Japanilainen klassinen maalaus: kuuluisimmat nimet. Hokusai - japanin maailma

Japanilainen maalaus on ehdottoman ainutlaatuinen suuntaus maailman taiteessa. Se on ollut olemassa muinaisista ajoista lähtien, mutta perinteenä se ei ole menettänyt suosiotaan ja kykyä yllättää.

Huomio perinteisiin

Itä ei koske vain maisemaa, vuoria ja nousevaa aurinkoa. He ovat myös ihmisiä, jotka loivat sen historian. Juuri nämä ihmiset ylläpitävät japanilaisen maalauksen perinteitä vuosisatojen ajan kehittäen ja kasvattaen taidettaan. Ne, jotka ovat antaneet merkittävän panoksen japanilaisten taiteilijoiden historiaan. Heidän ansiostaan \u200b\u200bmodernit ovat säilyttäneet kaikki perinteisen japanilaisen maalauksen kaanonit.

Maalaustapa

Toisin kuin Euroopassa, japanilaiset taiteilijat mieluummin maalasivat lähempänä grafiikkaa kuin maalausta. Tällaisissa maalauksissa ei löydy öljymättömiä, huolimattomia öljyiskuvia, jotka ovat impressionistien niin ominaisia. Mikä on tällaisen taiteen, kuten japanilaisten puiden, kivien, eläinten ja lintujen, graafinen luonne - kaikki näissä maalauksissa on piirretty mahdollisimman selkeästi, lujilla ja varmoilla musteviivoilla. Kaikilla koostumuksen esineillä on oltava ääriviivat. Polun täyttö tehdään yleensä akvarellilla. Väri pestään pois, muita sävyjä lisätään ja paperin väri jätetään jonnekin. Koristeellisuus erottaa juuri japanilaiset maalaukset koko maailman taiteesta.

Kontrasti maalauksessa

Kontrasti on toinen japanilaisten taiteilijoiden käyttämä tekniikka. Se voi olla ero sävyssä, värissä tai kontrastissa lämpimien ja kylmien sävyjen välillä.

Taiteilija turvautuu tekniikkaan, kun hän haluaa korostaa jotakin aiheen osaa. Se voi olla kasvilaskimo, erillinen terälehti tai puunrunko taivasta vasten. Sitten kuvataan kohteen vaalea, valaistu osa ja sen alla oleva varjo (tai päinvastoin).

Siirtymät ja värimaailmat

Japanilaisia \u200b\u200bmaalauksia maalattaessa käytetään usein siirtymiä. Ne ovat erilaisia: esimerkiksi väristä toiseen. Vesililjojen, pionien terälehdissä voit huomata siirtymisen vaaleasta sävystä rikkaaseen, kirkkaaseen väriin.

Myös siirtymiä käytetään vedenpinnan, taivaan kuvassa. Sileä siirtyminen auringonlaskusta pimeään, syventävä hämärä näyttää erittäin kauniilta. Pilvien piirtämisessä he käyttävät myös siirtymiä eri sävyistä ja refleksejä.

Japanilaisen maalauksen päämotiivit

Taiteessa kaikki on yhteydessä tosielämään, siihen osallistuvien tunteisiin ja tunteisiin. Kuten kirjallisuuden, musiikin ja muun luovuuden muodoissa, maalauksessa on useita iankaikkisia teemoja. Nämä ovat historiallisia aiheita, ihmisten ja luonnon kuvia.

Japanilaiset maisemat ovat monimuotoisia. Usein maalauksissa on kuvia lampista - suosikki japanilaisten huonekalujen pala. Koristelammikko, useita vesililjoja ja bambu lähellä - näin näyttää yhteinen kuva 17-18-luvulta.

Eläimet japanilaisessa maalauksessa

Eläimet ovat myös toistuva elementti Aasian maalauksessa. Perinteisesti se on hiipivä tiikeri tai kotikissa. Aasialaiset ovat yleensä erittäin kiinni, ja siksi heidän edustajiaan esiintyy kaikissa itämaisen taiteen muodoissa.

Eläimistö on toinen teema, jota japanilainen maalaus seuraa. Linnut - nosturit, koristeelliset papukaijat, ylelliset riikinkukot, pääskyset, näkymättömät varpunen ja jopa kukot - kaikki ne löytyvät itämaisten mestareiden piirustuksista.

Kala on yhtä tärkeä aihe japanilaisiin taiteilijoihin. Koi-karpit ovat japanilaisen version kultakalasta. Nämä olennot asuvat Aasiassa kaikissa lampissa, jopa pienissä puistoissa ja puutarhoissa. Koi-karppi on eräänlainen Japaniin kuuluva perinne. Nämä kalat symboloivat taistelua, päättäväisyyttä ja tavoitteensa saavuttamista. Ei ihme, että niitä kuvataan kelluvina virtauksen kanssa, aina koristeellisilla aaltokuoreilla.

Japanilaiset maalaukset: kuvaavat ihmisiä

Japanilaisen maalauksen ihmiset ovat erityinen aihe. Taiteilijat kuvaavat geishaa, keisaria, sotureita ja vanhimpia.

Geishamaalataan kukien ympäröimällä, aina hienostuneissa kaapuissa, joissa on useita taitteita ja elementtejä.

Sageja kuvataan istuvina tai selittämässä jotain opetuslapsilleen. Vanhan tiedemiehen kuva on Aasian historian, kulttuurin ja filosofian symboli.

Soturia kuvailtiin valtavana, joskus pelottavana. Pitkät olivat yksityiskohtaisia \u200b\u200bja viiramaisia.

Yleensä kaikki panssarin yksityiskohdat puhdistetaan musteella. Usein alastomia sotureita koristavat itämaista lohikäärmettä kuvaavat tatuoinnit. Se on Japanin voiman ja armeijan voiman symboli.

Hallitsijoita kuvattiin keisarillisille perheille. Kauniit kylpytakit ja koristeet miesten hiuksissa ovat mitä tällaisissa taideteoksissa on runsaasti.

Maisemat

Japanin perinteinen maisema on vuoria. Aasialaiset maalarit ovat onnistuneet kuvaamaan erilaisia \u200b\u200bmaisemia: ne voivat kuvata saman piikin eri väreissä, erilaisessa ilmapiirissä. Ainoa asia, joka pysyy muuttumattomana, on kukien pakollinen läsnäolo. Yleensä taiteilija kuvaa vuorten ohella etualalla kasvin ja piirtää sen yksityiskohtaisesti. Vuoret ja kirsikankukit näyttävät kauniilta. Ja jos he maalaavat putovat terälehdet, kuva herättää surullista kauneutta. Maalauksen ilmapiirin kontrasti on japanilaisen kulttuurin toinen merkittävä ominaisuus.

hieroglyfit

Japanin maalauksessa kuvan koostumus yhdistetään usein kirjoittamiseen. Hieroglifit on sijoitettu niin, että ne näyttävät kauniilta koostumukseltaan. Yleensä ne on maalattu kuvan vasemmalle tai oikealle. Hieroglifit voivat merkitä kuvassa näkyvää, sen nimeä tai taiteilijan nimeä.

Japani on yksi historian ja kulttuurin rikkaimmista maista. Kaikkialla maailmassa on tapana pitää japanilaisia \u200b\u200bpedantisina ihmisinä, jotka löytävät estetiikan ehdottomasti kaikilla elämän osa-alueilla. Siksi japanilaisten maalauksien väri ja sävy ovat aina erittäin harmoniset: jos joissakin kirkkaissa väreissä on laikkuja, niin vain semanttisissa keskuksissa. Aasialaisten taiteilijoiden maalauksien esimerkissä voidaan tutkia väriteoriaa, muodon oikeaa siirtymistä grafiikan avulla, sävellystä. Japanilaisten maalausten suorittamistekniikka on niin korkea, että se voi toimia esimerkkinä työskentelystä vesivärien kanssa ja graafisten töiden "pesemisen" suorittamiseksi.

Hänellä on erittäin rikas historia; Sen perinteet ovat laajat, ja Japanin ainutlaatuinen asema maailmassa vaikuttaa merkittävästi japanilaisten taiteilijoiden hallitseviin tyyleihin ja tekniikoihin. Tunnettu tosiasia, että Japani on ollut eristyksissä vuosisatojen ajan, johtuu paitsi maantieteestä, myös myös Japanin hallitsevasta kulttuurista taipumuksesta eristää, joka on merkinnyt maan historiaa. Sen vuosisatojen ajan, jota voimme kutsua "japanilaiseksi sivilisaatioksi", kulttuuri ja taide ovat kehittyneet erillään muusta maailmasta. Ja tämä on havaittavissa jopa japanilaisen maalauksen käytännössä. Esimerkiksi Nihonga-maalaukset ovat eräitä japanilaisen maalauskäytännön pääteoksia. Se perustuu yli tuhannen vuoden perinteeseen, ja maalaukset luodaan yleensä harjalla sinun (japanilainen paperi) tai eginu (silkki) harjalla.

Japanilaiseen taiteeseen ja maalaamiseen vaikuttivat kuitenkin ulkomaiset taiteelliset käytännöt. Aluksi se oli kiinalaista taidetta 1600-luvulla ja kiinalaista maalausta ja kiinalaista taidetta, joka oli erityisen vaikutusvaltainen monessa suhteessa. Japanilaiseen maalaukseen vaikuttivat 1700-luvulta lähtien myös länsimaiset perinteet. Erityisesti sotaa edeltävänä ajanjaksona, joka kesti 1868 - 1945, japanilaiseen maalaukseen vaikuttivat impressionismi ja eurooppalainen romantiikka. Samaan aikaan japanilainen taidetekniikka vaikutti merkittävästi myös uusiin eurooppalaisiin taiteen liikkeisiin. Taidehistoriassa tätä vaikutusta kutsutaan japanilaiseksi, ja se on erityisen merkittävä impresionistien, kubistien ja modernismiin liittyvien taiteilijoiden kannalta.

Japanilaisen maalauksen pitkä historia voidaan nähdä synteesinä useista perinteistä, jotka luovat paloja vakiintuneesta japanilaisesta estetiikasta. Ensinnäkin buddhalainen taide ja maalaustekniikat sekä uskonnollinen maalaus ovat jättäneet merkittävän jäljen japanilaisten maalauksien estetiikkaan; Maisemien vesimustemaalaus kiinalaisen kirjallisuuden maalauksen perinteissä on toinen tärkeä tekijä, joka tunnustetaan monissa kuuluisissa japanilaisten maalauksien yhteydessä; Eläinten ja kasvien, etenkin lintujen ja kukien maalaaminen liittyy tavallisesti japanilaisiin sävellyksiin, samoin kuin maisemat ja kohtaukset arkielämästä. Lopuksi, muinaisilla kauneudenesityksillä muinaisen Japanin filosofiasta ja kulttuurista oli suuri vaikutus japanilaiseen maalaukseen. Wabi, joka tarkoittaa lyhytaikaista ja ankaraa kauneutta, sabi (luonnollisen patinan ja ikääntymisen kauneus) ja yugen (syvä armo ja hienous) vaikuttavat edelleen ihanteisiin japanilaisen maalauksen käytännössä.

Viimeinkin, jos keskitymme valikoimaan kymmenestä tunnetuimmasta japanilaisesta mestariteoksesta, meidän on mainittava ukiyo-e, joka on yksi Japanin suosituimmista taiteen genreistä, vaikka se kuuluukin grafiikan valmistukseen. Se hallitsi japanilaista taidetta 17–1900-luvulla. Tähän tyylilajiin kuuluvat taiteilijat loivat puuleikkauksia ja maalauksia aiheista, kuten kauniista tytöistä, kabuki-näyttelijöistä ja sumomaadistajista, samoin kuin kohtauksista historiasta ja kansankertomuksista, matkakohtauksista ja maisemista. kasvisto ja eläimistö ja jopa eroottinen.

Aina on vaikea laatia luetteloa parhaista maalauksista taiteellisista perinteistä. Monet uskomattomat kappaleet jätetään pois; tässä luettelossa on kuitenkin kymmenen tunnetuimpaa japanilaista maalausta maailmassa. Tässä artikkelissa esitellään vain maalauksia, jotka on luotu 1800-luvulta nykypäivään.

Japanilaisella maalauksella on erittäin rikas historia. Japanilaiset taiteilijat ovat vuosisatojen ajan kehittäneet suuren määrän ainutlaatuisia tekniikoita ja tyylejä, jotka ovat Japanin arvokkain panos taiteeseen. Yksi näistä tekniikoista on sumi-e. Sumi-e tarkoittaa kirjaimellisesti ”musteen piirtämistä”, joka yhdistää kalligrafian ja musteen maalauksen harvinaisen kauneuden luomiseksi harjattuihin koostumuksiin. Tämä kauneus on paradoksaalinen - muinainen mutta moderni, yksinkertainen mutta monimutkainen, rohkea, mutta alisteinen, mikä epäilemättä heijastaa taiteen henkistä perustaa zen-buddhalaisuudessa. Buddhalaiset papit toivat Kiinan kansantasavallasta kiinteän mustelohkon ja bambuharjan Japaniin kuudennella vuosisadalla, ja viimeisen 14 vuosisadan aikana Japani on kehittänyt rikkaan mustemaalauksen perinnön.

Vieritä alas ja katso 10 japanilaisen maalauksen mestariteosta

1. Katsushika Hokusai "Kalastajan vaimon unelma"

Yksi tunnetuimmista japanilaisista maalauksista on Kalastajan vaimon unelma. Sen maalasi vuonna 1814 kuuluisa taiteilija Hokusai. Tätä tarkkaan määriteltynä Hokusai-hämmästyttävää teosta ei voida pitää maalauksena, koska se on Kinoe no Komatsun ukiyo-e-genren puunleikkaus, joka on kolmen volyymin shunga-kirja. Yhdistelmä kuvaa nuorta sukeltajaa, ama, sukupuolisesti kietoutunutta mustekala-pariin. Tämä kuva oli erittäin vaikutusvaltainen 19. ja 20. vuosisadalla. Teos vaikutti myöhemmin taiteilijoihin, kuten Félicien Rops, Auguste Rodin, Luis Okok, Fernand Knopf ja Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro kirjoittaa nostalgisen runon kuun katselun aikana"

Tessai Tomioka on tunnetun japanilaisen taiteilijan ja kalligraafin salanimi. Häntä pidetään Bunjing-perinteiden viimeisenä suurena maalarena ja yhtenä ensimmäisistä suurimmista Nihong-tyylin maalareista. Bunjing oli japanilaisen maalauksen koulu, joka kukoisti myöhäisellä Edo -kaudella taiteilijoiden keskuudessa, jotka pitivät itseään kirjallisina tai älyllisinä. Jokainen näistä taiteilijoista, Tessaya mukaan lukien, kehitti oman tyylinsä ja tekniikkansa, mutta he olivat kaikki suuria kiinalaisen taiteen ja kulttuurin faneja.

3. Fujishima Takeji "auringonnousu itämeren yli"

Fujishima Takeji oli japanilainen maalari, joka oli tunnettu työstään romantiikan ja impressionismin kehittämisessä jooga (länsimainen) taidesuuntauksessa 19. vuosisadan lopulla ja 20. vuosisadan alkupuolella. Vuonna 1905 hän matkusti Ranskaan, missä hän vaikutti tuolloin ranskalaisten liikkeiden, etenkin impressionismin, kuten voidaan nähdä hänen 1932-teoksessaan Auringonnousu itämeren yli.

4. Kitagawa Utamaro "Kymmenen tyyppisiä naispuolisia kasvoja, hallitsevien kauneuskokoelma"

Kitagawa Utamaro oli merkittävä japanilainen maalari, joka syntyi vuonna 1753 ja kuoli vuonna 1806. Hän on ylivoimaisesti tunnetuin sarjastaan \u200b\u200bnimeltään Ten Type of Female Faces. Kokoelma hallitsevaa kauneutta, klassisen runouden suuren rakkauden aiheita (kutsutaan joskus "Rakastuneet naiset", sisältävät erilliset kaiverrukset "Naked Love" ja "Brooding Love"). Hän on yksi merkittävimmistä taiteilijoista, jotka kuuluvat ukiyo-e-puupiirrokseen.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Kawanabe Kyosai oli yksi Edo-ajan kuuluisimmista japanilaisista maalareista. Hänen taiteeseensa vaikutti Tohaku, 1500-luvun Kano-koulujen taiteilija, joka oli ainoa aikansa taiteilija, joka maalasi näytöt kokonaan musteella herkkään kultajauheen taustalle. Vaikka Kyosai tunnetaan sarjakuvapiirtäjänä, hän maalasi joitain 1800-luvun japanilaisen taiteen historian tunnetuimmista maalauksista. Tiikeri on yksi niistä maalauksista, joita Kyosai käytti vesivärien ja musteen luomiseen.

6. Hiroshi Yoshida "Fuji Kawaguchin järven puolelta"

Hiroshi Yoshida tunnetaan yhtenä suurimpana shin-hanga-tyylin figuureina (shin-hanga on taiteen liike Japanissa 1900-luvun alkupuolella Taisho- ja Shёwa-aikoina, joka elvytti perinteistä ukiyo-e-taidetta, joka juurtui Edo- ja Meiji-aikoihin. (XVII - XIX vuosisadat)). Hän opiskeli länsimaisen öljymaalauksen perinnettä, joka lainattiin Japanista Meiji-aikana.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami on luultavasti aikamme suosituin japanilainen taiteilija. Hänen töitään myydään tähtitieteellisillä hinnoilla suurilla huutokaupoilla, ja hänen teoksensa inspiroi jo uusia taiteilijoiden sukupolvia paitsi Japanissa, myös ulkomailla. Murakami-taide kattaa monenlaiset mediat, ja sitä kuvataan yleisesti erittäin litteäksi. Hänen teoksensa tunnetaan värien käytöstä, ja se sisältää japanilaisen perinteisen ja suositun kulttuurin aiheita. Hänen maalauksiensa sisältöä kuvataan usein nimellä “söpö”, “psykedeelinen” tai “satiirinen”.

8. Yayoi Kusama "Kurpitsa"

Yaoi Kusama on myös yksi tunnetuimmista japanilaisista naistaiteilijoista. Hän luo erilaisia \u200b\u200bmedioita, mukaan lukien maalaus, kollaasi, kuvanveisto, performanssi, ympäristötaide ja installaatio, joista suurin osa osoittaa hänen aihekohtaista kiinnostustaan \u200b\u200bpsykedeelisissä väreissä, toistoissa ja kuvioissa. Yksi tämän suuren taiteilijan kuuluisimmista sarjoista on Pumpkin-sarja. Verkon taustaa vasten esitetään tavallinen kurpitsa, joka on peitetty korppipisteillä ja kirkkaan keltaisella värillä. Yhdessä kaikki tällaiset elementit muodostavat visuaalisen kielen, joka vastaa erehtymättä taiteilijan tyyliä, ja jota on kehitetty ja hienostunut vuosikymmenien ajan huolellisen tuotannon ja jäljentämisen aikana.

9. Temmyoya Hisashi "japanilainen henki nro 14"

Temmyoya Hisashi on nykyaikainen japanilainen taiteilija, joka tunnetaan uusnihonga-maalauksistaan. Hän oli mukana japanilaisen maalauksen vanhan perinteen elvyttämisessä, mikä on täysin vastakohta nykyaikaiselle japanilaiselle maalaukselle. Vuonna 2000 hän loi myös uuden tyylin, butouha, joka osoittaa maalauksillaan vankasta asennetta arvovaltaiseen taidejärjestelmään. Japanilainen henki nro 14 luotiin osana BASARA -taiteohjelmaa, jota tulkitaan japanilaisessa kulttuurissa alemman aristokratian kapinallisena käyttäytymisenä sotivien valtioiden aikana, jotta voima riistetään mahdollisuudesta saavuttaa ihanteellinen elämäntapa pukeutumalla reheviin ja ylellisiin vaatteisiin ja toimimalla vapaudessa. tahtoa, joka ei vastannut heidän sosiaalista luokkaansa.

10. Katsushika Hokusai "Suuri aalto Kanagawan rannalla"

Viimeinkin Kanagawan vieressä oleva suuri aalto on todennäköisesti kaikkien aikojen tunnetuin japanilainen maalaus. Se on itse asiassa tunnetuin teos, joka on luotu Japanissa. Se kuvaa valtavia aaltoja, jotka uhkaavat veneitä Kanagawan prefektuurin rannikolla. Vaikka aalto kuitenkin joskus erehtyy tsunamiin, aalto, kuten nimestä voi päätellä, on todennäköisesti vain epänormaalin korkea. Maalaus on tehty ukiyo-e-perinteiden mukaisesti.

Rakastatko japanilaista maalausta? Kuinka paljon tiedät tunnetuista japanilaisista taiteilijoista? Katsotaanpa tässä artikkelissa kuuluisimpia japanilaisia \u200b\u200btaiteilijoita, jotka ovat luoneet teoksensa ukiyo-e (стиле 絵) -tyyliin. Tämä maalaustyyli on kehittynyt Edon ajan. Hieroglifit, joiden kanssa tämä tyyli on kirjoitettu means means tarkoittaa kirjaimellisesti "kuvia (kuvia) muuttuvasta maailmasta", voit lukea lisää tästä maalauksen suunnasta

Hisikawa Moronobu (菱 川 師 宣, 1618-1694). Häntä pidetään ukiyo-e-genren perustajana, vaikka itse asiassa hän on vain ensimmäinen mestari, jonka elämäntiedot ovat säilyneet. Moronobu syntyi kankaiden värjäyksen ja kulta- ja hopealangoilla kirjonnan päällikön perheessä ja on harjoittanut jo pitkään perheen käsityötä, joten hänen työnsä erottuva piirre on kauneiden kauniisti sisustetut vaatteet, jotka antavat upean taiteellisen vaikutelman.

Muutettuaan Edoon, hän opiskeli ensin maalaustekniikoita yksin ja sitten taiteilija Kambun jatkoi opintojaan.

Suurin osa Moronobu-albumeista on tullut meille, joissa hän kuvaa historiallisia ja kirjallisia juoni- ja kirjoja kimono-näytekuvioilla. Mestari työskenteli myös shunga-genreissä, ja yksittäisistä teoksista useita on säilynyt kauniiden naisten kuvassa.

(鳥 居 清 長, 1752-1815). Mestari Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) tunnustettiin 1800-luvun lopulla salanimellä Torii Kiyonaga, jonka hän otti perimään Ukiyo-e Torii -koulun Torii Kiyomitsulta viimeksi mainitun kuoleman jälkeen.

Kiyonaga syntyi kirjakaupan Shirakoya Ishibei perheessä. Bidzing-tyyli toi hänelle suurimman maineen, vaikka hän aloitti yakusha-e: llä. Bidzing-genren kaiverrusten aiheet otettiin arkielämästä: kävelyretket, juhlalliset kulkueet, luontoon lähteminen. Taiteilijan monien töiden joukosta erottuu sarja "Iloisten neljänneksien muodikkaiden kauneuskilpailujen kilpailut", jotka kuvaavat Minamia, joka on yksi Ebon eteläosassa sijaitsevista "iloisista neljänneksistä", "12 muotokuva eteläistä kauneutta", "10 erilaista teekauppaa". Mestarin erottuva piirre oli yksityiskohtainen tutkimus taustakuvasta ja lännestä tulevien tekniikoiden käytöstä valon ja avaruuden kuvaamiseksi.

Kiyonaga saavutti alkuperäisen maineensa palaamalla vuonna 1782 sarjaan "Muotimallit: Uudet mallit kuin kevään lehdet", jonka Koryusai aloitti 1770-luvulla julkaisijalle Nishimurai Yohachi.

(喜 多 川 歌 麿, 1753 - 1806). Torii Kiyonaga ja kustantaja Tsutaya Juzaburo vaikuttivat merkittävään ukiyo-e-mestariin. Viimeksi mainitun kanssa tehdyn pitkäaikaisen yhteistyön tuloksena julkaistiin monia albumeita, piirroskuvia sisältäviä kirjoja ja painosarjoja.

Huolimatta siitä, että Utamaro otti juoni tavallisten käsityöläisten elämästä ja yritti kuvata luontoa ("Hyönteisten kirja"), kuuluisuus tuli hänelle Yoshiwaran vuosineljänneksen geishalle omistettujen teosten taiteilijana ("Yoshiwaran vihreiden talojen vuosikirja").

Utamaro on saavuttanut korkean tason ilmaisemalla mielentilat paperilla. Ensimmäistä kertaa japanilaisessa puupiirrossa hän aloitti rintakuvakoostumusten käytön.

Se oli Utamaron teos, joka vaikutti ranskalaisten impressionistien toimintaan ja edisti eurooppalaista kiinnostusta japanilaisten painatusten suhteen.

(葛 飾 北 斎, 1760-1849). Hokusain oikea nimi on Tokitaro. Todennäköisesti tunnetuin ukiyo-e-mestari ympäri maailmaa. Koko työssään hän käytti yli kolmekymmentä salanimeä. Historioitsijat käyttävät usein salanimiä jaksoittaakseen hänen työtään.

Aluksi Hokusai työskenteli veistäjänä, jonka työ rajoitettiin taiteilijan aikomukseen. Tämä tosiasia painoi Hokusai, ja hän alkoi etsiä itsensä itsenäiseksi taiteilijaksi.

Vuonna 1778 hänestä tuli oppilaana Katsukawa Shunshin studiossa, joka on erikoistunut yakusha-e-tulosteisiin. Hokusai oli sekä lahjakas että erittäin ahkera opiskelija, joka osoitti aina kunnioitusta opettajalle ja nautti sen vuoksi Shunshon erityisestä suosimisesta. Siksi Hokusai'n ensimmäiset itsenäiset teokset olivat yakusha-e-genressä diptyykien ja triptyykien muodossa, ja opiskelijan suosio oli yhtä suuri kuin opettajan suosio. Tuolloin nuori mestari oli jo kehittänyt lahjakkuuttaan niin paljon, että hän tunsi olevansa ahdas yhden koulun puitteissa, ja opettajan kuoleman jälkeen Hokusai lähti studiosta ja opiskeli muiden koulujen suuntaa: Kano, Sotatsu (muuten - Koetsu), Rimpa, Tosa.

Tänä aikana taiteilijalla on merkittäviä taloudellisia vaikeuksia. Mutta samaan aikaan hänestä muodostetaan mestari, joka kieltäytyy yhteiskunnan vaatimasta tutusta kuvasta ja etsii omaa tyyliään.

Vuonna 1795 julkaistiin runollisen antologian "Kaka Edo Murasaki" kuvituksia. Sitten Hokusai maalasi surimonon maalauksia, jotka alkoivat heti nauttia suosiosta, ja monet taiteilijat alkoivat jäljitellä niitä.

Tästä ajanjaksosta Tokitaro alkoi allekirjoittaa teoksiaan Hokusai-nimellä, vaikka jotkut hänen teoksistaan \u200b\u200bjulkaistiin salanimillä Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

Vuonna 1800 mestari alkoi kutsua itseään Gakejin Hokusaiksi, mikä tarkoittaa "Crazy Hokusai -maalausta".

Merkittävään kuvasarjaan sisältyy 36 näkymää Fuji-vuorelle, joista Victory Wind on näkyvin. Selkeä päivä ”tai“ Punainen Fuji ”ja“ Suuri aalto Kanagawan edustalla ”,“ 100 näkymää Fuji-vuorelle ”, julkaistu kolmella albumilla” Manga Hokusai ”(北 斎 漫画), jota kutsutaan” japanilaisten kansan tietosanakirjaksi ”. Taiteilija asetti kaikki näkemyksensä luovuudesta ja filosofiasta "Mangaksi". Manga on tärkein lähde tutkittaessa Japanin elämää tuolloin, koska se sisältää monia kulttuurinäkökohtia. Taiteilijan elämän aikana julkaistiin yhteensä 12 numeroa ja hänen kuolemansa jälkeen - kolme muuta:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (taiteilijan kuoleman jälkeen)

Hokusai'n taide on vaikuttanut sellaisiin eurooppalaisiin suuntauksiin kuin jugend ja ranskalainen impressionismi.

(河 鍋 暁 斎, 1831-1889). Hän käytti salanimiä Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, opiskeli Kanon koulussa.

Toisin kuin Hokusai, Kyosai oli melko röyhkeä, mikä johti hänen turhautumiseen taiteilija Tsuboyama Tozaniin. Koulun jälkeen hänestä tuli itsenäinen mestari, vaikka joskus hän osallistui siihen vielä viiden vuoden ajan. Tuolloin hän maalasi kyogaa, ns. "Hulluja kuvia".

Erinomaisten kaiverrusten joukosta erottuu sata Kyosai-maalausta. Kuvittajana Kyosai luo kuvia romaaneille ja romaaneille yhteistyössä muiden taiteilijoiden kanssa.

1800-luvun lopulla eurooppalaiset vierailivat usein Japanissa. Taiteilija oli perehtynyt joihinkin niistä, ja useita hänen teoksistaan \u200b\u200bon nyt Britannian museossa.

(歌 川 広 重, 1797-1858). Hän työskenteli salanimellä Ando Hiroshige (安藤 広 重) ja on tunnettu luonnollisten motiiviensa ja luonnonilmiöidensä hienovaraisesta esittämisestä. Ensimmäisen maalauksen "Fuji-vuori lumessa", jota nykyään pidetään Tokion Suntory-museossa, hän maalasi kymmenen vuoden ikäisenä. Varhaisten töiden juoni perustui kaduilla tapahtuviin todellisiin tapahtumiin. Hänen kuuluisat syklinsä: "100 näkymää Edoon", "36 näkymää Fuji-vuorelle", "Tokaidon 53 asemaa", "Kimokaidon 69 asemaa", "100 kuuluisaa näkymää Edoon". Monet ja venäläinen taiteilija Bilibin vaikuttivat suuresti Tokaido-tien 53 asemalta, jotka on maalattu itäisen merenrantareitin varrella matkustamisen jälkeen, ja 100 näkymää Edosta. 25 kaiverruksen kate-ga-genren sarjasta tunnetuin arkki on "Varpunen lumen peittämän kamelin yli"

(歌 川 国 貞, tunnetaan myös nimellä Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Yksi näkyvimmistä ukiyo-e-taiteilijoista.

Kiinnitin erityistä huomiota kabuki-näyttelijöihin ja itse teatteriin - tämä on noin 60% kaikista teoksista. Tunnettuja ovat myös tarjouslajien teokset ja sumomaadijoiden muotokuvat. Tiedetään, että hän loi 20-25 000 tonnia, joka sisälsi 35-40 tuhatta arkkia. Hän kääntyi harvoin maisemaan ja sotureihin. Utagawa Kuniyoshi (歌 川 国 芳, 1798 - 1861). Syntynyt silkkihahmon perheeseen. Kuniyoshi aloitti piirtämisen opiskelua kymmenen vuotiaana asuessaan taiteilija Kuninaon kanssa heidän perheessään. Sitten hän jatkoi opiskeluaan Katsukawa Shunyein kanssa ja 13-vuotiaana hän meni Tokuyoni-työpajaan. Nuoren taiteilijan ensimmäiset vuodet eivät suju hyvin. Mutta saatuaan tilauksen kustantaja Kagaya Kitibeiltä viidelle kaiverrukselle 108 Suikoden Heroes -sarjalle, asiat alkoivat. Hän luo loput tämän sarjan hahmot ja jatkaa sitten muihin erilaisiin teoksiin. Viidentoista vuoden kuluttua hänestä tulee tasa-arvoinen Utagawa Hiroshige ja Utagawa Kunisada.

Vuoden 1842 kiellon jälkeen teatterikohtauksista, näyttelijöistä, geishasta ja kurtisaaneista Kuniyoshi kirjoitti "kissa" -sarjansa, teki kaiverruksia kodinhoitajille ja lapsille tarkoitetusta opetussarjasta, kuvaa kansallissankarit sarjassa "Perinne, moraali ja kunnioitus", ja vuoden 1840 loppuun mennessä - x - 1850-luvun alussa kieltojen heikentymisen jälkeen taiteilija palasi kabuki-aiheeseen.

(渓 斎 英 泉, 1790-1848). Tunnettu teoksistaan \u200b\u200btarjouksen genreissä. Hänen parhaimpiin töihin kuuluu muotokuvia, kuten okubi-e ("suuret päät"), joita pidetään esimerkkeinä Bunsein aikakauden (1818-1830) taiteesta, kun ukiyo-e-tyylilaji oli laskussa. Taiteilija kirjoitti useita lyyrisiä ja eroottisia surimonoja sekä maisemasyklin "Kuusikymmentäyhdeksän asemaa Kisokaidolla", jota hän ei pystynyt suorittamaan, ja Hiroshige päätti sen.

Bijinga-kuvan uutuus oli aistillisuus, jota muilla taiteilijoilla ei ollut koskaan ennen ollut. Hänen töistään voimme ymmärtää tuon ajan muodin. Hän julkaisi myös Elonkertoja neljäkymmentäseitsemästä Roninista ja kirjoitti useita muita kirjoja, mukaan lukien A History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e Ruiko), joka sisältää taiteilijoiden elämäkertoja. Ja nimettömän vanhimman muistiinpanoissa hän kuvasi itseään itkeäksi juoppoksi ja 1830-luvulla palaneen Nedzu-bordellin entiseksi omistajaksi.

Suzuki Harunobu (鈴木 春 信, 1724-1770). Taiteilijan oikea nimi on Hodzumi Jirobei. Hän on löytänyt ukiyo-e-moniväritulostuksen. Hän opiskeli Kanon koulussa ja opiskeli maalausta. Sitten Shigenaga Nishimuran ja Torii Kiyomitsun vaikutuksesta puunleikkauksista tuli hänen harrastuksensa. Kahden tai kolmen värin kaiverruksia on tehty 1800-luvun alusta lähtien, ja Harunobu alkoi maalata kymmenessä värissä käyttäen kolmea lautaa ja yhdistämällä kolme väriä - keltainen, sininen ja punainen.

Hän erottui katumaisemien ja shunga-genren maalauksien kuvassa. Ja 1760-luvulta lähtien hän oli yksi ensimmäisistä, joka alkoi kuvata kabuki-teatterin näyttelijöitä. Hänen työnsä vaikutti E. Manetiin ja E. Degasiin.

(小 原 古邨, 1877 - 1945). Hänen oikea nimensä on Matao Ohara. Hän kuvasi kohtauksia Venäjän-Japanin ja Kiinan-Japanin sodista. Valokuvien tulon jälkeen hänen teoksensa myi kuitenkin heikosti, ja hän alkoi ansaita elävää opetusta Tokion Kuvataidekoulussa. Vuonna 1926 Bostonin museon japanilaisen taideosaston kuraattori Ernest Felloza vakuutti Oharan palaamaan maalaamiseen. Taiteilija alkoi kuvata lintuja ja kukkia, ja hänen työnsä myytiin hyvin ulkomaille.

(伊藤 若 冲, 1716 - 1800). Hän erottui muiden taiteilijoiden joukosta eksentrisyydestään ja elämäntyyliään, joka koostuu ystävyydestä monien tuon ajan kulttuuristen ja uskonnollisten henkilöiden kanssa. Hän kuvaa eläimiä, kukkia ja lintuja erittäin eksoottisella tavalla. Hän oli erittäin kuuluisa ja otti tilauksia näytöiden ja temppelimaalausten maalaamiseen.

(鳥 居 清 信, 1664-1729). Yksi varhaisen ukiyo-e-ajan tärkeimmistä edustajista. Huolimatta hänen opettajansa Hisikawa Monorobun suuresta vaikutuksesta, hänestä tuli yakusha-e-genren perustaja julisteiden ja julisteiden kuvassa ja keksi oman tyylin. Näyttelijät kuvattiin erityisissä asennoissa rohkeina sankarina ja maalattiin sisään
jalo oranssi väri, ja roistot maalattiin sinisellä. Intohimoa kuvaajana taiteilija keksi erityisen tyyppisen mimizugaki-piirustuksen - nämä ovat käämitysviivat vuorotellen ohuilla ja paksuilla iskuilla sekä yhdistelmä raajojen lihaksen groteskisen kuvan kanssa.

Torii Kiyonobu on maalareiden Torii-dynastian perustaja. Hänen oppilaansa olivat Torii Kiyomasu, Torii Kiyosige I, Torii Kiyomitsu.

Kuka on suosikki ukiyo-e-taiteilijasi?

Japanin kieli eroaa kaikista eurooppalaisista kielistä rakenteeltaan, mikä voi aiheuttaa tiettyjä vaikeuksia oppimisessa. Älä kuitenkaan huolestu! Erityisesti sinulle olet kehittänyt kurssin "", johon voit ilmoittautua heti!

Mustavalkoinen maalaus Japanissa on yksi itämaisen taiteen ainutlaatuisista ilmiöistä. Sille on omistettu monia teoksia ja tutkimuksia, mutta sitä pidetään usein erittäin ehdollisena ja joskus jopa koristeellisena. Japanilaisen taiteilijan henkinen maailma on erittäin rikas, eikä hän välitä niinkään estetiikasta kuin henkisestä. Itäinen taide on synteesi ulkoisesta ja sisäisestä, eksplisiittisestä ja implisiittisestä.

Tässä viestissä haluaisin kiinnittää huomiota yksivärisen maalauksen historiaan, mutta sen olemukseen. Tästä keskustellaan.

ruutu "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Se, mitä näemme yksivärisissä maalauksissa, on seurausta taiteilijan vuorovaikutuksesta mäntytriadin kanssa: paperi, harja, muste. Siksi, jotta teos ymmärretään oikein, on ymmärrettävä itse taiteilija ja hänen asenteensa.

"Maisema" Sesshu, 1398.

Paperi japanilaisen mestarin kannalta hän ei ole vain improvisoitu materiaali, jonka hän alistaa hänen mielivaltaansa, vaan päinvastoin - se on ”veli”, ja siksi asenne häneen on kehittynyt vastaavasti. Paperi on osa ympäröivää luontoa, jota japanilainen on aina käsitellyt huolestuneena ja yrittänyt olla alistamatta itseään, mutta toimimaan rauhanomaisesti rinnakkain sen kanssa. Paperi on aikaisemmin puu, joka seisoi tietyllä alueella, tietyn ajan, "näki" jotain sen ympärillä ja tallentaa kaiken tämän. Näin japanilainen taiteilija kokee materiaalin. Usein ennen töiden aloittamista mestarit katsoivat pitkään tyhjää arkkia (pohtivat sitä) ja vasta sitten aloittivat maalaamisen. Nihon-ga-tekniikkaa (perinteistä japanilaista maalausta) harjoittelevat nykyaikaiset japanilaiset taiteilijat valitsevatkin paperin huolellisesti. He ostavat sen tilata paperitehtailta. Jokaiselta taiteilijalta, jolla on tietty paksuus, kosteuden läpäisevyys ja rakenne (monet taiteilijat tekevät jopa sopimuksen tehtaan omistajan kanssa olla myymättä tätä paperia muille taiteilijoille) - siksi jokainen maalaus koetaan yhdeksi ainutlaatuiseksi ja eläväksi.

"Lukeminen bambulehdossa" Syubun, 1446.

Tämän materiaalin merkityksestä puhuttaessa on syytä mainita sellaiset kuuluisat japanilaisen kirjallisuuden muistomerkit kuin Sei Shonagonin "Muistiinpanot perälaatikossa" ja Murasaki Shikibun "Genji Monogotari": sekä "Muistiinpanoissa" että "Genjissä" voit löytää tarinoita, kun tuomioistuimet tai ystävät vaihtavat viestejä. ... Paperi, jolle nämä viestit oli kirjoitettu, oli sopivasta vuodenajasta, sävystä ja tekstin kirjoitustapa vastasi sen tekstuuria.

Kyosen "Murasaki Shikibu Ishiyama-pyhäkössä"

Harjata - toinen komponentti on mestarin käden jatkaminen (tämä on jälleen luonnollista materiaalia). Siksi siveltimet tehtiin myös tilauksesta, mutta useimmiten taiteilijan itse. Hän poimi tarvittavan pituiset karvat, valitsi harjan koon ja mukavan otteen. Mestari kirjoittaa vain omalla harjallaan eikä millään muulla. (Henkilökohtaisesta kokemuksesta: Olin kiinalaisen taiteilijan Jiang Shilunin mestarikurssilla, yleisöä pyydettiin näyttämään, mitä hänen mestarikurssillaan läsnä olevat opiskelijat voivat tehdä, ja jokainen heistä, ottaessaan mestarikurssin, sanoi, että se ei toimisi mitä odotettiin. , koska harja ei ole heidän oma, he eivät ole tottuneet siihen ja eivät osaa käyttää sitä oikein).

Katsushika Hokusai "Fuji" -mustepiirros

Ripsiväri on kolmas tärkeä tekijä. Ripsiväri voi olla erityyppistä: kuivauksen jälkeen se voi antaa kiiltävän tai mattavaikutuksen, se voidaan sekoittaa hopea- tai okkerisävyihin, joten oikea ripsivärin valinta ei myöskään ole merkityksetön.

Yamamoto Baytsu, 18–1900-luvun loppupuolella.

Yksivärimaalauksen pääaiheet ovat maisemat. Miksi niissä ei ole väriä?

Kaksoisnäyttö "Pines", Hasegawa Tohaku

Ensinnäkin japanilainen taiteilija ei ole kiinnostunut itse esineestä, vaan sen olemuksesta, tietystä komponentista, joka on yhteinen kaikille eläville olentoille ja johtaa ihmisen ja luonnon väliseen harmoniaan. Siksi kuva on aina vihje, se on osoitettu aisteillemme, ei näkyville. Aluksioimattomuus stimuloi vuoropuhelua, mikä tarkoittaa yhteyttä. Viivat ja täplät ovat tärkeitä kuvassa - ne muodostavat taiteellisen kielen. Tämä ei ole mestarin vapaus, joka jätti rasvan polun haluamaansa, mutta toisessa paikassa päinvastoin, ei maalanut sitä - kuvassa kaikella on oma merkitys ja merkitys, eikä siinä ole sattumanvaraista merkkiä.

Toiseksi, värillä on aina jonkinlainen tunnepitoinen väritys ja eri tilojen ihmiset ymmärtävät sen eri tavalla, siksi emotionaalinen neutraalisuus antaa katsojalle sopivimman mahdollisuuden aloittaa vuoropuhelu, asettaa hänet havaintoon, mietiskelyyn, ajatukseen.

Kolmanneksi, tämä on yinin ja yangin vuorovaikutus, mikä tahansa mustavalkoinen kuva on harmoninen musteen ja paperin koskemattoman alueen suhteen.

Miksi suurin osa paperitilasta on käyttämättä?

"Maisema" Syubun, 1500-luvun puoliväli.

Ensinnäkin tyhjä tila upottaa katsojan kuvaan; toiseksi, kuva luodaan ikään kuin hetkeksi se kelluisi pintaan ja on kadonnut - tämä johtuu maailmankatsomuksesta ja maailmankatsomuksesta; kolmanneksi niillä alueilla, joilla ei ole mustetta, paperin rakenne ja sävy nousevat etusijalle (tämä ei aina ole näkyvissä kopioissa, mutta itse asiassa se on aina kahden materiaalin - paperin ja musteen - vuorovaikutus).

Sesshu, 1446

Miksi maisema?

"Mielipide putouksista", kirjoittanut Geiami, 1478.

Japanilaisen maailmankuvan mukaan luonto on täydellisempi kuin ihminen, joten hänen on opittava häneltä, huolehdittava siitä kaikin tavoin eikä hävitettävä tai alistettava. Siksi monissa maisemissa voit nähdä pieniä kuvia ihmisistä, mutta ne ovat aina merkityksettömiä, pieniä suhteessa itse maisemaan tai kuvia mökistä, jotka on merkitty ympäröivään tilaan ja joita ei aina edes havaita - nämä ovat kaikki maailmankatselun symboleja.

"Vuodenajat: Syksy ja talvi" Sesshu. "Maisema" Sesshu, 1481

Yhteenvetona haluan sanoa, että yksivärinen japanilainen maalaus ei ole kaoottisesti ruiskutettu muste, se ei ole taiteilijan sisäisen egon päähänpisto - se on kokonainen kuva- ja symbolijärjestelmä, se on filosofisen ajattelun arkisto ja mikä tärkeintä, tapa kommunikoida ja harmonisoida itseään ja ympäröivää maailmaa.

Mielestäni tässä on vastauksia tärkeimpiin kysymyksiin, joita katsojalle ilmenee, kun he kohtaavat yksivärisen japanilaisen maalauksen. Toivon, että ne auttavat sinua ymmärtämään sen oikeimmin ja ymmärtämään sen tapaamisessasi.

Jokaisella maalla on omat nykytaiteen sankarit, joiden nimet ovat tunnettuja, joiden näyttelyt keräävät joukkoa ihailijoita ja uteliaita ja joiden teokset ovat levinneet yksityisiin kokoelmiin.

Esittelemme tässä artikkelissa eräille Japanin suosituimmista nykytaiteilijoista.

Keiko Tanabe

Kiotossa syntynyt Keiko voitti lapsena lukuisia taidekilpailuja, mutta hän ei valmistunut taiteesta. Hän on työskennellyt japanilaisen itsehallinnon ammattijärjestön Tokiossa, suuren asianajotoimiston San Franciscossa ja yksityisen konsulttiyrityksen San Diegossa kansainvälisten suhteiden osastolla ja matkustanut paljon. Hän lopetti työnsä vuonna 2003 ja oppinut akvarellimaalauksen perusteet San Diegossa omistautui yksinomaan taiteelle.

Ikenaga Yasunari

Japanilainen taiteilija Ikenaga Yasunari maalaa muotokuvia nykyaikaisista naisista muinaisessa japanilaisessa maalaustekniikassa käyttämällä Menso-harjaa, mineraalipigmenttejä, hiilimustaa, mustetta ja pellavaa pohjana. Hänen hahmonsa ovat aikamme naisia, mutta Nihonga-tyylin ansiosta saadaan tunne, että he tulivat meille muinaisista ajoista lähtien.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki on realistinen taiteilija, joka on hallinnut täydellisesti akvarellitekniikan. Abea voidaan kutsua taiteilijafilosofiksi: hän ei pohjimmiltaan maalaa tunnettuja maamerkkejä, vaan pitää mieluummin subjektiivisia sävellyksiä, jotka heijastavat niitä katselevan henkilön sisäisiä tiloja.

Hiroko Sakai

Hiroko Sakai taiteilijauransa alkoi 90-luvun alkupuolella Fukuoka. Valmistuttuaan Seinan Gakuinin yliopistosta ja Nihonin ranskalaisesta sisustussuunnittelusta, hän perusti Atelier Yume-Tsumugi Ltd. ja onnistui johtamaan tätä studiota viiden vuoden ajan. Monet hänen teoksistaan \u200b\u200bkorostavat sairaaloiden, suurten yritysten toimistojen ja joidenkin kunnallisten rakennusten aulaa Japanissa. Muutettuaan Yhdysvaltoihin, Hiroko alkoi maalata öljyissä.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahorin kolmiulotteinen työ on kuin hologrammeja. Ne tehdään akryylimaalilla, levitetään useissa kerroksissa ja läpinäkyvällä hartsinesteellä - kaikki tämä, lukuun ottamatta perinteisiä menetelmiä, kuten varjojen piirtämistä, reunojen pehmentämistä, läpinäkyvyyden hallintaa, antaa Riusukille mahdollisuuden luoda veistoksellisia maalauksia ja antaa teokselle syvyyttä ja realistisuutta.

Natsuki Otani

Natsuki Otani on lahjakas japanilainen kuvittaja, joka asuu ja työskentelee Englannissa.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu valitsi taiteensa perustana win-win -teeman - hän piirtää kissoja. Hänen kuvat ovat suosittuja ympäri maailmaa, etenkin palapelien muodossa.

Tetsuya Mishima

Suurin osa nykyajan japanilaisen Mishiman maalauksista on tehty öljyissä. Hän on harjoittanut maalaamista ammattimaisesti 90-luvulta lähtien, hänellä on useita yksityisnäyttelyitä ja suuri joukko yhteisnäyttelyitä, sekä japanilaisia \u200b\u200bettä ulkomaisia.