Mikä on draaman määritelmä? Draama kirjallisena suvuna
Draama on kirjallinen suku (yhdessä eeppisen ja lyyrisen runon kanssa), joka edellyttää taiteellisen maailman luomista näytelmän lavalle. Kuten eeppinen, se toistaa objektiivisen maailman, ts. Ihmiset, asiat, luonnonilmiöt.
HAHMON LUONTEENPIIRTEET
1. Draama on antiikin tyyppinen kirjallisuus, samasta antiikista sen tärkein ero muihin tulee - synkretismi, kun eri taiteen tyypit yhdistetään yhdeksi (muinaisen luovuuden synkretismi - taiteellisen sisällön ja taian, mytologian, moraalin yhtenäisyydessä).
2. Dramaattiset teokset ovat ehdollisia.
Puškini sanoi: "Kaikista teoksista epätodennäköisimmät ovat dramaattiset."
3. Draaman ytimessä on konflikti, tapahtuman toteuttama toiminta. Juoni muodostuu ihmisten tapahtumista ja toiminnasta.
4. Draaman kuin kirjallisen suvun erityisyys koostuu taiteellisen puheen erityisestä organisoinnista: toisin kuin eepos, draamassa ei kerrota ja sankarien, heidän vuoropuhelujensa ja monologiensa suora puhe on ensiarvoisen tärkeää.
Draama ei ole vain sanallinen (vihje "sivulle"), vaan myös lavastettu toiminta, siksi hahmojen puhe on tärkeä (vuoropuhelut, monologit). Jo muinaisessa tragediassa kuoroilla oli tärkeä rooli (laulaen kirjoittajan mielipiteen), ja klassikoissa tämä rooli oli resonaattoreilla.
"Et voi olla näytelmäkirjailija ilman kaunopuheisuutta" (Diderot).
"Hyvässä näyttelmässä toimivien tulee puhua aforismeissa. Tämä perinne on jatkunut jo kauan" (M. Gorky).
5. Dramaattisessa teoksessa oletetaan pääsääntöisesti lavatehosteet, toiminnan nopeus.
6. Erityinen draamahahmo: epätavallinen (tietoiset aikomukset, muodostuneet ajatukset), vallitseva hahmo, toisin kuin eepos.
7. Dramaattisten teosten tilavuus on pieni.
Bunin huomautti tässä yhteydessä: "Sinun on puristettava ajatus tarkkoihin muotoihin. Mutta tämä on niin jännittävää!"
8. Draamaan luodaan illuusio kirjoittajan täydellisestä poissaolosta. Kirjailijan draaman puheesta jäljelle jää vain huomautuksia - tekijän lyhyet ohjeet toiminnan paikasta ja ajasta, ilmeistä, intonaatiosta jne.
9. Hahmojen käyttäytyminen on teatraalista. Elämässä he eivät käyttäytyy niin, eivätkä sanokaan.
Muistakaamme Sobakevichin vaimon luonnoton luonne: ”Feodulia Ivanovna pyysi istumaan ja sanoi myös:“ Ole hyvä! ”Ja teki liikkeen päällään, kuten kuningattareita edustavat näyttelijät. Sitten hän istui sohvalle, peitti itsensä merino-nenäliinallaan eikä liikuttanut enää silmäänsä tai kulmakarvaaan, ei nenää. "
KAIKKI DRAMATTISEN TYÖN ALUSTEN PERUSTAVA JÄRJESTELMÄ: ALTISTUMINEN - sankarien edustaminen; LINKING - törmäys; TOIMINNAN KEHITTÄMINEN - kohtauskokonaisuus, idean kehittäminen; KULMOINTI - konfliktin apogee; RELEASE.
Kirjallisuuden dramaattisella lajityypillä on kolme päälajia: tragedia, komedia ja draama sanan suppeassa merkityksessä, mutta se sisältää myös sellaisia \u200b\u200bgenrejä kuin vaudeville, melodrama ja tragicomedy.
Tragedia (kreikkalainen tragoidia, kirjaimellisesti - vuohenlaulu) on "dramaattinen genre, joka perustuu sankaritarien traagiseen törmäykseen, sen traagiseen lopputulokseen ja täynnä patosuutta ..."
Tragedia kuvaa todellisuutta joukkona sisäisiä ristiriitoja, se paljastaa todellisuuden ristiriidat erittäin kireässä muodossa. Tämä on dramaattinen teos, joka perustuu yhteensovittamattomaan elämäkonfliktiin, joka johtaa sankarin kärsimykseen ja kuolemaan. Joten törmäyksessä rikollisuuden, valheiden ja tekopyhyyden kanssa, edistyneiden humanististen ihanteiden haltija, Tanskan prinssi Hamlet, W. Shakespearen saman nimisen tragedian sankari, kuolee traagisesti. Traagisten sankarien käymässä taistelussa ihmisen hahmon sankarit ilmenevät suurella täyteydellä.
Tragedian lajilla on pitkä historia. Se syntyi uskonnollisista kultti-riitoista, oli myytin vaiheellista toteuttamista. Teatterin tultua tragedia sai muotoilun itsenäiseksi draamataiteen genreksi. Tragedioiden tekijät olivat antiikin Kreikan näytelmäkirjailijoita 5. vuosisadalla. BC e. Sophocles, Euripides, Aeschylus, jotka jättivät täydelliset esimerkit. Ne heijastivat heimojärjestelmän perinteiden traagisia ristiriitoja uuden sosiaalisen järjestyksen kanssa. Näiden ristiriitojen havaitsivat ja kuvasivat näytelmäkirjailijat pääasiassa mytologisesta aineistosta. Muinaisen tragedian sankari joutui itsensä vetämään liukenemattomaan konfliktiin joko keisarillisen kohtalon (kohtalon) taholta tai jumalten tahdosta. Joten tragedian sankari Aeschylus "Prometheus Chained" kärsii, koska hän loukkasi Zeuksen tahtoa, kun hän antoi tulta ihmisille ja opetti heille käsityötä. Sophoclesin "Kuningas Oidipuksen" tragediassa sankari on tuomittu parricideksi, menemään naimisiin oman äitinsä kanssa. Muinainen tragedia koostui yleensä viidestä teosta ja se rakennettiin "kolmen yhtenäisyyden" - paikan, ajan, toiminnan - mukaisesti. Tragediat kirjoitettiin jakeessa, ja ne erottuivat puheellisuudesta, sen sankari oli "pitkä sankari".
Komedia, kuten tragedia, sai alkunsa muinaisesta Kreikasta. Muinaiskreikkalaista näytelmäkirjailijaa Aristophanesia (5.-4. Vuosisataa eKr.) Pidetään komedian "isänä". Hän pilkkaa teoksissaan Athenian aristokratian ahneutta, verenhimoisuutta ja moraalittomuutta, taisteli rauhanomaisen patriarkaalisen elämän puolesta ("Ratsastajat", "Pilvet", "Lysistratus", "Sammakot").
Venäjällä kansankomedia on ollut olemassa jo pitkään. Venäjän valaistumisen erinomainen koomikko oli D.N. Fonvizin. Hänen komediasa "Minor" pilkaisi armottomasti Prostakovin perheessä hallitsevaa "villiä herroja". Kirjoitti komedioita I.A. Krylov ("Oppiaihe tyttäreille", "Muotikauppa") hauskaakseen ulkomaalaisten ihailua.
XIX luvulla. näytteet satiirisesta, sosiaalisesti realistisesta komediasta on luonut A.S. Griboyedov ("Voi nokkeluudesta"), N.V. Gogol ("yleinen tarkastaja"), A.N. Ostrovsky ("Kannattava paikka", "Ihmisemme - meitä numeroidaan" jne.). Jatkamalla N. Gogolin perinteitä, A. Sukhovo-Kobylin trilogiassaan ("Krechinsky's Wedding", "Delo", "Tarelkinin kuolema") osoitti, kuinka byrokratia "kevensi" koko Venäjää ja toi hänen ongelmansa verrattavana tatarin aiheuttamiin vahinkoihin. Mongolien ike ja Napoleonin hyökkäys. Komediat M.E. Saltykov-Shchedrin (Pazukhinin kuolema) ja A.N. Tolstoi ("valaistumisen hedelmät"), joka lähestyi tietyllä tavalla tragediaa (ne sisältävät tragikologian elementtejä).
Tragikomedia torjuu komedian ja tragedian moraalisen ehdoton. Sen taustalla olevan maailman käsitys liitetään olemassa olevien elämäkriteerien suhteellisuustunteeseen. Moraalisten periaatteiden yliarviointi johtaa epävarmuuteen ja jopa luopumiseen niistä; subjektiiviset ja objektiiviset periaatteet ovat epäselviä; epäselvä käsitys todellisuudesta voi aiheuttaa kiinnostusta siihen tai täydellisen välinpitämättömyyden ja jopa maailman epäloogisuuden tunnustamisen. Heissä oleva tragikoominen näkymä hallitsee historian käännekohtia, vaikka tragikoominen alku oli läsnä jo Euripides-draamassa ("Alkestida", "Ion").
Draama on näytelmä, jossa on akuutti konflikti, joka, toisin kuin traaginen, ei ole niin ylevä, arkipäiväisempi, tavallinen ja jotenkin ratkaistava. Draaman spesifisyys perustuu ensinnäkin siihen, että se perustuu nykyaikaiseen eikä antiikkimateriaaliin, ja toiseksi draama väittää uuden sankarin, joka kapinoi kohtaloaan ja olosuhteitaan vastaan. Draaman ja tragedian välinen ero on ristiriidassa: traagisen suunnitelman ristiriidat ovat ratkaisemattomia, koska niiden ratkaiseminen ei riipu ihmisen henkilökohtaisesta tahdosta. Traaginen sankari joutuu traagiseen tilanteeseen tahattomasti, eikä hänen tekemänsä virheen vuoksi. Dramaattiset konfliktit, toisin kuin traagiset, eivät ole ylitsepääsemättömiä. Ne perustuvat hahmojen yhteenottoon sellaisten voimien, periaatteiden, perinteiden kanssa, jotka vastustavat heitä ulkopuolelta. Jos draaman sankari kuolee, hänen kuolemansa on monella tapaa vapaaehtoisen päätöksen teko, eikä traagisesti toivottoman tilanteen seuraus. Joten, Katerina A. Ostrovskyn "The Thunder" -elokuvassa, huolestuneena akuutista, että hän oli rikkonut uskonnollisia ja moraalisia normeja, kykenemättämättä elää Kabanovien talon sortavassa ilmapiirissä, kiirehti Volgaan. Tämä ei ollut välttämätöntä; Katerinan ja Boriksen lähentymisen esteitä ei voida pitää ylitsepääsemättöminä: sankaritar kapinointi olisi voinut päättyä toisin.
Mitä draama on? Vastaus tähän kysymykseen riippuu tilanteesta, jossa sanaa käytettiin. Ensinnäkin, tämä on eräänlainen lavasuunnitteluun tarkoitettu kirjallisuus, joka merkitsee hahmojen vuorovaikutusta ulkomaailman kanssa ja johon liittyy kirjoittajan selitys.
Draama on myös teoksia, jotka on rakennettu yhden periaatteen ja lakien mukaan.
Draaman ominaisuudet
- Toiminnan tulisi tapahtua nykyisessä tilanteessa ja kehittyä nopeasti samassa paikassa. Katsojasta tulee todistaja ja hänen on oltava jännitteessä ja myötätuntoinen tapahtuman suhteen.
- Esitys voi kattaa useita tunteja tai jopa vuosia. Toiminnan ei kuitenkaan saisi kestää enempää kuin päivä lavalla, koska sitä rajoittavat katsojan mahdollisuudet.
- Teoksen kronologiasta riippuen draama voi koostua yhdestä tai useammasta näytöstä. Siksi ranskalaisen klassismin kirjallisuutta edustaa yleensä viisi tekoa, ja kaksi tekoa on ominaista espanjalaiselle draamalle.
- Kaikki draaman hahmot on jaettu kahteen ryhmään - antagonisteihin ja päähenkilöihin (myös lavan ulkopuolisia hahmoja voi olla läsnä), ja kukin teko on kaksintaistelu. Mutta kirjoittajan ei tarvitse tukea kenenkään puolta - katsoja voi vain arvata teoksen kontekstin vihjeistä.
Draaman rakentaminen
Draamalla on juoni, juoni, teema ja juonittelu.
- Juoni on konflikti, hahmojen yhdistäminen tapahtumiin, joihin puolestaan \u200b\u200bsisältyy useita elementtejä: altistuminen, asettaminen, toiminnan kehitys, huipentuma, toiminnan heikkeneminen, katoaminen ja finaali.
- Tarina on jakso todellisia tai kuvitteellisia tapahtumia, jotka liittyvät toisiinsa. Sekä juoni että juoni ovat kuvaus tapahtumista, mutta juoni on vain tosiasia tapahtuneelle, ja juoni on syy-seuraussuhde.
- Teema on sarja tapahtumia, jotka muodostavat draamateoksen perustan ja joita yhdistää yksi ongelma, ts. Mitä kirjailija halusi katsojan tai lukijan ajattelevan.
- Dramaattinen juonittelu on hahmojen vuorovaikutusta, joka vaikuttaa teoksen odotettuun tapahtumien kulkuun.
Draamaelementit
- Esitys on lausunto ajankohtaisesta tilanteesta, joka aiheuttaa konfliktin.
- Juoni on selkkauksen perustaminen tai edellytykset sen kehittymiselle.
- Huipentuma on konfliktin korkein kohta.
- Poistuminen on päähenkilön vallankaappausta tai kaatua.
- Finaali - konfliktin ratkaiseminen, joka voi päättyä kolmella vaihtoehdolla: konflikti on ratkaistu ja sillä on onnellinen loppua, konfliktia ei voida ratkaista tai konflikti ratkaistaan \u200b\u200btraagisesti - päähenkilön kuolema tai muut sankarin päätelmät finaalissa olevasta teoksesta.
Kysymykseen "mikä on draamaa" voidaan nyt vastata vielä yhdellä määritelmällä - tämä on draamateoksen konstruoinnin teoria ja taide. Sen on luotettava tonttirakennussääntöihin, sillä on oltava suunnitelma ja pääidea. Mutta historiallisen kehityksen aikana draama, tyylilajit (tragedia, komedia, draama), sen elementit ja ilmaisutavat muuttuivat, mikä jakoi draaman historian useisiin sykleihin.
Draaman alkuperä
Draaman alkuperän todistivat ensimmäistä kertaa muinaisen Egyptin aikakaudella olevat seinäkirjoitukset ja papyrit, joilla oli myös alku, huipentuma ja kaisla. Papit, joilla oli tietoa jumaluuksista, vaikuttivat Egyptin kansan tietoisuuteen juuri myyttien takia.
Isisin, Osiriksen ja Horuksen myytti edustaa eräänlaista Raamattua egyptiläisille. Lisäksi draama kehitettiin muinaisessa Kreikassa 5-6-luvulla eKr. e. Muinaiskreikkalaisessa draamassa syntyi tragedian tyylilaji. Tragedian juoni ilmaistu hyvän ja oikeudenmukaisen sankarin vastustuksesta pahuudelle. Finaali päättyi päähenkilön traagiseen kuolemaan, ja sen piti aiheuttaa katsojassa voimakkaita tunteita hänen sielunsa puhdistamisesta. Tällä ilmiöllä on määritelmä - katarsi.
Myyttejä hallitsivat sotilaalliset ja poliittiset aiheet, koska tuon ajan tragedialaiset osallistuivat sotaan useammin kuin kerran. Muinaisen Kreikan dramaturgiaa edustavat seuraavat kuuluisat kirjailijat: Aeschylus, Sophocles, Euripides. Tragedian lisäksi elpyi myös komedian genre, jossa Aristophanes teki maailman pääteeman. Ihmiset ovat kyllästyneitä sodista ja viranomaisten laittomuudesta, joten he vaativat rauhallista ja rauhallista elämää. Komedia sai alkunsa koomiksista, jotka olivat joskus jopa kevyitä. Humanisti ja demokratia olivat koomikkojen työn pääideoita. Tuon ajan kuuluisimpia tragedioita ovat Aeschylusin näytelmät "Persialaiset" ja "Ketjutettu Prometheus", Sophoclesin "Kuningas Oidipus" ja Euripidesin "Medea".
Draaman kehityksestä 2-3-luvulla eKr. e. muinaisten roomalaisten näytelmäkirjailijoiden vaikutteita: Plautus, Terentius ja Seneca. Orjaa omistavan yhteiskunnan alakerroksiin suostunut Plautus pilkkasi ahneita usareita ja kauppiaita, joten ottaen antiikin Kreikan tonttien perustaksi hän täydensi niitä tarinoilla tavallisten kansalaisten vaikeasta elämästä. Hänen teoksissaan oli paljon kappaleita ja vitsejä, kirjailija oli suosittu aikakavereidensa keskuudessa ja vaikutti myöhemmin eurooppalaiseen draamaan. Joten Moliere otti hänen kuuluisan komediansa "Aarre", kun hän kirjoitti teostaan \u200b\u200b"Kurkuri".
Terence on myöhemmän sukupolven jäsen. Hän ei keskity ilmentäviin keinoihin, mutta syventää hahmojen psykologisen komponentin kuvausta, ja isien ja lasten välisistä arkipäivän ja perheen välisistä konflikteista tulee komedioiden teemoja. Hänen kuuluisa näytelmänsä "Brothers" heijastaa tätä ongelmaa ilmeisimmin.
Toinen dramaturgi, joka on vaikuttanut merkittävästi draaman kehittämiseen, on Seneca. Hän oli Rooman keisarin Neron ohjaaja ja hänen korkeassa tehtävässään. Dramaturgin tragediat ovat aina kehittyneet päähenkilön koson ympärille, mikä pakotti hänet kauhistuttaviin rikoksiin. Historioitsijat omistavat tämän verisille julmuuksille, joita sitten tapahtui keisarillisessa palatsissa. Senecan Medea vaikutti myöhemmin Länsi-Euroopan teatteriin, mutta toisin kuin Euripidesin Medea, kuningattarta edustaa negatiivinen hahmo, jano kostoaan eikä koetta hätää.
Imperiumin aikakauden tragediat korvasi toinen tyylilaji - pantomiimi. Tämä on tanssi, johon liittyy musiikkia ja laulua, jonka yleensä suoritti yksi näyttelijä suljetulla suulla. Mutta vielä suositumpia olivat sirkusesitykset amfiteattereissa - gladiaattoritaisteluissa ja sotavaunakilpailuissa, jotka johtivat moraalin rappeutumiseen ja Rooman valtakunnan romahtamiseen. Ensimmäisen kerran näytelmäkirjailijat antoivat yleisölle lähinnä kuvan draamasta, mutta teatteri tuhoutui, ja draama elvytettiin vasta vasta puolituhannen vuosituhannen tauon jälkeen kehitystyössä.
Liturginen draama
Rooman valtakunnan romahduksen jälkeen draama elpyi uudelleen vasta 9. vuosisadalla kirkon riitoissa ja rukouksissa. Kirkko esittelee pieniä mahtavia esityksiä, kuten Jeesuksen Kristuksen ylösnousemuksen tai muita raamatullisia tarinoita houkutellakseen mahdollisimman monia ihmisiä palvelemaan ja hallitsemaan massoja Jumalan palvonnan kautta. Näin liturginen draama kehittyi.
Ihmiset kuitenkin kokoontuivat esityksiin ja olivat irrotettuina itse palvelusta, minkä seurauksena syntyi puoliliturginen draama - esitykset siirrettiin kuistille ja perusteeksi otettiin arkipäivän tarinoita, jotka perustuivat yleisölle ymmärrettävämpiin raamatullisiin tarinoihin.
Draaman herättäminen Euroopassa
Lisäksi draama sai kehityksensä renessanssissa 14-16-luvulla palaten takaisin muinaiskulttuurin arvoihin. Muinaiskreikkalaisten ja roomalaisten myyttien juoni herättää renessanssin kirjoittajia
Italiassa teatteri alkoi elpyä, ilmestyi ammattimainen lähestymistapa lavaesityksiin, syntyi musiikillinen teos, kuten ooppera, komedia, tragedia ja pastoraalinen elvytty - draamalaji, jonka pääteema oli maaseutu. Komedia kehittäessään antoi kaksi suuntaa:
- tieteellinen komedia, joka on tarkoitettu koulutettujen ihmisten piirille;
- katukomedia - improvisoitu naamariteatteri.
Italian draaman näkyvimmät edustajat ovat Angelo Beolko ("Coquette", "Komedia ilman otsikkoa"), Giangiorgio Trissino ("Sofonisba") ja Lodovico Ariosto ("Komedia rinnasta", "Furious Orlando").
Englantilainen draama vahvistaa realismin teatterin asemaa. Myytit ja mysteerit ovat korvaamassa sosiofilosofisella elämänkäsityksellä. Renessanssin draaman esi-isänä pidetään englantilaista näytelmäkirjailijaa - Christopher Marlowe ("Tamerlane", "Tohtori Faustin traaginen tarina"). Realismin teatteri sai kehitykseen William Shakespearen johdolla, joka tuki myös humanistisia ideoita teoksissaan - "Romeo ja Julia", "Kuningas Lear", "Othello", "Hamlet". Tämän ajan kirjoittajat kuuntelivat tavallisten ihmisten toiveita, ja näytelmien suosikkihahmot olivat yksinkertaisimmat, usurrit, soturit ja kurtisaanit sekä vaatimaton sankaritar, joka uhrasi itsensä. Hahmot mukautuvat juoniin, joka välitti tuon ajan todellisuudet.
17-18-luvun ajanjaksoa edustaa barokin ja klassismin aikakausien draama. Humanismi suuntaan katoaa taustalle, ja sankari tuntuu kadonnut. Barokkideat jakavat Jumalan ja ihmisen, toisin sanoen ihmisen jätetään vaikuttamaan omaan kohtaloonsa. Barokkidraaman pääsuunta on mannerismi (maailman pysymättömyys ja ihmisen epävarma asema), mikä on ominaista Lope de Vegan draamille "Fuente Ovejuna" ja "Sevillan tähti" sekä Tirso de Molinan teoksille - "Sevillan viettelijä", "Hurskas Marta".
Klassismi on vastakohta barokille pääasiassa siinä mielessä, että se perustuu realismiin. Tragediasta tulee pää genre. Pierre Corneillen, Jean Racinen ja Jean-Baptiste Molieren teosten suosikkiteema on henkilökohtaisten ja yhteiskunnallisten etujen, tunteiden ja velvollisuuksien konflikti. Valtion palveleminen on ihmisen korkein jalo tavoite. Tragedia "Sid" toi suuren menestyksen Pierre Corneillelle. Kaksi Jean Racinen näytelmää "Aleksanteri Suuri", "Thebaida tai Brothers-Enemies" kirjoitettiin ja lavastettiin Molieren ohjeiden mukaan.
Moliere oli tuolloin suosituin näytelmäkirjailija ja hallitsi hallitsevaa henkilöä ja jätti taakseen 32 näytettä, jotka on kirjoitettu erilaisissa genreissä. Merkittävin niistä - "Madcap", "Doctor in Love" ja "Imaginary Sick".
Valaistumisen aikana kehittyi kolme liikettä: klassismi, sentimentalismi ja rokokoo, jotka vaikuttivat Englannin, Ranskan, Saksan ja Italian draamiin 1800-luvulla. Maailman epäoikeudenmukaisuudesta tavallisia ihmisiä kohtaan on tullut dramaturgien pääteema. Yläluokat jakavat paikkaa tavallisten ihmisten kanssa. "Kasvatusteatteri" vapauttaa ihmiset vakiintuneista ennakkoluuloista ja siitä tulee paitsi viihde, myös heille moraalin koulu. Philistealainen draama (George Lilo Lontoon kauppias ja Edward Moore The Gambler) on kasvussa, mikä valaisee porvariston ongelmia pitäen niitä yhtä tärkeinä kuin rojaltien ongelmia.
John Goma esitteli gootti draaman ensimmäistä kertaa tragedioissa Douglas ja Fatal Discovery, joiden aiheet olivat perhe- ja arkipäivää. Ranskan draamaa edusti pääosin runoilija, historioitsija ja publicisti Francois Voltaire (Oidipus, keisarin kuolema, tuhlaajapoika). John Gay ("Beggar's Opera") ja Bertold Brecht ("The Threepenny Opera") avasivat komedialle uudet suunnat - moralisoivan ja realistisen. Ja Henry Fielding kritisoi lähes aina Englannin poliittista järjestelmää satiiristen komedioiden ("Rakkaus erilaisissa naamioissa", "Poliitikko kahvitalosta"), teatteri-parodioiden ("Pasquin"), farssien ja ballaadioperaooppien ("Lottery", "Intrigeing Maid") kautta. jonka jälkeen teatterin sensuurilaki annettiin.
Koska Saksa on romantiikan esi-ikä, saksalaista draamaa kehitettiin parhaiten 18–19-luvulla. Teosten päähenkilö on idealisoitu, luovasti lahjakas henkilö, joka vastustaa todellista maailmaa. F. Schellingillä oli suuri vaikutus romanttien maailmankatsomukseen. Myöhemmin Gothald Lessing julkaisee teoksensa Hampurin draama, jossa hän kritisoi klassismia ja edistää Shakespearen valaistumisrealismin ideoita. Johann Goethe ja Friedrich Schiller luovat Weimar-teatterin ja parantavat näyttelijäkoulua. Saksalaisen draaman merkittävimpiä edustajia pidetään Heinrich von Kleistinä ("Schroffensteinin perhe", "Homburgin prinssi Friedrich") ja Johann Ludwig Thickeksi ("Puss in boots", "The World Inside Out").
Draaman kukoistus Venäjällä
Venäläisen draaman kehitys alkoi aktiivisesti jo 1800-luvulla klassismin edustajan - venäläisen teatterin isäksi kutsuttu A. P. Sumarokov - johdolla tragediat ("Hirviöt", "Narcissus", "Vartija", "Mielikuvituksen aisankannattaja") keskittyi Molieren työhön. Mutta juuri 1800-luvulla tällä suunnalla oli merkittävä rooli kulttuurin historiassa.
Venäläisissä draamissa on kehitetty useita genrejä. Nämä ovat V. A. Ozerovin tragedioita ("Yaropolk ja Oleg", "Oedipus Ateenassa", "Dimitri Donskoy"), jotka heijastivat Napoleonin sotien aikana kiireellisiä yhteiskuntapoliittisia ongelmia, I. Krylovin ("Rabid Family") satiirisia komedioita, "Kahvila" ja koulutusdraamat, kirjoittanut A. Griboyedov ("Voi vaimosta"), N. Gogol ("pääministeri") ja A. Puškin ("Boris Godunov", "Juhla ruton aikana").
1800-luvun jälkipuoliskolla realismi vahvisti tiukasti asemaansa venäläisissä draamissa, ja A. Ostrovskysta tuli tämän trendin näkyvin näytelijä. Hänen teoksensa koostui historiallisista näytelmistä ("Voevoda"), draamoista ("Ukonilma"), satiirisista komedioista ("Sudet ja lampaat") ja satuista. Teosten päähenkilö oli kekseliäs seikkailija, kauppias ja maakunnan näyttelijä.
Uuden suunnan ominaisuudet
Aika 1800-luvulta 1900-luvulle johdattaa meidät uuteen draamaan, joka on naturalistinen draama. Tuon ajan kirjoittajat yrittivät välittää "todellisen" elämän ja näyttää tuon ajan ihmisten epätyydyttävimmät puolet. Henkilön toiminnat määräytyivät paitsi hänen sisäisten vakaumustensa, myös myös heihin vaikuttaneiden ympäristön olosuhteiden perusteella, joten teoksen päähenkilö ei voinut olla yksi henkilö, vaan jopa koko perhe tai erillinen ongelma, tapahtuma.
Uusi draama esittelee useita kirjallisia liikkeitä. Niitä kaikkia yhdistää näytelmäkirjailijoiden huomio hahmon mielentilaan, uskottava todellisuuden välittyminen ja selitys kaikista ihmisen teoista luonnontieteelliseltä kannalta. Uuden draaman perustaja oli Henrik Ibsen, ja naturalismin vaikutus näkyi selkeimmin hänen näytelmässään "Kummit".
1900-luvun teatterikulttuurissa alkavat kehittyä 4 pääsuuntaa - symbolismi, ekspressionismi, dadaismi ja surrealismi. Kaikkia näiden draaman suuntausten perustajia yhdisti perinteisen kulttuurin hylkääminen ja uusien ilmaisukeinojen etsiminen. Symbolian edustajina Maeterlink ("Sokea", "Joan of Arc") ja Hoffmannsthal ("hullu ja kuolema") käyttävät näytelmissään pääteemana kuolemaa ja ihmisen roolia yhteiskunnassa, ja dadaistisen draaman edustaja Hugo Ball korosti ihmisen olemassaolon merkityksettömyys ja kaikkien uskomusten täydellinen kieltäminen. Surrealismi liittyy André Bretonin ("Ole hyvä") nimeen, jonka sankareille on ominaista epäjohdonmukaiset vuoropuhelut ja itsensä tuhoaminen. Ekspressionistinen draama perii romantiikkaa, jossa päähenkilö kohtaa koko maailman. Tämän draamasuuntauksen edustajia olivat - Gan Yost ("Nuori mies", "Erakko"), Arnolt Bronnen ("Kapina Jumalaa vastaan") ja Frank Wedekind ("Pandoran laatikko").
Nyky draama
20. ja 21. vuosisadan vaihteessa moderni draama menetti asemansa ja siirtyi tilaan, jossa etsitään uusia tyylilajeja ja ilmaisutapoja. Venäjällä muodostettiin eksistentialismin suunta, ja sitten se kehittyi Saksassa ja Ranskassa.
Jean-Paul Sartre draamoissaan ("Suljettujen ovien takana", "Perhot") ja muut näytelmäkirjailijat valitsevat teostensa sankarin mieheksi, joka ajattelee jatkuvasti elämän ajattelematonta elämistä. Tämä pelko saa hänet ajattelemaan ympäröivän maailman epätäydellisyyttä ja muuttamaan sitä.
Franz Kafkan vaikutelmassa syntyy absurditeatteri, joka kieltää realistiset hahmot, ja näytelmäkirjailijoiden teokset kirjoitetaan toistuvien vuoropuhelujen, toimien epäjohdonmukaisuuden ja syy-seuraussuhteiden puuttumisen muodossa. Venäläinen draama valitsee pääteemana yleismaailmalliset arvot. Hän puolustaa ihmisen ihanteita ja pyrkii kauneuteen.
Draaman kehitys kirjallisuudessa liittyy suoraan maailman historiallisten tapahtumien kulkuun. Eri maiden näytelmäkirjailijat, jotka ovat jatkuvasti vaikuttuneita yhteiskuntapoliittisista ongelmista, johtivat usein itse taiteen suuntaan ja vaikuttivat siten joukkoihin. Draaman kukinta lankesi Rooman valtakunnan, Muinaisen Egyptin ja Kreikan aikakauteen, jonka aikana draaman muodot ja elementit muuttuivat, ja teosten teema joko aiheutti juoni uusia ongelmia ja palasi sitten vanhoihin antiikin ongelmiin. Ja jos ensimmäisen vuosituhannen näytelmäkirjailijat kiinnittivät huomiota puheen ilmaisuun ja sankarin luonteenomaisuuteen, mikä ilmaistaan \u200b\u200bselkeimmin tuon ajan näytelmäkirjailijan - Shakespearen - teoksessa, niin nykyajan trendin edustajat vahvistivat ilmapiirin ja alatekstin roolia teoksissaan. Edellä esitetyn perusteella voimme antaa kolmannen vastauksen kysymykseen: mikä on draamaa? Nämä ovat dramaattisia teoksia, jotka yhdistää yksi aikakausi, maa tai kirjailija.
Kulttuurin kehityksen vuosituhansien ajan ihmiskunta on luonut lukemattomia kirjallisia teoksia, joista erotellaan eräitä perustyyppejä, samalla tavalla ja muodossa kuin heijastavat ihmisen ajatuksia ympäröivästä maailmasta. Nämä ovat kolmen tyyppisiä (tai tyyppisiä) kirjallisuutta: eepos, draama, sanoitukset.
Mitä eroa on kunkin tyyppisen kirjallisuuden välillä?
Eeppinen eräänlainen kirjallisuus
epos(epos - kreikka, kerronta, tarina) on kuva kirjailijan ulkopuolisista tapahtumista, ilmiöistä, prosesseista. Eeppiset teokset heijastavat objektiivista elämän kulkua, ihmistä yleensä. Eeppisten teosten kirjoittajat ilmaisevat erilaisia \u200b\u200btaiteellisia keinoja käyttäessään ymmärtää historiallisia, yhteiskuntapoliittisia, moraalisia, psykologisia ja monia muita ongelmia, joiden kanssa ihmisyhteisö yleensä ja jokainen sen edustaja erityisesti elää. Eepisillä teoksilla on merkittäviä kuvaominaisuuksia, mikä auttaa lukijaa oppimaan ympäröivää maailmaa, ymmärtämään ihmisen olemassaolon syviä ongelmia.
Draama eräänlaisena kirjallisuutena
Draama (draama - kreikka, toiminta, toiminta) on eräänlainen kirjallisuus, jonka pääpiirteenä on teosten lavasuoritus. Soittaa, ts. dramaattiset teokset on luotu erityisesti teatterille lavalle lavastusta varten, mikä ei tietenkään sulje pois niiden olemassaoloa lukemiseen tarkoitettujen itsenäisten kirjallisten tekstien muodossa. Kuten eepos, draama toistaa ihmisten välisen suhteen, heidän toimintansa, heidän välisensä konfliktit. Mutta toisin kuin eepos, jolla on kerronta, draamalla on vuoropuhelu.
Liittyy tähän dramaattisten teosten piirteet :
2) näytelmän teksti koostuu hahmojen keskusteluista: heidän monologistaan \u200b\u200b(yhden hahmon puhe), vuoropuheluista (kahden hahmon keskustelu), monilogista (samanaikaisesti monien toimintoon osallistujien kopioiden vaihto). Siksi puheominaisuus on yksi tärkeimmistä keinoista sankarin ikimuistoisen luonteen luomiseksi;
3) näytelmän toiminta kehittyy pääsääntöisesti melko dynaamisesti, intensiivisesti, sille annetaan yleensä 2–3 tuntia näyttämöaikaa.
Sanoitukset eräänlaisena kirjallisuutena
sanat (lyra - kreikka, soitin, jonka säestyksessä suoritettiin runollisia teoksia, kappaleita) erottuu taiteellisen kuvan erityisestä rakennusmuodosta - se on kuvakokemus, joka ilmentää tekijän henkilökohtaista emotionaalista ja henkistä kokemusta. Sanoituksia voidaan kutsua salaperäisimmäksi kirjallisuudeksi, koska se on osoitettu ihmisen sisäiseen maailmaan, hänen subjektiivisiin tuntemuksiinsa, ideoihin, ideoihin. Toisin sanoen lyyrinen teos palvelee ensisijaisesti tekijän yksilöllistä ilmaisua. Herää kysymys: miksi lukijat, ts. muut ihmiset viittaavat tällaisiin teoksiin? Asia on se, että sanoittaja, joka puhuu omasta puolestaan \u200b\u200bja itsestään, ilmentää yllättäen ihmisen yleisiä tunteita, ideoita, toiveita ja mitä tärkeämpi kirjoittajan persoonallisuus on, sitä tärkeämpää hänen henkilökohtainen kokemuksensa on lukijalle.
Jokaisella kirjallisuustyypillä on myös oma genrejärjestelmä.
laji (tyylilaji - ranska. suku, laji) on historiallisesti kehittynyt kirjallisten teosten tyyppi, jolla on samanlaisia \u200b\u200btypologisia piirteitä. Lajejen nimet auttavat lukijaa liikkumaan rajattomassa kirjallisuusmeressä: joku rakastaa etsiväjuttuja, toinen mieluummin fantasiaa, ja kolmas on muistelmien fani.
Kuinka määrittää Minkä tyylilaji tietty teos kuuluu? Useimmiten kirjoittajat itse auttavat meitä tässä ja kutsuvat luomustaan \u200b\u200bromaaniksi, tarinaksi, runoksi jne. Jotkut kirjoittajan määritelmistä vaikuttavat meille kuitenkin odottamattomilta: muista, että A.P. Tšehov korosti, että "Kirsikkapuutarha" on komedia, eikä draama ollenkaan, mutta A.I. Solženitsyn piti yhtä päivää Ivan Denisovitzin elämässä tarina, ei tarina. Jotkut kirjallisuuskriitikot kutsuvat venäläistä kirjallisuutta genreparadoksien kokoelmaksi: romaani säkeessä "Jevgeni Onegin", proosa runo "Kuolleet sielut", satiirinen kronikka "Kaupungin historia". L.N.: n "Sodasta ja rauhasta" oli paljon kiistaa. Tolstoi. Kirjailija itse sanoi vain siitä, mikä hänen kirjaansa ei ole: “Mikä on“ sota ja rauha ”? Tämä ei ole romaani, vielä vähemmän runo, vielä vähemmän historiallinen kronikka. "Sota ja rauha" on mitä kirjailija halusi ja voisi ilmaista muodossa, jossa se ilmaistiin. " Ja vasta XX luvulla kirjallisuuskriitikot suostuivat kutsumaan L.N: n loistavaa luomusta. Tolstoi eeppinen romaani.
Jokaisella kirjallisuuslajilla on joukko vakaita piirteitä, joiden tuntemuksen perusteella voimme osoittaa tietyn teoksen yhdelle tai toiselle ryhmälle. Genret kehittyvät, muuttuvat, kuolevat ja syntyvät esimerkiksi kirjaimellisesti silmämme edessä, uusi blogin tyyli (web loq) - henkilökohtainen Internet-päiväkirja - on syntynyt.
Kuitenkin useita vuosisatoja on ollut vakaita (niitä kutsutaan myös kanonisiksi) genrejä
Kirjallisuus ja kirjallisuus - katso taulukko 1).
Pöytä 1.
Kirjallisuuslajit 
Kirjallisuuden eeppiset genret
Eepiset tyylilajit eroavat pääasiassa määränsä perusteella, ja ne jakautuvat pieniksi ( luonnos, tarina, novelli, satu, vertaus ), keskiverto ( tarina ), iso ( romaani, eeppinen romaani ).
Ominaisuusartikkeli - pieni luonnos luonnosta, genre on sekä kuvaava että kertomuksellinen. Monet esseet luodaan dokumentti-, elämäpohjaisella pohjalla, usein ne yhdistetään sykleiksi: klassinen esimerkki on englantilaisen kirjailijan Lawrence Sternin "Sentimental Journey Ranskan ja Italian läpi" (1768), venäläisessä kirjallisuudessa se on "Matka Pietarista Moskovaan" (1790) A. Radishchev, "Fregaatti Pallas" (1858), kirjoittanut I. Goncharov "" Italia "(1922), kirjoittanut B. Zaitsev ja muut.
Tarina - pieni kertomuslaji, joka kuvaa yleensä yhtä jaksoa, tapausta, ihmisen hahmoa tai tärkeätä tapahtumaa sankarin elämästä, joka vaikutti hänen tulevaisuuteensa (L. Tolstoi "Ballin jälkeen"). Tarinat luodaan sekä dokumentti-, usein omaelämäkerrallisella pohjalla (A. Solzhenitsynin "Matryonin Dvor") että puhtaan fiktion (I. Buninin "Herra San Franciscosta") ansiosta.
Tarinojen intonaatio ja sisältö ovat hyvin erilaisia \u200b\u200b- sarjakuvasta, uteliaasta (AP Tšehhovin varhaiset tarinat) syvästi traagiseen (V. Šalamovin Kolyma-tarinat). Tarinat, kuten esseet, yhdistetään usein sykleiksi (I. Turgenevin "Metsästäjän muistiinpanot").
novelliin (novella ital. uutiset) on monin tavoin samanlainen kuin tarina ja sitä pidetään eräänlaisena se, mutta se erottuu kertomuksen erityisestä dynaamisuudesta, terävistä ja usein odottamattomista käännöksistä tapahtumien kehityksessä. Melko usein romaanin kertomus alkaa päättymisellä, rakennetaan kääntölain mukaan, ts. päinvastaisessa järjestyksessä, kun suuntaus edeltää päätapahtumia (N. Gogolin "Hirveä kosto"). Tämän romaanin rakentamisen ominaisuuden myöhemmin etsivä genre lainaa.
Sana "romaani" on toinen merkitys, joka tulevien lakimiesten on tiedettävä. Muinaisessa Roomassa ilmaisu "novelae leges" (uudet lait) oli nimi laille, joka annettiin lain virallisen kodifioinnin jälkeen (Theodosius II: n säännöstön julkaisemisen jälkeen vuonna 438). Justinianuksen ja hänen seuraajiensa romaanit, jotka julkaistiin Justinianuslain toisen painostuksen jälkeen, olivat myöhemmin osa Rooman lakien kokoelmaa (Corpus iuris civillis). Nykyaikana romaania kutsutaan parlamentille toimitettavaksi lakiksi (toisin sanoen lakiesitykseksi).
Tarina - vanhin pienistä eeposlajeista, yksi tärkeimmistä kaikkien kansakuntien suullisessa teoksessa. Tämä on pieni taianomainen, seikkailunhaluinen tai jokapäiväinen luonne, jossa fiktio korostuu selvästi. Toinen tärkeä kansan tarinan ominaisuus on sen editoiva luonne: "Satu on valhe, mutta se sisältää vihjeen, oppiaiheen hyville muille." On tapana jakaa kansantarinat taikuuteen ("Tarina sammakkoprinsessasta"), jokapäiväiseen ("Puuro kirvesestä") ja tarinoihin eläimistä ("Zayushkinan kota").
Kirjallisen kirjallisuuden kehityksen myötä ilmestyy kirjallisia tarinoita, joissa käytetään perinteisiä kansanperintöiden motiiveja ja symbolisia mahdollisuuksia. Tanskalaista kirjailijaa Hans Christian Andersenia (1805-1875) pidetään perustellusti kirjallisten satujen genreissä, hänen upeita "Pienet merenneitonsa", "Prinsessa ja herne", "Lumikuningatar", "Vahva peltisotilas", "Varjo", "Thumbelina" rakastavat monet. lukija sukupolvia, sekä hyvin nuoria että melko kypsiä. Ja tämä ei ole kaukana vahingossa, koska Andersenin tarinat eivät ole vain sankarien satunnaisia \u200b\u200bja toisinaan jopa omituisia seikkailuja, vaan sisältävät syvän filosofisen ja moraalisen merkityksen, suljettuina kauniissa symbolisissa kuvissa.
Ranskalaisen kirjailijan Antoine de Saint-Exuperyn Pikku prinssistä (1942) on tullut klassikko 1900-luvun eurooppalaisista kirjallisista tarinoista. Ja englantilaisen kirjailijan Cl. Kuuluisa "Narnian kronikot" (1950 - 1956). Lewis ja "Renkaiden herra" (1954-1955), myös englantilaisen JR Tolkienin kirjoittamat, fantasialajiin, jota voidaan kutsua muinaisen kansan tarinan uudenaikaiseksi muuntamiseksi.
Venäläisessä kirjallisuudessa A.S. Puškin: "Tietoja kuolleesta prinsessasta ja seitsemästä sankarista", "Tietoja kalastajasta ja kalasta", "Tsaari Saltanista ...", "Tietoja kultaisesta cockerelista", "Tietoja papista ja hänen työntekijästään Balda". Korvaava kertoja oli P. Ershov, Pikku Humpbacked Horse -kirjailija. E. Schwartz luo XX vuosisadalla sadunäyttelyn, joista toinen "Karhu" (toinen nimi on "Tavallinen ihme") tunnetaan monille hyvin M. Zakharovin ohjaaman upean elokuvan ansiosta.
vertaus - on myös hyvin vanha kansanperinteen tyylilaji, mutta toisin kuin sadussa, vertauksissa oli kirjallisia muistomerkkejä: Talmud, Raamattu, Koraani, Syyrian kirjallisuusmonumentti "Opetus Akharalle". Vertaus on opettava, symbolinen teos, jolle on tunnusomaista sublimiteetti ja sisällön vakavuus. Muinaisten vertausten pääsääntöisesti määrä on pieni, ne eivät sisällä yksityiskohtaista tarinaa sankarin hahmon tapahtumista tai psykologisista ominaisuuksista.
Vertauksen tarkoituksena on muokkaaminen tai, kuten he kerran sanoivat, viisauden opetus. Euroopan kulttuurissa tunnetuimpia ovat vertaukset evankeliumeista: tuhlaajapojasta, rikkaasta miehestä ja Lasaruksesta, väärästä tuomarista, järjetöntä rikkaasta ja muista. Kristus puhui usein allelegorisesti opetuslapsilleen, ja jos he eivät ymmärtäneet vertauksen merkitystä, hän selitti sen.
Monet kirjoittajat kääntyivät vertauksen genreen, eivätkä tietenkään aina investoineet siihen korkeaa uskonnollista merkitystä, vaan yrittäneet pikemminkin allegoottisessa muodossa ilmaista eräänlaista moralistista muokkausta, kuten esimerkiksi L. Tolstoy myöhemmässä teoksessaan. Kanna se. V. Rasputin - Jäähyväiset äidiin ”voidaan kutsua myös yksityiskohtaiseksi vertaukseksi, jossa kirjoittaja puhuu hälytyksellä ja surulla ihmisen” omatunto ekologian ”tuhoamisesta. Monet kriitikot pitävät E. Hemingwayn tarinaa "Vanha mies ja meri" myös kirjallisena vertauksellisena perinteenä. Kuuluisa moderni brasilialainen kirjailija Paulo Coelho käyttää myös vertauksellisuutta romaaneissaan ja tarinoissaan (romaani "Alkemistikko").
Tarina on keskimääräinen kirjallisuuslaji, joka on laajalti edustettuna maailman kirjallisuudessa. Tarina kuvaa useita tärkeitä jaksoja sankarin elämästä, yleensä yhden tarinan ja pienen määrän merkkejä. Tarinoille on ominaista suuri psykologinen kylläisyys, kirjailija keskittyy hahmojen kokemuksiin ja muutoksiin mielialoissa. Tarinan pääteemasta tulee usein päähenkilön rakkaus, esimerkiksi F. Dostojevskin "Valkoiset yöt", I. Turgenevin "Asya" ja I. Buninin "Mityan rakkaus". Romaanit voidaan myös yhdistää sykleihin, etenkin omaelämäkerralliseen aineistoon kirjoitetut: "Lapsuus", "Teini-ikäinen", L. Tolstoyn "Nuorten", A. Gorky "Lapsuus", "Ihmisissä", "Yliopistoani". Tarinojen intonaatiot ja teemat ovat hyvin erilaisia: traaginen, keskittyen akuutteihin sosiaalisiin ja moraalisiin aiheisiin (V. Grossmanin "Kaikki virtaa", Y. Trifonovin "Tontti rannalla"), romanttinen, sankarillinen (N. Gogolin "Taras Bulba"), filosofinen , vertaus (A. Platonovin "Säätiöaukko"), ilkikokoinen, koominen (englantilaisen kirjailijan Jerome K. Jerome "Kolme veneessä, ei lasketa koiraa").
romaani (Ranskan kieli. Alun perin myöhään keskiajalla kaikki romantiikan kielellä kirjoitetut teokset, toisin kuin latinalaisesti kirjoitetut) ovat tärkeä eeppinen teos, jossa kertomus keskittyy yksittäisen ihmisen kohtaloon. Romaani on monimutkaisin eeposlaji, joka eroaa uskomattomasta määrästä teemoja ja juoni: rakkaus, historiallinen, etsivä, psykologinen, upea, historiallinen, omaelämäkerrallinen, sosiaalinen, filosofinen, satiirinen jne. Kaikkia näitä romaanin muotoja ja tyyppejä yhdistää sen keskeinen idea - persoonallisuuden idea, ihmisen yksilöllisyys.
Romaania kutsutaan yksityiselämän eeppiseksi, koska se kuvaa maailman ja ihmisen, yhteiskunnan ja persoonallisuuden monipuolisia yhteyksiä. Henkilöä ympäröivä todellisuus esitetään romaanissa eri konteksteissa: historiallisessa, poliittisessa, sosiaalisessa, kulttuurisessa, kansallisessa jne. Romaanin kirjoittaja on kiinnostunut siitä, miten ympäristö vaikuttaa ihmisen luonteeseen, miten hän on muodostunut, kuinka hänen elämänsä kehittyy, onnistuiko hän löytää tarkoituksensa ja toteuttaa itsensä.
Genren alkuperän omistavat monet antiikista, tämä on Longin "Daphnis ja Chloe", Apuleiuksen "Kultainen aasi", ritariteroma "Tristan ja Isolde".
Maailman kirjallisuuden klassikoiden teoksessa romaania edustaa lukuisia mestariteoksia:
Taulukko 2. Esimerkkejä ulkomaisten ja venäläisten kirjailijoiden klassisesta romaanista (XIX, XX luvut) 
1800-luvun venäläisten kirjailijoiden kuuluisia romaaneja
.:
Venäläiset kirjailijat kehittävät ja moninkertaistavat XX vuosisadalla suurien edeltäjiensä perinteitä ja luovat yhtä merkittäviä romaaneja:
Tietysti mikään näistä luetteloista ei voi teeskennellä olevansa täydellinen ja tyhjentävä, tämä pätee erityisesti nykyaikaiseen proosaan. Tässä tapauksessa nimetään kuuluisimmat teokset, jotka ovat kunnioittaneet sekä maan kirjallisuutta että kirjoittajan nimeä.
Eeppinen romaani... Muinaisina aikoina oli olemassa sankarillisen eeposten muotoja: kansanperinne-saagat, riimut, eepos, laulut. Näitä ovat intialaiset "Ramayana" ja "Mahabharata", anglosaksinen "Beowulf", ranskalainen "Rolandin laulu", saksalainen "Nibelungin laulu" jne. Näissä teoksissa idealisoidussa, usein liioitelmassa muodossa sankarin erikoisuudet korotettiin. Myöhemmissä eeppisissä runoissa "Iliad" ja "Odyssey", Homer, "Shah-nimi", Ferdowsi, säilyttäen varhaisen eeposten mytologisen luonteen, oli kuitenkin korostettu yhteys todelliseen historiaan, ja ihmisen kohtalon ja ihmisten elämän yhteenpysymisen teemasta tulee yksi tärkeimmät. Muinaisten kokemus tulee olemaan kysyttyä XIX-XX vuosisadalla, jolloin kirjoittajat yrittävät ymmärtää aikakauden ja yksilön persoonallisuuden dramaattisia suhteita, kertovat siitä, mikä koettelee moraalia ja joskus ihmisen psyykeä, kun suurin historiallinen murros tapahtuu. Muistakaamme F. Tyutchevin rivit: "Siunattu on hän, joka vieraili tässä maailmassa sen kohtaloisina hetkinä." Runoilijan romanttinen kaava todellisuudessa tarkoitti kaikkien tavanomaisten elämämuotojen tuhoamista, traagisia tappioita ja toteutumattomia unia.
Eeppisen romaanin monimutkainen muoto antaa kirjoittajille mahdollisuuden taiteellisesti tutkia näitä ongelmia kokonaisuudessaan ja ristiriitaisuuksia.
Kun puhumme eeppisen romaanin genreistä, tietysti palaamme mieleen heti L. Tolstoyn "Sota ja rauha". Muita esimerkkejä voidaan nimittää: M. Sholokhovin "Hiljainen Don", V. Grossmanin "Elämä ja kohtalo", Englantilaisen kirjailijan Galsworthyn "Forsyte-saaga"; amerikkalaisen kirjailijan Margaret Mitchellin kirjaa "Gone with the Wind" voidaan myös pitää suurena syynä tähän genreen.
Itse genren nimi osoittaa synteesin, yhdistelmän kahdesta perusperiaatteesta: romaanin ja eeposten, ts. liittyy yksilön elämän ja ihmisten historian aiheeseen. Toisin sanoen eeppinen romaani kertoo sankarien kohtaloista (yleensä sankarit itse ja heidän kohtalonsa ovat kuvitteellisia, kirjoittajan keksimät) taustalla ja läheisessä yhteydessä aikakautta tekeviin historiallisiin tapahtumiin. Joten "Sodassa ja rauhassa" - nämä ovat yksittäisten perheiden (Rostovs, Bolkonskys), rakastettujen sankarien (prinssi Andrei, Pierre Bezukhov, Nataša ja prinsessa Marya) kohtalot 19. vuosisadan alun historiallisella ajanjaksolla, isänmaallisesta sodasta 1812, käännekohta Venäjälle ja koko Euroopalle. ... Sholokhovin kirjassa - ensimmäisen maailmansodan tapahtumat, kaksi vallankumousta ja verinen sisällissota tunkeutuvat traagisesti kasakkatilan, Melekhov-perheen elämään, päähenkilöiden kohtaloon: Grigori, Aksinya, Natalia. V. Grossman puhuu suuresta isänmaallisesta sodasta ja sen päätapahtumasta - Stalingradin taistelusta, holokaustin tragediasta. Elämässä ja kohtalossa myös historialliset ja perheteemat ovat kietoutuneet toisiinsa: kirjailija jäljittää Shaposhnikovien historiaa yrittäen ymmärtää, miksi tämän perheen jäsenten kohtalot ovat kehittyneet niin eri tavalla. Galsworthy kuvaa Forsyte-perheen elämää legendaarisella viktoriaanisella aikakaudella Englannissa. Margaret Mitchell on keskeinen tapahtuma Yhdysvaltojen historiassa, pohjoisen ja etelän välisessä sisällissodassa, joka muutti dramaattisesti monien perheiden elämää ja amerikkalaisen kirjallisuuden kuuluisimman sankaritar Scarlett O'Hara-kohtaloa.
Kirjallisuuden dramaattiset genret
Tragedia (Kreikan tragodia-vuohenlaulu) on dramaattinen genre, joka syntyi antiikin Kreikasta. Muinaisen teatterin ja tragedian esiintyminen liittyy hedelmällisyyden ja viininjumalan Dionysuksen kulttin palvontaan. Hänelle oli omistettu useita lomia, joiden aikana rituaalitaikuisia pelejä pelattiin äidien, satyreiden kanssa, joita muinaiset kreikkalaiset edustivat kaksijalkoisten vuohenmaisten olentojen muodossa. Oletetaan, että juuri tämän satyreiden esiintyminen, jotka esittivät lauluja Dionysoksen kunniaksi, antoi tälle vakavalle genrelle niin omituisen nimen. Muinaisen Kreikan teatteriesitykselle annettiin maaginen uskonnollinen merkitys, ja teatterit, jotka rakennettiin suurten ulkoilma-areenien muodossa, sijaitsivat aina kaupunkien keskustassa ja olivat yksi tärkeimmistä julkisista paikoista. Katsojat viettivät toisinaan koko päivän täällä: syövät, juovat, ilmaisivat äänekkäästi hyväksyntänsä tai epäluottamuslauseensa esitelmästä. Muinaisen Kreikan tragedian kukoistus liittyy kolmen suuren tragedian nimiin: tämä on Aeschylus (525-456 eKr.) - tragedioiden "Chained Prometheus", "Oresteia" jne. Kirjoittaja; Sophocles (496 - 406 eKr.) - "Kuningas Oidipuksen", "Antigonen" ja muiden kirjoittaja; ja Euripides (480-406 eKr.) - "Medean", "Troyanokin" ja muiden luoja. Heidän luomuksensa ovat esimerkkejä genreistä vuosisatojen ajan, he yrittävät jäljitellä niitä, mutta ne pysyvät ylittämättöminä. Jotkut heistä ("Antigone", "Medea") ovat nykyään lavalla.
Mitkä ovat tragedian pääpiirteet? Tärkein on ratkaisematon globaali konflikti: muinaisessa tragediassa tämä on toisaalta kohtalon, kohtalon ja toisaalta ihmisen, hänen tahtonsa, vapaan valinnan, vastakkainasettelu. Myöhempien aikakausien tragedioissa tämä konflikti sai moraalisen ja filosofisen luonteen, vastakohtana hyvän ja pahan, uskollisuuden ja petoksen, rakkauden ja vihan välillä. Sillä on ehdoton luonne, vastakkaisia \u200b\u200bvoimia ilmentävät sankarit eivät ole valmiita sovintoon, kompromisseihin, ja siksi tragedian lopussa on usein monia kuolemantapauksia. Näin rakennetaan suuren englantilaisen näytelmäkirjailijan William Shakespearen (1564-1616) tragediat, muistettakoon kuuluisimmat niistä: Hamlet, Romeo ja Julia, Othello, King Lear, Macbeth, Julius Caesar jne.
Ranskalaisten näytelmäkirjailijoiden Corneillen ("Horace", "Polyeuctus") ja Racinen ("Andromache", "Britannica") tragedioissa tämä konflikti sai toisenlaisen tulkinnan - velvollisuuksien ja tunteen konfliktina, rationaalisena ja tunnepitoisena päähenkilöiden sieluissa, ts. ... hankkinut psykologisen tulkinnan.
Venäjän kirjallisuuden tunnetuin on romanttinen tragedia "Boris Godunov", jonka on kirjoittanut A.S. Puškini, joka perustuu historialliseen aineistoon. Yhdessä parhaimmista teoksistaan \u200b\u200brunoilija herätti jyrkästi Moskovan valtion "todellisten vaikeuksien" ongelman - maineistojen ketjureaktion ja "hirvittävät hirmuteot", joihin ihmiset ovat valmiita vallan vuoksi. Toinen ongelma on ihmisten asenne kaikkeen, mitä maassa tapahtuu. "Boris Godunovin" finaalissa oleva "hiljaisten" ihmisten kuva on symbolinen, ja keskusteluja jatkuu tähän päivään saakka siitä, mitä Puškin halusi sanoa. M. P. Mussorgskyn saman niminen ooppera kirjoitettiin tragedian perusteella, josta tuli venäläisten oopperaklassikoiden mestariteos.
Komedia (Kreikkalaiset komot - iloinen väkijoukko, oda - kappale) - tyylilaji, joka syntyi antiikin Kreikasta vähän myöhemmin kuin tragedia (V vuosisata eKr.). Tuon ajan kuuluisin koomikko on Aristophanes ("Pilvet", "Sammakot" jne.).
Komediassa, jossa on satiiria ja huumoria, ts. koomiset, moraaliset paheet pilkotaan: tekopyhyys, tyhmys, ahneus, kateus, pelkuruus, itsensä vanhurskaus. Komediat ovat yleensä ajankohtaisia, ts. sosiaalisten kysymysten käsitteleminen paljastamalla viranomaisten puutteet. Erota toisistaan \u200b\u200bkomediahahmojen ja komediahahmojen välillä. Ensinnäkin ovela juonittelu, tapahtumaketju (Shakespearen "Virheiden komedia") ovat tärkeitä, toisessa - sankarien hahmot, heidän absurdiutensa, yksipuolisuutensa, kuten D. Fonvizinin komedioissa "Minor", "Bourgeois aatelissa", "Tartuffe", joka kuuluu klassikkoihin. tyylilaji, jonka kirjoitti 1700-luvun ranskalainen komediakirjailija Jean Baptiste Moliere. Venäläisessä draamassa satiirinen komedia ja sen terävä sosiaalinen kritiikki, kuten esimerkiksi N. Gogolin "Pääsihteeri", M. Bulgakovin "Crimson Island", osoittautuivat erityisen kysynnäksi. A. Ostrovsky on luonut monia upeita komedioita ("Sudet ja lampaat", "Metsä", "Hullut rahat" jne.).
Komedialaji on aina väestön keskuudessa suosittu, ehkä siksi, että se vahvistaa oikeudenmukaisuuden voittoa: finaalissa pahuus on ehdottomasti rangaistava, ja hyveen on voitto.
Draama - Suhteellisen "nuori" genre, joka ilmestyi Saksassa 18-luvulla lesedrama (saksaksi) - näytelmä lukemiseen. Draama on osoitettu ihmisen ja yhteiskunnan arkeen, arkeen, perhesuhteisiin. Draama on kiinnostunut ensisijaisesti ihmisen sisämaailmasta, se on psykologisin kaikista dramaattisista genreistä. Samanaikaisesti se on näyttämölajien kirjallisin, esimerkiksi A. Tšehhovin näytelmät koetaan suurelta osin lukemiseen tarkoitetuiksi teksteiksi, ei teatteriteoksiksi.
Kirjallisuuden lyyriset genret
Jako sanoissa genreihin ei ole ehdotonta, koska tyylilajien väliset erot tässä tapauksessa ovat ehdollisia eivätkä ole yhtä ilmeisiä kuin eepossä ja draamassa. Useammin erotamme lyyriset teokset aihepiiriensa perusteella: maisema, rakkaus, filosofinen, ystävällinen, intiimi sanoitus jne. Voit kuitenkin nimetä joitain tyylilajeja, joilla on lausunut yksilölliset ominaisuudet: elegia, soneti, epigraami, viesti, epitafia.
Elegia(elegos kreikka. selkeä laulu) - keskipitkä runo, yleensä moraalifilosofinen, rakkaus, tunnustussisältö.
Genre oli peräisin antiikista, ja sen pääpiirteenä pidettiin elegiac distichia, ts. jakamalla runo esimerkiksi pareiksi:
Pitkäaikainen hetki on tullut: Monien vuosien työni on ohi, miksi käsittämätön suru häiritsee minua salaa?
A. Puškin
1800- ja 1900-luvujen runossa jako pariyhdistelmiin ei ole enää niin tiukka vaatimus. Nyt genren alkuperään liittyvät semanttiset piirteet ovat merkityksellisempiä. Pohjimmiltaan elegia palaa muinaisten hautajaisten "valitusten" muotoon, jossa suruttaessaan samanaikaisesti muistutettiin hänen poikkeuksellisista ansioistaan. Tämä lähtökohta ennusti elegian pääpiirteitä - surun yhdistämistä uskoon, katumusta toivoineen, surun kautta hyväksymistä. Elegian lyyrinen sankari on tietoinen maailman ja ihmisten epätäydellisyydestä, omasta syntisyydestään ja heikkoudestaan, mutta ei torju elämää, mutta hyväksyy sen kaikessa traagisessa kauneudessaan. Vaikuttava esimerkki on A.S. "Elegy". Pushkin:
Hulluja vuosia haalistunut
Minusta on vaikeaa kuin epämääräinen krapula.
Mutta kuten viini on surullinen päivistä
Sielussani, mitä vanhempi, sitä vahvempi.
Minun polku on tylsä. Lupaa minulle työtä ja surua
Tuleva levoton meri.
Mutta en halua kuolla, ystävät;
Haluan elää ajatella ja kärsiä;
Ja tiedän nauttivani
Surun, huolen ja huolen välillä:
Joskus nautin harmoniasta taas
Vuodan kyyneleitä fiktioon,
Ja ehkä - surulliseen auringonlaskuuni
Rakkaus loistaa jäähyväisellä hymyllä.
Sonetti (sonetto ital. kappale) - niin kutsuttu "kiinteä" runollinen muoto, jolla on tiukat rakennussäännöt. Sonetissa on 14 riviä, jotka on jaettu kahteen quatraineen (quatrains) ja kahteen kolmeen jakeeseen (tercets). Nelijalkaisissa toistetaan vain kaksi riimiä, terakseissa kaksi tai kolme. Rymitysmenetelmillä oli myös omat vaatimuksensa, jotka kuitenkin vaihtelivat.
Sonetin syntymäpaikka on Italia, ja tämä genre on edustettuna myös englannin ja ranskan runoissa. Genren sarvea on 1400-luvun italialainen runoilija Petrarch. Hän omistautti kaikki sonetit rakkaalle Donna Lauralle.
Venäläisessä kirjallisuudessa A.S.Pushkinin sonetit ovat ylittämättömiä, kauniit sonetit ovat luoneet myös hopeakauden runoilijat.
kompa (Kreikan epigramma, kirjoitus) on lyhyt, pilkkaava runo, joka yleensä osoitetaan tietylle henkilölle. Epigrammit ovat kirjoittaneet monet runoilijat, ja toisinaan heidän pahoinpidelijöidensä ja jopa vihollistensa lukumäärä lisääntyy. Kreivin Vorontsovin epigrami kääntyi ympäri A.S. Puškinin viha tätä aatelista vastaan \u200b\u200bja lopulta karkottaminen Odessasta Mikhailovskoe:
Popu-herrani, puolikauppias,
Puoli-salvia, puoli tietämätön,
Puoliaikainen, mutta toivoa on
Se on viimeinkin valmis.
Pilkkaavia jakeita voidaan osoittaa paitsi tietylle henkilölle, myös yleistyneelle vastaanottajalle, kuten esimerkiksi A. Akhmatovan jaksossa:
Voisiko Biche kuten Dante luoda,
Lähti Laura kirkkauttamaan rakkauden lämpöä?
Opetin naisia \u200b\u200bpuhumaan ...
Mutta Jumala, kuinka vaientaa heidät!
On jopa tunnettuja tapauksia eräänlaisesta epigrammien kaksintaistelusta. Kun kuuluisa venäläinen asianajaja A.F. Hevoset nimitettiin senaattiin, huonosti tahtojat laajensivat hänelle pahan mielenosoituksen:
Caligula toi hevosen senaattiin,
Hän seisoo pukeutuneena sametti ja kulta.
Mutta sanon, että meillä on sama mielivalta:
Luin sanomalehdistä, että Koni on senaatissa.
Mihin A.F. Koni, joka erottuu erinomaisesta kirjallisesta kyvystään, vastasi:
(Kreikan epitafia, hautakivi) - runo jäähyväiset kuolleelle henkilölle, joka on tarkoitettu hautakivelle. Alun perin tätä sanaa käytettiin kirjaimellisesti, mutta myöhemmin se sai kuvaavamman merkityksen. Esimerkiksi I. Buninilla on lyyrinen miniatyyri proosassa "Epitaph", joka on omistettu eroamaan kirjoittajan tielle, mutta ikuisesti poistuen Venäjän menneisyydestä. Vähitellen epitafia muuttuu omistautumisrunona, jäähyväisrunkona (A. Akhmatovan "seppele kuolleelle"). Ehkä Venäjän runouden tunnetuin tällainen runo on M. Lermontovin runoilijan kuolema. Toinen esimerkki on M. Lermontovin epitaafi, joka on omistettu kahdenkymmenenkahden vuoden ikäisenä kuolleen runoilijan ja filosofin Dmitri Venevitinovin muistoille.
Lyroeppiset kirjallisuuden genret
On teoksia, joissa joitain sanoitusten ja eeppisten piirteitä yhdistetään, mistä osoittaa tämän genreryhmän nimi. Heidän pääpiirteensä on narraation yhdistelmä, ts. tarina tapahtumista, joissa siirretään kirjoittajan tunteita ja kokemuksia. On tapana viitata lyyrisiin-eeppisiin genreihin runo, oodi, balladi, fable .
Runo (poeo kreikka. Luon luon luon) on erittäin kuuluisa kirjallisuusgenre. Sanalla "runo" on monia merkityksiä, sekä suoraa että kuviollista. Muinaisina aikoina runoja kutsuttiin suuriksi eeppisiksi teoksiksi, joita nykyään pidetään eeppisinä (edellä jo mainitut Homerin runot).
XIX-XX vuosisatojen kirjallisuudessa runo on suuri runollinen teos, jolla on yksityiskohtainen juoni, jota varten sitä joskus kutsutaan runolliseksi tarinaksi. Runossa on hahmoja, juoni, mutta niiden tarkoitus on hieman erilainen kuin proosaisessa tarinassa: runossa ne auttavat kirjoittajan lyyristä ilmaisua. Ehkä siksi romanttiset runoilijat rakastivat tätä genreä niin paljon (varhaisen Puškinin Ruslan ja Lyudmila, Mtsyri ja Demon M. Lermontov, Pilvihousuissa V. Majakovski).
todellakin (oda kreikkalaulu) - tyylilaji, jota edustaa pääosin 1800-luvun kirjallisuudessa, vaikka sillä on myös muinainen alkuperä. Oodi juontaa juurensa muinaiseen dithyramba-genreen - kansan sankaria tai olympialaisten voittajaa kunnioittavaan hymniin, ts. erinomainen henkilö.
1700- ja 1800-luvun runoilijat loivat oodeja eri tilanteisiin. Se olisi voinut olla vetoomus hallitsijaan: M. Lomonosov omisti oodinsa keisarinna Elizabethille, G. Derzhavin Catherine P. Kunnioittaen heidän tekonsa, runoilijat opettivat samanaikaisesti keisarinnaa ja inspiroivat heitä tärkeillä poliittisilla ja kansalaisideoilla.
Merkittäviä historiallisia tapahtumia voitaisiin myös kunnioittaa ja ihailla oodissa. G. Derzhavin Venäjän armeijan vangitsemisen jälkeen A.V. Suvorovin turkkilainen linnoitus Izmail kirjoitti oodin "Voiton ukkonen, ääni!", Joka oli jonkin aikaa Venäjän imperiumin epävirallinen hymni. Oli eräänlainen henkinen oodi: ”Lomonosovin” Morning meditaatio Jumalan suuruudesta ”, G. Derzhavin“ Jumala ”. Siviileistä, poliittisista ideoista voisi myös tulla oodin perusta (A. Puškinin "Liberty").
Tällä genrella on selkeä didaktinen luonne, sitä voidaan kutsua runolliseksi saarnaksi. Siksi se erottuu tavun ja puheen juhlallisuudesta, kiireettömästä kertomuksesta. Esimerkki on kuuluisa katkelma M. Lomonosovin "Oodista päivänä, jolloin hänen majesteettinsa keisarinna Elizabeth Petrovna liittyi koko Venäjän valtaistuimelle vuonna 1747", kirjoitettu vuonna, kun Elizabeth hyväksyi tiedeakatemian uuden peruskirjan. lisäämällä varoja sen ylläpitoon. Suurimmalle venäläiselle tietosanakirjoittajalle tärkein asia on nuoren sukupolven valaistuminen, tieteen ja koulutuksen kehitys, josta tulee runoilijan vakaumuksen mukaan Venäjän vaurauden tae.
Balladi (balare provence - tanssi) oli erityisen suosittu 1800-luvun alkupuolella sentimentaalisessa ja romanttisessa runoudessa. Tämä genre sai alkunsa ranskalaisesta Provencesta rakkaussisällön kansantanssina pakollisilla kuoroilla-toistoilla. Sitten balladi muutti Englantiin ja Skotlantiin, missä se sai uusia piirteitä: nyt se on sankarillinen kappale legendaarisella juonella ja sankareilla, esimerkiksi kuuluisilla balladeilla Robin Hoodista. Ainoa asia, joka ei muutu, on pidätykset (toistot), mikä on tärkeää myöhemmin kirjoitetuille balladeille.
1800-luvun ja 1800-luvun alun runoilijat rakastuivat balladiin sen erityisen ilmaisukyvyn vuoksi. Jos käytämme analogiaa eeppisten tyylilajien kanssa, balladia voidaan kutsua runolliseksi novelliksi: se vaatii epätavallista rakkautta, legendaarista, sankarillista juoni, joka vangitsee mielikuvituksen. Balladeissa käytetään usein fantastisia, jopa mystisiä kuvia ja motiiveja: Muistakaamme V. Žukovskin kuuluisat "Lyudmila" ja "Svetlana". Vähemmän kuuluisia ovat A. Puškinin laulu profeetallisesta Olegista, M. Lermontovin Borodino.
1900-luvun venäläisessä lyyrisessä runossa balladi on romanttinen rakkausruno, johon usein liittyy musiikillinen säestys. Balladit ovat erityisen suosittuja "bardisessa" runossa, jonka hymniä voidaan kutsua monien Yuri Vizborin rakastetuiksi.
faabeli (basnia lat. tarina) - novelli tai proosa, joka on luonteeltaan didaktinen, satiirinen. Muinaisista ajoista lähtien tämän genren elementit ovat olleet läsnä kaikkien kansojen kansanperinnässä eläintarinoina, ja sitten ne on muutettu anekdooteiksi. Kirjallinen fable muotoutui muinaisessa Kreikassa, sen perustaja on Aesop (V-luvulla eKr.), Hänen nimensä jälkeen allegorista puhetta alettiin kutsua "Ezopian kieleksi". Fabulassa on yleensä kaksi osaa: juoni ja moralisoiva osa. Ensimmäinen sisältää tarinan jostain hauskasta tai naurettavasta tapauksesta, toinen - moraalista, oppiaiheesta. Fables-sankarit ovat usein eläimiä, joiden naamarien alla on melko tunnistettavia moraalisia ja sosiaalisia pahoja tekoja, jotka pilkataan. Suuria fabulisteja olivat Lafontaine (Ranska, XVII vuosisata), Lessing (Saksa, XVIII vuosisata) Venäjällä, I.A. Krylov (1769-1844). Hänen tarinoidensa pääasiallinen etu on elävä, kansan kieli, yhdistelmä ovelaisuutta ja viisautta kirjailijan intonaatiossa. Monien I. Krylovin tarinoiden kuvaajat ja kuvat näyttävät melko tunnistettavilta vielä tänäkin päivänä.
Dramaattiset teokset (muu gr. Toiminta), kuten eeppisetkin, luovat tapahtumasarjan, ihmisten toiminnan ja heidän suhteensa. Kuten eeppisen teoksen kirjoittaja, dramaturgi on "toiminnan kehittämisen lain" alainen. Mutta draamassa ei ole yksityiskohtaista kertomusta kuvaavaa kuvaa.
Itse asiassa kirjoittajan puhe on tässä avustava ja episodinen. Nämä ovat luettelot hahmoista, joihin joskus liittyy lyhyt kuvaus, toiminnan ajan ja paikan nimeäminen; kuvaus lavasuhteista näytteiden ja jaksojen alussa sekä kommentit hahmojen yksittäisistä jäljennöksistä ja niiden liikkeistä, eleistä, kasvoilmaisuista, intonaatiosta (huomautukset).
Kaikki tämä muodostaa draamateoksen sivutekstin, kun taas sen pääteksti on hahmojen lausuntojen, heidän huomautustensa ja monologiensa ketju.
Siksi draaman taiteelliset mahdollisuudet rajoittavat tiettyä rajaa. Kirjailija-näytelmäkirjailija käyttää vain osaa aihepiiriin, joka romaanin tai eeposen, novellin tai tarinan luojalle on käytettävissä. Ja hahmojen hahmot paljastetaan draamassa vähemmän vapaudella ja täydellisyydellä kuin eepossä. "Mielestäni draama", totesi T. Mann, "siluetin taiteena ja tunnen vain, että henkilölle kerrotaan tilavuudeltaan, kiinteänä, todellisena ja muovisena kuvana."
Samanaikaisesti näytelmäkirjailijat, toisin kuin eeppisten teosten kirjoittajat, on pakko rajoittua teatraalisen taiteen tarpeita vastaavan sanallisen tekstin määrään. Draamassa kuvatun toiminta-ajan on sovittava lavallisen ajan tiukkaan kehykseen.
Ja esitys uuden eurooppalaisen teatterin tavanomaisissa muodoissa kestää, kuten tiedät, enintään kolme tai neljä tuntia. Ja tämä vaatii sopivan kokoista draamatekstiä.
Näyttelijän toistamien tapahtumien aikaa lavas episodin aikana ei pakata eikä venytä; draaman hahmot vaihtavat huomautuksia ilman havaittavissa olevia aikavälejä, ja heidän lausuntonsa, kuten K.S. Stanislavsky, muodostavat vankan, jatkuvan linjan.
Jos toiminta kerrotaan kerronnan avulla jotain menneisyyttä, niin draaman vuoropuhelujen ja monologien ketju luo illuusion nykyisyydestä. Elämä puhuu täällä ikään kuin omasta kasvonsa: kuvatun ja lukijan välillä ei ole välittäjää.
Toiminta luodaan draamassa uudestaan \u200b\u200bspontaanisti. Se virtaa kuin lukijan silmien edessä. ”Kaikki kertomuksen muodot, - kirjoitti F. Schiller, - siirtää nykyisyyden menneisyyteen; kaikki dramaattinen tekee menneisyydestä nykyisen. "
Draama on keskittynyt lavan vaatimuksiin. Ja teatteri on julkinen, massataide. Esitys vaikuttaa suoraan moniin ihmisiin, ikään kuin sulautuisi yhteen vastauksena heidän edessään tapahtuvalle.
Draaman tarkoituksena on Puškinin mukaan toimia väkijoukon kanssa, kiinnittää heidän uteliaisuutensa "ja tätä varten vangita" intohimojen totuus ":" Draama syntyi kentällä ja oli suosittu huvipuisto. Ihmiset, kuten lapset, vaativatkin viihdettä, toimintaa. Draama esittelee hänelle satunnaisia, outoja tapahtumia. Ihmiset vaativat voimakkaita tunteita. Nauru, sääli ja kauhu ovat mielikuvituksemme kolme merkkijonoa, joita dramaattinen taide ravistaa. "
Erityisesti läheiset siteet liittyvät dramaattiseen kirjallisuuteen naurualaan, sillä teatteri vakiinnutettiin ja kehitettiin erottamattomassa yhteydessä joukkojuhliin, leikin ja hauskan ilmapiirissä. "Sarjakuvalaji on yleinen antiikista", totesi O. M. Freidenberg.
Sama voidaan sanoa muiden maiden ja aikakausien teatterista ja draamasta. T. Mann oli oikeassa, kun hän nimitti "koomikon vaistoksi" "kaiken dramaattisen taiton perusperiaatteeksi".
Ei ole yllättävää, että draamalla on taipumus suunnata kuvatun ulkoisesti vaikuttava esitys. Sen kuvat osoittautuvat hyperboliseksi, tarttuvaksi, teatraalisesti kirkkaaksi. "Teatteri vaatii liioiteltuja leveitä linjoja sekä äänessä, lausunnossa että eleissä", kirjoitti N. Boileau. Ja tämä esittävän taiteen ominaisuus jättää poikkeuksetta jälkensä dramaattisten teosten sankarien käyttäytymiseen.
"Kuten teatterissa, jota hän näytteli," Bubnov (Gorkin "Pohjassa") kommentoi epätoivoisen Tickin hätääntynyttä tiradia, joka odottamattoman tunkeutumisen myötä yleiselle keskustelulle antoi hänelle teatteritehtaan.
Merkittäviä (dramaattiselle kirjallisuudelle ominaisena piirteenä) Tolstoyn moitteet W. Shakespeaarelle hyperbolen runsaudesta, jonka väitetään "loukkaavan taiteellisen vaikutelman mahdollisuutta". "Aivan ensimmäisistä sanoista - hän kirjoitti tragediasta" King Lear "- voidaan nähdä liioittelua: tapahtumien liioittelua, tunteiden liioittelua ja ilmaisujen liioittelua."
Arvioidessaan Shakespearen teoksia L. Tolstoy oli väärässä, mutta ajatus suuren englanninkielisen näytelmäkirjailijan sitoutumisesta teatteriin liittyvään hyperboliin on aivan oikein. Se mitä "King Learista" on puhuttu vähällä syyllä, voidaan johtaa antiikkikomedioihin ja tragedioihin, klassismin dramaattisiin teoksiin, F. Schillerin ja W. Hugon näytelmiin jne.
XIX-XX vuosisatojen aikana, kun kirjallisuudessa vallitsi halu arkipäivän aitoudelle, draamalle ominaiset sopimukset tulivat vähemmän ilmeisiksi, ne pienennettiin usein minimiin. Tämän ilmiön lähtökohtana on 1700-luvun ns. "Porvarillinen draama", jonka luojat ja teoreetikot olivat D. Diderot ja G.E. Lessing.
1800-luvun Venäjän suurimpien näytelmäkirjailijoiden teokset. ja XX-luvun alku - A.N. Ostrovsky, A.P. Tšehhov ja M. Gorky - erottuvat uudelleen luotujen elämämuotojen luotettavuudesta. Mutta vaikka näytelmäkirjailijat asettuivat uskottavuuteen, juoni, psykologinen ja puhehyperbooli säilyivät.
Teatterikokoukset tunsivat olonsa jopa Tšehhovin draamassa, joka osoitti "elinkelpoisen" enimmäisrajan. Katsotaanpa kolmen sisaren loppukohta. Yksi nuori nainen kymmenen-viisitoista minuuttia sitten hajosi rakkaansa kanssa, todennäköisesti ikuisesti. Toinen oppi morsiamensa kuolemasta viisi minuuttia sitten. Ja niin he, yhdessä vanhemman, kolmannen sisarensa kanssa, tekevät yhteenvedon menneisyyden moraalisista ja filosofisista tuloksista heijastaen sotilaallisen marssin ääniin sukupolven kohtalosta, ihmiskunnan tulevaisuudesta.
Et tuskin voi kuvitella tämän tapahtuvan todellisuudessa. Mutta emme huomaa kolmen sisaren päättymisen epäkelpoisuutta, koska olemme tottuneet draamaan, joka muuttaa ihmisten elämän muotoja selvästi.
Edellä esitetyt vakuuttavat A. S. Puškinin antaman tuomion pätevyydestä (hänen jo siteeratusta artikkelista), jonka mukaan ”dramaattisen taiteen ydin sulkee pois uskottavuuden”; ”Luettaessa runoa, romaania, voimme usein unohtaa ja uskoa, että kuvailtu tapahtuma ei ole fiktio, vaan totuus.
Oodissa, elegyssä, voidaan ajatella, että runoilija kuvasi todelliset tunteensa todellisissa olosuhteissa. Mutta missä on uskottavuus rakennuksessa, joka on jaettu kahteen osaan, joista toinen on täynnä sopineita katsojia. "
Tärkein rooli dramaattisissa teoksissa kuuluu sankarien puheen itsensä paljastumisen yleissopimuksiin, joiden vuoropuhelut ja monologit, usein aforismien ja maksimien tyydyttämät, osoittautuvat paljon laajemmiksi ja tehokkaammiksi kuin ne huomautukset, jotka voitaisiin lausua samanlaisessa elämätilanteessa.
Kopiot "sivulle" ovat ehdollisia, joita sellaisenaan ei ole olemassa muilla lavalla olevilla hahmoilla, mutta jotka ovat selvästi kuultavissa yleisölle, samoin kuin sankarien lausuttamat monologit yksin itsensä kanssa, jotka ovat puhtaasti vaihemenetelmä sisäisen puheen tuomiseksi esiin (monenlaisia \u200b\u200bmonologioita on muinaisissa tragedioissa ja nykyajan draamassa).
Eräänlaisen kokeilun aloittanut näytelmäkirjailija osoittaa, kuinka ihminen ilmaisi itseään, jos hän ilmaisi puheissaan mielialansa täydellisyydellä ja kirkkaudella. Ja dramaattisen teoksen puhe saa usein samankaltaisuuden taiteellis-lyyriseen tai oratiiviseen puheeseen: täällä sankarit pyrkivät ilmaisemaan itseään improvisoijina-runoilijoina tai julkisen puhumisen mestareina.
Siksi Hegel oli osittain oikeassa katsoessaan draamaa eeppisen periaatteen (tapahtumallisuus) ja lyyrisen (puheilmaisu) synteesinä.
Draamalla on ikään kuin taiteessa kaksi elämää: teatteri- ja kirjallisuus. Esitysten dramaattisen perustan muodostaen ja sävellyksessään ollessaan dramaattinen teos on myös lukijayleisön käsitys.
Mutta näin ei aina ollut. Draaman poistuminen lavalta toteutettiin asteittain - useiden vuosisatojen ajan ja päättyi suhteellisen äskettäin: 18-18-luvulla. Maailman kannalta merkittäviä draaman esimerkkejä (antiikista 1700-luvulle) niiden luomisajankohtana ei käytännössä tunnustettu kirjallisiksi teoksiksi: ne olivat olemassa vain osana esittävää taidetta.
Heidän nykyajansa eivät pitäneet W. Shakespearea tai J. B. Moliereä kirjoittajina. Shakespearen suurella dramaattisella runoilijalla löytämisellä 1800-luvun jälkipuoliskolla oli ratkaiseva merkitys draaman käsitteen vahvistamisessa teoksena, joka on tarkoitettu paitsi näyttämötuotantoon myös lukemiseen.
XIX luvulla. (varsinkin sen ensimmäisellä puoliskolla) draaman kirjalliset ansiat sijoitettiin usein näyttämöiden yläpuolelle. Joten Goethe uskoi, että "Shakespearen teokset eivät ole tarkoitettu ruumiillisille silmille", ja Griboyedov kutsui haluaan kuulla runot "Wit of Wit" vaiheesta "lapsellinen".
Ns. Lesedrama (lukemisen draama), joka on luotu keskittymällä ensisijaisesti lukemisen havaintoon, on tullut laajalle levinnyksi. Tällaisia \u200b\u200bovat Goethen Faust, Byronin dramaattiset teokset, Pushkinin pienet tragediat, Turgenevin draamat, joista kirjoittaja huomautti: "Näyttämäni, jotka ovat tyydyttämättömiä lavalla, saattavat olla kiinnostavia lukemiseen."
Lesedraman ja tekijän ohjatun näytelmän välillä ei ole perustavanlaatuisia eroja. Lukemiseen tuotetut draamat ovat usein mahdollisesti vaihepohjaisia. Ja teatteri (mukaan lukien moderni) etsii ja toisinaan löytää avaimet heille, josta todisteena on Turgenevin "Kuukauden maassa" (ensinnäkin tämä on Moskovan taideteatterin kuuluisan vallankumousta edeltävä esitys) ja lukuisat (tosin kaukana aina onnistuneet) lavalukukset. Puškinin pienet tragediat XX-luvulla.
Vanha totuus pysyy voimassa: draaman tärkein ja päätarkoitus on vaihe. "Vain näyttämöesityksellä, - huomautti A. N. Ostrovsky, - kirjoittajan dramaattinen fiktio saa täysin valmis muodon ja tuottaa juuri sen moraalisen vaikutuksen, jonka saavuttamisen tekijä on asettanut itselleen tavoitteen".
Dramaattiselle teokselle perustuvan esityksen luominen liittyy sen luovaan loppuun saattamiseen: näyttelijät luovat intonaatioplastiset piirrokset soitetuista rooleista, taiteilija koristaa näyttämötilan, ohjaaja kehittää mise-en-kohtauksia. Tässä suhteessa näytelmän konsepti muuttuu jonkin verran (joillekin sen sivuista kiinnitetään enemmän huomiota, toisiin - vähemmän huomiota), se konkreisoidaan ja rikastetaan usein: lavasuoritus tuo draamalle uusia semanttisia sävyjä.
Samaan aikaan uskollisuuden periaate kirjallisuuden lukemisessa on ensiarvoisen tärkeä teatterille. Ohjaajaa ja näyttelijöitä kehotetaan välittämään lavastettu teos yleisölle mahdollisimman kattavasti. Uskollisuus näyttämölukemiseen tapahtuu silloin, kun ohjaaja ja näyttelijät ymmärtävät dramaattisesti teoksen tärkeimmät sisältö-, tyyli- ja tyyliominaisuudet.
Lavasuoritukset (samoin kuin elokuvan mukautukset) ovat laillisia vain silloin, kun ohjaajan ja näyttelijöiden välillä on (vaikkakin suhteellista) sopimusta kirjailijan-näytelmäkirjailijan ideoiden kanssa, kun lavalle toimijat ovat tarkkaavaisesti kiinnostuneita lavastetun teoksen tarkoituksesta, sen genren erityispiirteistä, tyylin piirteistä ja itse teksti.
Klassisessa estetiikassa 1800–1800, etenkin Hegel ja Belinsky, draamaa (pääasiassa tragedian tyyliä) pidettiin kirjallisen luovuuden korkeimpana muotona: ”runon kruununa”.
Useat taiteelliset aikakaudet ovat itse asiassa osoittaneet itsensä pääasiassa draamataiteeseen. Muinaisen kulttuurin kukoituspäivänä Aeschylus ja Sophocles, klassismin ajan Moliere, Racine ja Cornelle olivat vertaansa vailla eeposteosten kirjoittajien joukossa.
Goethen työ on tässä suhteessa merkittävä. Suuren saksalaisen kirjailijan kannalta kaikki kirjalliset suvut olivat saatavilla, mutta hän kruunasi elämänsä taiteessa luomalla draamisen teoksen - kuolemattoman Faustin.
Viime vuosisatojen aikana (1800-luvulle saakka) draama ei vain kilpaillut menestyksekkäästi eeposten kanssa, mutta siitä tuli usein johtava muoto taiteellisesta elämän lisääntymisestä tilassa ja ajassa.
Tähän on useita syitä. Ensinnäkin teatteritaiteella oli valtava rooli, koska sitä oli saatavilla (toisin kuin käsin kirjoitettuja ja painettuja kirjoja) yhteiskunnan laajimmilla kerroksilla. Toiseksi dramaattisten teosten ominaisuudet (korostettujen piirteiden hahmojen kuvaaminen, ihmisten intohimojen toistaminen, painovoima kohti patosta ja groteskia) "prerealistisilla" aikakaudella vastasivat täysin yleisiä kirjallisuuden ja taiteellisia suuntauksia.
Ja vaikka XIX-XX vuosisadalla. Sosiaalipsykologinen romaani, eeppisen kirjallisuuden tyylilaji, on siirtynyt kirjallisuuden eturintamaan; dramaattisilla teoksilla on edelleen kunniapaikka.
V.E. Khalizevin kirjallisuuden teoria. 1999 vuosi
Toisaalta draamassa työskennellessä käytetään välineitä, jotka ovat kirjoittajan arsenaalissa, mutta toisaalta teoksen ei pitäisi olla kirjallista. Kirjailija kuvaa tapahtumia siten, että testiä lukeva henkilö näkee kaiken, mitä hänen mielikuvituksessaan tapahtuu. Esimerkiksi sanan "he istuivat baarissa pitkään" sijasta voit kirjoittaa "he juivat kuutta olutta kukin" jne.
Draamassa tapahtuvaa ei näytetä sisäisten pohdintojen, vaan ulkoisen toiminnan kautta. Lisäksi kaikki tapahtumat tapahtuvat nykyisessä ajassa.
Lisäksi työn määrään asetetaan tiettyjä rajoituksia se on esitettävä lavalla määräajassa (enintään 3-4 tuntia).
Draaman vaatimukset näyttämötaiteena jättävät jälkensä hahmojen käyttäytymiseen, eleisiin ja sanoihin, jotka ovat usein liioiteltuja. Se, mitä ei voi tapahtua elämässä muutamassa tunnissa, voi tapahtua draamassa. Samaan aikaan yleisö ei ole yllättynyt perinteisyydestä, epätodennäköisyydestä, koska tämä tyylilaki antaa heille alun perin tietyssä määrin mahdollisuuden.
Monien kirjojen rakastettuna ja tavoittamattomana aikana draama (julkisena esityksenä) oli elämän taiteellisen lisääntymisen johtava muoto. Painotekniikan kehitystyön myötä se kuitenkin sai tilalle eeppisiä genrejä. Siitä huolimatta, että dramaattiset teokset ovat edelleenkin kysyntää yhteiskunnassa. Draaman pääyleisö on tietysti teatterikävijät ja elokuvantekijät. Lisäksi viimeksi mainittujen lukumäärä ylittää lukijoiden määrän.
Tuotantotavasta riippuen dramaattiset teokset voivat olla näytelmän ja käsikirjoituksen muodossa. Kaikkia teatterin vaiheelta esitettäviä dramaattisia teoksia kutsutaan näytelmiksi (ranskalainen pi èce). Elokuvien tekoon käytetyt dramaattiset teokset ovat käsikirjoituksia. Sekä näytelmät että käsikirjoitukset sisältävät tekijän huomautukset toiminnan ajan ja paikan osoittamiseksi, merkitsemällä hahmojen ikä, ulkonäkö jne.
Näytelmän tai käsikirjoituksen rakenne seuraa tarinan rakennetta. Yleensä näytelmän osat nimetään näytökseksi (tekoksi), ilmiöksi, jaksoksi, kuvaksi.
Dramaattisten teosten päälajit:
- draama,
- tragedia
- komedia,
- tragikomedia,
- farssi,
- Vaudeville,
- luonnos.
Draama
Draama on kirjallinen teos, joka kuvaa vakavaa konfliktia toimijoiden tai näyttelijöiden ja yhteiskunnan välillä. Sankarien (sankarien ja yhteiskunnan) välinen suhde tämän genren teoksissa on aina täynnä draamaa. Juonen kehittämisen aikana käydään kovaa taistelua sekä yksittäisten hahmojen sisällä että niiden välillä.
Vaikka draamakonflikti on erittäin vakava, se voidaan kuitenkin ratkaista. Tämä seikka selittää yleisön juonittelun, kireän odotuksen: pystyvätkö sankari (sankarit) vapautumaan tilanteesta vai ei.
Draamalle on ominaista kuvaus todellisesta arkielämästä, "kuolevaisten" ihmiskysymysten esittäminen, hahmojen syvä paljastaminen, hahmojen sisäinen maailma.
On olemassa sellaisia \u200b\u200bdraamatyyppejä kuin historiallinen, sosiaalinen ja filosofinen. Eräänlainen draama on melodraama. Siinä toimivat kasvot on selvästi jaettu positiivisiin ja negatiivisiin.
Tunnetut draamat: V. Shakespearen "Othello", M. Gorky "Pohjassa", T. Williamsin "Kissa kuumalla peltikatolla".
Tragedia
Tragedia (kreikkalaisesta tragosodista - "vuohenlaulu") on kirjallinen dramaattinen teos, joka perustuu yhteensovittamattomaan elämäkonfliktiin. Tragedioille on ominaista voimakas vahvien hahmojen ja intohimojen välinen kamppailu, joka päättyy hahmojen lopputuloksena hahmoille (yleensä kuolema).
Tragedian konflikti on yleensä hyvin syvä, sillä on yleismaailmallista merkitystä ja se voi olla symbolinen. Päähenkilö yleensä kärsii syvästi (mukaan lukien toivottomuudesta), hänen kohtalonsa on onneton.
Tragedian teksti kuulostaa usein säälittävältä. Monet tragediat kirjoitetaan jakeessa.
Tunnetut tragediat: Aeschylus "Chained Prometheus", V. Shakespeare "Romeo ja Juliet", A. Ostrovsky "Ukonilma".
Komedia
Komedia (kreikkalaisesta komos odesta - "hauska kappale") on kirjallinen draamateos, jossa hahmot, tilanteet ja toiminnot esitetään koomisesti huumorin ja satiirin avulla. Samanaikaisesti hahmot voivat olla melko surullisia tai surullisia.
Yleensä komedia esittelee kaiken, mikä on ruma ja absurdi, hauska ja absurdi, pilkkaa sosiaalisia tai arjen paheja.
Komedia on jaoteltu naamioiden, paikkojen, hahmojen komediaksi. Tämä tyylilaji sisältää myös farssi, vaudeville, välituote ja luonnos.
Sitcom (sitcom, situational comedy) on dramaattinen komedia, jossa tapahtumat ja olosuhteet ovat hauskanpito.
Hahmojen komedia (moraalikomedia) on dramaattinen komedia, jossa hauskan lähde on hahmojen (moraalin) sisäinen olemus, hauska ja ruma yksipuolisuus, hypertrofoitu ominaispiirte tai intohimo (pahe, puute).
Farce on kevyt komedia, joka käyttää yksinkertaisia \u200b\u200bsarjakuvatekniikoita ja on suunniteltu karkealle maulle. Yleensä farssi käytetään sirkuksessa laskeakseen.
Vaudeville on kevyt komedia, jossa on viihdyttävä intrigiteetti, jossa on paljon tanssinumeroita ja kappaleita. Yhdysvalloissa vaudevillea kutsutaan musikaaliksi. Nykyajan Venäjällä he myös yleensä sanovat "musikaali", tarkoittaen vaudeville.
Väliaika on pieni sarjakuvakohtaus, joka pelataan pääesityksen tai esityksen toimien välillä.
Luonnos (englanninkielinen luonnos - "luonnos, luonnos, luonnos") on lyhyt komedia teos, jossa on kaksi tai kolme merkkiä. Yleensä luonnokset esitetään lavalla ja televisiossa.
Tunnetut komediat: Aristofanesin "Sammakot", N. Gogolin "Yleinen tarkastaja", A. Gribojedovin "Wit of Wit".
Kuuluisat TV-luonnokset: "Meidän Venäjämme", "Kaupunki", "Flying Circus of Monty Python".
Tragikomedia
Tragikomedia on kirjallinen draamateos, jossa traaginen juoni on kuvattu koomisessa tai se on häiriöllinen kasa traagisia ja koomisia elementtejä. Tragikomediassa vakavat jaksot yhdistetään hauskoihin, ylellisiä hahmoja vievät koomiset hahmot. Tragikomedian päätekniikka on groteski.
Voimme sanoa, että "tragikomedia on hauska traagisessa" tai päinvastoin, "traaginen hausassa".
Tunnetut tragikomediat: Euripidesin "Alkestida", W. Shakespearen "Tempest", A. Tšehovin "Kirsikkapuutarha", elokuvat "Forrest Gump", "Suuri diktaattori", "Sama München."
Tarkempia tietoja tästä aiheesta löytyy A. Nazaykinin kirjoista
