Teatterin luomisen historia Venäjällä. Kuka ja milloin loi ensimmäisen teatterin maailmassa Milloin ensimmäinen ammattiteatteri ilmestyi

Teatterin historia juontaa juurensa antiikin Kreikkaan yli kaksi vuosituhatta sitten. Muinaisin taide syntyi näyttävänä viihteenä yleisölle, mummereiden juhlallisissa kohtauksissa. Esitykset ajoitettiin alun perin samaan aikaan suuren dionysian kanssa - suuren uskonnollisen loman kanssa.

Nyt teatteri on epäilemättä enemmän kuin kulkevien miesten kulkue vuohennahoissa kaupungin läpi. Siitä on tullut korkea taide, korkean yhteiskunnan virkistystapa, kulttuurisen valaistumisen paikka. Teatterin historia on kiehtova kehitysprosessi, joka jatkuu tähän päivään saakka. Kerromme lukijalle siitä artikkelissamme. Esitetystä materiaalista löydät myös monia mielenkiintoisia faktoja. Joten, aloitetaan.

alkaa

Ateenassa V vuosisadalla eKr. e. teatteriesitykset olivat erottamaton osa uskonnollisia festivaaleja. Dionysoksen patsasprosesseihin liittyi iloisia lauluja ja dramaattisia pelejä. Voimme sanoa, että ateenalaisen teatterin historia alkoi harrastajaesityksenä pienelle joukolle katsojia. Aluksi järjestettiin vain tragedioita, komedioita näytettiin myöhemmin. On huomionarvoista, että näytelmiä näytettiin pääsääntöisesti vain kerran. Tämä kannusti kirjoittajia luomaan merkityksellisiä, mielenkiintoisia teoksia. Näytelmäkirjailija ei vain kirjoittanut näytelmää, vaan hän oli täysimittainen osallistuja esityksessä, soitti rooleja: ohjaaja, säveltäjä, koreografi ja jopa näyttelijä. Luonnollisesti nämä olivat erittäin lahjakkaita ihmisiä.

Kuoroksi (kuoron johtajaksi) tulemiseen ei kuitenkaan tarvittu suurta lahjakkuutta. He tarvitsivat vain rahaa ja yhteyksiä valtion virkamiehiin. Koreografin pääasiallisena tehtävänä oli maksaa laskuja, tarjota täyttä aineellista tukea ja tukea teatteria. Se oli tuolloin kilpailupaikka, jonka voitti horeg, runoilija ja päähenkilö. Voittajat kruunattiin muratti ja palkittiin palkinnoilla. Voitto annettiin heille tuomariston päätöksellä.

Mielenkiintoinen tosiasia on, että muinaiset roomalaiset olivat todellisia realismin faneja. Esitystä pidettiin ihanteellisena, jossa näyttelijä tottui rooliin 100% - tarvittaessa hänen oli oltava valmis kuolemaan.

Kreikkalaisella teatterilla ei ollut kattoa; katsojat ja näyttelijät olivat itse asiassa kadulla. Muinaisten teatterien mitat olivat valtavat, ja niihin mahtui 17-44 tuhatta ihmistä. Aluksi yleisö saatiin aikaan puisilla alustoilla, minkä jälkeen luonnonkivestä valmistetut rinteet sovitettiin teatteriin. Ja vasta sitten, IV vuosisadalla eKr. e., Rakennettiin kiviteatteri.

Olet todennäköisesti kiinnostunut tietämään, että hallitus, Periklesestä alkaen, antoi mahdollisuuden vierailla teatterissa ja liittyä kauniisiin, jopa taloudellisesti heikommassa asemassa oleviin kansalaisiin. Tätä varten kaikille myönnettiin tuki yhdelle teatterikäynnille ja sitten kolmelle vierailulle.

Muinaisen teatterin historialla on yksi ominaisuus: näyttelijät pelasivat rooliaan ilman omaa ilmeään. Se korvattiin kaikenlaisilla naamioilla, usein melko groteskilla. Näyttelijä kiinnitti paljon huomiota kehon liikkeisiin ja vaatteisiin. Näyttelijät olivat miehiä, jopa naisrooleissa. Heillä oli etuoikeutettu asema yhteiskunnassa ja heidät vapautettiin veroista.

Mielenkiintoinen tosiasia on, että muinaisesta roomalaisesta näytelmäkirjailijasta Livy Andronicuksesta tuli maailman ensimmäisen "äänitteen" isä. Hän jäi ilman ääntä, mutta pääsi tilanteesta ja löysi pojan, joka puhui hänen puolestaan.

Joitakin muinaisen teatterin termejä

Monet muinaisissa teattereissa käytetyt määritelmät ovat säilyneet tähän päivään saakka. Pieni sanasto muinaisista ajoista on esitetty huomiosi alla:

• Orkesteri on pyöreän muotoinen osa teatteria, jossa on kaksi sisäänkäyntiä, ja se on suunniteltu dramaattisten ja lyyrikuorojen esityksiin. Ateenan teatterissa sen halkaisija oli 24 metriä.
• Skena on paikka muuttua. Se oli alun perin yksinkertainen teltta, joka oli sitten kytketty lavakoristeisiin, kuten taustaan.
• Proscenium - pylväikkö taivaan edessä.
• Parasenium - sivukivitalot.
• Lava on kukkula orkesterin yläpuolella, jossa näyttelijät alkoivat soittaa myöhään antiikin aikana.
• Ekkiklema on siirrettävä puinen alusta, jonka avulla voit muuttaa kohtausta ja siirtää näyttelijöitä ympäri lavaa.
• Koturny - korkoja jalkoja muistuttavat kengät. Näiden kenkien avulla näyttelijöistä tuli pitempiä, vaikuttavampia ja samanlaisia \u200b\u200bkuin myyttisiä olentoja.

Huomattava tosiasia on, että ilmaus "Finita la comedia" lausuttiin ensin Roomassa.

Nuket teatterimaailmassa

Nukketeatterin historia juontaa juurensa Egyptiin, jossa papit käyttivät jumala Osiriksen nukkea rituaalitoimien suorittamiseen. Alussa nukketeatteri oli vain seremoniallinen ja rituaali, mutta nyt uskonnollinen merkitys on haalistunut. Tunnettuja seremoniallisia ja rituaaleja nukketeattereita on monissa maissa: Japanissa (Bunraku), Indonesiassa (Wayang), Kataloniassa (El Pastores), Valko-Venäjällä (Batleika) ja muissa.

Amerikan nukketeatterin historiassa vuonna 1962 perustettu teatteri nimellä "Leipä ja nukke" erottuu. Siinä on jättiläisiä papier-mâché-nukkeja, ilmeinen poliittinen maku ja herkullinen leipä sisäänkäynnillä. Tämä näyttelijöiden ja katsojien välinen vuorovaikutus on symbolinen: teatteritaiteen tulisi olla mahdollisimman lähellä ihmisiä.

Nuket ovat kooltaan ja ulkonäöltään erilaisia. Siellä on sormia ja käsineitä, keppejä ja tabletteja, nukkeja ja jättiläisiä nukkeja. Nukketeatterissa ei ole niin helppoa olla näyttelijä, koska sinun on pystyttävä elvyttämään eloton esine, antamaan sille luonnetta ja ääntä.

Kaikille nukketeattereille on ominaista pilkata jotain, moraalin läsnäolo, kasvatuselementti kohtauksissa. Riippumatta siitä, kuinka vanha nukketeatterin katsoja on, hän löytää siellä paitsi mitä nauraa, myös ajateltavaa. Usein nukketeatterin sankarit ovat houkuttelevia, jopa rumia hahmoja, esimerkiksi ranskalainen Punchinelle virkatulla nenällä.

Olet todennäköisesti kiinnostunut tietämään, että näyttelijät eivät ole aina rikkaita ihmisiä. Amerikkalaisen nukketeatterin historiassa on tosiasiat, että teatterin kävijät voisivat nähdä näytelmän ruokaa vastaan.

Draama

Draamateatterin historia juontaa juurensa muinaisiin aikoihin. Se on yksi taiteen muodoista yhdessä nukketeatterin, pantomiimin, oopperan ja baletin kanssa. Draamateatterin tärkein erottava piirre on, että näyttelijän toiminta yhdistetään hänen sanoihinsa. Näyttämöpuheelle kiinnitetään erityistä huomiota tällaisessa tyylilajissa. Näytelmä on dramaattisen esityksen perusta. Näyttelijäprosessissa improvisaatio on mahdollista, toimintaan voi kuulua tanssia, laulua. Näytelmä perustuu kirjallisuuteen. Ohjaaja on näytelmän tai käsikirjoituksen päätulkki.

Aivan merkittävä on se, että teatterityöntekijät uskovat, että käsikirjoituksen pudottaminen ei ole hyvä. Jos tämä ongelma sattui, sinun on ehdottomasti istuttava siihen.

Kotimaisten teatteriperinteiden syntyminen

Venäjän teatterihistoria on jaettu vaiheisiin:

• Alkuperäinen ("leikkisä").
• Keskellä.
• Kypsä.

Leikkisä vaihe

Kuten muinaisessa Roomassa, teatterihistoria Venäjällä alkoi ei aivan vakavana miehityksenä. Teatteriesityksiä kutsuttiin "hauskoiksi" ja esityksiä "iloiksi". Aikakirjojen ensimmäinen maininta puhvelista on vuodelta 1068. Itse asiassa kenestä tahansa voisi tulla sellainen näyttelijä, joka viihdyttää yleisöä. Uskonnon näkökulmasta puhvelien toiminta oli häpeällistä. Vuosikirjoissa heitä kutsutaan paholaisen palvelijoiksi, ja pilkkaa, satiiria ja pukeutumista kutsutaan synteiksi. Terävä satiiri ei ollut kirkon tyytyväinen, mutta se ei todellakaan pysäyttänyt ketään.

Buffoneryä ei myöskään pidetty viranomaisille miellyttävänä taiteena, päinvastoin, kohtausten terävät sosiaaliset aiheet, nykyaikaisten puutteiden pilkkaaminen tekivät toimijoista vaarallisia ja haitallisia. Mutta ihmiset rakastivat katsella ja nauraa puhvelien esityksiä. On kuitenkin ymmärrettävä, että klassinen teatteri, sellaisena kuin me sen nyt tiedämme, ei ole kasvanut ulos näistä pöyhkeistä kohtauksista, vaan niistä riippumatta, jopa pikemminkin niistä huolimatta.

Keskivaihe

Seuraava vaihe venäläisen teatterin historiassa on välissä iloisten ja kypsien välillä. Tässä vaiheessa tuomioistuin- ja kouluteatterit ilmestyvät. Tuolloin tsaari Aleksei Mihailovitš hallitsi, tuomioistuinteatterin näyttelijät olivat ulkomaalaisia, kouluteatteri - opiskelijoita. Aleksei Mihailovitšin kuoleman jälkeen oikeusteatterin toiminta pysähtyi, kunnes Pietari I tuli valtaan. Hän suhtautui myönteisesti "silmälaseihin", mutta viihteen lisäksi hänellä oli myös propagandatoiminto. Vuonna 1702 julkinen teatteri ilmestyi massoille. Sen rakennusta kutsuttiin "komediatemppeliksi", jossa esityksiä antoi saksalainen ryhmä. Tämä teatteri ei hyväksynyt ihmisiä. Vaikka Pietari I ei saavuttanut tavoitettaan, ei tehnyt teatterista ihmisten suosittua, saavutettavissa olevaa ja suosittua paikkaa, hän asetti kaikki tarvittavat edellytykset tälle.

Kypsä vaihe teatteritaiteen historiassa

Tämä kausi teatterin luomisen historiassa Venäjällä on tärkein. Tässä vaiheessa teatteri alkoi hankkia ne piirteet, jotka ovat tuttuja modernille ihmiselle, muotoutuivat vakavassa ammattiyhteisössä. 30. elokuuta 1756 alku annettiin, nimittäin keisarillinen teatteri avattiin. Sama päivä on Pietarin Aleksandrinski-teatterin perustamispäivä. Se tapahtui Elizaveta Petrovnan johdolla.

Tuon ajan teatterin piirre oli samanaikainen osallistuminen sekä venäläisten että ulkomaisten taiteilijoiden tuotantoon. Tässä vaiheessa roolien esittäminen uskottiin ensin paitsi miehille myös naisille. Katarina II piti teatteria erittäin tärkeänä, hänen johdollaan Pietarissa oli kolme ryhmää, fantastinen summa rahaa käytettiin tämän teollisuuden kehittämiseen.

Valtion kehittämisen lisäksi Catherine kiinnitti huomiota myös aatelisten yksityisiin teattereihin, siellä oli esimerkiksi Sheremetjevin, Volkonskin, Rumjantsevin teatteri. Jopa maakunnissa luotiin omat maanomistajaryhmät. Venäläistä teatteria, nimittäin itse esityksiä, rakennettiin ranskalaisten kollegoidensa mallin mukaan. Ranskalaisen näyttelijöiden koulupäällikkö oli I.A.T Dmitrevsky, joka kasvatti useita sukupolvia erinomaisia \u200b\u200bnäyttelijöitä.

Tiesitkö?

Esitämme lukijan huomioille mielenkiintoisempia faktoja teatteritaiteen historiasta.

Tuolloin, kun Puškin oli elossa, Venäjän teatterit eivät olleet täysin paikallaan. Pisin rivit olivat miehitettyjä jaloilla koko näyttelyn ajan.

Ikoniseksi näytelmäksi venäläisen teatteritaiteen historiassa kuuluu DI Fonvizinin Minor, josta tuli ensimmäinen yritys pilkata virkamiehiä, aatelisia, tyypillisiä hahmoja 1700-luvulta. Starodumia (positiivinen merkki) soitti ensin edellä mainittu Dmitrevsky.

Vuonna 1803 keisarilliset teatterit jaettiin. Draama- ja musiikkiryhmät, ooppera- ja balettiryhmät ilmestyivät osana musiikkia. Ranskalaisen soittokoulun määräävä asema Venäjän näyttämöllä kesti 1800-luvulle saakka. Silloin venäläinen teatteri nousi lopulta jaloilleen ja seurasi omaa tietään. Saadusta kokemuksesta on tullut hyvä perusta, ja uusien lahjakkaiden venäläisten säveltäjien, näyttelijöiden, tanssijoiden löytäminen nosti teatterin korkealle tasolle.

PN Arapov kuvasi ensimmäisenä koko venäläisen teatterin historiaa yhdessä tietosanakirjassa - "Venäjän teatterin kronikka". Teatterilehdet ja ammattikriitikot nousevat esiin. Siten teatterin kehitys antoi sysäyksen venäläiselle kirjallisuudelle.

Tunnetuin teatteri Moskovassa

Suuren teatterin historia alkaa 28. maaliskuuta 1776. Juuri tänä päivänä Moskovassa keisarinna Katarina II allekirjoitti prinssi Peter Urusoville "etuoikeuden", jolloin hän pystyi ylläpitämään teatteria kymmenen vuoden ajan. Aluksi sitä kutsuttiin Petrovsky-teatteriksi (sen kadun kunniaksi, jolle sisäänkäynti meni). Vuonna 1805 rakennus paloi kokonaan, ja arkkitehti Osip Bove loi uuden projektin. Vuonna 1820 rakennustyöt alkoivat viisi vuotta.

Rakennetusta teatterista tuli suurempi, minkä vuoksi se sai nimensä. Tämä kaunis, harmoninen, rikas rakennus miellytti Moskovan asukkaita vuoteen 1853, jolloin toinen tulipalo syttyi. Tällä kertaa jälleenrakennus uskottiin arkkitehti Albert Cavosille. Teatteri kunnostettiin jo vuonna 1856. Keisarillinen Bolshoi-teatteri tuli tunnetuksi paitsi Venäjällä myös maailmassa: sillä oli erinomainen akustiikka. Vuonna 1917 vallankumouksen jälkeen nimi muutettiin valtion suureksi teatteriksi. Koristetta täydennettiin Neuvostoliiton symboleilla.

Hän loukkaantui vakavasti Isänmaallisen sodan aikana ottaessaan pommin. Rakennus rekonstruoitiin uudelleen. Vuoteen 1987 asti rakennuksessa tehtiin vain pieniä kosmeettisia korjauksia. Nyt Bolshoi-teatteri on rakennus, jossa on uusi vaihe, jossa voidaan käyttää moderneja tehosteita. Samanaikaisesti se on säilyttänyt klassisen arkkitehtuurin hengen, sen "allekirjoitus" -akustiikan, mikä antaa sille oikeuden olla yksi parhaista teattereista maailmassa. Tämä on Bolshoi-teatterin tarina.

Ja lopuksi yksi, ei vähemmän mielenkiintoinen tosiasia. Elokuvat, jotka esiintyvät teatterissa kokonaan tai osittain: Birdman, Voi Luoja, La La Land, Oopperan kummitus, Burlesque Tales, Knockout, Bumping Broadway, Black Swan "," Puppeteer "," Awfully Big Adventure "," Rakastunut Shakespeare "," Murha pikkukaupungissa "," Orfevren laituri ".

Teatterihistorian (draama ja muut tämän taiteen tyylilajit) kehitys jatkuu, koska kiinnostus sitä kohtaan on pysynyt muuttumattomana yli kahden tuhannen vuoden ajan.

Muinaisten kreikkalaisten elämässä teatteritaiteelle annettiin ensimmäinen paikka pitää hauskaa. Esityksiä järjestettiin valtion tasolla kunnioitusta jumalalle Dionysokselle lomien aikana.

Esitysten rakenne

Muinaisen Kreikan draamaesitykset poikkesivat nykyaikaisista. Ne koostuivat useista kilpailevien runoilijoiden esityksistä, jotka työskentelivät traagisessa ja koomisessa suunnassa. Jokainen osallistuja esitti yleisölle yhden hauskan tarinan. Lavastuksessa käytettiin välttämättä satyyrikuoroa ja kolmea tragediaa, jotka yhdistivät tarina. Esitykset päättyivät vasta neljäntenä päivänä. Ne kesti aamusta myöhään iltaan. Toiminta alkoi traagisilla esityksillä, jota seurasi satiiridraama. Illan lopussa järjestettiin komedia.

Musiikillinen säestys

Kuoron antoi valtio, koska sitä oli mahdotonta valmistaa itsenäisesti. Ajan myötä kaiuttimien lukumäärä muuttui 6: sta 15: een. Varakkaat kansalaiset opettivat laulajia. Henkilöä, joka valmisteli kuoroa teatterikilpailuihin, joka toimitti sille puvut, kutsuttiin kuoroksi. Näyttelijöiden, laulajien lisäksi horegit vapautettiin asepalveluksesta valmisteluun ja esitykseen tarvittavaksi ajaksi.

Kohtauksen rakenne

Muinainen Kreikan teatteri koostui useista osista, joista erotetaan orkesteri (esiintyjien esiintymispaikka), teatteri (auditorio) ja skena (eräänlainen rekvisiitta, joka tarvitaan suuremman uskottavuuden saavuttamiseksi). Jotta yleisö kuulisi näyttelijöiden sanat paremmin, käytettiin erityisiä astioita, jotka auttoivat parantamaan puhuttuja ääniä.

Erottuvat piirteet

Muinaisen Kreikan esittävät taiteet olivat 90% miehiä. Rooliensa mutkattoman suorituksen lisäksi taiteilijat osoittivat äänikykyjä, ihanteellista sanastoa, joustavuutta, plastisuutta. Lavalle esiintyvien ihmisten kasvot piilotettiin naamioiden alle. Niiden laaja käyttö liittyy Dionysoksen kunnioittamiseen, naisnäyttelijöiden poissaoloon ja areenan valtavaan kokoon. Naamiot voivat olla traagisia tai koomisia, mikä välitti tarkalleen kirjoittajan idean katsojalle.

Esitysten osanottajien erikoisvaatteet auttoivat kuvaamaan erilaisia \u200b\u200bhahmoja. Koska se oli pitkä, laaja, se kätki tarvittavat tyynyt tai vuoraukset, joita käytettiin kehon luonnollisten mittasuhteiden muuttamiseen. Jos yleisö oli kiinnostunut esityksestä, he ilmaisivat positiivisia tunteita väkivaltaisesti. Hylkääminen ei ollut yhtä elävää. Usein kilpailijoiden erityisesti palkkaamat ihmiset provosoivat tällaiset negatiiviset reaktiot.

Muinainen roomalainen areena

Muinaisen Rooman teatterin alkuperä liittyy runsaisiin sadonkorjuujuhliin, jotka alun perin järjestettiin pienien kuorojen leikkisinä kilpailuina. Heidän vaihtamansa vitsit olivat joskus syövyttäviä ja sisältävät pilkkaa yhteiskunnan, erityisesti huipun, paheista.

Teatteritaiteen alkuperä

Muinaisen Rooman teatteritaiteen varhaisiin esityksiin kuuluvat atellalaiset, jotka nimettiin nykyaikaisen Italian eteläkaupungeiksi. Nämä olivat kevyitä koomisia esityksiä. Monet nuoret roomalaiset osallistuivat.

Kirjallisuusdraama tuli antiikin Rooman teatteriin Kreikasta. Täällä samanlaisia \u200b\u200bluomuksia lavastettiin latinaksi.

Kreikkalainen Livy Andronicus päätyi Roomaan sotavankina. Ensimmäisen dramaattisen esityksen lavastamisesta nimitettiin kreikkalainen. Juuri tämä antoi sysäyksen teatteritaiteen jatkokehitykselle. Se ei voinut, kuten Kreikassa, viitata ongelmiin yhteiskunnan elämässä, joten juoni monimutkaistui, kreikkalaisten alkuperäisten viihde lisääntyi. Tästä huolimatta roomalaisten oli vaikea ymmärtää perinteisiä dramaattisia tarinoita.

Gladiatorial silmälasit

Esitykset pidettiin juhlapyhinä. Heitä seurasi sirkus, gladiaattoriesityksiä, jotka kiinnittivät huomiota itseensä ja olivat suosittuja ihmisten keskuudessa.

Aluksi näytelmien näyttämölle ei ollut paikkaa, oli vain säälittävä portaikko. Näyttelijöistä tuli ammattimaisempia, pelattiin ilman naamioita. Silmälasit järjestettiin antiikin Rooman teatterin johtajan suostumuksella. Toisin sanoen, yksinkertaisesti näyttelijäryhmät hallitsevien piirien kanssa. Hahmojen puvut eivät eronneet kreikkalaisista. Vain muutama aksentti, kuten koron korkeus kengässä, peruukkien koko, jotka luovat majesteettisen vaikutelman.

Ensimmäisen pysyvän roomalaisen teatterin rakensi Pompey. Katsojat kokoontuivat puolipyöreille penkkeille, jotka oli järjestetty useaan riviin. Senaattoreille oli erilliset paikat. Katto, monimutkaisesti sisustetut julkisivut ja verho.

Muinaisen Intian teatteritaiteen alkuperä

Muinainen intialainen teatteritaide jaettiin kahteen suuntaan - kansan- ja kirjallisuuteen. Alkuperästä on useita versioita, joista suosituin tämän tosiasian antaa keisari Bharatille. Hänen kauttaan viides Veda välitettiin ihmisille, joka yhdisti Sanan, Toiminnan, Lad. Versio hauskojen esitysten sulautumisesta perinteisiin mysteereihin, joka oli olemassa suurten lomien aikana, on edelleen todennäköisempi.

Tässä yhteydessä järjestettiin voimamiehien mukana kilpailuja, taikureiden, muusikoiden, tanssijoiden ohjelmia. Tuotanto alkoi tanssinumeroilla. Tanssijat koristelivat esitystä pantomisilla esittelyillä, vedisillä resitaatioilla. Vähitellen tanssi korvattiin taiteilijoiden esityksillä.

Sosiaalinen järjestelmä

Muinaisen Intian monimutkainen sosiaalinen järjestelmä asetti toimijat alimmalle tasolle.

Heitä pidettiin epäkunnioittavan kastin ihmisinä, kun he pilkkasivat jumalia puheissaan. Tästä huolimatta suurin osa heistä oli koulutetuimpia ja kunnioitettavimpia ihmisiä.

Esitykset järjestettiin tanssiesityksinä. Viittomakieliä, joka juurtui papiston erityisiin rituaaleihin, käytettiin vapaasti. Intialainen tanssiteatteri lainasi keskeisiä piirteitä muinaisista mysteereistä. Siksi taiteilijat tarvitsivat erityisen muovin ja kyvyn käyttää runsaasti pantomiimin arsenaalia.

Suosion kasvu

Ensimmäisen vuosituhannen eKr. Toisen puoliskon loppuun mennessä. e. Intian teatteritaide on saanut eniten suosiota. Huolimatta näytelmien esitysajan sattumasta tärkeimpien uskonnollisten juhlapäivien kanssa, niiden viihdyttävä olemus korostettiin syrjäyttämällä rituaali.

Toimivat kollektiivit ovat muuttumassa ammattimaisemmiksi. Jokainen osallistuja ottaa luovan roolin. Ryhmien sukupuolikoostumus vaihteli - tiedetään saman sukupuolen ja vastakkaisen sukupuolen ryhmien olemassaolosta. Suurin osa heistä vaelsi. Kun he tapasivat, yhteisellä alueella järjestettiin mahtavia kilpailuja. Rahapalkintojen lisäksi voittajat saivat useita palkintoja.

Intialaisen tanssin areena sijaitsi joskus tietyssä rakennuksessa - pienessä mutta suhteellisen korkeassa tilassa, joka mahtuu 300 ihmistä. Esitysten pituus vaihteli kahdesta kolmeen tuntiin pariin päivään.

Varjoteatterit

Intian varjoteatteri kuvasi useammin kohtauksia legendaarisista ja kunnioitetuista myytteistä Ramayanasta ja Mahabharatasta. Yleisö tiesi hahmojen tarinat, joten he osasivat arvata puuttuvat elementit yksin. Toiminta tapahtui suuren läpinäkyvän näytön takana, johon näyttelijät ja nuket sijoitettiin. Suurempaa realismia varten nuket leikattiin palasiksi, ja sitten jopa monimutkaisia \u200b\u200bliikkeitä voitiin helposti jäljitellä. Ne valmistettiin pahvista, nahasta tai paperimassasta.

Intian uskomuksissa jumalalle Shivalle annettiin nukkien suojeluspyhimys, joten näytelmiä järjestettiin hänen temppelinsä lähellä. Legendan mukaan Intian varjoteatteri syntyi sen seurauksena, että Shiva itse vaimonsa Parvatin kanssa katsoi kerran puun hahmoja veistäneen nukketeatterin mestarin kauppaan.

Käsityöläisen taito vaikutti häneen niin, että Shiva antoi hänen pyynnöstä pian lelut elvyttää, jotta he voisivat tanssia yksin. Pian jumalallisen pariskunnan lähdön jälkeen tämä taika lakkasi toimimasta, mutta mestari palautti upean lahjan hallitsemalla hahmoja langan avulla. Tästä syntyi intialainen varjoteatteri, jonka kiinnostus nykyaikaisen tekniikan kehityksen takia on parhaillaan kuihtumassa.

Muinaisen Kiinan teatterielämän alku

Kiinalainen teatteri syntyi 1200-luvun alkuun mennessä. Alun perin nämä olivat näyttelyitä aukioilla, jotka oli ajoitettu samaan aikaan uskonnollisten festivaalien kanssa. Esitykset perustuivat sirkuselementteihin, epätavallisiin tansseihin eläinhahmojen kanssa, akrobaattisiin esityksiin, miekkailuihin.

Vähitellen esiintyy omituisia rooleja, joita käytettiin jokaisessa näytelmässä, hankkimalla uusia luonteenpiirteitä, elämän yksityiskohtia. Tsan-jun ja tsang olivat suosituimpia. Kiinalaisten teatterien esiintyjiä ei enää opita itse - heidät koulutetaan erityiskouluissa, jotka toimivat keisarin hovissa. Kirkkaita, perinteisillä maalauksilla koristeltuja pukuja ja lukuisia rekvisiittaa käytetään vapaasti.

Ensimmäinen juliste

Näytelmät järjestetään kopeissa - katoksen alla olevat alueet, joissa on istuimet katsojille. Tai ulkoneville alustoille, jotka sijaitsevat keskustan temppeleiden vieressä. Täältä tulee julistekonsepti - erityinen esite, jossa luetellaan mukana olevat toimijat ja heidän esittämänsä hahmot. Kiinalaisen teatterin tyylilajit laajenevat ja monimutkaistuvat. Ne kuvaavat yksityiskohtia valtion ja ihmisten tärkeistä tapahtumista ja antavat katsojille esimerkkejä.

Teatteriesitysten musiikillinen säestys muunnettiin kansan melodioista. Esitykset olivat pirun värikkäitä, sisälsivät tansseja, sirkusnumeroita. Joidenkin toimien tulkinnan antoivat taiteilijat itse tai näytelmäkirjailijat. Suurin osa rooleista oli naisia, mukaan lukien miehet. Näyttelijäryhmään kuului saman perheen jäseniä, ulkopuoliset olivat harvinaisia.

Nukke-esitykset

Perinteinen kiinalainen näyttämö kehittyi rinnakkain yhtä suosittavan nukketeatterin kanssa. Hän asui lukuisissa lajikkeissa. Tähän mennessä tietoja niistä on menetetty, joten tutkimus aiheuttaa joitain vaikeuksia.

Tämän taidemuodon suosio liittyy tapaan asettaa erityisiä hahmoja hautaan, jotka on suunniteltu auttamaan kuolleita jälkielämässä. Kohtauksia, joihin tällaiset hahmot osallistuvat, soitettiin hautajaisten aikana, muuttuen vähitellen jokapäiväisen elämän ominaisuudeksi. Säilytetyt tiedot upeasta monitasoisesta nukketeatterimallista, jonka hahmot liikkuivat veden avulla.

Kiinalainen nukketeatteri on kehittynyt moniin suuntiin. Esitykset kannattaa korostaa tasaisilla paperikuvilla, joihin osallistuivat näyttelijät ja hahmot. Ruuti, kelluvat kohtaukset ja muut, joista on säilynyt vain hajanaisia \u200b\u200btietoja.

Sana "teatteri" tunnetaan kaikille, jopa pienimmille lapsille. Kuka meistä ei halunnut käydä nukketeatterissa, jossa kasvoton lelu herätti yhtäkkiä elämään nukketeatterin taitavissa käsissä ja muuttui maagisiksi eläviksi olentoiksi. Kun olemme kypsyneet, valitsemme usein teatterin ja elokuvan välillä. Mutta vain teatterissa voi tuntea näyttelijöistä tulevan elävän voiman, vain teatteri voi vangita katsojan loistossaan.

Kuinka se syntyi?
Ensimmäinen teatteri ilmestyi Ateenassa, vuonna 497 eKr. Sen ulkonäkö liittyi laulajien, runoilijoiden ja näyttelijöiden kilpailuihin Dionysos-jumalan juhlan kunniaksi. Katsojille ei ollut erityisiä tiloja, mutta he eivät hämmentyneet, ja he istuivat kukkulalla katsomaan kilpailuja. Näyttelijöille tehtiin puinen lava, joka kuitenkin myöhemmin korvattiin mukavammalla areenalla.

Kilpailijat näyttivät esityksensä lavalla, jota ympäröi matala muuri, jonka ansiosta voitiin piilottaa tarpeettomat rekvisiitat ja koristeet. Esittäjille tarjottiin myös teltta, jossa he voivat vaihtaa vaatteensa. Koska loma oli omistettu Dionysokselle, ei ole yllättävää, että Jumalan keskellä oleva alttari seisoi sivuston keskellä, ja kaikki toiminta tapahtui sen ympärillä.

Hieman myöhemmin antiikin Kreikan teatteri muuttui. Katsojat pääsivät vihdoin ottamaan "todellisia" paikkoja - heidät oli varustettu marmorilla (kunnia vieraille) ja kivellä (yleisölle helpommin). Yleisön istuimien joukossa oli resonoivia aluksia, jotka vahvistivat ääntä.

Roomassa ensimmäinen kiviteatteri ilmestyi vasta vuonna 55 eKr. Ennen sitä näyttelijät ja katsojat olivat tyytyväisiä vain väliaikaisiin puurakennuksiin.

Viime vuosien esitykset muistuttivat sitä, mitä tarkoitamme nykypäivän esityksellä. Lavalle voi olla vain yksi näyttelijä, joka vaihtaa naamioita ja pelaa useita rooleja kerralla. Maskien tarve johtui teatterien suuresta koosta, johon mahtui kymmenen tai jopa seitsemäntoista tuhatta ihmistä. Oli melkein mahdotonta nähdä näyttelijän kasvonpiirteitä pitkältä etäisyydeltä, ja naamarit ratkaisivat tämän ongelman helposti. Muinaisen Kreikan näyttelijät olivat arvostettuja ihmisiä, vain vapaasta miehestä voisi tulla näyttelijä, toisin kuin roomalaiset "kollegat". Roomalaiset näyttelijät olivat orjien tai vapautettujen joukossa.

Muinaisissa Kreikan teattereissa esitykset perustuivat myytteihin, joita näyttelijät ja näytelmien kirjoittajat tulkitsivat omalla tavallaan. Roomalainen teatteri omaksui melkein kokonaan juonteita kreikkalaisesta draamasta käsittelemällä niitä roomalaiselle yleisölle.

Muinaisen Kreikan draama kukoisti 500-luvulla eKr. Nämä olivat Aeschyluksen, Sophoclesin ja Euripidesin aikoja. Suuren panoksen roomalaisen teatterin kehitykseen antoi kreikkalainen Livy Andronicus, joka opetti kreikan ja latinan kieliä Rooman aateliston pojille. Tunnetaan myös Gnei Nevius, joka saavutti mainetta komedioidensa ansiosta. Roomalaisten näytelmäkirjailijoiden seuraavien sukupolvien edustajat olivat Titus Maccius Plautus, Publius Terentius ja sitten Horace ja Seneca.

Esittävä taide nykyaikaisessa maailmassa on yksi kulttuurin yleisimmistä haaroista. Maailmanlaajuisesti on rakennettu valtava määrä teatterirakennuksia, joissa esityksiä esiintyy päivittäin. Innovatiivisten tekniikoiden kehittyessä monet ihmiset alkoivat unohtaa taiteen todelliset arvot. Ensinnäkin teatteri antaa henkilölle mahdollisuuden kehittyä ja kehittyä.

Teatteri muinaisina aikoina

Teatteritaide on yksi vanhimmista. Sen alkuperä on kaukana primitiivisestä yhteiskunnasta. Se syntyi salaperäisistä ja maagisista maatalous- ja metsästyspeleistä. Primitiivinen yhteiskunta uskoi, että jos he ennen tietyn työn aloittamista esittävät kohtauksen, joka kuvaa prosessin suotuisaa loppuun saattamista, tulos on positiivinen. He jäljittelivät myös eläimiä, heidän tapojaan ja ulkonäköään. Muinaiset ihmiset uskoivat, että tämä voi vaikuttaa metsästyksen lopputulokseen, he järjestivät usein tansseja ja pukeutuivat eläinten nahkoihin. Ja juuri näissä toiminnoissa teatterin ensimmäiset elementit alkoivat näkyä. Hieman myöhemmin naamioita alettiin käyttää pappinäyttelijän kuvaan pääsyn pääominaisuuksina.

Teatteri muinaisessa Egyptissä

Egyptin teatteri aloitti kehityksensä antiikin maailman syntymän alusta lähtien. Tämä tapahtui kolmannen vuosituhannen loppupuolella eaa. Temppeleissä järjestettiin joka vuosi pieniä dramaattisia ja uskonnollisia teatteriesityksiä.

Teatteri muinaisessa Kreikassa

Muinaisessa Kreikassa teatterit rakennettiin pääasiassa ulkoilmaan ja ne oli suunniteltu kymmenille tuhansille katsojille. Yleisö istui korkealla kivipenkillä vastapäätä keskellä sijaitsevaa leveää pyöreää lavaa, jota kutsuttiin "orkesteriksi". Suuren hedelmällisyysjumalan Dionysoksen kultilla oli tärkeä rooli kreikkalaisen teatterin kehityksessä. Ohjelmisto koostui kolmesta tragediasta ja komediasta. Näyttelijät olivat vain miehiä, jotka toisinaan näyttivät naisia. Komediassa heidän täytyi saada yleisö nauramaan, tähän he käyttivät kotitekoisia naamioita, jotka kuvasivat litistyneitä neniä, ulkonevia huulia ja pullistuneita silmiä. Naamiot valmistettiin kuivasta puusta ja sitten kankaasta, minkä jälkeen ne peitettiin kipsillä ja maalattiin erilaisilla maaleilla. Naamioiden avulla katsojat, jotka istuivat muinaisesta vaiheesta, näkivät toiminnan ilmeiset ilmeet. Naamioon kaiverrettu laaja-alainen suu antoi näyttelijöille mahdollisuuden lisätä äänensä voimakkuutta, voisi jopa sanoa, että se toimi suukappaleena.

Kreikassa kansanteatteriesitykset, joita muinaiset kreikkalaiset kutsuivat miimeiksi, olivat erittäin suosittuja. Mimeä pidettiin pienenä arkipäivän tai satiirisen luonteisena kohtauksena, jossa näyttelijät esittivät mytologisia sankareita, rohkeita sotureita tai yksinkertaisia \u200b\u200bmarkkinavarkaita. Naiset voivat esiintyä myös miimeissä; esityksen aikana ei käytetty naamioita.

Teatteri muinaisessa Roomassa

Muinaisessa Roomassa teatteri oli ensisijaisesti viihdyttävä joukko katsojia. Näyttelijöitä pidettiin yhtenä väestön alemmista kerroksista, harvat roomalaiset näyttelijät saivat kunnioitusta teatteritaiteessa. Useimmiten näyttelijät olivat vapautettuja ja orjia. Roomalaisessa teatterissa, kuten kreikkalaisessa, katsojien istuimet olivat pääympyrästä riippuen. Tragedioiden ja komedioiden lisäksi roomalaiset näyttelijät soittivat antonyymejä, pyrrhioita, miimejä ja attelaneja. Teatteri oli ilmainen sekä naisille että miehille, mutta ei orjille. Houkutellakseen katsojia ja yllättääkseen heidät ylellisyydellä, pelien järjestäjät koristivat salin kullalla, ripottivat siihen tuoksuvimpia nesteitä ja kaatoivat lattiaa kukilla.

Teatteri Italiassa

Renessanssin italialaisessa teatterissa esitykset olivat hyvin erilaisia, ne olivat iloisempia, kyllästyneitä huumorilla ja satiirilla. Teatteriesitys järjestettiin erityisesti tehdylle puulavalle, jonka ympärille kokoontui aina valtava joukko katsojia. Muinaiset teatterit alkoivat keskittyä suuriin kulttuuri- ja teollisuuskaupunkeihin. Antiikin teatteritaide mullisti kokonaisuuden ja jakoi teatterin lajikkeisiin. Siitä lähtien ei ole tapahtunut perusteellisia uudistuksia ja vallankumouksellisia innovaatioita tähän päivään saakka.

Teatteri 17-18-luvulla

1600-luvun ja 1700-luvun teatteritaide oli yhä enemmän täynnä romantiikkaa, fantasiaa ja mielikuvitusta. Näinä vuosina teatteria loivat useimmiten ryhmät, joihin kuului yhdistettyjä näyttelijöitä ja muusikoita. 1580-luvulla tavalliset ihmiset kävivät siellä, mutta vuodesta 1610 lähtien rikkaat ja tyylikkäimmät Ranskan asukkaat alkoivat kiinnostaa tätä taidetta. Myöhemmin teatteria pidettiin jo moraalisena kulttuurilaitoksena, useimmiten siihen osallistui aristokraatteja. Ranskalaisessa teatterissa soitettiin pääasiassa pukusuunnitelmia, komedioita ja balettia. Maisemat näyttivät samanlaisilta kuin todellinen ympäristö. 1600-luvulta peräisin olevasta teatteritaiteesta tuli kaiken tulevan maailmankuvan kehityksen perusta. Monet teatterit ovat säilyneet tähän päivään saakka.

Englannissa

1700-luvun englantilaisella teatteritaiteella oli merkittävä rooli koko eurooppalaisen teatterin historiassa ja kehityksessä. Siitä tuli valaistumisen draaman esi-isä. Myös noina päivinä ilmestyi uusi dramaattinen genre, jota kutsuttiin porvarilliseksi draamaksi tai, kuten yleisö kutsui, porvarilliseksi tragediaksi. Porvarillisen draaman esitykset ilmestyivät ensimmäistä kertaa Englannissa, myöhemmin ne tunkeutuivat Saksaan, Italiaan ja Ranskaan.

Siirtyminen renessanssista valaistumiseen

Siirtyminen renessanssista valaistumiseen oli hyvin myrskyinen, pitkä ja melko tuskallinen sekä näyttelijöille että katsojille. Renessanssiteatteri kuoli vähitellen vuodesta toiseen, mutta sellainen ihmisen ajattelun ihme kuin musiikki- ja teatteritaide eivät voi vain kuolla. Viimeinen ja yksi vahvimmista iskuista tuli puritaanien vallankumouksesta. Englannista, joka viime aikoihin asti oli täynnä elämää ja iloa, kirkas ja värikäs, tuli hetkessä hurskas, pukeutunut tummiin vaatteisiin ja liian hurskas. Tällaisessa harmaassa elämässä ei ollut paikkaa teatterille. Ne kaikki suljettiin, ja vähän myöhemmin rakennukset palivat. Vuonna 1688 Englannissa tapahtui kauan odotettu vallankumous, jonka jälkeen siirtyminen renessanssista valaistumiseen juuri tapahtui.

Palattuaan valtaan Stuartit palauttivat teatterit kokonaan, mutta nyt ne erosivat merkittävästi menneen ajan edustajista. 1700-luvulla musiikki- ja teatteritaide kukoisti upealla kimpulla uusia tyylilajeja. Ballaadiooppera, pantomiimi ja harjoitus alkoivat nauttia valtavasta suosiosta. Siitä lähtien englantilainen teatteri on ollut enemmän huolissaan tuloista kuin ongelmista. Vuonna 1737 Englannin hallitus hyväksyi teatterielämän hallinnan, ja siitä hetkestä lähtien kaikki kirjoitetut näytelmät sensuroitiin voimakkaasti.

Teatteri muinaisessa Venäjässä

Alueilla, jotka olivat aikoinaan Kiovan Venäjä, teatteritaide ilmestyi 1600-luvulla. Se alkoi koulun ja tuomioistuimen esityksillä. Ensimmäiset teatteritaide-studiot perustettiin veljeyskouluihin ja varakkaiden ihmisten pihoille. Näytelmät kirjoittivat opettajat ja opiskelijat. He käyttivät pääasiassa sekä jokapäiväisiä perinteitä että evankeliumin tarinoita. Oikeusteatterin syntyminen johtui tuomioistuinten aateliston suuresta kiinnostuksesta taiteeseen ja länsimaiseen kulttuuriin. Aateliset pitivät ensimmäisen teatteritaiteen studion julkaisemien oppilaiden esityksistä niin paljon, että he voisivat katsella niitä yli 10 kertaa. Alun perin tuomioistuinteatterilla ei ollut pysyvää paikkaa; kaikki puvut, koristeet ja koristeet siirrettiin paikasta toiseen. Ajan myötä, lähempänä 1700-lukua, teatteriesitykset alkoivat erottua suurella loistolla, ja niitä seurasi tanssi ja soittaminen soittimilla.

1800-luvulla venäläinen teatteri jakautui ensimmäistä kertaa musiikkiryhmiin, draamaryhmiin ja jaettiin myös ooppera- ja balettiryhmiin. Näinä vuosina avattiin yksi ensimmäisistä dramaattisista kohtauksista, jota tulevaisuudessa kutsutaan Maly-teatteriksi. Vaikka jako tapahtui ryhmien välillä, ne pysyivät erottamattomina pitkään. Pian instituutioita, kuten Teatteritaideakatemia, alkoi ilmestyä, eikä köyhistä, vaan varakkaista ja koulutetuista ihmisistä tuli näyttelijöitä. Ajan myötä teatterien määrä alkoi kasvaa aktiivisesti, niitä hallinnoi keisarin teatteritoimisto. Näyttelijöistä ja työntekijöistä he alkoivat viitata kaikkiin teattereihin, ei nimenomaan mihinkään ryhmään. 1900-luvulla taiteessa tapahtui parannusta sellaisessa muodossa, jota voimme tarkkailla tähän päivään saakka.

Yksi tuolloin kehittyneimmistä edustajista on Bolshoi-teatteri.

Rooli modernissa maailmassa

Teatteri on tärkein paikka modernissa taidemaailmassa, ja siksi se on tarkoitettu laajalle yleisölle ja houkuttelee yhä enemmän uusia katsojia joka päivä. Hyvin usein moderneissa teattereissa on näytelmiä, jotka on omistettu kuuluisien klassikoiden teoksille, mikä antaa sinulle mahdollisuuden hankkia uutta tietoa ja tutustua paremmin historiaan. Nykyään on monia akatemiaa ja kouluja, joissa voit saada näyttelijän ammatin.

Mutta suuren akatemian lisäksi, jossa tulevia näyttelijöitä koulutetaan, on myös pieniä instituutioita, esimerkiksi teatteritaidestudio, joka voi saada kaikki lahjakkaat henkilöt, jotka haluavat todistaa itsensä ja oppia kaikki näyttelemisen hienot puolet. Jotkut modernit teatterit hämmästyttävät meitä arkkitehtonisten muotojensa kauneudella ja plastisuudella.

Teatteri on suosittu ja rakastettu taidemuoto. Teatterilippuja ostaessamme odotamme mielellämme suosikkiartisteja.
Teatterilla on hyvin muinainen historia. Monta vuosisataa sitten esi-isämme nauttivat tästä upeasta taiteesta samalla tavalla. Primitiivisessä yhteiskunnassa ihmiset eivät tietenkään tienneet, mikä juliste oli, eikä heillä ollut aavistustakaan näyttelijän ammatista, mutta he olivat suoraan mukana teatteriesityksissä. Jopa noiden aikojen pakanalliset rituaalit olivat luonteeltaan teatteriesitystä, joka oli tapa palvella jumalia. Jokaisella pappilla oli julkisen puhumisen ja karisman lahja.

Antiikin aikakaudella teatteri menettää vähitellen rituaalitoimintonsa ja saa viihdehahmon. Muinaisessa Kreikassa teatteriesitysten juonteet perustuivat jaksot Olympuksen jumalien elämästä sekä kreikkalaisten sankareiden hyödyntämiset. Näyttelijöille ja näytelmäkirjailijoille Kreikassa annettiin korkea kunnia, kun taas Roomassa toimijat eivät päinvastoin kunnioittaneet paljoakaan. Teatterirakennuksissa pidettiin gladiaattoritaisteluja, sirkuspelejä ja verisiä esityksiä, jotka lähes korvasivat teatteritaidetta.

Keskiajalla teatteriesitykset olivat kiellettyjä, koska kristillinen kirkko näki niissä pakanallisten rituaalien jäännökset. Inkvisitio vainosi ankarasti näyttelijöitä, teatteriesitysten katsominen oli rangaistavaa ekskommunikaatiolla. Kaikki teatterit olivat kiinni, joten näyttelijät yhdistyivät kiertäviin ryhmiin ja näyttivät taiteitaan pienissä kylissä.

Renessanssin aikana kirkon vaikutus kaikilla ihmiselämän alueilla heikentyi, ja siirtyminen askeettisuuden ihanteista henkilökohtaiseen vapauteen ja humanismiin alkoi. Tiede ja kaikki taiteen osa-alueet kehittyivät aktiivisesti. Teatteri kehittyi erityisen nopeasti: ilmestyi teatterikattoisia kerrostaloja, kehitettiin näyttämötekniikkaa, jonka yhteydessä syntyi uusia teatterin erikoisuuksia: näyttämökoneikko, akustikko, valaisija ja muita, uusia teatterilajeja, erityisesti klassinen ooppera.

1800-luvun loppu - 1900-luvun alku on ominaista suuntautumiselle esityksen kaikkien komponenttien harmoniseen yhdistelmään. Tämä tuli mahdolliseksi johtajan ammatin syntymisen ja esittävän taiteen siirtymisen seurauksena uudelle tasolle. Tärkeä rooli tässä oli K.S. Stanislavsky.

Nykyään teatteri on monilaji. Pelkkä lähestymistapa teatteriesitykseen on muuttunut: se sisältää musiikkia, installaatioita, monimutkaisia \u200b\u200bmaisemakoneistoja, projektioita. Jopa puvusta voi tulla taide-esine.
Myös teatterin musiikki on muuttunut. Monista esityksistä on tullut enemmän kuin musikaaleja, interaktiivisilla elementeillä: katsojat voidaan helposti kutsua osallistumaan tapahtumiin, laulamaan jotain tai jopa olemaan toissijainen rooli.

Teatteri on edelleen elävä tyylilaji, se ottaa jatkuvasti uusia elementtejä itseensä - ja tämä on tae, että se elää ja kehittyy.