อะไรคือพื้นฐานของระบบการสร้างเวที ระบบของ Stanislavsky เป็นวิธีการทำงานกับนักแสดง

ระบบของ Stanislavsky เป็นวิธีการเล่นของนักแสดง ทักษะการแสดงบนเวที พัฒนาขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 โดยผู้กำกับ นักแสดง นักแสดงละครยอดเยี่ยม KS Stanislavsky จนถึงทุกวันนี้ ยังไม่มีใครสามารถเสนอระบบการแสดงเวอร์ชันที่ดีกว่าและการจัดหมวดหมู่หลักการของเกมได้ แม้ว่าความคิดเห็นในที่นี้จะต่างกันมากก็ตาม การสอนของ Stanislavsky ขึ้นอยู่กับการแบ่งการแสดงออกเป็นประสบการณ์ งานฝีมือ และการแสดง

วิธีนี้เกิดขึ้นได้ด้วยพรสวรรค์และงานปฏิรูปของ Konstantin Sergeevich Alekseev (Stanislavsky) เป็นตำราสำหรับผู้กำกับและนักแสดง และปรากฏเป็นผลจากการวิจัยของคนรุ่นก่อน เพื่อนร่วมงานบนเวที และบุคคลในการแสดงละครร่วมสมัย ประสบการณ์และความรู้ของสตานิสลาฟสกี

วิวัฒนาการของแนวคิดเรื่องความงามในผู้เขียนระบบได้รับอิทธิพลจากผลงานของ M. Gorky และ A.P. Chekhov รากฐานของ N.V. โกกอล, เอ.เอส. พุชกิน, มิสซิสซิปปี Shchepkina, A.N. ออสทรอฟสกี้ การสอนที่มอสโกอาร์ตเธียเตอร์ได้รับการพัฒนาเชิงประจักษ์และทดสอบในทางปฏิบัติ

สาระสำคัญของวิธี Stanislavsky

ระบบของ Stanislavsky ต่างจากระบบก่อนหน้านี้โดยอาศัยการระบุสาเหตุของการปรากฏของเอฟเฟกต์ ไม่ใช่การเข้าใจผลลัพธ์ของความคิดสร้างสรรค์ ผ่านระบบ วิธีการของการเปลี่ยนแปลงของนักแสดงเป็นภาพจะเข้าใจได้สำรวจการเรียนรู้อย่างมีสติของความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่ได้สติถูกสำรวจ งานที่เหนือกว่าของนักแสดงและผู้กำกับคือการแสดงความคิดและเนื้อหาของงานบนเวทีอย่างถูกต้อง ชาญฉลาด และลึกซึ้ง โดยผสมผสานนักแสดงเข้ากับบทบาท

ระบบของเค.เอส. Stanislavsky แบ่งออกเป็นสองส่วน:

ส่วนแรกอุทิศให้กับงานของนักแสดงเกี่ยวกับตัวเขาเอง เป้าหมาย งานธรรมชาติในสถานการณ์ที่นำเสนอโดยผู้เขียน นี่คือการฝึกอบรมอย่างต่อเนื่องซึ่งเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของความคิดสร้างสรรค์:

• จะ.
• ปัญญา.
• ความรู้สึก
• จินตนาการ.
• พลาสติก.
• ความทรงจำทางอารมณ์
• ความสนใจ.
• ความรู้สึกของจังหวะ
• ความสามารถในการสื่อสาร
• เทคนิคการพูด

ส่วนที่สองทุ่มเทให้กับการทำงานในบทบาทบนเวที มันจบลงด้วยการรวมตัวของนักแสดงกับวัตถุที่เป็นตัวเป็นตน

สตานิสลาฟสกีเข้าใจศิลปะการแสดงและมองหาวิธีจัดระบบกฎหมายสร้างสรรค์ตามธรรมชาติของนักแสดงมาหลายปี และเมื่อพบแล้ว เขาก็ทดสอบเป็นเวลาหลายปี ตาม Stanislavsky การแสดงมีสามองค์ประกอบ

หัตถกรรม

ในที่นี้เราหมายถึงการแสดงที่ล้าสมัยซึ่งจำเป็นในการทำให้เกมใกล้เคียงกับความเป็นจริงมากที่สุด คือ สีหน้า ท่าทาง น้ำเสียง ฝีมือสอนนักแสดงเล่นบนเวที

ผลงาน

หากคุณซ้อมบทนี้เป็นเวลานาน ประสบการณ์ในตอนแรกที่นักแสดงไม่ได้สัมผัสจะกลายเป็นของจริง ประสบการณ์ที่เกิดขึ้นซึ่งจำเป็นสำหรับการสร้างบทบาทให้แม่นยำยิ่งขึ้นคือรูปแบบของพวกเขาจะถูกจดจำและช่วยให้คุณสามารถเล่นบทบาทได้อย่างเชี่ยวชาญถ่ายทอดภาพลักษณ์ของฮีโร่ได้อย่างน่าเชื่อถือแม้ว่านักแสดงจะไม่รู้สึกถึงความรู้สึกที่แสดงออกก็ตาม

ประสบการณ์

ประสบการณ์ช่วยสร้างชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์และถ่ายทอดชีวิตในรูปแบบศิลปะบนเวที จำเป็นที่นักแสดงจะต้องสัมผัสและเข้าใจความรู้สึกและอารมณ์ของฮีโร่อย่างแท้จริง จากนั้นฮีโร่ประเภทที่เป็นตัวเป็นตนจะมีชีวิตอยู่ งานของนักแสดงในตัวเองในกระบวนการสร้างสรรค์ของประสบการณ์แสดงถึงความเข้าใจในบทบาทผ่านการวิเคราะห์องค์ประกอบ นี่คือการวิเคราะห์บทบาทอย่างลึกซึ้งและนักแสดงจำเป็นต้องเข้าใจสิ่งนี้

หลักการของระบบ Stanislavsky

Stanislavsky อธิบายสองวิธีที่ใช้บนเวที

• หนึ่งในเทคนิคการสร้างสรรค์เหล่านี้ประกอบด้วยความคล้ายคลึงกันของนักแสดงกับตัวละครที่เป็นตัวเป็นตนในแง่ของข้อมูลภายนอกและคุณสมบัติส่วนบุคคล ในกรณีนี้ เดิมพันไม่ได้อยู่ที่ทักษะของนักแสดง แต่อยู่ที่ลักษณะตามธรรมชาติของเขา เทคนิคนี้เรียกว่า "วิธีการทั่วไป"
• เทคนิคที่สองคือการวางนักแสดงในสถานการณ์ที่นำเสนอของบทบาทและทำงานกับการเปลี่ยนแปลงจากตัวเขาเอง นี่คือแนวทางที่ Stanislavsky เทศน์ เทคนิคนี้ทำหน้าที่เป็นสูตรสำหรับชีวิตบนเวที: แตกต่างในขณะที่ยังคงตัวเอง

สุดยอดภารกิจ

กล่าวอีกนัยหนึ่ง ซูเปอร์ทาสก์คือเป้าหมาย ความฝัน ความปรารถนาที่นักแสดงทำงาน นี่คือความคิดที่เข้ามาในจิตใจของผู้คนผ่านศิลปะการแสดง งานสุดยอดคือเป้าหมายของงาน super task ที่ใช้อย่างถูกต้องจะไม่อนุญาตให้นักแสดงทำผิดพลาดเมื่อเลือกเทคนิคการเล่นและวิธีการแสดงออก งานพิเศษนี้ทำหน้าที่เป็นแนวคิดและวัตถุประสงค์ของงานของศิลปิน

กิจกรรมของการกระทำ

หลักการพื้นฐานที่ไม่เข้าใจก็ไม่เข้าใจระบบ ไม่จำเป็นต้องสวมหน้ากากแห่งความหลงใหลและภาพลักษณ์ คุณต้องทำงานในนั้น คำสอนทั้งหมดของ Stanislavsky มุ่งเป้าไปที่การกระตุ้นศักยภาพการแสดงตามธรรมชาติของมนุษย์ในกระบวนการสร้างสรรค์ภายในแบบออร์แกนิก เพื่อให้งานสุดยอดของงานสำเร็จลุล่วง

ความเป็นธรรมชาติ

การแสดงเป็นไปตามข้อกำหนดของความเป็นธรรมชาติ การแสดงบทบาทที่ประดิษฐ์และเป็นกลไกของนักแสดงจะไม่สร้างความประทับใจให้กับผู้ชม จะไม่ทำให้เกิดปฏิกิริยา ภารกิจสุดยอดของงานจะไม่ถูกถ่ายทอดไปยังจิตสำนึกของผู้คน ศิลปินต้องเข้าใจสิ่งนี้

การกลับชาติมาเกิด

นี่คือผลงานสร้างสรรค์ การสร้างภาพบนเวทีผ่านการเปลี่ยนแปลงอย่างสร้างสรรค์อย่างเป็นธรรมชาติ

ความจริงของชีวิต

พื้นฐานของคำสอนของ Stanislavsky และศิลปะที่สมจริงทั้งหมด ไม่มีที่สำหรับการประชุมและการประมาณการบนเวที แม้ว่าจะน่าสนใจและน่าประทับใจก็ตาม ในขณะเดียวกันก็เป็นไปไม่ได้ที่จะลากทุกอย่างจากชีวิตไปสู่เวที งานพิเศษจะช่วยแยกความจริงที่แท้จริงออกจากงานศิลปะ ซึ่งเป็นสิ่งที่นักสร้างสรรค์พยายามแนะนำแนวคิดเข้าสู่จิตใจของผู้ชมและผู้ฟัง

การฝึกอบรมระบบ

การแสดงละครคือการโต้ตอบการแสดงกับใครบางคนหรือบางสิ่งบางอย่าง ไม่ว่าจะเป็นศิลปิน หัวข้อ ผู้ชม หรือตัวนักแสดงเอง บนเวทีไม่มีช่วงเวลาใดที่ไม่มีการสื่อสาร นี่คือพื้นฐานของชีวิตบนเวที

เพื่อให้การสื่อสารบนเวทีเกิดขึ้นอย่างเป็นธรรมชาติเหมือนในชีวิตจริง นักแสดงต้องทิ้งความรู้สึก ความคิด และประสบการณ์ส่วนตัวที่เกิดจากความเป็นจริงไว้นอกเวที วิธีการนี้จะทำให้สามารถจุติในภาพที่ปรากฎได้ ยกเว้นประสบการณ์ส่วนตัวของนักแสดงที่สลับซับซ้อนไปตามอารมณ์ของตัวละคร บทบาทจะถ่ายทอดออกมาอย่างเป็นธรรมชาติ ไม่ใช่โดยกลไก บทบาทควรจับนักแสดง

การฝึกอบรมตามคำสอนของ Stanislavsky การศึกษาและการออกกำลังกายของเขา และวิธีการของเขาถูกเรียกให้ทำตามบทบาท เพื่อดึงความสนใจจากผู้ชมจำนวนหลายพันคน เพื่อให้แน่ใจว่าการติดต่อบนเวทีเป็นไปอย่างต่อเนื่อง

ความสนใจ

การฝึกเริ่มต้นด้วยการฝึกสมาธิ ในขั้นต้น นักแสดงได้รับการฝึกฝนให้รู้จักโลก การฝึกปฏิสัมพันธ์กับคู่ครองนั้นขึ้นอยู่กับความสนใจ การระมัดระวังความรู้สึกที่มีต่อคู่ชีวิต นักแสดงที่อยู่ในขั้นตอนการสื่อสารบนเวทีจะต้องจับความแตกต่างของเสียง กลิ่น และองค์ประกอบของคุณสมบัติเพียงเล็กน้อยเท่านั้น แต่ละครั้ง ความคิดสร้างสรรค์ควรเป็นสิ่งใหม่และไม่เหมือนใคร ให้บริการกับการค้นพบ ภาพร่างและแบบฝึกหัดที่เสนอโดย K.S. สตานิสลาฟสกี้

การฝึกสมาธิเริ่มต้นด้วยการฝึกสังเกตตนเองและสื่อสารกับตนเอง จำเป็นต้องเรียนรู้ที่จะมุ่งความสนใจไปที่จุดหนึ่ง - ในช่องท้องสุริยะใกล้หัวใจซึ่งเป็นตัวแทนของอารมณ์

ความคิดที่เคลื่อนผ่านศูนย์กลางทางอารมณ์จะทำให้ปฏิสัมพันธ์กับ “ฉัน” ในตัวคุณเต็มเปี่ยม นี่คือการสื่อสารของจิตใจและความรู้สึก

การสื่อสารกับคู่ชีวิตง่ายกว่าการติดต่อกับตัวเอง เมื่อโต้ตอบกับคู่หูโดยแสดงภาพสเก็ตช์ คุณต้องให้ความสนใจกับประเด็นหนึ่งและจดจ่อกับโลกภายในของบุคคลอื่น

การฝึกอบรมความสนใจแบ่งออกเป็นองค์ประกอบ:

• การสังเกตวัตถุ
• การกำหนดจุดสนใจเมื่อโต้ตอบกับตัวเอง
• ค้นหาจุดสนใจเมื่อสื่อสารกับคู่หู

ประเภทของการสื่อสาร

บนเวทีไม่ได้มีการสื่อสารเพียงประเภทเดียว ศิลปินสื่อสารพร้อมกันไม่เพียง แต่กับคู่หูบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตัวเขาเองและกับผู้ชมด้วย ประเภทของปฏิสัมพันธ์:

• กับศิลปินอีกคน
• กับตัวเอง.
• กับเรื่อง.
• กับท่านผู้ชม

ไมโครมิกส์

ในกระบวนการปฏิสัมพันธ์ระหว่างพันธมิตร อีกทางหนึ่ง โรงหนังเรียกมันว่ารังสี องค์ประกอบของความเท็จในเกมแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนเมื่อพยายามแปลการแสดงออกทางสีหน้าเป็นจุลภาค เพื่อให้ภาพร่างของนักแสดงเป็นแบบออร์แกนิก พวกเขาใช้การออกกำลังกายเพื่อกระตุ้นความรู้สึกในตัวเอง เรียกว่าการแผ่รังสีหรือการแผ่รังสีโดยไม่มีอารมณ์ หากภาพร่างทำด้วยความจริงและศรัทธาอย่างสัมบูรณ์ในสถานการณ์ที่เสนอ วิธีการแสดงก็จะเป็นตัวเป็นตนได้สำเร็จ

จรรยาบรรณการละคร

จรรยาบรรณแห่งวิชาชีพบนเวทีก็เหมือนของสาธารณะ ในขณะเดียวกันก็ปรับให้เข้ากับสภาพของโรงละครด้วย เงื่อนไขมีความซับซ้อนและมีหลายแง่มุม สิ่งสำคัญคือการทำงานเป็นทีมเป็นกลุ่ม จรรยาบรรณการแสดงละครบ่งบอกถึงคุณธรรมของวิชาชีพไม่อนุญาตให้มีทัศนคติที่ไม่ใส่ใจต่อวินัย กลุ่มคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ต้องการวินัยเหล็กเพื่อไม่ให้ทำลายความตั้งใจและความคิดของศิลปะชั้นสูง

จริยธรรมการแสดงละครเป็นสิ่งจำเป็นเพื่อให้ทุกคนเข้าใจบทบาทของตนในสาเหตุเดียวกัน จริยธรรมเป็นสิ่งจำเป็นเพื่อให้วิธีการ โรงเรียน และกลุ่มมีปฏิสัมพันธ์อย่างกลมกลืน เพื่อรักษาลักษณะทางศีลธรรม

ระบบของ Stanislavsky เป็นหลักคำสอนของศิลปะการแสดงซึ่งเป็นปรัชญาการละครชนิดหนึ่งที่กำหนดงานและเป้าหมาย ศิลปะการละครขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ของศิลปินระหว่างกันและกับผู้ชม ปฏิสัมพันธ์จะต้องมีชีวิตชีวาและเป็นธรรมชาติ การฝึกอบรมโรงละครคือการฝึกอบรมด้านการสื่อสาร

การฝึกอบรมการแสดงของ Stanislavsky ซึ่งเป็นระบบของเขาจะช่วยไม่เพียง แต่ศิลปินบนเวทีเท่านั้น แต่ยังมีประโยชน์ในการสื่อสารใด ๆ สำหรับผู้พูด ผู้นำ นักจิตวิทยา พนักงานขาย การฝึกหัด จะช่วยพัฒนาทักษะการโน้มน้าวใจและการสื่อสาร

เป็นครั้งแรกที่ระบบแก้ปัญหาความเข้าใจอย่างมีสติของกระบวนการสร้างสรรค์ในการสร้างบทบาท ระบุวิธีการเปลี่ยนนักแสดงให้เป็นภาพ เป้าหมายคือการบรรลุความถูกต้องทางจิตวิทยาของการแสดงอย่างเต็มที่

ระบบนี้ขึ้นอยู่กับการแบ่งการแสดงออกเป็นสามเทคโนโลยี ได้แก่ งานฝีมือ ประสิทธิภาพ และประสบการณ์

• หัตถกรรมตาม Stanislavsky มันขึ้นอยู่กับการใช้ถ้อยคำที่เบื่อหูสำเร็จรูปโดยที่ผู้ชมสามารถเข้าใจได้อย่างชัดเจนว่าอารมณ์ที่นักแสดงมีอยู่ในใจ
• ศิลปะการนำเสนอขึ้นอยู่กับความจริงที่ว่าในกระบวนการของการซ้อมยาวนักแสดงมีประสบการณ์จริงที่สร้างรูปแบบของการสำแดงประสบการณ์เหล่านี้โดยอัตโนมัติ แต่จากการแสดงเองนักแสดงไม่ได้สัมผัสกับความรู้สึกเหล่านี้ แต่สร้างรูปแบบใหม่พร้อม- วาดบทบาทภายนอก
• ศิลปะแห่งประสบการณ์- นักแสดงสัมผัสประสบการณ์จริงในกระบวนการแสดง และทำให้ภาพลักษณ์บนเวทีมีชีวิตชีวาขึ้น

ระบบได้รับการอธิบายไว้อย่างสมบูรณ์ในหนังสือโดย KS Stanislavsky "ผลงานของนักแสดงในตัวเอง" ซึ่งตีพิมพ์ในปี 2481

วิทยาลัย YouTube

1 / 5

✪ [การสร้าง # 3]: การแสดง / ระบบการแสดงของ Stanislavsky

✪ Stanislavsky K.S. - ผลงานของนักแสดงเอง ส่วนที่ 1

✪ After Grotowski: การฝึกร่างกายของนักแสดง

✪ "Stanislavsky เสียชีวิต" # 4 - อัลกอริทึมสำหรับการสอนนักแสดงละคร

✪ หลักคำสอนของสตานิสลาฟสกีเรื่องงานพิเศษ

คำบรรยาย

หลักการพื้นฐานของระบบ

ประสบการณ์จริง

หลักการสำคัญของการแสดงของนักแสดงคือความจริงของประสบการณ์ นักแสดงต้องสัมผัสกับสิ่งที่เกิดขึ้นกับตัวละคร อารมณ์ที่นักแสดงสัมผัสต้องเป็นของแท้ นักแสดงต้องเชื่อใน "ความจริง" ในสิ่งที่เขาทำ ต้องไม่วาดภาพอะไรบางอย่าง แต่ต้องมีชีวิตบนเวที หากนักแสดงสามารถมีชีวิตอยู่ได้ โดยเชื่อมันให้มากที่สุด เขาจะสามารถแสดงบทบาทได้อย่างถูกต้องที่สุด การแสดงของเขาจะใกล้เคียงกับความเป็นจริงมากที่สุดและผู้ชมจะเชื่อเขา KS Stanislavsky เขียนเกี่ยวกับสิ่งนี้: "ทุกช่วงเวลาที่คุณอยู่บนเวทีต้องได้รับการอนุมัติโดยศรัทธาในความจริงของความรู้สึกที่คุณกำลังประสบและในความจริงของการกระทำที่คุณทำ"

คิดผ่านสถานการณ์ที่เสนอ

ความรู้สึกของนักแสดงคือความรู้สึกของเขาเอง ที่มาคือโลกภายในของเขา เขามีหลายแง่มุม ดังนั้นก่อนอื่นนักแสดงจึงตรวจสอบตัวเองและพยายามค้นหาประสบการณ์ที่เขาต้องการในตัวเอง เขาหันไปหาประสบการณ์ของตัวเองหรือพยายามเพ้อฝันเพื่อค้นหาสิ่งที่เขาไม่เคยสัมผัสในชีวิตจริงในตัวเอง เพื่อให้ตัวละครรู้สึกและดำเนินการอย่างถูกต้องที่สุด จำเป็นต้องเข้าใจและคิดตามสถานการณ์ที่เขามีอยู่ สถานการณ์กำหนดความคิด ความรู้สึก และพฤติกรรมของเขา นักแสดงต้องเข้าใจตรรกะภายในของตัวละคร เหตุผลในการกระทำของเขา ต้อง "พิสูจน์" ให้ตัวเองทุกคำและทุกการกระทำของตัวละคร กล่าวคือ เข้าใจเหตุผลและเป้าหมาย ดังที่ KS Stanislavsky เขียนไว้ว่า "การแสดงบนเวทีต้องมีเหตุผลภายใน มีเหตุผล สม่ำเสมอและเป็นไปได้ในความเป็นจริง" นักแสดงต้องรู้ (ถ้าไม่ได้ระบุไว้ในละคร - คิดขึ้นมา) สถานการณ์ทั้งหมดที่ตัวละครของเขาพบว่าตัวเอง ความรู้เกี่ยวกับเหตุผลและไม่ใช่การแสดงออกทางอารมณ์ทำให้นักแสดงได้สัมผัสกับความรู้สึกของตัวละครในรูปแบบใหม่ทุกครั้ง แต่มีระดับความถูกต้องและ "ความจริงใจ" เท่ากัน

กำเนิดสถานที่และการกระทำ "ที่นี่และเดี๋ยวนี้"

คุณลักษณะที่สำคัญมากของการแสดงคือประสบการณ์ "ที่นี่และเดี๋ยวนี้" ทุกอารมณ์ ทุกการกระทำต้องเกิดขึ้นบนเวที นักแสดงทั้งๆที่รู้ว่าตัวเองต้องทำอะไรในฐานะตัวละครตัวนี้หรือตัวนั้น ก็ต้องให้โอกาสตัวเองเพื่อแสดงสิ่งนี้หรือการกระทำนั้น การกระทำดังกล่าวจะเป็นไปตามธรรมชาติและมีเหตุผล หากการกระทำเดียวกันตั้งแต่การแสดงจนถึงการแสดงเกิดขึ้นทุกครั้งที่ "ที่นี่และเดี๋ยวนี้" จะไม่กลายเป็น "ถ้อยคำที่เบื่อหู" สำหรับนักแสดง นักแสดงจะทำการแสดงในรูปแบบใหม่ทุกครั้ง และสำหรับตัวนักแสดงเอง การแสดงฉากนี้ในแต่ละครั้งจะให้ความรู้สึกแปลกใหม่ที่จำเป็นเพื่อให้สนุกกับงานของเขา

ผลงานนักแสดงด้วยคุณสมบัติของตัวเอง

นักแสดงต้องมีจินตนาการที่พัฒนาแล้วจึงจะสามารถสร้างสถานการณ์ในบทบาทได้ เพื่อให้บทบาทเป็น "มีชีวิตชีวา" และน่าสนใจสำหรับผู้ชมมากที่สุด นักแสดงต้องใช้ทักษะการสังเกตของเขา (สังเกตในชีวิตบางสถานการณ์ที่น่าสนใจ น่าสนใจ คนที่ "สดใส" ฯลฯ) และความทรงจำ รวมทั้งอารมณ์ (นักแสดงต้อง สามารถจดจำความรู้สึกเฉพาะเจาะจงเพื่อที่จะได้สัมผัสมันอีกครั้ง)

อีกแง่มุมที่สำคัญของอาชีพนักแสดงคือความสามารถในการจัดการความสนใจของคุณ ในทางกลับกัน นักแสดงต้องไม่สนใจผู้ชม มุ่งความสนใจไปที่คู่หูให้มากที่สุดเท่าที่จะทำได้ กับสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที นอกจากนี้ยังมีปัญหาทางเทคนิค นักแสดงควรจะสามารถยืนขึ้นในแสงได้ สามารถ "ไม่ตกลงไปในหลุมของวงออเคสตรา" ฯลฯ เขาไม่ควรให้ความสนใจกับเรื่องนี้ แต่ควรหลีกเลี่ยงการทับซ้อนกันทางเทคนิค ดังนั้นนักแสดงจึงต้องสามารถควบคุมอารมณ์ ความสนใจ ความจำได้ นักแสดงจะต้องสามารถควบคุมชีวิตของจิตใต้สำนึกด้วยการกระทำที่มีสติ ("จิตใต้สำนึก" ในกรณีนี้คือคำที่ใช้โดย KS Stanislavsky และความหมายคือ "จิตใต้สำนึก" เป็นระบบการควบคุมโดยไม่สมัครใจ) ซึ่ง ในทางกลับกัน กำหนดความเป็นไปได้ของการใช้ชีวิตที่เต็มไปด้วยอารมณ์ "ที่นี่และเดี๋ยวนี้" “ทุกการเคลื่อนไหวของเราบนเวที ทุกคำพูดควรเป็นผลมาจากชีวิตแห่งจินตนาการที่ซื่อสัตย์” KS Stanislavsky เขียน สิ่งสำคัญในการแสดงคือการทำงานร่วมกับร่างกายของคุณ ในการสอนละคร มีแบบฝึกหัดมากมายที่เน้นการทำงานกับร่างกาย ประการแรก แบบฝึกหัดเหล่านี้ช่วยบรรเทาบุคคลจากที่หนีบร่างกาย และประการที่สอง พวกเขาพัฒนาการแสดงออกของพลาสติก J. Moreno เขียนว่า KS Stanislavsky "... ไตร่ตรองว่าจะคิดค้นวิธีการที่เป็นไปได้ที่จะปลดปล่อยร่างกายของนักแสดงจากความคิดโบราณและให้อิสระและความคิดสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแก่เขาซึ่งจำเป็นสำหรับงานข้างหน้า" ระบบของ Stanislavsky มุ่งเป้าไปที่การบรรลุเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของบุคคล รวมถึงในระดับร่างกาย แบบฝึกหัดจำนวนมากได้รับการออกแบบมาเพื่อให้นักแสดงเข้าถึงความคิดสร้างสรรค์ของตนเองได้ฟรี

ปฏิสัมพันธ์กับพันธมิตร

ความคิดสร้างสรรค์ในโรงละครมักมีลักษณะร่วมกัน: นักแสดงทำงานบนเวทีร่วมกับพันธมิตร การมีปฏิสัมพันธ์กับพันธมิตรเป็นสิ่งสำคัญมากในอาชีพการแสดง พันธมิตรควรไว้วางใจซึ่งกันและกัน ช่วยเหลือและช่วยเหลือซึ่งกันและกัน รู้สึกเป็นพันธมิตร มีปฏิสัมพันธ์กับเขา - หนึ่งในองค์ประกอบหลักของการแสดง ช่วยให้คุณรักษาการมีส่วนร่วมในกระบวนการแสดงบนเวที

นักแสดงรางวัล Stanislavsky

• - แจ็ค นิโคลสัน
• - ฮาร์วีย์ ไคเทล
• - ฟานี่ อาร์แดนท์
• - เมอรีล สตรีป
• - จีนน์ โมโร
• - เจอราร์ด เดปาร์ดิเยอ
• - แดเนียล โอลบริชสกี
• - อิซาเบล ฮับเพิร์ต
• - Oleg Yankovsky (มรณกรรม)
• - เอ็มมานูเอล แบร์
• - เฮเลน เมียร์เรน
• - แคทเธอรีน เดอเนิฟ

ดูสิ่งนี้ด้วย

• ระบบ Brecht (Brecht, Bertolt)
• ระบบ Vakhtangov (

ดูเหมือนว่าระบบของ Stanislavsky เป็นปรากฏการณ์การแสดงละครที่ไม่สามารถใช้ได้กับภาพยนตร์อย่างเต็มที่ ท้ายที่สุดแล้ว การแสดง "ในตัวละคร" เป็นเวลาสามชั่วโมงเป็นเรื่องหนึ่ง และเป็นอีกสิ่งหนึ่งที่ควรยึดมั่นในการแสดงสำหรับวันถ่ายทำเต็มรูปแบบ แต่ถึงแม้จะมีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างโรงละครและ "ศิลปะที่สำคัญที่สุด" แต่เทคนิคการแสดงนี้ (เรียกว่า "วิธีการ" หรือ "ระบบ" ในตะวันตก) ก็มีผู้ติดตามภักดีในหมู่ดาราภาพยนตร์หลายคน - ไม่ใช่เพื่ออะไร ที่เทศกาลภาพยนตร์มอสโกนานาชาติได้เปิดตัวรางวัลพิเศษ "I Believe" ซึ่งตั้งชื่อตาม Stanislavsky ซึ่งในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาได้รับรางวัล Jack Nicholson, Harvey Keitel, Meryl Streep และ Gerard Depardieu เราตัดสินใจค้นหาว่า "วิธีการ" ทำงานในฮอลลีวูดอย่างไร และคอนสแตนติน เซอร์เกวิช ซุปตาร์คนใดในท้องถิ่นนั้นน่าภาคภูมิใจ

เริ่มต้นด้วยเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ Laurence Olivier และ Dustin Hoffman เล่าเรื่องราวต่อไปนี้เกี่ยวกับการถ่ายทำ The Marathon Runner ฮอฟฟ์แมนซึ่งเชื่อในระบบของสตานิสลาฟสกีอย่างเต็มที่ต้องเล่นเป็นผู้ชายที่วิ่งหนีและเข้าหาบทบาทของคนจรจัดอย่างมีความรับผิดชอบ: เขาหยุดซักผ้าโกนหนวดและกินตามปกติไม่ได้นอนเป็นเวลาหลายวันและฉีกเสื้อผ้าของตัวเองและนำ พวกเขาอยู่ในสภาพที่โอลิวิเยร์ไม่เคยทนและถามว่าทำไมถึงเสียสละเช่นนั้น เมื่อได้ยินว่าดัสตินพยายามแสดงบทบาทนี้ให้ลึกที่สุด อาจารย์ก็หัวเราะ “พยายามเล่นนะ หนุ่มน้อย ง่ายกว่ามาก”

ภาพจากกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "Marathon Runner"

ไม่มีใครรู้ว่าฮอฟฟ์แมนตอบอะไรซึ่งในที่สุดได้รับรางวัลออสการ์ที่โลภ แต่ในแนวทางของเขาเขาไม่ได้อยู่คนเดียว: การสัมภาษณ์หลังจากรอบปฐมทัศน์ที่มีชื่อเสียงดาราฮอลลีวูดมักยอมรับว่างานนักแสดงของ Stanislavsky เป็นหนังสืออ้างอิงของพวกเขา ความเย่อหยิ่งของนักแสดงละครซึ่งมักจะถ่มน้ำลายใส่เพื่อนร่วมงานในภาพยนตร์ของพวกเขา (เช่น ตัวละครของ Edward Norton ปฏิบัติต่อ Michael Keaton ใน "Birdman" โดย Alejandro Gonzalez Iñarritu) ไม่ได้มีเหตุผลทั้งหมดเพียงเพราะผู้กำกับหลายคนใช้ "วิธีการ" " ในชุดบังคับ ผู้กำกับที่มีชื่อเสียงมีความสนใจในการแสดงเหตุการณ์จริงบนหน้าจอที่ไม่เหมือนใคร และพวกเขาพร้อมที่จะบรรลุผลตามที่ต้องการด้วยเบ็ดหรือข้อพับ มีมารยาทที่คล้ายคลึงกัน เช่น Alfred Hitchcock และ Stanley Kubrick วิธีการที่รุนแรงของพวกเขาจะกล่าวถึงด้านล่าง แต่ตอนนี้ ให้เรานึกถึงผู้ที่ยอมรับหลักการของ Stanislavsky ด้วยความสมัครใจ

ที่จริงแล้ว นักแสดงพยายามพาตัวเองขึ้นแสดงบนเวทีด้วยอารมณ์ที่ต้องการเมื่อหลายพันปีก่อน (มีกรณีของนักแสดงสาวที่ไว้ทุกข์น้องชายของเธอในเรื่อง "Electra" ของ Sophocles ไม่ยอมทิ้งโกศด้วยขี้เถ้าของ ลูกชายของเธอเอง) Stanislavsky กำหนดไว้อย่างชัดเจนว่าเอฟเฟกต์นี้สามารถทำได้อย่างไร นักแสดงหลายคนในการเตรียมการถ่ายทำไปที่ "เก้าอี้โยก" รับและลดน้ำหนักหลายสิบกิโลกรัมให้ความสำคัญกับตัวเองเรียนรู้การเต้นเทคนิคมายากลและการเคลื่อนไหวร่างกายที่สวยงามอื่น ๆ แต่นี่เป็นเพียงการพูด "เปลือกนอกของบทบาท" "เครื่องแต่งกาย" ของมัน เพื่อให้น่าเชื่อถือมากขึ้น นักแสดงที่รับผิดชอบต้องทำงานด้านจิตวิทยากับตัวเอง ซึ่งยากกว่ามาก สำหรับใครบางคนตามตัวอย่างของนักแสดง Sofokleskoy เพื่อการแสดงที่น่าเชื่อก็เพียงพอที่จะพบเหตุการณ์ที่คล้ายกันจากอดีตของเขาในความทรงจำและบรรลุอารมณ์ "ของจริง" (เช่น Jack Nicholson ในชุด The Shining ได้อย่างง่ายดาย อยู่ในสภาวะโกรธ หวนคิดถึงการทะเลาะกับอดีตภรรยา) และมีคนล้มละลายอย่างฮอฟฟ์แมน ที่ไม่เพียงตัดสินใจสร้างบทบาทเท่านั้น แต่ยังต้องจำลองสถานการณ์ด้วย เมื่อคุณอยู่ในสถานการณ์เหล่านี้เป็นเวลาหลายสัปดาห์โดยไม่ได้ออกจาก "ผิวหนังของคนอื่น" คุณจะรู้สึกมั่นใจมากขึ้นในชุด: ถ้านักแสดงคนอื่น "เข้าร่วม" กระบวนการหลังจากคำสั่ง "มอเตอร์!" เท่านั้นแล้วคนที่ทำงาน ตาม “ระบบ” ยังคง “ออนไลน์” อย่างต่อเนื่อง ตามหลักการแล้ว เขาไม่จำเป็นต้องแสร้งทำเป็นใดๆ เพราะหลังจากเตรียมการมาอย่างยาวนานและระมัดระวัง เขาก็กลายเป็นบุคคลที่ต้องการให้แสดงออกมาในทางใดทางหนึ่งแล้ว

ตัวอย่างเช่น ทอม ครูซ รับบทเป็นนักฆ่าใน "ผู้สมรู้ร่วมคิด" เริ่มต้นด้วยการสวมวิก เปลี่ยนเป็นพนักงานไปรษณีย์และรับพัสดุ - นี่คือวิธีที่เขาได้รับทักษะที่มีประโยชน์ในการ "ละลายในฝูงชน " เมื่อเรียนรู้ที่จะแยกย้ายกันไปความสนใจของคู่สนทนาครูซถึงจุดที่เขาจงใจนั่งลงกับคนแปลกหน้าในร้านกาแฟพูดคุยกับพวกเขาเกี่ยวกับเรื่องไร้สาระต่าง ๆ และยังจำไม่ได้! ด้วยอาวุธ เขาเรียนรู้ที่จะรับมือ เพื่อที่ว่าถ้าไม่ใช่เพราะการชาร์จเปล่า ซึ่งเขาต้องทำงานในกองถ่าย เขาสามารถยิงคนเต็มห้องได้ภายในสามวินาที

เอ็ด แฮร์ริส แสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นแฟนพันธุ์แท้ของสตานิสลาฟสกีในกองถ่าย The Rock ซึ่งเขาได้รับบทเป็นทหารผ่านศึกชาวเวียดนามที่ไม่ทิ้งภาพลักษณ์ไว้แม้แต่ระหว่างเทค แม้ว่าแฮร์ริสจะไม่ใช่นักแสดงที่มักจะหลงระเริงในบทบาทนำ แต่คราวนี้แม้แต่ฌอน คอนเนอรี่ก็ยังรู้สึกทึ่งกับความกระตือรือร้นของเขา เอ็ดไม่เพียงแต่เอ็ดจะพูดกับทุกคนรอบๆ ราวกับเป็นทหาร ไม่ใช่แค่ "ท่าน" เท่านั้น เขายังโทรหาทีมงานภาพยนตร์ด้วย เขายัง และถ้าเขาลืมคำพูดของเขา นักแสดงก็ดุและโกรธมากจนวันหนึ่งเขาเกือบจะทุบโทรศัพท์ที่เขากำลัง "พูดอยู่" แตกด้วยความโกรธ เหตุการณ์คล้ายคลึงกันเกิดขึ้นที่งานแถลงข่าวหลังจากการฉายภาพยนตร์ "History of Violence" ในงานเทศกาลในโตรอนโต: เพื่อตอบคำถาม "ความรุนแรงคืออะไร" เอ็ดเริ่มทุบกำปั้นอย่างแรงบนโต๊ะและโยนแก้วน้ำกับผนัง งานแถลงข่าวถูกปิดลงทันที: การลิ้มรสความรุนแรงบนหน้าจอเป็นสิ่งหนึ่ง แต่การได้เห็นในสายตาของคนจริงนั้นค่อนข้างจะเป็นอีกเรื่องหนึ่ง แฮร์ริสพิสูจน์ตัวเองว่าเจ๋งกว่าในโครงการพอลลอค: เป็นเวลา 10 ปีในการเตรียมภาพยนตร์ซึ่งเขาเล่นเป็นศิลปินชื่อดังเอ็ดเรียนรู้การวาดภาพ "เหมือนแจ็คสันพอลล็อค" (ซึ่งเขาเปลี่ยนบ้านของเขาให้กลายเป็นเวิร์กช็อปศิลปะที่แท้จริง) และ แม้กระทั่งเริ่มสูบบุหรี่ แน่นอนเขาซื้อเฉพาะ Camel: ฮีโร่ของชีวประวัติไม่รู้จักแบรนด์อื่นใด

Adrian Brody ในการไล่ตาม "Oscar" ของเขาตัดสินใจที่จะกลับชาติมาเกิดในนักดนตรี - ฤาษี Vladislav Shpilman ให้สูงสุด เพื่อที่จะเล่นเป็นคนขี้เหงาใน The Pianist อย่างเชื่อได้ เขาได้สละประโยชน์ทั้งหมดของชีวิตสมัยใหม่โดยสมัครใจ: เขาขายรถและอพาร์ตเมนต์ทันสมัย ​​ปิดโทรศัพท์ ... นอกจากนี้ Adrian เลิกกับอาชีพระยะยาว แฟนโดยให้เหตุผลว่าตั้งแต่สปีลแมนซึ่งซ่อนตัวจากพวกนาซีไม่ได้มีเพศสัมพันธ์ก็ปล่อยเขาไป เขาอุทิศเวลาว่างให้กับการควบคุมเปียโนและประสบความสำเร็จอย่างมากจนนักแสดงไม่ต้องการตัวสำรองเพื่อแสดงโชแปงในเฟรม ด้วยเหตุนี้ โบรดี้จึงกลายเป็นคนอเมริกันเพียงคนเดียวที่ได้รับรางวัลออสการ์ไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรางวัลซีซาร์ของรางวัลจากยุโรปอีกด้วย

Robert De Niro เชื่อมั่นใน "วิธีการ" อย่างแรงกล้า อย่างน้อยก็ในวัยหนุ่มของเขา เมื่อเขายังไม่ได้ปฏิเสธเส้นทางแห่งการล้อเลียนตัวเองที่ลื่นไหล สำหรับบทบาทของเขาใน Taxi Driver เขาเรียนรู้ที่จะถ่ายทำอย่างมืออาชีพ จากนั้นได้ใบขับขี่แท็กซี่ตัวจริงและทำงานอย่างขยันขันแข็งเป็นเวลา 12 ชั่วโมง โดยบรรทุกผู้โดยสารไปทั่วนิวยอร์ก ขณะฝึกชกสำหรับบทบาทของนักมวยอาชีพ Jake LaMotta ใน Raging Bull เขาสามารถฟันของ LaMotta จริงๆ และทำให้ซี่โครงหักได้ และเมื่อจำเป็นต้องวาดภาพ LaMotta ที่แก่แล้ว ก็เปลี่ยนมาเป็นอาหารประเภทเนื้อสัตว์และพาสต้า สี่เดือนทำงานได้ถึง 30 กิโลกรัมของไขมัน ขณะแสดงเป็นอัล คาโปนใน The Untouchables เขาสวมเสื้อผ้าชุดเดียวกับนักเลงที่มีชื่อเสียง รวมถึงชุดชั้นในผ้าไหมสั่งพิเศษจากช่างตัดเสื้อในยุค 30 ซึ่งนักแสดงยอมรับหลังจากถ่ายทำ ผู้ชมไม่ทราบว่ากางเกงในของ Capone เป็นอย่างไร: ตาม De Niro เขาซื้อมันมาเพื่อความสมบูรณ์ของความรู้สึกส่วนตัวและไม่ใช่เพื่อแสดงบนกล้อง

ภาพจากกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "Raging Bull"

ฮอลลีวูดรู้เรื่องราวที่คล้ายคลึงกันมากมาย ดังนั้นจึงสามารถเขียนหนังสือแยกต่างหากเกี่ยวกับความพยายามสร้างสรรค์ของแฟน ๆ ของ "ระบบ" ได้ ไชอา ลาบัฟ ยอมรับว่าเขากินแบรนด์ LSD ก่อนเดินไปที่กล้องเพื่อหลอกล่อคนติดยาในภาพยนตร์เรื่อง "Dangerous Illusion" และใน "Nymphomaniac" เขามีเซ็กส์จริงหน้ากล้อง สำหรับบทบาทของศิลปินที่เป็นอัมพาต คริสตี้ บราวน์ใน My Left Foot แดเนียล เดย์-ลูอิสใช้เวลา 24 ชั่วโมงต่อวันในรถเข็น และสำหรับ The Last of the Mohicans เขาใช้เวลาหกเดือนในป่า เรียนรู้วิธีขุดเรือแคนูและทำ หนังสัตว์ Christian Bale กลายเป็นคนเบื่ออาหารใน The Machinist และกินหนอนใน Saving Dawn ฮิลารี สแวงก์ เตรียมรับบทชายในหนัง Boys Don't Cry แกล้งทำเป็นผู้ชายมา 1 เดือน บังคับเพื่อนบ้านให้เชื่อว่ามีน้องชาย จิม แคร์รี่รับบทเป็นชาร์ลี คอฟแมนในภาพยนตร์เรื่อง "The Man on the Moon" ไม่ได้แสดงบทบาทใดๆ แม้แต่ในเวลาว่าง และมักจะทำให้คนอื่นรำคาญด้วยเรื่องตลกที่งี่เง่าและเรื่องตลกเชิงปฏิบัติ ท้ายที่สุด คอฟแมนตัวจริงก็ทำแบบเดียวกัน สำหรับบทบาทของ Van Gogh John Simm เปลี่ยนไปรับประทานอาหารที่มีกาแฟและบุหรี่ และ Raskolnikov ตัดสินใจที่จะเล่นกับซี่โครงหัก - ตามที่นักแสดงกล่าวว่าความเจ็บปวดอย่างต่อเนื่องช่วยให้เขาแสดงภาพได้ชัดเจนยิ่งขึ้น Forest Whitaker ได้เรียนรู้ภาษาสวาฮิลีและภาษาแอฟริกาอื่น ๆ อีกหลายภาษาสำหรับ The Last King of Scotland สก็อตต์ เกล็นน์ ผู้เล่นใน "The Silence of the Lambs" เจ้าหน้าที่แจ็ค ครอว์ฟอร์ด คัดลอกมาจากจอห์น ดักลาส เอฟบีไอตัวจริง ฟังเทปที่ดักลาสบันทึกไว้ให้เขาบรรยายถึงการกระทำของฆาตกรต่อเนื่องก่อนถ่ายทำ และตกใจมากกับพวกเขาจน เขากลายเป็นคนปลุกปั่นที่กระตือรือร้นในการนำโทษประหารชีวิตมาใช้

Johnny Depp ไม่เคยยอมรับว่า "วิธีการ" อยู่ใกล้เขา แต่เขาเตรียมพร้อมสำหรับบทบาทที่มีความคลั่งไคล้คลั่งไคล้ - ตัวอย่างเช่นสำหรับการถ่ายโอนนวนิยาย "Fear and Loathing in Las Vegas" ที่ถูกต้องไปยังหน้าจอนักแสดงใช้เวลาพอสมควร กับผู้เขียน Hunter S. Thompson และในคำพูดของเขาเอง "ขโมยชิ้นส่วนของจิตวิญญาณของเขา" สำหรับ mocumentari "" Joaquim Phoenix แกล้งทำเป็นเป็นแฟนแร็พตลอดทั้งปีโดยสามารถโน้มน้าวผู้เข้าร่วมโครงการทั้งหมดได้ Frank Langella ตัวเองไม่ใช่แฟนของ "ระบบ" ถือว่าบทบาทของ Nixon ใน "Frost vs. Nixon" ยากมากจนเขาไปซุกตัวอยู่ในมุมมืดของฉากเพื่อไม่ให้ใครมีคำถามสุ่ม "เคาะ" เขาออกจากภาพลักษณ์" (ทีมงานของสตูดิโอรู้เรื่องนี้และพูดกับเขาว่า: "ท่านประธานาธิบดีพวกเขากำลังรอคุณอยู่ที่ไซต์ ... ")

การถ่ายทำ "ความกลัวและความชิงชังในลาสเวกัส"

Martin Sheen ดื่มตัวเองจนตายขณะเล่นฉากโรงแรมที่เกี่ยวข้องใน Apocalypse Now และทุบกระจกด้วยกำปั้นของเขาและตัดมือของเขา Oleg Taktarov ทุบหัวของเขาในชุด Predators แต่ไม่ได้ออกจากกรอบ: ตามที่นักแสดงซึ่งมีพรสวรรค์ในการแสดงบนเวทีที่ผู้ชมหลายคนคุ้นเคยกับการสงสัยเขาให้เหตุผลว่าเลือดที่ไหลออกมาจะทำให้ภาพลักษณ์ของเขาเป็นจริงมากขึ้น - และใน นี้ฉันต้องยอมรับว่ากลายเป็นถูกต้อง ลีโอนาร์โด ดิคาปริโอ ผู้ซึ่งได้รับบาดเจ็บที่มือด้วยแก้วที่แตกใน "จังโก้ อันเชน" ตัดสินใจที่จะไปไกลกว่านี้และทำให้เคอร์รี วอชิงตันเปื้อนเลือดของเขา ซึ่งไม่มีอยู่ในบทเลย ดังนั้นเด็กสาวจึงไม่ต้องตกใจ

สำหรับบทบาทของเขาใน Star Trek: Deep Space 9 นักแสดงแอนดรูว์ โรบินสันเขียนชีวประวัติ 200 หน้าสำหรับตัวละคร Garaku ของเขา ซึ่งต่อมาเขาได้เผยแพร่นวนิยายฉบับเต็ม ซิลเวสเตอร์ สตอลโลนเข้ารับการรักษาในโรงพยาบาลมากกว่าหนึ่งครั้ง เพราะเขาขอให้คู่แข่งในจอของเขาเอาชนะตัวเองให้ได้จริงๆ ทอมมี่ ลี โจนส์เขียนบททั้งหมดของเขาด้วยความสมัครใจใน "Men in Black" ซึ่งเขาไม่ได้บอกใครเลย ดังนั้น วิล สมิธ หุ้นส่วนในจอของเขาจึงต้องลืมเกี่ยวกับสคริปต์ด้วยและโต้ตอบแบบด้นสดอยู่ตลอดเวลา Peter Weller ในชุด RoboCop เรียกร้องให้ทุกคนเรียกเขาว่า RoboCop ฮีธ เลดเจอร์ ก่อนรับบทโจ๊กเกอร์ใน The Dark Knight ขังตัวเองอยู่ในอพาร์ตเมนต์ทั้งเดือนและไม่สื่อสารกับใครเลย นอนวันละสองชั่วโมง เก็บไดอารี่ในนามของตัวละครในหนังสือการ์ตูน และในที่สุดก็เริ่มทำให้ทุกคนตกใจ ด้วยรูปลักษณ์ที่บ้าคลั่งของเขา ... ทิม เคอร์รี ผู้รับบทเป็นตัวตลกร้ายกาจในเรื่อง "It" ฝึกฝนการจ้องมองที่บ้าคลั่งของเขามาเป็นเวลานาน และนำงานมาสู่ตัวละครนี้จนทำให้นักแสดงคนอื่นๆ เริ่มหลีกเลี่ยงเขา ขณะที่ Kate Winslet ทำงานเกี่ยวกับ The Reader ทำให้ลูกๆ ของเธอหวาดกลัวด้วยการอ่านนิทานก่อนนอนด้วยสำเนียงเยอรมัน ซึ่งเธอไม่สามารถกำจัดได้แม้กระทั่งที่บ้าน

ภาพจากกองถ่าย The Dark Knight

กรรมการคิดอย่างไรกับเรื่องทั้งหมดนี้? ในหลายกรณี พวกเขามองว่าการมีแฟน ๆ "ระบบ" ในทีมเป็นปัจจัยที่ซับซ้อน หากเพียงเพราะมุมมองของนักแสดงและผู้กำกับในบทบาทเดียวกันอาจแตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง เห็นได้ชัดว่า หากนักแสดงใช้เวลาหลายสัปดาห์หรือหลายเดือนในชีวิตของเขากับ "การพัฒนาตัวละคร" เขาจะยึดการตีความบทบาทนี้ด้วยกำมือ และไม่มีประโยชน์ที่จะโน้มน้าวเขาว่าผู้กำกับรู้ดีกว่า แน่นอนว่าไม่มีใครชอบทำงานกับ "ดารา" ที่ควบคุมไม่ได้ซึ่งมากำหนดวิสัยทัศน์ของโปรเจ็กต์ให้กับทุกคน นิสัยของพวกเขามักเยาะเย้ยโดยเพื่อนร่วมงานในเรื่องตลก - แค่จำฮีโร่ Edward Norton ใน Birdman ที่ต้องการดื่มแอลกอฮอล์จริง ๆ บนเวทีและมีเพศสัมพันธ์จริง Bruce Willis ที่มีหนวดมีเคราใน What Happened in Hollywood ผู้ซึ่งปฏิเสธที่จะโกนหนวด " ที่สวยงาม" ซึ่งเขาเติบโตขึ้นมาโดยไม่ได้ขอคำแนะนำจากผู้กำกับ หรือ โรเบิร์ต ดาวนีย์ จูเนียร์ ในภาพยนตร์เรื่อง Soldiers of Failure ที่ผ่าตัดเปลี่ยนตัวเองให้เป็นนิโกรในบทบาทต่อไป และประกาศว่า "จะไม่ทิ้งตัวละครตัวนี้ไว้จนกว่าเขาจะเขียนความคิดเห็นให้ ดีวีดี."

แต่ไม่ว่านักแสดงคนใดจะยึดถือฝีมือการแสดงก็ตาม ทั้งหมดนี้จะสูญเสียความหมายไปหากเขาโชคดีที่ได้เจอผู้กำกับที่เชื่อใน "ระบบ" - ในกรณีนี้ ไม่มีทางที่จะหลุดพ้นจากการหมกมุ่น บท. ทำอย่างไรให้นักแสดงเล่นได้อย่างมั่นใจ? เราต้องทำให้พวกเขารู้สึกถึงทุกสิ่งที่ฮีโร่ของพวกเขาต้องเผชิญ ที่นี่กรรมการใช้ชุดเทคนิคต่างๆ เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ต้องการ เทคนิคหนึ่งเรียกว่า "การเล่นในที่มืด" และขึ้นอยู่กับข้อเท็จจริงที่ว่าสำหรับบทบาทที่น่าเชื่อถือยิ่งขึ้น ศิลปินไม่จำเป็นต้องรู้ว่าสิ่งใดรอตัวละครอยู่ Wes Craven ชอบซ่อนหน้าสุดท้ายของสคริปต์จากนักแสดง หากพวกเขารู้ล่วงหน้าว่าใครคือฆาตกร พวกเขาจะไม่สามารถ "ปกติ" ตอบสนองต่อการปรากฏตัวของเขาในเฟรมได้ สแตนลีย์ คูบริก "ลืม" ซ้ำแล้วซ้ำเล่าเพื่อบอกข้อกล่าวหาของเขาว่าพวกเขาอยู่ในประเภทใด ตัวอย่างเช่น สลิม พิกกินส์ ผู้เล่นนักบินไม่รู้ว่า Doctor Strangelove เป็นหนังตลก และแดนนี่ ลอยด์ เชื่อมาหลายปีแล้วว่า The Shining เป็นละคร (จนโตแล้วดูเทปเอง) นีล มาร์แชล จนกระทั่งคนสุดท้ายซ่อนตัวจากนักแสดงกลาง ทรัมป์หลักของ "โคตร" - กลายพันธุ์ที่กินเนื้อเป็นอาหาร ดังนั้นครั้งแรกที่มีส่วนร่วมทำให้สาว ๆ กระจายเสียงกรีดร้อง ผู้เขียน "แม่มดแบลร์" ไม่ได้แสดงให้ใครเห็นสคริปต์ (ซึ่งพวกเขาไม่มี): นักแสดงได้รับคำแนะนำทุกวันก่อนการถ่ายทำและบทสนทนาทั้งหมดที่เกิดขึ้นจริง พวกเขาใช้เวลาทั้งคืนในป่าเช่นเดียวกับตัวละครของพวกเขา และหลังจากเที่ยงคืน ผู้กำกับจะเข้ามาที่นั่นและเริ่มเขย่าเต็นท์ พวกเขาไม่ได้รับการเตือน ดังนั้นเสียงร้องของตัวละครในฉากที่เกี่ยวข้องอย่างน่ากลัวจึงเป็นธรรมชาติที่สุด

ภาพจากกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "เอเลี่ยน"

การพูดน้อย การแกล้งกัน การหลอกลวงโดยทันทีล้วนเป็นวิธีที่ดีในการทำให้นักแสดงตอบสนองต่อสถานการณ์ราวกับว่ามันเกิดขึ้นในชีวิตจริง พิจารณาว่าบางสิ่งไม่สามารถเล่นได้อย่างดีหาก "แกล้งทำเป็น" กรรมการเผด็จการชอบจัดการยั่วยุโดยไม่เตือนนักแสดงเกี่ยวกับความประหลาดใจที่เตรียมไว้สำหรับพวกเขา ริดลีย์สกอตต์ "แยกแยะตัวเอง" อย่างกว้างขวางในเรื่องนี้ในโครงการ "เอเลี่ยน": เขาไม่ได้แสดงให้ใครเห็นนักแสดงที่เล่นสัตว์ประหลาดเอเลี่ยนเพื่อให้การปรากฏตัวของเขาในการแต่งหน้าทำให้พวกเขารู้สึกหวาดกลัวในทุกวิถีทาง ความไม่ลงรอยกันในทีม (เป็นผลให้ Veronica Catright ตบ Sigourney Weaver ให้ตบหน้าจริง ๆ และ Weaver เองก็สั่งให้ Iapetus Cotto หุบปากและทุกอย่างก็อยู่ในเทป) และในฉากที่มีชื่อเสียงด้วย "Breastbreaker" เขากระเซ็น Catright ที่กรีดร้องด้วยเลือดที่แท้จริง ผู้กำกับยังสามารถเล่นเป็นแมวของเรือได้อีกด้วย: เมื่อเขาชนกับสัตว์ประหลาดเอเลี่ยนในเฟรม มันก็ส่งเสียงฟู่ - และนี่ไม่ใช่เอฟเฟกต์พิเศษอย่างที่หลายคนตัดสินใจ แต่เป็นปฏิกิริยาที่แท้จริงของสัตว์ที่หวาดกลัว

วิลเลียม ฟรีดกิ้นชอบใส่การแสดงในภาพยนตร์ของเขาซึ่งอธิบายให้นักแสดงฟังว่าเป็น "การซ้อม" - เป็นผลให้พวกเขาประพฤติตัวอยู่หน้ากล้องโดยไม่กระวนกระวายใจและให้ผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยมในครั้งแรก เซอร์เรียลลิสต์ Alejandro Jodorowski โดยการยอมรับของเขาเองเลี้ยงนักแสดงในชุด "The Mole" ด้วยยาหลอนประสาทและอนุมัติให้ข่มขืนนางเอกคนหนึ่งอย่างแท้จริง ในบางครั้ง นักแสดงไม่ได้ให้ผลลัพธ์ที่ดีที่สุดเลย แต่เป็นการสุ่มคนที่เดินผ่านไปมาซึ่งไม่รู้ว่าพวกเขามีส่วนร่วมในการถ่ายทำภาพยนตร์ ตัวอย่างเช่น คนเหล่านี้ปรากฏในฉากของ "การสำรวจความคิดเห็นของประชาชน" ในเขต 9: ผู้กำกับถามชาวแอฟริกาใต้ว่าพวกเขาคิดอย่างไรเกี่ยวกับผู้อพยพชาวไนจีเรีย และใส่ความคิดเห็นที่รังเกียจคนต่างชาติที่สุดลงในภาพยนตร์ (เฉพาะอย่างที่คุณรู้ ไม่ใช่สำหรับชาวไนจีเรียเลยและแมลงสาบต่างด้าว)

ตำนานที่แท้จริงกล่าวถึงวิธีการของ Alfred Hitchcock ซึ่งล้อเลียนนักแสดงในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้และพยายามบีบคั้นเสียงร้องจากพวกเขาในทุกวิถีทาง: พวกเขาบอกว่าเขาทิ้งระเบิดนักแสดงหญิง Tippy Hedren ใน "Birds" ด้วยนกจริงและไม่ใช่ หุ่นที่สัญญาไว้ ถ่ายเทปรอบสุดท้าย ในเวลาสั้นๆ แต่ทำให้นางเอกเสียอาการทางประสาท และในฉากอาบน้ำที่โด่งดังในภาพยนตร์เรื่อง "Psycho" โดยไม่มีการเตือนล่วงหน้า เขาเปลี่ยนน้ำร้อนเป็นน้ำแข็ง ทำให้ Janet Leigh เปียกโชกจนสุดปอด เจมส์ คาเมรอนทำเช่นเดียวกันใน "ไททานิค": ตัดสินใจที่จะไม่เอาอกเอาใจนักแสดง เขาก็จุ่มพวกเขาลง แม้ว่าจะไม่เย็นยะเยือกแต่ก็ยังอยู่ในน้ำเย็นจัด ดังนั้นกล้องจึงบันทึกความรู้สึกไม่สบายตามธรรมชาติบนใบหน้าของพวกเขา

ภาพจากกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "ไททานิค"

เพื่อบังคับให้นักแสดงมีปฏิกิริยา "สำคัญ" ผู้กำกับมักจะเกลี้ยกล่อมให้เพื่อนร่วมงานทำสิ่งที่ไม่เป็นไปตามบท: ทำดาเมจจริงไม่ใช่ "เครื่องสำอาง" ระเบิดใส่ศัตรู หยาบคายกับเขา ทำให้เขาตกใจในทางอื่น . บางครั้งนักแสดงที่เล่นแล้วสามารถย้ายออกจากบทและทำสิ่งที่พวกเขาไม่เคยทำมาก่อนได้ เช่น ตีเด็ก เช่น Ryan Reynolds ใน "The Amityville Horror" โดยทั่วไปแล้ว บรูซ ลีจะเอาชนะส่วนเสริมในภาพยนตร์ของเขาอย่างเต็มกำลัง ดังนั้นแจ็กกี้ ชาน สตาร์แห่งอนาคตของเกมต่อสู้จึงได้ประโยชน์มากมายจากเขา

ภาพเปลือยทำงานได้ดี: เมื่อทุกคนรอให้นักแสดงปรากฏตัวต่อหน้ากล้องในกางเกงในของเขาและเขามาโดยไม่มีพวกเขาปฏิกิริยาของของขวัญเหล่านั้นก็เป็นธรรมชาติ (ที่นี่คุณสามารถนึกถึงชารอนสโตนในสัญชาตญาณพื้นฐานและอาร์โนลด์ชวาร์เซเน็กเกอร์ใน เทอร์มิเนเตอร์ 2). ตัวอย่างเช่น ฉาก "เปลือยเปล่า" อันโด่งดังในโบรัตเกิดขึ้นเมื่อตัวเอกของการต่อสู้ถูกสั่งห้ามเข้าไปในห้องโถงที่เต็มไปด้วยชาวอเมริกันที่ไม่สงสัย หากนักแสดงรู้ว่าสิ่งที่รอพวกเขาอยู่แต่เขินอายที่จะเปลือยเปล่า ผู้กำกับ (หรือแม้แต่ทีมงานภาพยนตร์ทั้งหมด) ก็สามารถเข้ามาช่วยเหลือได้ เช่น Paul Verhoeven ที่อาบน้ำที่คนพลุกพล่านอย่างมีชีวิตชีวา ฉากใน Star Infantry; อย่างไรก็ตาม ด้วยเหตุผลที่ชัดเจน ภาพยนตร์เรื่องนี้จึงถูกตัดออกจากภาพยนตร์

ผู้เข้าร่วมในฉากพลุมักจะ "ลืม" เพื่อเตือนเกี่ยวกับพลังของการระเบิด - รางวัลของผู้กำกับคือความกลัวอย่างแท้จริงบนใบหน้าของพวกเขา และฉากในน้ำมักจะจบลงด้วยการที่นักแสดงต้องถูกไล่ออก - ในกรณีนี้คือ กับครึ่งหนึ่งของผู้เข้าร่วมในการว่ายน้ำที่มีชื่อเสียงใน Alien: Resurrection และถึงแม้จะไม่ได้วางแผนไว้ถึงอันตรายเช่นนี้ แต่เธอก็เล่น ฟิล์มเท่านั้นที่เป็นบวก บางครั้งภาพดีๆ ก็ออกมาโดยบังเอิญ เช่น ในกรณีของ Being John Malkovich: ฉากที่มี Malkovich ที่เอากระป๋องเบียร์ใส่หัวจากคนขับที่เมาอยู่นั้น เกิดขึ้นได้เพราะคนขี้เมาที่ขับรถเข้าไปในสถานที่ระหว่างการถ่ายทำ โดยไม่ได้รับอนุญาตและตัดสินใจที่จะ "ล้อเล่น" ผู้กำกับชอบเรื่องตลกมาก Malkovich ตัดสินโดยปฏิกิริยาที่ไม่เหมาะสมของเขาไม่มาก แต่ฉากกลายเป็นการตกแต่งที่แท้จริงของภาพยนตร์

ภาพจากกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "Alien 4: Resurrection"

ที่เลวร้ายที่สุดสำหรับนักแสดงที่เล่นเป็นทหาร: ไม่มีใครเคยเข้าร่วมพิธีกับพวกเขาและเพื่อนที่ยากจนก็ถูกซ้อมราวกับว่าพรุ่งนี้พวกเขาต้องไปทำสงครามจริงๆ การทำแจ็คเก็ต All-Metal เกี่ยวกับสงครามเวียดนาม Stanley Kubrick ต้องการให้ทุกอย่างเป็นเหมือนชีวิต ดังนั้นเขาจึงบังคับให้นักแสดงอาศัยอยู่ในฐานการฝึกจริงภายใต้การดูแลของอาจารย์ฝึกสอนนาวิกโยธินสหรัฐที่เข้มงวดวิ่งข้ามประเทศใน ตอนเช้าและย่างใต้ตะเกียงของการฟอกหนังเทียม และผมของพวกเขาถูกตัดโดยช่างทำผมทหารตัวจริง ใน Predator ทหารรับจ้างที่กล้าหาญถูกโยนเข้าไปในป่าเม็กซิโก ต้องการเปลี่ยนนักแสดงให้เป็นหน่วยคอมมานโดหั่นฝอย ผู้กำกับจอห์น แมคเทียร์แนนได้เชิญครูฝึกทหารจากอเมริกาเข้ามา ซึ่งทำให้พวกเขาตกนรกบนดินในเวลาอันสั้น สองสัปดาห์แรก เช้าแบบมาตรฐานสำหรับทีมงานภาพยนตร์เริ่มต้นดังนี้: ตื่นนอนตอนตีห้า รับประทานอาหารเช้าเบาๆ ศึกษาวิชาทหาร เดินขบวนหนึ่งชั่วโมงครึ่งผ่านเนินเขาของ Puerto Vallarta ชั่งน้ำหนักในโรงยิม วินัยทหารอีกครั้งและหลังจากทั้งหมดนี้ - การฝึกซ้อม ในกองถ่ายของดาราทุกคน นอกจากนี้ ฉันมีอาการท้องร่วงเนื่องจากดื่มน้ำสกปรก ดังนั้นจึงไม่มีใครแสดงสีหน้าเคร่งเครียด ทำได้เพียงแต่ยิ้มและกัดฟันเท่านั้นที่จะจบเทคจนจบได้

สตีเวน สปีลเบิร์ก ผู้ชื่นชอบ "วิธีการ" ที่รู้จักกันดีตัดสินใจที่จะติดตามเพื่อนร่วมงานของเขาและตั้งเป้าหมายในการสร้างภาพยนตร์ที่สมจริงที่สุดเกี่ยวกับสงครามตลอดกาล นักแสดงถูกส่งไปยังค่ายฝึกซึ่งพวกเขาถูกตะโกนไม่หยุดกินเฉพาะอาหารกระป๋องถูกทรมานด้วยการออกกำลังกายและทุกคนต้องนอนในโคลนท่ามกลางสายฝนที่ตกกระหน่ำ นักแสดงมาถึงกองถ่ายค่อนข้างเฉื่อยชา สมกับเป็นทหารที่เหน็ดเหนื่อยจากสงคราม ... และหลังจากนั้นสปีลเบิร์กก็แนะนำให้พวกเขารู้จักกับแมตต์ เดมอน ซึ่งทุกคนควรจะเกลียดตามบท เพื่อนร่วมงานไม่ชอบ "ซาลากา" ที่สะอาดซึ่ง "ไม่ได้กลิ่นดินปืน" ทันที - เห็นได้ชัดเจนในภาพยนตร์เรื่องนี้ "วิธีการ" ที่กำหนดให้กับนักแสดงได้ผลร้อยเปอร์เซ็นต์

ภาพจากกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "Saving Private Ryan"

ในอเมริกาทุกวันนี้มีโรงเรียนสอนการแสดงสองแห่งที่แข่งขันกันซึ่งสอนระบบ Stanislavsky สตูดิโอการแสดงแห่งแรกที่เรียกว่า Lee Strasberg Theatre and Film Institute ก่อตั้งโดยนักแสดงและผู้กำกับ Lee Strasberg ผู้พัฒนาแนวคิดของ Stanislavsky (โดยเฉพาะศิษย์เก่าของโรงเรียนนี้คือ Al Pacino, Robert De Niro, Dustin Hoffman, Steve Buscemi, Angelina Jolie และ Marilyn Monroe) สตูดิโอแห่งที่สองก่อตั้งโดย Stala Adler ครูสอนละครชื่อดังและเป็นนักแสดงชาวอเมริกันเพียงคนเดียวที่ Stanislavsky สอนวิธีการของเขาเป็นการส่วนตัว (ในหมู่นักเรียนของเธอ - Marlon Brando, Benicio Del Toro และ Steven Spielberg) ข้อพิพาทเกี่ยวกับโรงเรียนที่สอน "ระบบ Stanislavsky ที่แท้จริง" ยังคงดำเนินต่อไปแม้ว่าหลังจากการตายของครูทั้งสองความหลงใหลก็ลดลงบ้าง: นักแสดงเห็นด้วยมากขึ้นว่าพวกเขาสอนหลักการเดียวกันในทั้งสองแห่ง แต่ความแตกต่างเพียงอย่างเดียวคือในรูปแบบการยอมจำนน ของวัสดุ

ผู้เชี่ยวชาญกล่าวว่าในกรณีที่รุนแรงโดยเฉพาะอย่างยิ่งวิธีการของ Stanislavsky อาจเป็นอันตรายต่อจิตใจ: บทบาทที่ "เหมาะสม" ทิ้งรอยประทับไว้ในบุคลิกภาพของนักแสดงที่ต้องการใช้ชีวิตกับตัวละครของเขาจริงๆ ไม่ใช่แค่แสดงตัวเลขต่อหน้ากล้อง . นักแสดงเองเข้าใจสิ่งนี้ นักแสดงฌอน บีน ที่เล่นเป็นสายลับใน Legends ขอแนะนำให้คุณระวัง “ระบบ”: “แน่นอน มันไม่ได้ถูกมองข้าม: เมื่อตัวละครของฉันพยายามที่จะออกจากตัวละคร จิตใจของเขาก็ถูกฉีกออกเป็นชิ้นๆ ความขัดแย้ง สิ่งนี้ยังเกิดขึ้นกับนักแสดงที่ทำงานตามระบบของ Stanislavsky ด้วย: อาจเป็นเรื่องยากสำหรับพวกเขาที่จะกลับมาเป็นตัวเองอีกครั้ง และบางครั้งอาจใช้เวลานาน พูดเป็นเดือนๆ สิ่งที่อันตรายอย่างที่คุณรู้ บอกตรงๆ ว่าการเลิกรากับบทบาทนั้นไม่ใช่เรื่องง่าย บางครั้งคุณกลับบ้านแล้วสมองของคุณก็ยังเดือด ... ฉันไม่บ่น แต่เมื่อคุณแกล้งเป็นคนอื่นเป็นเวลานานมันจะไม่ถูกมองข้าม”

ภาพจากชุดละคร "Legends"

ในบ้านเกิดของ Stanislavsky ไม่มีความเข้าใจทั่วไปเกี่ยวกับ "ระบบ" ของเขาซึ่งกลายเป็นความเชื่อสำหรับหลาย ๆ คนและไม่ว่าโรงละครสมัยใหม่ต้องการมันจริง ๆ หรือไม่ วันนี้ไม่มี ในเวลาเดียวกัน ปรมาจารย์บนเวทีสังเกตว่าชุดของกฎเกณฑ์ที่เสนอโดย Stanislavsky นั้นเป็นประโยชน์ต่อกระแสหลักของฮอลลีวูด: นักแสดงเรียนรู้ที่จะใช้ตัวละครอย่างจริงจัง เล่นบทบาทที่น่าจดจำ และได้รับรางวัลออสการ์ที่สมควรได้รับสำหรับพวกเขา น่าแปลกที่ไม่ใช่ศิลปินทุกคนที่ถือว่าเป็นแฟนตัวยงของ "วิธีการ" (เช่น Daniel Day-Lewis) ที่ยืนยันความผูกพันกับมัน - พวกเขามักจะสังเกตเห็นว่างานของ Stanislavsky ไม่เคยได้รับการศึกษาเป็นพิเศษและระบบสากลในหลักการไม่ได้ มีอยู่. แต่นี่อาจเป็นเพียงการบ่งชี้ว่าพวกเขาได้มาถึงทุกสิ่งที่ผู้ทรงคุณวุฒิของโรงละครรัสเซียบันทึกไว้ในหนังสือของพวกเขาและสิ่งนี้ไม่ได้ทำให้การสังเกตอย่างมืออาชีพของ Stanislavsky มีค่าน้อยลง

ใครจะเดาได้เพียงว่า Konstantin Sergeevich จะปฏิบัติต่อภาพยนตร์เรื่อง "Monster", "Taxi Driver" หรือ "Man on the Moon" ได้อย่างไร เขาจะให้คะแนนพวกเขาด้วยคำตัดสินว่า "ฉันเชื่อ!" หรือจะวิพากษ์วิจารณ์ แต่อาจารย์เองตั้งข้อสังเกตว่าเทคนิคการค้นหาภายในที่เสนอโดยเขานั้นมีจุดประสงค์เพื่อสร้างความมั่นใจในตนเองเป็นหลัก -“ เพื่อให้ผู้ชมเชื่อว่าเราจริง ๆ แล้วไม่ได้มาที่เวทีว่าเรามีสิทธิ์พูด” . และสิทธิ์สูงสุดในการตัดสินเป็นของเขา ผู้ดู ตราบใดที่ผู้ชมเชื่อผลงานของ Robert De Niro, Meryl Streep, Christian Bale หรือ Gary Oldman ก็ไม่มีเหตุผลที่จะเชื่อได้ว่าพวกเขากำลังเตรียมตัวสำหรับบทบาทของพวกเขาอย่างไร้ประโยชน์ และไม่ว่าหนังสือเก้าเล่มของ Stanislavsky จะวางอยู่บนโต๊ะข้างเตียงหรือไม่ก็ไม่สำคัญ

หลักการที่สำคัญที่สุดของระบบคือความจริงของชีวิต เป็นพื้นฐานของงานศิลปะที่สมจริง การค้นหาความจริงแทรกซึมทุกงานของผู้กำกับ ผู้ติดตามระบบต่อสู้กับทุกสิ่งที่ใกล้เคียง เท็จ โดยเจตนา และพยายามเพื่อความเป็นธรรมชาติและความเป็นอินทรีย์ อย่างไรก็ตาม เป็นไปไม่ได้ที่จะบรรลุถึงความสมจริงอย่างแท้จริงบนเวที ดังนั้นจึงจำเป็นต้องคัดเลือกสิ่งที่จำเป็นสำหรับงานศิลปะและสิ่งที่ไม่เหมาะกับมันอย่างระมัดระวัง

นี่คือที่ที่หลักคำสอนของสแตนนิสลาฟสกีเรื่องซูเปอร์ทาสก์ปรากฏขึ้น มันคืออะไร? นี่เป็นแนวคิดหลักของงานศิลปะที่ผู้เขียนต้องการถ่ายทอดให้ผู้ชมได้ทราบ นี่คือความคิดอันเป็นที่รักของนักเขียนที่เขาต้องการบอกผู้คน ผู้กำกับเรียกร้องจากนักแสดงอย่างแม่นยำถึงธรรมชาติเชิงอุดมคติของความคิดสร้างสรรค์ซึ่งมีอิทธิพลต่อการเปลี่ยนแปลงทางสังคมของศิลปะ ดังนั้น ระบบจึงไม่สามารถลดลงไปสู่การค้นหาความสมจริงอย่างคลั่งไคล้ เนื่องจากงานขั้นสูงสุดควบคุมหลักการนี้ และอนุญาตเฉพาะวิธีการและเทคนิคในการแสดงออกที่จำเป็นเท่านั้น

นักแสดงควรเล่นบทบาทของเขาอย่างไรเพื่อให้แสดงออกมาและเป็นอินทรีย์ในเวลาเดียวกัน? หลักการที่สามเพียงแค่ตอบคำถามนี้ ตามที่ Stanislavsky เรียกว่า "หลักการของกิจกรรมและการกระทำซึ่งบอกว่าคุณไม่สามารถเล่นภาพและความหลงใหลได้ แต่คุณต้องแสดงตามภาพและความหลงใหลในบทบาท" ในส่วนที่ใช้งานได้จริงของระบบเริ่มต้นขึ้นและเป็นเรื่องเกี่ยวกับวิธีการทำงานกับบทบาทโดยเฉพาะ เป้าหมายหลักคือการปลุกปฏิกิริยาตามธรรมชาติในตัวนักแสดง ธรรมชาติของมนุษย์เพื่อสร้างสรรค์ความคิดสร้างสรรค์ที่สมจริงภายในกรอบของ ภารกิจสุดยอดของนักแสดง

หลักการข้อที่สี่ของระบบของ Stanislavsky คือการปฏิเสธทุกสิ่งที่เป็นกลไกและประดิษฐ์ในกระบวนการสร้างสรรค์ เนื่องจากทุกอย่างต้องเป็นไปตามข้อกำหนดของความเป็นธรรมชาติ ผลลัพธ์ของกระบวนการสร้างสรรค์ควรเป็นการสร้างภาพผ่านการเปลี่ยนแปลงแบบออร์แกนิกของนักแสดงในภาพนี้ หลักการของการกลับชาติมาเกิดมีความสำคัญมากสำหรับระบบ เพราะศิลปะไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากไม่มีภาพทางศิลปะ ความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงเป็นเรื่องรองที่สัมพันธ์กับศิลปะของนักเขียนบทละคร เนื่องจากนักแสดงในงานของพวกเขาอาศัยข้อความของงานซึ่งได้ให้ภาพไว้แล้ว ผู้ชมรับรู้เฉพาะนักแสดงและกำหนดความประทับใจในการเล่นให้กับเขา นักแสดงไม่ควรรักตัวเองในรูป KS Stanislavsky กล่าว แต่ภาพลักษณ์ในตัวเอง ผู้กำกับไม่ยอมให้แสดงตัวเอง สิ่งสำคัญที่สุดสำหรับเขาคือความสามารถของนักแสดงในการเปิดเผยภาพลักษณ์ของเขาบนเวที

หลักการต่อไปคือนักแสดงทุกคนต้องมีศิลปะแห่งการเปลี่ยนแปลงและอุปนิสัย นักแสดงต้องสร้างภาพต่อหน้าผู้ชมและไม่แสดงตัว ด้วยเหตุนี้ศิลปินจึงโอนตัวเองไปสู่สถานการณ์ที่เสนอและในบทบาทนี้มาจากตัวเขาเองเท่านั้น การที่จะแตกต่างออกไปในขณะที่ยังคงเป็นตัวของตัวเองนั้นเป็นวิทยานิพนธ์ที่แสดงออกถึงการสอนของ Stanislavsky เกี่ยวกับการกลับชาติมาเกิดของนักแสดงอย่างเต็มที่ที่สุด เป็นไปไม่ได้ที่จะปฏิบัติตามคำแนะนำนี้เพียงครึ่งเดียวเพราะเมื่อนักแสดงแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงความไม่จริงใจและความยุ่งยากก็ปรากฎ ในทางกลับกัน ศิลปะของนักแสดงที่เล่นเป็นตัวเองนั้นถูกลดทอนเป็นการนำเสนอตัวเอง ซึ่งผู้กำกับได้ต่อสู้อย่างหนักหน่วง อย่างไรก็ตาม มีความเป็นไปได้ค่อนข้างมากที่จะรวมการกระทำที่ดูเหมือนเข้ากันไม่ได้สองอย่างเข้าด้วยกัน คิดถึงตัวเองเมื่อสิบปีก่อน "คุณ" นี้มีบางอย่างแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงเป็นคุณและบางสิ่งในตัวคุณยังคงเหมือนเดิม ในระหว่างการเตรียมบท นักแสดงจะเคยชินกับการใช้สิทธิในการพูดถึงพระเอกของละครในมุมมองบุคคลที่หนึ่ง แต่บนเวที เราไม่อาจขาดความเชื่อมโยงระหว่างธรรมชาติของนักแสดงและภาพลักษณ์ที่ถูกสร้างขึ้นได้ เนื่องจาก วัสดุในการสร้างภาพคือบุคลิกของนักแสดง ลองนึกภาพว่าต้นไม้เป็นภาพบนเวที และดินที่อยู่ข้างใต้เป็นตัวตนของมนุษย์ พืชที่ไม่มีดินจะตาย คุณสามารถทำดอกกุหลาบจากกระดาษได้ แต่จะดูไร้ชีวิตชีวาและไม่สวยเหมือนรูปภาพที่สร้างขึ้นด้วยกลไก ตามที่ Stanislavsky นักแสดงต้องหล่อหลอมภาพลักษณ์จากความรู้สึก ความคิด การกระทำของเขา ในกรณีนี้ กระบวนการของการกลับชาติมาเกิดเป็นไปตามธรรมชาติและปราศจากกลอุบาย ในกรณีนี้ นักแสดงบนเวทีสามารถพูดเกี่ยวกับตัวเองได้ นั่นคือฉันเอง

ดังนั้นเราจึงได้หลักการพื้นฐานห้าประการของระบบ Stanislavsky:

1. หลักความจริงในชีวิต

2. หลักการของศิลปะเชิงอุดมคติ หลักคำสอนของงานขั้นสูง

3. หลักการของการกระทำเป็นเครื่องมือของประสบการณ์บนเวทีและเนื้อหาหลักในศิลปะการแสดง

4. หลักการสร้างสรรค์ของนักแสดง

5. หลักการเปลี่ยนแปลงอย่างสร้างสรรค์ของนักแสดงให้เป็นภาพ

ระบบของ Stanislavsky เป็นสากลเพราะเขาค้นพบกฎแห่งการแสดงและไม่ได้ประดิษฐ์ขึ้น นักแสดงที่ดีทุกคนสามารถพูดได้ว่าการแสดงของเขามักจะปฏิบัติตามกฎหมายอินทรีย์ที่ผู้กำกับเขียนไว้อย่างแม่นยำ ข้อดีของ Stanislavsky คือต้องขอบคุณเขา "ชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์" สามารถสร้างขึ้นได้ไม่เพียง แต่โดยธรรมชาติด้วยพรจากพรสวรรค์ของศิลปินเท่านั้น แต่ยังจงใจติดตามระบบด้วย

บทความนี้สรุประบบ Stanislavsky ทั้งหมดในภาษาที่เข้าใจง่าย

ระบบของ Stanislavsky เป็นทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับศิลปะการแสดง ซึ่งเป็นวิธีการแสดงเทคนิค มันถูกสร้างขึ้นตามกฎแห่งชีวิตซึ่งมีความสามัคคีที่ไม่ละลายน้ำของร่างกายและจิตใจซึ่งปรากฏการณ์ทางจิตวิญญาณที่ซับซ้อนที่สุดแสดงออกผ่านการกระทำทางกายภาพที่เฉพาะเจาะจงตามลำดับ ความรู้ทำให้เกิดความมั่นใจ ความมั่นใจทำให้เกิดเสรีภาพ และในที่สุดก็พบการแสดงออกในพฤติกรรมทางร่างกายของบุคคล เสรีภาพภายนอกเป็นผลมาจากเสรีภาพภายใน

ระบบประกอบด้วยสองส่วน:

ส่วนแรกทุ่มเทให้กับปัญหาของนักแสดงที่ทำงานด้วยตัวเอง นี่คือการออกกำลังกายทุกวัน การกระทำอย่างมีจุดมุ่งหมายและเป็นธรรมชาติของนักแสดงในสถานการณ์ที่ผู้เขียนแนะนำคือพื้นฐานของการแสดง มันเป็นกระบวนการทางจิตฟิสิกส์ที่จิตใจ, เจตจำนง, ความรู้สึกของนักแสดง, ข้อมูลศิลปะภายนอกและภายในของเขาซึ่ง Stanislavsky เรียกว่าองค์ประกอบของความคิดสร้างสรรค์เข้าร่วม ได้แก่ จินตนาการ ความสนใจ ความสามารถในการสื่อสาร ความจริง ความจำทางอารมณ์ จังหวะ เทคนิคการพูด พลาสติก เป็นต้น
ส่วนที่สองระบบของ Stanislavsky ทุ่มเทให้กับงานของนักแสดงในบทบาทนี้ซึ่งส่งผลให้มีการรวมตัวของนักแสดงเข้ากับบทบาทการกลับชาติมาเกิดในภาพลักษณ์

หลักการของระบบ Stanislavsky มีดังนี้:

- หลักความจริงในชีวิต- หลักการแรกของระบบซึ่งเป็นหลักการพื้นฐานของงานศิลปะที่สมจริง นี่คือกระดูกสันหลังของระบบทั้งหมด แต่ศิลปะต้องการการคัดเลือกทางศิลปะ เกณฑ์การคัดเลือกคืออะไร? ดังนั้น หลักการที่สองจึงตามมา
- หลักการของงานสุดยอด- สิ่งที่ศิลปินต้องการแนะนำความคิดของเขาในจิตสำนึกของผู้คนซึ่งเขาปรารถนาในที่สุด ความฝัน เป้าหมาย ความปรารถนา ความคิดสร้างสรรค์เชิงอุดมการณ์ กิจกรรมทางอุดมการณ์ งานสุดยอดคือเป้าหมายของงาน การใช้ super task อย่างถูกต้อง ศิลปินจะไม่ถูกเข้าใจผิดในการเลือกเทคนิคและวิธีการแสดงออก
- หลักการของกิจกรรมของการกระทำ- ไม่ใช่เพื่อแสดงภาพและความหลงใหล แต่เพื่อแสดงภาพและความหลงใหล Stanislavsky เชื่อว่าใครก็ตามที่ไม่เข้าใจหลักการนี้ ไม่เข้าใจระบบและวิธีการทั้งหมด คำแนะนำเกี่ยวกับระเบียบวิธีและเทคโนโลยีทั้งหมดของ Stanislavsky มีเป้าหมายเดียว - เพื่อปลุกธรรมชาติมนุษย์ตามธรรมชาติของนักแสดงให้มีความคิดสร้างสรรค์แบบออร์แกนิกตามภารกิจสุดยอด
- หลักการอินทรีย์ (ความเป็นธรรมชาติ)สืบเนื่องมาจากหลักการที่แล้ว ความคิดสร้างสรรค์จะไม่มีการประดิษฐ์และเชิงกล ทุกอย่างต้องเป็นไปตามข้อกำหนดของความเป็นอินทรีย์
- หลักการกลับชาติมาเกิด- ขั้นตอนสุดท้ายของกระบวนการสร้างสรรค์คือการสร้างภาพบนเวทีผ่านการกลับชาติมาเกิดของครีเอทีฟโฆษณาแบบออร์แกนิก

ระบบมีเทคนิคการสร้างเวทีจำนวนหนึ่ง หนึ่งในนั้นคือนักแสดงสวมบทบาทในสถานการณ์ที่เสนอและทำงานในบทบาทของเขาเอง นอกจากนี้ยังมีหลักการของ "วิธีการพิมพ์" แพร่หลายในโรงละครสมัยใหม่ หลักการนี้มาจากการถ่ายภาพยนตร์และนำมาใช้ทั้งในภาพยนตร์และการโฆษณาในปัจจุบัน ประกอบด้วยความจริงที่ว่าบทบาทนี้ไม่ได้ถูกกำหนดให้กับนักแสดงที่สามารถสร้างภาพโดยใช้เนื้อหาของบทบาท แต่สำหรับนักแสดงที่สอดคล้องกับตัวละครในคุณสมบัติภายนอกและภายในของเขา ในกรณีนี้ ผู้กำกับไม่ได้อาศัยทักษะของนักแสดงมากเท่ากับข้อมูลธรรมชาติ

Stanislavsky ประท้วงแนวทางนี้ "ฉันอยู่ในสถานการณ์ที่เสนอ" - สูตรของชีวิตบนเวทีตาม Stanislavsky เพื่อให้แตกต่างออกไปในขณะที่ยังคงอยู่ - สูตรนี้แสดงถึงวิภาษการกลับชาติมาเกิดที่สร้างสรรค์ตาม Stanislavsky หากนักแสดงเปลี่ยนไป นี่คือการแสดง ละคร หากคุณยังคงเป็นตัวเอง นี่คือการสาธิตตนเอง จำเป็นต้องรวมข้อกำหนดทั้งสองเข้าด้วยกัน ทุกอย่างเหมือนในชีวิต: บุคคลที่เติบโตขึ้นพัฒนา แต่ถึงกระนั้นก็ยังคงเป็นตัวของตัวเอง

สถานะสร้างสรรค์ประกอบด้วยองค์ประกอบที่สัมพันธ์กัน:

• ความเข้มข้นที่ใช้งาน (ความสนใจบนเวที);
• ร่างกายที่ปราศจากความเครียด (เสรีภาพบนเวที);
• การประเมินที่ถูกต้องของสถานการณ์ที่เสนอ (ความเชื่อบนเวที);
• ความปรารถนาที่จะดำเนินการที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานนี้ (การกระทำบนเวที)

1. ความสนใจบนเวทีเป็นพื้นฐานของเทคนิคภายในของนักแสดง Stanislavsky เชื่อว่าความสนใจเป็นสื่อกลางของความรู้สึก ขึ้นอยู่กับลักษณะของวัตถุ ความสนใจภายนอก (ภายนอกตัวเขาเอง) และภายใน (ความคิด ความรู้สึก) มีความโดดเด่น งานของนักแสดงคือการจดจ่อกับวัตถุโดยพลการภายในสภาพแวดล้อมของเวที “ ฉันเห็นสิ่งที่ได้รับฉันปฏิบัติต่อสิ่งนั้น” - สูตรของ Stanislavsky สำหรับการแสดงบนเวที ความแตกต่างระหว่างความสนใจบนเวทีกับชีวิตคือจินตนาการ ไม่ใช่การพิจารณาวัตถุ แต่เป็นการเปลี่ยนแปลง
2. อิสระบนเวที เสรีภาพมีสองด้าน: ภายนอก (ทางกายภาพ) และภายใน (จิตใจ) เสรีภาพภายนอก (กล้ามเนื้อ) เป็นสภาวะของสิ่งมีชีวิตที่การเคลื่อนไหวแต่ละครั้งของร่างกายในอวกาศใช้พลังงานของกล้ามเนื้อมากที่สุดเท่าที่ต้องการในการเคลื่อนไหวนี้ ความรู้ทำให้เกิดความมั่นใจ ความมั่นใจทำให้เกิดเสรีภาพ และในที่สุดก็พบการแสดงออกในพฤติกรรมทางกายภาพของบุคคล เสรีภาพภายนอกเป็นผลมาจากเสรีภาพภายใน
3. เวทีศรัทธา. ผู้ชมต้องเชื่อในสิ่งที่นักแสดงเชื่อ ศรัทธาในขั้นเกิดขึ้นจากคำอธิบายที่น่าเชื่อถือและแรงจูงใจของสิ่งที่เกิดขึ้น นั่นคือผ่านการให้เหตุผล (อ้างอิงจาก Stanislavsky) การให้เหตุผลคือการอธิบายเพื่อจูงใจ การให้เหตุผลเกิดขึ้นผ่านจินตนาการ
4. การแสดงบนเวที เครื่องหมายที่ทำให้งานศิลปะแต่ละชิ้นแตกต่างออกไปและเป็นตัวกำหนดความเฉพาะเจาะจงของงานศิลปะแต่ละชิ้นคือวัสดุที่ศิลปินใช้ (ในความหมายที่กว้างที่สุดของคำ) เพื่อสร้างภาพทางศิลปะ ในวรรณคดีมันคือคำ ในการวาดภาพมันคือสีและเส้น ในดนตรีมันคือเสียง ในการแสดง สื่อคือการกระทำ การกระทำคือการกระทำโดยสมัครใจของพฤติกรรมมนุษย์ที่มุ่งไปสู่เป้าหมายเฉพาะ - คำจำกัดความคลาสสิกของการกระทำ การกระทำของนักแสดงเป็นกระบวนการทางจิตฟิสิกส์เดียวในการบรรลุเป้าหมายในการต่อสู้กับสถานการณ์ที่เสนอของวงกลมเล็ก ๆ ซึ่งแสดงออกในเวลาและสถานที่ ในการดำเนินการ บุคคลทั้งหมดปรากฏชัดที่สุด นั่นคือ ความสามัคคีของร่างกายและจิตใจ นักแสดงสร้างภาพผ่านพฤติกรรมและการกระทำของเขา การทำซ้ำสิ่งนี้ (พฤติกรรมและการกระทำ) เป็นสาระสำคัญของเกม

ธรรมชาติของประสบการณ์การแสดงบนเวทีของนักแสดงมีดังนี้ บนเวที คุณไม่สามารถใช้ชีวิตด้วยความรู้สึกแบบเดียวกับในชีวิตได้ ความรู้สึกชีวิตและเวทีต่างกันที่จุดกำเนิด การกระทำบนเวทีไม่ได้เกิดขึ้นในชีวิตอันเป็นผลมาจากสิ่งเร้าที่แท้จริง คุณสามารถทำให้เกิดความรู้สึกในตัวเองได้เพียงเพราะเราคุ้นเคยในชีวิต นี้เรียกว่าความทรงจำทางอารมณ์ ประสบการณ์ชีวิตเป็นเรื่องหลัก และประสบการณ์บนเวทีเป็นเรื่องรอง ประสบการณ์ทางอารมณ์ที่เกิดขึ้นคือการทำซ้ำของความรู้สึก ดังนั้นจึงเป็นเรื่องรอง แต่จากคำกล่าวของ Stanislavsky วิธีการควบคุมความรู้สึกที่แน่นอนที่สุดคือการกระทำ

ความรู้สึกถูกควบคุมได้ไม่ดีทั้งในชีวิตและบนเวที เกิดขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจ บ่อยครั้งที่ความรู้สึกที่ถูกต้องเกิดขึ้นเมื่อคุณลืมมัน มันเป็นอัตนัยในบุคคล แต่เกี่ยวข้องกับการกระทำของสิ่งแวดล้อม นั่นคือ กับวัตถุประสงค์

ดังนั้น การกระทำจึงเป็นตัวกระตุ้นความรู้สึก เพราะทุกการกระทำมีเป้าหมายที่อยู่นอกตัวการกระทำนั้นเอง

ลองมาดูตัวอย่างง่ายๆ สมมติว่าคุณต้องเหลาดินสอ ต้องทำอย่างนี้ เช่น วาดรูป เขียนโน้ต นับเงิน ฯลฯ เนื่องจากการกระทำมีเป้าหมาย จึงมีความคิด เมื่อมีความคิด จึงมีความรู้สึก กล่าวคือ การกระทำคือการรวมกันของความคิด ความรู้สึก และการเคลื่อนไหวทางกายภาพที่ซับซ้อน

วัตถุประสงค์ของการกระทำ: เพื่อเปลี่ยนวัตถุที่ชี้นำ การกระทำทางกายภาพสามารถใช้เป็นเครื่องมือ (การปรับตัว) สำหรับการกระทำทางจิต ดังนั้นการกระทำจึงเป็นขดลวดที่ทุกสิ่งทุกอย่างถูกบาดแผล: การกระทำภายใน, ความคิด, ความรู้สึก, นิยาย

ความสมบูรณ์ของชีวิตจิตวิญญาณมนุษย์ ประสบการณ์ทางจิตวิทยาที่ซับซ้อนที่สุด ความตึงเครียดมหาศาลของความคิดในท้ายที่สุดกลับกลายเป็นว่าเป็นไปได้ที่จะทำซ้ำบนเวทีด้วยคะแนนการกระทำทางกายภาพที่ง่ายที่สุดเพื่อให้เกิดในกระบวนการเบื้องต้น อาการทางกายภาพ

ตั้งแต่แรกเริ่ม Stanislavsky ปฏิเสธอารมณ์ความรู้สึกในฐานะตัวแทนสาเหตุของการดำรงอยู่ของนักแสดงในกระบวนการสร้างภาพ หากนักแสดงพยายามดึงดูดอารมณ์ เขาก็มักจะพบกับความคิดที่เบื่อหู เนื่องจากการอุทธรณ์ไปยังผู้หมดสติในกระบวนการทำงานทำให้เกิดภาพลักษณ์ที่ซ้ำซากจำเจของความรู้สึกใดๆ

Stanislavsky ได้ข้อสรุปว่ามีเพียงปฏิกิริยาทางกายภาพของนักแสดง, ห่วงโซ่ของการกระทำทางกายภาพของเขา, การกระทำทางกายภาพบนเวทีเท่านั้นที่สามารถทำให้เกิดทั้งความคิดและข้อความที่มีความมุ่งมั่นและในที่สุดอารมณ์ความรู้สึกที่จำเป็น ระบบนำนักแสดงจากจิตสำนึกสู่จิตใต้สำนึก มันถูกสร้างขึ้นตามกฎแห่งชีวิตซึ่งมีความสามัคคีที่ไม่ละลายน้ำของร่างกายและจิตใจซึ่งปรากฏการณ์ทางจิตวิญญาณที่ซับซ้อนที่สุดแสดงออกผ่านการกระทำทางกายภาพที่เฉพาะเจาะจงตามลำดับ

ศิลปะคือการสะท้อนและความรู้ของชีวิต หากคุณต้องการให้งานของคุณเข้าถึงอัจฉริยะเช่น Shakespeare, Leonardo da Vinci, Raphael, Tolstoy, Chekhov - ศึกษากฎธรรมชาติของชีวิตและธรรมชาติซึ่งพวกเขาตั้งใจทำให้ชีวิตและการทำงานของพวกเขาด้อยโอกาสโดยไม่ได้ตั้งใจเรียนรู้ที่จะใช้กฎหมายเหล่านี้ใน การปฏิบัติของคุณเอง โดยพื้นฐานแล้วนี่คือสิ่งที่ระบบของ Stanislavsky สร้างขึ้น