Kamarin instrumentaalityyppipelaaminen pienoiskoossa. Wolfgang Amadeus Mozart

Suunniteltu esitykseen pienessä huoneessa pienelle esiintyjäryhmälle.

Termi "kamarimusiikki" kohdattiin ensimmäisen kerran vuonna 1555 N. Vi-chen-ti-no. XVI-XVII vuosisadalla "ka-mer-noy" na-zy-wa-li maallinen musiikki (in-cal-ny, 1700-luvulta lähtien myös in-st-ru-men-tal- nyu), ääni-chav-shuyu kotona-mash-olosuhteissa ja kahdessa; vuosina 17-18 vuosisatojen ajan useimmissa Eu-ro-py-pihan maissa mu-zy-kan-ty no-si-li nimi “ka-mer-mu-zy-kan- tov "(Venäjällä tämä on essents-st-in-va-lo -nimen nimi XVIII - XIX-luvun alkupuolella; Av-st-ry: ssä ja Saksassa kunniamerkkinä in-stru-men-ta-listan nimet niin-pitää-ei-els-ei-ei). 1700-luvulla, kamarimusiikki zvu-cha-la ve-li-kosvetsky sa-lo-nakh -yhdistelmässä kapealla zn-to-kov- ja lu-bi-te-lei -piirillä, 1800-luvun alusta rai-va-siellä oli julkisia ja henkilökohtaisia \u200b\u200bkamarikonsertteja, 1800-luvun puoliväliin mennessä niistä oli tullut osa eurooppalaista musiikkielämää. Ras-about-st-ra-no-no-public-private-konserttien kanssa ka-mer-ny-us-pol-no-te-la-mi alkoi soittaa ammattilainen mu-zy-kan-tov, esiintymässä konserteissa käyttämällä puolittain ei-ei-kamarimusiikkia. Us-to-chi-ty-py ka-mer-no-go an-samb-la: du-et, trio, quar-tete, quin-tete, sext-stet, sep-tete, ok-tete, mutta -no, de-qi-met. In-cal-ny en-sambl, ko-to-ro-go-koostumuksessa se saapuu lähellä-zi-tel-mutta, mutta välillä 10 - 20 on puoli-ni-te-lei, oikealla-vi -lo, na-zy-va-sya ka-mer-nym -koori; in-st-ru-ment-tal-ny-sambl, volume-e-di-nyayu-shih yli 12 is-pol-no-te-lei-ka-mer-nym tai-ke-st- rommi (gran-ni-tsy-zh-du-ka-mer-nymin ja pienen symfonisen tai-ke-st-rommin välillä ei-op-re-de-len-ny).

Kamarimusiikin kehittynein sisäinen-ru-ment-tal-naya-muoto on syklinen co-na-ta (17-18-luvulla - trio-co-na-ta, suola co-na-ta ilman co-pro-f-de-ny tai co-pro-f-de-no basso-con-ti-nuo; klassiset kuvat -cy - at A. Ko-rel-li, I.S.Ba-ha). 1800-luvun jälkipuoliskolla, J. Haydn, K. Dit-ters-dor-fa, L. Bok-ke-ri-ni, V.A.Mo-tsar-ta sfor-mi-ro-va - oli tyylilajeja, joissa esiintyi klassista yhteistyötä (so-noy ja an-samb-le-voy), trio, kvart-te-ta, quin-te-ta (yksi-ei-aika-ei ti-pi-za-qi-her: n ja pol-ni-tel-s-sts: n kanssa), me-ta-ei-näe-las-op-re-de-len-naya-yhteys ha-rak-te-rom-from-lo-ze-niya ka-zh-doy-juhla ja mahdollisesti-nos-mi inst-st-ru-men-ta, ko-ro-go hän on pre-na-zn-che-na (ennen kuin päästää-mennä-ka-los-käyttää-täydellisesti yksi ja sama co-chi-no-nia eri niin sata-va-mi inst-st-ru-men-tov). In-st-ru-ment-tal-no-go-en-samb-la (keula-to-go-quar-te-ta) varten 19. vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla niin-chi-nya-li L. van Beth-ho-ven, F. Shu-bert, F. Men-del-son, R. Shu-man ja monet muut com-zi-to-ry. 1800-luvun jälkipuoliskolla kamarimusiikista sinä-kyllä-yu-si-cs loivat I. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Sme-ta-na, A. Dvor-Jacques, XX vuosisadalla - K. De-bus-si, M. Ra-vel, P. Hin-de-mit, L. Janacek-, B. Bar-tok jne.

Venäjällä kamernoe mu-zi-tsi-ro-va-ras-pro-stra-ni-el on ollut 1770-luvulta lähtien; ensimmäinen in-st-ru-men-tal-nye en-samb-li na-pi-sal DS Bort-nyan-sky. Kamarimusiikin jatkokehitys: A.A.Alyab-e-va, M.I.Glin-ki ja dos-tig-la vy-so-chai-she -taiteen taso P. I. Chaikov-go: n ja A. P. Bo-ro-di-na: n luovissa töissä. Suuri huomio ude-la-li ka-mer-no-mu an-samb-lyu S.I. Ta-ne-ev, A.K. Gla-zun-nov, S.V. Rakh -man-ni-nov, N. Ya, Myas-kov-taivas, D. D. Shos-ta-kovich, S. S. Pro-kof-ev. Historiallisen kehitysprosessin aikana kamarimusiikin tyyli on muuttunut huomattavasti, lähemmäs sim-phoni-che-skim vir-tu-oz-ei-konsertti-nimitys (sim-pho-ni-zation quar-te-tov Bet-ho-ve-na, Chay-kov-sko-go, quar-te-tov ja quin-te-tov - Shu-man-na ja Brahm-sa -sarjassa, konsertin piirteet yhteistyössä na-takh-viulun ja pianon kanssa: nro 9 "Krey-tse-ro ulvoa "Bet-ho-ve-na, niin-na-te Fran-ka, nro 3 Brahmsa, nro 3 Gri-ha).

Toisaalta, XX vuosisadalla, laaja-ro-joitain kisoja-pro-country-not-ni-get-chi-li sim-foneja ja konsertteja ei-iso-sho th-th-l-th-st-va-st-ru-men-tov, joista on tullut erilaisia-kind-but-sty-mi ka-mer-zh-dv: ka-mer-naya sim -fonia (esimerkiksi Shos-ta-ko-vi-cha: n 14. sinfonia), "musiikki ..." (musiikki jousille, rytmi- ja che-les-sts Bar-to-ka), konsertti-ti-mutta jne. Kamarimusiikin erityinen genre on in-st-ru-ment-tal-ny-nia-ty-ry ( XIX-XX vuosisatojen aikana, ne eivät ole harvoin-to-e-di-nya-Xia -jaksoja). Heidän joukossa ovat: piano "kappaleita ilman sanoja" Men-del-so-na, pies-si Shu-ma-na, wal-si, nok-tür-nes, pre-people ja etu-dy F. Sho-p-na, pienimuotoiset ka-ulotteiset pianokombinaatiot A. N. Skrya-bin, Rakh-ma-ni-no-va, N. K Met-no-ra, Chai-kov-go-pianopalat, Pro-coffee-e-va, useita kappaleita kotimaisille ja ulkomaisille erilaisille inst-ru-miehille com-zi-to-ojaan.

1800-luvun lopusta lähtien ja erityisesti 1800-luvulta lähtien za-nya-la- ja vo-kal-naya-kamarimusiikkien (laulu- ja ro-man-sa-tyylilajit) näkyvä paikka on ollut näkyvä. Kom-po-zi-ry-ro-man-ti-ki esitteli in-cal-noi min-nia-ty-ry -lajeja sekä pe-sen-ny -syklejä (”Pre- punainen hukka-ni-chi-ha "ja" Talvitie "(F. Shu-ber-ta," Rakkaus tässä ", R. Shu-man, ja muut). 1800-luvun jälkipuoliskolla I. Brahms kiinnitti paljon huomiota kamarimusiikkiin X. Wol-fa ka-mery vo-kal -teoksessa. -Nya-genret for-nya-onko puhaltava in-lo-zenie. Shi-ro-laulu-ni ja ro-man-sa-po-lu-chi-li-genren kehitys Venäjällä, M.I. Glin-ka, P. I. Chaikovsky, A. P. Bo-ro-din, M. P. Mu-sorg -sky, N. A. Rim -sky-Kor-sa-kov, S V. Rakh-man-ni-nov, S. S. Pro-kof-ev, D. D. Shos-ta-kovich, G. V. Svir-dov.

1700-luvun alussa Wienistä tuli yksi suurimmista musiikkikeskuksista Euroopassa. Sidet italialaisten, tšekkiläisten, puolalaisten, saksalaisten ja sitten venäläisten kulttuurien kanssa antoivat erityisen maun itävaltalaiselle musiikille ja keulataiteen esittämiselle. Wienin klassisen koulun syntymisestä 1700-luvun jälkipuoliskolla tuli yleinen suuntaus eurooppalaisessa taiteessa. Kansanperinteet ovat saaneet riittävästi tilaa niiden kehittämiselle. Musiikkialue on teatteriesitys, jossa on musiikkia ja tansseja, kulkueita - karnevaaleja, serenadeja kaduilla, upeita tuomioistuinesityksiä aukioilla ja teattereissa. Kouluoopperat ovat saaneet valtavan suosiota, luostarit ja katedraalit kilpailevat salaisuuksien ja uskonnollisten oopperoiden lavastamisesta. Tällainen kaikkialla levinnyt ja laajalle levinnyt musiikin levitys yhteiskunnan eri osissa ei ole saanut aikaan tällaista kehitystä missään muussa maassa.

Kielisoittimista viulu ja alttoviulu olivat suosituimpia. Varhaisimmat ammatillisen musiikin koulutuksen keskukset Itävallassa olivat yliopistot, tuomioistuin- ja kirkkokappelit. Yksi parhaimmista kappeleista Euroopassa on Wienin Habsburg Court -kapeli (italialainen muusikko Antonio Salieri on yksi tämän kappelin johtajista). Kappeleita ilmestyi myös muihin kaupunkeihin. Leopoldin ja Wolfgang Amadeus Mozartin nimet liittyvät Salzburgin kappeliin.

1500-luvun itävaltalaisen instrumentaalimusiikin pää genrejä ovat instrumentaalisarja, concerto grosso, triosonaatin genre.

Johann Heinrich Schmelzer (1623 - 1680) - itävaltalainen viulisti ja säveltäjä. Hänen nimensä liittyy uuden tyyppisen viulistin - soolovirtuoosin - syntymiseen. Hän oli yksi ensimmäisistä, joka kehitti itävaltalaisen triosonaatan perinteitä Itävallassa. Schmelzerin merkittävin teos on kuuden sonaatin kokoelma, jossa hän käyttää kaksoissoittoja ja monimutkaisia \u200b\u200bpolyfonisia tekniikoita.

Heinrich Bieber (1644 - 1704) - Itävaltalainen viulisti ja säveltäjä, opiskelija ja Schmelzerin seuraaja. 16. vuosisadan suurin viulutaiteen mestari. Monien teosten joukosta arvokkain on 15 viulusonaatin jakso (mukaan lukien ohjelmasuunnitelmat), jossa käytetään skordatuuria, kaksoisnoetteja ja muita virtuoosivirustekniikan tekniikoita. Bieber osoittaa kunnioitusta onomatopoeettisille vaikutuksille, jotka jäljittelevät yöpikkonen, käkiä, kukkoa, viiriäistä sekä sammakon, kanan ja kissan itkua. Passacaglia yksinviululle on viulutekniikan tietosanakirja 1700-luvulta.

Karl Dittersdorf (1739 - 1799)- yksi 1800-luvun erinomaisista itävaltalaisista viulisteista ja säveltäjistä. Hänen esittävän taiteensa taso oli epätavallisen korkea. Hän loi neljätoista viulukonserttoa, kaksitoista suuntausta kahdelle viululle ja sellolle, monia sinfonioita, kamari- ja oopperamusiikkia. Yhdessä J. Haydnin kanssa hänestä tuli klassisen kvartettigenren perustaja yksinviululla.

Wienin musiikkikulttuuri loi edellytykset klassisen tyylin syntymiselle J. Haydnin ja W. A. \u200b\u200bMozartin teoksissa.

Joseph Haydn (1732 - 1809) - yksi niistä säveltäjistä, joiden teoksessa viulu kuulosti uudella tavalla. Viulu on yksi Haydnin suosikki-instrumentteja. Haydn kirjoitti musiikkia monissa eri tyylilajeissa ja muodoissa, mutta Haydnin tärkein merkitys on instrumentaalimusiikin (sinfoninen ja kamari) kehittämisessä. Hän omistaa valtavan määrän teoksia, mukaan lukien yhdeksän viulukonserttoa (neljä selvinnyttä), kaksitoista viulusonaattia, kuusi duettoa viululle ja alttoviululle, yli kahdeksankymmentä jousikvartettoa, trioita, divertisetteja ja muita kamariteoksia. Hänen sinfonioissaan johtava rooli on ensimmäisillä viuluilla, joille on uskottu melkein kaikki temaattinen aineisto.

Hänen varhaiset sonaatinsa, kvartettinsa ja konserttinsa ovat ilmeisiä esimerkkejä rehellisestä tyylistä ja tekniikasta. Rokoko elementit ilmenevät selkeimmin Haydnin minuteissa, kuten voidaan huomata Mozartissa.

Kvartettoja.Haydnilla oli sama rooli kvartettamusiikin genreissä kuin sinfonisessa musiikissa, ts. Hän oli yksi tämän genren perustajista. Haydn kirjoitti kvartetteja koko uransa ajan, mutta parhaat niistä juontavat juurensa 80- ja 90-luvuille.

Haydnin kvartetit kasvoivat kotimusiikista, jossa kvartettisoittaminen oli erittäin yleistä. Musiikillisen sisällön syvyyden ja kirkkauden sekä muodon täydellisyyden ansiosta Haydnin kvartetit ovat kuitenkin ylittäneet kotimusiikkielämän kapeat rajat ja toimineet keskeisessä roolissa konserttielämässä.

Heillä ei enää ole ulkoisia koristeluja ns. "Kultaista" tyyliä, salonki-musiikin koristeellista loistoa. Niissä yhdistyvät kansantanssin ja kansanlaulumelodioiden yksinkertaisuus ääneen kohdistuvan kontrapuntaalisen plexuksen huomattavan hallitsemisen ja muodon hienostumisen kanssa. Monien kvartettien kimalteleva hauska, innostus ja kansanhuumori provosoivat jopa negatiivisen asenteen konservatiivisilta kriitikkoilta, jotka näkivät Haydnin kvartetteissa "loukkaavansa

musiikki ”,” itsensä hemmottelu ”. Mutta Haydnin kamarimusiikille ei ole ominaista vain iloinen innostus. Hänen kvartetissaan tunnelmien ja tunteiden aste on erilainen - kevyistä sanoituksista surullisiin, jopa traagisiin tunteisiin.

Kvartetteissa Haydnin innovaatio on joskus jopa rohkeampaa kuin sinfonioissa. Huolimatta ensimmäisen viulun tärkeimmästä merkityksestä ylimmänä äänenä, kaikilla neljällä soittimella on melko itsenäinen rooli kokoonpanon kokonaisuudessa. Useissa teoksissa aiheiden toissijaisen toteuttamisen ja kehittämisen aikana esitellään kaikki neljä instrumenttia, joilla on melko aktiivinen rooli. Tämä antaa kvartettokudokselle spesifisen moniäänisyyden homofonisesti-harmonisesti, tekee koko musiikkikankaasta liikkuvan. Haydn käyttää kvartetteissaan myös mielellään erityisesti moniäänisiä muotoja. Siksi kvartettojen finaalit ovat joskus fugoja. Yleisesti uskotaan, että Beethoven otti ensimmäisenä fugaan kvartettigenreihin viimeisissä opusissaan. Mutta ilmeisesti Haydn teki sen ennen Beethovenia!

Joissakin hänen kvartetteissaan keskiosat järjestetään uudelleen, ts. Minuetti on toinen (eikä kolmas osa, kuten oli tapana), ja hidas osa on kolmannella sijalla, ennen finaalia. Tämä keskimääräisten osien uudelleenjärjestely johtuu syklin päätyosien luonteesta ja suunnittelussa esitetyistä näkökohdista, jotka liittyvät syklisen muodon taustalla olevaan kontrastiperiaatteeseen. Sinfonian genreissä kahden keskiosan uudelleenjärjestely suoritettiin ensin Beethovenin yhdeksännessä sinfoniassa.

Lisäksi "venäläisissä" kvarteteissa (nämä kvartetit oli omistettu Venäjän suuriruhtinas Paavalille, sitten valtaistuimen perilliselle) vuonna 1781 Haydn esitteli scherzo ja scherzando minuetin sijaan, mikä joissakin heistä on syklin toinen osa. Yleisesti hyväksytty näkemys siitä, että Beethoven esitteli sheratason ensimmäistä kertaa minuetin sijasta sherostoon, on totta vain suhteessa sinfonioihin ja sonaateihin, mutta ei kvartetteihin.

Haydnin lukuisat kvartetit, triat ja muut yhtyeet edustavat merkittävää, tärkeää ja taiteellisesti arvokasta osaa klassisen perinnön instrumentaalisen kamarimusiikin alalla.

Haydnin teoksessa tapahtuu klassisen viulun sonaatin ja viulukonserton muodostuminen.

Haydn onnistui syntetisoimaan ammatilliset ja kansanperinteet, esitteli musiikkiinsa kansan intonaatioita ja rytmejä.

Koska Haydn oli yksi Wienin klassisen koulun suurimpia edustajia, hän käytti musiikissaan laajalti ja muutti orgaanisesti itävaltalaista musiikillista kansanperinnettä täydellisesti ja monimuotoisesti yhdistelmällä erilaisia \u200b\u200bkansallisia elementtejä: eteläsaksa, unkari ja slaavi. Slaavilaisesta alkuperäteemasta Haydn käytti laajasti kroatian kansanteemoja. Usein hän kääntyi aitoihin kansanmusiikoihin, mutta useammin hän loi omat melodiansa kansanlaulujen ja tanssien hengessä.

Itävallan kansanperinne tuli niin syvälle Haydnin teokseen, että siitä tuli hänen "toinen luonteensa". Monet itse säveltämät melodiat

Haydn, tuli suosituksi ja laulai jopa ne, jotka eivät tienneet luojan nimeään.

Haydnin instrumentaalimusiikissa (soolo, kamari ja sinfoninen) sonata-sinfoninen sykli on saanut täydellisen ja täydellisen klassisen ruumiillistuman. Teoksen kaikki neljä osaa, jotka yhdistyvät yhdeksi taiteelliseksi käsitteeksi, ilmaisevat elämän erilaisia \u200b\u200bnäkökohtia. Yleensä ensimmäinen osa (sonata allegro) on dramaattisin, impulsiivisin; toinen osa (hidas) on usein lyyristen tunneiden, rauhallisen pohdinnan alue; kolmas osa (minuet) tuo esiin tanssin ilmapiirin ja yhdistää sonaattisümfonisen syklin 17-18-luvun tanssisarjaan; neljäs osa (lopullinen) sisältää genren ja arjen ja on erityisen lähellä kansanlaulu- ja tanssimusiikkia. Haydnin teosten musiikki on yleisesti luonteenomaista ja arkipäivää (eräitä poikkeuksia lukuun ottamatta), jakson kolmannen ja neljännen osan, mutta myös kahden ensimmäisen osan musiikki on täynnä tanssia ja laulun kirjoittamista. Mutta samaan aikaan jokaisella osalla on pääasiallinen dramaattinen tehtävä ja se osallistuu koko työn idean asteittaiseen kehittämiseen ja paljastamiseen.

W. A. \u200b\u200bMozart (1756 - 1791) syntyi kuuluisan muusikon, viulistin ja säveltäjän Leopold Mozartin perheeseen. Mozartin musiikillinen kyky ilmeni hyvin varhaisessa iässä, kun hän oli noin kolme vuotta vanha. Hänen isänsä Leopold oli yksi johtavista eurooppalaisista musiikinopettajista. Hänen teoksensa "Kovan viulukoulun kokemus" julkaistiin vuonna 1756, Mozartin syntymävuonna, käyden läpi monia painoksia ja käännetty monille kielille, myös venäjälle. Wolfgangin isä opetti tarkennuksen, viulun ja urun soittamisen perusteet.

Ensimmäiset tiedot Mozartin soittelusta viululla ovat 4-vuotiaita. Ensimmäinen viuluteos - 16 sonaattia viululle ja clavierille. Hän loi 6-7 konserttia viululle, konserttisymfonian viululle ja alttoviululle, konserttisonion kahdelle viululle, kahdelle konserttirondolle, Adagialle ja Andantelle, 35 viulusonaattia, kaksi duoa viululle ja alttoviululle, dueton kahdelle viululle, trioille, kvartetoille, divertisetteille ja muut kammoteokset.

Es-dur -konsertin aitous on edelleen epävarma. Viimeinen solo-viulukonsertti oli D-dur-konsertti, joka tunnetaan numerolla 7. Hän loi sen siskonsa syntymäpäivänä ja esitti sen ensimmäistä kertaa. Tämä oli yksi Mozartin viimeisistä julkisista esiintymisistä viulistina. Konsertin historia on epätavallinen. Lähes 130 vuoden ajan tämä työ oli tuntematon. Vuonna 1835 tehtiin nimikkeellä kopio Bayolle. Alkuperäinen katosi, ja vain Berliinin kirjastosta löytyi toinen kopio. Molemmat kopiot olivat melkein identtisiä, konsertin julkaisivat ja useat esiintyjät esittelivät sen ensimmäisen kerran vuonna 1907.

Mozartin teoksen erottuva piirre on hämmästyttävä yhdistelmä tiukkoja, selkeitä muotoja syvällä emotionaalisuudella. Hänen teoksensa ainutlaatuisuus perustuu siihen, että hän ei vain kirjoittanut kaikissa muodoissaan ja tyylilajeissaan, jotka olivat olemassa hänen aikakaudellaan, vaan myös jätti jokaisessa heistä kestävän arvon teoksia. Mozartin musiikki paljastaa monia yhteyksiä erilaisiin kansallisiin kulttuureihin (etenkin italialaisiin), mutta se kuuluu kuitenkin Wienin kansalliseen maaperään ja on leima suuren säveltäjän luovan persoonallisuuden leima.

Mozart on yksi suurimmista melodisteista. Sen melodia yhdistää itävaltalaisten ja saksalaisten kansanlaulujen piirteet italialaisen kantiilin melodisuuteen. Huolimatta siitä, että hänen teoksissaan on eroa runoutta ja hienovaraisuutta, ne sisältävät usein rohkean melodian, upeilla dramaattisilla paatosilla ja vastakkaisilla elementeillä.

W.A.Mozartin viuluteoksen merkitystä ei voida yliarvioida. Se vaikutti Wienin koulun, mutta myös muiden maiden säveltäjiin. Hänen teoksensa ovat esimerkki viulun tulkinnasta, esimerkki sen ilmaisukykyjen käytöstä. Mozartista tulee viulukonserton sinfonisoinnin linja, viulun virtuoosi taiteellinen käyttö konserttina.

1800-luvun toisen puoliskon instrumentaalimusiikin alalla Mozart, joka käytti ja tiivisti vanhemman sukupolven Mannheimin ja Wienin mestarien parhaita saavutuksia, mutta myös Haydnin luovan kokemuksen, saavutti korkeimmat huiput. Molemmat suuret säveltäjät kuuluivat eri sukupolviin, ja on luonnollista, että Mozart opiskeli taitojaan kehittäessään Haydnin teoksia, joita hän arvosti suuresti. Mutta Mozartin luova kehitys osoittautui paljon nopeammaksi kuin Haydnin kehitys, jonka parhaat teokset (Lontoon sinfoniat, viimeiset kvartetit, oratoriot) kirjoitettiin Mozartin kuoleman jälkeen. Siitä huolimatta Mozartin kolme viimeistä sinfoniaa (1788), samoin kuin jotkut hänen aikaisemmista sinfonioistaan \u200b\u200bja kamariteoksistaan, edustavat historiallisesti kypsempää eurooppalaisen instrumentalismin vaihetta kuin edes Haydnin viimeiset luomukset.

Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) Seuraava tärkein vaihe valaistumisen aikojen kamari-instrumentalisen yhtyeen tyylillisessä kehityksessä liittyy Ludwig van Beethovenin teokseen. Vuonna 1787 Wienissä hän vieraili Mozartissa ja sai hänet ihailemaan taiteitaan. Viimeisen Wieniin muuttamisensa jälkeen Beethoven parani säveltäjänä I. Haydnin kanssa. Nuorten Beethovenin konsertit Wienissä, Prahassa, Berliinissä, Dresdenissä ja Budassa olivat valtava menestys. Beethoven on saanut laajaa tunnustusta esiintyjänä ja säveltäjänä. 1800-luvun alussa hän oli kirjoittanut monille teoksille pianolle ja erilaisille kamari-instrumenttiyhtyeille.

Wienin klassisen koulun edustaja. Säveltäjä kirjoitti kaikissa hänen aikansa genreissä, mukaan lukien ooppera, baletti, musiikki dramaattisille esityksille, kuoroseokset. Mutta merkittävimmät hänen perintöstään ovat instrumentaaliteokset: piano, viulu ja sellosonaatit, konsertot pianolle, viulu, kvartetit, alkusoitot, sinfoniat

L. Beethoven kehitti Haydnin ja Mozartin seurauksena klassisen musiikin muotoja, tulkittaessaan pää- ja toissijaista osaa hän esitti kontrastin periaatteen vastakohtien yhtenäisyyden ilmaisuna. Beethoven omisti viulun ja alttoviulun. Yksi varhaisimmista sävellyksistä - viuluvariantit teemasta "Figaron avioliitto", nokturne alttoviululle ja pianolle. L. Beethovenin konsertto viululle ja orkesterille on viulukonsertin huippuosa maailman musiikkikulttuurissa. Beethoven loi joustaville jousille kolmen konserton viululle, sellolle ja pianolle orkesterin kanssa, kaksi romanssia viululle, kymmenen viulusonaattia (5. - "Kevät", 9. - "Kreutzerin"), viisi sonattia sellolle ja pianolle, muunnelmia sellolle ja pianolle (Handelin ja Mozartin teemoilla), 16 kvartettiä, kolmikkokokoelma viululle, sellolle ja pianolle. Ei voida muistaa L. Beethovenin sinfonista musiikkia: yhdeksän sinfoniaa, sinfonisia alkusoittoja "Coriolanus" ja "Egmont", jotka ovat päässeet tiukasti orkesterimusiikin ohjelmistoon.

Ludwig van Beethovenin instrumentaalisella ja ennen kaikkea sinfonisella teoksella on selkeä ohjelmallisuus. Beethovenin sankarillisten teosten pääsisältö voidaan ilmaista sanoilla: "Voittajataistelun kautta". Elämän ristiriitaisuuksien välinen murretaistelu taistelee Beethovenissa kirkkaana taiteellisena

ruumiillistuminen, etenkin sonaattimuodon teoksissa - sinfoniat, alkusoitot, sonaatit, kvartetit jne. Ludwig van Beethoven kehitti laajasti sonaattin periaatetta, joka perustuu vastakohtien ja vastakkaisten aiheiden kehittämiseen sekä yksittäisten aiheiden ristiriitaisiin elementteihin. Verrattuna Beethovenin välittömien edeltäjien Wienin klassisen koulun edeltäjiin - W. A. \u200b\u200bMozartiin ja J. Haydniin - Beethovenin sinfoniat ja sonaatit erottuvat laajasta rakentamistavastaan. Pääteemamateriaalia käydään intensiivisesti laajennettuna, muoto osien välinen yhteys syventyy, vastakkaisten jaksojen väliset ristiriidat muuttuvat entistä akuutimmiksi. , teemoja. Beethoven eteni Haydnin hyväksymästä orkesterikoostumuksesta ja laajensi sitä vain hiukan, mutta samalla hän saavutti orkesterin äänen valtavan voiman, kirkkaat kontrastit. Ludwig van Beethoven muutti vanhan minuetin, joka oli osa sinfonioita ja sonaatteja, scherzoksi, antaen tälle "vitsille" laajan ilmaisuvälin - voimakkaasta kuohuviinihahmosta (3. sinfonia) ahdistuksen ja huolen ilmaisuun (5. sinfonia). Erityinen rooli on annettu sinfonioiden finaaleille ja koodeille (päätelmille) alkusoituksissa, sinfonioissa ja sonaateissa; niiden tarkoitus on ilmaista voittavia tunteita.

Beethovenin teos on yksi huippua maailmantaiteen historiassa. Koko hänen elämänsä ja teoksensa puhuu säveltäjän titaanisesta persoonallisuudesta, joka yhdisti neroisen musiikillisen lahjakkuuden epulienttiin, kapinalliseen temperamenttiin, jolla on rauhoittava tahto ja kyky valtavaan sisäiseen keskittymiseen. Korkea ideologia, joka perustuu tietoisuuteen julkisesta velvollisuudesta, oli Beethovenin tunnusmerkki kansalaismuusikkona. Beethoven, joka oli Ranskan vallankumouksen nykyaikainen edustaja, esitti teoksessaan tämän aikakauden suuria suosittuja liikkeitä, niiden edistyneimpiä ideoita. Vallankumouksellinen aikakausi määritteli Beethovenin musiikin sisällön ja innovatiivisen suunnan. Vallankumouksellinen sankaruus heijastui yhteen Beethovenin tärkeimmistä taiteellisista kuvista - kamppaileva, kärsivällinen ja lopulta voittoisa sankarillinen persoonallisuus.

Todellinen uudistaja, päättäväinen taistelija, hän ruumiillisti rohkeita ideologisia käsitteitä yllättävän yksinkertaisessa, selkeässä musiikissa, joka oli saatavilla kuulejien laajimmille piireille. Aikakaudet, sukupolvet vaihtuvat, ja Beethovenin kuolematon musiikki herättää ja ilahduttaa edelleen ihmisten sydäntä.

MBU DO "Simferopol District Lastenkoulu"

kolchuginon sivuliike

raportti

aiheesta: "Kamarimusiikin tyyli klassisten säveltäjien teoksissa "

Valmistaja: saattaja

Firsova Natalia Alexandrovna

2015

Kamarimusiikin tyyli klassisten säveltäjien teoksissa

Kamarimusiikkimusiikki on aina ollut hienovarainen, reagoiva ja reagoiva nykyajan kaikkiin ilmiöihin: vallankumouksiin (sosiaalisiin ja kulttuurisiin), globaaleihin sosiaalisiin ja poliittisiin tapahtumiin, tieteelliseen ja tekniseen kehitykseen, uusien suuntausten ja suuntausten syntymiseen eri taiteen aloilla. XXI-vuosisata ei ollut poikkeus. Tässä vaiheessa yksi nykyaikaisen kamarimusiikkimusiikin pääsuuntauksista on synteesi sanan laajimmassa merkityksessä: taiteiden synteesi, musiikin eri tyylilajien ja suuntojen synteesi - eli synteesi vuoropuhelun ja musiikin joustavuuden merkityksessä

tilaa.

Erityisyytensä takia musiikkityylinä, joka vetoaa ensinnäkin kuuntelijan ja säveltäjän sisämaailmaan, juuri tämä genren alue pystyi majoittamaan melkein kaiken laajan valikoiman sekä menneisyyden että uuden ja viimeaikaisen ajan filosofisia ja esteettisiä käsitteitä, minkä ansiosta voimme syventää musiikillisen taiteen yhteys psykologiaan, kaiken sen monimutkaisuuden, monimuotoisuuden ja joissakin tapauksissa epäselvyyden kanssa, löytää kuuntelija, asiantuntija, esiintyjä

Kamarimusiikin alkuperä juontaa juurensa keskiaikaan. Termi "kamarimusiikki" hyväksytään vuonna 2003xvi- XVII vuosisatojen ajan, ja tämä termi esiintyi ensimmäistä kertaa vuonna 1635 italialaisen säveltäjän Joe Arrigonin kokoelmassa. Kirkko- ja kamarimusiikin välinen ero hahmotettiin laulugenreissä 1500-luvun puolivälissä. Varhaisimmat tunnetut esimerkit kamarimusiikista "L" anticamusicaridottaallamoderna "Nicolo Vicentino (1555), Venetsiassa, G. Arrigoni julkaisi laulu" Concertidacamera ". 1700-luvulla nimeä "kamarimusiikki" laajennettiin instrumentaalimusiikkiin. Alun perin kirkko- ja kamarimusiikkimusiikki eivät eronneet tyyliltään: niiden väliset tyyliset erot syntyivät selvästi vasta 1800-luvulla. I. I. Kvants kirjoitti kamarimusiikista vuonna 1752 vaatii ”enemmän animaatiota ja ajatteluvapautta kuin kirkkotyyli”. Korkein instrumentti oli syklinen sonata (sonatadacamera), joka muodostettiin tanssisarjan pohjalta. - solo-sonaatit (ilman mukana tai bassokontinon mukana) Klassiset esimerkit triosonaateista ja sooloista ( bassocontinuo) -sonaatit loi A. Corelli. XVII-XVIII vuosisatojen vaihteessa. syntyi konsertogrosso-tyylilaji, aluksi jaoteltuna myös kirkko- ja kamarimuotoihin. Esimerkiksi A. Corellissa tämä jako on hyvin selvä - hänen luomastaan \u200b\u200b12 konserttisigrossiista (op. 7) 6 on kirjoitettu kirkkotyyliin ja 6 - kamarityyliin. Ne ovat sisällöltään samanlaisia \u200b\u200bkuin hänen omat sonaattinsa dachiesa ja dacamera. Vuoden XVIII vuosisadan puoliväliin mennessä. Jako kirkon ja kamarin tyylilajeihin on vähitellen menettämässä merkitystään, mutta kamarimusiikin ja konserttimusiikin (orkesterin ja kuoron) välinen ero tulee yhä selvemmäksi.

XVIII vuosisadan puolivälissä. J. Haydnin, K. Dittersdorfin, L. Boccherinin, W. A. \u200b\u200bMozartin teoksissa muodostettiin instrumentaalisen yhtyeen klassiset tyypit - sonaatit, trio, kvartetti jne.

Rikkaiden ilmeikkäiden mahdollisuuksiensa vuoksi instrumenttiyhtye (etenkin jousikvartetto) herätti melkein kaikkien säveltäjien huomion ja siitä tuli eräänlainen sinfonisen genren "kamarihaara". Siksi yhtye heijastaa kaikkia 17–20-luvun musiikkitaiteen tärkeimpiä suuntauksia. - klassicismista (J. Haydn, L. Boccherini, W. A. \u200b\u200bMozart, L. van Beethoven) ja romantiikkaan (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann jne.) ultramoderneihin abstraktionistisiin suuntauksiin. 1800-luvun jälkipuoliskolla. I. Brahms, A. Dvořák, B. Smetana, E. Grieg, S. Frank loivat erinomaisia \u200b\u200besimerkkejä kamarimusiikista. - K. Debussy, M. Ravel, M. Reger, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok, B. Britten ja muut.

Venäläiset säveltäjät antoivat valtavan panoksen kamari- ja instrumentaalimusiikkiin. Venäjällä kamarimusiikin leviäminen alkoi 70-luvulla. XIX luvulla. Ensimmäiset soittokokonaisuudet kirjoitti D.S.Bortnyansky. Kamarimusiikkia kehittivät edelleen A. A. Alyabyev ja M. I. Glinka, ja ne saavuttivat korkeimman taiteen tason. taso P. I. Tchaikovsky ja A. P. Borodin teoksissa: heidän kamariteoksilleen on ominaista korostunut kansallinen sisältö, psykologisuus. Paljon huomiota kiinnitettiin A. K. Glazunovin ja S. V. Rachmaninovin kamariyhtyeeseen, ja S. I. Taneeville siitä tuli tärkein luovuuden tyyppi. Neuvostoliiton säveltäjien kamarimusiikkiväestö on poikkeuksellisen rikas ja monimuotoinen: sen päälinjat ovat lyyris-dramaattinen (N. Ya. Myaskovsky), traaginen (D. D. Shostakovich), lyyrinen-eepos (S. S. Prokofiev), A. I. Khachaturyan ja folk-genre.

On syytä palauttaa mieliin, että moderni kamarimusiikkimusiikki on mennyt läpi kolmen muodostumisen ajanjakson:

ensimmäinen ajanjakso 1450-1650, jolle oli ominaista muiden perheiden alttoviulujen ja soittimien sovitustekniikan kehittäminen, puhtaasti instrumentaalimusiikin asteittainen erottaminen vapaiden tyylien jatkuvan ylivallan kanssa. Tämän ajanjakson jäljellä olevista teoksista, jotka on kirjoitettu etenkin instrumentaalikoostumuksille, joissa ei ole ääntä, ovat Orlando Gibbonsin (1610) fantasiat ja canzones, Giovanni Gabrielin (1615) sonaatit;

toinen ajanjakso 1650-1750 leimasi triosonaattien genre (yleensä ne sävellettiin kahdelle viululle ja sellolle, jonka klarnissa oli harmoninen perusta) ja muihin yhtyeisiin, sekä instrumentteihin että ääniin, joihin välttämättä liittyi ns. digitaalinen basso (soinnut) näppäimistö. Trion mestarien joukossa ovat tämän ajanjakson sonatit - ArcangeloCorelli, Henry Purcell, G. Handel;

Kolmas ajanjakso vuodesta 1750 nykypäivään, hallitsee jousikvartetto, joka koostuu kahdesta viulusta, alttoviulusta ja sellosta.

Nykyään kamari-instrumentalimusiikkia suorittavat yleensä kamariyhtyeet seuraavassa yhdistelmässä:

Sooloinstrumentti (kieli tai puhallin) ja piano;

Pianoduetta (kaksi pianoa tai pianoa neljä kättä);

Jousetrio (viulu, alttoviulu ja sello); pianotrio (viulu, sello ja piano);

Jousikvartetto (kaksi viulua, alttoviulu ja sello);

Piano kvartetti (viulu, alttoviulu, sello ja piano);

Jousikvintetti (jousikvartetto plus alttoviulu ja / tai sello);

Pianokvinteti (piano plus jousikvartetto) ja muut.

Koko XVIII vuosisadan. siellä tapahtui nopea kehitysinstrumentaalinen esiintymiskulttuuri... Kamarimusiikin kehitys vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla liittyi kutsuttujen ulkomaalaisten muusikoiden esiintymiseen, jotka opettivat Venäjän aristokraatteja. Siten instrumentalismi levisi eliittiympäristössä. 80-90-luvulla. ensimmäiset esimerkit venäläisestä kamarimusiikkimusiikista ilmestyvät: Venäläiset muusikot kehittävät soolosonaatin, variaatioiden ja kamariyhtyeen genrejä. Musiikin henkinen sisältö ilmenee instrumentaalipiirillä. Pietarin I aikakaudella Venäjän instrumentalimusiikki alkaa elpyä, mutta jo vahvan länsimaisen vaikutuksen alaisena.

Kameran instrumentaalimusiikin nykytaiteen lajit muodostuivat lopulta Wienin klassikoiden teoksista - J. Haydn, W. A. \u200b\u200bMozart, L. van Beethoven. Tämä on sonaatti, trio, kvartetti, kvintetti, yhtyeet, joissa joussoittimille annetaan suuri paikka.

Kamarimusiikkimusiikki absorboi muiden musiikillisen luovuuden muotojen tyyliset piirteet. Jo L. van Beethoven sinfonisoi monin tavoin kvartettinsa, teki niistä kunnianhimoisempia sekä muodon että sisällön suhteen. Ja hänen kuuluisa "Kreutzer-sonaattinsa" viululle ja pianolle on todella sinfoninen teos tunteellisessa voimakkuudessaan, musiikkikuvien monumentaalisuudessa. Romanttisten säveltäjien F. Schubertin, F. Mendelssohnin, R. Schumannin, I. Brahmsin teoksissa lyyrinen periaate (etenkin pienoiskoossa) oli epätavallisen vahva (F. Mendelssohnin ”Laulut ilman sanoja”).

Venäläisten säveltäjien teoksissa kamarimusiikin genrejä tulkittiin hyvin omituisella ja syvästi kansallisella tavalla. Elementit venäläisestä kansanäänestäpolyfoniamuuttuivat orgaanisesti ja luonnollisesti itsensä A. P. Borodinin ja A. K. Glazunovin kvartetteihin, P. I. Tchaikovskyn trioihin ja kvartetteihin. P. I. Tchaikovsky loi suhteellisen pienen määrän teoksia instrumenttiyhdistelmille: kolme jousikvartettoa (ei lasketa yhtä varhaista, kirjoitettu konservatorion opiskeluvuosina eikä saanut sarjanumeroa), jotka tekijä on luonut viiden vuoden aikana (1871-1875). , pianotrio ja jousi-sekstetti. Toisessa kvartetissa, joka muuten oli yksi kirjailijan suosikkiteoksista, yhdistyvät myös kansanlaji ja henkilökohtaiset lyyriset periaatteet.

Kaudella 1900-1917 Venäjällä instrumentalimusiikki herätti venäläisten säveltäjien tarkkaa huomiota. Voimme sanoa, että hän ei ole koskaan ennen ollut niin merkittävässä paikassa heidän työssään. A. Glazunov, S. Taneev, S. Rachmaninov, A. Scriabin, A. Lyadov, A. Arensky, S. Lyapunov, N. Medtner, aloittelija S. Prokofiev luovat valtavan määrän instrumentaaliteoksia, jotka hämmästyttävät rikkaudestaan, tyylillisyydestään ja tyylilajistaan. Ensinnäkin on huomattava konserttigenren kehitys, joka jopa alkoi tulla esiin joidenkin säveltäjien keskuudessa "puristamalla" sinfoniaa (S. Rachmaninovin, S. Prokofjevin pianokonsertot). Tällä hetkellä ei ollut paljon viulukonsertteja.

Aikajärjestysluettelo avataan AS Arensky (1901) -konsertilla, jossa jatketaan PI Tchaikovsky -perinteitä; sitä seurasivat A. K. Glazunovin (1904) ja S. M. Lyapunovin (1915) konsertit. M. A. Balakirevin ja A. K. Glazunovin vaikutus heijastui viimeksi mainitun työssä.

Kronologisesti tämän ajanjakson venäläisen viulukonserton kehittäminen saadaan päätökseen S. Prokofjevin ensimmäisellä konsertolla viululle ja orkesterille (1915-1917). Suuren konserttisuunnitelman - Sviitti viululle ja orkesterille (1909) - kirjoitti S.I.Taneev. Pienellä määrällä edellä mainituista sävellyksistä on aitoja mestariteoksia - A. Glazunovin konsertto, S. Prokofjevin ensimmäinen konsertto, jotka sisältyvät maailman viuluklassikkojen kultaiseen rahastoon. 1900-luvun ensimmäiset vuosikymmenet olivat Venäjän sonaattien kukoistuspäivä, pääasiassa pianolle.

Lisäksi kirjoitettiin paljon sonaatteja viululle ja pianolle, vaikka niiden joukossa ei ollut niin merkittäviä ilmiöitä kuin A. Scriabinin tai S. Prokofjevin pianosonaatit. Suurimmalla osalla tämän ajanjakson viulusonaateista ei ole innovatiivista luonnetta, joka jatkaa passiivisesti venäläisten klassikoiden perinteitä, lisäksi epigone-akateemisessa merkityksessä. Tällainen on C. A. Cui (1911) -sonaatti, joka ei tuolloin tuottanut mitään vastausta; sellaisia \u200b\u200bovat "Belyaevites" -sonaatit - VI Malishevsky, AA Winkler, joissa jotkut houkuttelevat sivut eivät riko "akateemisen" hyvinvoinnin ja tyylillisen sileyden kokonaiskuvaa.

Nämä ovat reheviä, mutta vähän alkuperäisiä sävellyksiä, joissa kansallisuuden ja tyylin suhteen neutraalit teemat ovat vallitsevia, vaikka myös venäläiset intonaatiot liukuvat läpi. AF Gedike'n viulusonaatti eroaa selvästi beljajeviittien työstä "Bach" -alkua. L. V. Nikolaevin melodisesti miellyttävä sonaatti saavutti suhteellisen suuren suosion viulistien keskuudessa (joka selvisi Neuvostoliitossa).

Tämän genren viuluteoksista tulisi erottaa erityisesti herkän ja hienostuneen taiteilijan G. V. Catoiren kaksi sonaattia. G. Catoiren teoksen juuret ovat P. Tchaikovskyn, S. Tanejevin, A. Glazunovin musiikissa hassu yhdistelmänä impressionistien ja A. Scriabinin tyylillisten elementtien kanssa. Grandsonaatti viululle ja pianolle, op. 15 G. Catoirea, jossa on levitetty runo I -osa, jonka on kirjoittanut "Barcarole", ja impressionistista finaalia (fantastisia "ups") tulisi arvioida yhtenä huipusta kyseisen aikakauden venäläisen viulusonaatin genren kehittämisessä.

MF Gnesinin sonaatissa on synkkä subjektivistinen sävy, jossa juutalaisten kansanlaulun intonaatiot annetaan hienojen kromattujen harmonioiden puitteissa. Yksi parhaista venäläisistä viulusonaateista - Sonata op. 21 h-moll (1909-1910), kirjoittanut N. K. Medtner. Pienet muodot kehittyvät melko paljon, mutta niissä, tyyli- ja tyylimuotoisuuden kannalta, viulukirjallisuus on huomattavasti alempaa kuin pianokirjallisuutta. Pääosin siinä on lyyriset ja tyylilajien näytelmät - romanssit, elegiat, "heijastukset", "unelmat", mazurkat ja valssit, toisinaan ripaus intiimejä sanoituksia ja salonki.

Lyyrisesti ja tyylilajeittain, taipumuksella romanssimelodioihin, A. Arenskyn "Presdelaier" -soittelut, 6 luonnoksia viululle ja pianolle, A. T. Grechaninovin "Lullaby", "Reflection", "Regrets" - op. 9, 1895, F. Akimenko "Lullaby", 1902, J. Vitola "Kaksi kappaletta", "Romanssi", Sviitti S. Barmotin "Prelude", "Pikku runo", "Lullaby", "Scherzando", "Ecloga", "Mazurka", "Elegy", "itämainen kuva", "pieni valssi". Taiteellisesti merkittävimmät pienmuodolliset viuluteokset kuuluvat A. K. Glazunoville, nämä ovat "Meditaatio" ja "Mazur-oberek", jotka ovat tekijän itse järjestämät sekä viululle ja orkesterille. "Meditaatiosta" tuli ohjelmistokappale, joka esiintyi viulistien konserteissa.

N. K. Medtner kirjoitti useita viulukappaleita: 3 nokturia (op. 16, 1907), 2 tykistöä (op. 43, 1924).

Suurin osa 1900-luvun alun venäläisistä säveltäjistä osoitti kunnioitusta kamariyhtyeiden tyylilajeille, ja joillekin kammarimusiikista tuli tärkein luovuuden muoto (S. I. Tanejev). Samanaikaisesti on syytä huomauttaa, että juuri instrumenttiyhtyeen alalla 1800-luvun venäläisten klassikoiden perinteet osoittautuivat erityisen pysyviksi ja ehkä akateemisuuden suuntaukset ilmestyivät erityisen voimakkaasti.

Lukuun ottamatta A. Glazunovia, kaikki Beljajev-piirin säveltäjien työ oli erittäin akateemista. Tätä musiikkialuetta eivät pitäneet uudet suuntaukset. Lähes poikkeus oli I. F. Stravinskyn (1914) kolme kappaletta jousikvartetolle. Kamariyhdistelmälajityypit houkuttelivat monia Beljajev-piirin säveltäjiä. Tämän ajanjakson kamarikirjallisuus osoitti P. Tšaikovskyn voimakkaita vaikutteita. Ne ovat hyvin havaittavissa AS Arenskyssa 2 kvartetissa ja 2 pianotriossa. Ensimmäinen pianotrio (1894) oli erityisen suosittu, kiehtoen romanttisella melodiallaan ja elegiakkisilla tunnelmillaan.

Tähän saakka yksi laajimmin teoksissa käytetyistä teoksista on edelleen S. V. Rachmaninoffin Elegiac-trio nro 2 (d-moll), joka on omistettu P. I. Tšaikovskin (1893) muistoon. Rachmaninov antoi sille erittäin lähellä Tšaikovskin pianotrioa. Nykyaikainen kamarimusiikkimusiikki on ideologisesti ja taiteellisesti merkitykseltään melko verrattavissa sinfoniseen musiikkiin; sinfonia kuitenkin osoittautuu usein olevan lähellä kamarigeenejä, kuten esimerkiksi D. D. Shostakovichin 14. ja 15. sinfonia.

Kamarimusiikkimusiikki on tarkoitettu pienelle näyttelijälle. Sille on luonteenomaista huomio ihmisen sisäiseen maailmaan, toisin kuin monien sinfonisen genren pyrkimysten yleistävä ilmaus. Sinfonian monumentaalisuus, instrumentaalikonsertin korostavasti vaikuttava virtuoosisuus ovat kamarimusiikille periaatteessa epätyypillisiä. Pikemminkin päinvastoin, se erottuu ilmeikkäiden taloudellisuudesta, jolla on yksittäisten puolueiden suuri riippumattomuus ja jokaisen yhtyeen jäsenen luova toiminta. Alun perin kamarimusiikki oli tarkoitettu kapealle kuuntelijaryhmälle ja sitä soitettiin usein kotona, myöhemmin pienissä erityisissä konserttisalissa.

Kamarimusiikki edellyttää instrumentaation hallitsevaa toimintoa, tiettyä osuutta virtuoosisuudesta, jonka takia tyylilajien sisäiset tyylisuunnat saavat toisinaan vain tilaussuunnan suhteessa tärkeimpiin kvantitatiivisiin parametreihin.

Nykyaikainen kamarimusiikkimusiikki on ideologisesti ja taiteellisesti merkitykseltään tullut melko verrattavissa sinfonisen musiikin kanssa; sinfonia osoittautuu usein olevan lähellä kamarilajeja, mikä näkyy selvästi M. Khalitovan teoksissa.

Itä-Euroopan musiikissa, ja nykyään siihen voidaan liittää krimin tatarilainen musiikki, samoin kuin kansallisten säveltäjäkoulujen muodostumisen yhteydessä, kamarigenreiden sopeutuminen kansallisiin perusteisiin on ilmennyt aktiivisemmin viime vuosisadan puolivälistä nykypäivään. Siksi kamarimusiikin perinteiset tyylilajit on säilytetty täällä pidemmän aikaa, ja siksi kiinnostus klassiseen kamariyhtyeeseen, kuten esimerkiksi M. Khalitovan teoksiin: konsertti "Ashyk-nimi", konsertti trumpetille ja orkesterille "Demerdzhin jalka", "Epitaph for sello ja orkesteri ”ja muut.

Pienestä koostaan \u200b\u200bja vain 32 näppäimestä huolimatta Casio SA-46 -syntetisaattori ei ole pelkästään lelu, vaan täydellinen soitin aloittelijoille. Ensinnäkin siinä on vankka 8-nuotinen moniääni ja erinomainen ääni kaikista 100 sisäänrakennetusta äänestä ja 50 tyylistä. Ja toiseksi, tämän mallin mininäppäimistö on täydellinen lasten sormille.

4690 hieroa

Muistikirja muistiinpanoille 16l. RHYTHM JAZZ / A4 (205 * 280 mm), yksivärinen lohko, offset 65 g, täysvärinen. kannet, offsetpaperi 120 g. Kiinnitys - niitti pitkällä sivulla /

27 hieroa

Pienestä koostaan \u200b\u200bja vain 32 näppäimestä huolimatta Casio SA-47 -syntetisaattori ei ole pelkästään lelu, vaan täydellinen soitin aloittelijoille. Ensinnäkin siinä on vankka 8-nuotinen moniääni ja kaikki 100 sisäänrakennettua ääntä ja 50 tyyliä. Ja toiseksi, tämän mallin mininäppäimistö on täydellinen lasten sormille.

Yksi painallus suosikkisävystäsi: pianon / urun kytkinpainike antaa sinulle nopean äänivalinnan. Vaihda painamalla vain painiketta.

Laaja 100 äänen ohjelmisto tarjoaa erinomaisen laadun.

Melodioita jokaiseen makuun: 100 oppimisen melodiaa avulla voit hallita erilaisia \u200b\u200btyylejä.

Selkeä ja käyttäjäystävällinen: LCD-näyttö tarjoaa nopean pääsyn kaikkiin instrumentin toimintoihin.

Valitse oikea rytmi. Rummutyynyt ovat loistava johdanto digitaalisen rumpumaailman maailmaan. Viisi painiketta yhdellä rummulla tai lyömäsoittimilla helpottavat rytmin soittamista ja sallivat sinut solaamaan yhdellä kosketuksella.

Kyky sammuttaa melodia on tehokas tapa hallita oikea käsi. Opiskeluun tarjotaan 10 sävellystä.

4690 hieroa

44-näppäiminen Casio SA-76 -syntetisaattori tarjoaa kaikille aloittelijoille ainutlaatuisen musiikkikokemuksen. 100 ääntä, 50 tyyliä, sisäänrakennetut sävellykset oppimiseen, uusin ääniprosessori, jolla on vakava 8-nuotinen moniäänitys tällaisille syntetisaattoreille, sekä LCD-näyttö, jonka avulla ymmärrät 2-riviset merkinnät ensimmäisistä vaiheista - kaikki tämä tekee soittimesta erinomaisen avustajan aloitteleva muusikko.

Yksi painallus suosikkisävystäsi: pianon / urun kytkinpainike antaa sinulle nopean äänivalinnan. Vaihda painamalla vain painiketta.

Laaja 100 äänen ohjelmisto tarjoaa erinomaisen laadun.

Melodioita jokaiseen makuun: 100 oppimisen melodiaa avulla voit hallita erilaisia \u200b\u200btyylejä.

Selkeä ja käyttäjäystävällinen: LCD-näyttö tarjoaa nopean pääsyn kaikkiin instrumentin toimintoihin.

Valitse oikea rytmi. Rummutyynyt ovat loistava johdanto digitaalisen rumpumaailman maailmaan. Viisi painiketta yhdellä rummulla tai lyömäsoittimilla helpottavat rytmin soittamista ja sallivat sinut solaamaan yhdellä kosketuksella.

Kyky sammuttaa melodia on tehokas tapa hallita oikea käsi. Opiskeluun tarjotaan 10 sävellystä.

Kaiuttimet: 2 x 0,8 W

Virtalähde ei kuulu toimitukseen.

5890 hieroa

Ernie Ball Hybrid Slinky -sarja on täydellinen yhdistelmä Super Slinky- ja Regular Slinky -kieliä. Näitä kieliä voidaan käyttää myös elektroakustisissa kitaroissa. Ernie Ball -langat valmistetaan korkeimpien laatustandardien ja valmistusprosessitekniikan mukaisesti niiden lujuuden, luotettavuuden ja kestävyyden varmistamiseksi.

Ernie Ball Hybrid Slinky on teräs kuusiokseli, jossa on niklattu teräskääri. Jouset on valmistettu erityisen kovetetusta korkeahiiliteräksestä, joka tarjoaa tasapainoisen äänentoiston ja vapauttaa soittimen ominaisuudet täysin.

Ydin: teräs

499 hieroa

Ernie Ball Reinforced Plain (RPS) -sarja on vahvistettu versio Slinky-jousista. Kolmessa ensimmäisessä kielissä on erityinen pronssikäämi, joka varmistaa pallojen kiinnityksen kiertymisen - tämä estää niitä kelautumasta, mikä on valitettavasti melko yleistä. Kolme viimeistä kielet ovat ominaisuuksiltaan samanlaisia \u200b\u200bkuin nikkelihaavasarjan jouset. Hybridi Slinky RPS -nikkelihaavalangat on valmistettu erityisesti suunnitelluista materiaaleista, joten ne ovat riittävän sitkeitä kestämään murtumista, mikä puolestaan \u200b\u200btakaa niiden kestävyyden. Ja tämä kaikki ei vahingoita Ernie Ball -kielisten allekirjoituskykyisen kirkkaan ja rikkaan äänen vaikutusta, sillä ne auttavat muusikoita ympäri maailmaa luomaan oman ainutlaatuisen luovan tilan.

Jousimittari: 9-11-16-26-36-46
Käämitys: nikkelipinnoitettu teräs
Ydin: teräs

602 hieroa

Alkuperäiset instrumentit Komplete Audio 6 sisältää kaiken mitä tarvitset musiikin nauhoittamiseen, soittamiseen ja esittämiseen. Suhteellisen pienessä, kestävässä metallikotelossa on neljä analogista I / O, digitaalinen I / O. Kaksi mikrofonituloa

Todennäköisesti kaikki eivät ole välinpitämättömiä musiikin suhteen. Se seuraa ihmiskuntaa erottamattomasti, on mahdotonta määrittää tarkalleen milloin ihminen oppi havaitsemaan sen. Todennäköisesti tämä tapahtui, kun esi-isämme, joka yritti ilmaista tunteitaan, iski lattialle. Siitä lähtien ihminen ja musiikki ovat erottamattomasti yhteydessä toisiinsa, nykyään sen genrejä, tyylejä ja suuntauksia on monia. Tämä on kansanperinne, henkinen ja lopulta klassinen instrumentalisti - sinfoninen ja kamarimusiikki. Melkein kaikki tietävät, mikä tämä suunta on, kuinka kamarimusiikki on olemassa, mutta mitkä sen erot ja piirteet ovat - vähän. Yritetään selvittää se myöhemmin artikkelissa.

Kamarimusiikin historia

Kamarimusiikin historia juontaa juurensa keskiaikaan. 1500-luvulla musiikki alkoi mennä kirkkojen ulkopuolelle. Jotkut kirjoittajat alkoivat kirjoittaa teoksia, jotka esitettiin kirkon seinien ulkopuolella, pienelle tuntijaryhmälle. On huomattava, että aluksi nämä olivat vain ääniosia, ja kamarin instrumentalimusiikki ilmestyi paljon myöhemmin. Mutta ensin ensin.

Kamarimusiikki kiehtoo. Että tämä nimi tulee italialaisesta sanasta camera ("huone"), luultavasti kaikki muistavat. Toisin kuin kirkko- ja teatterimusiikki, kamarimusiikin oli alun perin tarkoitus esitellä pienessä ryhmässä kapealle kuuntelijaryhmälle sisätiloissa. Esitys tapahtui pääsääntöisesti kotona ja myöhemmin pienissä konserttisalissa. Kamarimusiikkimusiikki saavutti suosionsa huipussaan 18-18-luvulla, kun samanlaisia \u200b\u200bkonsertteja pidettiin varakkaiden talojen kaikissa olohuoneissa. Myöhemmin aristokraatit esittelivät jopa muusikoiden kokopäiväisiä tehtäviä.

Kamarimusiikkikuvat

Alun perin kamarimusiikkia oli tarkoitus esitellä pienen joukon ihmisten edessä, jotka olivat sen tuntijoita ja asiantuntijoita. Ja huoneen, jossa konsertti pidettiin, koko antoi esiintyjille ja kuulijoille tiiviin yhteyden toisiinsa. Kaikki tämä loi ainutlaatuisen kuulumisilmapiirin. Ehkä siksi tällaiselle taiteelle on ominaista korkea kyky löytää lyyrisiä tunteita ja erilaisia \u200b\u200bihmisen kokemusten vivahteita.

Kamarimusiikin genret on suunniteltu mahdollisimman tarkasti välitykseen lakonisilla, mutta samalla huolellisesti varmennetuilla tavoilla. Toisin kuin missä osat suoritetaan instrumenttiryhmillä, tällaisissa teoksissa osa kirjoitetaan jokaiselle instrumentille ja ne kaikki ovat käytännössä yhtä suuret.

Kamarimusiikkiteatterityypit

Historiallisen kehityksen myötä myös kamarimusiikki kehittyi. Se, että tällaisella suunnalla olisi joitain erityispiirteitä esiintyjiin nähden, ei vaadi todisteita. Nykyaikaisia \u200b\u200binstrumenttiyhtyeitä ovat:

• duetot (kaksi esiintyjää);
• trio (kolme jäsentä);
• kvartetit (neljä);
• kvinteet (viisi);
• sukupuolet (kuusi);
• septetit (seitsemän);
• oktetit (kahdeksan)
• ei mitään (yhdeksän);
• desimettejä (kymmenen).

Lisäksi instrumentaalikoostumus voi olla hyvin monipuolinen. Se voi sisältää molemmat jouset, ja vain jouset tai vain tuulet voidaan sisällyttää yhteen ryhmään. Ja siellä voi olla sekoitettuja kamariryhmiä - piano sisältyy erityisen usein niihin. Yleensä heidän sävellys rajoittuu vain yhteen asiaan - säveltäjän mielikuvitus, ja se on useimmiten rajaton. Lisäksi on olemassa kamariorkestereita - enintään 25 muusikon ryhmiä.

Instrumentaaliset kamarimusiikkilajit

Kamarimusiikin nykylajilajit syntyivät sellaisten suurten säveltäjien teosten vaikutelmassa, kuten W. A. \u200b\u200bMozart, L. Beethoven, I. Haydn. Juuri nämä mestarit loivat teoksia, jotka olivat ylittämättömiä sisällön ja emotionaalisen syvyyden parantamiseksi. Sonaateilla, duettoilla, trioilla, kvarteteilla ja kvintetoilla kunnioitettiin kerran 1800-luvun tunnetuimpia romantiikoita: F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Schubert, F. Chopin. Lisäksi instrumentalisten miniatyyrien (nocturnes, intermezzo) genre saavutti tuolloin valtavan suosion.

Siellä on myös kamarikonsertteja, sviittejä, fuusioita, kantaatteja. Jo 1700-luvulla kamarimusiikin genret olivat hyvin erilaisia. Lisäksi ne ottivat huomioon muiden trendien ja tyylien tyylit. Esimerkiksi L. Beethovenin halu siirtää sellaisen ilmiön kuin kamarimusiikin rajat niin selvästi jäljittää, että Kreutzer-sonaatin kaltainen teos ei ole monumentalistisuudestaan \u200b\u200bja tunneherkkyydestään millään tavalla huonompi kuin sinfoninen luominen.

Laulukamarimusiikkilajit

Laulukamarimusiikki sai 1800-luvulla valtavan suosion. Uusia taidelaulun ja romanssin genrejä palkittiin, kuten R. Schumann, F. Schubert, I. Brahms. Venäläiset säveltäjät ovat antaneet korvaamattoman panoksen kamarimusiikkiteosten maailmankokoelmaan. M. I. Glinkan, P. I. Tšaikovskyn, M. P. Mussorgsky, M. A. Rimsky-Korsakovin upeat romanssit eivät jätä ketään välinpitämättömäksi vielä tänäkin päivänä. Pienten kappaleiden lisäksi siellä on myös kamaroopperan tyyli. Se merkitsee pienen määrän esiintyjien läsnäoloa eikä vaadi tuotannolle tilaa.

Kamarimusiikki tänään

Tietysti tänään ei käytännössä ole taloja, joissa, kuten aiempina vuosisatoina, kamariyhtyeet leikkivät rajoitetun joukon ihmisten ympäröimänä. Toisin kuin nykyiset stereotypiat, tämä suunta on kuitenkin edelleen erittäin suosittu. Urku- ja kamarimusiikin salit ympäri maailmaa kokoavat miljoonia klassisten säveltäjien ja nykyaikaisten kirjailijoiden teosten faneja. Festivaaleja järjestetään säännöllisesti, joissa kuuluisat ja nousevat esiintyjät jakavat taiteensa.