स्वच्छंदतावाद (फ्रेंच रोमांटिकवाद), 18 वीं सदी के अंत और 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में यूरोपीय और अमेरिकी संस्कृति में एक वैचारिक और कलात्मक आंदोलन। क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र और ज्ञानोदय के दर्शन के तर्कवाद और तंत्र की प्रतिक्रिया के रूप में जन्मे, जो पुरानी विश्व व्यवस्था के क्रांतिकारी टूटने के दौरान स्थापित किया गया था, रोमांटिकवाद ने उपयोगितावाद का विरोध किया और असीमित स्वतंत्रता की आकांक्षा के साथ व्यक्ति को समतल किया और अनंत, पूर्णता और नवीनीकरण की प्यास, व्यक्तिगत और नागरिक स्वतंत्रता के मार्ग।

आदर्श और वास्तविकता के बीच दर्दनाक कलह ने रोमांटिक विश्वदृष्टि का आधार बनाया; मनुष्य के रचनात्मक और आध्यात्मिक जीवन के आत्म-मूल्य का अंतर्निहित दावा, मजबूत जुनून का चित्रण, प्रकृति का आध्यात्मिककरण, राष्ट्रीय अतीत में रुचि, कला के सिंथेटिक रूपों की इच्छा को विश्व दुख के उद्देश्यों के साथ जोड़ा जाता है, प्रसिद्ध "रोमांटिक विडंबना" के साथ मानव आत्मा के "छाया", "रात" पक्ष का पता लगाने और फिर से बनाने की इच्छा, जिसने रोमांटिक लोगों को उच्च और निम्न, दुखद और हास्य की तुलना और समानता करने की अनुमति दी, असली और शानदार। स्थानीय ऐतिहासिक परंपराओं और परिस्थितियों के कारण, कई देशों में विकसित, रोमांटिकवाद ने हर जगह एक उज्ज्वल राष्ट्रीय पहचान हासिल की।

फ्रांस में विकसित सबसे सुसंगत रोमांटिक स्कूल, जहां कलाकारों ने अभिव्यंजक साधनों की प्रणाली में सुधार करते हुए, रचना को गतिशील बनाया, एक हिंसक आंदोलन के साथ संयुक्त रूपों का उपयोग किया, चमकीले संतृप्त रंग और लेखन की एक विस्तृत, सामान्यीकृत शैली (टी। गेरिकॉल्ट, ई द्वारा पेंटिंग) का उपयोग किया। । डेलाक्रोइक्स, ओ। ड्यूमियर, प्लास्टिक - पीजे डेविड डी "एंजर्स, एएल बारी, एफ। Ryd। जर्मनी और ऑस्ट्रिया में, प्रारंभिक रोमांटिकवाद को हर चीज पर बारीकी से ध्यान देने की विशेषता है, जो आलंकारिक-भावनात्मक संरचना की उदासीन-चिंतनशील tonality है। , रहस्यमय-पंथवादी मूड (एफओ रनगे द्वारा चित्र और रूपक रचनाएं, केडी फ्रेडरिक और जेए कोच द्वारा परिदृश्य), 15 वीं शताब्दी की जर्मन और इतालवी पेंटिंग की धार्मिक भावना को पुनर्जीवित करने की इच्छा (नाज़रीन का काम); की कला Biedermeier (L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F.G. Waldmuller की रचनात्मकता)।

यूके में, जे. कॉन्स्टेबल और आर. बोनिंगटन के परिदृश्य पेंटिंग की रोमांटिक ताजगी, डब्ल्यू. टर्नर, जी.आई. फुसेली, मध्य युग की संस्कृति से लगाव और प्रारंभिक पुनर्जागरण - दिवंगत रोमांटिक प्री-राफेलाइट आंदोलन के उस्तादों का काम (डीजी रॉसेटी, ई। बर्ने-जोन्स, डब्ल्यू। मॉरिस और अन्य कलाकार)। यूरोप और अमेरिका के कई देशों में, रोमांटिक आंदोलन का प्रतिनिधित्व परिदृश्य (संयुक्त राज्य अमेरिका में जे। इनेस और एपी राइडर द्वारा पेंटिंग), लोक जीवन और इतिहास के विषयों पर रचनाओं (बेल्जियम में एल। गाले की रचनात्मकता, जे। मैन्स) द्वारा किया गया था। चेक गणराज्य में, हंगरी में वी। मदरस, पोलैंड में पी। मिचलोव्स्की और जे। मातेज्को और अन्य स्वामी)।

रूमानियत का ऐतिहासिक भाग्य जटिल और अस्पष्ट था। कुछ या अन्य रोमांटिक प्रवृत्तियों ने 19 वीं शताब्दी के प्रमुख यूरोपीय आचार्यों के काम को चिह्नित किया - बारबिजोन स्कूल के कलाकार, के। कोरोट, जी। कोर्टबेट, जे.एफ. फ्रांस में बाजरा, ई. मानेट, जर्मनी में ए. वॉन मेन्ज़ेल और अन्य चित्रकार। साथ ही, जटिल रूपकवाद, रहस्यवाद और कल्पना के तत्व, कभी-कभी रोमांटिकवाद में निहित, प्रतीकात्मकता में निरंतरता, आंशिक रूप से प्रभाववाद और आधुनिक शैली के बाद की कला में पाया गया।

स्मॉल बे प्लैनेट आर्ट गैलरी का संदर्भ और जीवनी संबंधी डेटा हिस्ट्री ऑफ फॉरेन आर्ट (एमटी कुजमीना, एन.एल. माल्टसेवा द्वारा संपादित), फॉरेन क्लासिकल आर्ट का आर्टिस्टिक इनसाइक्लोपीडिया और ग्रेट रशियन इनसाइक्लोपीडिया की सामग्री के आधार पर तैयार किया जाता है।

18वीं सदी के अंत और 19वीं शताब्दी की शुरुआत में, क्लासिकवाद और ज्ञानोदय के विचारों ने अपनी अपील और प्रासंगिकता खो दी। नया, जिसने क्लासिकवाद के विहित तरीकों और ज्ञानोदय के नैतिक सामाजिक सिद्धांतों के जवाब में, मनुष्य, उसकी आंतरिक दुनिया की ओर रुख किया, ताकत हासिल की और दिमाग पर कब्जा कर लिया। सांस्कृतिक जीवन और दर्शन के सभी क्षेत्रों में स्वच्छंदतावाद बहुत व्यापक था। संगीतकारों, कलाकारों और लेखकों ने अपने कार्यों में मनुष्य की उच्च नियति, उसकी समृद्ध आध्यात्मिक दुनिया, भावनाओं और अनुभवों की गहराई को दिखाने की कोशिश की। अब से, एक व्यक्ति अपने आंतरिक संघर्ष, आध्यात्मिक खोज और अनुभवों के साथ, और सामान्य कल्याण और समृद्धि के "धुंधले" विचार नहीं, कला के कार्यों में प्रमुख विषय बन गए हैं।

पेंटिंग में स्वच्छंदतावाद

रचना, रंग, लहजे की मदद से रचना के माध्यम से चित्रकार विचारों की गहराई और अपने व्यक्तिगत अनुभवों को व्यक्त करते हैं। रोमांटिक छवियों की व्याख्या में यूरोप के विभिन्न देशों की अपनी विशेषताएं थीं। यह दार्शनिक प्रवृत्तियों के साथ-साथ सामाजिक-राजनीतिक स्थिति के कारण है, जिसके लिए कला एक जीवंत प्रतिक्रिया थी। पेंटिंग कोई अपवाद नहीं था। छोटी रियासतों और डचियों में विभाजित, जर्मनी ने गंभीर सामाजिक उथल-पुथल का अनुभव नहीं किया, कलाकारों ने टाइटन नायकों का चित्रण करने वाले स्मारकीय कैनवस नहीं बनाए, यहाँ मनुष्य की गहरी आध्यात्मिक दुनिया, उसकी सुंदरता और भव्यता, नैतिक खोजों ने रुचि जगाई। इसलिए, जर्मन चित्रकला में रूमानियत को पूरी तरह से चित्रों और परिदृश्यों में दर्शाया गया है। ओटो रनगे की कृतियाँ इस शैली के उत्कृष्ट उदाहरण हैं। चित्रकार द्वारा बनाए गए चित्रों में, चेहरे की विशेषताओं, आंखों के सूक्ष्म अध्ययन के माध्यम से, प्रकाश और छाया के विपरीत के माध्यम से, कलाकार की इच्छा व्यक्तित्व की असंगति, उसकी शक्ति और भावना की गहराई को दिखाने के लिए व्यक्त की जाती है। परिदृश्य के माध्यम से, पेड़ों, फूलों और पक्षियों की थोड़ी शानदार, अतिरंजित छवि, कलाकार ने मानव व्यक्तित्व की विविधता, प्रकृति के साथ इसकी समानता, विविध और अज्ञात की खोज करने का भी प्रयास किया। चित्रकला में रूमानियत का एक प्रमुख प्रतिनिधि परिदृश्य चित्रकार केडी फ्रेडरिक था, जिसने प्रकृति, पर्वत और समुद्री परिदृश्य की ताकत और शक्ति पर जोर दिया, जो मनुष्य के अनुरूप था।

फ्रांसीसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद अन्य सिद्धांतों के अनुसार विकसित हुआ। क्रांतिकारी उथल-पुथल, अशांत सामाजिक जीवन कलाकारों के गुरुत्वाकर्षण द्वारा ऐतिहासिक और शानदार विषयों को चित्रित करने के लिए, पथ और "घबराहट" उत्तेजना के साथ चित्रित किया गया था, जो उज्ज्वल रंग विपरीत, आंदोलनों की अभिव्यक्ति, कुछ यादृच्छिकता, रचना की सहजता द्वारा प्राप्त किया गया था। सबसे पूर्ण और ज्वलंत रोमांटिक विचार टी। गेरिकॉल्ट, ई। डेलाक्रोइक्स के कार्यों में प्रस्तुत किए गए हैं। कलाकारों ने रंग और प्रकाश का कुशलता से उपयोग किया, भावनाओं की एक स्पंदनशील गहराई, संघर्ष और स्वतंत्रता के लिए एक उदात्त आवेग का निर्माण किया।

रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद

रूसी सामाजिक विचार ने यूरोप में उभरती नई दिशाओं और धाराओं के प्रति बहुत ही स्पष्ट प्रतिक्रिया व्यक्त की। और फिर नेपोलियन के साथ युद्ध - वे महत्वपूर्ण ऐतिहासिक घटनाएं जिन्होंने रूसी बुद्धिजीवियों की दार्शनिक और सांस्कृतिक खोजों को सबसे गंभीर रूप से प्रभावित किया। रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का प्रतिनिधित्व तीन मुख्य परिदृश्यों में किया गया था, स्मारकीय कला, जहां क्लासिकवाद का प्रभाव बहुत मजबूत था, और रोमांटिक विचारों को अकादमिक सिद्धांतों के साथ घनिष्ठ रूप से जोड़ा गया था।

उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, रूस के रचनात्मक बुद्धिजीवियों, कवियों और कलाकारों के साथ-साथ आम लोगों और किसानों की छवि पर अधिक ध्यान दिया गया था। किप्रेंस्की, ट्रोपिनिन, ब्रायलोव ने बड़े प्यार से किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व की गहराई और सुंदरता को दिखाने की कोशिश की, सिर के मोड़ के माध्यम से, आध्यात्मिक खोज को व्यक्त करने के लिए पोशाक का विवरण, उनके "मॉडल" की स्वतंत्रता-प्रेमी प्रकृति। . किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व में बहुत रुचि, कला में उसके केंद्रीय स्थान ने स्व-चित्र शैली के उत्कर्ष में योगदान दिया। इसके अलावा, कलाकारों ने ऑर्डर करने के लिए स्व-चित्रों को चित्रित नहीं किया, यह एक रचनात्मक आवेग था, समकालीनों के लिए एक तरह की आत्म-रिपोर्ट।

रोमान्टिक्स के कार्यों में परिदृश्य भी उनकी मौलिकता से प्रतिष्ठित थे। पेंटिंग में स्वच्छंदतावाद एक व्यक्ति के मूड को प्रतिबिंबित और व्यक्त करता है, परिदृश्य को उसके अनुरूप होना चाहिए। इसीलिए कलाकारों ने प्रकृति के विद्रोही स्वभाव, उसकी शक्ति और सहजता को प्रदर्शित करने का प्रयास किया। ओरलोव्स्की, शेड्रिन ने एक ओर समुद्र, शक्तिशाली पेड़ों, पर्वत श्रृंखलाओं का चित्रण करते हुए, वास्तविक परिदृश्य की सुंदरता और बहुरंगा को व्यक्त किया, दूसरी ओर, एक निश्चित भावनात्मक मनोदशा बनाई।

रूमानियत की कला क्लासिकवाद के साथ विवाद में बनती है। सामाजिक पहलू में, रोमांटिकतावाद का उद्भव 18 वीं शताब्दी की महान फ्रांसीसी क्रांति से जुड़ा हुआ है; यह इसकी शुरुआत के बारे में सामान्य उत्साह की प्रतिक्रिया के रूप में उत्पन्न होता है, लेकिन यह हारने पर व्यक्ति की क्षमताओं में गहरी निराशा के रूप में भी होता है। इसके अलावा, जर्मन रोमांटिकवाद को बाद में फ्रांसीसी क्रांति का रक्तहीन संस्करण माना गया।

एक वैचारिक और कलात्मक आंदोलन के रूप में, रूमानियतवाद 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में खुद को घोषित करता है। यह मुख्य रूप से एक साहित्यिक प्रवृत्ति के रूप में उत्पन्न होता है - यहाँ रोमांटिक लोगों की गतिविधि उच्च और सफल है। उस समय का संगीत भी कम महत्वपूर्ण नहीं है: स्वर, वाद्य संगीत, रूमानियत का संगीत थिएटर (ओपेरा और बैले) आज भी प्रदर्शनों की सूची का आधार है। हालाँकि, दृश्य और स्थानिक कलाओं में, रोमांटिकतावाद खुद को कम स्पष्ट रूप से निर्मित कार्यों की संख्या और उनके स्तर दोनों में प्रकट करता है। रोमांटिक पेंटिंग जर्मनी और फ्रांस में उत्कृष्ट कृतियों के स्तर तक पहुंचती है, बाकी यूरोप पिछड़ जाता है। रूमानियत की वास्तुकला के बारे में बात करने का रिवाज नहीं है। केवल बागवानी कला ही यहां कुछ मौलिकता प्रकट करती है, और फिर भी रोमांटिक लोग यहां अंग्रेजी परिदृश्य, या प्राकृतिक, पार्क के विचार को विकसित करते हैं। रोमांस की कुछ नव-गॉथिक प्रवृत्तियों के लिए भी एक जगह है, उनकी कला को श्रृंखला में देखा गया: गॉथिक - बारोक - रोमांटिकवाद। स्लाव देशों में ऐसे बहुत से नव-गॉथिक हैं।

रूमानियत की ललित कला

XVIII सदी में। "रोमांटिक" शब्द का अर्थ "अजीब", "शानदार", "सुरम्य" है। यह देखना आसान है कि "रोमांस", "रोमन" (नाइटली) शब्द व्युत्पत्ति के बहुत करीब हैं।

19 वीं सदी में इस शब्द की व्याख्या एक साहित्यिक आंदोलन के नाम के रूप में की गई थी, जो इसकी सेटिंग में क्लासिकिज्म के विपरीत था।

दृश्य कलाओं में, रोमांटिकतावाद चित्रकला और ग्राफिक्स में दिलचस्प रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला में कम स्पष्ट रूप से। रूमानियत का सबसे सुसंगत स्कूल फ्रांस में विकसित हुआ, जहां अकादमिक क्लासिकवाद की भावना में आधिकारिक कला में हठधर्मिता और अमूर्त तर्कवाद के खिलाफ एक जिद्दी संघर्ष था। रोमांटिक पेंटिंग स्कूल के संस्थापक थे थिओडोर गेरिकौल्ट (1791-1824)। उन्होंने क्लासिकिज़्म के उस्तादों के साथ अध्ययन किया, लेकिन, क्लासिकिज़्म से सामान्यीकृत वीर छवियों की प्रवृत्ति को बनाए रखते हुए, गेरिकॉल्ट ने पहली बार दुनिया के संघर्ष की भावना को चित्रित करने में व्यक्त किया, हमारे समय की महत्वपूर्ण घटनाओं की एक अभिव्यंजक अभिव्यक्ति की इच्छा। . पहले से ही कलाकार की पहली कृतियाँ एक उच्च भावुकता को प्रकट करती हैं, नेपोलियन युद्धों के युग की "तंत्रिका", जिसमें बहुत अधिक था ("शाही गार्ड के हॉर्स रेंजर्स के अधिकारी, हमले पर जा रहे थे", "घायल कुइरासियर युद्ध के मैदान को छोड़कर")। वे एक दुखद रवैये, भ्रम की भावना से चिह्नित हैं। क्लासिकिज्म के नायकों ने ऐसी भावनाओं का अनुभव नहीं किया या उन्हें सार्वजनिक रूप से व्यक्त नहीं किया और निराशा, भ्रम, उदासी को सौंदर्य नहीं बनाया। रोमांटिक कलाकारों के सुरम्य कैनवस को गतिशील रूप से चित्रित किया जाता है, रंग में एक गहरे रंग का स्वर होता है, जो गहन रंग लहजे, तेज गति वाले स्ट्रोक द्वारा जीवंत होता है।

Gericault "रोम में मुक्त घोड़ों को चलाना" की एक अविश्वसनीय रूप से गतिशील तस्वीर बनाता है। यहां वह पिछले सभी कलाकारों के आंदोलन के हस्तांतरण की प्रेरणा में उत्कृष्टता प्राप्त करता है। गेरिकॉल्ट की मुख्य कृतियों में से एक पेंटिंग "द रफ ऑफ द मेडुसा" है। इसमें, उन्होंने वास्तविक तथ्यों को दर्शाया है, लेकिन सामान्यीकरण की ऐसी शक्ति के साथ कि समकालीनों ने इसमें एक विशेष जहाज की छवि नहीं, बल्कि पूरे यूरोप की छवि को निराशा में देखा। और केवल कुछ ही, सबसे लगातार लोग अस्तित्व के लिए संघर्ष जारी रखते हैं। कलाकार मानवीय भावनाओं की एक जटिल श्रृंखला दिखाता है - उदास निराशा से लेकर आशा के तूफानी विस्फोट तक। इस कैनवास की गतिशीलता रचना के विकर्ण, वॉल्यूम के शानदार मॉडलिंग, प्रकाश और छाया में विपरीत परिवर्तनों द्वारा निर्धारित की जाती है।

गेरिकॉल्ट खुद को चित्र शैली के मास्टर के रूप में साबित करने में कामयाब रहे। यहाँ वह एक प्रर्वतक के रूप में भी कार्य करता है, जो चित्र शैली की आलंकारिक बारीकियों को परिभाषित करता है। "एक बीस वर्षीय डेलाक्रोइक्स का चित्र" और आत्म-चित्रों में, एक स्वतंत्र निर्माता के रूप में एक रोमांटिक कलाकार का विचार, एक उज्ज्वल, भावनात्मक व्यक्तित्व व्यक्त किया गया है। उन्होंने रोमांटिक चित्र की नींव रखी, बाद में सबसे सफल रोमांटिक शैलियों में से एक।

गेरिकॉल्ट भी परिदृश्य में शामिल हो गए। इंग्लैंड के चारों ओर यात्रा करते हुए, वह उसकी उपस्थिति से प्रभावित हुआ और उसने अपनी सुंदरियों को श्रद्धांजलि अर्पित की, तेल और पानी के रंग दोनों में चित्रित कई परिदृश्य चित्रों का निर्माण किया। वे रंग में समृद्ध हैं, अवलोकन में सूक्ष्म हैं, सामाजिक आलोचना के लिए कोई अजनबी नहीं हैं। कलाकार ने उन्हें "बड़े और छोटे अंग्रेजी सूट" कहा। एक रोमांटिक के लिए एक सचित्र चक्र को एक संगीत शब्द कहना कितना विशिष्ट है!

दुर्भाग्य से, गेरिकॉल्ट का जीवन छोटा था, लेकिन उन्होंने एक गौरवशाली परंपरा की नींव रखी।

1820 के दशक से रोमांटिक चित्रकारों के मुखिया बने फर्डिनेंड विक्टर यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863)। उन्होंने गेरिकॉल्ट के एक मजबूत प्रभाव का अनुभव किया, जिसके साथ वह छात्र की बेंच से दोस्त थे। उन्होंने पुराने उस्तादों, विशेषकर रूबेन्स की पेंटिंग का अध्ययन किया। इंग्लैंड के चारों ओर यात्रा की, कॉन्स्टेबल की पेंटिंग से मोहित हो गया। डेलाक्रोइक्स के पास एक भावुक स्वभाव, शक्तिशाली रचनात्मक कल्पना और उच्च दक्षता थी। पेशेवर क्षेत्र में शुरुआती कदमों से, डेलाक्रोइक्स पूरी तरह से रोमांटिक लोगों का अनुसरण करता है। उन्होंने जो पहली पेंटिंग प्रदर्शित की वह स्टाइक्स ("दांते की नाव") को पार करने वाली नाव में दांते और वर्जिल की थी। तस्वीर त्रासदी, उदास पथों से भरी है। अगले कैनवास के साथ, "चिओस पर नरसंहार," उन्होंने तुर्की जुए से यूनानियों की पीड़ा से संबंधित वास्तविक घटनाओं का जवाब दिया। यहां उन्होंने खुले तौर पर अपनी राजनीतिक स्थिति को व्यक्त किया, संघर्ष में यूनानियों का पक्ष लिया, जिनके साथ उन्होंने सहानुभूति व्यक्त की, जबकि फ्रांसीसी सरकार ने तुर्की के साथ छेड़खानी की।

पेंटिंग ने राजनीतिक और कला आलोचना दोनों हमलों का कारण बना, विशेष रूप से डेलाक्रोइक्स के बाद, कॉन्स्टेबल के काम से प्रभावित होकर, पेंटिंग को हल्के रंगों में फिर से लिखा। आलोचना के जवाब में, कलाकार कैनवास "मिसोलुंगी के खंडहर पर ग्रीस" बनाता है, जिसमें वह फिर से तुर्की जुए से मुक्ति के लिए ग्रीस के संघर्ष के ज्वलंत विषय को संदर्भित करता है। डेलाक्रोइक्स की यह पेंटिंग अधिक प्रतीकात्मक है, या तो आक्रमणकारियों को कोसने के इशारे में, या लड़ने के लिए एक आह्वान में, एक महिला की आकृति उठी हुई है, जो पूरे देश का प्रतिनिधित्व करती है। ऐसा लगता है कि कलाकार के आगामी, सबसे प्रसिद्ध काम में स्वतंत्रता की छवि का अनुमान है।

नए नायकों, मजबूत व्यक्तित्वों की तलाश में, डेलाक्रोइक्स अक्सर शेक्सपियर, गोएथे, बायरन, स्कॉट की साहित्यिक छवियों में बदल जाता है: "पागल शरण में टैसो", "सरदानपाल की मौत", "लीज के बिशप की हत्या"; "फॉस्ट", "हेमलेट" के लिए लिथोग्राफ बनाता है, पात्रों की भावनाओं के सूक्ष्मतम रंगों को व्यक्त करता है, जिसने गोएथे की प्रशंसा अर्जित की। डेलाक्रोइक्स जिस तरह से अपने पूर्ववर्तियों के पास पवित्रशास्त्र के पास गया, उसी तरह से कल्पना की ओर जाता है, जिससे यह चित्रों के लिए विषय वस्तु का एक अंतहीन स्रोत बन जाता है।

1830 में, जुलाई क्रांति के प्रत्यक्ष प्रभाव में, डेलाक्रोइक्स ने एक बड़े कैनवास "लिबर्टी लीडिंग द पीपल" ("फ्रीडम एट द बैरिकेड्स") को चित्रित किया। क्रांतिकारी संघर्ष में भाग लेने वालों के वास्तविक रूप से चित्रित आंकड़ों के ऊपर, गरीब, ज्यादातर युवा लोग, संघर्ष से प्रेरित, एक शानदार महिला मंडराती है, जो वेरोनीज़ की "प्रतिभा" की याद दिलाती है। उसके हाथों में एक बैनर है, उसका चेहरा प्रेरित है। यह केवल शास्त्रीयता की भावना में स्वतंत्रता का एक रूपक नहीं है, यह क्रांतिकारी आवेग का एक महान प्रतीक है। हालांकि, जीवित, कामुक महिला आकृति को छोड़ना असंभव है - वह इतनी आकर्षक है। चित्र जटिल, आकर्षक, गतिशील निकला।

एक वास्तविक रोमांटिक की तरह, डेलाक्रोइक्स विदेशी देशों की यात्रा करता है: अल्जीरिया, मोरक्को। यात्रा से, वह पांच पेंटिंग लाता है, जिनमें से "मोरक्को में शेर का शिकार", जाहिर तौर पर अपने प्रिय रूबेन्स को श्रद्धांजलि।

डेलाक्रोइक्स एक डेकोरेटर के रूप में बहुत काम करता है, बॉर्बन और लक्ज़मबर्ग महलों, पेरिस के चर्चों में स्मारकीय कार्यों का निर्माण करता है। वह एफ। चोपिन जैसे रोमांटिकतावाद के युग के लोगों की छवियों का निर्माण करते हुए, चित्र शैली में काम करना जारी रखता है। रचनात्मकता Delacroix XIX सदी की पेंटिंग की ऊंचाइयों से संबंधित है।

पेंटिंग और ग्राफिक्स जर्मन रूमानियत अधिकांश भाग के लिए भावुक हो जाता है। और अगर जर्मन रोमांटिक साहित्य वास्तव में एक पूरे युग का निर्माण करता है, तो आप दृश्य कलाओं के बारे में ऐसा नहीं कह सकते: साहित्य में "तूफान और हमले" थे, और दृश्य कला में - पारिवारिक पितृसत्तात्मक जीवन का आदर्शीकरण। इस अर्थ में, रचनात्मकता लुडविग रिक्टर (1803-1884): "एरिसी के पास वन वसंत", "वसंत में शादी की बारात", आदि। उनके पास परियों की कहानियों और लोक गीतों के विषयों पर कई चित्र भी हैं, जिन्हें सूखे तरीके से बनाया गया है।

लेकिन जर्मन रूमानियत में एक बड़े पैमाने का आंकड़ा है जिसे दरकिनार नहीं किया जा सकता है। इस कैस्पर डेविड फ्रेडरिक (1774-1840)। वह एक लैंडस्केप पेंटर थे और उन्होंने कोपेनहेगन में ललित कला अकादमी में अध्ययन किया। बाद में वे ड्रेसडेन में बस गए और पढ़ाया।

उनकी परिदृश्य शैली मूल है, चित्रों को पहली मुलाकात से याद किया जाता है, उनमें यह महसूस किया जाता है कि ये एक रोमांटिक कलाकार के परिदृश्य हैं: वे लगातार एक रोमांटिक विश्वदृष्टि की बारीकियों को व्यक्त करते हैं। उन्होंने दक्षिणी जर्मनी और बाल्टिक तट के परिदृश्यों को चित्रित किया, जंगलों से घिरी जंगली चट्टानें, रेगिस्तान के टीले और एक जमे हुए समुद्र। लोग कभी-कभी उनके चित्रों में मौजूद होते हैं, लेकिन हम उनके चेहरे शायद ही कभी देखते हैं: आंकड़े, एक नियम के रूप में, दर्शक की ओर पीठ करते हैं। फ्रेडरिक ने प्रकृति की तात्विक शक्ति को व्यक्त करने की मांग की। उन्होंने प्राकृतिक शक्तियों और मानव मनोदशाओं और खोजों के सामंजस्य की खोज की और खोज की। और यद्यपि वह जीवन को काफी सटीक रूप से दर्शाता है, फ्रेडरिक की कला यथार्थवादी नहीं है। इसने हाल के दिनों में सोवियत कला समीक्षकों को डरा दिया, कलाकार के बारे में बहुत कम लिखा गया था, उसके लगभग कोई प्रतिकृतियां नहीं थीं। अब स्थिति बदल गई है, और हम उनके चित्रों की गहरी आध्यात्मिकता का आनंद ले सकते हैं, फ्रेडरिक के परिदृश्य की उदासी से अलग चिंतन। रचना की स्पष्ट लय, चित्र की गंभीरता को उनके कार्यों में प्रकाश प्रभाव में समृद्ध, काइरोस्कोरो के विरोधाभासों के साथ जोड़ा गया है। लेकिन कभी-कभी फ्रेडरिक अपनी भावुकता में उदासी, सांसारिक हर चीज की कमजोरी की भावना, एक रहस्यमय ट्रान्स की मूर्खता के लिए आता है। आज हम फ़्रेडरिक के काम में रुचि का उछाल अनुभव कर रहे हैं। उनकी सबसे सफल रचनाएँ "बर्फ में नादेज़्दा की मृत्यु", "बर्फ के नीचे मठवासी कब्रिस्तान", "मास इन ए गॉथिक रुइन", "सनसेट ऑन द सी" और अन्य हैं।

में रूसी रूमानियत पेंटिंग में बहुत विरोधाभास है। इसके अलावा, कई वर्षों से यह माना जाता था कि एक अच्छा कलाकार एक यथार्थवादी होता है। शायद इसीलिए यह राय स्थापित की गई थी कि ओ। किप्रेंस्की और ए। वेनेत्सियानोव, वी। ट्रोपिनिन और यहां तक ​​​​कि ए। कुइंदज़ी यथार्थवादी हैं, जो हमें गलत लगता है, वे रोमांटिक हैं।

18 वीं शताब्दी के अंत में पश्चिमी यूरोप में चित्रकला की प्रवृत्ति के रूप में स्वच्छंदतावाद का गठन किया गया था। 1920 और 1930 के दशक में अधिकांश पश्चिमी यूरोपीय देशों की कला में स्वच्छंदतावाद अपने चरम पर पहुंच गया। 19 वी सदी।

"रोमांटिकवाद" शब्द की उत्पत्ति स्वयं "उपन्यास" शब्द से हुई है (17 वीं शताब्दी में, साहित्यिक रचनाएँ लैटिन में नहीं लिखी गईं, बल्कि इससे प्राप्त भाषाओं में - फ्रेंच, अंग्रेजी, आदि) को उपन्यास कहा जाता था। बाद में, समझ से बाहर और रहस्यमय हर चीज को रोमांटिक कहा जाने लगा।

एक सांस्कृतिक घटना के रूप में, फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों से उत्पन्न एक विशेष विश्वदृष्टि से रोमांटिकतावाद का गठन किया गया था। प्रबुद्धता के आदर्शों से मोहभंग, रोमांटिकता, सद्भाव और अखंडता के लिए प्रयास करते हुए, नए सौंदर्य आदर्शों और कलात्मक मूल्यों का निर्माण किया। उनके ध्यान का मुख्य उद्देश्य अपने सभी अनुभवों और स्वतंत्रता की इच्छा के साथ उत्कृष्ट पात्र थे। रोमांटिक कार्यों का नायक एक उत्कृष्ट व्यक्ति है, जिसने भाग्य की इच्छा से खुद को कठिन जीवन परिस्थितियों में पाया।

हालाँकि रूमानियतवाद क्लासिकवाद की कला के विरोध के रूप में उभरा, लेकिन यह कई मायनों में उत्तरार्द्ध के करीब था। रोमांटिक्स आंशिक रूप से क्लासिकवाद के ऐसे प्रतिनिधि थे जैसे एन। पॉसिन, सी। लोरेन, जे। ओ। डी। इंग्रेस।

रोमान्टिक्स ने मूल राष्ट्रीय विशेषताओं को चित्रित करने में पेश किया, अर्थात्, कुछ ऐसा जो क्लासिकिस्टों की कला में कमी थी।
फ्रांसीसी रूमानियत का सबसे बड़ा प्रतिनिधि टी। गेरिकॉल्ट था।

थिओडोर गेरिकौल्ट

महान फ्रांसीसी चित्रकार, मूर्तिकार और ग्राफिक कलाकार थियोडोर गेरिकॉल्ट का जन्म 1791 में रूएन में एक धनी परिवार में हुआ था। कलाकार की प्रतिभा उनमें काफी पहले ही प्रकट हो गई थी। अक्सर, स्कूल में कक्षाओं में भाग लेने के बजाय, गेरिकॉल्ट अस्तबल में बैठते थे और घोड़ों को आकर्षित करते थे। फिर भी, उन्होंने न केवल जानवरों की बाहरी विशेषताओं को कागज पर स्थानांतरित करने की मांग की, बल्कि उनके स्वभाव और चरित्र को भी व्यक्त किया।

1808 में लिसेयुम से स्नातक होने के बाद, गेरिकॉल्ट तत्कालीन प्रसिद्ध चित्रकार कार्ल वर्नेट का छात्र बन गया, जो कैनवास पर घोड़ों को चित्रित करने की अपनी क्षमता के लिए प्रसिद्ध था। हालांकि, युवा कलाकार को वर्नेट की शैली पसंद नहीं आई। जल्द ही वह कार्यशाला छोड़ देता है और दूसरे के साथ अध्ययन करने जाता है, वर्नेट, पीएन गुएरिन से कम प्रतिभाशाली चित्रकार नहीं। दो प्रसिद्ध कलाकारों के साथ अध्ययन करते हुए, गेरिकॉल्ट ने फिर भी चित्रकला में अपनी परंपराओं को जारी नहीं रखा। जे ए ग्रोस और जे एल डेविड को शायद उनके असली शिक्षक माना जाना चाहिए।

गेरिकॉल्ट के शुरुआती कार्यों को इस तथ्य से अलग किया जाता है कि वे यथासंभव जीवन के करीब हैं। इस तरह के चित्र असामान्य रूप से अभिव्यंजक और दयनीय हैं। वे अपने आसपास की दुनिया का आकलन करते समय लेखक के उत्साही मूड को दिखाते हैं। एक उदाहरण 1812 में बनाई गई "आक्रमण के दौरान इंपीरियल हॉर्स रेंजर्स के अधिकारी" नामक एक पेंटिंग है। यह कैनवास पहली बार पेरिस सैलून के आगंतुकों द्वारा देखा गया था। उन्होंने युवा कलाकार की प्रतिभा की सराहना करते हुए, युवा कलाकार के काम को प्रशंसा के साथ स्वीकार किया।

काम फ्रांसीसी इतिहास की उस अवधि के दौरान बनाया गया था, जब नेपोलियन अपनी महिमा के चरम पर था। समकालीनों ने उन्हें महान सम्राट की मूर्ति दी, जो अधिकांश यूरोप को जीतने में कामयाब रहे। नेपोलियन की सेना की जीत की छाप के तहत यह इस तरह के मूड के साथ था कि चित्र चित्रित किया गया था। कैनवास एक सैनिक को घोड़े पर सरपट दौड़ते हुए दिखाता है। उनका चेहरा मौत के सामने दृढ़ संकल्प, साहस और निडरता व्यक्त करता है। पूरी रचना
असामान्य रूप से गतिशील और भावनात्मक। दर्शक को यह आभास होता है कि वह स्वयं कैनवास पर चित्रित घटनाओं में एक वास्तविक भागीदार बन जाता है।

गेरिकोल्ट के काम में एक बहादुर सैनिक की आकृति एक से अधिक बार दिखाई देगी। ऐसी छवियों में, 1812-1814 में बनाई गई पेंटिंग्स "ऑफिसर ऑफ द काराबिनिएरी", "ऑफिसर ऑफ द कुइरासियर टू अटैक", "पोर्ट्रेट ऑफ ए कैरबिनिएरी", "घायल क्यूरासियर" के नायक विशेष रुचि के हैं। अंतिम कार्य इस मायने में उल्लेखनीय है कि इसे उसी वर्ष सैलून में आयोजित अगली प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया था। हालांकि, यह रचना का मुख्य लाभ नहीं है। इससे भी महत्वपूर्ण बात यह है कि इसने कलाकार की रचनात्मक शैली में हुए परिवर्तनों को दिखाया। यदि उनके पहले कैनवस में सच्ची देशभक्ति की भावनाएँ दिखाई देती थीं, तो 1814 की कृतियों में, नायकों के चित्रण में पाथोस को नाटक द्वारा बदल दिया जाता है।

कलाकार के मूड में एक ऐसा ही बदलाव फिर से फ्रांस में उस समय होने वाली घटनाओं से जुड़ा था। 1812 में, रूस में नेपोलियन की हार हुई, जिसके संबंध में वह, जो कभी एक शानदार नायक था, अपने समकालीनों से एक असफल सैन्य नेता और एक अभिमानी अभिमानी व्यक्ति की महिमा प्राप्त करता है। गेरिकॉल्ट पेंटिंग "द वाउंडेड क्यूरासियर" में आदर्श में अपनी निराशा का प्रतीक है। कैनवास में एक घायल योद्धा को दिखाया गया है जो जल्द से जल्द युद्ध के मैदान को छोड़ने की कोशिश कर रहा है। वह एक कृपाण पर झुक जाता है - एक हथियार, जिसे शायद, कुछ मिनट पहले ही वह पकड़ रहा था, उसे ऊपर उठा रहा था।

यह नेपोलियन की नीति से गेरिकॉल्ट का असंतोष था जिसने लुई XVIII की सेवा में उनके प्रवेश को निर्धारित किया, जिन्होंने 1814 में फ्रांसीसी सिंहासन ग्रहण किया। तथ्य यह है कि नेपोलियन (सौ दिनों की अवधि) द्वारा फ्रांस में सत्ता की दूसरी जब्ती के बाद युवा कलाकार अपने को छोड़ देता है बॉर्बन्स के साथ मूल देश। लेकिन यहां भी निराशा ने उनका इंतजार किया। युवक शांति से नहीं देख सकता था कि राजा नेपोलियन के शासनकाल के दौरान हासिल की गई हर चीज को कैसे नष्ट कर देता है। इसके अलावा, लुई XVIII के तहत सामंती-कैथोलिक प्रतिक्रिया की तीव्रता थी, देश तेजी से और तेजी से पीछे हट गया, पुरानी राज्य प्रणाली में लौट आया। यह एक युवा, प्रगतिशील सोच वाले व्यक्ति द्वारा स्वीकार नहीं किया जा सकता था। बहुत जल्द, वह युवक, जिसने अपने आदर्शों में विश्वास खो दिया था, लुई XVIII के नेतृत्व में सेना छोड़ देता है, और फिर से ब्रश और पेंट लेता है। इन वर्षों को उज्ज्वल और कलाकार के काम में उल्लेखनीय कुछ भी नहीं कहा जा सकता है।

1816 में, गेरिकॉल्ट इटली की यात्रा पर गया। रोम और फ्लोरेंस का दौरा करने और प्रसिद्ध उस्तादों की उत्कृष्ट कृतियों का अध्ययन करने के बाद, कलाकार को स्मारकीय पेंटिंग का शौक है। माइकल एंजेलो के भित्तिचित्र, जो सिस्टिन चैपल को सुशोभित करते हैं, विशेष रूप से उनका ध्यान आकर्षित करते हैं। इस समय, गेरिकॉल्ट द्वारा उनके पैमाने और महिमा में, उच्च पुनर्जागरण के चित्रकारों के कैनवस की याद ताजा करने के लिए कई तरह से काम किए गए थे। उनमें से, सबसे दिलचस्प हैं "द एबडक्शन ऑफ द अप्सरा बाय द सेंटूर" और "द मैन थ्रोइंग द बुल।"

1817 के आसपास लिखी गई पेंटिंग "रनिंग ऑफ फ्री हॉर्स इन रोम" और रोम में होने वाले एक कार्निवाल में घुड़सवारों की प्रतियोगिताओं का प्रतिनिधित्व करने वाले पुराने स्वामी के तरीके की समान विशेषताएं भी दिखाई देती हैं। इस रचना की एक विशेषता यह है कि इसे कलाकार ने पहले से बने प्राकृतिक चित्रों से संकलित किया था। इसके अलावा, रेखाचित्रों की प्रकृति संपूर्ण कार्य की शैली से स्पष्ट रूप से भिन्न होती है। यदि पूर्व में रोमनों के जीवन का वर्णन करने वाले दृश्य हैं - कलाकार के समकालीन, तो समग्र रचना में साहसी प्राचीन नायकों की छवियां हैं, जैसे कि वे प्राचीन कथाओं से निकले हों। इसमें गेरिकॉल्ट जे एल डेविड के मार्ग का अनुसरण करता है, जिसने वीर पथ की छवि देने के लिए अपने नायकों को प्राचीन रूपों में पहना था।

इस चित्र की पेंटिंग के तुरंत बाद, गेरिकॉल्ट फ्रांस लौट आता है, जहां वह चित्रकार होरेस वर्नेट के चारों ओर बने विपक्षी सर्कल का सदस्य बन जाता है। पेरिस पहुंचने पर, कलाकार को विशेष रूप से ग्राफिक्स में दिलचस्पी थी। 1818 में, उन्होंने एक सैन्य विषय पर लिथोग्राफ की एक श्रृंखला बनाई, जिनमें से सबसे महत्वपूर्ण "रूस से वापसी" थी। लिथोग्राफ एक बर्फ से ढके मैदान से भटक रहे फ्रांसीसी सेना के पराजित सैनिकों का प्रतिनिधित्व करता है। अपंग और युद्ध से थके हुए लोगों की आकृतियों को सजीव और सच्चे तरीके से चित्रित किया गया है। रचना में कोई पाथोस और वीर पाथोस नहीं है, जो गेरिकॉल्ट के शुरुआती कार्यों के लिए विशिष्ट था। कलाकार चीजों की वास्तविक स्थिति को प्रतिबिंबित करना चाहता है, उन सभी आपदाओं को जो उनके कमांडर द्वारा छोड़े गए फ्रांसीसी सैनिकों को एक विदेशी भूमि में सहना पड़ा था।

"रूस से वापसी" काम में पहली बार मृत्यु के साथ मनुष्य के संघर्ष का विषय सुना गया था। हालाँकि, यहाँ यह मकसद अभी तक स्पष्ट रूप से व्यक्त नहीं किया गया है जैसा कि गेरिकॉल्ट के बाद के कार्यों में किया गया है। इस तरह के कैनवस का एक उदाहरण "द रफ ऑफ द मेडुसा" नामक पेंटिंग हो सकता है। यह 1819 में लिखा गया था और उसी वर्ष पेरिस सैलून में प्रदर्शित किया गया था। कैनवास उग्र जल तत्व से जूझ रहे लोगों को दर्शाता है। कलाकार न केवल उनकी पीड़ा और पीड़ा को दर्शाता है, बल्कि हर कीमत पर मौत के खिलाफ लड़ाई में विजयी होने की इच्छा भी दिखाता है।

रचना की साजिश 1816 की गर्मियों में हुई एक घटना से तय होती है और पूरे फ्रांस को उत्साहित करती है। तत्कालीन प्रसिद्ध फ्रिगेट "मेडुसा" चट्टानों में भाग गया और अफ्रीका के तट पर डूब गया। जहाज पर सवार 149 लोगों में से केवल 15 ही बच पाए थे, जिनमें सर्जन सविनी और इंजीनियर कोरेर्ड शामिल थे। अपनी मातृभूमि में पहुंचने पर, उन्होंने अपने कारनामों और सुखद बचाव के बारे में बताते हुए एक छोटी सी किताब प्रकाशित की। यह इन यादों से था कि फ्रांसीसी ने सीखा कि दुर्भाग्य जहाज के अनुभवहीन कप्तान की गलती के कारण हुआ, जो एक महान मित्र के संरक्षण के लिए बोर्ड पर चढ़ गया।

गेरिकॉल्ट द्वारा बनाई गई छवियां असामान्य रूप से गतिशील, प्लास्टिक और अभिव्यंजक हैं, जिन्हें कलाकार ने लंबे और श्रमसाध्य कार्य के माध्यम से हासिल किया था। कैनवास पर भयानक घटनाओं को सही मायने में चित्रित करने के लिए, समुद्र में मरने वाले लोगों की भावनाओं को व्यक्त करने के लिए, कलाकार त्रासदी के चश्मदीदों से मिलता है, लंबे समय तक वह क्षीण रोगियों के चेहरों का अध्ययन करता है जिनका इलाज अस्पतालों में से एक में किया जा रहा है। पेरिस में, साथ ही नाविक जो जहाजों के मलबे से बचने में कामयाब रहे। इस समय, चित्रकार ने बड़ी संख्या में चित्र कृतियों का निर्माण किया।

उग्र समुद्र भी गहरे अर्थ से भरा हुआ है, मानो लोगों के साथ एक नाजुक लकड़ी के बेड़ा को निगलने की कोशिश कर रहा हो। यह छवि असामान्य रूप से अभिव्यंजक और गतिशील है। यह, लोगों की आकृतियों की तरह, प्रकृति से खींची गई थी: कलाकार ने तूफान के दौरान समुद्र का चित्रण करते हुए कई रेखाचित्र बनाए। एक स्मारकीय रचना पर काम करते हुए, गेरिकॉल्ट ने तत्वों की प्रकृति को पूरी तरह से प्रतिबिंबित करने के लिए बार-बार पहले से तैयार किए गए रेखाचित्रों की ओर रुख किया। यही कारण है कि चित्र दर्शक पर एक बहुत बड़ा प्रभाव डालता है, जो हो रहा है उसके यथार्थवाद और सच्चाई के बारे में उसे आश्वस्त करता है।

"द बेड़ा ऑफ़ द मेडुसा" गेरिकॉल्ट को रचना के एक उल्लेखनीय मास्टर के रूप में प्रस्तुत करता है। लंबे समय तक, कलाकार ने सोचा कि लेखक के इरादे को पूरी तरह से व्यक्त करने के लिए चित्र में आंकड़ों को कैसे व्यवस्थित किया जाए। काम के दौरान कई बदलाव किए गए। पेंटिंग से पहले के रेखाचित्रों से संकेत मिलता है कि शुरू में गेरिकॉल्ट एक दूसरे के साथ बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को चित्रित करना चाहता था, लेकिन बाद में घटना की इस तरह की व्याख्या को छोड़ दिया। अंतिम संस्करण में, कैनवास उस क्षण का प्रतिनिधित्व करता है जब पहले से ही हताश लोग आर्गस जहाज को क्षितिज पर देखते हैं और अपने हाथों को उस पर फैलाते हैं। चित्र में अंतिम जोड़ कैनवास के दाईं ओर नीचे रखी गई मानव आकृति थी। यह वह थी जो रचना का अंतिम स्पर्श थी, जिसने उसके बाद एक गहरा दुखद चरित्र प्राप्त कर लिया। उल्लेखनीय है कि यह बदलाव तब किया गया था जब पेंटिंग सैलून में पहले से ही प्रदर्शित थी।

अपनी विशालता और बढ़ी हुई भावुकता के साथ, गेरिकॉल्ट की पेंटिंग कई मायनों में उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों (ज्यादातर माइकल एंजेलो की द लास्ट जजमेंट) के काम की याद दिलाती है, जिनसे कलाकार इटली में यात्रा करते समय मिले थे।

पेंटिंग "द रफ ऑफ द मेडुसा", जो फ्रांसीसी चित्रकला की उत्कृष्ट कृति बन गई, विपक्षी हलकों में एक बड़ी सफलता थी, जिन्होंने इसे क्रांतिकारी आदर्शों के प्रतिबिंब के रूप में देखा। उन्हीं कारणों से, फ्रांस की ललित कलाओं के सर्वोच्च बड़प्पन और आधिकारिक प्रतिनिधियों के बीच काम को स्वीकार नहीं किया गया था। इसीलिए उस समय राज्य द्वारा लेखक से कैनवास नहीं खरीदा जाता था।

घर पर अपनी रचना को दिए गए स्वागत से निराश होकर गेरिकॉल्ट इंग्लैंड चला जाता है, जहाँ वह अपना पसंदीदा काम अंग्रेजों के दरबार में प्रस्तुत करता है। लंदन में कला पारखी लोगों ने बड़े उत्साह के साथ प्रसिद्ध कैनवास प्राप्त किया।

गेरिकॉल्ट अंग्रेजी कलाकारों से संपर्क करता है, जो वास्तविकता को ईमानदारी और सच्चाई से चित्रित करने की अपनी क्षमता से उसे जीत लेते हैं। गेरिकॉल्ट ने इंग्लैंड की राजधानी के जीवन और जीवन के लिए लिथोग्राफ का एक चक्र समर्पित किया है, जिसमें "द ग्रेट इंग्लिश सूट" (1821) और "द ओल्ड बेगर डाइंग एट द डोर्स ऑफ द बेकरी" (1821) शीर्षक वाली कृतियां हैं। सबसे बड़ा हित। उत्तरार्द्ध में, कलाकार ने लंदन के एक आवारा का चित्रण किया, जो शहर के मजदूर वर्ग के क्वार्टरों में लोगों के जीवन का अध्ययन करने की प्रक्रिया में चित्रकार द्वारा प्राप्त छापों को दर्शाता है।

उसी चक्र में "द फ़्लैंडर्स स्मिथ" और "एट द गेट्स ऑफ़ द एडेलफिन शिपयार्ड" जैसे लिथोग्राफ शामिल थे, जो दर्शकों को लंदन में आम लोगों के जीवन की एक तस्वीर पेश करते थे। इन कार्यों में रुचि घोड़ों, भारी और अधिक वजन वाले चित्रों की है। वे उन सुंदर और सुंदर जानवरों से बिल्कुल अलग हैं जिन्हें अन्य कलाकारों द्वारा चित्रित किया गया था - गेरिकॉल्ट के समकालीन।

इंग्लैंड की राजधानी में होने के कारण, गेरिकॉल्ट न केवल लिथोग्राफ, बल्कि पेंटिंग भी बनाने में लगा हुआ है। इस अवधि के सबसे हड़ताली कार्यों में से एक कैनवास "रेस एट एप्सम" था, जिसे 1821 में बनाया गया था। चित्र में, कलाकार पूरी गति से दौड़ते हुए घोड़ों को दर्शाता है, और उनके पैर जमीन को बिल्कुल भी नहीं छूते हैं। यह चालाक तकनीक (फोटो ने साबित कर दिया कि दौड़ के दौरान घोड़ों के पैरों की ऐसी स्थिति नहीं हो सकती है, यह कलाकार की कल्पना है) मास्टर द्वारा रचना को गतिशीलता देने के लिए, दर्शकों को बिजली-तेज की छाप देने के लिए उपयोग किया जाता है घोड़ों की आवाजाही। इस भावना को मानव आकृतियों के प्लास्टिसिटी (पोज़, इशारों) के सटीक हस्तांतरण के साथ-साथ चमकीले और समृद्ध रंग संयोजनों (लाल, खाड़ी, सफेद घोड़ों; गहरे नीले, गहरे लाल, सफेद-नीले और सुनहरे-) के उपयोग से बढ़ाया जाता है। जॉकी की पीली जैकेट)।

घुड़दौड़ का विषय, जिसने लंबे समय से अपनी विशेष अभिव्यक्ति के साथ चित्रकार का ध्यान आकर्षित किया था, एप्सम में हॉर्स रेसिंग पर काम पूरा होने के बाद गेरिकॉल्ट द्वारा बनाए गए कार्यों में एक से अधिक बार दोहराया गया था।

1822 तक कलाकार ने इंग्लैंड छोड़ दिया और अपने मूल फ्रांस लौट आया। यहां वह पुनर्जागरण के स्वामी के कार्यों के समान बड़े कैनवस के निर्माण में लगा हुआ है। इनमें "नीग्रो व्यापार", "स्पेन में न्यायिक जांच की जेल के दरवाजे खोलना" शामिल हैं। ये पेंटिंग अधूरी रह गईं - मौत ने गेरिकॉल्ट को काम पूरा करने से रोक दिया।

विशेष रुचि के चित्र हैं, जिनकी रचना कला इतिहासकार 1822 से 1823 की अवधि के लिए करते हैं। उनके लेखन का इतिहास विशेष ध्यान देने योग्य है। तथ्य यह है कि इन चित्रों को कलाकार के एक मित्र द्वारा कमीशन किया गया था, जो पेरिस के एक क्लिनिक में मनोचिकित्सक के रूप में काम करता था। वे एक व्यक्ति की विभिन्न मानसिक बीमारियों का प्रदर्शन करने वाले एक प्रकार के चित्र बनने वाले थे। तो चित्र "पागल बूढ़ी औरत", "पागल", "पागल, खुद को एक कमांडर की कल्पना" चित्रित किए गए थे। चित्रकला के उस्ताद के लिए, रोग के बाहरी लक्षणों और लक्षणों को दिखाना इतना महत्वपूर्ण नहीं था, बल्कि एक बीमार व्यक्ति की आंतरिक, मानसिक स्थिति को व्यक्त करना था। दर्शकों के सामने कैनवस पर लोगों की दुखद छवियां दिखाई देती हैं, जिनकी आंखें दर्द और दुख से भर जाती हैं।

गेरिकॉल्ट के चित्रों में, एक विशेष स्थान पर एक नीग्रो के चित्र का कब्जा है, जो वर्तमान में रूएन संग्रहालय के संग्रह में है। एक दृढ़ निश्चयी और मजबूत इरादों वाला व्यक्ति कैनवास से दर्शक को देखता है, जो उसके प्रति शत्रुतापूर्ण ताकतों के साथ अंत तक लड़ने के लिए तैयार है। छवि असामान्य रूप से उज्ज्वल, भावनात्मक और अभिव्यंजक है। इस तस्वीर का आदमी उन दृढ़-इच्छाशक्ति वाले नायकों के समान है, जिन्हें गेरिकॉल्ट ने पहले बड़ी रचनाओं में दिखाया था (उदाहरण के लिए, कैनवास पर "द बेड़ा ऑफ द मेडुसा")।

गेरिकॉल्ट न केवल चित्रकला के उस्ताद थे, बल्कि एक उत्कृष्ट मूर्तिकार भी थे। उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में इस कला के रूप में उनके काम रोमांटिक मूर्तियों के पहले उदाहरण थे। इस तरह के कार्यों में, असामान्य रूप से अभिव्यंजक रचना "निम्फ एंड सैटियर" विशेष रुचि रखती है। गति में जमे हुए चित्र मानव शरीर की प्लास्टिसिटी को सटीक रूप से व्यक्त करते हैं।

1824 में पेरिस में थियोडोर गेरिकॉल्ट की दुखद मृत्यु हो गई, एक घोड़े से गिरने से दुर्घटनाग्रस्त हो गया। उनकी प्रारंभिक मृत्यु प्रसिद्ध कलाकार के सभी समकालीनों के लिए एक आश्चर्य थी।

गेरिकॉल्ट के काम ने न केवल फ्रांस में, बल्कि विश्व कला में भी चित्रकला के विकास में एक नया चरण चिह्नित किया - रोमांटिकतावाद की अवधि। अपने कार्यों में, मास्टर शास्त्रीय परंपराओं के प्रभाव पर विजय प्राप्त करता है। उनके काम असामान्य रूप से रंगीन हैं और प्राकृतिक दुनिया की विविधता को दर्शाते हैं। रचना में मानवीय आकृतियों का परिचय देकर, कलाकार किसी व्यक्ति की आंतरिक भावनाओं और भावनाओं को यथासंभव पूर्ण और स्पष्ट रूप से प्रकट करने का प्रयास करता है।

गेरिकॉल्ट की मृत्यु के बाद, उनकी रोमांटिक कला की परंपराओं को कलाकार के छोटे समकालीन, ई. डेलाक्रोइक्स ने उठाया।

यूजीन डेलाक्रोइक्स

फर्डिनेंड विक्टर यूजीन डेलाक्रोइक्स, प्रसिद्ध फ्रांसीसी कलाकार और ग्राफिक कलाकार, गेरिकॉल्ट के काम में विकसित रोमांटिकतावाद की परंपराओं के उत्तराधिकारी, का जन्म 1798 में हुआ था। इंपीरियल लिसेयुम से स्नातक किए बिना, 1815 में डेलाक्रोइक्स प्रसिद्ध मास्टर के साथ अध्ययन करने गए थे। गुएरिन। हालांकि, युवा चित्रकार के कलात्मक तरीके शिक्षक की आवश्यकताओं को पूरा नहीं करते थे, इसलिए सात साल बाद युवक उसे छोड़ देता है।

ग्युरिन के साथ अध्ययन करते हुए, डेलाक्रोइक्स ने डेविड के काम और पुनर्जागरण की पेंटिंग के उस्तादों का अध्ययन करने के लिए बहुत समय दिया। वह पुरातनता की संस्कृति को मानते हैं, जिन परंपराओं का डेविड ने भी पालन किया, वे विश्व कला के विकास के लिए मौलिक हैं। इसलिए, डेलाक्रोइक्स के लिए सौंदर्य आदर्श प्राचीन ग्रीस के कवियों और विचारकों के काम थे, उनमें से कलाकार ने विशेष रूप से होमर, होरेस और मार्कस ऑरेलियस के कार्यों की सराहना की।

डेलाक्रोइक्स की पहली रचनाएँ अधूरे कैनवस थे, जहाँ युवा चित्रकार ने तुर्कों के साथ यूनानियों के संघर्ष को प्रतिबिंबित करने की कोशिश की। हालांकि, अभिव्यंजक चित्र बनाने के लिए कलाकार के पास कौशल और अनुभव की कमी थी।

1822 में, डेलाक्रोइक्स ने पेरिस सैलून में दांते और वर्जिल शीर्षक के तहत अपने काम का प्रदर्शन किया। यह कैनवास, असामान्य रूप से भावनात्मक और रंग में उज्ज्वल, कई मायनों में गेरिकॉल्ट "द रफ ऑफ द मेडुसा" के काम जैसा दिखता है।

दो साल बाद, डेलाक्रोइक्स की एक और पेंटिंग, द मासक्रे एट चियोस, सैलून के दर्शकों के लिए प्रस्तुत की गई। यह इसमें था कि तुर्क के साथ यूनानियों के संघर्ष को दिखाने के लिए कलाकार की दीर्घकालिक योजना को मूर्त रूप दिया गया था। चित्र की समग्र रचना में कई भाग होते हैं, जो अलग-अलग रखे गए लोगों के समूह बनाते हैं, उनमें से प्रत्येक का अपना नाटकीय संघर्ष होता है। सामान्य तौर पर, काम एक गहरी त्रासदी का आभास देता है। तनाव और गतिशीलता की भावना चिकनी और तेज रेखाओं के संयोजन से बढ़ जाती है जो पात्रों के आंकड़े बनाते हैं, जिससे कलाकार द्वारा चित्रित व्यक्ति के अनुपात में परिवर्तन होता है। हालाँकि, यह ठीक इसी वजह से है कि चित्र एक यथार्थवादी चरित्र और जीवन की विश्वसनीयता प्राप्त करता है।

डेलाक्रोइक्स की रचनात्मक विधि, पूरी तरह से "चिओस के नरसंहार" में व्यक्त की गई, क्लासिक शैली से बहुत दूर है जिसे फ्रांस के आधिकारिक हलकों में और ललित कला के प्रतिनिधियों के बीच स्वीकार किया जाता है। इसलिए, सैलून में युवा कलाकार की तस्वीर को तीखी आलोचना का सामना करना पड़ा।

असफलता के बावजूद चित्रकार अपने आदर्श के प्रति सच्चा रहता है। 1827 में, स्वतंत्रता के लिए ग्रीक लोगों के संघर्ष के विषय पर समर्पित एक और काम दिखाई दिया - "मिसोलॉन्गी के खंडहरों पर ग्रीस"। कैनवास पर चित्रित एक दृढ़ और गर्वित यूनानी महिला का चित्र यहां पर विजय प्राप्त ग्रीस का प्रतिनिधित्व करता है।

1827 में, डेलाक्रोइक्स ने दो काम किए जो कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों और विधियों के क्षेत्र में मास्टर की रचनात्मक खोज को दर्शाते हैं। ये कैनवस "डेथ ऑफ सरदानपालस" और "मेरिनो फलिएरो" हैं। उनमें से सबसे पहले, मानव आकृतियों के आंदोलन में स्थिति की त्रासदी को व्यक्त किया जाता है। यहां केवल स्वयं सरदानपाल की छवि स्थिर और शांत है। "मेरिनो फलिएरो" की रचना में केवल मुख्य पात्र की आकृति गतिशील है। जो कुछ होने वाला था, उसके बारे में सोचकर बाकी नायक डरावने हो गए।

20 के दशक में। 19 वी सदी डेलाक्रोइक्स ने कई काम किए, जिनमें से भूखंड प्रसिद्ध साहित्यिक कार्यों से लिए गए थे। 1825 में कलाकार ने विलियम शेक्सपियर के जन्मस्थान इंग्लैंड का दौरा किया। उसी वर्ष, इस यात्रा की छाप और प्रसिद्ध नाटककार डेलाक्रोइक्स की त्रासदी के तहत, लिथोग्राफ "मैकबेथ" बनाया गया था। 1827 से 1828 की अवधि में, उन्होंने गोएथे द्वारा इसी नाम के काम को समर्पित एक लिथोग्राफ "फॉस्ट" बनाया।

1830 में फ्रांस में हुई घटनाओं के सिलसिले में, डेलाक्रोइक्स ने "लिबर्टी लीडिंग द पीपल" पेंटिंग का प्रदर्शन किया। क्रांतिकारी फ्रांस को एक युवा, मजबूत महिला, निडर, निर्णायक और स्वतंत्र, साहसपूर्वक भीड़ का नेतृत्व करने की छवि में प्रस्तुत किया जाता है, जिसमें एक कार्यकर्ता, एक छात्र, एक घायल सैनिक, एक पेरिस गेमेन के आंकड़े बाहर खड़े होते हैं (एक छवि जो प्रत्याशित है) गैवरोचे, जो बाद में वी. ह्यूगो द्वारा लेस मिजरेबल्स में दिखाई दिए)।

यह काम अन्य कलाकारों के समान कार्यों से बिल्कुल अलग था, जो केवल एक घटना के सच्चे प्रसारण में रुचि रखते थे। Delacroix द्वारा बनाए गए कैनवस को उच्च वीर पथ की विशेषता थी। यहां की छवियां फ्रांसीसी लोगों की स्वतंत्रता और स्वतंत्रता के सामान्यीकृत प्रतीक हैं।

लुई फिलिप के सत्ता में आने के साथ - राजा-बुर्जुआ वीरता और डेलाक्रोइक्स द्वारा प्रचारित बुलंद भावनाओं, आधुनिक जीवन में कोई जगह नहीं थी। 1831 में कलाकार ने अफ्रीकी देशों की यात्रा की। उन्होंने टैंजियर, मेकनेस, ओरान और अल्जीयर्स की यात्रा की। उसी समय, डेलाक्रोइक्स स्पेन का दौरा करता है। पूर्व का जीवन वस्तुतः कलाकार को अपने तीव्र प्रवाह से मोहित करता है। वह रेखाचित्र, चित्र और कई जल रंग के काम करता है।

मोरक्को का दौरा करने के बाद, डेलाक्रोइक्स पूर्व को समर्पित कैनवस पेंट करता है। पेंटिंग, जिसमें कलाकार घुड़दौड़ या मूर की लड़ाई दिखाता है, असामान्य रूप से गतिशील और अभिव्यंजक हैं। उनकी तुलना में, 1834 में बनाई गई रचना "अल्जीरियाई महिलाएं उनके कक्षों में", शांत और स्थिर लगती हैं। इसमें कलाकार के पहले के कार्यों में निहित वह तेज गतिशीलता और तनाव नहीं है। Delacroix यहाँ रंग के मास्टर के रूप में प्रकट होता है। चित्रकार द्वारा पूरी तरह से उपयोग की गई रंग योजना पैलेट की उज्ज्वल विविधता को दर्शाती है, जिसे दर्शक पूर्व के रंगों से जोड़ता है।

कैनवास "मोरक्को में यहूदी विवाह", लगभग 1841 में लिखा गया, उसी धीमेपन और माप की विशेषता है। राष्ट्रीय इंटीरियर की मौलिकता के कलाकार के सटीक प्रतिपादन के कारण यहां एक रहस्यमय प्राच्य वातावरण बनाया गया है। रचना आश्चर्यजनक रूप से गतिशील लगती है: चित्रकार दिखाता है कि कैसे लोग सीढ़ियों से ऊपर उठते हैं और कमरे में प्रवेश करते हैं। कमरे में प्रवेश करने वाली रोशनी छवि को यथार्थवादी और ठोस बनाती है।

डेलाक्रोइक्स के कार्यों में लंबे समय तक पूर्वी रूपांकन अभी भी मौजूद थे। इसलिए, 1847 में सैलून में आयोजित प्रदर्शनी में, उनके द्वारा प्रस्तुत छह कार्यों में से, पांच पूर्व के जीवन और जीवन के लिए समर्पित थे।

30-40 के दशक में। 19 वीं शताब्दी में, डेलाक्रोइक्स के काम में नए विषय दिखाई देते हैं। इस समय, मास्टर ऐतिहासिक विषयों के कार्यों का निर्माण करता है। उनमें से, कैनवस "स्टेट्स जनरल के विघटन के खिलाफ मिराब्यू का विरोध" और "बोसी डी'एंगल्स" विशेष ध्यान देने योग्य हैं। 1831 में सैलून में दिखाया गया उत्तरार्द्ध का स्केच, एक लोकप्रिय विद्रोह के विषय पर रचनाओं का एक ज्वलंत उदाहरण है।

पेंटिंग "द बैटल ऑफ पोइटियर्स" (1830) और "द बैटल ऑफ तैयबर" (1837) लोगों की छवि को समर्पित हैं। सभी यथार्थवाद के साथ, युद्ध की गतिशीलता, लोगों की आवाजाही, उनके रोष, क्रोध और पीड़ा को यहाँ दिखाया गया है। कलाकार हर कीमत पर जीतने की इच्छा से जब्त व्यक्ति की भावनाओं और जुनून को व्यक्त करना चाहता है। यह लोगों के आंकड़े हैं जो घटना की नाटकीय प्रकृति को व्यक्त करने में मुख्य हैं।

बहुत बार डेलाक्रोइक्स के कार्यों में, विजेता और पराजित एक दूसरे के तीखे विरोधी होते हैं। यह 1840 में लिखे गए कैनवास "द कैप्चर ऑफ कॉन्स्टेंटिनोपल बाय द क्रूसेडर्स" पर विशेष रूप से स्पष्ट रूप से देखा गया है। अग्रभूमि में दु: ख से उबरने वाले लोगों का एक समूह दिखाया गया है। उनके पीछे अपनी सुंदरता के साथ एक रमणीय, मनमोहक परिदृश्य है। विजयी सवारों के आंकड़े भी यहां रखे गए हैं, जिनके दुर्जेय सिल्हूट अग्रभूमि में शोकाकुल आकृतियों के विपरीत हैं।

"द कैप्चर ऑफ कॉन्स्टेंटिनोपल बाय द क्रूसेडर्स" डेलाक्रोइक्स को एक उल्लेखनीय रंगकर्मी के रूप में प्रस्तुत करता है। हालांकि, चमकीले और संतृप्त रंग दुखद शुरुआत को नहीं बढ़ाते हैं, जो दर्शक के करीब स्थित शोकाकुल आंकड़ों द्वारा व्यक्त किया जाता है। इसके विपरीत, एक समृद्ध पैलेट विजेताओं के सम्मान में आयोजित छुट्टी की भावना पैदा करता है।

1840 में बनाई गई रचना "जस्टिस ऑफ ट्रोजन" कोई कम रंगीन नहीं है। कलाकार के समकालीनों ने इस चित्र को सभी चित्रकारों के कैनवस में सर्वश्रेष्ठ में से एक के रूप में पहचाना। विशेष रुचि इस तथ्य में है कि काम के दौरान मास्टर रंग के क्षेत्र में प्रयोग करते हैं। परछाई भी उससे तरह-तरह के शेड्स लेती है। रचना के सभी रंग प्रकृति से बिल्कुल मेल खाते हैं। प्रकृति में रंगों में बदलाव के लिए चित्रकार की लंबी टिप्पणियों से पहले काम का निष्पादन किया गया था। कलाकार ने उन्हें अपनी डायरी में दर्ज किया। फिर, नोटों के अनुसार, वैज्ञानिकों ने पुष्टि की कि डेलाक्रोइक्स द्वारा tonality के क्षेत्र में की गई खोज उस समय पैदा हुए रंग के सिद्धांत के साथ पूरी तरह से संगत थी, जिसके संस्थापक ई। शेवरूल हैं। इसके अलावा, कलाकार अपनी खोजों की तुलना विनीशियन स्कूल द्वारा उपयोग किए गए पैलेट से करता है, जो उनके लिए पेंटिंग कौशल का एक उदाहरण था।

डेलाक्रोइक्स के चित्रों में पोर्ट्रेट एक विशेष स्थान रखते हैं। मास्टर ने शायद ही कभी इस शैली की ओर रुख किया हो। उन्होंने केवल उन्हीं लोगों को चित्रित किया जिनके साथ वह लंबे समय से जानते थे, जिनका आध्यात्मिक विकास कलाकार के सामने हुआ था। इसलिए, चित्रों में चित्र बहुत अभिव्यंजक और गहरे हैं। ये चोपिन और जॉर्ज सैंड के चित्र हैं। प्रसिद्ध लेखक (1834) को समर्पित कैनवास एक महान और मजबूत इरादों वाली महिला को दर्शाता है जो अपने समकालीनों को प्रसन्न करती है। चार साल बाद, 1838 में चोपिन का चित्र, महान संगीतकार की काव्यात्मक और आध्यात्मिक छवि का प्रतिनिधित्व करता है।

1831 के आसपास डेलाक्रोइक्स द्वारा चित्रित प्रसिद्ध वायलिन वादक और संगीतकार पगनिनी का एक दिलचस्प और असामान्य रूप से अभिव्यंजक चित्र। पगनिनी की संगीत शैली कई मायनों में कलाकार की पेंटिंग पद्धति के समान थी। पगनिनी के काम को उसी अभिव्यक्ति और गहन भावनात्मकता की विशेषता है जो चित्रकार के कार्यों की विशेषता थी।

डेलाक्रोइक्स के काम में परिदृश्य एक छोटे से स्थान पर काबिज हैं। हालांकि, वे 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांसीसी चित्रकला के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण साबित हुए। डेलाक्रोइक्स के परिदृश्य प्रकृति के प्रकाश और मायावी जीवन को सटीक रूप से व्यक्त करने की इच्छा से चिह्नित हैं। इसके ज्वलंत उदाहरण पेंटिंग्स "स्काई" हैं, जहां आकाश में तैरते बर्फ-सफेद बादलों के लिए गतिशीलता की भावना पैदा होती है, और "द सी, डिपेप के किनारे से दिखाई देता है" (1854), जिसमें चित्रकार उत्कृष्ट रूप से समुद्र की सतह पर हल्की सेलबोट्स की ग्लाइडिंग को बताता है।

1833 में, कलाकार को फ्रांसीसी राजा से बॉर्बन पैलेस में एक हॉल पेंट करने का आदेश मिला। एक स्मारकीय कार्य के निर्माण पर काम चार साल तक चला। आदेश को पूरा करते समय, चित्रकार को मुख्य रूप से इस तथ्य से निर्देशित किया गया था कि चित्र बेहद सरल और संक्षिप्त थे, जो दर्शक को समझ में आता था।
डेलाक्रोइक्स का अंतिम काम पेरिस में सेंट-सल्पिस के चर्च में पवित्र एन्जिल्स के चैपल की पेंटिंग थी। यह 1849 से 1861 की अवधि में बनाया गया था। चमकीले, समृद्ध रंगों (गुलाबी, चमकीले नीले, बकाइन, राख-नीले और पीले-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर रखे गए) का उपयोग करके, कलाकार रचनाओं में एक हर्षित मूड बनाता है, जिससे दर्शक हर्षित उल्लास महसूस करना। एक तरह की पृष्ठभूमि के रूप में पेंटिंग "द एक्सपल्शन ऑफ इलियोडोर फ्रॉम द टेंपल" में शामिल परिदृश्य, नेत्रहीन रूप से रचना की जगह और चैपल के परिसर को बढ़ाता है। दूसरी ओर, जैसे कि अंतरिक्ष के अलगाव पर जोर देने की कोशिश कर रहा है, डेलाक्रोइक्स संरचना में एक सीढ़ी और एक कटघरा पेश करता है। इसके पीछे रखे लोगों के फिगर लगभग फ्लैट सिलुएट्स लगते हैं।

1863 में पेरिस में यूजीन डेलाक्रोइक्स की मृत्यु हो गई।

डेलाक्रोइक्स 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के चित्रकारों में सबसे अधिक शिक्षित थे। उनके चित्रों के कई विषय कलम के प्रसिद्ध उस्तादों की साहित्यिक कृतियों से लिए गए हैं। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि अक्सर कलाकार बिना किसी मॉडल का उपयोग किए अपने पात्रों को चित्रित करता है। यही वह अपने अनुयायियों को सिखाना चाहता था। डेलाक्रोइक्स के अनुसार, पेंटिंग लाइनों की आदिम नकल की तुलना में कुछ अधिक जटिल है। कलाकार का मानना ​​​​था कि कला मुख्य रूप से गुरु की मनोदशा और रचनात्मक इरादे को व्यक्त करने की क्षमता में निहित है।

डेलाक्रोइक्स कलाकार के रंग, विधि और शैली के मुद्दों पर कई सैद्धांतिक कार्यों के लेखक हैं। इन कार्यों ने बाद की पीढ़ियों के चित्रकारों के लिए रचनाओं को बनाने के लिए उपयोग किए जाने वाले अपने स्वयं के कलात्मक साधनों की खोज में एक बीकन के रूप में कार्य किया।

स्वच्छंदतावाद।

स्वच्छंदतावाद (फ्रांसीसी रोमांटिकवाद), 18वीं सदी के अंत में यूरोपीय और अमेरिकी संस्कृति में एक वैचारिक और कलात्मक आंदोलन - 19वीं सदी का पहला भाग। सामंती समाज के क्रांतिकारी टूटने के युग में स्थापित, क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र और ज्ञानोदय के दर्शन के तर्कवाद और तंत्र की प्रतिक्रिया के रूप में जन्मे, पूर्व, प्रतीत होता है कि अस्थिर विश्व व्यवस्था, रोमांटिकवाद (दोनों एक विशेष प्रकार के विश्वदृष्टि के रूप में) और एक कलात्मक दिशा के रूप में) सांस्कृतिक इतिहास में सबसे जटिल और आंतरिक रूप से विरोधाभासी घटनाओं में से एक बन गया है। प्रबोधन के आदर्शों में निराशा, महान फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों में, आधुनिक वास्तविकता के उपयोगितावाद का खंडन, बुर्जुआ व्यावहारिकता के सिद्धांत, जिसका शिकार मानव व्यक्तित्व था, सामाजिक विकास की संभावनाओं का निराशावादी दृष्टिकोण, "विश्व दुःख" की मानसिकता को रोमांटिकतावाद में विश्व व्यवस्था में सद्भाव की इच्छा के साथ जोड़ा गया था, व्यक्ति की आध्यात्मिक अखंडता, "अनंत" की ओर झुकाव के साथ, नए, पूर्ण और बिना शर्त आदर्शों की खोज के साथ। आदर्शों और दमनकारी वास्तविकता के बीच तीव्र कलह ने कई रोमांटिक लोगों के दिमाग में दो दुनियाओं की एक दर्दनाक भाग्यवादी या क्रोधित भावना पैदा की, सपनों और वास्तविकता के बीच विसंगति का कड़वा मजाक, साहित्य और कला में "रोमांटिक विडंबना" के सिद्धांत तक बढ़ाया। व्यक्तित्व के बढ़ते स्तर के खिलाफ एक तरह की आत्मरक्षा मानव व्यक्तित्व में रूमानियत में निहित सबसे गहरी रुचि थी, जिसे रोमांटिक लोगों द्वारा व्यक्तिगत बाहरी विशेषता और अद्वितीय आंतरिक सामग्री की एकता के रूप में समझा जाता है। एक व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन की गहराई में प्रवेश करते हुए, रोमांटिकतावाद के साहित्य और कला ने एक साथ ऐतिहासिक वास्तविकता के लिए, राष्ट्रों और लोगों की नियति के लिए विशिष्ट, मूल, अद्वितीय की इस तीव्र भावना को स्थानांतरित कर दिया। रोमांटिक लोगों की आंखों के सामने हुए भारी सामाजिक परिवर्तनों ने इतिहास के प्रगतिशील पाठ्यक्रम को दृष्टिगोचर बना दिया। अपने सर्वोत्तम कार्यों में, रोमांटिकतावाद प्रतीकात्मक और साथ ही आधुनिक इतिहास से जुड़ी महत्वपूर्ण छवियों के निर्माण तक बढ़ता है। लेकिन पौराणिक कथाओं, प्राचीन और मध्यकालीन इतिहास से ली गई अतीत की छवियों को हमारे समय के वास्तविक संघर्षों के प्रतिबिंब के रूप में कई रोमांटिक लोगों द्वारा सन्निहित किया गया था।

स्वच्छंदतावाद पहली कलात्मक प्रवृत्ति बन गई जिसमें कलात्मक गतिविधि के विषय के रूप में रचनात्मक व्यक्ति की जागरूकता स्पष्ट रूप से प्रकट हुई। रोमांटिक लोगों ने खुले तौर पर व्यक्तिगत स्वाद, रचनात्मकता की पूर्ण स्वतंत्रता की विजय की घोषणा की। रचनात्मक कार्य को ही निर्णायक महत्व देते हुए, कलाकार की स्वतंत्रता को रोकने वाली बाधाओं को नष्ट करते हुए, उन्होंने साहसपूर्वक उच्च और निम्न, दुखद और हास्य, सामान्य और असामान्य की बराबरी की। स्वच्छंदतावाद ने आध्यात्मिक संस्कृति के सभी क्षेत्रों पर कब्जा कर लिया: साहित्य, संगीत, रंगमंच, दर्शन, सौंदर्यशास्त्र, भाषाशास्त्र और अन्य मानविकी, प्लास्टिक कला। लेकिन साथ ही, यह अब सार्वभौमिक शैली नहीं थी जो क्लासिकवाद थी। उत्तरार्द्ध के विपरीत, रोमांटिकतावाद में अभिव्यक्ति का लगभग कोई राज्य रूप नहीं था (इसलिए, यह वास्तुकला को महत्वपूर्ण रूप से प्रभावित नहीं करता था, मुख्य रूप से उद्यान और पार्क वास्तुकला, छोटे पैमाने पर वास्तुकला और तथाकथित छद्म-गॉथिक की दिशा को प्रभावित करता था)। एक सामाजिक कलात्मक आंदोलन के रूप में इतनी शैली नहीं होने के कारण, रूमानियत ने 19 वीं शताब्दी में कला के आगे विकास का मार्ग खोल दिया, जो व्यापक शैलियों के रूप में नहीं, बल्कि अलग-अलग धाराओं और प्रवृत्तियों के रूप में हुआ। इसके अलावा, रोमांटिकतावाद में पहली बार, कलात्मक रूपों की भाषा पर पूरी तरह से पुनर्विचार नहीं किया गया था: कुछ हद तक, क्लासिकवाद की शैलीगत नींव को संरक्षित किया गया था, महत्वपूर्ण रूप से संशोधित और अलग-अलग देशों (उदाहरण के लिए, फ्रांस में) पर पुनर्विचार किया गया था। उसी समय, एकल शैलीगत दिशा के ढांचे के भीतर, कलाकार की व्यक्तिगत शैली को विकास की अधिक स्वतंत्रता प्राप्त हुई।

वास्तविक ऐतिहासिक परिस्थितियों और राष्ट्रीय परंपराओं के कारण, कई देशों में विकसित, रोमांटिकवाद ने हर जगह एक ज्वलंत राष्ट्रीय पहचान हासिल की। विभिन्न देशों में रोमांटिकतावाद के पहले लक्षण लगभग एक साथ दिखाई दिए। 18वीं सदी के अंत में - 19वीं सदी की शुरुआत। रोमांटिकतावाद की विशेषताएं पहले से ही अलग-अलग डिग्री में निहित हैं: ग्रेट ब्रिटेन में - स्विस जेजी फुसेली के चित्रों और ग्राफिक कार्यों में, जिसमें एक उदास, परिष्कृत विचित्र छवियों की क्लासिकिस्ट स्पष्टता के माध्यम से टूट जाता है, और कवि के काम में और रहस्यमय दूरदर्शी से प्रभावित कलाकार डब्ल्यू ब्लेक; स्पेन में - एफ। गोया के देर से काम, बेलगाम कल्पना और दुखद पथ से भरा, राष्ट्रीय अपमान के खिलाफ एक भावुक विरोध; फ्रांस में - क्रांतिकारी वर्षों में बनाए गए जेएल डेविड के वीर और उत्तेजित चित्र, ए जे ग्रोस की प्रारंभिक तनावपूर्ण नाटकीय रचनाएँ और चित्र, पी। पी। प्रुधों की कृतियाँ स्वप्निल, कुछ हद तक ऊँचे-ऊँचे गीतवाद से प्रभावित हैं, और अकादमिक तरीकों के साथ विरोधाभासी रूप से रोमांटिक प्रवृत्तियों को भी जोड़ती हैं। एफ जेरार्ड के कार्यों के लिए।

रूमानियत का सबसे सुसंगत स्कूल फ्रांस में बहाली और जुलाई राजशाही के दौरान हठधर्मिता और देर से अकादमिक क्लासिकवाद के अमूर्त तर्कवाद के खिलाफ एक जिद्दी संघर्ष में विकसित हुआ। उत्पीड़न और प्रतिक्रिया का विरोध करते हुए, फ्रांसीसी रूमानियत के कई प्रतिनिधि प्रत्यक्ष या अप्रत्यक्ष रूप से 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के सामाजिक आंदोलनों से जुड़े थे। और अक्सर वास्तविक क्रांतिवाद की ओर बढ़े, जिसने फ्रांस में रूमानियत के प्रभावी, पत्रकारीय स्वरूप को निर्धारित किया। फ्रांसीसी कलाकार चित्रात्मक और अभिव्यंजक साधनों में सुधार कर रहे हैं: वे रचना को गतिशील बनाते हैं, तेजी से गति के साथ रूपों को जोड़ते हैं, प्रकाश और छाया के विपरीत, गर्म और ठंडे स्वरों के आधार पर चमकीले संतृप्त रंगों का उपयोग करते हैं, एक स्पार्कलिंग और प्रकाश का सहारा लेते हैं, जो अक्सर पेंटिंग के सामान्यीकृत तरीके से होता है। रोमांटिक स्कूल के संस्थापक, टी। गेरिकॉल्ट के काम में, जिन्होंने अभी भी सामान्यीकृत वीर क्लासिक छवियों के प्रति गुरुत्वाकर्षण बनाए रखा, फ्रांसीसी कला में पहली बार, आसपास की वास्तविकता के खिलाफ एक विरोध और असाधारण घटनाओं का जवाब देने की इच्छा हमारा समय, जो उनके कार्यों में आधुनिक फ्रांस के दुखद भाग्य का प्रतीक है, व्यक्त किया गया है। 1820 के दशक में ई। डेलाक्रोइक्स रोमांटिक स्कूल के मान्यता प्राप्त प्रमुख बन गए। महान ऐतिहासिक घटनाओं से संबंधित होने की भावना जो दुनिया का चेहरा बदल रही है, जलवायु, नाटकीय विषयों की अपील ने उनके सर्वोत्तम कार्यों के पथ और नाटकीय तीव्रता को जन्म दिया। चित्र में, रोमांटिक लोगों के लिए मुख्य बात ज्वलंत पात्रों की पहचान, आध्यात्मिक जीवन का तनाव, मानवीय भावनाओं का क्षणभंगुर आंदोलन था; परिदृश्य में - ब्रह्मांड के तत्वों से प्रेरित प्रकृति की शक्ति के लिए प्रशंसा। फ्रांसीसी रूमानियत के ग्राफिक्स के लिए, लिथोग्राफी और बुक वुडकट्स (एन. टी. चार्लेट, ए. देवेरिया, जे. गिगौक्स, बाद में ग्रानविले, जी. डोर) में नए, बड़े पैमाने पर रूपों का निर्माण सांकेतिक है। सबसे बड़े ग्राफिक कलाकार ओ ड्यूमियर के काम में रोमांटिक प्रवृत्तियां भी निहित हैं, लेकिन उन्होंने अपनी पेंटिंग में खुद को विशेष रूप से दृढ़ता से प्रकट किया। रोमांटिक मूर्तिकला के स्वामी (पी। जे। डेविड डी'एंगर्स, ए। एल। बारी, एफ। रयूड) सख्ती से विवर्तनिक रचनाओं से रूपों की मुक्त व्याख्या में चले गए, क्लासिक प्लास्टिसिटी की शांतता और शांत भव्यता से एक हिंसक आंदोलन तक।

कई फ्रांसीसी रोमांटिक लोगों के कार्यों में, रूमानियत की रूढ़िवादी प्रवृत्ति भी दिखाई दी (आदर्शीकरण, धारणा का व्यक्तिवाद, दुखद निराशा में बदलना, मध्य युग के लिए माफी, आदि), जिसके कारण राजशाही का धार्मिक प्रभाव और खुला महिमामंडन हुआ ( ई। देवेरिया, ए। शेफ़र, आदि)। आधिकारिक कला के प्रतिनिधियों द्वारा रोमांटिकतावाद के अलग-अलग औपचारिक सिद्धांतों का भी व्यापक रूप से उपयोग किया गया था, जिन्होंने उन्हें अकादमिकता के तरीकों (पी। डेलारोचे के मेलोड्रामैटिक ऐतिहासिक चित्रों, ओ। वर्नेट, ई। मेसोनियर के सतही रूप से शानदार औपचारिक और युद्ध कार्यों के साथ जोड़ा। और दूसरे)।

फ्रांस में रूमानियत का ऐतिहासिक भाग्य जटिल और अस्पष्ट था। इसके प्रमुख प्रतिनिधियों के बाद के काम में, यथार्थवादी प्रवृत्ति स्पष्ट रूप से प्रकट हुई थी, आंशिक रूप से पहले से ही वास्तविक की विशिष्टता की बहुत ही रोमांटिक अवधारणा में अंतर्निहित थी। दूसरी ओर, फ्रांसीसी कला में यथार्थवाद के प्रतिनिधियों के शुरुआती काम, सी। कोरोट, बारबिजोन स्कूल के स्वामी, जी। कोर्टबेट, जे। एफ। मिलेट, ई। मैनेट, रोमांटिक प्रवृत्तियों द्वारा अलग-अलग डिग्री पर कब्जा कर लिया गया था। रहस्यवाद और जटिल रूपकवाद, कभी-कभी रूमानियत में निहित, प्रतीकवाद में निरंतरता पाया (जी। मोरो और अन्य); रूमानियत के सौंदर्यशास्त्र की कुछ विशिष्ट विशेषताएं "आधुनिक" और उत्तर-प्रभाववाद की कला में फिर से प्रकट हुईं।

इससे भी अधिक जटिल और विवादास्पद जर्मनी और ऑस्ट्रिया में रूमानियत का विकास था। प्रारंभिक जर्मन रोमांटिकवाद, जो हर चीज पर बारीकी से ध्यान देने की विशेषता है, आलंकारिक-भावनात्मक संरचना के उदासीन-चिंतनशील स्वर, रहस्यमय-पंथवादी मूड, मुख्य रूप से चित्रांकन और रूपक रचनाओं (एफओ रनगे) के क्षेत्र में खोजों के साथ जुड़ा हुआ है, जैसा कि साथ ही परिदृश्य (के। (डी। फ्रेडरिक, आई। ए। कोख)। धार्मिक-पितृसत्तात्मक विचार, 15वीं शताब्दी की इतालवी और जर्मन चित्रकला की धार्मिक भावना और शैलीगत विशेषताओं को पुनर्जीवित करने की इच्छा। Nazarenes (F. Overbeck, J. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius और अन्य) की रचनात्मकता को पोषित किया, जिनकी स्थिति 19 वीं शताब्दी के मध्य तक विशेष रूप से रूढ़िवादी हो गई थी। डसेलडोर्फ स्कूल के कलाकारों के लिए, कुछ हद तक रोमांटिकतावाद के करीब, उन्हें आधुनिक रोमांटिक कविता, भावुकता और मनोरंजक साजिश की भावना में मध्ययुगीन आदर्श गायन के अलावा विशेषता थी। जर्मन रूमानियत के सिद्धांतों का एक प्रकार का संलयन, जो अक्सर साधारण और विशिष्ट "बर्गर" यथार्थवाद का काव्यीकरण करने के लिए प्रवृत्त होता है, बिडेर्मियर (एफ। वाल्डमुलर, आईपी हसेनक्लेवर, एफ। क्रूगर) के प्रतिनिधियों के साथ-साथ के। ब्लेचेन का काम था। . XIX सदी के दूसरे तीसरे से। जर्मन रूमानियत की रेखा एक ओर, डब्ल्यू कौलबैक और के। पायलोटी की भव्य सैलून-अकादमिक पेंटिंग में, और दूसरी ओर, एल। रिक्टर और शैली-कथा, कक्ष के महाकाव्य और रूपक कार्यों में जारी रही। - के। स्पिट्जवेग और एम। वॉन श्वाइंड के साउंडिंग कार्य। रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र ने बड़े पैमाने पर ए वॉन मेन्ज़ेल के काम के गठन को निर्धारित किया, जो बाद में 19 वीं शताब्दी में जर्मन यथार्थवाद का सबसे बड़ा प्रतिनिधि था। जैसे फ्रांस में, 19वीं शताब्दी के अंत तक देर से जर्मन रोमांटिकवाद (फ्रांसीसी की तुलना में अधिक हद तक, जिसने प्रकृतिवाद की विशेषताओं को अवशोषित किया, और फिर "आधुनिक")। प्रतीकात्मकता के साथ शामिल हो गए (एच। थोमा, एफ। वॉन स्टक और एम। क्लिंगर, स्विस ए। बॉकलिन)।

ग्रेट ब्रिटेन में उन्नीसवीं सदी के पूर्वार्ध में। फ्रांसीसी रोमांटिकतावाद के साथ कुछ निकटता और साथ ही मौलिकता, एक स्पष्ट यथार्थवादी प्रवृत्ति ने जे। कांस्टेबल और आर। बोनिंगटन के परिदृश्य, रोमांटिक कथा और ताजा अभिव्यक्तिपूर्ण साधनों की खोज - डब्ल्यू टर्नर के परिदृश्य को चिह्नित किया। धार्मिक और रहस्यमय आकांक्षाएं, मध्य युग और प्रारंभिक पुनर्जागरण की संस्कृति से लगाव, साथ ही हस्तशिल्प के काम के पुनरुद्धार की उम्मीदों ने देर से रोमांटिक प्री-राफेलाइट आंदोलन (डीजी रॉसेटी, जेई मिल्स, एक्स हंट, ई। बर्न-जोन्स, आदि)।

संयुक्त राज्य अमेरिका में 19वीं सदी के दौरान। रोमांटिक दिशा को मुख्य रूप से परिदृश्य (टी। कोहल, जे। इनेस, ए.पी. राइडर) द्वारा दर्शाया गया था। रोमांटिक परिदृश्य अन्य देशों में भी विकसित हुआ, लेकिन यूरोप के उन देशों में रूमानियत की मुख्य सामग्री जहां राष्ट्रीय आत्म-चेतना जाग रही थी, स्थानीय सांस्कृतिक और कलात्मक विरासत, लोक जीवन के विषयों, राष्ट्रीय इतिहास और मुक्ति संघर्ष में रुचि थी। बेल्जियम में जी। वैपर्स, एल। गाले, एक्स। लेज़ और ए। विर्ट्ज़, एफ। आयस, डी। और जे। इंडुनो, जे। कार्नेवाली और इटली में डी। मोरेली, पुर्तगाल में डी। ए। सिकीरा, प्रतिनिधियों का काम ऐसा है। लैटिन अमेरिका में कॉस्ट्यूम्ब्रिज्म, चेक गणराज्य में आई। माने और आई। नवरातिल, हंगरी में एम। बरबाश और वी। मदरस, एओ ओरलोवस्की, पी। मिचलोव्स्की, एक्स। रोडकोवस्की और पोलैंड में दिवंगत रोमांटिक जे। माटेजको। स्लाव देशों, स्कैंडिनेविया और बाल्टिक्स में राष्ट्रीय रोमांटिक आंदोलन ने स्थानीय कला विद्यालयों के गठन और सुदृढ़ीकरण में योगदान दिया।

रूस में, रोमांटिकतावाद कई स्वामी के काम में अलग-अलग डिग्री के लिए प्रकट हुआ - ए ओ ओरलोवस्की की पेंटिंग और ग्राफिक्स में, जो सेंट पीटर्सबर्ग चले गए, ओ ए किप्रेंस्की के चित्रों में, और कुछ हद तक, वी। ए। ट्रोपिनिन। रूसी परिदृश्य के गठन पर स्वच्छंदतावाद का महत्वपूर्ण प्रभाव था (सिल्व का काम। एफ। शेड्रिन, वोरोब्योव एम। एन।, एम। आई। लेबेदेव; युवा आई। के। ऐवाज़ोव्स्की के काम)। के.पी. ब्रायलोव, एफ.ए. ब्रूनी, एफ.पी. टॉल्स्टॉय; उसी समय, ब्रायलोव के चित्र रूसी कला में रूमानियत के सिद्धांतों की सबसे ज्वलंत अभिव्यक्तियों में से एक देते हैं। कुछ हद तक, रोमांटिकतावाद ने पी। ए। फेडोटोव और ए। ए। इवानोव की पेंटिंग को प्रभावित किया।

वास्तुकला में स्वच्छंदतावाद।

विश्व इतिहास की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक - महान फ्रेंच क्रांति- न केवल राजनीतिक, बल्कि पूरी दुनिया के सांस्कृतिक जीवन में भी एक घातक क्षण बन गया। अठारहवीं सदी के अंत में - अमेरिका और यूरोप में 19वीं सदी के पूर्वार्द्ध में, कला में रोमांटिकतावाद प्रमुख शैलीगत प्रवृत्ति बन गया।

प्रबुद्धता का युग महान बुर्जुआ क्रांति के साथ समाप्त हुआ। इसके साथ ही स्थिरता, व्यवस्था और शांति की भावना गायब हो गई। भाईचारे, समानता और स्वतंत्रता के नए घोषित विचारों ने भविष्य में असीम आशावाद और विश्वास पैदा किया, और इतनी तेज उथल-पुथल - भय और असुरक्षा की भावना। अतीत उस बचत द्वीप जैसा प्रतीत होता था जहां अच्छाई, शालीनता, ईमानदारी, और सबसे महत्वपूर्ण बात, निरंतरता का शासन था। इस प्रकार, रोमांटिकतावाद अतीत के आदर्शीकरण और विशाल दुनिया में किसी व्यक्ति के स्थान की खोज में पैदा होता है।

वास्तुकला में रूमानियत का फूल नए डिजाइनों, विधियों और निर्माण सामग्री के उपयोग से जुड़ा है। विभिन्न धातु संरचनाएं दिखाई देती हैं, पुल बनाए जाते हैं। लोहा और इस्पात के सस्ते उत्पादन के लिए प्रौद्योगिकियों का विकास किया गया है।

स्वच्छंदतावाद वास्तुशिल्प रूपों की सादगी को नकारता है, इसके बजाय विविधता, स्वतंत्रता और जटिल सिल्हूट की पेशकश करता है। समरूपता अपना सर्वोपरि महत्व खो देती है।

शैली विदेशी देशों की सबसे समृद्ध सांस्कृतिक परत को साकार करती है, जो लंबे समय तक यूरोपीय लोगों से दूर थी। न केवल प्राचीन ग्रीक और रोमन वास्तुकला, बल्कि अन्य संस्कृतियों को भी मूल्यवान माना जाता है। गॉथिक वास्तुकला रूमानियत का आधार बन जाती है। प्राच्य वास्तुकला पर विशेष ध्यान दिया जाता है। पिछले युगों के सांस्कृतिक स्मारकों को संरक्षित करने और पुनर्जीवित करने की आवश्यकता के बारे में जागरूकता है।

स्वच्छंदतावाद को प्राकृतिक और कृत्रिम के बीच की सीमाओं को धुंधला करने की विशेषता है: पार्क, कृत्रिम जलाशय और झरने डिजाइन किए गए हैं। इमारतें मेहराब, गज़ेबोस, प्राचीन टावरों की नकल से घिरी हुई हैं। स्वच्छंदतावाद पेस्टल रंगों को तरजीह देता है।

स्वच्छंदतावाद नियमों और सिद्धांतों से इनकार करता है; इसमें सख्त वर्जनाएं या सख्ती से अनिवार्य तत्व नहीं हैं। मुख्य मानदंड अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता, मानव व्यक्तित्व पर ध्यान देना, रचनात्मक ढीलापन है।

एक आधुनिक इंटीरियर में, रूमानियत को लोककथाओं के रूपों और प्राकृतिक सामग्रियों - फोर्जिंग, जंगली पत्थर, बिना लकड़ी की लकड़ी के लिए एक अपील के रूप में समझा जाता है, हालांकि, इस तरह की शैली का 18 वीं - 19 वीं शताब्दी के मोड़ की स्थापत्य दिशा से कोई लेना-देना नहीं है।

चित्रकला में स्वच्छंदतावाद।

यदि फ्रांस क्लासिकवाद का पूर्वज था, तो "रोमांटिक स्कूल की जड़ों को खोजने के लिए," उनके समकालीनों में से एक ने लिखा, "हमें जर्मनी जाना चाहिए। वह वहाँ पैदा हुई थी, और वहाँ आधुनिक इतालवी और फ्रांसीसी रोमांटिक लोगों ने अपना स्वाद बनाया।

खंडित जर्मनी क्रांतिकारी उभार को नहीं जानता था। जर्मन रोमांटिक लोगों में से कई उन्नत सामाजिक विचारों के पथ से अलग थे। उन्होंने मध्य युग को आदर्श बनाया। उन्होंने गैर-जिम्मेदार आध्यात्मिक आवेगों के सामने आत्मसमर्पण कर दिया, मानव जीवन के परित्याग की बात की। उनमें से कई की कला निष्क्रिय और चिंतनशील थी। उन्होंने पोर्ट्रेट और लैंडस्केप पेंटिंग के क्षेत्र में अपना सर्वश्रेष्ठ काम किया।

वह एक उत्कृष्ट चित्रकार थे ओटो रनगे(1777-1810)। इस गुरु के चित्र, बाहरी शांति के साथ, एक गहन और गहन आंतरिक जीवन से विस्मित करते हैं।

रूंग इन . द्वारा रोमांटिक कवि की छवि देखी जाती है " आत्म चित्र". वह ध्यान से खुद की जांच करता है और एक काले बालों वाला, काली आंखों वाला, गंभीर, ऊर्जा से भरा, विचारशील और मजबूत इरादों वाला युवक देखता है। रोमांटिक कलाकार खुद को जानना चाहता है। चित्र के निष्पादन का तरीका तेज और व्यापक है, जैसे कि रचनाकार की आध्यात्मिक ऊर्जा को पहले से ही काम की बनावट में व्यक्त किया जाना चाहिए; एक गहरे रंगीन रेंज में, प्रकाश और अंधेरे के विपरीत दिखाई देते हैं। कंट्रास्ट रोमांटिक मास्टर्स की एक विशिष्ट सचित्र तकनीक है।

किसी व्यक्ति की मनोदशा के परिवर्तनशील नाटक को पकड़ने के लिए, उसकी आत्मा को देखने के लिए, रोमांटिक गोदाम का एक कलाकार हमेशा कोशिश करेगा। और इस संबंध में, बच्चों के चित्र उसके लिए उपजाऊ सामग्री के रूप में काम करेंगे। में " चित्र बच्चे ह्यूलसेनबेक” (1805) रनगे न केवल एक बच्चे के चरित्र की जीवंतता और तात्कालिकता को व्यक्त करता है, बल्कि एक उज्ज्वल मूड के लिए एक विशेष स्वागत भी पाता है। चित्र में पृष्ठभूमि एक परिदृश्य है, जो न केवल कलाकार के रंगीन उपहार, प्रकृति के प्रति प्रशंसनीय रवैये की गवाही देता है, बल्कि स्थानिक संबंधों के उत्कृष्ट प्रजनन में नई समस्याओं के उद्भव के लिए, खुली हवा में वस्तुओं के हल्के रंगों की भी गवाही देता है। एक रोमांटिक मास्टर, अपने "मैं" को ब्रह्मांड के विस्तार के साथ मिलाना चाहता है, प्रकृति के कामुक रूप से मूर्त रूप को पकड़ने का प्रयास करता है। लेकिन छवि की इस कामुकता के साथ, वह बड़ी दुनिया के प्रतीक "कलाकार के विचार" को देखना पसंद करते हैं।

रंज, पहले रोमांटिक कलाकारों में से एक, ने खुद को कला के संश्लेषण का कार्य निर्धारित किया: पेंटिंग, मूर्तिकला, वास्तुकला, संगीत। कलाकार कल्पना करता है, 17 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के प्रसिद्ध जर्मन विचारक के विचारों के साथ अपनी दार्शनिक अवधारणा को मजबूत करता है। जैकब बोहेम। संसार एक प्रकार का रहस्यमय संपूर्ण है, जिसका प्रत्येक कण संपूर्ण को व्यक्त करता है। यह विचार पूरे यूरोपीय महाद्वीप के रोमांटिक लोगों से संबंधित है।

एक अन्य प्रमुख जर्मन रोमांटिक चित्रकार कैस्पर डेविड फ्रेडरिक(1774-1840) ने अन्य सभी शैलियों के लिए परिदृश्य को प्राथमिकता दी और अपने पूरे जीवन में केवल प्रकृति के चित्रों को चित्रित किया। फ्रेडरिक के कार्य का मुख्य उद्देश्य मनुष्य और प्रकृति की एकता का विचार है।

"प्रकृति की आवाज़ को सुनें जो हमारे भीतर बोलती है," कलाकार अपने छात्रों को निर्देश देता है। एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया ब्रह्मांड की अनंतता को व्यक्त करती है, इसलिए, खुद को सुनकर, एक व्यक्ति दुनिया की आध्यात्मिक गहराई को समझने में सक्षम होता है।

सुनने की स्थिति प्रकृति और उसकी छवि वाले व्यक्ति के "संचार" के मुख्य रूप को निर्धारित करती है। यह प्रकृति की महानता, रहस्य या ज्ञानोदय और प्रेक्षक की चेतन अवस्था है। सच है, बहुत बार फ्रेडरिक अपने चित्रों के परिदृश्य स्थान को "प्रवेश" करने की अनुमति नहीं देता है, लेकिन विशाल विस्तार की आलंकारिक संरचना की सूक्ष्म पैठ में, एक भावना की उपस्थिति, एक व्यक्ति के अनुभव को महसूस किया जाता है। परिदृश्य के चित्रण में विषयवाद केवल रोमांटिक के काम के साथ कला में आता है, जो 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के स्वामी द्वारा प्रकृति के गीतात्मक रहस्योद्घाटन को दर्शाता है। शोधकर्ताओं ने फ्रेडरिक के कार्यों में "प्रदर्शनों की सूची का विस्तार" नोट किया। परिदृश्य रूपांकनों की। लेखक की साल और दिन के अलग-अलग समय पर समुद्र, पहाड़ों, जंगलों और प्रकृति के विभिन्न रंगों में रुचि है।

1811-1812 पहाड़ों की कलाकार की यात्रा के परिणामस्वरूप पर्वतीय परिदृश्यों की एक श्रृंखला के निर्माण द्वारा चिह्नित। ” सुबह में पहाड़ों” सुरम्य रूप से एक नई प्राकृतिक वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करता है, जो उगते सूरज की किरणों में पैदा होती है। गुलाबी-बैंगनी स्वर ढँकते हैं और उन्हें मात्रा और भौतिक गुरुत्वाकर्षण से वंचित करते हैं। नेपोलियन (1812-1813) के साथ युद्ध के वर्षों ने फ्रेडरिक को देशभक्ति के विषयों में बदल दिया। क्लेस्ट के नाटक से प्रेरित होकर, वे लिखते हैं “ गंभीर आर्मीनिया” - प्राचीन जर्मनिक नायकों की कब्रों के साथ एक परिदृश्य।

फ्रेडरिक समुद्र के दृश्यों का एक सूक्ष्म स्वामी था: “ युग” , “ सूर्योदय चांद के ऊपर समुद्र के द्वारा” , ” कयामत “ आशाएँ” में बर्फ” .

कलाकार की अंतिम कृतियाँ - “ विश्राम पर खेत” , “ बड़ा दलदल” और “ याद के बारे में विशाल पहाड़ों” , ” विशाल पहाड़” - एक अंधेरे अग्रभूमि में पर्वत श्रृंखलाओं और पत्थरों की एक श्रृंखला। यह, जाहिरा तौर पर, किसी व्यक्ति की खुद पर जीत की अनुभवी भावना की वापसी है, "दुनिया के शीर्ष" पर चढ़ने की खुशी, उज्ज्वल, अजेय ऊंचाइयों की इच्छा। कलाकार की भावनाओं ने एक विशेष तरीके से इन पर्वतीय जनों की रचना की, और फिर से पहले कदमों के अंधेरे से भविष्य के प्रकाश की ओर जाने वाले आंदोलन को पढ़ा जाता है। पृष्ठभूमि में पर्वत शिखर को गुरु की आध्यात्मिक आकांक्षाओं के केंद्र के रूप में उजागर किया गया है। चित्र रोमांटिक के किसी भी काम की तरह बहुत ही सहयोगी है, और इसमें पढ़ने और व्याख्या के विभिन्न स्तरों को शामिल किया गया है।

फ्रेडरिक ड्राइंग में बहुत सटीक है, अपने चित्रों के लयबद्ध निर्माण में संगीतमय रूप से सामंजस्यपूर्ण है, जिसमें वह रंग और प्रकाश प्रभावों की भावनाओं के माध्यम से बोलने की कोशिश करता है। "कई को थोड़ा दिया जाता है, कुछ को बहुत कुछ दिया जाता है। हर कोई प्रकृति की आत्मा को अलग तरह से खोलता है। इसलिए, कोई भी एक बाध्यकारी बिना शर्त कानून के रूप में अपने अनुभव और अपने नियमों को दूसरे में स्थानांतरित करने की हिम्मत नहीं करता है। कोई भी सबका मापक नहीं है। हर कोई अपने भीतर केवल अपने लिए और कमोबेश अपने प्रति दयालु प्रकृति के लिए एक उपाय रखता है, ”गुरु का यह प्रतिबिंब उनके आंतरिक जीवन और रचनात्मकता की अद्भुत अखंडता को साबित करता है। कलाकार की विशिष्टता उसके काम की स्वतंत्रता में ही स्पष्ट है - रोमांटिक फ्रेडरिक इस पर खड़ा है।

जर्मनी में रोमांटिक पेंटिंग की एक और शाखा के क्लासिकिज्म के प्रतिनिधि - "क्लासिक्स" - कलाकारों से अधिक औपचारिक रूप से विघटन प्रतीत होता है - नाज़रेनेस. वियना में स्थापित और रोम (1809-1810) में बसे, "सेंट ल्यूक के संघ" ने धार्मिक मुद्दों की स्मारकीय कला को पुनर्जीवित करने के विचार के साथ स्वामी को एकजुट किया। मध्य युग रोमांटिक लोगों के लिए इतिहास का एक पसंदीदा काल था। लेकिन अपनी कलात्मक खोज में, नाज़रीन ने इटली और जर्मनी में प्रारंभिक पुनर्जागरण चित्रकला की परंपराओं की ओर रुख किया। ओवरबेक और गेफोर एक नए गठबंधन के सर्जक थे, जो बाद में कॉर्नेलियस, श्नॉफ वॉन कारोल्सफेल्ड, वीट फ्यूरिच से जुड़ गए।

नाज़रीन का आंदोलन फ्रांस, इटली और इंग्लैंड में क्लासिकिस्ट शिक्षाविदों के विरोध के अपने रूपों के अनुरूप था। उदाहरण के लिए, फ्रांस में, तथाकथित "आदिम" कलाकार डेविड की कार्यशाला से उभरे, और इंग्लैंड में, प्री-राफेलाइट्स। रोमांटिक परंपरा की भावना में, वे कला को "समय की अभिव्यक्ति", "लोगों की भावना" मानते थे, लेकिन उनकी विषयगत या औपचारिक प्राथमिकताएं, जो पहले एकीकरण के नारे की तरह लगती थीं, थोड़ी देर बाद बदल गईं अकादमी के सिद्धांतों के समान सिद्धांतों में, जिनका उन्होंने खंडन किया।

फ्रांस में रूमानियत की कला विशेष तरीकों से विकसित हुई। पहली चीज जिसने इसे अन्य देशों में समान आंदोलनों से अलग किया, वह थी इसका सक्रिय, आक्रामक ("क्रांतिकारी") चरित्र। कवियों, लेखकों, संगीतकारों, कलाकारों ने न केवल नए कार्यों का निर्माण करके, बल्कि पत्रिका और समाचार पत्रों के विवाद में भाग लेकर भी अपनी स्थिति का बचाव किया, जिसे शोधकर्ताओं ने "रोमांटिक लड़ाई" के रूप में वर्णित किया है। प्रसिद्ध वी। ह्यूगो, स्टेंडल, जॉर्ज सैंड, बर्लियोज़ और कई अन्य फ्रांसीसी लेखकों, संगीतकारों और पत्रकारों ने रोमांटिक विवाद में "अपने पंखों का सम्मान" किया।

फ्रांस में रोमांटिक पेंटिंग डेविड के क्लासिकिस्ट स्कूल, अकादमिक कला के विरोध के रूप में उभरती है, जिसे सामान्य रूप से "स्कूल" कहा जाता है। लेकिन इसे व्यापक अर्थों में समझा जाना चाहिए: यह प्रतिक्रियावादी युग की आधिकारिक विचारधारा का विरोध था, इसकी निम्न-बुर्जुआ सीमाओं का विरोध था। इसलिए रोमांटिक कार्यों की दयनीय प्रकृति, उनकी घबराहट उत्तेजना, विदेशी रूपांकनों के प्रति आकर्षण, ऐतिहासिक और साहित्यिक भूखंडों के लिए, हर चीज के लिए जो "मंद रोजमर्रा की जिंदगी" से दूर हो सकती है, इसलिए कल्पना का यह नाटक, और कभी-कभी, इसके विपरीत, स्वप्नदोष और गतिविधि का पूर्ण अभाव।

"स्कूल" के प्रतिनिधियों, शिक्षाविदों ने, सबसे पहले, रोमांटिक लोगों की भाषा के खिलाफ विद्रोह किया: उनका उत्साहित गर्म रंग, रूप का उनका मॉडलिंग, "क्लासिक्स", मूर्ति-प्लास्टिक से परिचित नहीं, लेकिन रंग के धब्बे के मजबूत विरोधाभासों पर बनाया गया; उनकी अभिव्यंजक ड्राइंग, जानबूझकर सटीक होने से इनकार करते हुए; उनकी बोल्ड, कभी-कभी अराजक रचना, महिमा से रहित और अडिग शांत। अपने जीवन के अंत तक, रोमांटिक लोगों के अडिग दुश्मन इंग्रेस ने कहा कि डेलाक्रोइक्स "एक पागल झाड़ू के साथ लिखता है", और डेलाक्रोइक्स ने इंग्रेस और "स्कूल" के सभी कलाकारों पर शीतलता, तर्कसंगतता, आंदोलन की कमी का आरोप लगाया, कि वे न लिखें, बल्कि उनके चित्रों को "पेंट" करें। लेकिन यह दो उज्ज्वल, पूरी तरह से अलग व्यक्तित्वों का एक साधारण संघर्ष नहीं था, यह दो अलग-अलग कलात्मक विश्वदृष्टि के बीच का संघर्ष था।

यह संघर्ष लगभग आधी सदी तक चला, कला में रूमानियत आसानी से नहीं जीती और न ही तुरंत, और इस प्रवृत्ति के पहले कलाकार थे थिओडोर गेरीकॉल्ट(1791-1824) - वीर स्मारकीय रूपों का एक मास्टर, जिसने अपने काम में क्लासिकिस्टिक विशेषताओं और रोमांटिकतावाद की विशेषताओं दोनों को जोड़ा, और अंत में, एक शक्तिशाली यथार्थवादी शुरुआत जिसने मध्य में यथार्थवाद की कला पर एक बड़ा प्रभाव डाला। 19 वी सदी। लेकिन अपने जीवनकाल में उन्हें कुछ करीबी दोस्तों ने ही सराहा था।

थियोडोर झारिको का नाम रूमानियत की पहली शानदार सफलताओं से जुड़ा है। पहले से ही उनके शुरुआती चित्रों (सेना के चित्र, घोड़ों के चित्र) में, प्राचीन आदर्श जीवन की प्रत्यक्ष धारणा से पहले पीछे हट गए थे।

1812 में सैलून में गेरिकॉल्ट एक तस्वीर दिखाता है “ अफ़सर शाही घुड़सवार रेंजर लोग में समय आक्रमण”. यह नेपोलियन की महिमा और फ्रांस की सैन्य शक्ति के अपभू का वर्ष था।

चित्र की रचना सवार को "अचानक" क्षण के एक असामान्य परिप्रेक्ष्य में प्रस्तुत करती है जब घोड़ा ऊपर उठा, और सवार, घोड़े की लगभग ऊर्ध्वाधर स्थिति को पकड़े हुए, दर्शक की ओर मुड़ गया। अस्थिरता के ऐसे क्षण की छवि, मुद्रा की असंभवता आंदोलन के प्रभाव को बढ़ाती है। घोड़े के पास समर्थन का एक बिंदु है, उसे जमीन पर गिरना चाहिए, उस लड़ाई में पंगा लेना चाहिए जिसने उसे ऐसी स्थिति में लाया। इस काम में बहुत कुछ मिला: गेरिकॉल्ट का अपनी शक्तियों के मालिक होने की संभावना में बिना शर्त विश्वास, घोड़ों को चित्रित करने के लिए एक भावुक प्रेम और एक नौसिखिए मास्टर का साहस यह दिखाने में कि केवल संगीत या कविता की भाषा पहले क्या व्यक्त कर सकती थी - का उत्साह एक लड़ाई, एक हमले की शुरुआत, एक जीवित प्राणी का अंतिम तनाव। युवा लेखक ने आंदोलन की गतिशीलता के प्रसारण पर अपनी छवि बनाई, और उसके लिए यह महत्वपूर्ण था कि वह दर्शक को "अनुमान" के लिए सेट करे कि वह क्या चित्रित करना चाहता है।

फ्रांस में रोमांस के चित्रात्मक आख्यान की ऐसी गतिशीलता की परंपराएं व्यावहारिक रूप से मौजूद नहीं थीं, सिवाय शायद गॉथिक मंदिरों की राहतों में, क्योंकि जब गेरिकॉल्ट पहली बार इटली आया था, तो वह माइकल एंजेलो की रचनाओं की छिपी शक्ति से दंग रह गया था। "मैं कांप गया," वे लिखते हैं, "मैंने खुद पर संदेह किया और लंबे समय तक इस अनुभव से उबर नहीं पाया।" लेकिन स्टेंडल ने माइकल एंजेलो को कला में एक नई शैलीगत प्रवृत्ति के अग्रदूत के रूप में अपने विवादास्पद लेखों में पहले भी इंगित किया था।

गेरिकॉल्ट की पेंटिंग ने न केवल एक नई कलात्मक प्रतिभा के जन्म की घोषणा की, बल्कि नेपोलियन के विचारों के साथ लेखक के जुनून और निराशा को भी श्रद्धांजलि दी। इस विषय से संबंधित कई अन्य कार्य हैं: अफ़सर काराबिनियरी”, “ अफ़सर कवचधारी अश्वारोही सामने हमला”, “ चित्र काराबिनियरी”, “ घायल कवचधारी अश्वारोही”.

"फ्रांस में पेंटिंग की स्थिति पर प्रतिबिंब" ग्रंथ में, वह लिखते हैं कि "लक्जरी और कला बन गए हैं ... एक आवश्यकता और, जैसा कि यह था, कल्पना के लिए भोजन, जो एक सभ्य व्यक्ति का दूसरा जीवन है। .. प्रमुख आवश्यकता की बात नहीं है, कलाएँ तभी प्रकट होती हैं जब आवश्यक आवश्यकताएँ पूरी होती हैं और जब बहुतायत आती है। एक आदमी, रोजमर्रा की चिंताओं से मुक्त होकर, ऊब से छुटकारा पाने के लिए सुखों की तलाश करने लगा, जो अनिवार्य रूप से संतोष के बीच में उसे पछाड़ देगा।

1818 में इटली से लौटने के बाद गेरिकॉल्ट द्वारा कला की शैक्षिक और मानवतावादी भूमिका की इस तरह की समझ का प्रदर्शन किया गया था - उन्होंने नेपोलियन की हार सहित विभिन्न विषयों की नकल करते हुए लिथोग्राफी में संलग्न होना शुरू किया ( “ वापसी से रूस” ).

उसी समय, कलाकार अफ्रीका के तट पर फ्रिगेट "मेडुसा" की मौत की छवि की ओर मुड़ता है, जिसने समाज को बहुत उत्तेजित किया। संरक्षण के तहत पद पर नियुक्त एक अनुभवहीन कप्तान की गलती के कारण आपदा हुई। जहाज के बचे हुए यात्रियों, सर्जन सविग्नी और इंजीनियर कोरियर ने दुर्घटना के बारे में विस्तार से बताया।

मरने वाला जहाज बेड़ा फेंकने में कामयाब रहा, जिस पर मुट्ठी भर बचाए गए लोग सवार हो गए। बारह दिनों के लिए उन्हें उग्र समुद्र के साथ ले जाया गया, जब तक कि वे मोक्ष से नहीं मिले - जहाज "आर्गस"।

गेरिकॉल्ट मानव आध्यात्मिक और शारीरिक शक्ति के अंतिम तनाव की स्थिति में रुचि रखते थे। पेंटिंग में 15 जीवित यात्रियों को एक बेड़ा पर दर्शाया गया है जब उन्होंने क्षितिज पर आर्गस को देखा। “ बेड़ा “ जेलिफ़िश” कलाकार के लंबे प्रारंभिक कार्य का परिणाम था। उन्होंने उग्र समुद्र के कई रेखाचित्र बनाए, अस्पताल में बचाए गए लोगों के चित्र बनाए। सबसे पहले, गेरिकॉल्ट एक दूसरे के साथ बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को दिखाना चाहता था, लेकिन फिर वह समुद्री तत्व के विजेताओं के वीर व्यवहार और राज्य की लापरवाही पर बस गया। लोगों ने साहसपूर्वक दुर्भाग्य को सहन किया, और मोक्ष की आशा ने उन्हें नहीं छोड़ा: बेड़ा पर प्रत्येक समूह की अपनी विशेषताएं हैं। रचना के निर्माण में, गेरिकॉल्ट ऊपर से एक दृष्टिकोण चुनता है, जिसने उसे अंतरिक्ष (समुद्र की दूरी) के मनोरम कवरेज को संयोजित करने और चित्रित करने की अनुमति दी, जिससे बेड़ा के सभी निवासियों को अग्रभूमि के बहुत करीब लाया गया। समूह से समूह में गतिशीलता के विकास की लय की स्पष्टता, नग्न शरीर की सुंदरता, चित्र का गहरा रंग छवि की पारंपरिकता का एक निश्चित नोट सेट करता है। लेकिन यह देखने वाले दर्शक के लिए बात नहीं है, जिसके लिए भाषा की पारंपरिकता भी मुख्य बात को समझने और महसूस करने में मदद करती है: किसी व्यक्ति की लड़ने और जीतने की क्षमता।

गेरिकॉल्ट के नवाचार ने उस आंदोलन को व्यक्त करने के लिए नए अवसर खोले जो रोमांटिकता, एक व्यक्ति की अंतर्निहित भावनाओं, चित्र की रंगीन बनावट अभिव्यक्ति को चिंतित करते थे।

उसकी खोज में गेरीकॉल्ट का वारिस था यूजीन डेलाक्रोइक्स. सच है, डेलाक्रोइक्स को अपने जीवन काल के रूप में दो बार अनुमति दी गई थी, और वह न केवल रोमांटिकवाद की शुद्धता को साबित करने में कामयाब रहे, बल्कि 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की पेंटिंग में नई दिशा को आशीर्वाद देने में भी कामयाब रहे। - प्रभाववाद।

अपने दम पर लिखना शुरू करने से पहले, यूजीन ने लेरेन स्कूल में अध्ययन किया: उन्होंने जीवन से चित्रित किया, लौवर में महान रूबेन्स, रेम्ब्रांट, वेरोनीज़, टिटियन की नकल की ... युवा कलाकार ने दिन में 10-12 घंटे काम किया। उन्होंने महान माइकल एंजेलो के शब्दों को याद किया: "पेंटिंग एक ईर्ष्यालु मालकिन है, यह पूरे व्यक्ति की मांग करती है ..."

डेलाक्रोइक्स, गेरिकॉल्ट द्वारा प्रदर्शन प्रदर्शन के बाद, अच्छी तरह से जानता था कि कला में मजबूत भावनात्मक उथल-पुथल का समय आ गया है। सबसे पहले, वह प्रसिद्ध साहित्यिक भूखंडों के माध्यम से उनके लिए एक नए युग को समझने की कोशिश करता है। उनकी पेंटिंग “ डांटे और वर्जिल” , 1822 के सैलून में प्रस्तुत, दो कवियों की ऐतिहासिक साहचर्य छवियों के माध्यम से एक प्रयास है: पुरातनता - वर्जिल और पुनर्जागरण - दांते - एक उबलती हुई कड़ाही, आधुनिक युग के "नरक" को देखने के लिए। एक बार अपनी "डिवाइन कॉमेडी" में दांते ने वर्जिल की भूमि को सभी क्षेत्रों (स्वर्ग, नरक, शोधन) में एक अनुरक्षण के रूप में लिया। दांते के काम में, मध्य युग में पुरातनता की स्मृति का अनुभव करके एक नए पुनर्जागरण की दुनिया का उदय हुआ। पुरातनता के संश्लेषण के रूप में रोमांटिक का प्रतीक, पुनर्जागरण और मध्य युग दांते और वर्जिल के दर्शन के "डरावनी" में उत्पन्न हुआ। लेकिन जटिल दार्शनिक रूपक पूर्व-पुनर्जागरण युग और एक अमर साहित्यिक कृति का एक अच्छा भावनात्मक चित्रण निकला।

डेलाक्रोइक्स अपने समकालीन लोगों के दिलों में अपने दिल के दर्द के माध्यम से सीधी प्रतिक्रिया खोजने की कोशिश करेगा। उस समय के युवा, उत्पीड़कों के लिए स्वतंत्रता और घृणा से जलते हुए, ग्रीस के मुक्ति संग्राम के प्रति सहानुभूति रखते हैं। इंग्लैंड का रोमांटिक बार्ड बायरन वहां लड़ने जा रहा है। डेलाक्रोइक्स एक अधिक विशिष्ट ऐतिहासिक घटना के चित्रण में नए युग का अर्थ देखता है - स्वतंत्रता-प्रेमी ग्रीस का संघर्ष और पीड़ा। वह तुर्कों द्वारा कब्जा किए गए ग्रीक द्वीप चियोस की आबादी की मौत की साजिश पर रहता है। 1824 के सैलून में, डेलाक्रोइक्स एक पेंटिंग दिखाता है “ हत्याकांड पर द्वीप चियोसे”. पहाड़ी इलाके के अंतहीन विस्तार की पृष्ठभूमि के खिलाफ, जो अभी भी आग और निरंतर लड़ाई के धुएं से चिल्लाता है, कलाकार घायल, थके हुए महिलाओं और बच्चों के कई समूहों को दिखाता है। दुश्मनों के आने से पहले उनके पास आजादी के आखिरी मिनट थे। दायीं ओर एक घोड़े पर सवार तुर्क पूरे अग्रभूमि और वहां मौजूद पीड़ितों की भीड़ पर लटकता हुआ प्रतीत होता है। सुंदर शरीर, मोहित लोगों के चेहरे। वैसे, डेलाक्रोइक्स बाद में लिखेंगे कि ग्रीक मूर्तिकला को कलाकारों द्वारा चित्रलिपि में बदल दिया गया था जो चेहरे और आकृति की वास्तविक ग्रीक सुंदरता को छिपाते थे। लेकिन, पराजित यूनानियों के चेहरों में "आत्मा की सुंदरता" को प्रकट करते हुए, चित्रकार घटनाओं को इतना नाटकीय बनाता है कि तनाव की एकल गतिशील गति को बनाए रखने के लिए, वह आंकड़ों के कोणों के विरूपण पर जाता है। गेरिकॉल्ट के काम से इन "गलतियों" को पहले ही "हल" कर दिया गया था, लेकिन डेलाक्रोइक्स एक बार फिर रोमांटिक पंथ को प्रदर्शित करता है कि पेंटिंग "एक स्थिति की सच्चाई नहीं है, बल्कि एक भावना की सच्चाई है।"

1824 में, डेलाक्रोइक्स ने अपने मित्र और शिक्षक गेरिकॉल्ट को खो दिया। और वह नई पेंटिंग के नेता बन गए।

इतने वर्ष बीत गए। एक के बाद एक, तस्वीरें सामने आईं: “ यूनान पर खंडहर मिसालुंगी”, “ मौत सरदानापाली” और अन्य कलाकार चित्रकारों की मंडलियों में बहिष्कृत हो गए। लेकिन 1830 की जुलाई क्रांति ने स्थिति बदल दी। वह कलाकार को जीत और उपलब्धियों के रोमांस से प्रज्वलित करती है। वह एक चित्र पेंट करता है “ आजादी पर बाड़”.

1831 में, पेरिस सैलून में, फ्रांसीसी ने पहली बार इस पेंटिंग को देखा, जो 1830 की जुलाई क्रांति के "तीन गौरवशाली दिनों" को समर्पित थी। कैनवास ने कलात्मक निर्णय की शक्ति, लोकतंत्र और साहस के साथ समकालीनों पर एक आश्चर्यजनक छाप छोड़ी। किंवदंती के अनुसार, एक सम्मानित बुर्जुआ ने कहा: "आप कहते हैं - स्कूल का मुखिया? मुझे बेहतर बताओ - विद्रोह का मुखिया! सैलून के बंद होने के बाद, तस्वीर से निकलने वाली खतरनाक और प्रेरक अपील से भयभीत सरकार ने इसे लेखक को वापस करने की जल्दबाजी की। 1848 की क्रांति के दौरान, इसे फिर से लक्ज़मबर्ग पैलेस में सार्वजनिक प्रदर्शन के लिए रखा गया था। और फिर से कलाकार के पास लौट आया। 1855 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कैनवास प्रदर्शित होने के बाद ही यह लौवर में समाप्त हुआ। फ्रांसीसी रूमानियत की सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक आज तक यहां रखी गई है - एक प्रेरित प्रत्यक्षदर्शी खाता और लोगों की स्वतंत्रता के लिए संघर्ष के लिए एक शाश्वत स्मारक।

युवा फ्रांसीसी रोमांटिक ने इन दो विपरीत सिद्धांतों को मिलाने के लिए कौन सी कलात्मक भाषा खोजी - एक व्यापक, सर्वव्यापी सामान्यीकरण और एक ठोस वास्तविकता इसकी नग्नता में क्रूर?

प्रसिद्ध जुलाई 1830 के पेरिस। दूरी में, शायद ही ध्यान देने योग्य है, लेकिन गर्व से नॉट्रे डेम कैथेड्रल के टॉवर - इतिहास, संस्कृति और फ्रांसीसी लोगों की भावना का प्रतीक है। वहां से धुएँ के रंग के शहर से, बैरिकेड्स के खंडहरों के ऊपर, मृत साथियों के शवों के ऊपर, विद्रोही हठ और दृढ़ संकल्प के साथ आगे आते हैं। उनमें से प्रत्येक मर सकता है, लेकिन विद्रोहियों का कदम अडिग है - वे जीतने की इच्छा से, स्वतंत्रता के लिए प्रेरित हैं।

यह प्रेरक शक्ति एक खूबसूरत युवती की छवि में सन्निहित है, जो उसे बुला रही है। अटूट ऊर्जा, स्वतंत्र और युवा गति के साथ, वह जीत की ग्रीक देवी, नाइके की तरह है। उसका मजबूत फिगर एक चिटोन ड्रेस में तैयार है, उसका चेहरा एकदम सही विशेषताओं के साथ, जलती आँखों के साथ, विद्रोहियों की ओर मुड़ गया है। एक हाथ में वह फ्रांस का तिरंगा झंडा पकड़े हुए है, दूसरे हाथ में - एक बंदूक। सिर पर एक फ्रिजियन टोपी है - गुलामी से मुक्ति का एक प्राचीन प्रतीक। उसका कदम तेज और हल्का है - इस तरह देवी कदम रखती हैं। वहीं, एक महिला की छवि वास्तविक है - वह फ्रांसीसी लोगों की बेटी है। वह बैरिकेड्स पर समूह की आवाजाही के पीछे मार्गदर्शक शक्ति है। इससे, जैसे कि ऊर्जा के केंद्र में प्रकाश के स्रोत से, किरणें निकलती हैं, प्यास से चार्ज होती हैं और जीतने की इच्छा होती है। जो लोग इसके करीब हैं, वे अपने-अपने तरीके से इस प्रेरक आह्वान में अपनी भागीदारी व्यक्त करते हैं।

दाईं ओर एक लड़का है, एक पेरिस का जुआरी, पिस्तौल लहराते हुए। वह स्वतंत्रता के सबसे करीब है और, जैसा कि वह था, उसके उत्साह और मुक्त आवेग के आनंद से प्रज्वलित था। एक तेज, बचकाना अधीर आंदोलन में, वह अपने प्रेरक से थोड़ा आगे है। यह पौराणिक गावरोचे का पूर्ववर्ती है, जिसे बीस साल बाद विक्टर ह्यूगो ने उपन्यास लेस मिजरेबल्स में चित्रित किया था: “प्रेरणा से भरपूर, दीप्तिमान गेवरोचे ने पूरी चीज को गति में स्थापित करने का कार्य अपने ऊपर ले लिया। वह आगे-पीछे कराहता रहा, उठा, नीचे गिरा, फिर उठा, शोर मचाया, खुशी से जगमगा उठा। ऐसा लगता है कि वह यहां सभी को खुश करने के लिए आया है। क्या इसके पीछे उसका कोई मकसद था? हाँ, बिल्कुल, उसकी गरीबी। क्या उसके पास पंख थे? हाँ, बिल्कुल, उसकी प्रसन्नता। यह एक तरह का बवंडर था। एक ही समय में हर जगह मौजूद होने के कारण, यह हवा को अपने आप से भरता हुआ लग रहा था ... विशाल बैरिकेड्स ने इसे अपनी रीढ़ पर महसूस किया।

डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग में गैवरोच युवाओं का व्यक्तित्व है, एक "सुंदर आवेग", स्वतंत्रता के उज्ज्वल विचार की एक हर्षित स्वीकृति। दो चित्र - गेवरोचे और लिबर्टी - एक दूसरे के पूरक प्रतीत होते हैं: एक आग है, दूसरी उससे जली हुई मशाल है। हेनरिक हाइन ने बताया कि पेरिसवासियों के बीच गैवरोचे के चित्र पर कितनी जीवंत प्रतिक्रिया हुई। "नरक! एक किराना दुकानदार बोला। "वे लड़के दैत्यों की तरह लड़े!"

बाईं ओर बंदूक वाला एक छात्र है। पहले, इसे कलाकार के स्व-चित्र के रूप में देखा जाता था। यह विद्रोही गैवरोचे की तरह तेज नहीं है। उसकी गति अधिक संयमित, अधिक एकाग्र, अर्थपूर्ण होती है। हाथ आत्मविश्वास से बंदूक की बैरल को निचोड़ते हैं, चेहरा अंत तक खड़े होने के लिए साहस, दृढ़ संकल्प व्यक्त करता है। यह एक गहरी दुखद छवि है। छात्र विद्रोहियों को होने वाले नुकसान की अनिवार्यता से अवगत है, लेकिन पीड़ित उसे डराते नहीं हैं - स्वतंत्रता की इच्छा मजबूत होती है। उसके पीछे एक कृपाण के साथ एक समान रूप से बहादुर और दृढ़ कार्यकर्ता खड़ा है। स्वतंत्रता के चरणों में घायल हो गए। वह कठिनाई से एक बार फिर स्वतंत्रता की ओर देखने के लिए उठता है, पूरे मन से उस सुंदरता को देखने और महसूस करने के लिए जिसके लिए वह मर रहा है। यह आंकड़ा डेलाक्रोइक्स के कैनवास की ध्वनि के लिए एक नाटकीय शुरुआत लाता है। यदि गेवरोचे, लिबर्टी, छात्र, कार्यकर्ता की छवियां - लगभग प्रतीक, स्वतंत्रता सेनानियों की अटूट इच्छा का अवतार - दर्शकों को प्रेरित और बुलाते हैं, तो घायल व्यक्ति करुणा की मांग करता है। इंसान आज़ादी को अलविदा कहता है, ज़िंदगी को अलविदा कहता है। वह अभी भी एक आवेग है, एक गति है, लेकिन पहले से ही एक लुप्त होती आवेग है।

उनका आंकड़ा संक्रमणकालीन है। दर्शकों की निगाहें, अभी भी विद्रोहियों के क्रांतिकारी दृढ़ संकल्प से मोहित और मोहित होकर, गौरवशाली मृत सैनिकों के शरीर से ढके आड़ के पैर तक उतरती हैं। कलाकार द्वारा मृत्यु को सभी नग्नता और तथ्य के प्रमाण में प्रस्तुत किया जाता है। हम मरे हुओं के नीले चेहरे, उनके नग्न शरीर देखते हैं: संघर्ष निर्दयी है, और मृत्यु उतनी ही अपरिहार्य है जितनी सुंदर प्रेरक स्वतंत्रता।

चित्र के निचले किनारे पर भयानक दृष्टि से, हम फिर से अपनी आँखें उठाते हैं और एक सुंदर युवा आकृति देखते हैं - नहीं! जीवन जीत गया! इतनी स्पष्ट और मूर्त रूप में सन्निहित स्वतंत्रता का विचार भविष्य पर इतना केंद्रित है कि इसके नाम पर मृत्यु भयानक नहीं है।

कलाकार जीवित और मृत विद्रोहियों के केवल एक छोटे समूह को दर्शाता है। लेकिन आड़ के रक्षक असामान्य रूप से असंख्य लगते हैं। रचना इस तरह से बनाई गई है कि सेनानियों का समूह सीमित नहीं है, अपने आप में बंद नहीं है। वह लोगों के अंतहीन हिमस्खलन का एक हिस्सा है। कलाकार देता है, जैसा कि वह था, समूह का एक टुकड़ा: चित्र का फ्रेम बाएं, दाएं और नीचे के आंकड़ों को काट देता है।

आमतौर पर डेलाक्रोइक्स के कार्यों में रंग एक भावनात्मक ध्वनि प्राप्त करता है, एक नाटकीय प्रभाव पैदा करने में प्रमुख भूमिका निभाता है। रंग, कभी उग्र, कभी फीके, दबे हुए, तनावपूर्ण माहौल बनाते हैं। में « आजादी पर बाड़» Delacroix इस सिद्धांत से विदा लेता है। बहुत सटीक रूप से, अनजाने में पेंट चुनना, इसे व्यापक स्ट्रोक के साथ लागू करना, कलाकार युद्ध के माहौल को बताता है।

लेकिन रंगों की सीमा संयमित है। Delacroix प्रपत्र के राहत मॉडलिंग पर केंद्रित है। यह चित्र के आलंकारिक समाधान के लिए आवश्यक था। आखिरकार, कल की एक विशिष्ट घटना का चित्रण करते हुए, कलाकार ने इस घटना के लिए एक स्मारक भी बनाया। इसलिए, आंकड़े लगभग मूर्तिकला हैं। इसलिए, प्रत्येक चरित्र, पूरे चित्र का हिस्सा होने के नाते, अपने आप में कुछ बंद भी बनाता है, एक पूर्ण रूप में डाले गए प्रतीक का प्रतिनिधित्व करता है। इसलिए, रंग न केवल भावनात्मक रूप से दर्शक की भावनाओं को प्रभावित करता है, बल्कि एक प्रतीकात्मक भार भी वहन करता है। यहां और वहां, लाल, नीले, सफेद रंग की एक गंभीर त्रय भूरे-भूरे रंग की जगह में चमकती है - 1789 की फ्रांसीसी क्रांति के बैनर के रंग। इन रंगों की बार-बार पुनरावृत्ति बैरिकेड्स पर उड़ने वाले तिरंगे झंडे के शक्तिशाली राग का समर्थन करती है।

Delacroix . द्वारा चित्रकारी « आजादी पर बाड़» - इसके दायरे में एक जटिल, भव्य कार्य। यहां प्रत्यक्ष रूप से देखे गए तथ्य की प्रामाणिकता और छवियों के प्रतीकवाद संयुक्त हैं; यथार्थवाद, क्रूर प्रकृतिवाद तक पहुँचना, और आदर्श सौंदर्य; कठोर, भयानक और उदात्त, शुद्ध।

चित्र “ आजादी पर बाड़” फ्रांसीसी चित्रकला में रूमानियत की जीत को समेकित किया। 30 के दशक में, दो और ऐतिहासिक चित्रों को चित्रित किया गया था: “ लड़ाई पर पॉटिए” और “ हत्या बिशप जागीरदार”.

1822 में कलाकार ने उत्तरी अफ्रीका, मोरक्को, अल्जीरिया का दौरा किया। यात्रा ने उन पर एक अमिट छाप छोड़ी। 50 के दशक में, इस यात्रा की यादों से प्रेरित पेंटिंग उनके काम में दिखाई दीं: ” शिकार करना पर लायंस”, “ मोरक्को, सैडलिंग घोड़ा” और अन्य। उज्ज्वल विपरीत रंग इन चित्रों के लिए एक रोमांटिक ध्वनि बनाता है। उनमें एक विस्तृत स्ट्रोक की तकनीक दिखाई देती है।

डेलाक्रोइक्स ने एक रोमांटिक के रूप में अपनी आत्मा की स्थिति को न केवल चित्रमय छवियों की भाषा में, बल्कि अपने विचारों के साहित्यिक रूप में भी दर्ज किया। उन्होंने रोमांटिक कलाकार के रचनात्मक कार्यों की प्रक्रिया, रंग में उनके प्रयोग, संगीत और कला के अन्य रूपों के बीच संबंधों पर प्रतिबिंबों का अच्छी तरह से वर्णन किया। उनकी डायरी बाद की पीढ़ियों के कलाकारों के लिए पसंदीदा पठन बन गई।

फ्रांसीसी रोमांटिक स्कूल ने मूर्तिकला (रूड और उनकी मार्सिलेज राहत), लैंडस्केप पेंटिंग (फ्रांस की प्रकृति की हल्की-हवा की छवियों के साथ केमिली कोरोट) के क्षेत्र में महत्वपूर्ण प्रगति की।

रोमांटिकतावाद के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिपरक दृष्टि एक कानून का रूप लेती है। प्रभाववाद कला को एक छाप घोषित करते हुए कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा। रोमान्टिक्स कलाकार की कल्पना, "उसकी भावनाओं की आवाज" की बात करते हैं, जो उसे काम को रोकने की अनुमति देता है जब मास्टर इसे आवश्यक समझता है, न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों के अनुसार।

यदि गेरिकॉल्ट की कल्पनाओं ने आंदोलन के हस्तांतरण पर ध्यान केंद्रित किया, डेलाक्रोइक्स - रंग की जादुई शक्ति पर, और जर्मनों ने इसमें एक निश्चित "पेंटिंग की भावना" को जोड़ा, तो चेहरे में स्पेनिश रोमांटिक्स फ्रांसिस्को गोया(1746-1828) ने शैली की लोककथाओं की उत्पत्ति, इसके फैंटमसागोरिक और विचित्र चरित्र को दिखाया। गोया खुद और उनका काम किसी भी शैलीगत ढांचे से बहुत दूर दिखता है, खासकर जब से कलाकार को अक्सर प्रदर्शन सामग्री के नियमों का पालन करना पड़ता था (जब, उदाहरण के लिए, उन्होंने बुने हुए जालीदार कालीनों के लिए पेंटिंग बनाई थी) या ग्राहक की आवश्यकताओं।

नक़्क़ाशी श्रृंखला में उनका फैंटमसेगोरिया दिखाई दिया “ केप्रिचोस” (1797-1799), “ आपदाओं युद्धों” (1810-1820), “ विषमता (“ मूर्खताएं”) (1815-1820), "हाउस ऑफ द डेफ" के भित्ति चित्र और मैड्रिड में सैन एंटोनियो डे ला फ्लोरिडा का चर्च (1798)। 1792 में एक गंभीर बीमारी के कारण कलाकार पूरी तरह से बहरा हो गया। शारीरिक और आध्यात्मिक आघात सहने के बाद गुरु की कला अधिक केंद्रित, विचारशील, आंतरिक रूप से गतिशील हो जाती है। बहरेपन के कारण बंद बाहरी दुनिया ने गोया के आंतरिक आध्यात्मिक जीवन को सक्रिय कर दिया।

नक़्क़ाशी में “ केप्रिचोस” गोया तात्कालिक प्रतिक्रियाओं, तेज भावनाओं के हस्तांतरण में असाधारण शक्ति प्राप्त करता है। श्वेत-श्याम प्रदर्शन, बड़े धब्बों के बोल्ड संयोजन के लिए धन्यवाद, ग्राफिक्स की रैखिकता विशेषता की कमी, एक पेंटिंग के सभी गुणों को प्राप्त करती है।

मैड्रिड गोया में चर्च ऑफ सेंट एंथोनी के भित्ति चित्र, ऐसा लगता है, एक सांस में बनाता है। स्ट्रोक का स्वभाव, रचना की संक्षिप्तता, पात्रों की विशेषताओं की अभिव्यक्ति, जिसका प्रकार गोया ने सीधे भीड़ से लिया है, अद्भुत हैं। कलाकार फ्लोरिडा के एंथोनी के चमत्कार को दर्शाता है, जिसने हत्यारे को फिर से जीवित किया और बोला, जिसने हत्यारे का नाम लिया और इस तरह निर्दोष रूप से निंदा करने वाले को फांसी से बचाया। उज्ज्वल प्रतिक्रिया करने वाली भीड़ की गतिशीलता को इशारों में और चित्रित चेहरों के चेहरे के भावों में व्यक्त किया जाता है। चर्च के अंतरिक्ष में चित्रों के वितरण की रचनात्मक योजना में, चित्रकार टाईपोलो का अनुसरण करता है, लेकिन वह जो प्रतिक्रिया दर्शकों में पैदा करता है वह बारोक नहीं है, बल्कि विशुद्ध रूप से रोमांटिक है, जो प्रत्येक दर्शक की भावना को प्रभावित करता है, उसे मुड़ने के लिए कहता है वह स्वयं।

सबसे बढ़कर, यह लक्ष्य कोंटो डेल सोर्डो ("हाउस ऑफ द डेफ") की पेंटिंग में हासिल किया गया है, जिसमें गोया 1819 से रहते थे। कमरों की दीवारें एक शानदार और अलंकारिक प्रकृति की पंद्रह रचनाओं से ढकी हैं। उन्हें समझने के लिए गहरी सहानुभूति की आवश्यकता होती है। शहरों, महिलाओं, पुरुषों, आदि के किसी प्रकार के दर्शन के रूप में छवियां उत्पन्न होती हैं। रंग, चमकता, एक आकृति को खींचता है, फिर दूसरा। पेंटिंग समग्र रूप से अंधेरा है, इसमें सफेद, पीले, गुलाबी-लाल धब्बे, अशांत भावनाओं की चमक का प्रभुत्व है। श्रृंखला की नक़्क़ाशी “ विषमता” .

गोया ने पिछले 4 साल फ्रांस में बिताए। यह संभावना नहीं है कि वह जानता था कि डेलाक्रोइक्स ने अपने "कैप्रिचोस" के साथ भाग नहीं लिया था। और वह यह नहीं देख सकता था कि ह्यूगो और बौडेलेयर को इन नक़्क़ाशी से कैसे दूर किया जाएगा, मानेट पर उनकी पेंटिंग का कितना बड़ा प्रभाव होगा, और XIX सदी के 80 के दशक में कैसे। वी। स्टासोव रूसी कलाकारों को अपने "युद्ध की आपदाओं" का अध्ययन करने के लिए आमंत्रित करेंगे

लेकिन हम, इसे देखते हुए, जानते हैं कि एक साहसी यथार्थवादी और प्रेरित रोमांटिक की इस "शैलीहीन" कला का 19वीं और 20वीं शताब्दी की कलात्मक संस्कृति पर कितना बड़ा प्रभाव पड़ा।

सपनों की शानदार दुनिया को अंग्रेजी रोमांटिक कलाकार ने अपनी कृतियों में साकार किया है विलियम ब्लेक(1757-1827)। इंग्लैंड रोमांटिक साहित्य की उत्कृष्ट भूमि थी। बायरन, शेली "धुंधला एल्बियन" से बहुत आगे इस आंदोलन का बैनर बन गया। फ्रांस में, "रोमांटिक लड़ाई" के समय की पत्रिका आलोचना में, रोमांटिक को "शेक्सपियरियन" कहा जाता था। अंग्रेजी चित्रकला की मुख्य विशेषता हमेशा मानव व्यक्तित्व में रुचि रही है, जिसने चित्र शैली को फलदायी रूप से विकसित करने की अनुमति दी। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का भावुकता से बहुत गहरा संबंध है। मध्य युग में रोमांटिक लोगों की रुचि ने एक बड़े ऐतिहासिक साहित्य को जन्म दिया, जिसके मान्यता प्राप्त मास्टर डब्ल्यू स्कॉट हैं। पेंटिंग में, मध्य युग के विषय ने तथाकथित प्री-राफेलाइट्स की उपस्थिति निर्धारित की।

विलियम ब्लेक अंग्रेजी सांस्कृतिक परिदृश्य पर एक अद्भुत प्रकार का रोमांटिक है। वह कविता लिखता है, अपनी और अन्य पुस्तकों का चित्रण करता है। उनकी प्रतिभा ने दुनिया को एक समग्र एकता में गले लगाने और व्यक्त करने की मांग की। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ बाइबिल की "बुक ऑफ़ जॉब", दांते की "द डिवाइन कॉमेडी", मिल्टन द्वारा "पैराडाइज़ लॉस्ट" के चित्र हैं। वह अपनी रचनाओं को नायकों के टाइटैनिक आंकड़ों से भर देता है, जो एक अवास्तविक प्रबुद्ध या फैंटमसागोरिक दुनिया के उनके परिवेश के अनुरूप हैं। विद्रोही अभिमान या सद्भाव की भावना, जो विसंगतियों से पैदा करना मुश्किल है, उनके दृष्टांतों पर हावी हो जाती है।

ब्लेक का रूमानियतवाद अपने स्वयं के कलात्मक सूत्र और दुनिया के अस्तित्व के रूप को खोजने की कोशिश कर रहा है।

विलियम ब्लेक, अत्यधिक गरीबी और अस्पष्टता का जीवन जी रहे थे, उनकी मृत्यु के बाद उन्हें अंग्रेजी कला के क्लासिक्स के मेजबान में स्थान दिया गया था।

XIX सदी की शुरुआत के अंग्रेजी परिदृश्य चित्रकारों के काम में। रोमांटिक शौक प्रकृति के अधिक उद्देश्यपूर्ण और शांत दृष्टिकोण के साथ संयुक्त हैं।

रोमांटिक रूप से उन्नत परिदृश्य बनाता है विलियम टर्नर(1775-1851)। उन्हें गरज, बारिश, समुद्र में तूफान, उज्ज्वल, उग्र सूर्यास्त का चित्रण करना पसंद था। टर्नर ने अक्सर प्रकाश के प्रभावों को बढ़ा-चढ़ाकर पेश किया और प्रकृति की शांत अवस्था को चित्रित करते हुए भी रंग की ध्वनि को तेज किया। अधिक प्रभाव के लिए, उन्होंने पानी के रंग की तकनीक का इस्तेमाल किया और बहुत पतली परत में तेल पेंट लगाया और सीधे जमीन पर चित्रित किया, जिससे इंद्रधनुषी अतिप्रवाह प्राप्त हुआ। एक उदाहरण तस्वीर है “ वर्षा, भाप और स्पीड” (1844)। लेकिन उस समय के जाने-माने आलोचक ठाकरे भी सही ढंग से समझ नहीं पाए, शायद, डिजाइन और निष्पादन दोनों में एक अभिनव तस्वीर। उन्होंने लिखा, "गंदी पोटीन के दाग से बारिश का संकेत मिलता है," एक पैलेट चाकू के साथ कैनवास पर बिखरे हुए, एक मंद टिमटिमाना के साथ सूरज की रोशनी गंदे पीले क्रोम की बहुत मोटी गांठों से टूट जाती है। छाया को स्कार्लेट क्राप्लाक के ठंडे रंगों और म्यूट टोन के सिनाबार स्पॉट द्वारा व्यक्त किया जाता है। और यद्यपि लोकोमोटिव भट्टी में आग लाल लगती है, मैं यह दावा नहीं करता कि यह कोबाल्ट या मटर के रंग में नहीं खींची गई है। टर्नर के रंग में "तले हुए अंडे और पालक" के रंग में एक और आलोचक पाया गया। स्वर्गीय टर्नर के रंग आम तौर पर समकालीनों के लिए पूरी तरह से अकल्पनीय और शानदार लगते थे। उनमें वास्तविक प्रेक्षणों के अंश को देखने में एक सदी से भी अधिक समय लगा। लेकिन अन्य मामलों की तरह, यह यहाँ था। एक चश्मदीद गवाह का जिज्ञासु खाता, या यों कहें, के जन्म का साक्षी

19 वीं शताब्दी के मध्य की अंग्रेजी कला। टर्नर की पेंटिंग की तुलना में पूरी तरह से अलग दिशा में विकसित हुआ। हालाँकि उनके कौशल को आम तौर पर पहचाना जाता था, लेकिन किसी भी युवा ने उनका अनुसरण नहीं किया।

द्वितीय. रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद

रूस में स्वच्छंदतावाद एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के पक्ष में पश्चिमी यूरोपीय से भिन्न था। फ्रांसीसी क्रांति को इसकी घटना के कारणों में से एक के रूप में नहीं गिना जा सकता है; लोगों के एक बहुत ही संकीर्ण दायरे को अपने पाठ्यक्रम में परिवर्तन की कोई उम्मीद थी। और क्रांति के परिणाम पूरी तरह से निराशाजनक थे। 19वीं सदी की शुरुआत में रूस में पूंजीवाद का सवाल। खड़ा नहीं हुआ। इसलिए ऐसा कोई कारण नहीं था। वास्तविक कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोगों की पहल की सारी शक्ति प्रकट हुई थी। लेकिन युद्ध के बाद लोगों को वसीयत नहीं मिली। सबसे अच्छा कुलीन, वास्तविकता से असंतुष्ट, दिसंबर 1825 में सीनेट स्क्वायर गया। इस अधिनियम ने रचनात्मक बुद्धिजीवियों पर भी अपनी छाप छोड़ी। युद्ध के बाद के अशांत वर्ष वह वातावरण बन गए जिसमें रूसी रूमानियत का गठन हुआ।

अपने कैनवस में, रूसी रोमांटिक चित्रकारों ने स्वतंत्रता के प्यार की भावना व्यक्त की, सक्रिय कार्रवाई, जुनून और स्वभाव से मानवतावाद की अभिव्यक्ति की अपील की। रूसी चित्रकारों के रोजमर्रा के कैनवस प्रासंगिकता और मनोविज्ञान, अभूतपूर्व अभिव्यक्ति से प्रतिष्ठित हैं। आध्यात्मिक, उदासीन परिदृश्य फिर से मानव दुनिया में घुसने के लिए रोमांटिक लोगों का एक ही प्रयास है, यह दिखाने के लिए कि एक व्यक्ति कैसे रहता है और कैसे सपने देखता है। रूसी रोमांटिक पेंटिंग विदेशी से अलग थी। यह ऐतिहासिक स्थिति और परंपरा द्वारा निर्धारित किया गया था।

रूसी रोमांटिक पेंटिंग की विशेषताएं:

प्रबुद्धता की विचारधारा कमजोर हुई, लेकिन पतन नहीं हुआ, जैसा कि यूरोप में हुआ। इसलिए, रूमानियत का उच्चारण नहीं किया गया था;

रूमानियतवाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जो अक्सर इसके साथ जुड़ता है;

Ÿ रूस में अकादमिक पेंटिंग अभी तक समाप्त नहीं हुई है;

रूस में रूमानियत एक स्थिर घटना नहीं थी, रोमांटिकतावाद को अकादमिकता के लिए आकर्षित किया गया था। XIX सदी के मध्य तक। रोमांटिक परंपरा लगभग समाप्त हो गई है।

1790 के दशक में रूस में रूमानियत से संबंधित कार्य दिखाई देने लगे (फियोडोसी यानेंको की रचनाएँ) " यात्री, आगे निकल आंधी" (1796), " आत्म चित्र में हेलमेट" (1792)। उनमें प्रोटोटाइप स्पष्ट है - साल्वाटर रोजा, 18 वीं और 19 वीं शताब्दी के मोड़ पर बहुत लोकप्रिय है। बाद में, इस प्रोटो-रोमांटिक कलाकार का प्रभाव अलेक्जेंडर ओरलोवस्की के काम में ध्यान देने योग्य होगा। लुटेरे, कैम्प फायर के दृश्य, लड़ाई उनके पूरे करियर के साथ हुई। अन्य देशों की तरह, रूसी रूमानियत से संबंधित कलाकारों ने चित्रकला, परिदृश्य और शैली के दृश्यों की शास्त्रीय शैलियों में एक पूरी तरह से नया भावनात्मक मूड पेश किया।

रूस में, रूमानियतवाद ने पहले चित्रांकन में खुद को प्रकट करना शुरू किया। उन्नीसवीं सदी के पहले तीसरे भाग में, अधिकांश भाग के लिए, उनका उच्च-रैंकिंग अभिजात वर्ग से संपर्क टूट गया। कवियों, कलाकारों, कला संरक्षकों, सामान्य किसानों की छवि के चित्रों द्वारा एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा करना शुरू कर दिया। ओए के काम में यह प्रवृत्ति विशेष रूप से स्पष्ट थी। किप्रेंस्की (1782 - 1836) और वी.ए. ट्रोपिनिन (1776 - 1857)।

तुलसी एंड्रीविच ट्रोपिनिनएक व्यक्ति के जीवंत, आराम से चरित्र चित्रण के लिए प्रयास किया, जिसे उसके चित्र के माध्यम से व्यक्त किया गया। « चित्र बेटा» (1818), « चित्र लेकिन. से. पुश्किन» (1827), « आत्म चित्र» (1846) मूल के समान चित्र के साथ नहीं, बल्कि किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया में असामान्य रूप से सूक्ष्म पैठ के साथ विस्मित करते हैं।

सृष्टि का असाधारण रोचक इतिहास “ चित्र पुश्किन”. हमेशा की तरह, पुश्किन के साथ पहले परिचित के लिए, ट्रोपिनिन सोबोलेव्स्की के घर आए, जहां कवि तब रहते थे। कलाकार ने उसे अपने कार्यालय में पिल्लों के साथ खिलवाड़ करते हुए पाया। उसी समय, जाहिरा तौर पर, यह पहली छाप के अनुसार लिखा गया था, जिसे ट्रोपिनिन ने बहुत सराहा, एक छोटा सा स्केच। काफी देर तक वह अपने पीछा करने वालों की नजरों से ओझल रहा। लगभग सौ साल बाद, 1914 तक, इसे पी.एम. द्वारा प्रकाशित किया गया था। शचेकोटोव, जिन्होंने लिखा था कि अलेक्जेंडर सर्गेइविच के सभी चित्रों में से, वह "सबसे अधिक अपनी विशेषताओं को व्यक्त करता है ... कवि की नीली आँखें यहाँ एक विशेष प्रतिभा से भरी हुई हैं, सिर की बारी तेज है, और चेहरे की विशेषताएं अभिव्यंजक और मोबाइल हैं . निस्संदेह, यहां पुश्किन के चेहरे की वास्तविक विशेषताओं पर कब्जा कर लिया गया है, जो हम व्यक्तिगत रूप से एक या दूसरे चित्रों में मिलते हैं जो हमारे पास आए हैं। यह हैरान होना बाकी है, - शचेकोटोव कहते हैं, - इस आकर्षक अध्ययन को कवि के प्रकाशकों और पारखी से उचित ध्यान क्यों नहीं मिला। यह छोटे स्केच के बहुत गुणों द्वारा समझाया गया है: इसमें न तो रंगों की चमक थी, न ही ब्रशस्ट्रोक की सुंदरता, और न ही इसमें "गोल चक्कर" लिखा था। और यहां पुश्किन एक लोकप्रिय "विटिया" नहीं है, "प्रतिभा" नहीं है, बल्कि, सबसे बढ़कर, एक आदमी है। और यह शायद ही विश्लेषण करने के लिए उधार देता है कि इतनी बड़ी मानव सामग्री मोनोक्रोमैटिक ग्रेश-ग्रीन, जैतून के पैमाने में जल्दबाजी में क्यों निहित है, जैसे कि लगभग गैर-वर्णन-दिखने वाले एट्यूड के ब्रश के यादृच्छिक स्ट्रोक।

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, तेवर रूस का एक महत्वपूर्ण सांस्कृतिक केंद्र था। यहाँ युवा है ओरेस्टेस किप्रेंस्कीपुश्किन से मिले, जिनका चित्र, बाद में चित्रित, विश्व चित्र कला का मोती बन गया। " चित्र पुश्किन» ओ। किप्रेंस्की के ब्रश एक काव्य प्रतिभा के जीवित व्यक्तित्व हैं। सिर के दृढ़ मोड़ में, छाती पर जोर से पार की गई बाहों में, कवि की पूरी उपस्थिति स्वतंत्रता और स्वतंत्रता की भावना को प्रकट करती है। यह उनके बारे में था कि पुश्किन ने कहा: "मैं खुद को एक दर्पण के रूप में देखता हूं, लेकिन यह दर्पण मुझे चापलूसी करता है।" पुश्किन के चित्र पर काम में, ट्रोपिनिन और किप्रेंस्की आखिरी बार मिलते हैं, हालांकि यह बैठक व्यक्तिगत रूप से नहीं होती है, लेकिन कई साल बाद कला के इतिहास में, जहां, एक नियम के रूप में, सबसे महान रूसी कवि के दो चित्र तुलना की जाती है, एक साथ बनाई जाती है, लेकिन अलग-अलग जगहों पर - एक मास्को में, दूसरी - सेंट पीटर्सबर्ग में। अब यह रूसी कला के लिए उनके महत्व में समान रूप से महान स्वामी की बैठक है। यद्यपि किप्रेंस्की के प्रशंसकों का दावा है कि कलात्मक लाभ उनके रोमांटिक चित्र के पक्ष में हैं, जहां कवि को अपने विचारों में डूबे हुए प्रस्तुत किया जाता है, अकेले अपने संग्रह के साथ, छवि की राष्ट्रीयता और लोकतंत्र निश्चित रूप से ट्रोपिनिन के "पुश्किन" के पक्ष में हैं। .

इस प्रकार, दो चित्र रूसी कला के दो क्षेत्रों को दर्शाते हैं, जो दो राजधानियों में केंद्रित हैं। और बाद में आलोचक लिखेंगे कि ट्रोपिनिन मास्को के लिए था जो कि किप्रेंस्की सेंट पीटर्सबर्ग के लिए था।

किप्रेंस्की के चित्रों की एक विशिष्ट विशेषता यह है कि वे किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक आकर्षण और आंतरिक बड़प्पन को दर्शाते हैं। एक बहादुर और दृढ़ता से महसूस करने वाले नायक का चित्र, एक उन्नत रूसी व्यक्ति के स्वतंत्रता-प्रेमी और देशभक्ति के मूड के मार्ग को मूर्त रूप देने वाला था।

सामने “ चित्र इ. में. डेविडोव” (1809) एक अधिकारी की आकृति को दर्शाता है, जिसने एक मजबूत और बहादुर व्यक्तित्व के उस पंथ की अभिव्यक्ति को प्रत्यक्ष रूप से प्रकट किया, जो उन वर्षों के रूमानियत के लिए इतना विशिष्ट था। खंडित रूप से दिखाया गया परिदृश्य, जहां प्रकाश की एक किरण अंधेरे से संघर्ष करती है, नायक की आध्यात्मिक चिंताओं का संकेत देती है, लेकिन उसके चेहरे पर स्वप्निल संवेदनशीलता का प्रतिबिंब है। किप्रेंस्की एक व्यक्ति में "मानव" की तलाश कर रहे थे, और आदर्श ने उनसे मॉडल के चरित्र के व्यक्तिगत लक्षणों को अस्पष्ट नहीं किया।

किप्रेंस्की के चित्र, यदि आप उन्हें अपने मन की नज़र से देखते हैं, तो किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक और प्राकृतिक संपदा, उसकी बौद्धिक शक्ति को दर्शाते हैं। हां, उनके पास एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व का आदर्श था, जैसा कि उनके समकालीनों ने कहा था, लेकिन किप्रेंस्की ने इस आदर्श को एक कलात्मक छवि पर शाब्दिक रूप से पेश करने की कोशिश नहीं की। एक कलात्मक छवि बनाने में, वह प्रकृति से चला गया, जैसे कि यह मापना कि वह इस तरह के आदर्श से कितना दूर या करीब है। वास्तव में, उनके द्वारा चित्रित उनमें से कई आदर्श की पूर्व संध्या पर हैं, इसके लिए प्रयास कर रहे हैं, जबकि आदर्श ही, रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र के विचारों के अनुसार, शायद ही प्राप्त करने योग्य है, और सभी रोमांटिक कला केवल इसके लिए एक मार्ग है।

अपने नायकों की आत्मा में विरोधाभासों को देखते हुए, उन्हें जीवन के चिंताजनक क्षणों में दिखाते हुए, जब भाग्य बदलता है, पुराने विचार टूटते हैं, युवा छोड़ देते हैं, आदि, ऐसा लगता है कि किप्रेंस्की अपने मॉडलों के साथ अनुभव कर रहे हैं। इसलिए कलात्मक चित्रों की व्याख्या में चित्रकार की विशेष भागीदारी, जो चित्र को "हार्दिक" छाया देती है।

किप्रेंस्की में रचनात्मकता के शुरुआती दौर में आप संदेह से संक्रमित चेहरे नहीं देखेंगे, विश्लेषण जो आत्मा को खराब करता है। यह बाद में आएगा, जब रोमांटिक समय अपनी शरद ऋतु से बचेगा, अन्य मनोदशाओं और भावनाओं को रास्ता देगा, जब एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व के आदर्श की विजय की आशा टूट जाएगी। 1800 के सभी चित्रों और टवर में निष्पादित चित्रों में, किप्रेंस्की एक बोल्ड ब्रश दिखाता है, आसानी से और स्वतंत्र रूप से एक रूप का निर्माण करता है। तकनीकों की जटिलता, आकृति की प्रकृति काम से काम में बदल गई।

उल्लेखनीय है कि उनके वीरों के चेहरों पर वीरता का उत्साह आपको नहीं दिखेगा, इसके विपरीत अधिकांश चेहरों पर उदासी छाई रहती है, वे प्रतिबिंबों में लिप्त रहते हैं। ऐसा लगता है कि ये लोग रूस के भाग्य के बारे में चिंतित हैं, वे वर्तमान से अधिक भविष्य के बारे में सोचते हैं। महत्वपूर्ण घटनाओं में प्रतिभागियों की पत्नियों, बहनों का प्रतिनिधित्व करने वाली महिला छवियों में, किप्रेंस्की ने भी जानबूझकर वीरतापूर्ण उत्साह के लिए प्रयास नहीं किया। सहजता, स्वाभाविकता की भावना प्रबल होती है। साथ ही, सभी चित्रों में आत्मा की कितनी सच्ची बड़प्पन है। महिलाओं की छवियां उनकी विनम्र गरिमा, प्रकृति की अखंडता से आकर्षित होती हैं; पुरुषों के चेहरों पर कोई जिज्ञासु विचार, तपस्या के लिए तत्परता का अनुमान लगा सकता है। ये छवियां डिसमब्रिस्टों के परिपक्व नैतिक और सौंदर्यवादी विचारों के साथ मेल खाती हैं। उनके विचारों और आकांक्षाओं को तब कई लोगों द्वारा साझा किया गया था, कलाकार उनके बारे में जानता था, और इसलिए यह कहा जा सकता है कि 1812-1814 की घटनाओं में प्रतिभागियों के उनके चित्र, उसी वर्षों में बनाए गए किसानों की छवियां एक तरह की कलात्मक समानांतर हैं डिसमब्रिज्म की उभरती अवधारणाओं के लिए।

विदेशियों ने किप्रेंस्की को रूसी वैन डाइक कहा, उनके चित्र दुनिया भर के कई संग्रहालयों में हैं। लेवित्स्की और बोरोविकोवस्की के काम के उत्तराधिकारी, एल। इवानोव और के। ब्रायलोव के पूर्ववर्ती, किप्रेंस्की ने अपने काम से रूसी कला विद्यालय को यूरोपीय प्रसिद्धि दी। अलेक्जेंडर इवानोव के शब्दों में, "वह यूरोप में रूसी नाम लाने वाले पहले व्यक्ति थे ..."।

एक व्यक्ति के व्यक्तित्व में बढ़ी हुई दिलचस्पी, रूमानियत की विशेषता, ने 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में चित्र शैली के फूल को पूर्वनिर्धारित किया, जहां आत्म-चित्र प्रमुख विशेषता बन गया। एक नियम के रूप में, स्व-चित्र का निर्माण एक यादृच्छिक प्रकरण नहीं था। कलाकारों ने बार-बार खुद को चित्रित और चित्रित किया, और ये काम एक तरह की डायरी बन गए, जो मन की विभिन्न अवस्थाओं और जीवन के चरणों को दर्शाती है, और साथ ही वे समकालीनों को संबोधित एक घोषणापत्र थे। स्व-चित्र एक कस्टम शैली नहीं थी, कलाकार ने अपने लिए चित्रित किया, और यहाँ, जैसा कि पहले कभी नहीं था, वह आत्म-अभिव्यक्ति में स्वतंत्र था। 18 वीं शताब्दी में, रूसी कलाकारों ने शायद ही कभी मूल छवियों को चित्रित किया, केवल रोमांटिकवाद, व्यक्ति के अपने पंथ के साथ, असाधारण, ने इस शैली के उदय में योगदान दिया। स्व-चित्र के प्रकारों की विविधता एक समृद्ध और बहुमुखी व्यक्तित्व के रूप में कलाकारों की स्वयं की धारणा को दर्शाती है। वे तब निर्माता की सामान्य और स्वाभाविक भूमिका में दिखाई देते हैं ( " आत्म चित्र में मख़मली लेना" ए. जी. वर्नेका, 1810), फिर वे अतीत में डुबकी लगाते हैं, मानो खुद पर कोशिश कर रहे हों ( " आत्म चित्र में हेलमेट और लाट्स" एफ। आई। यानेंको, 1792), या, सबसे अधिक बार, बिना किसी पेशेवर विशेषताओं के प्रकट होते हैं, प्रत्येक व्यक्ति के महत्व और मूल्य पर जोर देते हुए, मुक्त और दुनिया के लिए खुला, उदाहरण के लिए, एफ। ए। ब्रूनी और ओ। ए। ऑरलोव्स्की 1810 के स्व-चित्रों में . संवाद और खुलेपन के लिए तत्परता, 1810-1820 के कार्यों के आलंकारिक समाधान की विशेषता, धीरे-धीरे थकान और निराशा, विसर्जन, अपने आप में वापसी से बदल जाती है ( " आत्म चित्र" एम। आई। तेरेबेनेवा)। यह प्रवृत्ति समग्र रूप से चित्र शैली के विकास में परिलक्षित हुई।

किप्रेंस्की के स्व-चित्र दिखाई दिए, जो ध्यान देने योग्य है, जीवन के महत्वपूर्ण क्षणों में उन्होंने मानसिक शक्ति के उत्थान या पतन की गवाही दी। कलाकार ने अपनी कला के माध्यम से खुद को देखा। हालांकि, उन्होंने अधिकांश चित्रकारों की तरह दर्पण का उपयोग नहीं किया; उन्होंने मुख्य रूप से अपने विचार के अनुसार खुद को चित्रित किया, वे अपनी आत्मा को व्यक्त करना चाहते थे, लेकिन अपनी उपस्थिति को नहीं।

“आत्म चित्र से ब्रश पीछे कान” छवि के बाहरी महिमामंडन, इसकी शास्त्रीय आदर्शता और आदर्श निर्माण से एक इनकार, और एक स्पष्ट रूप से प्रदर्शनकारी एक पर बनाया गया। चेहरे की विशेषताएं अनुमानित हैं। प्रकाश के अलग-अलग प्रतिबिंब कलाकार की आकृति पर पड़ते हैं, जो चित्र की पृष्ठभूमि का प्रतिनिधित्व करते हुए, बमुश्किल दिखाई देने वाली चिलमन पर बुझते हैं। यहां सब कुछ जीवन, भावनाओं, मनोदशाओं की अभिव्यक्ति के अधीन है। यह स्व-चित्रण की कला के माध्यम से रोमांटिक कला पर एक नज़र है।

लगभग एक साथ इस स्व-चित्र के साथ, और लिखा “ आत्म चित्र में गुलाबी गर्दन दुपट्टा” , जहां एक और छवि सन्निहित है। एक चित्रकार के पेशे के प्रत्यक्ष संकेत के बिना। स्वाभाविक रूप से, स्वतंत्र रूप से सहज महसूस करते हुए, एक युवक की छवि को फिर से बनाया गया है। कैनवास की सचित्र सतह को बारीकी से बनाया गया है। कलाकार का ब्रश बड़े और छोटे स्ट्रोक को छोड़कर, आत्मविश्वास से पेंट लगाता है। रंग शानदार ढंग से विकसित होता है, रंग उज्ज्वल नहीं होते हैं, वे सामंजस्यपूर्ण रूप से एक-दूसरे के साथ जुड़ते हैं, प्रकाश शांत होता है: प्रकाश धीरे से युवक के चेहरे पर पड़ता है, उसकी विशेषताओं को रेखांकित करता है, बिना अनावश्यक अभिव्यक्ति और विरूपण के।

एक और उत्कृष्ट चित्रकार था के बारे में. लेकिन. ओर्लोवस्की. 1809 तक, भावनात्मक रूप से समृद्ध पोर्ट्रेट शीट जैसे “ आत्म चित्र” . संगीन और चारकोल (चाक हाइलाइटिंग के साथ) के रसदार मुक्त स्ट्रोक के साथ निष्पादित, “ आत्म चित्र” ओरलोवस्की अपनी कलात्मक अखंडता, छवि की विशेषता, निष्पादन की कलात्मकता से आकर्षित करता है। साथ ही, यह ओरलोवस्की की कला के कुछ अजीबोगरीब पहलुओं को समझने की अनुमति देता है। “ आत्म चित्र” ऑरलोव्स्की, निश्चित रूप से, उन वर्षों के कलाकार की विशिष्ट उपस्थिति को सटीक रूप से पुन: पेश करने का लक्ष्य नहीं रखता है। हमारे सामने एक "कलाकार" की एक बड़े पैमाने पर जानबूझकर, अतिरंजित छवि है जो आसपास की वास्तविकता के लिए अपने स्वयं के "मैं" का विरोध करती है। वह अपनी उपस्थिति की "सभ्यता" के बारे में चिंतित नहीं है: कंघी और ब्रश उसके रसीले बालों को नहीं छूते थे, उसके कंधे पर - एक खुले कॉलर के साथ घर की शर्ट के ठीक ऊपर एक चेकर रेनकोट का किनारा। स्थानांतरित भौंहों के नीचे से "उदास" रूप के साथ सिर का एक तेज मोड़, चित्र का एक करीबी कट, जिसमें चेहरे को करीब से दर्शाया गया है, प्रकाश के विपरीत - यह सब विरोध के मुख्य प्रभाव को प्राप्त करने के उद्देश्य से है पर्यावरण के लिए चित्रित व्यक्ति (और इस प्रकार दर्शक के लिए)।

व्यक्तित्व पर जोर देने का मार्ग - उस समय की कला में सबसे प्रगतिशील विशेषताओं में से एक - चित्र का मुख्य वैचारिक और भावनात्मक स्वर बनाता है, लेकिन एक अजीबोगरीब पहलू में प्रकट होता है जो उस अवधि की रूसी कला में लगभग कभी नहीं पाया जाता है। व्यक्तित्व की पुष्टि उसके आंतरिक संसार की समृद्धि को प्रकट करने से नहीं, बल्कि उसके आस-पास की हर चीज को अस्वीकार करने से होती है। एक ही समय में छवि, निश्चित रूप से, समाप्त, सीमित दिखती है।

उस समय की रूसी चित्र कला में इस तरह के समाधान खोजना मुश्किल है, जहां पहले से ही 18 वीं शताब्दी के मध्य में नागरिक और मानवतावादी उद्देश्यों की आवाज तेज हो गई थी और व्यक्ति के व्यक्तित्व ने कभी भी पर्यावरण के साथ मजबूत संबंध नहीं तोड़े। एक बेहतर, सामाजिक-लोकतांत्रिक संरचना का सपना देखते हुए, उस युग के लोग किसी भी तरह से वास्तविकता से अलग नहीं थे, उन्होंने जानबूझकर "व्यक्तिगत स्वतंत्रता" के व्यक्तिवादी पंथ को खारिज कर दिया, जो पश्चिमी यूरोप में विकसित हुआ, बुर्जुआ क्रांति से ढीला हो गया। यह रूसी चित्र कला में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था। इसकी तुलना करने की जरूरत है “ आत्म चित्र” ओरलोव्स्की के साथ “ आत्म चित्र” किप्रेंस्की, ताकि दो चित्रकारों के बीच गंभीर आंतरिक अंतर तुरंत आंख को पकड़ ले।

किप्रेंस्की भी एक व्यक्ति के व्यक्तित्व को "वीरता" देता है, लेकिन वह इसके वास्तविक आंतरिक मूल्यों को दिखाता है। कलाकार के चेहरे में, दर्शक एक मजबूत दिमाग, चरित्र, नैतिक शुद्धता की विशेषताओं को अलग करता है।

किप्रेंस्की की पूरी उपस्थिति अद्भुत बड़प्पन और मानवता से आच्छादित है। वह आसपास की दुनिया में "अच्छे" और "बुरे" के बीच अंतर करने में सक्षम है और दूसरे को अस्वीकार करते हुए, पहले को प्यार करता है और उसकी सराहना करता है, समान विचारधारा वाले लोगों से प्यार करता है और उनकी सराहना करता है। साथ ही, हमारे सामने निस्संदेह एक मजबूत व्यक्तित्व है, जो अपने व्यक्तिगत गुणों के मूल्य की चेतना पर गर्व करता है। चित्र छवि की ठीक यही अवधारणा किप्रेंस्की द्वारा डी। डेविडोव के प्रसिद्ध वीर चित्र को रेखांकित करती है।

ओरलोव्स्की, किप्रेंस्की की तुलना में, अधिक सीमित, अधिक सीधे और बाहरी रूप से एक "मजबूत व्यक्तित्व" की छवि को हल करता है, जबकि स्पष्ट रूप से बुर्जुआ फ्रांस की कला पर ध्यान केंद्रित करता है। जब आप उसे देखते हैं “ आत्म चित्र” , ए. ग्रो, गेरिकॉल्ट के चित्र अनैच्छिक रूप से दिमाग में आते हैं। प्रोफ़ाइल “ आत्म चित्र” 1810 में ओरलोवस्की, व्यक्तिवादी "आंतरिक शक्ति" के अपने पंथ के साथ, हालांकि, पहले से ही एक तेज "रूपरेखा" रूप से रहित था “ आत्म चित्र” 1809 या “ चित्र ड्युपोर्ट”. उत्तरार्द्ध में, ओरलोवस्की, सेल्फ-पोर्ट्रेट की तरह, सिर और कंधों के तेज, लगभग क्रॉस-क्रॉस आंदोलन के साथ एक शानदार, "वीर" मुद्रा का उपयोग करता है। वह ड्यूपोर्ट के चेहरे की अनियमित संरचना, उसके उलझे हुए बालों पर जोर देता है, एक चित्र छवि बनाने के उद्देश्य से जो अपने अद्वितीय, यादृच्छिक चरित्र में आत्मनिर्भर है।

"परिदृश्य एक चित्र होना चाहिए," के.एन. बट्युशकोव ने लिखा। अधिकांश कलाकार जिन्होंने परिदृश्य की शैली की ओर रुख किया, उन्होंने अपने काम में इस सेटिंग का पालन किया। स्पष्ट अपवादों में से जो शानदार परिदृश्य की ओर अग्रसर थे, वे थे ए.ओ. ओरलोवस्की ( " समुद्री दृश्य" , 1809); ए. जी. वर्नेक ( " राय में परिवेश रोम" , 1809); पी. वी. बेसिन (" आकाश पर सूर्य का अस्त होना में परिवेश रोम" , " शाम दृश्यों" , दोनों - 1820)। विशिष्ट प्रकारों का निर्माण करते हुए, उन्होंने संवेदना, भावनात्मक समृद्धि, रचनात्मक तकनीकों के साथ स्मारकीय ध्वनि प्राप्त करने की तात्कालिकता को बनाए रखा।

यंग ओरलोव्स्की ने प्रकृति में केवल टाइटैनिक बलों को देखा, जो मनुष्य की इच्छा के अधीन नहीं थे, जो तबाही, आपदा पैदा करने में सक्षम थे। एक उग्र समुद्री तत्व वाले व्यक्ति का संघर्ष उसके "विद्रोही" रोमांटिक काल के कलाकार के पसंदीदा विषयों में से एक है। यह 1809-1810 के उनके चित्र, जल रंग और तेल चित्रों की सामग्री बन गया। दुखद दृश्य तस्वीर में दिखाया गया है “ जहाज़ की तबाही” (1809 (?)). जमीन पर गिरे अंधेरे में, प्रचंड लहरों के बीच, डूबते हुए मछुआरे उन तटीय चट्टानों पर चढ़ जाते हैं जिन पर उनका जहाज दुर्घटनाग्रस्त हो गया था। गंभीर लाल स्वर में बने, रंग चिंता की भावना को बढ़ाता है। भयानक लहरों की छापेमारी, एक तूफान का पूर्वाभास, और दूसरी तस्वीर में - “ पर किनारा सागरों” (1809)। यह तूफानी आकाश में भी एक बड़ी भावनात्मक भूमिका निभाता है, जो अधिकांश रचना पर कब्जा कर लेता है। यद्यपि ओरलोवस्की ने हवाई परिप्रेक्ष्य की कला में महारत हासिल नहीं की, लेकिन योजनाओं के क्रमिक संक्रमणों को यहां सामंजस्यपूर्ण और धीरे से हल किया गया है। रंग हल्का हो गया है। लाल-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर खूबसूरती से खेलते हैं, मछुआरों के कपड़े के लाल धब्बे। जल रंग में बेचैन और चिंतित समुद्री तत्व “ सेलिंग नाव” (सी.1812)। और यहां तक ​​कि जब हवा पाल को नहीं हिलाती और पानी की सतह को नहीं हिलाती, जैसा कि पानी के रंग में होता है “ समुद्री दृश्यों से जहाजों” (सी। 1810), दर्शक इस पूर्वाभास को नहीं छोड़ते हैं कि एक तूफान शांति के बाद आएगा।

परिदृश्य अलग थे से. एफ. शेड्रिन. वे मनुष्य और प्रकृति के सह-अस्तित्व के सामंजस्य से भरे हुए हैं। (" छत पर किनारा सागरों. कैप्पुकिनी पास Sorrento" , 1827)। अपने ब्रश से नेपल्स के कई दृश्यों को असाधारण सफलता मिली।

शानदार तस्वीरों में तथा. प्रति. Aivazovsky संघर्ष के साथ नशे के रोमांटिक आदर्श और प्राकृतिक शक्तियों की शक्ति, मानव आत्मा की सहनशक्ति और अंत तक लड़ने की क्षमता उज्ज्वल रूप से सन्निहित थी। फिर भी, मास्टर की विरासत में एक बड़ा स्थान रात के समुद्री दृश्यों द्वारा कब्जा कर लिया गया है जो विशिष्ट स्थानों को समर्पित है जहां तूफान रात के जादू को रास्ता देता है, एक समय जो रोमांटिक लोगों के विचारों के अनुसार, एक रहस्यमय आंतरिक जीवन से भरा होता है, और जहां कलाकार की सचित्र खोजों का उद्देश्य असाधारण प्रकाश प्रभाव निकालना है। ( " राय ओडेसा में चांद्र रात" , " राय कांस्टेंटिनोपल पर चांद्र प्रकाश" , दोनों - 1846)।

प्राकृतिक तत्वों का विषय और आश्चर्य से लिया गया व्यक्ति, रोमांटिक कला का एक पसंदीदा विषय, 1800-1850 के कलाकारों द्वारा अलग तरह से व्याख्या किया गया था। रचनाएँ वास्तविक घटनाओं पर आधारित थीं, लेकिन छवियों का अर्थ उनके उद्देश्यपूर्ण पुनर्लेखन में नहीं था। एक विशिष्ट उदाहरण प्योत्र बेसिन की पेंटिंग है " भूकंप में रोक्का डि पिता पास रोम" (1830)। यह किसी विशिष्ट घटना के वर्णन के लिए इतना समर्पित नहीं है जितना कि तत्वों की अभिव्यक्ति का सामना करने वाले व्यक्ति के भय और आतंक के चित्रण के लिए।

एक विश्वदृष्टि के रूप में स्वच्छंदतावाद 18 वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक रूस में अपनी पहली लहर में मौजूद था। रूसी कला में रोमांटिक की रेखा 1850 के दशक में नहीं रुकी। कला के लिए रोमान्टिक्स द्वारा खोजी जाने वाली अवस्था का विषय, बाद में ब्लू रोज़ के कलाकारों द्वारा विकसित किया गया था। रोमांटिक लोगों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, रूपांकनों, अभिव्यंजक उपकरणों ने विभिन्न शैलियों, दिशाओं, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया। रोमांटिक विश्वदृष्टि या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़, फलदायी में से एक बन गई।

साहित्य में एक प्रवृत्ति के रूप में स्वच्छंदतावाद

स्वच्छंदतावाद, सबसे पहले, "पदार्थ" पर "आत्मा" की श्रेष्ठता में विश्वास के आधार पर एक विशेष विश्वदृष्टि है। रोमांटिक लोगों के अनुसार, रचनात्मक सिद्धांत में वास्तव में आध्यात्मिक सब कुछ है, जिसे उन्होंने वास्तव में मानव के साथ पहचाना। और, इसके विपरीत, सब कुछ भौतिक, उनकी राय में, सामने आ रहा है, एक व्यक्ति की वास्तविक प्रकृति को विकृत करता है, अपने सार को खुद को प्रकट करने की अनुमति नहीं देता है, बुर्जुआ वास्तविकता की स्थितियों में यह लोगों को विभाजित करता है, दुश्मनी का स्रोत बन जाता है उनके बीच, दुखद स्थितियों की ओर जाता है। रूमानियत में एक सकारात्मक नायक, एक नियम के रूप में, अपनी चेतना के स्तर के संदर्भ में अपने आस-पास के स्वार्थ की दुनिया से ऊपर उठता है, इसके साथ असंगत है, वह जीवन के लक्ष्य को करियर बनाने में नहीं, धन संचय करने में नहीं देखता है लेकिन मानवता के उच्च आदर्शों - मानवीयता, स्वतंत्रता, भाईचारे की सेवा में। नकारात्मक रोमांटिक चरित्र, सकारात्मक लोगों के विपरीत, समाज के अनुरूप हैं, उनकी नकारात्मकता मुख्य रूप से इस तथ्य में निहित है कि वे अपने आसपास के बुर्जुआ वातावरण के नियमों के अनुसार रहते हैं। नतीजतन (और यह बहुत महत्वपूर्ण है), रोमांटिकवाद न केवल आदर्श के लिए प्रयास कर रहा है और आध्यात्मिक रूप से सुंदर सब कुछ काव्यीकरण कर रहा है, साथ ही यह अपने विशिष्ट सामाजिक-ऐतिहासिक रूप में बदसूरत की निंदा करता है। इसके अलावा, आध्यात्मिकता की कमी की आलोचना शुरू से ही रोमांटिक कला को दी गई थी, यह रोमांटिक रवैये के बहुत सार से लेकर सार्वजनिक जीवन तक है। बेशक, सभी लेखकों में नहीं और सभी विधाओं में नहीं, यह अपने आप को उचित विस्तार और तीव्रता के साथ प्रकट करता है। लेकिन आलोचनात्मक पथ न केवल लेर्मोंटोव के नाटकों में या वी। ओडोएव्स्की की "धर्मनिरपेक्ष कहानियों" में स्पष्ट है, यह ज़ुकोवस्की के शोक में भी महसूस किया जाता है, जो सामंती रूस की स्थितियों में आध्यात्मिक रूप से समृद्ध व्यक्ति के दुखों और दुखों को प्रकट करता है। .

रोमांटिक विश्वदृष्टि, अपने द्वंद्व ("आत्मा" और "माँ" का खुलापन) के कारण, जीवन की छवि को तीव्र विरोधाभासों में निर्धारित करती है। कंट्रास्ट की उपस्थिति रोमांटिक प्रकार की रचनात्मकता और, परिणामस्वरूप, शैली की विशिष्ट विशेषताओं में से एक है। रोमांटिक कार्यों में आध्यात्मिक और भौतिक एक दूसरे के घोर विरोधी हैं। एक सकारात्मक रोमांटिक नायक को आमतौर पर एक अकेला व्यक्ति के रूप में चित्रित किया जाता है, इसके अलावा, समकालीन समाज (ग्योर, बायरन के कोर्सेर, कोज़लोव के चेर्नेट्स, राइलेव के वोइनारोव्स्की, लेर्मोंटोव के मत्स्यरी, और अन्य) में पीड़ित होने के लिए बर्बाद हो गया। बदसूरत चित्रण में, रोमांटिक लोग अक्सर ऐसी रोजमर्रा की संक्षिप्तता प्राप्त करते हैं कि उनके काम को यथार्थवादी से अलग करना मुश्किल होता है। एक रोमांटिक विश्वदृष्टि के आधार पर, न केवल व्यक्तिगत छवियां बनाना संभव है, बल्कि संपूर्ण कार्य भी हैं जो रचनात्मकता के संदर्भ में यथार्थवादी हैं।

स्वच्छंदतावाद उन लोगों के लिए निर्दयी है, जो अपने स्वयं के उत्थान के लिए लड़ते हैं, समृद्धि के बारे में सोचते हैं या आनंद की प्यास से तड़पते हैं, इसके नाम पर सार्वभौमिक नैतिक कानूनों का उल्लंघन करते हैं, सार्वभौमिक मानवीय मूल्यों (मानवता, स्वतंत्रता का प्यार, और अन्य) का उल्लंघन करते हैं। .

रोमांटिक साहित्य में, व्यक्तिवाद से संक्रमित नायकों की कई छवियां हैं (मैनफ्रेड, बायरन में लारा, पेचोरिन, लेर्मोंटोव में दानव और अन्य), लेकिन वे गहरे दुखद प्राणियों की तरह दिखते हैं, अकेलेपन से पीड़ित, आम लोगों की दुनिया में विलय करने की लालसा। . मनुष्य की त्रासदी का खुलासा - एक व्यक्तिवादी, रूमानियत ने सच्ची वीरता का सार दिखाया, मानव जाति के आदर्शों के लिए निस्वार्थ सेवा में खुद को प्रकट किया। रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र में व्यक्तित्व अपने आप में मूल्यवान नहीं है। इसका मूल्य जैसे-जैसे लोगों को मिलता है वैसे-वैसे बढ़ता जाता है। रूमानियत में एक व्यक्ति की पुष्टि, सबसे पहले, व्यक्तिवाद से उसकी मुक्ति में, निजी संपत्ति मनोविज्ञान के हानिकारक प्रभावों से होती है।

रोमांटिक कला के केंद्र में मानव व्यक्तित्व, उसकी आध्यात्मिक दुनिया, उसके आदर्श, चिंताएं और जीवन की बुर्जुआ व्यवस्था की स्थितियों में दुख, स्वतंत्रता और स्वतंत्रता की प्यास है। रोमांटिक नायक अपनी स्थिति बदलने में असमर्थता से अलगाव से ग्रस्त है। इसलिए, रोमांटिक साहित्य की लोकप्रिय विधाएं, जो पूरी तरह से रोमांटिक विश्वदृष्टि के सार को दर्शाती हैं, त्रासदी, नाटकीय, गीत-महाकाव्य और गीतात्मक कविताएं, लघु कथाएं, शोकगीत हैं। स्वच्छंदतावाद ने जीवन के निजी संपत्ति सिद्धांत के साथ वास्तव में मानव की हर चीज की असंगति को प्रकट किया, और यह इसका महान ऐतिहासिक महत्व है। उन्होंने साहित्य में एक ऐसे पुरुष-सेनानी का परिचय दिया, जो अपने विनाश के बावजूद, स्वतंत्र रूप से कार्य करता है, क्योंकि उसे पता चलता है कि लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए संघर्ष आवश्यक है।

रोमांटिक्स को कलात्मक सोच की चौड़ाई और पैमाने की विशेषता है। सार्वभौमिक मानवीय महत्व के विचारों को मूर्त रूप देने के लिए, वे ईसाई किंवदंतियों, बाइबिल की कहानियों, प्राचीन पौराणिक कथाओं और लोक परंपराओं का उपयोग करते हैं। रोमांटिक कवि कल्पना, प्रतीकवाद और कलात्मक चित्रण के अन्य पारंपरिक तरीकों का सहारा लेते हैं, जो उन्हें वास्तविकता को इतने व्यापक प्रसार में दिखाने का अवसर देता है, जो यथार्थवादी कला में पूरी तरह से अकल्पनीय था। उदाहरण के लिए, यह संभावना नहीं है कि यथार्थवादी टंकण के सिद्धांत का पालन करते हुए, लेर्मोंटोव के द डेमन की संपूर्ण सामग्री को व्यक्त करना संभव है। कवि अपने टकटकी से पूरे ब्रह्मांड को गले लगाता है, ब्रह्मांडीय परिदृश्यों को चित्रित करता है, जिसके पुनरुत्पादन में यथार्थवादी संक्षिप्तता, सांसारिक वास्तविकता की स्थितियों से परिचित, अनुचित होगी:

हवा के सागर पर

कोई पतवार और कोई पाल नहीं

चुपचाप कोहरे में तैर रहा है

पतला प्रकाशकों के गाना बजानेवालों।

इस मामले में, कविता की प्रकृति सटीकता के साथ नहीं, बल्कि, इसके विपरीत, ड्राइंग की अनिश्चितता के साथ अधिक सुसंगत थी, जो काफी हद तक ब्रह्मांड के बारे में किसी व्यक्ति के विचारों को नहीं, बल्कि उसकी भावनाओं को बताती है। उसी तरह, "ग्राउंडिंग", दानव की छवि के ठोसकरण से उसे एक टाइटैनिक के रूप में समझने में एक निश्चित कमी आएगी, जो अलौकिक शक्ति से संपन्न है।

कलात्मक चित्रण के पारंपरिक तरीकों में रुचि को इस तथ्य से समझाया गया है कि रोमांटिक लोग अक्सर संकल्प के लिए दार्शनिक, विश्वदृष्टि प्रश्न उठाते हैं, हालांकि, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, वे हर रोज़, नीरस और हर रोज़, सब कुछ जो असंगत है, को चित्रित करने से नहीं कतराते हैं। आध्यात्मिक, मानव। रोमांटिक साहित्य में (नाटकीय कविता में), संघर्ष आमतौर पर पात्रों के नहीं, बल्कि विचारों, संपूर्ण विश्वदृष्टि अवधारणाओं ("मैनफ्रेड", "कैन" बायरन, "प्रोमेथियस अनचाही" शेली) के टकराव पर बनाया जाता है, जो स्वाभाविक रूप से, यथार्थवादी संक्षिप्तता की सीमा से परे कला का नेतृत्व किया।

रोमांटिक नायक की बौद्धिकता, प्रतिबिंब के लिए उसकी प्रवृत्ति काफी हद तक इस तथ्य के कारण है कि वह 18 वीं शताब्दी के एक प्रबुद्ध उपन्यास या "पेटी-बुर्जुआ" नाटक के पात्रों की तुलना में विभिन्न परिस्थितियों में कार्य करता है। उत्तरार्द्ध ने घरेलू संबंधों के बंद क्षेत्र में अभिनय किया, प्रेम के विषय ने उनके जीवन के केंद्रीय स्थानों में से एक पर कब्जा कर लिया। रोमान्टिक्स ने कला को इतिहास के व्यापक विस्तार में पहुँचाया। उन्होंने देखा कि लोगों का भाग्य, उनकी चेतना का स्वरूप सामाजिक परिवेश से इतना निर्धारित नहीं होता जितना कि पूरे युग से, उसमें हो रही राजनीतिक, सामाजिक, आध्यात्मिक प्रक्रियाएं, जो सभी के भविष्य को सबसे निर्णायक रूप से प्रभावित करती हैं। मानवता। इस प्रकार, व्यक्ति के आत्म-मूल्य का विचार, स्वयं पर निर्भरता, उसकी इच्छा, ध्वस्त हो गई, उसकी सशर्तता सामाजिक-ऐतिहासिक परिस्थितियों की जटिल दुनिया से प्रकट हुई।

एक निश्चित विश्वदृष्टि और रचनात्मकता के प्रकार के रूप में स्वच्छंदतावाद को रोमांस के साथ भ्रमित नहीं किया जाना चाहिए, अर्थात। एक सुंदर लक्ष्य का सपना, आदर्श की आकांक्षा के साथ और उसे साकार होते देखने की जोशीली इच्छा। रोमांस, किसी व्यक्ति के विचारों के आधार पर, क्रांतिकारी, आगे बुलाने वाला और रूढ़िवादी, अतीत को कविताबद्ध करने वाला दोनों हो सकता है। यह यथार्थवादी आधार पर विकसित हो सकता है और यूटोपियन हो सकता है।

इतिहास और मानवीय अवधारणाओं की परिवर्तनशीलता की स्थिति के आधार पर, रोमांटिक लोग पुरातनता की नकल का विरोध करते हैं, अपने राष्ट्रीय जीवन के सच्चे पुनरुत्पादन, इसके जीवन के तरीके, रीति-रिवाजों, विश्वासों आदि के आधार पर मूल कला के सिद्धांतों की रक्षा करते हैं।

रूसी रोमांटिक "स्थानीय रंग" के विचार का बचाव करते हैं, जिसमें राष्ट्रीय-ऐतिहासिक मौलिकता में जीवन का चित्रण शामिल है। यह राष्ट्रीय-ऐतिहासिक संक्षिप्तता की कला में प्रवेश की शुरुआत थी, जिसने अंततः रूसी साहित्य में यथार्थवादी पद्धति की जीत का नेतृत्व किया।