Ranskan klassicism teatteri. Klassicismin normatiivinen runo

Teatteriteoreetikko
  klassismi kuten
  taidetta
  klassismi yleensä
  oli Nicola Boileau
(1636-1711).
   Boileau luotiin
  tiukka teatteri
  järjestelmä
  sääntelytyyppi.
   Hänen näkemyksensä hän
  asetettu
  teoreettinen runo
  "Poetic
  taidetta ”(1674).

  3. Kolmen yksikön lain noudattaminen.

  Kohtaus P. Cornellin "Sid" tragediasta

Klassismin aikakauden ranskalainen teatteri.

Klassismi on taiteellinen tyyli, joka esiintyi eurooppalaisessa taiteessa 1700-luvulla. Klassismi on ns. "Iso" tyyli - eli tyyli, joka on todistanut olevansa useissa taiteissa (teatteri, arkkitehtuuri, maalaus, veistos jne.) Ja joka oli olemassa useissa maissa (Ranska, Italia, Venäjä, Itävalta).

Periaatteessa klassismi osoittautui maissa, joissa hallitus oli monarkkinen. Ranskassa klassismi liitettiin Louis XIV: n absoluuttiseen monarkiaan.

Klassismin tärkein esteettinen idea oli järjen dominointi tunteiden suhteen.

Sana ”klassinen” itsessään käännetään latinaksi sanalla “esimerkillinen” - tälle tyylille oli ominaista suuntaus menneisyyden perinteisiin, etenkin muinaiseen ja renessanssin taiteeseen.

Yksi klassismin huippuista oli XVII-luvun ranskalainen teatteri.

Klassismin teatteritaiteella oli joukko tämän tyylin estetiikkaan liittyviä erityispiirteitä. Ensinnäkin se on ”kolmen yksikön sääntö”: ajan yhtenäisyys, paikan yhtenäisyys ja toiminnan yhtenäisyys. Toiseksi, klassicismille on tyypillistä tyylilajien jakaminen korkeaksi ja matalaksi (”korkea genre” - tragedia, historiallinen kuva, mytologinen kuva, runollinen oodi, runo; “matala genre” - komedia, arkipäiväinen (genre) maalaus, epigraami).

Klassicismikaudella suuret näytelmäkirjailijat Pierre Cornell, Jean Racine ja Moliere asuivat ja työskentelivät Ranskassa.

Pierre Cornell on ranskalaisen klassisen tragedian luoja. Tragediassaan "Sid" esitti ensimmäistä kertaa klassisen klassisen konfliktin - rakkauden ja velvollisuuden konfliktin.

Jean Racine jatkaa ja kehittää Cornellin perinteitä. Hänen näytelmiensä “Andromache”, “Fedra” juoni on lainattu muinaisesta mytologiasta, ja heillä on myös rakkauden ja velvollisuuden ristiriita.

Cornellin ja Racinen näytelmät käyvät harvoin modernien teattereiden lavalla (lukuun ottamatta ”Comedy Francaise”). Tämä johtuu XVII vuosisadan teatterielokuvan erityispiirteistä, joita ei voida soveltaa nykyaikaisiin näyttämöoloihin. Klassisen tragedian perusta on runollinen teksti, joka on luotu tiettyyn kokoon (”Alexandrian jae”); näytelmissä on vähän toimintaa (tapahtumia ei näytetä - heille kerrotaan heistä) - kaikki tämä vaikeuttaa modernin yleisön näkemystä näytelmästä.

Poikkeuksena tästä säännöstä ovat kuuluisan koomikon Molieren näytelmät. Hänen komediansa "Kauppias aatelisessa", Tartuffe ja "Imaginary Sick" eivät ole vieläkään menettäneet lavallisuuttaan. Moliere on "korkean komedian" genren (ts. "Kolmen yksikön sääntöjen" mukaisesti luotujen viiden näyttelijäkomedian, jossa myös jalon alkuperän edustajat toimivat tavallisten ihmisten kanssa, luoja.

Moliere oli kuningas Louis XIV: n tuomioistuimen näytelmäkirjailija, kirjoittanut säveltäjä Lullyn kanssa. Hän kirjoitti libreton ja runolliset tekstit tuomioistuimen baletteihin.

Klassismin runo.

* Runoilun (muuten - kirjallisuuden teoria tai kirjallisuus) tehtävä on tutkia kirjallisten teosten rakentamistapoja. Runouden tutkimuksen kohde on fiktio. Tutkimusmenetelmä on ilmiöiden kuvaus ja luokittelu sekä niiden tulkinta.

Termi "klassismi". Klassismi on termi, joka kuvaa tiettyä suuntaa, taiteellista menetelmää ja tyyliä taiteessa. Termi on johdettu latinalaisesta sanasta classcicicus - "esimerkillinen". Klassicistit yrittivät jäljitellä muinaisen taiteen näytteitä ja noudattivat antiikin taiteoreetikkojen (ensisijaisesti Aristoteles ja Horatius) asettamia normeja.

Klassismi on suunta. Klassicismi suuntauksena muodostuu 16-17-luvun vaihteessa. Sen lähtökohtana ovat italialaisten ja osittain espanjalaisten akateemisten koulujen toiminta, samoin kuin ranskalaisten kirjailijoiden Pleiades-yhdistys, joka kääntyi muinaiseen taiteeseen myöhään renessanssin aikana yrittäen löytää harmonisissa kuvissaan uuden tuen syvässä kriisissä kokeneille humanismin ideoille. Klassismin esiintyminen liittyy suurelta osin absoluuttisen monarkian muodostumiseen - valtion siirtymävaiheeseen, kun heikentynyt aristokratia ja porvaristo, jotka eivät ole vielä saavuttaneet voimaa, ovat yhtä mielenkiintoisia kuninkaan rajattomasta vallasta. Klassismi sai huippunsa Ranskassa. Ja tässä on erityisen selvästi mahdollista osoittaa sen yhteys absolutismiin. Klassicistien toimintaa johti Ranskan akatemia, jonka ensimmäinen ministeri kardinaali Richelieu perusti vuonna 1635 ja joka noudatti kaikkia hallituksen ohjeita. Suurien kirjailijoiden, taiteilijoiden, muusikoiden, klassistien luovuus oli riippuvainen kuninkaan kannattavasta näkemyksestä. Klassicismi suuntana kehittyi eri tavoin Euroopan maissa. Ranskassa se oli muotoutumassa 1590-luvulle mennessä, ja siitä tuli hallitseva suuntaus 1500-luvun puoliväliin mennessä, ja saavutti huippunsa 60-70-luvuilla, jolloin koettiin kriisi. XVIII vuosisadan alkupuolella. valaistunut klassismi, joka XVIII vuosisadan jälkipuoliskolla. menettää johtavia tehtäviä kirjallisuudessa. Kuitenkin Ranskan vallankumouksen aikana 1789-1794. sen pohjalta syntynyt ”vallankumouksellinen klassismi” vallitsee kaikilla taiteen pääaloilla. Klassismi suuntaan, menettäen progressiivisen sisällön, häviää taistelussa romantiikkaa vastaan \u200b\u200bja rappenee 1800-luvun alussa, mutta erilaisia \u200b\u200buusklassisia liikkeitä on edelleen olemassa tänä päivinä.

Klassicistisen liikkeen puitteissa käytiin taistelua eri suuntausten välillä. Joten Ranskassa Descartesin filosofian seuraajat (Boileau, Racine) erottuivat monista estetiikkakysymyksistä materialistisen Gassendin (Moliere, Lafontaine) seuraajien kanssa. Siellä oli erilaisia \u200b\u200bdraamakouluja (Cornell, Racine), erilaisia \u200b\u200bteatteriliikkeitä (Molieren taistelu Racineen teatteriesteettisyyden kanssa) jne.

Klassismin estetiikka.  Tärkein teoreettinen työ, joka esittelee klassisen estetiikan periaatteet, on Nicolas Boileaun kirja “Runollinen taide” (1674).

Klassicistit näkivät taiteen tavoitteen totuuden tuntemisessa, joka näyttää kauneuden ihanteelta. He esittivät menetelmän saavuttamiseksi, joka perustuu heidän estetiikan kolmeen keskeiseen luokkaan: mieli, kuvio, maku. Kaikkia näitä luokkia pidettiin taiteellisuuden objektiivisina kriteereinä. Klassicistien kannalta suuret teokset eivät ole kykyjen hedelmää, eivät inspiraatiota, ei taiteellista mielikuvitusta, vaan järkevän sanan jatkuvaa noudattamista, antiikin klassisten teosten tutkimista ja maissääntöjen tuntemusta. Siten ne tuovat taiteellisen toiminnan lähemmäksi tieteellistä toimintaa. Siksi ranskalaisen filosofin Rene Descartesin (1596-1650) rationaalinen menetelmä, josta tuli klassismin taiteellisen tiedon perusta, osoittautui heille hyväksyttäväksi.

Descartes väitti, että ihmismielellä on synnynnäisiä ideoita, joiden totuus on kiistaton. Ja jos siirrymme näistä totuuksista todistamattomiin ja monimutkaisempiin ehdotuksiin jakamalla ne yksinkertaisiksi, siirtymällä menetelmällisesti tiedossa tuntemattomasta ja välttäen loogisia puutteita, niin voimme löytää totuuden. Siten mielestä tulee rationalismin filosofian keskeinen käsite ja sitten klassismin taide.

Tällä oli suuri merkitys taistelussa uskonnollisten ideoiden suhteen ihmisen merkityksettömyydestä, taistelussa filosofien kanssa, jotka pitivät yllä maailman tietämättömyyttä. Tämän idean heikko puoli oli dialektisen näkemyksen puute. Maailmaa pidettiin liikkumattomana, tietoisuutta ja ihannetta muuttumattomana.

Klassicistit uskoivat, että esteettinen ideaali on ikuinen ja sama kaikkina aikoina, mutta vasta antiikin ajan se sisälsi taiteen täydellisimmin. Siksi voidakseen toistaa ideaalin uudelleen, on käännyttävä muinaiseen taiteeseen ja tutkittava huolellisesti sen lakeja. Siksi klassikot arvostivat mallien jäljitelmää korkeammalle kuin alkuperäinen teos. Antiikkiaan kääntyen klassikot kieltäytyivät jäljittelemästä kristillisiä malleja jatkaen renessanssin humanistien taistelua uskonnollisesta dogmasta vapaana olevan taiteen puolesta. On huomattava, että antiikista lähtien klassistit lainasivat ulkoisia piirteitä. Muinaisten sankarien nimissä, 17-18-luvun ihmiset olivat selvästi nähtävissä, ja muinaiset aiheet aiheuttivat aikamme akuutimpia ongelmia.

Järkevä kultti vaati teosten sisällön ja muodon, tyypitysperiaatteiden ja genrejärjestelmän radikaalia uudelleenjärjestelyä. Klassistit julistivat luonnon jäljitelmän periaatetta, rajoittaen tiukasti taiteilijan oikeutta fantasiaan. Taide tuli lähelle poliittista elämää, sen tärkein tehtävä oli kansalaisen kouluttaminen. Siksi klassismin teosten keskipisteessä ovat kansallisesti kiinnostavat ongelmat.

Luonnetta.Klassismin taiteessa ei kiinnitetä huomiota tiettyyn, yksilölliseen, satunnaiseen, vaan yleiseen, tyypilliseen. Siksi sankarin hahmolla ei ole kirjallisuudessa yksilöllisiä piirteitä, ja se toimii yleistyksenä kokonaisuudelle ihmisryhmistä. Klassicistinen hahmo - tämä on erottuva ominaisuus, yleinen laatu, tietyn inhimillisen tyypin erityisyys. Hahmo voi olla äärimmäisen, epätodennäköisesti osoitettu, koska tällainen teroitus ei vääristä sitä, vaan päinvastoin paljastaa sen. Tämä erottaa luonteen tavallisista piirteistä - ominaispiirteistä, joita kutakin ei voida terävöittää toisten vastakkaisiksi, jotta yhdysrakenteet eivät vääristyisi kokonaisuuden kuvassa. Moraali - tämä on yleinen, tavallinen, tavanomainen, luonne - erityinen, harvinainen juuri yhteiskunnan laajuudessa hajallaan olevan omaisuuden vakavuuden suhteen. Klassisen kirjoittamisen periaate johtaa sankareiden terävään erotteluun positiivisiksi ja negatiivisiksi, vakaviksi ja hauskoiksi. Samaan aikaan naurusta tulee yhä satiirisempaa, sillä se kohdistuu pääasiassa negatiivisiin hahmoihin.

Tärkein konflikti. Syyluokka on keskeinen myös klassismin löytämän uuden tyyppisen taiteellisten konfliktien muodostumisessa: syy, velvollisuus valtiolle - ja tunteen, henkilökohtaisten tarpeiden, intohimojen välillä. Riippumatta siitä, miten tämä konflikti ratkaistaan \u200b\u200b- järjen ja velvollisuuksien voitto (kuten Cornell) tai intohimojen voitto (kuten Racine), klassikkolaisten ideaali on vain kansalainen, joka asettaa velvollisuutensa valtiolle yksityiselämän yläpuolella. Tutkiessaan kaksi ihmistä - julkista ja yksityishenkilöä - kirjoittajat etsivät tapoja sovittaa järki ja tunne ja uskoivat harmonian lopulliseen voittoon. Tämä on yksi klassisen kirjallisuuden tärkeimmistä optimismin lähteistä, jonka sosiaalinen perusta näkyy 1700-luvun absolutismin historiallisessa etenemisessä. ja 1800-luvun koulutusideologiassa, koska juuri absoluuttisen monarkian ja kasvatusideologian ideologian kanssa klassismin ongelmat liittyvät toisiinsa.

Tutkimme klassismin pääperiaatteita mielen luokkaan perustuen. Mutta meidän on muistettava, että jokainen näistä periaatteista määritellään luokkien "näyte" ja "maku" valossa. Esimerkiksi luonnon jäljitelmän periaate. Se vain ulkoisesti vastaa realistisen uskollisuuden vaatimusta todellisuuteen. Todellisuus on läsnä klassicistien teoksessa vain siinä määrin kuin se vastaa mallia, toisin sanoen todellisuus esitetään kauneuden ihanteen prisman kautta. Siksi klassisteja ei houkuttele koko luonto, vaan vain ”miellyttävä luonto” (kuten Boileau totesi). Se, mikä on ristiriidassa kuvion ja maun kanssa, karkotetaan taiteesta. Klassistit näkevät koko joukon esineitä "säädyttöminä", korkean taiteen kelvottomina. Niissä tapauksissa, joissa todellisuuden ruma ilmiö on toistettava, se kuvataan myös kauneuden prisman kautta. Tämän kirjoitti Boileau "Poetic Art":

Käärme, kummajainen - kaikki mikä näyttää kauhealta,

Taide, adoptio, on meille kaunis.

Genreteoria.  Suuri huomio kiinnitettiin genreteorian klassikkoihin. Kaikki lajityypit, jotka ovat kehittyneet vuosisatojen ajan, eivät ole täysin täyttäneet klassismin vaatimuksia. Ja sitten genrejen hierarkian (ts. Subordinaation) periaate, joka väitti heidän epätasa-arvoisuudestaan, näytti tuntemattomana aikaisempien aikojen kirjallisuudelle. Tämä periaate oli sopusoinnussa absolutismin ideologian kanssa, joka vertasi yhteiskuntaa pyramidiin, jonka päällä kuningas seisoo, samoin kuin rationalismin filosofian kanssa, joka vaati selkeyttä, yksinkertaisuutta ja systemaattista lähestymistapaa mihin tahansa ilmiöön.

Hierarkian periaatteen mukaan on pää- ja ei-pää genrejä. Vuoden XVII vuosisadan puoliväliin mennessä. mielipide oli vakiintunut siitä, että tärkein kirjallisuuslaji on tragedia (arkkitehtuurissa - palatsissa, maalaamisessa - etukuvassa jne.). Proosa, etenkin fiktio, asetettiin runon alle. Siksi proosalajeista, kuten saarnoista, kirjeistä ja muistelmista, joita ei yleensä ollut suunniteltu esteettiseen havaitsemiseen, tuli laajalle levinnyt ja fiktio, erityisesti romaani, unohdettiin (Clevesin prinsessa M. de Lafayette on onnellinen poikkeus).

Hierarkian periaate jakaa genrejä myös korkeaan ja matalaan, ja genreille on osoitettu tiettyjä taiteellisia alueita. Joten ”korkeille” tyylilajeille (tragedia, oodi jne.) Kansalliset kysymykset korjattiin, ne voivat kertoa vain kuninkaista, komentajaista ja korkeammasta aatelisesta, näiden teosten kieli oli kohotettu, juhlallinen (”korkea rauhallinen”). "Matalassa" tyylilajissa (komedia, tarina, satiiri jne.) Voitaisiin käsitellä vain tiettyjä ongelmia tai abstrakteja paheja (turhauttavuus, tekopyhyys, turhamaisuus jne.), Jotka toimivat ihmisen luonteen absoluuttisina piirteinä. Alemman luokan edustajat voivat olla "alhaisen" genren sankareita, mutta jalojen poisto sallittiin vain poikkeustapauksissa (sitä enemmän voit arvostaa Molieren rohkeutta, joka teki markiisikuvasta pysyvän sarjakuvanhahmon). Tällaisten teosten kielellä sallittiin epäkohteliaisuus, epäselviä vihjeitä, pun ("hiljainen rauha"). Sanojen "korkea rauha" käyttö oli täällä yleensä parodia.

Racionalismin periaatteiden mukaisesti klassikot esittivät tyylilajien puhtausvaatimuksen. Sekalaiset tyylilajit, kuten tragikomedia, ovat syrjäytyneitä. Tämä on tärkein isku tietyn genren kyvylle näyttää kattavasti todellisuutta. Tästä lähtien vain koko genrejärjestelmä pystyy ilmaisemaan elämän monimuotoisuutta. Siksi klassicistit, ottaen useita tyylilajeja "matalaa", kehittää niitä kuitenkin laajasti ja esittävät sellaisia \u200b\u200bklassikoita kuin Moliere (komedia), Lafontaine (fable), Boileau (satiiri).

Siitä huolimatta klassismin kirjoittajat kiinnittivät päähuomiota tragediaan. Tässä lajissa lait olivat kaikkein tiukeimpia. Juoni (historiallinen tai legendaarinen, mutta uskottava) piti toistaa muinaisia \u200b\u200baikoja, kaukaisten valtioiden elämää (muinaisen Kreikan ja Rooman lisäksi - itämaat) ja arvata nimeltä ideana - Boileaun ensimmäisiltä riveiltä: ”Jo ensimmäisten rivien tulisi olla selkeitä näytelmät ovat ydin ”). Juonteen kuuluisuus vastusti juonittelukulttia ja sekava toiminta, sitä vaadittiin vahvistamaan ajatus lain voitosta sattuman yli.

Kolminaisuus. Erityinen paikka tragedian teoriassa oli kolmeen yhtenäisyyteen perustuvalla periaatteella. Se muotoiltiin 1500-luvun italialaisten ja ranskalaisten humanistien kirjoituksissa. (D. Trissino, J. C. Scaliger ja muut), jotka luottivat Aristoteleeseen taistelussa keskiaikaisen teatterin kanssa. Mutta vain klassistit XVII luvulla. (etenkin Boileau) nosti hänet kiistattomaan lakiin. Toiminnan yhtenäisyys edellytti yhden kokonaisen ja täydellisen toiminnan toistamista, joka yhdistäisi kaikki hahmot (näytelmän sivutarinaa pidettiin yhtenä tämän yhtenäisyyden loukkauksista). Ajan yhtenäisyys pelkistettiin vaatimukseen asettaa näytelmän toiminta yhdeksi päiväksi. Paikan yhtenäisyys näkyi siinä, että koko näytelmän toiminnan oli tarkoitus avautua yhdessä paikassa (esimerkiksi yhdessä palatsissa). Kolmen yhtenäisyyden käsite perustuu uskottavuuden periaatteeseen - klassismin perusperiaatteeseen, joka on kehittynyt taistelussa keskiaikaisen ideologian ja kulttuurin perinteitä vastaan.

Keskiaikaisissa mysteereissä, joita pelattiin useista tunneista useisiin päiviin, maailmankaikkeuden koko historia esitettiin yleensä sen luomisesta ensimmäisten ihmisten putoamiseen tai muihin raamatullisen historian valtaviin ajanjaksoihin. Pieni kohtaus kuvaa maata, taivasta ja helvettiä. Paikan ja ajan yhtenäisyyden vaatimus muutti draaman rakennetta, koska se sai näytelmäkirjailijat näyttämään kaiken toiminnan, mutta vain sen huipentumisen. Yksi ajan ja paikan keskittymisen periaate korvattiin toisella. Pitäen kuitenkin toista periaatetta uskottavampana, klassikot olivat erehtyneet, koska he eivät silti ottanut huomioon taiteen subjektiivisen käsityksen piirteitä. Subjektiivisen katsojan avaavat romantiikat arvostelevat ajan ja paikan yhtenäisyyden periaatetta juuri epäkelpoisuuden vuoksi.

Yleisesti ottaen on huomattava, että normatiivisesta klassisesta estetiikasta tuli myöhemmin jarruna taiteen kehitykseen. Klassismin normatiivisuuden kanssa romantiikat ja realistit taistelivat taistelussa.

Klassismi tyylinä.  Klassismi tyylinä on kuvioiden ja ilmaisukeinojen järjestelmä, joka tyypillistää todellisuutta antiikkikuvioiden prisman kautta, mikä nähdään harmonian, yksinkertaisuuden, ainutlaatuisuuden, järjestetyn symmetrian ideaalina. Siksi tämä tyyli toistaa vain muinaisen kulttuurin rationaalisesti järjestetyn ulkoisen kuoren välittämättä sen pakanallista, monimutkaista ja jakamatonta olemusta. Ei klassisessa tyylissä, ei antiikkiasutuksessa, mutta absolutistisen aikakauden ihmisen maailmankuvan ilmaisussa. Hänestä erottuu selkeys, monumentaalisuus, halu poistaa kaikki tarpeeton, luoda yhtenäinen ja kiinteä vaikutelma.

Renessanssikriisin jälkeen toivon ja illuusion aikakausi. Yksi suunnista, joissa tämä ajatus ilmaistiin, oli klassismi.

klassismi (Ranskalainen klassisismi, latinalaisesta klassikosta - esimerkillinen) - taiteellinen tyyli ja esteettinen suunta XVII-XIX vuosisatojen eurooppalaisessa taiteessa, kyky palvella huippuosaamisen normeja. Standardit ovat muinaisten kirjailijoiden teosten mukaisia.

Klassismin kehitys taiteellisena suunnana määräsi monarkinen valtio. Huomion painopiste on siirtymässä teatteriin, ja normatiivisesta estetiikasta ja kuninkaallisesta suojelusta tulee tärkeimmät vaikutusmuodot taiteelliseen kulttuuriin.

Klassicismi perustuu rationalismin ideoihin, jotka muodostettiin samanaikaisesti samojen ideoiden kanssa Descartesin filosofiassa. Taideteos olisi klassismin näkökulmasta rakennettava tiukkojen kaanonien perusteella, paljastaen siten maailmankaikkeuden harmonian ja logiikan. Klassismiin kiinnostava on vain ikuinen, muuttumaton - kussakin ilmiössä hän pyrkii tunnistamaan vain olennaiset, typologiset piirteet ja hylkäämään satunnaiset yksittäiset merkit.

Tietynä suunnana klassismi syntyi Ranskassa 1700-luvulla. Ranskalainen klassismi vahvisti ihmisen persoonallisuutta olemisen korkeimpana arvona, vapauttaen hänet uskonnollisesta ja kirkon vaikutuksesta.

Ensimmäinen muotoili uuden tyylin perusperiaatteet Francois d "Obignac  (1604-1676) kirjassa "Theatre Practice". D "Obignac asetti Aristoteleen ja Horacen näkemykset draamasta." Obignac asetti vaatimukset esimerkilliselle teatteriesitykselle. Teoksen on noudatettava kolmen yksikön lakia - muuten yleisö ei hyväksy lavasuoritusta, ei "kyllästä" mieltään eikä saa mitään oppitunteja.

Ensimmäinen vaatimus on paikan yhtenäisyys:  näytelmätapahtumien tulisi tapahtua yhdessä tilassa, maisemien muuttamista ei sallittu. Tragedian kohtauksesta tuli usein palatsin sali; komediat - kaupungin aukio tai huone.

Toinen vaatimus on ajan yhtenäisyys,  ts. likimääräinen sattuma (ei ollut mahdollista saavuttaa kokonaan) näytelmän kestosta ja ajanjaksosta, jolloin näytelmän tapahtumat ilmenevät. Toiminnan ei tulisi ylittää päivän rajoja.

Viimeinen vaatimus on toiminnan yhtenäisyys.  Näyttelmässä tulisi olla yksi tarina, jota ei pidä kuormittaa sivujaksoja; hänen täytyi pelata peräkkäin solmioista poistoon.

Klassicismi asettaa genrejen tiukka hierarkia, jotka on jaettu korkeaan (oodi, tragedia, eeppinen) - ruumiillistettuihin historiallisiin tapahtumiin ja puhui suurista persoonallisuuksista ja heidän hyväksikäytöistään; matala (komedia, satiiri, fable) - puhui siviilien elämästä. Kullakin tyylilajilla on tiukasti määritellyt piirteet, joiden sekoittaminen ei ole sallittua.

Kaikki teatteriteokset koostuivat viidestä näytöstä ja kirjoitettiin runollisessa muodossa.

Klassicismiteoriaan Ranskassa 1700-luvulla. otettu vakavasti. Ranskan akatemia (perustettu vuonna 1635) kehitti uusia dramaattisia sääntöjä. Teatteritaiteelle annettiin erityinen merkitys. Näyttelijöitä ja näytelmäkirjailijoita pyydettiin palvelemaan yhden vahvan valtion luomista, näyttämään yleisölle esimerkki ihanteellisesta kansalaisesta.

Ranskan klassismin teatterin näkyvimmät edustajat:

Pierre Cornel (ranskalainen Pierre Corneille, lausutaan Corney; 6. kesäkuuta 1606, Rouen - 1. lokakuuta 1684, Pariisi) - ranskalainen runoilija ja näytelmäkirjailija, ranskalaisen tragedian isä; Ranskan akatemian jäsen (1647).

Jean Racine

Phaedra. Mutta kaikki oli turhaa - ja suitsukkeita, ja verta:

Paranmaton rakkaus tuli minuun!

Minä rukoilen jumalatar Aphrodite,

Oli uppoutuneena Hippolytus-unista,

Eikä hän - voi ei! - idoloi häntä,

Hän kantoi lahjansa alttarin jalkalle.

Theseus. Poikani Minun seuraajani!

Hän pilaa minut!

Kuinka kauhea jumalien viha on, kuinka käsittämätöntä! ..

Jean Racine. "Phaedra"

Tit. Joten, Titus on huono? Loppujen lopuksi Berenice odottaa.

Oletko keksinyt selkeän, armoton vastauksen?

Vastustaa taistelua

Löydätkö tarpeeksi julmuutta itsestäsi?

  Se on liian vähän ollakseen pysyvä ja ankara -

Ole valmis sokealle barbarismille tästä eteenpäin!

Jean Racine. "Berenice"

Moliere - ranskalainen runoilija ja näyttelijä; klassisen komedian perustaja. Moliere on salanimi, oikea nimi on Poklen. Näyttelijä ja näytelmäkirjailija muutti nimeään, jotta hän ei häpeäisi isäänsä - kunniallista kuninkaallista huonekalujen valmistajaa ja verhoilijaa. Näyttelijän ammatti XVII-luvulla. pidettiin syntisenä. Elämänsä lopussa näyttelijät pakotettiin parannuksella luopumaan veneistään. Muuten kirkko ei antanut heidän haudata hautausmaalle, ja kuolleet löysivät viimeisen turvapaikkansa kirkon aidan takana.
Moliere sai näyttämökokemuksen maakunnassa. Italian teatterin vaikutelmassa hän kirjoitti farkuisia kohtauksia. Syksyllä 1658 Moliere-ryhmä saapui Pariisiin ja antoi esityksiä Louis XIV: n edessä yhdessä Louvren salista. Molieren näyttelijät olivat valtava menestys, ”koko Pariisi” halusi nähdä uuden ryhmän esitykset. Aluksi dramaturgin suhteet kuninkaan kanssa kehittyivät hyvin, mutta vähitellen ne hämärtyivät. Kuusi vuotta muuttuaan Pariisiin vuonna 1664, ryhmä soitti uuden komedian kuninkaan edessä - Tartuffe tai Deceiver. Päähenkilö - veijari ja pettäjä, tekopyhä ja utelias - käytti tykillä, ja vallanpitäjät päättivät, että näytelmä loukkaa sekä kirkkoa itse että vaikutusvaltaista organisaatiota ”Pyhien lahjojen yhdistys”.

Näytelmä kiellettiin, ja Moliere haki viiden vuoden ajan tuotantoaan omasta teatteristaan. Lopulta lupa saatiin, ja esitys oli valtava menestys. Kirjailija itse soitti uskomattoman Orgonin - pettäjän Tartuffe-temppujen uhrin. Ainoa kuninkaan puuttuminen (sellainen juoni oli 1700-luvun hengessä, klassismin hengessä) pelasti onnettoman Orgonin perheen raunioista ja vankilasta.

  Molieren kokemus näytelmäkirjailijana on erottamaton kokemuksesta Molieresta näyttelijänä. Moliere keksi loistavasti näkemykset lavataiteesta, traagisten ja sarjakuvien näyttelijöiden näytelmän eroista omassa teatterikäytännössään.
Tartuffe: n jälkeen Moliere kirjoitti ja ohjasi kaksi komediaa, joista tuli kuolematon. Näytelmässä Don Giovanni eli Kivivieraana (1665) näytelmäkirjailija kirjoitti kuuluisan tarinan aristokraatin roikkujen kiireisestä elämästä ja oikeudenmukaisesta kososta, joka ohittaa hänet synneistä ja jumalanpilkasta. Moliere-sankari on vapaamielisyys ja epäilijä, 1700-luvun mies.

Toisin kuin Don Giovannissa, vapaan ajattelun ja vapaan tahdon motiivi tulkittiin Misanthropessa (1666). Dramaattiset, jopa traagiset motiivit ovat jo kuuluneet täältä. Moliere-naurusta tuli ”naurua kyyneleiden läpi” - näyttelmän pääideana oli loppujen lopuksi se, että ihmisten keskuudessa eläminen ja sielun jalan säilyttäminen on mahdotonta.

Moliere hylkäsi näytelmissään kolmen yksikön klassisen teorian, jota hän ei kyllästynyt kritisoimaan, hän rikkoo tiukkoja sääntöjä. Moliere kuoli lavalla. Elämänsä viimeisinä vuosina hän tukehtui, hänestä tuli vaikeaa puhua runoutta, joten näytelmäkirjailija kirjoitti itselleen roolit proosaan. Pariisin arkkipiispan määräyksellä Moliere haudattiin samalla tavalla kuin itsemurhia haudattiin kirkon aidan taakse. Paljon myöhemmin Ranska myönsi neroilleen kunnianosoitukset, joita hän ei koskaan saanut elämänsä aikana.

Klassismin historia ei lopu 1700-luvulle. Seuraavalla vuosisadalla jotkut sen periaatteista pyrkivät elvyttämään näytelmäkirjailijaa ja filosofia Voltairea, näyttelijöitä Lekenia ja Clairenia, runoilijoita ja muusikoita. Kuitenkin XVIII vuosisadalla. klassismi oli jo havaittu vanhentuneeksi tyyliksi - ja valaistumisen taide syntyi klassismin voittamisessa.

Oppilaitos

"Valkovenäjän valtionyliopisto

kulttuuri ja taide

Tiivistelmä teatterin historiasta:

”Ranskan klassismin teatteri. Jean Baptiste Molieren teatteri »

Työ valmis:

Govin T.V.

4-vuotinen 416A: n liittovaltion lain opiskelija

1. Ranskan klassismin alku

Pierre Cornell

Jean Racine

Jean Baptiste Moliere. Moliere-teatteri

Näyttelijät Moliere

Viitteet

1. Ranskan klassismin alku

Ranskan kansallisteatterin synty tapahtuu samaan aikaan kuin Ranskan kansallisvaltion muodostuminen. Keskiaikainen poliittinen ja taloudellinen erimielisyys, joka esti ranskalaisten yhdistymisen, esti kansallisen kulttuurin ja taiteen luomisen. Vain 1500-luvun jälkipuoliskolla alkanut kuninkaallinen valta keskittyi aatelistoon ja kaupunkien porvariin luottaen ja mursi feodaalien vastarinnan ja loi perustan yhdelle valtiolle. Vuosina 1461–1483 hallitustensa Louis XI saattoi päätökseen Ranskan yhdistymisen valloittaen Burgundian ja Provencen ja vetämällä herroilta oikeuden ylläpitää joukkoja. Hänen seuraajansa Charles VIII: n (1483-1498) alaisuudessa viimeiset kapinalliset feodaalit rauhoitettiin ja Bretagne annekkoitiin, ja Louis XII: n (1498-1515) alaisuudessa Ranska, joka yhtenä kansallisvaltiona, tuli kansainvälisen politiikan areenalle väittämällä Italian alueille. Kuninkaallinen valta vahvistui lopulta ja Francis I: n (1515-1547) johdolla se alkoi saada absoluuttisen luonteen.

Uskollisen aatelin jälkeen kaikki yhteiskunnalliset ryhmät tunnustivat hallitsijan arvokkuuden: talonpojat ja käsityöläiset tukivat kuninkaita näkemällä heissä suojan feodaaliselta mielivallalta; porvaristo tunsi selvästi keskitetyn vallan etuna hajautetusta vallasta; vanhukset näkivät käytännössä vihollisensa merkityksettömyyden feodaalien vahvimpien kanssa ja riippumattomista ritarista muuttuivat tottelemattomiksi tuomariksi. Ja Francisksen jälkeen olen tehnyt konkordaatin paavi Leo X: n kanssa, jonka nojalla Ranskan kuninkaasta tuli ranskalaisen kirkon pää, kuninkaallinen viranomainen ja papit totesivat. Kuten tuomarit sanoivat, ”un roi, une loi et une foi” hallitsi maassa (yksi kuningas, yksi laki ja yksi usko).

Absoluuttinen monarkia, joka ilmentää kansakunnan ajatusta, otti suojelussaan kansallisen sivilisaation syyn. Tuhoamalla feodaalisen ja kirkollisen itsenäisyyden, kuninkaallisen vallan piti taistella vastustajiensa ideologian kanssa. Feodalismin uskonnollista askeettista maailmankatsomusta vastusti rakastava epikyrismi, joka heijastui samanaikaisesti tuomioistuinelämässä, filosofisessa tutkimuksessa ja taiteessa.

Humanistien mukaan korkea kansallinen kulttuuri voisi syntyä vain muinaisten jäljittelystä. Mutta antiikin jäljitelmä ei johda taiteilijoita pois nykyaikaisuudesta. Muinaisen perinteen mukaisesti humanistiset runoilijat arvostivat korkeasti taiteen sosiaalista roolia.

Ensimmäinen klassistisen näytelmän julkinen tuotanto Ranskassa juontaa juurensa vuotta, jolloin intohimojen veljeskunta kiellettiin mysteerien edustajana. Italialaiset näyttelijät näyttelivät vuonna 1548 Lyonin kaupungissa kuningas Henry II: n kruunauksen kunniaksi kardinaali Bibbienan komediaa "Calandro" - Platovskin "Menekhms" -motiivin seurauksena. Ja vasta neljä vuotta tämän jälkeen, vuonna 1552, ensimmäinen ranskalainen esitys uudesta klassicistisesta suunnasta annettiin jo. Yliopiston rakennuksessa kuninkaan läsnä ollessa nuoret tutkijat pelasivat tragediaa "Cleopatra", jonka kirjoitti yliopiston lemmikki Etienne Jodelle. Esitys oli täydellinen menestys, sali oli täynnä kapasiteettia. Yksi katsojista kirjoitti päiväkirjaansa: "Kaikki ikkunat oli täynnä lukemattomia jaloja kasvoja, ja piha oli niin täynnä koululaisia, että kaikki yliopiston ovet murtautuivat heiltä." Esittäessään tragedian, jossa nuori kirjailija itse toimi Egyptin kuningattaren roolissa, Jodelle sai kunnianosoituksen kuninkaallisella kiitoksella ja sai lahjaksi 500 kultaa ecua.

Samaan aikaan Zhodelin Kleopatraan osallistuneet koululaiset Jean Battier ja Charles Tuten seurasivat pian kuuluisan ystävänsä esimerkkiä ja kirjoittivat ensimmäisen Medean ja toisen Agamemnonin Senecan samannimisten teosten perusteella.

Heidän aktiivisuudellaan oli asteittain merkitys teatteritaiteen kehittämiselle. Klassismi on dramaattisen taiteen vapauttanut uskonnollisesta maailmankatsomuksesta ja salaperäisistä sankareista samalla tavalla kuin säädytöntä juontia ja farkuisia hahmoja. Mysteeri ja farssi julistettiin barbaarisuuden tulokseksi. Taide tunnisti vain sen, mikä vastasi antiikkikuvioita. Taidevaltion kriteeri on hyvin kapea: teoksen arvokkuutta ei nyt määrittele sen suosittu menestys, vaan antiikin tutkijoiden arvio.

Luokkahierarkia heijastui tyylilajien hierarkiaan. Perinteisen estetiikan mukaan komedia klassisessa taiteessa oli alempi kuin tragedia. Arjen ja tavallisten ihmisten kuvaamiseksi suunnitellulla hänellä ei ollut oikeutta puuttua korkean ideologian kysymyksiin ja kuvata kohonneita intohimoja. Tragedian ei kuitenkaan olisi pitänyt koskea tavallisiin aiheisiin ja antaa matalan alkuperän ihmisten päästä sen rajoihin, mutta myöhemmässä kehityksessään klassismi leimasi korkean komedian, klassismin demokraattisimman ja elintärkein todistusvoimaisen genren syntyyn. Molieren teoksessa "korkea komedia" yhdisti kansan farssin perinteet linjaan humanistista draamaa.

Klassisen estetiikan merkittävin saavutus oli toiminnan yhtenäisyyttä koskeva laki, jonka lainaavat oppineet humanistit Aristoteleen poetiikasta. Toiminnan yhtenäisyyttä koskeva laki tuhosi lopullisesti dramaattisessa taiteessa aiheettoman aiheiden keräämisen ja alisti juonen yhdelle ideologiselle käsitteelle. Toiminta köyhdytti ulkoisia tapahtumia, mutta toisaalta se sai sisäisen säännöllisyyden ja alkoi kehittyä sankarien henkilökohtaisten kokemusten suuntaan.

Aristotelliseen toimintayhdistelmälakiin humanistit lisäsivät italialaisten seurauksena toiminnan ja paikan yhtenäisyyttä koskevaa lakia. De la Tail kirjoitti: "Tarinan tai juonen on aina esitettävä samana päivänä, samaan aikaan ja samassa paikassa."

Kaikki kolme yhtenäisyyttä koskevaa lakia, ulkoisesta pedanssistaan \u200b\u200bhuolimatta, luotiin tavoitteena saavuttaa ehdoton samankaltaisuus elämän ja taiteen välillä.

Klassismin normatiivinen estetiikka, joka sisälsi monia hyödyllisiä ja kiistattomia säännöksiä, suojasi teatteria todellisuuden monimuotoisuudesta, riisti taiteilijoilta uskon välittömiin tuntemuksiinsa, tasoitti heitä ja muutti luovuuden usein pedanttiseksi käsitykseksi. Kaiken tämän seurauksena mieli voitti, mutta runous kasvisi. Ja taide osoittautui vieraantuneeksi ihmisistä.

Tämä kuolleena syntynyt dramaturgia ei tietenkään voinut kiehtoa yleisöä. Kuten jo todettiin, klassitsistien teoksia näytettiin harvoin lavalla ja aina kapealla rakastelijaryhmällä.

Tällainen kohtalo kärsi jopa 1500-luvun klassisen teatterin lahjakkaimmista edustajista - Garnierista ja Larivesta.

Ranskan klassicismin tunnetuimmat tragedian runoilijat ovat Cornell ja Racine. Juuri näihin nimiin liittyy klassisen tragedian genren kehitys. Mitä näytelmäkirjailijan kotimaassa rakastetuimpiin klassisiin komedioihin, jotka ovat Moliere-teoksia, niitä on säilytetty 300 vuoden ajan ja melkein kaikkien maailman teattereiden ohjelmistossa.

2. Pierre Cornell

Pierre Cornell oli uuden tyyppisen sankarillisen tragedian luoja, joka ilmaisi kaikkein täydellisimmin vuosisadan humanistiset ihanteet ja ruumiillisti klassisen draaman korkean genren esteettiset normit. Cornelin vuonna 1636 kirjoittama tragedia “Cid” merkitsi virstanpylvästä ranskalaisen teatterin historiassa: klassistisen tragedian tyyli löydettiin. Klassicismista draaman ja teatterin alalla on nyt tullut hallitseva tyyli, joka alistaa sen vaikutuksen seuraavan 1700-luvun ranskalaiselle teatterille. Ja se vaikuttaa dramaattisen ja näyttämöteoksen kehitykseen muissa Euroopan maissa.

Cornel syntyi Rouenissa byrokraattisessa perheessä ja sai oikeustieteen tutkinnon, mutta melkein ei harjoittanut lakia. Nuoresta iästä lähtien hän oli rakastanut runoutta, vuonna 1629 hän kirjoitti lyyrisen komedian säkeissä "Melita", jota piti kuuluisa näyttelijä Mondori, joka kierteli Rouenia ja asetti hänet Pariisin näyttämölle. Juuri tästä nuorelle kirjailijalle merkittävästä tapahtumasta hänen dramaattiset työt alkavat.

Muutettuaan Pariisiin Cornell kirjoittaa komedioita ja tragikomedioita yksi toisensa jälkeen ja esittelee niihin eläviä kuvia elämästä ja aitoa draamaa. Richelieu itse kiinnostui näytelmäkirjailijasta ja ehdottaa liittymistä kirjailijaryhmään, joka auttoi kardinaalia toteuttamaan hänen kirjallisia ajatuksiaan, jotka liittyvät absolutismin ideologian vahvistamiseen. Mutta Cornellin työ ei sopeutunut poliittisten vaatimusten puitteisiin.

Vuonna 1634 Cornell luo tragedian Sidille ja välittää näytelmän tuotantoon ystävälleen Mondorille. Ensi-ilta pidettiin Mare-teatterissa talvikaudella 1636-1637. Esitys oli ilmiömäinen menestys. Mondore kirjoitti ystävälleen: ”Ihmisten tungosta teatterimme ovella oli niin suuri, ja sen huone oli niin pieni, että kohtauksen nookit ja kranniat, jotka yleensä toimivat sivujen kapeina, näyttivät olevan sinisten nauhojen kunniapaikat, ja koko kohtaus koristeltiin ristillä. Ritarin ritarit. "

Ranskan akatemia harkitsi Richelieun suuntaan Sid-tragediaa. Akateemikot sanoivat, että Cornell loukkasi kaikkia yhtenäisyyslakeja.

Sidin tuomitseminen vaikutti Cornelin jatkotyöhön. Hänen vuonna 1640 luoma tragedia ”Horace” kirjoitettiin jo noudattaen tarkkaan kaikkia klassistisia sääntöjä, ja hänen ajatuksensa oli selvästi isänmaallinen.

Ajan myötä Cornellin tragediat muuttuivat staattisemmiksi. He menettivät dramaattisen intohimonsa ja muuttuivat jakeessa moraalisiksi traktaateiksi. Theodora, Heraclius seurasi laskevaa linjaa, joka johti Cornelin epätodelliseen tragediaan Pertarit, joka epäonnistui epäonnistuneesti vuonna 1652, ja useisiin myöhemmin epäonnistuneisiin teoksiin.

Vanha mies Cornel yritti turhaan pitää entisen paikkansa teatterielämässä; hänen periaatteet olivat jo kaatuneet, mutta hän ei halunnut eikä voinut oppia uusia. Tunne hämmästyttää häntä. Mestaruus siirtyi nuorelle Racineelle.

3. Jean Racine

Toinen vaihe klassisen tragedian genren kehittämisessä liittyy Jean Racine -nimeen, joka rikastutti tätä tyylilajia syvillä eettisillä kysymyksillä ja hahmojen hienoimmalla psykologisella linjalla. Racine vastusti Cornellin, ihmisen sisäisen elämän kuvan, tehokasta energiaa ja retorista majesteettisuutta. Tragedioiden juoni on hyvin yksinkertainen ja lähellä ihmisten välisiä perhe- ja henkilökohtaisia \u200b\u200bsuhteita.

Jean Racine syntyi Le Ferte-Milonissa, alueellisen syyttäjän perheessä. Ei ollut kulunut edes vuotta pojan syntymästä, kun hänen äitinsä kuoli ja kun hän oli kolmevuotias, hän menetti isänsä. Kymmenen vuoden ikäisenä poika sijoitettiin korkeakouluun Beauvaisin kaupungissa ja seitsemäntoista vuotiaana hän siirtyi Por-Royalin luostarin Jansenist-kouluun.

Vilkas, vapautta rakastava luonto, antiikin runouden varhainen intohimo jo nuoruudessaan määritti Rasinin halun kirjalliseen luomiseen ja rakkauden teatteriin.

Racine muutti Pariisiin, missä hän opiskeli logiikan luokassa d'Acourtin yliopistossa ja teki menestyksekkäästi runollisen debyytinsä kirjoittamalla oodin "Seine-nimikkeen" tuomioistuimen juhlaan. Kuninkaallisen armon merkitsemällä, Racine hyväksytään Versailles-tuomioistuimeen, joka tuolloin oli kansallisen taiteen linnoitus.

Pariisissa Racine tapasi Boileau, Lafontaine ja Moliere ja kirjoitti hänen neuvonsa perusteella ensimmäisen tragediansa - Thebaidan, sitten Aleksanteri Suuren, mutta oppisopimuskoulutuksen ja sydämellisyyden aika oli loppumassa. Rasin kirjoittaa ”Andromachen” tragedian puhumalla jo itsenäisenä taiteilijana, joka pystyy kuvaamaan hahmoja elävästi ja paljastamaan syvän julkisen aiheen. Sitten hän kirjoittaa tragediat Britannica, Bayazet, Mithridates. Rasinin suuruus ja omaperäisyys johtuu siitä, että hän nostaa perheteemoja niin traagiselle korkeudelle ja eheydelle, että ne heijastavat nykyaikaisen julkisen elämän olennaisia \u200b\u200bpiirteitä. Esimerkki on Fedran tragedia.

Fedrassa Racinen runollinen kyky saavutti huipunsa. Mutta tuolloin runoilijan kateellisuus käsitteli häntä murskaamalla: Racinen kateellisuutta yhdistävä Boulognen herttuatar saavutti Fedran epäonnistumisen ostaessaan suurimman osan esityksistä. Tämän jälkeen Racine lähti teatterista pitkään.

Madame de Maintenonin vaatimuksesta hän kirjoitti tragedian "Esther" ja sitten "Hofolia". Louis 14 oli tyytymätön ”Hofoliaan”, ja pian runoilija lopulta lopulta epäonnistui hänen laatimansa huomautuksen julkisista katastrofeista vuoksi. "Hofolian" jälkeen Racine asui vielä kahdeksan vuotta, mutta ei kirjoittanut mitään muuta.

4. Jean Baptiste Moliere (Poklen). Moliere-teatteri

Teatterin historiassa Molierelle annettiin suuren komediauudistajan rooli. Hän antoi genrelle syvän sosiaalisen sisällön, satiirisen suuntautumisen ja eloisan teatterimuodon.

Nimimerkillä Moliere salannut Jean Baptiste Poclean syntyi kuninkaallisen verhoilijan perheeseen, jonka asema avasi pääsyn tuomioistuimeen. Clermont-yliopistossa Jean Baptiste saa loistavan koulutuksen, lukee antiikin Rooman kirjailijoiden alkuperäiskappaleita, kääntää ranskaksi muinaisen runoilijan ja ajattelijan Lucretius Caran runon "Asioiden luonteesta". Isänsä vaatimuksesta hän suorittaa Orleansin yliopistossa tutkintotodistuksen oikeudesta harjoittaa lakia, mutta hänen kiinnostuksensa kirjallisuuteen ja teatteriin oli ratkaiseva. Jean Baptiste otti vuoden 1643 alussa epätoivoisen askeleen: hän hylkäsi virallisesti kuninkaallisen verhoilijan tittelin nuoremman veljensä hyväksi: hän "ei voi vastustaa intohimoista halua näyttämölle", kirjoittaa taidekriitikko E.N Shevyakova, "poistuu talosta, lakimiehen ammatin ja tuomioistuimen palveluksessa, sillä hän tietää jo, että teatteri on hänen veressään, ja ollakseen onnellinen, hänen on oltava lavalla. Ja teatterista tulee hänen kohtalo. Hän vetoaa lähemmäksi koomikkojen Bezharovin perhettä, rakastuneena kauniiseen silloiseen Mad-Lena Bezhariin, joka oli silloin kuuluisa näyttelijä, josta tulee monien vuosien ajan hänelle sekä rakastaja, ja ystävä vaelluksissa että samanhenkinen ihminen, neuvonantaja ja ryhmän näyttelijä, jonka kuolema tulee olemaan kauhea puhaltaa hänelle, ja hän kuolee tarkalleen vuoden kuluttua Madeleinen kuolemasta, samana päivänä - 17. helmikuuta ...

Mutta ennen sitä, vielä kolmekymmentä vuotta - iloa, taistelua, luovuutta, kolmekymmentä vuotta palvelua yhdelle jumalalle - TEATTERILLE. Die on valettu! ” Luomalla ”Brilliant Theatre” -ryhmän, johon kuului Jean Baptiste Pocquelin, debytoi Pariisissa vuonna 1644 pelatessaan pääosin tragediaa. Sitten salanimi "Moliere" ilmestyi - jotta ei halveksittaisi isän nimeä lavalla (kuka muistaa nyt Poklenin?). Teatteri kuitenkin palaa loppuun ja vain puolitoista vuotta kiertueen jälkeen Moliere joutuu velkavankilaan. Osa velasta maksoi hänen isänsä, toinen maksoi myymällä pukuja ja Moliere-ryhmä lähti Ranskaan kadukomedoijiksi. He olivat menestyviä, ja jopa silloin Moliere erottui pelistään. Tässä on todettu yhdessä tuon ajan arvosteluissa: ”Hän oli näyttelijä päästä varpaisiin. Hänellä näytti olevan useita ääniä. Kaikki hänessä sanoi. Yhdellä askeleella, hymyllä, ilmeellä, päänsä nyökkäyksellä hän kertoi enemmän kuin maailman suurin puhuja voisi kertoa tunnissa. "

Syksyllä 1658 Moliere ja hänen näyttelijät ajoivat pääkaupunkiin pelolla ja toivolla. Ehkäpä ilman ryhmän ylimmän suojelijan, prinssi Contin apua, Moliere onnistui puhumaan itse Louis XIV: n kanssa. 24. lokakuuta 1658 Louvren palatsin vartijoiden salissa vaeltavat maakunnalliset koomikot näyttivät Cornellin kuninkaan ja tuomioistuimen tragedian ”Nycomed”. Suurin osa yleisöstä piti naisnäyttäjistä, mutta yleensä sali pysyi kylmänä. Sitten Moliere pyysi kuninkaalta lupaa antaa yhdelle pienistä luopumistaan, joka sai hänelle maineen ja kantoi maakunnan. Kuningas suostui myönteisesti, ja näyttelijät näyttelivät farssin "Rakastunut tohtori" tarttuvalla tyydytyksellä. Louis ja tuomioistuin olivat täysin kiehtoneet maakuntien pelistä, ja ryhmän kohtalo päätettiin: kuningas antoi Molierelle Petit Bourbonin vanhan teatterin, nimitti 1500 eläkevuoden vuotuisen eläkkeen ja kuninkaan veli antoi ryhmälle nimensä.

King King -ryhmä alkoi soittaa Petit Bourbonia kolme kertaa viikossa - maanantaisin, keskiviikkoisin ja lauantaisin, ja italialaiset esiintyivät torstaina ja sunnuntaina. Ensimmäinen kausi meni vaaleaksi: Näyttelijät pelkäsivät saastuttaakseen tragedian ikään kuin saastuttaisivat palatsisaalin upeita kaareja rentoilla vitseillään ja uskoessaan, että maakunnan vaippa ei ollut sopiva pääkaupungissa. Moliere itse ei kirjoittanut mitään, hän oli kiireinen teatteriasioihin - hän vieraili vaikutusvaltaisten ihmisten luona, loi tarvittavat yhteydet ja valitsi uusia näyttelijöitä. Jodlen lisäksi nuori Lagrange kutsuttiin ryhmän ensimmäisiin rooliin. Tehtyään pois yritystoiminnoista teatterin johtaja otti lopulta kynän ja kirjoitti "Funny Simpers". Kaikki Pariisi meni komediaan. Ja Petit Bourbon -ryhmä tuli heti eturiviin, ja sen pää sai mainetta lahjakkaana dramaattisena kirjoittajana.

Havaitsemalla vääriä ihmisiä, Moliere ei tietysti voinut mainita väärennöstä hänen näkökulmastaan \u200b\u200bteatteritaiteesta. Kuuluisa teatteri ei pitänyt tästä kiitosta, tietysti Burgundy-hotellin taiteilijat olivat "provinssin nousun" vihollisten eturintamassa, jotka uskalsivat räikeästi. hauskaa korkean yhteiskunnan moraalia ja taidetta.

Yleisö piti myös ”Kuvitteellinen aisankannattaja”, komedia pidettiin kolmekymmentä neljä kertaa peräkkäin. Teatterissa meni hyvin, mutta Molieren viholliset eivät nukkuneet. Heidän mukaansa aivan kauden huipulla - 11. lokakuuta 1668 - Moliere-ryhmä karkotettiin yhtäkkiä tiloistaan \u200b\u200btekosyynä, että Petit Bourbon -rakennus päätettiin purkaa, koska tähän kohtaan olisi asennettava palatsikolondi. Näyttelijät pakotettiin niin pian puhdistamaan, että heillä ei ollut edes aikaa ottaa koristeita mukanaan, jotka tuhoutuivat armottomasti ilman Moliere-teatterin samojen vihollisten vaikutusta.

Molierea ei kuitenkaan ole syystä syytä kutsuttu yhdeksän kertaa kuninkaan luo viihdyttämään häntä pelaamalla Sganarellea. Heti kun rakastettu näyttelijä kertoi suojelijalleen tapahtuneesta onnettomuudesta, Louis määräsi, että Moliere-ryhmälle annettaisiin kardinaalin palatsin sali, jonka Richelieu lahjoitti kuninkaalliselle perheelle. Sitten hänet nimettiin uudelleen Pale Royaliksi. Teatterin korjaus sallittiin kuninkaan kustannuksella.

Ja vain kolme kuukautta myöhemmin vihreät Moliere-julisteet liitettiin jälleen kaupungin Burgundia-hotellin punaisten julisteiden viereen, joissa kerrottiin, että 20. tammikuuta 1661 kuninkaan veljen näytelmät jatkoivat kauttaan Palais Royal -rakennuksessa näytelmillä “Love Annoyance” ja “Imaginary Cuckold”.

Valloittuaan itsenäiset pariisilaiset Moliere ajatteli jälleen nuoruuden tapaan kokeilla itseään vakavassa genressä. Hän kirjoitti tragikomedian Don Garcia Navarrasta eli mustasukkainen prinssi ja sitoutui itse pelaamaan sankarillisen pääroolin. Tämän kokeen tuloksena oli epäonnistuminen, josta dramaturgi teki ainoan oikean johtopäätöksen: hän ymmärsi tarpeen siirtää moraalikysymykset abstraktien teatterimiesten alueelta tavallisten ihmisten maailmaan.

Molieren komediat ovat saaneet lisääntyvää julkista resonanssia. Mielet olivat erityisen levottomia 26. joulukuuta 1662, "Vaimojen koulun" ensi-iltapäivänä. Teatteri oli täynnä. Komedia ilahdutti kioskeja ja herätti loosien vierailijoiden levottomuutta. Virallinen moraali poluttiin komediassa hirvittävimmällä tavalla - maanpetoksesta korotettiin hyve. Moliere kirjoitti uuden komediansa vaikutelmasta maalliseen yhteiskuntaan: ”Ihmiset tuomitsivat ensimmäisen kerran tämän uuden komedian; mutta kaikki nauroivat esityksestä, ja riippumatta siitä, kuinka pahasti he puhuivat hänestä, hänellä on silti sellainen menestys, joka tyydyttää minut täysin. "

Burgundin hotellissa, kirjallisissa salonkeissa, aristokraattisissa kokoontumisissa, kaupungin kunnioittavien isien ja papiston keskuudessa Moliere oli kaikkialla ja kaikkialla sensuroituna, hän kutsui häntä moraaliseksi korruptioksi ja pahan maun ihmiseksi, mutta Moliere'n taiteellisen totuuden kriteeri oli taiteen yhdenmukaisuus ei pedanttisten sääntöjen, vaan todellisuutta. Moliere näki komediajensa tavoitteen modernin elämän todenmukaisessa kuvauksessa ja satiirisessa esityksessä. Näytelmäkirjailijalle oli kiistatonta, että teoksen ansioita ei pitäisi arvioida sen perusteella, noudattaako se teorian vaatimuksia, vaan yleisön suoran vaikutelman ja terveen järjen tuomioiden perusteella.

Molieren arvovalta nousi tuomioistuimessa joka vuosi. Moliere'n kirkot eivät ole lopettaneet kiroamistaan \u200b\u200bhänen Tartuffeensa puolesta, ja loistava satiiristi paaston aikana vuonna 1664 näytti pariisilaisille jo uuden "paholaisen luomuksen" - jumalatonta komediaa "Don Juan tai kivivieraana".

Moliere omistautui koko työnsä paljastaakseen omaisuuden ja yksityisomaisuuden vahvuuteen perustuvan yhteiskunnallisen järjestyksen luonnottomuuden. Jokaisessa komediassaan hän osoitti näitä tai muita epämuodostumia, jotka esiintyivät yhdessä näistä syistä. Nykyaikaista elämää ja tapoja analysoinut Moliere arvioi niitä kriittisesti luonnon kannalta, jota hän edusti, kuten kaikki suuret humanistitkin, henkilökohtaisten intohimojen ja julkisen moraalin konsonanttisen yhdistelmän muodossa.

Kirkko kielsi Tartffeffen kirjoittajan hautaamisen: kuolemanvuoteessaan hän ei luopunut uskomuksistaan \u200b\u200beikä luopunut veneistään. Jatkuvien ongelmien jälkeen kuningas salli haudata suosikkinsa hautausmaalle, mutta salaa ja ilman kulkueetta. Yöllä näyttelijöiden hämärässä valossa näyttelijät veivät opettajan ruumiin ulos talosta, ja tuhannes joukko ihmisiä, jotka olivat salaa talon eteen Richelieu-kadulla, alkoivat heilahtaa pimeässä ja paljaat päänsä ...

Teatteripäällikön kuoleman jälkeen ryhmän asiat heikentyivät aluksi jyrkästi. Moliere'n paras opiskelija, paroni ja hänen puolisonsa, muuttivat Burgundy-hotelliin, ja osaava säveltäjä Lully vakuutti monien vuosien juontelun jälkeen lopulta Louis XIV: n antamaan hänelle Petit Bourbon -teatterin oopperaesityksille.

Vaikeuksissa olevat Moliere-näyttelijät onnistuivat pääsemään uuteen teatteritaloon Genegon kadulla. Jonkin ajan kuluttua kuningas siirsi näyttelijät myös täältä Marais-teatterista. Uuden ryhmän johtajaksi tullut Lagrange johti energistä yritystä. Genego-teatterilla oli upea koneisto, ja sitten alkoi näyttää viehättäviä esityksiä, kuten T. Cornellin ”Circe”. Teatteritaistelu jatkui jälleen. Ikään kuin vastauksena paronin houkutukseen, Lagrange houkutteli näyttelijä Chanmele Burgundin hotellilta.

Mutta kuningas ei enää nähnyt kahden keskenään samankaltaisen teatterin olemassaolon välttämättömyyttä, ja 18. elokuuta 1680 hän antoi päätöksen Genego-kadulla sijaitsevan Burgundy-hotellin ja teatterin yhdistämisestä yhdeksi kuninkaalliseksi ryhmäksi, joka kilpailun välttämiseksi sai yksinoikeudet Pariisin näyttelyiden lavastamiseen.

Joten teatteri luotiin édie Française ( Ranskalainen komedia)

5. Näyttelijät Moliere

"Tällä miehellä oli onni tietää ikä sekä näyttelijät"

Moliere-näyttelijät olivat hänen kirjallisten ideoidensa eläviä toteuttajia, ja siksi heidän oli oltava hänen todellisia kumppaneitaan. Jos Moliere itse näki luovuuden päälähteen arjen todellisuuden havainnoinnissa, niin hän vaati samaa näyttelijältä. Jo mainitussa satiirisessa komedias de Wiese -elokuvassa Molieren tapaa seurattiin tarkkaan. Yksi keskustelukumppaneista kertoi näkeneensä Elomirin (ts. Moliere) manufactory-liikkeessä katsellessaan jaloja ostajia. "Silminnäkijöidensä mukaan", todistaja toteaa, "oli mahdollista päättää, että hän yritti tunkeutua syvälle heidän sieluunsa." Arvioitiin heti, että kirjoittaja oli piilottanut viittaansa muistikirjan, johon hän kirjoitti ominaisia \u200b\u200bilmaisuja ja jopa "maalasi grimasseja kuvatakseen ne luontoisina teatterissaan". Mutta jos kirjaa ei ollut, silloin keskustelukumppanit olivat varmoja, että Moliere "vangitsee kaiken, mitä hän näki mielikuvituksessaan", ja tulivat siihen johtopäätökseen, että tämä koomikko on vaarallinen henkilö: "On ihmisiä, jotka työskentelevät osaavasti kätensä kanssa, mutta voimme sanoa hänestä, että hän osaa työskennellä silmillään ja korvillaan. " Tällainen vihollisten tunnustaminen Molierelle oli suuri kohteliaisuus. Hän työskenteli todella loistavasti ”silmät ja korvat” ja opetti väsymättä näyttelijöilleen tämän monimutkaisen taiteen.

Moliere näyttelijöidensä kanssa oli tiukka ja vaativa, hän hyväksyi perustavanlaatuisen uuden vaihepelaamisjärjestelmän ja joutui jatkuvasti etsimään näiden uusien ideoiden omaksumista. Molieren vahvuus ei tietenkään ollut ankarissa huutoissa, vaan vilpittömässä rakkaudessa, joka ryhmällä oli ohjaajaansa kohtaan. "Kaikki näyttelijät", kirjoitti Lagrange, "rakastivat johtajaansa, joka yhdisti rehellisyyden ja houkuttelevan vetoomuksen poikkeuksellisiin hyveisiin ja kykyihin."

Mutta tämä viisas ja herkkä mies menetti kaiken mielenrauhan ja lankesi täydelliseen raivoon nähdessään vääristyneen taiteellisista periaatteistaan.

Kerran, Tartuffeen esityksessä, Moliere, puhutessaan näyttelijä Chanmelen kanssa hänen vessassaan, lavan vieressä, huusi yhtäkkiä: ”Koira! Teloittaja! " Chanmele ajatteli olevansa hullu ja katsoi häneen järkyttyneenä. Tämän huomannut, Moliere pyysi anteeksi ja sanoi: ”Älä ole yllättynyt armosta, kuulin yhden näyttelijöiden lukevan näytelmästäni neljä säkettä surkealla ja petollisella tavalla, enkä kestä sitä, kun he kohtelevat lapsiani väärin kärsimättä, ikään kuin kiduttaa rautaa. "

Ihmistyyppien tutkiminen, heidän heikkouksien löytäminen - tämä on todellisten satiiristen kuvien luomisen salaisuus. Toisin kuin traagisten näyttelijöiden abstraktit hahmot ja commedia dell "arte -näyttelijöiden yksitoikkoiset psykologiset mallit, Moliere väitti tyypillisten maallisten hahmojen kuvaamisen periaatteen. Hän vaati, että näyttelijät eivät täytä kohtauksen kaanonisia sääntöjä, vaan tunkeutuvat kuvattujen ihmisten sielun. Moliere kertoi näyttelijöille:" Katso omaan olemukseesi ja kuvittele, että olet itse henkilö, jota edustat. ”Ohjaaja selitti näyttelijöille päättäväisimmin näyttelijöiden suorittamien roolien merkityksen.

Mutta Moliere ei rajoittunut pelkästään alustaviin selityksiin, hän ei lopettanut näyttelijöiden opastamista, ja koko roolin jatkotyöskentelyn ajan. Harjoittelujen keskeyttäminen, hahmojen, tilanteiden ja yksittäisten yksityiskohtien tulkitseminen uudestaan \u200b\u200bja uudestaan, vaati sävyn tai kulkuvälin muutosta, parodisoituja virheitä, huijasi huolimattomuutta ja päätyi kiipeämään lavalle ja näyttämään sen itse. Harjoituksissa ohjaaja työskenteli väsymättä, koska tiesi, että kaikki näytelmäkirjailijan teokset tuottavat hedelmää vain verhon noustessa ja yleisön näkeessä esityksen.

Moliere-ryhmä oli ensimmäinen yhtenäinen taiteellinen organismi ranskalaisen teatterin historiassa. Se syntyi amatöörien luovasta yhteisöstä ja oli olemassa kaksikymmentäyhdeksän vuotta säilyttäen samalla taiteellisten näkemysten yhtenäisyyden. Kapea erikoistuminen tiettyihin rooleihin korvattiin joustavammalla lavasiinkinkuntataidolla.

Moliere loi täysin uuden tyyppisiä näyttelijöitä ja oli itsekin merkittävin esimerkki tästä uudesta tyypistä.

Molieren sanonnat:

Keskustelun tulisi olla asioiden olemuksesta, ei sanoista; kiistat johtuvat pääosin keskinäisestä väärinkäsityksestä, tosiasiasta, että sama sana tarkoittaa vastakkaisia \u200b\u200bkäsitteitä.

Kaikkein loistavimmissa moraalikysymyksissä tarkoitetuissa tutkielmissa on usein paljon vähemmän vaikutusta kuin satiirilla ... Alistamalla pahat yleiseen pilkkaamiseen, teemme heille puristavan iskun.

Niille, jotka seuraavat taivaan sanaa, muilla syillä on vähän painoarvoa.

moliere-teatterin klassismi

Viitteet

1. Ulkomaisen teatterin historia. Osa 1. Länsi-Euroopan teatteri antiikista valistumiseen: Opinto-opas kulttille. ja teatteri. Koulut ja kulttuurilaitokset / Toim. GN Boyadzhieva A.G. Esimerkki. - 2. painos. , orja. ja lisää. - M .; Education, 1981.-336s., Ill.