Nykyaikainen japanilainen taide. Kaksoisnäkymä: Japanin nykytaide

Eremitaašissa järjestetään mielenkiintoinen näyttely - Japanin nykytaide "MONO-NO AVARE. Esineiden viehätys".

En voi sanoa olevani nykytaiteen fani. Pidän siitä paremmin, kun on jotain harkittavaa (kiireinen grafiikka tai koriste- ja taideteos, etnos on kaikkeni). Puhtaan konseptin kauneuden ihaileminen ei ole minulle aina hauskaa. (Malevich, anteeksi! En pidä mustasta neliöstä!)

Mutta tänään pääsin tähän näyttelyyn!

Kallisarvoiset, jos olet Pietarissa, kiinnostunut taiteesta etkä ole vielä käynyt siellä, näyttely on avoinna 9. helmikuuta asti! Mene, koska se on mielenkiintoista!

Käsitteet eivät vakuuttaa minua paljon, kuten kirjoitin yllä. Ajattelin jotenkin, että yhden vuoden tai kahden esineen näyttämisessä nykyaikaisissa näyttelyissä minusta tuntuu korkeintaan hauska. Ja monet asiat eivät kosketa minua niin paljon, että olen pahoillani tuhlaamastani ajasta. Mutta tämä on missä tahansa tyylilajissa, missä tahansa taiteessa, prosenttiosuus lahjakkuuden ja keskinkertaisuuden suhteesta, on hyvä, jos se on yksi kymmenestä! Mutta pidin tästä näyttelystä.

Japanilaiset teokset sijoitettiin pääesikunnan rakennuksen näyttelytiloihin. Ensimmäinen vierailijoita tavattava asennus on uskomaton labyrintti, joka on kaadettu suolalla lattialle. Harmaa lattia, valkoinen suola, uskomattoman siististi merkitty tila, kudottu yhdeksi pelloksi. Suuri näyttelyhalli ja valkoinen koriste levisi lattian yli kuin hämmästyttävä leipä. Ja ymmärrät kuinka väliaikainen tämä taide on. Näyttely sulkeutuu, sokkelo pyyhitään luudalla. Katsoin elokuvan "Pikku Buddha". Ja siellä alussa buddhalainen munkki asetti monimutkaisen koristeen värillisestä hiekasta. Ja elokuvan lopussa munkki teki terävän liikkeen harjallaan ja tuulessa hajautetun titaanisen työn. Se oli sitten humala ja ei. Ja se sanoo, arvosta kauneutta täällä ja nyt, kaikki on ohikiitävää. Joten tämä suolan labyrintti, se käy vuoropuhelua kanssasi, aloitat vastauksen kysymyksiin, joita se asettaa sinut. Taiteilija - Motoi Yamamoto.

Kyllä kyllä! Tämä on niin iso sokkelo, tunsitko mittakaavan?

Toinen kiehtova esine on valtava kupoli, joka on valmistettu polyeteenistä ja mustasta hartsista Yasuaki Onishi. Avaruus on epätavallisen ratkaistu. Mustalla ohuimmalla epätasaisella hartsilangalla roikkuu hieman liikkuva kupoli ... tai vuori monimutkaisella helpotuksella. Kun menet sisälle, näet kirjoitus pisteistä - paikoista, joissa hartsi tarttuu. On hauskaa, ikään kuin musta sade olisi hiljaa tulemassa, ja olet katoksen alla.

Kuinka keksit tämän tekniikan? Hauska, vai mitä? Mutta elää se näyttää "elävämmältä", kupoli heiluu hieman tuulesta, jonka ohittavat kävijät luovat. Ja on tunne vuorovaikutuksestasi kohteen kanssa. Voit mennä "luolaan", katso sisältä, miten se on!

Mutta jotta ei syntyisi vaikutelmaa, että kaikki oli vain mustavalkoista, lähetän tänne vielä pari kuvaa sävellyksistä, jotka on tehty toisiinsa liitetyistä vanteista. Tällaisia \u200b\u200bvärikkäitä hauskoja muovikiharoita! Ja voit myös kävellä tämän huoneen läpi, vanteiden sisällä, tai voit katsoa kaikkea ulkopuolelta.

Pidin näistä esineistä eniten. Tietysti käsitteellinen nykytaide muuttuu pian uudeksi ajaksi sopusoinnussa. Se ei palaa vanhaan eikä pysy ennallaan kuin nyt. Se muuttuu. Mutta voidakseen ymmärtää, mitä oli, mihin virta virtasi ja mitä ja mistä se tuli, on tiedettävä, mitä nyt tapahtuu. Ja älä välitä siitä, konsepti ei ole minulle, mutta yritä nähdä se ja arvostaa sitä. Kykyjä on vähän, kuten aina, mutta he ovat siellä. Ja jos näyttelyesineet löytävät vastauksen, niin kaikki ei ole kadonnut !!!

Japanin nykytaiteen näyttely "Double Perspective" pidetään.

1. Japanilaisessa nykytaiteessa on monia epätavallisia asioita. Esimerkiksi nämä Izumi Katon maalaukset luodaan käsin ilman harjaa.

2. Ensi silmäyksellä saattaa tuntua, että nämä ovat tavallisia hehkulamppuja. Mutta tämä syvän merkityksen omaava teos on omistettu 38. rinnalle, joka erottaa Pohjois- ja Etelä-Korean.

3. Jokaisessa teoksessa on tietysti jokin syvä merkitys, joka ei ole pinnalla, mutta vaikka et löydä sitä, voit yksinkertaisesti ihailla esimerkiksi tämän taitavasti tehdyn ruusun kauneutta.

4. nämä ovat Kenji Yanoben teoksia siitä, kuinka ihminen voi selviytyä maailman lopusta

6. Tämä on hänen tunnetuin teoksensa "Auringon lapsi", joka on luotu Fukushiman ydinvoimalaonnettomuuden jälkeen.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. tämä on myös japanilaista nykytaidetta

10. mielenkiintoinen projekti "Leniniä haetaan Moskovan huoneistoissa". Yosinori Niva etsi etelässä olevia esineitä, jotka liittyivät Leninin persoonallisuuteen moskovalaisten taloista. Oudointa on, että tätä ei tehnyt venäläinen, vaan japanilainen.

14. Muuten, tähän työhön käytettiin täytettyjä todellisia rotteja.

15. nämä valokuvat osoittavat ihmisten pelkoja

Hermitage on avannut 16. marraskuuta 2013 lähtien näyttelyn "Mono no avare. Asioiden viehätys. Nykyaikainen japanilainen taide". Valtion Eremitaaši -museon Venäjän Japanin suurlähetystön tuella valmistama näyttely, joka sijaitsee General Staff Buildingin itäsiiven rakennuksessa, esittelee japanilaisten taiteilijoiden viime vuosina luomia installaatioita, veistoksia, videotaiteita, valokuvia vuotta ja on suunniteltu täyttämään uusi sivu nousevan auringon maan vuosisatoja vanhassa taiteen historiassa ... Heidän kotonaan tunnetut nimet ovat edelleen käytännössä tuntemattomia Venäjän ja Euroopan yleisölle: Kaneuji Teppi, Kengo Kito, Kuwakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita ja muut Hiraki Sawa ...

10. vuosisadalta lähtien esiintynyt termi "mono-no avare" voidaan kääntää "asian viehätykseksi" tai "iloksi johonkin", ja se liittyy buddhalaisen ajatuksen tilaisuuden väliaikaisuudesta ja turhuudesta. oleminen. Henkilöä ympäröivät aineelliset ja henkiset esineet kätkevät itsessään ainutlaatuisen, ohikiitävän viehätyksen (avareen), joka on ominaista vain hänelle. Henkilöllä ja ennen kaikkea taiteilijalla on oltava reagoiva sydän voidakseen löytää ja tuntea tämän viehätyksen, vastata siihen sisäisesti. Nykytaiteilijoilla on hienovarainen käsitys materiaaleista, joissa merkitysten sisäinen yksinkertaisuus loistaa. Rajoittamalla tarkoituksellisesti tiettyihin aiheisiin ja motiiveihin he käyttävät muinaisia \u200b\u200bjapanilaisia \u200b\u200btaiteellisia tekniikoita uudella tasolla.

Japanissa, kuten Venäjällä, nykytaide on ulkopuolelta, lännestä tuotu ilmiö, joka ei ole aina selkeä ja aiheuttaa hylkäämistä. Molemmat kulttuurit kokivat angloamerikkalaisen termin nykytaide uuden kulttuurisen lainanoton symbolina. Japanissa 1970-luvulla, kuten Venäjällä 1990-luvulla, taiteilijat tuntuivat ulkopuolisilta. He menivät töihin länteen, mutta silti 1970-luvulla Japanissa sanat "nykytaide" kuulosti myönteiseltä, antaen nuoremman sukupolven unohtaa traagisiin ja taantumiin liittyvän sodanjälkeisen taiteen määritelmän.

Nykytaiteen todellinen kukinta länsimaisessa merkityksessä tapahtui vasta 1980-luvun lopulla, jolloin gallerioita avattiin paitsi Ginzassa myös muualla Tokiossa. Vuonna 1989 ensimmäinen nykytaidemuseo perustettiin Hiroshimaan, ja Tokion museoiden avaaminen seurasi pian 1990-luvulla. Siitä lähtien nykytaiteen ilmiön asteittainen tunnustaminen kansallisella tasolla ja sen pääsy kulttuuriseen jokapäiväiseen elämään alkoi. Seuraava askel oli kansallisten biennaalien ja triennaalien pitäminen.

Mediatekniikan täydellisen dominoinnin aikakaudella japanilaiset taiteilijat keskittävät huomionsa alkuperäisiin materiaaleihin, kosketukseensa ja kuunteluun. Näyttely kiinnostaa suuresti installaatioita, joiden joukossa Ryota Kuwakubon (s. 1971) teos on rakenteeltaan yksinkertainen, mutta toiminnaltaan monimutkainen, jossa pääosassa on varjo. Taiteilija hahmottaa esineitä ja luo hämmästyttävän liikkuvan kaleidoskoopin. Kaneuji Teppai (s. 1978) esittelee odottamattomia malleja jokapäiväisistä kotitalousmateriaaleista. Hänen keräämät esineet, joilla on eri värit ja tarkoitukset, taitetaan outoiksi muodoiksi, jotka muuttuvat joko modernistisiksi veistoksiksi tai lumen peittämiksi maisemiksi japanilaisista silkkimaalauksista.

"Materiaalivalinnat" videoteoksissa ja "löydetyn kohteen" tyylilajissa ovat Hiroaki Morita (s. 1973) ja maalauksessa Shinishiro Kano (s. 1982) ja Masaya Chiba (s. 1980). Taiteilijoiden kokoamien hyvin proosalisten "aineellisten valintojen" potentiaali palaa kaiken ja kaikkien hengellistämiseen, joka on perinteinen buddhalaisuuden ajatus siitä, että jokaisessa olennossa ja jokaisessa esineessä - ihmisestä pieneen ruohoterään - Buddhan luonne asetetaan. Ne sisältävät myös huomiota kauneuden ja viehätyksen koettujen asioiden sisäiseen olemukseen.

Vanteista koostuva Kengo Quiton (s. 1977) installaatio on samaan aikaan kuin veistos ja suuri maalaus, jossa on irrotetut tasot, alkeelliset värit ja perspektiivi. Hänen silmiensä edessä oleva tila muuttuu tasoksi, mikä tekee mahdolliseksi kopioida loputtomasti kaikki nämä taiteen merkit ja symbolit, jotka ovat menettäneet yhteyden todellisuuteen.

He työskentelevät hieman eri tavalla Yasuaki Onishin (s. 1979) ja Motoi Yamamoton (s. 1966) kanssa heidän asennuksissaan. Ikään kuin kaikki nämä erilaiset lähestymistavat yhdistettäisiin kiehtovaan yksinkertaisuuteen, Yoshihiro Souda (s. 1969) aloittaa minimaalisen hyökkäyksen näyttelytilaan sijoittamalla siihen huomaamattomasti aidon näköisiä puukasveja.

Nykytaiteen laitos on valmistanut näyttelyn "Mono no avare. Asioiden viehätys. Japanin nykytaide" Hermitage 20/21 -projektin puitteissa. Valtion Eremitaasin pääjohtaja Mikhail B. Piotrovskyn mukaan: "Hankkeen tavoitteena on kerätä, näyttää, tutkia XX-XXI-vuosisadan taidetta. Hermitage 20/21 on osoitettu niille, jotka haluavat pysyä mukana aikoina - amatöörit ja ammattilaiset, hienostuneet asiantuntijat ja nuorimmat katsojat. "

Näyttelyn kuraattorit ovat valtion Hermitage Nykytaiteen osaston johtaja, filosofian ehdokas Dmitry Jurjevitš Ozerkov ja Nykytaiteen osaston apulaispäällikkö Ekaterina Vladimirovna Lopatkina. Näyttelyn tieteellinen konsultti on Anna Vasilievna Savelyeva, tutkija Valtion Eremitaasin itäisen osaston osastolta. Näyttelyyn on valmistettu kuvitettu esite; tekstin kirjoittaja on D.Yu. Ozerkov.

Japanilaisella taiteella on tärkeä paikka State Hermitage -kokoelmassa, ja siinä on noin 10 000 teosta: museossa on 1 500 arkkia värillistä puupiirrosta, mukaan lukien tunnettujen japanilaisten kaiverrusten mestareiden teokset 1700-luvun ja 1900-luvun puolivälistä; posliinin ja keramiikan kokoelma (yli 2000 näyttelyä); 1500- ja 1900-lukujen lakat; näytteet kankaista ja puvuista. Ermitagen japanilaisen taiteen kokoelman arvokkain osa on netsuke-kokoelma, joka on 1600-luvulta peräisin oleva pienoiskoossa veistos, jossa on yli 1000 teosta.

Japanilainen nykytaide näyttää olevan täysin globalisoitunut. Taiteilijat matkustavat Tokion ja New Yorkin välillä, melkein kaikki heistä ovat saaneet eurooppalaisen tai amerikkalaisen koulutuksen, heidän työstään puhutaan kansainvälisessä taiteen englannissa. Tämä kuva ei kuitenkaan ole läheskään täydellinen.

Kansalliset muodot ja suuntaukset ovat osoittautuneet yhdeksi halutuimmista hyödykkeistä, joita Japanilla on tarjota taiteellisten ideoiden ja teosten maailmanmarkkinoille.

Tason käyttö. Kuinka Superflat Current yhdistää amerikkalaisen geek-kulttuurin ja perinteisen japanilaisen maalauksen

Jos länsimaailmassa lähes kaikkien (lukuun ottamatta ehkä postmodernismin kiihkeimpiä teoreetikkoja) raja korkea- ja massakulttuurin välillä on edelleen merkityksellinen, vaikkakin ongelmallinen, Japanissa nämä maailmat ovat täysin sekoitettuja.

Esimerkkinä tästä on Takashi Murakami, joka yhdistää menestyksekkäästi näyttelyitä maailman parhaissa gallerioissa ja suoratoistotuotantoa.

Nauhoitus kiertueesta Murakami-näyttelyyn "Sadetta tulee lempeää"

Murakamin suhde populaarikulttuuriin - ja Japanille se on ensisijaisesti manga- ja animefanien (otaku) kulttuuri - on monimutkaisempi. Filosofi Hiroki Azuma kritisoi ymmärrystä otakusta aitona japanilaisena ilmiönä. Otaku pitää itseään suoraan yhteydessä 1600- ja 1800-lukujen Edo-ajan perinteisiin - eristyskunnan ja modernismin hylkäämisen aikakauteen. Azuma väittää, että otaku-liike - sidottu mangaan, animaatioihin, graafisiin romaaneihin, tietokonepeleihin - olisi voinut syntyä vain sodanjälkeisen amerikkalaisen miehityksen yhteydessä amerikkalaisen kulttuurin tuonnin seurauksena. Murakamin ja hänen seuraajiensa taide keksii Otakun uudelleen pop-taitotekniikoilla ja kumoaa nationalistisen myytin perinteen aitoudesta. Se edustaa "japanistuneen amerikkalaisen kulttuurin uudelleenamerikanisointia".

Taidehistorian näkökulmasta supertasainen on lähinnä japanilaista varhaista ukiyo-e-maalausta. Tunnetuin teos tässä perinteessä on Katsushika Hokusain (1823–1831) kaiverrus "Suuri aalto Kanagawan edustalla".

Länsimaisen modernismin kannalta japanilaisen maalauksen löytäminen oli läpimurto. Se mahdollisti kuvan näyttämisen tasona ja pyrkii olemaan voittamatta tätä ominaisuutta vaan työskentelemällä sen kanssa.

Esityksen pioneerit. Mitä 1950-luvun japanilainen taide tarkoittaa nykyään?

Dokumentaatio Akira Kanayaman ja Kazuo Shiragin luovasta prosessista

Superflat muotoutui vasta 2000-luvulla. Mutta maailman taiteelle merkittävät taidetapahtumat alkoivat Japanissa paljon aikaisemmin - ja jopa aikaisemmin kuin lännessä.

Esittävä käänne taiteessa tapahtui viime vuosisadan 60- ja 70-luvun vaihteessa. Japanissa esitys ilmestyi 50-luvulla.

Ensimmäistä kertaa Gutai-ryhmä on siirtänyt painopisteen itsenäisistä esineistä valmistukseen. Tästä eteenpäin on yksi askel luopua taide-esineestä lyhytaikaisen tapahtuman hyväksi.

Vaikka yksittäiset Gutain taiteilijat (ja heitä oli 59 kaksikymmentä vuotta) esiintyivät aktiivisesti kansainvälisessä kontekstissa, käsitys japanilaisesta sodanjälkeisestä taiteesta kollektiivisena toimintana alkoi lännessä melko hiljattain. Puomi tuli vuonna 2013: useita näyttelyitä pienissä gallerioissa New Yorkissa ja Los Angelesissa, "Tokio 1955-1970: uusi avantgarde" MoMA: ssa ja laaja historiallinen retrospektiivi "Gutai: Splendid Playground" Guggenheim-museossa . Japanilaisen taiteen tuonti Moskovasta näyttää olevan melkein välitön jatko tätä suuntausta.

On hämmästyttävää, kuinka modernit nämä retrospektiiviset näyttelyt näyttävät. Esimerkiksi Guggenheim-museon näyttelyn keskeinen kohde on Sadamasa Motonagin työ (vesi) -rekonstruktio, jossa museon rotundan tasot on yhdistetty värillisellä vedellä varustetuista polyetyleeniputkista. Ne muistuttavat kankaalta repeytyneitä siveltimiä ja ovat esimerkkinä Gutain keskeisestä keskittymisestä "konkreettisuuteen", esineiden materiaaluuteen, joiden kanssa taiteilija työskentelee japaniksi.

Monet Gutai-osanottajat saivat klassiseen nihonga-maalaukseen liittyvää koulutusta, monet ovat elämäkerrallisesti sidoksissa zen-buddhalaisuuden uskonnolliseen kontekstiin, sille tyypilliseen japanilaiseen kalligrafiaan. Kaikki heistä löysivät uuden, menettelyllisen tai osallistavan (liittyy katsojien osallistumiseen. - Toim.) Lähestymistavan muinaisiin perinteisiin. Kazuo Shiraga kuvasi videonauhoja siitä, kuinka hän piirsi yksivärisiä värejään, jotka ennakoivat Rauschenbergia jaloillaan, ja jopa loi kuvia julkisesti.

Minoru Yoshida muutti japanilaisten tulosteiden kukat psykedeelisiksi esineiksi - esimerkki tästä on Biseksuaali kukka, yksi ensimmäisistä kineettisistä (liikkuvista) veistoksista maailmassa.

Guggenheim-museon näyttelyn kuraattorit puhuvat näiden teosten poliittisesta merkityksestä:

"Gutai osoitti vapaan yksilöllisen toiminnan, katsojien odotusten tuhoamisen ja jopa tyhmyyden tärkeyden keinona torjua sosiaalista passiivisuutta ja konformismia, jotka usean vuosikymmenen aikana antoivat militaristiselle hallitukselle mahdollisuuden saavuttaa kriittinen vaikutusmassa, hyökätä Kiinaan ja sitten liittyä toiseen maailmansotaan. "

Hyvä ja viisas. Miksi taiteilijat lähtivät Japanista Amerikkaan 1960-luvulla

Gutai oli poikkeus säännökseen sodanjälkeisessä Japanissa. Avangardiryhmät pysyivät marginaalina, taidemaailma oli tiukasti hierarkkinen. Tärkein tie tunnustamiseen oli osallistuminen klassisten taiteilijoiden yhdistysten järjestämiin kilpailuihin. Siksi monet halusivat mennä länteen ja integroitua englanninkieliseen taidejärjestelmään.

Se oli erityisen vaikeaa naisille. Jopa progressiivisessa Gutaissa heidän osuutensa ei saavuttanut edes viidesosaa. Mitä voimme sanoa perinteisistä oppilaitoksista, joiden pääsyä varten erityisopetusta tarvittiin. Kuusikymmentäluvulla tytöt olivat jo saaneet oikeuden siihen, mutta opettivat taidetta (ellei kyse koristeesta, joka oli osa taitoja ryosai kenbo - hyvä vaimo ja viisas äiti) paheksuttiin sosiaalisesti.

Yoko Ono. Leikattu pala

Midori Yoshimoton teoksessa ”Into Performance: Japanilaiset naisartistit New Yorkissa” tutkittiin viiden voimakkaan japanilaisen taiteilijan muuttoliikettä Tokiosta Yhdysvaltoihin. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ja Shigeko Kubota päättivät uransa alkaessa lähteä New Yorkiin ja työskentelivät siellä muun muassa japanilaisen taiteen perinteiden nykyaikaistamiseksi. Ainoastaan \u200b\u200bYoko Ono varttui Yhdysvalloissa - mutta hän myös tahallaan kieltäytyi palaamasta Japaniin, koska hän oli pettynyt Tokion taiteelliseen hierarkiaan lyhyen oleskelun aikana vuosina 1962-1964.

Onosta tuli tunnetuin näistä viidestä - ei pelkästään John Lennonin vaimona, vaan myös naisruumiin esineistämiseen tarkoitettujen protofeminististen esitysten kirjoittajana. Cut Piece Onon, jossa yleisö voi leikata paloja taiteilijan vaatteista, ja Marina Abramovichin "performanssi-isoäidin" "Rhythm 0" välillä on ilmeisiä yhtäläisyyksiä.

Lyhyillä jaloilla. Tadashi Suzukin kirjailijan näyttämökoulutus

Onon ja Gutain tapauksessa heidän kirjoittajistaan \u200b\u200berilliset menetelmät ja teemat nousivat kansainvälisesti merkittäviksi. Vientiä on muitakin muotoja - kun taiteilijan teokset nähdään kiinnostuneina kansainvälisestä areenasta, mutta menetelmän lainaamista ei tapahdu sen spesifisyyden vuoksi. Silmiinpistävin tapaus on Tadashi Suzukin näyttelijä.

Suzuki-teatteria rakastetaan jopa Venäjällä - ja tämä ei ole yllättävää. Viime kerralla hän oli kanssamme vuonna 2016 Euripidesin teksteihin perustuvan näytelmän "Troijalaiset" kanssa, ja 2000-luvulla hän tuli useita kertoja Shakespearen ja Tšekhovin tuotantojen kanssa. Suzuki siirsi näytelmien toiminnan nykyiseen japanilaiseen kontekstiin ja tarjosi ei-ilmeisiä tulkintoja teksteistä: hän löysi Ivanovosta antisemitismin ja vertasi sitä japanilaisten hylkäävään asenteeseen kiinalaisia \u200b\u200bkohtaan, siirsi kuningas Learin toiminnan japanilaiselle mielisairaala.

Suzuki rakensi järjestelmän vastakkain venäläisen teatterikoulun kanssa. 1800-luvun lopulla, niin sanotun Meiji-ajanjakson aikana, modernisoituva keisarillinen Japani koki oppositioliikkeiden nousun. Tuloksena oli massiivinen länsimaistuminen aiemmin erittäin suljetusta kulttuurista. Tuontimuotojen joukossa oli Stanislavsky-järjestelmä, joka on edelleen Japanissa (ja myös Venäjällä) yksi tärkeimmistä ohjaustavoista.

Suzuki-harjoitukset

Suzuki aloitti uransa kuusikymmentäluvulla, ja väite, jonka mukaan japanilaiset näyttelijät eivät ruumiillisten ominaisuuksiensa vuoksi tottuneet länsimaisten tekstien rooleihin, jotka täyttivät tuolloin ohjelmiston, levisi yhä enemmän. Nuori ohjaaja onnistui tarjoamaan vakuuttavimman vaihtoehdon.

Suzuki-harjoitusjärjestelmä, nimeltään jalkakielioppi, sisältää kymmeniä tapoja istua, vielä enemmän seistä ja kävellä.

Hänen näyttelijänsä pelaavat yleensä paljain jaloin ja näyttävät painopisteen laskemisen vuoksi mahdollisimman tiukasti maahan, painavina. Suzuki opettaa heitä ja ulkomaisia \u200b\u200bosallistujia esityksissään Togan kylässä, vanhoissa japanilaisissa taloissa, jotka ovat täynnä moderneja laitteita. Hänen ryhmänsä antaa vain noin 70 esitystä vuodessa, ja loppuajan he elävät, melkein koskaan poistumatta kylästä eikä heillä ole aikaa henkilökohtaisiin asioihin - vain työ.

Toga-keskus on peräisin 1970-luvulta, ja sen on suunnitellut maailmankuulu arkkitehti Arata Isozaka johtajan pyynnöstä. Suzukin järjestelmä saattaa tuntua patriarkaaliselta ja konservatiiviselta, mutta hän itse puhuu Togasta nykyaikaisella hajauttamisella. 2000-luvun puolivälissä Suzuki ymmärsi taiteen viennin tärkeyden pääkaupungista alueille ja tuotantopisteiden järjestämisen paikallisesti. Ohjaajan mukaan teatterikartta Japanista on monin tavoin samanlainen kuin venäläinen - taide on keskittynyt Tokioon ja useisiin pienempiin keskuksiin. Venäläinen teatteri hyötyisi myös yrityksestä, joka käy säännöllisesti kiertueella pienissä kaupungeissa ja sijaitsee kaukana pääkaupungista.

Kukka polkuja. Mitä resursseja moderni teatteri on löytänyt no- ja kabuki-järjestelmissä?

Suzuki-menetelmä kasvaa kahdesta muinaisesta japanilaisesta perinteestä - mutta myös kabukista. Kyse ei ole vain siitä, että tämäntyyppisiä teattereita luonnehditaan usein kävelytaiteeksi, mutta myös selvemmissä yksityiskohdissa. Suzuki noudattaa usein kaikkien roolien suorittavien miesten sääntöä, käyttää tyypillisiä tilaratkaisuja, esimerkiksi kabuki-kuvion hanamichiä ("kukkien polkua") - alustaa, joka ulottuu näyttämöltä auditorion sisätilaan. Hän hyödyntää myös melko tunnistettavia symboleja, kuten kukkia ja vierityksiä.

Tietysti globaalissa maailmassa ei ole kyse japanilaisten etuoikeudesta käyttää kansallisia muotojaan.

Aikamme yhden merkittävimmän ohjaajan, amerikkalaisen Robert Wilsonin, teatteri on rakennettu lainasta mistä.

Hän ei vain käytä naamioita ja meikkiä, jotka muistuttavat Japanin yleisöä, vaan lainaa myös toimintatapoja, jotka perustuvat eleen suurimpaan hidastumiseen ja omavaraisuuteen. Yhdistämällä perinteiset ja rituaaliset muodot huippuluokan valaistustuloksiin ja minimalistiseen musiikkiin (yksi Wilsonin tunnetuimmista teoksista on Philip Glassin oopperan Einstein rannalla tuotanto), Wilson tuottaa lähinnä synteesin alkuperästä ja merkityksestä, johon suuri osa nykytaiteesta pyrkii .

Robert Wilson. "Einstein rannalla"

Yksi modernin tanssin pylväistä - butoh, kirjaimellisesti käännettynä - pimeyden tanssi, kasvoi nohista ja kabukista. Koreografit Kazuo Ono ja Tatsumi Hijikata keksivät vuonna 1959, jotka myös ampuivat matalasta painopisteestä ja keskittyivät jalkoihin, mutta butoh oli traumaattisesta sotilaallisesta kokemuksesta ajattelun siirtyminen ruumiilliseen ulottuvuuteen.

”He osoittivat sairaan, murenevan, jopa hirvittävän, hirvittävän ruumiin.<…> Liike on hidasta, sitten tarkoituksella terävää, räjähtävää. Tätä varten käytetään erityistä tekniikkaa, kun liike suoritetaan ikään kuin ilman päälihasten osallisuutta luurangon luun vipujen vuoksi ", tanssitieteilijä Irina Sirotkina lisää butohin ruumiinvapautumisen historiaan, yhdistää sen baletin normatiivisuudesta poiketen. Hän vertaa butohia 1900-luvun alun tanssijoiden ja koreografien - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman - käytäntöihin ja puhuu vaikutuksesta myöhempään "postmoderniseen" tanssiin.

Katkelma Butoh-perinteen modernin seuraaja Katsura Kanin tanssista

Nykyään butoh alkuperäisessä muodossaan ei ole enää avantgardistinen käytäntö, vaan historiallinen jälleenrakennus.

Onon, Hijikatan ja heidän seuraajiensa kehittämä liikkeen sanasto on kuitenkin edelleen merkittävä resurssi nykyajan koreografeille. Lännessä sitä käyttävät Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ja jopa viikonlopun “Belong To The World” -videossa. Japanissa Butoh-perinteen seuraaja on esimerkiksi Saburo Tesigawara, joka tulee Venäjälle lokakuussa. Vaikka hän itse kieltäytyy pimeyden tanssista, kriitikot löytävät varsin tunnistettavissa olevia merkkejä: näennäisesti luuttoman ruumiin, haurauden, äänettömän askeleen. On totta, että heidät asetetaan jo postmodernisen koreografian kontekstiin - sen korkea tempo, lenkkeily, työ post-industrial -musiikin kanssa.

Saburo Tesigawara. Metamorfoosi

Paikallisesti globaali. Miksi japanilainen nykytaide on edelleen samanlainen kuin länsimainen taide?

Tesigavara ja monet hänen kollegansa teokset sopivat orgaanisesti parhaiden länsimaisten nykytanssifestivaalien ohjelmiin. Jos selaat esityksiä ja esityksiä, jotka näytettiin Festival / Tokiossa, joka on japanilaisen teatterin suurin vuosittainen näyttely, on vaikea huomata perustavanlaatuisia eroja eurooppalaisiin suuntauksiin.

Sivustokohtaisuudesta tulee yksi keskeisistä teemoista - japanilaiset taiteilijat tutkivat Tokion tiloja aina kapitalismin hyytymistä pilvenpiirtäjien muodossa marginaalisiin otaku-keskittymisalueisiin.

Toinen aihe on sukupolvien välisen väärinkäsityksen selvittäminen, teatteri eri ikäisten ihmisten elävien tapaamisten ja järjestäytyneen viestinnän paikkana. Toshiki Okadan ja Akira Tanayaman hänelle omistamat projektit on tuotu Wieniin useita vuosia peräkkäin yhteen tärkeimmistä eurooppalaisista performanssitaiteen festivaaleista. Dokumenttimateriaalien ja henkilökohtaisten tarinoiden siirtämisessä lavalle 2000-luvun loppuun mennessä ei ollut mitään uutta, mutta Wienin festivaalin kuraattori esitti nämä projektit yleisölle mahdollisuuden elää, kohdata yhteyttä toiseen kulttuuriin.

Toinen päälinja on traumaattinen kokemusten kehittäminen. Japanilaisille se ei liity Gulagiin tai holokaustiin, vaan Hiroshiman ja Nagasakin pommituksiin. Teatteri viittaa häneen jatkuvasti, mutta voimakkain lausunto atomiräjähdyksistä koko modernin japanilaisen kulttuurin syntyhetkenä kuuluu edelleen Takashi Murakamille.

"Pikkupoika: Japanin räjähtävän alakulttuurin taiteet" on hänen vuonna 2005 New Yorkissa kuratoidun projektin otsikko. "Pikkupoika" - venäläinen "lapsi" - on yksi Japaniin vuonna 1945 pudotetuista pommeista. Murakami on kerännyt satoja manga-sarjakuvia johtavilta kuvittajilta, erottuvilta vintage-leluilta ja muistoesineiltä, \u200b\u200bjotka ovat saaneet vaikutteita kuuluisasta animeesta Godzillalta Hello Kittylle. Murakami on työntänyt söpön - kawaiin - keskittymisen museotilaan rajalle. Samanaikaisesti hän käynnisti valikoiman animaatioita, joissa keskeiset kuvat olivat kuvia räjähdyksistä, paljaasta maasta ja tuhotuista kaupungeista.

Tämä oppositio oli ensimmäinen laajamittainen lausunto japanilaisen kulttuurin infantilisoinnista keinona selviytyä PTSD: stä.

Nyt tämä johtopäätös vaikuttaa jo ilmeiseltä. Inuhiko Yomotan akateeminen tutkimus kawaiista perustuu siihen.

Myöhemmin esiintyy myös traumaattisia laukaisijoita. Tärkeimmistä - 11. maaliskuuta 2011 tapahtumista, maanjäristyksestä ja tsunamista, joka johti suuronnettomuuteen Fukushiman ydinvoimalassa. Festival / Tokyo-2018-ohjelmassa omistettiin koko kuuden esityksen ohjelma luonnon- ja teknologiakatastrofin seurausten ymmärtämiseen. niistä tuli myös teema yhdelle Solyankassa esitellylle teokselle. Tämä esimerkki osoittaa selvästi, että kriittisten menetelmien arsenali länsimaisessa ja japanilaisessa taiteessa ei ole pohjimmiltaan erilainen. Haruyuki Ishii luo asennuksen kolmesta televisiosta, jotka poimivat maanjäristystä käsittelevistä televisio-ohjelmista korkean tempon muokatut ja silmukoidut materiaalit.

"Teos koostuu 111 videosta, joita taiteilija katsoi päivittäin uutisissa siihen hetkeen saakka, jolloin kaikki näkemänsä koettiin fiktioksi", kuraattorit selittävät. Uusi Japani on voimakas esimerkki siitä, miten taide ei vastustaa myytteihin perustuvia tulkintoja, mutta samalla kriittinen silmä paljastaa, että sama tulkinta voi olla merkityksellinen minkä tahansa alkuperän taiteelle. Kuraattorit puhuvat mietiskelystä japanilaisen perinteen perustana Lao Tzun lainausten pohjalta. Samalla ikään kuin sulkeista jätetään huomiotta, että melkein koko nykytaide on keskittynyt "tarkkailijavaikutukseen" (tämä on näyttelyn nimi) - joko uusien kontekstien luomisena tuttujen ilmiöiden havaitsemiseen tai poseeraamiseen kysymys riittävän käsityksen mahdollisuudesta sinänsä.

Imagined Communities on toinen videotaiteilija Haruyuki Ishii -teos

Peli

Ei pidä kuitenkaan ajatella, että 2010-luvun Japani on keskittyminen progressiivisuuteen.

Vanhan hyvän perinteisyyden tapoja ja orientalistisen eksoottisuuden rakkautta ei ole vielä voitettu. "Neitsyiden teatteri" on melko ihailtavan artikkeli japanilaisesta "Takarazuka" -teatterista venäläisessä konservatiivisessa "PTZh" -lehdessä. Takarazuka ilmestyi 1800-luvun lopulla yritysprojektina houkutellakseen turisteja syrjäiseen samannimiseen kaupunkiin, josta tuli vahingossa yksityisen rautatien terminaali. Teatterissa leikkivät vain naimattomat tytöt, joiden piti rautatien omistajan suunnitelman mukaan houkutella miehiä kaupunkiin. Nykyään "Takarazuka" toimii teollisuutena - sillä on oma tv-kanava, tiheä konserttiohjelma, jopa paikallinen huvipuisto. Mutta vain naimattomilla tytöillä on edelleen oikeus olla ryhmässä - toivotaan, ainakaan he eivät tarkista neitsyyttä.

Takarazuka kuitenkin kalpenee verrattuna Kioton Toji Deluxe -klubiin, jota japanilaiset kutsuvat myös teatteriksi. Ne näyttävät aivan villiltä, \u200b\u200bpäätellen kuvaus New Yorkerin kolumnisti Ian Buruma, strip-show: Useat alastomat tytöt näyttämöllä tekevät sukupuolielinten mielenosoituksesta julkisen rituaalin.

Kuten monet taiteelliset käytännöt, tämä näyttely perustuu muinaisiin legendoihin (kynttilän ja suurennuslasin avulla yleisön miehet voisivat vuorotellen tutkia ”äiti-jumalattaren Amaterasun salaisuuksia”), ja kirjoittaja itse muistutettiin. ei-perinne.

Takarazukin ja Tojin länsimaisten vastaavien etsiminen jätetään lukijan tehtäväksi - niitä ei ole vaikea löytää. Huomatkaamme vain, että juuri tällaisten sorron käytäntöjen torjumisessa ohjataan merkittävä osa nykytaiteesta - sekä länsimaisesta että japanilaisesta, superlitteestä butoh-tanssiin.

Japanilaiset löysivät asioihin piilotetun kauneuden 9.-12. Vuosisadalla, Heianin aikakaudella (794-1185) ja jopa nimittivät sen erityiskäsitteellä "mono no avare" (japanilainen 物 の 哀 れ (も の の あ わ)れ)), mikä tarkoittaa "surullista viehätystä". "Asioiden viehätys" on yksi varhaisimmista kauneuden määritelmistä japanilaisessa kirjallisuudessa, se liittyy shinto-uskoon, että jokaisella on oma jumaluutensa - kami - ja oma ainutlaatuinen viehätyksensä. Avare on asioiden sisäinen olemus, mikä aiheuttaa iloa, jännitystä.

- Wasi tai wagami.
Manuaalinen paperinvalmistus. Keskiaikainen japanilainen arvosti washia paitsi sen käytännöllisistä ominaisuuksista myös kauneudestaan. Hän oli kuuluisa hienovaraisuudestaan, melkein läpinäkyvyydestään, joka ei kuitenkaan riistänyt voimaa. Washi valmistetaan kozo (mulperipuu) ja joidenkin muiden puiden kuoresta.
Washi-paperi on säilynyt vuosisatojen ajan, minkä osoittavat albumit ja volyymit vanhaa japanilaista kaunokirjoitusta, maalauksia, seuloja ja kaiverruksia, jotka ovat säilyneet vuosisatojen ajan nykypäivään.
Wasyan paperi on kuitua, jos katsot mikroskoopin läpi, näet rakoja, joiden läpi ilma ja auringonvalo tunkeutuvat. Tätä laatua käytetään näyttöjen ja perinteisten japanilaisten lyhtyjen valmistuksessa.
Washi-matkamuistot ovat erittäin suosittuja eurooppalaisten keskuudessa. Tästä paperista valmistetaan monia pieniä ja hyödyllisiä esineitä: lompakot, kirjekuoret, tuulettimet. Ne ovat riittävän vahvoja ja kevyitä samanaikaisesti.

- Gohei.
Maskotti valmistettu paperinauhoista. Gohei on shinto-papin rituaali, johon on kiinnitetty siksak-paperiliuskat. Samat paperiliuskat on ripustettu shintopyhäkön sisäänkäynnille. Paperin rooli shintoismissa on perinteisesti ollut erittäin suuri, ja paperituotteille on aina annettu esoteerinen merkitys. Ja usko siihen, että jokainen asia, jokainen ilmiö, jopa sanat, sisältää kamin - jumaluuden - selittää myös sellaisen sovelletun taiteen kuin gohei. Shintoismi on jollain tavalla hyvin samanlainen kuin pakanamme. Shintoisteille kami on erityisen halukas asettumaan kaikkeen epätavalliseen. Esimerkiksi paperissa. Ja vielä enemmän monimutkaiseksi siksakiksi kierretyssä goheissa, joka roikkuu tänään shintopyhäkköjen sisäänkäynnin edessä ja osoittaa jumaluuden läsnäoloa temppelissä. Gohei-taitossa on 20 vaihtoehtoa, ja erityisen epätavalliset vaihtoehdot houkuttelevat kamia. Suurimmaksi osaksi gohei on valkoista, mutta on myös kultaisia, hopeisia ja monia muita sävyjä. 9. vuosisadalta lähtien Japanissa on ollut tapana vahvistaa goheita sumopainijoiden vyöissä ennen ottelun alkua.

- Anesama.
Tämä on paperinukkien valmistus. 1800-luvulla samurai-vaimot tekivät paperista nukkeja, joita lapset pelasivat, pukeutuen ne erilaisiin vaatteisiin. Aikana, jolloin leluja ei ollut, anesama oli ainoa lasten keskustelukumppani, joka "pelasi" äidin, vanhemman sisaren, lapsen ja ystävän roolia.
Nukke on kääritty japanilaisesta washi-paperista, hiukset on tehty rypistyneestä paperista, värjätty musteella ja peitetty liimalla, mikä antaa sille kiillon. Erottuva piirre on söpö pieni nenä pitkänomaisilla kasvoilla. Nykyään tämä yksinkertainen lelu, joka ei vaadi muuta kuin taitavia käsiä, on muodoltaan perinteinen ja sitä valmistetaan edelleen samalla tavalla kuin ennen.

- Origami.
Muinainen taittopaperikuvioiden taito (japanilainen я り 紙, kirjaimellisesti: "taitettu paperi"). Origamitaiteen juuret ovat muinaisessa Kiinassa, jossa keksittiin paperi. Alun perin origamia käytettiin uskonnollisissa seremonioissa. Pitkästä aikaa tämä taidemuoto oli vain ylempien luokkien edustajien käytettävissä, missä merkki hyvästä muodosta oli paperin taittotekniikan hallinta. Vasta toisen maailmansodan jälkeen origami meni idän ulkopuolelle ja pääsi Amerikkaan ja Eurooppaan, missä se löysi heti faninsa. Klassinen origami taitetaan neliön muotoisesta paperiarkista.
On olemassa tietty joukko tavanomaisia \u200b\u200bmerkkejä, jotta voidaan luonnostella jopa monimutkaisimman tuotteen taittojärjestelmä. Suurin osa perinteisistä merkeistä otettiin käytäntöön 1900-luvun puolivälissä kuuluisan japanilaisen mestarin Akira Yoshizawan toimesta.
Klassinen origami määrää yhden neliön, tasaisen värisen paperiarkin käyttämisen ilman liimaa tai saksia. Nykytaiteen muodot poikkeavat joskus tästä kaanonista.

- Kirigami.
Kirigami on taidetta leikata erilaisia \u200b\u200bmuotoja useita kertoja taitetusta paperiarkista saksilla. Origamityyppi, joka sallii saksien ja paperin leikkaamisen mallin valmistuksessa. Tämä on tärkein ero kirigamin ja muun paperin taittotekniikan välillä, mikä korostuu nimessä: 切 る (kiru) - leikkaus, 紙 (gami) - paperi. Lapsuudessa me kaikki rakastimme leikata lumihiutaleita - muunnelma kirigamista, voit leikata tällä tekniikalla paitsi lumihiutaleita myös erilaisia \u200b\u200bhahmoja, kukkia, seppeleitä ja muita söpöjä esineitä paperista. Näitä tuotteita voidaan käyttää stensiileinä painatuksiin, albumien, postikorttien, valokuvakehysten koristeluun, muotisuunnittelussa, sisustuksessa ja muussa erilaisessa sisustuksessa.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生 け 花 tai い け ば な) japaniksi - ike "- elämä," bana "- kukat tai" elävät kukat ". Japanilainen kukka-asetelma on yksi japanilaisten kauneimmista perinteistä. Ikebanaa säveltäessä käytetään yhdessä kukkien kanssa leikattuja oksia, lehtiä ja versoja.Perusperiaate on hieno yksinkertaisuuden periaate, jonka saavuttamiseksi he yrittävät korostaa kasvien luonnollista kauneutta. Ikebana on uuden luonnollisen muodon luominen, jossa sävellyksen luovan mestarin kukan kauneus ja sielun kauneus yhdistyvät harmonisesti.
Tänään Japanissa on 4 suurinta ikebana-koulua: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Niiden lisäksi yhdessä näistä kouluista on noin tuhat eri suuntaa ja suuntausta.

- Oribana.
1600-luvun puolivälissä kaksi Oharan koulua (Ikebanan päämuoto - Oribana) ja Koryu (päämuoto - Sseka) lähti Ikenobosta. Muuten, Oharan koulu opiskelee edelleen vain Oribanaa. Kuten japanilaiset sanovat, on erittäin tärkeää, että origami ei muutu origomiksi. Gomi tarkoittaa japaniksi roskaa. Loppujen lopuksi, miten se tapahtuu, taitti paperin ja mitä sitten tehdä sen kanssa? Oribana tarjoaa paljon ideoita sisustuskimppuihin. ORIBANA \u003d ORIGAMI + IKEBANA

- Väärä.
Eräänlainen kukkakaupasta syntynyt kuvataide. Kukkakauppamme ilmestyi kahdeksan vuotta sitten, vaikka sitä on ollut Japanissa yli kuusisataa vuotta. Joskus keskiajalla samurai ymmärsi soturin polun. Ja väärä oli osa tätä polkua, sama kuin hieroglyfien kirjoittaminen ja miekan käyttäminen. Virheen tarkoitus oli se, että mestari loi hetken täydellisessä tilassa (satori) kuvan kuivatuista kukista (puristetuista kukista). Sitten tämä kuva voisi olla avain, opas niille, jotka olivat valmiita menemään hiljaisuuteen ja kokemaan juuri tämän satorin.
Taiteen ydin "on väärä" on, että keräämällä ja kuivaamalla kukkia, yrttejä, lehtiä, kuorta puristimen alla ja liimaamalla ne pohjaan, kirjoittaja luo kasvien avulla todella "maalaus" teoksen. Toisin sanoen virhe on maalaus kasveilla.
Kukkakauppiaiden taiteellinen luovuus perustuu kuivatun kasvimateriaalin muodon, värin ja tekstuurin säilyttämiseen. Japanilaiset ovat kehittäneet tekniikan suojata "väärät" maalaukset palamisesta ja tummumisesta. Sen ydin on, että lasin ja kuvan väliin pumpataan ilmaa ja syntyy tyhjiö, joka estää kasveja pilaantumasta.
Tämän taiteen ei-perinteisen luonteen lisäksi houkuttelee myös mahdollisuus osoittaa mielikuvitusta, makua, tietoa kasvien ominaisuuksista. Kukkakaupat esittävät koristeita, maisemia, asetelmia, muotokuvia ja aihemaalauksia.

- Bonsai.
Bonsai esiintyi ilmiönä yli tuhat vuotta sitten Kiinassa, mutta tämä kulttuuri saavutti huippunsa vain Japanissa. (bonsai - japanilainen 盆栽 lit. "kasvi ruukussa") - taidetta kasvattaa tarkka kopio todellisesta puusta pienoiskoossa. Näitä kasveja kasvattivat buddhalaiset munkit useita vuosisatoja eKr., Ja niistä tuli myöhemmin yksi paikallisen aateliston toiminnoista.
Bonsai koristeli japanilaisia \u200b\u200bkoteja ja puutarhoja. Tokugawan aikakaudella puistosuunnittelu sai uuden sysäyksen: atsalean ja vaahteran kasvamisesta tuli rikkaiden harrastus. Kääpiöviljely (hachi-no-ki - "ruukkupuu") kehittyi myös, mutta tuon ajan bonsai oli hyvin suuri.
Nykyään bonsaissa käytetään tavallisia puita, joista tulee pieniä jatkuvan karsimisen ja monien muiden menetelmien ansiosta. Samanaikaisesti juurijärjestelmän koon suhde, jota kulhon tilavuus rajoittaa, ja bonsain maaosa vastaavat aikuisen puun osuutta luonnossa.

- Mizuhiki.
Makramen analogia. Tämä on muinainen japanilainen soveltava taide sitoa erilaisia \u200b\u200bsolmuja erityisnauhoista ja luoda niistä kuvioita. Tällaisilla taideteoksilla oli erittäin laaja valikoima sovelluksia - lahjakorteista ja kirjeistä kampauksiin ja käsilaukkuihin. Tällä hetkellä mizuhikia käytetään erittäin laajalti lahja-alalla - jokaisessa elämän tapahtumassa lahjan on tarkoitus olla kääritty ja sidottu hyvin erityisellä tavalla. Mizuhikin taiteessa on paljon solmuja ja sävellyksiä, eivätkä kaikki japanilaiset tunne niitä kaikkia sydämestään. Tietenkin on yleisimpiä ja yksinkertaisia \u200b\u200bsolmuja, joita käytetään useimmiten: kun onnitellaan lapsen syntymästä, häät tai muistomerkit, syntymäpäivä tai yliopiston pääsy.

- Kumihimo.
Kumihimo on japanilainen punos. Lankoja kutomalla saadaan nauhoja ja nauhoja. Nämä nauhat on kudottu erikoiskoneilla - Marudai ja Takadai. Marudai-kangaspuuta käytetään kutomaan pyöreitä nauhoja, kun taas Takadai-kangasta käytetään kudontaan litteitä pitsiä. Japanista käännetty Kumihimo tarkoittaa "köyden kutomista" (kumi - kutominen, taittaminen yhteen, himo - köysi, pitsi). Huolimatta siitä, että historioitsijat vaativat itsepäisesti, että tällaista kutomista löytyy skandinaavisista ja Andien asukkaista, japanilainen kumihimo-taide on todellakin yksi vanhimmista kudontatyypeistä. Ensimmäinen maininta siitä juontaa juurensa 550: een, jolloin buddhalaisuus levisi koko Japaniin ja erityiset seremoniat vaativat erityisiä koristeita. Myöhemmin kumihimo-nauhoja alettiin käyttää naisten kimonon obi-vyön kiinnittiminä, köysinä koko samurai-arsenalin "pakkaamiseen" (samurai käytti kumihimoa koristeellisiin ja toiminnallisiin tarkoituksiin panssariensa ja hevospanssareidensa sitomiseksi) ja myös raskas esineiden niputtamiseen.
Erilaisia \u200b\u200bnykyaikaisen kumihimon kuvioita kudotaan helposti kotitekoisilla pahvikoneilla.

- Komono.
Mitä kimonosta on jäljellä sen jälkeen, kun se on toiminut? Luuletko he heittävän sen pois? Ei mitään tällaista! Japanilaiset eivät koskaan tee sitä. Kimono on kallis juttu. Sen heittäminen on niin helppoa, että on mahdotonta ajatella ja mahdotonta ... Muiden kimonon uudelleenkäytön ohella käsityöläiset tekivät pieniä matkamuistoja pienistä romuista. Nämä ovat pieniä leluja lapsille, nukkeja, rintakoruja, seppeleitä, naisten koruja ja muita tuotteita, vanhasta kimonosta valmistetaan pieniä söpöjä esineitä, joita kutsutaan yhteisesti "komonoiksi". Pienet asiat, jotka saavat oman elämänsä, jatkavat kimonon polkua. Tätä tarkoittaa sana komono.

- Kanzashi.
Taide koristella hiussileitä (useimmiten koristeltu kukilla (perhosilla jne.)), Jotka on valmistettu kankaasta (lähinnä silkistä). Japanilainen kanzashi (kanzashi) on perinteisten japanilaisten naisten kampausten pitkä hiusneula. Ne valmistettiin puusta, lakasta, hopea, kilpikonnankuori, jota käytetään perinteisissä kiinalaisissa ja japanilaisissa kampauksissa. Noin 400 vuotta sitten naisten kampauksen tyyli muuttui Japanissa: naiset lopettivat kampauksensa perinteisessä muodossa - taregami (pitkät suorat hiukset) ja alkoivat muotoilla niitä monimutkaisina ja outoina muodot - nihongami. käytettyjä esineitä - hiusneulat, tikkuja, kammat.Silloin jopa yksinkertainen kammakampa kushi muuttui tyylikkääksi ylimääräisen kauneuden lisävarusteeksi, josta tulee todellinen taideteos.Japanilaisten naisten perinteinen puku ei sallinut ranne koristeet ja kaulakorut, joten hiusten koristelu oli tärkein kauneuden ja kentän itsensä ilmaisuun - samoin kuin lompakon maun ja paksuuden osoittaminen bka omistaja. Tulosteista näet - jos katsot tarkkaan - kuinka japanilaiset naiset ripustivat helposti kaksikymmentä kalliita kanzasheja kampauksiinsa.
Tällä hetkellä kanzashin käytön perinne on herännyt nuorten japanilaisten naisten keskuudessa, jotka haluavat lisätä hienostuneisuutta ja eleganssia kampauksiinsa. Nykyaikaiset hiusneulat voidaan koristaa vain yhdellä tai kahdella hienolla käsintehdyllä kukalla.

- Kinusaiga.
Hämmästyttävä käsityö Japanista. Kinusaiga (絹 彩画) on risteytys batikin ja tilkkutäkin välillä. Pääajatus on, että vanhoista silkkikimonoista kappaleet kootaan uusiksi maalauksiksi - todellisiksi taideteoksiksi.
Ensinnäkin taiteilija tekee luonnoksen paperille. Sitten tämä piirustus siirretään puulankulle. Kuvion muoto leikataan urilla tai urilla, ja sitten vanhasta silkki-kimonosta leikataan väriä ja sävyä vastaavat pienet laastarit ja näiden laikkojen reunat täytetään uriin. Kun katsot tällaista kuvaa, tunnet, että katsot valokuvaa tai edes vain katsot maisemaa ikkunan ulkopuolella, ne ovat niin realistisia.

- Temari.
nämä ovat perinteisiä japanilaisia \u200b\u200bgeometrisesti brodeerattuja palloja, jotka on valmistettu yksinkertaisimmista ompeleista, jotka olivat aikoinaan lapsen leluja, ja joista on nyt tullut ammattitaidemuoto, jolla on monia faneja paitsi Japanissa myös kaikkialla maailmassa. Uskotaan, että kauan sitten samurai-vaimot valmistivat näitä tuotteita viihdettä varten. Alussa heitä käytettiin todella pallona pallon pelaamiseen, mutta vähitellen he alkoivat hankkia taiteellisia elementtejä, joista myöhemmin tuli koristeellisia koristeita. Näiden pallojen herkkä kauneus tunnetaan kaikkialla Japanissa. Nykyään värikkäät, huolella muotoillut esineet ovat yksi japanilaisen kansan käsityön tyypistä.

- Yubinuki.
Japanilaiset sormustimet laitetaan käsin ompelemalla tai kirjonnalla työskentelevän käden keskisormen keskipitkälle, sormenpäiden avulla neulalle annetaan haluttu suunta, ja keskisormen rengas työntää neulaa sisään työ. Alun perin japanilaiset yubinuki-sormustimet tehtiin yksinkertaisesti - tiheästä kankaasta tai nahasta valmistettu, noin 1 cm leveä nauha useissa kerroksissa kiedottiin tiukasti sormen ympärille ja kiinnitettiin yhteen useilla yksinkertaisilla koristeompeleilla. Koska hameet olivat välttämätön esine jokaisessa kodissa, ne alkoivat koristella geometrisilla kirjoilla silkkilangoilla. Ompeleiden punomisesta luotiin värikkäitä ja monimutkaisia \u200b\u200bkuvioita. Yubinuki yksinkertaisesta taloustavarasta on myös muuttunut "ihailemaan" esineeksi, jokapäiväisen elämän koristeeksi.
Yubinukia käytetään edelleen ompeluun ja kirjontaan, mutta ne löytyvät myös yksinkertaisesti kuluneina minkä tahansa sormen käsissä, kuten koristeelliset renkaat. Yubinuki-tyylisiä kirjontoja käytetään erilaisten rengasmaisten esineiden - lautasliinarenkaiden, rannekorujen, temaripidikkeiden, brodeerattujen hameiden - koristeluun. Hameet voivat olla hyvä inspiraation lähde obi-kirjontaan temarissa.

- Suibokuga tai sumie.
japanilainen mustemaalaus. Japanilaiset taiteilijat ottivat tämän kiinalaisen maalaustyylin käyttöön 1400-luvulla ja 1400-luvun lopulla. tuli japanilaisen maalauksen valtavirta. Suibokuga on yksivärinen. Sille on ominaista mustan musteen (sumi), kiinteän hiilen muodon tai nokesta valmistetun kiinalaisen musteen käyttö, joka on jauhettu musteella, laimennettu vedellä ja harjattu paperille tai silkille. Yksivärinen tarjoaa taiteilijalle loputtoman valikoiman sävyvaihtoehtoja, jotka kiinalaiset ovat jo pitkään tunnustaneet musteen "väreiksi". Suibokuga sallii joskus todellisten värien käytön, mutta rajoittaa sen hienovaraisiin, läpinäkyviin viivoihin, jotka pysyvät aina mustesuihkun alaisina. Mustemaalaus jakaa kalligrafian taiteen kanssa olennaiset ominaisuudet, kuten tiukasti hallittu ilme ja tekninen muodon hallinta. Mustemaalauksen laatu heikkenee, kuten kalligrafiassa, musteella vedetyn linjan koskemattomuuteen ja vastustuskykyyn repeytymiseen, joka ikään kuin pitää taideteoksen itsessään, samoin kuin luut pitävät kudoksia niissä.

- Etagami.
Piirretyt postikortit (e - kuva, tunnisteet - kirje). Postikorttien tekeminen omin käsin on yleensä erittäin suosittu toiminta Japanissa, ja ennen lomaa sen suosio kasvaa entisestään. Japanilaiset rakastavat lähettää postikortteja ystävilleen, ja he rakastavat myös vastaanottaa niitä. Tämä on eräänlainen pikakirje erityisillä aihioilla, se voidaan lähettää postitse ilman kirjekuorta. Etegamissa ei ole erityisiä sääntöjä tai tekniikoita; kuka tahansa, jolla ei ole erityiskoulutusta, voi tehdä sen. Etagami auttaa ilmaisemaan tarkasti mielialan, vaikutelman. Tämä on käsintehty postikortti, joka koostuu kuvasta ja lyhyestä kirjeestä, joka välittää lähettäjän tunteita, kuten lämpöä, intohimoa, huolenpitoa, rakkautta jne. He lähettävät nämä kortit juhlapäivinä ja juuri sellaisina, jotka kuvaavat vuodenaikoja, toimia, vihanneksia ja hedelmiä, ihmisiä ja eläimiä. Mitä yksinkertaisempi kuva piirretään, sitä mielenkiintoisempi se näyttää.

- Furoshiki.
Japanilainen pakkaustekniikka tai taitettavan kankaan taide. Furoshiki tuli japanilaisten elämään pitkään. Muinaiset Kamakura-Muromachi-kauden (1185-1573) rullaukset, joissa on kuvia naisista, jotka kantavat kangaspaketteja päähänsä. Tämä mielenkiintoinen tekniikka juontaa juurensa 710 - 794 jKr Japanissa. Sana "furoshiki" tarkoittaa kirjaimellisesti "kylpymattoa" ja on neliönmuotoinen kangaskappale, jota käytettiin kaiken muotoisten ja kokoisten esineiden käärimiseen ja kantamiseen.
Vanhoina aikoina japanilaisissa kylpyammeissa (furo) oli tapana kävellä kevyissä puuvillakimonoissa, jotka kävijät toivat mukanaan kotoa. Pesijä toi myös erityisen maton (shiki), jonka päällä hän seisoi riisuutuessaan. Vaihdettuaan "kylpy" kimonoksi vierailija kääri vaatteensa matolla, ja kylvyn jälkeen hän kääri märän kimonon mattoon tuodakseen sen kotiin. Siten kylpymatosta on tullut monitoimipussi.
Furoshiki on erittäin helppokäyttöinen: kangas muodostaa käärittävän esineen muodon, ja kahvat helpottavat kuorman kantamista. Lisäksi lahja, joka on kääritty ei kovaan paperiin, vaan pehmeään, monikerroksiseen kankaaseen, saa erityisen ilmeikkyyden. On olemassa monia malleja furoshikin taittamiseksi mihin tahansa tilanteeseen, jokapäiväiseen tai loma-aikaan.

- Amigurumi.
Japanilainen taide neuloa tai virkata pieniä pehmeitä eläimiä ja humanoidisia olentoja. Amigurumi (japanilainen 編 み 包 み, kirjaimellisesti: "neulottu-kääritty") ovat useimmiten söpöjä eläimiä (kuten karhuja, pupuja, kissoja, koiria jne.), Pieniä miehiä, mutta ne voivat olla myös elottomia esineitä, joilla on ihmisen ominaisuuksia . Esimerkiksi cupcakes, hatut, käsilaukut ja muut. Amigurumi on neulottu tai virkattu. Viime aikoina virkattu amigurumi on tullut suositummaksi ja yleisemmäksi.
neulotaan langasta yksinkertaisella neulontamenetelmällä - spiraalissa, toisin kuin eurooppalainen neulontamenetelmä, ympyrät eivät yleensä ole yhteydessä toisiinsa. Ne on myös virkattu pienemmässä koossa suhteessa langan paksuuteen, jotta saadaan erittäin tiheä kangas ilman aukkoja pehmusteisiin. Amigurumi valmistetaan usein osista ja liitetään sitten, lukuun ottamatta joitain amigurumia, joilla ei ole raajoja, mutta joilla on vain pää ja vartalo, jotka muodostavat yhden kokonaisuuden. Raajat täytetään joskus muovikappaleilla elopainon saamiseksi, kun taas muu runko on täytetty kuitutäytteellä.
Amigurumin estetiikan leviämistä edistää niiden söpömyys ("kawaii").