantikkens periode i Europa.

Nogle romantikere vendte sig til mystiske, gådefulde, endda forfærdelige, folketro, eventyr. Romantikken var til dels forbundet med demokratiske, nationale og revolutionære bevægelser, selvom den franske revolutions "klassiske" kultur faktisk bremsede romantikkens ankomst til Frankrig. På dette tidspunkt opstod flere litterære bevægelser, hvoraf de vigtigste var "Stormen og stormen" i Tyskland, primitivismen i Frankrig, ledet af Jean-Jacques Rousseau, en gotisk roman, interesse for det sublime, ballader og gamle romancer ( hvorfra der faktisk var udtrykket "romantik"). Inspirationskilden for tyske forfattere, Jena-skolens teoretikere (brødrene Schlegel, Novalis m.fl.), som erklærede sig for romantikere, var Kants og Fichtes transcendentale filosofi, som satte sindets kreative muligheder i højsædet. Disse nye ideer trængte takket være Coleridge ind i England og Frankrig og bestemte også udviklingen af ​​amerikansk transcendentalisme.

Romantikken begyndte således som en litterær bevægelse, men havde en betydelig indflydelse på musikken og mindre på maleriet. I billedkunsten viste romantikken sig tydeligst i maleri og grafik, mindre i arkitektur. I det 18. århundrede var kunstnernes foretrukne motiver bjerglandskaber og maleriske ruiner. Dens hovedtræk er dynamisk sammensætning, volumetrisk rumlighed, rig farve, chiaroscuro (for eksempel værker af Turner, Gericault og Delacroix). Andre romantiske kunstnere omfatter Fuseli og Martin. Prærafaelitternes kreativitet og den nygotiske stil i arkitekturen kan også ses som en manifestation af romantikken.

Eksamens essay

Tema:"Romantikken som en trend i kunsten".

Udført elev 11 "B" klasse skole №3

Boyprav Anna

Verdenskunstlektor

kultur Butsu T.N.

Brest 2002

1. Introduktion

2. Årsagerne til fremkomsten af ​​romantikken

3. Romantikkens hovedtræk

4. Romantisk helt

5. Romantik i Rusland

a) Litteratur

b) Maleri

c) Musik

6. Vesteuropæisk romantik

et maleri

b) Musik

7. Konklusion

8. Referencer

1. INTRODUKTION

Hvis du kigger i den forklarende ordbog over det russiske sprog, kan du finde flere betydninger af ordet "romantik": 1. Tendensen i litteratur og kunst i det første kvartal af det 19. århundrede, præget af idealisering af fortiden, isolation fra virkelighed, personlighedsdyrkelse og menneske. 2. En trend inden for litteratur og kunst, gennemsyret af optimisme og ønsket om i levende billeder at vise en persons høje formål. 3. Stemning, gennemsyret af idealisering af virkeligheden, drømmende kontemplation.

Som det kan ses af definitionen, er romantikken et fænomen, der manifesterer sig ikke kun i kunst, men også i adfærd, påklædning, livsstil, psykologi hos mennesker og opstår ved livets vendepunkter, derfor er emnet romantik relevant i dag. Vi lever ved århundredeskiftet, vi er i en overgangsfase. I den forbindelse er der i samfundet mangel på tro på fremtiden, mangel på tillid til idealer, der er et ønske om at flygte fra den omgivende virkelighed ind i ens egne erfaringers verden og samtidig begribe den. Det er disse træk, der er karakteristiske for romantisk kunst. Derfor valgte jeg emnet ”Romantikken som retning i kunsten” til forskning.

Romantikken er et meget stort lag af forskellige typer kunst. Formålet med mit arbejde er at spore oprindelsesforholdene og årsagerne til romantikkens opståen i forskellige lande, at undersøge romantikkens udvikling i kunstformer som litteratur, maleri og musik og sammenligne dem. Hovedopgaven for mig var at fremhæve romantikkens hovedtræk, karakteristiske for alle typer kunst, for at afgøre hvilken indflydelse romantikken havde på udviklingen af ​​andre kunsttendenser.

Da jeg udviklede emnet, brugte jeg lærebøger om kunst af forfattere som Filimonova, Vorotnikov osv., encyklopædier, monografier dedikeret til forskellige forfattere fra den romantiske æra, biografiske materialer af forfattere som Aminskaya, Atsarkina, Nekrasov osv.

2. ÅRSAGER TIL ROMANCE

Jo tættere vi er på moderniteten, jo kortere bliver tidsperioderne for dominansen af ​​en bestemt stilart. Tidsperiode fra slutningen af ​​det 18. til den 1. tredjedel af det 19. århundrede. anses for at være romantikkens æra (fra den franske romantik; noget mystisk, mærkeligt, uvirkeligt)

Hvad påvirkede fremkomsten af ​​en ny stil?

Det er tre hovedbegivenheder: Den Store Franske Revolution, Napoleonskrigene, fremkomsten af ​​den nationale befrielsesbevægelse i Europa.

Paris' torden gav genlyd i hele Europa. Sloganet "Frihed, lighed, broderskab!" besad en enorm tiltrækningskraft for alle europæiske folk. Med dannelsen af ​​borgerlige samfund begyndte arbejderklassen at handle imod den feudale orden som en selvstændig kraft. De tre klassers modsatrettede kamp - adelen, bourgeoisiet og proletariatet - dannede grundlaget for den historiske udvikling i det 19. århundrede.

Napoleons skæbne og hans rolle i europæisk historie i 2 årtier, 1796-1815, optog hans samtidiges sind. "Tankernes hersker" - sagde A.S. Pushkin.

For Frankrig var det år med storhed og herlighed, dog på bekostning af tusindvis af franskmænds liv. Italien så Napoleon som sin befrier. Polakkerne satte store forhåbninger til ham.

Napoleon optrådte som en erobrer, der handlede i det franske bourgeoisies interesser. For europæiske monarker var han ikke kun en militær fjende, men også en repræsentant for bourgeoisiets fremmede verden. De hadede ham. I begyndelsen af ​​Napoleonskrigene i hans "store hær" var der mange direkte deltagere i revolutionen.

Napoleons personlighed var fænomenal. Den unge mand Lermontov reagerede på 10-årsdagen for Napoleons død:

Han er fremmed for verden. Alt ved ham var hemmeligt

En dag med stigning - og en times fald!

Denne hemmelighed tiltrak sig især romantikernes opmærksomhed.

I forbindelse med Napoleonskrigene og modningen af ​​national selvbevidsthed var denne periode præget af fremkomsten af ​​den nationale befrielsesbevægelse. Tyskland, Østrig, Spanien kæmpede mod Napoleons besættelse, Italien - mod det østrigske åg, Grækenland - mod Tyrkiet, i Polen kæmpede de mod russisk tsarisme, Irland - mod briterne.

En generation var vidne til en overraskende forandring.

Frankrig sydede mest af alt: Den franske revolutions stormfulde fem år, Robespierres opkomst og fald, Napoleon-kampagnerne, Napoleons første abdikation, hans tilbagevenden fra øen Elba ("et hundrede dage") og den sidste

nederlaget ved Waterloo, det dystre 15-års jubilæum for genopretningsregimet, julirevolutionen i 1860, februarrevolutionen i 1848 i Paris, som udløste en revolutionær bølge i andre lande.

I England, som følge af en industriel revolution i 2. halvdel af det 19. århundrede. maskinproduktion og kapitalistiske relationer blev solidt etableret. Folketingsreformen i 1832 ryddede borgerskabets vej til statsmagten.

Feudale herskere beholdt magten på landene i Tyskland og Østrig. Efter Napoleons fald behandlede de oppositionen hårdt. Men selv på tysk jord blev et damplokomotiv bragt fra England i 1831 en faktor i den borgerlige fremgang.

Industrielle revolutioner, politiske revolutioner ændrede Europas ansigt. "Borgeoisiet har på mindre end hundrede år af dets klassestyre skabt flere talrige og grandiose produktive kræfter end alle tidligere generationer tilsammen," skrev de tyske videnskabsmænd Marx og Engels i 1848.

Så den store franske revolution (1789-1794) markerede en særlig milepæl, der adskilte den nye æra fra oplysningstiden. Det var ikke kun statsformerne, der ændrede sig, samfundets sociale struktur, klassernes indretning. Hele systemet af repræsentationer, oplyst i århundreder, blev rystet. Pædagogerne forberedte revolutionen ideologisk. Men de kunne ikke forudse alle dets konsekvenser. "Fornuftens rige" fandt ikke sted. Revolutionen, som forkyndte individets frihed, gav anledning til den borgerlige orden, erhvervelsens og selviskhedens ånd. Dette var det historiske grundlag for udviklingen af ​​den kunstneriske kultur, som anlagde en ny retning - romantikken.

3. ROMANTIKKENS VIGTIGSTE FUNKTIONER

Romantikken som metode og retning i kunstnerisk kultur var et komplekst og selvmodsigende fænomen. I alle lande havde han et levende nationalt udtryk. I litteratur, musik, maleri og teater er det ikke let at finde træk, der forener Chateaubriand og Delacroix, Mickiewicz og Chopin, Lermontov og Kiprensky.

Romantikere indtog forskellige sociale og politiske positioner i samfundet. De gjorde alle oprør mod resultaterne af den borgerlige revolution, men de gjorde oprør på forskellige måder, da hver havde sit eget ideal. Men trods al den mangesidige og mangfoldighed har romantikken stabile træk.

Skuffelse i moderniteten gav anledning til en særlig interesse for fortiden: til førborgerlige samfundsformationer, til patriarkalsk oldtid. Mange romantikere var præget af tanken om, at den maleriske eksotisme i landene i syd og øst - Italien, Spanien, Grækenland, Tyrkiet - er en poetisk kontrast til den kedelige borgerlige hverdag. I disse lande, der dengang stadig var lidt påvirket af civilisationen, ledte romantikerne efter lyse, stærke karakterer, en original, farverig livsstil. Interessen for den nationale fortid gav anledning til en masse historiske værker.

I et forsøg på at hæve sig, som det var, over livets prosa, for at frigøre individets forskelligartede evner, for maksimalt at selvaktualisere i kreativitet, modsatte romantikerne sig formaliseringen af ​​kunsten og den ligefremt velovervejede tilgang til den, der ligger i klassicismen. . De kom alle fra benægtelse af oplysningstiden og klassicismens rationalistiske kanoner, som lænkede kunstnerens kreative initiativ.Og hvis klassicismen deler alt i en lige linje, i dårligt og godt, i sort og hvidt, så deler romantikken intet i en lige linje. Klassicismen er et system, men romantikken er det ikke. Romantikken drev fremskridtet i moderne tid fra klassicisme til sentimentalisme, som viser en persons indre liv i harmoni med den enorme verden. Og romantikken modsætter harmoni til den indre verden. Det er med romantikken, at ægte psykologisme begynder at dukke op.

Romantikkens hovedopgave var billede af den indre verden, åndeligt liv, og det kunne gøres på baggrund af historier, mystik mv. Det var nødvendigt at vise paradokset i dette indre liv, dets irrationalitet.

I deres fantasi forvandlede romantikerne den grimme virkelighed eller gik ind i deres oplevelsers verden. Gabet mellem drøm og virkelighed, den smukke fiktions modsætning til objektiv virkelighed, lå i centrum for hele den romantiske bevægelse.

For første gang stiller romantikken problemet med kunstens sprog. ”Kunst er et sprog af en helt anden art end naturen; men den rummer også den samme mirakuløse kraft, der lige så hemmeligt og uforståeligt påvirker den menneskelige sjæl” (Wackenroder og Thicke). En kunstner er en fortolker af naturens sprog, en formidler mellem åndens verden og mennesker. ”Takket være kunstnerne fremstår menneskeheden som en integreret individualitet. Kunstnere forener gennem nutiden den tidligere verden med den fremtidige verden. De er det højeste åndelige organ, hvori deres ydre menneskeligheds vitale kræfter møder hinanden, og hvor den indre menneskelighed først og fremmest viser sig” (F. Schlegel).

Den opstod i slutningen af ​​det 18. århundrede, men nåede sin største opblomstring i 1830'erne. Fra begyndelsen af ​​1850'erne begyndte perioden at falde, men dens tråde strækker sig gennem hele 1800-tallet og danner grundlag for tendenser som symbolisme, dekadence og nyromantik.

Romantikkens fremkomst

Europa, især England og Frankrig, betragtes som retningens fødested, deraf navnet på denne kunstneriske retning - "romantisme". Dette forklares med, at romantikken i det 19. århundrede opstod som en konsekvens af den store franske revolution.

Revolutionen ødelagde alt det tidligere eksisterende hierarki, blandede samfund og sociale lag. Manden begyndte at føle sig ensom og begyndte at søge trøst i spil og anden underholdning. På den baggrund opstod ideen om, at alt liv er et spil, hvor der både er vindere og tabere. Hovedpersonen i hvert romantisk værk er en person, der leger med skæbnen, med skæbnen.

Hvad er romantik

Romantikken er alt, hvad der kun findes i bøger: uforståelige, utrolige og fantastiske fænomener, på samme tid forbundet med personlighedens hævdelse gennem dens åndelige og kreative liv. For det meste udspiller begivenheder sig på baggrund af udtalte lidenskaber, alle helte har udtalte karakterer, de er ofte udstyret med en oprørsk ånd.

Forfattere fra romantikkens æra understreger, at hovedværdien i livet er en persons personlighed. Hver person er en separat verden fuld af fantastisk skønhed. Det er derfra, at al inspiration og høje følelser hentes, og også en tendens til idealisering viser sig.

Ifølge romanforfattere er idealet et flygtigt begreb, men ikke desto mindre har det ret til at eksistere. Idealet er ud over det sædvanlige, derfor står hovedpersonen og hans ideer direkte i modsætning til hverdagsforhold og materielle ting.

Karakteristiske træk

Romantikkens ejendommeligheder er som de er i hovedideerne og konflikterne.

Hovedideen med næsten hvert stykke er den konstante bevægelse af helten i det fysiske rum. Denne kendsgerning afspejler så at sige sjælens forvirring, hans kontinuerligt flydende refleksioner og på samme tid ændringer i verden omkring ham.

Ligesom mange kunstneriske bevægelser har romantikken sine egne konflikter. Her er hele konceptet baseret på hovedpersonens komplekse forhold til omverdenen. Han er meget egocentrisk og gør samtidig oprør mod virkelighedens basale, vulgære, materielle objekter, som på den ene eller anden måde viser sig i karakterens handlinger, tanker og ideer. Følgende litterære eksempler på romantikken kommer tydeligst til udtryk i denne forbindelse: Childe Harold - hovedpersonen fra "Childe Harolds pilgrimsrejse" af Byron og Pechorin - fra "A Hero of Our Time" af Lermontov.

Hvis vi opsummerer alt ovenstående, viser det sig, at grundlaget for et sådant arbejde er kløften mellem virkeligheden og den idealiserede verden, som har meget skarpe kanter.

Romantikken i europæisk litteratur

Den europæiske romantik fra det 19. århundrede er bemærkelsesværdig ved, at de fleste af dens værker har et fantastisk grundlag. Det er talrige fantastiske legender, noveller og historier.

De vigtigste lande, hvor romantikken som litterær tendens manifesterede sig mest udtryksfuldt, er Frankrig, England og Tyskland.

Dette kunstneriske fænomen har flere stadier:

1. 1801-1815 år. Begyndelsen på dannelsen af ​​romantisk æstetik.
2. 1815-1830 år. Dannelsen og blomstringen af ​​strømmen, definitionen af ​​de vigtigste postulater i denne retning.
3. 1830-1848 år. Romantikken antager mere sociale former.

Hvert af de ovennævnte lande har ydet sit eget særlige bidrag til udviklingen af ​​dette kulturelle fænomen. I Frankrig havde romantikeren mere politiske overtoner, forfatterne var fjendtlige over for det nye borgerskab. Dette samfund ødelagde ifølge franske ledere individets integritet, dets skønhed og åndsfrihed.

I engelske legender har romantikken eksisteret længe, ​​men indtil slutningen af ​​1700-tallet stod den ikke som en særskilt litterær bevægelse. Engelske værker, i modsætning til franske, er fyldt med gotik, religion, national folklore, bondekultur og arbejdersamfund (inklusive åndelige). Derudover er engelsk prosa og tekster fyldt med rejser til fjerne lande og udforskning af fremmede lande.

I Tyskland blev romantikken som litterær bevægelse dannet under indflydelse af idealistisk filosofi. Fundamentet var individualitet og undertrykt af feudalismen, såvel som opfattelsen af ​​universet som et enkelt levende system. Næsten ethvert tysk værk er gennemsyret af refleksioner over menneskets eksistens og dets ånds liv.

Europa: eksempler på værker

Følgende litterære værker betragtes som de mest bemærkelsesværdige europæiske værker i romantikkens ånd:

Afhandling "Genius of Christianity", historier "Atala" og "Rene" af Chateaubriand;

Romanerne "Delfin", "Corinna eller Italien" af Germaine de Stael;

Romanen "Adolphe" af Benjamin Constant;

Romanen "Århundredes søns bekendelser" af Musset;

Romanen "Saint-Mar" af Vigny;

Manifest "Forord" til værket "Cromwell", roman "Notre Dame Cathedral" af Hugo;

Drama "Henry III and His Court", en række romaner om musketererne, "Greven af ​​Monte Cristo" og "Dronning Margot" af Dumas;

Romanerne Indiana, The Wandering Apprentice, Horace, Consuelo af Georges Sand;

Manifest "Racine og Shakespeare" af Stendhal;

Coleridges digte Den gamle sømand og Christabel;

- "Orientalske digte" og "Manfred" af Byron;

Samlede Værker af Balzac;

Romanen "Ivanhoe" af Walter Scott;

Eventyret "Hyacint og rosen", romanen "Heinrich von Ofterdingen" af Novalis;

Samlinger af noveller, eventyr og romaner af Hoffmann.

Romantik i russisk litteratur

Russisk romantik i det 19. århundrede blev født under direkte indflydelse af vesteuropæisk litteratur. Men på trods af dette havde den sine egne karakteristiske træk, som blev sporet selv i tidligere perioder.

Dette kunstneriske fænomen i Rusland afspejlede fuldt ud al ledernes og revolutionærenes fjendtlighed over for det herskende bourgeoisi, især over for dets levevis - uhæmmet, umoralsk og grusom. Russisk romantik i det 19. århundrede var et direkte resultat af oprørske følelser og forventning om vendepunkter i landets historie.

I datidens litteratur er der to retninger: psykologisk og civil. Den første var baseret på beskrivelse og analyse af følelser og oplevelser, den anden - på fremme af kampen mod det moderne samfund. Den generelle og hovedtanke for alle romanforfattere var, at en digter eller forfatter skulle opføre sig i overensstemmelse med de idealer, som han beskrev i sine værker.

Rusland: eksempler på værker

De mest slående eksempler på romantik i litteraturen i Rusland i det XIX århundrede er:

Romaner "Ondine", "Prisoner of Chillon", ballader "Skovzar", "Fisker", "Lenora" af Zhukovsky;

Værker "Eugene Onegin", "Spadedronningen" af Pushkin;

- "Natten før jul" af Gogol;

- "A Hero of Our Time" af Lermontov.

Romantik i amerikansk litteratur

I Amerika modtog retningen en lidt senere udvikling: dens indledende fase stammer fra 1820-1830, den efterfølgende - 1840-1860 år af XIX århundrede. Begge stadier var usædvanligt påvirket af borgerlig uro både i Frankrig (som tjente som drivkraften til skabelsen af ​​USA) og direkte i selve Amerika (uafhængighedskrigen fra England og krigen mellem nord og syd).

Kunstneriske tendenser i amerikansk romantik er repræsenteret af to typer: abolitionisten, der gik ind for befrielsen fra slaveriet, og orientaleren, der idealiserede plantage.

Amerikansk litteratur fra denne periode er baseret på en nytænkning af viden og genrer hentet fra Europa og blandet med en ejendommelig livsstil og livstempo på et stadig nyt og lidet kendt kontinent. Amerikanske værker er rigt tilsmagt med nationale intonationer, en følelse af uafhængighed og kampen for frihed.

Amerikansk romantik. Eksempler på værker

Cykel "Alhambra", historier "The Ghost Groom", "Rip Van Winkle" og "The Legend of Sleepy Hollow" af Washington Irving;

The Last of the Mohicans af Fenimore Cooper;

Digtet "The Raven", historierne "Ligeia", "The Golden Beetle", "The Fall of the House of Usher" og andre af E. Alan Poe;

Romanerne "The Scarlet Letter" og "The House of Seven Gables" af Gorton;

Melvilles romaner Typee og Moby Dick;

Onkel Toms hytte af Harriet Beecher Stowe;

Poetisk tilpassede legender om "Evangeline", "Song of Hiawatha", "The Courtship of Miles Standish" af Longfellow;

Whitman's Leaves of Grass-samling;

Komposition "Woman in the Nineteenth Century" af Margaret Fuller.

Romantikken som litterær bevægelse havde en ret stærk indflydelse på musikalsk, teatralsk kunst og maleri - det er tilstrækkeligt at minde om de talrige forestillinger og malerier fra datiden. Dette skete hovedsageligt på grund af sådanne kvaliteter af retningen som høj æstetik og følelsesmæssighed, heroisme og prætentiøsitet, ridderlighed, idealisering og humanisme. På trods af at romantikkens århundrede var kort nok, påvirkede dette ikke på nogen måde populariteten af ​​bøger skrevet i det 19. århundrede, i de følgende årtier - værker af litterær kunst fra den periode er elsket og æret af offentligheden til dette dag.