Renessanssimusiikki, kuten kuvataide ja kirjallisuus, palasi antiikin kulttuurin arvoihin. Hän ei vain ilahduttanut korvaa, vaan myös vaikuttanut yleisöön hengellisesti ja emotionaalisesti.

Taiteen ja tieteen elpyminen XIV-XVI-luvuilla. oli suurten muutosten aikakausi, joka merkitsi siirtymistä keskiaikaisesta elämäntavasta modernisuuteen. Musiikin säveltäminen ja esittäminen sai erityisen merkityksen tänä aikana. Kreikan ja Rooman muinaiskulttuureja tutkineet humanistit julistivat musiikin kirjoittamisen hyödylliseksi ja jaloiksi ammateiksi. Uskottiin, että jokaisen lapsen tulisi oppia laulamaan ja hallitsemaan soittimien pelaamista. Tätä varten tunnetut perheet ottivat muusikoita koteihinsa, jotta he voisivat antaa oppitunteja lapsilleen ja viihdyttää vieraita.

Suositut työkalut. XVI-luvulla. uusia soittimia ilmestyi. Suosituimpia olivat ne, joista peli annettiin musiikin ystäville helposti ja yksinkertaisesti ilman erityisiä taitoja. Yleisimmät ovat alttoviulu ja siihen liittyvä kynitty naru. Viola oli viulun edeltäjä, ja sitä oli helppo soittaa nauhojen (kaulan poikki) ansiosta, jotka auttoivat lyödä oikeita nuotteja. Alttoviulun ääni oli hiljainen, mutta kuulosti hyvältä pienissä huoneissa. Toisen nauhoitetun kynittyjen instrumenttien - luuttu - säestyksessä he lauloivat, kuten nyt kitaralla.

Tuolloin monet ihmiset rakastivat soittaa nauhuria, huiluja ja sarvia. Vaikeinta musiikkia kirjoitettiin vasta luotuille - cembalo, virginela (englantilainen cembalo, joka on merkittävä pienestä koostaan) ja urut. Samanaikaisesti muusikot eivät unohtaneet säveltää yksinkertaisempaa musiikkia, joka ei vaadi korkean suorituskyvyn taitoja. Samaan aikaan musiikkikirjoituksessa tapahtui muutoksia: raskaat puupainolohkot korvattiin italialaisen Ottaviano Petruccin keksimillä liikkuvilla metallikirjeillä. Julkaistut musiikkiteokset myytiin nopeasti, yhä useammat ihmiset alkoivat osallistua musiikkiin.

Musiikkisuunnat.

Uudet soittimet, nuotit ja musiikin laaja suosio myötävaikuttivat kamarimusiikin kehitykseen. Kuten nimestä käy ilmi, se oli tarkoitettu pelattavaksi pienissä salissa pienen yleisön edessä. Esittäjiä oli useita, lauluesitykset olivat hallitsevia, koska laulutaide oli tuolloin paljon kehittyneempi kuin musiikin soittaminen. Lisäksi humanistit väittivät, että kuuntelijaan vaikuttaa eniten kahden taiteen - musiikin ja runouden - "upea fuusio". Joten Ranskassa chanson (moniääninen laulu) erottui tyylilajina ja Italiassa - madrigal.

Chanson ja madrigals.

Noiden vuosien mahdollisuudet esitettiin useilla äänillä koskettavilla runoilla, joilla oli laaja temaattinen alue - ylevästä rakkauden teemasta arjen maaseudun elämään. Säveltäjät sävelivät hyvin yksinkertaisia \u200b\u200bmelodioita runouteen. Myöhemmin madrigal syntyi tästä perinteestä - 4 tai 5 äänen teos vapaasta runoaiheesta.

Myöhemmin, jo 1500-luvulla, säveltäjät tulivat siihen tulokseen, että madrigalista puuttui äänen syvyys ja voima, mihin pyrittiin aina muinaisessa Kreikassa ja Roomassa, ja alkoi elvyttää muinaisia \u200b\u200bmusiikkivaaka-alueita. Samaan aikaan nopea ja sujuva tahdin nopea muutos heijasti mielialan ja tunnetilan muutoksia.

Siten musiikki alkoi "maalata sanoja" ja heijastaa tunteita. Esimerkiksi nouseva sävy voi tarkoittaa huippua (nousua), laskeva sävy voi tarkoittaa laaksoa (surun laakso), hidas tahti voi tarkoittaa surua, vauhdin kiihtyminen ja miellyttävät harmoniset melodiat voivat tarkoittaa onnea, ja tarkoituksella pitkä ja terävä dissonanssi tarkoitti surua ja kärsimystä. Aikaisemmassa musiikissa vallitsi harmonia ja yhtenäisyys. Nyt se perustui moniääniseen ja kontrastiin, mikä heijastaa ihmisen rikkaan sisämaailman. Musiikista on tullut syvempi, se on saanut henkilökohtaisen luonteen.

Musiikillinen säestys.

Juhlat ja juhlat olivat renessanssin tunnusmerkki. Tuon aikakauden ihmiset juhlivat kaikkea - pyhien päivistä kesän saapumiseen. Katukulkueiden aikana muusikot ja laulajat lukivat balladeja, esittivät monimutkaisia \u200b\u200bmadrigaaaleja ja esittivät dramaattisia esityksiä rikkaasti sisustetulta lavalta pyörillä. Yleisö odotti erityisen kärsimättömästi "eläviä kuvia" musiikillisella säestyksellä ja koristeilla mekaanisen pilven muodossa, josta käsikirjoituksen kaavama jumala laskeutui.

Samaan aikaan kirkolle säveltiin upein musiikki. Nykypäivän standardien mukaan kuorot eivät olleet niin suuria - 20-30 ihmistä, mutta heidän ääntään vahvistivat orkesteriin tuotujen pasuunoiden ja kornettitromptien ääni, ja suurina juhlapäivinä (esimerkiksi jouluna) laulajat kokoontuivat ympäri maailmaa yhteen valtava kuoro ... Ainoastaan \u200b\u200bkatolinen kirkko uskoi, että musiikin on oltava yksinkertaista ja ymmärrettävää, ja sen vuoksi näytettävä esimerkkinä Giovanni Palestrinan pyhää musiikkia, joka kirjoitti lyhyitä teoksia hengellisistä teksteistä. On huomattava, että myöhemmin maestro itse joutui ilmeikkään ja voimakkaan "uuden" musiikin vaikutuksen alaiseksi ja alkoi kirjoittaa monumentaalisia ja värikkäitä teoksia, jotka vaativat huomattavia taitoja kuorolaulussa.

Renessanssin aikana instrumentaalimusiikkia kehitettiin laajalti. Tärkeimpien soittimien joukossa ovat luuttu, harppu, huilu, oboe, trumpetti, erityyppiset urut (positiiviset, kannettavat), klavesin lajikkeet; viulu oli kansaninstrumentti, mutta uusien kielisoitinten, kuten alttoviulun, kehittyessä viulu tulee yhdeksi johtavista soittimista.

Jos uuden aikakauden mentaliteetti herää ensin runoudessa, saa loistavan kehityksen arkkitehtuurissa ja maalauksessa, niin musiikki, joka alkaa kansanlaulusta, tunkeutuu kaikkiin elämän alueisiin. Jopa kirkkomusiikki koetaan nykyään suuremmassa määrin, kuten taiteilijoiden maalaukset raamatullisista aiheista, ei jotain pyhää, vaan iloa ja iloa antavaa asiaa, josta säveltäjät, muusikot ja kuorot itse huolehtivat.

Sanalla, kuten runoudessa, maalauksessa, arkkitehtuurissa, oli käännekohta musiikin kehityksessä, musiikin estetiikan ja teorian kehityksessä, uusien tyylilajien, erityisesti synteettisten taiteen tyyppien, kuten oopperan ja baletin, luomisessa, jotka pitäisi ymmärtää renessanssina, lähetetään vuosisadat.

1400--1600-luvun Alankomaiden musiikissa on runsaasti suurten säveltäjien nimiä, muun muassa Joskin Despres (1440-1524), joista Tsarlino kirjoitti ja jotka palvelivat Ranskan tuomioistuimessa, jossa ranskalais-flaamilainen koulu perustettiin. Uskotaan, että hollantilaisten muusikoiden korkein saavutus oli kuoromassa a capella, joka vastasi pyrkimystä ylöspäin goottilaisista katedraaleista.

Urkutaide on kehittymässä Saksassa. Ranskassa hoviin perustettiin kappeleita, järjestettiin musiikkifestivaaleja. Vuonna 1581 Henry III hyväksyi "musiikin pääintendentin" aseman tuomioistuimessa. Ensimmäinen "musiikin päämäärä" oli italialainen viulisti Baltazarini de Belgioso, joka järjesti "The Queen's Comedy Ballet" -esityksen, jossa musiikki ja tanssi esitetään ensimmäistä kertaa näyttämötoimintana. Näin tuomioistuinbaletti syntyi.

Clement Jeannequin (n. 1475 - n. 1560), Ranskan renessanssin erinomainen säveltäjä, on yksi moniäänisen laulun genren perustajista. Nämä ovat 4-5-äänisiä sävellyksiä, kuten fantasiakappaleita. Maallinen moniääninen laulu - chanson - levisi myös Ranskan ulkopuolelle.

1500-luvulla musiikkitulostus levisi ensimmäisen kerran. Roomalais-venetsialainen painotalo Andrea Antico julkaisi vuonna 1516 kokoelman frottoleja kosketinsoittimille. Italiasta tulee cembaloiden ja viulujen luomisen keskus. Monia viulupajoja avattiin. Yksi ensimmäisistä käsityöläisistä oli kuuluisa Andrea Amati Cremonasta, joka loi perustan viuluvalmistajien dynastialle. Hän teki merkittäviä muutoksia olemassa olevien viulujen suunnitteluun, mikä paransi ääntä ja toi sen lähemmäksi modernia ulkoasua.

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - erinomainen italialainen luuttuja ja renessanssin säveltäjä, loi Italian maineen virtuoosimuusikkona. Häntä pidetään edelleen kaikkien aikojen parhaimpana luuttuja. Myöhäisen keskiajan taantumisen jälkeen musiikista tuli tärkeä osa kulttuuria.

Vuonna 1537 Napoliin espanjalainen pappi Giovanni Tapia rakensi ensimmäisen musiikkikonservatorion "Santa Maria di Loreto", joka toimi mallina seuraaville.

Adrian Villart (n. 1490-1562) - hollantilainen säveltäjä ja opettaja, työskenteli Italiassa, ranskalais-flaamilaisen (hollantilainen) polyfonisen koulun edustaja, venetsialaisen koulun perustaja. Willart kehitti musiikkia kaksoiskuorolle, tämä monikuoromusiikin perinne saavuttaa huippunsa varhaisen barokin aikakaudella Giovanni Gabrielin teoksessa.

Renessanssin aikana madrigal saavutti huippunsa ja siitä tuli aikakauden suosituin musiikkilaji. Toisin kuin Trecenton ajan aikaisemmat ja yksinkertaisemmat madrigalit, renessanssin madrigalit kirjoitettiin useille (4-6) äänille, usein ulkomaalaiset, jotka palvelivat vaikutusvaltaisten pohjoisperheiden tuomioistuimissa. Madrigalistit pyrkivät luomaan korkeaa taidetta käyttäen usein myöhäiskeskiajan suurten italialaisten runoilijoiden: Francesco Petrarcan, Giovanni Boccaccion ja muiden tarkistettua runoutta. Madrigalin tyypillisin piirre oli tiukkojen rakenteellisten kaanonien puuttuminen, pääperiaate oli ajatusten ja tunteiden vapaa ilmaisu.

Säveltäjät, kuten venetsialaisen koulun edustaja Cipriano de Rore ja ranskalais-flaamilaisen koulun edustaja Roland de Lassus (Orlando di Lasso italialaisen luovan elämänsä aikana), kokeilivat lisääntyvää kromatismia, harmoniaa, rytmiä, tekstuuria ja muita musiikillisen ilmaisun keinoja. Heidän kokemuksensa jatkuu ja huipentuu Carlo Gesualdon manierismiin.

Villanella oli toinen tärkeä moniääninen laulumuoto. Napolin suosittujen kappaleiden perusteella syntynyt se levisi hyvin nopeasti kaikkialle Italiaan ja myöhemmin meni Ranskaan, Englantiin, Saksaan. 1500-luvulta peräisin oleva italialainen villanella antoi voimakkaimman sysäyksen sointuportaiden ja sen seurauksena harmonisen tonaalisuuden kehittymiselle.

Oopperan (Florentine camerata) syntymä.

Renessanssin loppua leimasi musiikkihistorian tärkein tapahtuma - oopperan syntymä.

Ryhmä humanisteja, muusikoita ja runoilijoita kokoontui Firenzeen johtajansa kreivi Giovani De Bardin (1534-1612) alaisuuteen. Ryhmän nimi oli Camerata, ja sen pääjäsenet olivat Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (tähtitieteilijä Galileo Galilei isä), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri ja Ottavio Rinuccini nuorempina vuosina.

Ryhmän ensimmäinen dokumentoitu kokous pidettiin vuonna 1573, ja "Florentine Cameratan" aktiivisimmat työvuodet olivat 1577-1582.

He uskoivat musiikin "heikentyneen" ja pyrkivät palaamaan muinaisen Kreikan muotoon ja tyyliin uskoen, että musiikkitaidetta voidaan parantaa ja vastaavasti myös yhteiskunta paranee. Camerata kritisoi olemassa olevaa musiikkia polyfonian liiallisesta käytöstä tekstin ymmärrettävyyden ja työn runollisen osan menetyksen kustannuksella ja ehdotti uuden musiikkityylin luomista, jossa monodisen tyylin tekstin mukana olisi instrumentaalimusiikkia. Heidän kokeilunsa johtivat uuden laulu- ja musiikillisen muodon luomiseen - recitatiiviseen, jota ensin käytti Emilio de Cavalieri ja joka myöhemmin liittyi suoraan oopperan kehitykseen.

Ensimmäinen virallisesti tunnustettu ooppera, joka vastasi nykyaikaisia \u200b\u200bstandardeja, oli ooppera Daphne, joka esiteltiin ensimmäisen kerran vuonna 1598. Daphnen kirjoittajat olivat Jacopo Peri ja Jacopo Corsi, libreto: Ottavio Rinuccini. Tämä ooppera ei ole säilynyt. Ensimmäinen säilynyt ooppera on samojen kirjoittajien - Jacopo Perin ja Ottavio Rinuccinin - Eurydice (1600). Tämä luova liitto on edelleen luonut monia teoksia, joista suurin osa on kadonnut.

Pohjoinen herätys.

Pohjoisen renessanssin ajan musiikki on myös mielenkiintoista. XVI-luvulla. siellä oli rikas kansanperinne, pääasiassa laulu. Musiikki kuulosti kaikkialla Saksassa: juhlissa, kirkossa, sosiaalisissa tapahtumissa ja sotilasleirillä. Talonpoikaissota ja uskonpuhdistus aiheuttivat uuden nousun kansanlauluissa. On olemassa monia ilmeikkäitä luterilaisia \u200b\u200blauluja, joiden kirjoittajaa ei tunneta. Kuorolaulusta on tullut olennainen muoto luterilaisessa palvonnassa. Protestanttinen laulu vaikutti koko eurooppalaisen musiikin myöhempään kehitykseen.

Erilaisia \u200b\u200bmusiikillisia muotoja Saksassa 1500-luvulla. hämmästyttävää: Balettit ja oopperat lavastettiin Shrovetidessa. On mahdotonta puhumattakaan sellaisista nimistä kuin K.Paumann, P.Hofheimer. Nämä ovat säveltäjiä, jotka säveltivät maallista ja kirkkomusiikkia, pääasiassa urkuille. Heihin liittyy erinomainen ranskalais-flaamilainen säveltäjä, hollantilaisen koulun edustaja O. Lasso. Hän on työskennellyt monissa Euroopan maissa. Yleistettiin ja kehitettiin innovatiivisesti renessanssin erilaisten eurooppalaisten musiikkikoulujen saavutuksia. Kultti- ja maallisen kuoromusiikin päällikkö (yli 2000 sävellystä).

Mutta saksalaisen musiikin todellisen vallankumouksen teki säveltäjä, kapellimestari, urkuri, opettaja Heinrich Schütz (1585-1672). Kansallisen sävellyskoulun perustaja, suurin I.S. Bach. Schütz kirjoitti ensimmäisen saksalaisen oopperan Daphne (1627), oopperaballetin Orpheus ja Eurydice (1638); madrigals, henkiset kantaatti-oratorio-sävellykset ("intohimot", konsertit, motetit, psalmit jne.).

Venäjän federaation opetusministeriö

Moskovan valtion avoin pedagoginen yliopisto

niitä. M.A.Solokhova

Esteettisen kasvatuksen laitos

ESSEE

"Renessanssin musiikki"

Viidennen (numero) kurssin opiskelijat

Kokopäiväinen - kirjeenvaihto-osasto

Polegaeva Lyubov Pavlovna

Opettaja:

Zatsepina Maria Borisovna

Moskova 2005

Renessanssi - Länsi- ja Keski-Euroopan maiden kulttuurin kukoistamisen aika keskiajalta nykyaikaan (XV-XVII vuosisatojen) siirtyessä. Renessanssin kulttuuri ei ole luonteeltaan kapea ja heijastaa usein laajan massan tunnelmaa; musiikkikulttuurissa se edustaa useita uusia vaikutusvaltaisia \u200b\u200bluovia kouluja. Tämän ajanjakson koko kulttuurin tärkein ideologinen ydin oli humanismi - uusi, aiemmin näkymätön ajatus ihmisestä vapaana ja kokonaisvaltaisesti kehittyneenä olentona, joka kykenee rajoittamattomaan edistymiseen. Ihminen on taiteen ja kirjallisuuden pääaihe, renessanssikulttuurin suurimpien edustajien - F.Petrarchin ja D.Boccacion, Leonardo da Vincin ja Michelangelon, Raphaelin ja Titianin - luovuus. Suurin osa tämän aikakauden kulttuurihenkilöistä oli itse monipuolisia lahjakkaita ihmisiä. Leonardo da Vinci ei siis ollut vain erinomainen taiteilija, vaan myös kuvanveistäjä, tiedemies, kirjailija, arkkitehti, säveltäjä; Michelangelo tunnetaan paitsi kuvanveistäjänä myös maalarina, runoilijana, muusikkona.

Tämän ajanjakson maailmankuvan ja koko kulttuurin kehitykseen vaikutti antiikkimallien noudattaminen. Musiikissa uuden sisällön ohella kehittyy myös uusia muotoja ja tyylilajeja (laulut, madrigalit, balladit, oopperat, kantaatit, oratoriot).

Kaiken kaikkiaan renessanssikulttuurin eheyden ja täydellisyyden kannalta sille on ominaista ristiriitaiset piirteet, jotka liittyvät uuden kulttuurin elementtien punoutumiseen vanhaan. Uskonnolliset teemat tämän ajan taiteessa eivät ole vain olemassa, vaan myös kehittyvät. Samalla se on niin muuttunut, että sen pohjalta luodut teokset koetaan genre kohtauksina aatelisten ja tavallisten ihmisten elämästä.

Renessanssin italialainen kulttuuri kävi läpi tietyt kehitysvaiheet: 1400-luvun lopulla syntynyt huippu saavutti 1400-luvun puolivälissä - 1500-luvun alussa. XVI-luvun jälkipuoliskolla. pitkän aikavälin feodaalinen reaktio alkaa maan taloudellisen ja poliittisen taantuman vuoksi. Humanismi on kriisissä. Taiteen lasku ei kuitenkaan ole heti nähtävissä: italialaiset taiteilijat ja runoilijat, kuvanveistäjät ja arkkitehdit ovat vuosikymmenien ajan luoneet korkeimman taiteellisen arvon teoksia, eri luovien koulujen välisten siteiden kehittämisestä, maasta toiseen liikkuvien, eri kappeleissa työskentelevien muusikoiden kokemusten vaihdosta tulee merkki aikaa ja antaa meille mahdollisuuden puhua koko aikakaudelle yhteisistä suuntauksista.

Renessanssi on yksi loistavista sivuista Euroopan musiikkikulttuurin historiassa. Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo suurten nimien tähdistö, joka avasi uusia näköaloja musiikilliselle luovuudelle ilmaisuvälineillä, moniäänisyyden rikkaudella, muodon mittakaavalla; perinteisten tyylilajien - motettien, massojen - kukoistaminen ja laadullinen uudistaminen; uuden kuvan luominen, uudet intonaatiot moniäänisten laulusävellysten alalla, instrumentaalimusiikin nopea kehitys, joka tuli esiin melkein viiden vuosisadan alistamisen jälkeen: muut musiikin soittomuodot, ammattitaidon kasvu kaikilla musiikillisen luovuuden alueilla: näkemysten muutos musiikkitaiteen roolista ja mahdollisuuksista, uusien muodostuminen kauneuden kriteerit: humanismi todella nousevana suuntauksena kaikilla taiteen aloilla - kaikki tämä liittyy renessanssia koskeviin ajatuksiimme. Renessanssin taiteellinen kulttuuri on henkilökohtainen, tieteeseen perustuva periaate. 1400- ja 1500-lukujen polyfonistien epätavallisen monimutkainen taito, virtuoositekniikka esiintyi rinnakkain jokapäiväisten tanssien kirkkaan taiteen, maallisten tyylilajien hienostuneisuuden kanssa. Lyriikka ja draama ilmaistaan \u200b\u200byhä enemmän hänen teoksissaan. Lisäksi kirjoittajan persoonallisuus, taiteilijan luova yksilöllisyys (tämä on ominaista paitsi musiikkitaiteelle) ilmenee heissä elävämmin, mikä antaa meille mahdollisuuden puhua inhimillistämisestä renessanssin taiteen johtavana periaatteena. Samaan aikaan kirkkomusiikki, jota edustavat niin suuret tyylilajit kuin massa ja motetti, jatkaa jossain määrin renessanssin taiteen "goottista" linjaa, jonka tarkoituksena on ensisijaisesti jo olemassa olevan kaanonin luominen ja tämän kautta jumalallisen ylistäminen.

Lähes kaikkien tärkeimpien, sekä maallisten että hengellisten, genreiden teokset perustuvat joihinkin aiemmin tunnettuun musiikkimateriaaliin. Se voisi olla monofoninen lähde moteteissa ja erilaisissa maallisissa genreissä, instrumentaalisovituksissa; se voi olla kaksi ääntä, jotka on lainattu kolmiosaisesta sävellyksestä ja sisällytetty uuteen saman tai eri tyylilajin teokseen, ja lopuksi kokonainen kolmen tai neljän osan (motetti, madrigali, jolla on eräänlaisen alustavan "mallin" rooli suuremmassa muodossa (massa).

Ensisijainen lähde on yhtä suosittu, tunnettu melodia (koraali tai maallinen kappale) ja kaikki tekijän teokset (tai äänet siitä), jotka muut säveltäjät käsittelevät ja joilla on vastaavasti erilaiset äänen piirteet, erilainen taiteellinen idea.

Esimerkiksi motetin tyylilajissa ei ole melkein yhtään teosta, jolla ei olisi alkuperäistä alkuperäistä. Suurimmalla osalla 1400--1600-luvun säveltäjämassoja on myös ensisijaisia \u200b\u200blähteitä: esimerkiksi Palistrinassa yli sadasta massasta löytyy vain kuusi kirjoitettua lainatonta. O. Lasso ei kirjoittanut yhtään missää (58: sta) kirjoittajan aineiston perusteella.

Samanaikaisesti voidaan todeta, että ensisijaisten lähteiden ympyrä, johon aineisto kirjoittajat vetoavat, on osoitettu selvästi. G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso ja muut näyttävät kilpailevan keskenään, viittaavat yhä uudelleen samoihin melodioihin, vetävät niistä joka kerta, uusia taiteellisia impulsseja teoksilleen, ajattelevat uudelleen kappaleet alkuperäisinä intonationaalisina prototyyppeinä polyfonisille muodoille

Teoksen esittämisessä käytettiin tekniikkaa - polyfoniaa. Polyfonia on polyfonia, jossa kaikki äänet ovat samat. Kaikki äänet toistavat saman melodian, mutta eri aikoina, kuten kaiku. Tätä tekniikkaa kutsutaan polyfonian jäljitelmäksi.

1400-luvulle mennessä muotoutui niin sanottu "tiukan kirjoituksen" polyfonia, jonka säännöt (äänen johtamisen, muotoilun jne. Normit) vahvistettiin tuon ajan teoreettisissa tutkielmissa ja olivat kirkkomusiikin luomisen muuttumaton laki.

Toinen yhdistelmä, kun esiintyjät lausuivat erilaisia \u200b\u200bmelodioita ja erilaisia \u200b\u200btekstejä samanaikaisesti, kutsutaan kontrastipolyfoniaksi. Yleensä "tiukka" tyyli edellyttää väistämättä yhtä kahdesta polyfonian tyypistä: jäljitelmä tai kontrasti. Poliittisen jäljitelmän ja kontrastin avulla pystyttiin säveltämään moniääniset motiivit ja massat kirkon palveluihin.

Motet on pieni kuorolaulu, joka sävelsi yleensä suositulle melodialle, useimmiten yhdelle vanhasta kirkon kappaleesta ("gregoriaaniset laulut" ja muut kanoniset lähteet sekä kansanmusiikki).

1400-luvun alusta lähtien useiden Euroopan maiden musiikkikulttuurista on tullut yhä selvempi piirre renessanssille. Huomattava Hollannin renessanssin varhaisten polyfonistien joukossa Guillaume Dufay (Dufay) syntyi Flanderissa noin vuonna 1400. Hänen teoksensa edustavat itse asiassa yli puoli vuosisataa hollantilaisen musiikkikoulun historiassa, joka muotoutui 1400-luvun toisella neljänneksellä.

Dufay johti useita kappeleita, muun muassa Rooman paavin, työskenteli Firenzessä ja Bolognassa ja vietti elämänsä viimeiset vuodet kotikaupungissaan Cambraissa. Dufayn perintö on runsas ja runsas: se sisältää noin 80 kappaletta (kamarilajit - virale, balladit, rondo), noin 30 motettia (sekä henkistä sisältöä että sekulaarista, "laulu"), 9 täyttä massaa ja erilliset osat.

Erinomainen melodisti, joka saavutti lyyrisen lämmön ja melodisen ilmaisun, harvinaista tiukan tyylin aikakaudella, kääntyi vapaaehtoisesti kansan melodioiden puoleen ja käsitteli niitä taitavasti. Dufay tuo massaan paljon uutta: hän laajentaa kokonaisuuden sävellystä laajemmin, käyttää kuoroäänen kontrasteja vapaammin. Jotkut hänen parhaista sävellyksistään ovat massat "The Pale Face", "The Armed Man", joissa käytetään lainattuja melodioita samannimisestä kappaleen alkuperästä. Nämä kappaleet, eri versioina, muodostavat laajan intonaatio-temaattisen perustan, joka pitää suurten kuorosyklien yhtenäisyyden yhdessä. Merkittävän vastapisteen polifonisessa käsittelyssä he paljastavat syvyydessään piilotetun, aiemmin tuntemattoman kauneuden ja ilmaisumahdollisuudet. Dufayn melodiassa yhdistyvät harmonisesti hollantilaisen kappaleen kirpeä tuoreus pehmentävään italialaiseen melodiaan ja ranskalaiseen armon. Sen moniäänisyyden jäljitelmissä ei ole keinotekoisuutta ja sotkua. Joskus harvinaisuudesta tulee liiallista, aukkoja syntyy. Tässä heijastuu paitsi taiteen nuoriso, joka ei ole vielä löytänyt ihanteellista rakenteellista tasapainoa, myös kambrialaisen mestarin pyrkimys saavuttaa taiteellinen ja ilmeikäs tulos vaatimattomimmilla keinoilla.

Dufayn nuorempien aikalaisten - Johannes Okegemin ja Jacob Obrechtin - töihin viitataan jo ns. Toisena hollantilaisena kouluna. Molemmat säveltäjät ovat aikansa suurimpia hahmoja, jotka määrittelivät hollantilaisen polyfonian kehityksen 1400-luvun toisella puoliskolla.

Johannes Okegem (1425 - 1497) työskenteli suurimman osan elämästään Ranskan kuninkaiden kappelin alla. Okegemin edessä Euroopan edessä Dufayn pehmeän, melodisen lyriikan, massojensa ja motettiensa naiivin sävyisen ja arkeologisesti kevyen eufonian lumoamana ilmestyi aivan erilainen taiteilija - "rationalisti, jolla on kiihkeä silmä" ja hienostunut tekninen kynä, joka toisinaan vältteli lyyrisyyttä ja yritti kaapata lisää musiikissa jotkut äärimmäisen yleiset objektiivisen olemassaolon lait. Hän löysi valtavan taiton melodisten linjojen kehittämiseen moniäänisissä yhtyeissä. Jotkut goottilaiset piirteet ovat luontaisia \u200b\u200bhänen musiikilleen: kuvankäsittely, ilmaisullisuuden ei-yksilöllinen luonne jne. Hän sävelsi 11 täydellistä massaa (ja joukon niiden osia), mukaan lukien teema "Armed Man", 13 motettia ja 22 kappaletta. Suuret moniääniset tyylilajit ovat ensinnäkin hänen kanssaan. Jotkut Okegemin kappaleista saivat suosiota aikalaistensa keskuudessa, ja useammin kuin kerran ne olivat ensisijainen perusta moniäänisovituksille suuremmissa muodoissa.

Okegemin luovalla esimerkillä suurena mestarina ja puhtaana polyfonistina oli suuri merkitys hänen aikalaisilleen ja seuraajilleen: hänen tinkimätön keskittyminen polyfonian erityisongelmiin herätti kunnioitusta, ellei ihailua, se loi legendan ja ympäröi hänen nimensä halolla.

Niistä, jotka liittivät 1400-luvun seuraavaan paitsi kronologisesti myös luovan kehityksen pohjalta, epäilemättä ensinnäkin kuuluu Jacob Obrecht. Hän syntyi vuonna 1450 Bergen op Zoomissa. Obrecht työskenteli Antwerpenin, Cambrain, Bruggen ja muiden kappeleissa, hän palveli myös Italiassa.

Obrechtin taiteelliseen perintöön kuuluu 25 massaa, noin 20 motettia, 30 moniäänistä laulua. Edeltäjiltään ja vanhemmilta aikalaisiltaan hän peri pitkälle kehitetyn, jopa virtuoosisen polyfonisen tekniikan, jäljitelmä-kanoniset polyfonian menetelmät. Obrechtin musiikissa, joka on täysin moniäänistä, kuulemme joskus erityisen vahvuuden jopa persoonattomista tunteista, kontrastien rohkeudesta suurissa ja pienissä rajoissa, täysin "maallisista", melkein jokapäiväisistä yhteyksistä äänien ja muodonmuodostuksen yksityiskohdissa. Hänen maailmankuvansa lakkaa olemasta goottilainen. Hän liikkuu suuntaan Josquin Despres - todellinen renessanssin edustaja musiikkitaiteessa.

Obrecht-tyylille on ominaista yksilölliset piirteet, mukaan lukien poikkeaminen goottilaisesta irtautumisesta, mikä aiheuttaa vastustusta, tunteiden voimaa ja yhteyden jokapäiväisen elämän genreihin.

1500-luvun ensimmäinen kolmasosa Italiassa on korkean renessanssin aika, luovan nousun ja ennennäkemättömän täydellisyyden aika, joka sisältyy Leonardo da Vincin, Raphaelin, Michelangelon suuriin teoksiin. On muodostumassa tietty sosiaalinen kerros, jonka avulla järjestetään teatteriesityksiä ja musiikkifestivaaleja. Eri taideakatemioiden toiminta kehittyy.

Hieman myöhemmin musiikkitaiteessa alkaa korkean vaurauden ajanjakso paitsi Italiassa, myös Saksassa, Ranskassa ja muissa maissa. Nuottien keksinnöllä on suuri merkitys musiikkiteosten levittämisessä.

Polyfonisen koulun perinteet ovat edelleen vahvat (erityisesti mallilla vedonnalla on sama merkitys kuin aiemmin), mutta asenne teemavalintaan muuttuu, teosten emotionaalinen-kuvallinen kylläisyys lisääntyy ja henkilökohtainen, tekijän periaate kiristyy. Kaikki nämä piirteet näkyvät jo italialaisen säveltäjän Josquin Despresin teoksessa, joka syntyi noin vuonna 1450 Burgundissa ja oli yksi Hollannin koulun suurimmista säveltäjistä 1500-luvun lopulla - 1500-luvun alussa. Erinomaisella äänellä ja kuulolla lahjakas, murrosiästä lähtien hän toimi kuorolaulajana kirkon kuoroissa kotimaassaan ja muissa maissa. Tämä varhainen ja läheinen kontakti korkeaan kuorotaiteeseen, kulttimusiikin suurten taiteellisten aarteiden aktiivinen ja käytännöllinen omaksuminen määräsivät suurelta osin suunnan, johon tulevan nero-mestarin persoonallisuus, hänen tyylinsä ja tyylilajinsa muotoutuivat.

Nuorempina vuosina Despres opiskeli säveltämistä I. Okegemin luona, jonka kanssa hänestä tuli myös solisti useiden soittimien soittamisessa.

Myöhemmin Josquin Despres kokeili kättään kaikissa tuolloin olemassa olleissa musiikkilajeissa luoden psalmeja, motetteja, messuja, musiikkia Herran Passionille, sävellyksiä Pyhän Marian kunniaksi ja maallisia lauluja.

Ensimmäinen asia, joka kiinnittää huomiota Despresin teoksiin, on silmiinpistävä vastapistetekniikka, jonka avulla kirjailijaa voidaan pitää todellisena vastapistevirtuoosina. Materiaalin täydellisestä hallitsemisesta huolimatta Despres kirjoitti kuitenkin hyvin hitaasti, erittäin kriittisesti ottaen huomioon hänen teoksensa. Sävellysten koe-esityksen aikana hän teki niihin paljon muutoksia yrittäen saavuttaa moitteeton eufonian, jota hän ei koskaan uhrannut täsmälliselle plexukselle.

Pelkästään moniäänisiä muotoja käyttäen säveltäjä antaa joissakin tapauksissa ylemmälle äänelle epätavallisen kauniisti virtaavan melodian, jonka ansiosta hänen teoksensa erottuu paitsi eufonian lisäksi myös melodian mukaan.

Despres ei halua ylittää tiukkaa vastapistettä, vaan valmistaa heitä ikään kuin pehmentämään dissonansseja käyttämällä edellisessä konsonanssissa olevaa dissonanssikommenttia konsonanssin muodossa. Despres käyttää myös melko onnistuneesti dissonansseja keinona parantaa musiikillista ilmaisua.

On huomattava, että J.Despresia voidaan oikeutetusti pitää paitsi lahjakkaana kontrapunktistina ja herkänä muusikkona myös erinomaisena taiteilijana, joka kykenee välittämään teoksissaan hienovaraisimmat tunteiden sävyt ja erilaiset tunnelmat.

Josquin oli teknisesti ja esteettisesti vahvempi kuin 1400-luvun italialaiset ja ranskalaiset polyfonistit. Siksi hän vaikutti puhtaasti musiikilliseen alaan paljon enemmän kuin koki heidän vaikutuksensa. Kuolemaansa asti Despres ohjasi parhaita kappeleita Roomassa, Firenzessä, Pariisissa. Hän on aina ollut yhtä omistautunut työhönsä, myötävaikuttanut musiikin leviämiseen ja tunnustamiseen. Hän pysyi hollantilaisena, "Kondén mestarina". Huolimatta siitä, kuinka loistavia ulkomaiset saavutukset ja kunnianosoitukset olivat, vaikka "musiikin herralle" (kuten hänen aikalaisensa kutsuivat) annetulla elinvoimaisuudella, hän, tottelemalla vastustamatonta "maan kutsua", palasi jo laskevina vuosina Scheldtin rannoille ja lopetti vaatimattomasti elämänsä kaanonina ...

Italiassa, renessanssin aikana, maalliset tyylilajit kukoistivat. Laululajityypit kehittyvät kahteen pääsuuntaan - toinen niistä on lähellä jokapäiväistä laulua ja tanssia (phrotola, villanella jne.), Kun taas toinen liittyy moniääniseen perinteeseen (madrigal).

Madrigal erityisenä musiikillisena ja runollisena muotona tarjosi poikkeukselliset mahdollisuudet säveltäjän yksilöllisyyden ilmenemiseen. Hänen sanoitustensa, genre-kohtausten pääsisältö. Lavamusiikin tyylilajit kukoistivat venetsialaisessa koulussa (yritys elvyttää muinainen tragedia). Instrumentaalimuodot (kappaleet luutulle, vihuelalle, uruille ja muille soittimille) saavuttivat itsenäisyyden.

Luettelo viitteistä:

Efremova T.F. Uusi venäjän kielen sanakirja. Selittävä - johdannainen. - M.: Rus. yaz .., 2000 –T. 1: A-O - 1209 Sivumäärä

Lyhyt estetiikan sanakirja. M., Politizdat, 1964.543 Sivumäärä

Suosittu musiikkihistoria.

Tikhonova A.I.Renesanssi ja barokki: Kirja lukemiseen - M.: OOO "Publishing house" ROSMEN - PRESS ", 2003. - 109 Sivumäärä

renessanssitai renessanssi (fr. renessanssi), - käännekohta Euroopan kansojen kulttuurin historiassa. Italiassa uusia suuntauksia ilmestyi XIII-XIV-vuosisatojen vaihteessa, muissa Euroopan maissa - XV-XVI-luvuilla. Renessanssin luvut pitivät ihmistä - hänen hyväänsä ja oikeuttaan henkilökohtaiseen kehitykseen - korkeimpana arvona. Tätä maailmankuvaa kutsutaan "humanismiksi" (latinasta humanus - "ihminen", "ihminen"). Humanistit etsivät antiikin harmonisen ihmisen ihanteita, ja antiikin Kreikan ja Rooman taide palvelivat heitä mallina taiteelliselle luovuudelle. Halu "elvyttää" muinaista kulttuuria antoi nimen koko aikakaudelle - renessanssille, keskiajan ja uuden ajan väliselle ajanjaksolle (1700-luvun puolivälistä nykypäivään).

Taide, mukaan lukien musiikki, heijastaa täysin renessanssin maailmankatsomusta. Tänä aikana, samoin kuin keskiajalla, laulu kirkkomusiikilla oli johtava rooli. Polyfonian kehitys johti moniäänisyyden syntymiseen (kreikaksi "polis" - "lukuisia" ja "tausta" - "ääni", "ääni"). Tämän tyyppisen polyfonian myötä kaikki äänet teoksessa ovat samat. Polyfonia ei vain mutkistanut työtä, vaan antoi kirjoittajan ilmaista henkilökohtaisen ymmärryksensä tekstistä ja antoi musiikille paljon tunteita. Polyfoninen sävellys luotiin tiukkojen ja monimutkaisten sääntöjen mukaisesti ja vaati säveltäjältä syvällistä tietoa ja virtuoositaitoa. Kirkon ja maallisen tyylilajit kehittyivät polyfonian puitteissa.

Hollannin moniääninen koulu. Alankomaat on historiallinen alue Luoteis-Euroopassa, johon kuuluvat modernin Belgian, Hollannin, Luxemburgin ja Koillis-Ranskan alueet. XV-luvulla. Alankomaat on saavuttanut korkean taloudellisen ja kulttuurisen tason ja siitä on tullut kukoistava Euroopan maa.

Täällä muodostui hollantilainen polyfoninen koulu - yksi renessanssin musiikin suurimmista ilmiöistä. Taiteen kehitykselle 1400-luvulla eri maiden muusikoiden välinen viestintä ja luovien koulujen keskinäinen vaikutus olivat erittäin tärkeitä. Hollantilainen koulu on omaksunut Italian, Ranskan, Englannin ja Alankomaiden perinteet.

Sen erinomaiset edustajat: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (noin 1400 - 27.11.1474, Cambrai), ranskalainen-flaamilainen säveltäjä, yksi hollantilaisen koulun perustajista. Hollantilaisen musiikin moniäänisen perinteen perustan loi Guillaume Dufay (noin 1400–1474). Hän syntyi Cambraissa Flanderissa (maakunta Etelä-Alankomaissa) ja lauloi kirkon kuorossa jo varhaisesta iästä lähtien. Samanaikaisesti tuleva muusikko otti yksityistunteja sävellyksestä. Teini-ikäisenä Dufay meni Italiaan, jossa hän kirjoitti ensimmäiset sävellyksensä - balladeja ja motetteja. Vuosina 1428-1437. hän palveli laulajana Rooman paavin kappelissa; samojen vuosien aikana hän matkusti Italiaan ja Ranskaan. Vuonna 1437 säveltäjä vihittiin. Savoyn herttuan (1437-1439) hovissa hän sävelsi musiikkia seremonioita ja juhlapäiviä varten. Aateliset henkilöt kunnioittivat Dufayta suuresti - hänen ihailijoidensa joukossa oli esimerkiksi Medici-pariskunta (Italian Firenzen kaupungin hallitsijat). [Toiminut Italiassa ja Ranskassa. Vuosina 1428-37 hän lauloi paavin kappeleita Roomassa ja muissa Italian kaupungeissa, vuosina 1437-44 palveli Savoyn herttuan luona. Vuodesta 1445 Cambrain katedraalin kaanon ja musiikillisen toiminnan johtaja. Mestari hengellisistä (3-, 4-äänisistä massoista, moteteista) sekä maallisista (3-, 4-ääniisistä ranskalaisista chansoneista, italialaisista kappaleista, balladeista, rondosta), jotka liittyvät kansanmusiikkiin ja renessanssin humanistiseen kulttuuriin. Danten taiteella, joka absorboi eurooppalaisen musiikkitaiteen saavutukset, oli suuri vaikutus eurooppalaisen moniäänisen musiikin jatkokehitykseen. Hän oli myös musiikin nuottien uudistaja (D.: n hyväksi käyttöönotetaan valkoisen pään nuotit). Koko D.-kokoelma teoksia, jotka on julkaistu Roomassa (6 osaa, 1951-66).] Dufay oli ensimmäinen säveltäjien joukossa, joka alkoi säveltää messua yhtenä kokonaisuutena. Kirkkomusiikin luominen vaatii ylimääräistä kykyä: kykyä ilmaista abstrakteja, ei-aineellisia käsitteitä konkreettisilla, aineellisilla keinoilla. Vaikeus on siinä, että tällainen sävellys ei toisaalta jätä kuuntelijaa välinpitämättömäksi eikä toisaalta häiritse jumalallista palvelua, auttaa keskittymään syvemmälle rukoukseen. Monet Dufayn massat ovat innoittamana, täynnä sisäistä elämää; ne näyttävät auttavan avaamaan jumalallisen ilmoituksen verhon hetkeksi.

Massaa luodessaan Dufay otti usein tunnetun melodian, johon hän lisäsi omansa. Tällaiset lainat ovat tyypillisiä renessanssille. Pidettiin erittäin tärkeänä, että messun perustan tulisi perustua tuttuun melodiaan, jonka palvojat pystyivät helposti tunnistamaan jopa moniäänisessä kappaleessa. Gregoriaanisen laulun fragmenttia käytettiin usein; maallisia teoksia ei myöskään suljettu pois.

Kirkkomusiikin lisäksi Dufay sävelsi motetteja maallisiin teksteihin. Hän käytti niissä myös monimutkaisia \u200b\u200bpolyfonisia tekniikoita.

Josquin Despres (1440-1521). Alankomaiden polyfonisen koulun edustaja 1400-luvun jälkipuoliskolla. oli Josquin Despres (noin 1440-1521 tai 1524), jolla oli suuri vaikutus seuraavan sukupolven säveltäjien työhön. Nuoruudessaan hän palveli kirkkokuorona Cambraissa; otti musiikkitunteja Okegemiltä. Kaksikymmentävuotiaana nuori muusikko tuli Italiaan, lauloi Milanossa Sforzan herttuoiden kanssa (myöhemmin palveli täällä suuri italialainen taiteilija Leonardo da Vinci) ja Rooman kappelissa. Italiassa Despres alkoi luultavasti säveltää musiikkia. XVI-luvun alussa. hän muutti Pariisiin. Tuohon aikaan Despres oli jo tunnettu, ja Ranskan kuningas Louis XII kutsui hänet hovimuusikkoon. Vuodesta 1503 lähtien Despres asettui jälleen Italiaan, Ferraran kaupunkiin, herttuan d'Esten hoviin. Despres sävelsi paljon, ja hänen musiikkinsa sai nopeasti tunnustusta laajimmissa piireissä: sekä aateliset että tavalliset ihmiset rakastivat häntä. Säveltäjä ei luonut vain kirkkoa teoksia, mutta myös maallisia. Erityisesti hän kääntyi italialaisen kansanlaulun genren - frottola (it. frottola, from frotta - "väkijoukko"), jolle on ominaista tanssirytmi ja nopea tempo. Kirkkomusiikissa Despres esitteli maallisten teosten piirteet: tuoreet , elävä intonaatio rikkoi tiukan irtautumisen ja aiheutti ilon ja olemisen tunnetta. Säveltäjän mittatuntuma ei kuitenkaan koskaan muuttunut. Despresin moniäänistä tekniikkaa ei eroteta hienostuneisuudella. Hänen teoksensa ovat tyylikkäästi yksinkertaisia, mutta he tuntevat tekijän voimakkaan älyn. Tämä on hänen luomustensa suosion salaisuus. ...

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Guillaume Dufayn nuoremmat aikalaiset olivat Johannes (Jean) Okegem (noin 1425-1497) ja Jacob Obrecht. Kuten Dufay, Okegem oli alun perin kotoisin Flanderista. Koko elämänsä hän työskenteli ahkerasti; musiikin säveltämisen lisäksi hän toimi kappelin päällikkönä. Säveltäjä loi viisitoista massaa, kolmetoista motettia, yli kaksikymmentä chansonia. Okegemin teoksille on ominaista vakavuus, keskittyminen ja pitkittyneiden virtaavien melodisten viivojen kehitys. Hän kiinnitti suurta huomiota moniääniseen tekniikkaan ja pyrki siihen, että kaikki massan osat koetaan yhtenä kokonaisuutena. Säveltäjän luovan käsinkirjoituksen arvellaan myös hänen kappaleissaan - niiltä puuttuu melkein maallinen keveys, luonteeltaan ne muistuttavat enemmän motetteja ja joskus massafragmentteja. Johannes Okegemia kunnioitettiin sekä kotimaassa että ulkomailla (hänet nimitettiin Ranskan kuninkaan neuvonantajaksi). Jacob Obrecht toimi kuorona katedraaleissa Alankomaiden eri kaupungeissa, johti kappeleita; Useiden vuosien ajan hän palveli herttuan d'Esten hovissa Ferrarassa (Italia). Hän on kirjoittanut kaksikymmentäviisi massaa, kaksikymmentä motettia, kolmekymmentä chansonia. Edeltäjiensä saavutuksia käyttämällä Obrecht toi moniääniseen perinteeseen paljon uutta. Hänen musiikkinsa on täynnä kontrasteja, rohkeaa, vaikka säveltäjä puhuisi perinteisiin kirkon genreihin.

Orlando Lasson luovuuden monipuolisuus ja syvyys. Hollannin renessanssimusiikin historian täydentäminen on Orlando Lasson (oikea nimi ja sukunimi Roland de Lasso, noin 1532-1594) teos, jota hänen aikalaisensa kutsuvat "belgialaiseksi Orfeukseksi" ja "musiikin prinssiksi". Lasso syntyi Monsissa (Flanderi). Lapsuudesta lähtien hän lauloi kirkon kuorossa iskien seurakuntalaisia \u200b\u200bupealla äänellä. Italian Mantuan kaupungin herttua Gonzaga kuuli vahingossa nuoren laulajan ja kutsui hänet omaan kappeliinsa. Mantuan jälkeen Lasso työskenteli lyhyen aikaa Napolissa ja muutti sitten Roomaan - siellä hän sai yhden katedraalin kappelin pään. 25-vuotiaana Lasso tunnettiin jo säveltäjänä, ja hänen teoksensa olivat kysyttyjä musiikin kustantajien keskuudessa. Vuonna 1555 julkaistiin ensimmäinen teoskokoelma, joka sisälsi motetteja, madrigalleja ja chansoneja. Lasso tutki kaikkea parasta, mitä edeltäjänsä (hollantilaiset, ranskalaiset, saksalaiset ja italialaiset säveltäjät) olivat luoneet, ja käytti heidän kokemuksiaan teoksessaan. Koska Lasso on poikkeuksellinen persoonallisuus, hän pyrki voittamaan kirkkomusiikin abstraktin luonteen ja antamaan sille yksilöllisyyden. Tätä tarkoitusta varten säveltäjä käytti toisinaan tyylilajeja (kansanlaulujen, tanssien aiheita), jolloin kirkon ja maalliset perinteet yhdistettiin. Lasso yhdisti moniäänisen tekniikan monimutkaisuuden suureen emotionaalisuuteen. Hän oli erityisen hyvä madrigaleissa, joiden tekstissä hahmojen mielentila paljastui, esimerkiksi Pyhän Pietarin kyyneleet (1593) italialaisen runoilijan Luigi Tranzillon jakeista. Säveltäjä kirjoitti usein suurelle määrälle ääniä (viisi tai seitsemän), joten hänen teoksiaan on vaikea esittää. ...

Vuodesta 1556 Orlando Lasso asui Münchenissä (Saksa), jossa hän johti kappelia. Elämänsä loppuun mennessä hänen auktoriteettinsa musiikki- ja taiteellisissa piireissä oli erittäin korkea, ja hänen maineensa levisi kaikkialle Eurooppaan. Hollannin moniäänisillä kouluilla oli suuri vaikutus Euroopan musiikkikulttuurin kehitykseen. Hollantilaisten säveltäjien kehittämät polyfonian periaatteet ovat yleistyneet, ja säveltäjät ovat käyttäneet monia taiteellisia tekniikoita jo 1900-luvulla.

Ranska. Ranskalle 15-16-luvuista tuli tärkeiden muutosten aikakausi: sadan vuoden sota (1337-1453) Englannin kanssa päättyi 1400-luvun loppuun mennessä. valtion yhdistäminen saatiin päätökseen; 1500-luvulla maa koki uskonnollisia sotia katolisten ja protestanttien välillä. Vahvassa valtiossa, jossa absoluuttinen monarkia, tuomioistuinjuhlien ja kansanjuhlien rooli kasvoi. Tämä edisti taiteen, erityisesti musiikin, joka seurasi tällaisia \u200b\u200btoimia, kehitystä. Laulu- ja instrumentaalikokonaisuuksien (kappelit ja konsortit) määrä, jotka koostuivat merkittävästä määrästä esiintyjiä, kasvoi. Italiassa käydyissä sotakampanjoissa ranskalaiset tutustuivat italialaisen kulttuurin saavutuksiin. He tunsivat ja hyväksyivät syvästi italialaisen renessanssin ajatukset - humanismin, joka pyrkii harmoniaan ympäröivän maailman kanssa, nauttimaan elämästä.

Jos Italiassa musiikillinen renessanssi liittyi ensisijaisesti messuun, niin ranskalaiset säveltäjät kirkkomusiikin ohella kiinnittivät erityistä huomiota maalliseen moniääniseen kappaleeseen - chansoniin. Kiinnostus Ranskaan herätti sitä 1500-luvun alkupuoliskolla, kun Clement Janequinin (noin 1485-1558) musiikkikappaleiden kokoelma julkaistiin. Tätä säveltäjää pidetään yhtenä tyylilajista.

Clement Janequinin (1475-1560) suurimmat kuoron ohjelmalliset teokset. Lapsena Jannequin lauloi kirkon kuorossa kotikaupungissaan Chatellerault (Keski-Ranska). Myöhemmin, kuten musiikkihistorioitsijat ehdottavat, hän opiskeli hollantilaisen mestarin Josquin Desprezin tai seurueensa säveltäjän luona. Saatuaan papin vihkimykset Zhaneken työskenteli kuorojohtajana ja urkurina; sitten Guisen herttu kutsui hänet palvelukseen. Vuonna 1555 muusikosta tuli kuninkaallisen kappelin laulaja ja vuosina 1556-1557. - kuninkaallisen hovin säveltäjä. Clement Jeannequin loi kaksisataa kahdeksankymmentä chansonia (julkaistu vuosina 1530-1572); kirjoitti kirkkomusiikkia - messuja, motetteja, psalmeja. Hänen laulunsa olivat usein kuvallisia. Kuvia taistelusta ("Marignanon taistelu", "Rentan taistelu", "Metzin taistelu"), metsästys kohtaukset ("Metsästys"), luonnon kuvat ("Linnunlaulu", "Nightingale", "Lark") ), jokapäiväiset kohtaukset ("Naisten chatter"). Hämmästyttävän kirkkaasti säveltäjä onnistui välittämään Pariisin arjen ilmapiirin chansoniin "Pariisin huuto": hän toi myyjiin huutomerkit tekstiin ("Maito!" - "Piirakat!" - "Artisokat!" - "Kala!" - "Tulitikut!" - "Kyyhkyt! ! "-" Vanhat kengät! "-" Viini! "). Janequin melkein ei käyttänyt pitkiä ja virtaavia teemoja yksittäisille äänille ja monimutkaisille polyfonisille tekniikoille, mieluummin rullapuhelut, toistot, onomatopoeia.

Toinen ranskalaisen musiikin suunta liittyy uskonpuhdistuksen yleiseurooppalaiseen liikkeeseen.

Kirkon jumalanpalveluksissa ranskalaiset protestantit (hugenotit) hylkäsivät latinan ja moniäänisyyden. Pyhä musiikki on saanut avoimemman, demokraattisemman luonteen. Yksi tämän musiikillisen perinteen kirkkaimmista edustajista oli Claude Gudimel (vuosina 1514-1520-1572) - raamatunkirjojen ja protestanttisten laulujen psalmien kirjoittaja.

Chanson. Yksi Ranskan renessanssin tärkeimmistä musiikkilajeista on chanson (ranskalainen chanson - "laulu"). Sen alkuperä on peräisin kansantaiteesta (eeppisten legendojen rimeet jakeet siirrettiin musiikkiin), keskiaikaisen trubaduurin ja trouverin taiteesta. Sisällöltään ja mielialaltaan chanson voisi olla hyvin monipuolinen - siellä oli rakkauslauluja, arjen, humoristisia, satiirisia jne. Säveltäjät ottivat teksteinä kansanrunoja ja modernia runoutta.

Italia. Renessanssin alkaessa päivittäinen musiikin tekeminen eri instrumenteilla levisi Italiassa; syntyi musiikin ystävien piirejä. Ammatillisella alalla muodostettiin kaksi voimakkainta koulua: roomalainen ja venetsialainen.

Madrigal. Renessanssin aikana maallisten tyylilajien rooli kasvoi. XIV-luvulla. italialaisessa musiikissa ilmestyi madrigal (pozlnelat. matricasta - "laulu äidinkielellä"). Se muodostettiin kansanlaulujen (paimen) perusteella. Madrigals olivat kappaleita kahdelle tai kolmelle äänelle, usein ilman instrumentaalista säestystä. Ne kirjoitettiin nykyajan italialaisten runoilijoiden jakeisiin, jotka kertoivat rakkaudesta; siellä oli kappaleita jokapäiväisistä ja mytologisista aiheista.

Viidentoista vuosisadan aikana säveltäjät tuskin koskaan kääntyneet tämän tyylilajin puoleen; kiinnostus häntä kohtaan heräsi eloon vasta 1500-luvulla. Tyypillinen piirre 1500-luvun madrigalille on läheinen yhteys musiikin ja runouden välillä. Musiikki seurasi joustavasti tekstiä heijastamalla runollisessa lähteessä kuvattuja tapahtumia. Ajan myötä kehittyi erikoisia melodisia symboleja, jotka merkitsivät lempeitä huokauksia, kyyneleitä jne. Joidenkin säveltäjien teoksissa symboliikka oli filosofista, esimerkiksi Gesualdo di Venosan madrigalissa "Kuolen, onnettomana" (1611).

Genren kukoistus putoaa XVI-XVII vuosisadan vaihteeseen. Joskus, samanaikaisesti kappaleen esityksen kanssa, sen juoni toistettiin. Madrigalista tuli perusta madrigal-komedialle, joka valmisti oopperan ulkonäön.

Roomalainen moniääninen koulu. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Rooman koulupäällikkö oli Giovanni Pierluigi da Palestrina, yksi renessanssin suurimmista säveltäjistä. Hän syntyi Italian Palestrinan kaupungissa, minkä jälkeen hän sai sukunimensä. Lapsuudestaan \u200b\u200blähtien Palestrina lauloi kirkon kuorossa, ja kun hän oli täysi-ikäinen, hänet kutsuttiin kapellimestarin virkaan Rooman Pyhän Pietarin basilikassa; myöhemmin hän palveli Sikstuksen kappelissa (paavin hovikappelissa).

Rooma, katolisuuden keskus, on houkutellut monia johtavia muusikoita. Eri aikoina hollantilaiset mestarit, polyfonistit Guillaume Dufay ja Josquin Despres työskentelivät täällä. Heidän hyvin kehittynyt säveltämistekniikkansa häiritsi toisinaan jumalallisen palvelun tekstin havainnointia: se eksyi äänten hienon kudonnan taakse ja sanoja ei itse asiassa kuultu. Siksi kirkon viranomaiset olivat varovaisia \u200b\u200btällaisista teoista ja kannattivat gregoriaanisiin lauluihin perustuvan monofonian palauttamista. Kysymys polyfonian sallimisesta kirkkomusiikissa keskusteltiin jopa katolisen kirkon Trentin kirkossa (1545-1563). Paavin lähellä oleva Palestrina vakuutti kirkon johtajat mahdollisuudesta luoda teoksia, joissa sävellystekniikka ei häiritsisi tekstin ymmärtämistä. Todisteena hän sävelsi paavi Marcellon messun (1555), joka yhdistää monimutkaisen moniäänisyyden jokaisen sanan selkeään ja ilmeikkään ääniin. Siksi muusikko "pelasti" ammattimaisen moniäänisen musiikin kirkon viranomaisten vainolta. Vuonna 1577 säveltäjä kutsuttiin keskustelemaan asteittaisesta uudistuksesta - kokoelmasta katolisen kirkon pyhiä lauluja. 80-luvulla. Palestrina vihittiin, ja vuonna 1584 hänestä tuli Musiikkimestareiden yhdistyksen jäsen - suoraan paaville alistettujen muusikoiden yhdistys.

Palestrinan luovuus on täynnä kirkasta asennetta. Hänen luomansa teokset hämmästyttivät aikalaisiaan korkeimmalla taitolla ja määrällä (yli sata massaa, kolmesataa motettia, sata madrigalia). Musiikin monimutkaisuus ei ole koskaan ollut este sen havaitsemiselle. Säveltäjä osasi löytää keskitien sävellysten hienostuneisuuden ja kuuntelijan saatavuuden välillä. Palestrina näki tärkeimmän luovan tehtävän yhtenäisen suuren teoksen kehittämisessä. Jokainen laulunsa ääni kehittyy itsenäisesti, mutta muodostaa samalla yhden kokonaisuuden muiden kanssa, ja usein äänet muodostavat hämmästyttävän kauniita sointujen yhdistelmiä. Usein ylemmän äänen melodia leijuu muiden yläpuolella, esittäen polyfonian "kupolin"; kaikki äänet ovat sujuvia ja kehittyneitä.

Seuraavan sukupolven muusikot pitivät Giovanni da Palestrinan taidetta esimerkillisenä, klassisena. Hänen teoksistaan \u200b\u200bopiskeli monia erinomaisia \u200b\u200bsäveltäjiä 1700--1800-luvuilta.

Toinen renessanssimusiikin suunta liittyy venetsialaisen koulun säveltäjien työhön, jonka perustaja oli Adrian Villart (noin 1485-1562). Hänen oppilaansa olivat urkuri ja säveltäjä Andrea Gabrieli (vuosina 1500-1520 - vuoden 1586 jälkeen), säveltäjä Cyprian de Pope (1515 tai 1516-1565) ja muut muusikot. Vaikka Palestrinan teoksille on ominaista selkeys ja tiukka pidättyvyys, Willart ja hänen seuraajansa kehittivät upean kuorotyylin. Surround-äänen saavuttamiseksi ja sointien soimisessa he käyttivät useita kuoroja sävellyksissään, jotka sijaitsevat temppelin eri paikoissa. Kuorojen välisten nimenhuutojen käyttö mahdollisti kirkon tilan täyttämisen ennennäkemättömillä vaikutuksilla. Tämä lähestymistapa heijastaa koko aikakauden humanistisia ihanteita - iloisuudellaan, vapaudellaan ja itse venetsialaisella taiteellisella perinteellään - pyrkimyksellään kaikkeen kirkkaaseen ja epätavalliseen. Venetsialaisten mestareiden teoksissa myös musiikkikieli muuttui monimutkaisemmaksi: se oli täynnä rohkeita yhdistelmiä sointuja, odottamattomia harmonioita.

Silmiinpistävä renessanssin hahmo oli Carlo Gesualdo di Venosa (noin 1560-1613), Venosan kaupungin prinssi, yksi maallisen madrigalin suurimmista mestareista. Hän sai mainetta hyväntekijänä, luuttu esiintyjänä, säveltäjänä. Prinssi Gesualdo oli ystäviä italialaisen runoilijan Torquato Tasson kanssa; on edelleen mielenkiintoisia kirjeitä, joissa molemmat taiteilijat keskustelevat kirjallisuudesta, musiikista ja kuvataiteesta. Monet Tasso Gesualdo di Venosan runoista soitettiin musiikiksi - näin ilmestyi joukko erittäin taiteellisia madrigaaleja. Myöhäisen renessanssin edustajana säveltäjä kehitti uuden tyyppisen madrigalin, jossa tunteet olivat ensisijaisesti - väkivaltaisia \u200b\u200bja arvaamattomia. Siksi hänen teoksilleen on ominaista äänenvoimakkuuden, intonaation muutokset, samanlaiset kuin huokailut ja jopa nyyhkytykset, terävien sointujen soinnut, vastakkaiset tempomuutokset. Nämä tekniikat antoivat Gesualdon musiikille ilmeikkään, hieman outon luonteen, se hämmästytti ja samalla houkutteli aikalaisia. Gesualdo di Venosan perintö koostuu seitsemästä moniäänisten madrigalien kokoelmasta; hengellisten teosten joukossa - "pyhät laulut". Hänen musiikkinsa tänään ei jätä kuuntelijaa välinpitämättömäksi.

Instrumentaalimusiikin tyylilajien ja muotojen kehittäminen. Instrumentaalimusiikkia on leimannut myös uusien tyylilajien, etenkin instrumentaalikonsertin, syntyminen. Viulu, cembalo, urut muuttuivat vähitellen sooloinstrumenteiksi. Heille kirjoitettu musiikki antoi mahdollisuuden osoittaa kykyjä paitsi säveltäjälle myös esiintyjälle. Ensisijaisesti arvostettiin virtuoosi (kyky selviytyä teknisistä vaikeuksista), josta tuli vähitellen itsetarkoitus monille muusikoille ja taiteellinen arvo. 1600-luvulta peräisin olevat säveltäjät säveltivät yleensä paitsi musiikkia, myös soittivat instrumentteja mestarillisesti ja harjoittivat pedagogista toimintaa. Taiteilijan hyvinvointi riippui suurelta osin yksittäisestä asiakkaasta. Jokainen vakava muusikko etsii pääsääntöisesti paikkaa joko hallitsijan tai varakkaan aristokraatin (useilla aateliston jäsenillä oli omat orkesterinsa tai oopperatalonsa) hovissa tai temppelissä. Lisäksi useimmat säveltäjät yhdistivät helposti kirkkomusiikin tekemisen palvelukseen maallisen suojelijan kanssa.

Englanti. Englannin kulttuurielämä renessanssin aikana liittyi läheisesti uskonpuhdistukseen. 1500-luvulla protestantismi levisi koko maahan. Katolinen kirkko menetti hallitsevan aseman, anglikaanisesta kirkosta tuli valtio, joka kieltäytyi tunnustamasta joitain katolisuuden dogmoja (perussäännöksiä); suurin osa luostareista lakkasi olemasta. Nämä tapahtumat vaikuttivat englantilaiseen kulttuuriin, mukaan lukien musiikki. Musiikkiosastot avattiin Oxfordin ja Cambridgen yliopistoissa. Aateliston salongeissa soi kosketinsoittimet: neitsyt (eräänlainen cembalo), kannettavat (pienet) urut jne. Kotimusiikkiin tarkoitetut pienet sävellykset olivat suosittuja. Tuon ajan musiikkikulttuurin merkittävin edustaja oli musiikin kustantaja, urkuri ja säveltäjä William Bird (1543 tai 1544-1623). Birdistä tuli englantilaisen madrigalin esi-isä. Hänen teoksensa eroavat yksinkertaisuudestaan \u200b\u200b(hän \u200b\u200bvältteli monimutkaisia \u200b\u200bpolyfonisia tekniikoita), tekstiä seuraavan muodon omaperäisyydellä ja harmonisella vapaudella. Kaikkien musiikillisten keinojen on tarkoitus vahvistaa elämän kauneutta ja iloa toisin kuin keskiaikainen ankaruus ja pidättyvyys. Säveltäjällä oli monia seuraajia madrigal-tyylilajissa.

Lintu loi myös hengellisiä teoksia (massat, psalmit) ja instrumentaalimusiikkia. Neitsytsävellyksissään hän käytti kansanlaulujen ja tanssien aiheita.

Säveltäjä todella halusi kirjoittamansa musiikin "kantavan iloisesti ainakin vähän hellyyttä, rentoutumista ja viihdettä" - tämän William Bird kirjoitti erään hänen musiikkikokoelmansa esipuheessa.

Saksa. Saksalaisen musiikkikulttuurin yhteys uskonpuhdistusliikkeeseen. 1500-luvulla Saksassa aloitettiin uskonpuhdistus, joka muutti merkittävästi maan uskonnollista ja kulttuurista elämää. Uskonpuhdistuksen työntekijät olivat vakuuttuneita tarpeesta muuttaa palvonnan musiikillista sisältöä. Tämä johtui kahdesta syystä. XV vuosisadan puoliväliin mennessä. kirkkomusiikin genreissä työskentelevien säveltäjien moniääninen taito on saavuttanut poikkeuksellisen monimutkaisen ja hienostuneen. Joskus luotiin teoksia, joita melodisen äänirikkauden ja pitkien laulujen vuoksi suurin osa seurakuntalaisten ei voinut havaita ja kokea hengellisesti. Lisäksi palvelu suoritettiin latinaksi, ymmärrettävä italialaisille, mutta ulkomaalainen saksalaisille.

Uskonpuhdistusliikkeen perustaja Martin Luther (1483-1546) uskoi kirkkomusiikin uudistamisen tarpeelliseksi. Musiikin on ensinnäkin edistettävä seurakunnan jäsenten aktiivisempaa osallistumista palvontaan (se oli mahdotonta, kun esitettiin moniäänisiä sävellyksiä), ja toiseksi, sen tulisi luoda empatiaa raamatullisiin tapahtumiin (mikä estyi palvelun suorittamisella latinaksi). Siksi kirkkolaululle asetettiin seuraavat vaatimukset: melodian yksinkertaisuus ja selkeys, tasainen rytmi, selkeä laulamisen muoto. Tämän perusteella syntyi protestanttinen laulu - Saksan renessanssin kirkkomusiikin päälaji. Vuonna 1522 Luther käänsi Uuden testamentin saksaksi - vastedes oli mahdollista juhlia jumalallisia palveluksia heidän äidinkielellään.

Luther itse ja hänen ystävänsä, saksalainen musiikkiteoreetikko Johann Walter (1490-1570), osallistuivat aktiivisesti koraalien melodioiden valintaan. Tällaisten melodioiden päälähteet olivat kansanmieliset hengelliset ja maalliset laulut - yleisesti tunnettuja ja helposti ymmärrettäviä. Luther sävelsi melodiat joillekin koraaleista itse. Yhdestä heistä, "Herra on meidän tukemme", tuli uskonpuhdistuksen symboli 1500-luvun uskonnollisten sotien aikana.

Meisteringerit ja heidän taiteensa. Toinen kirkas sivu saksalaista renessanssimusiikkia liittyy Meistersingerin (saksalainen Meistersinger - "mestarilaulaja") - runoilijalaulajien käsityöläisten työhön. He eivät olleet ammattimuusikkoja, mutta ennen kaikkea käsityöläisiä - asesepät, räätälit, lasit, kenkävalmistajat, leipurit jne. Tällaisten muusikoiden kaupunkiliittoon kuului erilaisten käsityöläisten edustajia. 1500-luvulla Meistersinger-yhdistykset olivat olemassa monissa Saksan kaupungeissa.

Meistersingers sävelsi kappaleensa tiukkojen sääntöjen mukaisesti, luova aloite kiusasi monia rajoituksia. Aloittelijan oli ensin hallittava nämä säännöt, sitten opittava kappaleiden esittäminen, sitten säveltämään sanoitukset muiden ihmisten melodioihin ja vasta sitten hän voisi luoda oman kappaleen. Kuuluisien meisteringerien ja minnesingerien melodioita pidettiin melodioina.

Erinomainen Meistersinger 1500-luvulta Hans Sachs (1494-1576) tuli räätälin perheestä, mutta nuoruudessaan hän jätti vanhempiensa kodin ja matkusti Saksaan. Vaeltamisensa aikana nuori mies oppi kenkälaitteen, mutta ennen kaikkea tutustui kansanmuseoon. Sachs oli hyvin koulutettu, tunsi muinaisen ja keskiajan kirjallisuuden täydellisesti, luki Raamattua saksaksi. Uskonpuhdistuksen ajatukset olivat häntä syvästi, joten hän kirjoitti paitsi maallisia lauluja myös hengellisiä kappaleita (yhteensä noin kuusi tuhatta laulua). Hans Sachs tuli tunnetuksi myös näytelmäkirjailijana (katso artikkeli "Renessanssin teatteritaide").

Renessanssin soittimet. Renessanssin aikana soittimien kokoonpano laajeni merkittävästi, jo olemassa oleviin jousiin ja puhalluksiin lisättiin uusia lajikkeita. Heidän joukossaan erityinen paikka on viuluilla - kumarrettujen jousien perhe, joka silmiinpistää kauneudellaan ja jaloillaan. Muodoltaan ne muistuttavat nykyaikaisen viuluperheen instrumentteja (viulu, alttoviulu, sello), ja heitä pidetään jopa välittöminä edeltäjinä (ne esiintyivät musiikillisessa käytännössä 1700-luvun puoliväliin saakka). Ero ja merkittävä on kuitenkin edelleen olemassa. Viuluilla on resonoivien merkkijonojen järjestelmä; pääsääntöisesti niitä on yhtä monta kuin tärkeimmät (kuusi seitsemän). Resonsoivien jousien värähtelyt tekevät alttosta äänen pehmeän, samettisen, mutta instrumenttia on vaikea käyttää orkesterissa, koska se muuttuu nopeasti virittämättömäksi jousien suuren määrän vuoksi.

Alttoviulun ääntä pidettiin pitkään esimerkkinä hienostuneesta musiikista. Violaperheessä on kolme päätyyppiä. Viola da gamba on suuri instrumentti, jonka esiintyjä sijoitti pystysuoraan ja kiinnitti sivuilta jaloillaan (italialainen sana gamba tarkoittaa "polvi"). Kaksi muuta lajiketta - viola da braccio (italialaiselta braccio - "käsivarsi") ja viol d "amor (fr. Viole d" amour - "rakkauden alttoviulu") suuntautuivat vaakasuoraan, ja soitettaessa ne painettiin olkapäätä vasten. Viola da gamba on lähellä selloa äänialueen suhteen, viola da braccio - viululle ja viol d "cupido - alttoviululle.

Renessanssin kynittyjen soittimien joukossa tärkein paikka on luuttu (puolalainen lutnia, arabialaisesta "alud" - "puu"). Se tuli Eurooppaan Lähi-idästä 1400-luvun lopulla, ja 1500-luvun alkuun mennessä tälle instrumentille oli valtava ohjelmisto; Ensinnäkin kappaleita esitettiin luutsin säestyksellä. Luutulla on lyhyt runko; yläosa on litteä ja alempi puolipalloa muistuttava. Otelauta on kiinnitetty laajaan kaulaan, ja instrumentin pää taivutetaan taaksepäin melkein suorassa kulmassa. Halutessasi voit nähdä samankaltaisuuden luutun muotoiseen kulhoon. Kaksitoista merkkijonoa ryhmitellään pareittain, ja ääni tuotetaan sekä sormilla että erityisellä levyllä - poimimalla.

XV-XVI-luvuilla syntyi erityyppisiä näppäimistöjä. Tällaisten instrumenttien päätyyppejä - cembalo, klavikordi, cembalo ja neitsyt - käytettiin aktiivisesti renessanssin musiikissa, mutta niiden todellinen kukoistus tuli myöhemmin.

1800-luvulla historioitsija Jules Michelet käytti ensin renessanssin käsitettä. Artikkelissa käsitellyt muusikot ja säveltäjät kuuluivat 1400-luvulla alkaneeseen aikaan, jolloin kirkon keskiaikainen dominointi korvattiin maallisella kulttuurilla, joka kiinnosti ihmistä.

Renessanssimusiikki

Euroopan maat ovat siirtyneet uuteen aikakauteen eri aikoina. Hieman aikaisemmin ne syntyivät Italiassa, mutta musiikkikulttuurissa vallitsi hollantilainen koulu, jossa ensimmäistä kertaa katedraaleissa luotiin erityiset metrikset (suojat) tulevien säveltäjien kouluttamiseksi. Tuon ajan tärkeimmät tyylilajit on esitetty taulukossa:

Suurin osa renessanssista Alankomaissa on Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Suuret hollantilaiset

Johannes Okegem hän sai koulutuksen Notre Damen Metrissessä (Antwerpen), ja 1400-luvun 40-luvulla hänestä tuli kuorokuorimies herttua Kaarle I: n (Ranska) hovissa. Myöhemmin hän johti kuninkaallisen hovin kappelia. Elettyään kypsään vanhuuteen hän jätti suuren perinnön kaikissa tyylilajeissa, vakiinnuttuaan erinomaiseksi polyfonistiksi. Hänen 13 massansa käsikirjoitukset ovat tulleet luoksemme Chigi-koodeksilla, joista yksi on maalattu kahdeksalla äänellä. Hän käytti paitsi muita ihmisiä myös omia melodioita.

Orlando Lasso syntyi modernin Belgian alueella (Mons) vuonna 1532. Hänen musiikillinen lahjakkuutensa ilmeni varhaislapsuudessa. Poika siepattiin kotoa kolme kertaa, jotta hänestä tulisi loistava muusikko. Hän vietti koko aikuisen elämänsä Baijerissa, jossa hän esiintyi tenorina herttua Albrecht V: n hovissa ja sitten johti kappelia. Hänen erittäin ammattitaitoinen tiiminsä auttoi muuttamaan Münchenin Euroopan musiikkikeskukseksi, jossa monet kuuluisat renessanssin säveltäjät vierailivat.

Johann Eckard, Leonard Lechner ja italialainen D. Gabrieli tulivat opiskelemaan hänen luokseen. . Viimeisen turvapaikan hän löysi vuonna 1594 Münchenin kirkon alueelta, jättäen suuren perinnön: yli 750 motettia, 60 joukkoa ja satoja lauluja, joista suosituin oli Susanne un jour. Hänen motettinsa ("Sibylien profetiat") erottautuivat innovaatioillaan, mutta hänet tunnettiin myös maallisesta musiikistaan, joka oli täynnä huumoria (Vilanella O bella fusa).

Italialainen koulu

Renessanssin erinomaiset säveltäjät Italiasta kehittivät perinteisten suuntausten lisäksi aktiivisesti instrumentaalimusiikkia (urut, jousijouset, clavier). Luutista tuli yleisin instrumentti, ja 1400-luvun lopulla ilmestyi cembalo - pianon edelläkävijä. Kansanmusiikin elementtien pohjalta kehittyi kaksi vaikutusvaltaisinta säveltäjää: Roman (Giovanni Palestrina) ja Venetsia (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi otti nimen Palestrina Rooman lähellä sijaitsevan kaupungin nimellä, jossa hän syntyi ja palveli pääkirkossa kuoronjohtajana ja urkurina. Hänen syntymäaikansa on hyvin likimääräinen, mutta hän kuoli vuonna 1594. Pitkän elämänsä aikana hän kirjoitti noin 100 massaa ja 200 motettia. Hänen "paavin Marcelluksen messu" herätti paavi Pius IV: n ihailun ja siitä tuli esimerkki katolisesta pyhästä musiikista. Giovanni on merkittävin laululaulun edustaja ilman musiikkisäestystä.

Andrea Gabrieli yhdessä oppilaansa ja veljenpoikansa Giovanni työskenteli Pyhän Markuksen kappelissa (1500-luvulla) "maalaten" kuoron laulua urkujen ja muiden instrumenttien äänellä. Venetsialainen koulu kallistui enemmän kohti maallista musiikkia, ja kun Andrea Gabrieli esitteli lavalla Sophoclesin Oidipuksen, kirjoitettiin kuoromusiikki, esimerkki kuoropolyfoniasta ja ooppera tulevaisuuden oopperasta.

Saksalaisen koulun piirteet

Saksan maaperä edistynyt Ludwig Senfl, 1500-luvun paras polyfonisti, joka ei kuitenkaan saavuttanut hollantilaisten mestareiden tasoa. Runoilijoiden ja laulajien laulut käsityöläisten joukosta ovat myös renessanssin erityistä musiikkia. Saksalaiset säveltäjät edustivat laulavia yrityksiä: peltisepät, kenkävalmistajat, kutojat. He yhdistyivät koko alueella. Nürnbergin laululaitoksen merkittävä edustaja oli Hans Sachs(elämän vuodet: 1494-1576).

Hän syntyi räätälin perheessä ja työskenteli koko elämänsä kenkävalmistajana. Hän luki Raamattua suuren uskonpuhdistajan Lutherin tulkitsemana, tunsi muinaisia \u200b\u200brunoilijoita ja arvosti Boccacciota. Kansanmuusikkona Sachs ei hallinnut polyfonian muotoja, mutta loi laulumaisen melodian. He olivat lähellä tanssia, helppo muistaa ja heillä oli tietty rytmi. Tunnetuin teos oli The Silver Tune.

Renessanssi: Ranskan muusikot ja säveltäjät

Ranskan musiikkikulttuuri koki renessanssin vasta 1500-luvulla, kun maassa valmisteltiin sosiaalista maaperää.

Yksi parhaista edustajista on Clement Jannequin... Tiedetään, että hän on syntynyt Chatelleraultissa (1400-luvun loppu) ja siirtynyt poika-laulajasta kuninkaan henkilökohtaiseen säveltäjään. Hänen luovasta perinnöstään vain Attenyanin julkaisemat maalliset kappaleet ovat säilyneet. Niitä on 260, mutta ajan koetuksen läpäisseet ovat saaneet todellisen maineen: "Birdsong", "Hunt", "Skylark", "War", "Paris Screams". Ne olivat jatkuvasti uusintapainoksia ja muut kirjoittajat käyttivät niitä tarkistamiseen.

Hänen laulunsa olivat moniäänisiä ja muistuttivat kuoronäkymiä, joissa onomatopoian ja kallistuneen äänen johtamisen lisäksi huutomerkit olivat vastuussa työn dynamiikasta. Se oli rohkea yritys löytää uusia tapoja kuvantamiseen.

Kuuluisia ranskalaisia \u200b\u200bsäveltäjiä ovat Guillaume Cotlet, Jacques Mauduy, Jean Baif, Claude Lejeune, Claude Gudimel , antoi musiikille harmonisen rakenteen, joka edisti musiikin omaksumista yleisön keskuudessa.

Renessanssin säveltäjät: Englanti

Teokset vaikuttivat 1400-luvulle Englannissa John Dubstaleja XVI - William Byrd... Molemmat mestarit vetivät kohti pyhää musiikkia. Bird aloitti urkurina Lincolnin katedraalissa ja päätti uransa Lontoon kuninkaallisessa kappelissa. Ensimmäistä kertaa hän onnistui yhdistämään musiikin ja yrittäjyyden. Vuonna 1575 säveltäjästä tuli yhteistyössä Tallisin kanssa monopoli musiikkiteosten julkaisemisessa, mikä ei tuottanut hänelle voittoa. Mutta omistusoikeuksien puolustaminen tuomioistuimissa kesti paljon aikaa. Kuolemansa (1623) jälkeen kappelin virallisissa asiakirjoissa häntä kutsuttiin "musiikin perustajaksi".

Mitä renessanssi jätti taakseen? Bird julkaistujen kokoelmien (Cantiones Sacrae, Gradualia) lisäksi säilytti monia käsikirjoituksia pitäen niitä sopivina vain kotipalvelukseen. Myöhemmin julkaistut madrigalit (Musica Transalpina) osoittivat suurta italialaisten kirjoittajien vaikutusta, mutta useat massat ja motetit tulivat pyhän musiikin kultaiseen rahastoon.

Espanja: Cristobal de Morales

Espanjan musiikkikoulun parhaat edustajat kulkivat Vatikaanin läpi puhuessaan paavin kappelissa. He tunsivat hollantilaisten ja italialaisten kirjoittajien vaikutuksen, joten vain harvat onnistuivat tulemaan kuuluisiksi maansa ulkopuolella. Espanjan renessanssisäveltäjät olivat polyfonisteja, jotka loivat kuoroteoksia. Näkyvin edustaja on Cristobal de Morales (XVI vuosisata), joka johti metrisaa Toledossa ja valmisti useamman kuin yhden opiskelijan. Josquin Despresin seuraaja, Cristobal esitteli erityisen tekniikan useille sävellyksille, joita kutsutaan homofonisiksi.

Tunnetuimpia ovat kirjailijan kaksi vaatimusta (viimeinen viidelle äänelle) sekä Armed Man Mass. Hän kirjoitti myös maallisia teoksia (kantaatti rauhansopimuksen tekemisen kunniaksi vuonna 1538), mutta tämä koskee hänen aikaisempia teoksiaan. Elämänsä lopussa Malagan kappelin johdossa hän pysyi pyhän musiikin kirjoittajana.

Johtopäätöksen sijaan

Renessanssin säveltäjät ja heidän teoksensa valmistivat 1700-luvun instrumentaalimusiikin kukoistuksen ja uuden tyylilajin - oopperan - syntymän, jossa monien äänien hienostuneisuus korvataan päämelodian johtavan pääosalla. He tekivät todellisen läpimurron musiikkikulttuurin kehityksessä ja loivat perustan modernille taiteelle.

Yhteenveto: Renessanssin musiikki

FEDERAALINEN KOULUTUSVIRASTO

GOU: n varapuheenjohtaja "Mari State University"

Alkuopetuksen tiedekunta

Erikoisuus: 050708

"Pedagogiikka ja peruskoulutuksen menetelmät"

Laitos: "Perusopetuksen pedagogia"

Testata

"Renessanssin musiikki"

Joškar-Ola 2010

Renessanssin (renessanssin) aikakausi on kaikenlaisen taiteen kukoistus ja heidän hahmonsa vetovoima muinaisiin perinteisiin ja muotoihin.

Renessanssilla on epätasaiset historialliset ja kronologiset rajat eri Euroopan maissa. Italiassa se alkaa 1400-luvulla, Alankomaissa 1500-luvulla, ja Ranskassa, Saksassa ja Englannissa sen merkit ilmenevät selkeimmin 1500-luvulla. Samalla eri luovien koulujen välisten siteiden kehittämisestä, maasta toiseen muuttaneiden muusikoiden, jotka työskentelivät eri kappeleissa, kokemustenvaihdosta tulee ajan merkki ja sen avulla voimme puhua koko aikakaudelle yhteisistä suuntauksista.

Renessanssin taiteellinen kulttuuri on henkilökohtainen, tieteeseen perustuva periaate. 1400- ja 1500-lukujen polyfonistien epätavallisen monimutkainen taito, virtuoositekniikka, esiintyi rinnakkain jokapäiväisten tanssien kirkkaan taiteen, maallisten tyylilajien hienostuneisuuden kanssa. Lyriikka ja draama ilmaistaan \u200b\u200byhä enemmän hänen teoksissaan.

Joten, kuten näemme, renessanssin aika on vaikea aika musiikkitaiteen kehityksen historiassa, joten näyttää järkevältä tarkastella sitä tarkemmin samalla kun kiinnitetään asianmukaista huomiota yksilöihin.

Musiikki on ainoa maailmankieli, sitä ei tarvitse kääntää, sielu puhuu sielunsa kanssa.

Averbach Berthold.

Renessanssimusiikki tai renessanssimusiikki viittaa ajanjaksoon eurooppalaisen musiikin kehityksessä noin 1400--1600. Italiassa alkoi uuden aikakauden musiikkitaide XIV-luvulla. Hollantilainen koulu muotoutui ja saavutti ensimmäiset huippunsa 15. päivänä, minkä jälkeen sen kehitys jatkoi kasvuaan, ja vaikutus tavalla tai toisella vangitsi muiden kansallisten koulujen päälliköt. Renessanssin merkit ilmenivät selvästi Ranskassa 1500-luvulla, vaikka hänen luovuutensa olivat suuria ja kiistattomia jo edellisinä vuosisatoina.

Taiteen nousu Saksassa, Englannissa ja joissakin muissa renessanssin kiertoradalla olevissa maissa on peräisin 1500-luvulta. Ja kuitenkin ajan myötä uudesta luovasta liikkeestä tuli ratkaiseva koko Länsi-Euroopalle ja se vastasi omalla tavallaan Itä-Euroopan maissa.

Renessanssin musiikki osoittautui täysin vieraaksi karkeille ja ankarille äänille. Harmonian lait olivat sen ydin.

Johtava asema oli edelleen hengellinen musiikki , joka kuulostaa kirkon palveluksen aikana. Renessanssin aikana hän säilytti keskiajan musiikin pääteemat: ylistys Herralle ja maailman Luojalle, uskonnollisten tunteiden pyhyys ja puhtaus. Kuten eräs sen teoreetikko sanoi, tällaisen musiikin päätarkoitus on "ilahduttaa Jumalaa".

Massat, motetit, virsi ja psalmit olivat musiikkikulttuurin perusta.

Missa on musiikkikappale, joka on kokoelma osia latinalaisen rituaalin katolisesta liturgiasta, jonka tekstit on asetettu musiikiksi yksin- tai moniääniselle laululle, soittimilla tai ilman, juhlallisten palvelujen musiikilliseksi säestykseksi esimerkiksi roomalaiskatolisessa kirkossa ja protestanttisissa kirkoissa. , Ruotsin kirkossa.

Massat, joilla on musiikillista arvoa, esitetään myös palvonnan ulkopuolella konserteissa; lisäksi monet myöhempien aikojen massat on erityisesti sävelletty joko esiintymiseen konserttisalissa tai jonkinlaisten juhlien yhteydessä.

Kirkkomissa, joka palaa gregoriaanisen laulun perinteisiin melodioihin, ilmaisi elävimmin musiikkikulttuurin olemuksen. Kuten keskiajalla, massa koostui viidestä osasta, mutta nyt siitä on tullut majesteettisempi ja laajempi. Maailma ei enää näyttänyt ihmiseltä niin pieneltä ja näkyvältä. Tavallista elämää maallisilla iloillaan ei ole enää pidetty syntisenä.

Motet (fr. motetti alkaen mot - sana) on moniäänisen varaston laulu, polyfoninen teos, yksi Länsi-Euroopan keskiajan ja renessanssin musiikin keskeisistä tyylilajeista.

Virsi (antiikin kreikan ὕμνος) on juhlallinen laulu, joka ylistää ja ylistää jotakuta tai jotain (alun perin jumaluutta).

Psalmi (kreikan ψαλμός "ylistyslaulu"), s.p. psalmi, pl. psalmit (kreikan ψαλμοί) - juutalaisen (heprean תהילים) ja kristillisen uskonnollisen runouden ja rukouksen (Vanhasta testamentista) laulut.

He muodostavat Psalterin, Vanhan testamentin 19. kirjan. Psalmien kirjoittaja on perinteisesti annettu kuningas Daavidille (noin 1000 eKr.) Ja useille muille kirjoittajille, mukaan lukien Abraham, Mooses ja muut legendaariset hahmot.

Psalterissa on yhteensä 150 psalmaa, jotka on jaettu rukouksiin, ylistyksiin, lauluihin ja opetuksiin.

Psalmeilla on ollut valtava vaikutus kansanperinteeseen, ja ne ovat toimineet monien sananlaskujen lähteenä. Juutalaisuudessa psalmit esitettiin laululaulujen muodossa säestyksellä. Jokaiselle psalmille ilmoitettiin pääsääntöisesti esitystapa ja "malli" (gregoriaanisessa laulussa, jota kutsutaan intonaatioksi), eli vastaava melodia. Psalterilla on tärkeä asema kristinuskossa. Psalmit suoritettiin jumalallisten palvelusten, kotirukousten, ennen taistelua ja muuttuessa. Alun perin koko yhteisö lauloi heitä kirkossa. Psalmit esitettiin a cappella, instrumenttien käyttö sallittiin vain kotona. Esitystyyppi oli recitatiivi-psalmodinen. Kokonaispsalmien lisäksi käytettiin joitain ilmaisullisimpia jakeita. Tämän perusteella syntyi itsenäisiä lauluja - antifoni, asteittainen, traktaatti ja halleluja.

Maalliset suuntaukset alkavat vähitellen tunkeutua kirkkosäveltäjien teoksiin. Kansanlaulujen teemat, jotka eivät ole lainkaan uskonnollista sisältöä, tuodaan rohkeasti kirkon laulujen moniääniseen kankaaseen. Mutta nyt tämä ei ollut ristiriidassa aikakauden yleisen hengen ja mielialan kanssa. Päinvastoin, musiikissa jumalallinen ja ihminen yhdistettiin hämmästyttävällä tavalla.

Pyhä musiikki saavutti korkeimman kukintansa 1400-luvulla. Alankomaissa. Täällä musiikkia kunnioitettiin enemmän kuin muita taiteen muotoja. Hollantilaiset ja flaamilaiset säveltäjät kehittivät ensimmäiset uudet säännöt moniääninen (moniääninen) esitys - klassinen " tiukka tyyli ". Hollantilaisten mestareiden tärkein sävellystekniikka oli jäljitelmä - saman melodian toistaminen eri äänillä. Johtava ääni oli tenori, jolle annettiin tärkein toistuva melodia - cantus firmus ("jatkuva melodia"). Tenorin alapuolella oli basso, ja yläpuolella alto. Ylin, eli ennen kaikkea kohoava, ääni sai nimen sopraano.

Matemaattisten laskelmien avulla hollantilaiset ja flaamilaiset säveltäjät onnistuivat laskemaan kaavan musiikkivälien yhdistelmille. Kirjoituksen päätavoitteena on luoda harmoninen, symmetrinen ja grandioima, sisäisesti valmis äänirakenne. Yksi tämän koulun kirkkaimmista edustajista, Johannes Okegem (n. 1425-1497), matemaattisten laskelmien perusteella sävelsi 36 äänen motetin!

Kaikki hollantilaiselle koululle tyypilliset tyylilajit ovat edustettuina Okegemin teoksessa: massa, motetti ja chanson. Tärkein genre hänelle on massa, hän osoitti olevansa erinomainen polyfonisti. Okegemin musiikki on hyvin dynaamista, melodinen linja liikkuu laajalla alueella, sillä on laaja amplitudi. Samalla Okegemille on tunnusomaista sujuva intonaatio, puhdas diatonismi ja muinainen modaalinen ajattelu. Siksi Okegemin musiikkia kuvataan usein "suunnatuksi äärettömyyteen", "kohoavaksi" hieman irrotetussa kuviollisessa ympäristössä. Se on vähemmän yhteydessä tekstiin, runsaasti lauluja, improvisatorinen, ilmeikäs.

Okegemin teoksia on säilynyt hyvin vähän:

Noin 14 massaa (yhteensä 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (ensimmäinen moniääninen Requiem maailman musiikkikirjallisuuden historiassa);

9-13 (eri lähteiden mukaan) motetit:

Yli 20 chansonia

On olemassa monia teoksia, joiden kuulumisesta kyseenalaistetaan Okegem, muun muassa kuuluisa motetti "Deo gratias" 36 äänelle. Jotkut nimettömät chansonit katsotaan Okegemille tyylin samankaltaisuuden perusteella.

Kolmetoista Okegemin messua säilytetään 1400-luvun käsikirjoituksessa, joka tunnetaan nimellä Chigi-koodeksi.

Massojen joukossa vallitsee neliosaiset, on kaksi viiden ja yksi kahdeksan osaa. Okegem käyttää kansanaiheina kansanmusiikkia (“L’homme armé”), omia (“Ma maistresse”) tai muiden kirjoittajien melodioita (esimerkiksi Benshua teoksessa “De plus en plus”). On joukkoja ilman lainattuja teemoja ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Motetit ja chanson

Okegemin motetit ja chanson ovat suoraan hänen massojensa vieressä ja eroavat niistä pääasiassa mittakaavassa. Motettien joukossa on reheviä, juhlallisia sävellyksiä sekä tiukempia hengellisiä kuorosävellyksiä.

Tunnetuin on juhlallinen kiitospäivä "Deo gratias", joka on kirjoitettu neljälle yhdeksanosaiselle sävellykselle ja jota pidetään siksi 36-osaisena. Itse asiassa se koostuu neljästä yhdeksänosaisesta kaanonista (neljästä eri teemasta), jotka seuraavat peräkkäin seuraavan päähän menevillä päällekkäisyyksillä edellisen päätelmään. Päällekkäisissä paikoissa kuuluu 18 ääntä, motetissa ei ole todellisia 36 ääntä.

Yhtä kiinnostava on hollantilaisen säveltäjän Orlando Lasson (n. 1532-1594) teos, joka loi yli kaksi tuhatta kulttista ja maallista luonnetta.

Lasso on aikansa tuotteliain säveltäjä; Perinteensä valtavan määrän vuoksi hänen teostensa taiteellista merkitystä (joista monet on tilattu) ei ole vielä täysin ymmärretty.

Hän työskenteli yksinomaan laululajeissa, mukaan lukien yli 60 massaa, reekviemiä, 4 intohimojaksoa (kaikille evankelisteille), Pyhän viikon toimistoissa (Matinsin vastaukset suurta torstaina, suurperjantaina ja pyhänä lauantaina ovat erityisen merkittäviä), yli sadassa suurennuslasissa, virsiä, foburdoneja , noin 150 frangia. chanson (hänen sanansansa "Susanne un jour", joka on Susanan raamatullisen tarinan parafraasi, oli yksi suosituimmista näytelmistä 1500-luvulla), italialaiset (villanelles, moreski, canzones) ja saksalaiset kappaleet (yli 140 Lieder), noin 250 madrigalia.

Lasso erottuu yksityiskohtaisimmalla kehityksellä teksteillä eri kielillä, sekä liturgisilla (mukaan lukien Pyhien kirjoitusten tekstit) että vapaasti säveltyneillä. Käsitteen vakavuus ja draama, laajennetut teokset erottavat Pyhän Pietarin kyyneleet (Luigi Tranzillon jakeista kertova 7-ääninen hengellinen madrigali, julkaistu vuonna 1595) ja Daavidin katumukselliset psalmit (1571 käsikirjoitus folio-muodossa koristeltu G. Milich, joka tarjoaa arvokasta ikonografista materiaalia elämästä, mukaan lukien musiikkiviihde, Baijerin tuomioistuimessa)

Maallisessa musiikissa Lasso ei kuitenkaan ollut vieras huumorille. Esimerkiksi chansonissa "Juominen kolmessa hengessä jaetaan juhliin" (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), vanha anekdootti vaganttien elämästä kerrotaan uudelleen; kuuluisassa kappaleessa "Matona mia cara" saksalainen sotilas laulaa rakkausserenadin vääristämällä italialaisia \u200b\u200bsanoja; laulussa "Ut queant laxis" jäljitellään epäonnista solfeggingia. Useat kirkkaat Lasson lyhyt näytelmät on kirjoitettu hyvin kevytmielisinä jakeina, esimerkiksi chanson "Nainen katsoi kiinnostuneena linnaan / Luonto marmoripatsaaseen" (En un chasteau ma dame ...), ja joissakin kappaleissa (etenkin moreski) on säädytöntä sanastoa.

Maallinen musiikki Renessanssia edustivat erilaiset tyylilajit: madrigalit, laulut, kansootit. Musiikki, joka on lakannut olemasta "kirkon palvelija", alkoi nyt kuulostaa ei latinaksi, vaan heidän äidinkielellään. Maallisen musiikin suosituin genre oli madrigals (italialainen Madrigal - laulu äidinkielellä) - moniääniset kuorosävellykset, jotka on kirjoitettu lyyrisen rakkaussisällön runoon. Useimmiten tähän tarkoitukseen käytettiin kuuluisien mestareiden runoja: Dante, Francesco Petrarca ja Torquato Tasso. Madrigalsia eivät esittäneet ammattilaulajat, vaan koko harrastajaryhmä, jossa kutakin osaa johti yksi laulaja. Madrigalin päämieliala on suru, kaipaus ja suru, mutta oli myös iloisia, vilkkaita sävellyksiä.

Musiikkikulttuurin tutkija D.K. Kirnarskaya toteaa:

"Madrigal käänsi renessanssin koko musiikkijärjestelmän ylösalaisin: messun tasainen ja harmoninen melodinen muovi romahti ... muuttumaton cantus firmus, musiikillisen kokonaisuuden perusta, katosi ... tavalliset menetelmät" tiukan kirjoituksen "kehittämiseksi ... antoivat tilaa tunteiden ja melodisten jaksojen kontrasteille. Hän yritti välittää tekstissä olevan runollisen ajatuksen mahdollisimman ilmeikkäästi. Madrigal heikensi lopulta "tiukan tyylin" heikentäviä voimia.

Laulu soittimien mukana ei ollut yhtä suosittu maallisen musiikin genre. Toisin kuin kirkossa soitettu musiikki, kappaleet olivat melko yksinkertaisia \u200b\u200bsuorittaa. Heidän riimimäinen teksti oli selvästi jaettu 4-6-rivisiin säkeisiin. Lauluissa, kuten madrigaleissa, teksti sai suuren merkityksen. Esitettynä runollisia viivoja ei pidä hukata moniäänisessä laulussa. Ranskalaisen säveltäjän Clement Jeannequinin (noin 1485-1558) kappaleet olivat erityisen kuuluisia. Clement Jeannequin kirjoitti noin 250 sanaa, lähinnä 4 äänelle, nimettömien runoilijoiden Pierre Ronsardin, Clement Marotin, M. de Saint-Jellyn runoihin. Toisen 40 chansonin ajankohtainen tiede kiistää Janequinin tekijyyden (mikä ei kuitenkaan heikennä itse kiistanalaisen musiikin laatua). Hänen maallisen polyfonisen musiikkinsa pääominaisuus on ohjelmallinen ja visuaalinen. Kuuntelijan mielessä on kuvia taistelusta ("Marignanon taistelu", "Rentin taistelu", "Metzin taistelu"), metsästyskohtauksista ("Laulavat linnut", "Yökerhon laulaminen", "Skylark"), arjen kohtauksista ("Naisten" chatter "). Janequin välittää elävästi Pariisin arjen ilmapiirin chansoniin "Screams of Paris", jossa voit kuulla katukauppiaiden huutomerkkejä ("Maito!" - "Piirakat!" - "Artisokat!" - "Kala!" - "Tulitikut!" - "Kyyhkyt!" - "Vanhat kengät!" - "Viini!"). Janequinin musiikki harmonian ja kontrapisteen alalla on edelleen hyvin perinteistä, kunhan kaikki tekstuuri ja rytmi ovat kekseliäitä.

Renessanssi alkoi ammattimainen säveltäjän luovuus ... Palestrina (1525-1594) on epäilemättä vaikuttava edustaja uudelle suuntaukselle. Hänen perintönsä sisältää monia pyhän ja maallisen musiikin teoksia: 93 massaa, 326 virsiä ja motetteja. Hän on kirjoittanut kaksi osaa maallisista madrigaleista Petrarkkin sanoille. Hän työskenteli pitkään kuorojohtajana Rooman Pyhän Pietarin basilikassa. Hänen luomansa kirkkomusiikki erottuu puhtaudesta ja tunteiden ylevyydestä. Säveltäjän maallinen musiikki on täynnä poikkeuksellista hengellisyyttä ja harmoniaa.

Olemme velkaa renessanssille muodostumisen instrumentaalinen musiikki itsenäisenä taidemuotona. Tuolloin ilmestyi joukko instrumentaalikappaleita, muunnelmia, preludesia, fantasioita, rondoa, toccatoja. Soittimien joukossa urut, cembalo, alttoviulu, erityyppiset huilut ovat erityisen suosittuja, ja 1500-luvun lopulla. - viulu.

Renessanssikausi päättyy uusien musiikkilajien syntymiseen: soololaulu, oratorio ja ooppera. Jos aikaisemmin temppeli oli musiikkikulttuurin keskus, niin siitä lähtien musiikki alkoi kuulostaa oopperatalossa. Ja se tapahtui näin.

Italian kaupungissa Firenzessä 1500-luvun lopulla. lahjakkaita runoilijoita, näyttelijöitä, tutkijoita ja muusikoita alkoi kerätä. Kukaan heistä ei ajatellut löytöjä. Ja silti heidän oli tarkoitus tehdä todellinen vallankumous teatteri- ja musiikkitaiteessa. Jatkamalla muinaisten kreikkalaisten näytelmäkirjailijoiden teosten esityksiä he alkoivat säveltää omaa musiikkiaan, joka vastasi ajatuksissaan antiikin draaman luonnetta.

Jäsenet kamerat (kuten tätä yhteiskuntaa kutsuttiin) mietti huolellisesti mytologisten hahmojen monologien ja dialogien musiikillinen säestys. Näyttelijöitä vaadittiin suorittamaan puhuttuja osia recitatiivinen (lausuminen, lauluva puhe). Ja vaikka sanalla oli edelleen johtava rooli musiikin suhteen, ensimmäinen askel otettiin kohti niiden lähentymistä ja harmonista fuusiointia. Tällainen esitys mahdollisti suuremmassa määrin välittää ihmisen sisäisen maailman rikkauden, hänen henkilökohtaiset kokemuksensa ja tunteensa. Tällaisten lauluosien perusteella aaria - valmiit jaksot musiikkiesityksessä, mukaan lukien ooppera.

Oopperatalo voitti nopeasti rakkauden, ja siitä tuli suosittu paitsi Italiassa myös muissa Euroopan maissa.

Luettelo käytetystä kirjallisuudesta

1) Nuoren muusikon tietosanakirja / Comp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaja. - M.: Pedagogiikka, 1985.

2) Maailman taidekulttuuri. Alkuperästä 1700-luvulle: oppikirja. 10 cl: lle. Yleissivistävä koulutus. humanitaarisen profiilin instituutiot / G.I. Danilov. - 2. painos, stereotyyppi. - M.: Bustard, 2005.

3) Materiaalit renessanssimusiikin arkistosta: http://manfredina.ru/