Ranskalaiset klavessinsoittajat. Klavesimusiikki - soitin - historia, valokuva, video 1700-luvun ranskalaisten säveltäjien klavessaristit

Raportti tieteiden historiasta

sitten teema "Ranskan 1700-luvun musiikki"

fysiikan ja matematiikan tiedekunnan 10. luokan opiskelija

liceum nro 1525 "Vorobyovy Gory"

Kazakov Philip.

Ensimmäinen sanottava 1700-luvun Ranskan musiikista on se
toisin kuin johtavia musiikin alan maita (kuten Saksa,
Itävalta, Espanja ja Italia), Ranska ei voinut ylpeillä
joukko erityisen kuuluisia yhdistelmiä, ei esiintyjiä eikä rikkaita
valikoima kuuluisia teoksia. Tunnetuin ranskalainen
Gluckia pidetään tuon ajan säveltäjänä, mutta hän oli myös Saksasta.
Tämä tilanne johtui osittain yhteiskunnan etujen määräämästä
musiikkityylit. Mieti musiikin kehitystä 1800-luvulla.

Vuosisadan alussa suosituin musiikkityyli oli tunteellista
klassismi. Se oli hidasta, kiireetöntä musiikkia, ei erityisen vaikeaa.
He soittivat sitä joustavilla soittimilla. Hän seurasi yleensä palloja ja juhlia,
mutta he myös halusivat kuunnella häntä rento kodillisessa ilmapiirissä.

Sitten rokokon piirteet ja tekniikat alkoivat kuulua lannomusiikkiin
kuin trilli ja ääni. Hän otti monimutkaisemman, musikaalisen ilmeen
lauseista on tullut monimutkaisempia ja mielenkiintoisempia. Musiikki irrottautui
todellisuus, fantastisempi, vähemmän oikein ja siten lähempänä
kuuntelija.

Lähempänä 1800-luvun jälkipuoliskoa rokokon piirteet sulautuivat niin
musiikki, että hän alkoi saada tietyn suuntautumisen. Niin pian
musiikissa kaksi suuntaa erotettiin selvästi: tanssimusiikki ja
musiikki laulamiseen. Tanssimusiikkia seurasivat palloja, musiikkia
laulaminen kuulosti luottamuksellisessa ympäristössä. Usein ja aristokraatit
he rakastivat laulaa kotikirkonen. Samaan aikaan ilmestyi
uusi teatterityyppinen komediabaletti, joka yhdistää dialogin, tanssin ja
pantomiimi, instrumentaali, joskus laulu. Sen luojat - J.
B. Moliere ja säveltäjä J. B. Lully. Lajilla oli merkittävä vaikutus
Ranskan musiikkiteatterin myöhempi kehitys.

Seuraavaksi musiikillisten tyylilajien hienovaraisempi erottaminen, alku
marssiva musiikki ilmestyy. Se oli kovaa, kovaa, meluista musiikkia. SISÄÄN
tällä kertaa lyömäsoittimet (rummut ja
symbaalit), jotka asettavat rytmin ja vievät siten kappaleen
yksilöllinen esitys. Myös sellainen
työkalut, kuten putki, joka pääasiassa kasvatti kokonaisuutta
musiikin äänenvoimakkuus. Se johtuu rumpalien esiintymisestä ja kovasta
soittimet 1800-luvun lopun ranskalaisesta musiikista tuli mielestäni
erityisen primitiivinen eikä ole erinomainen. Maaliskuun kruunu oli
teoksen "Marseillaise" esiintyminen, kirjoittanut Rouge de Lisle vuonna 1792
vuosi.

Rouget de Lisle Claude Joseph (1760-1836) ranskalainen sotilasinsinööri, runoilija ja
säveltäjä. Hän kirjoitti lauluja, lauluja, romansseja. Vuonna 1792 hän kirjoitti sävellyksen
"Marseillaise", josta tulee tulevaisuudessa Ranskan hymni.

Couperin François (1668-1733) - ranskalainen säveltäjä, klavessinsoittaja,
urkuri. Vuodesta 2004 saksalaisen Bach-dynastian kanssa verrattavissa dynastiasta
hänen perheessään oli useita muusikoiden sukupolvia. Couperin lempinimen
"Suuri Couperin" johtuu osittain hänen huumorintajuastaan, osittain johtuen
merkki. Hänen teoksensa on ranskalaisen klavessintitaiteen huippu.
Couperinin musiikista erottuu melodinen kekseliäisyys, armo,
yksityiskohtien täydellisyys.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - ranskalainen säveltäjä ja musikaali
teoreetikko. Käyttämällä ranskalaisen ja italialaisen musikaalin saavutuksia
kulttuurit, muokannut merkittävästi klassistisen oopperatyyliä, valmisteltu
oopperauudistuksen kirjoittanut K. V. Gluck. Hän kirjoitti lyyrisen tragedian "Hippolytus ja
Arisia "(1733)," Castor and Pollux "(1737), ooppera-baletti" Gallant India "
(1735), säveltäjät ja muut. Hänen teoreettiset teoksensa -
merkittävä vaihe harmonian opin kehittämisessä.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - kuuluisa ranskalais-saksalainen
säveltäjä. Hänen loistavin teoksensa liittyy pariisilaiseen
oopperan vaiheessa, johon hän kirjoitti parhaat teoksensa
Ranskan sanat. Siksi ranskalaiset pitävät sitä ranskaksi
säveltäjä. Hänen lukuisat oopperansa: "Artaserse", "Demofonte",
”Fedra” ja muut annettiin Milanossa, Torinossa, Venetsiassa ja Cremonissa.
Saatuaan kutsun Lontooseen Gluck kirjoitti kaksi
oopperat: “La Caduta de Giganti” (1746) ja “Artamene” sekä oopperataido
(pasticcio) “Pyram”. Viimeksi mainitussa oli suuri vaikutus
Gluckin jatkotoimet. Kaikki oopperat menestyksekkäästi
Gluck, kirjoitettiin italian mallina, koostui useista aareista; sisään
Heille, Gluck ei kiinnittänyt paljon huomiota tekstiin. Hänen oopperansa "Pyram" hän
koostuu katkelmista aikaisimmista oopperoista, joilla on ollut suurin menestys,
sovittamalla nämä kohdat uuteen libreton toiseen tekstiin. Tämän epäonnistuminen
oopperat johtivat Gluckin ajatukseen, että vain tuo musiikki voi tuottaa
oikea vaikutelma, joka liittyy suoraan tekstiin.
Hän alkoi noudattaa tätä periaatetta seuraavissa teoksissaan,
asteittain rinnastaa vakavampi asenne lauluun,
kehittää arioso recitatiiviseksi pienimpään yksityiskohtaan ja unohtamatta
recitations jopa aariassa.

Halu läheiseen yhteyteen tekstin ja musiikin välillä on jo havaittavissa vuonna
"Semiramis" (1748). Mutta säveltäjän konkreettisempi käännös oopperaan,
musiikillisena draamana, nähty teoksissa “Orfeo”, “Alceste”, “Paride ed Elena”
(1761 - 64), toimitettu Wienissä. Gluckin oopperauudistaja on
vuonna Iphigenie en Aulide, annettu Pariisissa valtavalla menestyksellä (1774).
Annetaan myös siellä: "Armide" (1777) ja "Iphigenie en Tauride"
(1779) -

gluckin suurin teos G.: n viimeinen ooppera oli ”Echo et
Narcisse ”. Oopperoiden lisäksi Gluck kirjoitti sinfonioita, psalmeja ja paljon muuta. Kaikista
Gluck on kirjoittanut yli 50 oopperaa, välimerkkejä ja baletteja.

Yhteenvetona tulee vielä kerran korostaa ranskalaisen musiikin yksipuolisuutta.
1700-luvulla. Musiikillinen luovuus näytti käsityöltä tai helppolta
harrastus. Käsityö, koska kaikki teokset ovat samantyyppisiä ja
samanlaisia \u200b\u200btoisiinsa. Harrastuksena kuitenkin, koska monet säveltäjät
harjoitti musiikkia vain vapaa-ajallaan, täyttäen sellaisilla kuvilla hänen
vapaa. Tällaista ammattia kutsutaan ammatilliseksi luovaksi luomiseksi.
se on mahdotonta. Jopa tuolloin Ranskan tunnetuin säveltäjä Gluck
(joka muuten ei ollut aivan ranskalainen säveltäjä),
huono-tahtoiset kutsuvat yhtä teosta säveltäjäksi. Saatavilla
"Orpheuksen ja Eurydicen" näky.

Lähteet:

Suuri tietosanakirja Cyril ja Methodius,

Klassisen musiikin tietosanakirja,

Brockhaus ja Efron,

Klassinen musiikki (manuaalinen),

Internet,

Pätevä musiikkitieteilijä Natalia Bogoslavskaya.

"Marseillaise" on ranskalainen vallankumouksellinen kappale.
Aluksi sitä kutsuttiin "Reinin armeijan taistelulauluksi", sitten "maaliskuu
Marseille "tai" Marseillaise ". Kolmannen tasavallan alla siitä tuli
Ranskan kansallislaulu (14. heinäkuuta 1975 alkaen esiintynyt uudessa
musiikillinen painos). Venäjällä "Rabochaya
La Marseillaise "(La Marseillaisen melodia, teksti P. L. Lavrov, julkaistu
sanomalehti "Vperyod" 1.7.1875).

HARMONIA, yhdistymiseen perustuva ilmeikäs musiikin keino
soivat harmoniassa ja harmonian yhteydessä niiden peräkkäisessä liikkeessä.
Pää konsonanssityyppi on sointu. Harmonia rakennetaan tietyn mukaan
harmonian lait kaikenlaisessa moniäänisessä musiikissa - homofonia,
polyfonia. Harmonian elementit - poljinnopeus ja modulaatio - tärkeimmät tekijät
musiikillinen muoto. Harmonian oppi on yksi teorian pääosista
musiikkia.

helmiäisestä, 1800-luvun lopulla - posliinista. 1800-luvun puolivälissä ensimmäistä kertaa proteesointiin käytettiin polymeerimateriaalia. 1.selluoidi 2.eboniitti 3. kumi. 4.polymetyylimetakryylpt 5.fluoroplastinen 6.silicone.

ilmaisu? Anna ainakin kolme esimerkkiä.
No, minulla on yksi idea: 1800-luvun venäläiset taiteilijat kirjoittivat länsimaisissa tyyleissä (barokki, sentimentalismi jne.), Mutta länsimaisten kaanonien kautta erityinen venäläinen tyyli ilmeni edelleen (esimerkiksi venäläinen barokki ilmestyi), joka oli erilainen kuin länsimainen. Sitten "peruukki" on eräänlainen lännen personifikaatio (varsinkin noina päivinä peruukit tulivat muotiin), ja "kalju pää" on Venäjän kaikkein venäläisimmät piirteet, jotka "kurkitsevat" "peruukin" kaanonin läpi.
Vielä tarvitsee kaksi ideoita. Auta minua.

helmiäisestä, 1800-luvun lopulla - posliinista. 1800-luvun puolivälissä ensimmäistä kertaa proteesointiin käytettiin polymeerimateriaalia.

1.celluoid

4.polymethylmethacrylpt

5.fluoroplastic

6.silicone.

Jokaisessa kysymyksessä sinun on valittava yksi neljästä säveltäjien nimestä.))))

1. Nimeä barokkikauden säveltäjä.
a) Vivaldi;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Mikä seuraavista säveltäjistä oli apotti?
a) Bach;
b) Handel;
c) Vivaldi;
d) Mozart.
3. Nimeä kirjoitus "Hyvin karkaistu Clavier", "St. Matthew Passion", "keksintö".
a) Bach;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4. Kuka kirjoitti oopperan Fidelio?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Kuka säveltäjistä kirjoitti oopperat "Figaron avioliitto", "Don Juan",
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rossini.
6. Mikä näistä säveltäjistä ei ole wieniläinen klassikko?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) Mozart;
d) Beethoven.
7. Kuka on kirjoittanut oopperoita "Aida", "La Traviata", "Rigoletto"?
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Kuka kirjoitti 32 pianosonaattia?
a) Bach;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Nimi "Timpani Tremolo Symphonies", "Farewell", "Children" kirjoittajalle.
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Ketä kutsutaan "sinfonioiden ja kvartettide isäksi"?
a) Matzart;
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Mikä säveltäjä nimitti teoksensa ensimmäisenä sinfonisen runon?
a) Guano;
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) arkki;
12. Mikä musiikillinen muoto perustuu kahden teeman ristiriitaan?
a) muunnelmat;
b) rondno;
c) sonaattimuoto;
d) fuuga.
13. Nimeä sinfonioiden kirjoittaja kuoron kanssa lopussa:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Mikä näistä säveltäjistä kirjoitti vain pianolle?
a) Gounod;
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Mikä näistä säveltäjistä kirjoitti musiikin Ibsen-draamalle Peer Gynt?
a) Chopin;
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. Kuka kirjoitti äänesyklit Kaunis Millerin nainen ja Talvipolku?
a) Schubert;
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Nimeä keskeneräisten sinfonioiden kirjoittaja:
a) Beethoven;
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Kuka kirjoitti Carnival-pianosyklin?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Arkki.
19. Kuka kirjoitti yli 100 sinfoniaa?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. 1800-luvun venäläinen säveltäjä-viulisti:
a) Alyabjev;
b) Fomin;
c) Khandoshkin;
d) Verstovsky.

Raportti tieteiden historiasta

sitten teema "Ranskan 1700-luvun musiikki"

fysiikan ja matematiikan tiedekunnan 10. luokan opiskelija

liceum nro 1525 "Vorobyovy Gory"

Kazakov Philip.

Ensimmäinen asia, joka on sanottava Ranskan 1800-luvun musiikista, on se, että toisin kuin johtavia musiikin alan maita (kuten Saksa, Itävalta, Espanja ja Italia), Ranska ei voinut ylpeillä suuresta määrästä erityisen kuuluisia yhdistelmiä tai esiintyjiä, eikä rikas valikoima kuuluisia teoksia. Gluckia pidetään tuon ajan kuuluisimpana ranskalaisena säveltäjänä, mutta hän oli myös Saksasta. Tätä tilannetta sanelivat osittain yhteiskunnan edut, jotka määrittelivät musiikin tyylit. Mieti musiikin kehitystä 1800-luvulla.

Vuosisadan alussa suosituin musiikkityyli oli tunteellista klassismi ... Se oli hidasta, kiireetöntä musiikkia, ei erityisen vaikeaa. He soittivat sitä joustavilla soittimilla. Yleensä hän seurasi palloja ja juhlia, mutta häntä rakastettiin myös kuuntelemaan rennossa kodikkaassa ilmapiirissä.

Sitten piirteet ja tekniikat alkoivat pudota huilumusiikkiin Rokokoo, kuten trilli ja syttyminen. Se on hankkinut monimutkaisemman ilmeen, musiikilliset lauseet ovat monimutkaisempia ja mielenkiintoisempia. Musiikki on eronnut todellisuudesta, fantastisempi, vähemmän oikein ja siten lähempänä kuuntelijaa.

Kohti 1800-luvun jälkipuoliskoa, rokokon piirteet integroituivat niin paljon musiikkiin, että se alkoi saada tietyn suuntautumisen. Joten pian musiikissa erotettiin selvästi kaksi suuntaa: tanssimusiikki ja laulumusiikki. Pallot seurasivat tanssimusiikkia, laulumusiikkia suoritettiin luottamuksellisessa ilmapiirissä. Usein aristokraatit myös rakastivat laulamista kodin klavesin äänille. Samaan aikaan ilmestyi uusi komedia-baletin teatterityyppi, joka yhdistää vuoropuhelun, tanssin ja pantomiimin, instrumentaalisen ja joskus myös laulumusiikin. Sen luojat ovat J. B. Moliere ja säveltäjä J. B. Lully. Lajilla oli merkittävä vaikutus ranskalaisen musiikkiteatterin myöhempään kehitykseen.

Musiikkityylejen hienomman erottelun jälkeen marssi-musiikki alkoi ilmestyä. Se oli kovaa, kovaa, meluista musiikkia. Tällöin lyömäsoittimet (rummut ja symbaalit) tulivat laajalle levinneiksi, mikä asetti rytmin, estäen siten teoksen esityksen yksilöllisyyden. Siellä oli myös monia käytettyjä instrumentteja, kuten trumpetti, jotka pääasiassa kasvattivat musiikin kokonaismäärää. Juuri rumpalien ja kovien soittimien ilmestymisen vuoksi 1800-luvun lopun ranskalaisesta musiikista tuli mielestäni erityisen alkeellinen eikä merkittävä. Musiikkimaailman huipentuma oli Marseillaisen esiintyminen, jonka Rouge de Lisle kirjoitti vuonna 1792.

Rouget de Lisle Claude Joseph (1760-1836) Ranskan armeijan insinööri, runoilija ja säveltäjä. Hän kirjoitti lauluja, lauluja, romansseja. Vuonna 1792 hän kirjoitti sävellyksen ” Marseillaise ", Josta tulee tulevaisuudessa Ranskan hymni.

Couperin Francois (1668-1733) - ranskalainen säveltäjä, klavessinsoittaja, urut. Saksalaisesta Bach-dynastiaan verrattavasta dynastiasta, koska hänen perheessään oli useita muusikoiden sukupolvia. Couperinista lempinimi "suuri Couperin" johtui osittain hänen huumorintajuudestaan, osittain hänen luonteestaan. Hänen teoksensa on ranskalaisen klavessintitaiteen huippu. Couperinin musiikista erottuu melodinen kekseliäisyys, armo ja yksityiskohtien hienostuminen.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - ranskalainen säveltäjä ja musiikkiteoreetikko. Hän käytti ranskalaisten ja italialaisten musiikkikulttuurien saavutuksia merkittävästi klassistisen oopperatyylin tyyliin, valmisteli K. V. Gluckin oopperauudistuksen. Hän kirjoitti lyyriset tragediat Hippolytus ja Arisia (1733), Castor ja Pollux (1737), ooppera-baletti Gallant India (1735), klavessinpalat ja paljon muuta. Hänen teoreettiset teoksensa - merkittävä kehitysvaihe harmonian opetukset .

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - kuuluisa ranskalais-saksalainen säveltäjä. Hänen loistavin teoksensa liittyy Pariisin oopperalavalle, jolle hän kirjoitti parhaat teoksensa ranskaksi. Siksi ranskalaiset pitävät häntä ranskalaisena säveltäjänä. Hänen: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" ja muut oopperat esitettiin Milanossa, Torinossa, Venetsiassa ja Cremonissa. Saatuaan kutsun Lontooseen, Gluck kirjoitti kaksi oopperaa Hay-Market Theatrelle: LaCadutade Giganti (1746) ja Artamene sekä oopperan Pyram (pasticcio). Tällä jälkimmäisellä oli suuri vaikutus Gluckin jatko-toimintaan. Kaikki Gluckille menestyksekkäästi oopperat kirjoitettiin italian mallin mukaan, koostuivat useista aareista; heissä Gluck ei kiinnittänyt paljon huomiota tekstiin. Hän sävelsi oopperansa "Pyram" katkelmiin edellisistä oopperoista, jotka olivat menestyneimpiä, ja muutti uuden libretin toisen tekstin näihin kohtauksiin. Tämän oopperan epäonnistuminen johti Glucanin ajatukseen, että vain tuo musiikki voi tuottaa asianmukaisen vaikutelman, joka on suorassa yhteydessä tekstiin. Hän alkoi noudattaa tätä periaatetta seuraavissa teoksissaan, asteittain omaksumalla itselleen vakavamman asenteen julistamiseen, kehittäen lausuttavan Ariooksen pienimpiin yksityiskohtiin ja unohtamatta julistamista edes ariassa.

Pyrkimys läheiseen yhteyteen tekstin ja musiikin välillä on havaittavissa jo Semiramisissa (1748). Mutta säveltäjän konkreettisempi käännös kohti oopperaa musiikillisena draamana voidaan nähdä Orfeossa, Alcestessa, ParideedElena (1761–64), joka on järjestetty Wienissä. Gluckin oopperan uudistaja on Iphigenie en Aulidessa, joka on annettu Pariisissa valtavalla menestyksellä (1774). Niitä annettiin myös: "Armide" (1777) ja "IphigenieenTauride" (1779) -

gluckin viimeisen oopperan suurin teos oli "Echo et Narcisse". Oopperoiden lisäksi Gluck kirjoitti sinfonioita, psalmeja ja paljon muuta. Kaikkia oopperoita, välietappeja ja baletteja on kirjoittanut yli 50 Gluck.

Lopuksi on syytä korostaa jälleen kerran ranskalaisen musiikin monotoniaa 1800-luvulla. Musiikillinen luovuus näytti käsityöltä tai kevyeltä harrastukselta. Veneessä, koska kaikki työt ovat samanlaisia \u200b\u200bja saman tyyppisiä. Harrastuksena, koska monet säveltäjät harjoittivat musiikkia vain vapaa-ajallaan täyttäen vapaa-ajan tällaisilla kuvilla. Tällaista ammattia ei voida kutsua ammatilliseksi luovaksi luomiseksi. Jopa tuon ajan Ranskan tunnetuinta säveltäjää Gluckia (joka muuten ei ollut aivan ranskalainen säveltäjä) kutsutaan huonojen taiteilijoiden teoksen säveltäjiksi. Tämä viittaa Orpheus ja Eurydice.

Lähteet:

Suuri tietosanakirja Cyril ja Methodius,

Klassisen musiikin tietosanakirja,

Brockhaus ja Efron,

Klassinen musiikki (manuaalinen),

Internet,

Pätevä musiikkitieteilijä Natalia Bogoslavskaya.

"Marseillaise" on ranskalainen vallankumouksellinen kappale. Aluksi sitä kutsuttiin "Reinin armeijan taistelulauluksi", sitten "Marseillen maaliskuu" tai "Marseillaise". Kolmannen tasavallan aikana siitä tuli Ranskan kansallislaulu (14. heinäkuuta 1975 lähtien se on esitetty uudessa musiikillisessa painoksessa). Venäjällä "Working Marseillaise" levisi ("Marseillaisen" melodia, PL Lavrovin teksti, julkaistu "Vperyod" -lehdessä 1.7.1875).

HARMONIA, ilmeikäs musiikin keino, joka perustuu sävyjen yhdistämiseen konsonansseihin ja konsonien yhdistämiseen niiden peräkkäisessä liikkeessä. Pää konsonanssityyppi on sointu. Harmonia rakennetaan minkä tahansa polyfonisen musiikin tiettyjen harmonialakien mukaisesti - homofonia, moniääni. Harmonian elementit - poljinnopeus ja modulaatio - ovat tärkeimmät tekijät musiikillisessa muodossa. Harmonian oppi on yksi musiikkiteorian päähaaroista.

1700-luvun puolivälistä lähtien klavier-musiikin kehittämisen ensisijaisuus siirtyi englantilaisilta virginisteiltä ranskalaisille klavessinsoittajille. Tämä koulu oli pitkään, lähes vuosisadan ajan, vaikutusvaltaisin Länsi-Euroopassa. Sen esi-isä pidetään Jacques Chambognière, joka tunnetaan erinomaisena urku- ja klavessinsoittajana, lahjakkaana opettajana ja säveltäjänä.

Klaverstankonsertit Ranskassa pidettiin yleensä aristokraattisissa salonkeissa ja palatseissa pienen pienen keskustelun tai tanssin jälkeen. Tällainen tilanne ei edistänyt syvää ja vakavaa taidetta. Musiikissa arvostettiin siro hienostuneisuutta, hienostuneisuutta, keveyttä ja nokkeluutta. Samanaikaisesti suosittiin pienimuotoisia näytelmiä - miniatyyrejä. "Ei mitään pitkää, tylsiä, liian vakavaa." - sellainen oli kirjoittamaton laki, jota ranskalaisten tuomioistuinten säveltäjien piti ohjata. Ei ole yllättävää, että ranskalaiset klavessinsoittajat kääntyivät harvoin suurimuotoihin, variaatiosykleihin - he vetovoivat siihen sviittijoka koostuu tanssista ja ohjelman miniatyyreistä.

Ranskan klavessaristien sviitit, toisin kuin saksalaiset, jotka koostuvat yksinomaan tanssinumeroista, rakennetaan vapaammin. He luottavat melko harvoin alemand - courant - sarabanda - keikan tiukkaan sekvenssiin. Heidän sävellys voi olla mikä tahansa, joskus odottamaton, ja suurimmalla osalla näytelmistä on runollinen otsikko, joka paljastaa kirjoittajan aikomuksen.

Ranskan klavessaristien koulua edustavat nimet L. Marchand, J.F. Dandrie, F. Dazhencourt, L.-K. Daken, Louis Couperin. Ennen kaikkea nämä säveltäjät onnistuivat tyylikkäästi pastoraalikuvissa (Dakenin "Käki" ja "Niellä"; Dandrieun "Lintuhuuta").

Ranskan klavessinkoulu saavutti huippunsa kahden neroksen työssä - Francois Couperin(1668-1733) ja hänen nuoremmansa nykyajan Jean Philippe Rameau (1685–1764).

Nykyaikaiset kutsuivat François Couperinia ”François Suureksi”. Kukaan heidän klavesimiesistä ei voinut kilpailla häntä suosiossa. Hän syntyi perinnöllisten muusikoiden perheeseen ja vietti melkein koko elämänsä Pariisissa ja Versaillesissa urkujen urkurina ja musiikinopettajana kuninkaallisille lapsille. Säveltäjä työskenteli monissa genreissä (teatteria lukuun ottamatta). Arvokkaimman osan hänen taiteellisesta perinnöstään muodostaa 27 klavessarisviittiä (noin 250 kappaletta neljässä kokoelmassa). Couperin perusti ranskalaisen tyyppisen sarjan, joka eroaa saksalaisista näytteistä ja koostuu pääosin ohjelmistokappaleista. Niiden joukossa ovat luonnosluonnokset ("perhoset", "mehiläiset", "ruoko") ja tyylilajeja - kuvia maaseudun elämästä ("Reapers", "Rypäleenkeräimet", "Knitters"); mutta erityisen monia musiikillisia muotokuvia. Nämä ovat maallisten naisten ja yksinkertaisten nuorten tyttöjen muotokuvia - nimettömiä ("Rakas", "Ainoa") tai konkretisoitu näytelmien nimikkeisiin ("Prinsessa Mary", "Manon", "Sisar Monica"). Usein Couperin piirtää ei tiettyjä kasvoja, vaan ihmisen hahmon ("ahkera", "rezvushka", "anemone", "kärsimätön") tai jopa yrittää ilmaista erilaisia \u200b\u200bkansallishahmoja ("espanjalainen nainen", "ranskalainen nainen"). Monet Couperinin miniatyyrit ovat lähellä tuolloin suosittuja tansseja, esimerkiksi courante, minuet.

Cooperinin miniatyyrien suosikkimuoto oli rondo.

Kuten jo todettiin, klavessinsoittajien musiikki oli peräisin aristokraattisesta ympäristöstä ja oli tarkoitettu hänelle. Se oli sopusoinnussa aristokraattisen kulttuurin hengen kanssa, mikä aiheutti ulkoisen armon temaattisen materiaalin suunnittelussa, koristeellisuuden runsauden, joka on aristokraattisen tyylin tyypillisin osa. Koristeiden valikoima on erottamaton klavessin sävellyksistä varhaiseen Beethoveniin asti.

Klavesimusiikki Ramo tyypillinen, vastoin genren kamariperinteitä, suuri aivohalvaus. Hänellä ei ole taipumusta yksityiskohtien hienovaraiseen kirjoittamiseen. Hänen musiikistaan \u200b\u200berottuu elävä ominaisuus, joka heti tuntuu luonnollisesti syntyneen teatterin säveltäjän ("Kana", "Savages", "Cyclops") käsialasta.

Upeiden klavessinpala-kappaleiden lisäksi Rameau kirjoitti monia "lyyrisiä tragedioita" sekä uraauurtavan tutkielman harmoniasta (1722), joka sai hänelle maineen merkittävänä musiikkiteoreetikkona.

Nimen kanssa liittyy italialaisen clavier-musiikin kehitys Domenico Scarlatti.

Tällaisia \u200b\u200bteoksia pidetään ohjelmallisina, jos niillä on tietty juoni - ”ohjelma”, joka usein rajoittuu yhteen nimikkeeseen, mutta voi sisältää yksityiskohtaisen selityksen.

Todennäköisesti koristeiden ulkonäkö liittyy klavessarin epätäydellisyyteen, jonka ääni hajoaa hetkessä, ja trilli tai gruppetto voisi osittain kompensoida tämän puutteen pidentämällä vertailuäänen ääntä.

Länsi-Euroopassa. (etenkin italialais-espanjalainen.) monikulmainen. wok. myöhäisen keskiajan ja renessanssin musiikki (motetit, madrigalit jne.) improvisaationa. elementti suorittaa. taiteen vähentämistekniikka on saanut aikaan suurta kehitystä. Hän teki myös yhden kuvioiduista sävellyksistä. tällaisten muinaisten työkalujen perusta. tyylilajeja, kuten alkusoitto, rikkaampi auto, toccata, fantasia. Dept. pienentävät kaavat syntyivät vähitellen vapaan O. erilaisista ilmenemismuodoista, ennen kaikkea melodisen lopputuloksen tekemisessä. rakenteet (lauseissa). Noin puolivälissä. 1500-luvulla hänessä. org. tabulatuurit näyttivät ensimmäisen grafiikan. merkit koristeiden kirjoittamiseen. K ser. 16. vuosisata tuli laajasti käytettyyn - dekomp. vaihtoehdot ja yhteydet - mordent, trill, gruppetto, to-ruis ovat edelleen tärkeimpiä. instr. koristeet. Ilmeisesti ne muodostettiin opettajien käytännössä. esitys.

2. kerroksesta. 16. vuosisata vapaa O. kehittänyt hl. sov. Italiassa, pääasiassa eri melodisena. rikkaus solo wok. musiikkia, samoin kuin virtuodellisuuteen pyrkivässä viulistissa. musiikkia. Vaikka viulistina. musiikki ei ole vielä löytänyt laajalle levinnyttä ääntä ilmaisevaa vibratoa, ja melodian rikas koriste korvasi sitä. Melismatic. koristeet (koristeet, maisemat) saivat erityisen kehityksen ranskalaisessa taiteessa. 1700- ja 1800-luvun lutto- ja klavessinsoittajat, joille luonnehtii tanssia. tyylilajit, joille on tehty hienostunut tyylitys. Ranskaksi. musiikkia, soittimien välillä oli tiivis yhteys. maataloudet maallisella wokilla. sanoitukset (ns. airs de cour), itse tanssin reunat tunkeutuivat. muovi. Englanti virginistit (1500-luvun loppupuolella), taipuvaisia \u200b\u200bkappaleteemoihin ja sen muunnelmiin. Kehitystä O. alueella kiinnitettiin enemmän vähentämistekniikkaan. Harvat melismaattiset. virginistien käyttämiä kuvakkeita ei voida tarkistaa oikein. Itä-saksaksi. clavier art, joka alkoi kehittyä voimakkaasti keskeltä. 1500-luvulla, jopa J.S.Bachiin saakka, gravitaatio Italia kohtaan törmäsi eri tavoin. pienentävä ja ranskalainen. melismatic tyylejä. Ranskalaiset. muusikot 17-18-luvulla tuli tapana seurata näytelmäkokoelmia koristepöydillä. Tilavinta pöytää (29 melismaalajiketta) edelsi J.A. d'Angleberin klavessikokoelma (1689); vaikka tällaisissa taulukoissa ilmenee merkityksettömiä eroja, niistä on tullut eräänlainen yleisesti käytetty korukatalogi. Bachin "Näppäimistökirja Wilhelm Friedemann Bachille" (1720), paljon lainattu d "Angleberiltä.

Lähtö vapaasta O.: sta ranskalaisten säänneltyjen korujen suuntaan. klavesimies soitettiin orkille. musiikki J. B. Lully. Siitä huolimatta ranskalaiset. korujen sääntely ei ole ehdottoman tiukka, koska jopa yksityiskohtaisin taulukko osoittaa niiden tarkan dekoodauksen vain tyypillisissä sovelluksissa. Pienet poikkeamat ovat sallittuja, jotka vastaavat hiirien erityispiirteitä. kankaat. Ne riippuvat esiintyjän taiteesta ja mausta, ja painetussa kirjoituksessa olevissa painoksissa - tyylistä. toimittajien tiedot, periaatteet ja maku. Tällaiset poikkeamat ovat väistämättömiä ranskan kielen näytelmien esittämisessä. klavessiini P. Couperin vaati päättäväisesti korujen purkamista koskevien sääntöjensä tarkkaa täytäntöönpanoa. Franz. Oli myös tavallista, että klavessinsoittajat ottivat pienentäviä koristeita tekijän valvonnassa, jonka he kirjoittivat erityisesti variazissa. ottaa.

Loppuun. 1500-luvulla, kun ranskalaiset. klavessinsoittajista on tullut alansa trendinpitäjiä, koristeita, kuten trilli- ja armon nuotteja, sekä melodista. toiminto, he alkoivat suorittaa uuden harmonisen. toiminto, luomalla ja terävöittämällä dissonanssia voimakkaalla tahdilla. JS Bach, kuten D. Scarlatti, kirjoitti pääasiassa dissonanttikoruja. musiikkiteksti (katso esimerkiksi Italian konserton osa II). Tämän ansiosta I.A.Sheibe uskoi, että toimimalla tällä tavalla Bach riistää tuotantonsa. "harmonian kaunotarit", koska säveltäjät tuolloin mieluummin kirjoittivat kaikki koristeet kuvakkeilla tai pienillä nuotteilla saadakseen ne näkymään graafisesti. äänitys oli selvästi harmoninen. eufonia DOS. sointuja.

F. Couperinilla on hienostunut ranska. klavessin tyyli saavutti huippunsa. J. F. Rameaun kypsissä näytelmissä paljastui halu ylittää kammion pohdinnan rajat, vahvistaa kehityksen tehokasta dynamiikkaa, soveltaa musiikissa. laajempien koristeiskuvien kirjoittaminen, erityisesti taustaharmonisten muodossa. kuviointi. Siksi taipumus korujen maltillisempaan käyttöön Rameaussa ja myöhemmässä ranskassa. esimerkiksi klavessinsoittajat. J. Dufli. Kuitenkin 3. torstaina. 1700-luvulla O. saavutti uuden kukoistuspisteen teoksissa, jotka liittyivät sentimentaalisiin suuntauksiin. Näiden taiteiden merkittävä edustaja. F.E.Bach, tutkielman "Kokemukset klavierin oikeasta pelitavasta" kirjoittaja, piti musiikillisen puheen, jossa hän kiinnitti paljon huomiota O.: n kysymyksiin.

Seuraava Wienin klassismin voimakas kukinta uuden estetiikan mukaisesti. ihanteet, johti O.: n tiukempaan ja maltillisempaan soveltamiseen. Siitä huolimatta hänellä oli edelleen merkittävä rooli J. Haydnin, W. A. \u200b\u200bMozartin ja nuoren L. Beethovenin työssä. Vapaa O. säilytettiin Euroopassa. musiikin preim. variaatioalalla, virtuoosikonsertti cadenza ja wok. koloratuuri. Jälkimmäinen heijastuu romanttiseen. php. musiikki 1. kerros. 1800-luvulla (etenkin F. Chopinin alkuperäisissä muodoissa). Samanaikaisesti melismien dissonanttiääni sai tien konsonantiin; etenkin trilli alkoi alkaa. ei ylimääräisellä, mutta päällä. ääni, usein muodostuessa off-beat. Niin harmoninen. ja rytmi. O.: n pehmeneminen oli vastakohtana itse sointujen lisääntyneelle dissonanssille. Harmonisten ennennäkemättömästä kehityksestä on tullut ominaista romanttisille säveltäjille. figuratiivinen tausta puiteohjelmassa. musiikki laajalla koloristisella. käyttämällä poljinta, samoin kuin timanttikireisiä hahmoja. tekstuurit orkissa. tulokset. 2. kerroksessa. 1800-luvulla O.: n arvo laski. 1900-luvulla. vapaan O. rooli lisääntyi jälleen improvisoinnin vahvistamisen yhteydessä. alkoi joillain hiusesfäärillä. luovuus, esimerkiksi. jazz-musiikissa. Metodologinen ja teoreettinen menetelmä on valtava. kirjallisuutta O.: n ongelmista. Se syntyy väsymätöntä yritystä selventää ilmiöitä, O., "vastustanut" tätä niiden improvisaatiossa. luonto. Suuri osa siitä, mitä teosten kirjoittajat esittävät salauksen purkamista koskevina tiukeina yleisin sääntöinä, osoittautuvat itse asiassa vain yksityisiksi suosituksiksi.