Keskiajan musiikkitaide. Keskiajan musiikkikulttuuri

Termi "vanha musiikki" viittaa ajanjaksoon vuodesta 457 jKr. (Suuren Rooman valtakunnan kaatumisen päivämäärä) ja 1700-luvun puoliväliin (barokin aikakauden loppuun) saakka. Se viittaa yksinomaan eurooppalaiseen musiikkitraditioon.

Tälle aikakaudelle on ominaista monimuotoisuus: kulttuuri-etninen ja sosiaalipoliittinen. Eurooppa on joukko erillisiä kansoja, joilla on oma musiikkiperintö. Kirkko ohjaa kaikkia sosiaalisen elämän osa-alueita. Eikä musiikki ole poikkeus: "vanhan musiikin" kehityksen ensimmäisille 10 vuosisadalle oli tunnusomaista roomalaiskatolisen papiston laaja vaikutus ja osallistuminen. Pakanallisia ja ei-kristillisiä musiikkiteoksia tukahdutetaan kaikin mahdollisin tavoin.

Uskonnolliset laulut

Keskiajalla erotetaan useita erillisiä ajanjaksoja. Varhaisen keskiajan musiikkia, vuodesta 457 jKr vuoteen 800 jKr., pukeutuu useimmiten yksinomaan liturgisiin tai gregoriaanisiin lauluihin. Ne on nimetty paavi Gregory I: n kunniaksi, joka on tähän päivään säilyneiden legendojen mukaan kirjoittanut ensimmäiset tämän tyyppiset teokset. Gregoriaanisen laulu oli alun perin yksimielinen, eikä se ollut muuta kuin latinalaisen (harvemmin kreikkalaisen tai vanhan kirkon slaavinkielisen) rukoustekstien laulu. Suurimman osan historioitsijoiden teoksista ei ole vielä vahvistettu. Gregoriaanisen laulaminen levisi vuosisataa myöhemmin ja pysyi suosituimpana musiikillisena muotona Kaarle Suuren hallituskauteen saakka.

Polyfonian kehitys

Kaarle I nousi Ranskan valtaistuimelle vuonna 768 jKr., Mikä merkitsi uuden virstanpylvään alkua Euroopan historiassa yleensä ja erityisesti musiikissa. Kristillinen kirkko sitoutui tuolloin olemassa olleiden gregoriaanisen laulamisen suuntien yhdistämiseen ja liturgian yhtenäisten normien luomiseen.

Samalla syntyi polyfonisen musiikin ilmiö, jossa kaksi tai useampi ääni kuului yhden sijasta. Jos muinaisessa polyfonian muodossa oletetaan olevan yksinomaan oktaavistressi, toisin sanoen kahden äänen rinnakkainen ääni, keskiaikainen polyfonia on äänien ääni, jonka välein on yksimielisyyttä neljänteen. 900-luvun orkesterit ja 1100-luvun diafoniat ovat eläviä esimerkkejä tällaisesta musiikista.

Nuotinnus

Keskiajan musiikin tärkein piirre on ensimmäiset tarkoitukselliset yritykset kirjoittaa nuotteja. Pisteet alkavat kirjoittaa latinalaisin kirjaimin, ne saavat lineaarisen muodon. 10. ja 11. vuosisadan vaihteessa asunut Guido Aretinsky, jota pidetään notaatioiden perustajana, muodosti lopulta aakkosellisen ja epäsäännöllisen notaation järjestelmän.

Guido Aretinsky

Keskiajan musiikkikoulut

1200-luvulta lähtien on muodostettu erillisiä musiikkikouluja. Niinpä Ranskan Limogesin kaupungin Saint Martial -koulun musiikille oli ominaista yksi pääteema yhdistettynä nopeaan kaksiosaiseen organumiin. Munkkien Leoninin ja Perotinin perustama Notre Damen koulun katedraali oli kuuluisa erinomaisista polyfonisista teoksistaan. Espanjalaisesta Santiago de Compostelan koulusta on tullut turvapaikka pyhiinvaeltajille, jotka omistautuvat musiikille ja joista tuli kuuluisia keskiaikaisia \u200b\u200bsäveltäjiä. Englantilaisen koulun teokset, erityisesti "Worcester Fragments", ovat säilyneet "Vanhan salin käsikirjoituksen" ansiosta - täydellisimmän kokoelman englantilaista keskiaikaista musiikkia.

Maallinen musiikki keskiajalta

Keskiajalla etusijalla olevan kirkkomusiikin lisäksi kehittyi myös maallinen musiikki. Näihin kuuluvat kiertävien musiikkirunoilijoiden teokset: trouvers, minstrels, minnesingers. He palvelivat syntymän lähtökohtana

Keskiajan musiikkitaide on kehittynyt yli 1000 vuotta. Tämä on jännittynyt ja ristiriitainen vaihe musiikillisen ajattelun evoluutiossa - monodiasta (monofonia) monimutkaisimpaan polyfoniaan. Keskiajalla monet eurooppalaiset soittimet parantuivat, muodostui sekä kirkko- että maallisen musiikin tyylilajit, perustettiin Euroopan tunnettuja musiikkikouluja: hollanti, ranska, saksa, italia, espanja jne.

Keskiajalla musiikin kehityksessä oli kaksi pääsuuntaa: pyhä musiikki ja maallinen, viihdyttävä. Samalla uskonto tuomitsi maallisen musiikin, sitä pidettiin "pirullisena pakkomielteenä".

Musiikki oli yksi uskonnon työkaluista, "kätevä" työkalu, joka palveli kirkon tarkoituksia, sekä yksi täsmällisistä tiedeistä. Musiikkia esitettiin matematiikan, retoriikan, logiikan, geometrian, tähtitieteen ja kieliopin rinnalla. Kirkko kehitti laulu- ja säveltämiskouluja painottaen numeerista musiikkiestetiikkaa (tuon aikakauden tutkijoille musiikki oli luvun projektio ääniaineeseen). Tämä vaikutti myös myöhäiseen hellenismiin, Pythagorasin ja Platonin ajatuksiin. Tämän lähestymistavan mukaan musiikilla ei ollut itsenäistä merkitystä, se oli korkeimman, jumalallisen musiikin allegoria.

Joten musiikki jaettiin kolmeen tyyppiin:

• Maailmamusiikki on pallojen, planeettojen musiikkia. Keskiajan musiikillis-numeerisen estetiikan mukaan jokaisella aurinkokunnan planeetalla oli oma ääni, sävy, ja planeettojen liike loi taivaallisen musiikin. Planeetojen lisäksi vuodenaikoilla oli oma sävy.
• Ihmisen musiikki - jokaisella urulla, ruumiinosalla, sielulla oli oma ääni, joka muodosti harmonisen konsonanssin.
• Instrumentaalimusiikki - instrumenttien soittotaide, viihdemusiikki, alin hierarkiatyyppi.

Pyhä musiikki oli laulua, kuoroa ja maallinen musiikki instrumentaalista laulua. Instrumentaalimusiikkia pidettiin kevyenä, kevytmielisenä, eikä tuon aikakauden musiikkiteoreetikot ottaneet sitä vakavasti. Vaikka minstrelialus vaati muusikoilta suurta esiintymistaitoa.

Siirtymävaihe keskiajalta moderniaikakaudelle Euroopassa, joka kesti lähes kaksi ja puoli vuosisataa. Tänä aikana tapahtui merkittäviä muutoksia monilla elämän alueilla; Tiede ja taide kukoistivat. Renessanssikausi on jaettu moniin komponentteihin ja kehitysvaiheisiin. Se liittyy myös erilaisiin taikauskoihin, jotka ovat niin syvälle juurtuneita, että jo nyt tarvitaan paljon vaivaa niiden kumoamiseksi.

• Ensimmäisenä ja luultavasti tärkeimpänä harhana on ajatella (kuten monet renessanssin ideologit) herätystä juuri kulttuurin ja sivilisaation herätystä, ylösnousemusta, joka tuli pitkän barbaarisen "keskiajan", pimeän ajan jälkeen, kulttuurin kehityksen murtumisjakso. Tämä ennakkoluulo perustuu keskiajan täydelliseen tietämättömyyteen ja läheiseen yhteyteen renessanssin kanssa; esimerkkinä riittää, kun mainitaan kaksi täysin erilaista aluetta - runous ja talouselämä. Dante asui XIII vuosisadalla, ts. keskiajan huipentumassa Petrarkka - XIV. Taloudellisen elämän osalta sen todellinen renessanssi on myös 1200-luvulla, kaupan ja pankkitoiminnan nopean kehityksen aikana. He sanovat, että olemme velkaa renessanssille muinaisten kirjoittajien uudelleen löytämisen, mutta tämä on myös taikausko. Tiedetään, että tänä aikana löydettiin vain kaksi muinaiskreikkalaista käsikirjoitusta, loput olivat jo lännessä (lähinnä Ranskassa), koska Länsi-Eurooppa koki paluun muinaisuuteen, joka liittyi kiinnostukseen ihmiseen ja luontoon 12. ja 13. vuosisadalla. .
• Toinen taikausko liittyy renessanssin kahden komponentin sekoittamiseen toisiinsa nähden, nimittäin niin sanottuun humanismiin ja uuteen luonnontieteeseen. Humanismi on vihamielistä kaikenlaiselle logiikalle, syylle tai luonnontieteelle, jota se pitää "mekaanisena" työvoimana, joka ei ole kelvollinen kirjailijaksi, retorikoksi, poliitikkoksi kutsutun kulttuurisen henkilön kanssa. Renaissance-miehen hahmo, joka yhdistää sekä Rotterdamin Erasmus että Galileo, on myyttinen, ja usko renessanssin luontaiseen maailmankuvaan ei ole muuta kuin taikausko.
• Kolmas ennakkoluulo on kehua renessanssin filosofiaa "suureksi" verrattuna sitä edeltäneeseen skolastisuuteen.

Itse asiassa, lukuun ottamatta Nikolai Kuzanskya (kaukana renessanssin hengestä) ja Galileota (joka asui renessanssin lopussa), renessanssin filosofit eivät Kristellerin oikean lausunnon mukaan olleet hyviä eikä huonoja - he eivät olleet ollenkaan filosofeja. Monet heistä olivat merkittäviä kirjailijoita, tutkijoita, muinaisten tekstien tuntijoita, kuuluisia pilkkaavasta ja terävästä mielestään, kirjallisuudesta. Mutta heillä ei ollut melkein mitään tekemistä filosofian kanssa. Siten niiden vastustaminen keskiajan ajattelijoille on puhdasta taikauskoa.

• • Toinen väärinkäsitys on pitää renessanssia myrskyisenä vallankumouksena, täydellisenä irti menneisyydestä. Itse asiassa tänä aikana tapahtuu syvällisiä muutoksia, mutta ne kaikki liittyvät orgaanisesti menneisyyteen, ja joka tapauksessa niiden alkuperä löytyy keskiajalta. Nämä muutokset juurtuvat niin syvälle menneisyyteen, että yhdellä renessanssin suurimmista asiantuntijoista, Huizingalla, oli kaikki syyt kutsua tätä aikakautta "keskiajan kaatumiseksi".

Lopuksi on myös taikausko, että renessanssissa eläneet ihmiset, ainakin suurin osa heistä, ovat mielessä protestantteja, monisteja, ateisteja tai rationalisteja. Itse asiassa valtaosa kuuluisista renessanssin edustajista ja filosofian alalla melkein kaikki Leonardosta ja Ficinosta Galileoon ja Campanellaan olivat katolisia, usein innokkaita katolisen uskon kannattajia ja puolustajia. Siten Marsilio Ficino otti 40-vuotiaana käyttöön kristillisen uskon ja loi katolisen anteeksipyynnön uudelle ajalle.

Keskiajan musiikkiteoreetikko Guido Aretinsky (10. vuosisadan loppu) määrittelee musiikin seuraavasti:

"Musiikki on lauluäänten liike."

Tässä määritelmässä keskiaikainen musiikkiteoreetikko ilmaisi suhtautumisen musiikkiin koko aikakauden eurooppalaisesta musiikkikulttuurista.

Kirkon ja maallisen musiikin musiikkilajit.

Keskiajan pyhän musiikin lähde oli luostariympäristö. Laulut oppivat korvasta laulukouluissa ja levitettiin kirkon ympäristössä. Ottaen huomioon suuren määrän erilaisia \u200b\u200blauluja, katolinen kirkko päätti kanonisoida ja säännellä lauluja, jotka heijastavat kristillisen opin yhtenäisyyttä.

Niinpä koraali ilmestyi, josta tuli kirkon musiikillisen perinteen personifikaatio. Sen pohjalta on kehitetty muita tyylilajeja, jotka on luotu erityisesti tiettyjä lomia ja jumalallisia palveluja varten.

Keskiajan pyhää musiikkia edustavat seuraavat tyylilajit: Chorale, gregoriaaninen laulu - yksisuuntainen uskonnollinen laulu latinaksi, selkeästi säännelty, kuoron esittämät, jotkut jaksot - solisti

• • • Massa on katolisen kirkon tärkein jumalallinen palvelu, joka koostuu viidestä vakaasta osasta (ordinarium) - I.Kyrie eleison (Herra, armahda), II. Gloria (kunnia), III. Credo (uskon), IV. Sanctus (pyhä), V.Agnus Dei (Jumalan karitsa).
    • Liturgia, liturginen draama - pääsiäinen tai joulupalvelu, jossa gregoriaaniset laulut vuorottelivat kanonoimattomien trooppisten melodioiden kanssa, liturgiat esitti kuoro, osat hahmoista (Maria, evankelista) - solistit, joskus ilmestyi joitain puvut
    • Mysteeri on liturginen draama, jossa on yksityiskohtainen näyttämötoiminta, puvut
    • Rondel (rondo, ru) on kypsän ja myöhäisen keskiajan moniääninen genre, joka perustuu kirjailijan melodiaan (toisin kuin kanonisoitu koraali), jonka esittivät vuorotellen solistit (varhaisen kaanon muoto) improvisatiivisella tavalla.
    • Proprium on osa joukkolajityyppiä, joka muuttuu kirkon kalenterin mukaan (toisin kuin massan muuttumaton osa - ordinarium)
    • Antiphone-puhelimet ovat vanhin kirkkokuoromusiikin genre, joka perustuu kahden kuororyhmän osien vuorotteluun

Esimerkkejä kirkkomusiikista:

1) kyrie eleyson -laulu

2) Sarja victimae Pashali

Keskiajan maallinen musiikki oli pääasiassa kiertävien muusikoiden musiikkia, ja se erottui vapaudesta, yksilöllisyydestä ja emotionaalisuudesta. Myös maallinen musiikki oli osa feodaalien kohteliasta, ritarillista kulttuuria. Koska ritarille määrätty koodi on hieno tapa, anteliaisuus, anteliaisuus ja velvollisuudet palvella kaunista naista, nämä osapuolet eivät voineet olla löytämättä heijastuksensa trubaduurien ja minnesingerien kappaleista.

He esittivät sekulaarista musiikkia miimien, jonglöörien, trubaduurien tai trouverien, minstrelien (Ranskassa), minnesingereiden, shpielmanien (saksalaisissa maissa), hohlarien (Espanjassa), buffoonien (Venäjällä) musiikissa. Näiden taiteilijoiden oli paitsi voitava laulaa, leikkiä ja tanssia, myös pystyä näyttämään sirkusesityksiä, taika-temppuja, teatterikohtauksia, ja heidän täytyi viihdyttää yleisöä kaikin mahdollisin tavoin muilla tavoin.
Koska musiikki oli yksi tieteistä ja sitä opetettiin yliopistoissa, feodaaliset herrat ja aateliset ihmiset, jotka saivat koulutuksen, pystyivät soveltamaan tietämystään taiteessa.
Siksi musiikki kehittyi tuomioistuinympäristössä. Toisin kuin kristillinen askeesi, ritarillinen musiikki kirkasti aistillista rakkautta ja kauniin naisen ihannetta. Aateliston joukossa muusikoina tunnettiin - Guillaume - VII, Poitiersin kreivi, Akvitanian herttu, Jean Brienne - Jerusalemin kuningas, Pierre Mauclair - Bretagnen herttu, Thibaut Champagne - Navarran kuningas.

Keskiajan maallisen musiikin pääpiirteet ja ominaisuudet:

• • • perustuu kansanperinteeseen, ei esiinny latinalla, vaan äidinkielen murteilla,
    • merkintää ei käytetä vaeltavien taiteilijoiden keskuudessa, musiikki on suullinen perinne (myöhemmin musiikkikirjoittaminen kehitettiin tuomioistuinympäristössä)
    • pääteema on ihmisen kuva maallisen elämänsä moninaisuudessa, idealisoitu aistillinen rakkaus
    • monofonia - tapa ilmaista yksilöllisiä tunteita runollisessa ja laulussa
    • laulu- ja instrumentaaliesityksessä, instrumenttien rooli ei ole vielä kovin korkea, instrumentaali oli lähinnä esittelyjä, välikappaleita ja koodeja
    • melodia oli vaihteleva, mutta rytmi samalla - kanonisoitu - tämä oli kirkkomusiikin vaikutus, rytmityyppejä (rytmitiloja) oli vain 6, ja jokaisella niistä oli ehdottomasti kuvallinen sisältö

Trouvers, trubaduurit ja minnesingerit, jotka soittavat kohteliaasti ritarimusiikkia, loivat oman alkuperäisen tyylilajinsa:

• • • "Kudonta" ja "Toukokuu" kappaleita
    • Rondo - muoto, joka perustuu toistuvaan pidättäytymiseen
    • Balladi - tekstimusiikkilaulumuoto
    • Virele - Vanha ranskalainen runomuoto, jossa on kolmirivinen verso (kolmas rivi lyhenee), sama riimi ja kuoro
    • Sankarieepos ("Rolandin laulu", "Nibelungien laulu")
    • Ristiretkeläisten laulut (Palestiinan laulut)
    • Canzona (minnesingers kutsutaan - alba) - rakkaus, lyriikkalaulu

Kiitos kaupunkikulttuurin kehityksen X - XI vuosisatoilla. maallinen taide alkoi kehittyä aktiivisemmin. Reittimuusikot valitsevat yhä enemmän istumaton elämäntyylin asuttamalla kokonaisia \u200b\u200bkortteleja.

On mielenkiintoista, että vaeltavat muusikot XII-XIII-luvuilla. palaa hengellisiin aiheisiin. Latinalaisesta kielestä paikalliseen kieleen siirtyminen ja näiden esiintyjien valtava suosio antoivat heille mahdollisuuden osallistua henkisiin esityksiin Strasbourgin, Rouenin ja Reimsin katedraaleissa. Cambrai. Ajan myötä jotkut kiertävät muusikot saivat oikeuden järjestää esityksiä aateliston linnoissa ja Ranskan, Englannin, Sisilian ja muiden maiden tuomioistuimissa.

12.-13. Vuosisatoihin mennessä pakenevat munkit, kiertävät tutkijat ja papiston alempien kerrosten jälkeläiset - vagantit ja goliardit - ilmestyivät matkustavien muusikoiden joukossa.

Istuvat muusikot muodostavat kokonaisia \u200b\u200bmusiikkipajoja keskiaikaisissa kaupungeissa - St. Julienin veljeskunta (Pariisi, 1321), Pyhän Nikolauksen veljeskunta (Wien, 1288). Näiden yhdistysten tavoitteena oli suojella muusikoiden oikeuksia, säilyttää ja välittää ammatillisia perinteitä.

XIII - XVI-luvuilla. muodostuu uusia tyylilajeja, jotka kehittyvät edelleen jo Ars Novan aikakaudella:

• • • Motet (ranskasta - "sana") on moniääninen genre, joka erottuu melodisesta eroavaisuudesta äänillä, jotka intonoivat eri tekstejä samanaikaisesti, joskus jopa eri kielillä, ja jotka voivat olla sekä maallisen sisällön että hengellisen
    • Madrigal (italiaksi - "laulu äidinkielellä" eli italia) - rakkaus-lyyriset, pastoraaliset laulut,
    • Caccia (italiaksi - "metsästys") on ääniteos metsästysaiheesta.

Trubaduurien ja ammattisäveltäjien maallinen musiikki.

Lisäinformaatio:

Informaatioaikana, korkean teknologian aikakaudessa, unohdamme usein pysyvät hengelliset arvot. Yksi näistä arvoista on klassinen musiikki - esi-isiemme hengellinen perintö. Mikä on klassinen musiikki, miksi nykyaikainen ihminen tarvitsee sitä? Miksi monien mielestä tämä on hyvin tylsää? Yritetään ymmärtää nämä vaikeat kysymykset. Voit usein kuulla mielipiteen, että klassinen musiikki on oletettavasti se, joka on kirjoitettu kauan sitten. Näin ei ole, koska tämä käsite tarkoittaa kaikkea parasta, mitä musiikkimaailmassa on luotu koko ihmissivilisaation ajan. Beethovenin 1700-luvulla luotu sonaatti ja 40 vuotta sitten kirjoitettu Sviridovin romanssi ovat kaikki klassikoita! Tärkeintä on, että tämä musiikki on pysynyt ajan testissä. Ja Beethovenin päivinä, ja nyt on taidekauppiaita, jotka tuottavat heikkolaatuista musiikkituotetta. Tämä tuote heikkenee hyvin nopeasti, ja aidosta taiteesta tulee yhä kauniimpaa joka päivä.

Muistiinpanojen ulkonäkö

Kirjoittaminen, ihmiskunnan suuri keksintö, antoi mahdollisuuden kerätä ajatuksia, ideoita ja vaikutelmia tuleville sukupolville. Toinen keksintö, ei yhtä suuri, nuotinnus, antoi mahdollisuuden siirtää ääniä ja musiikkia jälkeläisille. Ennen eurooppalaisen musiikin nuotteja käytettiin erityisiä merkkejä - neumas.

Nykyaikaisen nuotintojärjestelmän keksijä on benediktiinimunkki Guido Aretinsky (Guido d'Arezzo) (990-1050). Arezzo on pieni kaupunki Toscanassa, ei kaukana Firenzestä. Paikallisessa luostarissa veli Guido opetti kuoroja kirkkolaulujen suorittamiseen. Tämä liiketoiminta ei ollut helppoa ja pitkää. Kaikki tiedot ja taidot välitettiin suullisesti suorassa viestinnässä. Laulajat oppivat opettajan johdolla ja hänen äänestään johdonmukaisesti katolisen misen jokaisen laulun ja jokaisen laulun. Siksi koko "opintojakso" kesti noin 10 vuotta.

Guido Aretinsky alkoi merkitä ääniä nuotilla (latinankielisestä sanasta nota - merkki). Muistiinpanot, varjostetut neliöt, sijoitettiin sauvaan, joka koostui neljästä yhdensuuntaisesta viivasta. Nyt näitä viivoja on viisi, ja muistiinpanot on kuvattu ympyröinä, mutta Guidon esittämä periaate pysyi muuttumattomana. Korkeammat nuotit näytetään korkeammalla viivaimella. Nuotteja on seitsemän, ne muodostavat oktaavin.

Guido antoi nimen jokaiselle oktaavin seitsemästä nuotista: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Nämä ovat Pyhän laulun ensimmäisiä tavuja. John. Tämän virren jokainen rivi on laulettu edellistä korkeammalla äänellä.

Seuraavan oktaavin nuotit on nimetty samoiksi, mutta ne lauletaan ylemmällä tai matalammalla äänellä. Kun siirryt oktaavista toiseen, samalla nuotilla ilmoitetun äänen taajuus kasvaa tai pienenee puoleen. Esimerkiksi soittimet on viritetty ensimmäisen oktaavin nuottiin A. Tämä huomautus vastaa taajuutta 440 Hz. Seuraavan, toisen oktaavin nuotti vastaa taajuutta 880 Hz.

Kaikkien nuottien nimet, paitsi ensimmäinen, päättyvät vokaaliin, ja ne ovat käteviä laulamaan. Tavu ut on suljettu, ja sitä on mahdotonta laulaa muiden tavoin. Siksi oktaavin ensimmäisen nuotin nimi ut muutettiin tekeväksi 1500-luvulla (todennäköisesti latinankielisestä sanasta Dominus - Lord). Oktaavin viimeinen nuotti si on supistuminen virren viimeisen rivin, Sancte Ioannes, kahdesta sanasta. Englanninkielisissä maissa nuotin "si" nimi muutettiin "ti": ksi, jotta sitä ei voida sekoittaa C-kirjaimeen, jota käytetään myös nuotinnissa.

Keksittyään nuotit Guido opetti laulajille tämän erikoisen aakkosen ja opetti myös laulamaan nuotteista. Toisin sanoen sitä kutsutaan solfedžoksi nykyaikaisissa musiikkikouluissa. Nyt riitti kirjoittaa koko massa nuotteihin, ja laulajat pystyivät jo laulamaan tarvittavan melodian itse. Jokaista kappaletta ei enää tarvitse opettaa henkilökohtaisesti. Guidon täytyi hallita vain prosessia. Laulajien harjoitteluaikaa on lyhennetty viisi kertaa. Kymmenen vuoden sijaan - kaksi vuotta.!

Muistomerkki Arezzossa Via Ricasollilla talossa, jossa Guido syntyi. Se kuvaa neliön muotoisia muistiinpanoja.

On sanottava, että Arezzon munkki Guido ei ollut ensimmäinen, joka keksi ajatuksen musiikin nauhoittamisesta merkkien avulla. Ennen häntä Länsi-Euroopassa oli jo olemassa neumasysteemi (kreikkalaisesta sanasta "pneumo" - hengitys), psalmin tekstin päälle kiinnitetyt merkit osoittavat kappaleen sävyn nousua tai laskua. Venäjällä he käyttivät samaan tarkoitukseen omaa "koukkujen" tai "bannereiden" järjestelmää.

Neljälle henkilökunnan riville sijoitetut Guido Aretinsky -neliöt osoittautuivat yksinkertaisimmaksi ja mukavimmaksi järjestelmäksi musiikin nauhoittamiseen. Hänen ansiostaan \u200b\u200bnuotinnit levisivät ympäri maailmaa. Musiikki lähti kirkosta ja meni ensin hallitsijoiden ja aatelisten palatseihin ja sitten teattereihin, konserttisaleihin ja kaupungin aukioihin, josta tuli yhteinen omaisuus.

Mikä on tuska.

Nauhat ovat yksi keskeisistä termeistä musiikkiteoriassa. Ymmärtäminen niiden rakenteesta ja niiden taitava käyttö avaavat muusikolle rajattomat mahdollisuudet. Ja on usein mahdotonta selittää tarkalleen, kuinka mielenkiintoinen siirtymä syntyy tietyssä sävellyksessä - jos henkilö ei ymmärrä, mikä on harmonia. Mutta on saalis: muusikot itse käyttävät termiä "harmonia", mikä ei usein tarkoita samaa. Miksi niin? Ja mikä se on? Hämmennys johtui sanan hyvin erilaisista merkityksistä eri aikakausilla.

Emme ymmärrä kuinka paljon käsityksemme on kasvatettu ja sidottu klassiseen musiikkiin. (Kun taas "modernin musiikin" käsite poikkeaa klassisista periaatteista). Klassismin aikakausi on suuri historiallinen hajoaminen ihmisen käsityksessä maailmasta. Keskiajan jälkeen ihmiset löysivät antiikin taiteen ja kiehtovat sitä. Kaikki klassismin teokset on rakennettu tiukoille kaanoneille, mikä paljastaa maailmankaikkeuden harmonian ja johdonmukaisuuden. Klassismi loi rakenteellisen järjestyksen - selkeän hierarkian korkeimmasta ja matalimmasta, pää- ja toissijaisesta, keskushallinnosta ja alaisuudesta. Siksi ajattelemme esimerkiksi Wienin klassikoista ja romanttisesta musiikista järjestelmässä - "duuri-molli". Mikä se on ja miten se vaikuttaa käsitykseemme?

Major ja minor ovat tonaalisia asteikoita. Tonaalinen tila on tietty sävyjen välinen suhteiden järjestelmä. Mitä se tarkoittaa? Mikä on sävy? Yritetään selvittää se. Oletetaan, että edessäsi on piano: katso näppäimistöä: tavallinen do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 valkoista näppäintä ja 5 muuta mustaa näppäintä niiden välillä, yhteensä 12. Näiden välinen etäisyys kaksi niistä on puolisävy. Viereisen mustan ja valkoisen välillä on aina puolisävy. Viereisten valkoisten välillä - sävy (on poikkeuksia mi-fa ja si-do ovat puolisävyjä).

Mikä tahansa sävy- ja puolisävyjoukko on asteikko. Klassismin aikakaudella he alkoivat rakentaa sitä tiukasti alistamalla kaikki sävyt tonicille - päääänelle. Tämä on pää- tai pienempi asteikko. Kaikki tonaalinen musiikki (kaikki klassikot) on rakennettu nimenomaan pää- ja alamaisten konsonanssien väliseen suhteeseen. Korvan mukaan erotamme intuitiivisesti majorin ja minorin värin mukaan - "onnellinen" tai "surullinen". Muuttuva tila on, kun yksi kappale sisältää sekä pää- että sivuominaisuuksia. Mutta heillä on yhteinen periaate - tonaalinen.

Tämä periaate ei kuitenkaan ole ainoa mahdollinen. Ennen klassismin aikakautta, kun kaikki lopulta järjestettiin harmoniseen sävyjärjestelmään, musiikillinen ajattelu oli erilainen. Joonianmeri, Dorian, Frigia, Lyydialainen, Mixolydialainen, Lipari, Locrian ... Nämä ovat kreikkalaisten oktaavimoodit. Ja sitten olivat gregoriaanisen musiikin kirkolliset muodot. Nämä ovat kaikki modaalitilat. He sävelivät musiikkia antiikin, keskiajan, itäisen musiikin perinne on modaalinen (esimerkiksi intialaiset ragat tai arabimaqama). Modaliteetti vallitsi myös renessanssin Euroopan musiikissa.

Mikä on suurin ero tonaaliseen ulkoasuun, johon olemme tottuneet? Tonaalimoodeissa on tarkasti rajattu tärkeimpien akordien ja sointujen toiminnot, kun taas modaalimusiikissa ne ovat paljon hämärtyneempiä. Modaalisen asteikon kannalta asteikko itse on tärkeä kokonaisuutena - ja merkitykset ja värit, joita se voi tuoda musiikkiin. Siksi voimme helposti erottaa intialaisen musiikin keskiaikaisista koraalista korvalla - tiettyjen konsonanssien ja musiikkiliikkeiden mukaan.

1900-luvulle mennessä säveltäjät näyttävät kokeilleen kaikenlaista ääntä tonaalisessa musiikissa. "Olen kyllästynyt, paholainen!" He sanoivat, ja etsivät uusia värejä kääntyivät vanhaan - modaaliset käännökset ja liikkeet. Siten syntyi uusi modaliteetti. Uudessa tilassa on esiintynyt modernia musiikkia - esimerkiksi blues. Lisäksi on syntynyt erityinen genre - modaali jazz. Esimerkiksi Miles Davis kutsui modaalimusiikkia "poikkeamaksi normaalista seitsemän nuotin asteikosta, jossa kaikki nuotit näyttävät olevan epätarkkoja". Ja hän sanoi, että "kävelemällä tähän suuntaan pääset äärettömyyteen". Tärkeintä on, että tonaaliset ja modaaliset periaatteet eivät sulje pois toisiaan. Yhdessä kappaleessa niiden merkit voidaan sekoittaa. Modaliteetti on ikään kuin toinen kerros, joka asetetaan tottuneelle "duurille / mollille". Ja erilaisten liikennemuotojen käyttö muuttaa musiikin väriä: esimerkiksi frygialaiset tuskailukierrokset ovat synkät, koska sen mittakaava on enimmäkseen alempi. Näiden modaalisten ominaisuuksien tunteminen voi auttaa sinua saamaan mielenkiintoisen äänen, kun kirjoitat musiikkia.

Väri, mieliala, luonne - nämä ovat harmonian merkkejä, jotka kuulemme, mutta emme usein tajua sitä. Usein kappaleissa houkuttelevat modaaliset käännökset - koska ne ovat epätavallisia. Klassisen musiikin kasvattama kuulo työntää tätä poikkeamaa jokapäiväisestä elämästä. Kaikki tämä ja paljon muuta paljastuu, kun ymmärrät musiikin kielen.

Keskiajan musiikki on musiikkikulttuurin kehittymisen ajanjakso, joka kattaa ajanjakson noin 5. – 14.

Keskiaika on ihmiskunnan historiassa suuri aikakausi, feodaalijärjestelmän hallinnan aika.

Kulttuurin jaksotus:

Varhainen keskiaika - V - X vuosisatoja

Aikuinen keskiaika - XI - XIV vuosisatoja

Vuonna 395 Rooman valtakunta jakautui kahteen osaan: länsi- ja itäosiin. Länsiosassa Rooman raunioilla 5.-9. Vuosisadalla oli barbaarisia valtioita: strogotit, visotit, frankit jne. 9. vuosisadalla Kaarle Suuren imperiumin romahtamisen seurauksena muodostui kolme valtiota. täällä: Ranska, Saksa, Italia. Konstantinopolista, jonka keisari Constantine perusti Kreikan Bysantin siirtomaa-alueelle, tuli itäosan pääkaupunki - tästä tuli valtion nimi.

Keskiajalla Euroopassa on nousemassa uudentyyppinen musiikkikulttuuri - feodaali, jossa yhdistyvät ammattitaide, amatöörimusiikin tekeminen ja kansanperinne. Koska kirkko hallitsee kaikkia henkisen elämän alueita, ammattimaisen musiikkitaiteen perusta on muusikoiden toiminta temppeleissä ja luostareissa. Maallista ammattitaidetta edustavat aluksi vain laulajat, jotka luovat ja esittävät eeppisiä tarinoita tuomioistuimessa, aateliston kodeissa, sotureiden jne. Keskuudessa (bardit, skaldit jne.). Ajan myötä amatööri- ja puoliammatilliset ritarikunnan musiikinmuodot kehittyvät: Ranskassa - trubaduurien ja trouverien taide (Adam de la Hal, XIII vuosisata), Saksassa - Minnesingerit (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII vuosisatoja) ja myös kaupunkien käsityöläisiä. Feodaalilinnoissa ja kaupungeissa viljellään kaikenlaisia \u200b\u200bsukuja, tyylilajeja ja laulumuotoja (eepos, "kynnyksellä", rondo, le, viirele, balladeja, kanavia, laudoja jne.).

Uusia soittimia tulee jokapäiväiseen elämään, mukaan lukien idästä tulleet (alttoviulu, luuttu jne.), Esiintyy yhtyeitä (epävakaat sävellykset). Kansanperinne kukoistaa talonpoikaisympäristössä. Näyttelijöitä on myös "kansanmusiikin ammattilaisia": kertojia, vaeltavia synteettisiä taiteilijoita (jonglöörejä, miimejä, minstrelejä, shpielmaneja, puskureita). Musiikki suorittaa taas pääasiassa sovellettuja ja henkisesti käytännön tehtäviä. Luovuus näkyy yhtenäisyydessä suorituskyvyn kanssa (yleensä yhdessä henkilössä).

Vähitellen, vaikkakin hitaasti, musiikin sisältö, sen tyylilajit, muodot, ilmaisukeinot rikastuvat. Länsi-Euroopassa VI-VII vuosisadalta. muodostettiin tiukasti säännelty monofonisen (monodisen) kirkkomusiikin järjestelmä, joka perustui diatonisiin tiloihin (gregoriaaninen laulaminen), yhdistämällä lausumisen (psalmody) ja laulamisen (virsi). 1. ja 2. vuosituhannen vaihteessa syntyy moniäänisyyttä. Uusia laulu (kuoro) ja laulu-instrumentaali (kuoro ja urut) genrejä muodostuu: organum, motet, kapellimestari, sitten massa. Ranskassa, XII-luvulla, ensimmäinen säveltäjän (luova) koulu perustettiin Notre-Damen katedraaliin (Leonin, Perotin). Renessanssin vaihteessa (ars nova -tyyli Ranskassa ja Italiassa, XIV vuosisata) ammattimusiikissa monofonia korvataan moniäänisyydellä, musiikki alkaa vähitellen vapautua puhtaasti käytännöllisistä toiminnoista (kirkon rituaalien palvelemisesta), maallisten tyylilajien merkityksestä, mukaan lukien kappaleet, lisääntyy siinä (Guillaume de Machaut).

Keskiajan aineellinen perusta muodostui feodaalisista suhteista. Keskiaikainen kulttuuri muodostuu maaseututilan olosuhteissa. Tulevaisuudessa kaupunkiympäristöstä - kansalaisista - tulee kulttuurin sosiaalinen perusta. Valtioiden muodostumisen myötä muodostuvat tärkeimmät kartanot: papisto, aatelisto, kansa.

Keskiajan taide liittyy läheisesti kirkkoon. Kristillinen usko on filosofian, etiikan, estetiikan ja koko tämän ajan hengellisen elämän perusta. Uskonnollisen symboliikan täyttämä taide suuntautuu maallisesta, ohimenevästä - henkiseen, ikuiseen.

Virallisen kirkkokulttuurin (korkea) rinnalla oli maallinen kulttuuri (ruohonjuuritaso) - folk (alemmat sosiaaliset kerrokset) ja ritari (courtly).

Varhaisen keskiajan ammattimusiikin tärkeimmät keskukset olivat katedraalit, koulujen laulaminen heidän kanssaan, luostarit - tuon ajan ainoat koulutuskeskukset. He opiskelivat kreikkaa ja latinaa, laskutoimitusta ja musiikkia.

Rooma oli keskiajalla kirkkomusiikin pääkeskus Länsi-Euroopassa. Kuudennen luvun lopulla - 7. vuosisadan alku. muodostuu Länsi-Euroopan tärkein kirkkomusiikin lajike - gregoriaaninen laulu, joka on nimetty paavi Gregory I: n mukaan, joka toteutti kirkkolaulun uudistuksen, toi yhteen ja tilasi erilaisia \u200b\u200bkirkkolauluja. Gregoriaaninen laulu on monofoninen katolinen laulu, jossa eri Lähi-idän ja Euroopan kansojen (syyrialaiset, juutalaiset, kreikkalaiset, roomalaiset jne.) Vuosisataiset laululadit ovat sulautuneet. Juuri yhden melodian sujuva monofoninen avautuminen kehotettiin yksilöimään yksi tahto, seurakunnan jäsenten huomion keskipiste katolisuuden dogmien mukaisesti. Musiikin luonne on tiukka, persoonaton. Korallin esitti kuoro (tästä nimi), jotkut osat solisti. Diatonisten toimintatapojen perusteella vallitseva liike vallitsee. Gregoriaanisen laulun ansiosta sävellykset saattoivat vaihdella vakavasti hitaasta kuorolaulusta vuosipäiviin (tavun melismaattinen laulaminen), mikä vaati virtuoosista äänitaitoa esitykseen.

Gregoriaaninen laulaminen vie kuulijan todellisuudesta, herättää nöyryyttä, johtaa mietiskelyyn, mystiseen irtautumiseen. Tätä vaikutusta helpottaa latinankielinen teksti, jota suurin osa seurakunnan jäsenistä ei ymmärrä. Laulun rytmi määräytyi tekstin perusteella. Se on epämääräinen, määrittelemätön tekstin poistamisen aksenttien luonteen vuoksi.

Erilaiset gregoriaanisen laulamisen muodot koottiin yhteen katolisen kirkon pyhässä palvonnassa, messussa, johon perustettiin viisi vakaa osaa:

Kyrie eleison (Herra armahda)

Gloria (kunnia)

Credo (uskon)

Sanctus (pyhä)

Agnus Dei (Jumalan Karitsa).

Ajan myötä kansanmusiikin elementit alkavat tunkeutua gregoriaaniseen lauluun laulujen, sekvenssien ja tropien kautta. Jos psalmodeja lauloi ammattitaitoinen laulajien ja pappien kuoro, niin aluksi lauluja esittivät seurakuntalaiset. He olivat lisäyksiä viralliseen palvontaan (heillä oli piirteitä kansanmusiikista). Mutta pian massan hymniosat alkoivat syrjäyttää psalmodiset, mikä johti moniäänisen massan ilmestymiseen.

Ensimmäiset jaksot olivat subteksti vuosipäivän melodialle, jotta melodian yhdellä äänellä olisi erillinen tavu. Sarjasta on tulossa yleinen genre (suosituimmat ovat "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater"). "Dies irae" -tekniikkaa käyttivät Berlioz, Liszt, Tšaikovski, Rachmaninoff (usein kuoleman symbolina).

Ensimmäiset esimerkit polyfoniasta ovat peräisin luostareista - organum (liike rinnakkain viidesosassa tai kvartaalissa), gimel, fobourdon (yhdensuuntainen kuudes sointu), johtaminen. Säveltäjät: Leonin ja Perotin (12-13 vuosisataa - Notre Damen katedraali).

Maallisen kansanmusiikin kantajia oli keskiajalla miimejä, jonglöörejä, röyhkeitä Ranskassa, spielmaaneja saksalaisen kulttuurin maissa, hohlareja Espanjassa, puskureita Venäjällä. Nämä kiertävät taiteilijat olivat monipuolisia mestareita: he yhdistivät laulamisen, tanssin, erilaisten instrumenttien soittamisen taikuuden, sirkustaiteen ja nukketeatterin kanssa.

Maallisen kulttuurin toinen puoli oli ritarillinen (kohtelias) kulttuuri (maallisten feodaalisten kulttuurien kulttuuri). Lähes kaikki aateliset ihmiset olivat ritarit - köyhistä sotureista kuninkaisiin. Erityistä ritarikoodia ollaan muodostamassa, jonka mukaan ritarilla, rohkeuden ja rohkeuden ohella, oli oltava hieno tapa, olla koulutettu, antelias, suurtahkoinen, palvella uskollisesti kaunista naista. Ritarielämän kaikki näkökohdat heijastuvat trubaduurien (Provence - Etelä-Ranska), trouverien (Pohjois-Ranska), minnesingerien (Saksa) musiikilliseen ja runolliseen taiteeseen. Trubaduurien taide liittyy ensisijaisesti rakkauden sanoituksiin. Suosituin rakkaustekstilaji oli canzona (minnesingerien joukossa - "Morning Songs" - Albs).

Truvers, hyödyntäen laajasti trubaduurien kokemusta, on luonut oman alkuperäisen tyylilajinsa: "kutomakappaleet", "Toukokuun kappaleet". Tärkeä alue trubaduurien, trouverien ja minnesingerien musiikkilajeissa oli laulu- ja tanssilajit: rondo, balladi, viirele (refrenssimuodot) sekä sankariseepos (ranskalainen eepos "Song of Roland", saksa - "Song of the Nibelungs "). Ristiretkeläiset olivat yleisiä minnesingereiden keskuudessa.

Trubaduurien, trouverien ja minnesingereiden taiteelle on ominaista:

Monofonia on seurausta melodian ja runollisen tekstin erottamattomasta yhteydestä, joka seuraa musiikin ja runon taiteen olemuksesta. Monofonisuus vastasi myös asetusta omien kokemusten yksilölliseen ilmaisuun, lausunnon sisällön henkilökohtaiseen arviointiin (usein henkilökohtaisten kokemusten ilmaisu kehystettiin luonnehtimalla luonnetta).

Pääasiassa laulu. Soittimien rooli ei ollut merkittävä: se rajoittui esittelyjen, väliintulojen ja jälkiesitysten esittämiseen, laatien melodian.

Ritaritaiteesta on edelleen mahdotonta puhua ammattimaisena, mutta ensimmäistä kertaa maallisen musiikin tekemisen olosuhteissa luotiin voimakas musiikillinen ja runollinen suunta kehitetyllä ilmaisukeinojen kompleksilla ja suhteellisen täydellisellä musiikkikirjoituksella.

Yksi kypsän keskiajan tärkeistä saavutuksista, X-XI vuosisadoista lähtien, oli kaupunkien kehittäminen (kansalaiskulttuuri). Kaupunkikulttuurin pääpiirteet olivat kirkkovasta, vapautta rakastava suuntautuminen, yhteys kansanperinteeseen, sen nauru ja karnevaaliluonne. Goottilainen arkkitehtoninen tyyli on kehittymässä. Uusia moniäänisiä genrejä muodostuu: 13.-14. Vuosisadalta. - motet (ranskasta - "sana". Motetille tyypillisesti melodinen eroavaisuus eri tekstejä samanaikaisesti intonoiden - usein jopa eri kielillä), madrigal (italiaksi - "laulu äidinkielellä", eli italia. Rakkaustekniset, pastoraaliset tekstit, kachcha (italiaksi - "metsästys" - laulupala, joka perustuu metsästystä kuvaavaan tekstiin).

Itineranttiset kansanmuusikot siirtyvät nomadisesta elämäntavasta istumattomaan, asuttavat kokonaisia \u200b\u200bkaupunginosia ja muodostavat eräänlaisten ”muusikoiden työpajoja”. 1200-luvulta lähtien vagagit ja goliardit liittyivät kansanmuusikoihin - erottivat ihmisiä eri luokista (koululaiset, pakenevat munkit, vaeltavat papit). Päinvastoin kuin lukutaidottomilla jonglööreillä - suullisen perinteen taiteen tyypillisillä edustajilla - vagantit ja goliardit olivat lukutaitoisia: he tiesivät latinaa ja klassisen versifikation säännöt, sävelivät musiikkia - lauluja (kuvapiiri liittyy koulutieteeseen ja opiskelijaan) elämä) ja jopa monimutkaiset sävellykset, kuten kapellimestarit ja motetit ...

Yliopistoista on tullut merkittävä musiikkikulttuurin keskus. Musiikki, tai pikemminkin, musiikkiakustiikka yhdessä tähtitieteen, matematiikan, fysiikan kanssa, saapui kvadriumiin, ts. neljän tieteenalan sykli, jota opiskellaan yliopistoissa.

Keskiaikaisessa kaupungissa oli siis erilaisen luonteen ja sosiaalisen suuntautumisen musiikkikulttuurin keskuksia: kansanmuusikoiden yhdistykset, hovimusiikki, luostarien ja katedraalien musiikki, yliopistomusiikin käytäntö.

Keskiajan musiikkiteoria liittyi läheisesti teologiaan. Muutamissa meille tulleissa musiikkiteoreettisissa tutkielmissa musiikkia pidettiin "kirkon palvelijana". Varhaiskeskiajan merkittävimpien tutkielmien joukossa on kuusi Augustinuksen "Musiikista" -kirjaa, 5 Boethiuksen "Musiikin perustamisesta" -kirjaa ja muita. Näissä tutkielmissa suuri paikka annettiin abstrakteille skolastisille kysymyksille, opille musiikin kosminen rooli ja niin edelleen.

Keskiaikaisen tuskailujärjestelmän ovat kehittäneet kirkon ammattimaisen musiikkitaiteen edustajat - siksi keskiaikaisille tuskaille annettiin nimi "kirkon nauhat". Joonianmeri ja Lipari perustettiin päämoodeiksi.

Keskiajan musiikinteoria esitti oppinsa heksakordeista. Jokaisessa nauhassa käytettiin 6 astetta käytännössä (esimerkiksi: do, re, mi, fa, sol, la). X: ää vältettiin sitten yhdessä fa: n kanssa se muodosti laajennetun neljänneksen, jota pidettiin hyvin dissonanttina ja kuvaannollisesti nimeltään "musiikin paholainen".

Virheellistä tallennusta käytettiin laajalti. Guido Aretinsky paransi nuotintojärjestelmää. Hänen uudistuksensa ydin oli seuraava: neljän viivan läsnäolo, kolmas yksittäisten viivojen suhde, avainmerkki (alun perin aakkosellinen) tai viivojen väri. Hän esitteli myös tavanimitykset asteikon kuuden ensimmäisen asteen kohdalla: ut, re, mi, fa, sol, la.

Mensuraalinen merkintätapa otetaan käyttöön, jossa jokaiselle nuotille määritettiin tietty rytminen mitta (latinalainen mensura - mitta, mitta). Kestojen nimi: maxim, longa, brevis jne.

XIV vuosisata - siirtymäkausi keskiajan ja renessanssin välillä. Ranskan ja Italian taidetta XIV-luvulla kutsuttiin nimellä "Ars nova" (latinaksi - uusi taide), ja Italiassa sillä oli kaikki varhaisen renessanssin ominaisuudet. Pääpiirteet: kieltäytyminen käyttämästä yksinomaan kirkkomusiikin lajityyppejä ja vetoaminen maallisiin laulu- ja instrumentaalikameroihin (balladi, kaccha, madrigal), lähentyminen jokapäiväisen laulun kirjoittamisen kanssa, erilaisten soittimien käyttö. Ars nova on vastakohta ns. ars antiqua (lat. ars antiqua - vanha taide), joka tarkoittaa musiikkitaidetta ennen XIV-luvun alkua. Ars novan suurimmat edustajat olivat Guillaume de Machaut (1400-luku, Ranska) ja Francesco Landino (1400-luku, Italia).

Siten keskiajan musiikkikulttuuri edustaa suhteellisen rajallisista keinoista huolimatta korkeampaa tasoa verrattuna antiikin maailman musiikkiin ja sisältää edellytykset musiikkitaiteen upealle kukoistukselle renessanssin aikana.

musiikki keskiaika gregoriaaninen trubaduri

ANTIIKIN, KESKIPAIKAN, RENISSANSSIN MUSIIKKIKULTTUURI

ANTIKAISU

Muinaisen Kreikan musiikkikulttuuri muodostaa ensimmäisen historiallisen vaiheen Euroopan musiikkikulttuurin kehityksessä. Samalla se on antiikin maailman kulttuurin korkein ilmentymä ja paljastaa epäilemättömät yhteydet Lähi-idän muinaisempiin kulttuureihin - Egyptiin, Syyriaan, Palestiinaan. Kaikista tämäntyyppisistä historiallisista yhteyksistä huolimatta antiikin Kreikan musiikkikulttuuri ei missään tapauksessa toista muiden maiden kulkemaa polkua: sillä on oma ainutlaatuinen ulkonäkö, omat kiistattomat saavutuksensa, jotka se siirtää osittain Euroopan keskiaikaan ja sitten suuremmassa määrin renessanssiin.

Toisin kuin muut taiteen tyypit, antiikin maailman musiikki ei jättänyt historiaan yhtään luovaa perintöä. Valtavalle kahdeksan vuosisadan historialliselle alueelle - 5. vuosisadalta eKr. mennessä 111 vuosisata n. EKr - vain yksitoista näytettä antiikin Kreikan musiikista on hajallaan, jotka ovat säilyneet tuon ajan notaatiossa. Totta, nämä ovat ensimmäisiä melodioita äänitteitä Euroopassa, jotka ovat tulleet meille.

Muinaisen Kreikan kulttuurin tärkein ominaisuus, jonka ulkopuolella aikalaiset eivät melkein koskaan havainneet sitä, ja siksi emme voi ymmärtää, on musiikin olemassaolo synkretisessä ykseydessä muiden taiteiden kanssa - alkuvaiheessa tai synteesissä heidän kanssaan - kukoistuksen aikana. Musiikki, joka liittyy erottamattomasti runouteen (siis sanoitukset), musiikki välttämättömänä osallistujana tragediaan, musiikki ja tanssi - nämä ovat antiikin Kreikan taiteellisen elämän tunnusomaisia \u200b\u200bilmiöitä. Esimerkiksi Platon suhtautui erittäin kriittisesti instrumentaalimusiikkiin, riippumatta tanssista ja laulamisesta, väittäen, että se soveltuu vain nopeaan, epäröimättä ja eläinhuudon kuvaamiseen:

"Huilun ja sitaran yhden soittamisen käyttö merkitsee jotain erittäin mautonta ja vain taikurin arvoista." Kreikkalaisen tragedian, korkean ja monimutkaisen taiteen, alkuperä on peräisin mytologiasta, maagisista toimista, ihmisten uskomuksista. Muinaisten kreikkalaisten myyttien alkuperä suurista muusikoista - Orpheus, Olimp, Marsyas - juontaa juurensa varhaisiin aikoihin.

Tärkeää tietoa Kreikan varhaisesta musiikkikulttuurista antaa Homeroksen eepos, joka liittyy itse musiikkiesitykseen: The Iliad, The Odyssey.

U11-VI-vuosisatojen eeppisten teosten sooloesityksen lisäksi tunnetaan myös erityisiä kuorolajeja. Kreetan saaren kappaleet yhdistettiin muovisiin liikkeisiin, tanssiin (hyporchema); 7. vuosisadan kuorolajeja viljeltiin laajalti Spartassa. Tiedetään, että spartalaiset pitivät musiikkia hyvin valtion kasvatuksellisena. Musiikkitaiteen opettaminen ei ollut heille ammattimaista, vaan yksinkertaisesti osa nuorten yleissivistävää koulutusta. Täältä syntyi seurauksena eetoksen teoria, jonka kreikkalaiset ajattelijat perustelivat.

Muinaisen Kreikan musiikillisessa ja runollisessa taiteessa uusi suuntaus, joka esitteli oikeat lyyriset teemat ja kuvat, liittyy Joonian Archilochuksen (VII vuosisata) ja suurimpien "Alkean ja Sapphon lesbokoulun edustajien" ( I ja VI vuosisadan vaihteessa) lyriikan alku lisääntyi ja melodian rooli heidän teoksissaan sana "lyriikka" on johdettu lyrasta.

6. vuosisadan lyriikkaa edustaa useita tyylilajeja: elegioita, virsiä, häälauluja.

Klassinen tragedian vuosisata oli 5. vuosisata eKr. EKr: Suurimpien tragedialaisten Aeschyluksen (n. 525-456), Sophoklesin (n. 496-, Euripides (n. 480-406) työ) Tämä oli Kreikan taiteellisen kulttuurin korkeimman kukinnan aika, Phidiasin aika. ja Polycletus, sellaiset klassisen arkkitehtuurin muistomerkit, kuten Ateenan Parthenon, koko muinaisen maailman taiteen paras vuosisata. Tragedioiden järjestämistä pidettiin julkisina festivaaleina, ja ne olivat orjia omistavan yhteiskunnan rajoissa suhteellisen laaja demokraattinen luonne: teatterissa oli läsnä kaikki kansalaiset, jotka jopa saivat tästä valtion etuja, edustivat ihmisiä traagisella näyttämöllä ja puhuivat heidän puolestaan.

Näytelmäkirjailija oli sekä runoilija että muusikko; hän teki kaiken itse. Esimerkiksi Aeschylus itse osallistui näytelmiensä esittämiseen. Myöhemmin runoilijan, muusikon, näyttelijän ja ohjaajan tehtävät jaettiin yhä enemmän. Näyttelijät olivat myös laulajia. Kuorolaulu yhdistettiin muovisiin liikkeisiin.

Hellenistisellä aikakaudella taide ei enää kasva kansalaisten taiteellisesta toiminnasta: se on täysin ammattimaista.

Kaikki, mitä antiikin Kreikassa kirjoitettiin musiikkitaiteesta ja joka voidaan varmuudella arvioida monien jäljellä olevien materiaalien pohjalta, perustui melodia-ajatuksiin (pääasiassa runolliseen sanaan). Tämä on ilmeistä paitsi erityisten teoreettisten teosten sisällöstä myös Kreikan suurimpien ajattelijoiden yleisemmistä eettisistä ja esteettisistä lausunnoista. Siten monofonian periaate, joka on täysin ominaista antiikin Kreikan musiikkitaiteelle, on täysin vahvistettu.

Mielenkiintoisin muinaisista musiikkitaidetta koskevista tuomioista on Platonin esittämä ns. Eetoksen oppi, jonka Aristoteles on kehittänyt ja syventänyt. Muinainen perinne yhdistää politiikan ja musiikin kysymysten yhdistämisen Ateenan Domonin, Sokrates-opettajan ja Periklesin ystävän, nimiin. Häneltä Platon otti ajatuksen musiikin myönteisestä vaikutuksesta kelvollisten kansalaisten kasvatukseen, jonka hän kehitti kirjoissa "Valtio" ja "Laki". Platon antaa ihanteellisessa tilassaan ensimmäisen (muun taiteen) roolin musiikille nuoren miehen kouluttamiseksi rohkeaksi, viisaaksi, hyveelliseksi ja tasapainoiseksi eli ihanteelliseksi kansalaiseksi. Samaan aikaan Platon yhdistää toisaalta musiikin vaikutuksen voimistelun ("kauniit kehonliikkeet") vaikutuksiin, ja toisaalta hän väittää, että melodia ja rytmi vangitsevat sielun ennen kaikkea ja kannustavat henkilön jäljittelemään kauneuden malleja, jotka musiikki antaa hänelle.

"Platon analysoi sitten, mikä laulussa on oikein kaunista, ja katsoo, että tämä on arvioitava sanoilla, harmonialla ja rytmillä. Aikojensa ajatusten mukaisesti hän hylkää kaikki valitettavat ja rentouttavat muodot ja nimeää vain Dorianin ja Phrygianin. Pelkästään filosofi tunnistaa soittimien joukossa vain kifaran ja lyran, kieltämällä kaikkien muiden eettiset ominaisuudet.Täten eetoksen kantaja ei Platonin näkökulmasta ole taideteos, ei sen kuvitus eikä edes järjestelmän ilmaisukeinot, mutta vain instrumentin tila tai sävy, jolle tietty eettinen laatu on kuin kiinteä.

Aristoteles arvioi musiikin tarkoitusta paljon laajemmin, väittäen, että sen ei tulisi palvella yhtä, vaan useita tarkoituksia ja käyttää sitä hyödyksi: I) koulutukseen, 2) puhdistukseen, 3) henkiseen viihteeseen, toisin sanoen rauhoittuminen ja lepo voimakkaasta toiminnasta ... Täältä on selvää, - jatkaa Aristoteles, - että vaikka voit käyttää kaikkia toimintatiloja, mutta niitä ei pidä soveltaa samalla tavalla "0 hän arvioi musiikin vaikutuksen luonteen psyykeen tällä tavalla:

”Rytmi ja melodia sisältävät lähinnä todellisuutta vihan ja sävyisyyden, rohkeuden ja maltillisuuden ja kaikkien vastakkaisten ominaisuuksien sekä muiden moraalisten ominaisuuksien kanssa. Tämä käy selvästi ilmi kokemuksesta: kun havaitsemme rytmin ja melodian korvalla, myös mielentila muuttuu. Tapa kokea surullinen tai iloinen mieliala havaitessaan sitä, mikä jäljittelee todellisuutta, johtaa siihen, että alamme kokea samoja tunteita kohdatessamme [jokapäiväistä] totuutta ”3. Ja lopuksi Aristoteles. tulee seuraavaan johtopäätökseen: “... Musiikki pystyy vaikuttamaan tietyllä tavalla sielun eettiseen puoleen; ja koska musiikilla on tällaisia \u200b\u200bominaisuuksia, se on tietysti sisällytettävä nuorten kouluttamiseen tarkoitettujen aiheiden määrään. "

Filosofille ja matemaatikolle Pythagorasille (VI vuosisata eKr) on jo pitkään annettu ensimmäisen musiikista kirjoittaneen kreikkalaisen ajattelijan merkitys. Hänelle hyvitetään musiikkivälien (konsonanssien ja dissonanssien) opin alkuperäinen kehitys puhtaasti matemaattisten suhteiden perusteella, jotka on saatu jakamalla kielisarja. Yleensä pythagorealaiset - muinaisten itämaisten kulttuurien (ennen kaikkea Egyptin) mallin mukaan - kiinnittivät lukuihin ja mittasuhteisiin maagisen merkityksen johtuen niistä erityisesti musiikin maagisista ja parantavista ominaisuuksista. Lopuksi abstraktien spekulatiivisten rakenteiden avulla pythagorealaiset tulivat ajatukseen ns. "Pallojen harmoniasta", uskoen, että taivaankappaleiden, jotka ovat keskenään tietyissä numeerisissa ("harmonisissa") suhteissa, tulisi kuulostaa ja tuottaa " taivaallinen harmonia "liikkuessaan.

Etosopin osalta myöhemmin neoplatonistit, varsinkin Plotinus (III vuosisata), ajattelivat sitä uudelleen uskonnollisessa-mystisessä hengessä ja veivät siltä kansalaispathoksen, joka oli hänen luonteensa Kreikassa. Sieltä suorat säikeet ulottuvat keskiajan esteettisiin näkymiin. Muinaisen kulttuurin romahtaminen orjajärjestelmän hajoamisen aikakaudella on juuri suotuisaa kristillisen taiteen menestyksekkäälle kehitykselle, monin tavoin vastakohtana Rooman estetiikalle ja musiikkikäytännölle edeltävinä vuosisatoina. Ei voida kieltää, että jotkut antiikin perinnön ja myöhempien aikojen esteettisen ajattelun väliset yhteydet muodostuivat kahden aikakauden vaihteessa.

Keskitasoinen musiikkikulttuuri

Länsi-Euroopan musiikkikulttuurin kehityksessä on vaikea pitää pitkää ja laajaa keskiajan historiallista jaksoa yhtenä ajanjaksona, jopa yhtenä suurena aikakautena, jolla on yhteinen aikajärjestys. Keskiajan ensimmäinen lähtökohta - Länsi-Rooman valtakunnan kaatumisen jälkeen vuonna 476 - on yleensä nimetty 6. vuosisadaksi. Samaan aikaan ainoa musiikkitaiteen alue, joka jätti kirjallisia muistomerkkejä, oli 1200-luvulle saakka vain kristillisen kirkon musiikki. Koko siihen liittyvä erikoinen ilmiökokonaisuus muodostui pitkän historiallisen valmistelun pohjalta, alkaen II vuosisadasta, ja siihen sisältyi kaukaisia \u200b\u200blähteitä, jotka ulottuvat Länsi-Euroopan ulkopuolelle itään - Palestiinaan, Syyriaan, Aleksandriaan. Lisäksi keskiajan kirkkomusiikkikulttuuri ei jotenkin jättänyt muinaisen Kreikan ja antiikin Rooman perintöä, vaikka "kirkon isät" ja myöhemmin musiikista kirjoittaneet teoreetikot vastustivat monessa suhteessa kristillisen kirkon taidetta. antiikin pakanallinen taiteellinen maailma.

Toiseksi tärkein virstanpylväs, joka merkitsee siirtymistä keskiajalta renessanssiin, ei esiinny samanaikaisesti Länsi-Euroopassa: Italiassa - 1400-luvulla, Ranskassa - 1500-luvulla; muissa maissa taistelu keskiajan ja renessanssin välillä tapahtui eri aikoina. He kaikki lähestyvät renessanssia keskiajan erilaisella perinnöllä ja hahmottelevat omia johtopäätöksiä laajasta historiallisesta kokemuksestaan. Tätä helpotti suurelta osin merkittävä muutos keskiaikaisen taiteellisen kulttuurin kehityksessä, joka alkoi 11--12-luvuilla ja johtui uusista sosio-historiallisista prosesseista (kaupunkien kasvu, ristiretket, uusien sosiaalisten kerrostumien eteneminen, ensimmäiset maallisen kulttuurin vahvat keskukset jne.).

Länsi-Euroopan keskiajan musiikkikulttuurille on kuitenkin tyypillistä merkittävä ilmiö ja prosessit, jotka ovat ominaisia \u200b\u200bvain kronologisten puolien suhteellisuudelle tai liikkuvuudelle, väistämättömille geneettisille yhteyksille menneisyyteen ja tulevaisuuteen siirtymisen epätasaisuuksiin. sitä ja joita ei voida ajatella muissa olosuhteissa ja muina aikoina. Tämä on ensinnäkin monien heimojen ja kansojen liike ja olemassaolo historiallisen kehityksen eri vaiheissa, rakenteiden ja erilaisten poliittisten järjestelmien moninaisuus ja tämän kaiken kanssa katolisen kirkon jatkuva halu yhdistää koko valtava, myrskyinen, monipuolinen maailma, paitsi yleinen ideologinen oppi myös musiikkikulttuurin yleiset periaatteet. Toiseksi tämä on väistämätön musiikkikulttuurin kaksinaisuus koko keskiajalla: kirkkotaide vastusti kaanoneitaan poikkeuksetta kansanmusiikin monimuotoisuuteen kaikkialla Euroopassa. I-XIII-luvuilla maallisen musiikillisen ja runollisen luovuuden uudet muodot olivat jo syntyneet ja kirkkomusiikki muuttui suurelta osin. Mutta nämä uudet prosessit tapahtuivat jo kehittyneen feodalismin olosuhteissa.

Kuten tiedätte, keskiaikaisen kulttuurin, keskiaikaisen koulutuksen, keskiaikaisen taiteen erityisluonteen määrää pitkälti riippuvuus kristillisestä kirkosta.

Kristillisen kirkon musiikki muuttui alkuperäisessä muodossaan jopa Rooman valtakunnan suurvallan historiallisissa olosuhteissa. Usko kuolemanjälkeiseen elämään, korkeimmalle kostolle kaikelle, mitä maan päällä tehdään, samoin kuin ajatus ihmiskunnan syntien sovittamisesta ristillä ristiinnaulitulla Kristuksen uhrilla kykenivät valloittamaan massat.

Gregoriaanisen laulun historiallinen valmistelu hallitsevan kristillisen kirkon rituaalilauluna oli pitkä ja monipuolinen.

4. vuosisadan lopussa, kuten tiedetään, Rooman valtakunta jakautui länsimaiseksi (Rooma) ja itäiseksi (Bysantti), jonka historiallinen kohtalo osoittautui myöhemmin erilaiseksi. Niinpä läntiset ja itäiset kirkot eristyivät, koska kristillisestä uskonnosta oli tullut valtio siihen mennessä.

Rooman imperiumin jakautumisen ja kristillisen kirkon kahden keskuksen muodostumisen myötä kirkollisen taiteen polut, jotka olivat lopullisessa muodostumisvaiheessa, eristyivät suurelta osin myös lännessä ja idässä.

Rooma muokkasi omalla tavallaan kaiken, mitä kristillisellä kirkolla oli käytössään, ja loi tältä pohjalta kanonisoidun taiteensa - gregoriaanisen laulun.

Tämän seurauksena kirkkovuoden aikana valitut, kanonisoidut ja jaetut kirkon kappaleet koottiin paavi Gregoryn johdolla (ainakin hänen aloitteestaan). virallinen koodi on antiphonary. Siihen sisältyvät kuoromelodiat saivat nimen gregoriaaninen laulu ja siitä tuli katolisen kirkon liturgisen laulamisen perusta. Gregoriaanisten laulujen sarja on valtava.

Gregoriaanisen laulun korpus 11. – 12. Vuosisadalta ja sitten renessanssin aikana toimi lähtökohtana moniäänisten sävellysten luomiselle, joissa kultamelodiat kehittyivät monipuolisimmin.

Mitä enemmän Rooman kirkko laajensi vaikutuspiirinsä Euroopassa, sitä enemmän gregoriaaninen laulu levisi Roomasta pohjoiseen ja länteen.

Nuottikirjauudistuksen teki italialainen muusikko, teoreetikko ja opettaja Guido d "Arezzo 1100-luvun toisella neljänneksellä.

Guidon uudistus oli vahva alkuperäisen ajatuksen yksinkertaisuudessa ja orgaanisuudessa: hän piirsi neljä viivaa ja sijoittamalla nevmat niihin tai niiden väliin antoi heille tarkan merkityksen korkealla. Toinen Arezzon Guidon innovaatio, olennaisesti myös hänen keksintönsä, oli tietyn kuusivaiheisen asteikon valinta (do-re-mi-fa-sol-la).

1100-luvun lopusta lähtien, 1200-luvulla ja varsinkin 1200-luvulla, useiden Länsi-Euroopan maiden musiikkielämässä ja musiikkityössä on ilmaantunut merkkejä uudesta liikkeestä - aluksi vähemmän havaittavasti, sitten yhä konkreettisemmin -. Alkuperäisistä keskiaikaisista musiikkikulttuurin muodoista taiteellisen maun ja luovan ajattelun kehitys siirtyy muihin progressiivisempiin musiikkityyppeihin, erilaisiin musiikillisen luovuuden periaatteisiin.

XII-XIII-luvuilla historialliset edellytykset syntyivät vähitellen paitsi uusien luovien suuntausten muodostumiselle myös niiden tunnetulle leviämiselle koko Länsi-Eurooppaan. Siten keskiaikainen romaani tai tarina, joka muotoutui Ranskan maaperällä XII-XIII-luvuilla, ei jäänyt vain ranskalaiseksi ilmiöksi. Tristanista ja Isoldesta kertovan romaanin ja Aucassinista ja Nicolettesta kertovan tarinan lisäksi Parsifal ja Poor Henry tulivat kirjallisuuden historiaan. Uusi goottilainen tyyli arkkitehtuurissa, jota edustavat klassiset esimerkit Ranskassa (katedraalit Pariisissa, Chartres, Reims), löysi ilmaisunsa myös Saksan ja Tšekin kaupungeissa, Englannissa jne.

Ensimmäinen maallisten musiikillisten ja runollisten sanoitusten kukinta, joka alkoi Provencessa XII vuosisadalta, valloitti sitten Pohjois-Ranskan, vastasi Espanjassa ja löysi myöhemmin ilmaisun saksalaisessa minnesangissa. Kaikkien näiden virtausten ja niiden ainutlaatuisuuden myötä ilmestyi uusi säännöllisyys, joka oli ominaista aikakaudelle sen laajamittaisessa mittakaavassa. Samoin polyfonian syntyminen ja kehittyminen ammatillisissa muodoissaan - ehkä tuolloin tärkein musiikillisen evoluution osa - tapahtui paitsi ranskalaisen luovan koulun ja lisäksi yhden ainoan muusikkoryhmän osallistumisessa. Notre Damen katedraalista riippumatta heidän ansioistaan.

Valitettavasti me arvioimme keskiaikaisen musiikin tapoja jossain määrin valikoivasti. Lähteiden tilan mukaan on mahdotonta jäljittää tiettyjä yhteyksiä esimerkiksi polyfonian kehityksessä sen lähteiden välillä Brittein saarilla ja erityisesti maanosassa esiintyvien muotojen välillä varhaisessa vaiheessa.

Keskiaikaisista kaupungeista tuli lopulta tärkeitä kulttuurikeskuksia. Ensimmäiset yliopistot Euroopassa perustettiin (Bologna, Pariisi). Kaupunkirakentaminen laajeni, rikkaita katedraaleja pystytettiin, ja niissä suoritettiin jumalallisia palveluja suurella pomella parhaiden kuorolaulajien osallistuessa (heitä koulutettiin suurissa kirkoissa erityiskouluissa - metrizoissa). Keskiajalle tyypillinen kirkollinen apuraha (ja erityisesti musiikillinen apuraha) ei enää keskittynyt vain luostareihin. Uudet muodot, uusi kirkkomusiikin tyyli liittyy epäilemättä keskiaikaisen kaupungin kulttuuriin. Jos ne on osittain valmistautunut oppineiden muusikoiden-munkkien (kuten Hoekbald Saint-Amandista ja Guido Arezzosta) aikaisemmasta toiminnasta, jos varhaiset esimerkit polyfoniasta ovat peräisin Ranskan luostarikouluista, erityisesti Chartresin luostareista ja Limoges, se on edelleen johdonmukaista uusien polyfonian muotojen kehittäminen alkaa Pariisissa 1200--13-luvuilla.

Eri, myös erittäin merkittävä keskiaikaisen musiikkikulttuurin kerros liittyy aluksi toimintaan, kiinnostuksen kohteisiin ja eräänlaiseen eurooppalaisen ritarikunnan ideologiaan. Ristiretket itään, valtavat liikkeet pitkiä matkoja, taistelut, kaupunkien piiritykset, kansalaisriidat, rohkeat, riskialttiit seikkailut, vieraiden maiden valloitus, kontakti idän eri kansojen kanssa, heidän tapansa, elämäntapansa, kulttuuri, täysin epätavallinen vaikutelmia - kaikki tämä jätti jälkensä ritarien-ristiretkeläisten uudelle maailmankatsomukselle. Kun osa ritarikunnasta pystyi olemaan suotuisissa rauhallisissa olosuhteissa, aiemmin olemassa oleva käsitys ritarin kunniasta (tietysti sosiaalisesti rajallinen) yhdistettynä kauniin naisen kulttiin ja ritarilliseen palvelukseen hänelle, miellyttävän rakkauden ihanteella ja normeilla siihen liittyvästä käyttäytymisestä. Silloin trubaduurien musiikillinen ja runollinen taide saivat alkuvaiheen kehityksen, joka antoi ensimmäiset Euroopassa näytteet kirjallisista maallisista lauluteksteistä.

Muita keskiaikaisen musiikkikulttuurin kerroksia esiintyi edelleen, jotka liittyivät kansanelämään, vaeltavien muusikoiden toimintaan, heidän ympäristöönsä ja elämäntapaansa tuleviin muutoksiin.

Tietoa keskiajan vaeltavista kansanmuusikoista tulee 900-luvulta 1400-luvulle yhä enemmän ja enemmän. Nämä jonglöörit, minstrelit, spielmans - kuten heitä kutsuttiin eri aikoina ja eri puolilla maailmaa - olivat pitkään aikansa ainoat maallisen musiikkikulttuurin edustajat ja niillä oli siten tärkeä historiallinen rooli. Suurimmaksi osaksi heidän musiikillisen käytäntönsä, lauluperinteidensä pohjalta muodostettiin 12.-13. Vuosisadan maallisten sanojen varhaiset muodot. He, nämä kiertävät muusikot, eivät olleet osa soittimia, kun taas kirkko joko hylkäsi heidän osallistumisensa tai otti sen suurella vaikeudella. Erilaisten puhallinsoittimien (trumpetit, sarvet, huilut, huilut, säkkipillit) lisäksi ajan myötä harppu (muinaisista), myyrä (kelttiläinen instrumentti), jousisoittimien lajikkeet, tulevan viulun esi-isät - rebab , viela, uskollinen (mahdollisesti idästä).

Todennäköisesti näillä keskiaikaisilla näyttelijöillä, muusikoilla, tanssijoilla, akrobaateilla (usein yhdessä henkilössä), joita kutsutaan jonglööreiksi tai muiksi vastaaviksi nimiksi, oli omat kulttuuriset ja historialliset perinteet, jotka juontavat juurensa kaukaisiin aikoihin. He voisivat omaksua - useiden sukupolvien jälkeen - antiikin Rooman näyttelijöiden synkretisen taiteen perinnön, jonka jälkeläiset, joita kutsuttiin histriksi ja miimeiksi, vaelsivat pitkään ja vaelsivat ympäri keskiaikaista Eurooppaa. Kelttien (bardien) ja germaanisten eeppien vanhimmat puolilegendaariset edustajat voisivat myös jotenkin välittää perinteet jonglööreille, jotka, vaikka he eivät kykene pysymään uskollisina heille, oppivat kuitenkin jotain heiltä itselleen. Joka tapauksessa 9. vuosisadalle mennessä, kun aiemmat histrionien ja miimien maininnat ovat jo korvattu mietintöillä jonglööreistä, nämä tunnetaan osittain eepoksen esiintyjinä. Jonglöörit liikkuvat paikasta toiseen esiintymällä pihojen juhlissa (jonne he parveilevat tiettyihin päiviin), linnoissa, kylissä ja joskus jopa kirkkoon. Keskiajan runoissa, romaaneissa ja lauluissa on useammin kuin kerran mainittu jonglöörien osallistumisesta juhlaan, kaikenlaisten ulkoilmalaitteiden järjestämiseen. Niin kauan kuin nämä kirkoissa tai hautausmailla suurina juhlapäivinä pidettävät esitykset esitettiin vain latinaksi, luostarikoulujen opiskelijat ja nuoret papit saivat osallistua esityksiin. Mutta 1300-luvulla latina korvattiin paikallisilla kansankielillä - ja sitten kiertävät muusikot, jotka väittivät suorittavansa koomisia rooleja ja jaksoja hengellisissä esityksissä, onnistuivat jotenkin murtautumaan näyttelijöiden lukumäärään ja sitten voittamaan menestystä vitseillä katsojat ja kuuntelijat. Näin oli esimerkiksi Strasbourgin, Rouenin, Reimsin ja Cambrain katedraaleissa. Lomapäivinä esiteltyjen "tarinoiden" joukossa olivat joulun ja pääsiäisen "toimet", "Marian itkut", "Tarina viisaista ja typeristä neitsyistä" jne. Lähes kaikkialla esityksissä, miellyttääkseen kävijöitä, yksi tai useampi muut koomiset jaksot, jotka liittyvät pahojen voimien osallistumiseen tai palvelijoiden seikkailuihin ja huomautuksiin. Täällä avattiin mahdollisuus toimia jonglööreiden musiikillisten kykyjen kanssa heidän perinteisillä puskureillaan.

Monilla kiusaajilla oli erityinen rooli, kun he alkoivat tehdä yhteistyötä trubaduurien kanssa, seuraten suojeluritariaan kaikkialla, osallistumalla kappaleidensa esittämiseen ja oppimalla uusia taidemuotoja.

Tämän seurauksena "vaeltavien ihmisten", jonglöörien, spielmanien, minstrelien ympäristö, joka on ajan myötä muuttunut merkittävästi, ei missään nimessä pysynyt yhtenäisenä kokoonpanossaan. Tätä helpotti myös uusien - lukutaitoisten, mutta menettäneen vakaan asemansa yhteiskunnassa, toisin sanoen olennaisesti pappien, vaeltavien tutkijoiden ja pakenevien munkkien häviäjät. Kun he ovat esiintyneet kiertävien näyttelijöiden ja muusikoiden joukossa XI-XII-luvuilla Ranskassa (ja sitten muissa maissa), he saivat vagantien ja goliardien nimet. Heidän kanssaan jongleerauksen kerroksiin tuli uusia elämänideoita ja -tapoja, lukutaito, joskus jopa tunnettu oppimiskyky.

1200-luvun lopusta lähtien eri puolilla Eurooppaa sijaitseviin keskuksiin on perustettu kiltayhdistyksiä spielmaineista, jonglööreistä, kiusaajista suojelemaan heidän oikeuksiaan, määrittelemään paikkansa yhteiskunnassa, säilyttämään ammatilliset perinteet ja välittämään ne opiskelijoilleen. Vuonna 1288 St. Nicholas ", joka yhdisti muusikot vuonna 1321" Brotherhood of St. Julien ”Pariisissa oli paikallisten minstrelien kiltaorganisaatio. Myöhemmin Englantiin perustettiin "kuninkaallisten minstrelien" kilta. Tämä siirtyminen killan rakenteeseen lopetti keskiajan jongleerauksen historian. Mutta vaeltavat muusikot ovat kaukana täysin asettuneista veljeskunnoistaan, killoistaan \u200b\u200bja työpajoistaan. Heidän vaelluksensa jatkuivat XIV-, XV- ja XVI-luvuilla kattamalla laajan alueen ja lopulta luoden uusia musiikillisia ja jokapäiväisiä yhteyksiä kaukaisiin alueisiin.

TRUBADURS, TRUVERS, MINNESINGERS

Trubaduurien taide, joka on syntynyt XII vuosisadan Provencesta, oli pohjimmiltaan vasta erityisen aikakauden tunnusomaisen luovan liikkeen alku ja liittyi melkein kokonaan taiteellisen luovuuden uusien, maallisten muotojen kehittämiseen. Paljon suosinut Provencessa maallisen taiteellisen kulttuurin varhaista kukoistusta: suhteellisen vähäisiä tuhoja ja katastrofeja menneisyydessä, kansojen muuttoliikkeen, vanhojen käsityöperinteiden ja pitkään säilyneiden kauppasuhteiden aikana. Tällaisissa historiallisissa olosuhteissa ritarikulttuuri muotoutui.

Provencen ritarikunnan taiteellisesta aloitteesta syntyvä erikoinen varhaisen maallisen taiteen kehityksen prosessi ruokkii suurelta osin kansanlaulun melodisia lähteitä ja leviää laajemmassa kaupunkilaispiirissä kehittyen vastaavasti aiheen merkityksessä. kuvallisen sisällön.

Trubaduurien taide on kehittynyt lähes kahden vuosisadan ajan 1100-luvun lopusta lähtien. 1200-luvun jälkipuoliskolla trouverien nimet tunnettiin jo runoilijoina muusikoina Pohjois-Ranskassa, Champagessa, Arrasissa. 1200-luvulla trouverien toiminta kiristyy, kun taas provencelaisten trubaduurien taide päättää historiansa.

Truvers peri jossain määrin trubaduurien luovan perinteen, mutta samalla heidän teoksensa liittyivät selvemmin ei ritarinsa, vaan aikansa kaupunkikulttuuriin. Trubaduurien joukossa oli kuitenkin edustajia erilaisista sosiaalisista piireistä. Ensimmäiset trubaduurit olivat: Guillaume VII, Poitiersin kreivi, Akvitanian herttua (1071 - 1127) ja köyhä Gascon Marcabrune.

Provencen trubaduurit, kuten tiedätte, tekivät yleensä yhteistyötä jonglöörien kanssa, jotka matkustivat heidän kanssaan, esittivät kappaleitaan tai lauloivat, ikään kuin yhdistäisivät palvelijan ja avustajan tehtävät samanaikaisesti. Trubaduuri toimi suojelijana, musiikkikappaleen kirjoittajana ja jonglööri esiintyjänä.

Trubaduurien musiikillisessa ja runollisessa taiteessa erottuu useita runolauluille tyypillisiä lajityyppejä: alba (aamunkoiton laulu), pastelli, sirventa, ristiretkeläisten kappaleet, laulut-vuoropuhelut, valitukset, tanssilaulut. Tämä luettelo ei ole tiukka luokitus. Rakkauden sanoitukset sisältyvät albumeihin, pastellit ja tanssikappaleisiin.

Sirventa ei ole kovin selkeä nimitys. Joka tapauksessa tämä ei ole lyyrinen kappale. Ritarin, soturin, rohkean trubaduurin kasvolta kuulostettuna se voi olla satiirinen, syyttävä, kohdistettu koko luokalle, tiettyihin aikalaisiin tai tapahtumiin. Myöhemmin ilmestyivät balladien ja rondojen tyylilajit.

Kuten erikoistutkimuksen aineiston perusteella voidaan päätellä, trubaduurien taide ei lopulta ole eristetty menneisyyden perinteistä tai muista nykyajan musiikillisen ja runollisen luovuuden muodoista.

Trubaduurien taide toimi tärkeänä yhdistävänä linkkinä Länsi-Euroopan musiikillisten ja runollisten sanoitusten ensimmäisten muotojen, musiikillisen ja jokapäiväisen perinteen ja musiikin luovuuden erittäin ammattimaisten suuntien välillä XIII -. XIV vuosisatoja. Myöhemmät tämän taiteen edustajat itse ovat jo pyrkineet musiikilliseen ammattimaisuuteen, oppineet uuden musiikillisen hallinnan perustan.

Tällainen on Adam de la Hal (1237-1238 - 1287), yksi viimeisistä trouverista, kotoisin Arrasista, ranskalainen runoilija, säveltäjä, näytelmäkirjailija 1200-luvun toisella puoliskolla. Vuodesta 1271 hän palveli kreivi Robert d "Artoisin hovissa, jonka kanssa hän meni Napoliin Sisilian kuninkaan Anjoun Kaarlen luokse Napoliin vuonna 1282. Napolissa ollessaan" Robinin ja Marionin peli "pidettiin. luotu - runoilijan ja säveltäjän suurin ja merkittävin teos.

Tällaiset teokset ovat XU111-luvun ranskalaisen musiikkikomedian syntymän esihistoriaa. ja operetteja 1800-luvulta.

Näytteet trubaduurin taiteesta tulivat Saksaan 1200--13-luvuilla ja herättivät siellä kiinnostunutta huomiota. sanoitukset käännetään saksaksi, jopa kappaleet ovat joskus sävyinä uusilla sanoilla. Saksalaisen minnesangin kehitys paikallisen ritarikulttuurin taiteellisena suoritusmuotona 1200-luvun jälkipuoliskolta (aina 15. vuosisadan alkuun saakka) tekee tämän kiinnostuksen ranskalaisten trubaduurien musiikki- ja runotaiteeseen melko ymmärrettävää varsinkin varhaisten minnesingers.

Minnesingerien taide kehittyi melkein vuosisadan kuluttua trubaduurien taiteesta, hieman erilaisessa historiallisessa ympäristössä maassa, jossa alun perin ei ollut niin vankkaa perustaa uuden, puhtaasti maallisen maailmankuvan muodostumiselle.

Minnesangin suurimmat edustajat olivat Walter von der Vogelweide, runoilija, Parsifalin kirjoittaja Wolfram von Eschenbach. Wagnerin "Tannhäuserin" taustalla oleva legenda perustuu siis historiallisiin tosiasioihin.

Palvelu ja esitykset tuomioistuimissa eivät kuitenkaan missään tapauksessa rajoittuneet saksalaisten minnesingerien toimintaan: merkittävin osa heistä vietti merkittävän osan elämästään kaukaisissa vaelluksissa.

Minnesang-taide ei siis ole niin yksipuolista: se yhdistää erilaisia \u200b\u200btaipumuksia, ja melodinen puoli kokonaisuutena on edistyksellisempi kuin runollinen. Minnesingerien keskuudessa olevien kappaleiden lajityyppi on monin tavoin samanlainen kuin Provencen trubaduurien viljelemät kappaleet: ristiretkeläisten kappaleet, erityyppiset rakkaus-lyyriset kappaleet, tanssikappaleet.

Myös myöhään keskiajan pyhä musiikki kehittyy edelleen. Moniääninen musiikillinen esitys oli laajasti kehitetty.

Aluksi kirkkotaiteelle ominainen moniäänisen kirjoituksen kehitys johti uusien, sekä henkisten että maallisten musiikkilajien lisäämiseen. Laajin polyfonian genre on motetti.

Motet, jolla oli erittäin suuri tulevaisuus, kehittyi erittäin voimakkaasti XIII vuosisadalla. Sen alkuperä juontaa juurensa edelliseen vuosisadalle, jolloin se syntyi Notre Dame -koulun luovien toimien yhteydessä ja sillä oli aluksi liturginen tarkoitus.

1200-luvun motetti on polyfoninen (yleensä kolmiosainen) pala, joka on pieni tai keskikokoinen. Motetin tyylilaji oli aluksi luottaminen valmiiseen melodiseen näytteeseen (kirkon sävelmistä, maallisista kappaleista), johon kerrostettiin muita luonteeltaan ja jopa joskus eri alkuperää olevia ääniä. Tuloksena oli yhdistelmä erilaisia \u200b\u200bmelodioita eri sanoituksilla.

Instrumentit (viels, psalterium, urut) voisivat osallistua tiettyjen motettien esitykseen. Lopulta, 1200-luvulla, erikoinen arjen moniäänisyyden muoto, joka sai nimet rondel, rota, ru (pyörä), sai suosiota. Tämä on vitsikaanoni, jonka keskiaikaiset spielmans tunsivat.

1200-luvun lopulla ranskalainen musiikkitaide oli suurelta osin asettamassa sävyä Länsi-Euroopassa. Trubaduurien ja trouverien musiikillinen ja runollinen kulttuuri sekä tärkeät vaiheet polyfonian kehittymisessä vaikuttivat osittain muiden maiden musiikkitaiteeseen. Musiikkihistoriassa 1200-luku (noin 1230-luvulta) sai nimityksen "Ags antiqua" ("vanha taide").

ARS NOVA RANSKASSA. OVAS MACHOT

Noin 1320, Pariisissa luotiin Philippe de Vitryn teoreettinen teos Ags nova. Nämä sanat - "Uusi taide" - osoittautuivat siivekkeiksi: niistä tuli määritelmä "Ags novan aikakausi", jota edelleen kutsutaan yleisesti XIV-luvun ranskalaiseen musiikkiin. Ilmaisuja "uusi taide", "uusi koulu", "uudet laulajat" kohdattiin usein Philippe de Vitryn aikana, ei vain teoreettisissa teoksissa. Tuivatko teoreetikot uusia suuntauksia vai tuomitsivat ne, onko paavi tuominnut ne, kaikkialla tarkoitettiin jotain uutta musiikkitaiteen kehityksessä, jota ei ollut olemassa ennen kehittyneiden polyfonian muotojen syntymistä.

Ags novan suurin edustaja Ranskassa oli Guillaume de Machaut- aikansa tunnettu runoilija ja säveltäjä, jonka luovaa perintöä tutkitaan myös kirjallisuuden historiassa.

Riippumatta siitä, kuinka monimutkaisesta polyfonisten muotojen kehityksestä tuli XIV-luvulla, trubaduurien ja trouverien tulema musiikki- ja runotaiteen linja ei kadonnut täysin ranskalaisen Ars novan ilmapiirissä. Jos Philippe de Vitry oli ensisijaisesti oppinut muusikko, ja Guillaume de Machautista tuli ranskalaisten runoilijoiden mestariKuitenkin molemmat olivat runoilijoita-muusikoita, eli tässä mielessä he näyttivät jatkavan 1200-luvun trouverien perinteitä. Loppujen lopuksi ei niin kauan aika erottaa Philippe de Vitryn, joka alkoi säveltää musiikkia noin 1313-1314, luovaa toimintaa ja jopa Machautin (1320-1330) toimintaa - Aadamin luovan elämän viimeisistä vuosista. de la Hal (mieli, vuosina 1286 tai 1287).

Guillaume ds Machautin historiallinen rooli on paljon merkittävämpi. Ilman häntä Ranskassa ei olisi lainkaan Ars novaa. Hänen musiikillinen ja runollinen luovuutensa, runsas, alkuperäinen, monilajityyppinen, keskittyi tämän aikakauden pääpiirteisiin. Hänen taiteessaanan, ikään kuin, rivit kerätään, kulkevat toisaalta trubaduurien ja trouverien musiikillisesta ja runollisesta kulttuurista sen pitkäaikaisessa laulupohjassa, toisaalta ranskalaisista polyfoniakouluista X11-X111 vuosisatojen ajan.

Valitettavasti emme tiedä mitään Machautin elämänpolusta vuoteen 1323 saakka. Tiedetään vain, että hän syntyi noin 1300: ssa Machautissa. Hän oli korkeasti koulutettu runoilija, jolla oli laaja oppimiskyky ja todellinen mestari säveltäjänä. Kiistattomasti korkealla lahjakkuudella hänen pitäisi tietysti valmistautua perusteellisesti kirjallisuuteen ja musiikkiin. Ensimmäinen Machautin elämäkertaan liittyvä päivämäärä on 1322-1323, jolloin hänen palveluksensa kuninkaan hovissa alkoi. Virkailija, sitten kuninkaallinen sihteeri). Yli kaksikymmentä vuotta Machaut oli Böömin kuninkaan hovissa, joskus Prahassa, osallistuen sitten jatkuvasti kampanjoihinsa, matkoihinsa, festivaaleihin, metsästyksiin jne. Jan Luxemburgin seurassa hänellä oli mahdollisuus vierailla suuressa Italiassa, Saksassa, Puolassa. Todennäköisesti tämä kaikki antoi Guillaume de Machautille monia vaikutelmia ja rikasti täysin hänen elämänkokemustaan. Böömin kuninkaan kuoleman jälkeen vuonna 1346 hän oli ranskalaisten kuninkaiden Johannes Suuren ja Kaarle V: n palveluksessa ja sai myös kaanonin Reimsin Notre Damen katedraalissa. Tämä vaikutti hänen maineeseensa runoilijana. Machautia arvostettiin suuresti hänen elinaikanaan, ja hänen kuolemansa jälkeen vuonna 1377 hänen aikalaisensa ylistivät häntä upeilla epitaafeilla. Machautilla oli merkittävä vaikutus ranskalaiseen runouteen, hän loi koko koulun, jolle on ominaista hänen kehittämänsä runomuodot.

Machautin musiikillisen ja runollisen luovuuden laajuus ja tyylilajien monenvälinen kehitys, hänen asemansa riippumattomuus, jolla oli voimakas vaikutus ranskalaisiin runoilijoihin, muusikon korkea taito - kaikki tämä tekee hänestä ensimmäisenä tällaisen merkittävän persoonallisuuden musiikkitaiteen historia.

Machautin luova perintö on laaja ja monipuolinen. Hän loi motetteja, balladeja, rondoja, kaanoneja jne.

Machautin jälkeen, kun runoilijat ja muusikot kunnioittivat hänen nimeään ja molemmat jotenkin kokivat vaikutelman, hän ei löytänyt todellisia merkittäviä seuraajia ranskalaisten säveltäjien joukosta. He oppivat paljon hänen kokemuksestaan \u200b\u200bpolyfonistina, hallitsivat hänen tekniikkaansa, jatkoivat samojen tyylilajien viljelyä kuin hän, mutta hienostivat heidän taidettaan jonkin verran, monimutkaistivat yksityiskohtia.

RENESSANSSI

Historioitsijat ovat jo pitkään tunnustaneet renessanssin pysyvän merkityksen Länsi-Euroopan kulttuurille ja taiteelle, ja siitä on tullut yleinen tieto. Renessanssimusiikkia edustaa joukko uusia ja vaikuttavia luovia kouluja, kunniakkaat nimet Francesco Landini Firenzessä 1400-luvulla, Guillaume Dufay ja Johannes Oquegem 1400-luvulla, Josquin Despres 1500-luvun alussa ja galaksi renessanssin seurauksena karun tyylin klassikoita - Palestrina, Orlando Lasso.

Italiassa alkoi uuden aikakauden musiikkitaide XIV-luvulla. Hollantilainen koulu muotoutui ja saavutti ensimmäiset huiput 15. päivään mennessä, minkä jälkeen sen kehitys jatkoi laajentumistaan, ja vaikutus tavalla tai toisella vangitsi muiden kansallisten koulujen päälliköt. Renessanssin merkit ilmenivät selvästi Ranskassa 1500-luvulla, vaikka hänen luovuutensa olivat suuria ja kiistattomia jo edellisinä vuosisatoina. Taiteen nousu Saksassa, Englannissa ja joissakin muissa renessanssin kiertoradalla olevissa maissa on peräisin 1500-luvulta.

Joten Länsi-Euroopan maiden musiikkitaiteessa renessanssin selkeät piirteet näkyvät, vaikkakin epätasaisesti, XIV-XVI-luvuilla. Renessanssin taiteellinen kulttuuri, erityisesti musiikkikulttuuri, ei epäilemättä kääntynyt loppukeskiajan parhaista luovista saavutuksista. Renessanssin aikakauden historiallinen monimutkaisuus juontui siitä, että feodaalijärjestelmä säilyi edelleen melkein kaikkialla Euroopassa, ja yhteiskunnan kehityksessä tapahtui merkittäviä muutoksia, jotka monin tavoin valmistelivat uuden aikakauden alkua. Tämä ilmeni sosioekonomisessa sfäärissä, poliittisessa elämässä, aikakausien - maantieteellisen, tieteellisen, taiteellisen - näköalojen laajentamisessa, kirkon hengellisen diktatuurin voittamisessa, humanismin nousussa, itsetietoisuuden kasvussa henkilö. Merkkejä uudesta maailmankäsityksestä ilmaantui erityisen elävästi ja vakiintui sitten taiteellisessa luomisessa, eri taiteiden progressiivisessa liikkeessä, jolle renessanssin tuoksun tuottanut "mielen vallankumous" oli äärimmäisen tärkeä.

Ei ole epäilystäkään siitä, että humanismi "herätys" -ymmärryksessään sytytti valtavia uusia voimia aikansa taiteeseen, innoitti taiteilijoita etsimään uusia teemoja ja määritteli suurelta osin kuvien luonteen ja teostensa sisällön. Musiikkitaiteelle humanismi merkitsi ensinnäkin syventymistä ihmisen tunteisiin, uuden esteettisen arvon tunnustamista heille. Tämä auttoi tunnistamaan ja toteuttamaan musiikkispesifisyyden vahvimmat ominaisuudet.

Koko aikakaudelle on ominaista selkeä laululajien, etenkin laulupolyfonian, ylivoima. Vasta hyvin hitaasti, vähitellen instrumentaalimusiikki saa jonkin verran itsenäisyyttä, mutta sen suora riippuvuus laulumuodoista ja jokapäiväisistä lähteistä (tanssi, laulu) voitetaan vasta hieman myöhemmin. Suurimmat musiikkilajit liittyvät edelleen sanalliseen tekstiin.

Musiikkitaiteen suuri polku, joka kulki 1400-luvulta 1500-luvun loppuun, ei ollut suinkaan yksinkertainen ja suoraviivainen, aivan kuten koko renessanssin hengellinen kulttuuri ei kehittynyt vain ja yksinomaan nousevaa suoraa linjaa pitkin. Musiikkitaiteella, samoin kuin siihen liittyvillä aloilla, oli oma "goottilainen linja" ja oma vakaa ja sitkeä keskiajan perintö.

Länsi-Euroopan maiden musiikkitaide lähestyi uutta rajaa italialaisen, hollantilaisen, ranskalaisen, saksalaisen, espanjalaisen, englantilaisen ja muiden luovien koulujen monimuotoisuudessa ja ilmaisi samalla selkeästi ilmaistuja yleisiä suuntauksia. Tiukan tyylin klassikko oli jo luotu, eräänlainen polyfonian "harmonisointi" oli käynnissä, liike kohti homofonista kirjoitusta kiristyi, taiteilijan luovan yksilöllisyyden rooli kasvoi, arjen musiikin merkitys ja sen vaikutus korkean tason ammattilaisiin taide vahvistui, maalliset musiikkilajit rikastutettiin ja yksilöitiin kuvaannollisesti (erityisesti italialainen madrigal), nuori instrumentaalimusiikki lähestyi itsenäisyyden kynnystä. 1600-luku otti kaiken tämän suoraan 1500-luvulta renessanssin perintönä.

ARS NOVA ITALIASSA. FRANCZO LANDINI

XIV-luvun italialainen musiikkitaide (Trecento) tuottaa hämmästyttävän kokonaiskuvan tuoreudesta, ikään kuin uuden, vasta nousevan tyylin nuoret. Ars-musiikki on uutta Italiassa, vain houkutteleva ja vahva puhtaasti italialaisen luonteensa ja erojensa suhteen ranskalaiseen taiteeseen. Ars nova Italiassa on jo renessanssin aamunkoitto, sen merkittävä ennakointi. Firenzestä ei sattumalta tullut Arsnovan italialaisten edustajien luovan toiminnan keskus, jonka merkitys oli ensiarvoisen tärkeää uudelle humanistisen suuntautumisen kirjallisuudelle ja - suurelta osin myös kuvataiteelle.

Ars nova -kausi ulottuu 1400-luvulle noin 1920-luvulta 1980-luvulle, ja sitä leimaa ensimmäinen todellinen maallisen musiikillisen luovuuden kukoistus Italiassa. Italialaiselle Ars novaa -lehdelle on tunnusomaista, että maallinen kiistaton ylitys hengellisiin teoksiin. Useimmissa tapauksissa nämä ovat näytteitä musiikillisista sanoituksista tai jonkinlaisista tyylilajikappaleista.

Ars nova -liikkeen keskellä rikkaan ja monipuolisesti lahjakkaan taiteilijan Francesco Landinin hahmo, joka teki voimakkaan vaikutelman johtavista aikalaisista, nousee korkealle.

Landini syntyi Fiesolessa, lähellä Firenzettä, taidemaalarin perheessä. Lapsuudessa syntyneiden isorokojen jälkeen hänestä tuli sokea ikuisesti. Villanin mukaan hän alkoi opiskella musiikkia aikaisin (ensin laulamalla ja sitten soittamalla kieliä ja urkuja). Hänen musiikillinen kehitys eteni hämmästyttävän nopeasti ja hämmästytti ympärillään olevia. Hän loi monien instrumenttien suunnittelussa, teki parannuksia ja keksi uusia malleja. Vuosien varrella Francesco Landini ylitti kaikki nykyaikaiset italialaiset muusikot.

Hän oli erityisen kuuluisa urkujen soittamisesta, josta hänet kruunattiin Petrarkin läsnäollessa laakereilla Venetsiassa vuonna 1364. Nykyaikaiset tutkijat pitävät hänen varhaisia \u200b\u200bteoksiaan vuosina 1365-1370. 1380-luvulla Landinin maine säveltäjänä oli jo peittänyt kaikkien italialaisten aikalaistensa menestykset. Landini kuoli Firenzessä ja on haudattu San Lorenzon kirkkoon; hänen hautakivellään päivämäärä on merkitty: 2. syyskuuta 1397.

Nykyään tunnetaan 154 Landini-sävellystä. Balladit hallitsevat joukossa.

Landinin työ saattaa olennaisesti päätökseen Italian Ars Nova -kauden. Ei ole epäilystäkään siitä, että Landinin taiteen yleinen taso ja hänelle ominaiset ominaisuudet eivät salli häntä pitämään provinssina, primitiivisenä, puhtaasti hedonistisena.

1100-luvun kahden viimeisen vuosikymmenen aikana Italian musiikkitaiteessa on tapahtunut muutoksia, jotka ensin rikkovat Ars novan aseman eheyttä ja johtavat sitten hänen aikakautensa loppuun. XU-luvun taide kuuluu uuteen historialliseen ajanjaksoon.

Keskiajan ammattimainen musiikkikulttuuri liittyy ensisijaisesti kirkkoon eli kulttimusiikin kenttään. Uskonnollisuudesta täynnä taide on kanonista ja dogmaattista, mutta siitä huolimatta se ei ole jäätynyt, se kääntyy maallisesta turhamaisuudesta Herran palvelemisen hylättyyn maailmaan. Kuitenkin tällaisen "ylivertaisen" musiikin ohella esiintyi kansanperinnettä, kiertävien muusikoiden työtä sekä jaloa ritarikulttuuria.

Varhaisen keskiajan henkinen musiikkikulttuuri

Varhaiskeskiajalla ammattimusiikki kuulosti vain heidän kanssaan olevissa katedraaleissa ja laulukouluissa. Länsi-Euroopan keskiajan musiikkikulttuurin keskus oli Italian pääkaupunki - Rooma - juuri se kaupunki, jossa "korkeimmat kirkon viranomaiset" olivat.

Vuosina 590-604 paavi Gregory I toteutti kulttilaulun uudistuksen. Hän järjesti ja keräsi erilaisia \u200b\u200blauluja kokoelmaan "Gregorian Antiphonarius". Gregory I: n ansiosta gregoriaanisen laulun suunta muodostuu Länsi-Euroopan pyhässä musiikissa.

Koraali - tämä on pääsääntöisesti yksiääninen laulu, joka heijastaa Euroopan ja Lähi-idän kansojen vuosisatoja vanhoja perinteitä. Juuri tätä sujuvaa monofonista melodiaa kutsuttiin ohjaamaan seurakuntalaisia \u200b\u200bymmärtämään katolilaisuuden perusta ja yhden tahdon hyväksyminen. Enimmäkseen kuoron esitti kuoro, ja vain joitain osia esittivät solistit.

Gregoriaanisen laulun perusta oli asteittainen liike diatonisten moodien ääniä pitkin, mutta joskus samassa koraalissa esiintyi myös hitaita, ankaria psalmoja ja yksittäisten tavujen melismaattista laulamista.

Tällaisten melodioiden esittämistä ei luotettu kenellekään, koska se vaati laulajilta ammattitaitoista taitoa. Aivan kuten musiikki, latinankielinen laulujen teksti, jota ei voida ymmärtää monille seurakunnan jäsenille, herättää nöyryyttä, irtautumista todellisuudesta ja mietiskelyä. Usein musiikin rytminen järjestely riippui myös riippuvuudesta tekstin seuraamisesta. Gregoriaanista laulua ei voida pitää ihanteellisena musiikkina, se on pikemminkin rukoustekstin laulu.

Massa - keskiajan säveltäjämusiikin päälaji

Katolinen massa - kirkon pääpalvelus. Hän yhdisti sellaisia \u200b\u200bgregoriaanisen laulun tyyppejä:

• antifoninen (kun kaksi kuoroa laulaa vuorotellen);
• reagoiva (laulavat solistit ja kuoro vuorotellen).

Yhteisö osallistui vain yhteisten rukousten laulamiseen.
Myöhemmin, XII vuosisadalla. laulut (psalmit), sekvenssit, tropit ilmestyivät joukkoon. Ne olivat lisätekstejä, joissa oli riimiä (toisin kuin pääkoraali) ja erityinen melodia. Seurakuntalaiset muistivat nämä uskonnolliset riimutut tekstit paljon paremmin. Munkkien mukana laulamalla he vaihtelivat melodiaa, ja kansanelementit alkoivat tunkeutua pyhään musiikkiin ja palvelivat tekijän luovuutena (Notker Zaika ja Tokelon munkki - St.Golene -luostari). Myöhemmin nämä kappaleet syrjäyttivät yleensä psalmodiset osat ja rikastuttivat huomattavasti gregoriaanisen laulun ääntä.

Ensimmäiset esimerkit polyfoniasta ovat peräisin luostareista, kuten organum - liike rinnakkaisissa kvarteissa tai viidesosissa, gimel, fobourdon - liike kuudennessa soinnussa, johtaminen. Tällaisen musiikin edustajia ovat säveltäjät Leonin ja Perotin (Notre Damen katedraali - XII-XIII vuosisatoja).

Keskiajan maallinen musiikkikulttuuri

Keskiajan musiikkikulttuurin maallista puolta edusti: Ranskassa - jonglöörejä, miimejä, minstrelejä , Saksassa - spielmans, Espanjassa - holari, Venäjällä - puskurit... Kaikki he olivat kiertäviä taiteilijoita ja yhdistivät työtään soittamalla instrumentteja, laulamalla, tanssimalla, taikuutta, nukketeatteria, sirkustaidetta.

Toinen maallisen musiikin komponentti oli ritari, ns kohteliaisuuskulttuuri ... Erityisen ritarikoodin muodostaman sanattiin, että jokaisella ritarilla ei pitäisi olla vain rohkeutta ja rohkeutta, vaan myös hienostuneita tapoja, koulutusta ja olla uskollinen kauniille naiselle. Kaikki nämä ritarien elämän näkökohdat heijastuvat teoksessa trubaduurit (Etelä-Ranska - Provence), trouverit (Pohjois-Ranska), minnesingers(Saksa).

Heidän teoksensa esitetään pääasiassa rakkauden sanoituksissa, joista yleisimpiä lajityyppejä olivat canzona (Albs - minnesingerien "Morning Songs"). Trouverit loivat laajalti trubaduurien kokemuksen, luomalla omat tyylilajinsa: "Toukokuun kappaleet", "Kudontalaulut".

Tuomioistuinkulttuurin edustajien tärkein musiikillisten tyylilajien alue oli laulu- ja tanssilajit, kuten rondo, viirele, balladi, sankariseepos. Instrumenttien rooli oli hyvin merkityksetön; se supistui laulujen säveltämiseen esittelyllä, väliintulolla ja jälkisoittimella.

Aikuinen keskiaika XI-XIII vuosisatoja.

Kypsän keskiajan tunnusmerkki on kehitys kansalaiskulttuuri ... Sen painopiste oli kirkkovastaisuus, vapaa ajattelu, yhteys nauruun ja karnevaalinen kansanperinne. Uusia polyfonian tyylilajeja esiintyy: motetti, jolle on ominaista äänien melodinen eroavuus, lisäksi erilaisia \u200b\u200btekstejä lauletaan samanaikaisesti motetissa ja jopa eri kielillä; madrigal on laulu äidinkielellä (italia), kaccha on laulu, jonka teksti kuvaa metsästystä.

Vagants ja Goliards liittyivät 1200-luvulta lähtien kansanmusiikkiin, toisin kuin muut, lukutaitoiset. Yliopistoista tuli keskiajan musiikkikulttuurin kantajia. Koska pyhän musiikin edustajat ovat kehittäneet keskiajan modaalijärjestelmän, niitä alettiin kutsua kirkkotiloiksi (Joonian tila, Liparien tila).

Myös heksakordien oppi esitettiin - tuskailuissa käytettiin vain 6 astetta. Munkki Guido Aretinsky teki täydellisemmän järjestelmän muistiinpanojen tallentamiseen, joka koostui 4 rivin läsnäolosta, joiden välillä oli kolmas suhde ja avainmerkki tai viivojen väri. Hän esitteli myös vaiheiden tavunimen, toisin sanoen portaiden korkeuden alkoi osoittaa kirjainkilvillä.

Ars Nova XIII-XV vuosisatoja

Keskiajan ja renessanssin välinen siirtymäaika oli XIV vuosisata. Tätä ajanjaksoa Ranskassa ja Italiassa kutsuttiin Ars Novaksi eli "uudeksi taiteeksi". On tullut aika uusille taidekokeille. Säveltäjät alkoivat säveltää teoksia, joiden rytmi muuttui paljon monimutkaisemmaksi kuin edelliset (Philippe de Vitry).

Toisin kuin pyhä musiikki, tässä otettiin käyttöön puolisävyt, joiden seurauksena satunnaisia \u200b\u200bnousuja ja laskuja sävyinä alkoi esiintyä, mutta tämä ei ole vielä modulointi. Tällaisten kokeiden tuloksena saatiin mielenkiintoisia, mutta kaukana aina eufoonisia teoksia. Tuon ajan kirkkain kokeellinen muusikko oli Solyazh. Keskiajan musiikkikulttuuri on kehittyneempi antiikin maailman kulttuuriin verrattuna, rajallisista keinoista huolimatta, ja se sisältää edellytykset musiikin kukoistamiselle renessanssissa.