Pianistit ovat virtuooseja. Kaikkien aikojen parhaat jazz-pianistit

MSOPE "Shemonaikhan alueen Akimatin taidekoulu"

Tutkimusprojekti

Upeat pianistit - esiintyjät

19., 20., 21. vuosisadat

Valmistaja:Tayurskikh Daria -luokka 5

Podfatilov Denis -luokka 3

Tiimin johtaja:

taidekoulun opettaja

Dobzhanskaya Y.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Johdanto …………………………………………………………… ... 2

XIX vuosisata …………………………………………………………… ..3

XX luvun …………………………………………………………… ..13

XXI vuosisata …………………………………………………………… .24

Päätelmä ………………………………………………… ..............

... "piano - se on kaiken alku ja loppu, ei niinkään soitin kuin elämäntapa, eikä merkitys ole musiikissa musiikin vuoksi, vaan musiikissa pianon vuoksi ".

Herold Schonberg

pianisteja– tämä on muusikoita, erikoistunut musiikkiteosten pianonsoittoon.

Upeita pianisteja. Kuinka sinusta tulee suuria pianisteja? Se on aina valtava työ. Ja kaikki alkaa lapsuudessa. Monet pianistit ja säveltäjät alkoivat opiskella musiikkia 4 tai jopa 3-vuotiaana.Sitten, kun kämmenen "leveä" muoto on muodostettu, mikä auttaa tulevaisuudessa taitavasti pelaamaan.

Pianomusiikin kehityskaudesta riippuen pianisteille esitettiin toisinaan täysin vastakkaisia \u200b\u200bvaatimuksia. Lisäksi muusikon ammatti väistämättä katkaisee säveltäjän ammatin. Useimmat pianistit säveltävät pianoteoksia itse. Ja vain harvinaiset virtuoosit pystyivät kuuluisuuteen esittämällä yksinomaan muiden ihmisten melodioita.
Joka tapauksessa, kuten minkä tahansa muusikon, pianistille on tärkeää olla vilpitön ja tunnepitoinen, jotta hän voi liueta esittämäänsä musiikkiin.

Pianomusiikin historia on varsin mielenkiintoinen. Siinä erotetaan useita vaiheita, joilla jokaisella on omat perinteensä. Usein aikakauden kaanonit asetti yksi (harvemmin useita) säveltäjät, jotka hallitsivat mestarillisesti soittimen soittamisen (aluksi se oli klavessini, ja vasta myöhemmin piano).

Siksi, korostamalla kolme aikakautta pianismin historiassa, ne on nimetty kuuluisimpien säveltäjien - Mozart, Liszt ja Rachmaninoff - mukaan. Jos käytämme historioitsijoiden perinteistä terminologiaa, nämä olivat klassismin aikakautta, sitten romantiikka ja varhainen modernismi.

Jokainen heistä on pysynyt vuosisatojen ajan suurena säveltäjänä, mutta kerralla kukin määritteli myös pianismin keskeiset suuntaukset: klassismi, romantiikka ja varhainen modernismi. Samanaikaisesti muut suuret pianistit toimivat samanaikaisesti heidän kanssaan. Jotkut heistä olivat myös hienoja säveltäjiä. He olivat: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alcan, Robert Schumann ja muut.

Jos olet matkalla pianotieteen historiaan, voit oppia paljon mielenkiintoisia asioita. Esimerkiksi, että eri aikoina, eri aikakausina, pianonsoiton keskeiset perinteet määritteli yksi tai useampi suuri säveltäjä, jotka hallitsivat täydellisesti klavessin soittamisen ja olivat pianon myötä pianon tullessa erinomaisia \u200b\u200bpianisteja.

Monet kuuluisat pianistit ovat viihtyneet ja ilahtaneet kuuntelijoita ja musiikin ystäviä historian aikana. Pianosta on tullut yksi suosituimmista soittimista keksintönsä jälkeen monipuolisuuden ja miellyttävän äänen ansiosta. Vaikka historiassa on säilytetty useita upeiden pianistien nimiä, kaikki kuuluisimpien pianistien esiintyjät ovat erittäin subjektiivisia, ja näiden esiintyjien nimet ovat vaikea sovittaa yhteen luetteloon.

On kuitenkin vielä pianisteja, jotka pystyivät nousemaan maailmankuulun ja tunnustuksen huipulle.

XIX vuosisata

1800-luvun jälkipuoliskolla uusi instrumentti saapuu musiikkielämään - piano. Tämän "pianon ja forte -sovelluksen klavessarin" keksijä oli Padovan mestari

Bartolomeo Cristofori.

Piano paransi vähitellen, se sai hallitsevan aseman musiikillisessa käytännössä. Vasaramekanismilla varustettu instrumentti mahdollisti sen erottamisen eri voimakkuuksien äänistä ja asteikon asettamisen crescendo jadiminuendo. Nämä pianon ominaisuudet vastasivat halua äänen emotionaaliseen ilmaisuun, siirtoon siirtämisessä ja ihmisiä huolestuneiden kuvien, ajatusten ja tunteiden kehitykseen.

Pianon myötä ja sen käyttöönoton esiintymiskäytännössä syntyi uusia edustajia.

1800-luvulla esittää kokonainen galaksi erinomaisten säveltäjien joukosta, jotka ovat laajentaneet merkittävästi pianojen teknisten ja ilmaisukeinojen rajoja. Eurooppalaiset musiikki- ja esiintymiskulttuurin keskukset, suuret pianokoulut, tämä on:

Lontoo(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

Wien (Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg jne.);

Pariisilainen, myöhemmin tunnetaan nimellä ranskan kieli(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer jne.);

Saksan kieli(Karl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdi, Robert Schumann, Hans Bülow ja muut);

Venäjän kieli(Alexander Dubyuk, Mihhail Glinka, Anton ja Nikolai Rubinstein jne.).

1800-luvun esittämistapa

Pianistisen tekniikan kehityksen historia on kulttuurien ja tyylien historia. 18–19-luvun pianistin välttämättömien taitojen joukosta improvisoinnin olisi pitänyt olla, silloin pianisti ei ollut vielä eronnut säveltäjästä, ja jos hän soitti jonkun muun musiikkia, sääntöä pidettiin erittäin vapaana, henkilökohtaisesti luovana musiikkitekstin kohteluna, siellä oli käytännössä väritys ja variaatiot, jotka nyt katsotaan kelpaamattomaksi.

1800-luvun mestareiden tyyli oli täynnä sellaista suorittavaa itsetahtoa, että pidämme sitä täysin mautonta ja mahdotonta hyväksyä.

Erinomainen rooli pianomusiikin ja pianistisen kulttuurin kehittämisessä kuuluu Lontoon ja Wienin koulut.

Lontoon koulun perustaja oli kuuluisa virtuoosi, säveltäjä ja opettaja

Muzio Clementi (1752-1832)

Muzio Clementi ja hänen opiskelijansa soittivat englantilaista pianoa, jolla oli suuri ääni ja joka vaati selkeän, tiukan näppäinpainalluksen, koska tällä instrumentilla oli erittäin tiukka näppäimistö. Mestarin Johann Steinin suunnitteleman ja Mozartin rakastaman Wienin pianolla oli melodisempi, vaikkakin vähemmän voimakas ääni, ja siinä oli suhteellisen kevyt näppäimistö. Siksi Clementistä tuli yhden Englannin suurimman pianonyrityksen johtaja ja sitten omistaja. Englantilaiset soittimet paransivat melodisuutta ja kevensi näppäimistöä. Vauhtia tälle antoi Clementin henkilökohtainen tapaaminen Mozartin kanssa vuonna 1781 Wienissä, missä Itävallan keisarin oikeudessa pidettiin heidän kilpailunsa säveltäjinä ja pianisteina. Clementiin vaikutti Mozartin soittamisen ja hänen "pianolaulauksen" läheisyys.

Muzio Clementi - lukuisten pianoteosten kirjoittaja ja merkittävä opettaja, perustivat oman pianonsoitokoulun. Hän kirjoitti pianon historian ensimmäiset opettavat tekniset harjoitukset ja etyytit, ja antoi kuvan siitä metodologisista periaatteista.

Itse Clementi ja hänen opiskelijansa (I. Kramer, D. Field - yksi lahjakkaimmista opiskelijoista, E. Brekr) - 1800-luvun alun upeat virtuoosit - erottuivat erinomaisesta sormitekniikastaan. Clementi loi yhdessä opiskelijoidensa kanssa progressiivisen metodologian, joka keskittyi uusien välineiden tulkintatapojen kehittämiseen, täydellisen "konsertti" -äänen ja helpotusperspektiivin käyttöön. M. Clementin pedagoginen työ "Askel Parnassukseen tai pianonsoiton taidetta, joka on upotettu 100 harjoitukseen karuissa ja tyylikkäissä tyyleissä". Tämä työ on pianististen taitojen kasvattamisen peruskoulu, 100 harjoitusta hämmästyttää annettujen suoritustehtävien monimuotoisella sisällöllä ja laajuudella. Monet Lontoon koulun edustajat olivat rohkeita pianisteja keksijöitä, jotka käyttivät sävellyksissään sormenläpien, kaksoisnoottien, oktaavien, sointorakenteiden, harjoittelujen ja muiden tekniikoiden lisäksi, jotka lisäävät ääniin kirkkautta ja monimuotoisuutta.

Clementi-koulu on perustanut tiettyjä pianopetuspedagogiikan perinteitä:

monen tunnin teknisen harjoituksen periaate;

leikkii "eristetyillä", vasaramaisilla sorilla liikkumattomalla kädellä;

rytmin vakavuus ja kontrastinen dynamiikka.

Wienin koulun perustajat olivat suuria säveltäjiä ja pianisteja: Haydn, Mozart ja Beethoven.

Edistyksellisen pianopedagogiikan merkittävä edustaja oli erittäin kuuluisa

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Cernyn "Piano-teoreettisessa ja käytännöllisessä koulussa" on paljon samankaltaisuuksia Hummelin "Manual" -sovelluksen kanssa. Puhuessaan yksityiskohtaisesti soittotekniikasta, sen kehittämiskeinoista ja pianistille tarvittavien taitojen hankkimisesta, hän painottaa teoksensa kolmannessa osassa, että nämä kaikki ovat vain "keinoja saavuttaa taiteen todellinen tavoite, joka on epäilemättä sielun asettaminen soittamaan. ja henki ja vaikuttavat siten kuuntelijoiden tunteisiin ja ajatuksiin. "

On pääteltävä, että 1800-luvun opetusmenetelmät pelkistettiin puhtaasti teknisiin tehtäviin, jotka perustuivat haluun kehittää sormen voimaa ja sujuvuutta koulutustuntien avulla. Tämän lisäksi 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla lahjakkaimmat esiintyjät, joista suurin osa Clementi, Adam, Czerny, Field ja muut erinomaiset opettajat, jotka olivat saavuttaneet korkean virtuoosisuuden, kehittivät rohkeasti uusia pianonsoiton menetelmiä saavuttaen instrumentin äänen voiman, kirkkauden ja monimutkaisten kohtien kirkkauden. Erityisen tärkeitä heidän teostensä rakenteessa olivat sointorakennukset, oktaavit, kaksoisnootit, harjoitukset, kädensiirtotekniikat ja muut tehosteet, jotka vaativat koko käden osallistumista.

Pariisin 1800-luvulla on musiikkikulttuurin, virtuoositaitojen keskus. Pariisin pianonsoittokoulun luojana pidetään säveltäjä, pianisti, opettaja

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Hän perusteli teoksessaan "Menetelmä pianon opettamiseen käytännön avulla" (1830) teknisten laitteiden käyttöä erityyppisten tekniikoiden (hieno tekniikka, lihaksen venytys jne.) Kehittämiseen. Houkutteleva ominaisuus tämäntyyppiset koulut ovat autoritaaristen pedagogisten yhteisöjä asennukset. Oppiminen alkoi oikean laskeutumisen kehittämisellä instrumentille ja yksinkertaisimpien moottoriteknisten kaavojen hallitsemisella, ja vasta myöhemmin opiskelijat alkoivat oppia musiikkiteoksia.

Halu virtuoosisuuteen johti harjoitteluvauhdin kiihtymiseen, mekaanisten harjoitusten väärinkäyttöön, mikä johti sekä ammattitauteihin että kuulonhallinnan heikkenemiseen.

Saksa 1800-luvulla Kirjallisuuskriittisen ja pedagogisen toiminnan vaikutus tämän maan romanttiseen estetiikkaan on merkittävä.

Robert Schumann (1810-1856)

Merkittävän sijan Robert Schumannin kirjoituksissa otti esiin muusikoiksi tuleminen - todellinen uudentyyppinen taiteilija, joka on perustavanlaatuisesti erilainen kuin muotivirtuoosit. Säveltäjä pitää tätä yhtenä tehokkaimmista keinoista nostaa musiikkikulttuuria.

Musiikkpedagogiikan ongelmiin puututaan R. Schumannin teoksissa "Muusikoiden kotitalous- ja elämäsäännöt", "Nuorten albumin täydennys", Paganinin Caprices-esipuheiden esipuhe, op.Z. Tärkeimpien musiikillisten ja pedagogisten aiheiden sisältö on seuraava: eettisen ja esteettisen koulutuksen vuorovaikutus. , syvän ja monipuolisen tiedon hankkiminen, joka muodostaa kaiken koulutuksen perustan, vakavan taiteen periaatteiden muotoilu ja salonki-suunnan kritiikki sekä intohimo "tekniikka teknologian hyväksi" säveltäjissä ja esittävissä taiteissa, taistelu amatöörilaisuutta vastaan.

Schumannin musiikilliset ja pedagogiset näkemykset toimivat ja ovat edelleen perustana edistyneille nykyaikaisille menetelmille. Säveltäjän pianomusiikkia käytetään edelleen aktiivisesti kaikkien tasojen koulutusohjelmissa.

On mahdotonta sanoa niin suuresta säveltäjästä ja virtuoosista, puolalaisesta pianistista

Frederic Chopin (1810-1849)

Frederic Chopinista tuli 1800-luvun alkupuolella ensimmäinen säveltäjä, joka kirjoitti musiikkia yksinomaan pianolle. Lahjattuna lapsena Chopin kirjoitti monia kauniita ja monimutkaisia \u200b\u200bpianoteoksia, jotka ovat vuosien saatossa ilahtaneet monia opiskelijoita ja pianisteja. Chopin valloitti nopeasti Pariisin. Hän teki heti vaikutuksen yleisöön omalla ja epätavallisella esityksellään. Tuolloin Pariisi valloitettiin muusikoiden kanssa ympäri maailmaa. Suosituimpia olivat virtuoosi pianistit. Heidän esiintymisensä erotettiin teknisestä erinomaisuudesta ja loistavuudesta, joka tainnutti yleisön. Siksi Chopinin ensimmäinen konserttitesti kuulosti niin jyrkästi. Hänen nykyaikaistensa muistelmien mukaan hänen esitys oli yllättävän hengellinen ja runollinen. Kuuluisan unkarilaisen muusikon Ferenc Lisztin muisto on säilytetty Chopinin ensimmäisestä konsertista. Hän aloitti myös loistavan uransa pianistina ja säveltäjänä: ”Muistamme hänen ensimmäisestä esiintymisestään Pleyel-hallissa, kun aplodit, jotka koskivat kostoa, näyttivät kykenevän riittämättömästi ilmaisemaan innostustamme lahjakkuuden edessä, joka yhdessä hänen taiteellisten onnellisten innovaatioiden kanssa, avasi uuden vaiheen runollisen tunteen kehittymisessä ". Chopin valloitti Pariisin, kun Mozart ja Beethoven valloittivat kerran Wienin. Lisztin tapaan hänet tunnustettiin maailman parhaaksi pianistiksi.

Unkarilainen säveltäjä, pianisti, kapellimestari, opettaja

Franz Liszt (1811-1886)

F. Chopinin vertainen ja ystävä. Ferencin pianonopettaja oli K. Cerny.

Yhdeksänvuotiaasta lähtien esiintyneissä konserteissa Liszt tuli tunnetuksi pianistina virtuoosina.

Vuosina 1823-1835. hän asui ja antoi konsertteja Pariisissa, missä hän myös kehitti opetus- ja säveltämistoimintaansa. Täällä muusikko tapasi ja tuli läheiseksi G. Berliozille, F. Chopinille, J. Sandille ja muille taiteen ja kirjallisuuden merkittäville henkilöille.

Vuosina 1835-1839. Liszt matkusti Sveitsiin ja Italiaan ja tänä aikana hän toi pianistitaidonsa täydellisyyteen.

Säveltäjänsä teoksessa Liszt esitti ajatuksen useiden taiteiden, pääasiassa musiikin ja runouden, synteesistä. Siksi sen pääperiaate on ohjelmallinen (musiikki on sävelletty tietylle juonelle tai kuvalle). Italian matkan ja tutustumisen italialaisten mestarien maalauksiin seurauksena oli pianosarja "Wanderings Year" sekä fantasiasonaatti "Danten lukemisen jälkeen".

Franz Liszt antoi myös valtavan panoksen konserttimusiikin kehittämiseen.

Venäjän musiikkikulttuuri 1800-luvulla näyttää olevan eräänlainen "aikakone". Sadan vuoden ajan Venäjä on kulkenut kolmen vuosisadan polun, jota ei voida verrata kansallisten sävellyskoulujen sujuvaan ja asteittaiseen kehitykseen Länsi-Euroopan suurissa maissa. Vasta tällä hetkellä venäläiset säveltäjät onnistuivat sanan todellisessa merkityksessä hallitsemaan kansantaidetta kertyneen vaurauden ja herättämään ihmisten ajatuksia kauniissa ja täydellisessä muodossa klassista musiikkia.

1800-luvun lopulla - 1800-luvun alkupuolella. Venäjän musiikkpedagogiikka on aloittamassa ensimmäiset askeleensa: Venäjän pianokoulu on muodostumassa. Sille on ominaista aktiivinen ulkomaisten opetusmenetelmien kehittäminen ja samalla johtavien venäläisten opettajien pyrkimys perustaa kansallinen pianistikoulu.

Toisin kuin Länsi-Euroopassa, Venäjä ei tiennyt pitkälle kehittynyttä clavier-kulttuuria, vaikka klavessari oli tiedossa 1500-luvulta lähtien. Venäläiset kuuntelijat osoittivat suurta kiinnostusta yksinomaan laulumusiikkiin, ja Venäjällä olemassa olleilla näppäimistöillä käytettiin laulua ja tanssia. Vasta 1800-luvun lopulla. kiinnostus oppia pelaamaan clavieria kasvaa. Simon Leleinin Clavichord-koulu ja katkelmat Daniel Gottlieb Türkin "Clavier-koulusta" julkaistiin venäjäksi.

1800-luvun alussa julkaistiin Vincenzo Manfredinin tutkielma "Harmoniset ja melodiset säännöt kaiken musiikin opettamiselle". Yhdessä tämän kanssa, 1800-luvun alkupuolella, julkaistiin useita ulkomaisten muusikoiden pianokouluja venäjäksi: M. Clementi (1816) ”pianonsoiton koulu”, D. Steibelt (1830) “täydellinen pianon käytännöllinen koulu” (1830), F. “koulu”. Günten (1838) ja muut.

1800-luvun alkupuolen tunnettujen muusikoiden ja opettajien joukossa. siellä olivat I. Prach, John Field, Adolph Hanselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Näiden vuosien aikana Venäjällä valmistui myös venäläisten kirjailijoiden kouluja, joiden kääntäjät pyrkivät tuomaan opetusvälineet lähemmäksi venäläisten muusikoiden koulutuksen tehtäviä. I. Prachin (Tšekki, oikea nimi Jan Bogumir, syntymävuosi tuntematon, kuollut vuonna 1818; "säveltäjä, joka työskenteli pitkään Pietarissa useissa oppilaitoksissa musiikinopettajana" ohjelmisto) sisälsi esimerkiksi monia venäläisten kirjailijoiden teoksia.

Alkuperäisessä käyttöohjeessa I. Pracha "Täydellinen pianonkoulu ..." (1806) otti huomioon venäläisen esiintymiskulttuurin erityispiirteet; kysymyksiä lasten musiikillisesta kasvattamisesta nostettiin esiin. Prach antoi merkittävän panoksen pianopedagogiikan kehittämiseen. Hän konkretisoi teoreettiset määräykset suuntaviivojen perusteella, jotka määrittelevät toteutustavat (harmoniset kuviot, arpeggios ja soinnut, rikki oktaavit jne.) esimerkkejä, jotka kuvaavat tiettyä tekniikkaa tai liikettä.

toiminta J. Kenttä muusikkona ja opettajana oli suuri merkitys venäläisen pianopedagogiikan kannalta. Hän nosti esiin kuuluisten muusikoiden, kuten M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke ja monet muut, galaksin. Kenttäkoululla oli tietenkin suuri merkitys. Häntä voidaan pitää johtavan pianokoulun perustajana. 20-30-luvulla. 1800-luvulla Opinnoissaan Field pyrki alistamaan teknisen työn taiteellisille päämäärille: ilmeikäs muotoilu, kunkin nuotin äänen filigraaninen viimeistely ja paljastaa teoksen sisältö.

A. HanseltjaA. Gerke

He opettivat yleisissä oppilaitoksissa ja Pietarin konservatoriossa. Heidän pedagoginen menetelmä heijasti venäläisen pianokoulun asteittaista suuntaa, nimittäin: näkymien kehittäminen laajan ohjelmiston käyttöön perustuen, halu kouluttaa opiskelijan itsenäisyyttä. He olivat "koulutus" -menetelmän, "poran" innokkaita vastustajia.

A. Villuanoli edistyksellinen ajattelija. Hänen historiallinen roolinsa on siinä, että hän avasi lapsena A. Rubinsteinin musiikillisen kyvyn ja pystyi antamaan oikean suunnan kehitykseen. Villuanin pedagogisen menetelmän parhaat puolet, jotka ilmenivät hänen käytännöllisessä toiminnassaan, heijastuivat hänen kouluunsa (1863). Hänen löytämästään äänituotantotavasta - "laulamisesta" pianolla - tuli yksi A. Rubinsteinin soittamisen voimakkaista taiteellisista keinoista. "Koulu" kattaa suuren määrän tietoa pianistin teknisestä koulutuksesta ja musiikillisesta koulutuksesta. Erityisen arvokkaita ovat Villuanen näkemykset pianon melodisen syvän äänen saavuttamisesta, legato-kehityksestä, jota varten käytetään perusteltuja tekniikoita, jotka eivät ole menettäneet merkitystään nykyään.

Venäjän edeltäneen ja vallankumouksellisen taiteen historiassa johtava rooli kuuluu Pietarin ja Moskovan konservatorioissa

maan musiikkikulttuurin suurimpia keskuksia. Molempien konservatorioiden toiminta kehittyi läheisessä yhteydessä, minkä määritteli paitsi heidän tehtäviensä yhteisyys, myös se, että Pietarin konservatorion oppilaat työskentelivät usein Moskovassa ja moskovista tuli Pietarin konservatorion opettajia.

Siten PI Tchaikovsky valmistui Pietarin konservatoriosta, josta tuli sitten yksi ensimmäisistä Moskovan konservatorion professoreista; L. Nikolaev (V. Safonovin opiskelija Moskovan konservatoriossa) - myöhemmin yksi Leningradin pianokoulun johtavista edustajista; Nikolaevin opiskelijat V. Sofronitsky ja M. Yudin työskentelivät Moskovassa useita vuosia.

Pietarin ja Moskovan konservatorioiden perustajat, veljet

Anton ja Nikolay Rubinsteinov,

Konservatorioiden johtamisvuosina he loivat perustan nuorten muusikoiden koulutukselle. Heidän oppilaistaan \u200b\u200b(A. Ziloti, E. Sauer - Nikolauksen oppilaat; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - Antonin oppilaat) tuli esikoisia nuorten esiintyjien galaksissa, jotka voittivat maailman musiikillisen yhteisön tunnustuksen.

Veljen Rubinsteinin ponnistelujen kautta 1800-luvun viimeisellä kolmanneksella hankkinut venäläinen pianopetologia. valtava auktoriteetti ja kansainvälinen tunnustus. Juuri Venäjälle heille velkaa, että se otti yhden ensimmäisistä paikoista pianonsoiton opettamisessa.

Voidaan päätellä, että sekä länsieurooppalaiset että venäläiset edistykselliset muusikot-opettajat 1800-luvulla etsivät kohtuullisia, omaperäisiä tapoja vaikuttaa opiskelijaan. He etsivät tehokkaita tapoja tehostaa teknistä työtä. Käyttämällä luovasti clavier-musiikin perinteitä ja aikaisempien vuosisatojen aikana kehittyneitä ideoita pianistin esiintymistekniikan muodostumisprosessin ydin, 1800-luvun tekniikka. tuli perustelemaan tarkoituksenmukaista pelin periaatetta - pianistisen laitteen kokonaisvaltaista käyttöä. Juuri 1800-luvulla luotiin todella grandioosinen opiskelu- ja harjoittelupohja, joka on edelleen tänä päivänä välttämätöntä pianokoulutuksessa.

Musiikimateriaalin analyysi osoittaa, että sen tekijöille on ominaista halu etsiä luonnollisia pelaamisliikkeitä, sormitusperiaatteita, jotka liittyvät ihmisen käden rakenteellisiin piirteisiin.

Samanaikaisesti on huomattava, että 1800-luvulla. antoi musiikkipedagogiikassa ja kasvattamisessa loistavien lupaavien ideoiden järjestelmän ja ennen kaikkea halua kouluttaa laajalti koulutettua muusikkoa luovan yksilöllisyytensä tarkoituksenmukaisella kehittämisellä.

XX vuosisata

20 luvulla - pianon taiteen kukoistuspäivä. Tämä aika on epätavallisen rikas poikkeuksellisen lahjakkaiden ja erinomaisten pianistien joukossa.

Heistä tuli 1900-luvun alussa kuuluisa Hoffmanja Corto, Schnabelja Paderewski. Ja luonnollisesti FROM. Rahmaninovin hopeakauden nero, joka merkitsi uutta aikakautta paitsi pianomusiikissa, myös maailman kulttuurissa yleensä.

1900-luvun jälkipuoliskolla on aikakausi tunnetuille pianisteille kuten Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Lista jatkuu ...

1900-luvun esittämistapa

***

Tämä pyrkii musiikillisen tekstin syvään ymmärtämiseen ja säveltäjän aikomuksen tarkkaan siirtämiseen sekä musiikin tyylin ja luonteen ymmärtämiseen teoksen luonnollisten taiteellisten kuvien realistisen tulkinnan perustana.

***

1800-luvun lopulla - 1900-luvun alussa - erittäin tapahtumarikas ajanjakso maailman taidekulttuurin historiassa. Aiemmin aktiivisemmin taisteluun sosiaalisten oikeuksiensa puolesta ryhtyneiden joukkojen demokraattisen kulttuurin ja porvariston eliitin kulttuurin välillä tapahtui vastakohta.

Tämän ajan suurimmat taiteilijat tunnustivat kriisin piirteet uuden musiikin kehityksessä: "Elämme aikana, jolloin inhimillisen olemassaolon perusta on koettu shokkiin, - sanoi I. Stravinsky, nykyaikainen ihminen menettää arvotunteen ja vakauden ... Koska itse henki on sairas, silloin aikamme musiikki ja erityisesti sen luoma, oikeiksi katsomansa musiikki tuo mukanaan merkkejä patologisesta epäonnistumisesta. ”Tällaisia \u200b\u200btunnustuksia voitiin kuulla useammin kuin kerran muiden suurten muusikoiden huulilta.

Mutta aikakauden kriisin vaikutuksista huolimatta musiikki saavutti uusia loistavia korkeuksia. Pianopedagogiikka on rikastettu monilla mielenkiintoisilla teoksilla. Julkaistujen teosten kirjoittajien huomio kohdistettiin opiskelijoiden taiteellisiin taitoihin.

Tunnetut pianistiopettajat G. Neuhaus, G. Hoffmann, I. Kogankehitti menetelmiä opiskelijoiden onnistuneeksi oppimiseksi.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianisti, opettaja, musiikin kirjoittaja. Neuvostoliiton suurimman pianistisen koulun perustaja. Kaikki mitä hän kirjoittaa on täynnä intohimoista rakkautta taidetta, pianomusiikkia ja esitystä vastaan.

Eniten kiinnostusta meille on kirja nimeltä "Pianosoittamisen taiteesta".

Kirja on kirjoitettu elävällä kuvakielellä, joka on täynnä tuomioita monista säveltäjistä, esiintyjistä ja opettajista. Se asettaa uusia ongelmia ja huolenaiheita jokaiselle pianistille. Siinä on monia sivuja, joilla on musiikillisen omaelämäkerran luonne ja jotka on omistettu muistoille omasta luovasta polustaan. Tässä improvisaatiossa tekijän näkemykset pianon taiteesta ja opettajan tehtävistä ovat kuitenkin selvästi näkyvissä. Neuhaus kirjoittaa teoksissaan taiteellisesta kuvasta, rytmistä, äänestä, teknisestä työstä, sormituksesta ja poljinnasta, opettajan ja opiskelijan tehtävistä sekä muusikon konserttitoiminnasta.

Suurella vakuuttavuudella hän osoittaa, että niin kutsuttu "oppikirja" -menetelmä, joka antaa pääasiassa reseptin - "kovat säännöt", vaikka olisikinkin oikein ja todistettu -, on aina vain alkuperäinen, yksinkertaistettu menetelmä, joka tarvitsee jatkuvasti kehittämistä, selkeyttämistä, kun kohtataan todellista elämää. lisäys tai, kuten hän itse sanoo, "dialektisessa muutoksessa". Hän vastustaa jyrkästi ja temperamenttisesti "valmennusmenetelmää" ja "samojen teosten loputonta imemistä" pedagogisessa työssä, väärää kantaa, jonka mukaan "ohjaaminen voi tehdä kaiken opiskelijoiden kanssa". Hän pyrkii ratkaisemaan dialektisesti paitsi yleisiä musiikillisia esitysongelmia myös kapeampia teknisiä kysymyksiä.

Määritellessään opettajan roolia Neuhaus uskoo, että opettajan tulisi pyrkiä olemaan niin paljon pianonopettaja kuin musiikinopettaja.

Neuhaus kiinnitti pedagogisessa työssään erityistä huomiota "musikaalin" ja "teknisen" suhteeseen. Joten teknisen epävarmuuden, opiskelijan liikkeiden rajoituksen voittamiseksi, hän pyrki ensinnäkin vaikuttamaan opiskelijan psyykiin, itse musiikin poluille. Hän teki samoin suositellessaan opiskelijoille työmenetelmiä "vaikeissa paikoissa". Hänen mukaansa kaikki "vaikeat", "monimutkaiset", "tuntemattomat" tulisi mahdollisuuksien mukaan supistaa "helpoimpiin", "yksinkertaisiin", "tuttuihin"; samaan aikaan hän suositteli voimakkaasti, ettei pidä luopua vaikeuksien lisäämismenetelmästä, koska tämän menetelmän avulla pelaaja hankkii nämä taidot, kokemuksen, jonka avulla hän voi ratkaista ongelman kokonaan.

Lopuksi, Neuhaus pyrki kaikkeen saadakseen opiskelijan lähemmäksi musiikkia, paljastamaan hänelle näytetyn teoksen sisällön eikä vain inspiroimaan häntä elävällä runollisella kuvalla, vaan myös antamaan hänelle yksityiskohtaisen analyysin teoksen muodosta ja rakenteesta - melodiasta, harmoniasta, rytmistä, moniäänisyydestä, tekstuurista - sanalla, paljastaa opiskelijalle musiikin lait ja sen toteutusmuodot.

Puhua rytmi yhtenä tärkeimmistä esiintymisprosessin muodostavista elementeistä Neuhaus korostaa "kokonaisuuden tunteen", kyvyn "pitkään ajatella" valtavaa merkitystä, jota ilman pianisti ei voi tyydyttävästi soittaa mitään muodollista suurta teosta.

Kirjoittaja pitää pianistin aliarviointia suurena virheenä ääni (riittämätön äänen kuuntelu) ja sen uudelleenarviointi, eli "sen aistillisen kauneuden maiseminen". Esittäessään tämän kysymyksen tällä tavalla, Neuhaus määrittelee äänen kauneuden käsitteen uudella tavalla - ei abstraktisti, ilman yhteyttä tyyliin ja sisältöön, vaan johdattaen sen ymmärrykseen soitetun musiikin tyylistä ja luonteesta.

Samalla hän korostaa, että pelkästään musiikkiteos ja "musiikillinen itseluottamus" eivät ratkaise kysymystä pianotekniikan hallitsemisesta. Myös fyysinen harjoittelu on välttämätöntä hitaaseen ja vahvaan peliin asti. "Tällaisella työllä", hän lisää, "on noudatettava seuraavia sääntöjä: Varmista, että käsi, koko käsivarsi kädestä olkapään päähän on täysin vapaa, ei" jäädydy "mihinkään, ei puristu, ei" kovettu ", ei menetä niiden potentiaalinen (!) joustavuus säilyttäen täydellisen rauhallisuuden ja käyttämällä vain niitä liikkeitä, jotka ovat ehdottomasti "välttämättömiä".

Näkymän määritteleminen sormitus, Neuhaus kirjoittaa, että paras sormitus on se, jonka avulla voit tarkemmin välittää tietyn musiikin merkityksen. Hän kutsuu tekijän henkeen, hahmoon ja musiikilliseen tyyliin liittyvää sormitusta kauneimmaksi ja esteettisesti perusteltuksi.

Samoin Neuhaus määrittelee ongelman polkemisen. Hän toteaa perustellusti, että polkimen ottamista koskevat yleiset säännöt koskevat taiteellista polkemista, sillä jotkut syntaksin osista ovat runoilijan kieltä. Pohjimmiltaan hänen mielestään ei ole oikeaa poljinta. Taidepoljin on erottamaton äänikuvasta. Näitä ajatuksia tukee kirjassa useita mielenkiintoisia esimerkkejä, joista käy ilmi, kuinka tärkeätä kirjailija kiinnitti erilaisiin polkumenetelmiin.

Voimme vain sanoa, että Neuhaus piti pianistin tekniikkaa jollain orgaanisella tavalla yhteydessä musiikin ymmärtämiseen ja taiteellisiin pyrkimyksiin. Tämä on itse asiassa perustana Neuvostoliiton esiintymiskoululle ja erityisesti Neuhaus-koululle, joka koulutti sellaisia \u200b\u200bmerkittäviä esiintyjiä kuin S. Richter, E. Gilels, J. Zak ja monet muut erinomaiset pianistit.

Artikkelit ja kirjat edustavat eräänlaista panosta Neuvostoliiton pianokoululle

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

Kirjassa "Mestarin porteilla" kirjailija puhuu pianistisen työn menestymisen psykologisista edellytyksistä. Tässä työssä hän identifioi "kolme päälinkkiä": selkeä visio tavoitteesta, keskittyminen tähän päämäärään ja jatkuva halu saavuttaa se. Hän toteaa perustellusti, että tämä johtopäätös ei ole uusi ja se ei koske pelkästään pianisteja, vaan mitä tahansa taiteen ja ihmisen työn aloja.

Kirjan johdannossa hän puhuu pianistien psyyken tärkeydestä, oikean psykologisen aseman merkityksestä hänen työssään, mikä on edellytys oppituntien menestymiselle. Tämä aihe kiinnostaa paitsi esiintyjiä myös opettajia, joista paljon riippuu opiskelijan psyyken muodostuminen ja hänen psykologinen tilanne.

Puhuessaan tarkoituksesta, tahdosta, huomiosta, keskittymisestä, itsehallinnasta, mielikuvituksesta ja muista pianistin työssä onnistumista määrittelevistä elementeistä Kogan lisää heille tarvetta intohimoiseen haluun ilmaista ideaalimuodossa suunnitellut ja rakastetut musiikkikuvat. Hän kiinnittää erityistä huomiota esiintyjän "luovaan rauhallisuuteen" ja jännitykseen ennen esitystä ja konsertin aikana.

Kun otetaan huomioon pianistin teoksen eri vaiheet, Kogan kuvaa yksityiskohtaisesti prosessin kolme vaihetta: 1) katselu ja esikatselu, 2) kappaleiden oppiminen, 3) kappaleen "kokoaminen" viimeiseksi vaiheeksi.

Kogan asui erityisesti yksityiskohtien muotoilussa, sormittamisessa, teknisessä uudelleenryhmittelyssä ja vaikeuksien henkisessä kuvaamisessa. Lähes kaikki hän analysoi perustuu Busonin pianistisiin periaatteisiin.

Kirja sisältää myös analyysin esittävistä taiteista, joita on metodologisessa kirjallisuudessa kiinnitetty suhteellisen vähän huomiota. Niihin sisältyy esimerkiksi kysymys pianoteosten eri jaksojen suullisesta alitekstistä, joka voi toimia "apuna intonaation oppaana", joka mahdollistaa "helpommin löytää hengityksen luonnollisen jakauman, yksittäisten intonaatioiden vakuuttavan" ääntämisen ".

Tutkittuaan Koganin pedagogista perintöä voimme päätellä, että Koganin teoksille on suurelta osin ominaista nykyaikaisen Neuvostoliiton pianistisen koulun perustavat metodologiset ohjeet pianon esittävien taiteiden alalla.

Yksi vuosisadan alun suurimmista pianisteista tekee 2000-luvun esittävän taiteen loistoa

Joseph Hoffman (1876-1957)

Kiertävän taiteilijan kohtalosta - ilmiöstä, joka sivilisoidussa muodossa säilyttää kiertävien muusikoiden perinteet - tuli pitkään Hoffmannin joukko. Hoffman harjoitti myös opetusta, mutta se ei ollut niin kirkas kuin esiintyminen.

Hoffmann piti harjoitusjaksoa erittäin tärkeänä. Opettajan välttämättömyys, vaatimus luottaa häneen, hänen merkitys esittäjän muodostumiselle - nämä ovat motiiveja, jotka esiintyvät toistuvasti Hoffmannin kirjojen sivuilla. Hoffmann itse onni opettajiensa kanssa - he olivat kuuluisa pianisti ja säveltäjä Moritz Moszkowski (loistavien virtuoosietietojen ja salonki-näytelmien kirjoittaja) ja kuuluisa Anton Rubinstein, joiden tapaamisesta tuli yksi Hoffmannin luovan elämän päätapahtumia.

Toinen tärkeä tapahtuma Hoffmannin elämässä, joka vaikutti radikaalisti hänen luovaan kohtaloonsa, ajattelutapaan, elämäntapaan, oli muutto Amerikkaan (ja myöhemmin - Amerikan kansalaisuuden omaksuminen). Tästä syystä - raittiat, käytännölliset elämänkatsomukset, liike-elämämainen lähestymistapa kaikkiin, myös luoviin, ongelmiin; tämä puhtaasti amerikkalainen käytännöllisyys näkyy kirjoissa ja artikkeleissa.

Vuoden 1914 kirjassaan Pianon soittaminen vastauksiin pianonsoittoa koskeviin kysymyksiin on tärkeää, että Hoffmann yksilöi yleiset periaatteet, jotka edistävät hyvää pianonsoittoa. Hän korostaa luokan etuna aamulla. On suositeltavaa olla käyttämättä enintään yksi tunti, korkeintaan kaksi tuntia peräkkäin. Kaikkien pitäisi riippua fyysisestä kunnosta. Hän kehottaa myös vaihtamaan tutkittujen töiden aikaa ja järjestystä. Pianistin huomion painopiste on keskustelu pianonsoiton "tekniikasta", jossa hän ymmärsi loistavasti. Hoffmann pitää tärkeätä työtä ilman instrumenttia (myös nuotteilla ja ilman).

Erityisen tärkeitä ovat Hoffmannin ajatukset "henkisestä tekniikasta" - tarpeesta aloittaa näytelmän analysointi muodon ja tekstuurin analyysillä; Lisäksi analysointiprosessissa jokainen kohta "on valmistettava henkisesti täydellisesti ennen sen testaamista pianolla".

Hoffmann, monet tyylin piirteet ovat erittäin moderneja. Se on käytännöllisyydessä lähellä meitä - kaikki on pohjimmiltaan, ei mitään tarpeetonta.

Hopeajan nero, upea pianisti, säveltäjä, kapellimestari

Sergei Rachmaninoff (1873-1943)

Hän alkoi opiskella musiikkia systemaattisesti viiden vuoden iässä ikä. Vuonna 1882 Sergei tuli Pietariin konservatorio. Vuonna 1885 hän muutti Moskovaan ja opiskeli Moskovan konservatoriossa, missä hän opiskeli ensin kuuluisan pianisti-opettajan N. S. Zverevin (jonka opiskelija oli myös venäläinen säveltäjä ja pianisti Alexander Nikolayevich Scriabin), ja vuodesta 1888 - pianistin ja kapellimestarin Alexander Ilyichin kanssa. Ziloti (piano); säveltäjä, pianisti ja kapellimestari Anton Stepanovich Arensky (sävellys, soittimet, harmonia); säveltäjä, pianisti ja musiikki- ja julkishahmo Sergei Ivanovitš Tanejev (tiukan kirjoituksen vastakohta).

Rahmaninov on yksi suurimmista muusikoista 19. ja 20. vuosisadan vaihteessa. Hänen taiteensa erottaa tärkeä totuudenmukaisuus, demokraattinen suuntautuminen, rehellisyys ja taiteellisen ilmaisun emotionaalinen täyteys. Rahmaninov noudatti musiikkiklassikan parhaita perinteitä, ennen kaikkea venäjää. Hän oli Venäjän luonteeltaan sielukas laulaja.

Hänen teoksissaan inhimillisiä sovinnon vastaisia \u200b\u200bprotesteja ja hiljaista pohdintaa, vaikeita valppauksia ja voimakasta päättäväisyyttä, synkkää tragediaa ja innostuneita lauluja esiintyvät läheisesti rinnakkain. Rachmaninoffin musiikki, jolla on tyhjentämätöntä melodista ja sub-ääni-monifonista rikkautta, absorboi venäläisiä kansanlaululähteitä ja joitain znamenny-laulun piirteitä. Yksi Rachmaninoffin musiikkityylin alkuperäisistä perusteista on orgaaninen yhdistelmä melodisen hengityksen leveyttä ja vapautta rytmisellä energialla. Kotimaan teema on keskeinen Rachmaninovin kypsässä teoksessa. Rachmaninoffin nimi pianistina on sama kuin F. Liszt ja A. G. Rubinstein. Fenomenaalitekniikka, melodinen äänen syvyys, joustava ja imperious-rytmi totesivat täysin Rachmaninoffin soittoa.

Rachmaninoffin kunnia pianistina oli tarpeeksi suuri, siitä tuli pian todella legendaarinen. Hänen tulkintansa omasta musiikistaan \u200b\u200bja romanttisten säveltäjien - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt - teoksista nauttivat erityistä menestystä. Rachmaninoffin konserttitoiminta vaeltava virtuoosikirjoittajana kaupunkien ja maiden läpi jatkui keskeytyksettä lähes 25 vuotta.

Amerikassa, jonne hän sattumalta muutti asumaan, hän saavutti upean menestyksen, jonka ulkomainen esiintyjä on koskaan mukana täällä. Yleisöä houkutteli paitsi Rachmaninovin korkeat esiintymisetaidot, myös hänen soitotapansa ja ulkoinen askeettisuus, jonka takana neroksen muusikon kirkas luonne oli piilossa. "Henkilön, joka kykenee ilmaisemaan tunteensa tällä tavalla ja sellaisella voimalla, on ensinnäkin opittava hallitsemaan ne täydellisesti, olemaan heidän mestarinsa ..." - kirjoitettiin yhdessä arvosteluissa.

Rachmaninoffin näytelmän gramofonitallenteet antavat kuvan hänen ilmiömäisestä tekniikastaan, muotoilustaan, poikkeuksellisen vastuullisesta asenteesta yksityiskohtiin. Rachmaninoffin pianismi vaikutti sellaisiin merkittäviin pianonsoiton mestareihin kuin Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svjatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Amerikkalainen pianisti - ukrainalais-juutalaista alkuperää oleva virtooz, yksi 2000-luvun suurimmista pianisteista

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Syntynyt Venäjällä vuodesta 1928 Yhdysvalloissa. Esitys romanttisesta esitystyylista (F. Lisztin teokset, mukaan lukien omien tekstiensä, Frederic Chopinin, venäläisten säveltäjien jne.).

Vladimir Horowitz opiskeli V. Pukhalskiy, S. V. Tarnovsky ja F. M. Blumenfeld Kiovan musiikkikoulussa, joka muutettiin syyskuusta 1913 Kiovan konservatorioon. Valmistuttuaan vuonna 1920 V. Horowitz ei saanut tutkintotodistusta, koska hänellä ei ollut todistusta lukion valmistumisesta. Hän esitti ensimmäisen soolokonserttinsa Kharkovissa vuonna 1920 (mutta ensimmäinen dokumentoitu julkinen konsertti pidettiin joulukuussa 1921 Kiovassa). Sitten hän antoi konsertteja Venäjän eri kaupungeissa yhdessä nuoren Odessan kansalaisen - viulistin Nathan Milsteinin kanssa -, josta he maksoivat usein leipää kuin rahaa maan vaikean taloudellisen tilanteen vuoksi.

Vuodesta 1922 lähtien Horowitz, joka tarjoaa konsertteja Venäjän, Ukrainan, Georgian ja Armenian kaupungeissa, on kerännyt valtavan määrän ohjelmistoja. Esimerkiksi kolmen kuukauden aikana (marraskuu 1924 - tammikuu 1925) hän esitti yli 150 teosta kuuluisassa "Leningrad-sarjassa", joka koostui 20 konsertista. Varhaisista menestyksistä pianistina huolimatta Horowitz väitti haluavansa olla säveltäjä, mutta valitsi pianistin uran auttaakseen perhettä, joka menetti koko omaisuutensa vuoden 1917 vallankumouksen aikana. "Vallankumouksen lasten" menestys (kuten Lunacharsky kutsui heitä yhdessä artikkelissaan) oli ylivoimainen. Monissa kaupungeissa syntyi näiden nuorten muusikoiden faniyhdistyksiä.

Syyskuussa 1925 Vladimir Horowitz sai tilaisuuden lähteä Saksaan (virallisesti hän lähti opiskelemaan). Ennen lähtöään hän oppi ja soitti Leningradissa PI Tchaikovskyn ensimmäisen konsertin. Tämän sävellyksen ansiosta hänestä tuli kuuluisa Euroopassa. Tällä konsertilla oli "kohtalokas" rooli pianistin elämässä: saavuttaessaan voiton Euroopan ja Amerikan maissa Horowitz suoritti tarkalleen PI Tchaikovskyn ensimmäisen konsertin. Seuraten pianistia Saksaan joulukuussa 1925, myös Milstein lähti. Euroopassa molemmat muusikot saivat nopeasti mainetta loistavina virtuooseina. Neuvostoliiton viranomaiset valitsivat Horowitzin edustamaan Ukrainaa avajaisissa pidetyssä kansainvälisessä Chopin-kilpailussa vuonna 1927, mutta pianisti päätti jäädä länteen eikä siksi osallistunut kilpailuun. Vuoteen 1940 saakka hän matkusti konserteilla melkein kaikkiin Euroopan maihin ja kaikkialla meni ylivoimaisesti. Pariisissa, kun V. Horowitz soitti, gendarit kutsuttiin rauhoittamaan yleisöä, joka mursi tuolit ekstaasissa. Vuonna 1928 Vladimir Horowitz esiintyi loistavasti Carnegie Hallissa New Yorkissa ja matkusti suurta menestystä moniin Amerikan kaupunkeihin.

Venäläinen pianisti, jolla on saksalaiset juuret

Svjatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Hän vietti lapsuutensa ja nuoruutensa Odessassa, missä hän opiskeli isänsä, pianistin ja urkurin kanssa, joka oli koulutettu Wienissä, ja työskenteli säveltäjänä oopperatalossa. Hän antoi ensimmäisen konserttinsa vuonna 1934. 22-vuotiaana hän opiskeli muodollisesti itseään Moskovan konservatoriossa, missä hän opiskeli Heinrich Neuhausin kanssa. Vuonna 1940 hän esitti ensimmäisen julkisen esiintymisensä Moskovassa, esittäen Prokofjevin kuudennen sonaatin; Myöhemmin hänestä tuli 7. ja 9. sonaatin ensimmäinen esittäjä (jälkimmäinen on omistettu Richterille). Vuonna 1945 hän voitti musiikkitaiteilijoiden liittovaltion kilpailun.

Ammatillisesta kentästä lähtien hänet pidettiin virtuoosina ja poikkeuksellisen laaja muusikkona.

Useiden sukupolvien neuvostoliittolaisten ja venäläisten muusikoiden ja musiikin ystävien keskuudessa Richter ei ollut paitsi erinomainen pianisti myös korkeimman taiteellisen ja moraalisen auktoriteetin, modernin universaalin muusikon, kouluttajan, henkilöstön, esittäjä. Richterin valtava ohjelmisto, joka laajeni aktiivisen elämänsä viimeisiin vuosiin, sisälsi musiikkia eri aikakausilta, Bachin hyvin karkaistu Clavier ja Händelin sviitteistä Gershwinin konserttiin, Webernin muunnelmiin ja Stravinsky-liikkeisiin.

Kaikilla ohjelmistoaloilla Richter osoittautui ainutlaatuiseksi taiteilijaksi, jossa yhdistyi musiikkitekstiin liittyvän lähestymistavansa ehdoton objektiivisuus (kirjailijan ohjeiden huolellinen noudattaminen, yksityiskohtien varma hallinta, retorisen liioittelun välttäminen) epätavallisen korkealla dramaattisella sävyllä ja tulkinnan hengellisellä keskittymisellä.

Richterille ominainen korostunut tietoisuus vastuusta taiteelle ja kyky omistautua osoitti hänen erityisestä sitoutumisestaan \u200b\u200besiintymisen yhtyeeseen. Richterin uran alkuvaiheessa hänen pääyhtyeensä kumppaneita olivat pianisti, Neuhausin opiskelija Anatoly Vedernikov, laulaja Nina Dorliak (sopraano, Richterin vaimo), viulisti Galina Barinova, sellisti Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (heidän työnsä on omalla tavallaan täydellinen, todella Beethovenin sellon sonaatit). Vuonna 1966 Richterin ja David Oistrakhin kumppanuus alkoi; vuonna 1969 he ensi-ilta Shostakovitšin viulusonaatin. Richter oli kvartetin säännöllinen kumppani. Borodin teki yhteistyötä mielellään nuoremman sukupolven muusikoiden, kuten Oleg Kaganin, Elizaveta Leonskayan, Natalia Gutmanin, Juri Bashmetin, Zoltan Kochishin, pianistien Vasily Lobanov ja Andrey Gavrilov, kanssa. Richterin taidetta solistina ja yhtye-esiintyjinä kuolemattomana on valtava määrä studio- ja konserttitallenteita.

Neuvostoliiton pianisti, Neuvostoliiton kansantaiteilija

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil aloitti pianonsoiton viiden ja puolen vuoden ikäisenä, hänen ensimmäinen opettajansa oli Yakov Tkach. Saatuaan nopeasti merkittävän menestyksen, Gilels esiintyi ensimmäisen kerran julkisuudessa toukokuussa 1929 esittäen Lisztin, Chopinin, Scarlattin ja muiden säveltäjien teoksia. Vuonna 1930 Gilels aloitti Odessan musiikkiopistossa (nykyisin Odessan konservatoriossa).

Ja ensi vuonna hän voitti All-Ukrainan pianokilpailun, ja vuotta myöhemmin hän tapasi Arthur Rubinsteinin, joka puhui hyväksyvästi esityksestään.

Maine tuli muusikolle hänen voitonsa jälkeen vuonna 1933 ensimmäisessä muusikko-esiintyjien liittokilpailussa, jota seurasi lukuisia konsertteja Neuvostoliitossa. Valmistuttuaan Odessan konservatoriosta vuonna 1935, Gilels siirtyi Moskovan konservatorion tutkijakouluun Heinrich Neuhausin luokassa.

1930-luvun jälkipuoliskolla pianisti saavutti merkittävää kansainvälistä menestystä: hän sijoittui toiseksi Wienin kansainvälisessä kilpailussa (1936) häviämällä vain Jacob Flierille ja kaksi vuotta myöhemmin kostui häneltä voittamalla Izaya-kilpailun Brysselissä, jossa Flier pysyi kolmannella sijalla. Palattuaan Moskovaan, Gilels aloitti opettamisen konservatoriossa Neuhausin avustajana.

Sotavuosina Gilels osallistui armeijan suojeluun, syksyllä 1943 hän antoi konsertteja piiritetyssä Leningradissa. Sodan päättymisen jälkeen hän palasi aktiiviseen konserttiin ja opetustoimintaan. Hän esiintyi usein nuoremman sisarensa, viulistin Elizaveta Gilelsin ja Jacob Zakin kanssa. Vuonna 1950] perusti pianotrion yhdessä Leonid Koganin (viulu) ja Mstislav Rostropovichin (sello) kanssa, ja vuonna 1945 hän antoi konsertteja ensimmäistä kertaa ulkomailla (tultuaan yhdeksi ensimmäisistä Neuvostoliiton muusikoista, joille annettiin tämä tehdä), kierteli Italiassa, Sveitsi, Ranska ja Skandinavian maat. Vuonna 1954 hän oli ensimmäinen Neuvostoliiton muusikko, joka esiintyi Pleyel-hallissa Pariisissa. Pianistista tuli vuonna 1955 ensimmäinen Neuvostoliiton muusikko, joka antoi konsertteja Yhdysvalloissa, missä hän esitti Tchaikovskyn ensimmäisen pianokonserton ja Rachmaninoffin kolmannen konserton Philadelphia-orkesterin kanssa Eugene Ormandyn johdolla, ja piti pian konsertin Carnegie Hallissa, mikä oli valtava menestys. 1960-70-luvuilla Gilels oli yksi maailman halutuimmista Neuvostoliiton muusikoista, viettäen noin yhdeksän kuukautta vuodessa konsertteihin ja ulkomaanmatkoihin.

Yhteenvetona haluaisin todeta, että Neuvostoliiton pianismin näkyvimpien edustajien metodologiset periaatteet ja kirjat osoittavat, että näiden muusikoiden näkemyksillä ja heidän yksilöllisellä lähestymistavallaan pianonsoittoon ja pedagogisuuteen oli paljon yhteistä. Tämä on halu syvään ymmärtää musiikkitekstiä ja saada säveltäjän aikomus tarkkaan välitettyä ja ymmärtää musiikin tyyliä ja luonnetta teoksen upotettujen taiteellisten kuvien realistisen tulkinnan perustana.

Tyypillisesti tässä suhteessa yksi lauseista G. G. Neuhaus: "Me kaikki puhumme samasta asiasta, mutta eri sanoin." Tämä on yleistä ja määrittelee Neuvostoliiton pianistisen koulun periaatteet, joka kasvatti merkittäviä pianisteja ja erinomaisia \u200b\u200bopettajia.

XXI vuosisata

Mikä oli ja mistä on tullut pianonsoittamisen taito koko XX luvun ajan?

Mitä uutta 2000-luvun alussa?

Kuinka on tapana soittaa pianoa nyt, 2000-luvun toisella vuosikymmenellä?

2000-luvun esittämistapa

***

2000-luvun alussa musiikin esittävän taiteen kaksi pääsuuntaa ovat edelleen olemassa - transsendenttinen virtuoosisuus ja tarkoituksenmukainen tulkinta. 1900-luvun lopulla nämä suunnat keskittyivät entistä keskittyneemmin ja eristyivät toisistaan. Uusi ilmiö nousi kuitenkin myös esiin, kun pianistit pystyivät palvelemaan samanaikaisesti sekä esittävän taiteen yhtä että toista virtaa.

***

Esittämisperinteisiin vaikuttavat kokonainen kilpailumaania, vuonna 2006 Tässä tapauksessa musiikkiteosten poikkeuksellisesta kilpailutasosta tulee yhä yleisempi malli, jota on noudatettava, myös konserttilavalla.

Äänityksen ihanteet ja konserttiperinteisiin vaikuttava kilpailutaso vaativat pianonsoiton laadun huomattavaa parantamista. Jokaisen ohjelman kappaleen, ei vain "encores", pitäisi kuulostaa esittävän taiteen mestariteoksen tasolla. Tämän, jonka studio pystyi saavuttamaan useiden esitysvaihtoehtojen äänitekniikan ja tietokoneeditoinnin vuoksi, pitäisi tapahtua näyttämöllä tällä hetkellä, täällä ja nyt.

Kansainväliset kilpailut ja festivaalit edistävät pianotaiheen globalisoitumista.

Löydämme heidän nimensä useimmiten PI Tchaikovsky -kilpailun jälkeen. Kilpailu toi julkkikset sellaisille pianisteille kuin Van Cliburn, Vladimir Ashkenazi, Vladimir Krainev, Mihhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeniy Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova ...

Amerikkalainen pianisti, joka valloitti Venäjän sydämet

Kansainvälisen Tšaikovski-kilpailun ensimmäinen voittaja (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Amerikkalainen pianisti Van Cliburn (alias Harvey Levan Cliburn) on ehkä maamme rakastetuin ulkomaalainen muusikko. Venäläinen yleisö arvosti ensin Van Cliburnin esiintymistaitoja, ja hänestä tuli Venäjän-vierailunsa jälkeen maailmankuulu muusikko.

Ensimmäiset pianotuntinsa hän sai kolmen vuotiaana äidiltään. Kun Cliburn oli kuusi, perhe muutti Texasiin, missä hän voitti kilpailun 13-vuotiaana ja teki pian Carnegie Hall -debyyttinsä.

Vuonna 1951 hän tuli Juilliard-kouluun, Rosina Levina -luokkaan, ja sai tulevina vuosina useita palkintoja arvostetuissa Yhdysvaltojen ja kansainvälisissä kilpailuissa.

Cliburn-nimi sai maailmanlaajuista mainetta sensaatiomaisen voiton jälkeen ensimmäisessä kansainvälisessä Tšaikovsky-kilpailussa Moskovassa vuonna 1958. Nuori pianisti voitti sekä tuomariston että yleisön sympatian. Tämä oli erityisen yllättävää, koska toiminta tapahtui kylmän sodan huipulla. Palattuaan kotimaahansa Cliburn sai upean innostuneen vastaanoton. Muusikko oli täynnä rakkautta ja kunnioitusta Neuvostoliittoa kohtaan ja kilpailun jälkeen hän tuli toistuvasti konsertteihin.

Van Cliburn kierteli sekä kotimaassaan että ulkomailla. Puhunut kuninkaallisille ja valtionpäämiehille, kaikille Yhdysvaltojen presidentteille. Hänestä tuli ensimmäinen klassisen musiikin esiintyjä, joka sai platinalevyn. Yli miljoona kappaletta hänen suorituksestaan \u200b\u200bTšaikovskin ensimmäiseen pianokonserttiin on myyty.

Vuodesta 1962 lähtien Van Cliburn-pianokilpailu on järjestetty Fort Worthissa, Texasissa.

Venäläinen pianisti, musiikinopettaja, julkishahmo

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Vladimir Krainevin musiikillinen kyky ilmeni takaisin Harkovan keskiasteen erikoiskoulussa, missä hän aloitti 5-vuotiaana. Kaksi vuotta myöhemmin hänen ensimmäinen esiintymisensä suurella lavalla tapahtui - orkesterin kanssa hän esitti Haydnin konserton ja Beethovenin ensimmäisen konserton.

Kharkov-opettajien tuella Krainev pääsi Moskovan keskusmusiikkikouluun nimeltään konservatoriossa Tšaikovsky Anaida Sumbatyanin luokkaan. Vuonna 1962 hän tuli konservatorioon nimeltään A. Tchaikovsky Heinrich Neuhaus -luokkaan, ja kuolemansa jälkeen hän opiskeli poikansa kanssa Stanislav Neuhaus, jonka kanssa hän valmistui tutkijakouluun vuonna 1969.

Maailmanlaajuinen tunnustus tuli Vladimir Kraineville 1960-luvun alkupuolella, kun hän voitti merkittävät palkinnot suurissa kansainvälisissä kilpailuissa Leedsissä (Iso-Britannia, 1963) ja Lissabonissa (Portugali, 1964). Leedsillä esiintymisen jälkeen nuori pianisti sai kutsun kiertueelle Yhdysvaltoihin. Vuonna 1970 hän voitti loistavan voiton IV International P.I. Tšaikovsky Moskovassa.

Vuodesta 1966 Vladimir Krainev on ollut Moskovan valtion filharmonikon solisti. Vuodesta 1987 - Moskovan konservatorion professori. Vuodesta 1992 - professori Hannoverin (Saksa) musiikki- ja teatterikorkeakoulussa.

Vladimir Krainev matkusti laajasti Euroopassa ja Yhdysvalloissa esiintyen sellaisten merkittävien kapellimestarien kanssa kuin Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Mazur, Juri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondetskis.

Krainev järjesti Ukrainassa järjestetyn "Vladimir Krainev kutsuu" -festivaalin ja hänelle nimitetyn Kharkovin kansainvälisen nuorten pianistikilpailun (vuodesta 1992) järjestäjän.

Vuonna 1994 pianisti perusti kansainvälisen hyväntekeväisyyssäätiön nuorille pianisteille. Säätiö tarjosi apua ja tukea tuleville ammattimuusikoille, loi edellytykset heidän luovuudelleen Venäjällä ja ulkomailla, järjestää nuorten muusikoiden kiertueita ja konsertteja, tukee kulttuurin ja taiteen koulutuslaitoksia.

Kuuluisa kapellimestari ja pianisti, RSFSR: n kansantaiteilija, perustaja ja johtaja vuosina 1990–1999 ja vuodesta 2003 nykypäivään Venäjän kansallisorkesterissa. Kultamitalin voittaja vuoden 1978 kansainvälisessä Tšaikovsky-kilpailussa ja vuoden 2004 Grammy-palkinnossa.

Mikhail Vasilievich Pletnev syntyiVuosi 1957

Pletnev vietti lapsuutensa Saratovissa ja Kazaanissa, 7-vuotiaana hän aloitti musiikkikoulun Kazaanin konservatoriossa pianon luokassa. Hän on opiskellut 13-vuotiaana musiikkikeskuksessa Moskovan Tšaikovskyn konservatoriossa. Vuonna 1973 16-vuotias Pletnev voitti Grand Prix -palkinnon Pariisissa pidetyssä kansainvälisessä nuorisokilpailussa. Seuraavana vuonna hän tuli Moskovan konservatorioon, opiskeli professoreiden Yakov Flierin ja Lev Vlasenkon johdolla.

Vuonna 1977 Pletnev voitti ensimmäisen palkinnon Allian Union-pianokilpailussa Leningradissa, ja vuonna 1978 hän voitti kultamitalin ja ensimmäisen palkinnon Moskovan kansainvälisessä Tchaikovsky-kilpailussa. Vuonna 1979 Pletnev valmistui konservatoriosta, ja vuonna 1981 - valmistuskoulusta, jonka jälkeen hänestä tuli Vlasenkon avustaja, aloitti myöhemmin opetuksen omassa pianon luokassaan.

Pletnevistä tuli vuonna 1981 järjestetyn valtionkonsertin solistina voittavan pianistin maine. Lehdistö pani merkille hänen tulkintansa Tšaikovskin teoksesta, mutta myös Bachin, Beethovenin, Rachmaninovin ja muiden säveltäjien esityksiä. Pletnev teki yhteistyötä sellaisten kuuluisien kapellimestarien kanssa kuin Vladimir Ashkenazi, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai ja maailman tunnetuimpia sinfoniaorkestereita, kuten Lontoon sinfonia ja Los Angeles Philharmonic.

Vuonna 1980 Pletnev debytoi kapellimestarina, ja kymmenen vuotta myöhemmin, 1990, hän perusti ulkomaisten lahjoitusten kustannuksella itsenäisen Venäjän kansallisen sinfoniaorkesterin (nimitettiin myöhemmin uudelleen Venäjän kansalliseksi orkesteriksi, RNO) ja oli vuoteen 1999 asti sen taiteellinen johtaja, pääkapellija ja presidentti. rahoittaa. Vuonna 2008 Pletnevista tuli vieraileva kapellimestari orkesterin della Svizzera italiana (Italian Sveitsin sinfoniaorkesteri) kanssa. Vuonna 2006 Pletnev perusti kansallisen kulttuurituen rahaston. Vuodesta 2006 vuoteen 2010 Pletnev oli Venäjän federaation presidentin alaisuudessa toimivan kulttuuri- ja taideneuvoston jäsen, ja vuosina 2007-2009 hän oli Venäjän federaation UNESCO-komission jäsen.

Kazakstanin pianisti, opettaja, professori ja Kurmangazy Kazakstanin kansalliskonservatorion rehtori,

Kazakstanin kansantaiteilija, kansainvälisten kilpailujen voittaja, professori

Zhania Yakhiyaevna Aubakirova syntyi vuonna 1957

Valmistunut nimeltään Alma-Ata -konservatoriosta Kurmangazy, Moskovan valtion konservatorio. PI Tchaikovsky ja jatko-opinnot (professori L. N. Vlasenkon kanssa).

Vuodesta 1979 - I-nimisen valtion akateemisen ooppera- ja balettiteatterin soittaja. Abai ja nimeltään Moskovan valtion konservatorion apulaisharjoittelija P.I.Tchaikovsky. 1981 - vanhempi opettaja, apulaisprofessori, Alma-Ata -konservatorion erityisen pianonosaston päällikkö Kurmangazy. Vuodesta 1983 hän on toiminut I-nimisen Kazakstanin valtion filharmonikon solistina. Jambula. Vuodesta 1993 - I-nimisen Almatyn valtion konservatorion professori. Kurmangazy. 1994 - perustettiin ”Zhania Aubakirovan kirjailijakoulu”, joka työskentelee nykyaikaisten koulutusmenetelmien ja tekniikoiden mukaisesti. Vuodesta 1997 - Kazakstanin Kurmangazy-konservatorion rehtori. Konservatoriosta tuli hänen johdollaan maan johtava musiikkiyliopisto ja tasavallan kulttuuri- ja koulutuskeskus, ja vuonna 2001 sille annettiin kansallinen asema.

1998 - Zhania Aubakirovan aloitteesta järjestettiin musiikkitoimisto "Classics", joka menestyksekkäästi piti "Kazakstanin vuodenaikaa Ranskassa", järjesti konsertteja yli 18 maassa, nauhoitti yli 30 CD-levyä, yli 20 musiikkielokuvaa Kazakstanin esiintyjistä. 2009 - marraskuussa Kazakstanin kansalliskonservatorion opiskelijoiden sinfoniaorkesteri. Kurmangazy kierteli viisi Yhdysvaltojen suurkaupunkia: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston ja New York. Nuoret muusikot yhdessä rehtorinsa, Kazakstanin tasavallan kansantaiteilijan Zhania Aubakirovan kanssa esiintyivät maailman tunnetuimmissa salissa - Kennedy-keskuksessa ja Carnegie-salissa.

Zhania Aubakirovan kappaleita ja esityksiä kuuluisien orkestereiden kanssa, jotka edistävät maailman musiikkiklassikoita ja kazakstanin säveltäjien teoksia, järjestetään säännöllisesti Kazakstanissa, Ranskan, Englannin, Saksan, Japanin, Venäjän, Puolan, Italian, Yhdysvaltojen, Israelin, Kreikan, Unkarin suurimmissa konserttisalissa. Moskovan Tchaikovsky -konservatorion ja Pietarin filharmonian, Moskovan musiikkitalon, suuret hallit.

Aikamme erinomainen pianisti

Boris Berezovsky syntynyt vuonna 1969

Hän tulee Moskovan konservatorioon erinomaisen pianistin Eliso Virsaladze-luokassa. Jonkin ajan kuluttua Berezovskysta tulee ”ahdas” Eliso Virsaladze -kurssilla, jossa soitetaan vain perinteistä ohjelmistoa, joten hän alkaa ottaa yksityistunteja Alexander Satsilta. Sats avaa uusia näköaloja venäläiselle klassiselle musiikille Boris Berezovskylle. Hänen kanssaan Berezovsky alkaa soittaa Medtneriä, paljon Rachmaninovia ja monia muita. Mutta Boris Berezovsky ei onnistunut suorittamaan opintojaan Moskovan konservatoriossa, hänet karkotettiin osallistumisesta Tšaikovsky-kilpailuun loppukokeiden aikana. Mutta tämä seikka ei edes estänyt häntä tulemasta aikamme virtuoosimmaksi ja vaativimmaksi esiintyjäksi.

Yli kymmenen vuoden ajan Boris Berezovsky on esiintynyt maailman tunnetuimpien orkestereiden kanssa: BBC Orkesterin, Lontoon ja New Yorkin filharmonikkojen, Japanin uuden filharmonisen orkesterin, Birminghamin ja Philadelphia Symphony: n kanssa. Berezovsky osallistuu säännöllisesti kamarimusiikkifestivaaleihin, ja hänen kappaleitaan voidaan kuulla Berliinissä ja New Yorkissa, Amsterdamissa ja Lontoossa. Puhuu sujuvasti englantia ja ranskaa.

Pianistilla on melko laaja diskografia. Hänen konserttiensa viimeisimmät nauhoitukset ovat saaneet korkeimmat arvostelut kriitikkoilta. Saksalainen äänitysyhdistys myöntää korkean palkinnon Rachmaninoffin sonaateille, jotka Boris Berezovsky on tulkinnut. Ravelin teosten nauhoitukset tulivat klassisiin kaavioihin Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Boris Berezovsky on yhdeksännen kansainvälisen Tchaikovsky-kilpailun kultamitalin voittaja, häntä kutsutaan "uudeksi Richteriksi". Berezovsky-ääni, läpinäkyvällä pianissimolla ja rikkaimmalla dynaamisten sävyjen spektrillä, tunnustetaan sukupolvensa täydellisimmäksi. Nykyään Boris Berezovsky voidaan kuulla yhä useammin Venäjän suurilla konserttivaiheilla.

Yksi inspiroivista, älykkäistä esiintyjistä, venäjän kieli pianisti , opettaja, solisti Moskovan valtion filharmonikko , Venäjän kansantaiteilija

NikolathLeijoná hIVniityt́ nSK syntyi1972 vuosi

Hänen soitonsa onnistui absorboimaan kaiken parhaan, mitä Moskovan keskuskoulu ja konservatorio tarjosivat.

Tällä inspiroidulla tulkitsijalla, jolla on loistava pelitekniikka, on nyt harvinainen lahja luovalle lähestymiselle materiaalille. Yksi harvoista, hän pystyy tuomaan Jumalan kipinän valoon Beethovenin teoksissa, paljastamaan Mozartin harvinaisen "infernaalin äänen", toistamaan minkä tahansa arvokkaan materiaalin niin, että pimeä katsoja uudelleen löydetyt melodiat soitettiin tuhansia kertoja täysin erilaisessa suoritusmuodossa.

Nyt Venäjällä on monia ammattilaisia, jotka kykenevät osoittamaan korkeaa luokkaa. Lugansky ei kuitenkaan missään tapauksessa ole huonompi kuin arvostetut kollegat, ja se on Venäjän musiikissa ainutlaatuinen ilmiö.

Voit soittaa klassikoita eri tavoin: jokainen koulu - ranska, saksa, italia - tarjoaa oman ratkaisun ainutlaatuisen äänen suuriin haasteisiin.

Mutta jokainen todella virtuoosi pianisti "luo omia klassikoitaan", mikä on todiste neroudesta. Nikolai Luganskya soitettiin uransa alkaessa "Richter-pianistina", ja hänet verrattiin myös Alfred Cortoon.

Nikolai Lugansky on edelleen ainutlaatuinen ilmiö venäläisessä musiikissa.

Kuuluisa venäläinen pianisti, klassinen muusikko

Evgeny Igrevich Kisin syntyi vuonna 1971

6-vuotiaana hän tuli Gnessin Music Schooliin. Ensimmäinen ja ainoa opettaja on Anna Pavlovna Kantor.

Alunperin hän esiintyi lapsen ihmeenä nimellä Zhenya Kisin. 10-vuotiaana hän esiintyi ensimmäistä kertaa orkesterin kanssa esittäen Mozartin 20. konsertin. Vuotta myöhemmin hän antoi ensimmäisen soolokonserttinsa. Vuonna 1984 (12-vuotiaana) hän suoritti Chopin-konsertit 1 ja 2 pianolle ja orkesterille Moskovan konservatorion suuressa salissa.

Vuonna 1985 Evgeny Kissin meni ensimmäistä kertaa ulkomaille konserteilla, vuonna 1987 debytoi Länsi-Euroopassa Berliinin festivaalilla. Vuonna 1988 hän esiintyi Herbert von Karajanin kanssa Berliinin filharmonisen orkesterin uudenvuoden konsertissa esittäen Tšaikovskin ensimmäistä konserttia.

Syyskuussa 1990 Kissin debytoi Yhdysvalloissa, missä hän esiintyi Chopin Concertos 1 ja 2 -sarjassa New Yorkin filharmonisen orkesterin kanssa Zubin Meta -soiton alla. Viikkoa myöhemmin muusikko antaa kappaleen Carnegie Hallissa. Helmikuussa 1992 Kissin osallistuu Grammy-palkintoihin New Yorkissa, joka televisioidaan arviolta kuudensadan miljoonan katsojan yleisölle. Elokuussa 1997 hän esitti kappaleen Proms-festivaalilla Lontoon Albert Hallissa - ensimmäisen pianonillan yli 100 vuoden festivaalin historian aikana.

Kissin johtaa intensiivistä konserttitoimintaa Euroopassa, Amerikassa ja Aasiassa kerääen jatkuvasti loppuunmyytyjä; esiintynyt maailman johtavien orkestereiden kanssa sellaisten kapellimestarien johdolla, kuten Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazi, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seidzi Ozava, Jevgeni Svetyrtropov , Georg Solti ja Maris Jansons; Kissinin kamarimusiikin kumppaneita ovat Martha Argerich, Juri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern ja muut.

Jevgeni Kissin esiintyy myös runoiltoina jiddišin ja venäjän kielellä. Pieni levy, joka sisältää nauhoituksia nykyaikaisesta jiddisestä runosta, E. Kissinin esittämä "Af di keyboard fun yidischer runous" (juutalaisten runouden näppäimillä) julkaistiin vuonna 2010. Kissinin itsensä mukaan hänellä on vahva juutalainen identiteetti lapsuudesta lähtien ja hän julkaisee Israelia kannattavia materiaaleja henkilökohtaisella verkkosivustollaan.

Venäläinen pianisti, julkinen henkilö, Venäjän kansantaiteilija

Denis Leonidovich Matsuev syntyi vuonna 1975

Denis Matsuev vietti lapsuutensa syntyperäisessä Irkutskissa. Luovaan perheeseen syntynyt poika opiskeli musiikkia jo varhaisesta iästä lähtien. Ensin hän meni V. V. Majakovskin nimeltä kaupungin peruskouluun nro 11 ja aloitti samalla paikallisen taidekoulun. Kuudentoista vuotiaana Denis Matsuev aloitti Irkutskin musiikkiopistossa. Hän kuitenkin huomasi nopeasti, että hänen kykynsä vaativat perusteellisempaa leikkausta. Perheneuvostossa päätettiin muuttaa pääkaupunkiin. Vanhemmat ymmärsivät, että heidän lahjakkaalla pojallaan voisi olla erittäin menestyvä luova elämäkerta. Denis Matsuev muutti Moskovaan vuonna 1990.

Vuonna 1991 hänestä tuli "New Names" -nimisen kansainvälisen julkisen hyväntekeväisyyssäätiön laureaatti. Tämän olosuhteen ansiosta hän vieraili jo nuoruudessaan konserttiesityksillä yli neljäkymmentä maailman maata. Tärkeimmät henkilöt tulivat kuuntelemaan hänen virtuoosista soittoaan: Englannin kuningatar, paavi ja muut. Vuonna 1993 Denis Matsuev onnistui pääsemään Moskovan valtion konservatorioon. Samanaikaisesti hän esiintyi New Names -säätiön ohjelmissa, jotka pidettiin Denisin suojelijan Svyatoslav Belzin valvonnassa. Vuonna 1995 taiteilija hyväksyttiin solistiksi Moskovan valtion filharmonikolle. Tämä antoi Denis Leonidovichille mahdollisuuden laajentaa konserttitoimintansa laajuutta.

Yhdessä voiton kanssa Pjotr \u200b\u200bIljitš Tšaikovskin nimeltä yhdeksästoista kansainvälisessä kilpailussa muusikosta tuli maailmankuulu. Hänen elämäkerransa koristi tätä kohtalokasta tapahtumaa vuonna 1998. Denis Matsuevista on tullut yksi maailman suosituimmista pianisteista. Hänen virtuoosiesityksensä aiheuttivat suurta resonanssia maailmassa. Taiteilija alkoi kutsua arvostetuimpiin tapahtumiin. Hän esiintyi esimerkiksi Sotšin olympialaisten päättäjällä.

Vuodesta 2004 Denis Matsuev on esittänyt vuosittain henkilökohtaisen tilauksensa. Venäjän ja ulkomaalaisten parhaat sinfoniaorkesterit esiintyvät yhdessä muusikon kanssa.

Hän tekee paljon kotimaansa puolesta. Tavoittaakseen ihmisille rakkauden musiikkiin, taiteilija järjestää kaikenlaisia \u200b\u200bfestivaaleja ja kilpailuja. Lisäksi hän pyrkii johtamaan niitä Venäjän eri alueilla, jotta kaikki maan asukkaat voivat koskettaa korkeaa taidetta ja kuulla parhaiden musiikkiteosten loistavan esityksen.

Yhteenvetona voidaan tiivistää XXI-luvun pianotaidekehityksen tärkeimmät suunnat ja suuntaukset Pianon taiteellisissa ja merkityksellisissä suunnissa löytyy seuraavia kehitystä seuraavia tekijöitä: suuntaus äänen tallennuksen laatuun ja estetiikkaan, sävykonjugaation ilmentävyyden lisääntyminen, mahdollisuuksien laajeneminen agogian ja ääniäänimerkkien alalla, tempojen hidastuminen ja suorituksen keskimääräisen dynaamisen tason lasku, tekstuurin moniäänitys. Nämä tekijät edistävät esityksen syvyyden kasvua ja nykyaikaista sisältöpuolen uudistumista. Samanaikaisesti pianokonserttokokoelmaa päivitetään uusien erittäin taiteellisten teosten avaamisen vuoksi, joita ei ennen arvostettu.

Siitä huolimatta, intonaation yleistyminen ja merkityksellisyys ovat tärkeimmät suuntaukset pianon taiden kehityksessä 2000-luvulla.

Tämä esiintyvien pianistien luettelo osoittaa, että pianot tarjoavat lähes rajatonta inspiraatiota. Pianomuusikot ovat kolmen vuosisadan ajan ilahtaneet kuuntelijoita ja inspiroineet heitä omaan hyödyntämiseen musiikkimaailmassa.

Riippumatta siitä, mihin aikaan muusikko kuuluu, ei vain hänen kykynsä tehnyt hänestä loistavaa, vaan myös täydellisen hajoamisen musiikissa !!!

PSTutkittuaan asiaa koskevaa kirjallisuutta, tulimme siihen johtopäätökseen, että pianokoulujen kehitys niiden perustamishetkestä meidän aikamme johtui mestarin persoonallisuuden henkisestä monipuolisuudesta ja että pedagogiset etsinnät toimivat luovana perustana ja itse asiassa kannustimena luovuudelle. Edistykselliset muusikot-kouluttajat tukivat kaikkea, mitä he pitivät taiteessa arvokkaana; korkeat kansalaisideaalit, luovuuden lähetyssaarnaajattelu.

Suurimpien muusikoiden-esiintyjien ja opettajien ajatus on aina ollut suunnattu sellaisten opetusperiaatteiden kehittämiseen, jotka vastaavat esiintymisen tehtävien ideoita. Tämä määritteli pitkälti soittimelle omistettujen tieteellisten töiden sisällön.

Clavier-aikakauden vanhat traktaatit puhuivat musiikin säveltämisestä, improvisointitekniikasta ja soittokokonaisuuksien sovittelusta, soittimella soittimesta, sormituksesta ja pelin säännöistä. Kaikki tämä selittyy sillä, että esi-pianon aikakaudella esiintyjä oli säveltäjä, joka esitteli kuulijoita omille teoksilleen ja improvisointitaitolleen. Esittäjä-tulkin (mutta ei musiikillisen säveltäjän) ammattia noina vuosina ei ollut vielä eristetty muusikon luovan toiminnan erityismuotona. Vasta 1800-luvulla yhdessä uuden soittimen - pianon - nousun ja pianon innostumisen kanssa pian esiintyi muusikoiden, säveltäjien, esiintyjien ja opettajien asteittainen erottelu tämän soittimen opettamisessa.

Musiikkitaiteen tieteellisten töiden sisältö on myös muuttunut monin tavoin. Eri tutkimuksissa, oppikirjoissa ja opetusmenetelmiä koskevissa töissä ei enää otettu huomioon kaikkia musiikilliseen luovuuteen, esitykseen ja pedagogisuuteen liittyviä kysymyksiä. Jokaisen teoksen teema oli vain tietty musiikologian alue. Pianoalan kirjojen kirjoittajat olivat kiinnostuneita lähinnä pianistisen tekniikan hallintaa koskevista kysymyksistä, ja suurin osa metodologisista teoksista ja opetusvälineistä oli omistettu näille aiheille. Niinpä monien vuosien ajan pianonsoiton teoreettiset teokset supistuivat ongelmiin rationaalisten soitomenetelmien perustamisessa, mikä mahdollistaisi virtuoositekniikan. Vasta 19. ja 20. vuosisadan lopulla merkittävät muusikot kääntyivät esittävän taiteen taiteellisiin kysymyksiin, jotka määrittelivät tulkinnan tehtävät, ymmärtävät musiikkiteosten tyylin ja sisällön. Näihin ongelmiin liittyivät myös kysymykset pianonsoitotekniikasta. Opettajan tärkein tavoite oli muusikon koulutus, jonka esittävä taide ei ole teknisen taiton osoittamista, vaan kyky välittää taideteoksen sisin merkitys elävissä, kuvioisissa ilmaisumuodoissa.

Jokainen klassisen musiikin rakastaja voi nimetä suosikkinsä.

Alfred Brendelin sooloesitys on julkistettu 30. kesäkuuta Mariinsky-teatterin konserttisalissa. Tätä konserttia ei löytynyt pianistin virallisilta verkkosivuilta. Mutta tulevalle Moskovan konsertille, joka pidetään 14. marraskuuta, on päivämäärä. Gergiev on kuitenkin merkittävä kyvystään ratkaista ratkaisemattomia ongelmia.

LUE MYÖS:

Martha Argerich vierailee kesäkuussa tavalliseen tapaan Sveitsin kaupungissa Luganossa, missä hänen oma musiikkifestivaalinsa tapahtuu. Ohjelmat ja osallistujat vaihtuvat, yksi asia pysyy muuttumattomana: joka ilta Argerich itse osallistuu jonkin teoksen esiintymiseen. Heinäkuussa Argerich esiintyy myös Euroopassa: Kyproksessa, Saksassa ja Sveitsissä.

Marc-André Hamen esiintyi Moskovassa vasta tämän vuoden maaliskuussa osana samaa tilausta kuin Maurizio Pollini. Kesäkuussa Amlen kierteli Euroopassa. Hänen aikatauluun sisältyy kappaleita Kööpenhaminassa ja Bonnissa sekä esiintymisiä festivaalilla Norjassa.

Kesäkuussa Evgeny Kissin kiersi Sveitsissä, Itävallassa ja Saksassa Kremerata Baltika -orkesterin kanssa soittaen Mozartin 20. ja 27. konserttia. Seuraava kiertue on suunniteltu lokakuussa: Frankfurtissa, Münchenissä, Pariisissa ja Lontoossa Kissin saa aikaan Dmitri Hvorostovskyn.

Kesäkuu Arkady Volodos aloitti esityksen Pariisissa, kesällä häntä voidaan kuulla Salzburgissa, Rheingaussa, Bad Kissingenissä ja Oslossa sekä pienessä Puolan kaupungissa Dusnikissa perinteisellä Chopin-festivaalilla.

Vuonna 1999 Pogorelich lopetti esiintymisen. Sanotaan, että syynä tähän oli obstruktio, jonka tyytymättömät kuuntelijat saivat pianistin Philadelphiassa ja Lontoossa. Toisen version mukaan vaimon kuolemasta tuli muusikon masennuksen syy. Pogorelich palasi äskettäin konserttilavalle, mutta hän ei esiinny paljon.

Luettelon viimeinen sijainti on vaikeimmin täytettävä. Loppujen lopuksi jäljellä on edelleen niin paljon erinomaisia \u200b\u200bpianisteja: Puolan kotoisin oleva Christian Zimmerman, amerikkalainen Murray Peraia, japanilainen Mitsuko Ushida, korealainen Kun Wu Peck tai kiinalainen Lang Lang. Vladimir Ashkenazi ja Daniel Barenboim jatkavat uransa. Jokainen musiikin rakastaja nimeää suosikkinsä. Joten anna yhden kymmenen parhaan paikan jäädä vapaana.

Voit elää musiikin kanssa, mutta et koskaan tee omaisuuksia lahjakkuudestasi. Mutta nämä ihmiset - maailman rikkaimmat pianistit - onnistuivat murtautumaan eliittiin, ja heidän pääomansa arvioidaan olevan miljoonia dollareita. Nämä ovat oikeita tähtiä, jotka pelaavat mestarillisesti pianoa, esiintyvät näyttelyissä ja antavat grandiooseja konsertteja, kirjoittavat itse musiikkia tai laittavat koko sielun instrumenttiin.

Muusikot ja showmenit

Brittiläinen Jules Holland (koko nimi - Julian Miles Holland) yhdistää muusikon uran täydellisesti televisioteollisuudessa työskentelemiseen. Säveltäjä ja showman, hän oli vielä poika, mutta työskenteli Lontoon pubeissa ja ansaitsi omia rahaa. Lisäksi hän osoitti hyvää ääntä ja omaa laulutyyliään, joten siitä tuli nuoren esiintyjän lisäetu. Hän on julkaissut useita albumeja, tehnyt yhteistyötä Stingin ja George Harrisonin, David Gilmourin ja Eric Claptonin, Bonon ja Mark Knopflerin kanssa. Esiintyminen ympäri maailmaa on ansainnut Julesille nettovarallisuuden 2 miljoonaa dollaria.

Amerikkalainen laulaja ja pianisti Michael Feinstein järjestää yli kaksisataa esitystä vuodessa. Intohimo pianolle syntyi lapsuudessa - hänen vanhempansa lähettivät poikansa ottamaan musiikkitunteja, sitten hän huomasi voivansa soittaa ilman nuotteja silmiensä edessä. 20-vuotiaana hän, kuten Jules, viihdytti ihmisiä baareissa, ja sitten hänellä oli onni päästä grandioosiin projektiin. Hän äänitti laajan kokoelman gramofonilevyjä (Ira Gershwinin teoksia). Teos kesti 6 vuotta, samalla muusikko esiintyi Broadwaylla, myöhemmin Carnegie Hallilla, Sydneyn oopperatalolla, Valkoisella talolla ja Buckinghamin palatsilla - kaikki Michael antoi suuria konsertteja. Seurauksena on, että Feinsteinin omaisuus on 10 miljoonaa dollaria.

Lahjakkaat pianistit - "multi-station"

Rikkaimpien pianistien luettelossa on Neuvostoliiton kotoisin oleva Regina Spektor. Hän syntyi Moskovassa, musikaalisessa perheessä. Myöhemmin vanhemmat (jotka tytölle antoivat ensimmäiset oppituntinsa) muuttivat Amerikkaan. Siellä hän alkoi soittaa pianoa synagogassa. Regina opiskeli Sonya Vargasin kanssa, kirjoitti kappaleita ja valmistui myöhemmin konservatoriosta. Vuonna 2001 tytön ensimmäinen albumi julkaistiin, kolme vuotta myöhemmin hänellä oli jo sopimus Sire Recordsin kanssa. Reginan kiinnostuksen kohteet ovat erilaisia: klassisen musiikin lisäksi myös folk, punk, hip-hop, rock, jazz, venäjä ja juutalainen musiikki. Kiertoajelut ja levytykset toivat pianistille 12 miljoonaa dollaria.

Spectorin ikä, 35-vuotias Sara Barellis, aloitti koulukuoron jäsenenä ja siirtyi sitten musiikkiryhmään, joka on erikoistunut a cappella -lauluun. Opiskelijana Sarah työskenteli yökerhoissa ja baareissa, ja aloitti myöhemmin esiintymisen festivaaleilla ja suurilla tapahtumapaikoilla. Barellisin debyyttilevy ansaitsi tunnustusta, hän allekirjoitti pian sopimuksen Epic Recordsin kanssa, uransa meni ylämäkeen - ja nyt Sarah on kiertänyt ympäri Amerikkaa. Hänen tyylinsä on piano-rock jazz- ja soul-vaikutteilla, hän omistaa pianon lisäksi myös kitaran, harmonian ja ukulelen. Konsertit, duetit Sherrill Crow'n ja Norah Jonesin kanssa, esitykset Obaman perheelle, vierailijoiden esiintymiset televisio-ohjelmissa, albumit ja singlet ovat ansainneet Saaralle 16 miljoonaa dollaria.

Aasian ilmiö

Ja tässä on klassinen pianisti - yksi rikkaimmista pianisteista "hit-paraati" - Kiinan Lan Lan edustaja. Hän - listan nuorin - saavutti mainetta (ja 20 miljoonaa dollaria) melko varhain. Hänen ensimmäinen kohtaaminen länsimaiseen musiikkiin oli katkelma kulttisesta TV-sarjasta Tom ja Jerry (jossa sankarit esittävät Franz Lisztin Unkarin rapsodiaa nro 2). Hän valmistui konservatoriosta ja useiden voittojen jälkeen kilpailuissa pidettiin maan parhaana pianistina. 14-vuotiaana Lang Lang muutti Philadelphiaan ja siirtyi Curtisin musiikkiopistolle. Kolme miljoonaa sopimusta Sonyn kanssa, konsertteja maailman johtajille, kiertueita Euroopassa, Yhdysvalloissa ja Aasiassa teki hänestä yleisen suosikin ja antoi hänelle pääsyn Forbesin mukaan planeetan 100 vaikutusvaltaisimpaan ihmiseen.

Järjestäjä, improvisoija, tuottaja

Säveltäjä, esiintyjä, musiikin tuottaja, sovittaja, oman nimensä yhtyeen järjestäjä Yanni Chrysomallis syntyi Kreikassa, mutta asuu nyt Yhdysvalloissa. Hän ei päättänyt heti, että musiikki on tärkein asia hänen elämässään. Aluksi Yanni aloitti psykologian tiedekunnassa Minnesotan yliopistossa, ja jo siellä hän alkoi oppia soittamaan näppäimistöä. Ensimmäinen tunnustus tuli hänelle kiertueella 1988-1989, kun hän esiintyi Dallasin sinfoniaorkesterin kanssa. Sen jälkeen Yanni teki uskomattoman uran valtavalla määrällä konsertteja, musiikkipalkintoja, ainutlaatuisia levytyksiä. Chrysomallisin pääoma on tänään 40 miljoonaa dollaria.

La Scalan päällikkö

Legendaarisen Teatro alla Scalan, 72-vuotiaan Daniel Barenboimin, musiikillisella johtajalla on venäläiset juuret. Hänen vanhempansa muuttivat Neuvostoliitosta Argentiinaan, missä Daniel kasvoi. Lahjakas poika antoi ensimmäisen konserttinsa 7-vuotiaana (hänen isänsä ja äitinsä olivat pianisteja, he opettivat pojalleen). Muusikon luova polku on hämmästyttävä: hän ohjasi Chicagon sinfoniaorkesteria, Pariisin orkesteria, Berliinin valtionoopperaa, hän on Britannian valtakunnan ritarikunnan komentaja, kunnia legioonan ritarikunnan komentaja, ja hänelle myönnettiin Grammy seitsemän kertaa. Pianistin omaisuuden arvioidaan olevan 50 miljoonaa dollaria.

Palkittu elokuvan säveltäjä

Kuuluisin ja otsikoitu elokuva säveltäjä John Williams on myös yksi rikkaimmista pianisteista maailmassa. 100 miljoonaa pääomaa, viisi akatemiapalkintoa (ja 49 nimitystä), 21 grammaa, 4 kultaista maapalloa ja monia muita palkintoja - tämä on erittäin merkittävää! Williams kirjoitti musiikkia kaikille Steven Spielbergin elokuville ja George Lucasin mestariteoksille, mukaan lukien Tähtien sota ja Indiana Jones -sarja. John aloitti jazz-pianistina esiintyen New Yorkin klubeissa. Hän aloitti musiikin kirjoittamisen elokuville 1960-luvulla, siitä lähtien hän on saanut kaikkien aikojen kuuluisimman elokuvasäveltäjän tittelin.

Musiikkilegendat

Billy Joel käyttää perustellusti rikkaimpien pianistien joukon toisen rivin. Sen "nettovarallisuus" on 160 miljoonaa dollaria. Muusikko, laulaja, lauluntekijä William Martin Joel kasvoi musikaalisessa perheessä: hänen isänsä oli klassinen pianisti, hänestä tuli opettaja pojalleen. Billy työskenteli osa-aikaisesti pianoa soittaessaan koulussa vielä auttaakseen äitiään rahalla. Myöhemmin hän tuli Columbian yliopistoon. Ensimmäinen soololevy "Cold Spring Harbor" oli täydellinen katastrofi, mutta joitain kappaleita soitettiin radiossa, ja Joel pystyi allekirjoittamaan sopimuksen Columbia Recordsin kanssa, jonka jälkeen asiat sujuivat sujuvasti.

Luottoluokituksen johtaja on uskomattoman rikas - 440 miljoonaa dollaria. Hän kiinnostui pianosta kolme-vuotiaana ja opiskeli seitsemän vuoden ikäisenä. Pian poika onnistui voittamaan stipendin kuninkaallisessa musiikkiakatemiassa, opiskeluaikanaan hän esiintyi läheisessä pubissa. Ihmiset kaikilta ympäröiviltä kaduilta parvivat tänne kuuntelemaan poikaa. Nuoresta pianistista tuli rocktähti, hän sai faneja, valloitti tuhansia vaiheita, lauloi dueton kaikkien aikojen parhaimpien laulajien kanssa, nauhoitti albumeja ja voitti useita palkintoja. Et ole vielä arvannut kuka se on? Maailman rikkain (ja lahjakkain) pianisti Elton John.

Erikoistunut musiikkiteosten pianonsoittoon.

Mielenkiintoinen tosiasia on, että pianistin ammatin kannalta on erityisen tärkeää aloittaa musiikin tekeminen hyvin varhaisessa iässä, noin 3–4-vuotiaana. Sitten muodostuu "leveä" kämmenmuoto, joka auttaa tulevaisuudessa taitavasti pelaamaan.

Pianomusiikin kehityskaudesta riippuen pianisteille esitettiin toisinaan täysin vastakkaisia \u200b\u200bvaatimuksia. Lisäksi muusikon ammatti väistämättä kattaa. Useimmat pianistit säveltävät pianoteoksia itse. Ja vain harvinaiset virtuoosit pystyivät kuuluisuuteen esittämällä yksinomaan muiden ihmisten melodioita.

Joka tapauksessa, kuten minkä tahansa muusikon, pianistille on tärkeää olla vilpitön ja tunnepitoinen, jotta hän voi liueta esittämäänsä musiikkiin. Kuuluisen musiikkikritiikin Harold Schonbergin mukaan se ei ole vain instrumentti, se on elämäntapa, mikä tarkoittaa, että pianistin elämän tarkoitus ei ole pelkästään musiikki, vaan myös musiikki pianon vuoksi.

Mozart, Liszt ja Rachmaninoff - pianon taiteen klassikoita

Pianomusiikin historia on melko mielenkiintoinen. Siinä erotetaan useita vaiheita, joilla jokaisella on omat perinteensä. Usein aikakauden kaanonit asetti yksi (harvemmin useita), joka hallitsi mestarillisesti soittamalla instrumentin (aluksi se oli klavessini ja vasta myöhemmin piano).

Siksi, erottelemalla kolme aikakautta pianismin historiassa, ne on nimetty kuuluisimpien säveltäjien - Mozartin, Lisztin ja Rachmaninoffin - mukaan. Historialaisten perinteisen terminologian käyttämiseksi nämä olivat klassismin, sitten romanismin ja varhaisen modernismin aikakautta.

Kuuluisat pianistit 18-19-luvulta

Kummassakin näistä ajanjaksoista työskentelivät myös muut pianistit, joista monet olivat myös säveltäjiä ja jättivät pysyvän jäljen pianonmusiikin historiaan. Nämä ovat kaksi kolmesta "Wienin klassikosta" Schubert ja Beethoven, saksalaiset Brahms ja Schumann, Pole Chopin ja ranskalainen Charles Valentin Alcan.

Johannes Brahms

Tänä aikana pianisteilta vaadittiin ensisijaisesti kykyä improvisoida. Pianistin ammatti liittyi läheisesti säveltämiseen. Ja jopa suorittaessaan muiden ihmisten teoksia, hänen omaa tulkintaansa, vapaata tulkintaa, pidettiin oikeana. Nykyään tällaista esitystä pidetään mautonta, väärin, jopa kyvyttömäksi.

Kuuluisat 1900- ja 2000-luvun pianistit

1900-luku - pianon taiteen kukoistuspäivä. Tämä aika on epätavallisen rikas poikkeuksellisen lahjakkaiden ja erinomaisten pianistien joukossa.

1900-luvun alussa Hoffmann ja Korto, Schnabel ja Paderewski tulivat kuuluisiksi. Ja luonnollisesti Hopeajan nero Rachmaninov merkitsi uutta aikakautta paitsi pianomusiikissa, myös yleisesti maailman kulttuurissa.

1900-luvun jälkipuoliskolla on aikakausi sellaisille kuuluisille pianisteille kuin Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff ...

Svjatoslav Richter

Tällaiset erinomaiset pianistit, kuten amerikkalainen Van Cliburn, josta tuli vuonna 1958 ensimmäinen kansainvälisen Tchaikovsky-kilpailun palkinnon saaja, jatkavat musiikillista luovuuttaan 2000-luvun alussa. On syytä mainita muusikko, joka voitti ensi vuonna saman kilpailun - suosituin poppianisti Vladimir Ashkenazi.

Kuuluisin pianisti ei ole Mozart

Jos kysyt, kuka on historian tunnetuin pianisti, suurin osa ihmisistä todennäköisesti vastaa - Mozart. Wolfgang Amadeus hallitsi soitinta täydellisesti ja oli myös lahjakas säveltäjä.

On tunnettua, että suuren pianistin ainutlaatuinen muisti, uskomaton improvisointikyky ja kyky kehittyivät vain pienen neroksen isän ansiosta. Päivittäisen toiminnan seurauksena, että kaappiin lukitaan uhka, jo 4-vuotias lapsi teki helposti melko monimutkaisia \u200b\u200bteoksia yllättäen toiset. Vähemmän kuuluisa on Salieri, jolla ei ole nero kipinää, Mozartin iankaikkista vastustajaa, jota hänen jälkeläisensä syyttivät perusteettomasti harkitustaan \u200b\u200bmurhasta.

Muuten, muusikosta tulee säveltäjä ja saavuttaa siten kuuluisuuden. Siksi ei pidä yllättyä siitä, että käytännöllisesti katsoen mistä tahansa nero muusikosta tulee yhtä kuuluisa lauluntekijä. Hyvin harvoin kukaan onnistuu saavuttamaan mainetta vain esiintyjänä.

Kotimaiset pianistit

Musiikin historiassa on monia esimerkkejä siitä, kuinka kuuluisa pianisti tuli suosituksi hänen luomuksensa uskomaton menestys. On hienoa tietää, että monet tällaiset geenit syntyivät Venäjällä. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Shostakovich ovat vain pieni osa suurten venäläisten muusikoiden galaksista. Nykyaikaisten kuuluisien esiintyjien joukossa voidaan erityisesti mainita Denis Matsuev - Venäjän musiikkikoulun perinteiden arvoinen seuraaja.

Jokainen Neuvostoliitossa syntynyt luultavasti muistaa menestyksen, jonka kuuluisa ja virtuoosi esiintyjä Van Cliburn saavutti kylmän sodan aikana. Ensimmäisen kansainvälisen Tšaikovsky-kilpailun voittaja, nuori amerikkalainen pianisti ei pelännyt tulla maahan, joka oli suljettu länsimaiselle yhteiskunnalle. Hänen ensimmäisestä Tchaikovsky-pianokonsertostaan \u200b\u200btuli ensimmäinen klassinen muusikko.

Muuten, pianismin historiassa on kolme aikakautta, jotka on nimetty suurien pianistien mukaan: Mozart, Liszt ja Rachmaninoff. Mozartin aikakausi on klassismi, Lisztin aikakaudelle on ominaista hienostunut romantiikka, ja Rachmaninoffin aikakaudesta tuli vastaavasti modernismin alku. Ei pidä unohtaa, että sellaiset suuret pianistit kuin Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, Chopin työskentelivät samanaikaisesti näiden kuuluisten muusikoiden kanssa.

Nykyaikaiset pianistit

Jotkut ihmiset uskovat, että pianismin kukoistus on jo saatu päätökseen, ja nykyajan esiintyjillä ja säveltäjillä ei ole käytännössä mitään esittelyä pilaantuneen yleisön tuomioistuimelle. Loistava Svjatoslav Richter työskenteli kuitenkin viime vuosisadan lopulla. Yleensä asiantuntijat pitävät 1900-luvua pianonaiheen kukoistuksena. Vuosisadan alussa leimasi sellaisia \u200b\u200bupeita pianisteja kuin Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Karto ja tietysti Rachmaninoff. 1900-luvun jälkipuoliskolla, esimerkiksi Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein, kuultiin.

Pianovirtuooset Vladimir Ashkenazi ja Denis Matsuev ilahduttavat faneja tänään kyvyllään. On epätodennäköistä, että tulevaisuuden 2000-luku on heikko musiikkitaitojen suhteen.