Romantiikkaa eurooppalaisessa maalauksessa -esitys Moskovan taidemuseossa. Yhteenveto: Romantiikka taiteen suuntauksena Romantiikan aikakauden maisemat

suunta

Romantiikka (fr. Romantisme) on ideologinen ja taiteellinen suuntaus 1700-luvun lopun - 1800-luvun ensimmäisen puoliskon kulttuurissa, jolle on ominaista väite yksilön henkisen ja luovan elämän sisäisestä arvosta, kuvasta vahvat (usein kapinalliset) intohimot ja hahmot, hengellinen ja parantava luonne. Se levisi ihmisen toimintaan. 1700-luvulla kaikkea outoa, viehättävää ja kirjoissa esiintyvää, ei todellisuudessa, kutsuttiin romanttiseksi. 1800-luvun alussa romantiikasta tuli uuden suunnan nimitys, vastakohta klassismin ja valaistumisen kanssa.

Syntynyt Saksassa. Romantiikan ennustaja on Tempest ja Onslaught sekä sentimentalismi kirjallisuudessa.

Romantiikka korvaa valaistumisen aikakauden ja osuu samaan aikaan teollisen vallankumouksen kanssa, jota leimaa höyrykone, höyryveturi, höyrylaiva, valokuvaus ja tehtaan laitamien ulkonäkö. Jos valaistumiselle on ominaista järjen kultti ja sen periaatteisiin perustuva sivilisaatio, niin romantiikka väittää ihmisessä luonnon, tunteiden ja luonnollisen kultin. Romantiikan aikakaudella muotoilivat matkailun, vuorikiipeilyn ja piknikin ilmiöt, joiden tarkoituksena oli palauttaa ihmisen ja luonnon yhtenäisyys. Kuva "jalosta villistä", jolla on aseita "kansan viisaudella" ja jota sivilisaatio ei pilaa, on kysytty.

Romanttisuudessa keskeisen ylevän luokan muotoilee Kant julkaisussa Critique of Judgment. Kantin mukaan kauniista on positiivinen ilo, joka ilmaistaan \u200b\u200brauhallisessa mietiskelyssä, ja ylevässä, muodottomassa, loputtomassa on negatiivinen ilo, joka ei aiheuta iloa, vaan hämmästystä ja ymmärrystä. Ylellisen ylistäminen liittyy romantiikan kiinnostukseen pahan kanssa, sen jalostamiseen sekä hyvän ja pahan dialektiikkaan ("Olen osa voimaa, joka haluaa aina pahaa ja tekee aina hyvää").

Valaiseva ajatus edistymisestä ja taipumus hylätä kaikki "vanhentuneet ja vanhentuneet" romantiikka vastustavat kiinnostusta kansanperinteeseen, myytteihin, satuihin, tavallisiin ihmisiin, paluuta juuriin ja luontoon.

Romantiikka vastustaa taipumusta ateismiin uskonnon uudelleen ajattelemiseen. "Todellinen uskonto on äärettömyyden tunne ja maku" (Schleiermacher). Deistinen käsitys Jumalasta korkeimpana syynä vastustaa panteismia ja uskontoa aistillisuuden muodona, elävän Jumalan ajatuksena.

Benedetto Crocen sanoin: "Filosofinen romantiikka nosti sen, mitä joskus kutsutaan epätarkasti intuitioon ja fantasiaan, kylmän järjen, abstraktin älyn vastaisesti." Prof. Jacques Barzen totesi, että romantiikkaa ei voida pitää kapinana järkeä vastaan: se on kapinaa racionalistisia abstraktioita vastaan. Prof. G. Skolimovsky: ”Sydämen logiikan (josta Pascal puhuu niin ilmeikkäästi) tunnustaminen, intuition ja syvemmän elämän tarkoituksen tunnustaminen on yhtä kuin lentokykyisen henkilön ylösnousemus. Romantiikka kapinoi näiden arvojen puolustamiseksi, filistiläisen materialismin, kapean pragmatismin ja mekanistisen empirismin hyökkäystä vastaan.

Filosofisen romantiikan perustajat: Schlegel-veljet (August Wilhelm ja Friedrich), Novalis, Hölderlin, Schleiermacher.

Edustajat: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frédéric Edwin Churchon, Lucy Jones Evr.

Romantiikan kehitys maalauksessa eteni kiivaassa polemiassa klassismin kannattajien kanssa. Romantiikat moittivat edeltäjiään heidän "kylmästä järkevyydestään" ja "elämänliikkeen" puuttumisesta. 1920- ja 1930-luvuilla monien taiteilijoiden teokset erotettiin paatoksesta ja hermostuneesta jännityksestä; niissä oli taipumusta eksoottisiin motiiveihin ja mielikuvituksen leikkiin, joka voi johtaa pois "tylsästä arjesta". Taistelu jäätyneitä klassistisia normeja vastaan \u200b\u200bkesti kauan, melkein puoli vuosisataa. Ensimmäinen, joka onnistui lujittamaan uuden suunnan ja "perustelemaan" romantiikan, oli Theodore Gericault.

Yksi maalauksen romantiikan haaroista on biedermeier-tyyli.

Romantiikka ilmestyi ensimmäisen kerran Saksassa, Jena-koulun kirjailijoiden ja filosofien piirissä (V.G.Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, veljet F. ja A.Schlegel). Romantiikan filosofia järjestelmättiin F.Schlegelin ja F.Schellingin teoksissa

Tämä on osa Wikipedia-artikkelia, joka on lisensoitu CC-BY-SA -lisenssillä. Artikkelin koko teksti on täällä →

1700-luvun lopulla ja 1800-luvun alkupuolella klassismin ja valaistumisen ideat menettivät houkuttelevuutensa ja merkityksensä. Uusi, joka vasteena klassismin kanonisiin menetelmiin ja valaistumisen moraalisiin sosiaaliteorioihin kääntyi ihmiseen, hänen sisäiseen maailmaansa, sai voimaa ja otti mielen haltuunsa. Romantiikka on hyvin yleistä kulttuurielämän ja filosofian kaikilla osa-alueilla. Muusikot, taiteilijat ja kirjailijat yrittivät teoksissaan osoittaa ihmisen korkean kohtalon, rikkaan henkimaailman, tunteiden ja kokemusten syvyyden. Tästä lähtien ihmisestä sisäisellä taistelullaan, hengellisillä etsinnöillä ja kokemuksilla eikä "epäselvillä" yleisen hyvinvoinnin ja vaurauden ajatuksilla on tullut hallitseva teema taideteoksissa.

Romantiikka maalauksessa

Maalarit välittävät ideoiden syvyyden ja henkilökohtaiset kokemuksensa luotujen avulla sävellyksen, värin, aksenttien avulla. Eri Euroopan mailla oli omat erityispiirteensä romanttisten kuvien tulkinnassa. Tämä johtuu filosofisista suuntauksista sekä sosiaalipoliittisesta tilanteesta, johon taide oli elävä vastaus. Maalaus ei ollut poikkeus. Hajaantuneena pieniksi ruhtinaskunniksi ja herttuakunniksi Saksa ei kokenut vakavia yhteiskunnallisia mullistuksia, taiteilijat eivät luoneet monumentaalisia kankaita, jotka kuvaavat titaanisankareita, täällä mielenkiinto oli ihmisen syvä hengellinen maailma, hänen kauneutensa ja suuruutensa, moraalinen pyrkimyksensä. Siksi saksalaisen maalauksen romantiikka on edustettuna täysimittaisesti muotokuvissa ja maisemissa. Otto Rungen teokset ovat klassisia esimerkkejä tästä tyylilajista. Maalarin tekemissä muotokuvissa välitetään hienovaraisesti kasvojen piirteet, silmät, valon ja varjon kontrastin kautta taiteilijan halu osoittaa ristiriitainen persoonallisuus, sen voima ja tunteen syvyys. Maiseman kautta, joka on hieman fantastinen, liioiteltu kuva puista, kukista ja linnuista, taiteilija yritti myös löytää ihmisen persoonallisuuden monimuotoisuuden, sen samankaltaisuuden luontoon, monipuolisen ja tuntemattoman. Silmiinpistävä romantiikan edustaja maalauksessa oli maisemamaalari KD Friedrich, joka korosti luonnon voimaa ja voimaa, vuoristoisia, merimaisemia, sopusoinnussa ihmisen kanssa.

Romantiikka ranskalaisessa maalauksessa kehittyi eri periaatteiden mukaisesti. Vallankumoukselliset mullistukset ja myrskyinen sosiaalinen elämä ilmenivät maalauksessa taiteilijoiden vetovoimalla kohti historiallisten ja upeiden aiheiden esittämistä, jossa oli paatosta ja "hermostunutta" jännitystä, joka saavutettiin kirkkaalla värikontrastilla, liikkeiden ilmaisulla, jonkin verran kaaoksella, spontaanilla sävellyksellä. Täysin ja elävästi romanttisimmat ideat esitetään T. Gericaultin, E. Delacroix'n teoksissa. Taiteilijat käyttivät taitavasti värejä ja valoa luoden sykkivän tunteiden syvyyden, ylevän impulssin taistelulle ja vapaudelle.

Romantiikka venäläisessä maalauksessa

Venäjän sosiaalinen ajattelu reagoi erittäin elävästi uusiin suuntauksiin ja suuntauksiin Euroopassa. ja sitten sota Napoleonin kanssa - ne merkittävät historialliset tapahtumat, jotka vaikuttivat vakavimmin venäläisen älymystön filosofisiin ja kulttuurisiin tutkimuksiin. Venäläisen maalauksen romantiikka oli edustettuna kolmessa päämaisemassa, monumentaalisessa taiteessa, jossa klassismin vaikutus oli erittäin voimakas, ja romanttiset ideat olivat tiiviisti sidoksissa akateemisten kaanonien kanssa.

1800-luvun alussa kiinnitettiin yhä enemmän huomiota luovien älymystöjen, Venäjän runoilijoiden ja taiteilijoiden sekä tavallisten ihmisten ja talonpoikien kuvaamiseen. Kiprensky, Tropinin, Bryullov yrittivät suurella rakkaudella näyttää kaiken persoonallisuuden syvyyden ja kauneuden yhdellä silmäyksellä, pään käännöksellä, puvun yksityiskohdilla, jotta he voisivat välittää henkisen etsinnän, malliensa vapautta rakastavan luonteen ". Suuri kiinnostus ihmisen persoonallisuuteen, sen keskeinen paikka taiteessa edisti omakuvan tyylilajin kukoistamista. Lisäksi taiteilijat eivät maalanneet omakuvia tilauksesta, se oli luova impulssi, eräänlainen itseraportti aikalaisille.

Romanttisten teosten maisemat erotettiin myös omaperäisyydeltään. Romantiikka maalauksessa heijastaa ja välittää ihmisen mielialaa, maiseman oli oltava sopusoinnussa hänen kanssaan. Siksi taiteilijat yrittivät näyttää luonnon kapinallisen luonteen, sen voiman ja spontaanisuuden. Orlovsky, Shchedrin, joka kuvaa merielementtiä, mahtavia puita, vuorijonoja, toisaalta välitti todellisten maisemien kauneuden ja monivärisen, toisaalta ne loivat tietyn emotionaalisen tunnelman.

Ivan Konstantinovich Aivazovsky “Meri. Aurinkoinen päivä »Yksityiskokoelma Romantiikkaa

John Constable "Syksyn marjat ja kukat ruskeassa ruukussa" -romantiikka

Thomas Sully "Miss Maryn ja Emily McEwenin muotokuva", 1823 Los Angeles County Museum of Art, USA Romantiikka

William Mo Eagley "Aivan kun oksa taipuu, puu kallistuu", 1861 Philadelphian taidemuseo, USA Romantiikka Maalaus on nimetty sananlaskun mukaan "Aivan kuten oksa taipuu, puu taipuu". Analoginen venäjäksi "Mihin puu oli menossa, se kaatui."

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Näkymä Teflisiin Seyd-Abadista", 1868 Armenian kansallisgalleria. Seid-Abadista puhuttaessa ei voida jättää koskematta kuuluisan Abanotubani - Banny -korttelin historiaa. Sillä oli useita nimiä. On legenda, jonka mukaan tietty pashalyk-pakolainen, jolla on kylmä, on ...

Karl Pavlovich Bryullov "Rauhallisimman prinsessan Elizabeth Pavlovna Saltykovan muotokuva", 1841 Venäjän museo, Pietarin romantiikka Prinsessa on kuvattu istumassa nojatuolissa tilansa terassilla. Tässä lyyrisillä sielukkailla muistiinpanoilla täytetyssä kankaassa Bryullov loi runollisen kuvan sankaritaristaan. Elizaveta Pavlovna Saltykova (os Stroganova), hyväntekeväisyystekijä ja merkittävä teollisuusmies Kreivi Stroganovin tytär. Bryullovia houkuttelivat aina aatelisperheiden naiset ...

Remy-Furcy Descarsen "Muotokuva dr. De S.: stä, joka pelaa shakkia kuoleman kanssa", 1793 Ranskan vallankumouksen museo, Vizius, Ranska. Romantiikka Maalauksen piirustuksen perusteella taiteilija maalasi kankaan vuonna 1793, vähän ennen kuolemaansa (taiteilija teloitettiin myötätuntoa vastavallankumouksesta) ja on hänen viimeinen teoksensa. Pitkästä aikaa kuva pidettiin yksityisissä kokoelmissa ja se ...

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Sumuinen aamu Italiassa", 1864 Feodosian taidegalleria nimetty I.K. Aivazovsky, Feodosia-romantiikka Vuonna 1840 Aivazovsky meni Italiaan. Siellä hän tutustuu venäläisen kirjallisuuden, taiteen, tieteen merkittäviin henkilöihin - Gogoliin, Aleksanteri Ivanoviin, Botkiniin, Panaeviin. Samaan aikaan, vuonna 1841, taiteilija muutti sukunimensä Aivazovskiksi. Taiteilijan toiminta kohteessa ...

Joshua Reynolds "Muotokuva Waldgrave-sisarista", Skotlannin kansallisgalleria 1780, Edinburgh Romantiikka Waldgrave-sisarten muotokuvaa varten Reynolds valitsi englanninkieliseen maalaukseen perinteisen "keskustelevan maalauksen" tyylilajin. Hän kuvasi heitä istumaan pöydän ympärillä ja tekemässä käsityötä. Mutta hänen esityksessään jokapäiväinen kohtaus menettää rutiininsa. Hän pyrkii nostamaan sankaritarinsa arjen yläpuolelle. Naiset, jotka ovat täynnä nuorekasta charmia, on pukeutunut ...

Esityksessä tutustutaan romantismin aikakauden Ranskan, Saksan, Espanjan ja Englannin merkittävien maalareiden työhön.

Romantiikka eurooppalaisessa maalauksessa

Romantiikka on suuntaus henkisessä kulttuurissa 1800-luvun lopulla - 1800-luvun ensimmäisellä kolmanneksella. Syynä sen esiintymiseen oli pettymys Ranskan vallankumouksen tuloksiin. Vallankumouksen motto on "Vapaus, tasa-arvo, veljeys!" osoittautui utopistiseksi. Vallankumousta ja synkää reaktiota seurannut Napoleonin eepos aiheutti pettyneisyyttä elämässä ja pessimismiä. Uusi muodikas sairaus "World Sorrow" levisi nopeasti Eurooppaan, ja ilmestyi uusi sankari, joka kaipasi, vaelsi ympäri maailmaa etsimään ihannetta ja useammin kuolemaa.

Romanttisen taiteen sisältö

Synkän reaktion aikakaudella englantilaisesta runoilijasta George Byronista tuli ajatuksen mestari. Sen sankari Childe Harold on synkkä ajattelija, jota kiusaa ikävä, vaeltaa ympäri maailmaa etsimään kuolemaa ja erossa elämästä ilman mitään katumusta. Lukijani ovat varmasti muistaneet Oneginin, Pechorinin, Mihail Lermontovin. Tärkein asia, joka erottaa romanttisen sankarin, on harmaan arjen ehdoton hylkääminen. Romanttinen ja tavallinen ihminen ovat antagonisteja.

"Voi, anna minun vuotaa verta,

Mutta anna minulle tilaa pian.

Pelkään tukehtua täällä

Hucksterien kirotussa maailmassa ...

Ei, paha pahe on parempi

Ryöstö, väkivalta, ryöstö,

Kuin kirjanpitomoraali

Ja hyvin ruokittujen kasvojen hyve.

Hei pilvi vie minut pois

Ota mukaasi pitkä matka

Lappiin tai Afrikkaan

Tai ainakin Stettiniin - jonnekin! "

G. Heine

Pako raivokkaasta jokapäiväisestä elämästä tulee romantismin taiteen pääsisältö. Missä romanttinen voi "karata" rutiinista ja tylsyydestä? Jos sinä, rakas lukija, olet sydämeltään romanttinen, voit helposti vastata tähän kysymykseen. Ensiksi, kaukaisesta menneisyydestä tulee houkutteleva sankarillemme, useimmiten keskiajalla jaloilla ritarillaan, turnauksillaan, salaperäisillä linnoillaan, kauniilla naisilla. Keskiaika idealisoitiin ja kirkastettiin Walter Scottin, Victor Hugon romaaneissa, saksalaisten ja englantilaisten runoilijoiden runoissa, Weberin, Meyerbeerin, Wagnerin oopperoissa. Vuonna 1764 julkaistiin Walpolen Otranton linna, ensimmäinen englantilainen "goottilainen" kauhuromaani. Saksassa 1800-luvun alussa Ernest Hoffmann kirjoitti "Paholaisen eliksiirin", muuten, kehotan sinua lukemaan sen. toiseksi, puhtaan kaunokirjallisuuden alueesta, fiktiivisen, fantastisen maailman luomisesta, tuli hieno tilaisuus romanttiselle "paeta". Muista Hoffmann, hänen "Pähkinänsärkijä", "Pikku Tsakhes", "Kultainen ruukku". On selvää, miksi Tolkienin romaanit ja tarinat Harry Potterista ovat niin suosittuja aikanamme. Romantiikkaa on aina! Se on mielentila, eikö olekin?

Kolmas tapa romanttisen sankarin lähtö todellisuudesta - lento eksoottisiin maihin, joita sivilisaatio ei koskenut. Tämä polku johti tarpeeseen tutkia systemaattisesti kansanperinnettä. Romantiikan taiteen perustan muodostivat balladit, legendat, eepot. Kirjallisuuteen liittyy monia romanttisen visuaalisen ja musiikkitaiteen teoksia. Shakespeare, Cervantes, Dante tulevat jälleen ajatuksen mestareiksi.

Romantiikka kuvataiteessa

Jokaisessa maassa romantiikkataide sai omat kansalliset piirteensä, mutta samalla kaikilla heidän teoksillaan on paljon yhteistä. Kaikkia romanttisia taiteilijoita yhdistää erityinen suhde luontoon. Maisema, toisin kuin klassismin teokset, jossa se toimi vain koristeena, taustana, romantikkojen hankkii sielun. Maisema auttaa korostamaan sankarin tilaa. On hyödyllistä vertailla eurooppalainen romantiikan visuaalinen taide taiteen ja.

Romanttinen taide pitää mieluummin yömaisemaa, hautausmaita, harmaita sumuja, villikiviä, muinaisten linnojen ja luostarien raunioita. Erityinen suhtautuminen luontoon vaikutti kuuluisien englantilaisten maisemapuistojen syntyyn (muista säännölliset ranskalaiset puistot, joissa on suorat kujet, koristetut pensaat ja puut). Menneisyyden tarinat ja legendat ovat usein maalausten aiheita.

Esitys "Romantiikka Euroopan kuvataiteessa" sisältää suuren määrän piirroksia, jotka esittävät Ranskan, Espanjan, Saksan, Englannin merkittävien romanttisten taiteilijoiden töitä.

Jos aihe kiinnostaa sinua, ehkä sinä, rakas lukija, olet kiinnostunut lukemaan artikkelin materiaalin " Romantiikka: intohimoinen luonto " Artive-verkkosivustolla.

Löysin suurimman osan kuvista erinomaisella laadulla sivustosta Gallerix.ru... Niille, jotka haluavat syventyä aiheeseen, kehotan sinua lukemaan:

• Tietosanakirja lapsille. T.7. Taide. - M.: Avanta +, 2000.
• Beckett V. Maalauksen historia. - M.: OOO Astrel -kirjasto: OOO AST-kustantamo, 2003.
• Hyviä taiteilijoita. Osa 24. Francisco Jose de Goya y Lucientes. - M.: Kustantamo "Direct-Media", 2010.
• Hyviä taiteilijoita. Osa 32. Eugene Delacroix. - M.: Kustantamo "Direct-Media", 2010
• Dmitrieva N.A. Lyhyt taiteen historia. Numero III: XIX vuosisadan Länsi-Euroopan maat; XIX vuosisadan Venäjä. - M.: Taide, 1992
• Emohonova L.G. Maailman taidekulttuuri: oppikirja. Opas opiskelijoille. keskiviikko ped. tutkimus. laitokset. - M.: Publishing Center "Academy", 1998.
• Lukicheva K.L. Maalauksen historia mestariteoksissa. - Moskova: Astra-Media, 2007.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova Maailman taidekulttuuri. XIX vuosisata. - SPb.: Peter, 2007.
• Mini-tietosanakirja. Esirafaelismi. - Vilna: VAB "BESTIARY", 2013.
• Samin D.K. Sata suurta taiteilijaa. - M.: Veche, 2004.
• Freeman J. Taiteen historia. - M.: "Astrel Publishing House", 2003.

Onnea!

Koe-essee

Aihe: "Romantiikka taiteen suuntauksena".

Suoritettu opiskelija 11 "B" -luokan koulu №3

Boyprav Anna

Maailman taiteen lehtori

kulttuuri Butsu T.N.

brest 2002

1. Johdanto

2. Syyt romantiikan syntymiseen

3. Romantiikan pääpiirteet

4. Romanttinen sankari

5. Romantiikka Venäjällä

a) Kirjallisuus

b) Maalaus

c) Musiikki

6. Länsi-Euroopan romantiikka

maalaus

b) Musiikki

7. Päätelmä

8. Viitteet

1. ESITTELY

Jos katsot venäjän kielen selittävää sanakirjaa, löydät useita sanan "romantiikka" merkityksiä: 1. 1800-luvun ensimmäisen neljänneksen kirjallisuuden ja taiteen suuntaus, jolle on ominaista menneisyyden idealisointi, eristyneisyys todellisuus, persoonallisuuden ja ihmisen kultti. 2. Kirjallisuuden ja taiteen suuntaus, joka on täynnä optimismia ja halua näyttää eloisissa kuvissa henkilön korkea tarkoitus. 3. Todellisuuden idealisoinnista kyllästynyt mieliala, unelmoiva mietiskely.

Kuten määritelmästä voidaan nähdä, romantiikka on ilmiö, joka ilmenee paitsi taiteessa myös ihmisten käyttäytymisessä, pukeutumisessa, elämäntavassa, psykologiassa ja joka syntyy elämän käännekohdissa, joten romantiikan teema on ajankohtainen tänään. Elämme vuosisadan vaihteessa, olemme siirtymävaiheessa. Tältä osin yhteiskunnassa puuttuu usko tulevaisuuteen, epäluottamus ihanteisiin, halu halutaan paeta ympäröivästä todellisuudesta omien kokemusten maailmaan ja samalla ymmärtää se. Nämä piirteet ovat tyypillisiä romanttiselle taiteelle. Siksi valitsin tutkimukseen aiheen “Romantiikka taiteen suuntaan”.

Romantiikka on erittäin suuri kerros erityyppistä taidetta. Työn tarkoituksena on jäljittää alkuperän olosuhteet ja syyt romantismin syntymälle eri maissa, tutkia romantiikan kehitystä taiteen muissa muodoissa kuten kirjallisuudessa, maalauksessa ja musiikissa sekä verrata niitä. Minun päätehtävänä oli tuoda esiin kaikentyyppisille taiteille ominaiset romantiikan pääpiirteet, määrittää, mikä vaikutus romantiikalla oli muiden taiteen suuntausten kehitykseen.

Aihetta kehitettäessä käytin Filimonovan, Vorotnikovin ja muiden tekijöiden taiteen oppikirjoja, tietosanakirjoja, romantiikan aikakauden kirjailijoille omistettuja monografioita, Aminskayan, Atsarkinan, Nekrasovin jne.

2. ROMAANIN SYYT

Mitä lähempänä nykyaikaa olemme, sitä lyhyemmät ajanjaksot yhden tai toisen tyylin hallitsemiselle tulevat. Aikajakso 1800-luvun 18. – 1. Kolmanneksen lopusta. pidetään romantiikan aikakautena (ranskalaisesta romantiikasta; jotain salaperäistä, outoa, epärealistista)

Mikä vaikutti uuden tyylin syntymiseen?

Nämä ovat kolme päätapahtumaa: suuri Ranskan vallankumous, Napoleonin sodat, kansallisen vapautusliikkeen nousu Euroopassa.

Pariisin ukkosen ääni toistui kaikkialla Euroopassa. Iskulause "Vapaus, tasa-arvo, veljeys!" Omisti valtavan houkuttelevan voiman kaikille eurooppalaisille. Porvarillisten yhteiskuntien muodostuessa työväenluokka alkoi toimia feodaalijärjestystä vastaan \u200b\u200bitsenäisenä voimana. Kolmen luokan - aateliston, porvariston ja proletariaatin - vastakkainen taistelu muodosti perustan 1800-luvun historialliselle kehitykselle.

Napoleonin kohtalo ja hänen roolinsa Euroopan historiassa kahden vuosikymmenen ajan, 1796-1815, harjoittivat hänen aikalaistensa mieltä. "Ajatusten hallitsija" - sanoi A.S. Pushkin.

Ranskalle nämä olivat suuruuden ja kunnian vuosia, tosin tuhansien ranskalaisten hengen kustannuksella. Italia näki Napoleonin vapauttajana. Puolalaiset loivat häneen suuria toiveita.

Napoleon toimi valloittajana, joka toimi Ranskan porvariston etujen mukaisesti. Euroopan hallitsijoille hän ei ollut vain sotilaallinen vihollinen, vaan myös porvariston muukalaismaailman edustaja. He vihasivat häntä. Napoleonin sotien alussa hänen "Suuressa armeijassa" vallankumouksessa oli paljon suoria osallistujia.

Napoleonin itsensä persoonallisuus oli ilmiömäinen. Nuori mies Lermontov vastasi Napoleonin kuoleman kymmenvuotispäivään:

Hän on muukalainen maailmalle. Kaikki hänessä oli salaa

Nousupäivä - ja tunti laskua!

Tämä salaisuus herätti romantikkojen huomion.

Napoleonin sotien ja kansallisen itsetietoisuuden kypsymisen yhteydessä tälle ajanjaksolle oli ominaista kansallisen vapautusliikkeen nousu. Saksa, Itävalta, Espanja taistelivat Napoleonin miehitystä vastaan, Italia - Itävallan ikettä vastaan, Kreikka - Turkkia vastaan, Puolassa - Venäjän tsaaria vastaan, Irlanti - Ison-Britanniaa vastaan.

Yksi sukupolvi koki hämmästyttävän muutoksen.

Ranska näki ennen kaikkea: Ranskan vallankumouksen myrskyiset viisi vuotta, Robespierren nousu ja kaatuminen, Napoleonin kampanjat, Napoleonin ensimmäinen hylkääminen, paluu Elban saarelta ("sata päivää") ja viimeinen

tappio Waterloon, palautusjärjestelmän synkkä 15. vuosipäivä, vuoden 1860 heinäkuun vallankumous, Pariisin vuoden 1848 helmikuun vallankumous, joka laukaisi vallankumouksellisen aallon muissa maissa.

Englannissa teollisen vallankumouksen seurauksena 1800-luvun toisella puoliskolla. konetuotanto ja kapitalistiset suhteet solmittiin. Vuonna 1832 toteutettu parlamentaarinen uudistus raivasi porvariston polun valtion valtaan.

Feodaaliset hallitsijat säilyttivät vallan Saksan ja Itävallan maissa. Napoleonin kaatumisen jälkeen he kohtasivat ankarasti oppositiota. Mutta jopa Saksan maaperällä Englannista vuonna 1831 tuotu höyryveturi muuttui porvarillisen edistyksen tekijäksi.

Teolliset vallankumoukset, poliittiset vallankumoukset muuttivat Euroopan kasvot. "Porvaristo on alle sata vuotta luokkasääntönsä aikana luonut lukuisia ja grandioottisia tuotantovoimia kuin kaikki edelliset sukupolvet yhteensä", kirjoittivat saksalaiset tutkijat Marx ja Engels vuonna 1848.

Joten, suuri Ranskan vallankumous (1789-1794) merkitsi erityistä virstanpylvästä, joka erottaa uuden aikakauden valaistumisen aikakaudesta. Muutti paitsi valtion muotoja, yhteiskunnan sosiaalista rakennetta, luokkakokoonpanoa. Koko vuosisatojen ajan valaistu esitysjärjestelmä tärisi. Valaistajat valmistivat vallankumouksen ideologisesti. Mutta he eivät voineet ennakoida kaikkia sen seurauksia. "Järjen valtakuntaa" ei tapahtunut. Vallankumous, joka julisti yksilön vapauden, sai aikaan porvarillisen järjestyksen, hankinnan ja itsekkyyden hengen. Tämä oli historiallinen perusta taiteellisen kulttuurin kehitykselle, joka esitti uuden suunnan - romantiikan.

3. ROMANSSIN PÄÄOMINAISUUDET

Romantiikka menetelmänä ja suuntauksena taiteellisessa kulttuurissa oli monimutkainen ja ristiriitainen ilmiö. Kaikissa maissa hänellä oli elävä kansallinen ilmaisu. Kirjallisuudessa, musiikissa, maalauksessa ja teatterissa ei ole helppoa löytää ominaisuuksia, jotka yhdistävät Chateaubriandin ja Delacroixin, Mickiewiczin ja Chopinin, Lermontovin ja Kiprenskin.

Romantiikilla oli yhteiskunnassa erilaisia \u200b\u200bsosiaalisia ja poliittisia asemia. He kaikki kapinoivat porvarillisen vallankumouksen tuloksia vastaan, mutta kapinoivat eri tavoin, koska kullakin oli oma ideaalinsa. Mutta kaikesta monipuolisuudesta ja monimuotoisuudesta romantismilla on vakaat piirteet.

Pettymys modernisuudessa synnytti erikoisuuden kiinnostus menneisyyteen : ennen porvarillisia sosiaalisia muodostelmia, patriarkaaliseen antiikkiin. Monille romantikoille oli ominaista ajatus, että etelä- ja itämaiden - Italian, Espanjan, Kreikan, Turkin - viehättävä eksoottisuus on runollista vastakohtaa tylsälle porvarilliselle arjelle. Näissä maissa, joissa sivilisaatio oli vielä vähän vaikutusta, romantikot etsivät kirkkaita, vahvoja hahmoja, omaperäistä ja värikkäitä elämäntapoja. Kiinnostus kansallista menneisyyttä kohtaan synnytti paljon historiallisia teoksia.

Pyrittäessä nousemaan elämän proosan yläpuolelle, vapauttamaan yksilön erilaiset kyvyt, maksimoimaan itsensä luovuudessa, romantikot vastustivat taiteen virallistamista ja siihen suoraviivaisesti harkittua lähestymistapaa. klassismi. Ne kaikki ovat kotoisin valaistumisen ja klassismin rationaalisten kaanonien kieltäminen, mikä hillitsi taiteilijan luovaa aloitetta. Ja jos klassismi jakaa kaiken suorana, huonoksi ja hyväksi, mustaksi ja valkoiseksi, niin romantiikka ei jaa mitään suorana. Klassismi on järjestelmä, mutta romantiikka ei. Romantiikka ajaa modernin ajan etenemistä klassismista sentimentalismiin, mikä osoittaa ihmisen sisäisen elämän sopusoinnussa suuren maailman kanssa. Ja romantiikka vastustaa harmoniaa sisämaailmaan. Romantiikan avulla todellinen psykologia alkaa näkyä.

Romantiikan päätehtävä oli kuva sisämaailmasta , henkinen elämä, ja tämä voitaisiin tehdä tarinoiden, mystiikan jne. perusteella. Oli välttämätöntä osoittaa tämän sisäisen elämän paradoksi, sen irrationaalisuus.

Mielikuvituksessaan romantikot muuttivat ruma todellisuuden tai menivät kokemustensa maailmaan. Unen ja todellisuuden välinen kuilu, kauniin kaunokirjallisuuden vastustaminen objektiiviseen todellisuuteen, oli koko romanttisen liikkeen ytimessä.

Ensimmäistä kertaa romantiikka aiheuttaa taidekielen ongelman. ”Taide on täysin erilaista kieltä kuin luonto; mutta se sisältää myös saman ihmeellisen voiman, joka yhtä salaa ja käsittämättömästi vaikuttaa ihmisen sieluun ”(Wackenroder ja Thicke). Taiteilija on luonnon kielen tulkki, välittäjä henkimaailman ja ihmisten välillä. ”Taiteilijoiden ansiosta ihmiskunta nousee yhtenä kokonaisuutena. Nykyajan kautta taiteilijat yhdistävät menneen maailman tulevaan maailmaan. Ne ovat korkein hengellinen elin, jossa heidän ulomman ihmiskuntansa elintärkeät voimat kohtaavat toisiaan ja jossa sisäinen ihmiskunta ilmenee ennen kaikkea ”(F. Schlegel).

Romantiikka ei kuitenkaan ollut homogeeninen suuntaus: sen ideologinen kehitys eteni eri suuntiin. Romantiikkojen joukossa oli taantumuksellisia kirjoittajia, vanhan hallinnon kannattajia, jotka ylistivät feodaalimonarkiaa ja kristinuskoa. Toisaalta progressiivisen näkemyksen omaavat romantikot ilmaisivat demokraattisen protestin feodaalia ja kaikenlaista sortoa vastaan, ilmentivät ihmisten vallankumouksellista impulssia parempaan tulevaisuuteen.

Romantiikka jätti koko aikakauden maailman taidekulttuuriin, sen edustajia olivat: V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mitskevich ja muut; E. Delacroix'n, T. Gericaultin, F. Rungen, J. Constable'n, W. Turnerin, O. Kiprenskin ja muiden kuvataiteessa; musiikissa F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. List, F. Chopin ja muut. He löysivät ja kehittivät uusia tyylilajeja, kiinnittivät tarkasti huomiota ihmisen kohtaloon, paljastivat hyvä ja paha, mestarillisesti paljastetut ihmisten intohimot jne.

Taidemuodot ovat merkitykseltään enemmän tai vähemmän tasaantuneet ja tuottaneet upeita taideteoksia, vaikka taiteiden tikkaat romantiikat pitivätkin musiikkia etusijalla.

4. Romanttinen sankari

Kuka on romanttinen sankari ja millainen hän on?

Tämä on individualisti. Supermies, joka on elänyt kahdessa vaiheessa: ennen törmäämistä todellisuuteen, hän elää "vaaleanpunaisessa" tilassa, häntä vallitsee halu saavuttaa, muuttaa maailmaa; todellisuuden kohtaamisen jälkeen hän pitää tätä maailmaa edelleen mautonta ja tylsää, mutta hänestä ei tule skeptistä, pessimistiä. Kun ymmärretään selvästi, ettei mitään voida muuttaa, sankarihimo syntyy uudestaan \u200b\u200bvaarojen haluksi.

Romantiikat voisivat antaa ikuisen pysyvän arvon jokaiselle pienelle asialle, jokaiselle konkreettiselle tosiasialle, kaikelle, mikä on ainutkertaista. Joseph de Maistre kutsuu sitä "Providencein teiksi", Germain de Stael - "kuolemattoman maailmankaikkeuden hedelmälliseksi kohduksi". Chateaubriand The Genius of Christianity -kirjassa, joka on omistettu historialle, viittaa suoraan Jumalaan historiallisen ajan alkuun. Yhteiskunta näkyy horjumattomana siteenä, "elämän säikeenä, joka yhdistää meidät esi-isiemme kanssa ja jonka meidän on ulotettava jälkeläisiin. Vain ihmisen sydän, ei hänen mielensä, voi ymmärtää ja kuulla Luojan äänen luonnon kauneuden, syvien tunteiden kautta. Luonto on jumalallinen, se on harmonian ja luovan voiman lähde, romanttikot siirtävät sen metaforat usein poliittiseen sanastoon. Romantiikoille puusta tulee klaanin symboli, spontaani kehitys, käsitys alkuperämaan mehuista, kansallisen yhtenäisyyden symboli. Mitä viattomampi ja herkempi ihmisen luonne on, sitä helpommin hän kuulee Jumalan äänen. Lapsi, nainen, jalo nuori havaitsee muita useammin sielun kuolemattomuuden ja iankaikkisen elämän arvon. Romantiikkien jano autuudelle ei rajoitu idealistiseen pyrkimykseen Jumalan valtakuntaan kuoleman jälkeen.

Mystisen rakkauden Jumalaan lisäksi ihminen tarvitsee todellista, maallista rakkautta. Koska romanttisesta sankarista ei voi olla intohimonsa kohteena, hänestä tuli ikuinen marttyyri, tuomittu odottamaan tapaamista rakkaansa kanssa kuolemanjälkeisessä elämässä, "sillä suuri rakkaus on kuolemattomuuden arvoinen, kun se maksoi ihmiselle henkensä".

Erityinen paikka romantikkojen työssä on yksilön kehitys- ja koulutusongelma. Lapsuudelta puuttuu lakeja, sen välittömät impulssit rikkovat julkista moraalia ja noudattavat omia lapsen pelisääntöjään. Aikuisella samanlaiset reaktiot johtavat kuolemaan, sielun tuomitsemiseen. Etsimään taivaallista valtakuntaa ihmisen on ymmärrettävä velvollisuuden ja moraalin lait, vasta sitten hän voi toivoa iankaikkista elämää. Koska velvollisuuden sanelee romantikkojen halu saada ikuinen elämä, velvollisuuden täyttäminen antaa henkilökohtaista onnellisuutta sen syvimmässä ja vahvimmassa ilmenemismuodossa. Moraaliseen velvollisuuteen lisätään syvien tunteiden ja korkeiden etujen velvollisuus. Sekoittamatta eri sukupuolten ansioita romanttiset kannattavat miesten ja naisten tasa-arvoa hengellisessä kehityksessä. Samalla tavalla kansalaisvelvollisuuden sanelee rakkaus Jumalaa ja hänen instituutioitaan kohtaan. Henkilökohtainen pyrkimys saadaan päätökseen yhteisestä syystä, koko kansan, koko ihmiskunnan, koko maailman pyrkimyksestä.

Jokaisella kulttuurilla on ollut oma romanttinen sankari, mutta Byronin Charles Harold on esittänyt tyypillisen kuvan romanttisesta sankarista. Hän pukeutui sankarinsa naamioon (sanoo, että sankarin ja kirjoittajan välillä ei ole etäisyyttä) ja onnistui noudattamaan romanttista kaanonia.

Kaikki romanttiset teokset erotetaan ominaispiirteillä:

Ensinnäkin jokaisessa romanttisessa teoksessa sankarin ja kirjoittajan välillä ei ole etäisyyttä.

Toiseksi sankarin kirjoittaja ei tuomitse, mutta vaikka hänestä sanotaan jotain pahaa, juoni on rakennettu niin, ettei sankari ole syyllinen. Romanttisen teoksen juoni on yleensä romanttinen. Romantiikat rakentavat myös erityisen suhteen luontoon, he pitävät myrskyistä, ukkosta, katastrofeista.

5. ROMANTTI VENÄJÄLLÄ.

Venäjän romantiikka poikkesi Länsi-Euroopasta erilaisten historiallisten olosuhteiden ja kulttuuriperinteen vuoksi. Ranskan vallankumousta ei voida pitää syynä sen esiintymiseen, koska hyvin kapea joukko ihmisiä toi toivonsa muutoksista sen aikana. Ja vallankumouksen tulokset pettivät siinä täysin. Venäjän kapitalismin kysymys XIX-luvun alussa. ei seisonut. Siksi myöskään ei ollut tällaista syytä. Todellinen syy oli vuoden 1812 isänmaallinen sota, jossa kansanaloitteen koko voima ilmeni. Mutta sodan jälkeen ihmiset eivät saaneet testamenttia. Aatelin parhaat, tyytymättömät todellisuuteen, tulivat Senaatintorille joulukuussa 1825. Tämä teko ei myöskään kulunut jäljittelemättä luovaa älyä. Sodan jälkeisistä myrskyisistä vuosista tuli ympäristö, jossa venäläinen romantiikka muodostui.

Romantiikka ja lisäksi venäläinen romantiikka kehittyi ja muovautui alkuperäisiin muotoihimme, romantismi ei ollut yksinkertainen kirjallisuus, vaan elämänilmiö, koko moraalisen kehityksen aikakausi, aikakausi, jolla oli oma erityisvärinsä, toteutti erityisen näkymä elämään ... Olkoon romanttinen suuntaus tullut ulkopuolelta, länsimaisesta elämästä ja länsimaisista kirjallisuuksista, se löysi Venäjän luonnosta maaperän, joka on valmis havainnointiinsa, ja heijastui siksi täysin alkuperäisissä ilmiöissä, kuten runoilija ja kriitikko Apollo Grigoriev arvioi sen - tämä on ainutlaatuinen kulttuurinen ilmiö, ja sen ominaisuudet osoittavat romantismin olennaisen monimutkaisuuden, jonka syvyydestä nuori Gogol syntyi ja jonka kanssa hän oli yhteydessä paitsi kirjailijan uransa alussa myös koko hänen uransa koko elämä.

Apollon Grigoriev määritteli tarkasti romanttisen koulun vaikutuksen luonteen kirjallisuuteen ja elämään, mukaan lukien tuon ajan proosa: ei yksinkertainen vaikutus tai lainaus, vaan ominainen ja voimakas elämä ja kirjallinen suuntaus, jotka antoivat täysin alkuperäisiä ilmiöitä nuoressa venäläisessä kirjallisuudessa .

a) Kirjallisuus

Venäläisen romantiikan on tapana jakaa useaan ajanjaksoon: alkuvaiheeseen (1801-1815), kypsään (1815-1825) ja Kabristuksen jälkeiseen aikaan. Alkuperäisen ajanjakson suhteen tämän järjestelmän perinteisyys on kuitenkin silmiinpistävää. Sillä venäläisen romantiikan aamunkoitto liittyy Žukovskin ja Batjuškovin nimiin, runoilijoihin, joiden luovuutta ja asenteita on vaikea asettaa rinnakkain ja verrata saman ajanjakson aikana, heidän tavoitteensa, toiveensa, temperamenttinsa ovat niin erilaiset. Molempien runoilijoiden säkeissä voi silti tuntea menneisyyden - sentimentalismin aikakauden - pakottavan vaikutuksen, mutta jos Žukovski on edelleen syvään juurtunut siihen, niin Batiushkov on paljon lähempänä uusia suuntauksia.

Belinsky totesi perustellusti, että Žukovskin teokselle on ominaista "valitukset epätäydellisistä toiveista, joilla ei ollut nimeä, suru menetettyyn onnellisuuteen, mikä Jumala tietää mitä se oli". Zhukovskyn persoonassa romantiikka oli vielä tekemässä ensimmäisiä arkaansa, kunnioittaen sentimentaalista ja melankolista melankoliaa, epämääräistä, tuskin havaittavaa runsasta kaipuuta, toisin sanoen tuohon monimutkaiseen tunnekokonaisuuteen, jota venäläisessä kritiikissä kutsuttiin " keskiajan romantiikka. "

Batjuškovin runoudessa vallitsee täysin erilainen ilmapiiri: olemisen ilo, rehellinen aistillisuus, virsi ilolle.

Zhukovskia pidetään oikeutetusti merkittävänä venäläisen esteettisen humanismin edustajana. Rousseaun ja saksalaisten romantikkojen ideat vaikuttivat voimakkaisiin intohimoihin, hyväsydyiseen ja sävyiseen Zhukovskiin. Niitä seuraten hän piti erittäin tärkeänä uskonnon, moraalin ja sosiaalisten suhteiden esteettistä puolta. Taide hankki uskonnollisen merkityksen Zhukovskylta, hän yritti nähdä taiteessa "ilmoituksen" korkeammista totuuksista, se oli hänelle "pyhä". Saksalaisille romantikoille runouden ja uskonnon tunnistaminen on tyypillistä. Saman löydämme Zhukovskylta, joka kirjoitti: "Runous on Jumala maan pyhissä unissa." Saksalaisessa romanttisuudessa hän oli erityisen lähellä painovoimaa kaikkeen sen ulkopuolelle, kohti "sielun yön puolta", kohti "kuvaamatonta" luonnossa ja ihmisessä. Zhukovskin runouden luontoa ympäröi mysteeri, hänen maisemansa ovat aavemaisia \u200b\u200bja melkein epärealistisia, kuten heijastukset vedessä:

Kuinka suitsuke sulautuu kasvien viileyyteen!

Kuinka suloista on roiskuminen hiljaisuudessa lähellä rantaa!

Kuinka hiljaa vaahtokarkki puhaltaa vesien läpi

Ja joustava paju lepatus!

Žukovskin herkkä, lempeä ja unelmoiva sielu näyttää jäätyvän sulavasti "tämän salaperäisen valon" kynnyksellä. Runoilija, kuten Belinsky osuvasti ilmaisi, "rakastaa ja kyyhkyttää kärsimystään", mutta tämä kärsimys ei pure hänen sydäntään julmilla haavoilla, sillä edes melankoliassa ja surussa hänen sisäinen elämänsä on hiljaista ja rauhallista. Siksi, kun hän kirjeessään Batyushkoville, "autuuden ja ilon pojalle", kutsuu epikurealaista runoilijaa "Museen sukulaisiksi", on vaikea uskoa tähän suhteeseen. Uskomme pikemminkin hyveelliseen Žukovskiin, joka neuvoo ystävällisesti laulajaa maallisista nautinnoista: "Hylkää henkisyys, unelmat ovat kohtalokkaita!"

Batjuškov on kaikessa Žukovskyn vastakohta. Hän oli vahvojen intohimojen mies, ja hänen luova elämänsä keskeytyi 35 vuotta ennen hänen fyysistä olemassaoloa: hyvin nuorena miehenä hän syöksyi hulluuden syvyyteen. Hän antoi itsensä sekä iloille että murheille yhtä voimakkaasti ja intohimoisesti: elämässä samoin kuin runollisessa ymmärryksessään hän - toisin kuin Zhukovsky - oli vieras "kultaiselle keskitielle". Vaikka hänen runollisuudelleen on tunnusomaista puhtaan ystävyyden ylistys, "nöyrän nurkan" ilo, hänen idylli ei ole missään nimessä vaatimaton ja hiljainen, sillä Batiushkov ei voi kuvitella sitä ilman intohimoisten nautintojen ja elämän päihtymisen heikkoa autuutta. Toisinaan runoilijat ovat niin aistillisten ilojen viehättämiä, että hän on valmis hylkäämään holtittomasti tieteen sortavan viisauden:

Todella surullisissa totuuksissa

Synkät stoikot ja tylsät viisaat

Istuu hautausmekoissa,

Raunioiden ja arkun välissä

Löydämmekö elämämme suloisuuden?

Niistä näen iloa

Lentää kuin perhonen piikkipensaista.

Heille ei ole viehätystä luonnon viehätyksissä,

Neitsyet eivät laulaa heille, kietoutuvat pyöreisiin tansseihin;

Heille, kuten sokeille,

Kevät ilman iloa ja kesä ilman kukkia.

Hänen runoissaan harvoin kuulla todellista tragediaa. Vasta luovan elämänsä lopussa, kun hän alkoi paljastaa mielenterveyden merkkejä, saneltiin yksi hänen viimeisistä runoistaan, joissa maallisen elämän turhuuden motiivit ilmaistaan \u200b\u200bselvästi:

Muistatko mitä sanoit

Jäähyväiset elämästä, harmaahiuksinen Melkisedek?

Mies syntyi orjaksi

Orja haudassa valehtelee,

Ja kuolema tuskin kertoo hänelle

Miksi hän käveli upeiden kyyneleiden laaksossa,

Kärsin, itkin, kärsin,

Venäjällä romantiikka kirjallisuuden suuntauksena muotoutui 1800-luvun 20-luvulla. Sen alkuperä oli runoilijoita, proosakirjoittajia, kirjailijoita, ja ne loivat venäläisen romantiikan, joka poikkesi "länsieurooppalaisesta" kansallisuudeltaan, omaperäisyydeltään. Venäläistä romantiikkaa kehittivät 1800-luvun ensimmäisen puoliskon runoilijat, ja jokainen runoilija antoi jotain uutta. Venäläistä romantiikkaa kehitettiin laajalti, se sai ominaispiirteitä ja siitä tuli itsenäinen suuntaus kirjallisuudessa. Teoksessa "Ruslan ja Lyudmila" A.S. Pushkinilla on linjat: "Venäläinen henki on, Venäjältä on haju." Sama voidaan sanoa venäläisestä romantiikasta. Romanttisten teosten sankarit ovat runollisia sieluja, jotka pyrkivät "korkeaan" ja kauniiseen. Mutta on vihamielinen maailma, joka ei salli tuntea vapautta, mikä jättää nämä sielut käsittämättömäksi. Tämä maailma on karkea, joten runollinen sielu juoksee toiseen, missä on ideaali, se pyrkii "ikuiseen". Romantiikka perustuu tähän konfliktiin. Mutta runoilijat käsittelivät tilannetta eri tavalla. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov rakentavat yhdestä asiasta rakentamalla sankareidensa ja ympäröivän maailman välistä suhdetta eri tavoin, joten sankareilla oli eri polut ihanteeseen.

Todellisuus on kauheaa, epäkohteliasta, röyhkeä ja itsekäs, siinä ei ole sijaa runoilijan ja hänen sankareidensa tunteille, unelmille ja toiveille. "Tosi" ja ikuinen - toisessa maailmassa. Tästä syystä kaksoismaailman käsite runoilija pyrkii johonkin näistä maailmoista etsimään ihanteita.

Zhukovskyn asema ei ollut sellaisen henkilön asema, joka aloitti taistelun ulkomaailman kanssa ja haastoi hänet. Se oli polku yhtenäisyyden kanssa luonnon kanssa, harmonian polku luonnon kanssa ikuisessa ja kauniissa maailmassa. Monien tutkijoiden (mukaan lukien Yu.V.Mann) mukaan Zhukovsky ilmaisee ymmärtämyksensä tästä yhtenäisyysprosessista teoksessa The Ineffable. Ykseys on sielun lento. Sinua ympäröivä kauneus täyttää sielusi, se on sinussa ja sinä olet siinä, sielu lentää, ei aikaa eikä tilaa ole, mutta sinä olet luonnossa ja tällä hetkellä asut, haluat laulaa tästä kauneudesta , mutta ei ole sanoja ilmaisemaan tilasi, on vain harmonian tunne. Ympäröivät ihmiset, proosaiset sielut, eivät häiritse sinua, enemmän on sinulle avointa, olet vapaa.

Pushkin ja Lermontov suhtautuivat tähän romantiikan ongelmaan eri tavalla. Ei ole epäilystäkään siitä, että Zhukovskyn vaikutus Puškiniin ei voinut heijastua jälkimmäisen työhön. Pushkinin varhaisille teoksille oli tunnusomaista "siviiliromantiikka". Zhukovskyn "Laulaja venäläisten sotilaiden leirillä" ja Gribojedovin teosten vaikutuksesta Pushkin kirjoitti ode "Liberty", "Chaadaeville". Jälkimmäisessä hän kehottaa:

"Ystäväni! Omistamme sielumme kotimaallemme upeilla impulsseilla ...". Tämä on sama pyrkimys ihanteeseen, joka Žukovskilla oli, vain Pushkin ymmärtää ihanteen omalla tavallaan, joten runoilijan polku ihanteeseen on erilainen. Hän ei halua eikä voi pyrkiä yksin ihanteeseen, runoilija kutsuu häntä. Pushkin katsoi todellisuutta ja ihannetta eri tavalla. Tätä ei voida kutsua mellakaksi, tämä on pohdintaa kapinallisista elementeistä. Tämä heijastuu ode "Meri". Tämä on meren vahvuus ja voima, meri on vapaa, se on saavuttanut ihanteellisensa. Ihmisen on myös vapaututtava, hänen henkensä on oltava vapaa.

Ihanteen etsiminen on romanttisuuden pääominaisuus. Se ilmeni Zhukovskyn, Pushkinin ja Lermontovin teoksissa. Kaikki kolme runoilijaa etsivät vapautta, mutta etsivät sitä eri tavoin, ymmärsivät sen eri tavoin. Zhukovsky etsii "luojan" lähettämää vapautta. Löydettyään harmonia ihmisestä tulee vapaa. Pushkinille oli tärkeä hengenvapaus, jonka pitäisi ilmetä ihmisessä. Lermontoville vain kapinallinen sankari on vapaa. Kapina vapaudesta, mikä voisi olla kauniimpaa? Tämä suhtautuminen ihanteeseen säilyy runoilijoiden rakkaussanoissa. Mielestäni tämä asenne johtuu ajasta. Vaikka he kaikki työskentelivät melkein samalla ajanjaksolla, heidän työnsä aika oli erilainen, mutta tapahtumat kehittyivät erittäin nopeasti. Runoilijoiden hahmot vaikuttivat myös suuresti heidän suhteisiinsa. Rauhallinen Zhukovsky ja kapinallinen Lermontov ovat täysin vastakkaisia. Mutta venäläinen romantiikka kehittyi juuri siksi, että näiden runoilijoiden luonne oli erilainen. He esittivät uusia käsitteitä, uusia hahmoja, uusia ihanteita, antoivat täydellisen kuvan siitä, mikä on vapaus, mikä on todellinen elämä. Jokainen heistä edustaa omaa polkuaan ihanteeseen, tämä on oikeus valita kukin henkilö.

Romantiikan syntyminen oli hyvin huolestuttavaa. Ihmisen yksilöllisyys oli nyt koko maailman keskellä. Ihmisen "minä" alkoi tulkita kaiken olemuksen perustaksi ja merkitykseksi. Ihmisen elämää alettiin pitää taideteoksena. 1800-luvulla romantiikka oli hyvin yleistä. Mutta kaikki runoilijat, jotka kutsuivat itseään romantikoiksi, eivät välittäneet tämän liikkeen olemusta.

Nyt, 1900-luvun lopulla, voimme jo luokitella viime vuosisadan romantikot tältä pohjalta kahteen ryhmään. Yksi ja luultavasti laajin ryhmä on "muodollisten" romantikkojen yhdistävä ryhmä. Heitä on vaikea epäillä vilpittömyydestä, päinvastoin, he välittävät hyvin tarkasti tunteensa. Heidän joukossaan ovat Dmitry Venevitinov (1805-1827) ja Alexander Polezhaev (1804-1838). Nämä runoilijat käyttivät romanttista muotoa pitäen sitä sopivimpana taiteellisen tavoitteensa saavuttamiseen. Joten, D.Venevitinov kirjoittaa:

Minusta tuntuu, että se palaa minussa

Pyhä inspiraation liekki

Mutta henki nousee kohti pimeää tavoitetta ...

Löydänkö luotettavan kallion

Missä voin levätä jalkani tukevasti?

Tämä on tyypillinen romanttinen runo. Siinä käytetään perinteistä romanttista sanastoa - tämä on sekä inspiraation liekki että kohoava henki. Niinpä runoilija kuvaa tunteitaan. Mutta ei mitään muuta. Runoilijaa rajoittaa romantismin kehys, sen "sanallinen kuva". Kaikki on yksinkertaistettu jonkinlaisiksi leimoiksi.

Toisen 1800-luvun romantikkoryhmän edustajat olivat tietysti A.S.Pushkin ja M.Lermontov. Nämä runoilijat päinvastoin täyttivät romanttisen muodon omalla sisällöllä. Romanttinen jakso A.Pushkinin elämässä oli lyhyt, joten hänellä on vähän romanttisia teoksia. "Kaukasuksen vanki" (1820-1821) - yksi A.S.: n varhaisimmista romanttisista runoista Pushkin. Edessämme on klassinen versio romanttisesta teoksesta. Kirjoittaja ei anna meille sankarin muotokuvaa, emme edes tiedä hänen nimeään. Ja tämä ei ole yllättävää - kaikki romanttiset sankarit ovat samanlaisia \u200b\u200btoistensa kanssa. He ovat nuoria, kauniita ... ja onnettomia. Teoksen juoni on myös klassisesti romanttinen. Venäläinen tirkassialaisten vanki, nuori tšerkesilainen nainen rakastuu häneen ja auttaa häntä pakenemaan. Mutta hän rakastaa toista toivottomasti ... Runo päättyy traagisesti - tšerkessiläinen nainen heittää itsensä veteen ja kuolee, ja "fyysisestä" vankeudesta vapautunut venäläinen joutuu toiseen, tuskallisempaan vankeuteen - sielun vankeuteen. Mitä tiedämme sankarin menneisyydestä?

Pitkä matka johtaa Venäjälle ...

.....................................

Missä hän omaksui kauhean kärsimyksen,

Missä myrskyinen elämä on pilalla

Toivoa, iloa ja halua.

Hän tuli steppeen etsimään vapautta, yritti paeta edellisestä elämästään. Ja nyt, kun onnellisuus näytti olevan niin lähellä, hänen on pakko juosta. Mutta missä? Takaisin maailmaan, jossa hän "omaksui kauhean kärsimyksen".

Valon renegaatti, luonnon ystävä,

Hän jätti syntyperäisen rajan

Ja lensi kaukaiselle maalle

Iloisen vapauden haamun kanssa.

Mutta ”vapauden aave” pysyi haamuna. Hän kummittelee ikuisesti romanttista sankaria. Toinen romanttinen runo on "Mustalaiset". Siinä kirjoittaja ei jälleen anna lukijalle muotokuvaa sankarista, tiedämme vain hänen nimensä - Aleko. Hän tuli leirille kokeakseen todellisen nautinnon, todellisen vapauden. Hänen vuoksian hän hylkäsi kaiken, mikä häntä aiemmin ympäröi. Onko hänestä tullut vapaa ja onnellinen? Näyttäisi siltä, \u200b\u200bettä Aleko rakastaa, mutta tämän tunteen kohdalla hänelle tulee vain epäonnea ja halveksuntaa. Aleko, joka kaipasi vapautta, ei voinut tunnistaa tahtoa toisessa ihmisessä. Tämä runo paljasti toisen romanttisen sankarin maailmankuvan äärimmäisen ominaiset piirteet - itsekkyyden ja täydellisen yhteensopimattomuuden ympäröivään maailmaan. Alekoa ei rangaista kuolemalla, mutta pahempaa - yksinäisyys ja keskustelu. Hän oli yksin maailmassa, josta hän pakeni, mutta toisessa, niin halutessaan, hän jäi jälleen yksin.

Ennen Kaukasuksen vangin kirjoittamista Pushkin sanoi kerran: "En sovi olemaan romanttisen runon sankari"; Kuitenkin samaan aikaan, vuonna 1820, Pushkin kirjoitti runonsa "Päivänvalo sammui ...". Sieltä löytyy kaikki romantismille ominainen sanasto. Tämä on "kaukainen rannikko", "synkkä valtameri" sekä "jännitys ja kaipaus", jotka kiusaavat kirjoittajaa. Refreeni kulkee koko runon läpi:

Huolet alla, synkkä valtameri.

Se on läsnä paitsi luonnekuvauksessa, myös sankarin tunteiden kuvauksessa.

... mutta haavojen vanhat sydämet,

Rakkauden syvät haavat, mikään ei parantunut ...

Melu, melu, totteleva purje,

Huolet alla, synkkä valtameri ...

Toisin sanoen luonnosta tulee toinen hahmo, toinen lyyrinen runon sankari. Myöhemmin, vuonna 1824, Pushkin kirjoitti runon "Merelle". Kirjoittaja itse tuli jälleen romanttiseksi sankariksi, kuten "Päivänvalo sammuu ..." Tässä Pushkin viittaa mereen perinteisenä vapauden symbolina. Meri on alkuaine, mikä tarkoittaa vapautta ja onnea. Kuitenkin Pushkin rakentaa tämän runon yllättäen:

Odotit, soitit ... olin sidottu;

Sieluni repeytyi turhaan:

Voittanut mahtava intohimo,

Pysyin rannikolla ...

Voimme sanoa, että tämä runo täydentää Pushkinin elämän romanttista aikaa. Sen on kirjoittanut henkilö, joka tietää, että saavutettuaan niin sanotun "fyysisen" vapauden romanttinen sankari ei tule onnelliseksi.

Metsässä, aavikoilla on hiljaa

Siirrän, olen täynnä sinua,

Kivesi, lahtesi ...

Tällä hetkellä Pushkin päättelee, että todellinen vapaus voi olla vain ihmisessä ja vain hän voi tehdä hänestä todella onnellisen.

Byronin romantiikan muunnelma asui ja tuntui hänen työstään ensin Venäjän kulttuurissa Pushkin, sitten Lermontov. Pushkinilla oli huomion lahja ihmisille, ja silti romanttisin runoilija suuren runoilijan ja proosakirjoittajan teoksessa on epäilemättä "Bakhchisarai-suihkulähde".

Runo "Bakhchisarain lähde" \u200b\u200bjatkaa edelleen Pushkinin etsintää romanttisen runon tyylilajissa. Eikä ole epäilystäkään siitä, että suuren venäläisen kirjailijan kuolema estää tämän.

Pushkinin teoksen romanttinen teema sai kaksi erilaista vaihtoehtoa: on sankarillinen romanttinen sankari ("vanki", "ryöstö", "pakeneva"), joka erottuu voimakkaasta tahdosta, läpäissyt väkivaltaisten intohimojen julman testin, ja siellä on kärsivä sankari, jossa hienovaraiset emotionaaliset kokemukset ovat ristiriidassa ulkomaailman julmuuden kanssa ("maanpakolainen", "vanki"). Passiivinen alku romanttisessa hahmossa on nyt saanut Pushkinilta naisen muodon. Bakhchisarain suihkulähde kehittää juuri tätä romanttisen sankarin puolta.

"Kaukasuksen vangissa" kiinnitettiin kaikkea huomiota "vankiin" ja hyvin vähän "tserkessiläiseen naiseen", nyt päinvastoin - Khan Girey on vain pieni dramaattinen hahmo, mutta päähenkilö on nainen , jopa kaksi - Zarema ja Maria. Ratkaisu sankarien kaksinaisuuteen, joka löydettiin edellisistä runoista (kahlittujen veljien kuvan kautta), Pushkin käyttää myös tässä: passiivinen periaate kuvataan kahden hahmon - mustasukkaisen, intohimoisesti rakastuneen Zareman ja surun, persoonassa. on menettänyt toivon ja rakkauden Marian. Molemmat ovat kaksi ristiriitaista, romanttista luonnetta: pettymys, epätoivo, toivottomuus ja samalla hengellinen kiihkeys, tunteiden voimakkuus; ristiriita ratkaistaan \u200b\u200brunossa traagisesti - Marian kuolema ei myöskään tuonut onnellisuutta Zaremalle, koska niitä yhdistävät salaperäiset siteet. Samoin veljissä-ryöstöissä yhden veljen kuolema pimensi ikuisesti toisen elämän.

BV Tomashevsky totesi kuitenkin perustellusti, että "runon lyyrinen eristäminen määräsi myös tietyn vähäisen sisällön ... Moraalinen voitto Zaremasta ei johda lisäpäätelmiin ja pohdintoihin ... ... ensimmäisessä eteläisessä osassa esitetyt kysymykset runo. Bakhchisarain suihkulähteellä ei ole tällaista jatkoa ... "

Pushkin haparoi ja hahmotteli ihmisen romanttisen aseman haavoittuvimman kohdan: hän haluaa kaiken vain itselleen.

Lermontovin runo "Mtsyri" ei myöskään heijasta täysin romantismin ominaispiirteitä.

Tässä runossa on kaksi romanttista sankaria, joten jos se on romanttinen runo, se on hyvin erikoinen: Ensinnäkin kirjailija välittää toisen sankarin epigrafin kautta; toiseksi kirjoittaja ei ole yhteydessä Mtsyriin, sankari ratkaisee tahallisuusongelman omalla tavallaan, ja Lermontov ajattelee koko runon aikana vain tämän ongelman ratkaisemista. Hän ei tuomitse sankariaan, mutta ei myöskään oikeuta, mutta hänellä on tietty asema - ymmärrystä. On käynyt ilmi, että venäläisen kulttuurin romantiikka muuttuu ajatteluksi. Se osoittautuu romantiikaksi realismin näkökulmasta.

Voimme sanoa, että Pushkin ja Lermontov eivät onnistuneet tulemaan romantikoiksi (Lermontov onnistui kuitenkin kerran noudattamaan romanttisia lakeja - draamassa Masquerade). Runoilijat osoittivat kokeillaan, että Englannissa individualistin asema voisi olla hedelmällinen, mutta Venäjällä ei. Vaikka Pushkin ja Lermontov eivät onnistuneet tulemaan romantikoiksi, he avasivat tien realismin kehittymiselle. Vuonna 1825 julkaistiin ensimmäinen realistinen teos: "Boris Godunov", sitten "Kapteenin tytär", "Eugene Onegin", "Aikamme sankari" ja monet muut.

b) Maalaus

Kuvataiteessa romantiikka ilmeni selvimmin maalauksessa ja piirtämisessä, vähemmän ilmeikkäästi veistoksessa ja arkkitehtuurissa. Kuvataiteen romanttisuuden merkittävät edustajat olivat venäläisiä romanttisia maalareita. Kankaillaan he ilmaisivat vapauden rakkauden hengen, aktiivisen toiminnan, vetoavat intohimoisesti ja intohimoisesti humanismin ilmenemiseen. Venäläisten taidemaalareiden arkipäivän kankaat erottuvat merkitykseltään ja psykologismiltaan, ennennäkemättömältä ilmaisulta. Hengelliset, melankoliset maisemat ovat jälleen romantikkojen sama yritys tunkeutua ihmismaailmaan, osoittaa kuinka ihminen elää ja unelmoi sublunarymaailmassa. Venäläinen romanttinen maalaus oli erilainen kuin ulkomaalainen. Tämän määrittivät sekä historiallinen ympäristö että perinne.

Venäläisen romanttisen maalauksen piirteet:

Koulutusideologia heikkeni, mutta ei romahtanut, kuten Euroopassa. Siksi romantiikkaa ei sanottu.

Romantiikka kehittyi rinnakkain klassismin kanssa, joka on usein kietoutunut siihen.

Akateeminen maalaaminen Venäjällä ei ole vielä uupunut.

Venäjän romantiikka ei ollut vakaa ilmiö; romantikkoja kiinnosti akateeminen. XIX vuosisadan puoliväliin mennessä. romanttinen perinne on melkein kuollut.

Romantiikkaan liittyviä teoksia alkoi ilmestyä Venäjällä jo 1790-luvulla (Feodosij Yanenkon teokset "Myrskyn vangitsemat matkustajat" (1796), "Omakuva kypärässä" (1792). Niissä prototyyppi on ilmeinen - Salvator Rosa, erittäin suosittu 1700- ja 1900-lukujen vaihteessa. Myöhemmin tämän romanttisen taiteilijan vaikutus on havaittavissa Alexander Orlovskyn teoksessa. Ryöstöt, tulipalot, taistelut seurasivat hänen koko uraansa. muissa maissa venäläiseen romantiikkaan kuuluvat taiteilijat esittivät muotokuvia klassisiin tyylilajeihin, maisema- ja tyylilajeilla on täysin uusi tunnelma.

Venäjällä romantiikka alkoi ilmetä ensin muotokuva maalaus ... 1800-luvun ensimmäisellä kolmanneksella se menetti suurimmaksi osaksi yhteyden arvokkaaseen aristokratiaan. Muotokuvia runoilijoista, taiteilijoista, taiteen suojelijoista ja tavallisten talonpoikien kuvista alkoivat olla merkittävä. Tämä taipumus ilmeni erityisen selvästi O.A. Kiprensky (1782-1836) ja V.A. Tropiniini (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin pyrki luomaan elävän, rajoittamattoman kuvauksen henkilölle hänen muotokuvansa kautta. Pojan muotokuva (1818), "AS Pushkinin muotokuva" (1827), "omakuva" (1846) ei ole silmiinpistävää niiden muotokuvan samankaltaisuudesta alkuperäisten kanssa, vaan epätavallisen hienovaraisesta tunkeutumisesta henkilö.

Pojan muotokuva - Arseny Tropinina on yksi parhaista mestarin työssä. Hienostunut, tylsä \u200b\u200bkultainen värimaailma muistuttaa 1700-luvun valerianmaalausta. Kuitenkin verrattuna tyypilliseen lapsen muotokuvaan 1700-luvun romantiikassa. tässä suunnitelman puolueettomuus on silmiinpistävää - tämä lapsi poseeraa hyvin pienessä määrin. Arsenyin katse liukuu katsojan ohi, hän on pukeutunut rennosti, kaulus heitetään kuin vahingossa auki. Edustavuuden puute on sävellyksen poikkeuksellisessa pirstoutumisessa: pää täyttää melkein koko kankaan pinnan, kuva leikataan aivan solisluihin ja siten pojan kasvot siirretään mekaanisesti katsojan luo.

Luomishistoria on epätavallisen mielenkiintoista "Pushkinin muotokuva". Kuten tavallista, ensimmäiseen tutustumiseen Pushkiniin Tropinin tuli Sobolevskyn taloon koiran leikkikentälle, jossa runoilija asui silloin. Taiteilija löysi hänet toimistosta pennuilla. Samalla ilmeisesti kirjoitettiin ensimmäisen luonnoksen mukaan, jonka Tropinin niin arvosti, pieni luonnos. Pitkästä aikaa hän pysyi takaa-ajajien näköpiirissä. Vasta lähes sata vuotta myöhemmin, vuoteen 1914 mennessä, P.M. Schekotov, joka kirjoitti, että kaikista Alexander Sergeevichin muotokuvista hän "välittää eniten piirteitään ... runoilijan siniset silmät ovat täynnä erityistä kirkkautta täällä, pään kääntäminen on nopeaa ja kasvojen piirteet ovat ilmeikkäitä ja liikkuvia. . Epäilemättä tässä on vangittu Pushkinin kasvojen aidot piirteet, jotka löydämme erikseen jostakin toisesta meille tulleesta muotokuvasta. Vielä on hämmentynyt, - lisää Schekotov, - miksi tämä suloinen luonnos ei saanut runoilijan kustantajilta ja asiantuntijoilta riittävää huomiota. Tämä selittyy pienen etyylin ominaisuuksilla: siinä ei ollut värejä, pensselin kauneutta eikä mestarillisesti kirjoitettuja "liikenneympyröitä". Ja tässä Pushkin ei ole kansan "rahtu" eikä "nero", mutta ennen kaikkea mies. Ja tuskin on mahdollista analysoida, miksi niin suuri ihmisainesisältö sisältyy yksitoikkoiseen harmahtavanvihreään oliivin mittakaavaan, melkein kuin käsittelemättömän näköisen luonnoksen siveltimellä. Tämä koko ihmiskunnan koko elinaika ja seuraavat muotokuvat Pushkinista, tämä tutkimus ihmiskunnan voimalla voidaan sijoittaa vain Neuvostoliiton kuvanveistäjä A.Matveevin veistämän Puškinin kuvan viereen. Mutta tämä ei ollut Tropininin asettama tehtävä, ei sellainen Pushkin, jonka hänen ystävänsä halusi nähdä, vaikka hän käski kuvata runoilijan yksinkertaisessa, kodikkaassa muodossa.

Taiteilijan arvion mukaan Pushkin oli "tsaarirunoilija". Mutta hän oli myös kansan runoilija, hän oli oma ja rakas kaikille. "Muotokuvan samankaltaisuus alkuperäisen kanssa on silmiinpistävää", Polevoy kirjoitti sen viimeisteltyään, vaikka hän totesi riittämättömän "vilkaisun nopean" ja "kasvojen ilmeen vilkkauden", joka muuttaa ja herättää Pushkinissa jokaisen uuden vaikutelman kanssa. .

Muotokuvassa kaikki on harkittu ja varmistettu pienimpään yksityiskohtiin saakka, eikä samalla ole mitään tarkoituksellista, taiteilijan esittelemää. Jopa runoilijan sormia koristavat renkaat korostuvat yhtä paljon kuin Pushkin itse kiinnitti niihin merkitystä elämässä. Tropininin viehättävien paljastusten joukossa Pushkinin muotokuva hämmästyttää mittakaavansa sonoriteetilla.

Tropininin romanttisuudella on selvästi sentimentaalinen alkuperä. Se oli Tropinin, joka oli tyylilajin perustaja, hieman idealisoitu muotokuva ihmisen miehestä (The Lacemaker (1823)). "Sekä harrastajia että ei herkkuja, - Svinin kirjoittaa "Pitsi", - ihaile katsellessasi tätä kuvaa, joka todella yhdistää kaikki kuvataiteen kauneudet: harjan miellyttävyys, oikea, iloinen valaistus, kirkas, luonnollinen väri, ja lisäksi tämä muotokuva paljastaa kauneuden sielun ja sen kavalan katseen uteliaisuus, jonka hän heittää jollekin, joka tuli siihen minuuttiin. Hänen kyynärpäänsä paljaat kädet pysähtyivät katseellaan, työ pysähtyi, neitsytrinnasta pakeni huokaus, joka oli peitetty musliinin nenäliinalla - ja kaikki tämä on kuvattu niin totuudenmukaisella ja yksinkertaisella tavalla, että tämä kuva voidaan ottaa helposti loistavan unen menestynein työ. Lisätarvikkeet, kuten pitsi tyyny ja pyyhe, on järjestetty suurella taiteella ja viimeistelty lopullisesti ... "

1800-luvun alussa Tver oli merkittävä Venäjän kulttuurikeskus. Kaikki Moskovan merkittävät ihmiset ovat olleet täällä kirjallisuusiltoja. Täällä nuori Orest Kiprensky tapasi A.S.Pushkinin, jonka myöhemmin maalatusta muotokuvasta tuli maailmankuvan taiteen helmi, ja A.S.Pushkin vihkii hänelle runoutta, jossa hän kutsuu häntä "valosiipisen muodin rakkaaksi". Pushkinin muotokuva O. Kiprenskin harja on runollinen nero elävä persoonallisuus. Ratkaisevassa pään käänteessä, voimakkaasti rinnassa ristissä olevissa käsivarsissa, itsenäisyyden ja vapauden tunne heijastuu runoilijan koko ulkonäköön. Juuri hänestä Pushkin sanoi: "Näen itseni kuin peilissä, mutta tämä peili imartelee minua." Pushkinin muotokuvaa käsittelevässä teoksessa Tropinin ja Kiprensky tapaavat viimeisen kerran, vaikka tämä tapaaminen ei tapahdu omin silmin, mutta monta vuotta myöhemmin taiteen historiassa, jossa pääsääntöisesti on kaksi muotokuvaa Venäjän suurinta runoilijaa verrataan, luodaan samanaikaisesti, mutta eri paikoissa - yksi Moskovassa. Toinen Pietarissa. Nyt tämä on mestareiden kokous, jolla on yhtä suuri merkitys venäläiselle taiteelle. Vaikka Kiprenskyn ihailijat väittävät, että taiteelliset edut ovat hänen romanttisen muotokuvansa puolella, jossa runoilija kuvataan uppoutuneena omiin ajatuksiinsa yksin musan kanssa, kuvan kansallisuus ja demokratia ovat varmasti Tropininskyn ”Puškin” puolella. .

Niinpä kahdessa muotokuvassa heijastui venäläisen taiteen kaksi suuntaa, jotka keskittyivät kahteen pääkaupunkiin. Kriitikot kirjoittavat myöhemmin, että Tropinin oli Moskovan puolesta, mikä Kiprensky oli Pietarin puolesta.

Kiprensky-muotokuvien erottuva piirre on, että ne osoittavat henkilön hengellisen viehätyksen ja sisäisen aateliston. Sankarin muotokuvan, rohkean ja vahvan tunteen, oli tarkoitus ilmentää edistyneen venäläisen vapautta rakastavien ja isänmaallisten tunnelmien paatosta.

Etuovessa "E.V.Davydovin muotokuva" (1809) esittää upseerin hahmon, joka ilmaisi suoraan tuon vuoden romanttisuudelle tyypillisen vahvan ja rohkean persoonallisuuden kultin. Hajanainen maisema, jossa valonsäde taistelee pimeyttä vastaan, viittaa sankarin emotionaaliseen ahdistukseen, mutta hänen kasvonsa heijastaa unelmoivaa herkkyyttä. Kiprensky etsii ihmisestä "ihmistä", eikä ihanne herättänyt hänestä mallin henkilökohtaisia \u200b\u200bpiirteitä.

Kiprensky-muotokuvat, jos katsot niitä mielesi silmissä, osoittavat henkilön hengellisen ja luonnollisen rikkauden, hänen henkisen voimansa. Kyllä, hänellä oli harmonisen persoonallisuuden ihanne, josta keskustelivat myös hänen aikalaisensa, mutta Kiprensky ei pyrkinyt heijastamaan kirjaimellisesti tätä ihannetta taiteelliseen kuvaan. Luodessaan taiteellista kuvaa hän lähti luonnosta, ikään kuin mittaisi kuinka kaukana tai lähellä se on tällaiseen ihanteeseen. Itse asiassa monet hänen kuvaamistaan \u200b\u200bovat ihanteen kynnyksellä, ajetaan sitä kohti, mutta itse ideaali on romanttisen estetiikan ideoiden mukaan tuskin saavutettavissa, ja kaikki romanttinen taide on vain polku siihen.

Kiprensky panee merkille sankareidensa sielujen ristiriidat, näyttävän heidät elämän vaikeina hetkinä, kun kohtalo muuttuu, edelliset ajatukset hajoavat, nuoriso lähtee jne., Malliensa kanssa. Siksi - muotokuvataiteilijan erityinen osallistuminen taiteellisten kuvien tulkintaan, mikä antaa muotokuvalle sielun sävyn.

Kiprenskin työn alkuvaiheessa et näe henkilöitä, jotka ovat saaneet skeptisyyden, analyysit syövyttävät sielua. Tämä tapahtuu myöhemmin, kun romanttinen aika elää yli syksyn ja antaa tien muille tunnelmille ja tunteille, kun toiveet harmonisen persoonallisuuden ihanteesta voittavat. Kaikissa 1800-luvun muotokuvissa ja Tverissä toteutetuissa muotokuvissa Kiprensky näyttää rohkean harjan, joka muodostaa muodon helposti ja vapaasti. Tekniikoiden monimutkaisuus, hahmon luonne muuttui kappaleesta toiseen.

On huomionarvoista, että hänen hahmojensa kasvoilla et näe sankarillista riemua, päinvastoin, suurin osa kasvoista on melko surullisia, he nauttivat pohdinnoista. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä nämä ihmiset ovat huolissaan Rossin kohtalosta, ajattelevat enemmän tulevaisuutta kuin nykyisyyttä. Naishahmoissa, jotka edustavat vaimoja, merkittävien tapahtumien osallistujien sisaria, Kiprensky ei myöskään pyrkinyt tarkoitukselliseen sankarilliseen nousuun. Helppouden tunne, luonnollisuus vallitsee. Lisäksi kaikissa muotokuvissa on niin paljon todellista sielun aatelisuutta. Naisten kuvat houkuttelevat vaatimattomalla ihmisarvollaan, luonnon koskemattomuudellaan; miesten kasvoissa arvellaan utelias ajatus, valmius askeettisuuteen. Nämä kuvat yhtyivät dekabristien kypsyvien eettisten ja esteettisten ideoiden kanssa. Heidän ajatuksensa ja toiveensa jaettiin sitten monien keskuudessa (salaseurojen perustaminen tiettyjen sosiaalisten ja poliittisten ohjelmien kanssa kuuluu ajanjaksolle 1816-1821), taiteilija tiesi niistä, ja siksi voimme sanoa, että hänen muotokuvansa osallistujista Vuosina 1812-1814 samoina vuosina luotut talonpoikien kuvat ovat eräänlainen taiteellinen rinnakkaisuus dekabrismin esiin nousevien käsitteiden kanssa.

Merkitty romanttisen ihanteen kirkkaalla leimalla "V.A. Zhukovskyn muotokuva" (1816). Taiteilija, joka teki S.S. Uvarovin tilaaman muotokuvan, päätti näyttää aikalaisille paitsi kirjallisuudessa tunnetun runoilijan kuvan myös osoittaa tietyn käsityksen romanttisen runoilijan persoonallisuudesta. Edessämme on runoilija, joka ilmaisi venäläisen romantiikan filosofisen ja unelmoivan suunnan. Kiprensky esitteli Zhukovskyn luovalla inspiraatiolla. Tuuli röyhki runoilijan hiukset, puut roiskuvat hälyttävästi yöllä, muinaisten rakennusten rauniot ovat tuskin näkyvissä. Näin romanttisten balladien luoja näytti näyttävän. Tummat värit lisäävät salaperäisen tunnelmaa. Uvarovin neuvojen perusteella Kiprensky ei viimeistele yksittäisiä muotokuvan fragmentteja, jotta ”liiallinen täydellisyys” ei sammuta henkeä, temperamenttia ja emotionaalisuutta.

Kiprensky maalasi monia muotokuvia Tverissä. Lisäksi piirtäessään Tverin maanomistajan Ivan Petrovich Wulfin hän katsoi tuntein hänen edessään seisovaan tyttöön, tyttärentyttärensä, tulevaan Anna Petrovna Kerniin, jolle vihittiin yksi kiehtovimmista lyyrisistä teoksista - runo AS Pushkin "Muistan upean hetken ..". Sellaisista runoilijoiden, taiteilijoiden, muusikoiden yhdistyksistä tuli uuden taiteen - romanttisuuden - ilmentymä.

Venetsianovin Kiprenskin nuori puutarhuri (1817), Bryullovin italialainen keskipäivä (1827), Korjaajat tai Korjaaja (1820) ovat saman typologisen sarjan teoksia. Ne ovat suunnattu luontoon ja kirjoitettu nimenomaisesti sen kanssa. Kukin taiteilija - ilmentää yksinkertaisen luonteen esteettistä täydellisyyttä - johti eräänlaiseen kuvien, vaatteiden, tilanteiden idealisointiin kuva-metaforan luomiseksi. Elämän, luonnon tarkkaileminen, taiteilija tulkitsi sen uudelleen, runoutti näkyvän. Tässä laadullisesti uudessa yhdistelmä luontoa ja mielikuvitusta antiikin ja renessanssin mestareiden kokemuksiin, synnyttäen kuvia, joita taide ei aikaisemmin tuntenut, ja se on yksi romantiikan piirteistä 1800-luvun alkupuoliskolla. Venetsianovin ja Bryullovin teoksille ominainen piirre oli yksi romanttisen tärkeimmistä piirteistä, kun venäläiset taiteilijat olivat vielä uusia Länsi-Euroopan romanttisessa muotokuvassa ... "Isän muotokuva (A. K. Schwalbe)" (1804) on maalannut erityisesti taiteen ja muotokuva-tyylilajin Orest Kiprensky.

Venäläisen romantiikan merkittävimmät saavutukset ovat muotokuva-tyylilajeja. Kirkkaimmat ja hienoimmat esimerkit romantiikasta ovat peräisin alkuvaiheesta. Kauan ennen matkaa Italiaan, vuonna 1816, Kiprensky, joka oli sisäisesti valmis romanttiseen maailman ruumiillistumiseen, näki uusilla silmillä vanhojen mestareiden maalaukset. Tumma väritys, valoilla korostetut luvut, palavat värit, voimakas draama vaikuttivat häneen voimakkaasti. "Isän muotokuva" on epäilemättä innoittanut Rembrandt. Mutta venäläinen taiteilija otti suurelta hollantilaiselta vain ulkoisia tekniikoita. "Isän muotokuva" on täysin itsenäinen teos, jolla on oma sisäinen energiansa ja taiteellisen ilmaisuvoimansa. Albumimuotokuvien erottuva piirre on niiden toteuttamisen vilkkaus. Kuvaa ei ole - välitön siirto siitä, mitä hän näki paperilla, luo ainutlaatuisen tuoreen graafisen ilmaisun. Siksi kuvissa esitetyt ihmiset näyttävät meille läheisiltä ja ymmärrettäviltä.

Ulkomaalaiset kutsuivat Kiprenskyä venäläiseksi Van Dyckiksi, hänen muotokuvansa ovat monissa museoissa ympäri maailmaa. Levitsky ja Borovikovsky, L. Ivanovin ja K. Bryullovin edeltäjän työn seuraaja, Kiprensky antoi teoksellaan eurooppalaista mainetta venäläiselle taidekoululle. Alexander Ivanovin mukaan "hän toi ensimmäisenä venäläisen nimen Eurooppaan ...".

Romantiikalle ominainen lisääntynyt kiinnostus henkilön persoonallisuutta kohtaan määritteli muotokuva-tyylilajin kukoistamisen 1800-luvun alkupuoliskolla, jolloin omakuvasta tuli hallitseva piirre. Omakuvan luominen ei pääsääntöisesti ollut vahingossa tapahtunut jakso. Taiteilijat kirjoittivat ja maalasivat toistuvasti itseään, ja näistä teoksista tuli eräänlainen päiväkirja, joka heijastaa erilaisia \u200b\u200bsielun tiloja ja elämänvaiheita, ja samalla ne olivat aikalaisille osoitettu manifesti. Omakuva ei ollut mukautettu tyylilaji, taiteilija kirjoitti itselleen ja täällä, enemmän kuin koskaan, hänestä tuli vapaa itsensä ilmaisussa. 1700-luvulla venäläiset taiteilijat harvoin maalasivat kirjoittajan kuvia, vain romantismi ja yksilökultti, yksinoikeus vaikutti tämän tyylilajin nousuun. Omakuva-tyyppien moninaisuus heijastaa taiteilijoiden käsitystä itsestään rikkaana ja monipuolisena persoonallisena. Ne joko esiintyvät luojan tavanomaisessa ja luonnollisessa roolissa ("Autokuvaus samettibaretissa", AG Varnek, 1810-luku), sitten he uppoutuvat menneisyyteen, ikään kuin yrittäisivät sitä itse ("omakuva kypärässä") ja panssari ", kirjoittanut FI Yanenko, 1792), tai esiintyy useammin ilman ammattimaisia \u200b\u200bominaisuuksia, mikä vahvistaa jokaisen vapautetun ja maailmalle avoimen, etsivän ja kiirehtivän henkilön merkityksen ja sisäisen arvon, kuten esimerkiksi FA Bruni ja OA Orlovsky 1810-luvun omakuvissa. Valmius vuoropuheluun ja avoimuuteen, joka on ominaista 1810-1820-luvun teosten kuvaannolliselle ratkaisulle, korvataan vähitellen väsymyksellä ja pettymyksellä, uppoutumisella, vetäytymiseen itseensä (M. I. Terebenevin "omakuva"). Tämä suuntaus heijastui muotokuva-tyylilajin kehitykseen yleensä.

Omakuvat Kiprenskistä ilmestyivät, mikä on syytä huomata, kriittisinä elämänhetkinä ne todistivat henkisen voiman noususta tai laskusta. Taiteensa kautta taiteilija katsoi itseään. Hän ei kuitenkaan käyttänyt peiliä, kuten useimmat maalarit; hän kirjoitti enimmäkseen itsestään edustuksen perusteella, halusi ilmaista henkensä, mutta ei ulkonäköään.

“Omakuva harjoilla korvan takana” perustuu kieltäytymiseen ja on selvästi osoittava kuvan, sen klassisen normatiivisuuden ja ihanteellisen rakenteen ulkoisessa ylistämisessä. Kasvojen piirteet on esitetty yleisesti. Sivuvalo osuu kasvoihin korostaen vain sivuominaisuudet. Yksittäiset valonheijastukset putoavat taiteilijan hahmoon, sammutettuna tuskin erotettavissa olevalla verholla, joka edustaa muotokuvan taustaa. Kaikki täällä on alisteinen elämän, tunteiden, mielialojen ilmaisulle. Se on katsaus romanttiseen taiteeseen omakuvan taiteen kautta. Taiteilijan osallistuminen luovuuden salaisuuksiin ilmaistaan \u200b\u200bsalaperäisessä romanttisessa ”1800-luvun sfumatossa”. Erityinen vihertävä sävy luo erityisen ilmapiirin taiteellisessa maailmassa, jonka keskellä on taiteilija itse.

Lähes samanaikaisesti tämän omakuvan kanssa kirjoitettiin ja "Omakuva vaaleanpunaisella kaulaliinalla" jossa toinen kuva esiintyy. Ilman suoraa viittausta taidemaalarin ammattiin. Kuva nuoresta miehestä, joka tuntee olonsa mukavaksi, luonnollisesti vapaaksi, on luotu uudelleen. Kuvankaunis pinta on rakennettu hienovaraisesti. Taiteilijan harjalla levitetään maalit luottavaisin mielin. Jättäen suuret ja pienet aivohalvaukset. Väri on erittäin kehittynyttä, värit ovat himmeitä, sopusoinnussa toistensa kanssa, valaistus on rauhallinen: valo kaatuu varovasti nuoren miehen kasvoille, hahmotellen hänen piirteitään, ilman tarpeetonta ilmeä ja muodonmuutoksia.

Toinen merkittävä taidemaalari oli Venetsianov. Vuonna 1811 hän sai akateemikon arvonimen Akatemialta, nimitettynä "omakuvaksi" ja "KI Golovachevskin muotokuva kolmen Taideakatemian opiskelijan kanssa". Nämä ovat erinomaisia \u200b\u200bteoksia.

Venetsianovin todellinen taito ilmoitti olevansa "Omakuva" 1811 vuosi. Se maalattiin eri tavalla kuin muut taiteilijat maalasivat itseään tuolloin - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek ja jopa palvelija V. Tropinin. Kaikille heille oli tavallista kuvitella itsensä romanttisessa sädekehässä, heidän omakuvat olivat eräänlainen runollinen vastustus suhteessa ympäristöön. Taiteellisen luonteen ainutlaatuisuus ilmeni asennossa, eleissä, erityisen suunnitellun puvun ainutlaatuisuudessa. Venetsianovin "omakuvassa" tutkijat huomauttavat ensinnäkin kiireisen henkilön tiukan ja jännittyneen ilmaisun ... Oikea tehokkuus, joka eroaa ylellisestä "taiteellisesta huolimattomuudesta", johon viittaa kylpytakit tai flirttailevasti siirtyneet muiden korkit taiteilijoita. Venizianov katsoo itseään raittiina. Taide hänelle ei ole innoitettu impulssi, mutta ennen kaikkea asia, joka vaatii keskittymistä ja huomiota. Pienikokoinen, oliivisävyissään melkein yksivärinen, erittäin tarkasti kirjoitettu, se on yksinkertainen ja monimutkainen samalla. Koska hän ei houkuttele maalauksen ulkoisella puolella, hän pysähtyy katseellaan. Silmälasien ohuen kultaisen kehyksen ihanteellisesti ohuet reunat eivät piilota, vaan korostavat pikemminkin silmien teräväkäköistä terävyyttä, ei niinkään luonnon suuntaan (taiteilija kuvasi itseään paletilla ja harjalla käsissään), mutta omien ajatustensa syvyyteen. Suuri leveä otsa, kasvojen oikea puoli, jota valaisee suora valo, ja valkoinen paita-etuosa muodostavat kevyen kolmion, joka houkuttelee ensinnäkin katsojan silmän, joka seuraavassa hetkessä oikean käden liikkeen jälkeen ohut harja, liukuu alas palettiin. Aaltoilevat hiusnauhat, kiiltävän kehyksen jouset, löysä solmio kauluksen ympärillä, pehmeä olkapää ja lopuksi laaja paletin puoliympyrä muodostavat liikkuvan sileiden, juoksevien viivojen järjestelmän, jonka sisällä on kolme pääkohtaa: pieni pupillien häikäisy ja paidan edessä oleva terävä pää, melkein sulkeutuva paletilla ja harjalla. Tällainen melkein matemaattinen laskelma muotokuvan koostumuksen rakentamisessa antaa kuvalle osittaisen sisäisen rauhan ja antaa syyn olettaa tekijässä analyyttinen mieli, joka on taipuvainen tieteelliseen ajatteluun. "Omakuvassa" ei ole edes jälkeä mistään romantismista, joka oli silloin niin usein, kun taiteilijat kuvasivat itseään. Tämä on omakuva taiteilija-tutkijasta, taiteilija-ajattelijasta ja ahkera.

Toinen pala - Golovachevskyn muotokuva - suunniteltu eräänlaiseksi juoniyhdistelmäksi: Akatemian vanhempi mestarien sukupolvi, jota edustaa vanha tarkastaja, antaa ohjeita kasvaville kyvyille: taidemaalari (piirustuskansiolla. Arkkitehti ja kuvanveistäjä. tulkitsee nuorille joitain sivuja Ilmaisun vilpittömyys tukee kuvan maalauksellista rakennetta: sen hillityt, hienovaraisesti ja kauniisti harmonisoidut värikkäät sävyt luovat vaikutelman rauhallisuudesta ja vakavuudesta. Kauniisti maalatut kasvot, jotka ovat täynnä sisäistä merkitystä. Muotokuva oli yksi korkeimmista Venäjän muotokuvan saavutukset.

Ja Orlovskyn teoksessa 1800-luvulla muotokuvia esiintyy, enimmäkseen piirustusten muodossa. Vuoteen 1809 mennessä on olemassa niin emotionaalisesti rikas muotokuva-arkki kuin "Omakuva" ... Orlovskyn omakuva, joka on täynnä herkullista vapaata sanguiinia ja hiiltä (liidulla valaistu), houkuttelee taiteellisella koskemattomuudellaan, omaleimaisuudellaan ja teloituksen taiteellisuudellaan. Samalla se antaa meille mahdollisuuden havaita joitain Orlovskyn taiteen erikoispiirteitä. Orlovskyn "omakuvalla" ei todellakaan ole tavoitetta toistaa tarkasti noiden vuosien taiteilijan tyypillistä ulkonäköä. Edessämme - monin tavoin harkittu. Liioiteltu "taiteilijan" ulkonäkö, joka vastustaa omaa "minään" ympäröivään todellisuuteen, ei välitä ulkonäönsä "kunnollisuudesta": kampa ja harja eivät koskeneet hänen reheviin hiuksiinsa, hänen olkapäällään on ruudullisen viitan reuna aivan avoimen kauluksen omaavan kotipaidan päällä. Terävä pään kääntäminen "synkällä" katseella alhaalta siirtyneiden kulmakarvojen alapuolelta, lähikuva otoksesta muotokuvasta, jossa kasvot kuvataan lähikuvina, kevyissä kontrasteissa - kaiken tämän tarkoituksena on saavuttaa vastakkainasettelun päävaikutus kuvattu henkilö ympäristölle (ja siten katsojalle).

Yksilöllisyyden vahvistamisen paatos - yksi tuon ajan taiteen edistyksellisimmistä piirteistä - muodostaa muotokuvan pääideologisen ja emotionaalisen sävyn, mutta esiintyy erikoisuutena, jota melkein ei löydy kyseisen ajan venäläisestä taiteesta. Persoonallisuuden vakuutus ei mene niinkään sisäisen maailman rikkauden paljastamisen kautta, vaan pikemminkin ulkopuolisemmalla tavalla hylätä kaikki ympärillään olevat. Samalla kuva näyttää epäilemättä köyhtyneeltä, rajoitetulta.

Tällaisia \u200b\u200bratkaisuja on vaikea löytää tuolloisista venäläisistä muotokuvista, joissa jo 1700-luvun puolivälissä soivat siviili- ja humanistiset motiivit äänekkäästi eikä ihmisen persoonallisuus koskaan katkaissut vahvoja siteitä ympäristöön. Paremmasta, demokraattisesta yhteiskunnallisesta järjestyksestä haaveilevat tuon aikakauden parhaat Venäjän ihmiset eivät irtautuneet todellisuudesta lainkaan hylkäämällä tietoisesti Länsi-Euroopan maaperässä kukoistavan "porvarillisen repimän" individualistisen "henkilökohtaisen vapauden" kultin. vallankumous. Tämä ilmeni selvästi heijastuksena Venäjän muotokuvien todellisiin tekijöihin. On vain vertailtava Orlovskyn omakuvaa samanaikaisiin "Omakuva" Kiprensky (esimerkiksi 1809), niin että vakava sisäinen ero kahden muotokuvamaalarin välillä oli heti ilmeinen.

Kiprensky myös "sankaroi" ihmisen persoonallisuuden, mutta hän osoittaa sen todelliset sisäiset arvot. Taiteilijan edessä katsoja erottaa vahvan mielen, luonteen, moraalisen puhtauden piirteet.

Kiprenskin koko ulkonäkö on peitetty hämmästyttävällä aatelistolla ja inhimillisyydellä. Hän pystyy erottamaan ”hyvän” ja “pahan” toisistaan \u200b\u200bympäröivässä maailmassa ja hylkäämään toisen rakastamaan ja arvostamaan ensimmäistä, rakastamaan ja arvostamaan samanmielisiä ihmisiä. Samaan aikaan edessämme epäilemättä on vahva yksilöllisyys, ylpeä tietoisuudesta heidän henkilökohtaisten ominaisuuksiensa arvosta. Täsmälleen sama muotokuvakuva perustuu Kiprenskin kuuluisalle sankarimaiselle D. Davydovin muotokuvalle.

Orlovsky, verrattuna Kiprenskyyn ja joihinkin muihin venäläisiin muotimaalareihin tuolloin, ratkaisee rajoitetummin, suoraviivaisemmin ja ulospäin "vahvan persoonallisuuden" kuvan keskittyen selvästi porvarillisen Ranskan taiteeseen. Kun katsot hänen "omakuvaa", A. Gro, Gericaultin muotokuvat tulevat tahattomasti mieleen. Orlovskyn profiili "Omakuva" vuodelta 1810 ja hänen individualistisen "sisäisen voimansa" kulttinsa, josta puuttuu jo ankara "luonnollinen" muotokuva vuodelta 1809, paljastaa sisäisen läheisyyden ranskalaiseen muotitaiteeseen. "Duportin muotokuva". Jälkimmäisessä Orlovsky, aivan kuten omakuvassa, käyttää näyttävää, "sankarillista" asennoa, jossa on pään ja hartioiden terävä, melkein ristikkäinen liike. Hän korostaa Duportin kasvojen, epätasaisten hiusten epäsäännöllistä rakennetta tavoitteenaan luoda muotokuva, joka on ainutlaatuinen, satunnainen ominaisuus.

"Maiseman tulisi olla muotokuva", - kirjoitti K. N. Batyushkov. Suurin osa tyylilajiin kääntyneistä taiteilijoista noudatti tätä asennetta työssään. maisema. Fantastista maisemaa kohti ilmeisiä poikkeuksia olivat A.O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Näkymä Rooman ympäristössä", 1809); PV-allas ("Taivas auringonlaskun aikaan Rooman läheisyydessä", "Iltamaisema", molemmat - 1820-luku). Luomalla erityisiä tyyppejä he säilyttivät aistien välittömyyden, emotionaalisen kylläisyyden ja saavuttivat monumentaalisen äänen sävellystekniikoilla.

Nuori Orlrvsky näki luonnossa vain titaanisia voimia, jotka eivät ole ihmisen tahdon alaisia \u200b\u200bja jotka voivat aiheuttaa katastrofeja, katastrofeja. Ihmisen taistelu raivoavan merielementin kanssa on yksi hänen kapinallisen romanttisen aikakautensa taiteilijan suosikkiteemoista. Siitä tuli hänen piirustusten, vesivärien ja öljymaalausten sisältö vuosina 1809-1810. traaginen kohtaus näkyy kuvassa "Haaksirikko" (1809 (?)). Maahan pudonneessa pimeässä, raivoavien aaltojen joukossa, hukkuvat kalastajat kiihkeästi kiipeävät rannikkokallioille, joihin heidän aluksensa kaatui. Väri, jota ylläpitävät voimakkaat punaiset sävyt, lisää ahdistuksen tunnetta. Myrskyn ennakoivat voimakkaiden aaltojen hyökkäykset ovat uhkaavia, ja toisessa kuvassa - "Meren rannalla" (1809). Sillä on myös valtava emotionaalinen rooli myrskyisessä taivaassa, joka vie suurimman osan sävellyksestä. Vaikka Orlovsky ei hallinnut ilmaperspektiivin taidetta, suunnitelmien asteittainen siirtyminen ratkaistiin täällä harmonisemmin ja pehmeämmin. Väri on vaalentunut. Kalastajien vaatteiden punaiset täplät leikkivät kauniisti punaruskealla pohjalla. Levoton ja häiritsevä merielementti akvarellissa "Purjevene" (noin 1812). Ja vaikka tuuli ei heiluttaisi purjetta eikä aaltoilisi veden pintaa, kuten vesiväreissä "Merimaisema laivojen kanssa" (noin 1810), katsoja ei jätä aavistustakaan, että myrsky seuraa rauhaa.

Kaiken draaman ja emotionaalisen jännityksen lisäksi Orlovskyn merimaisemat eivät ole niinkään hänen ilmakehän havaintojensa hedelmiä, vaan taiteen klassikoiden suoran jäljittelyn seurauksena. Erityisesti J. Vernet.

Shchedrinin maisemat olivat luonteeltaan erilaisia. Ne ovat täynnä ihmisen ja luonnon rinnakkaiselon harmoniaa ("Terassi meren rannalla. Capuccini lähellä Sorrentoa", 1827). Lukuisat näkymät Napoliin ja hänen harjansa ympäristöön saivat poikkeuksellisen menestyksen ja suosion.

Pietarin romanttisen kuvan luominen venäläisessä maalauksessa liittyy M.N.Vorobievin työhön. Hänen kankaillaan kaupunki vaikutti ympäröivän salaperäisistä Pietarin sumuista, valkoisten öiden pehmeästä sumuudesta ja meren kosteudesta kyllästetystä ilmapiiristä, jossa rakennusten ääriviivat poistetaan ja kuutamo täydentää sakramentin. Sama lyyrinen alku erottaa hänen esittämänsä näkemykset Pietarin ympäristöstä ("Auringonlasku Pietarin ympäristössä", 1832). Mutta taiteilijat näkivät pohjoisen pääkaupungin toisella, dramaattisella tavalla luonnonelementtien törmäys- ja taisteluareenana (V. Ye. Raev "Aleksanterin pylväs ukkosen aikana", 1834).

IK Aivazovskyn loistavissa maalauksissa on elävästi kirjattu romanttisia ihanteita tempauksesta luonnonvoimien taistelun ja voiman kanssa, ihmisen hengen sitkeyttä ja kykyä taistella loppuun asti. Siitä huolimatta suuren osan mestarin perinnössä ovat yön merimaisemat, jotka on omistettu tietyille paikoille, joissa myrsky antaa tien yön taikuudelle, aika, joka romantikkojen näkemysten mukaan on täynnä salaperäistä sisäelämää, ja jossa taiteilijan kuvahaun tarkoituksena on poimia ylimääräisiä valotehosteita ("Näkymä Odessaan kuutamoisena yönä", "Näkymä Konstantinopoliin kuutamolla", molemmat - 1846).

Luonnonelementtien ja yllätyksen aihe - romanttisen taiteen suosikkiteema, 1800–1850-luvun taiteilijat tulkitsivat eri tavoin. Teokset perustuivat todellisiin tapahtumiin, mutta kuvien merkitys ei ole niiden objektiivisessa uudelleenjulkaisussa. Tyypillinen esimerkki on Pjotr \u200b\u200bBasinin maalaus "Rocca di Papan maanjäristys Rooman lähellä" (1830). Se ei ole omistettu niinkään tietyn tapahtuman kuvaukselle, vaan kuvaamaan pelon ja kauhun henkilöstä, joka joutuu kohtaamaan elementtien ilmenemisen.

KP Bryullov (1799-1852) ja A.A. Ivanov (1806-1858). Venäläinen taidemaalari ja piirtäjä K.P. Bryullov, vielä opiskelijana Taideakatemiassa, hallitsi vertaansa vailla olevan piirustustaidon. Luovuus Bryullov jaetaan yleensä ennen "Pompejin viimeistä päivää" ja sen jälkeen. Mitä luotiin ennen…??!

"Italian aamu" (1823), "Hermilia ja paimenet" (1824) Torquatto Tasson runon "Jerusalemin vapautus" perusteella, "Italian keskipäivä" ("Italialainen nainen rypäleitä poistamassa", 1827), "Hevosen nainen" (1830). ), ”Bathsheba” (1832) - kaikkia näitä maalauksia on täynnä kirkasta, peittämätöntä elämäniloa. Tällaiset teokset olivat sopusoinnussa Pushkinin, Batjuškovin, Vyazemskin, Delvigin varhaisen epikurean jakeiden kanssa. Vanha tyyli, joka perustuu suurten mestareiden jäljitelmiin, ei tyydyttänyt Bryullovia ja hän maalasi ulkona "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba".

Työskennellessään muotokuvaa Bryullov maalasi vain elämän pään. Hänen mielikuvituksensa määräsi usein kaiken muun. Tällaisen vapaan luovan improvisaation hedelmä on "Ratsastaja". Muotokuvan pääasia on punastuneen, leijuvan eläimen, jolla on turvonnut sieraimet ja kimaltelevat silmät, ja sulavan ratsastajan, joka hillitsee hevosen hämmentynyttä energiaa, kontrasti (eläinten kesyttäminen on klassisten kuvanveistäjien suosikkiteema, Bryullov ratkaisi sen maalauksessa).

SISÄÄN "Batseba" taiteilija käyttää raamatullista tarinaa verukkeena paljaan kehon esittelemiseen ulkona ja valon ja refleksien välittämiseen vaalealla iholla. Bathshebassa hän loi kuvan nuoresta naisesta, joka oli täynnä iloa ja onnea. Alasti vartalo hehkuu ja loistaa oliivinvihreiden, kirsikkavaatteiden, läpinäkyvän säiliön ympäröimänä. Pehmeät joustavat vartalon muodot yhdistyvät kauniisti Bathshebaa palvelevan arabinaisen valkaisevaan kankaaseen ja suklaaväriin. Rungot, lampi, kankaat virtaavat linjat antavat kuvan sileälle rytmille.

Maalauksesta tuli uusi sana maalauksessa "Pompejin viimeinen päivä" (1827-1833). Hän teki taiteilijan nimestä kuolemattoman ja erittäin kuuluisan hänen elinaikanaan.

Ilmeisesti sen juoni valittiin veli Alexanderin vaikutuksesta, joka tutki intensiivisesti Pompeian raunioita. Mutta syyt maalaukseen ovat syvemmät. Gogol huomasi tämän, ja Herzen sanoi suorasukaisesti, että Pompejin viimeisessä päivässä kenties löysi paikkansa tajuton heijastus taiteilijan ajatuksista ja tunteista, jotka johtuivat dekabristien kapinan tappiosta Venäjällä. Ei ilman syytä, kuolevan Pompeiusin raivostuneiden elementtien uhrien joukossa Bryullov sijoitti omakuvan ja antoi venäläisten tuttaviensa piirteet muille kuvan hahmoille.

Bryullovin italialaisella seurueella oli myös oma roolinsa, joka saattoi kertoa hänelle vallankumouksellisista myrskyistä, jotka pyyhkäisivät yli Italian aiempina vuosina, Carbonarin surullisesta kohtalosta reaktiovuosina.

Grandioottinen kuva Pompejin kuolemasta on täynnä historian henkeä, se osoittaa muutoksen historiallisesta aikakaudesta toiseen, muinaisen pakanuuden tukahduttamisen ja uuden kristillisen uskon puhkeamisen.

Taiteilija kokee historian kulun dramaattisesti, aikakausien muutos shokiksi ihmiskunnalle. Sävellyksen keskellä nainen, joka putosi vaunuista ja kaatui kuolemaan, ilmeisesti personoi antiikin maailman kuoleman. Mutta äidin ruumiin lähelle taiteilija asetti elävän vauvan. Kuvaaessaan lapsia ja vanhempia, nuorta miestä ja vanhaa naista, äitiä, poikia ja rappeutunutta isää, taiteilija näytti historiaan siirtyviä vanhoja sukupolvia ja uusia heidän tilalleen. Uuden aikakauden syntyminen pölyksi murenevassa vanhan maailman hylyissä on Bryullovin maalauksen todellinen teema. Huolimatta käännekohdista, joita historia tuo, ihmiskunnan olemassaolo ei lopu, ja sen elämänjano pysyy häviämättömänä. Tämä on Pompejin viimeisen päivän perusidea. Tämä kuva on hymni ihmiskunnan kauneudelle, joka pysyy kuolemattomana kaikissa historian jaksoissa.

Kangas oli esillä vuonna 1833 Milanon taidenäyttelyssä, se aiheutti innostuneita vastauksia. Hyvin kulunut Italia valloitettiin. Bryullovin oppilas G. G. Gagarin todistaa: ”Tämä suuri työ on herättänyt rajattoman innostuksen Italiassa. Kaupungit, joissa maala oli esillä, järjestivät taiteilijalle seremoniallisia vastaanottoja, runoutta omistettiin hänelle, häntä kuljetettiin kaduilla musiikin, kukkien ja soihtujen kanssa ... Kaikkialla, missä hänet otettiin vastaan \u200b\u200bkunniaksi tunnetuksi, voitokkaaksi neroksi, kaikki ymmärtävät ja arvostavat.

Englantilainen kirjailija Walter Scott (romanttisen kirjallisuuden edustaja, kuuluisa historiallisista romaaneistaan) vietti tunnin Bryullovin studiossa, josta hän sanoi, ettei tämä ollut kuva, vaan koko runo. Milanon, Firenzen, Bolognan ja Parman taideakatemiat valitsivat venäläisen taidemaalarin kunniajäseneksi.

Bryullovin kangas herätti innostuneita vastauksia Pushkinilta ja Gogolilta.

Vesuvius avasi suunsa - savu kaatoi mailan liekkiin

Se on kehittynyt laajasti taistelulipuna.

Maa on levoton - kelauspylväistä

Epäjumalat putoavat! ..

Pushkin kirjoitti kuvan vaikutelman alle.

Bryullovista lähtien historian käännekohdista tuli Venäjän historiallisen maalauksen pääaihe, jossa kuvattiin grandiooseja kansanäkymiä, joissa kukin henkilö on osallisena historiallisessa draamassa, jossa ei ole pää- tai toissijaista.

"Pompeia" kuuluu yleensä klassismiin. Taiteilija paljasti mestarillisesti ihmiskehon plastisuuden kankaalle. Bryullov välitti kaikki ihmisten emotionaaliset liikkeet pääasiassa muovien kielellä. Myrskyssä liikkeessä annetut yksittäiset luvut kerätään tasapainoisissa, jäätyneissä ryhmissä. Valon välähdykset korostavat kappaleiden muotoja eivätkä luo voimakkaita maalauksellisia vaikutuksia. Romantiikka inspiroi kuitenkin kuvan sommittelua, jonka keskellä on vahva läpimurto ja joka kuvaa poikkeuksellista tapahtumaa Pompejin elämässä.

Venäjän romantiikkaa maailmankatsomuksena esiintyi ensimmäisellä aallollaan 1700-luvun lopulta 1850-luvulle. Venäläisen taiteen romanttinen linja ei keskeytynyt 1850-luvulla. Romantikot ovat avanneet taiteelle teeman, jonka teema kehittyy myöhemmin "Sinisen ruusun" taiteilijoiden keskuudessa. Romanttisten suorat perilliset olivat epäilemättä symbolisteja. Romanttiset teemat, motiivit, ilmaisutekniikat ovat tulleet taiteen eri tyyleihin, suuntauksiin, luoviin yhdistyksiin. Romanttinen näkymä tai maailmankuva osoittautui yhdeksi vilkkaimmista, sitkeimmistä ja hedelmällisimmistä.

Romantiikka yleisenä näkymänä, joka on tyypillistä lähinnä nuorille, pyrittäessä ihanteelliseen ja luovaan vapauteen, elää edelleen jatkuvasti maailman taiteessa.

c) Musiikki

Romantiikka puhtaimmillaan on ilmiö Länsi-Euroopan taiteesta. Venäläisessä XIX-luvun musiikissa. Glinkasta Tšaikovskiin klassismin piirteet yhdistettiin romantismin piirteisiin, johtava elementti oli kirkas, erottuva kansallinen periaate. Venäjän romantiikka sai odottamattoman nousun, kun tämä suunta näytti olevan menneisyyttä. Kaksi 1900-luvun säveltäjää, Scriabin ja Rachmaninov, ovat herättäneet herätykseen sellaiset romanttisuuden piirteet kuin rajoittamaton fantasialento ja sanojen vilpittömyys. Siksi XIX vuosisata. jota kutsutaan musiikkiklassikoiden vuosisadaksi.

Aika (1812, dekabristien kansannousu ja sitä seuraava reaktio) jätti jäljen musiikkiin. Valitsemme minkä tahansa tyylilajin - romantiikkaa, oopperaa, balettia, kamarimusiikkia - kaikkialla, missä venäläiset säveltäjät ovat sanoneet uuden sanansa.

Venäjän musiikki, kaikesta salongin tyylikkyydestään ja ammatillisen instrumentaalinsa, mukaan lukien sonaatti-sinfonisen kirjoituksen, perinteiden tiukasta noudattamisesta, perustuu Venäjän kansanperinteen ainutlaatuiseen modaaliväriin ja rytmiseen rakenteeseen. Jotkut - perustuvat laajalti jokapäiväiseen kappaleeseen, toiset - musiikin soittamisen alkuperäisiin muotoihin ja toiset - vanhojen venäläisten talonpoikaismoodien vanhaan tapaan.

1800-luvun alku - nämä ovat romantiikan ensimmäisen ja kirkkaan kukoistuksen vuodet. Vaatimattomat vilpitön sanoitus kuulostaa edelleen ja miellyttää kuuntelijoita Aleksanteri Aleksandrovitš Alyabjev (1787-1851). Hän kirjoitti romansseja monien runoilijoiden säkeisiin, mutta ne ovat kuolemattomia "Satakieli" Delvigin jakeisiin, "Talvitie", "rakastan sinua" Pushkinin jakeista.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) kirjoitti musiikkia dramaattisiin esityksiin, mutta tunnemme hänet paremmin kuuluisista romansseista “Punainen sundress”, “Aamunkoitteessa, älä herätä minua”, “Lonely purje on valkoinen”.

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) - säveltäjä, pianisti, viulisti ja opettaja, hän omistaa sellaisia \u200b\u200bromansseja kuin "Kello soi yksitoikkoisesti", "Sumuisen nuoruuden aamunkoitteessa" jne.

Tärkein paikka täällä on Glinkan romanssit. Kukaan muu ei ollut vielä saavuttanut niin luonnollista musiikin sulautumista Puškinin ja Žukovskin runoon.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857) - Venäjän kirjallisuuden klassikko Pushkinin (5 vuotta nuorempi kuin Aleksanteri Sergeevitš) aikalainen tuli musiikkiklassikkojen perustaja. Hänen työnsä on yksi Venäjän ja maailman musiikkikulttuurin korkeuksista. Se yhdistää harmonisesti kansanmusiikin runsauden ja säveltämisen korkeimmat saavutukset. Glinkan syvästi suosittu realistinen luovuus heijasteli venäläisen kulttuurin voimakasta kukoistusta 1800-luvun alkupuoliskolla, joka liittyi Isänmaansotaan 1812 ja dekabristiliikkeeseen. Kevyt, elämää vakuuttava luonne, muotojen harmonia, ilmeikkäiden melodisten melodioiden kauneus, vaihtelevuus, harmonian loisto ja hienovaraisuus ovat Glinkan musiikin arvokkaimpia ominaisuuksia. Kuuluisassa oopperassa "Ivan Susanin" (1836) ajatus kansan isänmaallisuudesta ilmaistiin loistavasti; Venäjän kansan moraalista suuruutta korostetaan satuoopperassa ” Ruslan ja Ludmila " ... Glinkan orkesteriteokset: "Valssi-fantasia", "Yö Madridissa" ja erityisesti "Kamarinskaya", muodostavat Venäjän klassisen sinfonian perustan. Huomattava dramaattisen ilmaisun voimasta ja musiikin ominaisuuksien kirkkaudesta tragediaan "Prinssi Kholmsky". Glinkan laulusanat (romanssit "Muistan upean hetken", "Epäily") on vertaansa vailla oleva venäläisen runouden ruumiillistuma musiikissa.

6. LÄNSI-EUROOPAN ROMANMAA

maalaus

Jos klassismin esi-isä oli Ranska, niin "romanttisen koulun juurien löytämiseksi", yksi hänen aikalaisistaan \u200b\u200bkirjoitti, "meidän pitäisi mennä Saksaan. Hän syntyi siellä, ja siellä modernit italialaiset ja ranskalaiset romantikot kehittivät makunsa ”.

Särkynyt Saksa ei tiennyt vallankumouksellista nousua. Monet saksalaisromantiikoista olivat vieraita edistyneiden sosiaalisten ideoiden paatosta. He idealisoivat keskiajan. He antautuivat tuntemattomille henkisille impulsseille, puhuivat ihmiselämän hylkäämisestä. Monien heistä taide oli passiivista ja mietiskelevää. He loivat parhaat teoksensa muotokuva- ja maisemamaalauksessa.

Erinomainen muotokuvamaalari oli Otto Runge (1777-1810). Tämän päällikön muotokuvat hämmästyttävät intensiivisellä ja jännittyneellä sisäelämällään ulkoisella rauhallisuudella.

Runge näkee romanttisen runoilijan kuvan "Omakuva". Hän tutkii itsensä huolellisesti ja näkee tummatukkaisen, tummansilmäisen, vakavan, täynnä energiaa, huomaavaisen, itsekeskeisen ja vahvaa tahtoa nuoren miehen. Romanttinen taiteilija haluaa tuntea itsensä. Tapa, jolla muotokuva toteutetaan, on nopea ja laaja, ikään kuin luojan henkinen energia olisi välitettävä työn tekstuurissa; pimeässä väriskaalassa näkyy valon ja tumman kontrastia. Kontrasti on romanttisille mestareille tyypillinen kuvataidetekniikka.

Romanttinen taiteilija yrittää aina tarttua ihmisen vaihtelevaan mielialaan, katsoa hänen sieluunsa. Ja tässä suhteessa lasten muotokuvat toimivat hedelmällisenä materiaalina hänelle. SISÄÄN muotokuva Hulsenbeckin lapsista (1805) Runge ei ainoastaan \u200b\u200bvälitä lapsen hahmon vilkkautta ja spontaanisuutta, vaan löytää myös erityisen menetelmän kirkkaalle tunnelmalle, joka ilahduttaa 2. kerroksen ulkoilmatutkimuksia. XIX vuosisata. Kuvan tausta on maisema, joka todistaa paitsi taiteilijan koloristisesta lahjasta, ihailtavasta suhtautumisesta luontoon, myös uusien ongelmien ilmaantumisesta paikkasuhteiden mestarillisessa toistossa, esineiden vaaleat sävyt avoimessa tilassa ilmaa. Romanttinen mestari, joka haluaa yhdistää "minä" maailmankaikkeuden avaruuteen, pyrkii vangitsemaan luonnon aistillisesti konkreettisen ulkonäön. Mutta tällä kuvan aistillisuudella hän haluaa nähdä suuren maailman symbolin, "taiteilijan idean".

Runge oli yksi ensimmäisistä romanttisista taiteilijoista, jotka asettivat itselleen tehtäväksi taiteen syntetisoinnin: maalaus, veistos, arkkitehtuuri, musiikki. Taiteiden yhtyeäänen piti ilmaista maailman jumalallisten voimien ykseys, jonka kukin partikkeli symboloi kosmosta kokonaisuutena. Taiteilija fantasioi vahvistamalla filosofista käsitystään kuuluisan saksalaisen ajattelijan 1. kerroksen ideoilla. XVII vuosisata Jacob Boehme. Maailma on eräänlainen mystinen kokonaisuus, jonka jokainen osa ilmaisee kokonaisuuden. Tämä ajatus liittyy koko Euroopan mantereen romantikkoihin. Runollisessa muodossa englantilainen runoilija ja taiteilija William Blake esitti sen seuraavasti:

Näet ikuisuuden hetkessä

Valtava maailma hiekan peilissä

Yhdessä kourassa - ääretön

Ja taivas on kukkakupissa.

Rungen sykli tai, kuten hän kutsui, "upea musiikillinen runo" "Päivän vuodenajat" - aamu, keskipäivä, yö, on osoitus tästä käsitteestä. Hän jätti runoudessa ja proosassa selityksen käsitteellisestä maailmankuvastaan. Henkilön kuva, maisema, valo ja väri ovat symboleja luonnollisen ja ihmisen elämän jatkuvasti muuttuvasta kierrosta.

Toinen merkittävä saksalainen romanttinen taidemaalari, Caspar David Friedrich (1774-1840), halusi mieluummin maiseman kuin kaikki muut tyylilajit ja maalasi vain kuvia luonnosta hänen 70-vuotisen elämänsä aikana. Frederickin työn päämotiivi on ajatus ihmisen ja luonnon yhtenäisyydestä.

"Kuuntele luonnon ääntä, joka puhuu meissä", taiteilija neuvoo oppilaitaan. Henkilön sisäinen maailma personoi maailmankaikkeuden äärettömyyden, joten kun hän on kuullut itsensä, hän pystyy ymmärtämään maailman hengelliset syvyydet.

Kuunteluasento määrittää ihmisen "viestinnän" perusmuodon luonnon ja sen kuvan kanssa. Tämä on luonnon suuruus, mysteeri tai valaistuminen ja tarkkailijan tietoinen tila. Todellakin, Friedrich ei useinkaan salli hahmon "päästä" maalaustensa maisematilaan, mutta leviävien avoimien tilojen mielikuvituksellisen rakenteen hienovaraiseen tunkeutumiseen tuntuu tunteen, ihmisen kokemuksen läsnäolo. Subjektivismi maiseman esittämisessä tulee taiteeseen vain romantikkojen luovuudella, mikä ennakoi 2. kerroksen mestareiden lyyristä luonnon paljastamista. XIX vuosisata Tutkijat huomauttavat Friedrichin teoksissa "maisemakuvien mietinnön laajentamisen". Kirjoittaja on kiinnostunut merestä, vuorista, metsistä ja luonnon tilan eri sävyistä eri aikoina vuodesta ja päivästä.

1811-1812 merkitty luomalla sarja vuoristomaisemia taiteilijan matkan seurauksena vuorille. "Aamu vuoristossa" edustaa maalauksellisesti uutta luonnollista todellisuutta, joka syntyy nousevan auringon säteissä. Purppuranpunaiset sävyt ympäröivät ja vievät heiltä tilavuuden ja materiaalipainon. Napoleonin (1812-1813) taistelun vuodet käänsivät Frederickin kohti isänmaallisia aiheita. Hän kirjoittaa Kleistin draaman innoittamana "Arminiuksen hauta" - maisema antiikin germaanisten sankareiden haudoilla.

Frederick oli hienovarainen merimaisemien mestari: "Ajat", "Kuu nousee meren yli", "Toivon" kuolema jäässä ".

Taiteilijan uusimmat teokset - "Rest in the Field", "Big Swamp" ja "Giant Mountains Remembrance of the Giant Mountains", "Giant Mountains" - sarja vuoren harjanteita ja kiviä pimeällä etualalla. Tämä on ilmeisesti palaamista kokemaan tunteeseen, jonka mukaan ihminen voittaa itsensä, ilon ylösnousemuksesta ”maailman huipulle”, pyrkimystä kirkastaa valloittamattomia korkeuksia. Taiteilijan tunteet säveltävät nämä vuorimassat erityisellä tavalla, ja luetaan jälleen liike ensimmäisten vaiheiden pimeydestä tulevaan valoon. Taustalla oleva vuorenhuippu on korostettu mestarin hengellisten toiveiden keskipisteenä. Maalaus on hyvin assosiatiivinen, kuten mikä tahansa romantikkojen luomus, ja se ehdottaa lukemisen ja tulkinnan eri tasoja.

Friedrich on erittäin tarkka piirustuksessa, musikaali ja harmoninen maalaustensa rytmisessä rakenteessa, jossa hän yrittää puhua väri- ja valotehosteilla. ”Monille annetaan vähän, harvoille annetaan paljon. Luonnon sielu avautuu kaikille eri tavalla. Siksi kukaan ei uskalla siirtää kokemustaan \u200b\u200bja sääntöjään toiselle sitovana ehdoitta lainaan. Kukaan ei ole mittapuu kaikille. Jokainen kantaa itsessään toimenpidettä vain itselleen ja enemmän tai vähemmän samankaltaisille luonnoille ”- tämä mestarin heijastus osoittaa hänen sisäisen elämänsä ja luovuutensa hämmästyttävän eheyden. Taiteilijan ainutlaatuisuus on tuntuva vain hänen työnsä vapaudessa - tätä romanttinen Friedrich edustaa.

Vaikuttaa muodollisemmalta erottaa taiteilijat - "klassikot" - klassisen edustajat Saksan toisen romanttisen maalauksen alasta - Nazareneista. Wienissä perustettu ja Roomaan (1809-1810) perustettu Pyhän Luukkaan unioni yhdisti mestarit ajatukseen elvyttää uskonnollisten kysymysten monumentaalinen taide. Keskiaika oli romantikkojen suosikki ajanjakso. Mutta taiteellisessa pyrkimyksessään Nazarenes kääntyi varhaisen renessanssin maalausperinteisiin Italiassa ja Saksassa. Overbeck ja Geforr aloittivat uuden liittoutuman, johon liittyivät myöhemmin Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld ja Faith Fürich.

Tämä Nazarenes-liike vastasi omia vastustamismuotojaan akateemisille klassikoille Ranskassa, Italiassa ja Englannissa. Esimerkiksi Ranskassa niin kutsutut primitivistiset taiteilijat nousivat esiin Daavidin työpajasta, Englannista, esirafaeliitit. Romanttisen perinteen hengessä he pitivät taidetta "ajan ilmaisuna", "kansan henkenä", mutta heidän aihekohtaiset tai muodolliset mieltymyksensä, jotka kuulostivat aluksi yhdistyksen iskulauseelta, kääntyivät jonkin ajan kuluttua samoihin doktrinaarisiin periaatteisiin kuin Akatemian periaatteet, jotka he hylkäsivät.

Romantiikan taide ranskassa kehitetty erityisillä tavoilla. Ensimmäinen asia, joka erotti sen samanlaisista liikkeistä muissa maissa, oli sen aktiivinen hyökkäävä (”vallankumouksellinen”) luonne. Runoilijat, kirjailijat, muusikot, taiteilijat puolustivat asemaansa paitsi luomalla uusia teoksia, myös osallistumalla aikakauslehti- ja sanomalehdistöön, jota tutkijat kuvaavat "romanttiseksi taisteluksi". Kuuluisat V. Hugo, Stendhal, Georges Sand, Berlioz ja monet muut Ranskan kirjailijat, säveltäjät ja toimittajat "teroittivat kynänsä" romanttisessa polemiassa.

Romanttinen maalaus Ranskassa syntyy vastustuksena klassistiselle Daavidin koululle, akateemiselle taiteelle, jota kutsutaan yleensä "kouluksi". Mutta tämä on ymmärrettävä laajemmin: se oli vastustusta taantumuksen aikakauden viralliselle ideologialle, protestia sen porvarilliselle kapea-aikaisuudelle. Tästä johtuen romanttisten teosten säälittävä luonne, niiden hermostunut jännitys, gravitaatio kohti eksoottisia motiiveja, historiallisia ja kirjallisia juonteita, kaikkea, mikä voi johtaa pois "tylsästä jokapäiväisestä elämästä", tästä syystä tämä mielikuvituksen toisto ja toisinaan päinvastoin haaveilua ja täydellinen toiminnan puute.

“Koulun” edustajat, tutkijat, kapinoivat ensisijaisesti romantikkojen kieltä vastaan: heidän innostunut kuuma väri, muodon mallinnus, ei ”klassikoille” tuttu patsaamuovinen, mutta rakennettu voimakkaille väripisteiden kontrasteille ; niiden ilmeikäs muotoilu, tarkoituksella luopuminen tarkkuudesta ja klassisesta kiillotuksesta; niiden rohkea, joskus kaoottinen sävellys, vailla majesteettisuutta ja horjumatonta rauhaa. Ingres, romantikkojen väistämätön vihollinen, elämänsä loppuun asti sanoi, että Delacroix "kirjoitti hullulla luudalla", ja Delacroix syytti Ingresiä ja kaikkia "koulun" taiteilijoita kylmyydestä, järkevyydestä, liikkumattomuudesta. älä kirjoita, vaan "maalaa" maalauksesi. Mutta se ei ollut kahden kirkkaan, täysin erilaisen yksilön yksinkertainen yhteenotto, se oli taistelu kahden eri taiteellisen maailmankuvan välillä.

Tämä taistelu kesti melkein puoli vuosisataa, taiteen romantiikka voitti voittoja ei helposti eikä välittömästi, ja tämän suuntauksen ensimmäinen taiteilija oli Theodore Gericault (1791-1824) - sankarillisten monumentaalisten muotojen mestari, joka yhdisti teoksessaan molemmat klassistiset piirteet ja itse romanttisuuden piirteet ja lopuksi voimakas realistinen alku, jolla oli valtava vaikutus realismin taiteeseen 1800-luvun puolivälissä. Mutta hänen elämänsä aikana vain muutamat läheiset ystävät arvostivat häntä.

Ensimmäiset loistavat romantiikan onnistumiset liittyvät Theodore Zhariko -nimeen. Jo hänen varhaisissa maalauksissaan (armeijan muotokuvat, hevoskuvat) antiikkideaalit vetäytyivät suoran elämänkäsityksen edessä.

Vuonna 1812 salonkissa Gericault näyttää maalauksen "Imperiumin hevosvartijoiden upseeri hyökkäyksen aikana." Se oli Napoleonin kunnian ja Ranskan sotilaallisen voiman apogeen vuosi.

Kuvan kokoonpano esittää ratsastajan epätavallisessa perspektiivissä "äkillisestä" hetkestä, jolloin hevonen nousi ylös ja ratsastaja, pitäen hevosen melkein pystysuorassa asennossa, kääntyi katsojan puoleen. Kuva tällaisesta epävakauden hetkestä, asennon mahdottomuudesta parantaa liikkeen vaikutusta. Hevosella on yksi tukipiste, hänen on pudottava maahan, ruuvaava itsensä taisteluun, joka toi hänet sellaiseen tilaan. Paljon lähentyi tässä teoksessa: Gericaultin ehdoton usko mahdollisuuteen omistaa henkilö yksin, intohimoinen rakkaus hevoskuvaan ja aloittelevan mestarin rohkeus osoittaa, mitä aiemmin pystyi välittämään vain musiikilla tai runokielellä - taistelun jännitys, hyökkäyksen alku, elävän voiman lopullinen jännitys ... Nuori kirjailija rakensi kuvansa liikkumisdynamiikan siirtymiseen, ja hänelle oli tärkeää virittää katsoja "oletuksiin", viimeistellä maalaus "sisäisellä näkemyksellä" ja tunne siitä, mitä hän halusi kuvata.

Perinnettä tällaisesta romaanisen kuvallisen kertomuksen dynamiikasta Ranskassa käytännössä ei ollut, paitsi goottilaisten temppeleiden reliefeissä, koska kun Gericault tuli ensimmäisen kerran Italiaan, hänet hämmästytti Michelangelon sävellysten piilotettu voima. "Minä vapisin", hän kirjoittaa, "epäilin itseäni enkä pitkään aikaan voinut toipua tästä kokemuksesta." Mutta Stendhal oli jo aikaisemmin osoittanut Michelangelon uuden taiteellisen suuntauksen edelläkävijäksi taiteellisissa artikkeleissaan.

Gericaultin maalauksessa ilmoitettiin paitsi uuden taiteellisen kyvyn syntymästä, myös kunnioitettiin kirjailijan innostusta ja pettymystä Napoleonin ideoista. Useat muut teokset liittyvät tähän aiheeseen: “ Carabinierin upseeri "," Cuirassierin upseeri ennen hyökkäystä "," Carabinierin muotokuva "," Haavoittunut Cuirassier ".

Tutkielmassa "Refleksiota maalaustilasta Ranskassa" hän kirjoittaa, että "ylellisyydestä ja taiteesta on tullut ... välttämättömyys ja ikään kuin ruoka mielikuvitukselle, joka on sivistyneen ihmisen toinen elämä ... Taide ei ole välttämätön välttämättömyys, mutta se ilmenee vasta, kun olennaiset tarpeet täytetään, kun runsautta tulee. Jokapäiväisistä huolista vapautunut mies alkoi etsiä nautintoa päästä eroon ikävyydestä, joka väistämättä vallitsee hänet tyytyväisyyden keskellä.

Tämän ymmärryksen taiteen kasvatuksellisesta ja humanistisesta roolista Gericault osoitti palattuaan Italiasta vuonna 1818 - hän alkoi harrastaa litografiaa toistamalla erilaisia \u200b\u200baiheita, kuten Napoleonin tappion ( "Paluu Venäjältä").

Samalla taiteilija kääntyy kuvaamaan fregatin "Medusa" kuolemaa Afrikan rannikolla, mikä innosti silloista yhteiskuntaa. Katastrofi johtui kokeneen kapteenin syystä, joka oli nimitetty virkaan suojeluksessa. Aluksen elossa olevat matkustajat - kirurgi Savigny ja insinööri Correa - puhuivat yksityiskohtaisesti onnettomuudesta.

Kuoleva alus onnistui heittämään lautan, jolle kourallinen pelastettuja ihmisiä pääsi. Kaksitoista päivää heitä kuljetettiin myrskyisellä merellä, kunnes Argus-alus pelasti heidät.

Gericault oli kiinnostunut ihmisen hengellisen ja fyysisen voiman äärimmäisistä jännitteistä. Maalaus kuvasi 15 elossa olevaa matkustajaa lautalla nähdessään Argusin horisontissa. "Lautta" Medusa " oli taiteilijan pitkän valmistelutyön tulos. Hän teki monia luonnoksia raivoavasta merestä, muotokuvia pelastetuista ihmisistä sairaalassa. Aluksi Gericault halusi näyttää ihmisten taistelun lautalla keskenään, mutta sitten hän asettui merielementin voittajien sankarikäyttäytymiseen ja valtion huolimattomuuteen. Ihmiset kesti rohkeasti epäonnen, eikä pelastuksen toivo jättänyt heitä: jokaisella lautan ryhmällä on omat ominaisuutensa. Sävellystä rakentaessaan Gericault valitsee näkökulman ylhäältä, mikä antoi hänelle mahdollisuuden yhdistää avaruuden panoraamakattavuus (merimatkat ovat näkyvissä) ja kuvata lautan kaikki asukkaat hyvin lähellä etualaa. Liike perustuu kontrastiin etualalla voimattomasti makaavien ja ryhmän kiihkeiden hahmojen välillä, jotka antavat signaaleja ohittavalle alukselle. Dynaamisen kasvun rytmin selkeys ryhmästä ryhmään, alastomien ruumiiden kauneus, kuvan tumma väri asettavat tietyn kuvan kuvan tavanomaisuudesta. Mutta tämä ei ole asian ydin ymmärtävälle katsojalle, jonka kielen perinteisyys jopa auttaa ymmärtämään ja tuntemaan tärkeintä: ihmisen kykyä taistella ja voittaa. Meri kohisee. Purje huokaa. Köydet soivat. Lautta murtuu. Tuuli ajaa aallot ja repii mustat pilvet murskauksiksi.

Eikö tämä Ranska itse ole historian myrskyn ohjaama? - ajatteli kuvan vieressä seisova Eugene Delacroix. ”Medusan lautta ravisteli Delacroixia, hän itki ja kuin hullu ryntäsi ulos Gericaultin työpajasta, jossa hän usein vieraili.

Daavidin taide ei tuntenut sellaisia \u200b\u200bintohimoja.

Mutta Gericaultin elämä päättyi traagisesti aikaisin (hän \u200b\u200boli lopullisesti sairas pudotessaan hevoselta), ja monet hänen suunnitelmistaan \u200b\u200bpysyivät keskeneräisinä.

Gericaultin innovaatio avasi uusia mahdollisuuksia välittää romantikkoja innoittava liike, henkilön piilevät tunteet ja kuvan värikäs kuvioitu ilmeikkyys.

Eugene Delacroixista tuli Gericaultin seuraaja hänen etsinnöissään. Todellakin, Delacroix vapautettiin kaksi kertaa niin kauan kuin hänen elinaikanaan, ja hän onnistui paitsi todistamaan romantiikan oikeellisuuden myös siunamaan uuden maalaussuunnan, 2. kerroksen. XIX vuosisata - impressionismi.

Ennen kuin hän aloitti maalaamisen itse, Eugene opiskeli Lerainin koulussa: hän maalasi elämästä, kopioi Louvressa suuret Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian ... Nuori taiteilija työskenteli 10-12 tuntia päivässä. Hän muisti suuren Michelangelon sanat: "Maalaus on mustasukkainen rakastajatar, se vaatii koko ihmistä ..."

Geracultin mielenosoitusten jälkeen Delacroix tiesi hyvin, että taiteessa oli tullut voimakkaan tunnepyrinän aikoja. Ensinnäkin hän yrittää ymmärtää uuden aikakauden hänelle tunnettujen kirjallisten juonien kautta. Hänen kuvansa "Dante ja Virgil" Salongissa vuonna 1822 esitelty yritys on kahden runoilijan: antiikin - Virgiluksen ja renessanssin - Danten - historiallisten assosiatiivisten kuvien avulla katsottu kiehuvaa kattilaa, modernin aikakauden "helvettiä". Kerran "jumalallisessa komediassa" Dante otti Virgiluksen oppaakseen kaikilla aloilla (taivas, helvetti, puhdistamot). Danten teoksessa uusi renessanssimaailma syntyi keskiajan kokemusten kautta antiikin muistoksi. Romantiikan symboli antiikin, renessanssin ja keskiajan synteesinä syntyi Danten ja Virgilian visioiden ”kauhussa”. Mutta monimutkainen filosofinen allegoria osoittautui hyväksi tunnekuvaksi renessanssia edeltävälle ajalle ja kuolemattomaksi kirjallisuuden mestariteokseksi.

Delacroix yrittää löytää suoran vastauksen aikalaistensa sydämiin oman sydänsurunsa kautta. Tuon ajan nuoret palavat vapaudella ja sorron vihasta, ja myötätuntoavat Kreikan vapautussodan. Englannin romanttinen bard - Byron menee sinne taistelemaan. Delacroix näkee uuden aikakauden merkityksen konkreettisemman historiallisen tapahtuman - vapautta rakastavan Kreikan taistelun ja kärsimyksen - esittämisessä. Hän asuu tontilla, jossa turkkilaiset vangitsivat Kreikan Chios-saaren väestön. Vuoden 1824 salongissa Delacroix näyttää maalauksen "Verilöyly Chiosin saarella". mäkisen maaston loputtoman alueen taustalla. Taiteilija yhä huutaa tulipalojen ja rauhoittamattoman taistelun savusta, ja taiteilija näyttää useita haavoittuneita, uupuneita naisia \u200b\u200bja lapsia. Heille jäi viimeiset vapauden minuutit ennen vihollisten lähestymistä. Oikealla kasvavalla hevosella oleva turkki näyttää roikkuvan koko etualalla ja monilla siellä olevilla kärsivillä. Kauniit ruumiit, täysien ihmisten kasvot. Muuten, Delacroix kirjoitti myöhemmin siitä, kuinka taiteilijat tekivät kreikkalaisesta veistoksesta hieroglyfit, jotka kätkivät kasvojen ja hahmojen todellisen kreikkalaisen kauneuden. Mutta paljastaen "sielun kauneuden" kukistettujen kreikkalaisten kasvot, maalari dramatisoi tapahtumia, jotka yhden dynaamisen jännitteen ylläpitämiseksi siirtyvät viikun kulmien muodonmuutoksiin. . Nämä "virheet" jo "ratkaistiin" Gericaultin teoksessa, mutta Delacroix osoittaa jälleen kerran romanttisen uskon, jonka mukaan maalaus ei "ole tilanteen totuus, vaan tunteen totuus".

Vuonna 1824 Delacroix menetti ystävänsä ja opettajansa Gericaultin. Ja hänestä tuli uuden maalauksen johtaja.

Vuodet kuluivat. Kuvia ilmestyi yksi kerrallaan: "Kreikka Missalungan raunioilla", "Sardanapalusin kuolema" Taiteilijasta tuli syrjäytetty taiteilijan virallisissa piireissä. Mutta vuoden 1830 heinäkuun vallankumous muutti tilannetta. Hän sytyttää taiteilijan voittojen ja saavutusten romanssilla. Hän maalaa kuvan "Vapaus barrikadeilla".

Vuonna 1831 ranskalaiset näkivät Pariisin salonissa ensimmäistä kertaa Eugene Delacroix'n maalauksen "Vapaus barrikadeilla", joka oli omistettu vuoden 1830 heinäkuun vallankumouksen "kolmelle loistavalle päivälle". Kangas teki hämmästyttävän vaikutelman aikalaisille voimallaan, demokratialla ja taiteellisen ratkaisun rohkeudella. Legendan mukaan eräs kunnioitettava porvaristo huudahti: ”Sanotko - koulun päällikkö? Parempi sanoa - kapinan pää! " Salongin sulkemisen jälkeen hallitus pelästyi maalauksen valtavasta ja inspiroivasta vetoomuksesta ja kiirehti palauttamaan sen tekijälle. Vuoden 1848 vallankumouksen aikana se asetettiin jälleen julkiseen esitykseen Luxemburgin palatsissa. Ja he palauttivat sen jälleen taiteilijalle. Vasta sen jälkeen, kun kangas oli esillä Pariisin maailmannäyttelyssä vuonna 1855, se pääsi Louvreen. Siellä on edelleen tämä yksi ranskalaisen romantiikan parhaista luomuksista - innoitettu silminnäkijöiden todistus ja ikuinen muistomerkki ihmisten taistelulle heidän vapaudestaan.

Minkä taiteellisen kielen nuori ranskalainen romanttinen löysi yhdistääkseen nämä kaksi näennäisesti vastakkaista periaatetta - laaja, kaikkea kattava yleistys ja konkreettinen todellisuus, julma alastomuudessaan?

Pariisi kuuluisista heinäkuista 1830. Ilma on kyllästynyt harmaalla savulla ja pölyllä. Kaunis ja upea kaupunki, joka katoaa jauheesta. Etäisyydessä, tuskin havaittavissa, mutta ylpeänä nousevat Notre Damen katedraalin tornit - historian, kulttuurin ja ranskalaisen hengen symboli. Sieltä, savuisesta kaupungista, barrikadejen raunioiden yli, kuolleiden toveriensa ruumiiden yli, kapinalliset astuvat itsepäisesti ja päättäväisesti eteenpäin. Jokainen heistä voi kuolla, mutta kapinallisten askel on horjumaton - heidät innostaa tahdon voittaa, vapauteen.

Tämä inspiroiva voima ilmentyy kauniin nuoren naisen kuvassa, intohimoisessa impulssissa, joka kutsuu häntä. Hänellä on ehtymätön energia, vapaa ja nuorekas liikkumisnopeus kuin Kreikan jumalatar

niken voitto. Hänen vahva hahmonsa on pukeutunut chiton-mekkoon, hänen kasvonsa täydellisillä piirteillä, hehkuvilla silmillä on kääntynyt kapinallisten suuntaan. Yhdessä kädessään hänellä on Ranskan kolmivärinen lippu, toisessa - ase. Pään päällä on frygialainen korkki - muinainen orjuudesta vapautumisen symboli. Hänen askeleensa on nopea ja kevyt - näin jumalattaret astuvat. Samanaikaisesti naisen kuva on todellinen - hän on ranskalaisten tytär. Hän on ryhmän liikkeen ohjaava este barrikadeilla. Siitä, kuten valonlähteestä energian keskellä, säteet säteilevät, latautuvat janoon ja tahtoon voittoon. Ne, jotka ovat sen välittömässä läheisyydessä, kukin omalla tavallaan, ilmaisevat osallistumisensa tähän inspiroivaan ja inspiroivaan vetoomukseen.

Oikealla on poika, pariisilainen gameman, joka heiluttaa pistooleja. Hän on lähinnä vapautta, ja hänet innostaa tavallaan hänen innostuksensa ja ilonsa vapaasta impulssista. Nopeassa, poikimaisesti kärsimättömässä liikkeessä hän on edes innoittajaansa edessään. Tämä on legendaarisen Gavrochen edeltäjä, jonka Victor Hugo kuvasi kaksikymmentä vuotta myöhemmin teoksessa Les Miserables: ”Gavroche, täynnä inspiraatiota, säteilevä, otti tehtävän panna koko asia liikkeelle. Hän ruiskutti edestakaisin, nousi ylös ja laski

alas, nousi uudestaan, äänitti, loihti ilosta. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä hän tuli tänne piristämään kaikkia. Onko hänellä mitään kannustinta tähän? Kyllä, tietysti, hänen köyhyytensä. Onko hänellä siipiä? Kyllä, tietysti, hänen iloinen. Se oli jonkinlainen pyörremyrsky. Hän näytti täyttävän ilman, ollessaan läsnä kaikkialla samanaikaisesti ... Valtavat barrikadit tunsivat hänet harjanteellaan. "

Gavroche Delacroixin maalauksessa on nuoruuden persoonallisuus, "ihana impulssi", iloinen hyväksyntä vapauden kirkkaalle ajatukselle. Kaksi kuvaa - Gavroche ja Svoboda - näyttävät täydentävän toisiaan: toinen on tuli, toinen on siitä sytytetty soihtu. Heinrich Heine kertoi kuinka Gavrochen hahmo herätti pariisilaisilta vilkkaan vastauksen. "Helvetti! ruokakauppa huudahti: "Nämä pojat taistelivat kuin jättiläiset!"

Vasemmalla on opiskelija, jolla on ase. Aikaisemmin sitä pidettiin taiteilijan omakuvana. Tämä kapinallinen ei ole niin nopea kuin Gavroche. Hänen liikkeensa on hillitty, keskittyneempi, mielekkäämpi. Kädet tarttuvat luottavaisesti aseen piippuun, kasvot ilmaisevat rohkeutta, lujaa päättäväisyyttä seistä loppuun asti. Tämä on syvästi traaginen kuva. Opiskelija on tietoinen kapinallisten kärsimien menetysten väistämättömyydestä, mutta uhrit eivät pelkää häntä - vapauden tahto on vahvempi. Yhtä rohkea ja päättäväinen työntekijä, jolla on sapeli, seisoo hänen takanaan. Haavoittunut mies on vapauden jalkojen edessä. Hän nousee vaikeuksin voidakseen jälleen katsoa ylöspäin Vapauteen nähdäkseen ja tuntea koko sydämestään kauneuden, jonka vuoksi hän hukkuu. Tämä hahmo tuo dramaattisen alun Delacroix'n kankaan äänelle. Jos Gavrochen, Svobodan, opiskelijan, työntekijän kuvat ovat melkein symboleja, vapauden taistelijoiden sitkeän tahdon ruumiillistuma - innostaa ja kehottaa katsojaa, haavoittunut vetoaa myötätuntoon. Ihminen jättää hyvästit Vapaudelle, hyvästää elämän. Hän on edelleen impulssi, liike, mutta jo häipyvä impulssi.

Hänen hahmonsa on siirtymäkauden. Katsojien katsaus, joka kapinallisten vallankumouksellisesta päättäväisyydestä on edelleen noituudutettu ja karkotettu, laskeutuu barrikadin juurelle peitettynä loistavien kuolleiden sotilaiden ruumiilla. Kuolema on taiteilijan esittämä kaikessa alastomuudessa ja ilmeisyydessä. Näemme kuolleiden siniset kasvot, heidän alastoman ruumiinsa: taistelu on armoton ja kuolema on sama väistämätön kapinallisten kumppani, kuten kaunis innoittaja Vapaus.

Mutta ei aivan sama! Kuvan alareunassa olevasta kauheasta näkymästä kohotamme jälleen katseemme ja näemme nuoren kauniin hahmon - ei! elämä voittaa! Ajatus vapaudesta, joka ilmentyy niin näkyvästi ja konkreettisesti, on suunnattu niin tulevaisuuteen, ettei kuolema sen nimessä ole kauhea.

Taiteilija kuvaa vain pienen ryhmän kapinallisia, eläviä ja kuolleita. Mutta barrikadin puolustajat näyttävät epätavallisen lukuisilta. Koostumus on rakennettu siten, että taistelijaryhmä ei ole rajoitettu eikä sinänsä suljettu. Hän on vain osa loputtomasta ihmisten lumivyörystä Taiteilija antaa ikään kuin fragmentin ryhmästä: kuvakehys katkaisee hahmot vasemmalta, oikealta, alhaalta.

Yleensä väri Delacroixin teoksissa saa akuutin emotionaalisen äänen, sillä on hallitseva rooli dramaattisen vaikutelman luomisessa. Maalit, joskus raivoavat, joskus haalistuvat, mykistetyt, luovat jännittyneen ilmapiirin. Barricadesin vapaudessa Delacroix poikkeaa tästä periaatteesta. Taiteilija välittää taistelun ilmapiirin erittäin tarkasti, erehtymättömästi valitsemalla maalin, levittämällä sitä laajalla vedolla.

Mutta värimaailma on hillitty. Delacroix keskittyy muodon reliefimallinnukseen. Tätä edellytti kuvan kuvallinen ratkaisu. Loppujen lopuksi taiteilija, joka kuvaa tietyn eilisen tapahtuman, loi myös muistomerkin tälle tapahtumalle. Siksi luvut ovat melkein veistoksellisia. Siksi jokainen hahmo, joka on osa yhtä kokonaiskuvaa, muodostaa myös itsessään suljetun, edustaa täydelliseen muotoon valettua symbolia. Siksi väri ei vain emotionaalisesti vaikuta katsojan tunteisiin, vaan sillä on myös symbolinen kuormitus. Ruskeanharmaassa tilassa, täällä ja siellä, juhlallinen kolmikko punaista, sinistä, valkoista - vuoden 1789 Ranskan vallankumouksen lipun värit syttyvät. Näiden värien toistuva tuki tukee kolmivärisen lipun voimakasta sointua, joka leijuu barrikadeilla.

Delacroix'n maalaus "Vapaus barrikadeilla" on laajuudeltaan monimutkainen, suurenmoinen teos. Siinä yhdistyvät suoraan nähdyn tosiasian luotettavuus ja kuvien symboliikka; realismi, brutaalin naturalismin saavuttaminen ja ihanteellinen kauneus; karkea, kauhea ja ylevä, puhdas.

Maalaus "Vapaus barrikadeilla" vahvisti romantismin voiton ranskalaisessa maalauksessa. 30-luvulla kaksi muuta historiallista maalausta: "Poitiersin taistelu" ja "Liegeen piispan murha".

Vuonna 1822 taiteilija vieraili Pohjois-Afrikassa, Marokossa, Algeriassa. Matka teki hänelle pysyvän vaikutelman. 50-luvulla hänen teoksessaan ilmestyi maalauksia tämän matkan muistojen innoittamana: "Lion Hunt", "Marokon satula hevonen" Kirkkaat kontrastivärit luovat romanttisen äänen näille kuville. Leveän iskun tekniikka näkyy heissä.

Romanttina Delacroix tallensi sielunsa tilan paitsi viehättävien kuvien kielellä, mutta myös kirjaimellisesti muotoili ajatuksensa. Hän kuvasi hyvin romanttisen taiteilijan luovaa prosessia, värikokeita, pohdintoja musiikin ja muun taiteen välillä. Hänen päiväkirjoistaan \u200b\u200btuli seuraavien sukupolvien taiteilijoiden suosikki.

Ranskalainen romanttinen koulu teki merkittäviä muutoksia veistosten (Rude ja hänen helpotuksensa "Marseillaise"), maisemamaalauksen (Camille Corot valoilma-kuvillaan Ranskan luonnosta) alalla.

Romantiikan ansiosta taiteilijan henkilökohtainen subjektiivinen visio on lain muotoinen. Impressionismi tuhoaa täysin taiteilijan ja luonnon välisen esteen julistaen taiteen vaikutelman. Romantiikat puhuvat taiteilijan fantasiasta, "hänen tunteidensa äänestä", jonka avulla voit lopettaa työn, kun päällikkö pitää sitä tarpeellisena, eikä niin kuin akateemiset täydellisyysstandardit vaativat.

Jos Gericaultin fantasiat keskittyivät liikkeen siirtoon, Delacroix - värin maagiseen voimaan, ja saksalaiset lisäsivät tähän tietyn "maalauksen hengen", niin espanja Francisco Goyan (1746-1828) edustamat romantikot osoittivat tyylin folkloreettisen alkuperän, sen fantasmagorisen ja groteskin luonteen. Goya itse ja hänen työnsä näyttävät kaukana tyylikkäistä puitteista, varsinkin kun taiteilijan oli usein noudatettava toteutusmateriaalin lakeja (esimerkiksi kun hän teki maalauksia kudottuihin kuvakudosmattoihin) tai asiakkaiden vaatimuksia.

Hänen fantasmagoriat tulivat esiin syövytyssarjoissa "Caprichos" (1797-1799), "Sodan katastrofit" (1810-1820), "Disparantes (" Madness ") (1815-1820), seinämaalaukset Kuurojen talossa ja San Antonio de la Floridan kirkossa Madridissa (1798). Vakava sairaus vuonna 1792. aiheutti taiteilijan täydellisen kuurouden. Fyysisen ja hengellisen trauman jälkeen mestarin taide muuttuu kohdennetummaksi, huomaavaisemmaksi, sisäisesti dynaamisemmaksi. Kuurouden vuoksi suljettu ulkoinen maailma aktivoi Goyan sisäisen hengellisen elämän.

Etsaus "Caprichos" Goya saavuttaa poikkeuksellisen voimakasta välittömiä reaktioita, kiihkeitä tunteita. Mustavalkoinen suorituskyky saa suurten pisteiden rohkean yhdistelmän, grafiikalle ominaisen lineaarisuuden puuttumisen ansiosta kaikki maalauksen ominaisuudet.

Madridin Goyan Pyhän Antoniuksen kirkon maalaus luo yhdellä hengityksellä. Aivohalvauksen luonne, sävellyksen lakonismi, hahmojen ominaisuuksien ilmeikkyys, jonka tyypin Goya otti suoraan joukosta, ovat silmiinpistäviä. Taiteilija kuvaa Anthony Floridan ihmeen, joka sai murhatun miehen nousemaan ja puhumaan, joka nimitti murhaajan ja näin pelasti syyttömän vanki teloituksesta. Kirkkaasti reagoivan väkijoukon dynamiikan välittää Goya sekä eleillä että kuvattavien kasvojen jäljittelyinä. Seinämaalausten jakamisen kirkon tilassa sävellysmaalauksessa taidemaalari seuraa Tiepoloa, mutta reaktio, jonka hän herättää katsojana, ei ole barokki, vaan puhtaasti romanttinen, joka vaikuttaa jokaisen katsojan tunteeseen ja kutsuu häntä kääntymään hän itse.

Ennen kaikkea tämä tavoite saavutetaan Conto del Sordon ("Kuurojen talo") maalauksessa, jossa Goya asui vuodesta 1819 lähtien. Huoneiden seinät on peitetty viisitoista fantastista ja allegorista luonnetta sisältävällä sävellyksellä. Niiden havaitseminen vaatii syvää empatiaa. Kuvat näyttävät jonkinlaisina visioina kaupungeista, naisista, miehistä jne. Värilliset, välkkyvät, vetävät yhden, sitten toisen kuvan. Maalaus kokonaisuutena on tumma, siinä vallitsevat valkoiset, keltaiset, punertavan punaiset täplät, jotka häiritsevät tunteita välähdyksissä. Sarjan kaiverruksia voidaan pitää graafisena rinnakkain kuurojen talon kanssa "Disparantes" .

Goya vietti viimeiset 4 vuotta Ranskassa. On epätodennäköistä, että hän tiesi, että Delacroix ei koskaan eronnut Caprichostaan. Enkä voinut ennakoida, kuinka Hugo ja Baudelaire vievät nämä etsaukset, kuinka suuren vaikutuksen hänen maalauksellaan Manetiin olisi ja kuinka XIX-luvun 80-luvulla. V. Stasov kutsuu venäläisiä taiteilijoita tutkimaan hänen "sodan katastrofeja"

Mutta me tämän huomioon ottaen tiedämme, kuinka suuren vaikutuksen tällä rohkean realistisen ja innoitetun romanttisen "tyylittömällä" taiteella oli 1800- ja 1900-lukujen taiteelliseen kulttuuriin.

Unelmien upea maailma toteutuu myös englantilaisen romanttisen taiteilijan William Blaken (1757-1827) teoksissa. Englanti oli romanttisen kirjallisuuden klassinen maa. Byron. Shelleystä tuli tämän liikkeen lippu kaukana ”sumuisen Albionin” rajojen ulkopuolella. Ranskassa lehtiartikkelissa "romanttisista taisteluista" romantikkoja kutsuttiin "Shakespearealisteiksi". Englantilaisen maalauksen pääpiirre on aina ollut kiinnostus ihmisiin, mikä antoi muotokuva-tyylilajille mahdollisuuden kehittyä hedelmällisesti. Maalauksen romantiikka liittyy hyvin läheisesti sentimentalismiin. Romantikkien kiinnostus keskiaikaan sai aikaan suuren historiallisen kirjallisuuden. Tunnettu mestari on W. Scott. Maalauksessa keskiajan teema määräsi niin sanottujen perafaeliittien ulkonäön.

William Blake on hämmästyttävä romanttinen tyyppi englantilaisessa kulttuurimaisemassa. Hän kirjoittaa runoja, havainnollistaa omia ja muiden kirjoja. Hänen lahjakkuutensa pyrki omaksumaan ja ilmaisemaan maailman kokonaisvaltaisesti. Tunnetuimpia hänen teoksistaan \u200b\u200bovat raamatullisen Jobin kirjan, Danten jumalallisen komedian, Miltonin kadonneen paratiisin kuvitukset. Hän asuu sävellyksissään titaanisilla sankareiden hahmoilla, jotka vastaavat heidän ympäristöään epärealistisessa valaistuneessa tai fantasmagorisessa maailmassa. Kapinallisen ylpeyden tai harmonian tunne, jota on vaikea luoda dissonansseista, täyttää hänen kuvituksensa.

Roomalaisen runoilijan Virgiluksen maisemakaiverrukset pastoraaleille näyttävät hieman erilaisilta - ne ovat idyllisesti romanttisempia kuin aiemmat teoksensa.

Blaken romantiikka yrittää löytää oman taiteellisen kaavansa ja muodonsa maailman olemassaolosta.

William Blake, joka oli elänyt äärimmäisen köyhässä ja hämärässä elämässä, luokiteltiin kuolemansa jälkeen englantilaisen taiteen klassikoiden joukkoon.

1800-luvun alun englantilaisten maisemamaalareiden työssä. romanttiset harrastukset yhdistyvät objektiivisempaan ja raittiimpaan näkemykseen luonnosta.

Romanttisesti kohotetut maisemat on luonut William Turner (1775-1851). Hän rakasti kuvata ukkosta, suihkua, myrskyjä merellä, kirkkaita, tulisia auringonlaskuja. Turner liioitti usein valaistuksen vaikutuksia ja vahvisti värien ääntä, vaikka maalasi rauhallisen luonnon. Paremman vaikutuksen saavuttamiseksi hän käytti vesiväritekniikkaa ja levitti öljymaalia erittäin ohuena kerroksena ja maalasi suoraan maahan saavuttaen värikkäitä sävyjä. Esimerkki olisi kuva "Sade, höyry ja nopeus" (1844). Mutta silloinkin tunnettu kriitikko Thackeray ei voinut oikein ymmärtää ehkä kaikkein innovatiivisinta kuvaa sekä suunnittelussa että toteutuksessa. "Sadetta osoittavat likaiset kittitahrat", hän kirjoitti, "ripoteltu kankaalle palettiveitsellä, auringonvalo hämärtyy himmeästi erittäin paksun likaisen keltaisen kromin alta. Varjoja välittävät kylmän sävyiset punertavat karmiininpunainen ja mykistetyt sinopelipisteet. Ja vaikka veturiuunin tulipalo näyttää punaiselta, en usko sanovan, ettei se olisi maalattu kabalttiin tai herneen väriin ”. Toinen kriitikko löysi Turnerin värimaailman ”munakokkelia ja pinaattia”. Myöhäisen Turnerin värit tuntuivat yleensä täysin käsittämättömiltä ja fantastisilta nykyajan. Kesti yli vuosisata nähdä heissä todellisten havaintojen rakeet. Mutta kuten muissakin tapauksissa, se oli täällä. Utelias tarina silminnäkijästä tai pikemminkin todistajasta "Sadetta, höyryä ja nopeutta" on syntynyt. Eräs rouva Simone ratsasti Western Expressin osastossa vanhemman herrasmiehen kanssa, joka istui häntä vastapäätä. Hän pyysi lupaa avata ikkuna, työnsi päänsä sateeseen ja oli tässä asennossa pitkään. Kun hän lopulta sulki ikkunan. Vesi virtasi hänestä virroina, mutta hän sulki silmänsä onnellisesti ja nojasi taaksepäin nauttien selvästi nähneestä. Utelias nuori nainen päätti kokea hänen tunteensa itsessään - hän myös pisti päänsä ikkunasta. Hänkin kastui. Mutta sain unohtumattoman vaikutelman. Kuvittele hänen yllätystään, kun vuosi myöhemmin Lontoon näyttelyssä hän näki "Sadetta, höyryä ja nopeutta". Joku hänen takanaan huomautti kriittisesti: ”Erittäin tyypillinen Turnerille, oikea. Kukaan ei ole koskaan nähnyt tällaista absurdien sekoitusta. " Ja hän, kykenemättä vastustamaan, sanoi: "Näin."

Ehkä tämä on ensimmäinen kuvaus junasta maalauksessa. näkökulma otetaan jostakin yläpuolelta, mikä mahdollisti laajan panoraamakattavuuden. Western Express lentää sillan yli ehdottoman poikkeuksellisella nopeudella (yli 150 km tunnissa). Lisäksi tämä on luultavasti ensimmäinen yritys kuvata valoa sateen kautta.

Englantilainen taide 1800-luvun puolivälissä. kehitetty aivan eri suuntaan kuin Turnerin maalaus. Vaikka hänen taitonsa tunnustettiin yleisesti, kukaan nuorista ei seurannut häntä.

Turneria on pitkään pidetty impressionismin edeltäjänä. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä ranskalaisten taiteilijoiden olisi pitänyt kehittää edelleen hänen valonvärihakua. Mutta näin ei ole lainkaan. Itse asiassa mielipide Turnerin vaikutuksesta impressionistiin palaa Paul Signacin kirjaan Delacroixista uusimpressionismiin, joka julkaistiin vuonna 1899 ja jossa hän kuvaili kuinka ”vuonna 1871 pitkäaikaisen lontoolaisen oleskelunsa aikana Claude Manet ja Camille Pissarro löysivät Turnerin. He hämmästyivät hänen väriensä luottavaisesta ja maagisesta laadusta, tutkivat hänen töitään, analysoivat hänen tekniikkaansa. Aluksi he olivat hämmästyneitä hänen lumen ja jään renderoinnista, järkyttyneinä tavasta, jolla hän onnistui välittämään tuntemuksen lumen valkoisuudesta, jota he itse eivät voineet, suurten hopeanvalkoisten, litteästi asetettujen täplien avulla leveillä siveltimen vedoilla. He näkivät, että tätä vaikutelmaa ei saavutettu pelkällä kalkinnalla. Ja massa monivärisiä aivohalvauksia. Vahingoitti vierekkäin, mikä vaikutti kaukaa katsottuna. "

Näinä vuosina Signac etsi kaikkialta vahvistusta pointillismiteoriaansa. Mutta yksikään Turnerin maalauksista, joita ranskalaiset taiteilijat voisivat nähdä kansallisgalleriassa vuonna 1871, ei sisällä Signacin kuvaamaa pointillismitekniikkaa, aivan kuten ei ole "leveitä valkoisia täpliä". Turnerin vaikutus ranskalaisiin ei ollut vahvempi vuonna 1870 - e, ja 1890-luvulla.

Paul Signac opiskeli Turneria tarkkaavimmin - paitsi impressionismin edeltäjänä, josta hän kirjoitti kirjassaan, myös suurena innovatiivisena taiteilijana. Signac kirjoitti ystävälleen Angranille Turnerin myöhäisistä maalauksista "Sade, höyry ja nopeus", "Pakolainen", "Aamu" ja "Tulvan ilta": "Nämä eivät ole enää maalauksia, vaan värien (polykromiinin) kasautumia, jalokivet, maalaus sanan upeassa merkityksessä ”.

Signacin innostunut arvio loi perustan Turnerin taiteellisen pyrkimyksen nykyaikaiselle ymmärtämiselle. Mutta viime vuosina sattuu joskus, että he eivät ota huomioon hänen etsintäsuunnansa tekstikehystä ja monimutkaisuutta, valitsevat yksipuolisesti esimerkkejä todella keskeneräisistä Turnerin ”alamaalauksista”, he yrittävät löytää hänestä impressionismin edeltäjän.

Kaikista uusimmista taiteilijoista vertailu ehdottaa luonnollisesti Monetä, joka itse tunnisti Turnerin vaikutuksen häneen. On jopa yksi juoni, joka on täysin samanlainen kuin molemmat, nimittäin Rouenin katedraalin länsimainen portaali. Mutta jos Monet antaa meille luonnoksen rakennuksen auringonvalosta, hän ei anna meille goottilaista, vaan jonkinlaista alastonta mallia, Turnerissa ymmärrät, miksi tämä aihe kantoi taiteilijaa, joka on täysin uppoutunut luontoon. kuva on juuri se yhdistelmä ylivoimaista kokonaisuuden loistoa ja ääretöntä, joka on silmiinpistävää yksityiskohdista, mikä tuo goottilaisen taiteen luomisen lähemmäksi luonnon teoksia.

Englantilaisen kulttuurin ja romanttisen taiteen erityisluonne avasi mahdollisuuden ilmestyä ensimmäisen plein air -taiteilijan, joka loi perustan 1800-luvun luonnon valo- ja ilmakuvalle, John Constable (1776-1837). Englantilainen konstaapeli valitsi maiseman maalauksensa päälajiksi: ”Maailma on suuri; ei ole kahta samanlaista päivää tai edes kahta samanlaista tuntia; maailman luomisesta yhdelle puulle ei ollut kahta samanlaista lehteä, ja kaikki aidon taiteen teokset, kuten luonnon luomukset, eroavat toisistaan \u200b\u200b", hän sanoi.

Konstaapeli maalasi suuria luonnoksia öljyssä tasaiselle ilmalle hienovaraisella havainnolla erilaisista luonnon tiloista, joissa hän onnistui välittämään luonnon sisäisen elämän ja sen jokapäiväisen elämän monimutkaisuuden. ("Näkymä Highgatelle Hempstead Hillsistä" , OK. 1834; "Hay cart", 1821; "Dethemin laakso", noin vuonna 1828). Suoritettiin tähän kirjoitustekniikoilla. Hän maalasi liikkuvilla vedoilla, toisinaan paksulla ja karkealla, toisinaan sileämmällä ja läpinäkyvämmällä. Impressionistit pääsevät tähän vasta vuosisadan lopussa. Constablein innovatiivinen maalaus vaikutti Delacroix'n töihin sekä koko Ranskan maiseman kehitykseen.

Konstaapelin taide, samoin kuin monet Gericaultin työn piirteet, merkitsivät 1800-luvun eurooppalaisessa taiteessa realistisen suuntauksen syntymistä, joka alun perin kehittyi romantismin rinnalla. Myöhemmin he erosivat toisistaan.

Romantiikat avaavat ihmissielun maailman, yksilöllisen, toisin kuin kukaan muu, mutta vilpitön ja siksi lähellä kaikkea aistillista näkemystä maailmasta. Kuvan hetkellisyys maalauksessa, kuten Jelacroix sanoi, eikä sen johdonmukaisuus kirjallisuudessa, määritteli taiteilijoiden tavoitteen monimutkaisimmasta liikkeen siirrosta, jonka vuoksi löydettiin uusia muodollisia ja koloristisia ratkaisuja. Romantiikka jätti perinnön 1800-luvun toiselle puoliskolle. kaikki nämä ongelmat ja taiteellinen yksilöllisyys, vapautettu akademismin säännöistä. Symboli, jonka romantikkojen piti ilmaista ajatuksen ja elämän olennainen yhteys 1800-luvun jälkipuoliskon taiteessa. liukenee taiteellisen kuvan moniäänisyyteen vangitsemalla ideoiden ja ympäröivän maailman monimuotoisuuden.

b) Musiikki

Ajatus taiteiden synteesistä löytyi romantismin ideologiasta ja käytännöstä. Romantiikka musiikissa muotoutui 1800-luvun 20-luvulla romantiikkakirjallisuuden vaikutuksesta ja kehittyi läheisessä yhteydessä siihen, kirjallisuuteen yleensä (vetoomus synteettisiin genreihin, lähinnä oopperaan, lauluun, instrumentaaliseen miniatyyriin ja musiikilliseen ohjelmistoon) ). Romantiikalle ominainen vetovoima ihmisen sisämaailmaan ilmaistiin subjektiivisen, emotionaalisesti voimakkaan halun kultissa, joka määräsi musiikin ja sanoitusten ensisijaisuuden romanttisuudessa.

1800-luvun ensimmäisen puoliskon musiikkia kehittyi nopeasti. Uusi musiikkikieli on ilmestynyt; instrumentaali- ja kamarilaulumusiikissa miniatyyreillä on erityinen paikka; orkesteri kuulosti vaihtelevalla värivalikoimalla; pianon ja viulun mahdollisuudet paljastettiin uudella tavalla; romantikkojen musiikki oli hyvin virtuoosi.

Musiikkiromantiikka ilmeni monissa eri haaroissa, jotka liittyivät erilaisiin kansallisiin kulttuureihin ja erilaisiin sosiaalisiin liikkeisiin. Esimerkiksi saksalaisten romantikkojen intiimi, lyyrinen tyyli ja ranskalaisten säveltäjien teoksille ominainen "oratorinen" kansalaispathos eroavat merkittävästi. Laajan kansallisen vapautusliikkeen pohjalta syntyneiden uusien kansalliskoulujen edustajat (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg) sekä italialaisen oopperakoulun edustajat, jotka ovat läheisesti yhteydessä Risorgimento-liikkeeseen (Verdi , Bellini), eroavat monin tavoin aikalaisistaan \u200b\u200bSaksassa, Itävallassa tai Ranskassa, erityisesti taipumus säilyttää klassiset perinteet.

Siitä huolimatta ne kaikki on merkitty joillakin yhteisillä taiteellisilla periaatteilla, joiden avulla voimme puhua yhdestä romanttisesta ajatusrakenteesta.

Koska musiikilla on erityinen kyky paljastaa syvästi ja tunkeutuvasti ihmiskokemuksen rikas maailma, romanttinen estetiikka asettaa sen ensimmäiselle sijalle muiden taiteiden joukossa. Monet romantikot korostivat musiikin intuitiivista alkua ja pitivät kykynä ilmaista ”tuntematon”. Erinomaisten romanttisten säveltäjien teoksilla oli vankka realistinen perusta. Kiinnostus tavallisten ihmisten elämään, elämän täyteys ja tunteiden totuus, luottaminen jokapäiväisen elämän musiikkiin määrittivät musiikkiromantiikan parhaiden edustajien luovuuden realismin. Reaktiotaipumukset (mystiikka, paeta todellisuudesta) ovat luontaisia \u200b\u200bvain suhteellisen pienessä määrässä romantikkojen teoksia. Ne ilmenivät osittain Weberin oopperassa "Euryant" (1823), joissakin Wagnerin musiikkidraamissa, Lisztin oratoriossa "Kristus" (1862) jne.

1800-luvun alkuun mennessä perustutkimus kansanperinnöstä, historiasta, muinaisesta kirjallisuudesta ilmestyi, keskiaikaiset legendat, goottilainen taide ja renessanssin kulttuuri olivat elvyttämässä. Tuolloin Euroopan sävellystyössä perustettiin monia erityistyyppisiä kansallisia kouluja, joiden oli tarkoitus laajentaa merkittävästi yhteisen eurooppalaisen kulttuurin rajoja. Venäjän kieli, joka otti pian, ellei ensimmäisen, sitten maailman kulttuuriluovuuden ensimmäisen sijan (Glinka, Dargomyzhsky, "kuchkistit", Tšaikovski), puolan (Chopin, Moniuszko), tšekin (Smetana, Dvorak), unkarin (Liszt) ), sitten norja (Grieg), espanja (Pedrell) suomi (Sibelius), englanti (Elgar) - ne kaikki sulautuessaan Euroopan säveltäjän luovuuden yleiseen kanavaan eivät millään tavalla vastustaneet itseään vakiintuneisiin muinaisiin perinteisiin. Syntyi uusi kuvapiiri, joka ilmaisi kansallisen kulttuurin ainutlaatuiset kansalliset piirteet, johon säveltäjä kuului. Teoksen intonaatiorakenteen avulla voit heti korvalla tunnistaa kuulumisen yhteen tai toiseen kansalliseen kouluun.

Säveltäjät käsittävät maansa vanhan, enimmäkseen talonpoikaisen kansanperinteen intonaatiokäännökset eurooppalaiselle musiikkikielelle. He ikään kuin puhdistivat venäläisen kansanlaulun lakatusta oopperasta, esittivät kansanmusiikkikappaleiden käännökset 1700-luvun kosmopoliittiseen intonaatiojärjestelmään. Romanttisen musiikin silmiinpistävin ilmiö, joka on erityisen selvästi havaittu verrattuna klassismin kuvaannolliseen alueeseen, on lyyrisen ja psykologisen periaatteen hallitsevuus. Tietysti musiikkitaiteen erottuva piirre yleensä on minkä tahansa ilmiön taittuminen tunteiden läpi. Kaikkien aikakausien musiikki on tämän mallin alainen. Mutta romantikot ylittivät kaikki edeltäjänsä lyyrisen periaatteen arvon suhteen heidän musiikissaan, voimassaan ja täydellisyydessään välittäessään ihmisen sisäisen maailman syvyyksiä, mielialan hienovaraisimpia sävyjä.

Rakkauden teema on siinä hallitseva paikka, sillä juuri tämä mielentila heijastaa kattavimmin ja täydellisesti ihmisen psyyken kaikkia syvyyksiä ja vivahteita. Mutta on erittäin ominaista, että tämä aihe ei rajoitu rakkauden motiiveihin sanan kirjaimellisessa merkityksessä, vaan se identifioidaan laajimpien ilmiöiden kanssa. Sankarien puhtaasti lyyriset kokemukset paljastuvat laajan historiallisen panoraaman taustalla. Ihmisen rakkaus kotiinsa, isänmaahan, kansaansa kohtaan - jatkuva lanka kulkee kaikkien säveltäjien - romantikkojen - teoksessa.

Pienissä ja suurissa musiikkiteoksissa on valtava paikka luonnonkuvaan, joka on läheisesti ja erottamattomasti sidoksissa lyyrisen tunnustuksen teemaan. Rakkauden kuvien tavoin myös luonnon kuva personoi sankarin mielentilan, jota usein värjää epätasapainon tunne todellisuuden kanssa.

Fantasian teema kilpailee usein luonnon kuvien kanssa, mikä luultavasti syntyy halusta paeta tosielämän vankeudesta. Romantikoille tyypillisiä ovat ihmeellisen maailman etsiminen, joka värillisillä rikkailla väreillä vastustaa harmaata jokapäiväistä elämää. Näinä vuosina kirjallisuus rikastui satuilla, venäläisten kirjailijoiden balladeilla. Romanttisen koulun säveltäjillä on upeat, upeat kuvat, jotka saavat ainutlaatuisen kansallisen värin. Venäläisten kirjailijoiden innoittamat balladit luovat tämän ansiosta upeita groteskisuunnitelmia, jotka symboloivat ikäänkuin uskon saumaavaa puolta ja pyrkivät kääntämään pahan voimien pelon ajatukset.

Monet romanttiset säveltäjät esiintyivät myös musiikin kirjoittajina ja kriitikoina (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt jne.). Progressiivisen romantiikan edustajien teoreettinen työ vaikutti erittäin merkittävästi musiikkitaiteen tärkeimpien kysymysten kehittämiseen. Romantiikka löysi ilmaisun esittävistä taiteista (viulisti Paganini, laulaja A. Nurri ja muut).

Romantiikan progressiivinen merkitys tänä aikana on pääasiassa toiminnassa Franz Liszt ... Lisztin luovuus oli ristiriitaisesta maailmankuvasta huolimatta periaatteessa progressiivinen, realistinen. Yksi unkarilaisen musiikin perustajista ja klassikoista, erinomainen kansallinen taiteilija.

Monissa Lisztin teoksissa Unkarin kansalliset teemat heijastuvat laajasti. Lisztin romanttiset, virtuoosiset sävellykset laajensivat pianonsoiton teknisiä ja ilmeellisiä mahdollisuuksia (konsertit, sonaatit). Lisztin yhteydet venäläisen musiikin edustajiin olivat merkittäviä, joiden töitä hän aktiivisesti edisti.

Samalla Lisztillä oli tärkeä rooli maailman musiikkitaiteen kehityksessä. Lisztin jälkeen "pianolle oli kaikki mahdollista". Hänen musiikkinsa tunnusmerkkejä ovat improvisaatio, tunteiden romanttinen kohottaminen, ilmeikäs melodia. Liszt on arvostettu säveltäjänä, esiintyjänä, musiikkihahmona. Suuret säveltäjän teokset: ooppera Don Sancho tai rakkauden linna "(1825), 13 sinfonista runoa" Tasso ”, ” Prometheus ”, “Hamlet ”Ja muut, teokset orkesterille, 2 konserttoa pianolle ja orkesterille, 75 romanssia, kuoroja ja muita yhtä kuuluisia teoksia.

Yksi ensimmäisistä romanttisuuden ilmaisuista musiikissa oli luovuus Franz Schubert (1797-1828). Schubert meni musiikin historiaan suurimpana musiikkiromantiikan perustajista ja useiden uusien tyylilajien luojana: romanttinen sinfonia, piano-miniatyyri, lyyris-romanttinen kappale (romanssi). Suurin merkitys hänen työssään on laulu, jossa hän osoitti erityisen monia innovatiivisia taipumuksia. Schubertin kappaleissa paljastuu syvimmin ihmisen sisäinen maailma, yhteys kansanmusiikkiin jokapäiväisessä elämässä on hänelle havaittavissa, yksi hänen lahjakkuutensa merkittävimmistä piirteistä ilmenee selkeimmin - hämmästyttävä vaihtelu, kauneus melodioiden viehätys. Alkuvaiheen parhaita kappaleita ovat mm. Margarita kehruupyörällä ”(1814) , “Metsäkuningas ”. Molemmat kappaleet on kirjoittanut Goethe sanoin. Ensimmäisessä heistä hylätty tyttö muistaa rakkaansa. Hänellä on yksinäinen ja syvä kipu, hänen laulunsa on surullinen. Yksinkertainen ja sielukas melodia toistaa vain tuulen yksitoikkoinen humina. "Metsäkuningas" on monimutkainen pala. Tämä ei ole laulu, vaan dramaattinen kohtaus, jossa kolme hahmoa ilmestyy edessämme: isä, joka laukkaa hevosella metsän läpi, sairas lapsi, jota hän kantaa mukanaan, ja valtava metsäkuningas, joka ilmestyy pojalle kuumeinen delirium. Jokaisella heistä on oma melodinen kielensä. Schubertin kappaleet "Trout", "Barcarolla", "Morning Serenade" eivät ole vähemmän kuuluisia ja rakastettuja. Myöhempinä vuosina kirjoitetut kappaleet erottuvat yllättävän yksinkertaisella ja ilmeikkäällä melodialla, raikkailla väreillä.

Schubert kirjoitti myös kaksi sykliä kappaleita - “ Ihana jyrsijä "(1823) ja" Talvi polku ”(1872) - saksalaisen runoilijan Wilhelm Müllerin sanoihin. Jokaisessa niistä kappaleet yhdistää yksi juoni. "Kaunis Miller" -syklin kappaleet kertovat nuoresta pojasta. Seuraten virtavirtaa hän lähtee matkalle etsimään onneaan. Suurimmalla osalla tämän syklin kappaleista on kevyt luonne. Talvipolun jakson tunnelma on täysin erilainen. Rikas morsian hylkää köyhän nuoren miehen. Epätoivoissaan hän lähtee kotikaupungistaan \u200b\u200bja lähtee vaeltaa maailmaa. Sen seuralaiset ovat tuuli, lumimyrsky, pahaenteisesti kuriseva varis.

Muutama tässä annettu esimerkki antaa meille mahdollisuuden puhua Schubertin laulunkirjoituksen erityispiirteistä.

Schubert oli kovasti kirjoittamassa musiikkia pianolle ... Tätä instrumenttia varten hän kirjoitti valtavan määrän teoksia. Kuten kappaleet, hänen pianoteokset olivat lähellä jokapäiväistä musiikkia ja yhtä yksinkertaisia \u200b\u200bja selkeitä. Hänen suosikki tyylilajinsa olivat tanssit, marssit ja elämänsä viimeisinä vuosina - improvisoitu.

Valsseja ja muita tansseja esiintyi yleensä Schubertin kanssa palloissa, maastokävelyillä. Siellä hän improvisoi heidät ja äänitti ne kotona.

Jos verrataan Schubertin pianokappaleita hänen kappaleisiinsa, löydät monia yhtäläisyyksiä. Ensinnäkin se on suuri melodinen ilmeikkyys, armo, värikäs rinnakkainen duuri ja molli.

Yksi suurimmista ranskan kieli 1800-luvun toisen puoliskon säveltäjät olivat Georges Bizet , musiikkiteatterin kuolemattoman luomuksen luoja - ooppera “Carmen "Ja upeaa musiikkia Alphonse Daudetin draamalle" Arlesialainen ”.

Bizetin teokselle on ominaista ajatuksen tarkkuus ja selkeys, ilmaisukeinojen uutuus ja tuoreus, täydellisyys ja muodon armo. Bizetille on ominaista psykologisen analyysin terävyys ihmisten tunteiden ja tekojen ymmärtämisessä, mikä on ominaista säveltäjän suurten maanmiehien - kirjailijoiden Balzacin, Flaubertin, Maupassantin - teoksille. Tyyliltään monimuotoinen Bizetin teoksen keskeinen paikka kuuluu oopperaan. Säveltäjän oopperataide syntyi kansallisella maaperällä, ja sitä ravitsivat ranskalaisen oopperatalon perinteet. Bizet uskoi, että hänen työnsä ensimmäinen tehtävä oli voittaa ranskalaisessa oopperassa esiintyvät tyylilajirajoitukset, jotka estävät sen kehitystä. ”Bolshoi” -ooppera tuntuu hänelle kuolleelta genriltä, \u200b\u200blyriikalta - ärsyttää kyyneleellisyydellään ja filistiläisellä kapea-aikaisuudellaan, koominen ansaitsee huomiota enemmän kuin muut. Ensimmäistä kertaa Bizetin oopperassa oopperassa esiintyy mehukas ja vilkas arkipäivä ja massanäkymät, jotka ennakoivat elämää ja eläviä kohtauksia.

Bizetin musiikki Alphonse Daudetin draamaan "Arlesian ”Tunnetaan pääasiassa kahdesta parhaimmista numeroistaan \u200b\u200bkoostuvasta konserttisviitistä. Bizet käytti joitain aitoja provencelaisia \u200b\u200bmelodioita : "Kolmen kuninkaan marssi" ja "Frisky-hevosten tanssi".

Opera Bizet " Carmen ”Onko musiikkidraama, joka avautuu katsojan edessä vakuuttavalla totuudellisuudella ja henkeäsalpaavalla taiteellisella voimalla, on tarina sankareidensa: sotilas Jose ja mustalainen Carmen - rakkaudesta ja kuolemasta. Opera Carmen luotiin ranskalaisen musiikkiteatterin perinteiden pohjalta, mutta samalla se toi mukanaan paljon uutta. Luotuaan kansallisen oopperan parhaisiin saavutuksiin ja uudistamalla sen tärkeimmät elementit, Bizet loi uuden tyylilajin - realistisen musiikkidraaman.

Ooppera Carmen on yksi ensimmäisistä paikoista 1800-luvun oopperatalon historiassa. Vuodesta 1876 lähtien hänen voitokkaan kulkueensa alkaa oopperatalojen näyttämöillä Wienissä, Brysselissä, Lontoossa.

Henkilökohtaisen suhteen ilmentyminen ympäristöön ilmaistiin runoilijoissa ja muusikoissa ensisijaisesti lausunnon spontaanisuudessa, emotionaalisessa "avoimuudessa" ja intohimossa, halussa vakuuttaa kuuntelija tunnustusäänen lakkaamaton jännitys tai tunnustus.

Näillä taiteen uusilla suuntauksilla oli ratkaiseva vaikutus ulkonäköön lyyrinen ooppera ... Se syntyi "suuren" ja koomisen oopperan vastakohtana, mutta se ei voinut ohittaa heidän valloituksiaan ja saavutuksiaan oopperadraaman ja musiikillisen ilmaisuvälineen alalla.

Uuden oopperalajin erottuva piirre on minkä tahansa kirjallisuuden juoni - historiallisessa, filosofisessa tai nykyaikaisessa teoksessa. Lyrisen oopperan sankareilla on tavallisten ihmisten piirteet, ilman romanttisen oopperan yksinoikeutta ja liioittelua. Lyric-oopperan merkittävin taiteilija oli Charles Gounod.

Gounodin melko lukuisan oopperaperinnön joukossa ooppera “ Faust " on erityinen ja, voidaan sanoa, poikkeuksellinen paikka. Hänen maailmanlaajuinen maine ja suosio ovat vertaansa vailla missään muussa Gounodin oopperassa. Faust-oopperan historiallinen merkitys on erityisen suuri, koska se ei ollut vain paras, vaan pohjimmiltaan ensimmäinen uuden suunnan oopperoiden joukossa, josta Tšaikovski kirjoitti: "On mahdotonta kieltää, että Faust kirjoitettiin, ellei loistavasti, sitten poikkeuksellisen taitavasti eikä ilman merkittävää identiteettiä. " Faustin kuvana hänen tietoisuutensa välitön ristiriita ja "kaksinaisuus" tasoitetaan ikuinen tyytymättömyys, joka on aiheutunut halusta tuntea maailma. Gounod ei kyennyt välittämään Goethen Mephistopheles-kuvan monipuolisuutta ja monimutkaisuutta, joka ilmentää tuon aikakauden militantin kritiikin henkeä.

Yksi tärkeimmistä syistä "Faustin" suosioon oli se, että se keskitti lyyroopperan nuoren genren parhaat ja pohjimmiltaan uudet piirteet: emotionaalisesti suoran ja elävästi yksilöllisen välityksen oopperan sankareiden sisämaailmasta. Gounod esitteli Goethen "Faustin" syvällisen filosofisen merkityksen, joka pyrki paljastamaan koko ihmiskunnan historialliset ja sosiaaliset kohtalot päähenkilöiden ristiriidan esimerkillä. Margueriten ja Faustin inhimillinen lyyrinen draama. .

Ranskalainen säveltäjä, kapellimestari, musiikkikriitikko Hector Berlioz meni musiikin historiaan merkittävänä romanttisena säveltäjänä, ohjelmasymfonian luojana, musiikillisen muodon, harmonian ja erityisesti instrumentoinnin uudistajana. Hänen teoksessaan he löysivät elävän vallankumouksen vallankumouksellisen paatoksen ja sankaruuden piirteistä. Berlioz tunsi M.Glinkan, jonka musiikkia hän arvosti suuresti. Hän oli ystävällisissä suhteissa ”Mighty Handful” -johtajien kanssa, jotka ottivat innokkaasti vastaan \u200b\u200bhänen teoksensa ja luovat periaatteensa.

Hän loi 5 musikaalia näyttämöteosta, mukaan lukien oopperan “ Benvenuto Chillini ”(1838), “ Troijalaisia ”,”Beatrice ja Benedict ”(Perustuu Shakespearen komediaan Much Ado About Nothing, 1862); 23 laulu- ja sinfonista teosta, 31 romanssia, kuoroja, hän kirjoitti kirjat ”Suuri traktaatti nykyaikaisesta instrumentoinnista ja orkestroitumisesta” (1844), “Iltoja orkesterissa” (1853), “Laulujen kautta” (1862), ”Musiikkihuvioita ”(1859),“ Muistelmat ”(1870), artikkeleita, arvosteluja.

Saksan kieli säveltäjä, kapellimestari, näytelmäkirjailija, publicisti Richard Wagner meni maailman musiikkikulttuurin historiaan yhtenä oopperataiteen suurimmista musiikintekijöistä ja merkittävistä uudistajista. Hänen uudistustensa tavoitteena oli luoda monumentaalinen ohjelmallinen laulu- ja sinfoniteos dramaattisessa muodossa, joka on suunniteltu korvaamaan kaiken tyyppiset oopperat ja sinfoniset musiikit. Tällainen teos oli musiikillinen draama, jossa musiikki virtaa jatkuvana virtana yhdistämällä kaikki dramaattiset linkit. Hylättyään lopullisen laulun, Wagner korvasi ne eräänlaisella tunnepitoisella recitatiivilla. Tärkeä paikka Wagnerin oopperoissa on itsenäisillä orkesterijaksoilla, jotka ovat arvokas panos maailman sinfoniseen musiikkiin.

Wagnerin käsi omistaa 13 oopperaa: “ Lentävä hollantilainen "(1843)," Tannhäuser "(1845)," Tristan ja Isolde "(1865)," Reinin kulta "(1869) jne.; kuorot, pianokappaleet, romanssit.

Toinen merkittävä saksalainen säveltäjä, kapellimestari, pianisti, opettaja, musiikkihahmo oli Felix Mendelssohn-Bartholdy ... 9-vuotiaana hän alkoi esiintyä pianistina, 17-vuotiaana hän loi yhden mestariteoksista - komedian alkusoitto “ C hän on kesäyönä " Shakespeare. Vuonna 1843 hän perusti ensimmäisen konservatorion Saksaan Leipzigiin. Mendelssohnin, "klassikkojen keskuudessa romantikkojen" teoksessa romanttiset piirteet yhdistetään klassiseen ajattelujärjestelmään. Hänen musiikilleen on ominaista kirkas melodia, ilmaisun demokraattisuus, tunteiden maltillisuus, ajattelun rauhallisuus, kirkkaiden tunteiden, lyyristen mielialojen vallitsevuus, ilman vähäistä tunteita, muotojen täydellisyyttä ja loistavaa taitoa. R. Schumann kutsui sitä "1800-luvun Mozartiksi", G. Heine "musiikilliseksi ihmeeksi".

Kirjoittaja maisema-romanttisille sinfonioille ("skotlantilainen", "italialainen"), ohjelmakonserttien alkusoittoille, suosittu viulukonsertto, kappaleiden syklit pianolle "Laulu ilman sanoja" ooppera "Camachon häät". Hän kirjoitti musiikkia dramaattiseen esitykseen "Antigone" (1841), Sophoclesin "Oidipus paksusuolessa" (1845), Racinen "Atalia" (1845), Shakespearen "Juhannusyön unelma" (1843). ) ja muut; oratoriot "Paavali" (1836), "Elia" (1846); 2 konserttoa pianolle ja 2 viululle.

SISÄÄN italialainen musiikkikulttuurista erityinen paikka kuuluu Giuseppe Verdille - erinomaiselle säveltäjälle, kapellimestarille, urkurille. Verdin työn pääalue on ooppera. Toimi lähinnä Italian kansan sankaripatrioottien tunteiden ja kansallisen vapautumisen ideoiden edustajana. Seuraavina vuosina hän kiinnitti huomiota dramaattisiin konflikteihin, jotka johtuivat sosiaalisesta eriarvoisuudesta, väkivallasta, sorrosta ja tuomitsivat pahan oopperoissaan. Verdin teokselle tunnusomaisia \u200b\u200bpiirteitä: kansanmusiikki, dramaattinen temperamentti, melodinen kirkkaus, näyttämön lakien ymmärtäminen.

Hän kirjoitti 26 oopperaa: Nabucco ”,“ Macbeth ”,“ Troubadour ”,“ La Traviata ”,“ Othello ”,“ Aida " jne . , 20 romanssia, lauluyhtyeitä .

Nuori norjan kieli säveltäjä Edvard Grieg (1843-1907) pyrki kehittämään kansallista musiikkia. Tämä ilmeni paitsi hänen työstään myös norjalaisen musiikin mainostamisessa.

Kööpenhaminassaolonsa aikana Grieg kirjoitti paljon musiikkia: Runolliset kuvat " ja "Humoreskit", sonaatti pianolle ja ensimmäinen viulasonaatti, kappaleita. Jokaisen uuden teoksen myötä kuva Griegistä norjalaisena säveltäjänä selkeytyy. Arkaluonteisissa lyyrisissä runollisissa kuvissa (1863) kansalliset piirteet murtautuvat edelleen arkaisesti. Rytmihahmo löytyy usein norjalaisesta kansanmusiikista; se tuli tyypilliseksi monille Griegin melodioille.

Griegin työ on laaja ja monipuolinen. Grieg kirjoitti eri tyylilajeja. Pianokonsertto ja ballaatit, kolme sonaattia viululle ja pianolle sekä sonaatti sellolle ja pianolle, kvartetti todistaa Griegin jatkuvasta halusta suurelle muodolle. Samaan aikaan säveltäjän kiinnostus instrumentaaliminiatyyreihin pysyi ennallaan. Samassa määrin kuin pianoa, säveltäjää houkutteli kamariäänen miniatyyri - romanssi, laulu. Älä ole Griegin tärkein, sinfonisen luovuuden alue on merkitty sellaisilla mestariteoksilla kuin sviitit " Per Gounod ”, “Holbergin ajasta ”. Yksi Griegin työn tyypillisistä tyypeistä on kansanlaulujen ja tanssien käsittely: yksinkertaisina pianokappaleina sarja sarja neljälle kädelle.

Griegin musiikillinen kieli on erottuva. Säveltäjän tyylin yksilöllisyyden määrää eniten hänen syvä yhteys norjalaiseen kansanmusiikkiin. Grieg käyttää laajasti kansanlaulu- ja tanssimelodioiden genreominaisuuksia, intonaatiorakennetta ja rytmisiä kaavoja.

Griegin merkittävä hallinto melodian muunnelmasta ja muunnelmasta on juurtunut kansanperinteisiin melodian toistuvasta toistosta muutoksineen. "Olen äänittänyt maani kansanmusiikkia." Näiden sanojen takana on Griegin kunnioittava suhtautuminen kansataiteeseen ja sen ratkaisevan roolin tunnustaminen oman luovuuden kannalta.

7. PÄÄTELMÄT

Edellä esitetyn perusteella voidaan tehdä seuraavat johtopäätökset:

Romantiikan syntymiseen vaikutti kolme päätapahtumaa: suuri Ranskan vallankumous, Napoleonin sodat, kansallisen vapautusliikkeen nousu Euroopassa.

Romantiikka taiteellisen kulttuurin menetelmä ja suunta oli monimutkainen ja ristiriitainen ilmiö. Kaikissa maissa hänellä oli elävä kansallinen ilmaisu. Romantiikilla oli yhteiskunnassa erilaisia \u200b\u200bsosiaalisia ja poliittisia asemia. He kaikki kapinoivat porvarillisen vallankumouksen tuloksia vastaan, mutta kapinoivat eri tavoin, koska kullakin oli oma ideaalinsa. Mutta kaikesta monipuolisuudesta ja monimuotoisuudesta romantismilla on vakaat piirteet:

Kaikki ne tulivat valistuksen ja klassismin rationalististen kaanonien kieltämisestä, mikä hillitsi taiteilijan luovaa aloitetta.

He löysivät historiallisuuden periaatteen (valaistajat arvioivat menneisyyttä antihistoriallisella tavalla heidän mielestään "kohtuullista" ja "kohtuutonta") Näimme aiemmin aikakauden muokkaamia ihmishahmoja. Kiinnostus kansallista menneisyyttä kohtaan synnytti paljon historiallisia teoksia.

Kiinnostus vahvaan persoonallisuuteen, joka vastustaa itseään koko ympäröivälle maailmalle ja luottaa vain itseensä.

Huomio ihmisen sisämaailmaan.

Romantiikkaa kehitettiin laajalti sekä Länsi-Euroopassa että Venäjällä. Venäjän romantiikka poikkesi kuitenkin Länsi-Euroopasta erilaisten historiallisten olosuhteiden ja kulttuuriperinteen vuoksi. Todellinen syy romantiikan syntymiseen Venäjällä oli vuonna 1812 järjestetty Isänmaallinen sota, jossa kansanaloitteen koko voima ilmeni.

Venäläisen romantiikan piirteet:

Romantiikka ei vastustanut valaistumista. Koulutusideologia heikkeni, mutta ei romahtanut, kuten Euroopassa. Valaistuneen hallitsijan ihanne ei ole tyhjentänyt itseään.

Romantiikka kehittyi rinnakkain klassismin kanssa, joka on usein kietoutunut siihen.

Romantiikka Venäjällä erityyppisissä taiteissa osoittautui eri tavoin. Arkkitehtuurissa häntä ei luettu ollenkaan. Maalauksessa - kuivunut XIX vuosisadan puoliväliin mennessä. Se ilmeni vain osittain musiikissa. Ehkä vain kirjallisuudessa romantiikka ilmeni jatkuvasti.

Kuvataiteessa romantiikka ilmeni selvimmin maalauksessa ja piirtämisessä, vähemmän ilmeikkäästi veistoksessa ja arkkitehtuurissa.

Romantiikat avaavat ihmissielun maailman, yksilöllisen, toisin kuin kukaan muu, mutta vilpitön ja siksi lähellä kaikkea aistillista näkemystä maailmasta. Kuvan hetkellisyys maalauksessa, kuten Delacroix sanoi, eikä sen johdonmukaisuus kirjallisessa esityksessä, määritteli taiteilijoiden keskittymisen monimutkaisimpaan liikkeen siirtoon, jonka vuoksi löydettiin uusia muodollisia ja koloristisia ratkaisuja. Romantiikka jätti perinnön 1800-luvun toiselle puoliskolle. kaikki nämä ongelmat ja taiteellinen yksilöllisyys, vapautettu akademismin säännöistä. Symboli, jonka romantikkojen piti ilmaista ajatuksen ja elämän olennainen yhteys 1800-luvun jälkipuoliskon taiteessa. liukenee taiteellisen kuvan moniäänisyyteen vangitsemalla ideoiden ja ympäröivän maailman monimuotoisuuden. Maalauksen romantiikka liittyy läheisesti sentimentalismiin.

Romantiikan ansiosta taiteilijan henkilökohtainen subjektiivinen visio on lain muotoinen. Impressionismi tuhoaa täysin taiteilijan ja luonnon välisen esteen julistaen taiteen vaikutelman. Romantiikat puhuvat taiteilijan fantasiasta, "hänen tunteidensa äänestä", jonka avulla voit lopettaa työn, kun päällikkö pitää sitä tarpeellisena, eikä niin kuin akateemiset täydellisyysstandardit vaativat.

Romantiikka jätti koko aikakauden maailman taidekulttuuriin, sen edustajia olivat: venäläisessä kirjallisuudessa Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov jne. E. Delacroix'n, T. Gericaultin, F. Rungen, J. Constable'n, W. Turnerin, O. Kiprenskin, A. Venetsianovin, A. Orlorskin, V. Tropininin ja muiden kuvataiteessa; musiikissa F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. List, F. Chopin ja muut. He löysivät ja kehittivät uusia tyylilajeja, kiinnittivät tarkasti huomiota ihmisen kohtaloon, paljastivat hyvä ja paha, mestarillisesti paljastetut ihmisten intohimot jne.

Taidemuodot ovat merkitykseltään enemmän tai vähemmän tasaantuneet ja tuottaneet upeita taideteoksia, vaikka taiteiden tikkaat romantiikat pitivätkin musiikkia etusijalla.

Venäjän romantiikkaa maailmankatsomuksena esiintyi ensimmäisellä aallollaan 1700-luvun lopulta 1850-luvulle. Venäläisen taiteen romanttinen linja ei keskeytynyt 1850-luvulla. Romantikot ovat avanneet taiteelle teeman, jonka teema kehittyy myöhemmin "Sinisen ruusun" taiteilijoiden keskuudessa. Romanttisten suorat perilliset olivat epäilemättä symbolisteja. Romanttiset teemat, motiivit, ilmaisutekniikat ovat tulleet taiteen eri tyyleihin, suuntauksiin, luoviin yhdistyksiin. Romanttinen näkymä tai maailmankuva osoittautui yhdeksi vilkkaimmista, sitkeimmistä ja hedelmällisimmistä.

Romantiikka yleisenä näkymänä, joka on tyypillistä lähinnä nuorille, pyrittäessä ihanteelliseen ja luovaan vapauteen, elää edelleen jatkuvasti maailman taiteessa.

8. LUETTELO VIITTEISTÄ

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. - M: Tieto, 1980

2. Atsarkina E.N. Aleksdr Osipovich Orlovsky. - M: Taide, 1971.

3. Belinsky V.G. Sävellykset. A.Pushkin. - M: 1976.

4. Suuri Neuvostoliiton tietosanakirja (Päätoimittaja A. Prokhorov). - M: Neuvostoliiton tietosanakirja, 1977.

5. Vainkop Y., Gusin I. Lyhyt säveltäjien biografinen sanakirja. - L: Musiikki, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (toimittaja M.M.Rakovskaja) ... - M: Kuvataide, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Taidehistoria. - Mn: Kirjallisuus, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovch Orlovsky. - M: Valtion kuvataiteen kustantamo, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Elämä ja taide. - M: 1989.

10. Ulkomaiden musiikkikirjallisuus (toimittaja B.Levik). - M: Musiikki, 1984.

11. E.A. Nekrasova Turner. - M: Kuvataide, 1976.

12. Ozhegov S.I. Venäjän kielen sanakirja. - M: Ulkomaisten ja venäläisten sanakirjojen valtion kustantamo, 1953.

13. Orlova M. J. konstaapeli. - M: Taide, 1946.

14. Venäläisiä taiteilijoita. A.G.Venetsianov. - M: Valtion kuvataiteen kustantamo, 1963.

15. Sokolov A.N. Venäläisen kirjallisuuden historia XIX-luvulta (1 puoli). - M: Lukio, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. - M: Tieto, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Gericault. - M: Kuvataide, 1982.

18. Filimonova S.V. Maailman taidekulttuurin historia - Mozyr: Valkoinen tuuli, 1997.