Teatteri on heidän elementtinsä, kuuluisat venäläiset näytelmäkirjailijat. Kirja: "Venäläinen draama

Komedia on 1800-luvun jälkipuolelta lähtien saanut suosion. Hänen uudet genrensa ilmestyvät:

• realistinen (Fonvizin),
• satiirinen (Knyazhnin, Kapnist),
• sentimentaalinen (Lukin, Kheraskov).

D.I.Fonvizinin luovuus

Kaikista 1800-luvun venäläisnäyttelijöistä Denis Fonvizin (1745 - 1792) on ehkä tunnetuin. Koulupenkiltä monet sukupolvien opiskelijat muistavat hänen kuohuvan ja vilkkaan komediansa "Minor". Häntä pidetään dramaturgin luovuuden kärjessä, joka poikkeaa hieman perinteistä ja seuraa realistisen draaman genreä.

Teatteriin kasvanut kirjailija unelmoi kansallisen komedian luomisesta jo nuoruudesta lähtien. Hänen ensimmäiset kirjalliset kokeilunsa olivat ranskan näytelmien käännöksiä. Nykyajan havainnot antoivat nuorelle näytelijälle tarvittavan ruoan kirjoittaakseen 1760-luvulla ensimmäisen vakavan draaman - komedian prikaatin. Näytelmän ensi-ilta pidettiin vuonna 1780 Tsaritsynon niittyn teatterissa.

Komedia on kirjoitettu todella suositulla, aforistisella kielellä. Pian ensi-illan jälkeen hän purettiin tarjouksia varten. Työn keskellä on prikaatin kapasiteetti (korkeampi kuin päämies, mutta alempi kuin eversti tsaarin armeijassa), kärsivän ilmeisestä gallomaniasta. Hänen halu näyttää lukutaitoaan ja valaistumisensa johtaa koomisiin tilanteisiin. Monimutkainen juoni auttaa Fonvizinia luomaan moraalisen kuvauksen "korkean yhteiskunnan" elämästä ja tuomitsemaan sen pahat.

Toinen komedia, "Minor", on omistettu koulutusongelmiin. Mutta "alaikäisen" merkitystä ei voida pelkistää yhdeksi saalislauseeksi -

"En halua opiskella, haluan mennä naimisiin."

Sen keskeisen sijainnin vievät metsälliset feodaaliset vuokranantajajärjestelyt ja valaistun humanismin ihanteet. Paha on tekijän mukaan paitsi koulutuksen puuttuessa myös maanomistajien despotismissa, oikeusvaltion rikkomisessa ja ihmisoikeuksien pahoinpitelyssä. Näytelmän poikaorjuuden vastainen paatos asetti Fonvizinin taisteluiden eturiviin maanomistajien tyranniaa vastaan. "Puhuvat" sukunimet (ominaisuus, joka on selvästi lainattu klassismista), kuten Starodum, Pravdin, Prostakova, Tsyfirkin, Vralman, auttoivat dramaturgia paljastamaan paremmin komedian ajatuksen.

Kirjailija ja Dmitrievsky lavasivat "Minor" ensimmäisen kerran Pietarissa Tsaritsynon niittyteatterissa. Dmitrievsky pelasi Starodumin näytelmässä. Tuotanto oli ylivoimainen menestys yleisölle. Vuonna 1783 näytelmä ilmestyi voitokkaasti Moskovan Petrovsky-teatterin lavalla.

Fonvizinin viimeinen näytelmä "Kuvernöörin valinta" on kirjoitettu vuonna 1790, ja se on omistettu koulutuksen aiheelle. Komedian keskipisteessä ovat väärät opettajat-seikkailijat, jotka tuhoavat jaloyhteiskunnan koulutuksen perustan.

Y.B. Knyazhninin ja V. V. Kapnistin luovuus

1700-luvun näytelmäkirjailijat Yakov Knyazhnin (1742 - 1791) ja Vasily Kapnist (1757 - 1823) menivät historiaan satiiristen komedioiden kirjoittajina. Heidän juomansa erottui akuutista sosiaalisesta suuntautumisesta. He kritisoivat kaustisesti jaloyhteisöä, pilkkasivat ja tuomitsivat korkean yhteiskunnan paheja.

Satiirinen komedia liitettiin enemmän klassistiseen perinteeseen kuin realistiseen. Sille on ominaista sama 5-tekoinen rakenne, esitys runollisessa muodossa. Samalla satiirisella komedialla on läheinen yhteys kansanteatteriin (hyvää tekemistä).

Y.B. Knyazhninin käyttämä päätekniikka on groteski . Vuonna 1786 kirjoitetussa komediassaan Bouncer kirjailija pilkkaa suosimista, joka on Katariina II: n hallintotavan johtava piirre. Komediassa esitetyt aateliset ovat groteski epätodennäköisiä, koomisia, tietämättömiä. Heidät voidaan helposti pettää pelaamalla heikoilla luonteenpiirteillä.

Koska näytelmäkirjailija Knyazhnin on joutunut häpeään hallitsevan järjestelmän kritiikin takia, hän muuttaa äänensävyään. Poliittiset tragediat miehittävät merkittävän osan hänen työstään. Toiminta heissä tapahtuu pääsääntöisesti muinaisen Venäjän aikakaudella, mutta tilanteilla on nykyaikainen tausta. Joten, tragedia "Vadim Novgorodsky" Katariina koettiin henkilökohtaiseksi loukkaukseksi. Toisen esityksen jälkeen keisarinna kielsi tämän teoksen esittämisen teattereissa ja käski julkaistut kirjat poistamaan ja polttamaan.

Komediassa Yabeda (1793) hän maalaa epämiellyttävän kuvan Venäjän oikeudenkäynneistä, jota tukevat henkilökohtaiset huomautukset (Kapnist joutui vireille kartanon). Suuri osa komediasta on otettu tosielämästä, mikä on sokean Themisin villin tapauksen erityistapaus, joka kasvaa yleistymisen tasolle. Tämä komedia on myös mielenkiintoinen, koska ensimmäistä kertaa venäläinen talonpoika tuotiin näyttämölle. "Yabeda": lle asetettiin tsaarikielto sen neljännen esityksen jälkeen Pietarin teatterissa.

Lukinin ja Kheraskovin luovuus

Uusi suunta, joka tuli lännestä, on sentimentalismi. Ja draamassa se löysi ruumiillistumisensa Vladimir Lukinin (1737 - 1794) ja Mihail Kheraskovin (1733 - 1807) "kyyneleimmissä" komedioissa ja "filistealaisten" draamassa. Sentimentalismi vastustaa klassismiä. Se on osoitettu ihmisen sisäiseen maailmaan, hänen oikeuteensa tunteiden ilmaisunvapauteen.

V. I. Lukin oli kiihkeä ja johdonmukainen klassismin vastustaja. Vaikka hän kutsui itseään kansallisen teatterin perinteen seuraajaksi, hän harjoitti todellisuudessa ranskalaisten näytelmien tyylistämistä. 10 kirjoittamastaan \u200b\u200bnäytelmästä on vain yksi alkuperäinen. Rakkauden korjaamassa Mote-elokuvassa (1765) genren kaanonit ovat täysin sekoittuneita. Kirjailija tuo yleisön lavalle ei sarjakuvahahmona, vaan ihmisenä, jolla on vilkkaat tunteet ja jolla on todellisia inhimillisiä tunteita. Nykyinen vuokranantajajärjestelmä tuomitaan jyrkästi komediassa.

Draamassa esitetyt tilanteet eivät ole mitenkään koomisia, vaikka näytelmässä on naurua. Sankarit herättävät elävää myötätuntoa ja empatiaa. Monilla Kheraskovin draamoilla on "eksoottinen" nimi, niissä ei ole kansallisia ja arkipäivän piirteitä, mikä tuo ne lähemmäksi klassistista estetiikkaa.

Venäläisen draaman merkitys 1800-luvulla

1800-luvun venäläinen dramaturgia, joka tapahtui klassismin leiman alla, antoi Venäjän näyttämölle monia lahjakkaita näytelmäkirjailijoita, jotka työskentelevät monissa eri genreissä. Teatteri oli rikastettu monipuolisella ohjelmistolla. Se vahvasti vahvistanut:

• "Korkea" ja poliittinen tragedia,
• jokapäiväinen ja satiirinen komedia,
• sentimentaalinen draama,
• koominen ooppera.

Tällaiset näytelmäkirjailijat, kuten Sumarokov, Fonvizin, Knyazhnin, määrittivät venäläisen teatterin kehityksen monien vuosien ajan. Taistelussa klassismin kanssa muodostettiin uusia esteettisiä alustoja ja sentimentalismia. Ne olivat läheisempiä ja ymmärrettäviä tavalliselle ihmiselle, joten ne saivat suosiota kansan keskuudessa. Vähitellen venäläinen draama lakkaa olemasta puhtaasti jalo, ja se sisältyy ongelmiensa ja yhteiskuntien kysymysten piiriin. Draaman luonnollinen kehitys johtaa siihen, että 1800-luvulla Griboyedovin, Ostrovskin ja muiden näytelmäkirjailijoiden teoksissa sosiaalisista ja poliittisista ongelmista tuli Venäjän draaman johtavia asioita.

Artikkelin sisältö

VENÄJÄN DRAMATURGIA.Venäläinen ammattikirjallinen draama muotoutui 17–18-luvun lopulla, mutta sitä edelsi vuosisatojen vanha kansanmusiikin, lähinnä suullisen ja osittain käsin kirjoitetun, kansan draamaa. Aluksi arkaaiset rituaalitoimet, sitten - pyöreät tanssipelit ja harrastehauskat sisälsivät draamalle taiteen muodolle ominaisia \u200b\u200belementtejä: vuoropuhelua, toiminnan dramatizointia, sen pelaamista kasvoissa, yhden tai toisen hahmon kuvaamista (pukeutumista). Näitä elementtejä vahvistettiin ja kehitettiin kansanperinteen draamassa.

Venäjän kansanperinne.

Venäläiselle folklooradraamalle on ominaista vakaa juoni, eräänlainen käsikirjoitus, jota täydennettiin uusilla jaksoilla. Nämä lisäykset heijastivat nykytapahtumia ja muuttivat usein käsikirjoituksen yleistä merkitystä. Venäjän kansanperinne-draama muistuttaa tietyssä mielessä palimpsestia (muinaista käsikirjoitusta, josta uusi kirjoitettiin), siinä nykyaikaisempien merkitysten takana on kokonaisia \u200b\u200bvarhaisten tapahtumien kerroksia. Tämä näkyy selvästi Venäjän tunnetuimmissa kansanperinneteoksissa - Veneja Tsaari Maximilian... Heidän olemassaolonsa historia voidaan jäljittää aikaisintaan 1800-luvulle. Kuitenkin rakentamisessa Veneetarkaaiset, esiteatteriset, rituaaliset juuret ovat selvästi näkyvissä: laulumateriaalin runsaus osoittaa selvästi tämän juonen koorisen alkua. Juoni tulkitaan vielä mielenkiintoisemmalta Tsaari Maximilian.Uskotaan, että tämän draaman juoni (ristiriita despot-tsaarin ja hänen poikansa välillä) heijasti alun perin Pietari I: n ja Tsarevich Aleksein välistä suhdetta, ja sitä täydensi myöhemmin Volgan ryöstäjien tarina ja tyranniset motiivit. Juoni perustuu kuitenkin Venäjän kristittymiseen liittyviin aikaisempiin tapahtumiin - draaman yleisimmissä luetteloissa tsaari Maximilianin ja Tsarevich Adolfin välinen konflikti syntyy uskonkysymyksistä. Tämän perusteella voidaan olettaa, että venäläinen kansanperinne on dramaattisempaa, kuin yleensä uskotaan, ja juontaa juurensa pakanallisista ajoista.

Venäjän kansanperinne dramaturgian pakanallinen vaihe on menetetty: Venäjän kansanperinnetaiteen tutkimus alkoi vasta 1800-luvulla, ensimmäiset suurten kansan draamien tieteelliset julkaisut ilmestyivät vasta vuosina 1890–1900 Ethnographic Review -lehdessä (tuolloin tutkijoiden kommenttien kanssa V. Kallash ja A. Gruzinsky ). Kansantieteellisen draaman tutkimuksen myöhäinen alku johti laajalle levinneeseen mielipiteeseen, jonka mukaan kansan draaman synty Venäjällä juontaa juurensa 16.-17. On myös vaihtoehtoinen näkökulma, jossa syntyy Veneetjohdettu pakanallisten slaavien hautaustavoista. Mutta joka tapauksessa, ainakin kymmenen vuosisadan ajan tapahtuneita folklorodraamatekstien juoni- ja semanttisia muutoksia tarkastellaan kulttuuritutkimuksissa, taidehistoriassa ja etnografiassa hypoteesien tasolla. Jokainen historiallinen ajanjakso jätti jälkensä kansanperinne draaman sisältöön, jota helpotti niiden sisällön assosiatiivisten linkkien kyky ja rikkaus.

Kansanperinneteatterin elinvoimaisuus tulisi erityisen huomioida. Monien kansan draamien ja komediajen esitykset sisältyivät Venäjän teatterielämään 1900-luvun alkuun saakka. - Siihen saakka heidät pelattiin kaupungin messuilla ja booth-esityksissä sekä kylälomalla noin 1920-luvun puoliväliin saakka. Lisäksi 1990-luvulta lähtien on ollut suurta kiinnostusta yhden kansanperinneteatterin linjojen - syntymäpaikan - elvyttämiseen, ja nykyään syntymäpaikkojen joulujuhlia pidetään monissa Venäjän kaupungeissa (usein syntymäpaikat järjestetään vanhojen palautettujen tekstien mukaan).

Yleisimmät draamateatterit, joita tunnetaan monissa luetteloissa, ovat Vene, Tsaari Maximilian ja Kuvitteellinen mestari, kun taas viimeistä heistä ei pelattu erillisenä kohtauksena, vaan se sisällytettiin myös olennaisena osana ns. "Upea kansan draama."

Veneyhdistää näytelmäjakson "ryöstö" -teeman. Tähän ryhmään eivät kuulu vain tontit Veneetmutta myös muita draamoja: Ryöstöbändi, Vene, Musta korppi... Eri versioissa - erilaiset suhteet kansanperinteeseen ja kirjallisiin elementteihin (kappaleen lavastamisesta) Äiti Volgan päälläesimerkiksi suosittuihin ryöstöjuttuihin, Musta kymppi tai Blood Star, Ataman Fra-Diavolojne.). Luonnollisesti puhumme myöhäisistä (alkaen 1800-luvulta) muunnelmista Veneet, joka heijasti Stepan Razinin ja Yermakin kampanjoita. Syklin minkä tahansa version keskellä on kuva kansan johtajasta, ankarasta ja rohkeasta päälliköstä. Monia motiiveja Veneet käytettiin myöhemmin A. Puškinin, A. Ostrovskin, A. K. Tolstoyn draamassa. Käänteinen prosessi oli myös käynnissä: otteet ja lainaukset suosituista kirjallisista teoksista, etenkin niistä, jotka tunnetaan suosituista painosteista, tulivat kansanperinne-draamalle ja kiinnitettiin siihen. Kapinallinen patos Veneetaiheutti toistuvan kiellon hänen näyttelyilleen.

Tsaari Maximilianesiintyi myös monissa muunnelmissa, joissakin niistä Maximilianin ja Adolfin välinen uskonnollinen konflikti korvattiin sosiaalisella. Tämä vaihtoehto muodostettiin vaikutuksen alaisena Veneet: täällä Adolf lähtee Volkaan ja tulee ryöstäjien päälliköksi. Yhdessä versiossa tsaarin ja hänen poikansa välinen konflikti käydään perhe- ja kotitalousperiaatteella - johtuen Adolfin kieltäytymisestä naimisiin isänsä morsiamen kanssa. Tässä versiossa aksentit on siirretty juonen farkiseen, farkkiseen luonteeseen.

Kansanperinteen nukketeatterissa persilja-juontosyklit ja syntymäpaikan versiot olivat laajalle levinneet. Muista kansanperinne-draaman genreistä olivat laajalle levinneet messualueet, koppien vitsit ja kauniit "isoisät", karhujen johtajien välilehdet "Karhuhaus" -sarjassa.

Varhainen venäläinen kirjallinen draama.

Venäläisen kirjallisen draaman alkuperä on peräisin 1500-luvulta. ja liittyy koulukirkkoteatteriin, joka esiintyy Venäjällä Kiovan-Mohyla-akatemian Ukrainan kouluesitysten vaikutuksen alaisena. Ukrainan ortodoksinen kirkko, joka torjui Puolasta peräisin olevia katolisia taipumuksia, käytti kansanteatteria. Näytelmien kirjoittajat lainasivat tontteja kirkkoritioista, maalaamalla ne vuoropuheluihin ja yhdistäen komediavälimuotoihin, musiikki- ja tanssinumeroihin. Genressä tämä draama muistutti Länsi-Euroopan moraalin ja ihmeen yhdistelmää. Moralisoivalla, ylevällä ja julistavalla tyylillä nämä koulun draaman teokset yhdistivät allegooria hahmoja (varapuheenjohtaja, ylpeys, totuus jne.) Historiallisten hahmojen (Aleksanteri Suuri, Nero), mytologisten (omaisuus, Mars) ja raamatun (Joshua, Herodes jne.) Kanssa. jne.). Kuuluisimmat teokset - Toiminta Alexiksesta, Jumalan miehestä, Toimi Kristuksen intohimon suhteen Koulutaidon kehittäminen liittyy Dmitry Rostovsky ( Upemisdraama, jouldraama, Rostovin toimintaja muut), Feofan Prokopovich ( Vladimir), Mitrofan Dovgalevsky ( Voimakas kuva Jumalan ihmiskunnasta), Georgy Konissky ( Kuolleiden ylösnousemus) ja muut: Polotskin Simeon aloitti myös kirkkokoulun teatterissa.

Samaan aikaan kehitettiin tuomioistuint draamaa - vuonna 1672 avattiin Aleksei Mikhailovichin pyynnöstä Venäjän ensimmäinen tuomioistuinteatteri. Ensimmäisiä venäläisiä kirjallisia näytelmiä tarkastellaan Artaxerxes-toiminta(1672) ja Judith (1673), jotka ovat tulleet meille monissa kopioissa 1700-luvulta.

mennessä Artaxerxes-toiminta oli pastori Y-G. Gregory (yhdessä apulaisensa L. Ringuberin kanssa). Näytelmä on kirjoitettu saksankielisissä runoissa lukuisilla lähteillä (luterilainen Raamattu, Aesopin tarinat, saksalaiset henkiset laulut, muinainen mytologia jne.). Tutkijoiden mielestä se ei ole kokoelma, vaan alkuperäinen teos. Käännöksen venäjäksi teki ilmeisesti Prikazin suurlähettilään työntekijäryhmä. Kääntäjien joukossa oli luultavasti myös runoilijoita. Käännöksen laatu ei ole yhdenmukainen: jos alku on huolella muokattu, niin tekstin laatu heikkenee kohti kappaleen loppua. Käännös oli saksalaisen version merkittävä uudistus. Toisaalta näin tapahtui, koska kääntäjät eivät ymmärtäneet paikoin tarkasti saksankielisen tekstin merkitystä; toisaalta, koska joissain tapauksissa he tarkoituksella muuttivat sen merkitystä, tuomalla se lähemmäksi Venäjän elämän todellisuutta. Juoni valitsi Aleksey Mikhailovich, ja näytelmän tuotannon piti auttaa vahvistamaan diplomaattisuhteita Persiaan.

Näytelmän alkuperäinen kieli Judith(nimet muiden luetteloiden mukaan - Komedia Judithin kirjastaja Holofernovon toiminta), jonka on kirjoittanut myös Gregory, ei ole tarkalleen vakiintunut. On hypoteesi, että esitysten valmisteluun varatun ajan puutteen vuoksi kaikki näytelmät tapahtuvat Artaxerxes-toimintaGregory kirjoitti heti venäjäksi. On myös ehdotettu, että alkuperäinen saksankielinen versio Judith Simeon Polotsky on kääntänyt venäjäksi. Yleisin mielipide on, että tämän teoksen työ toisti kirjoitusmallin Artaxerxes-toiminta, ja lukuisat saksalaisuudet ja polonismit hänen tekstissään liittyvät kääntäjäryhmän kokoonpanoon.

Molemmat näytelmät on rakennettu positiivisten ja negatiivisten hahmojen vastakkainasetteluun, niiden hahmot ovat staattisia, kukin korostaa yhtä johtavaa ominaisuutta.

Kaikki tuomioistuinteatterin näytelmät eivät ole tulleet meille. Erityisesti kadonneita ovat vuonna 1673 esitetyn komedian tekstit Tobias Nuoremmasta ja Yegor of Rove, samoin kuin komedia Davidista Galiadin kanssa (Goliath) ja Bacchuksesta Venuksen kanssa (1676). Selviytyneiden näytelmien tarkka kirjoittaminen ei aina ollut mahdollista. Niin, Temir-Aksakovon toiminta(toinen nimi - Pieni komedia Bayazetista ja Tamerlaneista, 1675), jonka patoksen ja moraalista suuntauksen määritteli Venäjän ja Turkin välinen sota, oletettavasti kirjoittanut J. Gibner. Vain oletettavasti myös raamatullisten juonien ensimmäisten komedioiden kirjoittaja (Gregory) voidaan nimetä: Pieni hieno komedia Josephistaja Selkeä komedia Aadamista ja Eevasta.

Venäjän oikeusteatterin ensimmäinen näytelmäkirjailija oli tutkija munkki S. Polotsky (tragedia Tietoja kuningas Nechadnezzarista, kullan ruumista ja kolmesta lapsesta luolassa, joka ei ole palanut ja Komedia-vertaus kohteliaisesta pojasta). Hänen näytelmänsä erottuvat 1500-luvun venäläisen teatteriohjelman taustalla. Kouludraaman parhaita perinteitä hyödyntäen hän ei pitänyt tarpeellisena esitellä näytelmiinsä allegoivia hahmoja, heidän hahmonsa ovat vain ihmisiä, mikä tekee näistä näytelmistä eräänlaisen lähteen venäläiselle realistiselle draamaperinteelle. Polotskyn näytelmät erottuvat harmonisesta koostumuksestaan, pituuksien puutteesta, vakuuttavista kuvista. Hän ei tyytynyt kuivaan moralisointiin, mutta hän tuo näytelmiin hauskoja välituotteita (ns. "Välivaiheen"). Komediassa, joka liittyy tuhlaajapojasta, jonka juoni on lainattu evankeliumin vertauksesta, päähenkilön nautinto ja nöyryytyskohdat ovat tekijän näkemyksiä. Itse asiassa hänen näytelmänsä ovat yhdistävä linkki koulukirkon ja maallisen draaman välillä.

Venäläinen draama 1700-luvulta

Aleksei Mihailovitšin kuoleman jälkeen teatteri suljettiin ja elvytettiin vasta Pietarin I johdolla. Venäläisen draaman kehittämisen tauko kesti kuitenkin hieman kauemmin: Pietarin aikojen teatterissa pelattiin pääasiassa Pietarin aikojen teatterissa. Totta, tällä hetkellä panegyric-esitykset säälittävillä monologeilla, kuoroilla, musiikillisilla erotteluilla ja juhlallisilla kulkueilla levisivät. He kunnioittivat Pietarin työtä ja vastasivat ajankohtaisiin tapahtumiin ( Ortodoksisen rauhan voitto, Liivin ja Ingerlannin vapauttaminenja muut), heillä ei kuitenkaan ollut paljon vaikutusta draaman kehitykseen. Näiden esitysten tekstit olivat enemmän sovellettua luonnetta ja olivat nimettömiä. Venäjän draama alkoi kovaa nousua 1800-luvun puolivälissä samaan aikaan kun muodostettiin ammattiteatteri, joka tarvitsi kansallisen ohjelmiston.

Edellisten ja seuraavien kausien venäläinen draama näyttää mielenkiintoiselta verrattuna eurooppalaiseen draamaan. Euroopassa 17-luvulla. - Tämä on aluksi kukoistuspäivä, ja loppua kohti - renessanssin kriisi, ajanjakso, joka antoi korkeimman kypsän draaman nousun, joista osa huipista (Shakespeare, Moliere) pysyi ylittämättä. Siihen mennessä Euroopassa oli kehitetty vakava teoreettinen perusta draamalle ja teatterille - Aristotelesista Boileau-alueisiin. Venäjällä 1700-luvulla. - tämä on vasta kirjallisen draaman alku. Tämä valtava kronologinen kulttuurikuilu tuotti paradoksaalisia tuloksia. Ensinnäkin, koska venäläinen teatteri ja draama olivat muodostuneet epäilemättömän länsimaisen teatterin vaikutuksen alaiseksi, he eivät olleet valmiita ymmärtämään ja kehittämään kiinteätä esteettistä ohjelmaa. Eurooppalainen vaikutus venäläiseen teatteriin ja draamaan 1500-luvulla oli melko ulkoinen, teatteri kehittyi yleisesti taidemuotoksi. Venäläisen teatterityylin kehitys kuitenkin kulki omalla tavallaan. Toiseksi, tämä historiallinen "viive" aiheutti korkean jatkokehityksen, samoin kuin valtavan genre- ja tyylivalikoiman myöhemmässä venäläisessä draamassa. Huolimatta 1800-luvun alkupuolen melkein täydellisestä dramaattisesta tuudituksesta venäläinen teatterikulttuuri pyrki ”kuromaan kiinni” eurooppalaiseen kulttuuriin, ja tätä varten monet historiallisesti loogiset vaiheet ohitettiin nopeasti. Joten se oli koulun ja kirkkoteatterin kanssa: Euroopassa sen historia ulottuu vuosisatojen taakse, Venäjällä - alle vuosisadan. Tämä prosessi esitetään entistä nopeammin 1800-luvun venäläisessä draamassa.

1800-luvun puolivälissä. venäläisen klassismin muodostuminen (Euroopassa klassismin kukkii tähän mennessä jo kauan aiemmin: Corneille kuoli vuonna 1684, Racine - vuonna 1699). V. Trediakovsky ja M. Lomonosov yrittivät käsiään klassistisen tragedian aikana, mutta venäläisen klassismin perustaja (ja kirjallisena draamana kokonaisuutena) tuli A. Sumarokov, josta tuli vuonna 1756 ensimmäisen ammatillisen venäläisen teatterin johtaja. Hän kirjoitti 9 tragediaa ja 12 komediaa, jotka olivat teatterin ohjelmiston perustana vuosina 1750 - 1760. Sumarokov kuuluu myös ensimmäisiin venäläisiin kirjallisiin ja teoreettisiin teoksiin. Erityisesti vuonna Epistole runosta(1747) hän puolustaa Boileaun klassististen kaanonien kaltaisia \u200b\u200bperiaatteita: draaman genrejen tiukka erottaminen, "kolmen yhtenäisyyden" noudattaminen. Toisin kuin ranskalaiset klassikot, Sumarokov ei perustunut muinaisiin aiheisiin, vaan venäläisiin päivälehtiin ( Khorev, Sinav ja Truvor) ja Venäjän historia ( Dmitri haastaja jne.). Muut venäläisen klassismin tärkeimmät edustajat - N. Nikolev ( Sorena ja Zamir), Y. Knyazhnin ( Rosslav, Vadim Novgorodskyjne.).

Venäläisellä klassistisella draamalla oli myös yksi ero ranskalaisesta: tragedioiden kirjoittajat kirjoittivat samanaikaisesti komediaa. Tämä heikentää klassismin tiukkoja puitteita ja osaltaan esteettisten suuntausten monimuotoisuutta. Klassistinen, valaistunut ja sentimentalistinen draama Venäjällä eivät korvaa toisiaan, vaan kehittyvät melkein samanaikaisesti. Sumarokov teki jo ensimmäiset yritykset luoda satiirisen komedian ( Hirviöt, Tyhjä riita, Dickhead, Vilpillinen myöhästyminen, Narcissus jne.). Lisäksi näissä komedioissa hän käytti kansanperinteen keskustelujen ja farssien tyylivälineitä - huolimatta siitä, että teoreettisissa teoksissaan hän suhtautui kriittisesti kansan "peleihin". 1760 - 1780-luvulla. sarjakuvan oopperan tyyli on yleistymässä. He kunnioittavat häntä klassisteina - Prinsessa ( Vaunun epäonne, Taikina, Kerskuri ja muut), Nikolev ( Rosana ja Lyubim) ja komediasatiirit: I. Krylov ( Kahvipannu) ja muut: Esiin tulevat kyyneleilevän komedian ja filistealaisen draaman ohjaukset - V. Lukin ( Mot paransi rakkaus), M. Verevkin ( Sen pitäisi olla, Täysin sama), P. Plavilshchikov ( Bobyl, sivulle suunnattu) jne. Nämä tyylilajit eivät vain edistäneet teatterin demokratisoitumista ja lisääntynyttä suosiota, vaan ne myös perustivat Venäjällä rakastetun psykologisen teatterin perustan perinteineen monipuolisten hahmojen yksityiskohtaiseksi kehittämiseksi. 1800-luvun venäläisen draaman huippu. Kapnistin melkein realistiset komediat ( Yabed), D. Fonvizina ( Aluskasvillisuus, Työnjohtaja), I. Krylova ( Muotiliike, Oppitunti tyttäreille jne.). Mielenkiintoista on Krylovin "vitsi-tragedia" Trumfi tai alisiru, jossa satiiri Paavalin I hallituskaudella yhdistettiin klassististen tekniikoiden pistävään parodiaan. Näytelmä on kirjoitettu vuonna 1800 - kesti vain 53 vuotta, ennen kuin klassinen estetiikka, Venäjän kannalta innovatiivinen, alkoi kokea arkaaisena. Krylov kiinnitti huomiota draaman teoriaan ( Huomautus komediasta« Naurua ja surua», Katsaus komediaan A. Klushin« Alkemisti» jne.).

Venäläinen draama 1800-luvulta

1800-luvun alkuun mennessä. Venäjän ja eurooppalaisen draaman historiallinen kuilu hävisi. Siitä lähtien venäläinen teatteri on kehittynyt yleiseen eurooppalaisen kulttuurin kontekstiin. Venäjän draamassa on edelleen erilaisia \u200b\u200besteettisiä suuntauksia - sentimentalismi (N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov jne.) Esiintyy rinnakkain jonkin verran klassistisen romanttisen tragedian kanssa (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy jne.), Sanoitus ja emotionaalinen draama (I. Turgenev) - kaustisella pamfattisatiirilla (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). Kevyt, hauska ja nokkela vaudeville on suosittu (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F. Koni, V. Karatygin jne.). Mutta juuri 1800-luvulta, suuren venäläisen kirjallisuuden ajasta, tuli Venäjän draaman ”kulta-aika”, jolloin kirjailijat, joiden teokset kuuluvat edelleen maailmanteatteriklassikoiden kultarahastolle.

Ensimmäinen uudentyyppinen näytelmä oli A. Griboyedovin komedia Voi Wit... Kirjailija saavuttaa hämmästyttävän taiton kaikkien näytelmän komponenttien kehittämisessä: hahmot (joissa psykologinen realismi yhdistetään orgaanisesti korkealla tyypillisyydellä), juonittelu (jossa rakkaussuhteet ovat erottamattomasti kietoutuneita kansalais- ja ideologisiin törmäyksiin), kieli (melkein koko näytelmä on kokonaan jaettu sanonnoihin, sananlaskuja ja lauseita, jotka ovat säilyneet nykyään elävässä puheessa).

Filosofisesti rikas, psykologisesti syvä ja hienovarainen ja samalla eeppisesti voimakas A. Puškinin dramaattiset teokset ( Boris Godunov, Mozart ja Salieri, Nykky ritari, Kivi vieras, Juhla ruton aikaan).

Synkät romanttiset motiivit, individualistisen kapinan aiheet, symbolismin esitys kuulivat voimakkaasti M. Lermontovin draamassa ( espanjalaiset, Ihmiset ja intohimot, Naamiaiset).

Räjähtävä sekoitus kriittistä realismia fantastisella groteskilla täyttää N. Gogolin upeat komediat ( Avioliitto, Pelaajat, Tilintarkastaja).

Valtava alkuperäinen maailma esiintyy lukuisissa ja monigenreisissä A. Ostrovskin näytelmissä, jotka edustavat koko Venäjän elämän tietosanakirjaa. Monet venäläiset näyttelijät hallitsivat teatterin ammatin salaisuudet dramaturgiassaan ja Ostrovskin näytelmiin rakensivat realismin perinteen, jota Venäjällä rakastettiin erityisesti.

L. Tolstoi () Pimeyden hallitus, Valaistuksen hedelmät, Elävä kuollut).

Venäläinen draama 1900-luvun vaihteessa

1900-luvun lopulla - 20-luvun alkupuolella. kehitettiin draaman uusia esteettisiä suuntia. Vuosisadan vaiheen eskatologiset tunnelmat määrittivät symbolismin laajalle levinneen (A. Blok - Näytä, Muukalainen, Rose ja risti, Kuningas ruudulla; L. Andreev - Tähdet, Tsaari-Nälkä, Ihmiselämä, Anatema; N. Evreinov - Komea despot, sellainen nainen; F. Sologub - Kuoleman voitto, Yötanssit, Vanka Keeper ja Page Jean; V. Brusov - Matkustaja, maajne.). Futuristit (A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, K. Malevich, V. Mayakovsky) kehottivat luopumaan kaikista menneisyyden kulttuuriperinteistä ja rakentamaan täysin uuden teatterin. M. Gorkin draamassa kehitettiin kova, sosiaalisesti aggressiivinen, synkkä naturalistinen estetiikka ( porvaristo, Pohjalla, Kesäasukkaat, Viholliset, viimeaikainen, Vassa Zheleznova).

Tšehovin näytelmistä tuli kuitenkin tuon ajan venäläisen draaman todellinen löytö, huomattavasti aikaansa edellä ja määrittäen maailmateatterin jatkokehityksen vektorin. Ivanov, Lokki, Setä Ivan, Kolme siskoa, Kirsikkapuutarhaeivät sovi perinteiseen draamalajilajiin ja tosiasiallisesti kumoavat kaikki draaman teoreettiset kaanonit. Heissä ei käytännössä ole juonittelua - juoni ei missään tapauksessa ole koskaan järjestävää merkitystä, ei ole perinteistä dramaattista kaavaa: alku - käänteet - katoaminen; ei ole olemassa yhtä "päästä päähän" -konfliktia. Tapahtumat muuttavat koko ajan semanttista mittakaavaa: suuresta tulee merkityksetön ja arjen pienet asiat kasvavat globaaliin mittaan. Hahmojen suhteet ja vuoropuhelut on rakennettu alatekstiin, emotionaaliseen merkitykseen, joka ei riitä tekstiin. Näennäisesti yksinkertaiset ja mutkikkaat huomautukset on todella integroitu monimutkaiseen tyylijärjestelmään, joka sisältää troppeja, käännöksiä, retorisia kysymyksiä, toistoja jne. Sankarien monimutkaisimmat psykologiset muotokuvat koostuvat hienostuneista tunnereaktioista, puolikuvista. Lisäksi Tšehhovin näytelmissä on tietty teatterinen arvoitus, jonka ratkaisu on kiertänyt maailmanteatterin toisen vuosisadan ajan. Ne näyttävät olevan plastisesti sovellettavissa moniin esteettisiin ohjauksellisiin tulkintoihin - syvällisistä psykologisista, lyyrisistä (K. Stanislavsky, P. Stein jne.) Aina elävästi perinteisiin (G. Tovstonogov, M. Zakharov), mutta samalla säilyttäen esteettisen ja semanttisen inexhaustibility. Joten 1900-luvun puolivälissä se tuntui odottamattomalta - mutta varsin luonnolliselta - absurdistien julistukselta, jonka mukaan heidän esteettinen suunta perustui Tšehhovin draamalle.

Venäläinen draama vuoden 1917 jälkeen.

Lokakuun vallankumouksen ja sen jälkeen teatterien valtionhallinnan perustamisen jälkeen syntyi tarve uudelle ohjelmistolle, joka vastaa nykyaikaista ideologiaa. Varhaisimmista näytelmistä kenties nykyään vain yksi voidaan nimittää - Mystery BuffV. Majakovski (1918). Periaatteessa varhaisen Neuvostoliiton ajan moderni ohjelmisto muodostettiin ajankohtaisesta "levottomuudesta", joka menetti merkityksensä lyhyessä ajassa.

Uusi Neuvostoliiton draama, joka heijastaa luokkataistelua, syntyi 1920-luvulla. Tänä aikana sellaisia \u200b\u200bnäytelmäkirjailijoita kuin L. Seifullina ( Virinea), A. Serafimovich ( Maryana, kirjoittajan mukauttaminen romaaniin Rautavirta), L. Leonov ( mäyriä), K. Trenev ( Rakasta Yarovayaa), B. Lavrenev ( Vika), V. Ivanov ( Panssaroitu juna 14-69), V. Bill-Belotserkovsky ( Myrsky), D. Furmanov ( Kapina) jne. Heidän draamansa kokonaisuutena erotettiin romanttisesta vallankumouksellisten tapahtumien tulkinnasta, tragedian yhdistelmästä sosiaaliseen optimismiin. V. Vishnevsky kirjoitti 1930-luvulla näytelmän, jonka otsikko määritteli tarkasti uuden isänmaallisen draaman pää genren: Optimistinen tragedia (tämä nimi on muuttanut alkuperäisiä, vaatimattomampia vaihtoehtoja - Hymni merimiehilleja Voittoisa tragedia).

Neuvostoliiton satiirisen komedian genre alkoi muotoutua, sen olemassaolon ensimmäisessä vaiheessa, joka liittyi NEP: n altistumiseen: vikaja KylpyV. Majakovski, Ilmapiirakkaja Krivorylskin loppuB.Romashova, laukausA. Bezymensky, mandaattija ItsemurhaN. Erdman.

Kirjailijaliiton ensimmäinen kongressi (1934) päätti uuden vaiheen neuvostoliiton draaman (kuten muidenkin kirjallisuuslajien) kehityksessä, joka julisti sosialistisen realismin menetelmän taiteen pääasialliseksi luovaksi menetelmäksi.

1930 - 1940, Neuvostoliiton draamassa etsittiin uutta positiivista sankaria. Näytelmiä kirjoittanut M. Gorky ( Egor Bulychov ja muut, Dostigaev ja muut). Tänä aikana sellaisten näytelmäkirjailijoiden kuin N. Pogodin ( Vauhti, Runo kirvesestä, eräs ystäväni ja muut), V. Vishnevsky ( Ensimmäinen hevonen, Viimeinen ratkaiseva, Optimistinen tragedia), A. Afinogenova ( Pelko, kaukainen, Mashenka), V. Kirshona ( Kiskot humisevat, leipä), A. Korneichuk ( Laivue kuolema, Platon Krechet), N. Virta ( maa), L. Rakhmanova ( Levoton vanhuus), V. Guseva ( kunnia), M. Svetlova ( Tarina, Kaksikymmentä vuotta myöhemmin), vähän myöhemmin - K. Simonova ( Kaveri kaupungistamme, Venäjän kansa, Venäjän kysymys, Neljäsjne.). Näytelmät, joissa Leninin kuva esitettiin, olivat suosittuja: Mies aseellaPogodin tottaKorneichuk, Nevan rannoillaTrenev, myöhemmin - M. Shatrovin näytelmät. Lasten draamaa muodostettiin ja kehitettiin aktiivisesti, ja sen tekijöitä olivat A. Brushtein, V. Lyubimova, S. Mikhalkov, S. Marshak, N. Shestakov ja muut. E. Schwartzin teokset ovat erillään, joiden allegoraalisia ja paradoksaalisia tarinoita ei osoitettu niin paljon lapsille, kuinka monta aikuista ( Tuhkimo, Varjo, Lohikäärme jne.). Isänmaallisen sodan 1941–1945 aikana ja sodan ensimmäisinä vuosina isänmaallinen draama tuli luonnollisesti esiin sekä nykyaikaisella että historiallisella teemalla. Sodan jälkeen kansainväliseen rauhantaisteluun omistetut näytelmät tulivat leviämään.

1950-luvulla Neuvostoliitossa annettiin joukko säädöksiä, joiden tarkoituksena oli parantaa draaman laatua. Niin kutsuttu. "Konflikttien teoria", julistaen ainoan mahdollisen dramaattisen konfliktin "parhaiden kanssa". Hallitsevien piireiden kiinnostus nykytaiteeseen johtui paitsi yleisistä ideologisista näkökohdista myös yhdestä lisäsyystä. Neuvostoliiton teatterin kausittaisen ohjelmiston oli tarkoitus muodostua temaattisista osioista (venäläiset klassikot, ulkomaiset klassikot, juhla- tai lomapäivää varten tarkoitettu esitys jne.). Ainakin puolet teoksista oli tarkoitus valmistaa nyky draaman mukaan. Oli toivottavaa, että pääesitykset ei lavastettu perustuen kevyisiin komedia näytelmiin, vaan vakavien aiheiden teoksiin. Näissä olosuhteissa suurin osa maan teattereista, jotka olivat kiinnostuneita alkuperäisen ohjelmiston ongelmasta, etsivät uusia näytelmiä. Nyky draaman kilpailut järjestettiin vuosittain, ja Theatre-lehti julkaisi jokaisessa numerossa yhden tai kaksi uutta näytelmää. Unionin virallinen teatterikäyttöä käsittelevä tekijänoikeusvirasto julkaisee vuosittain useita satoja moderneja näytelmiä, jotka kulttuuriministeriö ostaa ja suosittelee lavastamiseen. Mielenkiintoisin ja suosituin moderni draaman levittämiskeskus teatteripiireissä oli kuitenkin puolivirallinen lähde - WTO-mashburo (All-Union Theatre Society, myöhemmin nimetty teatterityöntekijöiden liittoksi). Siellä levisi draaman uutuuksia - sekä virallisesti hyväksyttyjä että ei. Konekirjoittajat tulostivat uusia tekstejä, ja melkein kaikki juuri kirjoitetut näytelmät voitiin saada kirjoitustoimistosta pientä maksua vastaan.

Teatteritaiteen yleinen nousu 1950-luvun lopulla johti myös draaman nousuun. Uusien lahjakkaiden kirjailijoiden teoksia ilmestyi, joista monet määrittelivät draaman pääkehityskeinot tulevina vuosikymmeninä. Tänä ajanjaksona muodostui kolmen näytelmäkirjailijan yksilöllisyys, joiden näytelmiä lavastettiin paljon koko Neuvostoliiton ajan - V. Rozov, A. Volodin, A. Arbuzov. Arbuzov debytoi näytelmänä vuonna 1939 tanya ja pysyi katsojansa ja lukijansa kanssa monen vuosikymmenen ajan. Tietenkin, 1950-60-luvun ohjelmisto ei rajoittunut näihin nimiin, L. Zorin, S. Aleshin, I. Stock, A. Stein, K. Finn, S. Mikhalkov, A. Sofronov, A. Salynsky työskentelivät aktiivisesti draamassa , Y. Miroshnichenko ja muut. Maan teattereissa eniten esityksiä on tapahtunut kahden tai kolmen vuosikymmenen aikana yhteiskirjallisuudessa toimineiden V. Konstantinovin ja B. Razerin vaatimaton komedia. Valtaosa näiden kirjailijoiden näytelmistä tunnetaan kuitenkin nykyään vain teatterihistoriaan. Rozovin, Arbuzovin ja Volodinin teokset tulivat Venäjän ja Neuvostoliiton klassikoiden kultaiseen rahastoon.

1950-luvun loppua - 1970-luvun alkua leimasi A. Vampilovin kirkas persoonallisuus. Lyhyen elämänsä aikana hän kirjoitti vain muutama näytelmä: Jäähyväiset kesäkuussa, Vanhin poika, Ankkametsästys, Maakunnan anekdootit(Kaksikymmentä minuuttia enkelin kanssaja Metranpage-tapaus), Viime kesänä Chulimskja keskeneräinen vaudeville Verraton vinkkejä... Palattuaan Tšehhovin estetiikkaan, Vampilov määritteli venäläisen draaman kehityssuunnan kahdelle seuraavalle vuosikymmenelle. 1970- - 1980-luvun tärkeimmät dramaattiset menestykset Venäjällä liittyvät tragikomedian tyyliin. Näitä olivat näytelmät: E. Radzinsky, L. Petrushevskaya, A. Sokolova, L. Razumovskaya, M. Roshchin, A. Galin, Gr. Gorin, A. Chervinsky, A. Smirnov, V. Slavkin, A. Kazantsev, S. Zlotnikov , N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina ja muut. Vampilovin estetiikalla oli epäsuora, mutta konkreettinen vaikutus venäläisen draaman mestareihin. Tragikoomiset motiivit ovat konkreettisia tuon ajan näytelmissä, kirjoittanut V. Rozov ( villisika), A. Volodin ( Kaksi nuolet, Lisko, elokuvan käsikirjoitus Syksymaraton) ja erityisesti A. Arbuzov ( Rakas näky, Onneton miehen onnellisia päiviä, Vanhan Arbatin tarinoita, Tässä suloisessa vanhassa talossa, Voittaja, Julmat pelit).

Kaikki näytelmät, etenkin nuoret näytelmäkirjailijat, eivät tavoittaneet heti yleisöä. Sekä tuolloin että myöhemmin oli kuitenkin monia dramaturgeja yhdistäviä luovia rakenteita: teatterin kokeellinen luova laboratorio. Puskin Volgan alueen, muun kuin mustan maan alueen ja RSFSR: n eteläpuolella sijaitsevien näytelmäkirjailijoiden kirjoituksiin; Siperian, Uralin ja Kaukoidän näytelmäkirjailijoiden kokeellinen luova laboratorio; seminaareja pidettiin Baltiassa, venäläisissä taidetaloissa; draama- ja ohjauskeskus perustettiin Moskovaan; jne. Vuodesta 1982 lähtien on ilmestynyt almanakka "Contemporary Drama", joka on julkaissut nykykirjailijoiden dramaattisia tekstejä ja analyyttistä materiaalia. 1990-luvun alussa Pietarin näytelmäkirjailijat perustivat oman yhdistyksen - "The Playwright's House". Vuonna 2002 Golden Mask Association, Teatrom.doc ja Tšehovin Moskovan taideteatteri järjestivät vuotuisen uuden draaman festivaalin. Näihin yhdistyksiin, laboratorioihin, kilpailuihin muodostettiin uusi teatterikirjoittajien sukupolvi, joka tuli tunnetuksi Neuvostoliiton jälkeisellä kaudella: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Šipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. ja V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk, A. Obraztsov, I. Shprits ja muut.

Kriitikot huomauttavat kuitenkin, että nykypäivän Venäjällä on kehittynyt paradoksaalinen tilanne: moderni teatteri ja moderni draama ovat olemassa, samoin kuin rinnakkain, eristyksissä toisistaan. 2000-luvun alun äänekkäimmät ohjauskysymykset. liittyy klassisten näytelmien lavastamiseen. Moderni draama kuitenkin suorittaa kokeilunsa enemmän "paperilla" ja Internetin virtuaalitilassa.

Tatjana Shabalina

Kirjallisuus:

Vsevolodsky-Gerngros V. Venäjän suullinen kansan draama. M., 1959
Chudakov A.P. Tšehovin runo... M., 1971
Krupyanskaya V. Kansan draama "Vene" (synty ja kirjallinen historia).Lauantaina Slaavilainen kansanperinne... M., 1972
Varhainen venäläinen draama(XVII - ensimmäinen puolikasXVIII sisään.). T. T. 1-2. M., 1972
Lakshin V.Ya. Alexander Nikolaevich Ostrovsky... M., 1976
Gusev V. Venäjän kansanteatteri 1700 - 1900-luvun alussaL., 1980
Folklore-teatteri... M., 1988
Uvarova I., Novatsky V. Ja Vene purjehtii. M., 1993
Zaslavsky G. "Paperidraama": Avantgarde, takavartija tai nykyteatterin metro?"Banner", 1999, nro 9
Shakulina O. Pietarin draaman seurauksena ...Aikakauslehti "Theatre Life", 1999, nro 1
Kolobaeva L. Venäjän symbolismi... M., 2000
Polotskaya E.A. Tšehovin poetiikasta... M., 2000
Ischuk-Fadeeva N.I. Venäläisen draaman genret. Tver, 2003

Huomenna on 220 vuotta syntymästä Alexandra Griboyedova... Häntä kutsutaan yhden kirjan kirjoittajaksi, tarkoittaen tietysti "Voi nokkeluudesta"... Ja silti tällä ainoalla teoksella hänellä oli vakava vaikutus venäläiseen draamaan. Muistetaankaamme häntä ja muita venäläisiä näytelmäkirjailijoita. Tietoja kirjoittajista, jotka ajattelevat hahmoissa ja vuoropuheluissa.

Aleksanteri Griboyedov

Vaikka Griboyedovia kutsutaan yhden kirjan kirjoittajaksi, hän kirjoitti ennen näytelmää "Voi vaimosta" vielä useita dramaattisempia teoksia, mutta Moskovan tavan komedia teki hänestä suositun. Pushkinkirjoitti "Voi nokkeluudesta": "Puolet jakeista on mentävä sananlaskuun." Ja niin se tapahtui! Griboyedovin kevyen kielen ansiosta tästä näytelmästä on tullut venäläisen kirjallisuuden mainituin teos. Ja vaikka kaksi vuosisataa on kulunut, toistamme nämä purevat lauseet: "Ohita meidät enemmän kuin kaikki surut ja herra viha ja herra rakkaus."

Miksi sitten "Wit of Wit" tuli Gribojedovin ainoa kuuluisa teos? Griboyedov oli lastenhoitaja (hän \u200b\u200bvalmistui Moskovan yliopistosta 15-vuotiaana), kaikin puolin lahjakas mies. Kirjoittaminen ei ollut hänen ainoa ammattinsa. Griboyedov oli diplomaatti, lahjakas pianisti ja säveltäjä. Mutta kohtalo on valmistellut hänelle lyhyen elämän. Kirjailija oli vasta 34-vuotias, kun hän kuoli hyökkäyksessä Venäjän suurlähetystölle Teheranissa. Mielestäni hänellä ei yksinkertaisesti ollut aikaa luoda muita hienoja teoksia.

Alexander Ostrovsky

Alexander Ostrovsky kasvoi Zamoskvorechyessä ja kirjoitti Zamoskvoretskin kauppiaiden tapoista. aikaisemmin
kirjailijat eivät jotenkin olleet kiinnostuneita tästä tärkeästä osasta yhteiskuntaa. Siksi Ostrovskya kutsuttiin säälittävästi hänen elämänsä aikana "Zamoskvorechyen Columbus".

Samanaikaisesti patos oli vieras kirjoittajalle itselleen. Hänen hahmonsa ovat tavallisia, melko pieniä ihmisiä, joilla on omat heikkoutensa ja puutteensa. Heidän elämässään ei tapahdu suuria koettelemuksia ja epäonnistuksia, vaan pääasiassa jokapäiväisiä vaikeuksia, jotka johtuvat heidän omasta ahneudestaan \u200b\u200btai pettinuudesta. Ja Ostrovskin sankarit eivät puhu pretensiivisesti, mutta jotenkin todella, jokaisen sankarin puheessa ilmaistaan \u200b\u200bhänen psykologiset ominaisuutensa.

Ja silti kirjailija käsitteli hahmojaan kaukana ideaalista omituisella rakkaudella ja helläisyydellä. Kauppiaat eivät kuitenkaan tunteneet tätä rakkautta ja loukkuivat hänen töitään. Joten, komedian julkaisemisen jälkeen "Kansamme - numeroitu", kauppiaat valittivat tekijästä, näytelmän tuotanto kiellettiin ja Ostrovsky oli poliisin valvonnassa. Mutta kaikki tämä ei estänyt kirjailijaa muodostamasta uutta käsitystä venäläisestä teatteritaiteesta. Myöhemmin hänen ideoitaan kehitettiin Stanislavski.

Anton Tšehov

Anton Tšehov- näytelmäkirjailija, joka on suosittu paitsi Venäjällä, myös muualla maailmassa. 1900-luvun alussa Bernard-näyttely kirjoitti hänestä: "Suurten eurooppalaisten näytelmäkirjailijoiden galaksissa Tšehhovin nimi loistaa kuin ensimmäisen suuruuden tähti"... Hänen näytelmiään on lavastettu Euroopan teattereissa, ja kirjailijaa kutsutaan yhdeksi maailman näytteille otetuimmista kirjailijoista. Mutta Tšehov itse ei kuvitellut tulevaa kunniaaan. Hän sanoi
hänen ystävälleen Tatjana Schepkina-Kupernik: "He lukevat minua seitsemän, seitsemän ja puolen vuoden ajan, ja sitten he unohtavat."

Kaikki ajattelijat eivät kuitenkaan arvostaneet Tšehhovin näytelmiä. Esimerkiksi Tolstoi, vaikka hänellä oli korkea mielipide Tšehhovin tarinoista, jopa kutsui häntä "Puškinaksi proosaan", hän ei pystynyt kestämään dramaattisia teoksiaan, joista hän ei epäröinyt kertoa kirjoittajalle. Esimerkiksi Tolstoi kertoi kerran Tšehhoville: "Vihaan silti näytelmiäsi. Shakespeare kirjoitti huonosti, ja olet vielä pahempi!" No, ei pahin vertailu!

Kriitikot puhuivat toiminnan puutteesta ja pitkistä juoni Tšehovin näytelmistä. Mutta tämä oli kirjoittajan tarkoitus, hän halusi dramaattisten teostensa olevan kuin elämää. Tšehov kirjoitti: "... loppujen lopuksi elämässä, ei joka minuutti, he ampuvat itseään, ripustavat itsensä, julistavat rakkautensa. Eikä joka minuutti sano älykkäitä asioita. He syövät enemmän, juovat, vetävät ympäri, puhuvat hölynpölyä. Ja siksi on välttämätöntä, että tämä nähdään lavalla. On tarpeen luoda tällainen näytelmä mihin ihmiset tulevat, menevät, syövät päivällistä, puhuvat säästä, pelaavat vinttiä, mutta eivät siksi, että kirjoittaja tarvitsee sitä, vaan koska se tapahtuu tosielämässä. "Tässä näytelmän realismissa Stanislavsky oli kovasti Chekhovista. Kirjailija ja ohjaaja eivät kuitenkaan aina olleet yhtä mieltä siitä, kuinka lavasttaa tämä tai tuo näytelmä. Esimerkiksi, "Kirsikkapuutarha"Tšehov kutsui sitä komediaksi ja jopa farssiksi, mutta lavalla siitä tuli tragedia. Esityksen jälkeen kirjailija sanoi sydämessään, että Stanislavsky oli pilannut näytelmänsä.

Jevgeny Schwartz

Monissa näytelmissä Jevgeny Schwartz vetoaa luovuuteen Hans-Christian Andersen ja tekee hänestä jopa eräänlaisen teoksiensa sankarin. Schwartz, kuten kuuluisan tanskalaisen tarinankertoja, kirjoittaa fantastisia satuja. Mutta hänen näytelmiensä upea kuoren takana on piilotettu vakavia ongelmia. Tämän vuoksi sensuurit kielsivät usein hänen teoksensa.

Näytelmä on tässä suhteessa erityisen ohjeellinen "Lohikäärme"... Alku on kuten kaikissa tavanomaisissa satuissa: lohikäärme asuu kaupungissa, joka valitsee joka vuosi tyttö vaimokseensa (muutama päivä myöhemmin hän kuolee luolaansa kauhua ja inhoa \u200b\u200bvastaan), ja tässä on loistava ritari Lancelot, joka lupaa voittaa hirviön. Kummallista kyllä, asukkaat eivät tue häntä - he ovat jotenkin tutumpi ja rauhallisempi lohikäärmeen kanssa. Ja kun lohikäärme on voitettu, hänen sijaansa vie heti entinen muurinjohtaja, joka aloittaa vähintäänkin "drakonisen" käskyn.

Tässä lohikäärme ei ole myyttinen olento, vaan voiman allegooria. Kuinka monta "lohikäärmettä" on korvannut toisensa maailman historian aikana! Kyllä, ja kaupungin hiljaisissa asukkaissa on myös "lohikäärme", koska välinpitämättömästä kuuliaisuudestaan \u200b\u200bhe kutsuvat itse uusia tyranneja.

Grigory Gorin

Grigory Gorin haki ja löysi inspiraatiolähteitä kaikesta maailman kirjallisuudesta. Hän toisti helposti klassikoiden juoni. Kirjoittaja näki Herostratuksen kuoleman, seurasi Thielin seikkailuja, asui Swiftin rakentamassa talossa ja tiesi, mitä tapahtui Romeon ja Julian kuoleman jälkeen. Onko Shakespearen kirjoittamisen vitsi? Ja Gorin ei pelännyt ja loi upean rakkaustarinan Montague- ja Capulet-klaanien edustajien välillä, joka alkoi ... Romeon ja Julian hautajaisilla.

Gorin muistuttaa minua omasta sankaristaan \u200b\u200b- paroni Munchausenista elokuvasta Mark Zakharova... Hän myös matkustaa ajoissa, kommunikoi klassikoiden kanssa ja epäröi väittää heidän kanssaan.

Sen genre on tragikomedia. Huolimatta siitä, kuinka naurettavaa on kuunnella sankarien nokkelaita keskusteluja (valtava määrä Gorinin lauseita meni lainauksiin), melkein aina luet näytelmän lopun kyynelillä silmissäsi.

Varhainen venäläinen draama

Arkhangelskaya A.V.

Tutkijat erottivat viisi keskiaikaisen teatterin tyyppiä: kansanmusiikki, kirkko, tuomioistuin, koulu (se ilmestyi 12. vuosisadalla Länsi-Euroopan humanitaarisissa kouluissa, ja sillä oli alun perin vain koulutusarvo - opiskelijoiden, raamatullisten aiheiden jne. Latinalaisten parempaan omaksumiseen 1600-luvulla koulun draamaa alettiin käyttää uskonnollisiin ja poliittisiin tarkoituksiin) ja julkiseen (viimeisin).

Ensimmäinen niistä - kansanmiehet - oli hyvin tunnettu Venäjällä, mutta perinteisesti sitä kiinnostavat folkloristit, eivät kirjallisuudenhistorioitsijat. Toinen - kirkollinen - on hyvin yleinen Länsi-Euroopan (katolisen) perinteessä, mutta se ei ole saanut tunnustusta ortodoksisessa kulttuurissa. Jälkimmäinen, julkisesti saatavilla, ilmestyy Venäjällä Pietari I: n aloitteesta ja on ollut tiedossa 1800-luvun alusta. 1700-luvun jälkipuoliskolla. Venäläiset katsojat tutustuvat tuomioistuimen ja kouluteatterityyppeihin.

Venäjän tuomioistuinteatterin syntymäpäivää pidetään perinteisesti 17. lokakuuta 1672 - päivänä, jolloin näytelmää "Artaxerxes Action" näytettiin Preobrazhenskoye-kylän erityisen rakennetun "komediatemppelin" lavalla, joka perustuu raamatun "Esther" juonen nöyrään kauneuteen Estheriin, joka piirsi Persian kuninkaan Artaxerxesin armollinen huomio, hänestä tuli hänen vaimonsa ja pelasti hänen kansansa. Näytelmän kirjoittaja oli saksalaisen kaupunginosan luterilaisen kirkon pastori, mestari Johann-Gottfried Gregory. Näytelmä kirjoitettiin runoilla saksaksi, sitten suurlähettilään Prikazin kääntäjät käänsivät sen venäjäksi, minkä jälkeen ulkomaiset näyttelijät, Gregory-koulun oppilaat, oppivat roolit venäjäksi. "Artaxerxes Action" -kielen venäläinen teksti on kirjoitettu osittain säkeinä ja opetusohjelmina, ja joissain tapauksissa myös syllabotonisin säkeinä, osittain proosaksi, joka voidaan monissa paikoissa pitää rytmisenä proosaa.

Keskiaikaisessa kirjallisuudessa suositun raamatun "Esterin kirja" pohjainen näytelmä heijasti yleisölle tuttuja venäläisen tuomioistuimen elämän poikkeamia. Hän puhui Artaxerxesin kuninkaan suosikki Hamanin rankaisemisesta, joka unelmoi kauhistuttavassa ylpeydessä sellaisista kunnioituksista, jotka tulisi antaa vain Jumalalle, ja nöyrän ja jumalallisen Mordecain noususta, joka paljasti salaliiton ja pelasti siten Artaxerxesin hengen. Tutkijat ovat toistuvasti kiinnittäneet huomiota siihen, että tuomioistuinteatterin ensimmäisen näytelmän juonen valintaan saattoi määrätä paitsi Estherin kirjan valtava suosio, dynaamisuus, draama, myös Aleksei Mihhailovichin erityistilanne, kun tsaari naimisissa Natalia Kirillovna Naryshkina, ja hänen Kasvattaja Artamon Sergeevich Matveev otti johtavan aseman tuomioistuimessa ja valtionhallinnossa korvaten tsaariin epäilyttävän Ordin-Nashchokinin.

Venäjän tuomioistuinteatterin ohjelmiston tutkijat havaitsivat sen monimuotoisuuden. Raamatun aiheiden käsittely tapahtui: "Judith" ("Holofernen toiminta") - Raamatun sankaritar, jonka kädestä surmattiin pakanallinen Holofernes, Judithin kotikaupunkia suojelevan armeijan johtaja; "Sääli komedia Aadamista ja Eevasta", "Pieni viileä komedia Josephista", "Komedia Daavidista Goliatin kanssa", "Komedia nuoremmasta Tobiahista". Heidän rinnallaan oli historiallisia ("Temir-Aksakovo -toiminta" - Sultan Bayazetia tappaneesta Tamerlanesta), hagiografisia (näytelmä Rohkea Yegorista) ja jopa antiikkiset mytologisia esityksiä (näytelmä Bacchuksesta ja Venuksesta sekä baletti "Orpheus"). Jälkimmäisestä tapauksesta tulisi keskustella yksityiskohtaisemmin. Orpheus on tsaari Aleksei Mihhailovitzin tuomioistuinteatterissa vuonna 1673 lavastettu baletti. Esitys perustui saksalaiseen Orpheus ja Eurydice-balettiin, jotka esitettiin vuonna 1638 Dresdenissä August Büchnerin sanoille ja Heinrich Schützin musiikille. Musiikki oli luultavasti erilainen venäläisessä tuotannossa. Venäläisen esityksen tekstiä ei ole säilynyt. Tuotanto tunnetaan Kuramaan Jacob Reitenfelsin sävellyksestä, joka vieraili Moskovassa vuosina 1671-1673. ja julkaisi vuonna 1680 Padovassa kirjan "Moskovilaisten asioista" ("De rebus Moscoviticus"). Saksalaisessa tuotannossa paimenten ja nymfien kuoro lauloi tervehdyksen prinssille ja hänen vaimonsa. Moskovan baletissa Orpheus itse lauloi tervehdyksen tsaarille ennen tanssin aloittamista. Reitenfels lainaa saksalaisia \u200b\u200brunoja, jotka on käännetty kuninkaalle. Musiikkiesityksen esitys oli erityisen merkittävä tapahtuma venäläiselle teatterille, koska tsaari Aleksei Mikhailovich ei pitänyt maallisesta musiikista ja vastusti aluksi sen esittelyä esityksiin. Lopulta hänen oli kuitenkin tunnustettava musiikin välttämättömyys teatteriliiketoiminnassa.

Venäjän tuomioistuinteatterin ensimmäiset näytelmät osoittivat uuden, venäläisen lukijan ja katsojan tuntemattoman asenteen menneisyyteen. Jos aiemmin kerrottiin menneiden aikakausien tapahtumista, nyt ne näytettiin, kuvattiin ja elvytettiin nykyisyydessä. Katsojaa varten tämän "todellisen taiteellisen" ajan erityispiirteet esiteltiin "Artaxerxes Action" -elokuvassa - Mamurza ("tsaarien välittäjä") erikoishahmo. Perinteisen vanhan venäjän käsitteen "kunnia" avulla, joka on jo kauan liitetty ajatukseen menneisyyden kuolemattomuudesta, Mamurza selitti korkeille katsojille, kuinka voi olla mahdollista elvyttää menneisyys lavalla.

"Artaxerxes-toiminta" alkaa esipuheella, jonka tarkoituksena ei ole vain lyhyesti hahmotella melko pitkän näytelmän sisältöä, vaan myös perehdyttää katsojaa teatterin erityispiirteisiin yleensä. Mamurza, joka julistaa esipuheen, pyrkii poistamaan rajan menneisyyden ja nykyisyyden välillä. Tsaari Aleksei Mikhailovichista tulee todistaja kaksi vuosituhannet sitten tapahtuneille tapahtumille, mutta myös raamatullinen tsaari Artaxerxes,

vielä useamman vuoden ajan haudassa on kaksi tuhatta,

hänen nimensä kunnia täyttää koko maailmankaikkeuden,

tulee todistajaksi Moskovan kuningaskunnassa tapahtuville tapahtumille:

molemmat ovat nyt peloissaan,

kun kuningas, katsokaa voimasi, valtakunta katselee ympärilleen,

hänelle, kaikkialla kristinuskossa, hän ei löydä vastaavaa.

Joten kaikki ensimmäisen venäläisen teatterin näytelmät perustuivat historiallisiin juoniin, mutta nämä eivät enää olleet tarinoita menneisyydestä, niin tuttuja pyhien kirjoitusten lukijoille, kronografioiden kronikoille, elämille ja tarinoille. Se oli osoitus menneisyydestä, sen visuaalisesta esityksestä, sellaisesta ylösnousemuksesta. Ensimmäisessä monologissaan Artaxerxes, joka, kuten näytelmässä sanottiin, "on ollut haudassa yli kahden tuhannen vuoden ajan", lausui sana "nyt" kolme kertaa. Hän, kuten muut "arkun vankeja", "nyt" asui lavalla, "puhui" ja liikutti, teloitettiin ja armahti, surutti ja iloitsi. Kävi ilmi, että menneisyyttä ei voida vain kertoa, kertoa, se voidaan näyttää, elvyttää, kuvata nykypäivänä. Teatteri irrotti katsojan todellisuudesta ja siirsi hänet erityiseen maailmaan - taiteen maailmaan, elpyneen historian maailmaan.

Ei ollut helppoa tottua näyttämökokoukseen, hallita sitä. Tämä todistetaan ainakin pukuista ja rekvisiitta koskevista tiedoista. Ei teatterin hopeakenkä, mutta kalliita todellisia kankaita ja materiaaleja otettiin, koska alun perin yleisön oli vaikea ymmärtää näyttelijöiden olemusta, "todellisen taiteellisen" ajan olemusta, Artaxerxesissa on vaikea nähdä sekä todellista ylösnousemusta suvereenia että muumioitua saksalaista Kukuista.

Kuten A.S. Demin, menneiden "ylösnousseet" ihmiset olivat hämmästyttävän samanlaisia \u200b\u200bkuin "komediatemppelissä" olleet. Näytelmien sankarit olivat jatkuvassa liikkeessä, he hämmästyivät aktiivisuudestaan \u200b\u200bja energialtaan. He kehottivat "kiirettä", "viivyttämättä", "luomaan pian", "olemaan pilaamatta aikaa". He eivät olleet mietiskeleviä, he "tunsivat liiketoimintansa" hyvin, "kasvattivat työnsä", halveksivat "laiskoja". Heidän elämänsä olivat täynnä kykyä. "Ylösnoussut historiaa" kuvattiin tapahtumien kaleidoskooppina, loputtomana toimintaketjuna.

Varhaisen venäläisen draaman "aktiivinen henkilö" vastasi edellisenä päivänä etenkin Pietarin uudistusten aikana kehittynyttä käyttäytymistapaa. Tällä hetkellä muinainen ihanne "hyvyys", "loisto" ja "deanery" oli murenemassa. Jos keskiajalla määrättiin toimimaan hiljaa ja "hitaasti" eikä "raskaalla ja parhaalla innolla", nyt energiasta on tullut positiivinen laatu.

Itse elämä, jota tuomioistuinteatterin vierailijat katsoivat lavalla, vähiten halusivat rauhallisuuden. Se oli malli, muuttuva elämä, jossa siirtyminen surusta ilosta, ilosta kyyneleihin, toiveesta epätoivoon ja päinvastoin tapahtui nopeasti ja yhtäkkiä. Näytelmien sankarit valittivat "vaihdettavasta" ja "pettyneestä" onnellisuudesta, Fortuneesta, jonka pyörä nostaa toisia ja horjuttaa toisia. "Ylösnoussut maailma" koostui ristiriitaisuuksista ja vastakohtista.

"Artaxerxes-toiminta" on yritys syventää sankarien psykologisia ominaisuuksia, tuoda esiin ihmisen luonteen ongelma ja heijastaa tässä suhteessa 1700-luvun jälkipuoliskunnan kirjallisen prosessin piirteitä, joiden avulla voimme puhua asteittaisesta siirtymisestä keskiajalta nykyaikaan. Joten, kuningas Artaxerxes ei näytä lavalta paitsi voimakkaan hallitsijana, oman valtionsa hallitsijana, vaan myös ihmisenä, joka altistuu rakkauden tunteelle:

sydämeni ilo,

enemmän kuin mi aurinko bupno kuu tähdet

ja koko valtakuntani ja kanssasi.

Analysoimalla venäläisen tuomioistuinteatterin jäljellä olevia seitsemää näytelmää, A.S. Demin kirjoitti: "Näyttelijöiden kirjoittajat eivät kuvaa niinkään yksittäisten hahmojen vaurautta, jopa merkittävimpiä, vaan koko maailman järjestelyä, maailman harmoniaa, jota uhkaa tuleva konflikti, mutta joka varmasti palautetaan uudelleen."

Uuden suvereenin "hauska" ei ollut vain viihteen ("ihmisen komedia voi viihdyttää ja muuttaa kaikki ihmisten kärsimykset ilosta") lisäksi myös koulu, jossa "monet hyvät opetukset ymmärretään hyvin, jotta kaikki pahat teot voivat jäädä taakse ja pysyä kaikessa hyvässä".

Venäläisen kouluteatterin alkuun liittyy Simeon of Polotsk, joka on kahden koulun draaman ("Tsaarin Nebukadnetsar-komedia" ja "Tuhlaajapojan vertauksen komedia") luoja. Tunnetuin on jälkimmäinen, joka on tunnetun evankeliumin vertauksen vaihe-tulkinta ja joka on omistettu nuoren (ts. Uuden sukupolven) ongelmalle, joka valitsee tiensä elämässä. Aihe oli erittäin suosittu, saatat jopa sanoa, että se hallitsi vuosisadan jälkipuoliskirjallisuutta.

Draaman sisältö on melko perinteistä ja se kertoo evankeliumin vertauksen tapahtumista, ja sitä täydentävät tietyt arjen yksityiskohdat. Mielenkiintoista on, että näytelmän lopussa Simeon kohtaa melko vakavan ongelman: hänen on kommentoitava vertausta, jonka Kristus itse selitti opetuslapsilleen evankeliumissa. Simeonin tulkinta osoittautuu kuitenkin "monikerroksisemmaksi" ja alkaa yleisillä didaktisilla päätelmillä, jotka eri sukupolvien edustajien tulisi tehdä tästä juonesta. Ensinnäkin tämä näytelmä on osoitettu nuorille:

Nuoret kuuntelevat kuvan vanhimmista,

Älä luota nuorempiin mielesi.

Toiseksi vanhemman sukupolven tulisi oppia moraalia:

Olemme vanhoja - kyllä, nuoria ohjataan,

Mitään ei anneta nuorten tahdolle ...

Ja vasta sen jälkeen sanotaan, että evankeliumissa se on ensimmäisessä - pääpaikassa - parannuksen tekevien syntien anteeksiantamisesta, jossa jumalallinen armo ilmenee:

Naipache kuvaa armosta,

Hänessä heijastuu Jumalan armo.

Sen jälkeen - barokin ironisella ja paradoksaalisella tavalla - kirjailija osoittaa yleisölle vetoomuksen yrittääkseen palvellako tämä oppitunti juuri heille hyvin:

Kyllä, ja matkit Jumalaa hänessä,

Anteeksi niille, jotka tekevät parannuksen.

Tässä vertauksessa, jos olemme tehneet syntiä,

Hän, suru ketään ajatuksella;

Rukoilemme paljon - jos annat anteeksi,

Ja pidä meidät herrojen armoilla.

"Komedia sankarien pojan vertauksesta" on rakennettu myös kirjoittajan barokkimaailman näkemyksen mukaisesti. Näytelmän tehtävä - kuten Simeonin runokokoelmien tehtävä - on yhdistää opetus viihteeseen, kuten Prologi sanoo suoraan ennen toiminnan alkua:

Jos haluat, osoita si armo,

Silmät ja kuulo toimia:

Joten bo makeus löytyy

Ei vain sydämet, vaan myös pelastetut sielut.

Artikkelin sisältö

VENÄJÄN DRAMATURGIA.Venäläinen ammattikirjallinen draama muotoutui 17–18-luvun lopulla, mutta sitä edelsi vuosisatojen vanha kansanmusiikin, lähinnä suullisen ja osittain käsin kirjoitetun, kansan draamaa. Aluksi arkaaiset rituaalitoimet, sitten - pyöreät tanssipelit ja harrastehauskat sisälsivät draamalle taiteen muodolle ominaisia \u200b\u200belementtejä: vuoropuhelua, toiminnan dramatizointia, sen pelaamista kasvoissa, yhden tai toisen hahmon kuvaamista (pukeutumista). Näitä elementtejä vahvistettiin ja kehitettiin kansanperinteen draamassa.

Venäjän kansanperinne.

Venäläiselle folklooradraamalle on ominaista vakaa juoni, eräänlainen käsikirjoitus, jota täydennettiin uusilla jaksoilla. Nämä lisäykset heijastivat nykytapahtumia ja muuttivat usein käsikirjoituksen yleistä merkitystä. Venäjän kansanperinne-draama muistuttaa tietyssä mielessä palimpsestia (muinaista käsikirjoitusta, josta uusi kirjoitettiin), siinä nykyaikaisempien merkitysten takana on kokonaisia \u200b\u200bvarhaisten tapahtumien kerroksia. Tämä näkyy selvästi Venäjän tunnetuimmissa kansanperinneteoksissa - Veneja Tsaari Maximilian... Heidän olemassaolonsa historia voidaan jäljittää aikaisintaan 1800-luvulle. Kuitenkin rakentamisessa Veneetarkaaiset, esiteatteriset, rituaaliset juuret ovat selvästi näkyvissä: laulumateriaalin runsaus osoittaa selvästi tämän juonen koorisen alkua. Juoni tulkitaan vielä mielenkiintoisemmalta Tsaari Maximilian.Uskotaan, että tämän draaman juoni (ristiriita despot-tsaarin ja hänen poikansa välillä) heijasti alun perin Pietari I: n ja Tsarevich Aleksein välistä suhdetta, ja sitä täydensi myöhemmin Volgan ryöstäjien tarina ja tyranniset motiivit. Juoni perustuu kuitenkin Venäjän kristittymiseen liittyviin aikaisempiin tapahtumiin - draaman yleisimmissä luetteloissa tsaari Maximilianin ja Tsarevich Adolfin välinen konflikti syntyy uskonkysymyksistä. Tämän perusteella voidaan olettaa, että venäläinen kansanperinne on dramaattisempaa, kuin yleensä uskotaan, ja juontaa juurensa pakanallisista ajoista.

Venäjän kansanperinne dramaturgian pakanallinen vaihe on menetetty: Venäjän kansanperinnetaiteen tutkimus alkoi vasta 1800-luvulla, ensimmäiset suurten kansan draamien tieteelliset julkaisut ilmestyivät vasta vuosina 1890–1900 Ethnographic Review -lehdessä (tuolloin tutkijoiden kommenttien kanssa V. Kallash ja A. Gruzinsky ). Kansantieteellisen draaman tutkimuksen myöhäinen alku johti laajalle levinneeseen mielipiteeseen, jonka mukaan kansan draaman synty Venäjällä juontaa juurensa 16.-17. On myös vaihtoehtoinen näkökulma, jossa syntyy Veneetjohdettu pakanallisten slaavien hautaustavoista. Mutta joka tapauksessa, ainakin kymmenen vuosisadan ajan tapahtuneita folklorodraamatekstien juoni- ja semanttisia muutoksia tarkastellaan kulttuuritutkimuksissa, taidehistoriassa ja etnografiassa hypoteesien tasolla. Jokainen historiallinen ajanjakso jätti jälkensä kansanperinne draaman sisältöön, jota helpotti niiden sisällön assosiatiivisten linkkien kyky ja rikkaus.

Kansanperinneteatterin elinvoimaisuus tulisi erityisen huomioida. Monien kansan draamien ja komediajen esitykset sisältyivät Venäjän teatterielämään 1900-luvun alkuun saakka. - Siihen saakka heidät pelattiin kaupungin messuilla ja booth-esityksissä sekä kylälomalla noin 1920-luvun puoliväliin saakka. Lisäksi 1990-luvulta lähtien on ollut suurta kiinnostusta yhden kansanperinneteatterin linjojen - syntymäpaikan - elvyttämiseen, ja nykyään syntymäpaikkojen joulujuhlia pidetään monissa Venäjän kaupungeissa (usein syntymäpaikat järjestetään vanhojen palautettujen tekstien mukaan).

Yleisimmät draamateatterit, joita tunnetaan monissa luetteloissa, ovat Vene, Tsaari Maximilian ja Kuvitteellinen mestari, kun taas viimeistä heistä ei pelattu erillisenä kohtauksena, vaan se sisällytettiin myös olennaisena osana ns. "Upea kansan draama."

Veneyhdistää näytelmäjakson "ryöstö" -teeman. Tähän ryhmään eivät kuulu vain tontit Veneetmutta myös muita draamoja: Ryöstöbändi, Vene, Musta korppi... Eri versioissa - erilaiset suhteet kansanperinteeseen ja kirjallisiin elementteihin (kappaleen lavastamisesta) Äiti Volgan päälläesimerkiksi suosittuihin ryöstöjuttuihin, Musta kymppi tai Blood Star, Ataman Fra-Diavolojne.). Luonnollisesti puhumme myöhäisistä (alkaen 1800-luvulta) muunnelmista Veneet, joka heijasti Stepan Razinin ja Yermakin kampanjoita. Syklin minkä tahansa version keskellä on kuva kansan johtajasta, ankarasta ja rohkeasta päälliköstä. Monia motiiveja Veneet käytettiin myöhemmin A. Puškinin, A. Ostrovskin, A. K. Tolstoyn draamassa. Käänteinen prosessi oli myös käynnissä: otteet ja lainaukset suosituista kirjallisista teoksista, etenkin niistä, jotka tunnetaan suosituista painosteista, tulivat kansanperinne-draamalle ja kiinnitettiin siihen. Kapinallinen patos Veneetaiheutti toistuvan kiellon hänen näyttelyilleen.

Tsaari Maximilianesiintyi myös monissa muunnelmissa, joissakin niistä Maximilianin ja Adolfin välinen uskonnollinen konflikti korvattiin sosiaalisella. Tämä vaihtoehto muodostettiin vaikutuksen alaisena Veneet: täällä Adolf lähtee Volkaan ja tulee ryöstäjien päälliköksi. Yhdessä versiossa tsaarin ja hänen poikansa välinen konflikti käydään perhe- ja kotitalousperiaatteella - johtuen Adolfin kieltäytymisestä naimisiin isänsä morsiamen kanssa. Tässä versiossa aksentit on siirretty juonen farkiseen, farkkiseen luonteeseen.

Kansanperinteen nukketeatterissa persilja-juontosyklit ja syntymäpaikan versiot olivat laajalle levinneet. Muista kansanperinne-draaman genreistä olivat laajalle levinneet messualueet, koppien vitsit ja kauniit "isoisät", karhujen johtajien välilehdet "Karhuhaus" -sarjassa.

Varhainen venäläinen kirjallinen draama.

Venäläisen kirjallisen draaman alkuperä on peräisin 1500-luvulta. ja liittyy koulukirkkoteatteriin, joka esiintyy Venäjällä Kiovan-Mohyla-akatemian Ukrainan kouluesitysten vaikutuksen alaisena. Ukrainan ortodoksinen kirkko, joka torjui Puolasta peräisin olevia katolisia taipumuksia, käytti kansanteatteria. Näytelmien kirjoittajat lainasivat tontteja kirkkoritioista, maalaamalla ne vuoropuheluihin ja yhdistäen komediavälimuotoihin, musiikki- ja tanssinumeroihin. Genressä tämä draama muistutti Länsi-Euroopan moraalin ja ihmeen yhdistelmää. Moralisoivalla, ylevällä ja julistavalla tyylillä nämä koulun draaman teokset yhdistivät allegooria hahmoja (varapuheenjohtaja, ylpeys, totuus jne.) Historiallisten hahmojen (Aleksanteri Suuri, Nero), mytologisten (omaisuus, Mars) ja raamatun (Joshua, Herodes jne.) Kanssa. jne.). Kuuluisimmat teokset - Toiminta Alexiksesta, Jumalan miehestä, Toimi Kristuksen intohimon suhteen Koulutaidon kehittäminen liittyy Dmitry Rostovsky ( Upemisdraama, jouldraama, Rostovin toimintaja muut), Feofan Prokopovich ( Vladimir), Mitrofan Dovgalevsky ( Voimakas kuva Jumalan ihmiskunnasta), Georgy Konissky ( Kuolleiden ylösnousemus) ja muut: Polotskin Simeon aloitti myös kirkkokoulun teatterissa.

Samaan aikaan kehitettiin tuomioistuint draamaa - vuonna 1672 avattiin Aleksei Mikhailovichin pyynnöstä Venäjän ensimmäinen tuomioistuinteatteri. Ensimmäisiä venäläisiä kirjallisia näytelmiä tarkastellaan Artaxerxes-toiminta(1672) ja Judith (1673), jotka ovat tulleet meille monissa kopioissa 1700-luvulta.

mennessä Artaxerxes-toiminta oli pastori Y-G. Gregory (yhdessä apulaisensa L. Ringuberin kanssa). Näytelmä on kirjoitettu saksankielisissä runoissa lukuisilla lähteillä (luterilainen Raamattu, Aesopin tarinat, saksalaiset henkiset laulut, muinainen mytologia jne.). Tutkijoiden mielestä se ei ole kokoelma, vaan alkuperäinen teos. Käännöksen venäjäksi teki ilmeisesti Prikazin suurlähettilään työntekijäryhmä. Kääntäjien joukossa oli luultavasti myös runoilijoita. Käännöksen laatu ei ole yhdenmukainen: jos alku on huolella muokattu, niin tekstin laatu heikkenee kohti kappaleen loppua. Käännös oli saksalaisen version merkittävä uudistus. Toisaalta näin tapahtui, koska kääntäjät eivät ymmärtäneet paikoin tarkasti saksankielisen tekstin merkitystä; toisaalta, koska joissain tapauksissa he tarkoituksella muuttivat sen merkitystä, tuomalla se lähemmäksi Venäjän elämän todellisuutta. Juoni valitsi Aleksey Mikhailovich, ja näytelmän tuotannon piti auttaa vahvistamaan diplomaattisuhteita Persiaan.

Näytelmän alkuperäinen kieli Judith(nimet muiden luetteloiden mukaan - Komedia Judithin kirjastaja Holofernovon toiminta), jonka on kirjoittanut myös Gregory, ei ole tarkalleen vakiintunut. On hypoteesi, että esitysten valmisteluun varatun ajan puutteen vuoksi kaikki näytelmät tapahtuvat Artaxerxes-toimintaGregory kirjoitti heti venäjäksi. On myös ehdotettu, että alkuperäinen saksankielinen versio Judith Simeon Polotsky on kääntänyt venäjäksi. Yleisin mielipide on, että tämän teoksen työ toisti kirjoitusmallin Artaxerxes-toiminta, ja lukuisat saksalaisuudet ja polonismit hänen tekstissään liittyvät kääntäjäryhmän kokoonpanoon.

Molemmat näytelmät on rakennettu positiivisten ja negatiivisten hahmojen vastakkainasetteluun, niiden hahmot ovat staattisia, kukin korostaa yhtä johtavaa ominaisuutta.

Kaikki tuomioistuinteatterin näytelmät eivät ole tulleet meille. Erityisesti kadonneita ovat vuonna 1673 esitetyn komedian tekstit Tobias Nuoremmasta ja Yegor of Rove, samoin kuin komedia Davidista Galiadin kanssa (Goliath) ja Bacchuksesta Venuksen kanssa (1676). Selviytyneiden näytelmien tarkka kirjoittaminen ei aina ollut mahdollista. Niin, Temir-Aksakovon toiminta(toinen nimi - Pieni komedia Bayazetista ja Tamerlaneista, 1675), jonka patoksen ja moraalista suuntauksen määritteli Venäjän ja Turkin välinen sota, oletettavasti kirjoittanut J. Gibner. Vain oletettavasti myös raamatullisten juonien ensimmäisten komedioiden kirjoittaja (Gregory) voidaan nimetä: Pieni hieno komedia Josephistaja Selkeä komedia Aadamista ja Eevasta.

Venäjän oikeusteatterin ensimmäinen näytelmäkirjailija oli tutkija munkki S. Polotsky (tragedia Tietoja kuningas Nechadnezzarista, kullan ruumista ja kolmesta lapsesta luolassa, joka ei ole palanut ja Komedia-vertaus kohteliaisesta pojasta). Hänen näytelmänsä erottuvat 1500-luvun venäläisen teatteriohjelman taustalla. Kouludraaman parhaita perinteitä hyödyntäen hän ei pitänyt tarpeellisena esitellä näytelmiinsä allegoivia hahmoja, heidän hahmonsa ovat vain ihmisiä, mikä tekee näistä näytelmistä eräänlaisen lähteen venäläiselle realistiselle draamaperinteelle. Polotskyn näytelmät erottuvat harmonisesta koostumuksestaan, pituuksien puutteesta, vakuuttavista kuvista. Hän ei tyytynyt kuivaan moralisointiin, mutta hän tuo näytelmiin hauskoja välituotteita (ns. "Välivaiheen"). Komediassa, joka liittyy tuhlaajapojasta, jonka juoni on lainattu evankeliumin vertauksesta, päähenkilön nautinto ja nöyryytyskohdat ovat tekijän näkemyksiä. Itse asiassa hänen näytelmänsä ovat yhdistävä linkki koulukirkon ja maallisen draaman välillä.

Venäläinen draama 1700-luvulta

Aleksei Mihailovitšin kuoleman jälkeen teatteri suljettiin ja elvytettiin vasta Pietarin I johdolla. Venäläisen draaman kehittämisen tauko kesti kuitenkin hieman kauemmin: Pietarin aikojen teatterissa pelattiin pääasiassa Pietarin aikojen teatterissa. Totta, tällä hetkellä panegyric-esitykset säälittävillä monologeilla, kuoroilla, musiikillisilla erotteluilla ja juhlallisilla kulkueilla levisivät. He kunnioittivat Pietarin työtä ja vastasivat ajankohtaisiin tapahtumiin ( Ortodoksisen rauhan voitto, Liivin ja Ingerlannin vapauttaminenja muut), heillä ei kuitenkaan ollut paljon vaikutusta draaman kehitykseen. Näiden esitysten tekstit olivat enemmän sovellettua luonnetta ja olivat nimettömiä. Venäjän draama alkoi kovaa nousua 1800-luvun puolivälissä samaan aikaan kun muodostettiin ammattiteatteri, joka tarvitsi kansallisen ohjelmiston.

Edellisten ja seuraavien kausien venäläinen draama näyttää mielenkiintoiselta verrattuna eurooppalaiseen draamaan. Euroopassa 17-luvulla. - Tämä on aluksi kukoistuspäivä, ja loppua kohti - renessanssin kriisi, ajanjakso, joka antoi korkeimman kypsän draaman nousun, joista osa huipista (Shakespeare, Moliere) pysyi ylittämättä. Siihen mennessä Euroopassa oli kehitetty vakava teoreettinen perusta draamalle ja teatterille - Aristotelesista Boileau-alueisiin. Venäjällä 1700-luvulla. - tämä on vasta kirjallisen draaman alku. Tämä valtava kronologinen kulttuurikuilu tuotti paradoksaalisia tuloksia. Ensinnäkin, koska venäläinen teatteri ja draama olivat muodostuneet epäilemättömän länsimaisen teatterin vaikutuksen alaiseksi, he eivät olleet valmiita ymmärtämään ja kehittämään kiinteätä esteettistä ohjelmaa. Eurooppalainen vaikutus venäläiseen teatteriin ja draamaan 1500-luvulla oli melko ulkoinen, teatteri kehittyi yleisesti taidemuotoksi. Venäläisen teatterityylin kehitys kuitenkin kulki omalla tavallaan. Toiseksi, tämä historiallinen "viive" aiheutti korkean jatkokehityksen, samoin kuin valtavan genre- ja tyylivalikoiman myöhemmässä venäläisessä draamassa. Huolimatta 1800-luvun alkupuolen melkein täydellisestä dramaattisesta tuudituksesta venäläinen teatterikulttuuri pyrki ”kuromaan kiinni” eurooppalaiseen kulttuuriin, ja tätä varten monet historiallisesti loogiset vaiheet ohitettiin nopeasti. Joten se oli koulun ja kirkkoteatterin kanssa: Euroopassa sen historia ulottuu vuosisatojen taakse, Venäjällä - alle vuosisadan. Tämä prosessi esitetään entistä nopeammin 1800-luvun venäläisessä draamassa.

1800-luvun puolivälissä. venäläisen klassismin muodostuminen (Euroopassa klassismin kukkii tähän mennessä jo kauan aiemmin: Corneille kuoli vuonna 1684, Racine - vuonna 1699). V. Trediakovsky ja M. Lomonosov yrittivät käsiään klassistisen tragedian aikana, mutta venäläisen klassismin perustaja (ja kirjallisena draamana kokonaisuutena) tuli A. Sumarokov, josta tuli vuonna 1756 ensimmäisen ammatillisen venäläisen teatterin johtaja. Hän kirjoitti 9 tragediaa ja 12 komediaa, jotka olivat teatterin ohjelmiston perustana vuosina 1750 - 1760. Sumarokov kuuluu myös ensimmäisiin venäläisiin kirjallisiin ja teoreettisiin teoksiin. Erityisesti vuonna Epistole runosta(1747) hän puolustaa Boileaun klassististen kaanonien kaltaisia \u200b\u200bperiaatteita: draaman genrejen tiukka erottaminen, "kolmen yhtenäisyyden" noudattaminen. Toisin kuin ranskalaiset klassikot, Sumarokov ei perustunut muinaisiin aiheisiin, vaan venäläisiin päivälehtiin ( Khorev, Sinav ja Truvor) ja Venäjän historia ( Dmitri haastaja jne.). Muut venäläisen klassismin tärkeimmät edustajat - N. Nikolev ( Sorena ja Zamir), Y. Knyazhnin ( Rosslav, Vadim Novgorodskyjne.).

Venäläisellä klassistisella draamalla oli myös yksi ero ranskalaisesta: tragedioiden kirjoittajat kirjoittivat samanaikaisesti komediaa. Tämä heikentää klassismin tiukkoja puitteita ja osaltaan esteettisten suuntausten monimuotoisuutta. Klassistinen, valaistunut ja sentimentalistinen draama Venäjällä eivät korvaa toisiaan, vaan kehittyvät melkein samanaikaisesti. Sumarokov teki jo ensimmäiset yritykset luoda satiirisen komedian ( Hirviöt, Tyhjä riita, Dickhead, Vilpillinen myöhästyminen, Narcissus jne.). Lisäksi näissä komedioissa hän käytti kansanperinteen keskustelujen ja farssien tyylivälineitä - huolimatta siitä, että teoreettisissa teoksissaan hän suhtautui kriittisesti kansan "peleihin". 1760 - 1780-luvulla. sarjakuvan oopperan tyyli on yleistymässä. He kunnioittavat häntä klassisteina - Prinsessa ( Vaunun epäonne, Taikina, Kerskuri ja muut), Nikolev ( Rosana ja Lyubim) ja komediasatiirit: I. Krylov ( Kahvipannu) ja muut: Esiin tulevat kyyneleilevän komedian ja filistealaisen draaman ohjaukset - V. Lukin ( Mot paransi rakkaus), M. Verevkin ( Sen pitäisi olla, Täysin sama), P. Plavilshchikov ( Bobyl, sivulle suunnattu) jne. Nämä tyylilajit eivät vain edistäneet teatterin demokratisoitumista ja lisääntynyttä suosiota, vaan ne myös perustivat Venäjällä rakastetun psykologisen teatterin perustan perinteineen monipuolisten hahmojen yksityiskohtaiseksi kehittämiseksi. 1800-luvun venäläisen draaman huippu. Kapnistin melkein realistiset komediat ( Yabed), D. Fonvizina ( Aluskasvillisuus, Työnjohtaja), I. Krylova ( Muotiliike, Oppitunti tyttäreille jne.). Mielenkiintoista on Krylovin "vitsi-tragedia" Trumfi tai alisiru, jossa satiiri Paavalin I hallituskaudella yhdistettiin klassististen tekniikoiden pistävään parodiaan. Näytelmä on kirjoitettu vuonna 1800 - kesti vain 53 vuotta, ennen kuin klassinen estetiikka, Venäjän kannalta innovatiivinen, alkoi kokea arkaaisena. Krylov kiinnitti huomiota draaman teoriaan ( Huomautus komediasta« Naurua ja surua», Katsaus komediaan A. Klushin« Alkemisti» jne.).

Venäläinen draama 1800-luvulta

1800-luvun alkuun mennessä. Venäjän ja eurooppalaisen draaman historiallinen kuilu hävisi. Siitä lähtien venäläinen teatteri on kehittynyt yleiseen eurooppalaisen kulttuurin kontekstiin. Venäjän draamassa on edelleen erilaisia \u200b\u200besteettisiä suuntauksia - sentimentalismi (N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov jne.) Esiintyy rinnakkain jonkin verran klassistisen romanttisen tragedian kanssa (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy jne.), Sanoitus ja emotionaalinen draama (I. Turgenev) - kaustisella pamfattisatiirilla (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). Kevyt, hauska ja nokkela vaudeville on suosittu (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F. Koni, V. Karatygin jne.). Mutta juuri 1800-luvulta, suuren venäläisen kirjallisuuden ajasta, tuli Venäjän draaman ”kulta-aika”, jolloin kirjailijat, joiden teokset kuuluvat edelleen maailmanteatteriklassikoiden kultarahastolle.

Ensimmäinen uudentyyppinen näytelmä oli A. Griboyedovin komedia Voi Wit... Kirjailija saavuttaa hämmästyttävän taiton kaikkien näytelmän komponenttien kehittämisessä: hahmot (joissa psykologinen realismi yhdistetään orgaanisesti korkealla tyypillisyydellä), juonittelu (jossa rakkaussuhteet ovat erottamattomasti kietoutuneita kansalais- ja ideologisiin törmäyksiin), kieli (melkein koko näytelmä on kokonaan jaettu sanonnoihin, sananlaskuja ja lauseita, jotka ovat säilyneet nykyään elävässä puheessa).

Filosofisesti rikas, psykologisesti syvä ja hienovarainen ja samalla eeppisesti voimakas A. Puškinin dramaattiset teokset ( Boris Godunov, Mozart ja Salieri, Nykky ritari, Kivi vieras, Juhla ruton aikaan).

Synkät romanttiset motiivit, individualistisen kapinan aiheet, symbolismin esitys kuulivat voimakkaasti M. Lermontovin draamassa ( espanjalaiset, Ihmiset ja intohimot, Naamiaiset).

Räjähtävä sekoitus kriittistä realismia fantastisella groteskilla täyttää N. Gogolin upeat komediat ( Avioliitto, Pelaajat, Tilintarkastaja).

Valtava alkuperäinen maailma esiintyy lukuisissa ja monigenreisissä A. Ostrovskin näytelmissä, jotka edustavat koko Venäjän elämän tietosanakirjaa. Monet venäläiset näyttelijät hallitsivat teatterin ammatin salaisuudet dramaturgiassaan ja Ostrovskin näytelmiin rakensivat realismin perinteen, jota Venäjällä rakastettiin erityisesti.

L. Tolstoi () Pimeyden hallitus, Valaistuksen hedelmät, Elävä kuollut).

Venäläinen draama 1900-luvun vaihteessa

1900-luvun lopulla - 20-luvun alkupuolella. kehitettiin draaman uusia esteettisiä suuntia. Vuosisadan vaiheen eskatologiset tunnelmat määrittivät symbolismin laajalle levinneen (A. Blok - Näytä, Muukalainen, Rose ja risti, Kuningas ruudulla; L. Andreev - Tähdet, Tsaari-Nälkä, Ihmiselämä, Anatema; N. Evreinov - Komea despot, sellainen nainen; F. Sologub - Kuoleman voitto, Yötanssit, Vanka Keeper ja Page Jean; V. Brusov - Matkustaja, maajne.). Futuristit (A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, K. Malevich, V. Mayakovsky) kehottivat luopumaan kaikista menneisyyden kulttuuriperinteistä ja rakentamaan täysin uuden teatterin. M. Gorkin draamassa kehitettiin kova, sosiaalisesti aggressiivinen, synkkä naturalistinen estetiikka ( porvaristo, Pohjalla, Kesäasukkaat, Viholliset, viimeaikainen, Vassa Zheleznova).

Tšehovin näytelmistä tuli kuitenkin tuon ajan venäläisen draaman todellinen löytö, huomattavasti aikaansa edellä ja määrittäen maailmateatterin jatkokehityksen vektorin. Ivanov, Lokki, Setä Ivan, Kolme siskoa, Kirsikkapuutarhaeivät sovi perinteiseen draamalajilajiin ja tosiasiallisesti kumoavat kaikki draaman teoreettiset kaanonit. Heissä ei käytännössä ole juonittelua - juoni ei missään tapauksessa ole koskaan järjestävää merkitystä, ei ole perinteistä dramaattista kaavaa: alku - käänteet - katoaminen; ei ole olemassa yhtä "päästä päähän" -konfliktia. Tapahtumat muuttavat koko ajan semanttista mittakaavaa: suuresta tulee merkityksetön ja arjen pienet asiat kasvavat globaaliin mittaan. Hahmojen suhteet ja vuoropuhelut on rakennettu alatekstiin, emotionaaliseen merkitykseen, joka ei riitä tekstiin. Näennäisesti yksinkertaiset ja mutkikkaat huomautukset on todella integroitu monimutkaiseen tyylijärjestelmään, joka sisältää troppeja, käännöksiä, retorisia kysymyksiä, toistoja jne. Sankarien monimutkaisimmat psykologiset muotokuvat koostuvat hienostuneista tunnereaktioista, puolikuvista. Lisäksi Tšehhovin näytelmissä on tietty teatterinen arvoitus, jonka ratkaisu on kiertänyt maailmanteatterin toisen vuosisadan ajan. Ne näyttävät olevan plastisesti sovellettavissa moniin esteettisiin ohjauksellisiin tulkintoihin - syvällisistä psykologisista, lyyrisistä (K. Stanislavsky, P. Stein jne.) Aina elävästi perinteisiin (G. Tovstonogov, M. Zakharov), mutta samalla säilyttäen esteettisen ja semanttisen inexhaustibility. Joten 1900-luvun puolivälissä se tuntui odottamattomalta - mutta varsin luonnolliselta - absurdistien julistukselta, jonka mukaan heidän esteettinen suunta perustui Tšehhovin draamalle.

Venäläinen draama vuoden 1917 jälkeen.

Lokakuun vallankumouksen ja sen jälkeen teatterien valtionhallinnan perustamisen jälkeen syntyi tarve uudelle ohjelmistolle, joka vastaa nykyaikaista ideologiaa. Varhaisimmista näytelmistä kenties nykyään vain yksi voidaan nimittää - Mystery BuffV. Majakovski (1918). Periaatteessa varhaisen Neuvostoliiton ajan moderni ohjelmisto muodostettiin ajankohtaisesta "levottomuudesta", joka menetti merkityksensä lyhyessä ajassa.

Uusi Neuvostoliiton draama, joka heijastaa luokkataistelua, syntyi 1920-luvulla. Tänä aikana sellaisia \u200b\u200bnäytelmäkirjailijoita kuin L. Seifullina ( Virinea), A. Serafimovich ( Maryana, kirjoittajan mukauttaminen romaaniin Rautavirta), L. Leonov ( mäyriä), K. Trenev ( Rakasta Yarovayaa), B. Lavrenev ( Vika), V. Ivanov ( Panssaroitu juna 14-69), V. Bill-Belotserkovsky ( Myrsky), D. Furmanov ( Kapina) jne. Heidän draamansa kokonaisuutena erotettiin romanttisesta vallankumouksellisten tapahtumien tulkinnasta, tragedian yhdistelmästä sosiaaliseen optimismiin. V. Vishnevsky kirjoitti 1930-luvulla näytelmän, jonka otsikko määritteli tarkasti uuden isänmaallisen draaman pää genren: Optimistinen tragedia (tämä nimi on muuttanut alkuperäisiä, vaatimattomampia vaihtoehtoja - Hymni merimiehilleja Voittoisa tragedia).

Neuvostoliiton satiirisen komedian genre alkoi muotoutua, sen olemassaolon ensimmäisessä vaiheessa, joka liittyi NEP: n altistumiseen: vikaja KylpyV. Majakovski, Ilmapiirakkaja Krivorylskin loppuB.Romashova, laukausA. Bezymensky, mandaattija ItsemurhaN. Erdman.

Kirjailijaliiton ensimmäinen kongressi (1934) päätti uuden vaiheen neuvostoliiton draaman (kuten muidenkin kirjallisuuslajien) kehityksessä, joka julisti sosialistisen realismin menetelmän taiteen pääasialliseksi luovaksi menetelmäksi.

1930 - 1940, Neuvostoliiton draamassa etsittiin uutta positiivista sankaria. Näytelmiä kirjoittanut M. Gorky ( Egor Bulychov ja muut, Dostigaev ja muut). Tänä aikana sellaisten näytelmäkirjailijoiden kuin N. Pogodin ( Vauhti, Runo kirvesestä, eräs ystäväni ja muut), V. Vishnevsky ( Ensimmäinen hevonen, Viimeinen ratkaiseva, Optimistinen tragedia), A. Afinogenova ( Pelko, kaukainen, Mashenka), V. Kirshona ( Kiskot humisevat, leipä), A. Korneichuk ( Laivue kuolema, Platon Krechet), N. Virta ( maa), L. Rakhmanova ( Levoton vanhuus), V. Guseva ( kunnia), M. Svetlova ( Tarina, Kaksikymmentä vuotta myöhemmin), vähän myöhemmin - K. Simonova ( Kaveri kaupungistamme, Venäjän kansa, Venäjän kysymys, Neljäsjne.). Näytelmät, joissa Leninin kuva esitettiin, olivat suosittuja: Mies aseellaPogodin tottaKorneichuk, Nevan rannoillaTrenev, myöhemmin - M. Shatrovin näytelmät. Lasten draamaa muodostettiin ja kehitettiin aktiivisesti, ja sen tekijöitä olivat A. Brushtein, V. Lyubimova, S. Mikhalkov, S. Marshak, N. Shestakov ja muut. E. Schwartzin teokset ovat erillään, joiden allegoraalisia ja paradoksaalisia tarinoita ei osoitettu niin paljon lapsille, kuinka monta aikuista ( Tuhkimo, Varjo, Lohikäärme jne.). Isänmaallisen sodan 1941–1945 aikana ja sodan ensimmäisinä vuosina isänmaallinen draama tuli luonnollisesti esiin sekä nykyaikaisella että historiallisella teemalla. Sodan jälkeen kansainväliseen rauhantaisteluun omistetut näytelmät tulivat leviämään.

1950-luvulla Neuvostoliitossa annettiin joukko säädöksiä, joiden tarkoituksena oli parantaa draaman laatua. Niin kutsuttu. "Konflikttien teoria", julistaen ainoan mahdollisen dramaattisen konfliktin "parhaiden kanssa". Hallitsevien piireiden kiinnostus nykytaiteeseen johtui paitsi yleisistä ideologisista näkökohdista myös yhdestä lisäsyystä. Neuvostoliiton teatterin kausittaisen ohjelmiston oli tarkoitus muodostua temaattisista osioista (venäläiset klassikot, ulkomaiset klassikot, juhla- tai lomapäivää varten tarkoitettu esitys jne.). Ainakin puolet teoksista oli tarkoitus valmistaa nyky draaman mukaan. Oli toivottavaa, että pääesitykset ei lavastettu perustuen kevyisiin komedia näytelmiin, vaan vakavien aiheiden teoksiin. Näissä olosuhteissa suurin osa maan teattereista, jotka olivat kiinnostuneita alkuperäisen ohjelmiston ongelmasta, etsivät uusia näytelmiä. Nyky draaman kilpailut järjestettiin vuosittain, ja Theatre-lehti julkaisi jokaisessa numerossa yhden tai kaksi uutta näytelmää. Unionin virallinen teatterikäyttöä käsittelevä tekijänoikeusvirasto julkaisee vuosittain useita satoja moderneja näytelmiä, jotka kulttuuriministeriö ostaa ja suosittelee lavastamiseen. Mielenkiintoisin ja suosituin moderni draaman levittämiskeskus teatteripiireissä oli kuitenkin puolivirallinen lähde - WTO-mashburo (All-Union Theatre Society, myöhemmin nimetty teatterityöntekijöiden liittoksi). Siellä levisi draaman uutuuksia - sekä virallisesti hyväksyttyjä että ei. Konekirjoittajat tulostivat uusia tekstejä, ja melkein kaikki juuri kirjoitetut näytelmät voitiin saada kirjoitustoimistosta pientä maksua vastaan.

Teatteritaiteen yleinen nousu 1950-luvun lopulla johti myös draaman nousuun. Uusien lahjakkaiden kirjailijoiden teoksia ilmestyi, joista monet määrittelivät draaman pääkehityskeinot tulevina vuosikymmeninä. Tänä ajanjaksona muodostui kolmen näytelmäkirjailijan yksilöllisyys, joiden näytelmiä lavastettiin paljon koko Neuvostoliiton ajan - V. Rozov, A. Volodin, A. Arbuzov. Arbuzov debytoi näytelmänä vuonna 1939 tanya ja pysyi katsojansa ja lukijansa kanssa monen vuosikymmenen ajan. Tietenkin, 1950-60-luvun ohjelmisto ei rajoittunut näihin nimiin, L. Zorin, S. Aleshin, I. Stock, A. Stein, K. Finn, S. Mikhalkov, A. Sofronov, A. Salynsky työskentelivät aktiivisesti draamassa , Y. Miroshnichenko ja muut. Maan teattereissa eniten esityksiä on tapahtunut kahden tai kolmen vuosikymmenen aikana yhteiskirjallisuudessa toimineiden V. Konstantinovin ja B. Razerin vaatimaton komedia. Valtaosa näiden kirjailijoiden näytelmistä tunnetaan kuitenkin nykyään vain teatterihistoriaan. Rozovin, Arbuzovin ja Volodinin teokset tulivat Venäjän ja Neuvostoliiton klassikoiden kultaiseen rahastoon.

1950-luvun loppua - 1970-luvun alkua leimasi A. Vampilovin kirkas persoonallisuus. Lyhyen elämänsä aikana hän kirjoitti vain muutama näytelmä: Jäähyväiset kesäkuussa, Vanhin poika, Ankkametsästys, Maakunnan anekdootit(Kaksikymmentä minuuttia enkelin kanssaja Metranpage-tapaus), Viime kesänä Chulimskja keskeneräinen vaudeville Verraton vinkkejä... Palattuaan Tšehhovin estetiikkaan, Vampilov määritteli venäläisen draaman kehityssuunnan kahdelle seuraavalle vuosikymmenelle. 1970- - 1980-luvun tärkeimmät dramaattiset menestykset Venäjällä liittyvät tragikomedian tyyliin. Näitä olivat näytelmät: E. Radzinsky, L. Petrushevskaya, A. Sokolova, L. Razumovskaya, M. Roshchin, A. Galin, Gr. Gorin, A. Chervinsky, A. Smirnov, V. Slavkin, A. Kazantsev, S. Zlotnikov , N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina ja muut. Vampilovin estetiikalla oli epäsuora, mutta konkreettinen vaikutus venäläisen draaman mestareihin. Tragikoomiset motiivit ovat konkreettisia tuon ajan näytelmissä, kirjoittanut V. Rozov ( villisika), A. Volodin ( Kaksi nuolet, Lisko, elokuvan käsikirjoitus Syksymaraton) ja erityisesti A. Arbuzov ( Rakas näky, Onneton miehen onnellisia päiviä, Vanhan Arbatin tarinoita, Tässä suloisessa vanhassa talossa, Voittaja, Julmat pelit).

Kaikki näytelmät, etenkin nuoret näytelmäkirjailijat, eivät tavoittaneet heti yleisöä. Sekä tuolloin että myöhemmin oli kuitenkin monia dramaturgeja yhdistäviä luovia rakenteita: teatterin kokeellinen luova laboratorio. Puskin Volgan alueen, muun kuin mustan maan alueen ja RSFSR: n eteläpuolella sijaitsevien näytelmäkirjailijoiden kirjoituksiin; Siperian, Uralin ja Kaukoidän näytelmäkirjailijoiden kokeellinen luova laboratorio; seminaareja pidettiin Baltiassa, venäläisissä taidetaloissa; draama- ja ohjauskeskus perustettiin Moskovaan; jne. Vuodesta 1982 lähtien on ilmestynyt almanakka "Contemporary Drama", joka on julkaissut nykykirjailijoiden dramaattisia tekstejä ja analyyttistä materiaalia. 1990-luvun alussa Pietarin näytelmäkirjailijat perustivat oman yhdistyksen - "The Playwright's House". Vuonna 2002 Golden Mask Association, Teatrom.doc ja Tšehovin Moskovan taideteatteri järjestivät vuotuisen uuden draaman festivaalin. Näihin yhdistyksiin, laboratorioihin, kilpailuihin muodostettiin uusi teatterikirjoittajien sukupolvi, joka tuli tunnetuksi Neuvostoliiton jälkeisellä kaudella: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Šipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. ja V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk, A. Obraztsov, I. Shprits ja muut.

Kriitikot huomauttavat kuitenkin, että nykypäivän Venäjällä on kehittynyt paradoksaalinen tilanne: moderni teatteri ja moderni draama ovat olemassa, samoin kuin rinnakkain, eristyksissä toisistaan. 2000-luvun alun äänekkäimmät ohjauskysymykset. liittyy klassisten näytelmien lavastamiseen. Moderni draama kuitenkin suorittaa kokeilunsa enemmän "paperilla" ja Internetin virtuaalitilassa.

Tatjana Shabalina

Kirjallisuus:

Vsevolodsky-Gerngros V. Venäjän suullinen kansan draama. M., 1959
Chudakov A.P. Tšehovin runo... M., 1971
Krupyanskaya V. Kansan draama "Vene" (synty ja kirjallinen historia).Lauantaina Slaavilainen kansanperinne... M., 1972
Varhainen venäläinen draama(XVII - ensimmäinen puolikasXVIII sisään.). T. T. 1-2. M., 1972
Lakshin V.Ya. Alexander Nikolaevich Ostrovsky... M., 1976
Gusev V. Venäjän kansanteatteri 1700 - 1900-luvun alussaL., 1980
Folklore-teatteri... M., 1988
Uvarova I., Novatsky V. Ja Vene purjehtii. M., 1993
Zaslavsky G. "Paperidraama": Avantgarde, takavartija tai nykyteatterin metro?"Banner", 1999, nro 9
Shakulina O. Pietarin draaman seurauksena ...Aikakauslehti "Theatre Life", 1999, nro 1
Kolobaeva L. Venäjän symbolismi... M., 2000
Polotskaya E.A. Tšehovin poetiikasta... M., 2000
Ischuk-Fadeeva N.I. Venäläisen draaman genret. Tver, 2003