Maria callas laulaa Ranskan vallankumouksesta. Maria Callas: elämäkerta

Kääntäjältä

Edessämme on kirja, jota ei ole koskaan julkaistu Venäjällä: Callas M. Lezioni di canta alla Juilliardin musiikkikoulu di J. Ardoin (Maria Callas. Laulutunnit Juilliardin musiikkikoulussa). L. Spagnol. - Milano: Longanesi & C., 1988. - 313 s.

Kustantaja kertoo jäljempänä olosuhteet kirjan ulkonäölle, voin vain lisätä, että aluksi "Singing Lessons at the Juilliard School of Music" julkaistiin englanniksi ja sitten se käännettiin italiaksi, josta tämä käännös tehtiin . Kirjoittajan tyyli on painokkaasti yksinkertainen. Siksi yritin kääntäessä välttää lauseiden syntaktisen rakenteen muutoksia, jotka voisivat rikkoa tekstin hengen. Prologi ja julkaisijan huomautus on lyhennetty.

Daria Mitrofanova
Pietari, 2002

Kustantajalta

Viisitoista vuotta teatteriuransa alkamisesta, vuonna 1965, Maria Callas lähti näyttämöltä työskentelemään omalla äänellään ja pohtimaan vapaa-ajan esiintymisongelmia. Muutama vuosi myöhemmin, innokkaana välittämään kokemuksiaan, hän hyväksyi New Yorkin Juilliardin musiikkikoulun presidenttinä toimineen Peter Menninin tarjouksen työskennellä nuorten ammattilaisryhmän kanssa antamalla heille useita oppitunteja. parantaa heidän taitojaan.

Kolmen sadan hakijan joukosta valittiin Callasin suorittaman kuulustelun tuloksena 25 henkilöä. Kurssi kesti kaksitoista viikkoa, lokakuusta 1971 toukokuuhun 1972, oppitunteja pidettiin kahdesti viikossa. Luokan aikana oppilaat esittivät vuorotellen otteita oopperoista; Maria Callasin johdolla he analysoivat tutkitut pisteet yksityiskohtaisesti.

Laulaja ei asettanut itselleen tehtävää luoda uusia pieniä "kalloja", mutta yritti paljastaa kunkin opiskelijan yksilölliset ominaisuudet ja arvokkuuden. Hän ei sanonut yksinkertaisesti: "Tee tämä", mutta "Tee tämä, koska ..."

Tämä kirja voi olla erittäin hyödyllinen paitsi ammattilaulajille ja opiskelijoille, myös opettajille.

Eri syistä kaikki oppitunnit eivät sisältyneet kirjaan, koska kustantajilla oli vaikeuksia valmistellessaan. Oli mahdotonta vain tallentaa Callaksen puhetta - suurin osa luokista pidettiin näyttelyissä, ei selityksissä. Se, mitä hän yritti ilmaista vokaalisilla esimerkeillä, oli käännettävä sanoiksi. Lisäksi monet Callaksen neuvot koskivat laulajia ja heidän erityisongelmiaan. Mutta useimmissa tapauksissa yritimme silti toistaa hänen puheensa mahdollisimman tarkasti.

Kirjan kanssa työskenneltäessä on kiinnitettävä erityistä huomiota musiikillisiin esimerkkeihin. Vertaamalla niitä partituureihin huomaat, että Maria Callas tekee usein joitain muutoksia säveltäjän tekstiin.

Kirjoitin tämän kirjan prologin haastattelujen perusteella, jotka Callas antoi minulle ja muille toimittajille. Työskennellessäni tekstin kanssa yritin rakentaa sen ikään kuin Callas itse puhuisi sen.

Kirjan valmistelussa käytettiin opetusten äänitallenteita, jotka M.Kallaksen sisar, J. Statopulu-Kalageropoulou, tarjosi ystävällisesti.

John Arduan
Dallas, 1987

Prologi

Kuten opettajani Elvira de Hidalgo, aloin laulaa aikaisin. Luulen, että naiset alkavat aloittaa aikaisin. Muista myös, että olen kreikkalainen ja de Hidalgo on espanjalainen. Toisin sanoen olemme molemmat Välimeren alkuperäiskansoja; tämän alueen tytöt kehittyvät aikaisin. Laulajan ura rakentuu pääasiassa hänen nuoruudessaan; viisaus tulee myöhemmin. Valitettavasti emme voi esiintyä vanhuudessa, kuten esimerkiksi kapellimestarit. Mitä nopeammin opimme perusasiat, sitä nopeammin saamme viisautta.

De Hidalgolla oli todellinen bel canto -koulu, ehkä hän oli tämän suuren menetelmän viimeinen perillinen. Minut uskottiin hänen hoitoonsa hyvin nuorena, olin vasta kolmetoista vuotias, ja hänen täytyi opettaa minulle bel canto -salaisuuksia ja tapoja. Tämä koulu ei ole vain "kaunista laulamista". Belcanto on menetelmä, eräänlainen pakko. Hän opettaa, miten lähestyä nuottia, miten hyökätä siihen, miten muotoilla legato, miten luoda ilmapiiri, miten hengittää, jotta saadaan yhtenäinen vaikutelma alusta loppuun. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä otit hengityksen vain kerran, vaikka todellisuudessa laulat monia pieniä lauseita ja otat toistuvasti hengitystä välillä.

Bel canto on ensinnäkin ilmaisuvoima. Pelkkä kaunis ääni ei riitä. Esimerkiksi jauhot ovat kaiken kakun perusta. Mutta saadaksesi tuloksen tarvitset muiden ainesosien lisäksi paljon taidetta. Konservatorion laulajat oppivat perusasiat. Mitä saamme, on kaikki. Jos lähtö on onnistunut, meillä on hieno elämä. Mutta jos alku oli huono, niin ajan mittaan huonojen tapojen korjaaminen on vaikeampi.

Valmistuttuasi konservatoriosta soitat musiikkia oppimasi avulla. Joten toistan, ei riitä, että sinulla on hyvä ääni. Sinun on otettava tämä ääni ja jaettava se tuhanneksi kappaleeksi, jotta se voi palvella musiikin ja ilmaisun tarpeita. Säveltäjä kirjoitti nuotit sinulle, mutta muusikon on luettava niissä oleva musiikki. Todellisuudessa me perustamme pelkkään vähäisyyteen. Eikö ole kirjoja, jotka tulisi lukea rivien välistä ymmärtääkseen niiden todellinen merkitys? Laulajien tulisi tehdä sama kappaleidensa kanssa; meidän täytyy lisätä mitä säveltäjä halusi, meidän on löydettävä värejä ja ilmeikkyyttä.

Kuvittele, kuinka tylsää Jasha Kheifetz olisi, jos hän olisi vain teknisesti täydellinen. Mutta hän on suuri viulisti, koska lukee nuottien välillä. Laulajalle tämä taito on vielä tärkeämpi, koska nuottien lisäksi meillä on käytettävissämme myös sanoja. Meidän on kyettävä tekemään kaikki, mitä instrumentalisti tekee, ja paljon muuta. Tämä on erittäin vakava ja vaikea työ, eikä yksin lahjakkuus ja halu riitä, tarvitset myös rakkautta ja kutsua siihen, mitä teet. Nämä ovat vahvimmat syyt tehdä mitään.

Työ ei ole koskaan ollut minulle liian kovaa. Nuoruudessani tunsin itseni aina hyvin yksinäiseksi; Rakastin musiikkia enemmän kuin mitään muuta. Kaikki, mikä jotenkin liittyi musiikkiin, kiehtoi minua. Kuuntelin Ateenassa kaikkia de Hidalgon opiskelijoita riippumatta heidän esittämästään ohjelmistoista: oopperoita, operetteja, aaria mezzosopraanolle, tenorille. Tulin konservatorioon kymmeneen aamulla ja lähdin viimeisen opiskelijan kanssa. Jopa de Hidalgo oli yllättynyt tästä. Hän kysyi minulta usein: "Mitä teet täällä?" Vastasin, että voit aina oppia jotain jopa heikoimmalta opiskelijalta - loppujen lopuksi suuri tanssija voi oppia jotain kabareetaiteilijalta.

Tämä ajattelutapa ja käyttäytyminen muodostui minussa melko aikaisin, mutta ei itseni, vaan lähinnä perheeni ansiosta; varsinkin äitini, joka aina käski häntä. Hän päätti, että minusta tulisi laulaja, taiteilija. Äidit sanovat usein: "Minä uhrasin kaiken puolestasi, nyt sinun täytyy tulla sellaiseksi, mistä en ole tullut elämässäni." Ainakin näin oli äitini kanssa. Hän opetti minua lapsuudesta lähtien olemaan antamatta periksi tunteille, elleivät ne ole ehdottoman välttämättömiä, vaikka minulla ei luonnostaan \u200b\u200bollut siihen taipumusta.

Äitini ja minä menimme Ateenaan, kun olin kolmetoista vuotias. Aluksi oletettiin, että minun pitäisi vain opiskella, enkä esiintyä ammattimaisella näyttämöllä. Tämä ei kuitenkaan kestänyt kauan, koska kuuden kuukauden kuluttua opintojeni aloittamisesta de Hidalgossa minut kutsuttiin Kansallisteatteriin. He tarvitsivat dramaattisen sopraanon, ja he palkkasivat minut vuodeksi edellyttäen, että en laulaisi missään muualla. De Hidalgo itse ehdotti tätä ehtoa. Teatterissa ansaitsemani rahat antoivat minun omistautua kokonaan opintoihini ajattelematta muita ansioita.

Olen jo laulanut Rural Honor ja sisar Angelica konservatoriossa; noin puolitoista vuotta teatterityön aloittamisen jälkeen oli Toscan vuoro. Nämä ovat kovaa osaa nuorelle tytölle, mutta de Hidalgo opetti minua pelkäämään pisteiden vaikeuksia. Ääni tulee pysyä kevyt, ja ääni ei ole pakko, taitava, kuten urheilijan ruumis. Rakastin saavuttaa tämä helppous. Olen aina kiehtonut monimutkaisten ongelmien ratkaisua. Pidän haasteesta. Esittele se täydellisesti, kun vaikea ongelma on ratkaistu, yleisölle.

Tämä keveys, johon pyrin, ei ollut vain osa bel canto -koulua, jonka de Hidalgo opetti minulle. Tämä oli osa hänen filosofiansa, jonka mukaan ääni tulisi muodostaa alueella, jolla se ei ole liian suuri, mutta jolla on tunkeutumisvoima. Tämän lähestymistavan avulla on erittäin helppoa suorittaa kaikki bel canton armo, jotka sinänsä ovat melko kehittynyt ilmaisukeino. Laulaja oppii selviytymään vaikeuksista samalla tavalla kuin instrumentalisti. On liian myöhäistä oppia tämä lavalla. Tällainen työ kestää koko elämän. Mitä enemmän opit, sitä enemmän tajuat kuinka vähän tiedät. Kohtaat loputtomasti uusia ongelmia ja uusia vaikeuksia; ja tarvitset aina rakkautta työhösi ja intohimoista halua kehittyä.

Esitykset, joihin osallistuin Kreikassa, olivat eräänlainen valmisteluvaihe; niin kutsuttujen vuosien lisäys. Sitten tajusin mahdollisuuteni. Vasta valmistumisen jälkeen sinusta tulee muusikko, annat instrumenttisi orkesterin palvelukseen. Prima Donna on esityksen pääinstrumentti. Tämän opin Tulio Serafinalta. Se, että debyytti Italiassa Veronassa vuonna 1947 (urani todellinen alku) tapahtui hänen johdollaan, pidän elämäni suurimpana menestyksenä.

Kuinka paljon sain tältä mieheltä! Hän opetti minua lisäämään ilmeikkyyttä ja merkitystä kaikkeen mitä teemme. Tajusin, että minkä tahansa koristelun on palveltava musiikin etuja: jos välitämme todella säveltäjän aikeista, ei pelkästään henkilökohtaisesta menestyksestä, löydämme aina merkityksen trillistä tai asteikosta, joka voi ilmaista iloa, ahdistusta tai kaipuuta. Yleensä Maestro Serafin avasi minulle musiikin syvyyden. Ja otin häneltä kaiken voitavani. Hän oli ensimmäinen tällainen kapellimestari, jonka tapasin, ja pelkään myös, että viimeinen. Hän osoitti minulle, että jos et tiedä mitä teet ja miksi, musiikista voi tulla eräänlainen vankila sinulle, jatkuvan kidutuksen paikka.

Seraphin kertoi minulle yhden asian, joka on ikuisesti jäänyt muistiini: "Kun sinun on löydettävä sopiva ele tai liike, riittää, että tutkitaan partituuria; säveltäjä on jo osoittanut sen musiikissa. " Ja tämä on totta totuus: jos rasitat kaikki korvasi ja keskityt hengellisesti (aivot ovat vähemmän mukana), löydät aina tarvitsemasi. Hän opetti myös, että oopperan jokaisen jakson on oltava täydellinen yhdistelmä laulamista ja näyttelemistä, ja koko esitys tuo nämä jaksot yksinkertaisesti yhteen. Tämä voidaan saavuttaa vain, jos suoritat tehtävänne hyvin. Kun menet lavalle, ei pitäisi olla yllätyksiä.

Teatterikoulutukseni oli puhtaasti musiikillista. Tietenkin de Hidalgo opetti minulle, kuinka sopeutua kehooni; Tätä varten hän sai minut tekemään erikoisharjoituksia, hän opetti minua putoamaan lyömättä, mikä on lavalla erittäin tärkeää. Paljon myöhemmin kysyin häneltä, pelasinko luonnollisesti opiskelijana. "Kyllä", hän vastasi minulle, "poikkeuksellisen luonnollinen. Olen aina ihaillut käsiäsi ja luontaista liikkumisen helppoutta silloinkin. Tämä oli minulle uutta. Tajusin heti, että sinulla on jotain erityistä, luontaista vain sinulle. "

Muistan hyvin ystävällisen neuvon, jonka eräs Kansallisteatterin johtaja antoi minulle: "Älä koskaan nosta kätesi seuraamatta sen liikettä mielelläsi ja sydämelläsi." Ajatus ilmaistaan \u200b\u200bmelko oudosti, mutta se on oikeudenmukainen. Hän on saattanut sanoa tämän myös muille, mutta kukaan ei noudattanut näitä neuvoja täysin. Olen kuin sieni: haluan omaksua muiden sanoman ja käyttää mitä tarvitsen.

Ohjaaja kertoi myös: "Kun laulat jonkun kanssa, yritä unohtaa harjoitukset, reagoi ikään kuin kuulisit sanat ensimmäistä kertaa." Yritin onnistua siinä niin kovasti, että jos kollegani unohti tekstin, en voinut ehdottaa sitä. Teatterin tulisi olla todellinen, aina oltava paikka jollekin uudelle. Se on kuin allekirjoituksemme: on mahdotonta tilata kaksi kertaa täsmälleen sama, mutta tämä ei estä sitä olemasta meidän. Taiteessa, musiikissa joustavuuden tulisi olla sama, mutta vain tietyssä määrin. Aina on jonkinlainen rajoitus. Kuten musiikissa, liikkeissä on oltava rytmi. Kaikki on tarkistettava. Älä pidä mielettömästi pitkää muistiinpanoa. Kaikki tulisi ajatella säveltäjän tyylillä. Mikä on tyyli? Vain hyvä maku.

Debyyttini Seraphinin kanssa Italiassa, minusta ei ole kirjoitettu juurikaan. Olin jotain uutta: ääneni häiritsi yleisöä, näyttelijäni sai heidät ajattelemaan. Kuunneltuani minua ihmiset eivät voineet sanoa: "Voi, kuinka kaunis ääni! .. Voi, mikä nuotti! .. Voi, kuinka suloinen, kuinka mukavaa ... mennään kotiin." Kollegojeni joukossa oli jopa niitä, jotka sanoivat: "Tuntui niin hyvältä ilman häntä, nyt meidän on työskenneltävä kaksi kertaa enemmän." Minun on sanottava, että olen aiheuttanut joitain muutoksia taiteessamme.

Todennäköisesti silloin, kun kukaan ei kiinnittänyt minuun huomiota, jouduin käyttämään esimiehen palveluja. Ehkä minun piti maksaa seuraamukset, joita en saanut. Loppujen lopuksi taiteessa on enemmän kuin kauneutta. Mutta olen hyvin itsenäinen henkilö ja haluan saada ansaitsemani täysillä. Yleisön tulisi rakastaa minua sellaisena kuin olen. muuten ei ole mitään järkeä jatkaa uraa.

Aluksi yleisö ei pitänyt minusta, koska rikkoin huonoja oopperaperinteitä. Kun minusta tuli kuuluisa, johtajat ottivat minuun usein yhteyttä ja sanoivat: "Tällainen ja sellainen teatteri haluaa kutsua sinut." Vastasin heille: "Kiitos, mutta minuun on jo otettu yhteyttä, minun ei tarvitse turvautua apuisi." Tämä aiheutti minulle monia ongelmia, jopa teatterin viheltämiseen asti. Johtajat haluavat työskennellä tähtien kanssa, koska ne antavat heille mahdollisuuden sijoittaa vähemmän onnekkaat osastonsa teattereihin, jotka haluavat tähtiä. Mutta mitä kaikkea tällä on tekemistä taiteen kanssa?

Saavuin osia pelaamalla rooleja, joita kukaan ei halunnut pelata. Pyrkivän taiteilijan on usein suoritettava kaikki roolit, joihin hänet kutsutaan, vaikka ne eivät kiinnosta häntä, eikä hän tunne mitään suosiota heitä kohtaan. Tästä huolimatta lauloin aluksi neljän tai viiden kuukauden välein. Kun onnistuin saamaan osan (olipa se sitten Turandot tai Aida), oli ihmisiä, jotka sanoivat: "Sen ylä nuotit ovat upeita, mutta alimmat ovat hyödyttömiä." Toiset sanoivat: "Keskirekisteri on hyvä, mutta nuotit ovat kauhistuttavia." Niiden välillä ei ollut sopimusta. Mutta olin aina yllättynyt siitä, että he kaikki sanoivat: "Tietysti hän voi liikkua lavalle."

Se oli Seraphin, joka antoi minulle todellisen mahdollisuuden. Vuosi debyyttini Veronassa, hän etsi Isoldea esiintymään Venetsiassa ja tarjosi minulle tämän osan. En tiennyt peliä, mutta epätoivosta suostuin. Hän sopi tapaamisen kanssani, ja lauloin toisen näytelmän näkyni. Kaikki meni hyvin. Sitten tunnustin hänelle, että olin nähnyt muistiinpanot ensimmäistä kertaa. "Mitä sillä on merkitystä", Seraphin sanoi, "kahden kuukauden kuluttua opit kaiken." Muistan, että hän vaati, että tilasin puvut erityisesti Isoldelle, ja tuolloin minulla ei ollut varaa siihen "Miksi", kysyin häneltä, "onko se todella välttämätöntä?" "Tristanin ensimmäinen näytös kestää yhdeksänkymmentä minuuttia, ja riippumatta siitä, miten kiehtoit yleisöä äänelläsi, heillä on tarpeeksi aikaa katsella sinua päästä varpaisiin ja tutkia pukusi hyvin yksityiskohtaisesti. Näyttökuvan on oltava sopusoinnussa musiikin kanssa. "

Vuotta myöhemmin Seraphin kutsui minut Venetsiaan laulamaan "Valkyrie"; sitten Wagner laulettiin italiaksi, koska yleisö ei hyväksynyt häntä saksaksi. Tuona aikana Seraphin johti myös puritaaneja; flunssaepidemia kaatoi sopraanonsa. Signora Serafin, kuultuani laulavan "Ääni on täällä ...", pyysi minua laulamaan sen mieheni edessä, kun hän palaa hotelliin. Minä tein sen. Seuraavana päivänä, noin kymmenen, toisen Valkyrieni jälkeen puhelin soi huoneessani. Se oli Maestro Seraphin. "Tule alas huoneeseeni mahdollisimman pian", hän sanoi minulle. "Maestro, mutta en ole vielä pukeutunut ja kammattu, anna minulle puoli tuntia." "Ei ole väliä, tule sellaisena kuin se on."

Seraphinia ei voitu kieltää, niinä päivinä tunsimme todellista kunnioitusta kapellimestareita kohtaan. Pukeuduin pukuuni ja menin alakertaan hänen luokseen. Teatterin johtaja istui huoneessaan. "Laula se aaria, jonka lauloit viime yönä", Seraphin käski minua. " Lauloin. "Kuuntele, Maria", hän sanoi minulle, kun olen valmis, "ensi viikolla laulat puritaania. "Mutta tämä on mahdotonta", vastasin, "minun on suoritettava vielä muutama Valkyry; muun muassa, se on hauskaa, ääneni on liian raskas. " "Vakuutan teille, että voitte tehdä sen", sanoi Seraphin.

Ajattelin, että jos niin kokenut ja kokenut henkilö kuin Seraphin sanoo niin, olisi typerää kieltäytyä. Vastasin: "Okei, maestro, yritän." Kun lauloin Brünnhildeä, onnistuin oppimaan Elviran osan. Olin vielä nuori, ja nuoret ovat riskin arvoisia. Mutta tiesin, että minulla oli hyvä tausta, bel canto -koulu, ja usko minua: bel canto on yhtä välttämätöntä Wagnerille kuin Bellinille. Toisin sanoen, olin valmis vastaamaan tähän haasteeseen. Yllätyksiä ei odotettu.

Kun opit uuden osan, sinun on opittava se täsmälleen säveltäjän kirjoittamana. Kapellimestari kertoo sinulle, mitä laskuja hän teki, ja jos on olemassa poljinnopeuksia, hän kertoo, mitä niiden pitäisi olla. Vastuullinen muusikko tekee niistä musiikin hengen. Bellini on erilainen kuin Donizetti, ja Donizetti on erilainen kuin Rossini.

Kun olet oppinut nuotit, sinun tulee yrittää soittaa sanat siten, että löydät niistä luonnollisen rytmin. En tarkoita musiikkia, se on jo kirjoitettu, mutta ääntämistä. Tämä on erityisen tärkeää uudelleenarvioinnissa ja aarien esittelyssä. Recitatiivit ovat hyvin hyviä yksinään, mutta niitä on aina vaikea hallita, vaikea löytää oikea rytmi. Ymmärsin recitatiivin merkityksen ensimmäisen "Norman" aikaan, jonka valmistin Seraphinin kanssa. Ensimmäisen harjoituksen jälkeen hän sanoi minulle: "Mene nyt kotiin, rakas Callas, ja harjoittele näitä rivejä, katsotaanpa, mitkä mittasuhteet, minkä rytmin löydät. Sinun on tarkkailtava kirjoitettua, mutta yritettävä olla mahdollisimman vapaa, yrittää löytää vapaa recitatiivisen rytmi. "

Recitatiivien suorittaminen on yksi esimerkki rubato-taiteesta. Italialaisen musiikin pääpiirre on vapaa liikkuminen, riippumatta siitä, kuinka hidasta se on. Tätä on mahdotonta oppia yhdessä päivässä tai viikossa. En usko, että tätä voidaan täysin hallita lainkaan.

Musiikin opiskelujakson aikana (tällä hetkellä sinun täytyy vain miettiä sitä tosiasiaa, että kaksi kertaa neljä on neljä), sinulla on oltava hyvä ohjaaja-ohjain, joka olisi melko vakava, muistuttaisi aina jokaisen nuotin merkityksen, eikä menettäisi mitään näköpiiristään. Sinulla on oltava paljon rohkeutta ja kuunneltava hänen neuvojaan, koska mitä paremmin laulamme, sitä vähemmän haluamme tulla oikaistuiksi. Joskus suututat hyvin, etenkin itsellesi, ja ajattelet: "Olisin voinut saavuttaa tämän itse." Usein virheet ovat seurausta huonoista tottumuksista, kuten tapasta vetää sanoja tai korostaa liiallisia tavuja. Usein et enää kiinnitä huomiota näihin virheisiin, joten on oltava joku, joka tekee sen meille.

Kun juhlat on opittu kaikilta osiltaan, voit ryhtyä töihin. Kävin aina kaikissa harjoituksissa, vaikka minua ei kutsuttu, "tottua musiikkiin". Tämä tulisi tehdä ensimmäisestä harjoituksesta alkaen, jotta voit testata kykysi ja voimasi; Pidän myös välttämättömänä laulaa aina ääneen. Ensimmäisen vaiheen harjoituksen jälkeen voit aloittaa todellisen, vakavan työn ja täyttää juhlat puuttuvilla vivahteilla. Siihen asti voidaan tehdä vain karkea luonnos. Ja vain harjoitukset yleisön edessä auttavat lisäämään sen näkymättömän, mikä on musiikissa.

Suurin osa työstä on yhdistää liike ja musiikki hahmon luomiseksi. Hahmon luonteen löydän musiikista, ei libretosta, vaikka sanoitukset ovat hyvin tärkeitä. Joka tapauksessa kuvan totuus tulee musiikista. Ajan myötä kuva hahmostamme syvenee, jos tietysti olemme sellaisia \u200b\u200bihmisiä, jotka haluavat kasvaa eivätkä seiso paikallaan. Esimerkiksi Medeani on muuttunut paljon. Aluksi koin hänet erittäin staattisena hahmona, barbaarisena olentona, joka tietää alusta alkaen mitä haluaa. Ajan myötä tein hänestä inhimillisemmän, vaikka ei yhtä julma. Hänen päättelynsä on oikeudenmukainen vain siksi, että Iason on joka tapauksessa jopa pahempi kuin hän. Siksi yritin paljastaa hänen naisellisen olemuksensa, myös hiusten ja pehmeiden liikkeiden avulla. Halusin tehdä hänestä vilkkaamman, houkuttelevamman.

Minun La Traviata on myös muuttunut, Norma paljon vähemmän. Violettan osalta tajusin vähitellen, että hänen sairautensa eivät antaneet hänen liikkua paljon tai nopeasti. Huomasin myös, että mitä vähemmän hän liikkuu, varsinkin kolmannella ja neljännellä näytöllä, sitä enemmän musiikki voittaa. Viimeisessä näytelmässä, jotta hän ei näyttänyt liian jäykältä, löysin hänelle pieniä, näennäisesti hyödyttömiä liikkeitä. Esimerkiksi kun hän yritti ottaa peilin tai jotain muuta yöpöydältä, hänen kätensä putosi voimattomasti kykenemättä tekemään liikettä. Viimeisessä näytöksessä hengityksen tulisi olla vielä lyhyempi ja äänen väri vielä väsyneempi kuin ennen. Tein kovasti töitä löytääksesi äänelle oikean värin. Minulla kesti kauan tämän tekeminen, ja kokin tunteen kuin olisin roikkunut hauras lanka, joka voi rikkoutua milloin tahansa.

Meidän on etsittävä jatkuvasti jotain uutta ja kannustettava yleisöä uskomaan siihen, mitä teemme. Ooppera on kuollut ilmaisumuoto siinä mielessä, että tänään on vaikea hyväksyä, kun joku yksinkertaisesti laulaa "rakastan sinua" tai "vihaan sinua". Voit sanoa sen tai huutaa sen - ei ole muodikasta laulaa. Meidän on kuitenkin saatava yleisö hyväksymään työmme, ja ainoa tapa tehdä tämä on tuoda raitista ilmaa oopperaan. Meidän on lopetettava liian pitkä musiikki, meidän on tehtävä liikkeistämme mahdollisimman uskottavia, meidän on luotava ilmapiiri, jossa on paikka ymmärrykselle. Kaiken pitäisi tulla mahdollisimman totuudenmukaiseksi säveltäjän asettamissa rajoissa.

Mutta meidän on usein aloitettava kahdesta vastakkaisesta näkökulmasta: tulkin, joka palvelee säveltäjää, ja yleisöstä, joka kuuntelee. Meidän on yritettävä ymmärtää, missä säveltäjä meni pieleen ja miten voimme auttaa häntä tavoittamaan yleisön. Elämä on loppujen lopuksi muuttunut Verdin tai Donizettin päivien jälkeen. Ihmiset pukeutuvat eri tavalla, ajattelevat eri tavalla. Ainoa asia, joka ei ole muuttunut, on syvät ja vilpittömät tunteet: ne ovat aina olleet olemassa, mutta elämä jatkuu, ja ooppera jatkuu sen kanssa. Meidän on muututtava elämän kanssa, jos haluamme palvella säveltäjää. Tästä syystä olen vakuuttunut laskujen tarpeesta. Melodian toistaminen ei ole melkein koskaan tarpeen. Mitä nopeammin pääset asiaan, sitä parempi. Älä koskaan vaaranna sitä kahdesti. On tietysti poikkeuksia. Toistin Somnambulissa kahdesti: ”Ah! Se ei mene ", koska, ollakseni rehellinen, tämä on näyttävä fragmentti, ilon ja onnen ilmaus, puhdas ääni on tässä tapauksessa perusteltua. Mutta kun toistat sitä, sinun on aina muutettava musiikkia hieman, jotta se olisi mielenkiintoista yleisölle. Luonnollisesti tämä tulisi tehdä hyvällä maulla ja säveltäjän tyylillä.

Kaikesta, mitä löydät pisteestä, ilmaisemisesta tulee eräänlainen huume. Viestinnässä yleisön kanssa joutut poikkeukselliseen päihtymykseen, jolla tartutat kaikki ympärilläsi olevat. Joka tapauksessa päivän tai esityksen lopussa sinun on katsottava itseesi ja sanottava: "No, onnistuimme tässä ja siinä." Ja sinun täytyy heti unohtaa menestyksesi ja miettiä virheiden korjaamista. Ehkä olen liian ankara, mutta minulle se on parempi kuin lepää laakereillasi - tämä on suuren taiteen loppu. Kun olet tyytyväinen tekemääsi, ei ole parantamisen varaa.

Suurin puutteeni on, että olen kauhistuttava pessimisti. Luulen usein, että en kykene tekemään jotain hyvin, ja yritän siksi tehdä vieläkin paremmin. Mutta parhaan tuloksen saavuttaminen vastustamattomalla sitkeydellä on vaara: voit tuhota hyvän menettämällä hallinnan tai liioittamalla. Oli se sitten, tarkkaavainen, kova ja mielekäs katsaus siihen, mitä teet, on taiteilijan paras avustaja.

Mutta kuten näen, harvoilla on se. Nykyään on vähän ihmisiä, jotka ovat todella valmiita laulamaan. En halua sanoa, ettei hyviä ääniä ole; mutta harvoilla äänillä on tarpeeksi hyvä koulu vaikeiden osien laulamiseen. Laulajat tarvitsevat kokemusta, jota on mahdotonta hankkia, jos aloitat laulamisen Metropolitanissa tai La Scalassa. Kokemusta saadaan pienistä teattereista alkaen pienimmistä rooleista. Tämä ei ole työ, jota nautimme tekemästä. Mutta sen jälkeen, suurten teatterien näyttämöillä, olemme valmiita suuriin taisteluihin. Työssämme ei ole tilaa harrastajille.

Ooppera on vaikein taidemuoto. Menestyminen siinä ei riitä olemaan ensiluokkainen laulaja; sinun on oltava myös ensiluokkainen näyttelijä. Ei ole mitään järkeä sanoa, että on välttämätöntä löytää yhteinen kieli kollegoidensa kanssa (ensinnäkin kapellimestarin, sitten muiden laulajien ja lopulta ohjaajan kanssa), koska ooppera on suuri ykseys, jossa kaikki soittavat duuria rooli.

Suostuin tekemään tämän kurssin auttaakseni laulajia pääsemään alkuun oikein. Luonnollisesti monien laulajien ongelma on se, että he sopivat sopimuksista ennen todellisen koulutuksen saamista; kerran lavalla, voi olla vaikea palata kouluun. Nöyryys on yksi laulajan korkeimmista hyveistä. Haluaisin välittää nuorille, mitä suuret kapellimestarit, opettajani opettivat minulle, ja erityisesti mitä opin itse, ja opintoni eivät ole vielä ohi. Luulen, että minulla on eräänlainen luonnollinen intuitio musiikista, mutta sen lisäksi otan aina vaivaa selvittääkseni säveltäjän aikomukset. Älä unohda, että olemme vain säveltäjän palveluksessa esiintyjiä, ja teemme hyvin herkän työn. Lisäksi tulisi kunnioittaa upeita kohtauksia, joilla on hyvät perinteet.

Työssämme sinun ei pitäisi koskaan koskettaa "äänipääomaa", voimme käyttää vain kiinnostusta siitä. Jos palvelet taidetta hyvin, kaikki tulee: sinusta tulee rikas, suuri ja kuuluisa. Mutta tämä on kovaa työtä: ennen, aikana ja jälkeen.

Meillä on kuitenkin myös etuoikeuksia. Minusta tuntuu erityiseltä, koska pystyin välittämään sieluni ja sydämeni totuuden yleisölle ja näkemään, että se hyväksyttiin. Mutta tein tämän suuren voiman palvelemaan yhtä suurimmista taiteista - musiikkia.

Elämänsä aikana hänen nimestään tuli legendaarinen. Häntä ihailtiin, pelättiin. Kaikesta nerosta ja ristiriidoista huolimatta hän pysyi kuitenkin aina naisena, joka halusi tulla rakastetuksi ja tarpeelliseksi.

Mitä Maria Callas, yksi 1900-luvun merkittävimmistä oopperalaulajista, on saavuttanut ja menettänyt?

Lapsena Maria oli lihava ja ruma. Mutta tämä tyttö osoitti yhtäkkiä todellista lahjakkuutta. Kahdeksanvuotiaana hän istui pianon luona, ja kävi heti selväksi: hän syntyi liittymään musiikkiin. Koska hän ei ollut vielä oppinut musiikkikirjaa, hän pystyi jo valitsemaan pianon melodiat melko menestyksekkäästi.

Klo kymmenen Maria lauloi ensimmäiset aareensa Bizetin oopperasta Carmen. Tekemällä niin hän yllätti äitinsä, entisen epäonnistuneen pianistin. Evankeliumit alkoivat kannustaa nuorimman tyttärensä esiintymistä kaikenlaisissa lasten konserteissa ja matineissa.

Kymmenvuotias Maria osallistui vuonna 1934 valtakunnalliseen amatöörilaulajien kilpailuun saaden toisen sijan ja saamalla lahjan rannekellosta.

Ensimmäinen menestys

Äiti uskoo, että menestyminen Amerikassa on vaikeaa, kuljettaa 13-vuotiaan Marian Kreikkaan. Siellä Callas oppii nopeasti täysin tuntemattoman kreikan kielen ja hämmentyneenä siitä, että hän oli jo kuusitoista, menee ensin kansalliseen konservatorioon ja kaksi vuotta myöhemmin Ateenaan. Kuuluisasta laulajasta, upean koloratrasopraanon Elvira de Hidalgon omistajasta, joka myöhemmin korvasi äitinsä ja ensimmäiset ystävänsä, tuli hänen uusi opettaja.

Vuonna 1940 Callas debytoi Ateenan kansallisoopperan näyttämöllä. Yksi teatterin johtavista laulajista sairastui yhtäkkiä, ja Marialle tarjottiin päärooli Puccinin oopperassa Tosca. Lavalle nousun aikana yksi työntekijöistä sanoi äänekkäästi: "Pystyykö sellainen norsu laulamaan Toscaa?" Maria reagoi välittömästi.

Kenelläkään ei ollut aikaa tulla järkiinsä, koska rikoksentekijän revitty paita jo vuodatti verta hänen omasta nenästään. Toisin kuin tyhmä työntekijä, yleisö oli iloinen kuullessaan kauniin esityksen. Kriitikot toistivat sitä, jotka lähettivät kiitosta ja innostuneita muistiinpanoja seuraavana päivänä sanomalehdiin.

Vuonna 1945 Maria päätti palata Amerikkaan, missä häntä odotti isä ja ... epävarmuus.

Miljonääri Veronasta

Menestys Kreikassa osoittautui melkein mikään amerikkalaisille tuottajille. Kahden vuoden epäonnistumisen jälkeen hän tapaa Giovanni Zenatellon, joka tarjosi hänelle La Giocondan roolia samannimisessä oopperassa. Ja Marian elämä oli pitkään yhteydessä Italiaan.

Veronassa hän tapasi paikallisen teollisuusmiehen Giovanni Batista Meneghinin. Hän oli kaksi kertaa hänen ikänsä ja rakasti intohimoisesti oopperaa ja sen mukana Mariaa. Koko kauden ajan hän toi hänelle joka ilta valtavia kukkakimppuja. Tätä seurasivat esiintymiset ja ilmoitukset rakkaudesta. Giovanni myi liiketoimintansa kokonaan ja omistautui Callasille.

Vuonna 1949 Maria Callas allekirjoitti Veronan miljonäärin. Batistasta tuli Marialle kaikki - sekä uskollinen puoliso että rakastava isä, omistautunut johtaja ja antelias tuottaja. Meneghini sopi myös tunnetun kapellimestarin Tullio Serafinin kanssa hänen vaimonsa koulutuksesta. Tullio löysi Callaksen maailman näyttämölle ja seuraavien sukupolvien klassisen musiikin ystäville. Vuonna 1950 koko maailma puhui siitä jo. Hänet kutsuu legendaarinen Teatro alla Scala Milanossa, jota seuraa Lontoon Covent Garden ja New Yorkin Metropolitan Opera.

Ristiriitainen kuva

Suosion tullessa Callas alkaa muodostaa uutta näyttämökuvaansa, josta tulee hänen tunnusmerkinsä seuraavien 20 vuoden ajan.

Hän menee ennennäkemättömään ruokavalioon, jonka seurauksena hän onnistuu menettämään kolmekymmentäviisi kiloa. Hänen hahmossaan kävi myös metamorfooseja.

Callas on aina ollut ahkera ja huolellinen taiteen suhteen. Se raivostutti häntä, jos hän näki, että joku antoi taiteelle vähemmän kuin hän. Silloin Callas sai mainetta tappelupelaajana.

Ylläpitäjät vaikeuttivat tilannetta: heidän mielestään Marian tulisi aina olla kunnossa. Skandaali räjähti, kun tasavallan presidentti tuli Norman tuotantoon Roomassa. Jo ennen esityksen alkua Maria tunsi olonsa huonoksi ja tarjosi tilalle toisen esiintyjän, mutta teatterin hallinto vaati esiintymistä. Ensimmäisen näytöksen laulaminen sai jotenkin entistä pahemmaksi. Jotta Maria ei lopulta menettäisi ääntään, Maria kieltäytyi jatkamasta esitystä. Sanomalehtien edustajat esittivät kuitenkin kaiken omalla tavallaan.

"Terveyteni huomiotta jättämättä he alkoivat puhua pahasta hahmostani voimalla ja päällekkäin",

- Callas sanoo myöhemmin.

Ratkaiseva hetki

Rooman skandaali merkitsi suuren laulajan uran laskun alkua. Päivä ennen Bellinin oopperan Pirate ensi-iltaa Callas leikattiin. Toipumisjakso oli erittäin vaikea. Maria ei syönyt mitään ja lopetti nukkumisen melkein kokonaan. Tilansa vakavuudesta huolimatta hän tuli La Scala -vaiheeseen, ja kuten aina, hän oli vertaansa vailla. Yleisö alkoi tervehtiä jumalattariaan. Mutta teatterin johto ajatteli toisin.

Heti huipentumassa, kun Maria oli valmis astumaan ulos verhojen takaa, lavalle putosi paloturvallinen rautaverho, joka suojeli häntä täysin innostuneelta yleisöltä. Callasille tämä oli yksiselitteinen merkki.

"Oli kuin he sanoisivat minulle:" Mene ulos! Näytös on ohi! "

- hän myönsi haastattelussa. Raskaalla sydämellä hän lähtee Italiasta ja keskittää energiansa esiintymiseen Amerikassa.

Ammatillisen toiminnan kriisi oli samaan aikaan Marian kanssa yhtä dramaattisten tapahtumien kanssa hänen henkilökohtaisessa elämässään. Batista Meneghini osoittautui hyväksi näyttökerraksi, mutta ei menestyneimmäksi aviomieheksi. Hänen suhde Callasiin muistutti enemmän isän huolta kuin miehen täyttä rakkautta naista kohtaan.

Kultainen kreikka

Vuonna 1958 Maria kutsuttiin miehensä kanssa Castelbarcon kreivitären isännöimään vuotuiseen venetsialaiseen palloon. Muiden vieraiden joukossa oli läsnä myös Kreikan tankkerikuningas Aristoteles Onassis ja hänen vaimonsa Tina. Ari oli aina rakastunut kaikkeen kauniiseen ja maailmankuuluun, ooppera-diiva kiehtoi Aria.

Yrittäessään viehättää Callasia, Onassis käytti suosikkitaktiikkaansa - hän kutsui Marian ja hänen aviomiehensä ylelliseen Christina-huvijahtiin. Callas totesi hyväksyvänsä mielellään tämän kutsun, mutta hänen täytyi lykätä toistaiseksi kiireisen kiertomatkansa vuoksi. Esimerkiksi hän esiintyy nyt Lontoon Covent Gardenissa. Aristoteles, joka on aina kantanut halveksuntaa oopperalle, yllätti vaimonsa paljon, kun hän sanoi nopeasti: "Olemme ehdottomasti siellä!"

Kuultuaan tämän Giovanni koki oudon pelon ja valituksen tunteen, ikään kuin julistaisi avioliittonsa lopun alkua. Aristoteleen ja Marian sukulaisten kreikkalaisten sielujen välillä oli liikaa yhtäläisyyksiä. Näytti siltä, \u200b\u200bettä he löysivät toisensa tästä kiireisestä elämästä.

Signor Meneghini ei pettänyt ennakointeja. Kuten luvattiin, hän osallistui ensi-iltaan järjestämällä upean juhlat oopperajumalaisen kunniaksi esityksen jälkeen. Sata kuusikymmentä ihmistä - Yhdistyneen kuningaskunnan merkittävimmät ja vaikutusvaltaisimmat henkilöt - saivat kutsun, jossa lukee: "Herrailla ja rouva Onassisilla on kunnia kutsua sinut illalliselle Dorchester-hotelliin 17. kesäkuuta klo 23.15". . Ari lähetti myös neljäkymmentä merkittävintä vierasta lippua itse esitykseen, jotka olivat tuolloin heidän kultaansa painavia.

Juhla kesti aamuun asti. Juhlien lopussa Maria suostui kuitenkin Onasisin painostukseen ja hyväksyi kutsunsa risteilylle Välimerelle. Astuessaan "Christinan" kannelle Maria otti askeleen uuteen aikakauteen elämässään.

Pehmeä jahti, enemmän kuin kelluva museo kuin ajoneuvo, lähti purjehtimaan Monte Carlon laiturilta ja lähti kolmen viikon ylelliselle purjeelle. Callas ei ollut ainoa kunniavieras tällä risteilyllä.

Hänen lisäksi, suuri Winston Churchill oli läsnä myös vaimonsa Clementinen, tyttärensä Sarahin, henkilökohtaisen lääkärin Lord Moranin ja rakkaan kanarian Tobyn kanssa. Kun Christina telakoitui Delphiin, tunnettu yritys käveli miellyttävällä kävelyllä Apollon temppeliin. Kaikki olivat hyvällä tuulella, heikkenivät kuuluisien ennusteiden odottamiseksi.

Mutta tällä kertaa Delphic Oracle iski kaikkia hiljaisuuteen. Ja mitä hän olisi voinut ennustaa? Maailmanpolitiikan patriarkka Sir Winston Churchill odotti elämänsä loppua, Tina - avioero Aristoteleksesta, itse Onassis - poikansa kuolema ja epäonnistunut avioliitto Jacqueline Kennedyn kanssa, Maria - tähtien traaginen loppu uransa, Giovanni Meneghini, joka uhrasi kaiken vaimonsa puolesta - skandaalisen avioeron ja surulliset muistot entisestä onnesta. Tarpeetonta sanoa, että Delphic Oracle toimi viisaasti.

Risteilyn aikana Onassis käytti kaiken viehätyksensä Maryn viettelemiseen. Ja hän luopui ... Ja heti, tottumatta piilottamaan ajatuksiaan ja tunteitaan, hän ilmoitti tästä miehelleen:

”Kaikki on välillämme. Olen hullu Arista. "

Eroksen armoilla

Suhde Aristoteles Onassisiin oli kiehtovin oopperajumalaisen elämässä. Hänestä tuli hänen ensimmäinen rakkautensa, yhtä vahva kuin se oli myöhässä.

Maria yritti kaivaa rakkaansa elämän kaikkia näkökohtia. Toisin kuin ensimmäinen vaimonsa, Maria voisi mennä keittiöön ennen illallista ilman varoitusta ja seurata itse ruoanlaittoprosessia.

Tämä pakkomielle aiheutti paljon ahdistusta kokki Onassis Clement Miralin keskuudessa. Hän oli erityisen kauhuissaan, kun Callas nosti hienostuneen gourmet-ilman ilmalla herkullisen astian kannen ja kastaa siihen leipäkappaleen ja maisteli sitä. Miralin hämmästyneeseen kysymykseen, mitä hän sanoisi pomolleen, kun hän löysi leipänsä lautasestaan, hän vastasi kiistattomasti:

"Kerro hänelle, että se on hänen uuden rakastajansa vika!"

Kun tiedot Callasin ja Onassiksen välisestä suhteesta vuotivat lehdistölle, puhkesi maallinen skandaali.

Onassisin vaimo Tina otti välittömästi lapsensa - 12-vuotiaan Alexanderin ja 9-vuotiaan Christinan - ja katosi tuntemattomaan suuntaan. Kulmassa, ulospäin, Onassis pysyi rauhallisena ja vastasi toimittajien kysymyksiin:

"Olen merimies ja tällaista voi sattua merimiehille ajoittain."

Sisällä Ari oli huolestunut tilanteesta. Saatuaan kanaviensa välityksellä tietää, että Tina piiloutui isänsä, kreikkalaisen laivanvarustajan Stavros Livanoksen kanssa, Aristoteles alkoi piirittää vaimoaan yrittäen selittää, että Callas oli hänelle vain älykäs ja omistautunut tyttöystävä, joka auttoi häntä ratkaisemaan liiketoiminta-asioita. On epätodennäköistä, että Tina voitaisiin vakuuttaa ilmeisellä valheella. Ja Meneghini hermostui, kun hän huomasi, että Maria ei koskaan palaa hänen luokseen. Hylätyt puolisot - Giovanni ja Tina - antoivat avioeron.

Monet Aristoteleen vaikutusvaltaiset ystävät osallistuivat korkean profiilin skandaaliin. Jopa Onassisin läheinen ystävä Whiston Churchill yritti osallistua rumaan selvitykseen. Mutta hän vain nyökkäsi tyytymättä ja mutisi jotain, mikä ei ollut aivan selvää itselleen. Perhe- ja avioliittokysymykset ovat aina merkinneet vain vähän maailmanpolitiikan patriarkan elämässä, mutta melankoliaa ja masennusta rasittavan vanhenemisen alkaessa heille ei ollut mitään tilaa.

Nämä eivät olleet parhaat ajat sekä Onassikselle että Marialle. Aristoteles heitti kahden naisen välillä, kun Mary yritti tottua uuteen rakastajatar rooliinsa. Heidän tunteensa näytti olevan testattu vahvuuden suhteen.

Ja he läpäisivät tämän testin kunnolla. Vuonna 1960 molemmat vapautuivat.

Ilmainen uinti

Maria suhtautui optimistisesti tapahtuneisiin muutoksiin. Lopuksi hän kuului itselleen ja jollekin muulle, erittäin arvokkaalle ja rakastetulle. Hän tunnusti:

”Asuin liian kauan itseäni paljon vanhemman ihmisen kanssa, minusta jopa tuntui, että olen vanhenemassa etuajassa. Elämäni kului kuin häkissä, ja vasta kun tapasin ensimmäisen kerran Ariston ja hänen ystävänsä, jotka säteilevät kaiken elämän monimuotoisuuden, minusta tuli täysin erilainen nainen. "

Uudet elämän horisontit avautuivat hänen edessään. Pian Callas huomasi olevansa raskaana. Hänen elämänsä kirjassa alkoi uusi luku, jonka erityispiirteinä olivat kodin mukavuus, iloiset lasten huudot ja rakastetun miehen lempeä syleily. Ja työ - hänen suosikkiteoksensa - ei voinut olla muuta kuin kostaa laulajaa tällaisesta huomaamattomuudesta. Yhtäkkiä hänen unohtumaton ääni alkoi muuttua, eikä hän voinut tehdä asialle mitään. Vuosia myöhemmin Mary sanoo:

”Ensimmäistä kertaa minulla oli komplekseja, ja aloin menettää entistä rohkeuttani. Negatiivisilla arvosteluilla on ollut kauhea vaikutus, joka on johtanut minut luovaan kriisiin. Tämä on ensimmäinen kerta, kun olen menettänyt oman ääneni hallinnan. "

Callas tarvitsi enemmän kuin koskaan apua, neuvoja ja tukea. Hän kääntyy lähinnä olevan henkilön - Aristoteleen, puoleen. Mutta näyttää siltä, \u200b\u200bettä se oli epäonnistunut ehdokas. Onassis on liian kaukana taiteen ongelmista ja rakkaan henkisestä ahdistuksesta. Yhteinen lapsi voisi muuttaa tilannetta, mutta täälläkin Callas joutui katkeraan pettymykseen. Poika, jonka hän kutsui Omeroksi, syntyi kuolleena. Hänellä oli vain yksi asia: yrittää saada takaisin entinen kunniansa ja mennä naimisiin Aristoteleen kanssa hankkimalla virallisen vaimon ja kotiäyttäjän asema.

Presidentin vaimo

Tuskallisten avioeromenettelyjen jälkeen Aristoteles ja Mary alkoivat esiintyä yhdessä yhteiskunnassa epäröimättä. Yksi Monte Carlon yökerhossa seuraavan tapaamisensa todistajista muisteli:

"He eivät voi tanssia poskilta poskelle, koska neiti Callas on jonkin verran pitempi kuin herra Onassis. Siksi, kun he tanssivat, Mary kallistaa päänsä ja puristaa hieman rakastajansa korvaa huulillaan, mikä saa hänet nauramaan innostuneesti.

Nähdessään kuinka nopeasti rakastajien välinen suhde kehittyy, kaikki elivät vain odottaessaan uusia upeita häät. Mary ja Aristoteles eivät kuitenkaan kiirehtineet asioista. Vastaamalla italialaisen lehden tunkeileviin kysymyksiin Callas oli väistävä ja salamyhkäinen:

"Voin vain sanoa yhden asian - minun ja herra Onassisen välillä on erittäin hellä ja herkkä ystävyys."

Kaikista odotuksista huolimatta avioliittoa ei koskaan solmittu - ei vuonna 1960 eikä sen jälkeen. Kolme vuotta avioeron jälkeen Onassisin elämässä ilmestyy uusi nainen, jolle hän tarjoaa paitsi käden ja sydämen myös kohtuullisen osan omaisuudestaan.

Kesällä 1963 Aristoteles kutsui Yhdysvaltain ensimmäisen rouvan Jacqueline Kennedyn jahtiensa Christina. Jo ennen henkilökohtaista tapaamista rouva Kennedyn kanssa, Onassista kiehtoi hänen imago, joka yhdisti kauneuden ja korkean aseman yhteiskunnassa.

Ja kun Jackie astui jahdinsa kannelle, hän upotti hänet lahjoihin. Kun ensimmäinen nainen palaa Valkoiseen taloon, yksi hänen aviomiehensä avustajista huomauttaa:

"Tähdet loistivat Jackien silmissä - kreikkalaiset tähdet!"

Callas ei heti tunnistanut rouva Kennedyä uhkana. Maria oli varma, että Onassis ei koskaan mene Yhdysvaltojen presidenttiä vastaan \u200b\u200buudesta rakkaussuhteesta. Tilanne muuttui dramaattisesti traagisten laukausten jälkeen Dallasissa.

Johanneksen kuoleman jälkeen Aristoteles alkaa aktiivisesti huolehtia Jacquelineesta. Nyt hänen kanssaan hän alkoi tehdä yksinäisiä matkoja "Christinalla" Egeanmerellä ja Välimerellä. Callas oli huolestunut, mutta hän ei voinut muuttaa mitään. Jackie on häntä nuorempi ja vielä kuuluisampi. Myös Onassisin asenne on muuttunut. Jatkuvan kumppanin sijasta hän muutti Marian rennoksi kumppaniksi, joka vieraili hänen ajoittain.

Joskus nämä vierailut olivat melko jännittäviä sekä Callakselle että Ari itselle. Kerran hetkeksi nautinnoksi hän suostui naimisiin Marian kanssa. Häävalmistelut, jotka päätettiin pelata maaliskuun alussa 1968 Lontoossa, tapahtui tiukimman salaisuuden ilmapiirissä.

Viime hetkellä Callas kauhistui huomatessaan, ettei hänellä ollut syntymäasiakirjaa. Kaksoiskappale oli valmis kaksi viikkoa myöhemmin, josta tuli kohtalokas suuren laulajan elämässä. Vain muutama minuutti ennen häätseremonian alkua, hän putosi sulhasen kanssa menettäen hänet melkein ikuisesti. Saman vuoden kesäkuussa Onassis pelasi toisen häät, vain morsian ei ollut Callas, vaan Yhdysvaltojen entinen ensimmäinen nainen Jacqueline Kennedy. Marian elämän traagisin vaihe alkoi.

Viimeinen verho

Hän yritti edelleen palata näyttämölle. Mutta se oli erilainen aika ja erilainen ääni. Nyt Maria joutui kilpailemaan entisen itsensä kanssa, eikä lopputulos selvästi ollut hänen suosiossa. Avoimuuden hetkissä hän myöntää:

”Päivä on helppo elää, mutta yö ... Suljet makuuhuoneen oven ja jätät yksin. Mitä haluat tehdä? Ulvo kuin susi? "

Hämmästyttävää, että Onassis avioliitosta huolimatta pysyi edelleen elämässään vierailemalla aina, kun hän mielihyvää. Avioliitto Jacquelineen kanssa epäonnistui, joten kahden rakastajan väliset salaiset tapaamiset eivät olleet niin harvinaisia \u200b\u200btapahtumia. Mutta silti se ei ollut niin, ei niin ... Heidän rakkautensa kuoli.

Siksi Onassisin todellinen kuolema maaliskuussa 1975 ei muuttanut mitään Marian elämässä. Hän on ollut kauan yksin ... Kukaan ei tarvinnut, kukaan ei rakastanut. Ehkä tämä oli yksi pahimmista lauseista naiselle, jota tuhannet aplodioivat ja miljoonat palvoivat.

Elämällä ei ole enää merkitystä. 16. syyskuuta 1977 Maria löydettiin kuolleena huoneistostaan.

Vuodet kuluvat, ja armoton aika häviää tämän draaman monien osallistujien muistista. Vain Maria Callasin jumalallinen ääni pysyy. Se, joka pystyy tekemään ihmisistä kirkkaampia ja puhtaampia. Mutta mikä ei koskaan tuonut onnea omistajalle.

Maria Callas on hämmästyttävä nainen, jolla on ainutlaatuinen kirkas ääni, joka on kiehtonut katsojia maailman parhaista konserttisaleista monien vuosien ajan. Vahva, kaunis, uskomattoman hienostunut, hän voitti miljoonien kuuntelijoiden sydämet, mutta hän ei voinut voittaa ainoan rakastetun ihmisen sydäntä. Kohtalo on valmistellut oopperadivaa varten monia koettelemuksia ja traagisia käännöksiä, ylä- ja alamäkiä, nautintoja ja pettymyksiä.

Lapsuus

Laulaja Maria Callas syntyi vuonna 1923 New Yorkissa kreikkalaisten emigranttien perheessä, joka muutti vähän ennen tyttärensä syntymää Amerikkaan etsimään parempaa elämää. Ennen Marian syntymää Callas-perheellä oli jo lapsia - poika ja tytär. Pojan elämä kuitenkin keskeytyi niin aikaisin, että vanhemmilla ei ollut edes aikaa nauttia poikansa kasvattamisesta.

Tulevan maailmantähden äiti raskauden aikana meni suremaan ja pyysi ylemmiltä voimilta poikaa syntymään - korvaamaan kuolleen lapsen. Mutta syntyi tyttö - Maria. Aluksi nainen ei edes tullut lapsen kehtoon. Ja monien elämänvuosien ajan kylmyys ja tietty irtautuminen suhteessa toisiinsa seisoivat Maria Callasin ja hänen äitinsä välillä. Naisten välillä ei ole koskaan ollut hyvää suhdetta. Heitä yhdistivät vain jatkuvat väitteet ja lausumaton kaunaa toisiaan kohtaan. Tämä oli elämän julma totuus.

Marian isä yritti harjoittaa apteekkiliiketoimintaa, mutta 1900-luvun 30-luvun talouskriisi, joka tarttui Yhdysvaltoihin, ei jättänyt mahdollisuuksia sateenkaaren unelman toteutumiseen. Rahan puute jatkui, mikä teki skandaaleista Callas-perheessä normin. Maria kasvoi sellaisessa ilmapiirissä, ja se oli vaikea testi hänelle. Loppujen lopuksi Marian äiti otti heidät ja sisarensa pitkien pohdintojen jälkeen, koska hän ei kyennyt kestämään köyhää, melkein kerjäläistä olemassaoloa, erosi miehestään ja palasi kotimaahansa Kreikkaan. Täällä Maria Callasin elämäkerta kääntyi jyrkästi, mistä kaikki alkoi. Maria oli tuolloin vain 14-vuotias.

Opiskelu konservatoriossa

Maria Callas oli lahjakas lapsi. Lapsuudesta lähtien hän osoitti kykyä musiikkiin, hänellä oli erinomainen muisti, hän muisti kaikki kuulemansa kappaleet helposti ja antoi ne heti katuympäristön tuomioistuimelle. Tytön äiti tajusi, että tyttärensä musiikin opiskelu voi olla hyvä sijoitus perheen mukavaan tulevaisuuteen. Maria Callasin musiikillinen elämäkerta aloitti laskunsa juuri siitä hetkestä lähtien, kun hänen äitinsä antoi tulevan tähden Ateenan Ethnikon Odeon -konservatorioon. Tytön ensimmäinen opettaja oli musiikkipiireissä tunnettu Maria Trivella.

Musiikki oli kaikkea Maria Callasille. Hän asui vain luokkahuoneen seinissä - hän rakasti, hengitti, tunsi - koulun ulkopuolella muuttuen tytöksi, joka ei ole sopeutunut elämään, täynnä pelkoja ja ristiriitoja. Ulkopuolisesti ruma - lihava, kammottavissa lasissa - Maria piilotti koko maailman, kirkkaan, vilkkaan, kauniin eikä tiennyt lahjakkojensa todellisesta arvosta.

Menestys musiikillisessa lukutaidossa oli asteittaista, kiireetöntä. Opiskelu oli kovaa työtä, mutta se tuotti suurta iloa. Minun on sanottava, että luonto on palkinnut Marian pedanteilla. Huolellisuus ja tarkkuus olivat hyvin ilmeisiä piirteitä hänen luonteestaan.

Myöhemmin Callas muutti toiseen konservatorioon - Odeon Afion, laulaja Elvira de Hidalgon luokassa, minun on sanottava, erinomainen laulaja, joka auttoi Mariaa paitsi muodostamaan oman tyylinsä musiikkimateriaalissa, myös tuomaan äänensä täydellisyys.

Ensimmäiset onnistumiset

Maria maisteli ensimmäistä menestystään loistavan debyyttinsä jälkeen Ateenan oopperatalossa Santuzzan kanssa Mascagnin maaseudun kunniassa. Se oli vertaansa vailla oleva tunne, niin suloinen ja huumaava, mutta se ei kääntänyt tytön päätä. Callas ymmärsi, että todellisten korkeuksien saavuttamiseksi tarvitaan uuvuttavaa työtä. Ja työtä ei olisi pitänyt tehdä vain äänellä. Marian ulkoiset tiedot tai pikemminkin hänen ulkonäönsä eivät tuolloin antaneet naisessa yhtään grammaa merkkejä tulevasta oopperamusiikin jumalattaresta - hän oli lihava, käsittämättömissä vaatteissa, jotka näyttivät enemmän kuin huppari kuin konserttipuku, kiiltävillä hiuksilla ... mikä alussa oli se, joka vuosien varrella ajoi tuhansia miehiä hulluiksi ja asetti liikevektorin tyylille ja muodille monille naisille.

Konservatorion koulutus päättyi 40-luvun puolivälissä, ja Maria Callasin musiikillista elämäkertaa täydennettiin kiertämällä Italiaa. Kaupungit ja konserttisalit vaihtelivat, mutta salit olivat täynnä kaikkialla - oopperanystävät tulivat nauttimaan tytön upeasta äänestä, niin sydämellisestä ja vilpittömästä, joka hurmasi ja kiehtoi kaikki sen kuulijat.

Uskotaan, että laaja suosio tuli hänelle vasta sen jälkeen, kun La Gioconda oli roolissa samannimisessä oopperassa, joka esitettiin Arena di Verona -festivaalin lavalla.

Giovanni Battista Meneghini

Pian kohtalo tarjosi Maria Callasille tapaamisen tulevan aviomiehensä Giovanni Battista Meneghinin kanssa. Italialainen teollisuusmies, aikuinen mies (melkein kaksi kertaa Maryn ikäinen), hän oli kovasti oopperasta ja oli hyvin myötätuntoinen Callasille.

Meneghini oli erikoinen henkilö. Hän asui äitinsä kanssa, hänellä ei ollut perhettä, mutta ei siksi, että hän oli vakuuttunut poikamies. Se on vain, että pitkään aikaan ei ollut sopivaa naista hänelle, eikä Giovanni itse etsinyt nimenomaan elämänkumppania. Luonteeltaan hän oli melko laskeva, innostunut työstään, kaukana komeasta, eikä myöskään pitkä.

Hän alkoi huolehtia Mariasta, antaa hänelle upeita kukkakimppuja, kalliita lahjoja. Tytölle, joka oli tähän asti elänyt vain musiikissa, kaikki tämä oli uutta ja epätavallista, mutta erittäin miellyttävää. Tämän seurauksena oopperalaulaja hyväksyi herrasmiehen seurustelun. He iloitsivat.

Maria ei ollut sopeutunut elämään, ja Giovanni oli hänelle kaikki tässä mielessä. Hän korvasi rakastetun isänsä, kuunteli naisen emotionaalisia ahdistuksia ja huolia, oli hänen asioidensa luottaja ja hoiti impresario-roolia, tarjosi elämää, rauhaa ja mukavuutta.

Perhe-elämä

Heidän avioliittonsa ei rakentunut tunteisiin ja intohimoihin, vaan se muistutti pikemminkin hiljaista turvapaikkaa, jossa ei ole sijaa levottomuuksille ja myrskyille.

Äskettäin tehty perhe asettui Milanoon. Heidän kaunis koti - perhepesä - oli Marian valvonnassa ja tarkassa valvonnassa. Kotitöiden lisäksi Callas opiskeli musiikkia, kiersi Yhdysvaltoja, Latinalaista ja Etelä-Amerikkaa eikä koskaan ajatellut avioliiton uskottomuutta. Hän itse pysyi uskollisena miehelleen eikä koskaan ajatellut olla kateellinen miehelle tai epäillä häntä uskottomuudesta. Sitten Callas oli edelleen se Maria, joka pystyi tekemään paljon miehelle, esimerkiksi epäröimättä, jättämään uran perheen vuoksi. Sinun piti vain kysyä häneltä siitä ...

50-luvun alussa onni kääntyi kohtaamaan Maria Callas. Hänet kutsuttiin esiintymään La Scalaan Milanoon. Se oli todella hieno ehdotus, eikä se ollut ainoa. Lontoon Covent Garden, Chicagon oopperatalo ja New Yorkin Metropolitan Opera avasivat heti ovensa laulajalle. Vuonna 1960 Maria Callasista tuli kokoaikainen solisti La Scalassa, ja hänen uransa täydennettiin parhailla oopperarooleilla. Maria Callasin ariat ovat lukuisia, muun muassa Lucian ja Anne Boleynin rooli Lucia di Lammermoorissa ja Anne Boleyn Donizettissä; Violetta Verdin La Traviatassa, Tosca Puccinin Toscassa ja muut.

Muutos

Vähitellen, kun tuli maine ja maine, Maria Callasin ulkonäkö muuttui. Nainen teki todellisen läpimurron ja muuttui jonkin aikaa ruma-ankanpoikasta todella kauniiksi joutseneksi. Hän meni julmaan ruokavalioon, menetti painonsa uskomattomiin parametreihin, ja hänestä tuli hienostunut, tyylikäs ja uskomattoman hyvin hoidettu. Antiikkiset kasvojen piirteet loistivat uusilla väreillä, niihin ilmestyi valo, joka tuli sisältä ja sytytti miljoonia sydämiä ympäri maailmaa.

Laulajan aviomies ei erehtynyt "laskelmissaan". Hän näytti ennustaneen, että Maria Callas, jonka valokuvat olivat nyt sanomalehdissä, oli timantti, joka vaatii yksinkertaisesti leikkauksen ja kauniin kehyksen. Anna sille vähän huomiota ja se loistaa maagisella valolla.

Maria asui nopeatempoisessa elämässä. Harjoitukset iltapäivällä, esitys illalla. Callasilla oli talisman, jota ilman hän ei mennyt lavalle - miehensä lahjoittama kangas raamatullisella kuvalla. Menestys ja tunnustaminen vaativat jatkuvaa titaanista työtä. Mutta hän oli onnellinen, koska hän tiesi, ettei ollut yksin, hänellä oli talo, jossa he odottivat häntä.

Giovanni ymmärsi täydellisesti, että hänen vaimonsa oli huolissaan, ja yritti jotenkin tehdä elämästään helpompaa ja helpompaa yrittäen suojella häntä kaikelta, jopa äidin huolilta. Pariskunnalla ei ollut lapsia - Meneghini kielsi Marian yksinkertaisesti synnyttämästä.

Maria Callas ja Onassis

Maria Callasin ja Giovanni Battista Meneghinin avioliitto kesti 10 vuotta. Ja sitten oopperadivan elämään ilmestyi uusi mies, ainoa rakastettu. Ainoastaan \u200b\u200bhänen kanssaan hän koki koko tunteet - rakkauden, hullun intohimon, nöyryytyksen ja pettämisen.

Se oli kreikkalainen miljonääri, "sanomalehtien, tehtaiden ja laivojen" omistaja Aristoteles Onassis - laskeva mies, joka ei tehnyt mitään ilman hyötyä itselleen. Hän hankki omaisuutensa toisen maailmansodan aikana myymällä öljyä vihollisuuksiin osallistuville maille. Kerran hän meni naimisiin (ei vain tuollaisten, tunteidensa vuoksi, mutta myös taloudellisten näkökulmien kanssa) Tina Livanosin, varakkaan varustamon tyttären kanssa. Avioliitossa heillä oli kaksi lasta - poika ja tytär.

Aristoteles ei ollut komea mies, joka ajoi naiset heti hulluuteen. Hän oli tavallinen mies, melko lyhyt. Tietenkin on vaikea sanoa varmasti, onko hänellä todellisia, vilpittömiä tunteita Maria Callasiin. Tämä on tiedossa vain hänelle ja Jumalalle, mutta innostus, metsästäjän vaisto hyppäsi häneen - tämä on epäilemättä. Tällaisia \u200b\u200bpalvovat kaikki Maria Callas, nuori 35-vuotias kaunis nainen, hyvin hoidettu ja kaunis. Hän halusi tulla tämän pokaalin omistajiksi, niin himoituksi ...

Avioero

He tapasivat Venetsiassa pallolla. Jonkin ajan kuluttua aviopuolisot Maria Callas ja Giovanni Meneghini kutsuttiin ystävällisesti Onassisin purjeveneeseen jännittävälle risteilylle. Yachtin ilmapiiri oli ooppera-diivalle tuntematon: rikkaat ja kuuluisat ihmiset, jotka viettivät joutensa aikaa baareissa ja viihdetapahtumissa; lempeä aurinko, meri-ilma ja yleensä epätavallinen tilanne - kaikki tämä upotti Maria Callasin aiemmin tuntemattomien tunteiden kuiluun. Hän tajusi, että konserttien ja jatkuvan työn ja harjoitusten lisäksi on toinen elämä. Hän rakastui. Hän rakastui ja aloitti suhde Onassisin kanssa vaimonsa ja oman aviomiehensä edessä.

Kreikkalainen miljonääri teki parhaansa voittaakseen Marian sydämen. Hän käyttäytyi kuin hänen palvelijansa yrittäen täyttää jokaisen mielihyvän.

Giovanni Battista huomasi vaimonsa muutokset ja ymmärsi kaiken. Ja pian koko yleisö oli tietoinen siitä, mitä oli tapahtumassa: Aristotle Onassis ja Maria Callas, joiden valokuvat ilmestyivät maallisen aikakirjan sivuilla, eivät edes ajatelleet piiloutua uteliailta katseilta.

Battista oli valmis antamaan anteeksi vaimolleen pettämisen ja aloittamaan alusta. Hän yritti tavoittaa Marian syyn ja terveen järjen. Mutta nainen ei tarvinnut sitä. Hän kertoi aviomiehelleen rakastavansa toista ja ilmoitti hänelle aikomuksestaan \u200b\u200berota.

Uusi onneton elämä

Ero aviomiehensä kanssa ei tuonut Marialle onnea. Aluksi hänen asioissaan heikkeni, koska ei ollut ketään muuta, joka tekisi hänen esiintymisensä ja konserttiensa järjestämisen. Oopperalaulaja oli kuin pieni tyttö, avuton ja kaikkien hylkäämä.

Hänen henkilökohtaisessa elämässään kaikki oli epämääräistä. Callas odotti hetkeä, jolloin rakastettu lopulta erosivat vaimostaan \u200b\u200bja menisi naimisiin, mutta Aristoteles ei kiirehtinyt rikkomaan perhesiteitä. Hän täytti kaikki toiveensa, miellyttäen miehen egoa ja ylpeyttä; osoitti itselleen, että hän pystyy voittamaan jopa oopperan ylpeimmän jumalattaren, jota monet niin toivovat. Ei ollut mitään kokeilla nyt. Rakastajatar alkoi vähitellen väsyttää häntä. Hän kiinnitti hänelle huomiota yhä vähemmän ja mainitsi jatkuvan työllisyyden ja liiketoiminnan. Maria ymmärsi, että rakastamallaan miehellä oli muita naisia, mutta hän ei voinut vastustaa tunteitaan.

Kun Maria oli hieman yli 40, kohtalo antoi hänelle viimeisen mahdollisuuden tulla äidiksi. Mutta Aristoteles asetti naisen tuskallisen valinnan eteen, eikä Callas voinut murtautua itseään ja hylätä rakastettua miestä.

Työn väheneminen ja rakkaasi pettäminen

Epäonnistumiset seurasivat diivaa paitsi hänen henkilökohtaisessa elämässään. Maria Callasin ääni alkoi kuulostaa pahemmalta ja aiheutti rakastajalleen yhä enemmän ongelmia. Nainen tajusi jossain sielunsa syvyydessä, että korkeammat voimat rankaisivat häntä epäoikeudenmukaisesta elämäntavastaan \u200b\u200bja siitä, että hän oli kerran pettänyt miehensä.

Nainen meni tapaamaan maailman parhaita asiantuntijoita, mutta kukaan ei voinut auttaa häntä. Lääkärit tekivät avuttoman eleen puhuen näkyvien patologioiden puuttumisesta vihjaen laulajan ongelmien psykologiseen osaan. Maria Callasin esittämät ariat eivät enää aiheuttaneet tunteiden myrskyä.

Vuonna 1960 Aristoteles sai avioeron, mutta hän ei koskaan mennyt naimisiin kuuluisan rakastajattarensa kanssa. Maria odotti avioliittoehdotusta häneltä jonkin aikaa, ja sitten hän yksinkertaisesti lopetti toivomisen.

Elämä muutti väriä ja iski naista sairaimpaan. Marian ura ei kehittynyt lainkaan, hän esiintyi vähemmän ja vähemmän. Hänet vähitellen alettiin pitää oopperadivana, mutta varakkaiden Aristoteles Onassisin rakastajatarina.

Ja pian rakkaansa puukotti selkää - hän meni naimisiin. Mutta ei Mary, vaan murhatun presidentin leski Jacqueline Kennedy. Se oli erittäin kannattava avioliitto, joka avasi tien kunnianhimoiselle Onassikselle poliittisen eliitin maailmaan.

Unohdus

Maamerkki Maria Callasin kohtalossa ja musiikillisessa urassa oli hänen esityksensä La Scalassa Paolinan osallistuessa Polievkta vuonna 1960, mikä osoittautui täydelliseksi epäonnistumiseksi. Ääni ei kuunnellut laulajaa, ja lumoavien äänien sijasta katsojan pääsi valheellisuutta täynnä ooppera. Ensimmäistä kertaa Maria ei voinut hallita itseään. Tämä oli lopun alku.

Callas lähti vähitellen lavalta. Jonkin aikaa, asettuessaan New Yorkiin, Maria opetti musiikkikoulussa. Myöhemmin hän muutti Pariisiin. Ranskassa hänellä oli kokemusta elokuvan kuvaamisesta, mutta hän ei tuottanut hänelle iloa tai tyydytystä. Laulaja Maria Callasin koko elämä liittyi ikuisesti vain musiikkiin.

Hän kaipasi jatkuvasti rakkaansa. Ja sitten eräänä päivänä hän tunnusti hänelle. Nainen antoi anteeksi petturilleen. Mutta liitto ei toiminut toisen kerran. Onassis ilmestyi Marian talossa harvoin, ajoittain, vasta kun hän itse sitä halusi. Nainen tiesi, ettei tätä miestä voida muuttaa, mutta hän rakasti häntä juuri sellaisena kuin hän oli. Vuonna 1975 Aristotle Onassis kuoli. Samana vuonna Ateenassa pidettiin Maria Callaksen nimisen ooppera- ja pianomusiikin kansainvälisen musiikkikilpailun avajaiset.

Rakkaansa kuoleman jälkeen nainen asui vielä kaksi vuotta. Maria Callasin elämäkerta keskeytettiin Pariisissa vuonna 1977. Oopperadiva kuoli 53-vuotiaana. Virallinen kuolinsyy on sydänkohtaus, mutta tapahtuneesta on toinenkin versio: monet uskovat sen olevan murha. Oopperalaulajan tuhka hajotettiin Egeanmeren vesille.

Vuodesta 1977 lähtien Maria Callasin kansainvälisestä kilpailusta on tullut vuosittainen tapahtuma, ja vuodesta 1994 lähtien on myönnetty ainoa palkinto, Maria Callas Grand Prix.

Legendaarinen kreikkalaista alkuperää oleva oopperalaulaja, yksi 1900-luvun parhaimmista sopraanoista. Ainutlaatuinen puhedata, vaikuttava bel canto -tekniikka ja todella dramaattinen lähestymistapa tehtyyn esitykseen Maria Callas maailman oopperalavan suurin tähti, ja hänen henkilökohtaisen elämänsä traaginen tarina herätti jatkuvasti yleisön ja lehdistön huomiota häneen. Erinomaisesta musiikillisesta ja dramaattisesta kyvykkyydestään ooppera-asiantuntijat nimittivät hänet "jumalattareksi" (La Divina).

Maria Callas, syntynyt Sophia Cecelia Kalos, syntyi 2. joulukuuta 1923 New Yorkissa Kreikasta tulleiden maahanmuuttajien perheessä. Hänen äitinsä, Kaloksen evankeliumit (Evangelia Kalos), huomannut tyttärensä musiikillisen kyvyn, pakotti hänet harjoittamaan laulua viiden vuoden iässä, mikä vauvalle ei pitänyt lainkaan. Vuonna 1937 Marian vanhemmat erosivat, ja hän muutti äitinsä kanssa Kreikkaan. Suhteet äitiinsä vain huonontuneet, vuonna 1950 Maria lopetti yhteydenpidon häneen.

Maria sai musiikillisen koulutuksensa Ateenan konservatoriossa.

Hänen opettajansa Maria Trivella (Maria Trivella) muistelee: ”Hän oli täydellinen opiskelija. Fanaattinen, tinkimätön, täysin omistautunut laulamaan sydämensä ja sielunsa. Hänen edistymisensä on ollut ilmiömäistä. Hän harjoitti viisi tai kuusi tuntia päivässä, ja kuusi kuukautta myöhemmin hän lauloi vaikeimmat aaria.

Vuonna 1938 tapahtui ensimmäinen julkinen esiintyminen Callaspian sen jälkeen hän sai pieniä rooleja Kreikan kansallisoopperassa. Siellä saatu pieni palkka auttoi perhettään toimeentuloon vaikeina sodan aikoina. Marian debyytti nimiroolissa tapahtui vuonna 1942 Olympia-teatterissa ja sai ylistäviä arvosteluja lehdistöltä.

Sodan jälkeen Callas meni Yhdysvaltoihin, missä hänen isänsä asui. George Callas(George Kalos). Hänet hyväksyttiin arvostettuun Metropolitan Opera -oopperaan, mutta hylkäsi pian sopimuksen, joka tarjosi sopimattomia rooleja ja matalan palkan. Vuonna 1946 Callas muutti Italiaan. Veronassa hän tapasi Giovanni Battista Meneghini (Giovanni Battista Meneghini). Varakas teollisuusmies oli paljon vanhempi kuin hän, mutta vuonna 1949 hän meni naimisiin hänen kanssaan. Ennen avioeroa vuonna 1959 Meneghini ohjasi uraa Callas, josta tulee hänen impresario ja tuottaja. Italiassa laulaja onnistui tapaamaan erinomaisen kapellimestarin Tullio Seraphin (Tullio Serafin). Heidän yhteinen työnsä merkitsi hänen menestyvän kansainvälisen uransa alkua.

Vuonna 1949 Venetsiassa Maria Callassuorittanut hyvin monipuolisen roolin: Brunhilde elokuvassa "Valkyrie" Wagnerja Elvira elokuvassa "Puritaanit" Bellini- ennennäkemätön tapahtuma oopperahistoriassa. Tätä seurasivat loistavat roolit oopperoissa Cherubinija Rossini... Vuonna 1950 hän antoi 100 konserttia ja asetti henkilökohtaisen parhaansa. Vuonna 1951 Callas debytoi oopperan legendaarisessa La Scala -vaiheessa Verdi"Sisilian Vespers". Maailman pääoopperalavalla hän osallistui tuotantoon Herbert von Karajan (Herbert von Karajan), Marguerite Wallmann (Margherita Wallmann), Luchino Visconti (Luchino Visconti) ja Franco Zeffirelli. Pitkä ja erittäin hedelmällinen yhteistyö alkoi vuonna 1952 Maria Callas Lontoon kuninkaallisen oopperan kanssa.

Vuonna 1953 Callas menetti painonsa nopeasti ja oli menettänyt 36 kg vuodessa. Hän muutti tarkoituksellisesti hahmoa esiintymisen vuoksi. Monet uskovat, että äkillinen painonmuutos oli syy varhaiseen äänen menetykseen, ja samalla on kiistatonta, että hän sai itseluottamusta ja hänen äänestään tuli pehmeämpi ja naisellisempi.

Vuonna 1956 hän palasi voitokkaasti Metropolitan Opera -oopperaan rooleilla Normassa Bellinija "Avustaja" Verdi... Hän on esiintynyt parhailla oopperalavoilla ja esitellyt klassikoita: osia Lucia di Lammermoorissa Donizetti, "Troubadour" ja "Macbeth" Verdi, "Toske" Puccini.

Vuonna 1957 Maria Callas tapasi miehen, joka käänsi elämänsä ylösalaisin - monen miljardin, kreikkalaisen laivanomistajan Aristoteles Onassis... Vuonna 1959 Callas jätti miehensä, Onassisin vaimo jätti avioeron. Kirkkaan parin äänekäs romanssi herätti lehdistön huomion yhdeksän vuoden ajan. Mutta vuonna 1968 Callasin unelmat uudesta avioliitosta ja onnellisesta perhe-elämästä romahtivat: Onassis meni naimisiin Yhdysvaltain presidentin lesken kanssa Jacqueline Kennedy(Jacqueline Kennedy).

Itse asiassa hänen maineikas uransa päättyi 40-luvun alussa. Viimeisen konsertin hän antoi kuninkaallisessa oopperatalossa vuonna 1965. Hänen tekniikkansa oli edelleen erinomainen, mutta ainutlaatuisella äänellä ei ollut voimaa.

Vuonna 1969 Maria Callas ainoa kerta, kun hän näytteli elokuvassa, joka ei ollut oopperaroolissa. Hän näytti antiikin Kreikan myyttien Medean sankaritaria italialaisen ohjaajan samannimisessä elokuvassa Pier Paolo Pasolini(Pier Paolo Pasolini).

Katkaisu Onassiksen kanssa, äänen menetys ja uran varhainen loppu lamauttivat Marian. 1900-luvun menestynein oopperalaulaja vietti elämänsä viimeiset vuodet melkein yksin ja kuoli yhtäkkiä vuonna 1977 53-vuotiaana sydänkohtaukseen. Hänen tahtonsa mukaan tuhka hajotettiin Egeanmerelle.

Laulaja Montserrat Caballe(Montserrat Caballé) roolista Callasmaailmanoopperassa: ”Se avasi oven kaikille maailman laulajille, jonka takana oli paitsi hyvä musiikki, myös suuri tulkinta-ajatus. Hän antoi meille mahdollisuuden tehdä asioita, jotka tuntuivat käsittämättömiltä hänen edessään. En koskaan unelmoinut saavuttaa hänen tasoaan. On väärin verrata meitä - olen paljon pienempi kuin hän. "

Vuonna 2002 Callasin ystävä Franco Zeffirelli teki elokuvan suuren laulajan muistoksi - "Callas Forever". Callasin roolissa oli ranskalainen Fanny Ardant.

Vuonna 2007 Callassai postuumisti Grammy-palkinnon musiikin huippuosaamisesta. Samana vuonna BBC Music Magazine nimitti hänet kaikkien aikojen parhaaksi sopraanoksi. Kolmekymmentä vuotta hänen kuolemansa jälkeen Kreikka laski liikkeeseen 10 euron juhlarahan, joka kuvaa Callasia. Omistuksensa Callakselle heidän työstään teki suuri joukko erilaisia \u200b\u200btaiteilijoita: ryhmiä R.E.M., Enigma, Uskoton, laulajia Celine Dion ja Rufus Wainwright.

Maestro Carlo Maria Giulini (Carlo Maria Giulini) äänellä Callas: "On hyvin vaikea löytää sanoja hänen äänensä kuvaamiseksi. Hän oli erityinen työkalu. Tämä tapahtuu jousille: viulu, viola, sello - kun kuulet ne ensimmäisen kerran, ne antavat oudon vaikutelman. Mutta jos kuuntelet muutaman minuutin, tulet samankaltaiseksi tämän äänen kanssa, ja se saa maagisia ominaisuuksia. Callasin ääni oli sellainen. "

(Englanti Maria Callas; nimi syntymätodistuksessa - Sophia Cecelia Kalos, englantilainen Sophia Cecelia Kalos, kaste Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - kreikka Μαρ? Α Καλογεροπο? Λου; 2. (4), 1923, New York - 16. syyskuuta, 1977, Pariisi) on amerikkalainen oopperalaulaja (sopraano).

Maria Callas kuuluu sellaisiin oopperauudistajiin kuin Richard Wagner ja Arturo Toscanini. 1900-luvun jälkipuoliskon kulttuuri liittyy erottamattomasti hänen nimiinsä. 1950-luvun alkupuolella, postmodernismin ilmiön aattona, kun 1800-luvun oopperasta tuli esteettinen anakronismi, Maria Callas toi oopperataiteen takaisin näyttämön Olympuksen huipulle. Palautettuaan bel canto -ajanjakson Maria Callas ei rajoittunut virtuoosiin koloratuuriin Bellinin, Rossinin ja Donizettin oopperoissa, vaan muutti äänensä tärkeimmäksi ilmaisukeinoksi. Hänestä on tullut monipuolinen laulaja, jonka ohjelmisto vaihtelee klassisista oopperasarjoista, kuten Spontinin Vestal, Verdin uusimpiin oopperoihin, Puccinin veristoopperoihin ja Wagnerin musikaaleihin.

Callasin uran nousuun 1900-luvun puolivälissä liittyi LP: n esiintyminen levytyksessä ja ystävyys EMI-levy-yhtiön tunnetun hahmon Walter Leggen kanssa.

Uuden kapellimestarien, kuten Herbert von Karajan ja Leonard Bernstein, sekä elokuvantekijöiden, kuten Luchino Visconti ja Franco Zeffirelli, saapuminen oopperatalojen lavalle teki jokaisesta Maria Callasin esityksestä tapahtuman. Hän muutti oopperasta todellisen draamateatterin, joka pakotti jopa "trillit ja asteikot ilmaisemaan iloa, ahdistusta tai kaipuuta".

Maria Callas syntyi New Yorkissa kreikkalaisten maahanmuuttajien perheessä. Vuonna 1936 Marian äiti, evankeliumi, palasi Ateenaan jatkamaan tyttärensä musiikillista koulutusta. Äiti halusi ruumiillistaa epäonnistuneen kykynsä tyttäressään ja alkoi viedä hänet New Yorkin kirjastoon Fifth Avenuelle. Maria alkoi kuunnella klassista musiikkia kolmen vuoden iässä, viiden vuoden kuluttua hän aloitti pianotunteja ja kahdeksanvuotiaana hän aloitti laulutunteja. 14-vuotiaana Maria aloitti opiskelun Ateenan konservatoriossa entisen espanjalaisen laulajan Elvira de Hidalgon johdolla.

Heinäkuussa 1941 Maria Callas debytoi Ateenan oopperassa Toscana saksalaisten miehitetyssä Ateenassa.

Vuonna 1945 Maria Callas palasi New Yorkiin. Seurauksena oli joukko epäonnistumisia: häntä ei tutustuttu Toscaniniin, hän kieltäytyi laulamasta Cio-Cio-Sanin osaa Metropolitan Operassa raskaan painonsa takia, toivoo Chicagon lyyrisen oopperan elpymistä, missä hän toivoi laulaa, romahti.

Vuonna 1947 Callas debytoi Veronan areenalla Ponchiellin La Giocondassa Tullio Serafinin johdolla. Tapaaminen Seraphinin kanssa oli Callasin itsensä sanoin: "Uran todellinen alku ja elämäni suurin menestys."

Tullio Seraphin esittelee Callaksen suuren oopperan maailmaan. Hän laulaa ensimmäiset osat Verdin Aidasta ja Bellinin Normasta vuoden 1948 lopussa. Vuoden 1949 alussa, viikon sisällä, Brunhilden lauluyhteensopimattomat roolit Wagnerin Valkyrie'ssa ja Elvira Bellinin The Puritansissa loivat laulaja Maria Callasin luovan ilmiön. Hän lauloi lyyrisiä, dramaattisia ja koloratuuriosia, mikä oli laulava ihme - "neljä ääntä yhdessä kurkussa". Vuonna 1949 Callas lähti kiertueelle Etelä-Amerikkaan. Vuonna 1950 hän laulaa ensimmäistä kertaa La Scalassa ja hänestä tulee ”Italian primadonnojen kuningatar”.

Vuonna 1953 EMI julkaisi täydelliset oopperatallennukset Maria Callasin kanssa ensimmäistä kertaa. Samana vuonna hän menettää painonsa 30 kilogrammalla. Muuttunut Callas kiehtoo yleisöjä Euroopan ja Amerikan oopperalavoilla Donizettin Lucia di Lammermoor, Bellinin Norma, Cherubini Medea, Verdin Troubadour ja Macbeth sekä Puccinin Tosca.

Syyskuussa 1957 Maria Callas tapasi ensimmäisen kerran Aristoteles Onassiksen toimittaja Elsa Maxwellin syntymäpäivän kunniaksi järjestetyssä ballossa Venetsiassa. Keväällä 1959 Venetsiassa he tapasivat taas pallolla. Sen jälkeen Onassis meni Lontooseen Callas-konserttiin. Tämän konsertin jälkeen hän kutsui hänet ja hänen miehensä purjeveneelleen. Marraskuun lopussa 1959 Onassisin vaimo Tina haki avioeroa, ja Callas ja Onassis ilmestyivät tuolloin avoimesti yhteiskunnassa. Pari taisteli melkein jatkuvasti, ja vuonna 1968 Maria Callas sai sanomalehdistä tietää, että Aristotle Onassis oli naimisissa Yhdysvaltain presidentin Jacqueline Kennedyn lesken kanssa.

Vuonna 1959 hänen menestyksekkäässä urassa tapahtui käännekohta. Tätä helpottivat äänen menetys, useita skandaaleja, avioero, katkaisu Metropolitan Opera -operaatioon, pakkosiirto La Scalasta, onneton rakkaus Aristotle Onassisia kohtaan ja lapsen menetys. Yritys palata näyttämölle vuonna 1964 päättyy toiseen epäonnistumiseen.

Veronassa Maria Callas tapasi paikallisen teollisuusmiehen Giovanni Batista Meneghinin. Hän oli kaksi kertaa hänen ikänsä ja intohimoinen oopperaan. Pian Giovanni tunnusti rakkautensa Marialle, myi yrityksen kokonaan ja omistautui Callakselle.

Vuonna 1949 Maria Callas ja Giovanni Meneghini menivät naimisiin. Hänestä tuli Marialle kaikki: sekä uskollinen puoliso että rakastava isä, omistautunut johtaja ja antelias tuottaja.

Vuonna 1969 italialainen ohjaaja Pier Paolo Pasolini kutsui Maria Callasin näyttelemään Medean roolissa samannimisessä elokuvassa. Vaikka elokuva ei ollut kaupallinen menestys, se on elokuvien kannalta erittäin kiinnostava, kuten kaikki muut Pasolinin teokset. Medean rooli oli Maria Callasille ainoa oopperan ulkopuolella.

Elämänsä viimeiset vuodet Maria Callas asui Pariisissa, käytännössä poistumatta asunnosta, jossa hän kuoli vuonna 1977. Hänet poltettiin ja haudattiin Pere Lachaisen hautausmaalle. Myöhemmin hänen tuhkansa hajotettiin Egeanmerelle. Italialaiset foniatristit (äänihuulien sairauksiin erikoistuneet lääkärit) Franco Fussi ja Nico Paolillo ovat selvittäneet oopperadivan Maria Callasin todennäköisimmän kuolinsyyn, kirjoittaa italialainen La Stampa (artikkelin käännös englanniksi, kirjoittanut Parterre Box). Tutkimustensa mukaan Callas kuoli dermatomyosiittiin, joka on harvinainen sidekudoksen ja sileän lihaksen häiriö. Fussi ja Paolillo tulivat tähän johtopäätökseen tutkittuaan Callasin eri vuosina tekemiä äänitteitä ja analysoineet hänen äänensä asteittaista heikkenemistä. Studiotallenteiden ja live-esitysten spektrografinen analyysi osoitti, että 1960-luvun loppuun mennessä, kun hänen äänensä heikkeneminen ilmeni, Callasin äänialue oli itse asiassa muuttunut sopraanosta mezosopranoksi, mikä selitti korkean nuotin äänen muutoksen esityksessään. .

Lisäksi hänen myöhempien konserttiensa videoiden huolellinen tutkiminen paljasti, että laulajan lihakset heikkenivät merkittävästi: rintakehä ei käytännössä noussut hengitettäessä, ja hengittäessään laulaja nosti hartiaan ja rasitti deltalihaksiaan, ts. Itse asiassa hän teki yleisimmän virheen tukiessaan äänilihasta.

Maria Callasin kuoleman syytä ei tiedetä varmasti, mutta laulajan uskotaan kuolleen sydänpysähdykseen. Fussin ja Paolillon mukaan heidän työnsä tulokset osoittavat suoraan, että syntynyt sydäninfarkti oli komplikaatio dermatomyosiitin seurauksena. On huomionarvoista, että tämän Callasin diagnoosin (dermatomyosiitti) teki lääkäri Mario Jacovazzo juuri ennen kuolemaansa (tämä tuli tunnetuksi vasta vuonna 2002).

Maria Callasin oopperaroolit
Santuzza - Maaseudun kunnia Mascagni (1938, Ateena)
Tosca - Puccinin "Tosca" (1941, Ateenan ooppera)
La Gioconda - Ponchiellin La Gioconda (1947, Arena di Verona)
Turandot - Puccinin "Turandot" (1948,
Aida - Aida Verdiltä (1948, Metropolitan Opera, New York)
Norm - Bellinin Norm (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden, Lontoo; 1954, Lyric Opera, Chicago)
Brünnhilde - Wagnerin Valkyrie (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elvira - Bellinin puritaanit (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elena - Verdin Sisilian vesperit (1951, La Scala, Milano)
Pesula - Wagner's Parsifal (La Scala)
Violetta - Verdin La Scala (La Scala)
Medea - "Medea" Cherubini (1953, "La Scala")
Julia - "Vestal" Spontini (1954, "La Scala")
Gilda - Verdin Rigoletto (1955, La Scala)
Madame Butterfly (Chio-Chio-san) - "Madame Butterfly", Puccini ("La Scala")
Lady Macbeth - "Macbeth" Verdi
Fedora - "Fedora" Giordano
Anne Boleyn - Donizettin "Anne Boleyn"
Lucia - Donizettin "Lucia di Lammermoor"
Amina - Bellinin Somnambula
Carmen - "Carmen" Bizet

Joyce DiDonato on kuuluisa yhdysvaltalainen oopperalaulaja, metsosopraano. Häntä pidetään yhtenä aikamme johtavista mezzosopraneista ja Gioacchino Rossinin teosten parhaimpana tulkkina. Joyce DiDonato (os Joyce Flaherty) syntyi 13. helmikuuta 1969 Pryre Villagessa, Kansasissa Yhdysvalloissa, perheessä, jolla on irlantilaiset juuret, kuudes seitsemästä lapsesta. Hänen isänsä oli paikallisen kirkkokuoron johtaja, Joyce lauloi siinä ja haaveili tulla Broadwayn tähdeksi. Vuonna 1988 hän tuli Wichitan osavaltion yliopistoon, jossa hän opiskeli laulua. Joyce-yliopiston jälkeen DiDonato päätti jatkaa musiikillista koulutustaan \u200b\u200bja vuonna 1992 hän tuli Philadelphian laulutaiteen akatemiaan. Akatemian jälkeen hän osallistui useiden vuosien ajan nuoren taiteilijan koulutusohjelmiin useissa oopperayhtiöissä: vuonna 1995 - Santa Fe -oopperassa, jossa hän sai musiikkiharjoituksia ja debytoi oopperansa suurella näyttämöllä, mutta niin kaukana vähäisissä rooleissa W.A. Mozartin oopperoissa "Figaron avioliitto", R. Straussin "Salome", I. Kalmanin "kreivitär Maritza"; vuosina 1996-1998 - Houston Grand Operassa ja hänet tunnustettiin parhaaksi "nousevaksi taiteilijaksi"; kesällä 1997 - San Franciscon oopperassa Merola Opera -koulutusohjelmassa. Opintojensa ja alkuharjoittelujensa aikana Joyce DiDonato osallistui useisiin tunnettuihin laulukilpailuihin. Vuonna 1996 hän tuli toiseksi Houstonissa sijaitsevassa Eleanor McCollum -kilpailussa ja voitti piirikokoukset Metropolitan Opera -kilpailussa. Vuonna 1997 hän voitti William Sullivan -palkinnon. Vuonna 1998 hän otti toisen sijan Placido Domingon Operalia-kilpailussa Hampurissa ja ensimmäisen sijan George London -kilpailussa. Seuraavina vuosina hän sai paljon enemmän erilaisia \u200b\u200bpalkintoja ja palkintoja. Joyce DiDonato aloitti ammattiuransa vuonna 1998 esiintymisillä useissa alueellisissa oopperayrityksissä Yhdysvalloissa, pääasiassa Houston Grand Operassa. Ja hän tuli tunnetuksi laajalle yleisölle Mark Adamon oopperan "Pieni nainen" esiintymisen ansiosta televisio-maailmassa. Kaudella 2000-2001. DiDonato teki debyyttinsä Euroopassa ja aloitti heti La Scalan Angelinan kanssa Rossinin Cinderellassa. Seuraavana kautena hän laajensi tutustumistaan \u200b\u200beurooppalaiseen yleisöön esittäen Alankomaiden oopperassa Händelin Sesta Julius Caesarina, Pariisin oopperassa Rosinaina Rossinin Sevillan parturissa ja Baijerin valtionoopperassa Cherubinona Mazartin Figaron avioliitossa. ja konserttiohjelmissa "Glory" Vivaldi Ricardo Muti ja La Scala Orchestra sekä F. "Juhannusyön unelma" F. Mendelssohn Pariisissa. Samalla kaudella Yhdysvalloissa hän teki debyyttinsä Washingtonin valtionoopperassa Dorabellana Mozartin "This Is What All Women Do" -elokuvassa. Tuolloin Joyce DiDonatosta oli jo tullut todellinen maailmankuulu oopperatähti, jota yleisö rakasti ja lehdistö kiitti. Jatko-ura vain laajensi kiertomatkaansa ja avasi uusien oopperatalojen ja festivaalien ovet - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Madridin kuninkaallinen teatteri, Tokion uusi kansallisteatteri, Wienin valtionooppera Joyce DiDonato on kerännyt runsaan valikoiman erilaisia \u200b\u200bmusiikkipalkintoja ja -palkintoja. Kuten kriitikot huomauttavat, tämä on ehkä yksi menestyneimmistä ja sujuvimmista urista modernissa oopperamaailmassa. Ja jopa onnettomuus, joka tapahtui Covent Gardenin näyttämöllä 7. heinäkuuta 2009 "Sevillan parturi" -esityksen aikana, kun Joyce DiDonato liukastui lavalle ja mursi jalkansa, ei keskeyttänyt tätä esitystä, jonka hän päätti kainalosauvoilla. , eikä sitä seuraavia aikataulun mukaisia \u200b\u200besityksiä, jotka hän johti ulos pyörätuolista, yleisön iloksi. Tämä "legendaarinen" tapahtuma on tallennettu DVD-levylle. Joyce DiDonato aloitti viimeisen kauden 2010-2011 Salzburgin festivaalilla ja debytoi Adalgizina Norma Belinnissä Edita Gruberovan kanssa Normana, sitten konserttiohjelmalla Edinburghin festivaalilla. Syksyllä Berliinissä hän esiintyi Rosinan roolissa Sevillan parturissa ja Madridissa Octavianuksen roolissa Ruusujen ritari. Vuosi päättyi useampaan palkintoon, ensimmäisenä Saksan Levyjen Akatemialle "Echo Klassik", joka nimitti Joyce DiDonaton "Paras naislaulaja 2010". Seuraavat kaksi palkintoa kerralla englantilaisesta klassisen musiikin aikakauslehdestä "Gramophone", joka nimitti hänet "Vuoden parhaaksi artistiksi" ja valitsi CD: n Rossinin aareilla parhaaksi "Vuoden kappaleeksi". Hän jatkoi kautta Yhdysvalloissa, hän esiintyi Houstonissa ja sitten johdanto-osan Carnegie Hallissa. Metropolitan Opera toivotti hänet tervetulleeksi kahdessa roolissa - Rossinin "Ori Ori" -sivulla Isolier ja R. Straussin "Ariadne auf Naxos" -säveltäjässä. Viimeinen kausi Euroopassa kiertueilla Baden-Badenissa, Pariisissa, Lontoossa ja Valenciassa. Laulajan verkkosivuilla on kiireinen aikataulu hänen tulevista esityksistään, tässä luettelossa vain vuoden 2012 ensimmäisellä puoliskolla on noin 40 esitystä Euroopassa ja Amerikassa. Joyce DiDonato on nyt naimisissa italialaisen kapellimestarin Leonardo Vordonin kanssa, jonka kanssa he asuvat Kansas Cityssä Missourissa Yhdysvalloissa. Joyce käyttää edelleen ensimmäisen aviomiehensä sukunimeä, jonka kanssa hän meni naimisiin heti yliopistosta.

Jo Sumi on korealainen oopperalaulaja, koloratuurisopraano. Tunnetuin oopperalaulaja on kotoisin Kaakkois-Aasiasta. Sumi Cho syntyi 22. marraskuuta 1962 Soulissa, Etelä-Koreassa. Hänen oikea nimensä on Jo Sugyeong. Hänen äitinsä oli harrastelaulaja ja pianisti, mutta hän ei kyennyt saamaan ammattimaista musiikkikoulutusta Korean poliittisen tilanteen vuoksi 1950-luvulla. Hän oli päättänyt antaa tyttärelleen hyvän musiikillisen koulutuksen. Sumi Cho aloitti pianotunnit 4-vuotiaana ja lauluopetuksen 6-vuotiaana, jopa lapsena hänen täytyi joskus viettää jopa kahdeksan tuntia musiikkitunneilla. Vuonna 1976 Sumi Cho tuli Soulin taidekouluun (yksityinen akatemia) "Sang Hwa", jonka hän valmistui vuonna 1980 laulu- ja pianotutkinnoilla. Vuosina 1981-1983 hän jatkoi musiikillista koulutustaan \u200b\u200bSoulin kansallisyliopistossa. Yliopistossa ollessaan Sumi Cho teki ensimmäisen debyyttinsä, esiintyi useissa Korean television järjestämissä konserteissa ja lauloi Suzannen roolin "Figaron häät" Soulin oopperassa. Vuonna 1983 Cho päätti lähteä Soulin yliopistosta ja muutti Italiaan opiskelemaan musiikkia vanhimpaan musiikkikouluun, Rooman Saint Cecilian kansalliseen akatemiaan ja valmistui arvosanoin. Hänen italialaisiin opettajiinsa kuului Carlo Bergonzi ja Gianella Borelli. Akatemian opintojensa aikana Cho kuului usein konserteissa useissa Italian kaupungeissa sekä radiossa ja televisiossa. Tänä aikana Cho päätti käyttää nimeä "Sumi" näyttämönä ollakseen ymmärrettävämpi eurooppalaiselle yleisölle. Vuonna 1985 hän valmistui akatemiasta erikoistumiseen pianolle ja laululle. Akatemian jälkeen hän otti laulutunteja Elizabeth Schwarzkopfilta ja voitti useita laulukilpailuja Soulissa, Napolissa, Barcelonassa, Pretoriassa ja tärkeimmän vuonna 1986, kansainvälisen kilpailun Veronassa, johon vain muiden merkittävien kansainvälisten kilpailujen voittajat voivat osallistua, niin sanotusti parhaista nuorista laulajista. Sumi Cho teki debyyttinsä eurooppalaisessa oopperassa vuonna 1986 Gildana Rigolettossa Triesten Giuseppe Verdi -teatterissa. Tämä esitys herätti Herbert von Karajanin huomion, joka kutsui hänet näyttelemään Oscar-sivun roolia Placido Domingon oopperassa "Naamiaispallo", joka esitettiin Salzburgin festivaalilla vuonna 1987. Seuraavien vuosien aikana Sumi Cho käveli tasaisesti kohti ooppera-Olympusta, laajentamalla jatkuvasti esitystensä maantiedettä ja vaihtamalla ohjelmistonsa pienistä rooleista suuriin. Vuonna 1988 Sumi Cho teki debyyttinsä La Scalassa ja Baijerin valtionoopperassa, vuonna 1989 Wienin valtionoopperassa ja Metropolitan-oopperassa, vuonna 1990 Chicagon oopperalyyrikirjoittajissa ja Covent Gardenissa. Sumi Cho: sta tuli yksi aikamme halutuimmista sopraanoista ja hän on tässä tilassa tähän päivään saakka. Yleisö rakastaa häntä kirkkaasta, lämpimästä, joustavasta äänestään sekä optimismistaan \u200b\u200bja kevyestä huumoristaan \u200b\u200blavalle ja elämään. Hän on kevyt ja vapaa näyttämöllä, joka antaa jokaiselle esitykselleen hienovaraiset itämaiset kuviot. Sumi Cho on vieraillut kaikissa maailman maissa, joissa he rakastavat oopperaa, mukaan lukien useita kertoja Venäjällä. Viimeinen vierailu oli vuonna 2008, jolloin he kiertuivat kiertueen aikana useita maita duetossa Dmitri Hvorostovskyn kanssa. Hänellä on kiireinen aikataulu, mukaan lukien oopperatuotanto, konserttiohjelmat ja työskentely levy-yhtiöiden kanssa. Sumi Cho -diskografiassa on tällä hetkellä yli 50 äänitystä, mukaan lukien kymmenen sooloalbumia ja crossover-CD-levyjä. Hänen kaksi albumiaan tunnetaan parhaiten - vuonna 1992 hänelle myönnettiin Grammy-palkinto parhaasta oopperalevytyksestä Wagnerin ooppera Nainen ilman varjoa -elokuvassa Hildegard Behrensin, Jose van Damin, Julia Varadin, Placido Domingon, kapellimestari Georg Solti ja albumi oopperan kanssa. G. Verdin "naamiointipallo", joka sai palkinnon saksalaiselta gramofonilta.

Salome Amvrosievna Krushelnytska on kuuluisa ukrainalainen oopperalaulaja (sopraano), opettaja. Elinaikanaan Salome Krushelnitskaya tunnustettiin erinomaiseksi laulajaksi maailmassa. Hänellä oli erinomainen voiman ja kauneuden ääni, jolla oli laaja valikoima (noin kolme oktaavia, joilla oli vapaa keskirekisteri), musiikillinen muisti (hän \u200b\u200bsaattoi oppia oopperaosia kahdessa tai kolmessa päivässä), kirkas dramaattinen kyky. Laulajan ohjelmisto koostui yli 60 osasta eri hahmoja. Hänen monien palkintojensa ja kunniamainintojensa joukossa, erityisesti otsikko "Wagnerin 1900-luvun Diva". Italialainen säveltäjä Giacomo Puccini esitti laulajalle muotokuvansa, jossa oli teksti "kaunis ja viehättävä perhonen". Salome Krushelnytska syntyi 23. syyskuuta 1872 Belyavintsyn kylässä, nykyisellä Buchatskyn alueella Ternopilin alueella, pappin perheessä. Tulee jaloista ja muinaisesta ukrainalaisesta perheestä. Vuodesta 1873 lähtien perhe muutti useita kertoja, vuonna 1878 he muuttivat Belayan kylään lähellä Ternopilia, josta he eivät koskaan lähteneet. Hän alkoi laulaa nuoresta iästä lähtien. Lapsena Salome tiesi paljon kansanlauluja, jotka hän oppi suoraan talonpoikilta. Hän sai musiikkikoulutuksen perusteet Ternopilin kuntosalilta, jossa hän läpäisi kokeet ulkopuolisena opiskelijana. Täällä hänestä tuli läheinen kuntosalin musiikkipiiri, jonka jäsen oli myös Denis Sichinsky - myöhemmin kuuluisa säveltäjä, ensimmäinen ammattimuusikko Länsi-Ukrainassa. Vuonna 1883 Shevchenkon konsertissa Ternopilissa järjestettiin Salomen ensimmäinen julkinen esitys, joka lauloi "Venäjän keskustelu" -seuran kuorossa. Ternopilissa Salome Krushelnytska tutustui ensin teatteriin. Toisinaan täällä esiintyi venäläisen keskusteluyhdistyksen Lviv-teatteri. Vuonna 1891 Salome tuli Lvivin konservatorioon. Konservatoriossa hänen opettajansa oli tuolloin kuuluisa professori Valeriy Vysotsky Lvivissä, joka toi esiin koko galaksin kuuluisista ukrainalaisista ja puolalaisista laulajista. Konservatoriossa opiskellessaan hänen ensimmäinen sooloesityksensä tapahtui 13. huhtikuuta 1892, laulaja esitti pääosan GF Handelin oratoriossa "Messias". Salome Krushelnytskan ensimmäinen oopperadebyytti tapahtui 15. huhtikuuta 1893, hän esitti Leonoran roolin italialaisen säveltäjä G.Donizettin näytelmässä "Suosikki" Lvivin kaupunginteatterin näyttämöllä. Vuonna 1893 Krushelnytska valmistui Lvivin konservatoriosta. Salomen tutkintotodistuksessa kirjoitettiin: "Tämän tutkintotodistuksen saa Panna Salome Krushelnitskaya todisteena taiteellisesta koulutuksestaan, joka on saatu esimerkillisellä ahkeruudella ja ylimääräisellä menestyksellä, erityisesti julkisessa kilpailussa 24. kesäkuuta 1893, josta hänet palkittiin. hopeamitalin. "Opiskellessaan konservatoriossa Salome Krushelnytska sai tarjouksen Lvivin oopperatalolta, mutta hän päätti jatkaa opintojaan. Hänen päätöksensä vaikutti kuuluisa italialainen laulaja Gemma Bellincioni, joka kiersi tuolloin Lvivissä. Syksyllä vuonna 1893 Salome lähti opiskelemaan Italiaan, missä hänen opettajansa oli professori Fausta Crespi. Opiskeluprosessin aikana hyvä Salomen koulu oli esityksiä konserteissa, joissa hän lauloi oopperaarioita. 1890-luvun jälkipuoliskolla hän voitokkaat esitykset alkoivat teattereiden näyttämöillä ympäri maailmaa: Italia, Espanja, Ranska, Portugali, Venäjä, Puola, Itävalta, Egypti, Argentiina, Chile oopperoissa "Aida", D. Verdin "Troubadour", "Faust" C. Gounod, "Kauhea piha", S. Monyushko, "Afrikkalainen", D. Meyerbeer, "Manon Lescaut" ja "Cio-Cio-San", G. Puccini, "Carmen", J. Bizet, "Elektra", kirjoittanut: R. Strauss, "Eugene Onegin" ja "Pienen kuningatar", P. Tšaikovski, jne. 17. helmikuuta 1904 Teatro alla Scalassa Milanossa Giacomo Puccini esitteli uutta oopperaa. Madame Butterfly. " Koskaan aikaisemmin säveltäjä ei ole ollut niin varma menestyksestä ... mutta yleisö puhalsi oopperaa suuttuneena. Tunnettu maestro tuntui murskatulta. Ystävät suostuttelivat Puccinin muokkaamaan hänen työnsä ja kutsuvat Salome Krushelnitskayan päärooliin. Brescian Teatro Granden näyttämöllä 29. toukokuuta ensi-iltansa sai uusi Madame Butterfly, tällä kertaa voittaja. Yleisö kutsui näyttelijät ja säveltäjän lavalle seitsemän kertaa. Esityksen jälkeen koskettava ja kiitollinen Puccini lähetti Krushelnitskajalle muotokuvansa, jossa oli teksti "Kaikkein kaunein ja viehättävin perhonen". Vuonna 1910 S. Krushelnitskaya meni naimisiin Viareggion (Italia) pormestarin ja asianajajan Cesare Riccionin kanssa, joka oli hieno musiikin tuntija ja erudiitti aristokraatti. He menivät naimisiin yhdessä Buenos Airesin temppeleistä. Häiden jälkeen Cesare ja Salome asettuivat Viareggioon, jossa Salome osti huvilan, jonka nimeksi tuli "Salome", ja jatkoi kiertuetta. Vuonna 1920 Krushelnitskaya lähti oopperalavalta kuuluisuuteen, esiintyessään viimeisen kerran Napolin teatterissa suosikkioopperoissaan Lorelei ja Lohengrin. Hän omisti jatkoelämänsä kamarikonserttiin, esittäen kappaleita 8 kielellä. Suoritti kiertueen Euroopassa ja Amerikassa. Kaikki nämä vuodet vuoteen 1923 asti hän tuli jatkuvasti kotimaahansa ja esiintyi Lvovissa, Ternopilissa ja muissa Galician kaupungeissa. Hänet sitoivat vahvat ystävyyssiteet useiden Länsi-Ukrainan johtajien kanssa. Erityinen paikka laulajan luovassa toiminnassa oli T: n muistolle omistetuilla konserteilla. Shevchenko ja I.Ya.Frank. Vuonna 1929 viimeinen S. Krushelnitskajan kiertue järjestettiin Roomassa. Vuonna 1938 Krushelnitskajan aviomies Cesare Riccioni kuoli. Elokuussa 1939 laulaja vieraili Galiciassa, eikä toisen maailmansodan puhkeamisen vuoksi pystynyt palaamaan Italiaan. Saksan miehityksen aikana Lvov, S.Krushelnitskaya oli hyvin köyhä, joten hän antoi yksityisiä laulutunteja. Sodanjälkeisenä aikana S.Krushelnytska alkoi työskennellä Lysenkon Lvivin valtion konservatoriossa. Hänen opettajanuransa oli kuitenkin tuskin alkanut ja melkein päättynyt. "Kaadereiden puhdistamisen nacionalistisista elementeistä" aikana häntä syytettiin konservatorion tutkintotodistuksen puuttumisesta. Myöhemmin tutkintotodistus löydettiin kaupungin historiamuseon rahastoista. Asuminen ja opettaminen Neuvostoliitossa, Salome Amvrosievna, lukuisista vetoomuksista huolimatta, ei pitkään aikaan voinut saada Neuvostoliiton kansalaisuutta ja pysyi Italian alaisena. Lopuksi, kun Krushelnitskaja oli kirjoittanut lausunnon italialaisen huvilansa ja kaiken omaisuudensa siirtämisestä Neuvostoliitolle, hänestä tuli Neuvostoliiton kansalainen. Huvila myytiin välittömästi korvaamalla omistajalle niukka osa arvostaan. Vuonna 1951 Salome Krushelnitskajalle myönnettiin Ukrainan SSR: n arvostetun taiteen työntekijän titteli, ja lokakuussa 1952, kuukautta ennen kuolemaansa, Krushelnitskaya sai professorin arvonimen. 16. marraskuuta 1952 suuren laulajan sydän lakkasi lyömästä. Hänet haudattiin Lviviin Lychakivin hautausmaalle ystävänsä ja mentorinsa Ivan Frankon haudan viereen. Vuonna 1993 Lvivissä kadulle nimettiin S.Krushelnytska, jossa hän asui elämänsä viimeisinä vuosina. Laulajan huoneistossa avattiin Salome Krushelnitskajan muistomuseo. Nykyään S.Krushelnytska on Lvivin oopperatalo, Lvivin musiikkikoulu, Ternopilin musiikkikorkeakoulu (jossa ilmestyy sanomalehti "Salome"), 8-vuotinen koulu Belaya-kylässä, kadut Kiovassa, Lvov, Ternopil, Buchach (katso Salome Krushelnytska -katu). Pronssinen muistomerkki Salome Krushelnytskalle on asennettu Lvivin ooppera- ja balettiteatterin peilihalliin. Monet taiteelliset, musiikilliset ja elokuvateokset on omistettu Salome Krushelnitskajan elämään ja työhön. Vuonna 1982 ohjaaja O. Fialko ampui A. Dovzhenkon elokuvastudiossa historiallisen ja elämäkerrallisen elokuvan "Perhosen paluu" (perustuu V. Vrublevskayan samannimiseen romaaniin), joka on omistettu Salome Krushelnitskaya. Kuva perustuu laulajan elämän todellisiin tosiseikkoihin ja on rakennettu kuten hänen muistonsa. Salomen osat esittää Gisela Tsipola. Salomen roolia elokuvassa pelasi Elena Safonova. Lisäksi on luotu dokumenttielokuvia, erityisesti "Salome Krushelnytska" (ohjaaja I. Mudrak, Lvov, "The Bridge", 1994) "Two Lives of Salome" (ohjannut A. Frolov, Kiev, "Contact") , 1997), sykli "Nimet" (2004), dokumenttielokuva "Solo-mea" jaksosta "Kohtalon peli" (ohjaaja V. Obraz, studio VIATEL, 2008). 18. maaliskuuta 2006 Lvivin kansallisen akateemisen ooppera- ja balettiteatterin lavalla S. Krushelnytska isännöi Miroslav Skorikin baletin Perhosen paluu ensi-iltaa, joka perustuu Salome Krushelnytskan elämän tosiseikkoihin. Baletti käyttää Giacomo Puccinin musiikkia. Vuonna 1995 näytelmän "Salome Krushelnitskaya" (kirjailija B. Melnychuk, I. Lyakhovsky) ensi-ilta tapahtui Ternopilin alueellisessa draamateatterissa (nykyään akateeminen teatteri). Vuodesta 1987 Salome Krushelnytska -kilpailua on järjestetty Ternopilissa. Joka vuosi Lviv isännöi Krushelnytska International -kilpailua; oopperafestivaaleista on tullut perinteisiä.

Pauline Viardot, koko nimi Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) on johtava ranskalainen laulaja, mezzosoprano, 1800-luku, lauluopettaja ja espanjalaista alkuperää. Pauline Viardot syntyi 18. heinäkuuta 1821 Pariisissa. Espanjalaisen laulajan ja opettajan Manuel Garcian tytär ja opiskelija, Maria Malibranin sisko. Lapsena hän opiskeli pianonsoittotaidetta Franz Lisztin luona ja hänestä oli tulossa pianisti, mutta hänen hämmästyttävät äänitaidot määrittivät hänen ammatinsa. Hän esiintyi useissa teattereissa Euroopassa ja antoi paljon konsertteja. Hän oli kuuluisa Fidesin (Meyerbeerin profeetta), Orpheuksen (Gluckin "Orpheus ja Eurydice"), Rosinan (Rossinin "Sevillan parturi") rooleista. Romaanien ja koomisten oopperoiden kirjoittaja läheisen ystävänsä Ivan Turgenevin libretolla. Yhdessä miehensä kanssa, joka käänsi Turgenevin teokset ranskaksi, hän edisti venäläisen kulttuurin saavutuksia. Hänen sukunimensä kirjoitetaan eri muodoissa. Tytönimellään Garcia hän saavutti mainetta, avioliiton jälkeen hän käytti kaksoissukunimeä Garcia-Viardot jonkin aikaa ja jossain vaiheessa hän luopui tyttönimestään ja kutsui itseään "rouva Viardotiksi". Vuonna 1837 16-vuotias Pauline Garcia antoi ensimmäisen konsertin Brysselissä, ja vuonna 1839 hän debytoi Desdemonana Rossinin Othellossa Lontoossa, josta tuli kauden kohokohta. Joistakin puutteista huolimatta tytön ääni yhdisti hienon tekniikan hämmästyttävään intohimoon. Vuonna 1840 Pauline meni naimisiin Pariisin Théatre Italien -säveltäjän ja johtajan Louis Viardotin kanssa. Koska aviomiehensä oli 21 vuotta vanhempi, aviomies alkoi jatkaa uraansa. Vuonna 1844 hän esiintyi Venäjän imperiumin pääkaupungissa Pietarin kaupungissa samalla lavalla Antonio Tamburinin ja Giovanni Batista Rubinin kanssa. Viardotilla oli paljon faneja. Erityisesti venäläinen kirjailija Ivan Sergeevich Turgenev rakastui intohimoisesti laulajaan vuonna 1843 kuultuaan hänen esityksensä Sevillan parturissa. Vuonna 1845 hän lähti Venäjältä seuraamaan Paulinea ja lopulta hänestä tuli melkein Viardot-perheen jäsen. Kirjailija kohteli Polinan neljää lasta ominaan ja palvoi häntä kuolemaansa saakka. Hän puolestaan \u200b\u200bkritisoi hänen töitään, ja hänen asemansa valossa ja yhteydet esittivät kirjailijan parhaassa valossa. Heidän suhteensa todellinen luonne on edelleen keskustelunaihe. Lisäksi Pauline Viardot kommunikoi muiden suurten ihmisten kanssa, joiden joukossa olivat Charles Gounod ja Hector Berlioz. Laulu- ja dramaattisista kyvyistään kuuluisa Viardot inspiroi säveltäjiä, kuten Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns ja Giacomo Meyerbeer, Ooppera-profeetta, jossa hänestä tuli ensimmäinen Fidesz-roolin esiintyjä. Hän ei koskaan pitänyt itseään säveltäjänä, vaan sävelsi kolme musiikkikokoelmaa ja auttoi myös kirjoittamaan musiikkia rooleille, jotka luotiin erityisesti hänelle. Myöhemmin, poistuttuaan näyttämöltä, hän kirjoitti oopperan nimeltä Le dernier sorcier. Viardot puhui sujuvasti espanjaa, ranskaa, italiaa, englantia, saksaa ja venäjää ja käytti työssään erilaisia \u200b\u200bkansallisia tekniikoita. Kykynsä ansiosta hän esiintyi Euroopan parhaissa konserttisaleissa, mukaan lukien oopperatalo Pietarissa (vuosina 1843-1846). Viardotin suosio oli niin suuri, että Georges Sand teki hänestä prototyypin romaanin Consuelo päähenkilölle. Viardot lauloi mezzosopraano-osan Tuba Mirumissa (Mozartin Requiem) Chopinin hautajaisissa 30. lokakuuta 1849. Hän esiintyi pääroolissa Gluckin oopperassa Orfeus ja Eurydice. Vuonna 1863 Pauline Viardot-Garcia lähti näyttämöltä, lähti Ranskasta perheensä kanssa (hänen miehensä oli Napoleon III -hallinnon vastustaja) ja asettui Baden-Badeniin. Napoleon III: n kaatumisen jälkeen Viardotin perhe palasi Ranskaan, jossa Pauline opetti Pariisin konservatoriossa aviomiehensä kuolemaan asti vuonna 1883, ja piti myös musiikkisalongia Boulevard Saint-Germainilla. Pauline Viardotin oppilaiden joukossa ovat kuuluisat Desire Artaud-Padilla, Sophie Roer-Brainin, Bilodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant ja muut. Hänellä oli erinomainen laulukoulu monille venäläisille laulajille, mukaan lukien F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. 18. toukokuuta 1910 Pauline Viardot kuoli rakastavien sukulaisten ympäröimänä. Haudattu Montmartren hautausmaalle Pariisiin. Venäläinen runoilija Aleksei Nikolaevitš Pleshcheev vihki runonsa laulajalleen (Viardot Garcia): Ei! En unohda sinua, kiehtovat äänet. Ensimmäisinä rakkaina kyynelinä en unohda! Kun kuuntelin sinua, kärsimys nöyrtyi rintakehässäni, ja olin jälleen valmis uskomaan ja rakastamaan! En unohda häntä ... Joko innoitettu pappi, joka on peitetty laajalehtisellä seppellä, Hän ilmestyi minulle ... ja lauloi pyhän virren, Ja hänen katseensa paloi jumalallisella tulella ... Sitten näin Desdemonan hänen vaalean kuvansa. Kun hän, kumartuen harpun kultaiseksi, hän lauloi laulun pajusta ... ja valitukset keskeytettiin sen vanhan laulun surullisen ylivuoton vuoksi. Kuinka syvästi hän ymmärsi ja tutki sitä, joka tunsi ihmiset ja heidän sydämensä salaisuudet; Ja jos suuri nousi haudasta, hän panisi kruununsa otsaan. Joskus Rosina ilmestyi minulle, nuori ja intohimoinen, kuin kotimaansa yö ... ikuinen sininen taivasholkki loistaa, Missä satakielet viheltävät sycamore-puun oksilla Ja sypressi, varjo vapisee vesien pinnalla! Ja rintani, täynnä pyhää nautintoa, puhdasta iloa, kohosi korkealle, ja häiritsevät epäilyt lentivät pois, ja sieluni oli rauhallinen ja kevyt. Ystävänäni päivän ajan tuskallisen eron jälkeen olin valmis omaksumaan koko maailman ... Oh! En unohda sinua, kiehtovat äänet. Ensimmäisinä rakkaina kyyneleinä en unohda!<1846>

Maria Nikolaevna Kuznetsova on venäläinen oopperalaulaja (sopraano) ja tanssija, yksi vallankumousta edeltävän Venäjän tunnetuimmista laulajista. Mariinsky-teatterin johtava solisti, Sergei Diaghilevin Venäjän vuodenaikojen osallistuja. Hän työskenteli N.A.Rimsky-Korsakovin, Richard Straussin, Jules Massenetin kanssa, lauloi yhdessä Fyodor Chaliapinin ja Leonid Sobinovin kanssa. Poistuessaan Venäjältä vuoden 1917 jälkeen hän jatkoi menestyvää esiintymistä ulkomailla. Maria Nikolaevna Kuznetsova syntyi vuonna 1880 Odessassa. Maria kasvoi luovassa ja älyllisessä ilmapiirissä, hänen isänsä Nikolai Kuznetsov oli taiteilija, ja hänen äitinsä tuli Mechnikov-perheestä, Maria-setät olivat Nobelin palkinnon saajabiologi Ilya Mechnikov ja sosiologi Lev Mechnikov. Pjotr \u200b\u200bIlyich Tšaikovski vieraili Kuznetsovin talossa, joka kiinnitti huomiota tulevan laulajan kykyihin ja sävelsi lapsille lauluja, jo lapsuudesta lähtien Maria haaveili näyttelijästä. Hänen vanhempansa lähettivät hänet Sveitsin kuntosalille palatessaan Venäjälle, hän opiskeli balettia Pietarissa, mutta luopui tanssista ja alkoi opiskella laulua italialaisen opettajan Martyn, myöhemmin baritonin ja näyttelijäkumppaninsa I.V.Tartakovin kanssa. Kaikki panivat merkille hänen puhtaan, kauniin lyyrisen sopraanonsa, näyttelijän huomattavan lahjakkuuden ja naispuolisen kauneuden. Igor Fedorovich Stravinsky kuvasi häntä "... dramaattiseksi sopraanoksi, jonka voitiin nähdä ja kuunnella samalla ruokahalulla". Maria Kuznetsova debytoi vuonna 1904 Pietarin konservatorion näyttämöllä Tatjanana Tšaikovskin Eugene Oneginissa ja Mariinsky-teatterissa vuonna 1905 Margarita-teoksena Charles Gounodin Faustissa. Lyhyellä tauolla Kuznetsova pysyi Mariinsky-teatterin solistina vuoteen 1917 vallankumoukseen asti. Vuonna 1905 Pietarissa julkaistiin kaksi gramofonilevyä, joissa oli äänitys hänen esityksistään, ja yhteensä hänen luovan uransa aikana hän teki 36 levyä. Kerran, vuonna 1905, pian Kuznetsovan debyyttinsä Mariinskyssä, teatteriesityksen aikana puhkesi riita opiskelijoiden ja upseerien välillä, maan tilanne oli vallankumouksellinen ja teatterissa alkoi paniikki. Maria Kuznetsova keskeytti Elsan arian R. Wagnerin "Lohengrinista" ja lauloi rauhallisesti Venäjän hymnin "Jumala pelastakaa tsaarin". Busters joutuivat lopettamaan riidan ja yleisö rauhoittui, esitys jatkui. Maria Kuznetsovan ensimmäinen aviomies oli Albert Albertovich Benois, kuuluisasta venäläisten arkkitehtien, taiteilijoiden, historioitsijoiden Benoisin dynastiasta. Uransa huipulla Maria tunnettiin kaksoisnimellä Kuznetsov-Benoit. Toisessa avioliitossa Maria Kuznetsova oli naimisissa valmistajan Bogdanovin kanssa, kolmannessa pankkiiri ja teollisuusmies Alfred Massenet, kuuluisan säveltäjä Jules Massenetin veljenpoika. Koko uransa ajan Kuznetsova-Benoit on osallistunut moniin eurooppalaisiin oopperan ensi-iltoihin, mukaan lukien Fevronian osa Kitezhin näkymättömän kaupungin legendassa sekä N. Rimsky-Korsakovin Neito Fevronia ja Kleopatra saman nimisestä oopperasta, jonka Massenet, jonka säveltäjä kirjoitti erityisesti hänelle. Ja myös Venäjän näyttämöllä hän esitteli ensimmäistä kertaa Vogdolinan roolit R. Wagnerin "Reinin kulta", Cio-Cio-san G. Puccinin "Madame Butterfly" ja monet muut. On kiertänyt Mariinsky Opera Companyn kanssa kaupungeissa Venäjällä, Ranskassa, Isossa-Britanniassa, Saksassa, Italiassa, Yhdysvalloissa ja muissa maissa. Parhaisimmista rooleistaan: Antonida (M.Glinkan elämä tsaaria varten), Lyudmila (M.Glinkan "Ruslan ja Lyudmila"), Olga (A.Dargomyzhskyn "Rusalka"), Masha ("Dubrovsky") E. Napravnik), Oksana (P. Tšaikovskin "Cherevichki"), Tatiana (P. Tšaikovskin "Eugene Onegin"), Kupava (N. Rimsky-Korsakovin "Lumityttö"), Julia ("Romeo ja Julia") kirjoittanut C. Gounod), Carmen ("Carmen" Bizet), Manon Lescaut ("Manon", J. Massenet), Violetta ("La Traviata", G. Verdi), Elsa ("Lohengrin", R. Wagner) jne. Vuonna 1914 Kuznetsova jätti väliaikaisesti Mariinsky-teatterin ja esiintyi yhdessä "venäläisen baletin" kanssa Sergei Diaghilevin kanssa Pariisissa ja Lontoossa baleriinana, ja myös osittain sponsoroi heidän esitystään. Hän tanssi Richard Straussin baletissa "The Legend of Joseph", baletin valmistivat aikansa tähdet - säveltäjä ja kapellimestari Richard Strauss, näyttelijäjohtaja Sergei Diaghilev, koreografi Mikhail Fokin, puvut ja setit Lev Bakst, johtava tanssija Leonid Myasin. Se oli tärkeä rooli ja hyvä seurue, mutta alusta alkaen tuotannossa oli vaikeuksia: harjoituksiin ei ollut paljon aikaa, Strauss oli pahalla tuulella, koska kutsutut baleriinat Ida Rubinstein ja Lydia Sokolova kieltäytyivät osallistumasta ja Strauss ei myöskään halunnut työskennellä ranskalaisten muusikoiden kanssa ja riitelsi jatkuvasti orkesterin kanssa, ja Diaghilev oli edelleen huolissaan tanssija Vaslav Nijinskyn poistumisesta ryhmästä. Kulissien takana olevista ongelmista huolimatta baletti debytoi menestyksekkäästi Lontoossa ja Pariisissa. Sen lisäksi, että Kuznetsova kokeili kättään baletissa, hän teki useita oopperaesityksiä, muun muassa Borodinin tuotannossa Prinssi Igor Lontoossa. Vuonna 1918 tapahtuneen vallankumouksen jälkeen Maria Kuznetsova lähti Venäjältä, kuten näyttelijälle sopi, hän teki sen dramaattisesti kauniisti - hän piiloutui mökkipojan vaatteisiin Ruotsiin purjehtivan aluksen alakerralle. Hänestä tuli oopperalaulaja Tukholman oopperassa, sitten Kööpenhaminassa, ja sitten Lontoon kuninkaallisessa oopperatalossa, Covent Gardenissa. Koko tämän ajan hän tuli jatkuvasti Pariisiin, ja vuonna 1921 hän lopulta asettui Pariisiin, josta tuli hänen toinen luova koti. 1920-luvulla Kuznetsova järjesti yksityisiä konsertteja, joissa hän lauloi venäläisiä, ranskalaisia, espanjalaisia \u200b\u200bja mustalaislauluja, romansseja ja oopperoita. Näissä konserteissa hän tanssii usein espanjalaisia \u200b\u200bkansantansseja ja flamencoa. Jotkut hänen konserteistaan \u200b\u200bolivat hyväntekeväisyyttä auttaakseen Venäjän tarvitsevaa muuttoa. Hänestä tuli Pariisin oopperan tähti, sitä pidettiin suurena kunniana saada hänen salonkiinsa. "Yhteiskunnan kukka", ministerit ja teollisuusmiehet tungostivat hänen edessään. Yksityisten kappaleiden lisäksi hän on usein työskennellyt solistina monissa oopperataloissa Euroopassa, mukaan lukien Covent Garden, Pariisin ooppera ja Opéra Comic. Vuonna 1927 Maria Kuznetsova, prinssi Aleksei Tseretelin ja baritoni Mihail Karakashin kanssa, järjesti Pariisiin yksityisyrityksen "Venäjän ooppera", jonne he kutsuivat monia Venäjältä lähteneitä venäläisiä oopperalaulajia. Venäjän ooppera on lavastanut Sadkon, Tarinan tsaarista Saltanin, Legend Näkymättömästä Kitezhin kaupungista ja Neitsyt Fevroniasta, Sorochinskaja-messuilta ja muista venäläisten säveltäjien oopperoista ja baleteista. Hän on esiintynyt Lontoossa, Pariisissa, Barcelonassa, Madridissa, Milanossa ja kaukaisessa Buenos Airesissa. Venäjän ooppera kesti vuoteen 1933, minkä jälkeen Maria Kuznetsova alkoi antaa vähemmän esityksiä. Maria Kuznetsova kuoli 25. huhtikuuta 1966 Pariisissa, Ranskassa.

Rita Streich (18. joulukuuta 1920 - 20. maaliskuuta 1987) - yksi 1900-luvun 40–60-luvun saksalaisista oopperalaulajista, sopraano. Rita Streich syntyi Barnaulissa, Altai Krai, Venäjä. Hänen isänsä Bruno Streich, Saksan armeijan kaprali, vangittiin ensimmäisen maailmansodan rintamilla ja myrkytettiin Barnaulissa, missä hän tapasi venäläisen tytön, kuuluisan laulajan Vera Alekseevan tulevan äidin. Veralla ja Brunolla syntyi 18. joulukuuta 1920 tytär Margarita Streich. Pian Neuvostoliiton hallitus antoi saksalaisten sotavankien palata kotiin, ja Bruno yhdessä Veran ja Margaritan kanssa meni Saksaan. Venäläisen äitinsä ansiosta Rita Streich puhui ja lauloi hyvin venäjäksi, mikä oli erittäin hyödyllistä hänen urallaan, samaan aikaan "ei puhtaan" saksankielensä vuoksi, alussa oli joitain ongelmia fasistisen hallinnon kanssa. Ritan äänitaidot löydettiin aikaisin, peruskouluista lähtien hän oli johtava esiintyjä koulukonserteissa, joista yhdessä saksalainen oopperalaulaja Erna Berger huomasi hänet ja vei hänet opiskelemaan Berliiniin. Eri aikoina hänen opettajiensa joukossa oli kuuluisa tenori Willie Domgraf-Fasbender ja sopraano Maria Ifogun. Rita Streich teki oopperadebyyttinsä vuonna 1943 Ossigissa (Aussig, nykyinen Usti nad Labem, Tšekki) Zerbinettan roolissa Richard Straussin oopperassa Ariadne auf Naxos. Vuonna 1946 Rita debytoi Berliinin valtionoopperassa pääryhmässä Olympian roolissa Jacques Offebachin "Hoffmannin tarinoissa". Sen jälkeen hänen näyttelijäuransa alkoi nousta, joka kesti vuoteen 1974. Rita Streich pysyi Berliinin oopperassa vuoteen 1952 saakka, muutti sitten Itävaltaan ja vietti lähes kaksikymmentä vuotta Wienin oopperan näyttämöllä. Täällä hän meni naimisiin ja synnytti vuonna 1956 pojan. Rita Streichillä oli kirkas koloratrasopraano ja hän suoritti helposti maailman oopperarepertuaarin vaikeimmat osat; häntä kutsuttiin nimellä "saksalainen satakieli" tai "wieniläinen satakieli". Pitkän uransa aikana Rita Streich esiintyi monissa maailman teattereissa - hänellä oli sopimukset La Scalan ja Baijerin radion kanssa Münchenissä, hän lauloi Covent Gardenissa, Pariisin oopperassa sekä Roomassa, Venetsiassa, New Yorkissa, Chicagossa, San Franciscossa. Japaniin, Australiaan ja Uuteen-Seelantiin ja esiintynyt Salzburgin, Bayreuthin ja Glyndebournen oopperajuhlilla. Hänen ohjelmistoonsa sisältyivät melkein kaikki sopraanon merkittävät oopperaroolit - hänet tunnettiin yön kuningattaren parhaana esiintyjänä Mozartin taikuhuilussa, Annchen Weberin vapaassa ampujassa ja muissa. Hänen ohjelmistossaan oli muun muassa venäläisten säveltäjien teoksia, jotka hän esitti venäjäksi. Häntä pidettiin myös erinomaisena operettirepertuaarin sekä kansanlaulujen ja romanssien tulkkina. Hän on työskennellyt Euroopan parhaiden orkesterien ja kapellimestareiden kanssa, äänittänyt 65 isoa gramofonilevyä. Uransa päätyttyä Rita Streich oli vuodesta 1974 lähtien professori Wienin musiikkiakatemiassa, opetti Essenin musiikkikoulussa, antoi mestarikursseja ja johti Nizzan lyyrisen taiteen kehittämiskeskusta. Rita Streich kuoli 20. maaliskuuta 1987 Wienissä ja hänet haudattiin vanhaan kaupungin hautausmaalle isänsä Bruno Streichin ja äidin Vera Alekseevan viereen.

Angela Gheorghiu (romanialainen Angela Gheorghiu) on romanialainen oopperalaulaja, sopraano. Yksi aikamme kuuluisimmista oopperalaulajista. Angela Gheorghiu (Burlacu) syntyi 7. syyskuuta 1965 pienessä Adjudin kaupungissa Romaniassa. Varhaislapsuudesta lähtien oli ilmeistä, että hänestä tuli laulaja, hänen kohtalonsa oli musiikki. Hän opiskeli musiikkikoulussa Bukarestissa ja valmistui Bukarestin kansallisesta musiikkiyliopistosta. Hänen oopperajuhlansa debyytti tapahtui vuonna 1990 Mimi-nimisenä Puccinin La Bohemessa Clujissa, samana vuonna hän voitti Hans Gaborin kansainvälisen Belvederen laulukilpailun Wienissä. Sukunimi Georgiou jäi hänen luokseen ensimmäisestä aviomiehestään. Angela Georgiu esitteli kansainvälisen debyyttinsä vuonna 1992 kuninkaallisessa oopperatalossa, Covent Gardenissa La Bohemessa. Samana vuonna hän debytoi Metropolitan Operassa New Yorkissa ja Wienin valtionoopperassa. Vuonna 1994 Covent Gardenin kuninkaallisessa oopperatalossa hän esiintyi ensin Violettan roolissa La Traviatassa, tällä hetkellä tapahtui "tähden syntymä", Angela Georgiu alkoi nauttia jatkuvasta menestyksestä oopperataloissa ja konserttisaleissa ympäri maailmassa: New Yorkissa, Lontoossa, Pariisissa, Salzburgissa, Berliinissä, Tokiossa, Roomassa, Soulissa, Venetsiassa, Ateenassa, Monte Carlossa, Chicagossa, Philadelphiassa, São Paulossa, Los Angelesissa, Lissabonissa, Valenciassa, Palermossa, Amsterdamissa, Kuala Lumpurissa, Zürichissä , Wien, Salzburg, Madrid, Barcelona, \u200b\u200bPraha, Montreal, Moskova, Taipei, San Juan, Ljubljana. Vuonna 1994 hän tapasi tenorin Roberto Alagnan, jonka kanssa hän meni naimisiin vuonna 1996. Hääseremonia pidettiin Metropolitan Operassa New Yorkissa. Alanya-Georgiu-pariskunta oli pitkään oopperalavan silmiinpistävin luova perheliitto, nyt he ovat eronneet. Hänen ensimmäinen yksinoikeussuhteensa levy-yhtiön kanssa allekirjoitettiin vuonna 1995 Deccan kanssa, minkä jälkeen hän julkaisi useita albumeita vuodessa. Nyt hänellä on noin 50 albumia, sekä lavastettuja oopperoita että soolokonsertteja. Kaikki hänen CD-levynsä ovat saaneet kriitikoilta hyvät arvostelut ja niille on myönnetty monia kansainvälisiä palkintoja, mukaan lukien palkinnot Gramophone-lehdeltä, Saksan Echo-palkinto, Ranskan Diapason d'Or ja Choc du Monde de la Musique sekä monet muut. Kahdesti vuosina 2001 ja 2010 hänet nimitettiin Britannian klassisen BRIT-palkinnon "Vuoden parhaaksi naislaulajaksi". Angela Gheorghiun roolivalikoima on hyvin laaja, etenkin hänen suosikki oopperansa Verdiltä ja Puccinilta. Italialainen ohjelmisto, ehkä Romanian ja Italian kielen suhteellisen samankaltaisuuden takia, onnistuu hyvin, jotkut kriitikot huomauttavat, että ranskan, saksan, venäjän ja englannin oopperat esitetään heikommin. Angela Gheorghiun tärkeimmät roolit: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Chilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Don Lucretia Borgia -juoma Adina Gounod "- Margarita Gounod" Romeo ja Julia "- Juliet Massenet" Manon "- Manon Massenet" Werther "- Charlotte Mozart" Don Juan "- Zerlina Leoncavallo" Pagliacci "- Nedda Puccini" Niele "- Magda Puccini" Böömi "- Mimi Puccini" Gianni Schicchi "- Loretta Puccini" Tosca "- Tosca Puccini" Turandot "- Liu Verdi Troubadour - Leonor Verdi" La Traviata "- Violetta Verdi" Louise Miller "- Luisa Verdi" Simon Boccanegra "- Maria Angela Gheorghiu jatkaa aktiivista esiintymistään ja on Olympus-oopperan huipulla. Tuleviin sitoumuksiin kuuluu useita konsertteja Euroopassa, Amerikassa ja Aasiassa, "Tosca" ja "Faust" Royal Opera House, Covent Garden.

Anna Yurievna Netrebko - venäläinen oopperalaulaja, sopraano. Anna Netrebko syntyi 18. syyskuuta 1971 Krasnodarissa. Isä - Netrebko Juri Nikolaevich (1934), valmistunut Leningradin kaivosinstituutista, geologinen insinööri. Asuu Krasnodarissa. Äiti - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), viestintäinsinööri. Annan vanhempi sisar Natalia (1968) asuu perheensä kanssa Tanskassa. Anna Netrebko on pyrkinyt pääsemään näyttämölle lapsuudesta lähtien. Opiskellessaan koulussa hän oli "Kuban Pioneer" -yhtyeen solisti Krasnodarin tienraivaajien palatsissa. Vuonna 1988, valmistuttuaan koulusta, Anna päätti mennä Leningradiin - tulla musiikkikouluun, operettiosastolle siirtyäkseen teatterikorkeakouluun. Hänen musiikilliset kykynsä eivät kuitenkaan jääneet huomaamatta koulun valintalautakunnassa - Anna otettiin vastaan \u200b\u200blauluosastolle, jossa hän opiskeli Tatyana Borisovna Lebedin luona. Kaksi vuotta myöhemmin, valmistumatta yliopistosta, hän läpäisi kilpailun menestyksekkäästi ja tuli N.A.Rimsky-Korsakovin nimeämään Pietarin valtion konservatorioon, jossa hän opiskeli laulua professori Tamara Dmitrievna Novichenkon luona. Siihen mennessä Anna oli vakavasti kiinnostunut oopperasta, ja Mariinsky-teatterista, joka sijaitsi lähellä konservatoriota, tuli hänen toinen koti. Vieraillakseen säännöllisesti teatterissa ja voidakseen katsella kaikkia esityksiä sen lavalla, Anna työskenteli siivoojana ja kahden vuoden ajan konservatoriossa suoritettujen opintojensa kanssa pesi lattiat teatterin aulassa. Vuonna 1993 pidettiin V.I. M.I.Glinka. Tuomaristoa johti Neuvostoliiton kansataiteilija Irina Arkhipova. Konservatorion 4. vuoden opiskelijana Anna Netrebko paitsi osallistui kilpailuun myös tuli sen voittajaksi, kun hän sai 1. palkinnon. Kilpailun voitettuaan Anna esiintyi Mariinsky-teatterissa. Teatterin taiteellinen johtaja Valery Gergiev, joka oli läsnä koe-esiintymisessä, antoi hänelle heti Barbarinan roolin Mozartin oopperan "Figaron avioliitto" tulevassa tuotannossa. Yhtäkkiä yhdessä harjoituksissa ohjaaja Juri Aleksandrov ehdotti, että Anna yrittäisi laulaa Suzannen osan, jonka Anna teki juuri siellä ilman yhtä virhettä, ja sitten hänet hyväksyttiin päärooliin. Joten vuonna 1994 Anna Netrebko teki debyyttinsä Mariinsky-teatterissa. Debyyttinsä jälkeen Anna Netrebkosta tulee yksi Mariinsky-teatterin johtavista solisteista. Työnsä aikana hän lauloi monissa esityksissä. Rooleja Mariinskin näyttämöllä olivat: Lyudmila (Ruslan ja Lyudmila), Ksenia (Boris Godunov), Martha (Tsaarin morsian), Louise (kihlaja luostarissa), Natasha Rostova (sota ja rauha), Rosina (" Sevillan parturi "), Amina (" Somnambula "), Lucia (" Lucia di Dammermoor "), Gilda (" Rigoletto "), Violetta Valeri (" La Traviata "), Musetta, Mimi (" La Boheme "), Antonia ("Hoffmannin tarinat"), Donna Anna, Zerlina ("Don Juan") ja muut. Vuonna 1994 Anna Netrebko alkoi kiertää ulkomailla Mariinsky-teatteriryhmän kanssa. Laulaja on esiintynyt Suomessa (Mikkeli-festivaali), Saksassa (Schleswig-Holstein-festivaali), Israelissa, Latviassa. Ensimmäinen Anna Netrebkon kohtalokkaista ulkomaisista esityksistä pidettiin vuonna 1995 Yhdysvalloissa, San Franciscon oopperan näyttämöllä. Annan itsensä mukaan Placido Domingolla oli suuri rooli amerikkalaisessa debyytissä. Yhdeksän "Ruslana ja Lyudmila" -esitystä, joissa Anna lauloi Lyudmilan pääroolin, toivat hänelle ensimmäisen kovan menestyksen ulkomailla. Siitä lähtien Anna Netrebko on esiintynyt maailman arvostetuimmilla oopperalavoilla. Erityinen paikka Annan uralla oli vuonna 2002, jolloin kuuluisasta laulajasta hänestä tuli maailmanoopperan prima. Alkuvuodesta 2002 Anna Netrebko esiintyi yhdessä Mariinsky-teatterin kanssa Metropolitan Opera -elokuvassa Sota ja rauha. Hänen esityksensä Natasha Rostovan osasta teki sensaation. "Audrey Hepburn äänellä" - näin Anna Netrebko kutsuttiin amerikkalaisessa lehdistössä huomaten hänen laulu- ja dramaattisen lahjakkuutensa sekä harvinaisen viehätyksen. Saman vuoden kesällä Anna esiintyi Donna Annan roolissa W.A.Mozartin oopperassa Don Juan Salzburgin festivaalilla. Kuuluisa kapellimestari Nikolaus Arnoncourt kutsui hänet tähän rooliin. Annan esitys Salzburgissa loi tilaisuuden. Joten Salzburg antoi maailmalle uuden supertähden. Salzburgin jälkeen Anna Netrebkon suosio kasvaa nopeasti suorituskyvystä suorituskykyyn. Nyt maailman johtavat oopperatalot yrittävät saada Anna osallistumaan esityksiin. Siitä lähtien oopperadionan Anna Netrebkon elämä kiiruhtaa junien pyörillä, lentää lentokoneiden siivillä. Kaupungit ja maat, teatterit ja konserttisalit vilkkuvat. Salzburgin jälkeen - Lontoo, Washington, Pietari, New York, Wien ... Heinäkuussa 2003 Anna laulaa Baijerin oopperan näyttämöllä La Traviatassa ensimmäistä kertaa meksikolaisen tenorin Rolando Villazonin kanssa. Tästä esityksestä syntyi nykypäivän tunnetuin ja vaadituin oopperaduo, tai, kuten sitä kutsutaan, "unelmapari" - unelmien duetti. Esitykset ja konsertit, joihin osallistuvat Anna ja Rolando, on suunniteltu monien vuosien eteenpäin. Maat ja kaupungit vilkkuvat jälleen. New York, Wien, München, Salzburg, Lontoo, Los Angeles, Berliini, San Francisco ... Mutta tärkein, todella voitollinen menestys saavutettiin Annalla vuonna 2005 samassa Salzburgissa, kun hän esiintyi Willie Deckerin historiallisessa tuotannossa, Verdin oopperassa La Traviata. Tämä menestys nosti hänet paitsi huipulle - hän nosti hänet oopperamaailman Olympukselle! Anna Netrebko esiintyy maailman johtavien kapellimestarien kanssa, mukaan lukien Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Arnoncourt, Zubin Meta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villum, Bertrand de Buyy, Marco Armiliato. Vuonna 2003 kuuluisa Deutsche Gramophone -yhtiö allekirjoitti yksinoikeussopimuksen Anna Netrebkon kanssa. Syyskuussa 2003 julkaistiin Anna Netrebkon ensimmäinen albumi "Opera Arias". Laulaja äänitti sen Wienin filharmonisen orkesterin (kapellimestari Janandrea Noseda) kanssa. Levy sisältää suosittuja aaria eri oopperoista - "Merenneidot", "Faust", "Bohemians", "Don Giovanni", "Somnambula". Uskomaton menestys oli elokuva "Naiset - ääni", jossa Anna esiintyi viidessä oopperaleikkeessä, jotka luonut Hollywood-ohjaaja Vincent Patterson, joka on aiemmin työskennellyt Michael Jacksonin ja Madonnan kanssa. Elokuussa 2004 julkaistiin laulajan toinen sooloalbumi "Semper Libera", joka nauhoitettiin Mahler-orkesterin ja Claudio Abbadon kanssa. Kolmas soololevy, jonka nauhoitti Mariinsky Theatre Orchestra ja Valery Gergiev, Russian Album, julkaistiin vuonna 2006. Kaikki kolme albumia olivat platinaa Saksassa ja Itävallassa, ja "Russian Album" nimitettiin Grammy-palkinnoksi. Vuonna 2008 Deutsche Gramophone julkaisi Annan neljännen soololevyn, Souvenirs, joka nauhoitettiin Prahan sinfoniaorkesterin ja Emmanuel Willumin kanssa. Valtava menestys odotti toista CD-levyä - "Duets", jonka Anna nauhoitti yhdessä pysyvän kumppaninsa Rolando Villazonin kanssa. Vuoden 2009 alussa julkaistiin CD vuoden 2008 wieniläisen esityksen "Capuleti ja Montagues" nauhoituksella, jossa Anna lauloi yhdessä toisen supertähden - latvialaisen mezzosopranon Elina Garancan kanssa. Kaksi erinomaista oopperalaulajaa ja kaunista naista - Anna Netrebko ja Elina Garanchu - on äskettäin kutsuttu naisten unelmapariksi - naispuoliseksi "unelmaduotiksi". Deutsche Gramophone sekä useat muut yritykset ovat julkaisseet videoita useista oopperaesityksistä, joihin osallistuu Anna Netrebko. Niistä - "Ruslan ja Lyudmila" (1995), "kihlajaiset luostarissa" (1998), "rakkausjuoma" (Wien, 2005), "Traviata" (Salzburg, 2005), "puritaanit" (MET, 2007), "Manon" (Wien, 2007), "Manon" (Berliini, 2007). Vuoden 2008 alussa ohjaaja Robert Dornholm kuvasi elokuvan - La Bohème -oopperan, pääosissa Anna Netrebko ja Rolando Villazon. Elokuva sai ensi-iltansa Itävallassa ja Saksassa syksyllä 2008. Monet maailman maat ovat saaneet oikeuden näyttää elokuva. Maaliskuussa 2009 Axiom Films aloittaa elokuvan myynnin DVD: lle. Anna Netrebko näytteli myös cameo-roolissa Hollywood-elokuvassa Prinsessa päiväkirja 2 (Walt Disney Studios, ohjannut Harry Marshall). Anna Netrebkon konserttiesitykset saivat poikkeuksellisen suosion. Tunnetuimpia ovat konsertti Carnegie Hallissa Dmitri Hvorostovskyn kanssa vuonna 2007 Lontoon Royal Albert Hallissa (Prom BBC -konsertti, 2007) sekä legendaariset Anna Netrebkon, Placido Domingon ja Rolando Villazonin yhteiset konsertit (Berliini 2006). , Wien 2008). Televisiolähetykset sekä Berliinissä ja Wienissä järjestettyjen konserttien tallenteet DVD-levyillä olivat menestys. Voitettuaan kilpailun. Glinka vuonna 1993 Anna Netrebko sai useita palkintoja, nimikkeitä ja palkintoja. Hänen saavutuksensa joukossa: - II nuorten oopperalaulajien kansainvälisen kilpailun palkittu NA Rimsky-Korsakova (Pietari, 1996) - "Baltika" -palkinnon (1997) - Venäjän musiikkipalkinnon "Casta Diva" (1998) voittaja - Pietarin korkeimman teatteripalkinnon "Golden Soffit" palkittu "(1999, 2005, 2009). Anna Netrebkon muihin saavutuksiin kuuluvat arvostettu Saksan Bambi-palkinto, Itävallan Amadeus-palkinnot, Ison-Britannian vuoden laulaja- ja naismuusikkotittelit (Classical BRIT Awards), yhdeksän Echo Klassik -palkintoa Saksassa sekä kaksi Grammy-ehdokasta ("Violetta" - ja "Russian Album" -levyille). Vuonna 2005 Venäjän presidentti Vladimir Putin antoi Kremlissä Anna Netrebkolle Venäjän federaation valtionpalkinnon, joka hänelle myönnettiin "erinomaisesta panoksestaan \u200b\u200bVenäjän musiikkikulttuuriin". Vuonna 2006 Krasnodarin alueen kuvernööri A. Tkachev myönsi Anna Netrebkolle "Kubanin työvoiman sankari" -mitalin hänen suuresta panoksestaan \u200b\u200bmaailman oopperataiteeseen. Vuonna 2007 Time-aikakauslehti sisälsi Anna Netrebkon maailman 100 vaikutusvaltaisimman henkilön luetteloon. Tämä on ensimmäinen kerta historiassa, kun oopperalaulaja on otettu esiin Time-listalla, johon kuuluvat "miehet ja naiset, joiden voima, kyky ja moraalinen esimerkki muuttavat maailmaa". Anna Netrebko sai uransa merkittävimmän arvon vuonna 2008, jolloin arvovaltaisin amerikkalainen aikakauslehti "Musical America" \u200b\u200bnimitti Anna Netrebkon "Vuoden muusikoksi". Tämä palkinto ei vastaa Oscaria, vaan Nobel-palkintoa. Joka vuosi vuodesta 1960 lähtien lehti nimeää maailmanmusiikin päähenkilön. Koko kunnian historian aikana vain viisi oopperalaulajaa on kunnioitettu - Leontin Price, Beverly Sills, Marilyn Horn, Placido Domingo, Carita Mattila. Anna Netrebko tuli kuudenneksi valitun oopperataiteilijoiden joukosta. Monet kiiltävät lehdet omistivat Netrebkolle pitkiä artikkeleita, mukaan lukien Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Enquire, Playboy. Hän on ollut vierailija ja sankaritar suosituissa televisio-ohjelmissa, kuten Hyvää huomenta Amerikassa NBC: ssä (Night Show with Jay Lino on NBC), 60 minuuttia CBS: ssä ja German Wetten, dass ..? Anna-dokumentteja näytettiin TV-kanavilla Itävalta, Saksa, Venäjä. Kaksi hänen elämäkertaansa julkaistiin Saksassa. Maailman lehdistön mukaan Anna Netrebko kihlattiin vuoden 2007 lopussa oopperalavalla olevaan kollegaansa - uruguaylaiseen baritoniin Erwin Schrottiin. Helmikuun alussa 2008 maailma ja venäläinen media kertoivat sensaatiosta: Anna Netrebko odottaa vauvaa! Annan viimeinen esitys ennen synnytykseen liittyvää taukoa tapahtui 27. kesäkuuta 2008 Wienissä Schönnbrunnin palatsissa. Anna esiintyi konsertissa maineisten kumppaniensa kanssa. Placido Domingo ja Rolando Villazon. Kaksi kuukautta ja viikko 5. syyskuuta 2008 Wienissä Annalla oli poika, jonka onnelliset vanhemmat nimittelivät latinalaisamerikkalaisella nimellä Thiago Arua. Anna Netrebko jatkoi näyttämötoimintaansa jo 14. tammikuuta 2009. th, esiintyessään Mariinsky-teatterin näytelmässä "Lucia di Lammermoor". Tammikuun lopulla - helmikuun alussa Anna lauloi Lucian osan Metropolitan Operassa. Viimeinen, neljäs esitys, joka pidettiin 7. helmikuuta, lähetettiin suorana "MET Live in HD" -ohjelmassa Amerikan ja Euroopan elokuvateattereilla. Lähetyksen katseli katsoja 850 elokuvateatterissa 31 maassa. Anna Netrebko sai tämän kunnian kolmannen kerran. Aiemmin Metropolitan Opera -esitykset - Romeo ja Julia ja The Puritans - lähetettiin suorana lähetyksenä ympäri maailmaa. Vuonna 2006 Anna Netrebko sai Itävallan kansalaisuuden säilyttäen samalla Venäjän kansalaisuuden. Liikkuessaan jatkuvasti ympäri maailmaa, maasta toiseen, Anna palaa aina mielellään takaisin kotiinsa. Missä tarkalleen? Annalla on huoneistoja Pietarissa, Wienissä ja New Yorkissa. Annan itsensä mukaan hän "ei ole ollenkaan pakkomielle oopperasta ja näyttämöstä". On selvää, että lapsen syntymän jälkeen Anna omistaa kaikki harvinaiset vapaat päivät ja tunnit pojalleen, joka seuraa Annaa jatkuvasti kaikilla matkoillaan ja matkoillaan. Ennen kuin hänestä tuli äiti, Anna nautti vapaa-ajallaan piirtämisestä, ostoksista ja käymisestä elokuvissa, kuuntelemalla suosittua musiikkia. Suosikkikirjailija - Akunin, suosikkielokuvanäyttelijät - Brad Pitt ja Vivien Leigh. Suosittujen laulajien joukosta Anna toi esiin Justin Timberlake, Robbie Williams ja Greenday-ryhmän, ja viime aikoina - Amy Winehouse ja Duffy. Anna Netrebko osallistuu hyväntekeväisyysohjelmiin ja kampanjoihin sekä Venäjällä että ulkomailla. Vakavimpien joukossa on SOS-KinderDorf-projekti, joka toimii 104 maassa ympäri maailmaa. Lisäksi laulaja osallistuu "Anna" -hankkeeseen (Kaliningradin ja Kaliningradin alueen orpokotien apuohjelma), auttaa kansainvälistä hyväntekeväisyysjärjestöä "Roerich Heritage" sekä Pushkinissa sijaitsevaa lasten ortopedista instituuttia. G.I.Turner. Lähde: http://annanetrebko-megastar.ru/

Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya - Neuvostoliiton ja Venäjän oopperalaulaja, sopraano. Musiikkitieteiden tohtori, professori. Lyubov Yurievna Kazarnovskaya syntyi 18. toukokuuta 1956 Moskovassa. ja kirjallisuus. Lyuba lauloi aina, koulun jälkeen hän riskoi hakea Gnessin-instituuttiin - musiikkiteatterinäyttelijöiden tiedekuntaan, vaikka hän valmistautui opiskelijaksi vieraiden kielten tiedekunnassa. Opiskeluvuodet antoivat Lyuballe paljon näyttelijänä, mutta ratkaiseva tapaaminen oli Nadezhda Matveyevna Malysheva-Vinogradovan kanssa, joka oli upea opettaja, laulaja, Chaliapinin säestäjä, Stanislavskyn opiskelija itse. Arvostamattomien laulutuntien lisäksi Nadezhda Matveyevna, kirjallisuuskriitikon ja Puškin-tutkijan akateemikko V.V.Vinogradovin leski, paljasti Lyuballe kaiken venäläisten klassikoiden voiman ja kauneuden, opetti ymmärtämään musiikin ja piilossa olevien sanojen ykseyden. Tapaaminen Nadezhda Matveyevnan kanssa ratkaisi lopulta nuoren laulajan kohtalon. Vuonna 1981 Lyubov Kazarnovskaya, 21-vuotiaana, vielä opiskelijana Moskovan konservatoriossa, debytoi Tatiana-roolissa (Tsaikovskin Eugene Onegin) Stanislavskin ja Nemirovich-Danchenkon musiikkiteatterin näyttämöllä. Koko unionin Glinka-kilpailun palkittu (II-palkinto). Siitä lähtien Lyubov Kazarnovskaya on ollut Venäjän musiikkielämän keskipiste. Vuonna 1982 hän valmistui Moskovan valtion konservatoriosta, vuonna 1985 - tutkijakoulun apulaisprofessori Elena Ivanovna Shumilovan luokassa. 1981-1986 - Stanislavskin ja Nemirovich-Danchenkon musiikkitieteellisen teatterin solisti, Tšaikovskin "Eugene Onegin", "Iolanta", Rimsky-Korsakovin "May Night", Leoncavallon "Pagliacci", Puccinin "La Boheme". 1984 - Svetlanovin kutsusta lauloi Fevronian osan uudessa tuotannossa Rimsky-Korsakovin "Legenda Kitezhin näkymättömästä kaupungista", ja sitten vuonna 1985 - Tatianan (Tsaikovskin Eugene Onegin) ja Neddan (" Pagliacci "Venäjän akateeminen teatteri. 1984 - Unescon nuorten esiintyjien kilpailun Grand Prix (Bratislava). Kilpailun voittaja Miriam Hellin (Helsinki) - III palkinto ja kunniatutkinto Italian arian esityksestä - henkilökohtaisesti kilpailun puheenjohtajalta ja legendaariselta ruotsalaiselta oopperalaulajalta Birgit Nilssonilta. 1986 - Lenin Komsomol -palkinnon palkittu. 1986-1989 - Valtion akateemisen teatterin johtava solisti. Kirov: Leonora (Verdin kohtalon voima), Margarita (Gounodin "Faust"), Donna Anna ja Donna Elvira (Mozartin "Don Juan"), Leonora (Verdin "Troubadour"), Violetta ("Traviatta") ”Verdi), Tatiana (Tšaikovskin” Eugene Onegin ”), Liza (Tšaikovskin” Patajen kuningatar ”), Sopraano (Verdi” Requiem ”). Tiivistä yhteistyötä kapellimestareiden, kuten Janssonin, Temirkanovin, Kolobovin, Gergievin kanssa. Ensimmäinen ulkomainen voitto - Covent Garden -teatterissa (Lontoo) Tatiana Tsaikovskin oopperassa "Eugene Onegin" (1988) 1989. - “Maailman Maestro” Herbert von Karajan kutsuu nuoren laulajan ”omalle” festivaalilleen - kesäjuhlille Salzburgiin. Elokuussa 1989 - voiton debyytti Salzburgissa (Verdin Requiem, kapellimestari Ricardo Muti). Koko musiikkimaailma pani merkille ja arvosti venäläisen nuoren sopraanon esitystä. Tämä sensaatiomainen esitys merkitsi huimaavan uran alkua, joka myöhemmin johti hänet sellaisiin oopperataloihin kuin Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Hänen kumppaninsa ovat Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Capucciilli, Cossotto, von Stade, Baltza. Syyskuu 1989 - osallistuminen Venäjän valtion akateemisen Bolshoi-teatterin lavalle järjestettävään maailman gaalakonserttiin Armenian maanjäristyksen uhrien tukemiseksi yhdessä Krausin, Bergonsin, Preyn ja Arkhipovan kanssa. Lokakuu 1989 - osallistui kiertueelle Milanon oopperatalolle "La Scala" Moskovaan (G. Verdi "Requiem"). 1991 - Salzburg. 1992-1998 - tiivis yhteistyö Metropolitan Operan kanssa. 1994-1997 - tiivis yhteistyö Mariinsky-teatterin ja Valery Gergievin kanssa. Vuonna 1996 Lyubov Kazarnovskaya debytoi menestyksekkäästi Teatro alla Scalassa Prokofjevin oopperassa Peluri, ja helmikuussa 1997 hän lauloi voittaen Salomen roolissa Santa Cecilia -teatterissa Roomassa. Aikamme johtavat oopperamestarit työskentelevät hänen kanssaan - kapellimestarit kuten Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, ohjaajat - Zefirelli, Egoyan, Vikk, Taymor, Dew ... "La Kazarnovskaya", kuten Sitä kutsutaan italialaisessa lehdistössä, ja sen ohjelmistossa on yli viisikymmentä osaa. Häntä kutsutaan päivän parhaaksi Salomeksi, parhaaksi Verdin ja Veristin oopperoiden esiintyjäksi, puhumattakaan käyntikorttinsa Eugene Oneginin Tatyanan roolista. Hän menestyi erityisen hyvin päärooleissa Richard Straussin Salome, Tšaikovskin Eugene Onegin, Puccinin Manon Lescaut ja Tosca, Kohtalon voima ja Verdin Traviatta. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya perustaa oman organisaationsa Venäjälle - ”The Lyubov Kazarnovskaya Foundation” tukemaan Venäjän oopperataidetta: kutsuu johtavat laulutaiteen mestarit Venäjälle konsertteihin ja mestarikursseille, kuten Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura et ai. perustaa apurahoja nuorten venäläisten laulajien auttamiseksi. * 1998-2000 - tiivis yhteistyö Venäjän Suuren teatterin kanssa. 2000 - laulaja suojelee maailman ainoaa lasten oopperateatteria, joka on nimetty Lyubovy Kazarnovskajan (Dubna) mukaan. Tämän teatterin avulla Lyubov Kazarnovskaya suunnittelee mielenkiintoisia projekteja Venäjällä ja ulkomailla. 2000 - johtaa kulttuurikeskuksen ”Kaupunkien liitto” luovaa koordinointineuvostoa, joka suorittaa laajaa kulttuuri- ja koulutustyötä Venäjän kaupungeissa ja alueilla. 25.12.2000 - Rossiyan konserttisalissa järjestettiin toinen ensi-ilta - loistava oopperanäyttely "Rakkauden kasvot", joka lähetettiin suorana kaikkialla maailmassa. Kolmen tunnin musiikkitoiminnasta, jonka johtava oopperalaulaja esitteli ensimmäisen kerran maailmassa, tuli lähtevän vuosisadan viimeisen vuoden tapahtuma ja se herätti innostuneita vastauksia Venäjällä ja ulkomailla. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya on aktiivisen yhteiskunnallisen toiminnan keskipisteessä, valittiin Venäjän federaation kuntien kulttuuri- ja humanitaarisen yhteistyön toimikunnan puheenjohtajaksi, on Venäjän musiikkikoulutusseuran hallituksen puheenjohtaja. Lyubov Kazarnovskaya sai tutkintotodistuksen arvostetusta Cambridgen keskustasta (Englanti) yhtenä 1900-luvun 2000 merkittävimmistä muusikoista. Lyubov Kazarnovskajan luova elämä on sarja nopeita ja korjaamattomia voittoja, löytöjä ja saavutuksia, joille "ensimmäinen" -epiteetti sopii monilta osin: * Grand Prix Unescon laulukilpailussa. * Kazarnovskaya on ensimmäinen venäläinen sopraano, jonka Herbert von Karajan on kutsunut Salzburgiin. * Ainoa venäläinen laulaja, joka on esiintynyt Mozartin osia säveltäjän kotimaassa Salzburgissa hänen 200. syntymäpäivänään. * Ensimmäinen ja toistaiseksi ainoa venäläinen laulaja, joka on suorittanut Salomen vaikeimman osan (Richard Straussin ”Salome”) maailman suurimmilla oopperalavoilla valtavan menestyksellä. L.Kazarnovskajaa pidetään päivän parhaimpana Salomena. * Ensimmäinen laulaja, joka äänitti (CD-levyllä) kaikki 103 Tšaikovskin romanssia. * Näiden levyjen ja lukuisien konserttiensa avulla kaikissa maailman musiikkikeskuksissa Lyubov Kazarnovskaya avaa venäläisten säveltäjien musiikillisen luovuuden länsimaiselle yleisölle. * Ensimmäinen kansainvälisessä mittakaavassa oopperalaulaja, joka teki ennennäkemättömän näyttelyn - ooppera, operetti, romantiikka, chansoni ... esittäjä Puccini) näytelmässä "Manonin muotokuva" Venäjän Suuren teatterin näyttämöllä. Viime aikoina Lyubov Kazarnovskaja on kansainvälisen toimintansa lisäksi antanut paljon energiaa ja aikaa musiikkielämän kehittämiseen Venäjän alueilla. Epäilemättä hän on silmiinpistävin ilmiö Venäjän laulu- ja musiikkielämässä, ja hänelle omistettu lehdistö on ennennäkemätöntä tyylilajeitaan ja äänenvoimakkuudestaan. Hänen ohjelmistossaan on yli 50 oopperaroolia ja valtava kamarimusiikin ohjelmisto. Hänen suosikkiroolinsa ovat Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("Kohtalon voima"), Amelia ("Naamiaispallo"). Valitsemalla ohjelman soolo-iltoihin Kazarnovskaya välttää erilaista valintaa jopa voittavista, houkuttelevista asioista, suosimalla omituisia syklejä, jotka edustavat eri kirjoittajien työtä. Laulajan ainutlaatuisuus, tulkinnan kirkkaus, hienostunut tyylitaju, yksilöllinen lähestymistapa monimutkaisimpien kuvien ruumiillistumiseen eri aikakausien teoksissa tekevät hänen esityksistään aitoja kulttuurielämän tapahtumia. Lukuisat ääni- ja videotallenteet korostavat tämän loistavan laulajan valtavia äänitaitoja, korkeaa tyyliä ja suurinta musiikillista kykyä, joka osoittaa aktiivisesti venäläisen kulttuurin todellisen tason koko maailmalle. Amerikkalainen yritys VAI (Video Artists International) on julkaissut sarjan videonauhoja, joihin osallistuu Venäjän diiva, mukaan lukien "Venäjän suurlaulajat 1901-1999" (kaksi nauhaa), "Gypsy Love" (videotallenne Lyubov Kazarnovskajan konsertista) Moskovan konservatorion suuressa salissa). Lyubov Kazarnovskajan diskografia sisältää äänitteitä DGG: lle, Philipsille, Delokselle, Naxokselle ja Melodialle. Tällä hetkellä Lyubov Kazarnovskaya valmistelee uusia ohjelmia soolokonsertteihin, uusia oopperarooleja (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), suunnittelee lukuisia kiertueita ulkomaille ja ympäri Venäjää sekä esiintynyt elokuvissa. Hän on ollut naimisissa Robert Rostsikin kanssa vuodesta 1989, vuonna 1993 syntyi poika Andrey. Nämä muutamat lainaukset ovat vain pieni osa Lyubov Kazarnovskajan esityksiin liittyvistä innostuneista vastauksista: "Hänen äänensä on syvä ja viettelevästi viehättävä ... Koskettavat, kauniisti toteutetut kohtaukset Tatianan kirjeestä ja hänen viimeisestä tapaamisestaan \u200b\u200bOneginin kanssa eivät jätä epäilystä laulajan korkeimmista taito (Metropolitan Opera, "New York Times") "Tehokas, syvä, erinomaisesti ohjattu sopraano, ilmeikäs koko alueella ... Lauluominaisuuksien alue ja kirkkaus ovat erityisen vaikuttavia" (Lincoln Center, johdanto-osan kappale, New York Times) " Kazarnovskajan ääni on kohdennettu, hienovarainen keskirekisterissä ja valo ylemmässä ... Hän on säteilevä Desdemona "(Ranska," Le Monde de la Musique ")" ... Lyuba Kazarnovskaya hurmasi yleisön aistillisella, maagisesti kuulostaa sopraanolta kaikissa rekistereissä "(" Muenchner Merkur ")" Venäjän Diva niin säteilevä Salomen roolissa, - jää alkoi sulaa kaduilla, kun Lyuba Kazarnovskaya lauloi Salomen viimeisen kohtauksen ... "(" Cincinnati Enquirer " ) Infor mation ja valokuvia viralliselta sivustolta: http://www.kazarnovskaya.com Uusi sivusto kauniista kukista. Iiriksen maailma. Iiriksen jalostaminen, jättäminen, siirtäminen.

Elina Garanca on latvialainen laulaja (mecosoprano), yksi aikamme johtavista oopperalaulajista. Elina Garanca syntyi 16. syyskuuta 1976 Riiassa muusikkoperheessä, hänen isänsä on kuorojohtaja ja hänen äitinsä Anita Garanca on Latvian musiikkiakatemian professori, Latvian kulttuuriakatemian apulaisprofessori. , lauluopettaja Latvian kansallisoopperassa. Vuonna 1996 Elina Garanca tuli Latvian musiikkiakatemiaan Riiassa, jossa hän opiskeli laulua Sergei Martynovin luona, ja vuodesta 1998 jatkoi opintojaan Irina Gavrilovichin johdolla Wienissä ja sitten Virginia Zeaniin Yhdysvalloissa. Yksi merkittävimmistä tapahtumista Elinalla hänen opintojensa aikana oli vuonna 1998 Jane Seymourin rooli Gaetano Donizettin oopperasta "Anne Boleyn" - Garanca oppi roolin kymmenessä päivässä ja löysi syvän myötätunnon bel cantoon. ohjelmisto. Opintojensa suorittamisen jälkeen Garancha debytoi ammatillisessa oopperassa Etelä-Thüringenin osavaltion teatterissa Meiningenissä Saksassa Octavianuksen roolissa elokuvassa Der Rosenkavalier. Vuonna 1999 hänestä tuli Miriam Helin -laulukilpailun voittaja Helsingissä. Vuonna 2000 Elina Garanca voitti Latvian kansallisen esiintyjäkilpailun pääpalkinnon, minkä jälkeen hänet otettiin ryhmään ja työskenteli Frankfurtin oopperassa, jossa hän lauloi toisen naisen rooleja Taikuhuilussa, Hanselia Humperdinkin oopperassa Hansel ja Gretel ja Rosina Sevillan parturissa ". Vuonna 2001 hänestä tuli finalisti arvostetulla kansainvälisellä oopperalaulajien kilpailulla Cardiffissa ja julkaisi debyyttisoololevynsä oopperaarian ohjelmassa. Nuori laulaja teki kansainvälisen läpimurtonsa vuonna 2003 Salzburgin festivaalilla, kun hän lauloi Annio-osan Mozartin oopperan Titus armo -tuotannossa Nicolaus Arnoncourtin johdolla. Tätä esitystä seurasi menestys ja lukuisia sitoutumisia. Pääasiallinen työpaikka oli Wienin valtionooppera, jossa Garanca esitti Charlotten rooleja elokuvassa "Werther" ja Dorabellaa roolissa "Kaikki tekevät sen" vuosina 2003-2004. Ranskassa hän esiintyi ensin Théâtre des Champs-Elyseesillä (Angelina Rossinin Cinderellassa) ja sitten Pariisin oopperassa (Opera Garnier) Octavianina. Vuonna 2007 Elina Garanca esiintyi ensimmäistä kertaa kotikaupunginsa Riian pääoopperalavalla Latvian kansallisoopperassa Carmenin roolissa. Samana vuonna hän debytoi Berliinin valtionoopperassa (Sextus) ja Lontoon kuninkaallisessa teatterissa "Covent Garden" (Dorabella) ja vuonna 2008 New Yorkin "Metropolitan Opera" -tapahtumassa Rosinan roolissa. "Sevillan parturissa" ja Baijerin oopperassa Münchenissä (Adalgiza). Tällä hetkellä Elina Garancha esiintyy maailman johtavien oopperatalojen ja konserttipaikkojen lavalla yhtenä kirkkaimmista musiikkitähdistä kauniin äänensä, musikaalisuutensa ja vakuuttavan dramaattisen kykynsä ansiosta. Kriitikot ovat kommentoineet Garanchan äänen helppoutta, nopeutta ja pelkkää mukavuutta sekä menestystä, jolla hän sovelsi modernia laulutekniikkaa 1800-luvun alun monimutkaiseen Rossinin ohjelmistoon. Elina Garancalla on vankka kokoelma ääni- ja videotallenteita, mukaan lukien Fabio Biondin ohjaama Grammy-palkittu Antonio Vivaldin "Bayazet" -tallennus, jossa Elina lauloi Andronicuksen osan. Elina Garanca on naimisissa englantilaisen kapellimestarin Karel Mark Chichonin kanssa, ja pariskunta odottaa ensimmäistä lastaan \u200b\u200blokakuun 2011 lopussa.

Teatro Massimo (italialainen Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) on oopperatalo Palermossa, Italiassa. Teatteri on nimetty kuningas Victor Emmanuel II: n mukaan. Italiasta käännettynä Massimo tarkoittaa suurinta ja suurinta - teatterin arkkitehtoninen kompleksi on suurin oopperatalojen rakennuksista Italiassa ja yksi suurimmista Euroopassa. Palermossa, joka on toiseksi suurin kaupunki Etelä-Italiassa, on jo pitkään puhuttu oopperatalon tarpeesta kaupungissa. Palermon pormestari Antonio Rudini julisti vuonna 1864 kansainvälisen kilpailun suuren oopperatalon rakennushankkeesta, jonka tarkoituksena oli kaunistaa kaupungin ulkonäköä ja nostaa kaupungin kuvaa Italian viimeaikaisen kansallisen yhtenäisyyden valossa. Vuonna 1968 kilpailun tuloksena valittiin kuuluisa sisilialainen arkkitehti Giovanni Battista Filippo Basile. Uutta teatteria varten määritettiin paikka, jossa sijaitsi San Giulianon kirkko ja luostari, ja ne purettiin huolimatta fransiskaanien nunnojen mielenosoituksista. Legendan mukaan "Luostarin viimeinen abatti" vaeltaa edelleen teatterisaleissa, ja ne, jotka eivät usko häneen, kompastuvat aina yhteen vaiheeseen ("nunan askel") teatterin sisäänkäynnille. Rakentaminen alkoi juhlallisesti ensimmäisen kiven laskemisella 12. tammikuuta 1875, mutta se eteni hitaasti ilman jatkuvaa rahoitusta ja skandaaleja. Vuonna 1882 se oli jäädytetty kahdeksaksi vuodeksi ja jatkettu vasta vuonna 1890. Vuonna 1891 arkkitehti Giovanni Basile kuoli ennen projektinsa avaamista, ja hänen poikansa Ernesto Basile jatkoi työtä. 16. toukokuuta 1897, 22 vuotta rakentamisen aloittamisen jälkeen, teatteri avasi ovensa oopperan ystäville, ensimmäinen sen lavalla ooppera oli Giuseppe Verdin "Falstaff" Leopoldo Munonen johdolla. Giovani Basile sai inspiraationsa muinaisesta Sisilian arkkitehtuurista, ja siksi teatteri rakennettiin uusklassiseen ankaraan tyyliin antiikin Kreikan temppeleiden kanssa. Teatteriin johtava monumentaalinen portaikko on koristeltu pronssileijonilla, joiden selässä on naispatsaita - allegoriset "ooppera" ja "tragedia". Rakennusta kruunaa suuri puolipyöreä kupoli. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortejani, Luigi di Giovanni työskentelivät teatterin sisustuksessa, jota ylläpidetään myöhäisen renessanssin tyyliin. Tilava aula johtaa auditorioon, sali itsessään on hevosenkengän muotoinen, aiemmin se oli 7-porrasinen ja suunniteltu yli 3000 katsojalle, nyt viidellä laatikkotasolla ja galleriassa mahtuu 1381 paikkaa. Ensimmäiset kaudet olivat erittäin onnistuneita. Kiitos suuren liikemiehen ja senaattori Ignazio Florion, joka sponsoroi teatteria ja yritti tehdä Palermosta oopperan pääkaupunki, kaupunki houkutteli monia vieraita, mukaan lukien kruunatut päät, jotka vierailivat säännöllisesti teatterissa. Teatterissa ovat esiintyneet johtavat kapellimestarit ja laulajat, alkaen Enrico Carusosta, Giacomo Puccinista, Renata Tebaldista ja monista muista. Vuonna 1974 Massimo-teatteri suljettiin täysin kunnostettavaksi, mutta korruptioskandaalien ja poliittisen epävakauden vuoksi palauttaminen viivästyi 23 vuotta. 12. toukokuuta 1997, neljä päivää ennen 100-vuotisjuhlaa, teatteri avasi uudelleen esityksellä G.Mahlerin toisen sinfonian, mutta palautus ei ollut vielä kesken ja ensimmäinen oopperatuotanto tapahtui vuonna 1998 - Verdin Aida ja tavallinen ooppera. kausi alkoi vuonna 1999.

Teatro Carlo Felice on tärkein oopperatalo Genovassa, Italiassa. Teatteri sijaitsee kaupungin keskustassa, lähellä Ferrari-aukiota, ja se on kaupungin symboli; teatterin edessä on ratsastusmonumentti Giuseppe Garibaldille. Päätös uuden oopperatalon rakentamisesta Genovaan tehtiin vuonna 1824, kun kävi selväksi, että nykyiset kaupunginteatterit eivät vastanneet kaupungin tarpeita. Uuden teatterin piti seisoa yhdessä rivissä ja kilpailla Euroopan parhaiden oopperatalojen kanssa. Arkkitehtuurikilpailu, jossa he valitsivat oopperatalon rakennuksen suunnitelman paikallinen arkkitehti Carlo Barbarino, vähän myöhemmin kuuluisa milanolainen Luigi Canonica kutsuttiin lisäksi rakentamaan näyttämö ja sali, jonka lukuun hän oli jo ollut osallistunut useisiin suuriin hankkeisiin - La Scalan kunnostamiseen, teatterien rakentamiseen Milanoon, Cremonaan, Bresciaan jne. Teatterille valittiin paikka, jossa entinen dominikaaninen luostari ja San Domenicon kirkko sijaitsivat. Tämä luostarikompleksi, joka on peräisin 1300-luvulta, on tunnettu arkkitehtonisesta loistostaan \u200b\u200bja kallisarvoisista sisustustöistään. Jotkut väittävät, että luostari uhrattiin teatterille, mutta tämä ei ole totta. Napoleonin "Italian kuningaskunnan" aikoina luostarissa oli hänen armeijansa kasarmit ja varastot. Kompleksi oli huonosti rappeutunut ja vuonna 1821 kaupungin jälleenrakennussuunnitelman mukaan se purettiin kokonaan, ja teatterin rakentamispäätös tehtiin vuonna 1824. Uuden rakennuksen ensimmäinen kivi asetettiin 19. maaliskuuta 1826. Juhla-aukko pidettiin 7. huhtikuuta 1828, vaikka rakentaminen ja koristelu eivät olleetkaan täysin valmiita. Ensimmäinen ooppera teatterin näyttämöllä oli Vincenzo Belinni "Bianca ja Fernando". Teatteri on nimetty Genovan hallitsijan Savoy-herttua Carlo Felicen mukaan. Viisitasoinen sali mahtui noin 2500 katsojaa. Seuraavina vuosina teatteri kunnostettiin useita kertoja, vuonna 1852 asennettiin kaasuvalaistus, vuonna 1892 - sähkövalaistus. Lähes 40 vuotta, vuodesta 1853, Giuseppe Verdi vietti talvet Genovassa ja järjesti toistuvasti oopperansa Teatro Carlo Felicessä. Vuonna 1892, kun Christopher Columbus (Genova kiistää oikeuden tulla pidetyksi Columbuksen pienenä kotimaana) 400-vuotispäivän kunniaksi kunnostamisen jälkeen, Verdiä pyydettiin säveltämään sopiva ooppera tätä tapahtumaa varten ja asettamaan se teatteriin , mutta hän kieltäytyi korkean ikänsä perusteella. Teatro Carlo Felice päivitettiin jatkuvasti ja pysyi hyvässä kunnossa toiseen maailmansotaan asti. Ensimmäiset vahingot aiheutettiin vuonna 1941, jolloin rakennuksen katto tuhoutui liittoutuneiden joukkojen laukauksesta ja auditorion katon ainutlaatuinen maalaus vahingoittui vakavasti. Sitten elokuussa 1943 sytyttävän pommin jälkeen takahuoneet palivat, koristeet ja meikkihuoneet tuhoutuivat, mutta tulipalo ei vaikuttanut pääsaliin, valitettavasti tuolloin teatteri kärsi enemmän varastavista rosvoista monia arvokkaita asioita. Lopuksi, syyskuussa 1944, ilmahyökkäyksen jälkeen, vain seinät olivat jäljellä teatterista. Hätäisesti kunnostettu teatteri jatkoi toimintaansa koko ajan, ja jopa Maria Callas esiintyi siinä. Suunnitelmat teatterirakennuksen pääoman palauttamiseksi alkoivat vuonna 1946. Vuonna 1951 yksi projekti valittiin kilpailun perusteella, mutta se ei koskaan toteutunut. Teatteri suljettiin hätätilanteiden vuoksi 1960-luvun alussa. Vuonna 1963 kuuluisalle arkkitehdille Carlo Scarpalle annettiin jälleenrakennushankkeen kehittäminen, mutta hän viivästytti työtä ja projekti oli valmis vasta vuonna 1977, mutta arkkitehdin odottamattoman kuoleman vuoksi vuonna 1978 projekti pysäytettiin. Seuraava suunnitelma hyväksyttiin vuonna 1984, Aldo Rossi valittiin uuden teatterin pääarkkitehdiksi Carlo Felice. Kehittäjien päämotiivi oli historian ja modernisuuden yhdistelmä. Jäljelle jäivät vanhan teatterin seinät ja julkisivu, jossa oli bareljeefit, sekä joitain sisustuselementtejä, jotka onnistuimme sovittamaan uuteen sisustukseen, mutta suurin osa teatterista rakennettiin uudelleen tyhjästä. Uuden teatterin peruskivi asetettiin 7. huhtikuuta 1987. Vanhan teatterin taakse lisättiin uusi kerrostalo, asuntolavat, siirrettävät alustat, harjoitus- ja pukuhuoneet. Itse auditorio sijaitsee "vanhassa" teatterissa, arkkitehtien tavoitteena oli luoda vanhan teatterin tunnelma, kun esitykset pidettiin keskustan kadulla. Siksi salin seinille tehtiin ikkunat ja parvekkeet, jotka jäljittelivät rakennusten ulkoseiniä, ja kattoon on merkitty "tähtitaivas". 18. lokakuuta 1991 Carlo Felice -teatterin verho nousi lopulta, kauden ensimmäinen avajaistapahtuma oli Giuseppe Verdin ooppera "Troubadour". Teatro Carlo Felice on yksi Euroopan suurimmista oopperataloista, ja sen pääsalin kapasiteetti on 2000.

Metropolitan Opera on musiikkiteatteri Lincoln Centerissä New Yorkissa, New York, USA. Maailman suurin oopperatalo. Sitä kutsutaan usein "Met" lyhennetyssä muodossa. Teatteri kuuluu maailman kuuluisimpiin oopperavaiheisiin. Teatterin taiteellinen johtaja on James Levine. Toimitusjohtaja - Peter Gelb. Luotu Metropolitan Opera House Companyn varoilla. Tukevat varakkaat yritykset, yksityishenkilöt. Metropolitan Opera avattiin Charles Gounodin Faust-esityksellä 22. lokakuuta 1883, ruotsalaisen sopraanon Christina Nilssonin ollessa tärkein naisrooli. Teatteri on avoinna seitsemän kuukautta vuodessa: syyskuusta huhtikuuhun. Noin 27 oopperaa järjestetään vuodessa. Esitykset pidetään päivittäin, yhteensä noin 220 esitystä. Toukokuusta kesäkuuhun teatteri menee kiertueelle. Lisäksi heinäkuussa teatteri antaa ilmaisia \u200b\u200besityksiä New Yorkin puistoissa houkuttelemalla valtavaa yleisöä. Radio- ja TV-lähetyksiä on säännöllisesti. Teatterin orkesteri ja kuoro työskentelevät pysyvästi, ja solisteja ja kapellimestareita kutsutaan sopimuksen perusteella kaudeksi tai tiettyihin esityksiin. Oopperat esitetään perinteisesti alkuperäiskielellä. Ohjelmisto perustuu maailman klassikoihin, mukaan lukien venäläiset säveltäjät. Ensimmäinen J. Cleveland Cadyn suunnittelema Metropolitan Opera sijaitsi Broadwaylla 39–40 kadun välissä. Vuonna 1966 teatteri muutti uuteen Lincoln Centeriin Manhattanilla, ja sillä on yksi päälava ja kolme apuvaihetta. Pää auditorio on suunniteltu 3800 istuimelle, ja koostaan \u200b\u200bhuolimatta se tunnetaan erinomaisesta akustiikastaan.

Teatro dell "Opera di Roma" (Teatro dell "Opera di Roma) on ooppera- ja balettiteatteri Roomassa, Italiassa. Joskus kutsutaan Teatro Costanziiksi, sen luojan Domenico Costanzin (1810-1898) mukaan. Roomalainen oopperatalo rakennettiin yksityisen urakoitsijan ja rahoittajan toimesta.Domenico Costanzi (1810-1898), projektin arkkitehti oli milanolainen Achille Sfondrini (1836-1900). Teatteri rakennettiin 18 kuukaudessa ja avattiin 27. marraskuuta 1880 oopperan tuotannolla. Gioachino Rossinin "Semiramis". Yksi teatterin piirteistä oli sen läheisyys lähellä myös Costanzin omistamaa hotellia, hotellin ja teatterin ja vieraiden, myös näyttelijöiden, välillä oli maanalainen käytävä, jos he eivät halunneet Alun perin Costanzi-teatterissa, jonka kapasiteetti oli yli 2200 katsojaa, oli amfiteatteri, kolme laatikkotasoa, kaksi erillistä galleriaa. Dome koristettiin Anibalen freskoilla. Brugnoli. Costanzin perhe johti teatteria itsenäisesti, ensin itse Domenico, sitten hänen poikansa Enrico Huolimatta siitä, että syntyi paljon taloudellisia vaikeuksia, teatteri oli yksi Italian johtavista ja isännöi monia maailman ensi-iltoja, mukaan lukien Pietro Mascagnin "Maaseudun kunnia" ja Giacomo Puccinin "Tosca". Vuonna 1907 teatterin hankki "Kansainvälinen ja kansallinen teatteriryhmä", Emma Carell nimitettiin teatterin johtajaksi. Teatteri pysyi neljätoista hänen johtamisvuotensa ajan myös yhtenä Italian johtavista. Se isännöi monia oopperoiden ja balettien ensi-iltoja maailmassa, Euroopassa ja Italiassa, mukaan lukien Mussorgskin Boris Godunov ja Stravinskin Tulilintu, jonka Diaghilevin Venäjän baletti esitteli. Marraskuussa 1926 Rooman kaupunginvaltuusto osti "Teatro Costanzi". Teatterissa tehtiin merkittävä rakennemuutos arkkitehti Marcello Piacentinin suunnitelman mukaisesti: julkisivu rakennettiin uudelleen, keskisisäänkäynti siirrettiin vastakkaiselle puolelle, amfiteatteri poistettiin teatterin sisältä ja lisättiin toinen taso, sisustus koristeltiin uusilla stukki listat ja koriste-elementit, huonekalut vaihdettiin ja upea uusi 6 metrin kattokruunu ripustettiin halkaisijaltaan 27 000 kappaletta kristallia. Teatteri sai nimen "Kuninkaallinen oopperatalo" ja avasi ovensa uudelleen 27. helmikuuta 1928 Arrigo Boiton oopperalla "Nero". Vuodesta 1946 nykypäivään teatteria kutsutaan Rooman oopperataloksi. Vuonna 1958 rakennus uudistettiin ja modernisoitiin uudelleen ja sai nykyisen ulkonäön. Sama arkkitehti Marcello Piacentini laati projektin, johon sisältyi julkisivun, pääsisäänkäynnin ja aulan muutos, sali oli varustettu ilmastointilaitteella ja tehtiin merkittävä remontti. Tällä hetkellä salin kapasiteetti on noin 1600 paikkaa. Roomalaisella oopperatalolla on myös omat ooppera- ja balettiryhmät, ja klassisen tanssin koulu, Rooman baletti on yhtä suosittu kuin ooppera. Vuodesta 1937 lähtien kesällä oopperatalo on esittänyt esityksiä ulkoilmassa Caracallan kylpylöissä antiikin aikojen arkkitehtonisen muistomerkin taustalla.

La Scala (italialainen Teatro alla Scala tai La Scala) on maailmankuulu oopperatalo Milanossa (Italia). Kaikki johtavat oopperatähdet ovat pitäneet kunniana esiintyä La Scalassa kahden ja puolen vuosisadan ajan. Teatro alla Scalassa asuu samanniminen oopperaryhmä, kuoro, baletti ja sinfoniaorkesteri. Se liittyy myös Teatro alla Scala Academy -yliopistoon, joka tarjoaa ammatillista koulutusta musiikin, tanssin ja lavanhallinnassa. Teatterin aulassa on museo, jossa on esillä maalauksia, veistoksia, pukuja ja muita oopperan ja teatterin historiaan liittyviä asiakirjoja. Teatterirakennus rakennettiin Itävallan keisarinna Maria Teresan tilauksesta ja arkkitehti Giuseppe Piermarini suunnitteli sen vuosina 1776-1778. Santa Maria della Scalan kirkon paikalla, josta teatterin nimi tulee. Kirkko puolestaan \u200b\u200bsai nimensä vuonna 1381 suojelijalta - Veronan hallitsijoiden perheen edustajalta Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Teatteri avattiin 3. elokuuta 1778 Antonio Salierin oopperan "Tunnustettu Eurooppa" avulla. 1800-luvun lopulla - 1800-luvun alkupuolella italialaisten säveltäjien P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Mayra oopperat ilmestyivät teatterin ohjelmistoon. G. Rossinin "Touchstone" (1812), "Aurelian Palmyra" (1813), "Turkki Italiassa" (1814), "Varasharakka" (1817) ja muiden (yhdessä Caroline) oopperoiden ensi-iltatapahtumat Unger debytoi Italiassa), samoin kuin J. Meyerbeerin oopperat "Anjoun Margaret" (1820), "Grenadasta karkotettu" (1822) ja joukko Saverio Mercadanten teoksia. 1830-luvulta lähtien teatterin ohjelmistoon on ilmestynyt G. Donizettin, V. Bellinin, G. Verdin, G. Puccinin teoksia, ja ensimmäistä kertaa Bellinin "Merirosvo" (1827) ja "Norma" (1831) " Lucretius Borgia ”(1833) Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Othello (1887) ja Falstaff (1893), kirjoittanut Verdi, rouva Butterfly (1904) ja Turandot Puccini. Toisen maailmansodan aikana teatteri tuhoutui. Insinööri L. Secchin palautettua alkuperäisen ulkonäön teatteri avattiin uudelleen vuonna 1946. Teatterirakennusta on kunnostettu useammin kuin kerran. Viimeinen kunnostus kesti kolme vuotta, ja siihen käytettiin yli 61 miljoonaa euroa. Ensimmäinen musiikkikappale uudistetulla lavalla 7. joulukuuta 2004 oli Antonio Salierin ooppera "Tunnustettu Eurooppa". Istuimia on 2030, mikä on paljon vähemmän kuin ennen viimeistä kunnostusta. Istuimia on vähennetty paloturvallisuuden ja mukavuuden parantamiseksi. Perinteisesti uusi kausi La Scalassa alkaa talvella - 7. joulukuuta (mikä on epätavallista verrattuna muihin teattereihin maailmassa) Milanon suojeluspyhimyksen Pyhän Ambrosen päivänä ja päättyy marraskuussa. Ja jokaisen esityksen on lopetettava ennen keskiyötä, jos ooppera on hyvin pitkä, se alkaa varhain.

Samaran akateeminen ooppera- ja balettiteatteri on musiikkiteatteri Samarassa, Venäjällä. Samaran akateeminen ooppera- ja balettiteatteri on yksi Venäjän suurimmista musiikkiteattereista. Teatterin avajaiset pidettiin 1. kesäkuuta 1931 Mussorgskyn oopperan Boris Godunov kanssa. Sen alkuperää olivat erinomaiset venäläiset muusikot - Tanejevin ja Rimsky-Korsakovin opiskelija, kapellimestari ja säveltäjä Anton Eichenwald, Suuren teatterin kapellimestari Ariy Pazovsky, kuuluisa venäläinen kapellimestari Isidor Zak, Suuren teatterin johtaja Joseph Lapitsky. Sellaiset mestarit kuin kapellimestarit Savely Bergolts, Lev Ossovsky, ohjaaja Boris Ryabikin, laulajat Alexander Dolsky, Ukrainan Neuvostoliiton kansanartistit Nikolai Poludenny, Venäjän kansataiteilija Viktor Tšernomortsev, RSFSR: n kansataiteilija, Suuren teatterin tuleva solisti Natalia Shpiller, Lorey ja monet muut. Balettiryhmää johti Mariinsky-teatterin solisti, Pariisin legendaaristen Diaghilev-kausien osanottaja Jevgeny Lopukhova. Hän avasi sarjan loistavia Pietarin koreografeja, jotka eri vuosina seisoivat Samara-baletin kärjessä. Samara-teatterin koreografit olivat lahjakas koreografi Natalya Danilova, Agrippina Vaganovan opiskelija, legendaarinen Pietarin balerina Alla Shelest, Mariinsky-teatterin solisti Igor Chernyshev, Neuvostoliiton kansataiteilija Nikita Dolgushin. Teatteri on nopeasti saamassa ohjelmistonsa. 1930-luvun tuotantoon kuuluu ooppera- ja balettiklassikoita: Tšaikovskin, Glinkan, Rimski-Korsakovin, Borodinin, Dargomyzhskyn, Rossinin, Verdin, Puccinin oopperat, Tšaikovskin, Minkuksen, Aadamin baletit. Ajan vaatimusten mukaan teatterissa kiinnitetään suurta huomiota moderniin ohjelmistoon. Sodanjälkeisenä aikana A. Eichenwaldin oopperat, Kreitnerin Tanya, Shebalinin ja muiden hämmentävät oopperat lavastettiin ensimmäistä kertaa maassa. Rohkea luova kokeilu, veto tuntemattomaan tai ansaitsemattomasti unohdetut mestariteokset ovat luonnostaan \u200b\u200bteatterille sodanjälkeisinä vuosina. Hänen julisteissa on kymmeniä nimikkeitä 1700-luvun klassikoista. (Cherubinin "Medea", Cimarosan "Salainen avioliitto") ja 1800-luvun venäläisten säveltäjien vähän esittämiä teoksia. (Rimsky-Korsakovin "Servilia", Tšaikovskin "Lumoaja", Rebikovin "Elka") 1900-luvun eurooppalaiselle avantgardelle. (Kääpiö von Zemlinsky, Les Noces Stravinsky, Arlecchino Busoni). Erityinen sivu teatterin elämässä on yhteisluonti nykyisten venäläisten kirjailijoiden kanssa. Erinomaiset venäläiset säveltäjät Sergei Slonimsky ja Andrei Eshpai, Tikhon Khrennikov ja Andrei Petrov antoivat teoksensa lavalle. Merkittävä tapahtuma, kaukana Samaran kulttuurielämän ulkopuolella, oli Slonimskyn oopperan ”Ivan Julman visio” -esitys ensi-iltana, jonka esitti 1900-luvun suuri muusikko Mstislav Rostropovich yhteistyössä merkittävien näyttämömestarien, ohjaaja Robert Sturuan ja taiteilija Georgy Alexi-Meskhishvilin kanssa . Suuren isänmaallisen sodan alkaessa kaupungin kulttuurinen tilanne muuttui dramaattisesti. Lokakuussa 1941 Neuvostoliiton valtion suuri teatteri evakuoitiin Kuibysheviin / Samaraan ("varapääkaupunki"). Taiteellinen aloite kohdistuu Neuvostoliiton ooppera- ja balettimaailman suurimpiin mestareihin. Vuosille 1941 - 1943. Bolshoi-teatteri näytti Samarassa 14 oopperaa ja balettia. Maailmankuulut laulajat Ivan Kozlovsky, Maxim Mihailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, ballerina Olga Lepeshinskaya esiintyivät Samaran näyttämöllä, Samosud, Fayer, Melik-Pashaev. Kesään 1943 asti Bolshoi-teatteriryhmä asui ja työskenteli Kuibyshevissä. Kiitoksena paikallisten asukkaiden avusta tässä vaikeassa ajassa hänen taiteilijansa tulivat Volgan joukkoon sodan jälkeen useammin kuin kerran uusilla teoksillaan sekä sodan historiallisella ohjelmistolla. Vuonna 2005, suurten isänmaallisen sodan voiton 60. vuosipäivän kunniaksi, Venäjän Suuren teatterin kollektiivi esitteli Samaran yleisölle uuden tapaamisen taiteellaan. Kiertueet ja konsertit (Shostakovichin baletti Kirkas virta, Mussorgskin ooppera Boris Godunov, suuri Voiton sinfonia - Šostakovitšin seitsemäs sinfonia, puhallinorkesterin ja oopperasolistien konsertti) olivat menestys. Kuten Venäjän Bolshoi-teatterin pääjohtaja A. Iksanov totesi, "Nämä Bolshoi-teatterin koko henkilökunnalle nämä retket ovat toinen mahdollisuus ilmaista syvä kiitollisuus Samaran asukkaille siitä, että Bolshoi-teatteri löysi toisen kodin täältä vaikeimpana sodan aikana. " 1900-luvun Samaran musiikkielämän huippu, todella historiallinen tapahtuma, oli Dmitri Šostakovitšin seitsemännen ("Leningrad") sinfonian esitys Samaran oopperatalon näyttämöllä. Suuri teos, joka heijastaa sodan traagisia tapahtumia ja välittää kaikki Neuvostoliiton sotilaiden riemun suuruuden, säveltäjä valmistui joulukuussa 1941 Samarassa evakuoinnissa ja esitti Suuren teatterin orkesteri Samuil Samosudin johdolla 5. maaliskuuta. , 1942. Teatteri elää intensiivistä elämää. Jälleenrakentaminen on loppumassa, julisteeseen ilmestyy uusia nimiä, laulajat ja tanssijat voittavat arvostettuja kansainvälisiä ja venäläisiä kilpailuja, uusia luovia voimia virtaa ryhmään. Teatterin henkilökunta voi olla ylpeä lahjakkaiden, kirkkaiden luovien yksilöiden keskittymisestä. Venäjän arvostetut taiteilijat Mikhail Gubsky ja Vasily Svjatkin ovat paitsi Samara-teatterin, myös Venäjän Suuren teatterin ja Moskovan Novaja-oopperateatterin solisteja. Anatoly Nevdakh osallistuu Suuren teatterin esityksiin, Andrei Antonov esiintyy menestyksekkäästi venäläisten ja ulkomaisten teatterien näyttämöillä. Oopperaryhmän tason osoittaa myös se, että siinä on suuri määrä "nimettyjä" laulajia: 5 taiteilijaa, 8 kunniataiteilijaa, 10 kansainvälisten ja koko Venäjän kilpailun voittajaa. Ryhmässä on monia lahjakkaita nuoria, joiden kanssa vanhempi taiteilijoiden sukupolvi jakaa mielellään taitojensa salaisuudet. Vuodesta 2008 lähtien teatterin balettiryhmä on nostanut rimaa merkittävästi. Teatterikollektiivia johti Venäjän arvostettu taiteilija Kirill Shmorgoner, joka pitkään koristeli Perm-teatterin balettiryhmää. K. Shmorgoner kutsui teatteriin suuren joukon opiskelijoita, jotka ovat valmistuneet yhdelle maan parhaista oppilaitoksista - Permin koreografiakoulusta. Nuorista balettitanssijoista Ekaterina Pervushinasta ja Viktor Malyginista tuli arvostetun kansainvälisen Arabesque -kilpailun voittajia. Koko Samara-tanssijoiden ryhmä esiintyi menestyksekkäästi Delphic Games -venäläisillä festivaaleilla. Viime vuosina teatterissa on ollut useita ensi-iltoja, jotka ovat saaneet suuren yleisön resonanssin: Rimski-Korsakovin oopperat Mozart ja Salieri, Stravinskin Mavra, Pergolesi Neito-Neiti, Tšaikovski Eugene Onegin, Verdi Rigoletto, Madame Butterfly ”Puccini, Stravinskyn koreografinen kantaatti“ Les Noces ”, baletti Hertel“ Vain varotoimet ”. Teatteri tekee aktiivista yhteistyötä näissä lavastuksissa Moskovan mestareiden kanssa Suuresta teatterista, Novaja-oopperasta ja muista venäläisistä teattereista. Paljon huomiota kiinnitetään lapsille suunnattujen satujen esittämiseen. Ooppera- ja balettitaiteilijat esiintyvät myös konserttilavalla. Teatterin kiertoreittejä ovat Bulgaria, Saksa, Italia, Espanja, Kiina ja Venäjän kaupungit. Teatterin intensiivinen kiertomatka antoi Samaran alueen asukkaille mahdollisuuden tutustua uusimpiin teoksiin. Festivaalit ovat kirkas sivu teatterin elämässä. Niihin kuuluvat Alla Shelestin nimetty klassisen baletin festivaali, kansainvälinen festivaali “XXI vuosisadan bassot”, ”Viisi iltaa Togliatissa”, oopperataiteen festivaali “Samara Spring”. Teatterin festivaalialoitteiden ansiosta Samaran katsojat voivat tutustua kymmenien Venäjän ja ulkomaisten ooppera- ja balettitaiteen suurimpien mestareiden taiteeseen. Teatterin luoviin suunnitelmiin kuuluu oopperan "Prinssi Igor", balettien "Don Quijote", "Nukkuva kauneus" lavastus. 80-vuotispäivään mennessä teatteri aikoo näyttää Mussorgskyn oopperan Boris Godunov, palaten siten alkuperäänsä uudessa vaiheessa historiallisessa kehityksessään. Kaupungin keskusaukiolle nousee massiivinen harmaa rakennus - taidekriitikoiden mielipiteiden mukaan "myöhään suunnitellun" pilonadityylin "suurenmoinen muistomerkki, johon on lisätty brutaaleja klassikoita", "upea esimerkki 30-luvun arkkitehtuurista ”. Projektin tekijät ovat Leningradin arkkitehdit N.A. Trotsky ja N.D. Katselenegbogen, joka voitti kulttuuripalatsin perustamista koskevan kilpailun vuonna 1935. Teatteri sijaitsi rakennuksen keskiosassa. Vasemmalla siivellä oli jonkin aikaa aluekirjasto, oikeassa siipissä urheilukoulu ja taidemuseo. Vuonna 2006 rakennuksen jälleenrakentaminen alkoi, mikä vaati urheilukoulun ja museon häätöä. Vuoteen 2010 mennessä, teatterin vuosipäivänä, jälleenrakennus valmistui. Lähde: Samaran ooppera- ja balettiteatterin virallinen verkkosivusto

Mariinsky-teatteri on ooppera- ja balettiteatteri Pietarissa, Venäjällä. Avattu vuonna 1860, erinomainen venäläinen musiikkiteatteri. Sen lavalla oli ensi-iltoja Tšaikovskin, Mussorgskin, Rimski-Korsakovin ja monien muiden säveltäjien mestariteoksista. Mariinsky-teatterissa asuvat ooppera- ja balettiryhmät sekä Mariinsky-teatterin sinfoniaorkesteri. Taiteellinen johtaja ja ylikapellimestari Valery Gergiev. Yli kahden vuosisadan historiansa aikana Mariinsky-teatteri on esittänyt maailmalle monia hienoja taiteilijoita: erinomainen basso, venäläisen esittävän oopperakoulun perustaja Osip Petrov palveli täällä, sellaiset suuret laulajat kuin Fyodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea ja Nikolai Figner hioi taitojaan ja saavutti maineen korkeudet., Sophia Preobrazhenskaya. Balettitanssijat loistivat näyttämöllä: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vaclav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mihail Baryshnikov, George Balanchine aloitti taiteellisen uransa. Teatterissa on nähty loistavien sisustajien, kuten Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fyodor Fedorovsky, lahjakkuuden kukintaa. Ja monet, monet muut. Se on jo pitkään ollut niin tapana, että Mariinsky-teatteri ylläpitää sukututkimusta, joka on vuosisata vuodesta 1783, jolloin 12. heinäkuuta annettiin asetus teatterikomitean "esitysten ja musiikin hoitamiseksi" hyväksymisestä ja 5. lokakuuta Bolshoi Kamenny -teatteri. avattiin juhlallisesti Carousel-aukiolla. Teatteri antoi aukiolle uuden nimen - se on säilynyt tähän päivään saakka Teatralnajana. Antonio Rinaldi -projektin mukaan rakennettu Bolshoi-teatteri hämmästytti mielikuvitusta sen suuruudella, majesteettisella arkkitehtuurilla, näyttämöllä, joka oli varustettu tuoreimmalla teatteritekniikalla. Sen avajaisissa annettiin Giovanni Paisiellon ooppera Il Mondo della luna (Moonworld). Venäläinen joukko esiintyi täällä vuorotellen italialaisen ja ranskalaisen kanssa, esiintyi dramaattisia esityksiä, järjestettiin myös laulu- ja instrumentaalikonsertteja. Pietari oli rakenteilla, sen ulkonäkö muuttui jatkuvasti. Vuosina 1802-1803 Thomas de Thomon - loistava arkkitehti ja valmistelija - suoritti merkittävän teatterin sisäisen ulkoasun ja sisustuksen jälleenrakennuksen, muutti huomattavasti sen ulkonäköä ja mittasuhteita. Uusi, seremoniallinen ja juhlava ilme, Bolshoi-teatterista tuli yksi Nevan pääkaupungin arkkitehtonisista maamerkeistä yhdessä amiraliteetin, pörssin ja Kazanin katedraalin kanssa. Kuitenkin yöllä 1. tammikuuta 1811 Bolshoi-teatterissa puhkesi valtava tulipalo. Kahden päivän ajan teatterin rikas sisustus tuhoutui tulipalossa, ja sen julkisivu vahingoittui vakavasti. Thomas de Thomon, joka laati projektin rakkaan aivolapsensa palauttamiseksi, ei nähnyt sen toteutumista. 3. helmikuuta 1818 uudelleen avattu Bolshoi-teatteri avattiin uudelleen prologin Apollo ja Pallas pohjoisessa sekä Charles Didlotin baletin Zephyr ja Flora säveltäjä Catharino Cavosin musiikista. Olemme lähestymässä Bolshoi-teatterin "kulta-aikaa". Tulipalon jälkeisen aikakauden ohjelmistoon kuuluvat "Taikuhuilu", "Sieppaaminen Seragliosta", Mozartin "Tituksen armo". Venäjän yleisöä kiehtoo Rossinin "Tuhkimo", "Semiramis", "Harakka-varas", "Sevillan parturi". Toukokuussa 1824 Weberin Free Shooter kantaesitettiin, mikä merkitsi niin paljon venäläisen romanttisen oopperan syntymälle. Vaudeville soittaa Alyabyev ja Verstovsky; Yksi rakastetuimmista ja ohjelmisto-oopperoista on Cavosin Ivan Susanin, joka juoksi Glinkan samaan aiheeseen liittyvän oopperan ilmestymiseen. Venäläisen baletin maailmankuulun syntymä liittyy Charles Didlotin legendaariseen hahmoon. Näinä vuosina Pushkin oli vakituinen Pietarin Suuressa, joka kuvasi teatteria kuolemattomana runona. Vuonna 1836 arkkitehdin Alberto Cavosin, säveltäjän ja bändimestarin pojan, akustiikan parantamiseksi teatterisalin kupolikatto korvattiin tasaisella, ja sen yläpuolella oli taidepaja, sali koristeiden maalaamiseen. . Alberto Cavos poistaa auditorion pylväät, jotka estivät näkymän ja vääristivät akustiikkaa, antavat auditorioon tutun hevosenkengän muodon, lisäävät sen pituutta ja korkeutta, jolloin katsojien lukumäärä on kaksi tuhatta. 27. marraskuuta 1836 Glinkan oopperan Elämä tsaarille ensimmäinen esitys jatkoi uudelleenrakennetun teatterin esityksiä. Glinkan toisen oopperan, Ruslanin ja Lyudmilan ensi-ilta tapahtui sattumalta, tai ehkä ei ilman hyvää tarkoitusta, tarkalleen kuusi vuotta myöhemmin, 27. marraskuuta 1842. Nämä kaksi päivämäärää olisivat riittäneet Pietarin Suurelle Teatterille päästä ikuisesti venäläisen kulttuurin historiaan. Mutta tietysti oli myös eurooppalaisen musiikin mestariteoksia: Mozartin, Rossinin, Bellinin, Donizettin, Verdin, Meyerbeerin, Gounodin, Aubertin, Thomasin oopperat ... Ajan myötä venäläisen oopperayrityksen esitykset siirtyivät lavalle Alexandrinsky-teatterin ja ns. Circus-teatterin, joka sijaitsee vastapäätä Bolshoja (jossa balettiryhmän esitykset sekä italialainen ooppera jatkoivat). Kun sirkusteatteri paloi vuonna 1859, saman arkkitehdin Alberto Cavosin tilalle rakennettiin uusi teatteri. Hän sai nimen Mariinsky Aleksanteri II: n vaimon hallitsevan keisarinna Maria Alexandrovnan kunniaksi. Ensimmäinen teatterikausi uudessa rakennuksessa avattiin 2. lokakuuta 1860 Glinkan oopperalla Elämä tsaarille, jota johtaa Venäjän oopperan pääkapellimestari Konstantin Lyadov, tulevan kuuluisan säveltäjän Anatoli Lyadovin isä. Mariinsky-teatteri on vakiinnuttanut ja kehittänyt Venäjän ensimmäisen musiikkikentän hienot perinteet. Konstantin Lyadovin tilalle pääkapellimestariksi tulleen Eduard Napravnikin saapuessa vuonna 1863 alkoi teatterin historian kunniakas aikakausi. Puolen vuosisadan, jonka Napravnik antoi Mariinsky-teatterille, on leimattu venäläisen musiikin historian merkittävimpien oopperoiden ensiesityksillä. Mainitaan vain muutama niistä - Mussorgskyn "Boris Godunov", "Pskovite", "Toukokuun yö", Rimsky-Korsakovin "Lumityttö", Borodinin "Prinssi Igor", "Orleansin neito", " Lumoaja "," Pienen kuningatar "," Iolanta "Tšaikovski," Demoni ", Rubinstein," Oresteya ", Taneev. 1900-luvun alussa teatterin ohjelmistossa on Wagnerin oopperat (muun muassa Der Ring des Nibelungen -tetralogiikka), Richard Straussin Elektra, Rimsky-Korsakovin Legend Kitezhin näkymättömästä kaupungista ja Mussorgsky Khovanshchina. Teatterin balettiryhmän päällikkö vuonna 1869 Marius Petipa jatkoi edeltäjiensä Jules Perrotin ja Arthur Saint-Léonin perinteitä. Petipa säilytti mustasukkaisesti sellaiset klassiset esitykset kuin Giselle, Esmeralda, Le Corsaire ja editoi niitä vain huolellisesti. Hänen ensimmäistä kertaa esittämä "La Bayadere" toi balettilavalle suuren koreografisen sävellyksen hengenvetoon, jossa "tanssista tuli kuin musiikista". Petipan onnellinen tapaaminen Tšaikovskin kanssa, joka väitti, että "baletti on sama sinfonia", johti "Nukkuva kaunottaren" syntyyn - aitoon musikaali- ja koreografiseen runoon. Pähkinänsärkijän koreografia luotiin Petipan ja Lev Ivanovin yhteistyössä. Tšaikovskin kuoleman jälkeen Swan Lake löysi toisen elämän Mariinsky-teatterin näyttämöltä - ja jälleen Petipan ja Ivanovin yhteisessä koreografiassa. Petipa vahvisti mainettaan koreografina-sinfonistina Glazunovin baletin Raymonda tuotannolla. Hänen innovatiiviset ideansa otti vastaan \u200b\u200bnuori Mihhail Fokin, joka esitti Mariinski-teatterissa Cherepninin Armidan paviljongissa, Saint-Saensin Joutsen, Chopiniana Chopinin musiikille sekä Pariisissa luotuja baletteja - Scheherazade Rimskyn musiikille. -Korsakov, "Firebird" ja "Petrushka" Stravinsky. Mariinsky-teatteria on rekonstruoitu useita kertoja. Vuonna 1885, kun suurin osa esityksistä siirrettiin Mariinskin näyttämölle ennen Suuren teatterin sulkemista, keisarillisten teatterien pääarkkitehti Viktor Schreter lisäsi rakennuksen vasempaan siipeen kolmikerroksisen rakennuksen teatteripajoja, harjoitushuoneita varten , voimalaitos ja kattilahuone. Vuonna 1894 Schroeterin johdolla puiset kattokorvat korvattiin teräksellä ja teräsbetonilla, sivusiivet lisättiin ja katsojan aula laajennettiin. Pääjulkisivu on uudistettu, mikä on saanut monumentaalisen muodon. Vuonna 1886 Baletin esitykset, jotka olivat jatkaneet juoksua Suuren kiviteatterin näyttämöllä, siirrettiin Mariinsky-teatterille. Bolshoi Kamennyn paikalle pystytettiin Pietarin konservatorion rakennus. Hallituksen asetuksella 9. marraskuuta 1917 Mariinsky-teatteri julistettiin valtioksi ja siirrettiin koulutuksen kansankomissariaatin lainkäyttövaltaan. Vuonna 1920 sitä alettiin kutsua valtion akateemiseksi ooppera- ja balettiteatteriksi (GATOB), ja vuonna 1935 se nimettiin S.M.Kirovin mukaan. Viime vuosisadan klassikoiden ohella teatterin näyttämölle ilmestyi moderneja oopperoita 1920-luvulla ja 1930-luvun alussa - Sergei Prokofjevin Rakkaus kolmeen appelsiiniin, Alban Bergin Wozzeck, Richard Straussin Salome ja Der Rosenkavalier; syntyy baletteja, jotka vahvistavat uuden vuosikymmenien ajan suositun koreografisen suunnan, niin kutsutun rumpubaletin - "Red Poppy" Reingold Glieriltä, \u200b\u200b"Pariisin liekki" ja Boris Asafievin "Bakhchisarain suihkulähde", Alexander "Laurencia" Nosturi, Sergei Prokofjevin "Romeo ja Julia" jne. Kirov-teatterin viimeinen sotaa edeltävä oopperan ensi-ilta oli Wagnerin Lohengrin, jonka toinen esitys päättyi 21. kesäkuuta 1941 myöhään illalla, mutta kesäkuuhun suunnitellut esitykset. 24 ja 27 korvattiin Ivan Susaninilla. Suuren isänmaallisen sodan aikana teatteri evakuoitiin Permiin, jossa pidettiin useiden esitysten ensi-iltoja, mukaan lukien Aram Khachaturianin baletin Gayane ensi-ilta. Palattuaan Leningradiin teatteri avasi kauden 1. syyskuuta 1944 Glinkan oopperalla Ivan Susanin. 50-70-luvulla. teatterissa järjestettiin kuuluisia baletteja, kuten Farid Yarullinin Shurale, Aram Khachaturianin Spartacus ja Boris Tishchenkon kaksitoista, Leonid Yakobsonin koreografia, Sergei Prokofjevin Kivikukka ja Arif Melikovin Legend of Love, koreografioinut Juri Grigorovich Dmitri Lostradovichin " Sinfonia ", Igor Belskyn koreografia, samalla kun uudet baletit lavastettiin, balettiklassikot säilyivät huolellisesti teatterin ohjelmistossa. Prokofjevin, Dzeržinskin, Shaporinin, Khrennikovin oopperat ilmestyivät oopperarepertuaarissa Tšaikovskin, Rimski-Korsakovin, Mussorgskin, Verdin, Bizetin ohella. Vuosina 1968-1970. teatterin yleinen jälleenrakennus tehtiin Salome Gelferin projektin mukaisesti, minkä seurauksena rakennuksen vasen siipi "pidensi" ja sai sen nykyisen ulkonäön. Tärkeä vaihe teatterihistoriassa 1980-luvulla oli Tšaikovskin oopperoiden "Jevgeni Onegin" ja "Pienen kuningatar" esitykset, jonka suoritti teatteria johtanut Juri Temirkanov. Näissä teatterin ohjelmistossa edelleen säilyneissä tuotannoissa uusi taiteilijoiden sukupolvi on julistanut itsensä. Vuonna 1988 Valery Gergievistä tuli teatterin pääkapellimestari. 16. tammikuuta 1992 teatterille palautettiin historiallinen nimi - Mariinsky. Ja vuonna 2006 teatteriryhmä ja orkesteri vastaanottivat Dekabristov-kadun 37 konserttisalin, joka rakennettiin Mariinski-teatterin taiteellisen johtajan ja johtajan Valery Gergievin aloitteesta.