Musiqi adlarının növləri. Musiqi əsərləri və musiqi janrları

Musiqi nəzəriyyəsi ilə bağlı məqalələr silsiləsinə davam edərək, musiqidə janrların necə formalaşdığını və inkişaf etdiyini söyləmək istərdik. Bu məqalədən sonra bir daha musiqi janrını musiqi tərzi ilə qarışdırmayacaqsınız.

Beləliklə, əvvəlcə "janr" və "üslub" anlayışlarının necə fərqləndiyini nəzərdən keçirək. janr Tarixən inkişaf etmiş bir iş növüdür. Musiqinin formasını, məzmununu və məqsədini ifadə edir. Musiqili janrlar formalaşmağa musiqinin inkişafında, ibtidai icmalar sistemində erkən mərhələdə başlamışdır. Sonra musiqi insan fəaliyyətinin hər addımını müşayiət edirdi: gündəlik həyat, iş, danışma və s. Beləliklə, aşağıda təhlil edəcəyimiz əsas janr prinsipləri formalaşdı.

Stil həm də materialların (harmoniya, melodiya, ritm, polifoniya) bir musiqi əsərində necə istifadə edildiyini nəzərdə tutur. Tipik olaraq, üslub müəyyən bir dövrün təsirlərinə əsaslanır və ya bəstəkarlara görə təsnif edilir. Başqa sözlə desək, üslub musiqinin imicini və ideyasını müəyyən edən musiqi ifadə vasitələri toplusudur. Bəstəkarın şəxsiyyətindən, dünyagörüşündən və zövqündən, musiqiyə yanaşmasından asılı ola bilər. Həm də üslub caz, pop, rok, xalq üslubları və sair kimi musiqinin meyllərini müəyyənləşdirir.

İndi musiqi janrlarına qayıdaq. Dediyimiz kimi, ibtidai icmalarda yaranan beş əsas janr prinsipi var:

• Motor gücü
• Bəyannamə
• Tərənnüm
• Siqnal
• Səs görüntüləmə

Musiqinin inkişafı ilə ortaya çıxan bütün sonrakı janrların əsasını təşkil etdilər.

Əsas janr prinsiplərinin formalaşmasından çox qısa müddət sonra janr və üslub vahid bir sistemə qarışmağa başladı. Bu janr üslublu sistemlər, musiqinin yaradıldığı vəziyyətdən asılı olaraq formalaşmışdır. Müəyyən qədim kultlarda, qədim ayinlərdə və gündəlik həyatda istifadə olunan janr üslublu sistemlər belə ortaya çıxdı. Bu janr qədim musiqinin müəyyən bir obrazını, üslubunu və kompozisiya xüsusiyyətlərini formalaşdıran daha tətbiq xarakterli idi.

Misir piramidalarının divarlarında və sağ qalan qədim papiruslarda ən çox qədim Misir tanrılarından bəhs edən ritual və dini ilahilər xətləri tapıldı.

Qədim musiqinin ən yüksək inkişaf nöqtəsini məhz Qədim Yunanıstanda aldığı güman edilir. Qədim Yunan musiqisində quruluşunun əsaslandığı müəyyən nümunələr kəşf edildi.

Cəmiyyət inkişaf etdikcə musiqi də inkişaf etdi. Orta əsr mədəniyyətində yeni vokal və vokal instrumental janrlar artıq formalaşmışdır. Bu dövrdə Avropada doğulan janrlar:

• Organum, Avropada polifonik musiqinin ən erkən formasıdır. Bu janr kilsələrdə istifadə edildi və Parisdəki Notre Dame məktəbində inkişaf etdi.
• Opera musiqili və dramatik bir əsərdir.
• Xorale - liturgik Katolik və ya Protestant mahnı oxumaq.
• Motet həm kilsədə, həm də ictimai tədbirlərdə istifadə olunan vokal janrdır. Onun tərzi mətndən asılı idi.
• Condukt, sözləri ən çox mənəvi və əxlaqlı olan orta əsrlər mahnısıdır. İndiyə qədər, müəyyən bir ritmləri olmadığı üçün orta əsrlərin davranış qaydalarını dəqiq deşifrə edə bilmirlər.
• Kütlə, Katolik kilsələrində bir ayin xidmətidir. Requiem də bu janra daxildir.
• Madrigal, lirik sevgi mövzularında kiçik bir əsərdir. Bu janr İtaliyada yaranmışdır
• Chanson - bu janr Fransada yaranmışdır və əvvəlcə kəndli xor mahnıları ona aid idi.
• Pavana - İtaliyada şənliyi açan axan rəqs
• Galliarda, əslən İtaliyadan olan əyləncəli və ritmik bir rəqsdir
• Allemande - Almaniyada yaranan bir kortej rəqsi

V XVII-XVIIIəsrlər boyu Şimali Amerikada kənd musiqisi - ölkə musiqisi - olduqca fəal inkişaf etmişdir. Bu janr İrlandiya və İskoç xalq musiqisindən çox təsirlənir. Bu cür mahnıların sözləri çox vaxt sevgidən, kənd həyatından və kovboy həyatından bəhs edirdi.

19 -cu əsrin sonu və 20 -ci əsrin əvvəllərində folklor Latın Amerikası və Afrikada olduqca fəal şəkildə inkişaf etdi. Afrika -Amerika cəmiyyətində, əvvəlcə sahədəki işləri müşayiət edən "iş mahnısı" olan blues ortaya çıxır. Blues də ballada və dini mahnılara əsaslanır. Blues, Afrika və Avropa mədəniyyətlərinin qarışığının nəticəsi olan yeni bir janrın - cazın əsasını təşkil etdi. Caz olduqca geniş yayılmış və hamı tərəfindən tanınmışdır.

Caz və blyuza əsaslanan mahnı və rəqs janrı olan ritm və blues (R'n'B) 40 -cı illərin sonlarında ortaya çıxdı. Gənclər arasında olduqca populyar idi. Sonradan funk və soul bu janr çərçivəsində ortaya çıxdı.

Bu afroamerikalı janrlarla yanaşı, pop musiqi janrının da 1920 -ci illərdə ortaya çıxması maraqlıdır. Bu janrın kökləri xalq musiqisinə, küçə romanslarına və baladlara gedib çıxır. Pop musiqi hər zaman başqa janrlarla qarışaraq olduqca maraqlı musiqi üslubları meydana gətirdi. 70 -ci illərdə diskoteka üslubu, pop musiqinin bir hissəsi olaraq ortaya çıxdı və o dövrdə ən populyar rəqs musiqisi oldu və rok -n -roll kölgə saldı.

50 -ci illərdə rok mənşəyi blues, xalq və ölkədən olan artıq mövcud olan janrların sırasına daxil olur. Tezliklə vəhşicəsinə populyarlaşdı və digər janrlarla qarışaraq bir çox fərqli üsluba çevrildi.

On il sonra, 70 -ci illərdə geniş yayılmış Yamaykada reggae janrı meydana gəldi. Reggae, Yamayka xalq musiqisi janrı olan mentoya əsaslanır.

1970 -ci illərdə, Yamaykalı DJ -lərin Bronksa "ixrac etdiyi" rap ortaya çıxdı. Repin qurucusu DJ Kool Hercdir. Əvvəlcə rap, duyğularını atmaq üçün zövq üçün oxunurdu. Bu janrın əsası, recitativ ritmini təyin edən ritmdir.

20 -ci əsrin ikinci yarısında elektron musiqi özünü bir janr olaraq göstərdi. İlk elektron alətlərin ortaya çıxdığı XX əsrin əvvəllərində tanınmadığı qəribədir. Bu janr elektron musiqi alətləri, texnologiya və kompüter proqramlarından istifadə edərək musiqinin yaradılmasını əhatə edir.

20 -ci əsrdə ortaya çıxan janrların bir çox üslubu var. Misal üçün:

Caz:

• New Orleans Caz
• Dixieland
• Yelləncək
• Qərb yelləncəyi
• Bop
• Sərt bop
• Boogie Woogie
• Sərin və ya sərin caz
• Modal və ya modal caz
• Avangard caz
• Ruh cazı
• Pulsuz caz
• Bossa nova və ya Latın Amerikası cazı
• Simfonik caz
• Proqressiv
• Füzyon və ya caz rok
• Elektrik caz
• Turşu caz
• Krossover
• Hamar caz

• Kabare
• Kiçik şou
• Musiqi zalı
• Musiqili
• Ragtime
• Salon
• Klassik krossover
• Psixiatrik pop
• Italo diskotekası
• Eurodisco
• Yüksək enerji
• Nu-diskoteka
• Kosmik diskoteka
• Bəli
• K-pop
• Avropa
• Ərəb pop musiqisi
• Rus pop musiqisi
• Rigsar
• Laika
• Latino pop musiqi
• J-pop

• Rock'n'roll
• Böyük Bit
• Rockabilly
• Velosipedlə
• Neorocabilly
• Skiffle
• Doo-wop
• Twist
• Alternativ rock (Indie rock / College rock)
• Mat qaya
• Madchester
• Grunge
• Ayaqqabı
• Brit-pop
• Səs -küy
• Səs Pop
• Post-grunge
• Lo-Fi
• Indie pop
• Tv-pop
• Art rock (Progressive rock)
• Caz rok
• Kraut rok
• Qaraj qaya
• Freakbeat
• Glam rock
• Ölkə rok
• Mersibit
• Metal (Hard Rock)
• Avangard metal
• Alternativ metal
• Qara metal
• Melodik Qara Metal
• Simfonik Qara Metal
• Əsl Qara Metal
• Viking metal
• Gotik metal
• Doom metal
• Ölüm metalı
• Melodik ölüm metal
• Metalcore
• Yeni metal
• Güclü metal
• Proqressiv metal
• Sürətli metal
• Stoner rock
• Çınqıl metal
• Xalq metal
• Ağır metal
• Yeni dalğa
• Rus rok
• Pub rock
• Punk rock
• Ska punk
• Pop punk
• Crust punk
• Hardcore
• Krossover
• Riot xalqı
• Pop rok
• Post-punk
• Gotik qaya
• Dalğa yox
• Xətlər
• Psixodel qaya
• Yumşaq qaya
• Xalq rok
• Texno rok

Gördüyünüz kimi, bir çox üslub var. Tam siyahını sadalamaq çox vaxt aparacaq, buna görə də bunu etməyəcəyik. Əsas odur ki, indi müasir populyar janrların necə ortaya çıxdığını bilirsiniz və artıq janr və üslubu qarışdırmayacaqsınız.

Dərhal sizi xəbərdar edirik ki, bir məqalədə musiqinin hansı janrları ilə bağlı suala cavab vermək çox çətindir. Musiqi tarixi boyunca o qədər janr yığılıb ki, onları bir meyarla ölçmək mümkün deyil: xorale, romantika, kantata, vals, simfoniya, balet, opera, prelüde və s.

Onilliklər ərzində musiqişünaslar musiqi janrlarını (məzmunlarının təbiətinə görə, məsələn funksiyalarına görə) təsnif etməyə çalışaraq "nizələri sındırırlar". Ancaq tipologiya üzərində dayanmadan əvvəl, janr anlayışına aydınlıq gətirək.

Musiqi janrı nədir?

Bir janr, müəyyən bir musiqinin aid olduğu bir növ modeldir. Onun müəyyən icra şərtləri, məqsədi, məzmunun forması və təbiəti var. Beləliklə, ninninin məqsədi körpəni sakitləşdirməkdir, buna görə də "yellənən" intonasiyalar və xarakterik bir ritm onun üçün xarakterikdir; c - bütün ifadəli musiqi vasitələri aydın bir addıma uyğunlaşdırılmışdır.

Musiqi janrları hansılardır: təsnifat

Janrların ən sadə təsnifatı ifa tərzinə görədir. Bunlar iki böyük qrupdur:

• instrumental (mart, vals, etüd, sonata, fug, simfoniya)
• vokal janrları (ariya, mahnı, romantika, kantata, opera, musiqili).

Başqa bir janr tipologiyası performansın qurulması ilə əlaqədardır. Musiqinin janrlarının olduğunu iddia edən alim A. Sokora aiddir:

• ritual və dini (məzmurlar, kütlə, rekviyem) - ümumiləşdirilmiş obrazlar, xor prinsipinin üstünlüyü və dinləyicilərin əksəriyyəti arasında eyni əhval -ruhiyyə ilə xarakterizə olunur;
• kütləvi ev (mahnı, yürüş və rəqs növləri: polka, vals, ragtime, ballada, marş) - sadə formada və tanış intonasiyalarda fərqlənir;
• konsert janrları (oratoriya, sonata, kvartet, simfoniya) - konsert salonunda tipik ifa, müəllifin özünü ifadə etməsi kimi lirik ton;
• teatr janrları (musiqi, opera, balet) - hərəkət, süjet və dekorasiya tələb edir.

Bundan əlavə, janrın özü digər janrlara bölünə bilər. Beləliklə, seria opera ("ciddi" opera) və bufa opera (komiks) də janrlardır. Eyni zamanda yeni janrlar meydana gətirən daha bir neçə növ var (lirik opera, epik opera, operetta və s.)

Janr adları

Musiqi janrlarının adları və necə göründükləri haqqında bütöv bir kitab yazıla bilər. Adlar janrın tarixi haqqında məlumat verə bilər: məsələn, rəqs rəqqasların bir xaçda (Belarus "krıj" dan - xaç) yerləşməsinə görə "kryzhachok" adına borcludur. Nocturne ("gecə" - fransız dilindən tərcümə olunur) gecə açıq havada ifa olunurdu. Bəzi adlar alətlərin adlarından (fanfare, musette), digərləri mahnılardan (Marseillaise, Kamarinskaya) qaynaqlanır.

Musiqi başqa bir mühitə köçürüldükdə tez -tez bir janrın adını alır: məsələn, xalq rəqsi - baletə. Amma bu, əksinə olur: bəstəkar "Mövsümlər" mövzusunu götürüb əsər yazır və sonra bu mövzu müəyyən bir forma (4 hissə 4 hissə) və məzmun xarakterinə malik bir janra çevrilir.

Nəticə əvəzinə

Musiqinin hansı janrlarından bəhs edərkən ümumi bir səhvi qeyd etmək olmaz. Klassik, rok, caz, hip-hop kimi janrlar adlandırıldıqda bu anlayışların qarışığıdır. Burada xatırlamaq vacibdir ki, janr əsərlərin yaradıldığı sxemdir və üslub daha çox yaradılışın musiqi dilinin xüsusiyyətlərini göstərir.

Musiqi qədim zamanlarda insan hisslərinin bədii şəkildə ifadə edilməsinin yollarından biri kimi doğulmuşdur. Onun inkişafı həmişə insan cəmiyyətinin ehtiyacları ilə sıx bağlı olmuşdur. Əvvəlcə musiqi kasıb və ifadəli deyildi, ancaq uzun əsrlər boyu bir insana təsir etmək üçün müstəsna gücə malik olan ən mürəkkəb, ifadəli sənətlərdən birinə çevrildi.

Klassik musiqi, hər birinin özünəməxsus xüsusiyyətləri, öz məzmunu, məqsədi olan müxtəlif növ əsərlərlə zəngindir. Mahnı, rəqs, uvertüra, simfoniya və digər musiqi əsərlərinə janr və.

Musiqi janrları ifa tərzinə görə fərqlənən iki böyük qrup təşkil edir: vokal və. instrumental.

Vokal musiqisi poetik mətnlə, sözlə sıx bağlıdır. Onun janrları - mahnı, romantizm, xor, opera ariyası - bütün dinləyicilər üçün ən əlçatan və populyar əsərlərdir. Alətlərin müşayiəti ilə müğənnilər tərəfindən ifa olunur və mahnılar və xorlar çox vaxt müşayiət olunmadan ifa olunur.

Xalq mahnısı mənşəyinə görə musiqi sənətinin ən qədim formasıdır. Peşəkar musiqi inkişaf etməyə başlamazdan xeyli əvvəl, xalq mahnılarında formalaşan canlı musiqi və poetik obrazlar, insanların həyatını doğru və bədii şəkildə inandırıcı şəkildə əks etdirir. Bu həm də melodiyaların öz xarakterində, melodik quruluşun canlı orijinallığında özünü göstərir. Məhz buna görə də böyük bəstəkarlar xalq mahnılarını milli musiqi sənətinin inkişaf mənbəyi kimi qiymətləndirmişlər. Rus opera və simfonik musiqisinin qurucusu M.İ.Ginka "biz yaratmırıq, xalq yaratmır" deyərək, "ancaq tənzimləyirik" (prosesi).

Hər hansı bir mahnının əsas xüsusiyyəti melodiyanın müxtəlif sözlərlə təkrarlanmasıdır. Eyni zamanda mahnının əsas melodiyası eyni formada qorunub saxlanılır, lakin hər dəfə bir qədər dəyişilən poetik mətn ona yeni ifadə çalarları verir.

Hətta ən sadə müşayiət - instrumental müşayiət - mahnı melodiyasının emosional ekspressivliyini artırır, səsinə xüsusi bir dolğunluq və parlaqlıq bəxş edir və melodiyada instrumental musiqi vasitəsi ilə çatdırıla bilməyən şəkilləri "tamamlayır". Məsələn, Glinkanın məşhur "Gecə zefirləri" və "Blues yuxuya getdi" romanslarında fortepiano müşayiəti ritmik olaraq yuvarlanan dalğaların hərəkətini əks etdirir və "Lark" mahnısında - quşların cırıldaması. Franz Schubertin "Meşə Çarı" balladasının müşayiəti ilə bir atın hirsli bir uçuşu eşidilə bilər.

XIX əsrin bəstəkarlarının əsərlərində. Mahnı ilə yanaşı, romantika ən çox sevilən vokal janrına çevrildi. Bu, instrumental müşayiətlə səs üçün kiçik bir əsərdir.

Romantika ümumiyyətlə mahnıdan daha mürəkkəbdir. Romantika melodiyaları yalnız geniş bir mahnı yazmaqla deyil, həm də melodik və deklamativdir (Robert Schumann "Mən qəzəblənmirəm"). Romanslarda musiqi obrazlarının ziddiyyətli birləşməsini (M.İ.Glinka və A.S. Darqomıjskinin "Gecə zefiri", AP Borodinin "Uyuyan şahzadə") və gərgin dramatik inkişafın (Puşkinin əsərində Glinkanın "Gözəl bir anı xatırlayıram") tapa bilərsiniz. şeirlər).

Vokal musiqisinin bəzi janrları bir qrup ifaçı üçün nəzərdə tutulmuşdur: duet (iki müğənni), üçlük (üç), kvartet (dörd), kvintet (beş) və s., Həmçinin xor (böyük bir mahnı) qrup). Xor janrları müstəqil ola bilər və ya daha böyük bir musiqi və dram əsərinin bir hissəsi ola bilər: opera, oratoriya, kantata. Böyük Alman bəstəkarları Georg Friedrich Handel və Johann Sebastian Bach-ın xor kompozisiyaları, Christoph Gluck-ın qəhrəmanlıq operalarında, rus bəstəkarları MIGlinka, AN Serov, AP Borodin-in möhtəşəm epik və qəhrəmanlıq-dram operalarında xorlar M P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, S. I. Taneyev. Azadlığı tərənnüm edən Lüdviq van Bethovenin Doqquzuncu Simfoniyasının məşhur xor finalında (Fridrix Şillerin "Sevincə" əsərinin sözünə görə) milyonlarla insanın möhtəşəm festivalının şəkli təkrarlanır ("Sarıl, milyonlar").

Mükəmməl xorlar Sovet bəstəkarları D. D. Şostakoviç, M. V. Koval, A. A. Davidenko tərəfindən yaradılmışdır. Koro Davidenko "Paytaxtdan onuncu verstdə" 9 yanvar 1905 -ci ildə edam qurbanlarına həsr edilmişdir; böyük həvəslə aşılanmış başqa bir xoru - "Küçə həyəcanlıdır" - 1917 -ci ildə avtokratiyanı devirən insanların sevincini təsvir edir.

Oratoriya xor, solo müğənnilər və simfonik orkestr üçün əsas işdir. Bir operaya bənzəyir, ancaq dekorasiyasız, kostyumları və səhnə tamaşaları olmayan konsertlərdə ifa olunur (Sovet bəstəkarı S. Prokofyevin "Dünya Mühafizəsində" oratoriyası).

Kantata məzmunu baxımından daha sadə və oratoriyadan daha kiçikdir. Bəzi yubiley tarixinin və ya ictimai tədbirin şərəfinə yaradılmış lirik, təntənəli, qonaqpərvər, təbrik kantatları var (məsələn, Çaykovskinin "Politexnik sərgisinin açılması üçün kantatalar"). Sovet bəstəkarları da bu janra üz tutur, müasir və tarixi mövzularda kantatlar yaradırlar (Şostakoviçin "Günəş Vətənimizin üzərində parlayır", Prokofyevin "Aleksandr Nevski").

Vokal musiqisinin ən zəngin və ən mürəkkəb janrı operadır. Şeiri və dramatik hərəkəti, vokal və instrumental musiqini, mimikaları, jestləri, rəqsləri, rəsm və işıq effektlərini vahid bir bütövlükdə birləşdirir. Ancaq bütün bunlar operadakı musiqi prinsipinə tabedir.

Əksər operalarda adi danışıq nitqinin rolu oxumaq və ya oxumaqla yerinə yetirilir. Operetta, musiqili komediya və komik opera kimi opera janrlarında mahnı oxumaq adi danışıq nitqi ilə əvəzlənir (İ.O.Dunaevskinin "Ağ Akasiya", Üzeyir Hacıbəyovun "Arşın Mal Alan" ı, Jacques Offenbachın "Hoffmanın nağılları").

Operativ hərəkət əsasən vokal səhnələrində ortaya çıxır: ariyalar, cavatina, mahnı, musiqi ansamblları və xorlar. Simfonik orkestrin qüdrətli səsi ilə müşayiət olunan solo ariyalar, personajların emosional təcrübələrinin ən incə çalarlarını və ya portret xüsusiyyətlərini təkrarlayır (məsələn, Ruslanın Ruslan və Lyudmila operasındakı arionları Glinka, İqor və Konçakın Şahzadə İqor Borodin). Ayrı -ayrı personajların maraqlarının dramatik toqquşması ansambllarda - duetlərdə, tercetlərdə, kvartetlərdə (Borodinin "Şahzadə İqor" operasında Yaroslavna və Galitskinin dueti) ortaya çıxır.

Rus klassik operalarında musiqi ansambllarının gözəl nümunələrinə rast gəlirik: Nataşanın və şahzadənin dramatik dueti (Darqomijskinin Rusalka operasının ilk aktından), "Tommy, Darling" ruhlu üçlüyü (Glinkanın İvan Susanin operasından). Glinka, Mussorgsky, Borodin operalarındakı qüdrətli xorlar kütlələrin obrazlarını sədaqətlə canlandırırlar.

Instrumental epizodlar operalarda çox böyük əhəmiyyət kəsb edir: gedişlər, rəqslər və bəzən bütöv musiqi şəkilləri, adətən aktlar arasında yerləşdirilir. Məsələn, Rimski-Korsakovun "Görünməz Kitej şəhəri və Qız Fevroniya Əfsanəsi" operasında, Köhnə Rus ordusunun Tatar-Monqol orduları ilə döyüşünün simfonik təsviri verilir (Kerjenetsdəki qırğın). Demək olar ki, hər bir opera, ümumi mənada, operanın dramatik hərəkətinin məzmununu açan bir uvertüradan - simfonik bir ön sözdən başlayır.

Instrumental musiqi vokal musiqisi əsasında inkişaf etmişdir. Mahnı və rəqsdən böyüdü. Xalq sənəti ilə əlaqəli instrumental musiqinin ən qədim formalarından biri də dəyişkənlik mövzusudur.

Belə bir əsər əsas musiqi ideyasının - mövzunun inkişafına və dəyişdirilməsinə əsaslanır. Eyni zamanda fərdi melodik növbələr, melodiyalar, müşayiət olunan ritm və xarakter dəyişir (dəyişir). 18 -ci əsrin bir rus musiqiçisinin "Çaya çıxmalıyam" rus mahnısının mövzusunda fortepiano variantlarını xatırlayaq. I. E. Khandoshkina ("18 -ci əsrin Guss Musiqisi" məqaləsinə baxın). Glinkanın "Kamarinskaya" simfonik fantaziyasında əvvəlcə "Dağların arxasından, yüksək dağlardan" möhtəşəm axan toy mahnısı, sonra "Kamarinskaya" nın sürətli rəqs melodiyası dəyişir.

Başqa bir ən qədim musiqi forması, müxtəlif rəqslərin və parçaların bir -birini əvəz etməsidir. 17 -ci əsrə aid köhnə rəqs dəstində. rəqslər, xarakterinə, tempinə və ritminə zidd olaraq, bir-birini əvəz edirdi: orta dərəcədə yavaş (almanca allemand), sürətli (fransız melodiyası), çox yavaş, təntənəli (ispan sarabanda) və sürətli templi (bir çox ölkələrdə tanınan zəka). XVIII əsrdə. sarabanda və gigue arasında şən rəqslər qoyuldu: gavotte, burré, minuet və başqaları. Bəzi bəstəkarlar (məsələn, Bax) tez -tez süiti rəqs forması olmayan bir giriş parçası ilə açırdılar: müqəddimə, uvertüra.

Vahid bir bütövlükdə birləşdirilmiş musiqi əsərlərinin ardıcıl silsiləsinə dövr deyilir. Schubertin "Millerin Sevgisi" və "Qış Yolu" mahnı tsikllərini, Schumann'ın "Şairin Sevgisi" vokal dövrünü Heinrich Heine'in sözlərini xatırlayaq. Bir çox instrumental janr dövrlərdir: variasiya, süit, instrumental serenad, simfoniya, sonata, konsert.

Əvvəlcə sonata (İtalyan "səs" dən) hər hansı bir musiqi parçası mənasını verirdi. Yalnız 17 -ci əsrin sonlarında. İtalyan skripkaçı Corelli-nin əsərlərində ən populyarlarından biri halına gələn 4-6 hərəkətdən ibarət özünəməxsus sonata janrı inkişaf etmişdir. 18 -ci əsrdə iki və ya üç hərəkətdə klassik sonat nümunələri. bəstəkarlar Karl Philipp Emanuel Bach (J.S.Bach oğlu), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I.E. Handoshkin tərəfindən yaradılmışdır. Sonataları musiqi obrazlarında fərqli olan bir neçə hissədən ibarət idi. Adətən iki musiqi mövzusunun ziddiyyətli birləşməsi üzərində qurulan enerjili, sürətlə inkişaf edən ilk hərəkəti ikinci hərəkət - yavaş, melodik lirik parça əvəz etdi. Sonata bir final ilə sona çatdı - sürətli bir tempdə, lakin ilk hərəkətdən fərqli olaraq musiqi. Bəzən yavaş hissəni bir rəqs parçası - minuet əvəz edirdi. Alman bəstəkarı Bethoven, çoxlu sonatalarını dörd hissədə yazdı, yavaş hissə ilə finala cizgi xarakterli bir parça - minuet və ya şerzo (italyan "zarafatından") yerləşdirdi.

Müxtəlif instrumental ansambllarla (trios, kvartetlər) birlikdə solo alətlər üçün parçalar (sonata, varyasyonlar, süit, prelüde, hazırlıq, nocturne) nisbətən kiçik bir qrupun qarşısında ifa üçün nəzərdə tutulmuş kamera musiqisi sahəsini (sözün əsl mənasında "ev") təşkil edir. dinləyicilər dairəsi. Kamera ansamblında bütün alətlərin hissələri eyni dərəcədə vacibdir və bəstəkarın xüsusilə diqqətli bitirməsini tələb edir.

Simfonik musiqi dünya musiqi mədəniyyətinin ən parlaq hadisələrindən biridir. Simfonik orkestr üçün ən yaxşı əsərlər reallığın əks olunmasının dərinliyi və tamlığı, miqyasın əzəməti və eyni zamanda musiqi dilinin sadəliyi və əlçatanlığı ilə seçilir ki, bu da bəzən ifaçılıq və parlaqlıq qazanır. vizual şəkillər. Böyük konsert salonlarının kütləvi demokratik tamaşaçıları üçün bəstəkarlar Haydn, Motsart, Bethoven, Liszt, Glinka, Balakirev, Borodin, Rimsky-Korsakov, Çaykovski və başqalarının möhtəşəm simfonik əsərləri yaradılmışdır.

Simfonik musiqinin əsas janrları uvertüralar (məsələn, Goethe'nin "Egmont" faciəsinə Bethovenin uvertürası), simfonik fantaziyalar (Çaykovskinin "Francesca da Rimini"), simfonik şeirlər (Balakirevin "Tamara"), simfonik süitlər (" Scheherazade "by Rimsky-Korsakov) və simfoniyalar.

Bir sonata kimi bir simfoniya, bir qayda olaraq, dörd fərqli parlaq ziddiyyətli hissələrdən ibarətdir. Bir dram əsərinin fərdi hərəkətləri və ya bir romanın fəsilləri ilə müqayisə edilə bilər. Musiqi obrazlarının tükənməz müxtəlif birləşmələrində və hərəkətlərinin ziddiyyətli alternativliyində - sürətli, yavaş, yüngül rəqs və yenidən sürətlə - bəstəkarlar reallığın fərqli cəhətlərini canlandırırlar.

Simfonik bəstəkarlar öz musiqilərində insanın enerjili, aktiv təbiətini, həyatın çətinlikləri və maneələri ilə mübarizəsini, parlaq duyğularını, xoşbəxtlik xəyalını və kədərli xatirələrini, təbiətin cazibədar gözəlliyini əks etdirir və bununla yanaşı - kütlələr, xalq həyatının səhnələri və xalq şənlikləri.

İnstrumental konsert, simfoniyaya və sonataya bənzəyir. Bu orkestrin müşayiəti ilə solo alət (piano, skripka, klarnet və s.) Üçün çox mürəkkəb bir işdir. Solist və orkestr bir -biri ilə rəqabət aparır: orkestr ya susur, ya da solo alətin hissəsindəki hiss nümunələrinə və səs nümunələrinin lütfünə heyran qalır, sonra onu kəsir, mübahisə edir və ya güclü şəkildə seçir. mövzusunu qaldırın.

Konsertlər 17-18 -ci əsrin bir çox görkəmli bəstəkarı tərəfindən hazırlanmışdır. (Corelli, Vivaldi, Handel, Bach, Haydn). Ancaq klassik konsertin yaradıcısı böyük bəstəkar Motsart idi. Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Çaykovski, Glazunov, Rachmaninov, sovet bəstəkarları A. Xaçaturyan, D. Kabalevski müxtəlif alətlər üçün gözəl konsertlər yazdılar (ən çox piano və ya skripka üçün).

Əsrlər boyu davam edən musiqi tarixi, müxtəlif musiqi formalarının və janrlarının əsrlər boyu necə doğulduğunu və inkişaf etdiyini izah edir. Bəziləri nisbətən qısa müddətə mövcud idi, digərləri isə zaman sınağından çıxdı. Məsələn, sosialist düşərgəsi olan ölkələrdə kilsə musiqisinin janrları tükənmək üzrədir. Ancaq bu ölkələrin bəstəkarları pioner və komsomol mahnıları, sülh uğrunda mübarizlərin mahnı yürüşləri kimi yeni janrlar yaradırlar.

Bir səhv taparsanız, zəhmət olmasa bir mətn parçası seçin və basın Ctrl + Enter.

Tərtib edən:

Solomonova N.A.

Musiqişünaslıq ədəbiyyatında elm adamları, bir çox tədqiqatçı tərəfindən dəfələrlə qeyd olunan ədəbi tənqiddən daha çox üslub və janr kimi anlayışların inkişafına daha az müraciət edirlər. Bu konsepsiyanın yazılmasına müraciət etməyimizə səbəb olan bu vəziyyətdir.

Üslub anlayışı bir əsərin məzmunu və forması, tarixi şərtlərin ortaqlığı, rəssamların dünyagörüşü və yaradıcılıq üsulu arasındakı dialektik əlaqəni əks etdirir.

"Stil" anlayışı İntibah dövrünün sonunda, XVI əsrin sonunda ortaya çıxdı və bir çox cəhətləri özündə birləşdirir:

Müəyyən bir bəstəkarın yaradıcılığının fərdi xüsusiyyətləri;

bir qrup bəstəkarın ümumi yazı xüsusiyyətləri (məktəb tərzi);

bir ölkənin bəstəkarlarının əsərlərinin xüsusiyyətləri (milli üslub);

hər hansı bir janr qrupuna daxil olan əsərlərin xüsusiyyətləri - janrın üslubu (bu konsepsiyanı A.N.Sokhor "Musiqidə janrın estetik mahiyyəti" əsərində təqdim etmişdir).

"Stil" anlayışı ifa aparatına (məsələn, Mussorgskinin vokal üslubu, Şopenin fortepiano tərzi, Vaqnerin orkestri üslubu və s.) Münasibətdə geniş istifadə olunur. Musiqiçilər, dirijorlar da ifa olunan əsərin üslubuna özünəməxsus təfsirini gətirirlər və biz də xüsusi istedadlı və görkəmli ifaçıları özünəməxsus təfsirinə, əsərin səslənmə xüsusiyyətinə görə tanıya bilərik. Bunlar Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifets, dirijorlar Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan və s. Kimi böyük musiqiçilərdir.

Musiqili üslub problemlərinə həsr olunmuş ən məşhur araşdırmalar arasında, bu baxımdan, A. Serov tərəfindən "Bethoven və Onun Üç Stili", "Şostakoviçin üslubunun xüsusiyyətləri" (məqalələr toplusu), "Üslub M.Ye.Tarakanovun Prokofyevin simfoniyaları, EM Tsarevanın "İ.Brams üslubu probleminə" və ya S.S.Skrebkovun "Musiqidə musiqi üslublarının bədii prinsipləri", "ХУ111 - Х1Х əsrin əvvəllərində musiqidə klassik üslub"; Dövrün özünü dərk etməsi və musiqi təcrübəsi "L.V. Kirillina, LA Mazelin" Şopen haqqında araşdırmalar "kitabında, bu üslubun ümumi tarixi nümunələri nəzərə alınmadan xüsusi bir əsərin təhlilinin mümkün olmadığını qeyd edir. əsərin məzmununun açıqlanması, bu üslubda müəyyən formal cihazların ifadəli mənası haqqında dəqiq bir anlayış olmadan mümkün deyil. Alimin fikrincə, elmi mükəmməllik iddiasında olan bir musiqi əsərinin hərtərəfli təhlili, bu üslub, tarixi mənşəyi və mənası, məzmunu və formal texnikası ilə dərindən və hərtərəfli tanış olmaq üçün bir şərt olmalıdır.

Elm adamları bir çox təriflər verirlər.

Musiqi üslubu, müəyyən bir ictimai-tarixi zəmində yaranan bədii düşüncə, ideoloji və bədii anlayışlar, onların təcəssümü vasitələri və vasitələr sistemidir. (L.A. Mazel)

Musiqi üslubu, bu və ya digər ideoloji-məcazi məzmunun təcəssümü kimi xidmət edən ifadə vasitələri sistemini xarakterizə edən sənətşünaslıq terminidir. (E.M. Tsareva)

Stil, bir bəstəkarın əsərlərini digərindən və ya bir tarixi dövrün əsərini digərindən fərqləndirə bilən bir xüsusiyyətdir (xarakter) və ya əsas xüsusiyyətlərdir (B.V. Asəfiyev)

Stil xüsusi bir xüsusiyyətdir, daha doğrusu musiqi hadisələrinin keyfiyyətidir. Bir əsər və ya onun performansı, redaktəsi, səs mühəndisliyi həlli və ya hətta əsərin təsviri var, ancaq yalnız birində, digərində, üçüncüsündə və s. musiqinin arxasında bəstəkarın, ifaçının, tərcüməçinin fərdiliyi birbaşa hiss olunur, dərk olunur.

Musiqili üslub, bu və ya digər spesifik genetik birliyin (bir bəstəkarın irsi, məktəb, istiqamət, dövr, insanlar və s.) Bir hissəsi olan musiqi yaradıcılığının fərqli bir keyfiyyətidir və onların genezisini birbaşa hiss etməyə, tanımağa və təyin etməyə imkan verir. və hamısı istisnasız olaraq, fərqli bir xarakterik xüsusiyyətlər kompleksi ətrafında vahid bir sistemdə birləşən algılanan musiqinin xüsusiyyətlərində özünü göstərir. (E.V. Nazaikinsky).

Alimin fikrincə, musiqinin ən təəccüblü üslub vasitələri və xüsusiyyətləri fərqli və üslubun xarakterik xüsusiyyətlərinə aid edilə bilər.

Bəstəkarın işinin fərdi üslubu, bir qayda olaraq, tədqiqatçılar üçün ən cəlbedicidir. "Musiqidə üslub, digər sənət növlərində olduğu kimi, musiqi yaradan və ya onu şərh edən yaradıcı bir insanın xarakterinin təzahürüdür" (E.V. Nazaikinsky). Elm adamları bəstəkarın üslubunun təkamülünə ciddi diqqət yetirirlər. Xüsusilə, Serovun diqqətini çəkən üç Bethoven üslubu yuxarıda göstərilmişdir. Tədqiqatçılar erkən, yetkin və gec Scriabin üslubunu və s.

"Stil əminliyinin təsiri" (E. Nazaykinski) musiqinin fərqli və üslubun xarakterik xüsusiyyətlərinə aid edilə bilən ən çarpıcı üslub vasitələrini və xüsusiyyətlərini təmin edir. Onlardan dinləyicilər bu və ya digər əsərin üslubunu, bəstəkarın əlyazmasını, bu və ya digər tərcüməçinin ifa tərzini tanıyacaqlar. Məsələn, Grieg'ə xas olan harmonik növbə, giriş tonunun tonikə deyil, miqyasın beşinci dərəcəsinə keçməsidir (Oskestr ilə Piano üçün Konsert - açılış tonları, məşhur "Solveig Mahnısı") "Peer Gynt" və ya eyni zamanda bəstəkar tərəfindən tez -tez altıncı pillədən beşinci dərəcəyə enmək üçün istifadə olunur (Lirik parçalar, "Vals" kiçik yaşda) və ya məşhur "Rachmaninov harmoniyası" - kiçik bir akkord Dördüncü, altıncı, yeddinci, yüksəldilmiş və üçüncü addımların üçüncü üçün melodik mövqedə tonikə icazə verilməsi ilə (onun məşhur romantikasını "Oh, kədərlənmə!" - bir çox nümunə var, ola bilər) sonsuz davam etdi.

Üslubun çox vacib bir xüsusiyyəti, E.V.Nazaikinsky, M.K. Mixaylov, L.P. Kazantseva, A.Yu. Kudryashov tərəfindən qeyd edildiyi kimi, müəyyən bir məzmunun fiksasiyası və ifadəsidir.

Milli üslubun xüsusiyyətlərini, ilk növbədə, folklorun mənşəyi ilə peşəkar bəstəkarın yaradıcılığının milli üslub çərçivəsində necə əlaqələndirilməsində izləmək olar. E.V. Nazaikinskinin haqlı olaraq qeyd etdiyi kimi - həm folklor materialı, həm də xalq musiqisinin prinsipləri və onun spesifik elementləri ümumi milli üslubun orijinallığı mənbəyi ola bilər. Müəyyən bir millətə mənsubluğunun fərqləndirilməsinin ölçüsü və təbiəti, həm də bunun yaradıcılıqda əks olunması, əsasən, yerli mədəniyyətin xarici mədəniyyətlər və onların elementləri ilə qarşılıqlı əlaqəsindən, digər xalqların və mədəniyyətlərin hansı insandan asılı olmasından asılıdır. ilə təmasda olur. Hətta ən güclü, ən parlaq fərdi üslub, formalaşma və inkişaf prosesində məktəbin, dövrün, mədəniyyətin, insanların üslubları ilə vasitəçilik edilir. V.G.Belinskinin gözəl sözlərini xatırlayıram, - "əgər bir xalqın mədəniyyətinin inkişafı prosesi digərindən borc götürməklə keçərsə - buna baxmayaraq, n -də baş verir, əks halda heç bir irəliləyiş yoxdur".

Bir əsərin musiqi dilinin təhlili - melodiya, harmoniya, ritm, forma, toxumanın xüsusiyyətləri - üslubu xarakterizə etmək üçün bir şərtdir.

Musiqişünaslıq ədəbiyyatında müxtəlif üslubların - barokko, rokoko, klassizm, romantizm, impressionizm, ekspresyonizm və s. Formalaşmasının ayrı -ayrı tarixi mərhələlərini təsvir edən bir çox nəzəriyyə inkişaf etmişdir. bir tarixi dövr, fərqli ölkələrdə, fərqli milli məktəblərdə və s. , müəyyən bir tarixi mərhələnin estetikası, musiqi dili və bütövlükdə dövrün özü haqqında fikir verir. İF Stravinski məşhur "Həyatımın Salnaməsi" kitabında yazırdı: "Hər bir doktrina özünəməxsus ifadə tərzini və nəticədə onun həyata keçirilməsi üçün xüsusi bir texnikanı tələb edir; Axı, sənətdə müəyyən bir estetik sistemdən irəli gəlməyəcək bir texnikanı təsəvvür etmək olmaz. "

Hər üslubun özünəməxsus xüsusiyyətləri var. Beləliklə, geniş miqyaslı dövri formalar, çoxşaxəli təzadlar da daxil olmaqla, musiqi yazılarının polifonik və homofonik prinsiplərinin bir-birinə qarışması formaların monumentallığı ilə bağlıdır. A.Yu. Kudryashovun qeyd etdiyi kimi, barokko rəqs dəsti, ümumiyyətlə iki hipostazda hərəkəti eyni anda təmsil edirdi - dörd əsas insan xasiyyətinin təcəssümü və insan düşüncəsinin (melanxolik allemand - "tezis", xolerik axınının mərhələləri) zəng - "tezin inkişafı", flegmatik sarabanda - "tezis əleyhinə", sanguine gigue - "tezisin təkzib edilməsi".

O. Zaxarovanın qeyd etdiyi kimi, solistlərin kütləvi ifası böyük rol oynamağa başladı, onların xalqa görünən ilk yerlərə ayrılması, əvvəllər tamaşaçıların gözü qarşısında olan xor və instrumental ansambl hərəkət edir. arxa plan.

Barokko dövründə opera janrı sürətlə inkişaf edir və V. Martynovun haqlı olaraq qeyd etdiyi kimi, opera musiqinin, onun mahiyyətinin mövcudluğuna çevrildi ... Və barokko bəstəkarlar kütlə və motet yazanda onların kütlələri və motivləri eynidir. opera və ya opera parçaları, "musiqi tamaşasının" obyektinə çevrilən müqəddəs kanonik mətnlərə əsaslandıqları ilə fərqlənir.

Barok musiqisinin əsası o dövrdə əbədiyyət ideyasını ehtiva edən bir hissin ifadəsi olaraq başa düşülən bir təsirdir. "Musiqinin məqsədi bizə zövq vermək və içimizdə müxtəlif təsirlər oyatmaqdır" deyə R. Descartes "Musiqinin məcmuəsi" adlı əsərində yazmışdır. Təsirlərin təsnifatını A. Kircher - sevgi, kədər, cəsarət, zövq, mülayimlik, qəzəb, böyüklük, müqəddəslik, sonra - İ.Uolter - eşq, əzab, sevinc, qəzəb, şəfqət, qorxu, şənlik, heyrətləndirmə etmişdir.

Barok dövrünün bəstəkarları r və t o r və k qanunlarına görə sözün intonasiya tələffüzünə böyük diqqət yetirirdilər. Yu Lotmanın fikrincə, “barokko mətninin ritorikası, fərqli bir semiotika ölçüsü ilə işarələnmiş bütün bir sahə daxilində toqquşma ilə xarakterizə olunur. Dillərin toqquşmasında onlardan biri daim "təbii" (dil deyil), digəri isə süni olaraq vurğulanmış kimi görünür. "

İşdə barokko sənətinin ən məşhur musiqi və ritorik simaları:

melodiyanın yuxarıya doğru hərəkəti (yüksəlişin, dirilmənin simvolu olaraq);

melodiyanın aşağıya doğru hərəkəti (günahkarlığın və ya "aşağı dünyaya" keçidin simvolu olaraq);

melodiyanın dairəvi hərəkəti ("cəhənnəm qasırğaları" (Dante) və ya əksinə ilahi maarifin simvolu olaraq);

bir melodiyanın yüksək sürətlə yuxarıya və ya aşağıya doğru hərəkət etməsi (bir tərəfdən ilham və ya qəzəbin simvolu olaraq);

melodiyanın dar xromatik fasilələrlə hərəkəti (dəhşətin, pisliyin simvolu olaraq);

geniş bir xromatik, artan və ya azalmış bir aralıq üçün melodiyanın gedişi və ya bütün səslərdə bir fasilə (ölüm simvolu olaraq).

Rokoko üslubu cəsur, salon xarakterinin kövrək, zərif və ya qorxunc görüntüləri ilə xarakterizə olunur və musiqi dili melodik naxışların parçalanması, melismalar və toxumanın şəffaflığı ilə doludur. Bəstəkarlar sabit əhval -ruhiyyəni deyil, sakit bir şəkildə tökülən təsiri deyil, inkişafını təcili olaraq gərginlik və axıntı dəyişikliyi ilə təcəssüm etdirməyə çalışırlar. Onlar üçün musiqi düşüncəsinin ifadəsinin nitq aydınlığı vərdiş halına gəlir. Sarsılmaz, statik görüntülər yerini dəyişməyə, sülhü - hərəkətə verir.

Akademik D. Lixaçovun fikrincə, klassiklər "dövrün böyük üslublarından" biridir. Klassik üslubun estetik aspektində, əsərə xas olan həssas-birbaşa, rasional-məntiqi və ideoloji-ülvi, sənətkarın klassik özünüdərkinin "gücünü" aşaraq diqqətlə kalibr edilmiş tarazlığını vurğulamaq vacibdir. qaranlıq həyati qüvvələr "və" işıqlı, həssas gözəlliyə "çevrildi (E. Kurt) və buna görə də keçmişin klassik sənət nümunələri ilə həmsöhbət olan, hər şeydən əvvəl antikanın maraq göstərməsinin güclənməsi hər hansı bir klassizmin formalaşmasının əlamətləri (A.Yu. Kudryashov). Klassisizm dövründə dörd hissədən ibarət sonata-simfonik dövrünün formalaşması xüsusi əhəmiyyət kəsb edir. M. G. Aranovskinin inandığı kimi, insan şəxsiyyətinin dörd əsas hipostazının semantikasını müəyyənləşdirir: aktiv insan, düşünən insan, oynayan insan, sosial şəxs. Dörd hissədən ibarət olan quruluş, N. Zhirmunskayanın yazdığı kimi, dünyanın universal bir modeli olaraq - insanın məkan və kainatı - mikro kainatı sintez edən fəzəvi və müvəqqəti modeli kimi çıxış edir. "Bu modelin müxtəlif refraksiyaları simvolik və simvolik əlaqələrlə birləşdirilir, bəzən tanış mifoloji obrazların və süjetlərin dilinə çevrilir: elementlər simvolik olaraq insan həyatının fəsillərini, günlərini, dövrlərini, dünya ölkələrini əks etdirir (məsələn: qış - gecə - qocalıq - şimal - yer və s.). NS.) "

E. Çigarevanın Motsartın “Gənclik: böyük altıncıya qalxması - ümid, sevgi, sevinc; həbslər, bir cüt icarəyə götürülmüş notlar - qardaşlıq bağları; gruppeto - Mason sevinci; ritm: nöqtəli ritm, ... vurgulanmış staccato akkordlarının ardınca fasilə - cəsarət və qətiyyət; harmoniya: paralel üçdə biri, altıncı və altıncı akkordlar - birlik, sevgi və harmoniya; "Modal" akkordlar (orta səviyyələr - VI və s.) - təntənəli və dini hisslər; xromatizmlər, azalmış yeddinci akkordlar, dissonanslar - qaranlıq, xurafat, xlo və fikir ayrılığı. "

Bethovenin bədii dünyasının mərkəzi məzmun kompleksi, formanın gözəlliyi və tarazlığı, musiqi ritorikasının qəti şəkildə təşkil edilmiş axını, yüksək etik fikir, həm musiqi sintaksisi səviyyəsində, həm də forma səviyyəsində ziddiyyətlərin böyük roludur.

Romantizm, XIX əsrdə hökm sürən üslubdur. Musiqili romantizm tədqiqatçılarından Y. Qabay XIX əsrin romantizmini şərh etməyin üç yolunu ortaya qoyur: klassikdən fərqli olaraq xristian sənətini ifadə edir; ikincisi, romantik dilçilik ənənəsi ilə, yəni köhnə fransız poetik romanı ilə əlaqədardır; üçüncüsü, böyük poeziyanı həmişə canlı edən (həqiqətən də romantiklər, tarixə bir güzgü kimi baxan) gerçək poetik bir animasiya təyin edir. ideallarını, Şekspirdə, Servantesdə, Dante'de, Homerdə və Kalderonda tapdılar).

Musiqili dildə tədqiqatçılar harmoniyanın ifadəli və rəngarəng rolunun artdığını, sintetik bir melodiya növünün, sərbəst formaların istifadəsinin, sona çatan inkişafa can atmanın, yeni növ fortepiano və orkestr teksturasının olduğunu qeyd edirlər. Novalisin romantik nəsr haqqında düşüncəsi, çox dəyişkən, möhtəşəm, xüsusi dönüşlərlə, sürətli sıçrayışlarla - musiqiyə ekstrapolyasiya edilə bilər. Romantizm üçün universal olan formalaşma və dəyişmə ideyasının musiqi ifadəsinin ən vacib yolu Schubert, Chopin, Brahms, Wagner və s.

Proqramlaşdırma musiqi düşüncəsi fenomeni olaraq

romantik dövr, xüsusi musiqi ifadə vasitələri tələb edir. Proqramlaşdırılmış və proqramlaşdırılmamış musiqi arasındakı mürəkkəb əlaqəni nəzərə almaq lazımdır, çünki Şopenin fikrincə, "gizli mənası olmayan əsl musiqi yoxdur". Şopenin Preludları, şagirdlərinin dediklərinə görə, yaradıcılarının etiraflarıdır. Schumann'a görə məşhur "cənazə yürüşü" ilə B -flat minorada "sonata musiqi deyil, qorxunc bir ruhun olduğu bir şeydir", A. Rubinşteynə görə - "qəbiristanlıqdakı tabutların üstündən əsən gecə küləyi" ...

20-ci əsrin musiqisində, musiqi kompozisiyasının xüsusi bir sıra texnikalarını müşahidə edirik: sərbəst atonallıq, səs fərqi olmayan sonoristika, tembr-səs effektləri, aleatorika, həmçinin on iki ton sistemi, yeni modallıq, serialilik, serialilik. . 20 -ci əsrin musiqisinin ayrı -ayrı komponentlərinin açıqlığı, fransız kulturoloqu A. Mole haqlı olaraq dediyi kimi, bütövlükdə müasir mədəniyyətin fərqli bir xüsusiyyətidir: “müasir mədəniyyət mozaikadır, ... həqiqətən ümumi bir anlayışdır, lakin çox ağırlığa malik bir çox anlayış. "

Musiqidə oxunan tematizm məhv edilir, digər musiqi ifadə vasitələrinin (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern və s.) Azad edilməsi də, məsələn, G. Cowellin "Uyğun Sərgüzəştlər" oyunu- qrupların (saniyələrdən ibarət akkordlar) istifadəsi, fortepianoda yumruq, ovuc və ya bütün biləyi ilə çıxarma texnikası ...

Rəssamlıqdan və digər sənətlərdən qaynaqlanan musiqidə yeni modernist meyllər yarandı. Beləliklə, bryu və tism və ya səs -küy sənətinin (fransızca bruit - səs -küy sözündən) bir fenomenin mənşəyində, "Səs Sənəti" manifestində "musiqi sənəti" yazan italyan rəssamı Luigi Russolo idi. ən uyğunsuz, ən qəribə və ən sərt səslərin birləşməsini axtarır ... özümüzü əyləndirəcəyik, blokların üstündən mükəmməl şəkildə süzülən mağaza qapılarını, izdihamın uğultusunu, dəmiryol stansiyalarının müxtəlif səslərini, döymə, iplik fabrikləri, mətbəələr, elektrik emalatxanalar və yeraltı dəmir yolları ... müasir müharibənin tamamilə yeni səslərini unutmamalıyıq, onları musiqiyə çevirməli və ahəngdar və ritmik şəkildə tənzimləməli "

Başqa bir modernist cərəyan - dada və zm. Dadaizmin modernist mahiyyətini rəssam G. Grossun ifadələrində görmək olar: “Dadaizm, o qapalı, təkəbbürlü vəziyyətdən çıxmaq üçün bağıraraq, lağa qoyaraq və gülməklə etdiyimiz bir irəliləyiş idi. və siniflərin üstündə gəzən və məsuliyyət hissinə və gündəlik həyatda iştiraka yad olan bir dairəni çox qiymətləndiririk. Rus əsilli bəstəkar və rəssam, XX əsrin on iki tonlu kompozisiya metodunun çempionlarından biri olan Efim Qolışev Berlin klubu "Dada" nın işində fəal iştirak etmişdir. Musiqili və səhnə əsərləri arasında - "Maskalı Dadaistik rəqs", "Qasırğalanma manevrası", "Timpani üçün iki rezin", on çıngırdak, on xanım və bir poçtalyon. Honegger (Sakit okean 231), Prokofiev ("Polad Skok" baleti), Mosolov (Simfonik Fabrika. Poladdan Maşınların Musiqisi), Varese (Qırx bir zərb sireni üçün ionlaşma) şəhərcilik kompozisiyaları - bu meyllər müharibədən sonrakı musiqili avanqard istiqamətlərində əks olundu. Bunlar konkret və elektron musiqi, ansambl və instrumental teatr, sonoristik, multimedya prosesləridir (P. Scheffer, K. Stockhausen, M. Kagel, S. Slonimsky, A. Schnittke, S. Gubaidullina, J. Cage və s. Əsərləri). )

19 -cu əsrin sonunda, L. Rabenə görə, 20 -ci əsrin yeni musiqi sistemlərinin ən universalı olan neoklassizmin yaranması üçün ilkin şərtlər meydana gəldi.

Musiqidə polistilist meyllər də görünür. P o l və s t və -

l və s t və k və - müxtəlif üslub xüsusiyyətlərinin bir əsərində şüurlu birləşmə. "Polistilistika tərifi bir əsərdə bir çox texnikanın istifadəsindən (xüsusi hallardan biri kollajdır) yaranan stilistik heterojenliyin qəsdən birləşməsi deməkdir" - (Musiqili Ensiklopediya, cild 3, səh. 338) ). Şaquli polistilistika istifadə etmənin maraqlı hallarından biri, A. Schnittke tərəfindən hazırlanan beş alət üçün Serenada -da tapılmışdır: 17 nömrədə Çaykovskinin Skripka Konsertinin melodiyası eyni vaxtda səslənir və İlk Piano Konsertinin əsas hissəsinin başlanğıcıdır. 19 nömrəsi, "Qızıl Cockerel" dən Shemakhan Kraliçasının leytmotivini birləşdirir »Rimski-Korsakov, Beethovenin Pathetique Sonatasının akkordlarını və Bach's Chaconne-dən solo skripka üçün parçaları açır.

Musiqili janrlar, musiqinin müəyyən funksiyaları, həyat məqsədi, ifa və qavrayış şərtləri ilə əlaqədar olaraq tarixən inkişaf etmiş musiqi əsərlərinin növləri və növləridir. E. Nazaykinski tərəfindən çox həcmli bir tərif verilir: “qadınlar tarixən nisbətən sabit qurulmuş musiqi növləri, sinifləri, cinsləri və növləri, bir çox meyarlara görə fərqlənirlər, əsasları bunlardır: a) müəyyən bir həyat məqsədi ( sosial, məişət, bədii funksiya), b) ifa şərtləri və vasitələri, c) məzmunun xarakteri və təcəssüm forması. Bir janr, bu və ya digər bədii bütövün yaradıldığı çoxlu komponentli, məcmu genetik (hətta gen deyilə bilər) bir quruluşdur. Əgər üslub sözü bizi mənbəyə, yaradılışı dünyaya gətirənə aid edirsə, janr sözü əsərin necə yarandığını, doğulduğunu və yaradıldığını göstərən genetik sxemə aiddir. Bir janr, müəyyən bir musiqinin əlaqəli olduğu tipik bir layihə, model, matris, kanondur. "

T.V. Popovanın əsərlərində janrların təsnifatı iki meyara əsaslanır: musiqinin mövcud olması şərtləri və ifaçılıq xüsusiyyətləri. V.A. Tsukkerman üç əsas janr qrupunu müəyyən edir: lirik janrlar, povest və epik janrlar və hərəkətlə əlaqəli motor janrları. A.N.Sokhor, mövcudluq şərtlərini, performans şərtlərini əsas meyar olaraq qəbul edir. Alim dörd əsas janr qrupunu müəyyən edir: kult və ya ritual janrları, kütləvi janrlar, konsert janrları və teatr janrları. O. V. Sokolov tərəfindən hazırlanan janrların sistemləşdirilməsi, musiqinin digər sənət və ya qeyri-musiqi komponentləri ilə əlaqəsinə, həmçinin funksiyasına əsaslanır. Bu təmiz musiqi, interaktiv musiqi, tətbiqi musiqi, tətbiqli interaktiv musiqidir.

T.V. Popova klassik musiqinin əsas janrlarını belə sistemləşdirir:

Vokal janrları (mahnı, marş, xor, recitativ, romantik, ballad, ariya, arietta, arioso, cavatina, vokal, ansambl);

Rəqs musiqisi. Köhnə rəqs dəsti;

Instrumental musiqi janrları (müqəddimə, ixtira, etüd, toccata, hazırlıq, musiqi anı, nocturne, barcarole, serenade, scherzo, yumoresque, capriccio, rapsodiya, ballad, noveletta);

Simfonik və kamera musiqisi;

Sonata və Simfonik Dövrlər, Konsert, 19-20 -ci əsrlərin Simfonik Süiti;

19-20-ci əsrin bir hissəli (dövrü olmayan) janrları (uvertüra, fantaziya, simfonik şeir, simfonik şəkil, bir hissəli sonata);

Musiqili və dram əsərləri. Opera və balet

Cantata, oratoriya, rekvizit.

Ədəbiyyat

Əsas

1. Bonfeld M. Ş. Musiqili əsərlərin təhlili. Tonal musiqi quruluşu:

14: 00 -da Moskva: Vlados, 2003.

2. Bonfeld M. Sh. Musiqişünaslığa giriş. M.: Vlados, 2001.

3. Berezovchuk L. Musiqili janr funksiyalar sistemi kimi: Psixoloji və semiotik aspektlər // Nəzəri musiqişünaslığın aspektləri. Musiqişünaslıq problemləri. Məsələ 2. L., 1989.S. 95-122.

4. Gusev V. Folklor estetikası. L., 1967.

5. Kazantseva LP Musiqi məzmunu nəzəriyyəsinin əsasları: dərslik. musiqi universitetlərinin tələbələri üçün dərslik. Həştərxan, 2001.

6. Kazantseva LP Musiqidə polistilistika: "Musiqi əsərlərinin təhlili" kursu üzrə mühazirə. Kazan, 1991.

7. Kolovsky OP Vokal əsərlərinin təhlili: dərslik. musiqi universitetlərinin tələbələri üçün dərslik / OP Kolovsky [və digərləri]. L.: Musiqi, 1988.

8. Konen V.D. Üçüncü təbəqə: XX əsrin musiqisində yeni kütləvi janrlar. M., 1994.

9. Mazel L., Zuckerman V. Musiqi əsərlərinin təhlili: dərslik. müavinət. Moskva: Musiqi, 1967.

10. Musiqili ensiklopedik lüğət. M., 1998.

11. Nazaikinsky EV Musiqidə üslub və janrlar: dərslik. ali təhsil müəssisələrinin tələbələri üçün dərslik. M.: Vlados, 2003.

12. Popova T.V. Musiqi janrları və formaları. 2 -ci nəşr. M., 1954.

13. Reuterstein M. Musiqili analizin əsasları: dərslik. M.: Vlados, 2001.

14. Ruchevskaya EA Klassik musiqi forması. Sankt -Peterburq: Bəstəkar, 1998.

15. Sokolov AS XX əsrin musiqi kompozisiyasına giriş: dərslik. universitetlər üçün dərslik. M.: Vlados, 2004.

16. Sokolov O.V. Musiqili janrların tipologiyası probleminə // XX əsr musiqisinin problemləri. Qorki, 1977.

17. Tyulin YuN. Musiqili forma: dərslik. müavinət / Yu N. N. Tyulin [və digərləri]. L.: Musiqi, 1974.

18. Xolopova VN Musiqili əsərlərin formaları. SPb.: Lan, 2001.

Əlavə

1. Aleksandrova LV Musiqi sənətində nizam və simmetriya: məntiqi-tarixi aspekt. Novosibirsk, 1996.

2. Grigorieva G. V. Musiqi əsərlərinin təhlili. Rondo 20 -ci əsr musiqisində. M.: Musiqi, 1995.

4. Kazantseva LP Musiqi məzmununun təhlili: metod. müavinət. Həştərxan, 2002.

5. Krapivina IV Musiqili Minimalizmdə Formalaşma Problemləri. Novosibirsk, 2003.

6. Kudryashov A.Yu. Musiqi məzmunu nəzəriyyəsi. M., 2006.

7. Mazel L. F. Şopenin sərbəst formaları. Moskva: Musiqi, 1972.

8. Musiqi ensiklopediyası. M., 1974-1979. T. 1-6

9. Ovsyankina G. P. XX əsrin ikinci yarısının rus musiqisində fortepiano dövrü: D. D. Şostakoviç məktəbi. Sankt -Peterburq: Bəstəkar, 2003.

10. Zuckerman V. Musiqili əsərlərin təhlili. Variant forma: dərslik. damazlıq üçün. musiqişünas. dep Musalar. universitetlər. Moskva: Musiqi, 1987.

ADAGIO- 1) yavaş temp; 2) adagio tempində tsiklik kompozisiyanın bir hissəsinin və ya hissəsinin adı; 3) klassik baletdə yavaş solo və ya duet rəqsi.
YAXŞI- solist, ansambl, orkestr və ya xor üçün musiqi müşayiəti.
Akkord- səs birliyi kimi qəbul edilən müxtəlif yüksəkliklərdə bir neçə (ən az 3) səsin birləşməsi; akkorddakı səslər üçdə biri ilə düzülmüşdür.
ACCENT- digər səslərlə müqayisədə hər hansı bir səsin daha güclü, zərblə çıxarılması.
ALLEQRO- 1) çox sürətli bir addıma uyğun gələn temp; 2) bir sonata dövrünün bir hissəsinin və ya bir hissəsinin bir allegro tempində başlığı.
ALLEGRETTO- 1) temp, allegrodan daha yavaş, lakin moderatodan daha sürətli; 2) allegretto tempində əsərin və ya hissənin adı.
Dəyişiklik- adını dəyişmədən təlaş miqyasının pilləsini qaldırmaq və endirmək. Dəyişiklik əlamətləri-kəskin, düz, ikiqat, ikiqat düz; ləğv edilməsinin əlaməti bekardır.
ANDANTE- 1) sakit bir addıma uyğun orta sürət; 2) andante tempində əsərin adı və sonata dövrünün bir hissəsi.
ANDANTİNO- 1) temp, andante -dən daha canlı; 2) andantino tempindəki sonata dövrünün bir hissəsinin və ya hissəsinin adı.
MONTAQLI- vahid bədii kollektiv kimi çıxış edən bir qrup ifaçı.
ARGANSİYA- musiqi alətinin başqa bir alətdə və ya digər alətlərin, səslərin ifasında işlənməsi.
ARPEGJİO- adətən ən aşağı tondan başlayaraq səsləri ardıcıl olaraq yerinə yetirir.
BAS- 1) ən aşağı kişi səsi; 2) aşağı reyestrli musiqi alətləri (tuba, kontrabas); 3) akkordun alt səsi.
BELCANTO- XVII əsrdə İtaliyada yaranan, gözəlliyi və səs rahatlığı, kantilenanın mükəmməlliyi, koloraturanın fəziləti ilə seçilən vokal üslubu.
VARİSİYALAR- mövzunun bir neçə dəfə quruluşunda, tonunda, melodiyasında və s. dəyişikliklərlə təqdim olunduğu bir musiqi əsəri.
VIRTUOSO- səsi və ya musiqi alətində ifa etmək sənətini mükəmməl bilən bir ifaçı.
SESLƏYİN- sait səslə sözlər olmadan oxumaq üçün bir musiqi əsəri; ümumiyyətlə vokal texnikasını inkişaf etdirmək üçün bir məşqdir. Konsert üçün səsləndirmələr məlumdur.
VOKAL MUSİQİ - poetik mətnlə əlaqəli bir neçə istisna olmaqla, bir, bir neçə və ya bir çox səs üçün (instrumental müşayiətlə və ya olmadan) işləyir.
HÜNDÜRLÜK SƏS - subyektiv olaraq təyin olunan və əsasən onun tezliyi ilə əlaqəli səs keyfiyyəti.
GAMMA- əsas tondan artan və ya azalan qaydada yerləşən, bir oktava həcminə malik olan bütün səslərin ardıcıllığı bitişik oktavalara davam etdirilə bilər.
HARMONİ tonların samitdə birləşməsinə, ardıcıl hərəkətlərində samitlərin əlaqəsinə əsaslanan ifadəli musiqi vasitələri. Polifonik musiqidə harmoniya qanunları əsasında qurulmuşdur. Uyğunluğun elementləri kadans və modulyasiyadır. Harmoniya doktrinası musiqi nəzəriyyəsinin əsas qollarından biridir.
SƏS- hündürlüyü, gücü və tembri ilə fərqlənən, elastik səs tellərinin titrəməsi nəticəsində yaranan bir sıra səslər.
ARALIQ- oxuyan səsin, musiqi alətinin səs həcmi (ən aşağı və ən yüksək səslər arasındakı interval).
DİNAMİK- səs gücünün dərəcəsi, səs -küy və onların dəyişikliklərindəki fərqlər.
İCRA- bir musiqi əsərinin öyrənilməsi və ictimai ifa zamanı bir musiqi ifaçısı qrupunun idarə edilməsi. Xüsusi jestlər və mimikaların köməyi ilə dirijor (dirijor, xor ustası) tərəfindən ifa olunur.
TREBLE- 1) orta əsrlərin iki hissədən ibarət ifa forması; 2) yüksək uşaq (oğlan) səsi, eləcə də xor və ya vokal ansamblında ifa etdiyi hissə.
DISSONANCE- fərqli tonların qeyri -bərabər, eyni zamanda sıx səslənməsi.
SÜRƏT- səs və ya fasilə ilə alınan vaxt.
ƏMƏKLİ- tonikaya doğru sıx bir cazibə ilə böyük və kiçik ton funksiyalarından biridir.
RUHƏLAVƏLƏR - səs mənbəyi hava borusunun delikdəki (borudakı) titrəmələri olan alətlər qrupu.
Janr- tarixən qurulmuş bir bölmə, forma və məzmun birliyində iş növü. İfa üsulu (vokal, vokal-instrumental, solo), məqsədi (tətbiqi və s.), Məzmunu (lirik, epik, dramatik), ifa yeri və şərtləri (teatr, konsert, kamera, film musiqisi və s. .).
Mahnı- xor mahnısının və ya dastanın giriş hissəsi.
SƏS- müəyyən bir meydança və həcm ilə xarakterizə olunur.
TƏQDİM- polifonik musiqi əsərlərində əvvəllər başqa bir səslə səsləndirilən bir melodiyanın hər hansı bir səsində dəqiq və ya dəyişdirilmiş təkrar.
TƏKMİLLƏNDİRMƏ- ifa zamanı hazırlıqsız musiqi bəstələmək.
Alət MUSİQİ - alətlərdə ifa üçün nəzərdə tutulmuşdur: solo, ansambl, orkestral.
ƏLAQƏ- kamera ansamblı və ya orkestri üçün musiqinin not şəklində təqdimatı.
ARALIQ- meydançada iki səsin nisbəti. Melodik (səslər növbə ilə alınır) və harmonik (səslər eyni vaxtda alınır) ola bilər.
GİRİŞ- 1) dövri bir instrumental musiqi əsərinin birinci hissəsinə və ya finalına qısa giriş; 2) opera və ya baletə qısa bir uvertüra, ayrı bir opera aktına giriş; 3) xor və ya vokal ansamblı, uvertüranı izləyir və operanın fəaliyyətini açır.
CADENCE- 1) musiqi quruluşunu tamamlayan və ona az -çox tamlıq verən harmonik və ya melodik dövriyyə; 2) instrumental konsertdə virtuoz solo epizod.
Otaq MUSİQİ - kiçik bir aktyor üçün instrumental və ya vokal musiqisi.
ÇATAL- müəyyən bir tezlikdə səs çıxaran xüsusi cihaz. Bu səs musiqi alətlərinin sazlanması və mahnı oxumaq üçün istinad kimi xidmət edir.
CLAVIR- 1) 17-18-ci əsrlərdə simli klaviatura alətlərinin ümumi adı; 2) claviraustsug sözünün qısaltması - fortepiano ilə oxumaq üçün, eləcə də bir fortepiano üçün opera, oratoriya və s.
RƏNG- oxumaqda sürətli, texniki cəhətdən çətin, virtuoz keçidlər.
Tərkibi- 1) işin qurulması; 2) əsərin adı; 3) musiqi bəstələmək; 4) musiqi təhsil müəssisələrində akademik mövzu.
SÖZLÜK- harmoniyanın ən vacib elementlərindən biri olan fərqli tonların ardıcıl, koordinasiyalı eyni vaxtda səslənməsi.
KONTRALTO- aşağı qadın səsi.
BECƏRMƏ- musiqi quruluşunda ən yüksək gərginlik anı, musiqi əsərinin bölməsi, bütün əsər.
LAD- musiqinin ən vacib estetik kateqoriyası: mərkəzi bir səslə (ahəngdarlıq), səslərin əlaqəsi ilə birləşdirilmiş pitch əlaqələri sistemi.
LITMOTIVE- əsərdə bir xarakterin, obyektin, fenomenin, fikrin, duyğunun bir xüsusiyyəti və ya simvolu olaraq təkrarlanan bir musiqi dönüşü.
KİTABÇA- musiqi əsərinin yaranması üçün əsas götürülən ədəbi mətn.
MELODY- monofonik musiqi düşüncəsi, musiqinin əsas elementi; müəyyən bir quruluş təşkil edən modal-intonasiya və ritmik olaraq təşkil edilən bir sıra səslər.
METR- güclü və zəif vuruşların dəyişmə qaydası, ritm təşkilat sistemi.
METRONOM- düzgün performans tempini təyin etməyə kömək edən bir vasitə.
MEZZO SOPRANO- qadın səsi, soprano ilə kontraltonun ortasında.
POLİFONİYA- bir neçə səsin eyni vaxtda birləşməsinə əsaslanan musiqi anbarı.
MODERATO- orta temp, andantino ilə allegretto arasında orta.
MODÜLASİYA- yeni açara keçid.
MUSİQİ FORM - 1) musiqi əsərində müəyyən bir ideoloji və bədii məzmunu təcəssüm etdirən ifadə vasitələri kompleksi.
QEYD MƏKTUBU- musiqi yazmaq üçün qrafik işarələr sistemi, həmçinin qeydin özü. Müasir musiqi notasiyasında aşağıdakılardan istifadə olunur: 5 sətirlik heyət, notlar (səsləri göstərən işarələr), nota (notların tonunu təyin edir) və s.
OVERTONLAR- əsas tondan daha yüksək və ya zəif səslənən tonlar (qismən tonlar), onunla birləşdi. Hər birinin varlığı və gücü səsin tembrini təyin edir.
ORKESTRASİYA- orkestr üçün bir musiqi əsərinin aranjımanı.
ORNAMENT- vokal və instrumental melodiyaları bəzəmək yolları. Kiçik melodik bəzəklərə melismalar deyilir.
OSTINATO- melodik ritmik fiqurun dəfələrlə təkrarlanması.
QAL- bütün səslərin tərəfləri müəyyən bir ardıcıllıqla verilən çox səsli bir musiqi əsərinin musiqi notası.
TƏQDİM- bir səslə və ya müəyyən bir musiqi alətində, habelə homojen səslər və alətlər qrupu tərəfindən ifa edilməsi nəzərdə tutulan polifonik əsərin tərkib hissəsi.
PASSAGE- tez -tez yerinə yetirilməsi çətin olan sürətli hərəkətdə səslərin ardıcıllığı.
DURDUR- musiqi əsərində bir, bir neçə və ya bütün səslərin kəsilməsi; musiqi notasında bu fasiləni göstərən bir işarə.
PİZZİKATO- yaylı alətlərdə səs istehsalının qəbulu (qoparmaqla), qəfil bir səs verir, yayla oynayandan daha sakitdir.
TOPLAMA(seçin) - telləri, əsasən kəsilmiş musiqi alətlərində səs istehsalı üçün bir cihaz.
QALINLIQ- bir xalq mahnısında, əsas mahnını müşayiət edən, onunla eyni vaxtda səslənən bir səs.
TƏLİM EDİN- kiçik bir əsər, eləcə də bir musiqi parçasına giriş.
PROQRAM TƏMİNATI MUSİQİ - bəstəkarın qavrayışı konkretləşdirən şifahi bir proqramla təmin etdiyi musiqi parçaları.
Yenidən yazın- bir musiqi əsərinin motivinin, eyni zamanda təkrar notunun təkrarlanması.
RİTM- Müxtəlif müddəti və gücü olan səslərin dəyişməsi.
SİMFONİZM- mövzular və tematik elementlərin qarşıdurması və çevrilməsi də daxil olmaqla ardıcıl məqsədyönlü bir musiqi inkişafının köməyi ilə bir bədii konsepsiyanın açıqlanması.
SİMFONİYA MUSİQİ - simfonik orkestrin ifasında nəzərdə tutulan musiqi əsərləri (böyük, monumental parçalar, kiçik parçalar).
ŞERZO- 1) XV1-XVII əsrlərdə. yumoristik mətnlər üçün vokal və instrumental əsərlərin, eləcə də instrumental əsərlərin təyin edilməsi; 2) dəstin bir hissəsi; 3) sonata-simfonik dövrünün bir hissəsi; 4) 19 -cu əsrdən. Capriccio -ya yaxın olan müstəqil instrumental əsər.
MUSİQİ DİNLƏMƏ- bir insanın musiqi səslərinin müəyyən keyfiyyətlərini dərk etmək, aralarındakı funksional əlaqələri hiss etmək qabiliyyəti.
SOLFEGGIO- eşitmə və oxu bacarıqlarını inkişaf etdirmək üçün vokal məşqləri.
SOPRANO- 1) inkişaf etmiş vokal reyestrinə malik ən yüksək oxuyan səs (əsasən qadın və ya uşaq); 2) xorun yuxarı hissəsi; 3) yüksək qeydli alət növləri.
STRING Alətlər-səs istehsal üsuluna görə, əyilmiş, yıxılmış, zərbli, zərbli-klaviatura, yıxılmış-klaviatura bölünür.
TACT- musiqi sayğacının xüsusi forması və vahidi.
Mövzu- musiqi əsərinin və ya onun bölmələrinin əsasını təşkil edən bir quruluş.
TIMBRE- bir səs və ya musiqi aləti üçün xarakterik olan səsin rənglənməsi.
AŞPA- metrik sayma vahidlərinin sürəti. Dəqiq ölçmək üçün bir metronom istifadə olunur.
Temperatur- səs sisteminin addımları arasındakı interval nisbətlərinin bərabərləşdirilməsi.
TONİK- narahatlığın əsas dərəcəsi.
QEYDİYYAT- aranjıman və ya pulsuz, çox vaxt virtuoz bir musiqi parçasının işlənməsi.
TRILL- iki bitişik tonun sürətli təkrarlanmasından doğan yanardıcı səs.
AŞIRI- teatr tamaşasından əvvəl ifa olunan bir orkestr parçası.
İLAÇLARƏLAVƏLƏR - Dəri membranlı və ya özünü səsləndirə bilən materialdan hazırlanmış alətlər.
UNISON- eyni meydançanın bir neçə musiqi səsinin eyni vaxtda səslənməsi.
TEKSTUR- əsərin xüsusi səs görünüşü.
FALSETTO- kişi mahnı səsinin qeydlərindən biri.
FERMATA- tempi, bir qayda olaraq, bir musiqi əsərinin sonunda və ya onun bölmələri arasında dayandırmaq; səs və ya fasilə müddətinin artması ilə ifadə olunur.
SON- dövri bir musiqi əsərinin son hissəsi.
XORAL- Latın və ya ana dillərində dini tərənnümlər.
XROMATİZM- iki növ (qədim yunan və yeni Avropa) yarı ton interval sistemi.
Zərbələr- əyilmiş alətlərdə səsin fərqli bir xarakter və rəng verməsi üsulları.
MƏRKƏZİ- 1) əsərin əsas mövzularını müəyyən edən sonata formasının ilkin bölməsi; 2) fugun birinci hissəsi.
Mərhələ- bir növ musiqi ifa sənəti