Korkean renessanssin piirteet Venetsiassa. Korkea renessanssi Venetsiassa Renessanssi Venetsiassa lyhyesti

Venetsia oli viimeinen italialaisista kaupungeista, aikaisintaan 1400-luvun puolivälissä, joka oli täynnä renessanssin ideoita. Toisin kuin muu Italia, hän eli sen omalla tavallaan. Vauras kaupunki, joka vältti sotilaallisia konflikteja, merikaupan keskus, Venetsia oli omavarainen. Sen mestarit pitivät itsensä siinä määrin erillään, että kun firenzeläinen Vasari 1500-luvun puolivälissä alkoi kerätä materiaalia "Kuuluisimpien maalareiden, kuvanveistäjien ja arkkitehtien elämään", hän ei pystynyt saamaan yksityiskohtia ihmisten elämäkerroista. joka asui sata vuotta aikaisemmin ja yhdisti kaikki yhteen lyhyeen lukuun.


Bellini. "St. Lawrence Bridgen ihme." Venetsialaisten taiteilijoiden näkökulmasta kaikki pyhät asuivat Venetsiassa ja purjehtivat gondoleissa.

Venetsian mestarit eivät kiirehtineet Roomaan tutkimaan muinaisia ​​raunioita. He pitivät paljon enemmän Bysantista ja arabi-idästä, joiden kanssa Venetsian tasavalta kävi kauppaa. Lisäksi heillä ei ollut kiirettä luopua keskiaikaisesta taiteesta. Ja kaksi tunnetuinta kaupunkirakennusta - Pyhän Markuksen katedraali ja Dogen palatsi - edustavat kahta kaunista arkkitehtonista "kimppua": ensimmäinen sisältää bysanttilaisen taiteen aiheita ja toinen yhdistää keskiaikaisia ​​teräviä kaaria ja arabialaisia ​​kuvioita.

Leonardo da Vinci, suuri firenzeläinen, tuomitsi maalarit, jotka olivat liian ihastuneita värien kauneudesta, ja piti helpotusta maalauksen tärkeimpänä etuna. Venetsialaisilla oli oma mielipiteensä tästä asiasta. He jopa oppivat luomaan illuusion tilavuudesta, melkein turvautumatta väreihin ja varjoihin, vaan käyttämällä saman värin eri sävyjä. Näin on kirjoitettu Giorgionen Nukkuva Venus.

Giorgione. "Myrsky". Elokuvan juoni on edelleen mysteeri. Mutta on selvää, että taiteilijaa kiinnosti eniten tunnelma, hahmon mielentila tällä hetkellä, tässä tapauksessa myrskyä edeltävällä hetkellä.

Varhaisen renessanssin taiteilijat maalasivat maalauksia ja freskoja käyttämällä temperaa, joka keksittiin muinaisina aikoina. Öljymaalit ovat olleet tunnettuja antiikista lähtien, mutta maalarit kiinnostuivat niistä vasta 1400-luvulla. Hollantilaiset mestarit kehittivät ensimmäisinä öljymaalaustekniikan.

Koska Venetsia rakennettiin saarille keskellä merta, freskot tuhoutuivat nopeasti korkean kosteuden vuoksi. Mestarit eivät myöskään voineet kirjoittaa tauluille, kuten Botticelli kirjoitti "Magien palvonnan": ympärillä oli paljon vettä, mutta ei tarpeeksi metsää. He maalasivat kankaalle öljymaaleilla, ja tässä he olivat enemmän nykymaalareita kuin muita renessanssimaalareita.

Venetsialaisilla taiteilijoilla oli viileä asenne tieteeseen. He eivät eronneet kykyjensä monipuolisuudesta, koska he tiesivät vain yhden asian - maalauksen. Mutta he olivat yllättävän iloisia ja siirsivät mielellään kankaille kaiken, mikä miellytti silmää: venetsialaista arkkitehtuuria, kanavia, siltoja ja veneitä gondoliereilla, myrskyistä maisemaa. Kaupunkiaikansa kuuluisa taiteilija Giovanni Bellini innostui Vasarin mukaan muotokuvamaalauksesta ja tarttui sillä niin kansalaisiaan, että jokainen merkittävän aseman saavuttanut venetsialainen kiirehti tilaamaan muotokuvansa. Ja hänen veljensä Gentile väitti ravistelevan turkkilaista sulttaania ytimeen maalaamalla sen elämästä: kun hän näki "toisen minänsä", sulttaani piti sitä ihmeenä. Titian maalasi monia muotokuvia. Elävät ihmiset olivat Venetsian taiteilijoille mielenkiintoisempia kuin ihanteelliset sankarit.

Se, että Venetsia oli myöhässä innovaatioiden kanssa, osoittautui sopivaksi. Hän säilytti parhaansa mukaan Italian renessanssin saavutukset vuosina, jolloin se oli haihtunut muissa kaupungeissa. Venetsialaisesta maalauskoulusta tuli silta renessanssin ja sen korvaavan taiteen välillä.

Venetsia on yksi maailman upeimmista kaupungeista: kaupunki veden päällä. Rajaton meri, leveä taivas ja pienet tasaiset saaret – tämä on minimi luonnollisista palkkioista, jotka kohtalo on suonut Venetsialle. Ja koska asukkaita oli hyvin paljon ja maata hyvin vähän, niin jokaisesta puusta tuli luksustavara, jonka annettiin kasvaa sinne, missä jotain voitiin rakentaa.

Venetsia eli vuosisatoja uskomattoman rikkaana kaupunkina, ja sen asukkaat eivät voineet yllättyä kullan, hopean, jalokivien, kankaiden ja muiden aarteiden runsaudesta, mutta palatsin puutarhaa pidettiin aina kaupungin äärimmäisenä rajana. vaurautta, koska kaupungissa oli mitätöntä vehreyttä: ihmiset Jouduin luopumaan siitä kamppailussa elintilasta. Luultavasti tästä syystä venetsialaisista tuli hyvin vastaanottavaisia ​​kauneudelle ja jokainen taiteellinen tyyli heidän keskuudessaan saavutti koristeellisten kykyjensä maksimin. Taiteen ilmentymä rakkaus kauneutta kohtaan on tehnyt Venetsiasta todellisen "Adrianmeren helmen".

Venetsialla oli aktiivinen rooli kansainvälisessä politiikassa: vuonna 1167 siitä tuli osa Lombard-liittoa, jonka Pohjois-Italian kaupungit perustivat taistelemaan keisari Frederick I Barbarossaa vastaan; Paavi Aleksanteri III oli myös keisarin vihollinen, joka vastusti häntä toista paavia, pääsiäistä III:ta vastaan.

Keski- ja Etelä-Italiassa korkean renessanssin lyhytaikainen "kulta-aika" päättyi 1500-luvun kolmen ensimmäisen vuosikymmenen aikana, ja seuraavina vuosina sen suurimman huipun - Michelangelon teoksen - kanssa dekadentti maniristinen suunta Korkean ja myöhäisen renessanssin humanistinen taide kantaa hedelmää Pohjois-Italiassa, Venetsiassa.

Konstantinopolin kaatuminen turkkilaisten hyökkäyksen alla järkytti suuresti "Adrianmeren kuningattaren" kauppa-asemaa. Ja kuitenkin, venetsialaisten kauppiaiden keräämät valtavat varat antoivat Venetsialle säilyttää itsenäisyytensä ja renessanssin elämäntavan suuren osan 1500-luvulta.

Korkea renessanssi Venetsiassa on mielenkiintoinen ja ainutlaatuinen renessanssin hetki Italiassa. Täällä se alkoi vähän myöhemmin, mutta kesti pidempään. Muinaisten perinteiden rooli Venetsiassa oli pienin, ja yhteys eurooppalaisen maalauksen myöhempään kehitykseen oli suorin.

Venetsia ei ollut kiinnostunut kaivauksista ja sen "elvyttävän" kulttuurin tutkimisesta - sen renessanssilla oli muita alkuperää. Bysantin kulttuurilla oli erityisen voimakas vaikutus Venetsian kulttuurin kehitykseen, mutta Bysantin luontainen kurinalaisuus ei juurtunut - Venetsia imeytyi enemmän sen värikkyydestä ja kultaisesta kiillosta. Venetsia muokkasi sekä goottilaisia ​​että itämaisia ​​perinteitä osakseen. Tämä kaupunki kehitti oman tyylinsä, joka ammentaa kaikkialta, vetoaa kohti värikkyyttä, kohti romanttista maalauksellisuutta. Fantastisen ja kukkaisen makua kuitenkin hillitsi ja virtaviivaisti liike-elämän raittiuden henki, venetsialaisille kauppiaille tyypillinen todellinen elämänkatsomus.

Kaikesta, mitä Venetsia otti vastaan, lännen ja idän säikeistä, se kutoi renessanssinsa, puhtaasti maallisen, protoporvarillisen kulttuurinsa, joka lopulta tuli lähelle italialaisten humanistien tutkimusta. Tämä tapahtui aikaisintaan 1400-luvun toisella puoliskolla - vasta sitten alkoi lyhytaikainen venetsialainen "Quattrocento", joka pian väistyi korkean renessanssin kulttuurille. Monet venetsialaiseen maalaukseen tutustuneet pitävät varhaisen venetsialaisen renessanssin teoksista jopa enemmän kuin kuuluisista Tizianin, Veronesen ja Tintoreton maalauksista. Quattrocentistien teokset ovat hillitympiä ja hienovaraisempia, heidän naivisuutensa kiehtoo, niissä on enemmän musikaalisuutta. Taiteilija, joka siirtyy varhaisrenessanssista korkeaan renessanssiin, Giovanni Bellini, herättää ajan myötä yhä enemmän huomiota, vaikka hänen nuoremmat aikalaisensa varjostivatkin häntä pitkään heidän rehevällä aistillisella loistollaan.

Giorgione, Giovanni Bellinin oppilas, taiteilija, jota pidettiin Venetsian korkean renessanssin ensimmäisenä mestarina, kuului unelmoijien rotuun. Giorgionen tyylillä on jotain yhteistä sekä Rafaelin että Leonardo da Vincin kanssa: Giorgione on "klassinen", selkeä, tasapainoinen sävellyksissään, ja hänen piirustukselleen on ominaista harvinainen viivojen sileys. Mutta Giorgione on lyyrisempi, intiimimpi, hänessä on ominaisuus, joka on jo pitkään ollut ominaista venetsialaiselle koulukunnalle ja jonka hän nosti uudelle tasolle - kolorismi. Venetsialaisten rakkaus värien aistilliseen kauneuteen johti askel askeleelta uuteen kuvalliseen periaatteeseen, jolloin kuvan aineellisuus ei saavuteta niinkään chiaroscurolla kuin värisävyillä. Osittain Giorgionella on tämä jo.

Giorgionen taide aloitti korkean renessanssin Venetsiassa. Verrattuna Leonardon taiteen selkeään rationaalisuuteen, Giorgionen maalaus on syvän lyyrisyyden ja mietiskelyn täynnä. Hänen työssään näkyvällä paikalla oleva maisema edistää runouden paljastumista ja hänen täydellisten kuviensa harmoniaa. Ihmisen ja luonnon harmoninen yhteys on tärkeä piirre Giorgionen teoksessa. Humanistien, muusikoiden, runoilijoiden ja itse poikkeuksellisen muusikon joukossa muodostunut Giorgione löytää sävellyksistään rytmien hienovaraisimman musikaalisuuden. Värillä on niissä valtava rooli. Läpinäkyvinä kerroksina levitetyt äänivärit pehmentävät ääriviivoja. Taiteilija käyttää mestarillisesti öljymaalauksen ominaisuuksia. Erilaiset sävyt ja siirtymäsävyt auttavat häntä saavuttamaan äänenvoimakkuuden, valon, värin ja tilan yhtenäisyyden. Hänen varhaisista teoksistaan ​​"Judith" (noin 1502, Pietari, Eremitaaši) vetää puoleensa lempeällä unenomaisuudellaan ja hienovaraisella lyyrisyydellä. Raamatun sankaritar on kuvattu nuorena kauniina naisena hiljaisen luonnon taustalla. Kuitenkin oudon, hälyttävän sävelen tuovat tähän näennäisen harmonisen sävellyksen sankarittaren kädessä oleva miekka ja hänen tallaama vihollisen katkaistu pää.

Maalauksissa "Ukkosmyrsky" (noin 1505, Venetsia, Accademia Gallery) ja "Rural Concert" (noin 1508-1510, Pariisi, Louvre), joiden aiheet jäivät tunnistamatta, tunnelmaa luovat paitsi ihmiset, myös luonteeltaan: myrskyä edeltävä - ensimmäisessä ja rauhallisesti säteilevä, juhlallinen - toisessa. Maiseman taustaa vasten ihmisiä kuvataan ajatuksiinsa uppoutuneina, kuin he odottaisivat jotain tai soittaisivat musiikkia muodostaen erottamattoman kokonaisuuden ympäröivän luonnon kanssa.

Giorgionen maalaamat muotokuvat erottaa ihanteen ja harmonisen yhdistelmän konkreettisuuden ja yksilön kanssa ihmisen ominaisuuksissa. Houkuttelee Antonio Brocardon (1508-1510, Budapest, Kuvataidemuseo) ajattelun syvyydestä, luonteen jaloisuudesta, unenomaisuudesta ja henkisyydestä. Täydellisen ylevän kauneuden ja runouden kuva saa ihanteellisen ruumiillistumansa "Nukkuvassa Venuksessa" (noin 1508-1510, Dresden, Kuvagalleria). Hänet esitetään maaseutumaiseman taustalla, uppoutuneena rauhalliseen uneen. Hänen vartalonsa lineaaristen ääriviivojen tasainen rytmi harmonisoituu hienovaraisesti lempeiden kukkuloiden pehmeiden linjojen kanssa, luonnon mietteliään tyyneyden kanssa. Kaikki ääriviivat ovat pehmeitä, plastisuus on ihanteellisen kaunista, hellästi mallinnetut muodot ovat suhteellisia. Kultaisen sävyn hienovaraiset vivahteet välittävät alaston vartalon lämpöä. Giorgione kuoli luovien voimiensa parhaimmillaan ruttoon saamatta valmiiksi täydellisintä maalaustaan. Maalauksen maiseman viimeisteli Titian, joka toteutti myös muita Giorgionelle uskottuja tilauksia.

Monien vuosien ajan sen pään, Tizianin (1485/1490-1576) taide määritti venetsialaisen maalauskoulun kehityksen. Leonardon, Rafaelin ja Michelangelon taiteen ohella se näyttää olevan korkean renessanssin huippu. Titianin uskollisuus humanistisille periaatteille, usko ihmisen tahtoon, järkeen ja kykyihin sekä voimakas kolorismi antavat hänen teoksilleen valtavan houkuttelevan voiman. Hänen työnsä paljastaa lopulta venetsialaisen maalauskoulun realismin ainutlaatuisuuden. Taiteilijan maailmankuva on täysiverinen, elämäntunto syvä ja monipuolinen. Hänen kykynsä monipuolisuus ilmeni erilaisten genrejen ja teemojen, lyyristen ja dramaattisten, kehityksessä.

Toisin kuin varhain kuollut Giorgione, Titian eli pitkän, onnellisen elämän, täynnä inspiroitua luovaa työtä. Hän syntyi Cadoren kaupungissa, asui koko elämänsä Venetsiassa ja opiskeli siellä - ensin Bellinin ja sitten Giorgionen kanssa. Vain lyhyen aikaa, saavutettuaan mainetta, hän matkusti asiakkaiden kutsusta Roomaan ja Augsburgiin, mieluummin työskennellen tilavan, vieraanvaraisen kotinsa tunnelmassa, johon hänen humanistiset ystävänsä ja taiteilijansa usein kokoontuivat, heidän joukossaan kirjailija Aretino. ja arkkitehti Sansovino.

Titianuksen varhaisia ​​töitä leimaa runollinen maailmankuva. Mutta toisin kuin edeltäjänsä unenomaisesti lyyriset sankarit, Titian luo kuvia, jotka ovat täyteläisempiä, aktiivisempia ja iloisempia. Maalauksessa "Maallinen ja taivaallinen rakkaus" (1510-luku, Rooma, Galleria Borghese) on kaksi naista kauniin idyllisen maiseman taustalla. Toinen heistä, ylellisesti pukeutunut, mietteliään rento, kuuntelee toista, kultatukkainen, kirkassilmäinen, hänen alaston vartalonsa täydellistä kauneutta paljastaa hänen olkapäästään virtaava helakanpunainen viitta. Tämän allegorian juonella, kuten myös useilla Giorgionen maalauksilla, ei ole yhtä tulkintaa. Mutta se antaa taiteilijalle mahdollisuuden kuvata kahta erilaista hahmoa, tilaa, kahta ideaalikuvaa, jotka harmonisoituvat hienovaraisesti lämpimän valon valaiseman rehevän luonnon kanssa.

Titian rakentaa sävellyksen ”Caesarin Denarius” (1515-1520, Dresden, Kuvagalleria) kahden hahmon vastakkain: Kristuksen jaloutta ja ylevää kauneutta korostavat rahaa raastavan fariseuksen saalistava ilme ja rumuus. Useat alttaritaulut, muotokuvat ja mytologiset sävellykset juontavat juurensa Tizianin luovan kypsyyden ajalle. Tizianin maine levisi kauas Venetsian rajojen ulkopuolelle, ja tilausten määrä kasvoi jatkuvasti. Hänen teoksissaan vuosilta 1518-1530 grandioosinen laajuus ja paatos yhdistyvät sommittelun dynamiikkaan, juhlalliseen loistoon, olemisen täyteyden, rikkaiden väriharmonioiden rikkauden ja kauneuden siirtämiseen. Sellainen on "Marian taivaaseenastuminen" ("Assunta", 1518, Venetsia, Santa Maria dei Frarin kirkko), jossa voimakas elämän henkäys tunnetaan itse ilmakehässä, juoksevissa pilvissä, apostolien joukossa, katsellen. ihaillen ja hämmästyneenä Marian hahmosta, joka nousee taivaalle, tiukasti majesteettinen, säälittävä. Jokaisen hahmon valo- ja varjomallinnus on energistä, monimutkaiset ja leveät intohimoisella impulssilla täytetyt liikkeet ovat luonnollisia. Syvän punaisen ja sinisen sävyt ovat juhlallisesti sointuvia. "Pesaron perheen Madonna" (1519-1526, Venetsia, Santa Maria dei Frarin kirkko), luopuessaan alttarikuvan perinteisestä keskeisestä rakenteesta, Titian antaa epäsymmetrisen, mutta tasapainoisen, oikealle siirretyn sommittelun, joka on täynnä kirkasta elinvoimaa. . Pesaro-perheen Marian edessä seisovilla asiakkailla on teräviä muotokuvapiirteitä.

Vuosina 1530-1540 Tizianin varhaisten sävellysten paatos ja dynamiikka korvataan elinvoimaisesti spontaaneilla kuvilla, selkeällä tasapainolla ja hitaalla kerronnalla. Taiteilija esittelee uskonnollisia ja mytologisia aiheita käsittelevissä maalauksissa erityistä ympäristöä, kansantyyppejä ja tarkasti havaittuja arjen yksityiskohtia. Kohtauksessa Entry to the Temple (1534-1538, Venetsia, Accademia Gallery) pikku Maria on kuvattu nousemassa leveitä portaikkoja ylipappien luo. Ja heti temppelin eteen kokoontuneen kaupunkilaisten meluisan joukon joukossa erottuu vanhan kauppiaan hahmo, joka istuu portailla tavaroidensa - munakorin - vieressä. Maalauksessa "Venus of Urbino" (noin 1538, Firenze, Uffizi) aistillisen alaston kauneuden kuva tuodaan alas runollisista korkeuksista tuomalla taustalle piikoja, jotka ottavat jotain arkista. Värimaailmasta tulee hillitty ja syvä, vaikka se säilyttää soinninsa.

Koko elämänsä ajan Titian kääntyi muotokuvalajin puoleen, ja hänestä tuli tämän alueen uudistaja. Hän syventää kuvattujen piirteitä ja panee merkille asennon, liikkeiden, ilmeiden, eleiden ja puvun käyttötavan ainutlaatuisuuden. Hänen muotokuvansa kehittyvät toisinaan maalauksiksi, jotka paljastavat psykologisia konflikteja ja ihmisten välisiä suhteita. Jo varhaisessa muotokuvassa "Nuori mies hansikkaalla" (1515-1520, Pariisi, Louvre) kuva saa yksilöllisen spesifisyyden, ja samalla se ilmaisee renessanssin miehen tyypillisiä piirteitä hänen päättäväisyydellään, energiallaan, itsenäisyyden tunne, nuori mies näyttää kysyvän kysymyksen ja odottavan vastausta. Puristetut huulet, kiiltävät silmät ja valkoisen ja mustan kontrasti vaatteissa terävöittävät luonnehdintaa. Myöhäisajan muotokuville on ominaista suuri dramaattisuus ja sisäisen maailman monimutkaisuus, psykologiset ja sosiaaliset yleistykset, kun Titianin teoksessa syntyy teema ihmisen konfliktista ulkomaailman kanssa. Muotokuva Ippolito Riminaldista (1540-luvun loppu, Firenze, Pitti-galleria), jonka kalpeat kasvot vetävät puoleensa luonteeltaan monimutkaisella ja kunnioittavalla henkisyydellä, on silmiinpistävä paljastaessaan hienostuneen henkisen maailman. Sisäinen elämä keskittyy katseeseen, joka on sekä jännittynyt että hajamielinen, sisältäen epäilyksen ja pettymyksen katkeruuden.

Täyspitkä ryhmämuotokuva paavi Paavali III:sta veljenpoikiensa, kardinaalien Alessandro ja Ottavio Farnese (1545-1546, Napoli, Capodimonte Museum) kanssa, nähdään ainutlaatuisena aikakauden dokumenttina, joka paljastaa itsekkyyden ja tekopyhyyden, julmuuden ja ahneuden, voiman. ja orjuus, rappeutuminen ja sitkeys - kaikki mikä yhdistää näitä ihmisiä. Kaarle V:n (1548, Madrid, Prado) sankarillinen ratsastusmuotokuva ritarihaarniskassa laskevan auringon kultaisten heijastusten valaiseman maiseman taustalla on elävästi realistinen. Tällä muotokuvalla oli valtava vaikutus 1600- ja 1700-luvun barokin muotokuvien kehitykseen.

1540-1550-luvuilla maalauksellisuuden piirteet lisääntyivät jyrkästi Titianin teoksissa, hän saavutti täydellisen plastisen valon ja varjon sekä värikkäiden ratkaisujen yhtenäisyyden. Voimakkaat valoosuudet saavat värit loistamaan ja hohtamaan. Itse elämästä hän löytää ihanteen täysiverisestä, kypsästä kauneudesta, joka ilmentyy mytologisissa kuvissa - "Venus peilin edessä" (noin 1555, Washington, National Gallery of Art), "Danae" (noin 1554, Madrid, Prado).

Feodaalis-katolisen reaktion vahvistuminen ja Venetsian tasavallan kokema syvä kriisi pahentavat taiteilijan myöhempien teosten traagista elementtiä. Niitä hallitsevat marttyyrikuoleman ja kärsimyksen teemat, sovittamaton ristiriita elämän kanssa, stoalainen rohkeus; "Pyhän Laurentiuksen kärsimys" (1550-1555, Venetsia, jesuiittakirkko), "Katuva Magdaleena" (1560-luku, Pietari, Eremitaaši), "Orjantappurakruunu" (noin 1570, München, Pinakothek), "St. Sebastian" (noin 1570, Pietari, Eremitaaši), "Pieta" (1573-1576, Venetsia, Accademia Gallery). Heissä olevan henkilön kuvalla on edelleen voimakas voima, mutta se menettää sisäisen harmonisen tasapainon piirteet. Koostumus on yksinkertaistettu, rakennettu yhden tai useamman hahmon yhdistelmälle, jolla on arkkitehtoninen tai maisema tausta, upotettu hämärään; ilta- tai yökohtaukset valaisevat pahaenteisiä salamoita ja taskulamppuja. Maailma havaitaan vaihtelevuudessa ja liikkeessä. Näissä maalauksissa taiteilijan myöhempi maalaustyyli paljastui täysin, sai vapaamman ja laajemman luonteen ja loi perustan 1600-luvun tonaalimaalaukselle. Kieltäytyy kirkkaista, iloisista väreistä, hän siirtyy sameisiin, teräksisiin, oliivin monimutkaisiin sävyihin alistaen kaiken yleiseen kultaiseen sävyyn. Hän saavuttaa kankaan värikkään pinnan silmiinpistävän yhtenäisyyden käyttämällä erilaisia ​​tekstuurointitekniikoita, muuntelemalla hienoimpia lasitteita ja paksuja impasto-avoimia maaliviivoja, veistoavan muodon, joka hajottaa lineaarisen kuvion kevyessä ilmassa ja antaa elämän jännitystä. muotoon. Ja myöhemmissä teoksissaan, jopa traagisisimmissa soundissaan, Titian ei menettänyt uskoaan humanistiseen ihanteeseen. Hänelle ihminen pysyi olemassaolon korkeimpana arvona loppuun asti. Täynnä tietoisuutta omasta arvokkuudestaan, uskoa järjen voittoon ja viisas elämänkokemuksesta, taiteilija esiintyy edessämme "Omakuvassa" (noin 1560, Madrid, Prado), joka kantoi humanismin kirkkaita ihanteita koko hänen aikanaan. elämää.

Renessanssikulttuuri saavutti kehityksensä huipulle renessanssin aikana, mutta se ei välttynyt kriisiilmiöiltä. Ne ovat ilmeisiä taiteellisten kuvien nousevassa dramaattisessa jännityksessä, joka saavutti myöhemmin tragedian, katkerassa halussa osoittaa jopa ihmisen sankarillisten ponnistelujen turhuutta taistelussa häntä vastustavia kohtalokkaita voimia vastaan. Merkkejä syntyvästä kriisiilmiöstä näkyy myös tuolloin jyrkästi esiin nousseissa yhteiskunnallisen ajattelun vastakohtissa: rationalismi ja hillitty todellisuusnäkemys yhdistyvät intensiiviseen utopistiseen ihanteellisen maallisen kaupungin etsintään.

1540-luvulta lähtien alkaa myöhäinen renessanssikausi. Italia joutui tuolloin vieraiden valtojen vallan alle ja siitä tuli feodaalis-katolisen reaktion päälinnoitus. Vain rikas Venetsialainen tasavalta, joka oli vapaa sekä paavin vallasta että interventioiden herruudesta, varmisti taiteen kehityksen tällä alueella. Venetsian renessanssilla oli omat ominaisuutensa.

Jo 1200-luvulta. Venetsia oli siirtomaavalta, joka omisti alueita Italian, Kreikan ja Egeanmeren rannikolla. Hän kävi kauppaa Bysantin, Syyrian, Egyptin ja Intian kanssa. Intensiivisen kaupan ansiosta hänelle virtasi valtava rikkaus. Venetsia oli kaupallinen oligarkkitasavalta, ja hallitseva kasti puolusti asemaansa erittäin julmilla ja petollisilla toimenpiteillä. Kaikille lännen ja idän vaikutuksille avoin tasavalta on jo pitkään poiminut eri maiden kulttuureista sitä, mikä voisi koristaa ja ilahduttaa - bysanttilaista eleganssia ja kultaista kimalletta, maurilaisten monumenttien kuvioita, goottilaisten temppelien fantastista luontoa.

Intohimo ylellisyyteen, koristeellisuus ja inho tieteellistä tutkimusta kohtaan viivästytti Firenzen renessanssin taiteellisten ideoiden ja käytäntöjen tunkeutumista Venetsiaan. Firenzen ja Rooman maalareiden, kuvanveistäjien ja arkkitehtien tärkeimmät ominaispiirteet eivät vastanneet Venetsiassa kehittyneitä makuja. Täällä renessanssin taidetta ruokkii rakkaus ei antiikin, vaan sen ominaisuuksien määrittämän kaupunkiaan kohtaan. Sininen taivas ja meri, palatsien tyylikkäät julkisivut vaikuttivat erityisen taiteellisen tyylin muodostumiseen, joka ilmeni intohimona väriin, sen sävyihin ja yhdistelmiin. Venetsialaiset taiteilijat, jotka olivat vain maalareita, näkivät värikkyyden ja värin maalauksen perustana. Värimieltymys selittyy myös idän taideteoksiin juurtuneella rakkaudella täyteläisiä koristeita, kirkkaita värejä ja runsasta kultausta kohtaan. Venetsialainen renessanssi osoittautui myös rikkaaksi suurista maalareista ja kuvanveistäjistä. Titian, Veronese, Tintoretto, Giorgione, Correggio, Benvenuto Cellini työskentelivät tällä aikakaudella.

Giorgione(oikealla nimellä Giorgio de Castelfranco) tuli ensimmäinen kuuluisin korkean renessanssin taiteilija Venetsiassa. Hänen työssään lopulta voittaa maallinen periaate, joka ilmenee mytologisten ja kirjallisten teemojen juonen hallitsevana. Juuri Giorgionen teoksissa syntyy maalausteline, johon taiteilijan työn erityispiirteet liittyvät: hänen maalaustensa aiheet erottuvat selkeästi määritellyn juonen ja aktiivisen toiminnan puuttumisesta; juonen tulkinnassa pääpaino on hienovaraisten ja monimutkaisten tunteiden ruumiillistuksella, jotka antavat Giorgionen maalauksille erityisen tunnelman - elegisesti unenomaisen tai rauhallisesti keskittyneen.

Vielä ei ole selvitetty tarkasti, kuinka monta teosta kuuluu mestarin siveltimeen, niiden lukumäärä vaihtelee neljästä 61:een. Taiteilijan töiden tutkijat ovat kuitenkin yhtä mieltä siitä, että hänen parhaat teoksensa ovat "Judith" ja "Sleeping Venus". Maalauksessa "Judith" Giorgione ei havainnollista kuuluisan myytin sisältöä. Judithin saavutuksen aktiivinen puoli jää sivuun. Edessämme on vain tapahtuman tulos: nuoren naisen yksinäinen hahmo, joka seisoo syvässä ajatuksissaan kiviterassilla, jonka takana on hämmästyttävän kaunis maisema. Hänen ominaisuudet - miekka ja Holofernesin pää - eivät herätä melkein mitään huomiota. Maalauksen väri läpinäkyvillä ja herkillä väreillä, Judithin puvun hämmästyttävillä sävyillä saa valtavan taiteellisen merkityksen.

”Sleeping Venus” on Giorgionen tunnetuin teos, jossa ensimmäistä kertaa esiteltiin alaston naishahmo ilman juonitoimintaa: keskellä mäkistä niittyä kaunis nuori nainen makaa tummanpunaisella päiväpeitteellä, jossa on valkoinen satiinivuori. Hänen alaston vartalonsa asettuu vinosti vihreän ja ruskean sävyjen hallitseman maiseman taustaa vasten. Venus on upotettu rauhalliseen uneen, mikä merkitsee sielun taipumusta ylevään yhteyteen Jumalan kanssa. Rauha ja hiljaisuus täyttävät luonnon sen loputtomalla taivaalla, valkoisilla pilvillä ja syvyyksiin ulottuvilla etäisyyksillä.

Titian Vecemion teoksia(hän tuli taiteen historiaan ei sukunimellään, vaan omalla nimellään) nousi Venetsian huipulle. Tämä valtavan luovan potentiaalin omaava taiteilija kävi läpi vaikean ja dramaattisen elämänpolun, jonka aikana hänen maailmankuvansa muuttui merkittävästi. Titian kehittyi ihmisenä ja taiteilijana Venetsian korkeimman kulttuurin kukinnan aikana. Hänen ensimmäiset teoksensa ovat täynnä meluisaa ja eloisaa elämää, kun taas hänen viimeiset teoksensa ovat täynnä synkkää ahdistuksen ja epätoivon tunnetta.

Taiteilija eli pitkän elämän (noin 90 vuotta) ja jätti valtavan perinnön. Hän loi sävellyksiä uskonnollisista ja mytologisista aiheista ja oli samalla erinomainen mestari yhden monimutkaisimmista genreistä - alaston (ranskaksi - alasti, riisuttu) - kuvien alaston ruumiista. Renessanssin maalauksessa muinaisia ​​jumalattaria ja mytologisia sankarittaria esitettiin yleensä tällä tavalla. Hänen "Reclining Venus" ja "Danae" ovat kuvia kiehtovista, terveistä venetsialaisista naisista rikkaiden venetsialaisten talojen sisätiloissa.

Titian jäi kulttuurihistoriaan suurena muotokuvamaalarina ja psykologina. Hänen siveltimensä sisältää laajan gallerian muotokuvia - keisarit, kuninkaat, paavit, aateliset. Jos hän varhaisissa muotokuvissaan, kuten oli tapana, ylisti malliensa kauneutta, voimaa, arvokkuutta ja luonteen eheyttä, niin hänen myöhemmät työnsä eroavat kuvien monimutkaisuudesta ja epäjohdonmukaisuudesta. Ne yhdistävät henkisyyden, hienostuneen älykkyyden, jalouden epäilyksen ja pettymyksen katkeruuteen, surun ja piilotetun ahdistuksen kanssa. Titianin luomistyönsä viimeisinä vuosina luomissa maalauksissa on aidon tragedian ääni. Tizianin kuuluisin työ tältä ajalta on maalaus Saint Sebastian.

1500-luvun viimeinen neljännes. renessanssin kulttuurille siitä tuli taantuman aikaa. Taiteilijoiden työt, joita kutsuttiin "maneristeiksi" (italialaisista manierismosta - pretentiousness) ja koko liike - "tapoja", saivat hienostuneen, vaatimattoman luonteen. Venetsialainen maalauskoulu vastusti manierismin tunkeutumista pidempään kuin muut ja pysyi uskollisena renessanssin perinteille. Hänen kuvistaan ​​tuli kuitenkin myös vähemmän yleviä ja sankarillisia, maallisempia, todelliseen elämään liittyviä.

Venetsialainen renessanssi on erillinen, ainutlaatuinen osa koko italialaista renessanssia. Täällä se alkoi myöhemmin, mutta kesti paljon kauemmin. Muinaisten perinteiden rooli Venetsiassa oli pienin, ja yhteys eurooppalaisen maalauksen myöhempään kehitykseen oli suorin. Venetsiassa vallitsi maalaus, jolle oli ominaista kirkkaat, täyteläiset ja iloiset värit.

Korkean renessanssin aikakausi (italiaksi se kuulostaa "Cinquecentolta") Venetsiassa vallitsi melkein koko 1500-luvun. Monet erinomaiset taiteilijat maalasivat Venetsian renessanssin vapaalla ja iloisella tavalla.

Taiteilija Giovanni Bellinistä tuli siirtymäkauden edustaja varhaisrenessanssista korkearenessanssiin. Kuuluisa maalaus kuuluu hänelle" Madonnajärvi"on kaunis maalaus, joka ilmentää unelmia kultakaudesta tai maallisesta paratiisista.

Giovanni Bellinin opiskelijaa taiteilija Giorgionea pidetään Venetsian ensimmäisenä korkearenessanssin mestarina. Hänen kankaansa" Nukkuva Venus"on yksi maailman taiteen runollisimmista kuvista alastomasta kehosta. Tämä teos on toinen ruumiillistuma yksinkertaisten, onnellisten ja viattomien ihmisten unelmasta, jotka elävät täydellisessä harmoniassa luonnon kanssa.

Valtion Eremitaasissa on maalaus "Judith", joka kuuluu myös Giorgionen siveltimeen. Tästä työstä tuli silmiinpistävä esimerkki kolmiulotteisen kuvan saavuttamisesta paitsi chiaroscuron avulla, myös käyttämällä valon asteikkoa.

Paolo Veronesea voidaan pitää Venetsian tyypillisimpänä taiteilijana. Hänen suuret, monihahmoiset sävellyksensä kuvaavat runsaita illallisia venetsialaisissa palatsoissa muusikoiden, naareiden ja koirien kanssa. Niissä ei ole mitään uskonnollista. "Viimeinen ehtoollinen"- tämä on kuva maailman kauneudesta yksinkertaisissa maallisissa ilmenemismuodoissa ja ihailussa kauniin lihan täydellisyyttä kohtaan.

Titianin teoksia

Cinquecenton venetsialaisen maalauksen kehitys heijastui Tizianin töihin, joka työskenteli ensin Giorgionen kanssa ja oli häntä lähellä. Tämä heijastui taiteilijan luovaan tyyliin teoksissa "Taivaallinen rakkaus ja maallinen rakkaus", "Flora". Titianin naiskuvat ovat itse luontoa, joka loistaa ikuisesta kauneudesta.

- maalarien kuningas. Hän teki lukuisia löytöjä maalauksen alalla, mukaan lukien värien rikkaus, värimallinnus, alkuperäiset muodot ja värien vivahteiden käyttö. Tizianin panos Venetsian renessanssin taiteeseen oli valtava; hänellä oli suuri vaikutus myöhemmän ajanjakson taiteilijoiden taitoon.

Myöhäinen Titian on jo lähellä Velazquezin ja Rembrandtin taiteellista kieltä: sävysuhteet, täplät, dynaamiset vedot, värikkään pinnan tekstuuri. Venetsialaiset ja titiaanilaiset korvasivat linjan dominanssin värimatriisin eduilla.

Titsinin maalaustekniikka on hämmästyttävä tänäkin päivänä, koska se on maalien sotkua. Taiteilijan käsissä maalit olivat eräänlaista savea, josta taidemaalari veistoi teoksiaan. Tiedetään, että elämänsä loppupuolella Titian maalasi kankaansa sormillaan. joten tämä vertailu on enemmän kuin sopiva.

Titian Vecellion maalauksia

Titianin maalausten joukossa ovat seuraavat:

• "Assunta"

• "Bacchus ja Ariadne"

• "Urbinon Venus"

• "Paavi Paavali III:n muotokuva"

• "Lavinian muotokuva"

• "Venus peilin edessä"

• "Katuva Magdaleena"

• "Pyhä Sebastian"

Kuvankauneutta ja tunnetta O Tizianin kolmiulotteiset muodot ovat täydellisessä tasapainossa. Hänen hahmonsa ovat täynnä elämän ja liikkeen tunnetta. Kompositsioonitekniikan uutuus, epätavallinen väri ja vapaat vedot ovat Tizianin maalauksen tunnusomaisia ​​piirteitä. Hänen työnsä ilmensi renessanssin venetsialaisen koulukunnan parhaita piirteitä.

Venetsialaiselle renessanssimaalaukselle ominaisia ​​piirteitä

Venetsian Cinquecenton viimeinen valaisin on taiteilija Tintoretto. Hänen maalauksensa ovat kuuluisia "Arkkienkeli Mikaelin taistelu Saatanan kanssa" ja "Viimeinen ehtoollinen". Kuvataide ilmensi renessanssin ideaa, uskoa mielen voimaan, unelma kauniista, vahvasta ihmisestä, harmonisesti kehittyneestä persoonasta.

Taideteoksia luotiin perinteisistä uskonnollisista ja mytologisista aiheista. Tämän ansiosta modernius nostettiin ikuisuuden arvoon, mikä vahvisti todellisen ihmisen jumalallisuuden. Tänä aikana kuvaamisen pääperiaatteet olivat luonnon jäljittely ja hahmojen todellisuus. Maalaus on eräänlainen ikkuna maailmaan, koska taiteilija kuvaa siinä näkemäänsä todellisuudessa.

Maalaustaito perustui eri tieteiden saavutuksiin. Maalarit hallitsivat onnistuneesti perspektiivikuvia. Tänä aikana luovuudesta tuli henkilökohtaista. Maalausteokset kehittyvät yhä enemmän.

Maalauksessa on syntymässä genrejärjestelmä, joka sisältää seuraavat genret:

• uskonnollinen - mytologinen;
• historiallinen;
• kotitalouksien maisema;
• muotokuva.

Tänä aikana ilmestyy myös kaiverrus, ja piirtämisellä on tärkeä rooli. Taideteoksia arvostetaan sinänsä, taiteellisena ilmiönä. Yksi tärkeimmistä tuntemuksista niiden havaitsemisessa on nautinto. Venetsian renessanssin maalausten laadukkaat jäljennökset ovat upea lisä sisustukseen.

Korkearenessanssiin siirtymisen edellytysten kypsymisaika osuu, kuten muualla Italiassa, 1400-luvun loppuun. Juuri näiden vuosien aikana Gentile Bellinin ja Carpaccion kerrontataiteen rinnalla muotoutuivat useiden niin sanotusti uuden taiteellisen suunnan mestareiden työt: Giovanni Bellini ja Cima. Vaikka ne työskentelevät lähes samanaikaisesti Gentile Bellinin ja Carpaccion kanssa, ne edustavat seuraavaa vaihetta Venetsian renessanssin taiteen kehityslogiikassa. Nämä olivat maalarit, joiden taiteessa siirtyminen uuteen vaiheeseen renessanssikulttuurin kehityksessä hahmottui selkeimmin. Tämä paljastui erityisen selvästi kypsän Giovanni Bellinin teoksissa,

Venetsia, joka onnistui säilyttämään itsenäisyytensä, pysyy uskollisena renessanssin perinteille pidempään. Gianbellinon työpajasta tuli kaksi korkean Venetsian renessanssin suurta taiteilijaa: Giorgione ja Tizian. Se, että Venetsia säilytti itsenäisyytensä ja suurelta osin sen rikkaus määritti korkean taiteen renessanssin kukoistuksen keston Venetsian tasavallassa. Käänne kohti myöhäistä renessanssia alkoi Venetsiassa hieman myöhemmin kuin Roomassa ja Firenzessä, nimittäin 1500-luvun 40-luvun puolivälissä.

Giovanni Bellini on venetsialaisen koulukunnan suurin taiteilija, joka loi perustan korkean renessanssin taiteelle Venetsiassa. Pieron ja Messinan maalausten vaikutuksen alaisina 1470-luvun lopulla Pieron ja Messinan maalausten vaikutuksesta tulleet Giovanni Bellinin ("Kristuksen valitus", noin 1470, n. 1470, Brera Gallery, Milano) dramaattisesti terävät, kylmäväriset varhaiset teokset korvataan harmonisen kirkkailla. maalauksia, joissa majesteettiset ihmiskuvat ovat sopusoinnussa henkisen maiseman kanssa (ns. "Järven Madonna", "Jumalien juhla"). Giovanni Bellinin teoksille, mukaan lukien hänen lukuisat "Madonnat", erottuu sointuvien, kylläisten värien pehmeä harmonia ikään kuin auringon läpäisemä valo ja valon ja varjon sävyjen hienovaraisuus, rauhallinen juhlallisuus, lyyrinen mietiskely ja selkeä kuvien runous. Giovanni Bellinin teokseen muodostui renessanssin alttarimaalauksen ("Madonna valtaistuimelle pyhimysten ympäröimänä", 1505, San Zaccarian kirkko, Venetsia) klassisesti järjestetyn sommitelman kanssa humanistinen muotokuva, joka on täynnä kiinnostusta ihmiseen (muotokuva doge; condottiere-muotokuva). Yhdessä viimeisissä maalauksissaan "Nooan päihtymys" taiteilija ilmaisi nuorekkaan sitoutumisen elämän arvoihin ja olemassaolon helppouteen. Taiteilija Giovanni Bellinin työ tasoitti tietä venetsialaiselle maalaukselle myöhäisgootilaisesta ja protorenessanssista korkean renessanssin uuteen taiteeseen.

Seuraava vaihe Giovanni Bellinin taiteen jälkeen oli Giorgionen työ - hänen opettajansa suora seuraaja ja tyypillinen korkean renessanssin taiteilija. Hän oli ensimmäinen venetsialaisella maaperällä, joka kääntyi kirjallisiin ja mytologisiin teemoihin. Maisemasta, luonnosta ja kauniista alastomasta ihmiskehosta tuli hänelle taiteen aihe ja palvontakohde. Giorgionella on harmonia, täydelliset mittasuhteet, hieno lineaarinen rytmi, pehmeä valomaalaus, henkisyys ja kuviensa psykologinen ilmaisu. Giorgione on lähellä Leonardoa, joka vaikutti häneen suoraan hänen kulkiessaan Milanon läpi Venetsiassa. Mutta Giorgione on tunteellisempi kuin suuri milanolainen mestari, ja tyypillisenä Venetsian taiteilijana häntä ei kiinnosta niinkään lineaarinen kuin ilmava perspektiivi ja lähinnä väriongelmat. Jo ensimmäisessä tunnetussa "Madonnan" teoksessa hän esiintyy täysin kehittyneenä taiteilijana; Madonnan kuva on täynnä runoutta, pohdiskelua unenomaisuutta, joka on täynnä sitä surun tunnelmaa, joka on tyypillistä kaikille Giorgionen naiskuville. Viimeisen viiden vuoden aikana (Giorgione kuoli ruttoon) taiteilija loi parhaita teoksiaan.Maalaus "Ukkosmyrsky" kuvaa ihmistä osana luontoa. Lapsia ruokkivaa naista, nuorta miestä henkilökuntaineen ei yhdistä mikään toiminta, vaan tässä majesteettisessa maisemassa yhdistää yhteinen tunnelma, yhteinen mielentila. Giorgionessa on hienovarainen ja rikas paletti.Vihreässä on paljon sävyjä: oliivi puissa, melkein musta veden syvyyksissä, lyijyinen pilvissä. "Sleeping Venus" -kuva on henkisyyden ja runouden läpäisemä). Hänen ruumiinsa on kirjoitettu helposti, vapaasti, sulavasti, tutkijat eivät turhaan puhu Giorgionen rytmien "musikaalisuudesta"; se ei ole ilman aistillista charmia. Mutta kasvot suljetuin silmin ovat puhtaat ja ankarat; siihen verrattuna Tizianin Venukset näyttävät todellisilta pakanajumalattarilta. Giorgionella ei ollut aikaa tehdä työtä "Sleeping Venus" -projektissa; Aikalaisten mukaan Titian maalasi kuvan maiseman taustan, kuten toisessa mestarin myöhäisessä teoksessa - "Rural Concert". Tämä maalaus, joka esittää kahta upeissa vaatteissa pukeutunutta herraa ja kahta alastomaa naista, joista toinen ottaa vettä kaivosta ja toinen soittaa piippua, on Giorgionen iloisin ja täyteläisin teos. Mutta tämä elävä, luonnollinen olemisen ilon tunne ei liity mihinkään erityiseen toimintaan, se on täynnä lumoavaa mietiskelyä ja unenomainen tunnelma. Näiden piirteiden yhdistelmä on Giorgionelle niin tyypillinen, että juuri ”Rural Concert” on hänen tyypillisimpänä teoksensa. Giorgionen aistillinen ilo on aina runollista ja henkistä.

Titian on Venetsian renessanssin suurin taiteilija. Hän loi teoksia sekä mytologisista että kristillisistä aiheista, työskenteli muotokuvagenressä, hänen koloristikykynsä on poikkeuksellinen, hänen sävellyskekseliäisyytensä on ehtymätön, ja hänen onnellisen pitkäikäisyytensä ansiosta hän jätti taakseen rikkaan luovan perinnön, jolla oli valtava vaikutus hänen jälkeläisiinsä. Titian syntyi pienessä kaupungissa Alppien juurella. Hänen ensimmäinen työnsä oli navettojen maalaus Venetsiassa yhdessä Giorgionen kanssa. Giorgionen kuoleman jälkeen Titian maalasi useita huoneita Padovassa. Elämä Padovassa tutustutti taiteilijan Mantegnan ja Donatellon teoksiin. Maine tuli Titianille varhain. Hänestä tuli tasavallan ensimmäinen taidemaalari 20-luvulta - Venetsian kuuluisin taiteilija, ja menestys jätti hänet vasta hänen päiviensä loppuun. Ferraran herttua tilaa häneltä sarjan maalauksia, joissa Titian esiintyy antiikin laulajana, joka onnistui tuntemaan ja mikä tärkeintä, ilmentämään pakanallisuuden henkeä ("Bacchanalia", "Feast of Venus", "Bacchus ja Ariadne" "). Titianuksesta tulee Venetsian taiteellisen elämän kirkkain hahmo. Rikkaat venetsialaiset patriisilaiset antoivat Titianille tehtäväksi luoda alttaritauluja, ja hän loi valtavia ikoneja: "Maria taivaaseenastumisen", "Pesaron madonna" jne. Teoksessa "Madonna of the Madonna" Pesaro” Titian kehitti hajauttamisen periaatteen, jota firenzeläiset ja roomalaiset koulukunnat eivät tienneet. Siirtämällä Madonnan hahmoa oikealle hän asetti vastakkain kaksi keskusta: semanttinen ja tilallinen. Eri värimaailmat eivät ole ristiriidassa kuvan kanssa, vaan näkyvät harmonisessa yhtenäisyydessä. Tänä aikana Titian rakasti aiheita, joissa hän pystyi näyttämään venetsialaista katua, sen arkkitehtuurin loistoa ja juhlavaa, uteliasta väkeä. Näin syntyy yksi hänen suurimmista sävellyksistään, "Marian esittely temppeliin") - seuraava askel "Madonna of Pesaron" jälkeen ryhmäkohtauksen kuvaamisessa, jossa Titian yhdistää taitavasti elintärkeän luonnollisuuden loistoon. . Titian kirjoittaa paljon mytologisista aiheista, varsinkin Rooman matkansa jälkeen. Silloin ilmestyvät hänen versionsa "Danaesta". Danae on kaunis muinaisen kauneusideaalin mukaisesti, jota venetsialainen mestari noudattaa. Kaikissa näissä muunnelmissa Titianuksen tulkinta kuvasta kantaa sisällään lihallista, maallista alkua, ilmaisua yksinkertaisesta olemisen ilosta. Hänen "Venuksensa" on sävellyksellä lähellä Giorgionevin sävellystä. Mutta arkisen kohtauksen tuominen sisätiloihin maisemataustan sijaan, mallin avoimien silmien tarkkaavainen katse, koira jaloissa ovat yksityiskohtia, jotka välittävät tunteen todellisesta elämästä maan päällä, ei Olympuksessa.

Koko elämänsä ajan Titian harjoitti muotokuvia. Hänen mallinsa (etenkin luovuuden alku- ja keskivaiheiden muotokuvissa) korostavat aina ulkonäön jaloutta, asennon majesteettisuutta, asennon ja eleen hillintää, jonka luovat yhtä jalo värimaailma ja harvat, tarkasti valitut yksityiskohdat (muotokuva nuori mies hansikas, muotokuva tyttärestään Laviniasta jne.) Jos Titianin muotokuvat erottuvat aina hahmojensa monimutkaisuudesta ja sisäisen tilan intensiivisyydestä, niin luovan kypsyyden vuosina hän luo erityisen dramaattisia, ristiriitaisia ​​kuvia. hahmot, jotka esitetään vastakohtana ja ristiriidassa, kuvattuna todella shakespearelaisella voimalla (ryhmämuotokuva). Tällainen monimutkainen ryhmämuotokuva kehitettiin vasta 1600-luvun barokin aikakaudella.

Titianin elämän loppupuolella hänen työnsä koki merkittäviä muutoksia. Hän kirjoittaa edelleen paljon muinaisista aiheista, mutta kääntyy yhä enemmän kristillisiin teemoihin, marttyyrikuoleman kohtauksiin, joissa pakanallinen iloisuus ja muinainen harmonia väistyy traagisen kanssa. Titianin viimeinen teos, Valitus, valmistui taiteilijan kuoleman jälkeen hänen oppilaansa toimesta. Poikaansa polvillaan pitelevä Madonna jäätyy surusta, Magdalena kohottaa kätensä epätoivoisena, vanha mies on syvässä surullisissa ajatuksissa.

49) Titian on italialainen korkean ja myöhäisrenessanssin taidemaalari. Hän opiskeli Venetsiassa Giovanni Bellinin luona, jonka työpajassa hänestä tuli läheinen Giorgione; työskenteli Venetsiassa sekä Padovassa, Ferrarassa, Roomassa ja muissa kaupungeissa. Titian ilmensi teoksessaan renessanssin humanistisia ihanteita. Hänen elämää vahvistavalle taiteelleen on tunnusomaista monipuolisuus, todellisuuden leveys ja aikakauden syvien dramaattisten konfliktien paljastaminen. Kiinnostus maisemaan, runous, lyyrinen mietiskely, hienovarainen väritys tekevät Titianin varhaisista teoksista (ns. "Mustalais Madonna"; "Kristus ja syntinen") Giorgionen teosten kaltaisia; Taiteilija alkoi kehittää itsenäistä tyyliä tutustuttuaan Rafaelin ja Michelangelon teoksiin. Hänen maalaustensa rauhallisia ja iloisia kuvia leimasivat tänä aikana elinvoimaisuus, eloisat tunteet, sisäinen valaistuminen, värien puhtaus. Samaan aikaan Titian maalasi useita muotokuvia, sommittelultaan tiukkoja ja rauhallisia sekä hienovaraisesti psykologisia ("Nuori mies, jolla on hansikas”, ”Miehen muotokuva”). Tizianin uusi luovuuskausi (1510-luvun loppu - 1530-luku) liittyy Venetsian sosiaaliseen ja kulttuuriseen nousuun, josta tuli tällä aikakaudella yksi Italian humanismin ja kaupunkivapauksien tärkeimmistä linnoituksista. Tällä hetkellä Titian loi monumentaalisia alttaritauluja, joissa oli patos.

1530-luvun loppu on Tizianin muotokuvataiteen kukoistusaika. Taiteilija kuvasi aikalaisiaan hämmästyttävällä näkemyksellä ja vangitsi heidän hahmojensa erilaisia, joskus ristiriitaisia ​​piirteitä: tekopyhyyttä ja epäluuloa, luottamusta ja arvokkuutta ("Ippolito de' Medici"). Tizianin kankaille on tunnusomaista luonteen eheys ja stoalainen rohkeus ("Katuva Maria Magdaleena; "Piikkikruunu"). Titianin myöhempien teosten värimaailma perustuu hienoimpaan värikkääseen kromatismiin: yleensä kultasävylle alisteinen värimaailma rakentuu ruskean, teräksensinisen, vaaleanpunaisen-punaisen, haalistunut vihreän hienovaraisille sävyille.

Työnsä loppupuolella Titian saavutti huippunsa sekä maalaustaidossa että uskonnollisten ja mytologisten teemojen emotionaalisessa ja psykologisessa tulkinnassa. Ihmiskehon kauneus, ympäröivän maailman runsaus on noussut taiteilijan antiikin mytologian teemoilla johtavien teosten johtoaiheeksi.Taiteilijan kirjoitustyyli tulee äärimmäisen vapaaksi, sommittelu, muoto ja väri perustuvat rohkeaan plastiseen mallinnukseen, maalit ovat levitetään kankaalle paitsi siveltimellä, myös lastalla ja jopa sormilla. Läpinäkyvät lasitteet eivät peitä pohjamaalausta, mutta paljastavat paikoin kankaan rakeisen rakenteen. Joustavien vetojen yhdistelmästä syntyy dramaattisia kuvia. 1550-luvulla Tizianin työn luonne muuttui, dramaattinen alku hänen uskonnollisissa sävellyksissään kasvoi ("St. Lawrence'n marttyyri"; "Hautaus"). Samalla hän kääntyy jälleen mytologisiin teemoihin, kukkivan naisen kauneuden motiiviin, jota on lähellä myös katkerasti itkevä Maria Magdaleena samannimisessä maalauksessa.

Merkittävä käännekohta taiteilijan työssä tapahtuu 1550-1560-luvun vaihteessa. ”Metamorfoosien” aiheisiin perustuvien sävellysten kirjoittaminen, liikkeen ja värin värähtelyn läpäisemä, on jo osa ns. myöhäistä tapaa. , joka on ominaista Tizianuksen viimeisille teoksille ("Saint Sebastian"; "Kristuksen valitus" jne.) Näille kankaille on ominaista monimutkainen kuvarakenne, hämärät rajat muotojen ja taustan välillä; kankaan pinta näyttää olevan kudottu leveällä siveltimellä levitetyistä vedoista, joita on joskus hierottu sormilla. Sävyt täydentävät toisiaan, konsonanssit tai vastakkaiset sävyt muodostavat eräänlaisen yhtenäisyyden, josta syntyy muotoja tai vaimeita hohtavia värejä. Aikalaiset eivät ymmärtäneet "myöhäisen tavan" innovaatiota ja sitä arvostettiin vasta myöhemmin.

Tizianin taiteella, joka paljasti täydellisesti venetsialaisen koulukunnan omaperäisyyden, oli suuri vaikutus 1600-luvun suurimpien taiteilijoiden muodostumiseen Rubensista ja Velazquezista. Tizianin maalaustekniikalla oli poikkeuksellinen vaikutus maailman kuvataiteen jatkokehitykseen aina 1900-luvulle asti.

• 50) Maalaus "Violanta. Titian onnistuu täydellisesti ilmentämään muotokuvassa fyysisesti ja henkisesti kauniin ihmisen ihanteen, joka on annettu hänen olemuksensa kaikessa elinvoimaisuudessa. Hän siirtyi muotokuvien pariin alkuvuosinaan. Sitten maalattiin muotokuva nuoresta miehestä, jolla oli revitty käsine, sekä muotokuva Mostista, joka yllätti maalauksellisella luonnehdinnan vapaudellaan ja kuvan jaloudellaan. Hänen "Violanta", vaaleatukkainen tyttö, jolla on kauniit silmät, täynnä hieman kylmää suloisuutta, on myös peräisin tältä ajalta. Paksu raskaiden kultahiusten aalto putoaa avoimille, upeille olkapäille ja muuttuu läpinäkyväksi, painottomaksi pörröksi, joka peittää hellästi nuoren naisen ohuen pitsin ja lumivalkoisen ihon. Kallis mekko on tarkoitettu vain korostamaan jälleen kerran jaloa alkuperää.
• 1520 - 1540 - Tizianin muotokuvataiteen kukoistus. Näiden vuosien aikana hän loi laajan muotokuvagallerian aikalaisistaan, mukaan lukien nimetön "Nuori mies käsineellä", humanisti Mosti, Medici ja Mantovan hallitsija. Ferraran asianajajan muotokuva erottuu hienovaraisuudestaan ​​yksilöllisen sisäisen maailman välittämisessä. Arvokkaalla paikalla loistavassa sarjassa on Francesco Marian muotokuva, joka on pukeutunut sotilashaarniskaan lippujen ja vastaavien kunniamerkkien taustalla. Taiteilija kuvasi aikalaisiaan hämmästyttävällä näkemyksellä ja vangitsi heidän hahmojensa erilaisia, joskus ristiriitaisia ​​piirteitä: tekopyhyyttä ja epäluuloa, luottamusta ja arvokkuutta. Titianin kankaille on ominaista luonteen eheys ja stoalainen rohkeus. Titianin myöhempien teosten värimaailma perustuu hienoimpaan värikkääseen kromatismiin: yleensä kultasävylle alisteinen värimaailma rakentuu ruskean, teräksensinisen, vaaleanpunaisen-punaisen, haalistunut vihreän hienovaraisille sävyille.

"Francesco Maria della Roveren muotokuva" voi luoda tunteen, että tämä henkilö on korkeammassa asemassa. Tämän vaikutelman luo se, että kuva on täynnä energiaa ja sisäistä jännitystä, kuvattavan itseluottamus on ilmeinen ja hänen asentonsa on hallitsijan asento. Hän yrittää tukahduttaa katsojan katseensa avulla. Kankaalla on monia ominaisuuksia - musta haarniska aggressiivisella metallikiillolla, useita sauvoja, kuninkaallinen karmiininpunainen sametti - kaikki tämä osoittaa, että Titian oli erinomainen välittämään maalauksessa asiakkaan sosiaalisen merkityksen.

"Muotokuva nuoresta miehestä hansikkaalla." Titian onnistuu täydellisesti ilmentämään muotokuvassa fyysisesti ja henkisesti kauniin ihmisen ihanteen, joka on annettu hänen olemuksensa kaikessa elinvoimaisuudessa. Tämä on muotokuva nuoresta miehestä, jolla on revitty käsine. Tämä muotokuva välittää täydellisesti yksilöllisiä yhtäläisyyksiä, ja silti taiteilijan päähuomio ei kiinnity ihmisen ulkonäön erityisiin yksityiskohtiin, vaan yleiseen, hänen kuvansa tyypillisimpään. Titian ikään kuin paljastaa tämän miehen kautta renessanssin miehen yleiset tyypilliset piirteet. Leveät olkapäät, vahvat ja ilmeikkäät kädet, vapaa asento, kauluksesta rennosti avattu valkoinen paita, tummat nuorekkaat kasvot, joissa silmät erottuvat eloisalla kimalteella, luovat kuvan, joka on täynnä raikkautta ja nuoruuden viehätystä - se on nämä ominaisuudet ovat tärkeimmät ominaisuudet ja kokonaisuus onnellisen ihmisen ainutlaatuinen harmonia, joka ei tunne tuskallisia epäilyksiä ja sisäisiä epäsopuja.

Medicin muotokuva antaa meille mahdollisuuden tarttua 1540-luvun syvällisiin muutoksiin Titianin työssä. Herttuan ohut kasvot, joita reunustivat pehmeä parta, leimasivat kamppailua todellisuuden monimutkaisten ristiriitojen kanssa. Tämä kuva toistaa jossain määrin Hamletin kuvaa.

Tomaso Mostin muotokuvassa sankari ei ilmaise käytännössä mitään tunteita. Puku ja asusteet kertovat hänelle tarinan, kun taas malli itse on suoraan sanottuna passiivinen.Tätä vaikutusta korostavat yksiväriset sävyt ja hämärät värit.

"Muotokuva nuoresta naisesta hatussa, jossa on höyhen." Ikään kuin aamukasteella pesty nuoren hurmurin kasvot hengittävät raikkautta ja nuorekasta innostusta. Kekeilevästi sivuun työnnetty hattu, eloisat uteliaat silmät ja helminauha tytön kaulassa - edessämme on toinen naismuotokuva suuresta italialaisesta mestarista. Vaikuttaa siltä, ​​että puhaltaa kevyt tuuli ja sen jälkeen strutsin höyhenen pöyhkeet lepattavat kuuliaisesti, ne ovat niin kevyitä, niin ilmavia. Taiteilija tekee taiteellisella siveltimellä viittauksen tummanvihreän sametin, ohuen mekon painottoman silkin ja lempeiden naisten käsien lämpimän ihon lähes käsin kosketeltavaksi.