มีส่วนร่วมในศิลปะการแสดง Stanislavsky ทำอะไรให้กับโรงละครรัสเซีย? นิยายละครไร้รัก
ส่งงานที่ดีของคุณในฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง
นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง
บทนำ
1. เพื่อความสุขในวัยเด็กของเรา
2. การตัดแขนขาและการตัดอวัยวะ
บรรณานุกรม
บทนำ
เคเอส Stanislavsky เป็นนักแสดงชาวรัสเซีย ผู้กำกับ ครูสอนละคร ผู้ก่อตั้งและผู้อำนวยการมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ ศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต (1936) นักคิด นักคิด และนักทฤษฎีละครที่ยอดเยี่ยม สตานิสลาฟสกีวางรากฐานที่มั่นคงสำหรับวิทยาศาสตร์การละครสมัยใหม่ สร้างโรงเรียน ทิศทางในศิลปะการแสดง ซึ่งพบการแสดงออกทางทฤษฎีในระบบที่เรียกว่าสตานิสลาฟสกี พ่อแม่ของ Stanislavsky คือ Sergey Vladimirovich ...
การเขียนเกี่ยวกับ Stanislavsky เป็นเรื่องแปลก มันเหมือนกับความสำคัญของคาร์บอนต่อชีวิตบนโลก แรงผลักดันที่ได้รับจาก Stanislavsky คือโรงละครแห่งศตวรรษทั้งหมด ดูเหมือนไม่น่าเป็นไปได้ ดูเหมือนว่านี่เป็นเพียงร่างที่เปี่ยมล้นไปด้วยตำนาน แต่ก็เป็นเช่นนี้ เพราะสตานิสลาฟสกีทำและแสดงออกถึงสิ่งที่วัฒนธรรมได้เติบโตและเกินกำลังไปแล้ว ซึ่งมีความต้องการด้านสุนทรียะและสังคม
1. เพื่อความสุขในวัยเด็กของเรา
เขามาจากชนชั้นพ่อค้าที่ร่ำรวยและมีการศึกษา จากวงบนของเขา ดังนั้นนามสกุลดัง "Stanislavsky" จึงไม่สามารถเป็นชื่อจริงของเขาได้ มันเป็นชื่อบนเวทีที่ Konstantin Sergeevich Alekseev (5.1.1863 - 7.8.1938) ใช้ในภายหลังในปี 1885 ครอบครัวของเขาเกี่ยวข้องกับพี่น้อง Tretyakov นักสะสมและ Savva Mamontov ผู้สร้างโอเปร่ารัสเซียส่วนตัว "พ่อของฉัน Sergei Vladimirovich Alekseev ลูกครึ่งรัสเซียและ Muscovite เป็นผู้ผลิตและนักอุตสาหกรรม แม่ของฉัน Elizaveta Vasilievna Alekseeva เป็นชาวรัสเซียโดยพ่อของเธอและแม่ของเธอเป็นชาวฝรั่งเศส เป็นลูกสาวของ Varley ศิลปินชื่อดังชาวปารีส .. ." ("ชีวิตของฉันในงานศิลปะ ").
เป็นครอบครัวที่มีความสุขและมั่งคั่ง สภาพแวดล้อมนี้ไม่นับเงิน การศึกษาของเด็กเริ่มต้นที่บ้าน ที่ซึ่งผู้ปกครองตั้ง "โรงยิมทั้งหมด" อย่างไรก็ตามตั้งแต่อายุ 13 ขวบคอนสแตนตินเรียนที่โรงยิม แต่จากที่นี้เองเขาก็ไม่เอาอะไรออกไป เช่นเดียวกับศิลปินในอนาคตเกือบทั้งหมด เขาเรียนอย่างไม่มีความสุข ด้วยความเฉื่อย และต่อมาได้ตั้งชื่อโรงละครมาลีว่าเป็นแหล่งของการพัฒนาทางจิตวิญญาณ ทำให้เขาเสียไปด้วยพรสวรรค์ที่สิ้นเปลือง
การแสดงมือสมัครเล่นดำเนินต่อไป (การแสดงครั้งแรกบนเวทีบ้านเกิดขึ้นในปี 2420) และเป็นที่น่าสังเกตว่าจากหนังสือชีวประวัติ "My Life in Art" ผู้อ่านไม่รู้ด้วยซ้ำว่าหลังจากโรงยิม Alekseev เข้าและสำเร็จการศึกษา จากสถาบัน Lazarev และเริ่มให้บริการในบริษัทครอบครัว เหตุการณ์ที่ไม่มีนัยสำคัญทางวัฒนธรรมไม่รวมอยู่ในอัตชีวประวัติ
แต่มีคำอธิบายโดยละเอียดว่าในตอนแรกพ่อสร้างอาคารใหม่พร้อมห้องโถงขนาดใหญ่สำหรับการแสดงมือสมัครเล่นบนที่ดินของเขาใกล้มอสโกและจากนั้น "ดำเนินไปด้วยกิจกรรมการแสดงละครของเราเขาสร้างโรงละครที่สวยงามสำหรับเราในมอสโก" ดีมีพ่อรวย!
กลุ่มมือสมัครเล่นค่อยๆ ก่อตัวขึ้นรอบๆ Konstantin เรียกว่า "Alekseevsky" ซึ่งมีการแสดงตลก โอเปร่า และเพลง คอนสแตนตินเองชอบตัวละครที่มีลักษณะเฉพาะ จัดแสดงร่วมกับพี่ชายและน้องสาวของเขา รักความสำเร็จกับผู้ชมและผู้หญิง และสนุกกับการกลับชาติมาเกิด ความแข็งแกร่งของหนุ่มสาวมีมากมาย
2. การตัดแขนขาและการตัดอวัยวะ
วัยรุ่นทางศิลปะสิ้นสุดลงในปี 2431 หลังจากได้พบกับผู้กำกับ Fedotov สามีของศิลปินชื่อดัง Glyceria Fedotova ฉันไม่คิดว่ามันเกี่ยวกับ Fedotov มากนักแม้ว่าการประชุมครั้งแรกกับผู้กำกับมืออาชีพก็ไม่สามารถล้มเหลวในการสร้างความประทับใจให้มือสมัครเล่นได้ เป็นไปได้มากว่า Stanislavsky เองก็เข้าหาสิ่งที่เรียกว่าความเข้าใจที่ซับซ้อนของโรงละครร่วมกับเพื่อนร่วมงานรวมถึง Fedotov Stanislavsky ได้พัฒนาโครงการสำหรับสมาคมศิลปะและวรรณคดีมอสโกการลงทุนที่นั่นและกองทุนส่วนบุคคลที่สำคัญ - 25 หรือ 30,000 รูเบิล
ที่นี่ "การเกิดใหม่" เกิดขึ้น: "เห็นได้ชัดว่าในสาขาศิลปะฉันยังคงเป็นเครื่องถ่ายเอกสารที่ไร้รสเหมือนเดิม Fedotov และ Sollogub เริ่มดำเนินการกับฉัน: การตัดแขนขาการควักและการชะล้างเน่าของโรงละครซึ่งยังคงซ่อนอยู่ในที่ซ่อน ที่ต่างๆ พวกเขาทำให้ฉันรู้สึกแย่จนฉันไม่เคยลืมเลยตลอดชีวิต พวกเขาเยาะเย้ยฉันมาก และเหมือนสองครั้ง สอง สี่ ได้พิสูจน์ให้เห็นถึงความล้าหลัง ความไม่สอดคล้องกัน และความหยาบคายของรสนิยมของฉันในขณะนั้น ซึ่งในตอนแรกฉันเป็น เงียบแล้วฉันก็ละอายใจในที่สุดรู้สึกว่าไม่มีนัยสำคัญและ - ราวกับว่าข้างในว่างเปล่า เก่าไม่ดี แต่ไม่มีอะไรใหม่”
ในตอนท้ายของวัยรุ่นศิลปะของเขาในปี 2432 เขาแต่งงานกับ Masha Perevoshchikova (บนเวทีโดย Lilina) ในปี 1891 ลูกสาวของ Cyrus เกิดในปี 1894 - ลูกชาย Igor
สมาคมศิลปะและวรรณคดีมีอยู่ 10 ปี Stanislavsky มีบทบาท 34 ในนั้นแสดง 16 การแสดง นี่คือโรงเรียนการแสดงและวิปัสสนาอย่างไม่หยุดยั้ง ประสบการณ์ฝีมือและความพยายามที่จะสร้างการแสดงเป็นขั้นตอนที่ผู้กำกับตั้งใจสร้างขึ้นโดยเจตนา ซึ่งผู้กำกับสามารถเสนอนักแสดงให้เล่นเพียงผิวเผิน ร้องเพลง หรือหากงานศิลป์ต้องการ มัน "ทำให้ความรู้สึกออกไปจากที่ซ่อน"
เป็นเวลาสิบปีก่อนการก่อตั้งโรงละครศิลปะสาธารณะ ในเวลานี้เองที่ภาพสะท้อนของโรงละครรูปแบบใหม่ - การกำกับ: ในปี 1890 คณะละครของ Duke of Meiningen นำโดยผู้กำกับ Kroneck เดินทางมารัสเซียเพื่อทัวร์ Stanislavsky รู้สึกประหลาดใจกับความเป็นไปได้ในการแก้ปัญหาทางศิลปะด้วยวิธีการที่ไม่แสดงละครโดยใช้ฉากฉากและฉาก
อย่างไรก็ตาม "สิ่งประดิษฐ์ของผู้กำกับ" ของ Kroneck ทำให้ Stanislavsky มีความรู้สึกที่เตรียมไว้แล้วว่านักแสดงไม่ดีเท่าวิธีการแสดงออก ไม่มีเทคนิคในการเล่นที่จำเป็น, เทคโนโลยีและเทคนิคต่างๆ, ความต้องการที่เกิดจากลักษณะเฉพาะของละคร, เขาไม่สามารถเป็นองค์ประกอบของการแสดงที่เท่าเทียมกับอุปกรณ์ประกอบฉาก, แสง, ดนตรี, ไม่สามารถบรรลุภารกิจที่ตั้งไว้ได้ โดยผู้กำกับ
อันที่จริง ความเข้าใจในเหตุการณ์นี้ซึ่งมีอายุประมาณปี พ.ศ. 2433-2438 เป็นจุดเริ่มต้นของโรงละครกำกับการแสดงซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ XX หน้า ผู้กำกับไม่เพียงแต่ต้องมอบหมายบทบาทให้นักแสดงเท่านั้น ("เจือจาง") และเพื่อ ตรวจสอบให้แน่ใจว่าข้อความนั้นถูกพูดและสำหรับบทละครของผู้กำกับที่เฉพาะเจาะจงโดยองค์ประกอบเชิงสร้างสรรค์ทั้งหมดของการแสดง อย่างแรกเลยคือโดยนักแสดง ซึ่งไม่ได้เล่นตามความสามารถอีกต่อไปแต่เป็นไปตามข้อกำหนดของผู้กำกับ
3. โรงละครศิลปะ ครบรอบยี่สิบปีแรก
ความไม่พอใจโดยทั่วไปกับสถานะของเทคนิคการแสดงเพิ่มขึ้น มันเป็นรูปลักษณ์ใหม่โดยเฉพาะ: Stanislavsky มองนักแสดงจากภายนอก เขาคิดและเขียนเกี่ยวกับ "ศิลปะแห่งประสบการณ์" ซึ่งช่วยให้นักแสดงรู้สึกถึงความรู้สึกและความคิดของตัวละครบนเวทีอย่างลึกซึ้งและลึกซึ้งทางจิตใจ ทำให้ผู้ชมมองเห็นประสบการณ์ภายในได้ชัดเจน แทนที่จะใช้ถ้อยคำที่ซ้ำซากจำเจ เขาต้องการ "ประสบการณ์ที่แท้จริง" เฉพาะจากนักแสดงจากการแสดง การรวมอุปกรณ์ทางจิตเวชนั้นเข้าไว้ด้วยกัน ซึ่งนักแสดงใช้ในชีวิตเหมือนทุกๆ คน จำเป็นต้องถอดที่หนีบที่ทำลายความรู้สึกทั้งหมดบนเวทีออกแล้ววิญญาณของตัวละครจะเปิดออก
เมื่อได้พบกับ V.I. Nemirovich-Danchenko, Stanislavsky กล้าที่จะสร้างโรงละครของตัวเอง โรงละครที่เข้าถึงได้สาธารณะเปิดเมื่อวันที่ 14 ตุลาคม พ.ศ. 2441 โดยมีบทละคร "ซาร์ฟีโอดอร์ไอโออันโนวิช" (Stanislavsky เล่น Prince Ivan Petrovich Shuisky) งานของโรงละครรวมถึงการปฏิรูปการแสดงละครระดับโลกที่ส่งผลต่อทิศทาง การแสดง ฉาก ส่วนประกอบทั้งหมดของการแสดงละคร การคัดเลือกละครพิเศษ การศึกษานักแสดง ในเกือบสี่สิบปีของการทำงานในโรงละคร ลัทธิสูงสุดทั้งหมดของเขา ความไม่พอใจกับการแสดงที่เบื่อหน่ายและการปฐมนิเทศอย่างต่อเนื่องของ "The Seagull", "Uncle Vanya", "Three Sisters", "The Cherry Orchard", " Bourgeois", "At the Bottom", "Doctor Shtokman "," Human Life "," A Month in the Country "... นวัตกรรมและการค้นหาในทุกสิ่ง "การกำกับแฟนตาซีของ Stanislavsky นั้นไร้ขอบเขต: จากสิ่งประดิษฐ์สิบชิ้นแปดตัวถูกยกเลิกโดยตัวเขาเองตัวที่เก้า - ตามคำแนะนำของ Nemirovich-Danchenko และมีเพียงหนึ่งในสิบเท่านั้นที่ยังคงอยู่บนเวที" (A. Serebrov)
และการทดลองอย่างต่อเนื่อง: สตูดิโอบน Povarskaya ที่มอสโกอาร์ตเธียเตอร์ (1905) นำโดย Vsevolod Meyerhold (ซึ่งเริ่มต้นที่มอสโกอาร์ตเธียเตอร์ในฐานะนักแสดงในบทบาทของโรคประสาทซึ่งจริงๆแล้วเขาเป็น) เพื่อค้นหารูปแบบการแสดงละครใหม่ , The First Studio - สำหรับการทดลองด้วย ซึ่งยากที่จะทำในโรงละคร เพราะนักแสดงชอบความสำเร็จ ไม่ใช่การค้นหาสิ่งใหม่ คำเชื้อเชิญของ G. Craig สำหรับการผลิต "Hamlet" ในช่วงปี 1900-1910 "ระบบ Stanislavsky" เริ่มก่อตัวขึ้น
4. ประสบการณ์และการเป็นตัวแทน
หนึ่งในแนวคิดหลักของ Stanislavsky คือมีเทคโนโลยีการแสดงสามอย่าง: งานฝีมือ "ประสบการณ์" และ "การนำเสนอ" (เครื่องหมายคำพูดหมายความว่าคำเหล่านี้มีความหมายที่ไม่สำคัญ)
งานฝีมือนี้มีพื้นฐานมาจากการใช้แสตมป์สำเร็จรูปโดยที่ผู้ชมสามารถเข้าใจอารมณ์ของนักแสดงได้อย่างชัดเจน (แต่ไม่ได้สัมผัส)
ศิลปะการแสดงขึ้นอยู่กับข้อเท็จจริงที่ว่าในกระบวนการซ้อมยาว นักแสดงได้สัมผัสประสบการณ์จริงที่สร้างรูปแบบการแสดงประสบการณ์เหล่านี้โดยอัตโนมัติ แต่ในการแสดงนั้น นักแสดงไม่ได้สัมผัสความรู้สึกเหล่านี้ แต่จำลองรูปแบบเท่านั้น , ภาพวาดภายนอกแบบสำเร็จรูปของบทบาท
สุดท้ายในศิลปะแห่งการประสบพบเจอ นักแสดง และบนเวที ที่การแสดงเอง ได้สัมผัสประสบการณ์จริงไม่เหมือนกับในชีวิตแต่ยังคงเป็นของจริงและสิ่งนี้ทำให้เกิดชีวิตของภาพบนเวทีที่อิ่มเอิบไปด้วย รายละเอียดที่น่าสนใจและละเอียดอ่อนที่พวกเขาจะไม่มีวันลืมในระหว่างการทำซ้ำ ตรึงภาพวาดในงานศิลปะของการนำเสนอ ไม่มีการสาธิตผลลัพธ์ของความคิดสร้างสรรค์ แต่มีกระบวนการด้นสดและการไหลของความรู้สึกของมนุษย์ที่มีชีวิตซึ่งส่งตรงจากนักแสดงไปยังผู้ชม
สตานิสลาฟสกีสร้างปัญหาให้กับการเล่นของนักแสดง เปลี่ยนจากคุณสมบัติออร์แกนิกเป็นวิธีการทางศิลปะ โดยสร้างแบบจำลองทางปรัชญาสองแบบในการแสดง ประการแรกขึ้นอยู่กับความจริงที่ว่าชีวิตนอกเหนือจากการเล่นนั้นว่างเปล่าและวุ่นวายและมีเพียงศิลปะแห่งการเล่นรูปแบบที่สวยงาม "เสริม" ความสับสนวุ่นวาย "เขาต้องเล่นโดยปราศจากสิ่งนี้เขาหายใจไม่ออกเหมือนที่ว่างเปล่าไม่มีเนื้อหาเหมือนชุดที่ไม่มีใครสวมใส่ ... นักแสดงไม่เป็นรายบุคคล นี่คือแก่นแท้ของเขา" (V.V. Rozanov, 1914)
รูปแบบที่สองเกิดขึ้นจากการล้นของวัสดุที่สำคัญ จากความรู้สึกของ "ส่วนเกินของจิตวิญญาณของคุณเหนือ ... ใบหน้าของคุณ โชคชะตาของคุณ ชีวิตของคุณ" (FA Stepun, 1923) แบบจำลองทางปรัชญาที่ตรงกันข้ามสองแบบต้องการเทคโนโลยีการแสดงที่แตกต่างกัน และ Stanislavsky เป็นผู้สร้างแรงผลักดันให้เกิดการก่อตัว
ไม่ถูกต้องที่จะบอกว่า Stanislavsky ปฏิเสธ "การเป็นตัวแทน" อย่างสมบูรณ์ สิ่งสำคัญในการค้นพบของเขาคือความเข้าใจใน "การนำเสนอ" และ "ประสบการณ์" ว่าเป็นวิธีการที่เท่าเทียมกัน เทคโนโลยีการแสดง ที่เกี่ยวข้องกับหน้าที่งานของผู้กำกับ บางครั้งก็ใช้สิ่งหนึ่งบางครั้งอีก กล่าวอีกนัยหนึ่ง คุณค่าทางประวัติศาสตร์ของ Stanislavsky อยู่ที่การไตร่ตรองถึงวิธีการแสดง ซึ่งก่อนหน้าเขาถูกเข้าใจว่าเป็นสิ่งที่ "มาจากธรรมชาติ" ซึ่งมอบให้กับมนุษย์อย่างเหนียวแน่น
Stanislavsky เป็นที่รู้จักทั้งในฐานะนักทฤษฎีและนักปฏิบัติที่ประสบความสำเร็จในการเอาชนะ "ของขวัญจากธรรมชาติ" มาจาก Stanislavsky ที่วิถีการอยู่บนเวทีกำลังถูกเปลี่ยนเป็นวิธีการสร้างแบบจำลองทางศิลปะที่ยืดหยุ่น ตอนนี้เป็นสัจธรรมแม้ว่ายานจะยังคงครอบงำอยู่และความยากลำบากที่ Stanislavsky เรียกร้องนั้นมีเพียงไม่กี่คนที่เป็นที่ต้องการ ตามจริงแล้ว Stanislavsky เป็นอัจฉริยะ และระบบของเขามีไว้สำหรับอัจฉริยะ ดูเหมือนว่าคนตัวเล็กกว่าเขาคือโมสาร์ทที่ต้องการเป็นซาลิเอรี
จากแรงผลักดันของ Stanislavsky เทคนิคที่สร้างสรรค์ก็เกิดขึ้น มีการวาดบทบาทภายนอก แต่ในขณะเดียวกันนักแสดงก็ถูกขอให้ "ปรับ" แบบฟอร์ม ("ประสบการณ์พิลึก") หรือเปิดเผยด้วยส่วนหนึ่งของการแสดงออกหมายถึงประสบการณ์ที่ไม่ตรงกับความหมายด้วย ภาพวาดที่กำหนด
Mikhail Chekhov ชอบออกกำลังกายใน "ประสบการณ์พิลึก" (หมอบบนโต๊ะวางหมึกบนหัวของเขาปรับตำแหน่งนี้และประกาศความรักของเขา) การทดลองเกี่ยวกับความไม่ตรงกัน (การแสดงออกของดวงตาและน้ำเสียงที่ขัดแย้งกับการแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางที่เหลือ) ถูกจัดแสดงที่ Marlon Brando ในปี 1940 โดย Lee Strasberg, Arkady Raikin เชี่ยวชาญในเรื่องนี้ ซึ่งเป็นพื้นฐานสำหรับการแสดง BDT ทั้งหมด - "เรื่องราวของ a Horse" กับ Evgeny Lebedev ในบทนำ ...
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เทคโนโลยี "นักแสดงเล่นเป็นนักแสดงที่มีบทบาท" โดยความคิดของ Stanislavsky ปรากฏขึ้นแม้ว่าองค์ประกอบของมันจะถูกจับได้แม้ใน "The Inspector General" ของ Stanislavsky กับ M. Chekhov- เคลสตาคอฟ. ด้วยโครงสร้างนี้ที่เขียนบทละคร Marat / Sad (1965) ของ Peter Weiss
ในเวลาเดียวกันการทดลองของ Jerzy Grotowski เกือบทั้งหมดรวมถึงงานของนักแสดง "ในการแสดงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณด้วยความช่วยเหลือของร่างกายของเขา" และโครงการ "Art of the Beginner" (1980) เกิดจากการสะท้อน เกี่ยวกับการแสดง cabotinage ที่เขาเคยรับหน้าที่ Stanislavsky เขาจัดหาแนวคิดและเทคนิคให้กับโรงละครแห่งอนาคตอย่างแท้จริง
5. ครบรอบยี่สิบปีที่สองและครั้งสุดท้าย
ภายในปี พ.ศ. 2460 โรงละครศิลปะมอสโกเป็นโรงละครศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในรัสเซีย
หลังรัฐประหารเมื่อเดือนตุลาคม โรงละครเกือบปิดตัวลง การแสดงฟรีไม่มีการขายตั๋ว แต่แจกจ่ายหนังสือพิมพ์อันธพาลอดีตโรคประสาท Meyerhold กลายเป็นผู้บังคับการตำรวจและเดินไปพร้อมกับซองหนัง ... อย่าแทะถั่วถอดหมวกอย่านำขนมหรือกินใน หอประชุม "(" ชีวิตในงานศิลปะ ")
นอกจากนี้ ในปี พ.ศ. 2462 กลุ่มศิลปินจาก Moscow Art Theatre นำโดย O.L. Knipper และ V.I. Kachalov ไปทัวร์ที่ Kharkov และพบว่าตัวเองอยู่ในดินแดนที่ถูกครอบครองโดย Denikin จากที่ที่เธออพยพอย่างปลอดภัย ส่วนหนึ่งของคณะที่เหลืออยู่ในมอสโกถูกพวกบอลเชวิคเก็บไว้เป็นตัวประกัน
อย่างไรก็ตาม ในปี พ.ศ. 2465 Kachalovites กลับมาแล้วในเดือนกันยายนปี 1922 โรงละครศิลปะมอสโกทั้งหมดไปทัวร์ในยุโรปและอเมริกา
เป็นที่น่าจดจำว่าในเวลานี้นักปรัชญาชาวรัสเซียและผู้พิการอื่น ๆ ถูกเนรเทศไปยังยุโรปด้วยเรือกลไฟ เกือบในเวลาเดียวกันมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ก็จากไป ทัวร์ดำเนินไปจนถึงเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2467 โรงละครไม่ต้องการกลับมาทุกคนไม่ชอบพวกบอลเชวิคและการปฏิวัติ
อย่างไรก็ตามในท้ายที่สุดมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ก็กลับมา ดูเหมือนว่ามีอาหารอยู่ และถ้าเป็นเช่นนั้น ชีวิตก็จะดีขึ้น (NEP!) พวกเขาคิดว่าทุกอย่างจะออกมาดี อย่างที่นายทหารของ Steva Oblonsky เคยพูดเมื่อภรรยาของเขาตะโกนใส่เขา ไม่มีใครเข้าใจว่าการปฏิวัติเลวร้ายยิ่งกว่าภรรยาที่พบกับนายหญิงของเธอ
การแสดงรอบปฐมทัศน์ครั้งแรกหลังจากที่เขากลับมาคือ "Ardent Heart" จากนั้น "Days of the Turbins" (1926) อิงจากบทละครของ Bulgakov ซึ่งเนื่องจากความเข้าใจผิดจึงถือว่าเกือบจะเป็นละคร "White Guard" อันที่จริงมันเป็นเรื่องคลาสสิกของ Smenovekhov ซึ่งในบริบททางการเมืองในช่วงหลายปีที่ผ่านมาถูกมองว่าเป็นสัญญาณของความพร้อมในการเปลี่ยนแปลงเหตุการณ์สำคัญ ละทิ้งอดีตของพวกเขาและยอมรับอำนาจใหม่ หลอกลวงตัวเองโดยประมาทว่าพวกบอลเชวิคไม่ใช่ตัวเลือกที่แย่ที่สุด สำหรับรัสเซียและพวกเขาจะรักษารัสเซียอันเป็นนิรันดร์และยิ่งใหญ่
สำหรับโรงละครและ Stanislavsky ซึ่งไม่มีชื่ออยู่บนโปสเตอร์ นี่เป็นการยอมจำนนครั้งแรก การรวมตัวของมันคือ "Armored Train 14-69" (1927) และ "Beg" (1928) ซึ่งโรงละครเข้าใกล้ "ปีแห่งจุดเปลี่ยนอันยิ่งใหญ่"
จากเวลานี้เองที่ความเป็นปฏิปักษ์ในตำนานระหว่าง Stanislavsky และ Nemirovich เริ่มต้นขึ้นโดย Bulgakov อธิบายอย่างน่าขัน Stanislavsky ไม่สนใจในการผลิตการแสดงอีกต่อไปเพราะเขาไม่สามารถเชื่อฟังการเซ็นเซอร์และการรวมเข้าด้วยกันแม้ว่าแน่นอนว่าเขากลัวที่จะต่อต้านอย่างเปิดเผย (เขาถูกเลี้ยงดูมาในประเพณีการยอมจำนนต่อเจ้าหน้าที่) ในทางกลับกัน Nemirovich ดึงภาระทั้งหมดเพราะเขาเป็นนักปฏิบัตินิยมและเป็นคนหัวรุนแรงที่เข้ากับการตกแต่งภายในของกรุงมอสโกของสตาลิน และชอบที่จะเป็น "นายพลพลเรือน"
Stanislavsky หนีไปทำการทดลองราวกับว่าเขาบังคับตัวเองให้ตกอยู่ในวัยเด็กเพื่อ "ออกไป" เพื่อที่พวกเขาจะถูกทิ้งไว้ข้างหลังเท่านั้น เขามีแพทย์ประจำตัว คนขับรถส่วนตัว เขาไปรับการรักษาที่ต่างประเทศทุกปี เขาอาศัยอยู่ในบ้านหรูบนถนนที่ตั้งชื่อตามเขา จมดิ่งลึกลงไปใน "เนื้อของโซฟา" และสะท้อนถึงธรรมชาติของการแสดงและสิ่งนี้ แสร้งทำเป็นว่าเขาไม่เข้าใจอะไรเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น และหลังจากการพิจารณาเป็นเวลานาน Nemirovich ได้กลับไปมอสโคว์จากสหรัฐอเมริกาในปี 2472 (เขาไม่ต้องการกลับมาด้วย) กลายเป็นเจ้าของโรงละครผู้มีอำนาจสูงสุดผู้ฉวยโอกาสทางการเมืองและคนถากถางถากถาง
สถานการณ์เลวร้ายน่าเศร้าอย่างแท้จริง สำหรับสตาลินให้การอุปถัมภ์ของโรงละครศิลปะมอสโกอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนเปลี่ยนโรงละครให้กลายเป็นข้าราชบริพารและเป็นโรงละครหลักในสหภาพโซเวียต โรงละครศิลปะมอสโกของสหภาพโซเวียต M. Gorky อยู่เหนือการวิพากษ์วิจารณ์ผู้ก่อตั้งได้รับการยกย่องนักแสดงได้รับการปฏิบัติอย่างสุภาพ "ระบบของ Stanislavsky" เป็นข้อบังคับสำหรับทุกคนเช่นประมวลกฎหมายอาญา คำตอบของ Moscow Art Theatre คือความภักดีอย่างลึกซึ้ง เกมแห่งความรักที่จริงใจตามระบบของหนึ่งในผู้ก่อตั้ง
มีการแสดงละครที่น่าขนลุกของสหภาพโซเวียตมีการจัดประชุมที่น่ากลัวซึ่งเราจะต้องมีส่วนร่วมในอาชญากรรมของระบอบการปกครองด้วยวาจา ในช่วงหลายปีของ "Great Terror" "ดูเหมือนว่าจะไม่มีการดำเนินการหรือกระบวนการทางการเมืองเพียงครั้งเดียวไม่มีการตัดสินใจทางปกครองเดียวเกี่ยวกับชะตากรรมของศิลปินหรือการแสดงนั้นซึ่งจะไม่ได้รับเอกฉันท์" "การสนับสนุนของศิลปินมอสโก (A. Smelyansky) การทำให้เสื่อมเสียสมบูรณ์และสุดท้าย การสลายตัวของ "ศิลปะแห่งประสบการณ์" ที่ละเอียดอ่อนจะย้อนกลับไม่ได้
การทำจิตใจให้สกปรก การเล่นเชคอฟถือเป็นการดูหมิ่นเหยียดหยาม และทุกคนก็เข้าใจเรื่องนี้ดี อันดับแรกคือ Stanislavsky เขาตระหนักว่าผลิตผลงานของเขาถูกข่มขืนและฆ่า วิญญาณของนักแสดงของเขาแตกสลาย และตัวเขาเองเป็นตัวประกันของสถานการณ์ เหลือสิ่งเดียวเท่านั้น - ทำงานอย่างเงียบ ๆ กับนักแสดงกลุ่มเล็ก ๆ ในการสเก็ตช์พยายามทำให้สกปรกน้อยลงและตายอย่างมีศักดิ์ศรี
6. องค์ประกอบหลักของ Stanislavsky
นี่คือลักษณะการให้บริการทางประวัติศาสตร์ของ Stanislavsky ต่อโรงละครโลกตาม "พจนานุกรมโรงละคร" ที่มีชื่อเสียงโดย Patrice Pavi
Stanislavsky ค้นพบ:
ก) "ข้อความย่อย" ทำซ้ำข้อความปฏิบัติการหรือขัดแย้ง; เครื่องมือทางจิตวิทยาที่แจ้งเกี่ยวกับสถานะภายในของตัวละคร กำหนดระยะห่างระหว่างสิ่งที่พูดในข้อความกับสิ่งที่แสดงบนเวที พื้นหลังของจิตใต้สำนึกของข้อความมีอยู่ควบคู่ไปกับข้อความที่ออกเสียงตามตัวอักษร ทำให้เกิดชุดความหมายที่ต่อเนื่องกันและมีความหมายในตัวเอง
b) mise-en-scène เป็นการรับรู้ทางกายภาพของความหมายภายในสุดของข้อความที่น่าทึ่ง;
ค) ความโน้มถ่วงของข้อความในการเล่นต่อข้ออ้าง สลับกับการหยุดชั่วคราว: ตัวละครไม่กล้าแสดงความคิดอย่างเต็มที่หรือทำไม่ได้ พวกเขาสื่อสารกันแบบครึ่งคำใบ้หรือพูดเพื่อ ไม่พูดอะไร ทำให้แน่ใจว่าไม่มีสิ่งใดที่คู่สนทนาเข้าใจได้ว่าเป็นสิ่งที่เต็มไปด้วยความหมายที่แท้จริง
อันที่จริง Stanislavsky นานก่อนการเกิดขึ้นของภาพยนตร์และโทรทัศน์ด้วยแผนการที่ใหญ่และใหญ่มากได้พัฒนาระบบการแสดงสำหรับ "Talia สายตาสั้น" พบวิธีการเล่นในโรงละครไร้สาระที่ ตัวละครแลกเปลี่ยนคำพูดที่ไม่มีอะไรตรงกันข้ามกับคำว่า - การกระทำซึ่งเขาคาดว่าจะเป็นโรงละครแห่งปลายศตวรรษ
สำหรับสิ่งนี้ฉันจะเพิ่มการวิเคราะห์การเล่นโดยการกระทำการค้นหา "แนวการกระทำทางกายภาพ" ซึ่งเป็นวิธีการสากลที่ Stanislavsky เชี่ยวชาญอย่างเชี่ยวชาญ มีบันทึกการซ้อมช่วงปี พ.ศ. 2474-2475 "การเผาไหม้จากปัญญา". บทละครกลายเป็น "ชีวิต" ต่อหน้าต่อตาเรา ทุกสิ่งเต็มไปด้วยตรรกะ มีชีวิต เริ่มหายใจและเคลื่อนไหว ไหวพริบที่สุดคือฉากที่ Stanislavsky เริ่มเล่น Famusov และ Olga Androvskaya - Liza
บทบาทของอาจารย์ที่ยั่วยวนนั้นชัดเจนสำหรับรสนิยมของเขา Androvskaya วัยสามสิบผู้มีเสน่ห์ชอบมันมาก ๆ เขาก็เขย่าวันเก่า ๆ และทุกอย่างจบลงด้วยลิซ่านั่งบนตักของเขาแล้วเขาก็คลำหาเธอด้วยมือของเขา และดึงเธอมาหาเขาพร้อมที่จะสนุกซึ่งเป็นสาเหตุที่ Androvskaya ฉันกลัวมาก ... ชั้นเรียนถูกจัดขึ้นที่อพาร์ตเมนต์ของ Stanislavsky เขาไม่ได้ถูกดึงดูดไปที่โรงละครมาเป็นเวลานาน โรงละครศิลปะมอสโกเสียชีวิตเร็วกว่าเขาสิบปี
และในตอนต้นของฤดูกาล 1938/39 เมื่อวันที่ 7 สิงหาคม Konstantin Sergeevich ก็เสียชีวิตในกระบวนการทำงานกับ Tartuffe ด้วย สาเหตุมาจากภาวะหัวใจล้มเหลว อาจเป็นโรคขาดเลือด การปลูกถ่ายบายพาสหลอดเลือดหัวใจถูกประดิษฐ์ขึ้นเพียงครึ่งศตวรรษต่อมา
บรรณานุกรม
มิคาอิล โซโลโทโนซอฟ. Konstantin Stanislavsky ป้อมปราการเก่า 2001
http://www.russianculture.ru/
เอกสารที่คล้ายกัน
การพัฒนาโรงละครโซเวียตในปี ค.ศ. 1920 นโยบายของรัฐของรัสเซียในทิศทางนี้ การอภิปรายเกี่ยวกับผู้ชมโซเวียตใหม่ แนวคิดด้านการแสดงละครและสุนทรียศาสตร์ของ K.S. Stanislavsky และ V.E. เมเยอร์โฮลด์. ศึกษาประวัติศาสตร์การละครในบทเรียนประวัติศาสตร์
วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 09/08/2016
ประวัติความเป็นมาของการสร้างโรงละคร "The Globe" ของเช็คสเปียร์ การจัดเวทีของเขา สถานการณ์ของนักแสดงชาวอังกฤษในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา องค์ประกอบของคณะนักแสดง บรรยายเหตุเพลิงไหม้ที่เกิดขึ้นระหว่างการแสดง การสร้างใหม่และทันสมัยของโรงละคร
เพิ่มบทคัดย่อเมื่อ 12/07/2015
ตำนานไซเธียนและมหากาพย์ ศาสนาและการปฏิบัติทางศาสนา อาวุธ อาหาร ศิลปะ วัฒนธรรม งานศพ. รัฐแรกหลัง Urarts ชาวไซเธียนสร้างงานศิลปะของตนเองซึ่งส่วนใหญ่เข้ามาในโลกและวัฒนธรรมรัสเซีย
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 11/16/2005
องค์กรของสถาบันการศึกษาของแผนกเฉพาะและศาสนาในเทือกเขาอูราล การพัฒนาประเพณีของพงศาวดารท้องถิ่นกวีและนักเขียนอูราล การสร้างห้องสมุด สิ่งพิมพ์ การพัฒนาวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี ศิลปะและจิตรกรรม โรงละคร ดนตรี และชีวิตประจำวัน
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 10/05/2009
บัวโนสไอเรสเป็นบาบิโลนที่ซึมซับวัฒนธรรม ความรู้ทางเทคนิค และทักษะทางวิชาชีพของผู้คนมากมาย สถาปัตยกรรมบัวโนสไอเรส - "ปารีสแห่งอเมริกาใต้" อาคารยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอันหรูหราของโรงละครโคลอน พิพิธภัณฑ์และสถานที่ท่องเที่ยวของเมือง
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 02/17/2011
วัยเด็กและการศึกษาของ Leonardo da Vinci การเชื้อเชิญของกษัตริย์ฝรั่งเศสและชีวิตของศิลปินที่ Château Clos-Luce มรดกทางศิลปะของ Leonardo การมีส่วนร่วมของเขาในวัฒนธรรมศิลปะโลก สิ่งประดิษฐ์ทางวิทยาศาสตร์ ทำงานด้านกายวิภาคและการแพทย์
เพิ่มการนำเสนอ 04/03/2014
ชาวเมือง Kievan Rus ในศตวรรษที่ 9 และต้นศตวรรษที่ 13 ได้มีส่วนสนับสนุนที่มีคุณค่าต่อวัฒนธรรมโลก สร้างสรรค์งานวรรณกรรม ภาพวาด และสถาปัตยกรรมที่ไม่เสื่อมสลายไปตลอดหลายศตวรรษ วัฒนธรรมของผู้คน วัฒนธรรมเมือง. การศึกษา. วรรณกรรมของ Kievan Rus "คำเกี่ยวกับกองทหารของ Igor"
เพิ่มบทคัดย่อเมื่อ 05/14/2008
ชีวประวัติ วิทยาศาสตร์ และกิจกรรมทางสังคมของลูกชายที่โดดเด่นของชาวคาซัค โชกัน (โชกัน) วาลิคานอฟ และผลงานของเขาที่มีต่อวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์โลก การเดินทางที่มีชื่อเสียงไปยัง Kashgaria แง่จิตวิทยาของชีวิตและผลงานของโชกัน วาลิคานอฟ
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 02/15/2011
ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ XIX การเปลี่ยนแปลงของปีเตอร์ ยุคสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของแคทเธอรีน การก่อตั้งการติดต่อใกล้ชิดกับยุโรปตะวันตกเป็นปัจจัยในการพัฒนา คุณสมบัติของการศึกษา วิทยาศาสตร์ วรรณกรรม ภาพวาด ละครเวที และดนตรี
ทดสอบเพิ่ม 02/17/2012
มานุษยวิทยาของชาวอินเดียนแดงในเผ่าพันธุ์ Americanoid จำนวนและการกระจายตัวทางภาษาศาสตร์ พื้นที่วัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของอเมริกาและจุดเริ่มต้นของการล่าอาณานิคม ผลงานของอินเดียต่ออารยธรรมโลก วัฒนธรรมและระดับการพัฒนาของชาวอินคา มายัน และแอซเท็ก
การสร้างโรงละครศิลปะมอสโกไม่เพียงหมายถึงการเกิดขึ้นของกลุ่มศิลปะอีกกลุ่มหนึ่งเท่านั้น แต่ยังเกิดการสอนการแสดงละครรูปแบบใหม่อีกด้วย
การปฏิรูปการแสดงละครซึ่งดำเนินการโดย Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko มีวัตถุประสงค์เพื่อสร้าง คณะละครที่รวมเป็นหนึ่งเดียวกับแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของเขา โดยได้รับแรงบันดาลใจจากเป้าหมายร่วมกันในงานศิลปะ ในศิลปะของการแสดงบนเวที ผู้สร้างมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ได้เห็นรูปแบบที่สมบูรณ์แบบที่สุดของแนวคิดเชิงอุดมคติของการแสดง ซึ่งเป็นสัญญาณของทักษะระดับมืออาชีพสูง
ความคิดของวงดนตรีไม่เพียง แต่กำหนดแนวปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของโรงละครเท่านั้น แต่ยังรวมถึงองค์กรทั้งหมดของธุรกิจการละคร บรรทัดฐานทางจริยธรรมและศิลปะของชีวิตของกลุ่มศิลปะ คุณสมบัติทางศีลธรรมและจริยธรรมของนักแสดงมีความสำคัญต่อผู้สร้างโรงละครไม่น้อยไปกว่าความสามารถเชิงสร้างสรรค์และประสบการณ์ทางวิชาชีพของเขา การสอนของ Stanislavsky เกี่ยวกับจริยธรรมและระเบียบวินัยทางศิลปะเป็นการสอนเกี่ยวกับบรรยากาศที่สร้างสรรค์ในโรงละคร ข้อกำหนดและเงื่อนไขของความคิดสร้างสรรค์ในเวทีส่วนรวม โดยที่ศิลปะจะไม่ถูกทำลายล้างด้วยพืชพันธุ์ อันที่จริง การปฏิบัติของโรงละครรู้ตัวอย่างหลายพันตัวอย่างที่แสดงให้เห็นว่าข้อกำหนดด้านจริยธรรมที่ลดลงทำให้เกิดความเสื่อมโทรมทางศิลปะของโรงละคร
แต่ข้อกำหนดของจริยธรรมอาจกลายเป็นเรื่องไร้เหตุผลหากกลุ่มไม่เชื่อมเข้าด้วยกันด้วยความสามัคคีของมุมมองด้านสุนทรียศาสตร์และเป้าหมายและวัตถุประสงค์ทางอุดมการณ์ร่วมกันในงานศิลปะ Stanislavsky กล่าวกับเยาวชนในการแสดงละคร:
“ทีมงานหลายร้อยคนไม่สามารถรวมกัน ยึดมั่น และเติบโตแข็งแกร่งขึ้นได้เพียงบนพื้นฐานของความรักและความเห็นอกเห็นใจซึ่งกันและกันของสมาชิกทุกคนเท่านั้น ด้วยเหตุนี้ ผู้คนจึงแตกต่างกันเกินไป และความรู้สึกเห็นอกเห็นใจไม่คงที่และเปลี่ยนแปลงได้ เพื่อเชื่อมผู้คนเข้าด้วยกัน เราต้องการรากฐานที่ชัดเจนและแข็งแกร่งยิ่งขึ้น เช่น ความคิด สาธารณะ การเมือง "
ความคิดเรื่องสัญชาติและศิลปะชั้นสูงกลายเป็นแนวคิดที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวสำหรับมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ ก่อนเริ่มการฝึกซ้อม Stanislavsky พูดกับคณะด้วยคำต่อไปนี้:
“ถ้าเราไม่เข้าใกล้เรื่องนี้ด้วยมือที่สะอาด เราจะทำให้มันยุ่งเหยิง ส่งมันออกไปและกระจายไปทั่วรัสเซีย ... เราได้ดำเนินการในเรื่องที่ไม่ง่าย เป็นส่วนตัว แต่เป็นสาธารณะ อย่าลืมว่าเรามุ่งมั่นที่จะส่องสว่างชีวิตที่มืดมนของชนชั้นยากจน เพื่อให้พวกเขามีความสุขในช่วงเวลาที่สวยงามท่ามกลางความมืดที่ปกคลุมพวกเขา เรามุ่งมั่นที่จะสร้างโรงละครสาธารณะแห่งแรกที่มีเหตุผล มีคุณธรรม และเราอุทิศชีวิตของเราเพื่อเป้าหมายอันสูงส่งนี้ "
บนพื้นฐานทางอุดมการณ์นี้ จริยธรรมพิเศษของโรงละครศิลปะมอสโกได้ก่อตั้งขึ้น ประสานสมาชิกทุกคนในคณะให้เป็นทีมเดียวที่มีผู้คนที่มีความคิดสร้างสรรค์คล้ายคลึงกัน Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko ปลูกฝังให้นักแสดงรู้สึกถึงหน้าที่พลเมืองสูงความรับผิดชอบต่อโรงละครของพวกเขาเพื่อความสำเร็จของการแสดงและไม่ใช่แค่บทบาทของพวกเขาเท่านั้น
Stanislavsky ตั้งข้อสังเกตว่า สิ่งสำคัญในงานศิลปะคืองานที่ยอดเยี่ยมและการตัดขวาง หนังบู๊.ด้วยเหตุนี้เขาจึงกำหนดทิศทางเชิงอุดมคติของศิลปะ เขาได้เน้นย้ำหลายครั้งว่าโรงละครอยู่ในแนวหน้าเสมอในการต่อสู้เพื่อเนื้อหาทางศิลปะเชิงอุดมการณ์และศิลปะ
“โรงละครเป็นดาบสองคม ด้านหนึ่งต่อสู้ในนามของแสงสว่าง อีกด้านหนึ่งต่อสู้ในนามของความมืด ด้วยอิทธิพลแบบเดียวกันกับที่โรงละครทำให้ผู้ชมมีเกียรติ มันสามารถทำลายพวกเขา ดูถูก เสียรสนิยม ละเมิดความบริสุทธิ์ กระตุ้นกิเลสตัณหา รับใช้ความหยาบคาย ความงามแบบฟิลิปปินส์เล็กน้อย
จากนั้นโรงละครจะกลายเป็นเครื่องมืออันทรงพลังของความชั่วร้ายทางสังคม ยิ่งอันตรายมากเท่าไหร่ก็ยิ่งมีผลกระทบมากขึ้นเท่านั้น "(K.S. Stanislavsky. Works, vol. 5, p. 472)
Stanislavsky เน้นย้ำถึงความสำคัญของโรงละครในฐานะธรรมาสน์ซ้ำแล้วซ้ำอีกเป็นคำเทศนา ในการกล่าวปราศรัยกับนักเรียน บุคลากร และนักแสดงของสำนักงานสาขาของโรงละครศิลปะมอสโกในปี 1911 เขาตั้งข้อสังเกตอีกครั้งว่า:
“โรงละครเป็นอาวุธที่ทรงพลัง แต่เช่นเดียวกับอาวุธใด ๆ มันมีสองปลาย: มันสามารถก่อให้เกิดประโยชน์อย่างมากต่อผู้คนและสามารถเป็นความชั่วร้ายที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ...
ความชั่วร้ายที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เพราะมันแข็งแกร่งที่สุด ติดเชื้อมากที่สุด แพร่กระจายได้ง่ายที่สุด ความชั่วร้ายที่นำมาโดยหนังสือที่ไม่ดีไม่สามารถเปรียบเทียบได้ทั้งในด้านความแรงของการติดเชื้อหรือในความสะดวกที่มันแพร่กระจายไปยังฝูงชน
และในโรงละครในฐานะสถาบันก็มีองค์ประกอบของการศึกษาแห่งชาติ อย่างแรกเลย แน่นอน การศึกษาสุนทรียศาสตร์ของมวลชน
ดังนั้นนี่คือพลังอันน่าสะพรึงกลัวที่คุณจะได้รับ และนี่คือความรับผิดชอบที่ตกอยู่กับคุณสำหรับความสามารถในการกำจัดพลังนี้อย่างเหมาะสม "(K.S. Stanislavsky, อ้างแล้ว, หน้า 468-469)
ดังนั้น การสอนการแสดงละครของสตานิสลาฟสกีจึงรวมถึง หลักคำสอนของงานที่ครอบคลุมและการกระทำตั้งแต่ต้นจนจบ(นั่นคือเกี่ยวกับอุดมการณ์สูงและศิลปะชั้นสูงของศิลปะการละคร); การสอนจริยธรรมทางศิลปะเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการสร้างสรรค์ส่วนรวม ส่วนที่สามของหลักคำสอนคือสิ่งที่เรียกว่า "ระบบ Stanislavsky" - หลักคำสอนของเทคนิคการแสดงภายในและภายนอกหรือค่อนข้าง - ระบบการศึกษาของนักแสดง
ระบบการศึกษาของนักแสดง - การเรียนรู้เทคนิคการแสดงภายในและภายนอก - เกี่ยวข้องกับการฝึกอบรมที่สอดคล้องกันและสม่ำเสมอ องค์ประกอบของทักษะนักแสดง: การแสดงความสนใจ จินตนาการและจินตนาการ สถานการณ์ที่เสนอและ "ถ้าเพียงเท่านั้น" ความรู้สึกของความจริงและศรัทธา ตรรกะและความสม่ำเสมอ ความทรงจำทางอารมณ์ จังหวะ ฯลฯ
ในขณะเดียวกัน Stanislavsky ก็มาจากสุนทรียศาสตร์ของโรงละครซึ่งเขากำหนดให้เป็น "ศิลปะแห่งประสบการณ์" ตรงกันข้ามกับลักษณะ "ศิลปะการแสดง" ของโรงละครยุโรปตะวันตก แก่นแท้ของสุนทรียศาสตร์ของการแสดงละครนี้คือ ศิลปินได้สัมผัสกับบทบาทนี้ทุกครั้งและทุกครั้งที่มีการทำซ้ำของความคิดสร้างสรรค์ ("วันนี้ ที่นี่ ตอนนี้")
ความคิดสร้างสรรค์เป็นกระบวนการจิตใต้สำนึก แต่เขารู้สึกตื่นเต้นกับนักแสดงอย่างจงใจ Stanislavsky สามารถเข้าใจเส้นทางนี้จากจิตสำนึกสู่จิตใต้สำนึกและค้นหาวิธีการปฏิบัติสำหรับศูนย์รวมในการแสดง โรงเรียนการแสดงที่สร้างโดย Stanislavsky มีคำขวัญดังต่อไปนี้: "ยาก-ทำให้คุ้นเคย-คุ้นเคย-ง่าย-ง่าย-สวยงาม"
งานเกี่ยวกับ "ระบบ" เริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2450 และได้รับการตีพิมพ์ภายใต้ชื่อ "งานของนักแสดงในตัวเอง" เฉพาะในปี พ.ศ. 2481 เท่านั้น Stanislavsky ไม่ได้เผยแพร่สิ่งที่ค้นพบของเขาจนกว่าเขาจะได้ทดสอบซ้ำแล้วซ้ำอีกด้วยการฝึกฝนที่สร้างสรรค์
รากฐานของ "ระบบ" คือกฎวัตถุประสงค์ของความคิดสร้างสรรค์ตามธรรมชาติของศิลปินที่เป็นมนุษย์ ("ชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์") กฎหมายเหล่านี้มีพื้นฐานมาจากจิตวิทยาและสรีรวิทยา (Stanislavsky ศึกษาผลงานของ Pavlov, Freud และนักวิทยาศาสตร์คนอื่นๆ) ดังนั้นกฎหมายของระบบของ Stanislavsky จึงเหมือนกันสำหรับทุกคน ทุกชนชาติ ทุกยุคทุกสมัย
สาระสำคัญและจุดประสงค์ของระบบคือการควบคุมจิตใต้สำนึกผ่านจิตสำนึก เพื่อช่วยให้ธรรมชาติดำเนินการสร้างสรรค์
สุนทรียศาสตร์การแสดงละครของโรงเรียนการแสดงแห่งรัสเซียสันนิษฐานว่านักแสดงอาศัยอยู่บนเวทีและไม่ปรากฏ (“ ที่จะเป็นไม่ปรากฏ” เป็นสิ่งที่สำคัญ)
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 มีแนวคิดมากมายในการต่อต้านระบบ Stanislavsky เพื่อหักล้างมัน มันควรจะแทนที่จิตวิทยาด้วยชีวกลศาสตร์, ประสบการณ์ - ด้วยทักษะการนำเสนอ, นักแสดงที่มีชีวิตบนเวที - ด้วยหุ่นเชิด, การสร้างตัวละคร - พร้อมรายงานความคิดของผู้เขียน, การกระทำ - พร้อมคำบรรยาย, การกลับชาติมาเกิด - ด้วยเทคนิคของ " ความแปลกแยก" เป็นต้น
แนวความคิดเหล่านี้จำนวนมากจางหายไป ไม่ถึงอายุผู้เขียน ทันทีที่พวกเขาทำมากกว่าการทดลองในห้องปฏิบัติการ คนอื่น ๆ ยืนหยัดทดสอบเวลา แต่ก็ไม่มีใครกลายเป็น ทฤษฎีพื้นฐานของศิลปะการแสดงของศตวรรษที่ยี่สิบแม้ว่าแต่ละคนจะอ้างว่า
ค่อนข้างช้า "งานของนักแสดงในตัวเอง" ได้รับการแปลเป็นภาษาต่างประเทศ “หากหนังสือเล่มนี้ปรากฏขึ้นอย่างน้อยห้าปีก่อนหน้า เสียงของ Stanislavsky อาจเปลี่ยนทิศทางทั้งหมดของโรงละครอเมริกันได้”, - เขียนหนึ่งในนิตยสารโรงละครอเมริกันในปี 1964
ตอนนี้โรงภาพยนตร์ในสหรัฐอเมริกา อังกฤษ ฝรั่งเศส เยอรมนี โปแลนด์ ญี่ปุ่น ได้นำระบบ Stanislavsky มาใช้แล้ว
ศตวรรษที่ 19 ในชีวิตของโรงละครรัสเซียคือ "ยุคทอง" ในระหว่างที่มีการสร้างผลงานละครคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือโรงเรียนการแสดงของรัสเซีย ศตวรรษที่ 19 เริ่มต้นด้วยการก่อตัวของหลักการที่สมจริงของละครและการแสดงและจบลงด้วยการกำเนิดของโรงละครของผู้กำกับเวทีซึ่งสรุปประสบการณ์ที่ประสบความสำเร็จตลอดหนึ่งศตวรรษโดยศิลปะการแสดงบนเวทีของรัสเซีย หลักการของศิลปะนี้ได้รับการพิสูจน์ในทางทฤษฎีในงานของ K.S. Stanislavsky และ V.I. เนมิโรวิช-ดานเชนโก้ โรงละครกลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญในชีวิตวัฒนธรรมของรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ความนิยมของศิลปะการละครเติบโตขึ้น โรงละครเสิร์ฟถูกแทนที่ด้วย "ฟรี" - ทั้งภาครัฐและเอกชน อย่างไรก็ตาม โรงละครของรัฐปรากฏในเมืองหลวงตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อต้นศตวรรษที่ XIX มีอยู่หลายแห่ง - โรงละครวังในอาศรมโรงละครบอลชอยและมาลี ในปี ค.ศ. 1827 มีการเปิดคณะละครสัตว์ในเมืองหลวง ซึ่งไม่เพียงแต่มีการแสดงละครสัตว์เท่านั้น แต่ยังมีการแสดงละครด้วย ในปี ค.ศ. 1832 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตามโครงการของ K.I. Rossi อาคารโรงละครที่สร้างขึ้นพร้อมกับเทคโนโลยีโรงละครล่าสุด เพื่อเป็นเกียรติแก่ภรรยาของ Nicholas I, Alexandra Feodorovna เขาเริ่มถูกเรียกว่า Alexandria (ตอนนี้ - โรงละครที่ตั้งชื่อตาม A.S. Pushkin) ในปี พ.ศ. 2376 การก่อสร้างโรงละครมิคาอิลอฟสกี (ปัจจุบันคือโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์มาลี) เสร็จสมบูรณ์ มันได้รับชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่น้องชายของ Nicholas I - Grand Duke Mikhail Pavlovich โรงละครมาลีเปิดในมอสโกในปี พ.ศ. 2349 และในปี พ.ศ. 2368 การก่อสร้างโรงละครบอลชอยเสร็จสมบูรณ์
ผลงานละครเช่น "วิบัติจากวิทย์" โดย A.S. Griboyedov "ผู้ตรวจการทั่วไป" N.V. โกกอลและอื่น ๆ ในปี ค.ศ. 1920 และ 1940 M.S. นักแสดงชาวรัสเซียที่โดดเด่น Shchepkin เพื่อนของ A.I. Herzen และ N.V. โกกอล ศิลปินที่โดดเด่นอื่น ๆ - V.A. Karatygin - เวทีชั้นนำของเมืองหลวง, ป.ล. Mochalov ผู้ปกครองบนเวทีโรงละครมอสโก ฯลฯ
ความสำเร็จครั้งสำคัญในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ประสบความสำเร็จ โรงละครบัลเล่ต์ซึ่งมีประวัติในเวลานั้นส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับชื่อของผู้กำกับชาวฝรั่งเศสชื่อดัง Didlot และ Perrot ในปี ค.ศ. 1815 นักเต้นชาวรัสเซียผู้โด่งดัง A.I. อิสโตมิน่า.
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX ในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซียยุคใหม่เริ่มต้นขึ้น - เล่นโดยนักเขียนบทละครชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ A.N. ออสทรอฟสกี้ ละครของออสทรอฟสกีเป็นทั้งโรงละคร และในโรงละครแห่งนี้ ดาราจักรของนักแสดงที่มีพรสวรรค์เติบโตขึ้นมา ยกย่องศิลปะการละครของรัสเซีย
นอกเหนือจากบทละครของออสทรอฟสกีในละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เล่นโดย A.V. Sukhovo-Kobylina, M.E. Saltykov-Schchedrin, A.K. ตอลสตอย, แอล.เอ็น. ตอลสตอย โรงละครกำลังเดินตามเส้นทางของการยืนยันความจริงและความสมจริง
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX ความสนใจในละครร่วมสมัยของรัสเซียเพิ่มขึ้นอย่างมาก การวิจารณ์เชิงปฏิวัติ-ประชาธิปไตย นำโดย Chernyshevsky และ Dobrolyubov สนับสนุนละครของ Ostrovsky เผยให้เห็นอาณาจักรอันมืดมิดของพ่อค้าที่ทรราช ความชั่วร้าย และความหน้าซื่อใจคดของกลไกระบบราชการของระบอบเผด็จการของรัสเซีย
การแสดงครั้งแรกของการเล่นของ Ostrovsky เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 14 มกราคม ค.ศ. 1853 บนเวทีของ Maly Theatre เมื่อมีการแสดงตลก "Don't Get in Your Sleigh, Don't Sit" โรงละครมาลีได้รับความสำคัญทางสังคมอย่างมากในยุค 50-70 ของศตวรรษที่ 19 บทบาทในชีวิตทางวัฒนธรรมของรัสเซียนั้นยอดเยี่ยมมาก ไม่มีเหตุผลเลยที่โรงละคร Maly ถูกเรียกว่าเป็นมหาวิทยาลัยแห่งที่สองเนื่องจากมีบทบาทด้านการศึกษาและการศึกษาระดับสูง เขาเป็นคนที่อนุมัติละครของ Ostrovsky บนเวที
หลังจากการแสดงตลกครั้งแรก Don't Get In Your Sleigh ออสทรอฟสกีก็มอบบทละครทั้งหมดของเขาไปที่โรงละคร Maly เมื่อได้ใกล้ชิดกับศิลปินที่มีความสามารถหลายคนนักเขียนบทละครเองก็มีส่วนร่วมในการผลิตผลงานของเขา บทละครของเขาเป็นตัวแทนของยุคทั้งมวล ซึ่งเป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาศิลปะการแสดงของรัสเซีย มันอยู่ในบทละครของ Ostrovsky ที่พรสวรรค์ของนักแสดงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งโรงละคร Maly Prova Mikhailovich Sadovsky (1818-1872) ถูกเปิดเผย การแสดงโดยศิลปินในบทบาทของ Lyubim Tortsov ในละครเรื่อง "Poverty is not a Vice" กลายเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของศิลปิน Sadovsky เล่น 30 บทบาทในละครของ Ostrovsky ดูเหมือนว่าตัวละครของเขาจะขึ้นมาบนเวทีจากชีวิตผู้ชมที่รู้จักพวกเขาเป็นที่รู้จักกันดี Sadovsky ยังคงทำงานของเขาต่อไปตามหลักการของนักแสดงชื่อดังอย่าง Shchepkin
นักแสดงโศกนาฏกรรมชาวรัสเซียที่โดดเด่น Lyubov Pavlovna Nikulina-Kositskaya (1827-1868) เล่นกับ Sadovsky บนเวทีของโรงละคร Maly เธอเป็นคนแรกและเป็นหนึ่งในนักแสดงที่โดดเด่นที่สุดของ Katerina ในเรื่อง "The Thunderstorm" ของ Ostrovsky พรสวรรค์ของเธอผสมผสานคุณลักษณะของความอิ่มเอมใจในความโรแมนติกและความจริงที่ลึกซึ้งในการแสดงความรู้สึกและประสบการณ์ของมนุษย์ Polina Antip'evna Strepetova (1850-1903) นักแสดงโศกนาฏกรรมที่ใหญ่ที่สุดของจังหวัดจะจดจำการแสดงของเธอบนเวทีตลอดไป การพบกับ Nikulina-Kositskaya ช่วยให้ Strepetova กลายเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม ประเพณีของศิลปะของ เออร์โมโลวา
ความทะเยอทะยานที่ก้าวหน้าและเป็นประชาธิปไตยของนักแสดงที่มีความสามารถมากที่สุดของโรงละครมาลีได้กระตุ้นให้เกิดการต่อต้านอย่างดุเดือดจากหัวหน้าโรงละครและการเซ็นเซอร์ ละครของออสทรอฟสกีหลายเรื่องแม้จะประสบความสำเร็จกับผู้ชม แต่ก็มักจะถูกถอดออกจากการแสดง อย่างไรก็ตาม บทละครของออสทรอฟสกีกำลังกลายเป็นส่วนหนึ่งของละครของโรงละครมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งมีอิทธิพลต่อนักเขียนบทละครคนอื่นๆ
ในงานศิลปะบนเวที หลักการสร้างสรรค์ของ Shchepkin ยังคงพัฒนาต่อไป พื้นฐานของคณะละคร Maly ในยุค 50-70 ของศตวรรษที่ XIX นักแสดงอย่าง พี.เอ็ม. Sadovsky, L.P. Nikulina-Kositskaya, S.V. Shumsky, S.V. Vasiliev, I. V. สมรินทร์.
ในยุค 80-90 ของศตวรรษที่ XIX หลังจากการลอบสังหาร Alexander II โดย Narodnaya Volya การรุกรานของปฏิกิริยารุนแรงขึ้น การกดขี่ของเซ็นเซอร์ส่งผลกระทบอย่างมากต่อละครของโรงละคร โรงละครมาลีกำลังผ่านช่วงเวลาที่ยากลำบากและขัดแย้งกันมากที่สุดแห่งหนึ่งในประวัติศาสตร์ คลาสสิกกลายเป็นพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงที่ใหญ่ที่สุดของโรงละครมาลี
การแสดงละครโดย Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, Hugo โดยมีส่วนร่วมของนักแสดงสาวที่น่าเศร้าที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Maria Nikolaevna Yermolova กลายเป็นเหตุการณ์ในชีวิตการแสดงละครของมอสโก ในการแสดงเหล่านี้ผู้ชมได้เห็นการยืนยันความคิดที่กล้าหาญการยกย่องของ ความสำเร็จทางแพ่ง การเรียกร้องให้ต่อสู้กับความเด็ดขาดและความรุนแรง
คณะละครมาลีตอนปลายศตวรรษที่ 19 มีนักแสดงที่มีความสามารถมากผิดปกติ พวกเขาเป็นผู้สืบทอดที่น่าทึ่งของประเพณีอันรุ่งโรจน์ของโรงละคร Maly ซึ่งเป็นศิลปะแห่งความจริงในชีวิตที่ลึกล้ำผู้พิทักษ์คำสั่งของ Shchepkin, Mochalov, Sadovsky
โรงละครอเล็กซานเดรียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในทศวรรษแรกของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 กำลังผ่านช่วงเวลาที่ยากลำบากที่สุดในประวัติศาสตร์ ความใกล้ชิดกับราชสำนักมีอิทธิพลอย่างมากต่อชะตากรรมของโรงละคร ฝ่ายบริหารของโรงละครของจักรวรรดิปฏิบัติต่อคณะละครรัสเซียด้วยความรังเกียจอย่างไม่เปิดเผย เห็นได้ชัดว่าต้องการนักแสดงและบัลเล่ต์จากต่างประเทศ ศิลปะของนักแสดงในโรงละครอเล็กซานเดรียส่วนใหญ่พัฒนาไปในทิศทางของการปรับปรุงวิธีการแสดงออกภายนอก Vasily Vasilyevich Samoilov (1813-1887) เป็นปรมาจารย์แห่งการกลับชาติมาเกิดที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เชี่ยวชาญในเทคนิคการแสดง สร้างภาพที่เหมือนจริงและตระการตาบนเวที
ผลงานของนักแสดงนักมนุษยนิยมที่มีความสามารถมากที่สุด Alexander Evstafievich Martynov (1816-1860) ผู้สร้างภาพของ "คนตัวเล็ก" จำนวนหนึ่งที่ปกป้องสิทธิ์ในความสุขของพวกเขาเป็นข้อยกเว้นสำหรับโรงละครอเล็กซานเดรียในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เขาเล่น Podkolesin ใน "การแต่งงาน" และ Khlestakov ใน "The Inspector General" โดย Gogol, Moshkin ใน "The Bachelor" โดย Turgenev หลายบทบาทจากละครของ Ostrovsky หนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของศิลปินคือภาพลักษณ์ของ Tikhon ใน "The Thunderstorm" ของ Ostrovsky มาร์ตินอฟอยู่คนเดียวในโรงละคร ความตายก่อนวัยอันควรพาเขาไปในพลังสร้างสรรค์ของเขา
ความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงเหล่านี้ปูทางสำหรับการแก้ปัญหา เปิดทางสำหรับโรงละครแห่งอนาคต
ในหน้านี้ คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับครูสอนการแสดงที่โด่งดังที่สุดและนักแสดงละครเวทีผู้ยิ่งใหญ่ที่สร้างโรงเรียนสอนการแสดงชั้นนำ ในหมู่พวกเขาเป็นตัวแทนของศิลปะการแสดงเช่น Stanislavsky, Meyerhold, Chekhov, Nemirovich-Danchenko และ Berhold Brecht คนเหล่านี้มีส่วนสำคัญต่อศิลปะการแสดง ดังนั้น หากคุณมองว่าตัวเองเป็นนักแสดงมือใหม่ บทความนี้จะเป็นประโยชน์สำหรับคุณ
(1863 - 1938) นักแสดงและผู้กำกับชาวรัสเซียผู้โด่งดังซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งระบบการฝึกนักแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุด Stanislavsky เกิดที่มอสโกในครอบครัวใหญ่ของนักอุตสาหกรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งเกี่ยวข้องกับ Mamontov และพี่น้อง Tretyakov เขาเริ่มกิจกรรมการแสดงบนเวทีในปี พ.ศ. 2420 ในแวดวง Alekseevsky นักแสดงผู้ทะเยอทะยาน Stanislavsky ให้ความสำคัญกับตัวละครที่มีบุคลิกสดใสทำให้มีความเป็นไปได้ในการกลับชาติมาเกิด: ในบทบาทที่เขาโปรดปรานเขาตั้งชื่อนักเรียน Megriot จากเพลง "The Secret of a Woman" และช่างตัดผม Laverger จาก "Love Potion" ด้วยการปฏิบัติต่อความหลงใหลในการแสดงบนเวทีด้วยความรอบคอบโดยธรรมชาติของเขา Stanislavsky ทำงานด้านยิมนาสติกอย่างขยันขันแข็งรวมทั้งร้องเพลงกับอาจารย์ที่ดีที่สุดในรัสเซีย ในปีพ.ศ. 2431 เขาได้กลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งสมาคมศิลปะและวรรณกรรมมอสโก และในปี พ.ศ. 2441 ร่วมกับ Nemirovich-Danchenko ได้ก่อตั้งมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ซึ่งยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน
โรงเรียน Stanislavsky: "จิตเทคนิค"ระบบที่ตั้งชื่อตามเขาถูกใช้ไปทั่วโลก โรงเรียนของ Stanislavsky เป็นเทคนิคทางจิตที่ช่วยให้นักแสดงสามารถทำงานได้ทั้งในด้านคุณสมบัติของตนเองและในบทบาท
ประการแรกนักแสดงต้องฝึกฝนตัวเองทุกวัน ท้ายที่สุดแล้ว ผลงานของนักแสดงบนเวทีเป็นกระบวนการทางจิตฟิสิกส์ที่เกี่ยวข้องกับข้อมูลศิลปะภายนอกและภายใน: จินตนาการ, ความสนใจ, ความสามารถในการสื่อสาร, ความรู้สึกของความจริง, ความทรงจำทางอารมณ์, ความรู้สึกของจังหวะ, เทคนิคการพูด, พลาสติก, ฯลฯ ต้องพัฒนาคุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้ ประการที่สอง Stanislavsky ให้ความสนใจอย่างมากกับงานของนักแสดงในบทบาทนี้ ซึ่งจบลงด้วยการผสมผสานของนักแสดงอย่างเป็นธรรมชาติเข้ากับบทบาท การกลับชาติมาเกิดในภาพลักษณ์
ระบบของ Stanislavsky เป็นพื้นฐานของการฝึกอบรมบนเว็บไซต์ของเรา และคุณสามารถอ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับเรื่องนี้ได้ในบทเรียนแรก
(1874-1940) - ผู้อำนวยการโรงละครนักแสดงและครูชาวรัสเซียและโซเวียต เขาเป็นลูกชายของเจ้าของโรงงานวอดก้า ซึ่งเป็นชาวเยอรมัน เป็นชาวลูเธอรัน และเมื่ออายุ 21 ปี เขาเปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์นิกายออร์ทอดอกซ์ โดยเปลี่ยนชื่อเป็น Karl-Kazimir-Theodor Meyergold เป็น Vsevolod Meyerhold Vsevolod Meyerhold หลงใหลในโรงละครอย่างหลงใหลในวัยหนุ่มของเขาผ่านการสอบในปี 2439 และเข้ารับการรักษาในปีที่ 2 ทันทีที่โรงเรียนดนตรีและการแสดงของมอสโกฟิลฮาร์โมนิกโซไซตี้ในชั้นเรียนของ Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko ในปี 1898-1902 Vsevolod Meyerhold ทำงานที่ Moscow Art Theatre (MHT) ในปี 1906-1907 เขาเป็นหัวหน้าผู้อำนวยการโรงละคร Komissarzhevskaya ด้านเจ้าหน้าที่และในปี 1908-1917 - ในโรงละครจักรวรรดิเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หลังปี ค.ศ. 1917 เขาเป็นหัวหน้าขบวนการ "โรงละครตุลาคม" โดยเสนอโครงการเพื่อประเมินคุณค่าทางสุนทรียะใหม่ทั้งหมด การกระตุ้นทางการเมืองของโรงละคร
ระบบของ Meyerhold: "ชีวกลศาสตร์" Vsevolod Meyerhold พัฒนาแนวคิดเชิงสัญลักษณ์ของ "โรงละครแบบมีเงื่อนไข" เขายืนยันหลักการของ "การแสดงละครแบบดั้งเดิม" พยายามที่จะกลับไปสู่ความสว่างและการเฉลิมฉลองของโรงละครซึ่งตรงข้ามกับความสมจริงของ Stanislavsky ชีวกลศาสตร์ที่พัฒนาโดยเขาคือระบบการฝึกการแสดงซึ่งช่วยให้คุณย้ายจากการกลับชาติมาเกิดภายนอกเป็นภายใน ผู้ชมจะรับรู้ถึงนักแสดงได้มากน้อยเพียงใดนั้นขึ้นอยู่กับการเคลื่อนไหวที่พบได้อย่างแม่นยำและน้ำเสียงที่ถูกต้อง ระบบนี้มักจะตรงกันข้ามกับมุมมองของ Stanislavsky
เมเยอร์โฮลด์มีส่วนร่วมในการวิจัยในสาขาโรงละครพื้นบ้านอิตาลี ซึ่งการแสดงออกของการเคลื่อนไหวร่างกาย ท่าทาง และท่าทางมีบทบาทสำคัญในการสร้างการแสดง การศึกษาเหล่านี้โน้มน้าวเขาว่าวิธีการที่สัญชาตญาณในบทบาทนั้นต้องนำหน้าด้วยการรายงานเบื้องต้นซึ่งประกอบด้วยสามขั้นตอน (ซึ่งเรียกว่า "ลิงก์เล่น"):
- เจตนา.
- ออกกำลังกาย.
- ปฏิกิริยา.
ในโรงละครสมัยใหม่ ชีวกลศาสตร์เป็นหนึ่งในองค์ประกอบสำคัญของการฝึกนักแสดง ในบทเรียนของเรา ชีวกลศาสตร์ถือเป็นส่วนเสริมของระบบ Stanislavsky และมีจุดมุ่งหมายเพื่อพัฒนาความสามารถในการสร้างอารมณ์ที่จำเป็น "ที่นี่และเดี๋ยวนี้"
(2434-2498) - นักแสดงชาวรัสเซียและอเมริกัน, ครูสอนละคร, ผู้กำกับ Mikhail Chekhov เป็นหลานชายของ Anton Pavlovich Chekhov ที่อยู่ข้างพ่อของเขา ซึ่งเป็นพี่ชายของ Anton Pavlovich ในปี พ.ศ. 2450 มิคาอิลเชคอฟเข้าโรงเรียนโรงละครที่ได้รับการตั้งชื่อตาม A.S. Suvorin ที่โรงละครวรรณกรรมและศิลปะ Society และในไม่ช้าก็เริ่มประสบความสำเร็จในการแสดงของโรงเรียน ในปี 1912 Stanislavsky เองเชิญ Chekhov ไปที่มอสโกอาร์ตเธียเตอร์ ในปี 1928 มิคาอิล อเล็กซานโดรวิชไม่ยอมรับการเปลี่ยนแปลงปฏิวัติทั้งหมด ออกจากรัสเซียและไปเยอรมนี ในปีพ.ศ. 2482 เขาย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกาซึ่งเขาได้สร้างโรงเรียนสอนการแสดงของตัวเองซึ่งเป็นที่นิยมอย่างมาก มาริลีน มอนโร, คลินต์ อีสต์วูด และนักแสดงฮอลลีวูดชื่อดังคนอื่นๆ เดินผ่านเธอไป Mikhail Chekhov แสดงในภาพยนตร์เป็นครั้งคราวรวมถึงในภาพยนตร์เรื่อง "Enchanted" โดย Hitchcock สำหรับบทบาทของเขาซึ่งเขาได้รับการเสนอชื่อชิงออสการ์ในการเสนอชื่อ "นักแสดงสมทบชายยอดเยี่ยม"
หลักการแสดงละครของเชคอฟในห้องเรียน Chekhov พัฒนาความคิดของเขาเกี่ยวกับโรงละครในอุดมคติซึ่งเกี่ยวข้องกับความเข้าใจของนักแสดงที่ดีที่สุดและศักดิ์สิทธิ์ในมนุษย์ ในการพัฒนาแนวคิดนี้อย่างต่อเนื่อง มิคาอิล เชคอฟได้พูดถึงอุดมการณ์ของ "บุคคลในอุดมคติ" ซึ่งรวมอยู่ในตัวนักแสดงในอนาคต ความเข้าใจในการแสดงนี้ทำให้ Chekhov ใกล้ชิดกับ Meyerhold มากกว่า Stanislavsky
นอกจากนี้ Chekhov ยังชี้ไปที่ตัวแทนเชิงสาเหตุที่หลากหลายของธรรมชาติที่สร้างสรรค์ของนักแสดง และในสตูดิโอของเขา เขาให้ความสนใจอย่างมากกับปัญหาของบรรยากาศ เชคอฟพิจารณาบรรยากาศบนเวทีหรือฉากเป็นวิธีการสร้างภาพลักษณ์ที่เต็มเปี่ยมของการแสดงทั้งหมดและเป็นวิธีการสร้างบทบาท นักแสดงที่ศึกษากับเชคอฟได้ทำแบบฝึกหัดและสเก็ตช์พิเศษจำนวนมาก ซึ่งทำให้เข้าใจได้ว่าบรรยากาศเป็นอย่างไร และบรรยากาศตามที่ Chekhov เข้าใจคือ "สะพาน" จากชีวิตสู่ศิลปะซึ่งงานหลักคือการสร้างการเปลี่ยนแปลงต่าง ๆ ของพล็อตภายนอกและคำบรรยายที่จำเป็นของเหตุการณ์ของการแสดง
Mikhail Chekhov หยิบยกความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับภาพลักษณ์ของนักแสดงซึ่งไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของระบบของ Stanislavsky หนึ่งในแนวคิดที่สำคัญของเทคนิคการฝึกซ้อมของเชคอฟคือ "ทฤษฎีการเลียนแบบ" ประกอบด้วยความจริงที่ว่านักแสดงต้องสร้างภาพลักษณ์ของเขาในจินตนาการของเขาก่อนแล้วจึงพยายามเลียนแบบคุณสมบัติภายในและภายนอกของเขา ในโอกาสนี้ Chekhov เองเขียนว่า: “ถ้าเหตุการณ์ไม่สดเกินไป ถ้ามันปรากฏอยู่ในจิตสำนึกเป็นความทรงจำ และไม่ใช่ประสบการณ์ตรงในขณะนั้น หากสามารถประเมินได้โดยฉันอย่างเป็นกลาง อะไรก็ตามที่ยังคงอยู่ในขอบเขตของความเห็นแก่ตัวไม่เหมาะกับการทำงาน "
(1858-1943) - ครูโรงละครผู้กำกับนักเขียนและนักแสดงละครรัสเซียและโซเวียต Vladimir Nemirovich-Danchenko เกิดในจอร์เจียในเมือง Ozurgeti ในตระกูลขุนนางยูเครน - อาร์เมเนียเจ้าของที่ดินของจังหวัด Chernigov เจ้าหน้าที่กองทัพรัสเซียที่ประจำการในคอเคซัส Vladimir Ivanovich เรียนที่โรงยิม Tiflis ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาด้วยเหรียญเงิน จากนั้นเขาก็เข้ามหาวิทยาลัยมอสโกซึ่งเขาสำเร็จการศึกษา ที่มหาวิทยาลัยแล้ว Nemirovich-Danchenko เริ่มเผยแพร่ในฐานะนักวิจารณ์ละคร ในปีพ.ศ. 2424 ละครเรื่องแรกของเขา "โรสฮิป" ถูกเขียนขึ้นโดยโรงละครมาลีในอีกหนึ่งปีต่อมา และตั้งแต่ปีพ.
Nemirovich-Danchenko ในปี 1898 ร่วมกับ Stanislavsky ก่อตั้งมอสโกอาร์ตเธียเตอร์และจนถึงจุดจบของชีวิตเขาได้เป็นหัวหน้าโรงละครแห่งนี้โดยเป็นผู้กำกับและผู้กำกับศิลป์ เป็นที่น่าสังเกตว่า Nemirovich-Danchenko ทำงานภายใต้สัญญาในฮอลลีวูดเป็นเวลาหนึ่งปีครึ่ง แต่แล้วกลับไปที่สหภาพโซเวียตซึ่งแตกต่างจากเพื่อนร่วมงานบางคนของเขา
แนวคิดเกี่ยวกับเวทีและการแสดง Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko สร้างโรงละครที่มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะโซเวียตและโลก ผู้กำกับและนักแสดงรายใหญ่ของสหภาพโซเวียตได้รับการเลี้ยงดูด้วยจิตวิญญาณแห่งหลักการสร้างสรรค์ซึ่งค่อนข้างคล้ายคลึงกัน ท่ามกลางคุณลักษณะของ Vladimir Ivanovich เราสามารถแยกแยะแนวคิดที่พัฒนาโดยเขาในระบบของ "การรับรู้สามประการ": สังคมจิตวิทยาและการแสดงละคร การรับรู้แต่ละประเภทควรมีความสำคัญสำหรับนักแสดง และการสังเคราะห์นั้นเป็นพื้นฐานของทักษะการแสดงละคร แนวทางของ Nemirovich-Danchenko ช่วยให้นักแสดงสร้างภาพที่มีชีวิตชีวาทางสังคมที่สดใสซึ่งสอดคล้องกับเป้าหมายที่ครอบคลุมของการแสดงทั้งหมด
Bercholt Brecht
(1898-1956) - นักเขียนบทละครชาวเยอรมัน, กวี, นักเขียน, นักแสดงละครเวที Bertholt เรียนที่โรงเรียนพื้นบ้านของคณะสงฆ์ฟรานซิสกันจากนั้นก็เข้าโรงเรียนจริงของราชวงศ์บาวาเรียซึ่งเขาสำเร็จ การทดลองวรรณกรรมครั้งแรกของ Brecht มีอายุย้อนไปถึงปี 1913 นับตั้งแต่สิ้นสุดปี 1914 บทกวีของเขาได้ปรากฏเป็นประจำในสื่อท้องถิ่น และจากนั้นก็มีเรื่องราว บทความ และบทวิจารณ์ละคร ในช่วงต้นทศวรรษ 1920 ในเมืองมิวนิก เบรชท์พยายามที่จะเชี่ยวชาญด้านการสร้างภาพยนตร์เช่นกัน โดยเขียนบทภาพยนตร์หลายเรื่องโดยอิงจากหนึ่งในนั้นในปี 1923 เขาถ่ายทำหนังสั้น ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองเขาออกจากเยอรมนี ในช่วงหลังสงคราม ทฤษฎี "โรงละครระดับตำนาน" ซึ่งผู้กำกับ Brecht ได้นำไปปฏิบัติ ได้เปิดโอกาสใหม่ๆ ให้กับศิลปะการแสดง และมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาโรงละครในศตวรรษที่ 20 ในยุค 50 บทละครของ Brecht เข้าสู่ละครเวทียุโรปอย่างแน่นหนา และความคิดของเขาในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งก็ถูกรับรู้โดยนักเขียนบทละครร่วมสมัยหลายคน
โรงละครมหากาพย์วิธีการแสดงละครและการแสดงที่สร้างโดย Berholt Brecht ประกอบด้วยการใช้เทคนิคต่อไปนี้:
- การรวมตัวของผู้เขียนเองในการแสดง
- ผลกระทบของความแปลกแยกซึ่งหมายถึงการแยกตัวของนักแสดงออกจากตัวละครที่พวกเขาเล่น
- ผสมผสานแอ็คชั่นดราม่ากับการเล่าเรื่องสุดอลังการ
- หลักการของ "การเว้นระยะห่าง" ซึ่งช่วยให้นักแสดงสามารถแสดงทัศนคติต่อตัวละครได้
- การทำลายสิ่งที่เรียกว่า "กำแพงที่สี่" ซึ่งแยกเวทีออกจากผู้ชม และความเป็นไปได้ของการสื่อสารโดยตรงระหว่างนักแสดงและผู้ชม
เทคนิค Alienation ได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นการแสดงที่แปลกใหม่เป็นพิเศษซึ่งช่วยเสริมรายชื่อโรงเรียนสอนการแสดงชั้นนำของเรา ในงานเขียนของเขา Brecht ปฏิเสธความจำเป็นที่นักแสดงจะต้องชินกับบทบาทนี้ และในกรณีอื่นๆ ถือว่าเขาเป็นอันตรายด้วยซ้ำ: การระบุตัวตนด้วยภาพลักษณ์ย่อมเปลี่ยนนักแสดงให้กลายเป็นกระบอกเสียงธรรมดาสำหรับตัวละครหรือเป็นผู้สนับสนุนของเขา และบางครั้งในบทละครของ Brecht เองก็มีความขัดแย้งระหว่างตัวละครไม่มากเท่ากับระหว่างผู้เขียนกับวีรบุรุษของเขา
Konstantin Sergeevich สตานิสลาฟสกี(อเล็กซีฟ)
17 มกราคม 2406 - 7 สิงหาคม 2481
นักปฏิรูปโรงละคร นักแสดง ผู้กำกับ ผู้ก่อตั้งมอสโกอาร์ตเธียเตอร์
ผู้เขียนทั้งระบบของวิธีการและหลักการศึกษาของนักแสดงที่รู้จักกันภายใต้คำว่า "ระบบของ Stanislavsky" หนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนการละครซึ่งมักเรียกกันว่า "สมจริง" เขามีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาทฤษฎีการแยกวิเคราะห์และวิเคราะห์ผลงานศิลปะ การแสดงละคร
เกิดในตระกูลพ่อค้าปรมาจารย์ที่ร่ำรวยมาก ในปี พ.ศ. 2424 เขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันภาษาตะวันออกของลาซาเรฟ แปดชั้นเรียนแรกนั้นเทียบเท่ากับหลักสูตรโรงยิมคลาสสิก หลังจากการสำเร็จการศึกษา สตานิสลาฟสกีทำงานในบริษัทของบิดาของเขา ในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในกรรมการที่มีอำนาจมากที่สุดของ "Vladimir Alekseev's Partnership" ซึ่งดำเนินการซื้อขายอย่างประณีตและพิถีพิถัน อย่างไรก็ตาม ความหลงใหลในโรงละครของเขาไม่เพียงแต่ไม่ลดน้อยลงเท่านั้น แต่ในทางกลับกัน กลับแข็งแกร่งขึ้นทุกปี จนกระทั่งการปฏิวัติเดือนตุลาคม เขายังคงเป็นเจ้าของและเป็นผู้นำ โดยผสมผสานกิจกรรมนี้เข้ากับความคลั่งไคล้ในโรงละคร
ด้วย. อาคารนอกที่มีเวทีจริงหอประชุมห้องแต่งตัวถูกสร้างขึ้นใน Lyubimovka ที่ซึ่งวงสมัครเล่น ("Alekseevsky") เริ่มทำงาน ที่นี่ สตานิสลาฟสกีเริ่มทำหน้าที่เป็นผู้กำกับและนักแสดง ในปี พ.ศ. 2431 - พ.ศ. 2432 สตานิสลาฟสกีได้มีส่วนร่วมในการก่อตั้งสมาคมศิลปะและวรรณคดี คณะสมัครเล่น โต-โรโก ได้นำ สตานิสลาฟสกีชื่อเสียงในมอสโก ในปี พ.ศ. 2441 ร่วมกับ V.I. เนมิโรวิช-ดานเชนโก สตานิสลาฟสกีก่อตั้งมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ เข้าสู่ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลกในฐานะศิลปิน ผู้กำกับ นักทฤษฎี ผู้สร้างศาสตร์แห่งผลงานของศิลปิน ค้นพบกฎวัตถุประสงค์ของพฤติกรรมมนุษย์บนเวที สตานิสลาฟสกีกำหนดเงื่อนไขภายใต้การกระทำของการเปลี่ยนแปลงของศิลปินเป็นภาพศิลปะ
ในปีพ.ศ. 2434 เขาได้แสดงผลงานเรื่อง The Fruits of Enlightenment ของตอลสตอย ในงานนี้แล้ว หนึ่งในบทบัญญัติหลักของระบบในอนาคตของเขาได้ถูกแสดงออกมา - เขาพยายามที่จะลบแบบแผนการแสดงละครออกจากการแสดงและบรรลุความสมจริงสูงสุด
ในปี พ.ศ. 2439 เมื่อหมดความเป็นไปได้ของสมาคมโรงละครสมัครเล่นแล้ว สตานิสลาฟสกีเป็นครั้งแรกที่ประกาศความฝันของเขาในการสร้างโรงละครสาธารณะที่เป็นมืออาชีพอย่างแท้จริง ในที่สุด ผู้ถือหุ้นสิบคนก็รวมตัวกัน จำนวนที่รวบรวมได้มีน้อย แต่น่าจะเพียงพอแล้วที่จะทำให้คดีเป็นแรงผลักดันในเบื้องต้น เมื่อวันที่ 14 มิถุนายน พ.ศ. 2441 คณะได้รวมตัวกันครั้งแรกที่กระท่อมของ Arkhipov ใน Pushkino วันนี้ถือเป็นวันเกิดของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์
การซ้อมครั้งแรกเกิดขึ้นในยุ้งฉางริมแม่น้ำ มีการเตรียมการแสดงหลายครั้ง: "Othello" และ "The Merchant of Venice" โดย Shakespeare, "Tsar Fyodor" โดย Tolstoy, "The Innkeeper" โดย Galdoni และ "The Seagull" โดย Chekhov
ในฤดูใบไม้ร่วง สตานิสลาฟสกีเช่าอาคารโรงละครเฮอร์มิเทจ ในเวลาเดียวกัน ตัวอาคารก็ถูกสร้างขึ้นใหม่ ปรับปรุง และฝึกซ้อม เมื่อวันที่ 14 ตุลาคม การเปิดโรงละครอย่างยิ่งใหญ่และรอบปฐมทัศน์ของ "ซาร์ฟีโอดอร์" เกิดขึ้น
ฤดูกาลแรกจบลงด้วยการขาดดุล 40,000 อย่างไรก็ตาม ผู้ถือหุ้นไม่เพียงแต่ตกลงที่จะดำเนินการบริจาคซ้ำ แต่ยังตัดสินใจสร้างอาคารพิเศษที่มีเครื่องจักรใหม่ทั้งหมดสำหรับการแสดงละคร อันที่จริง ความรุ่งโรจน์ของ Art Theatre พิสูจน์แล้วว่าแข็งแกร่งและเติบโตขึ้นเรื่อย ๆ จากฤดูกาลหนึ่งไปอีกฤดูกาล
การแสดงของเชคอฟมีบทบาทสำคัญในเรื่องนี้ ในปี พ.ศ. 2442 ก. สตานิสลาฟสกีจัดแสดง "ลุง Vanya" ในปี 1901 - "Three Sisters" ในปี 1904 - "The Cherry Orchard" ผู้เขียนร่วมอีกคนหนึ่งคือ Ibsen ในปีแรก ๆ เล่น "Gedda Gubler", "Doctor Shtokman", "Wild Duck" ตอนที่โดดเด่นแม้ว่าจะสั้นคือการอุทธรณ์ของ Stanislavsky ต่อ Gorky ละครเรื่อง "At the Bottom" ( สตานิสลาฟสกีเล่นเป็นซาตินนะ)
ตั้งแต่ช่วงต้นทศวรรษ 1900 การเงินของโรงละครดีขึ้นอย่างเห็นได้ชัด ในปีพ.ศ. 2445 โรงละครศิลปะมอสโกได้ย้ายไปที่อาคารของตัวเองใน Kamergersky Lane
ในปี พ.ศ. 2449 โรงละครได้ออกทัวร์ต่างประเทศเป็นครั้งแรก ก่อนหน้านั้น ยุโรปไม่มีความรู้ด้านศิลปะการละครรัสเซียเลย
ในปีพ.ศ. 2461 มีข่าวลืออย่างต่อเนื่องเกี่ยวกับการปิดโรงละคร ในเวลานั้น Stanislavsky ไม่ได้ไตร่ตรองถึงประเด็นเชิงสร้างสรรค์มากนักเท่ากับปัญหาในการรักษาโรงละครศิลปะ ผู้บังคับการตำรวจแห่งการศึกษา Lunacharsky ช่วย Stanislavsky อย่างมากในเรื่องนี้ - ผู้ชื่นชมเขามาเป็นเวลานาน ความสามารถพิเศษผู้ซึ่งปกป้องโรงละครศิลปะมอสโกอย่างกระตือรือร้นจากการโจมตีของชนชั้นกรรมาชีพ
สตานิสลาฟสกีฉันพยายามค้นหาคำตอบจากผู้ชมใหม่อย่างจริงใจ แต่ความสำเร็จบนเส้นทางนี้ไม่ได้มาในทันที
ในฤดูกาล 1919/20 สตานิสลาฟสกีใส่ "Cain" ของ Byron แต่การแสดงไม่ประสบความสำเร็จ (เป็นเพียงรอบปฐมทัศน์ในรอบหกปีระหว่างปี 2461 ถึง 2466) ในปี 1922 โรงละครศิลปะมอสโกได้ออกทัวร์ต่างประเทศไปยังเยอรมนี เชโกสโลวาเกีย ฝรั่งเศส และสหรัฐอเมริกา
ความสำเร็จเช่นเดียวกับการทัวร์ครั้งแรกนั้นล้นหลามโดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกา ในปี พ.ศ. 2466 และ พ.ศ. 2467 ทัวร์สหรัฐซ้ำแล้วซ้ำอีก สำหรับสำนักพิมพ์อเมริกัน สตานิสลาฟสกีเขียนในปี 1924 ในห้องสมุดสาธารณะนิวยอร์ก (ซึ่งมีห้องแยกต่างหากให้เช่าเป็นพิเศษสำหรับเขา) หนังสือ "ชีวิตของฉันในงานศิลปะ" กลับมาอีกครั้งหลังจากไม่ได้ไปมอสโคว์มาสองปี เขาอุทิศตนให้กับความคิดสร้างสรรค์ด้วยความกระปรี้กระเปร่า
ในปีพ.ศ. 2469 หลังจากทำงานในละครเก่าของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์เป็นเวลาหลายปี เขาได้ฉายรอบปฐมทัศน์สี่รอบพร้อมกัน: "Warm Heart" ออสทรอฟสกี , "นิโคไลฉันและ Decembrists ของ Kugel ผู้ขายแห่งความรุ่งโรจน์โดย Panyol และ Days of the Turbins โดย Bulgakov ละครหลังกลายเป็นความรู้สึกละครที่แท้จริงและเป็นสัญลักษณ์ของโรงละครมอสโกหลังการปฏิวัติ
อันที่จริง การหยุดชั่วคราวอันยาวนานที่เกิดจากเหตุการณ์โศกนาฏกรรมถูกทิ้งไว้ข้างหลัง ในปี พ.ศ. 2470 ก. สตานิสลาฟสกีแต่งเรื่อง "The Marriage of Figaro" โดย Beaumarchais และ "Armored Train 14-69" โดย Ivanov การวิพากษ์วิจารณ์ของสหภาพโซเวียต ซึ่งเคยตำหนิ Stanislavsky มากกว่าหนึ่งครั้งว่าเป็นคนหัวโบราณและอนุรักษ์นิยม (และหลังจาก Days of the Turbins แม้จะเห็นอกเห็นใจต่อขบวนการ White) ก็ทักทาย Armored Train 14-69 ด้วยความกระตือรือร้น Lunacharsky เขียนเกี่ยวกับการผลิตนี้: "มันเป็นชัยชนะของวรรณคดีโซเวียตรุ่นเยาว์และศิลปะการละครของโซเวียต - ศิลปะแห่งสัจนิยมสังคมนิยม"
ในปี 1928 ในระหว่างการเฉลิมฉลองครบรอบ 30 ปีของโรงละครศิลปะมอสโก สตานิสลาฟสกีประสบภาวะหัวใจวาย หลังจากนั้นเขาต้องย้ายออกจากการมีส่วนร่วมโดยตรงในการแสดงละคร
(ในฐานะผู้กำกับศิลป์ ภายหลังเขามีส่วนร่วมในการผลิตเพียงสองเรื่อง: "Dead Souls" และ "Talents and Admirers") ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา สตานิสลาฟสกีส่วนใหญ่ใช้จ่ายในรีสอร์ทต่างประเทศ เขาเสียชีวิตในเดือนสิงหาคม 2481
ตัวหลักในระบบ สตานิสลาฟสกีเป็นหลักคำสอนของ super-task - แนวคิดหลักของการเล่นความคิดของมัน โลกทัศน์ของคณะละครที่รวมกันเป็นหนึ่งในลักษณะทางศีลธรรมนั้นขึ้นอยู่กับแนวคิดเรื่องความเสมอภาคและคุณค่าของทุกคนบนโลก สตานิสลาฟสกีภาษาของโรงละครสามารถถ่ายทอดความคิดที่เป็นประชาธิปไตยนี้แก่ผู้ชมได้ กิจกรรมของ Stanislavsky มีอิทธิพลอย่างมาก การพัฒนาโรงละครรัสเซียและต่างประเทศแห่งศตวรรษที่ XX สตานิสลาฟสกีเป็นคนแรกที่สร้างหลักการของโรงละครของผู้กำกับบนเวทีรัสเซีย (ความเป็นเอกภาพของแนวคิดทางศิลปะที่อยู่ภายใต้องค์ประกอบทั้งหมดของการแสดงความสมบูรณ์ของวงดนตรีการปรับสภาพทางจิตวิทยาของฉาก) ผู้กำกับละครหลายเรื่องจากผลงานของ Chekhov, Gorky, Turgenev
ในสมัยโซเวียต "ระบบ Stanislavsky" กลายเป็นมาตรฐานที่รวมเป็นหนึ่งสำหรับโรงละครและโรงเรียนการแสดงทั้งหมดของสหภาพ การออกจากบรรทัดฐานและกฎของ "ระบบ" ถูกมองว่าเป็นการละเมิดหลักการของสัจนิยมสังคมนิยมในโรงละคร สิ่งนี้เชื่อมโยงกับบทบาทเชิงลบบางอย่างของ "ระบบ" ในบริบทของการพัฒนาวัฒนธรรมการแสดงละคร อย่างไรก็ตาม เราไม่สามารถยืนยันได้ว่าหลักการของการศึกษานักแสดงและการแสดงละครที่ค้นพบโดย Stanislavsky นั้นผิดพลาด เช่นเดียวกับหลักการของโรงเรียนการละครอื่น ๆ ที่ควรค่าแก่การศึกษาและให้ความสนใจ
