italienske musikinstrumenter. Italienske danse: historie og deres varianter

Oprindelsen af ​​italiensk musik går tilbage til den musikalske kultur i det antikke Rom (se oldtidens romerske musik). Musik spillet af skabninger. rolle i samfundet., stat. liv i romerriget, i hverdagen forsk. dele af befolkningen; muserne var rige og varierede. værktøjer. Prøver af gammel romersk musik er ikke nået frem til os, men dep. dens elementer har overlevet i midten af ​​århundredet. Kristus. salmer og køjer. muser. traditioner. I det 4. århundrede, da kristendommen blev erklæret for en stat. religion blev Rom sammen med Byzans et af centrene for liturgiens udvikling. sang først. hvis grundlag var salmodien, der stammede fra Syrien og Palæstina. Ærkebiskop Ambrosius af Milano konsoliderede praksis med antifonisk sang af salmer (se Antifoner), og bragte deres melodi tættere på nar. oprindelse. En særlig tradition for vestlig Kristus er forbundet med hans navn. kirke. chanting, kaldet Ambrosian chant (se. Ambrosian chant). Til sidst. 6. århundrede, under pave Gregor I, blev der udviklet solide former for Kristus. liturgi og beordrede hendes muser. side. Koristen skabte samtidig i Rom. skole ("schola cantorum") blev en slags akademi for kirkesangere. retssag og den højeste lovgiver. krop i dette område. Gregory I blev krediteret med foreningen og fikseringen af ​​hovedet. liturgiske sange. Senere undersøgelser har dog fastslået, at melodisk. stil og form af den såkaldte. Den gregorianske sang tog endelig form først i de 8-9 århundreder. Romersk-katolske. kirken, der stræber efter ensartet tilbedelse, indpodet denne stil med et-ben. kor. sang blandt alle nationer omvendt til Kristus. tro. Denne proces blev afsluttet ved udgangen. 11 århundrede, hvor den gregorianske liturgi med tilhørende sang. regulativer godkendt i landene i Mellemøsten, Vesten. og Yuzh. Europa. Samtidig stoppede den videre udvikling af gregoriansk sang, frossen i uigennemtrængelighed, også. formularer.

Fra slutningen. 1. årtusinde e.Kr som et resultat af hyppige fjendtlige indtrængen i Italiens territorium, samt den øgede undertrykkelse af pavedømmet, hvilket hindrede den frie manifestation af kreativitet. initiativ, i I. m. kommer. stagnation, holder den op med at spille en mærkbar rolle i de generelle muser. udvikling af europa. lande. De vigtigste skift, der fandt sted i Europa. musik ved overgangen til det 1. og 2. årtusinde, finde en svag og ofte forsinket afspejling i kejsermusikken Mens musikforskere Zap. og Nordvest. Europa allerede i det 9. århundrede. gav en begrundelse for de tidlige former for polyfoni, den mest fremtrædende italiener. muser. middelalderlig teoretiker Guido d "Arezzo (11. århundrede) var hovedsageligt opmærksom på ensidig gregoriansk sang, og berørte kun kort organum. I det 12. århundredes polyfoni. om Italiens selvstændige bidrag til udviklingen af ​​polyfoniske genrer fra den tid. En ny stigningen i musikkunsten i de sene 13-14 århundreder var forbundet med den tidlige renæssance, som afspejlede væksten i humanistiske tendenser, den begyndende frigørelse af den menneskelige personlighed fra undertrykkelsen af ​​religiøse dogmer, en friere og mere direkte opfattelse af verden i perioden med svækkelsen af ​​feudalherrernes magt og dannelsen af ​​tidlige kapitalistiske relationer.Begrebet tidlig renæssance svarer til definitionen af ​​Ars nova accepteret i musikkens historie. mere avancerede i deres sociale struktur og kultur end de sydlige egne, hvor de feudale forhold stadig var solidt bevaret. Disse byer tiltrak de dygtigste komponister og muser kant-performere. Nye genrer og stilistiske tendenser opstod her.

Ønsket om øget udtryk viste sig i lyrikken. salmer til frit fortolkede religioner. tema - laudakh, to-rye sang i hverdagen og under religioner. processioner. Allerede til sidst. 12. århundrede opstod "laudisternes broderskaber", hvis antal steg i det 13. og især det 14. århundrede. Lauder blev dyrket blandt franciskanerordenens munke i modsætning til officererne. romersk kirke, nogle gange afspejlede de motiverne for social protest. Melodisk lovprisning er forbundet med køjen. kilder, forskellig rytme. klarhed, klarhed i struktur, fremherskende hovedfarve. Nogle af dem er i karakter tæt på dans. sange.

Nye genrer af sekulær polyfoni dukkede op i Firenze. wok. musik beregnet til hjemmeamatørforestilling: madrigal, kachcha, ballata. Det var 2 eller 3 mål. strofe. sange med melodiøse overskrifter. højere stemme, til-ry anderledes rytme. mobilitet, en overflod af farverige passager. Madrigal er en aristokrat. en genre præget af poetikkens og musernes sofistikerede. bygning. Det var domineret af subtil erotik. temaer, også legemliggjort satiriske. motiver, nogle gange politisk ladede. Indholdet af caccierne var oprindeligt jagtbilleder (deraf selve navnet: caccia - jagt), men så udvides dets tema og dækker en række genrescener. Den mest populære af de sekulære genrer, Ars nova, er ballata (en dansesang, der i indhold ligner en madrigal).

Udbredt udvikling i Italien i det 14. århundrede. modtager instr. musik. Hoved datidens instrumenter var lut, harpe, fidel, fløjte, obo, trompet og andre orgler. type (positive, bærbare). De blev brugt både til akkompagnement til sang og til solo- eller ensemblespil.

Ital blomstrede. Ars nova falder på midten. 14. århundrede I 40'erne. det kreative udfolder sig. aktiviteterne af dens mest fremtrædende mestre - Giovanni fra Firenze og Jacopo fra Bologna. Den blinde virtuose organist og komp. F. Landino er en multitalent, digter, musiker og videnskabsmand, der var respekteret i italienske kredse. humanister. I hans arbejde er forbindelsen med køjerne blevet intensiveret. Oprindelse har melodien fået større ytringsfrihed, til tider udsøgt sofistikeret, blomstret og rytmisk. mangfoldighed.

I højrenæssancens æra (1500-tallet) indtog kunsten en førende position i Europa. muser. kulturer. I en atmosfære af generel fremgang i kunsten. kultur intensivt udviklet musikfremstilling i div. samfundslag. Dens ildsteder var sammen med kirken. kapeller af kunsthåndværk. laugsforeninger, kredse af oplyste elskere af litteratur og kunst, undertiden kalder sig efter oldtiden. mønstret af akademierne. I pl. byerne skabte skoler, der gjorde sig selvstændige. bidrag til udviklingen af ​​I. m. Den største og mest indflydelsesrige blandt dem er de romerske og venetianske skoler. I centrum af katolicismen, Rom, mødte nye kunstarter frembragt af renæssancebevægelsen ofte modstand fra kirken. myndigheder. Men på trods af forbuddene og fordømmelserne gennem det 15. århundrede. i romersk-katolsk. tilbedelse var fast etableret polygonal. synge. Dette blev lettet af aktiviteterne for repræsentanter for den fransk-flamske skole af G. Dufay, Josquin Despres og andre komponister, som tjente på forskellige tidspunkter i det pavelige kapel. I Det Sixtinske Kapel (grundlagt i 1473) og koret. kapel af St. Peter koncentrerede kirkens bedste mestre. sang ikke kun fra Italien, men også fra andre lande. Kirkespørgsmål. sang blev givet til specialer. opmærksomhed på koncilet i Trent (1545-63), i hvis beslutninger den overdrevne entusiasme for den "figurative" polyfone blev fordømt. musik, som gør det svært at forstå de "hellige ord", og kravet om enkelhed og klarhed blev fremført; indførelsen af ​​verdslige melodier i liturgien var forbudt. musik. Men i modsætning til kirkens forhåbninger. myndigheder til at udvise alle nyskabelser fra kultsang og om muligt vende den tilbage til traditionerne i den gregorianske sang, skabte komponisterne af den romerske skole en højtudviklet polyfonisk sang. kunst, hvor de bedste resultater af fransk-flamsk polyfoni blev implementeret og gentænkt i renæssancens æstetiks ånd. I produktion komponister af denne skole er komplekse efterligninger. teknik blev kombineret med akkord-harmonisk. lager, mange hoveder. teksturen fik karakter af harmonisk eufoni, det melodiske princip blev mere selvstændigt, den øverste stemme blev ofte fremhævet. Den største repræsentant for den romerske skole er Palestrina. Hans ideelt afbalancerede, oplyste i stemningen, harmoniske kunst bliver nogle gange sammenlignet med Raphaels værk. At være korets højdepunkt. polyfoni af en streng stil, indeholder Palestrinas musik på samme tid udviklede elementer af homofonisk tænkning. Stræben efter en balance mellem horisontale og vertikale principper var også karakteristisk for andre komponister fra samme skole: K. Festa, G. Animucci (som stod i spidsen for kapellet i St. Peter i 1555-71), Clemens-ikke-paven, elever og tilhængere af Palestrina - G. Nanino, F. Anerio m.fl. Spanierne stødte også op til den romerske skole. komponister, der arbejdede i det pavelige kapel: K. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (med tilnavnet "Spansk Palestrina").

Grundlæggeren af ​​den venetianske skole var A. Willart (hollandsk af oprindelse), som i 1527 stod i spidsen for kapellet St. Mark og var dens leder i 35 år. Hans efterfølgere var C. de Pope og spanieren C. Merulo. Denne skole nåede sin højeste blomstring i arbejdet med A. Gabrieli og hans nevø J. Gabrieli. I modsætning til Palestrinas og andre komponister fra den romerske skoles strenge og beherskede skrivemåde var venetianernes kunst præget af klangpalettens pragt, en overflod af klare farver. effekter. Princippet om multikorisme var af særlig betydning for dem. Opposition af to kor, beliggende. i forskellige dele af kirken, tjente som grundlag for dynamikken. og farverige kontraster. Det konstant varierende antal stemmer til J. Gabrieli nåede op på 20. Kontraster omkvæd. sonoriteter blev suppleret med et skift af instrumenter. klangfarver, desuden duplikerede instrumenterne ikke kun korets stemmer, men optrådte også selvstændigt. og forbindende episoder. Harmonisk. Sproget var mættet med talrige, for den Tid ofte dristige Kromatismer, som gav det Træk af øget Udtryk.

Kreativiteten hos mestrene i den venetianske skole spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​nye former for instrumentering. musik. I det 16. århundrede. instrumenternes sammensætning er blevet væsentligt beriget, og deres udtryk er udvidet. muligheder. Betydningen af ​​bueinstrumenter med deres melodiøse varme lyd er vokset. Det var i denne periode, klassikeren blev dannet. type bratsch; violin, fremherskende tidligere preim. i folkelivet, bliver prof. muser. værktøj. Luten og orgelet fortsatte med at dominere som soloinstrumenter. I 1507-09 udg. O. Petrucci publ. 3 samling stykker til lut, stadig bevaret. tegn på wokafhængighed. polyfoni af motettype. I fremtiden svækkes denne afhængighed, specifikke værktøjer udvikles. præsentationsteknikker. Typisk for det 16. århundrede. genrer af solo instru. Musik - rigere bil, fantasy, canzona, capriccio. Org. Richercars af Villart. Efter ham blev denne genre udviklet af J. Gabrieli, hvoraf nogle rigere biler nærmer sig fugaen i præsentationen. I org. De venetianske mestres toccata afspejler en virtuos begyndelse og en hang til fri fantasi. I 1551 udkom en samling værker i Venedig. klaverstykker dans. Karakter.

Fremkomsten af ​​den første er forbundet med navnene A. og J. Gabrieli. prøver af kammerensemble og ork. musik. Deres kompositioner til forskellige instrumenter. tog (fra 3 til 22 parter) blev kombineret i lør. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate ...", udgivet i 1615 efter komponisternes død). Disse skuespil er baseret på princippet om kontrasterende dekomp. instr. grupper (både homogene - buet, træ, messing og blandet), til-ry modtaget derefter fulgte. inkarnation i genren af ​​en koncert.

Det mest komplette og levende udtryk for renæssancens ideer i musikken var madrigalen, som blomstrede igen i det 16. århundrede. Denne vigtigste genre af sekulær musikproduktion under renæssancen blev opmærksom på af mange. komponister. Madrigaler blev skrevet af venetianerne A. Villart, C. de Pope, A. Gabrieli, mestrene i den romerske skole K. Festus og Palestrina. Madrigalistiske skoler eksisterede i Milano, Firenze, Ferrara, Bologna, Napoli. Madrigal 1500-tallet adskilte sig fra madrigalen i Ars nova-perioden i poesiens større rigdom og sofistikering. indhold, men hoved. hans sfære forblev kærlighedstekster, ofte pastorale, kombineret med en entusiastisk lovprisning af naturens skønheder. F. Petrarchs poesi havde stor indflydelse på madrigalens udvikling (mange af hans digte blev sat i musik af forskellige forfattere). Madrigalistiske komponister henvendte sig til værker af L. Ariosto, T. Tasso og andre store renæssancedigtere. I madrigalerne i det 16. århundrede. 4- eller 5-mål sejrede. et lager, der kombinerer elementer af polyfoni og homofoni. Førende melodisk. stemmen var kendetegnet ved det subtile udtryk. nuancer, fleksibel overførsel af detaljer poetisk. tekst. Den samlede sammensætning var fri og adlød ikke stroferne. princip. Blandt madrigalmestrene i det 16. århundrede. den fornemme hollænder J. Arkadelt, der arbejdede i Rom og Firenze. Hans madrigaler, udgivet i 1538-44 (6 bøger), blev genoptrykt mange gange og gengivet i dec. trykte og manuskripter. møder. Den højeste blomstring af denne genre er forbundet med det kreative. aktiviteter af L. Marenzio, C. Monteverdi og C. Gesualdo di Venosa i slutningen. 16 - tidligt. 17. århundrede Hvis Marenzio er karakteriseret ved sfæren af ​​tyndhed. lyrik. billeder, så er madrigalen i Gesualdo di Venosa og Monteverdi dramatiseret, udstyret med dybdepsykologisk. udtryk brugte de nye, usædvanlige midler til harmoni. sprog, skærpet intonation. wokkens udtryksevne. melodier. Plankebede er et rigt lag af I. m. sange og danse, kendetegnet ved melodiernes melodiøsitet, livlighed, brændende rytmer. For ital. danse er kendetegnet ved en størrelse på 6/8, 12/8 og et hurtigt, ofte voldsomt tempo: saltarello (optegnelser fra 13-14 århundreder er bevaret), relateret til ham pawnshop (dans fra Lombardiet) og forlan (venetiansk , friuliansk dans), tarantella (syditaliensk dans, som blev landsdækkende). Sammen med tarantellaen er Siciliana populær (størrelsen er den samme, men tempoet er moderat, melodiens karakter er anderledes - pastoral). Sicilianerne er tæt på barcarole (de venetianske gondoliers sang) og den toscanske risetto (lovsang, kærlighedsbekendelse). Klagende sange er almindeligt kendte - lamento (en type klagesang). Melodiens plasticitet og melodiøsitet, lyse lyrik og ofte understregede følsomhed er typiske for napolitanske sange, der er udbredt i Italien.

Nar. musik påvirkede prof. muser. skabelse. Den største enkelthed og nærhed til køjer. oprindelsen af ​​genrerne frottola og villanella var forskellig.

Renæssancen satte skub i udviklingen af ​​det musikteoretiske. tanker i Italien. Grundlaget for det moderne harmonilæren blev lagt af J. Tsarlino. Ons-århundrede. han modsatte sig læren om båndene med et nyt tonesystem med 2 grundlæggende. tilstande - dur og mol. I sine domme stolede Tsarlino primært på direkte auditiv perception og ikke på abstrakte skolastiske beregninger og numeriske operationer.

Den største begivenhed inden for imperialismen i begyndelsen af ​​det 16. og 17. århundrede. var fremkomsten af ​​operaen. Efter at have dukket op allerede i slutningen af ​​renæssancen, er operaen ikke desto mindre fuldstændig forbundet med dens ideer og kultur. Opera som selvstændig. genren voksede på den ene side fra teater. forestillinger fra det 16. århundrede, akkompagneret af musik, på den anden side - fra madrigalen. Musikken til t-ra er skabt af mange. berømte komponister fra det 16. århundrede Således skrev A. Gabrieli kor til Sofokles' tragedie "Ødipus" (1585, Vicenza). En af operaens forløbere var A. Polizianos The Legend of Orpheus (1480, Mantua). I madrigalen, midlerne til fleksibel, vil blive udviklet. inkarnationer af poesi. tekst i musik. En almindelig praksis med at udføre madrigaler af én sanger med instru. res. bragte dem tættere på typen af ​​wok. monodi, som blev grundlaget for det første Italien. opera. Til sidst. 1500-tallet genren madrigalkomedie opstod, i et snit af mimik. skuespillet blev ledsaget af en wok. episoder i madrigalstil. Et typisk eksempel på denne genre er O. Veccas "Amphiparnas" (1594).

I 1581 opstod en polemik. V. Galileis afhandling "En samtale om gammel og ny musik" ("Dialogo della musica antica et délia moderna"), hvori en syngende wok. deklamation (efter model fra den antikke) var i modsætning til "barbariet" i det midterste århundrede. polyfoni. Et uddrag af Dantes guddommelige komedie, som han satte i musik, skulle tjene som illustration af denne wok. stil. Galileos tanker blev støttet af en gruppe digtere, musikere og humanistiske videnskabsmænd, som forenede sig i 1580 på initiativ af den oplyste florentinske grev G. Bardi (den såkaldte florentinske Camerata). Medlemmerne af denne kreds skabte de første operaer - "Daphne" (1597-98) og "Eurydice" (1600) af J. Peri til teksten af ​​O. Rinuccini. Solo wok. dele af disse operaer med res. basso continuo opretholdes i recitation. måde er madrigallageret bevaret i korene.

Flere år senere blev musikken til "Eurydice" uafhængigt skrevet af sangeren og komponisten. J. Caccini, to-ry var også forfatteren til samlingen. solo kammersange med sop. "Ny musik" ("Le nuove musiche", 1601), hoved. på samme stilistiske. principper. Denne skrivestil blev kaldt "ny stil" (Stile nuovo) eller "billedstil" (Stile rappresentativo).

Prod. Florentinerne til en vis grad rationelle, deres værdi i hovedsagen. eksperimentel. De geniale muser pustede ægte liv i operaen. dramatiker, kunstner af det magtfulde tragiske talent K. Monteverdi. Han vendte sig til operagenren i voksenalderen, idet han allerede var forfatter til mange. åndelig op. og sekulære madrigaler. Hans første operaer "Orpheus" (1607) og "Ariadne" (1608) var post. i Mantua. Efter en længere pause optrådte Monteverdi igen som operakomponist i Venedig. Højdepunktet af hans opera-kreativitet - "The Coronation of Poppea" (1642), produktion. virkelig shakespearesk magt, kendetegnet ved dramatikkens dybde. udtryk, dygtig skulptur af karakterer, skarphed og spænding i konfliktsituationer.

I Venedig gik operaen ud over det snævre aristokratiske. kreds af kendere og er blevet et offentligt skue. I 1637 blev det første offentlige operahus "San Cassiano" åbnet her (ikke mindre end 16 sådanne teatre blev skabt i løbet af 1637-1800). Mere demokratisk. publikums sammensætning påvirkede også værkernes karakter. Mytologisk. emnet gav plads til det historiske. historier med ægte handling. personer, dram. og heroisk. begyndelsen var flettet sammen med komisk og nogle gange endda groft farceagtig. Wok. melodien fik stor melodiøshed; episoder af arious type. Disse træk, der er karakteristiske for de sene operaer af Monteverdi, blev videreudviklet i værket af F. Cavalli, forfatteren til 42 operaer, blandt hvilke den mest populære var operaen Jason (1649).

Operaen i Rom fik en ejendommelig farve under indflydelse af den katolske, der dominerede her. tendenser. Sammen med det antikke. mytologiske. plots ("The Death of Orpheus" - "La morte d" Orfeo "af S. Landi, 1619;" Chain of Adonis "-" La Caténa d "Adone" af D. Mazzocchi, 1626) religiøse trådte ind i operaen. temaer fortolket i Kristus. moraliserende plan. De fleste betyder. manuf. Romersk skole - operaen "St. Alexei" Landi (1632), kendetegnet ved sin melodiske. musikkens rigdom og dramatik, omkvædets overflod udviklet i tekstur. episoder. De første eksempler på tegneserien dukkede op i Rom. opera genre: "Lidelse, lad ham håbe" ("Che soffre, speri", 1639) V. Mazzocchi og M. Marazzoli og "Dal male il bene" ("Dal male il bene", 1653) A. M. Abbatini og Marazzoli.

K ser. 17. århundrede opera afveg næsten fuldstændigt fra principperne for renæssancens æstetik, forsvaret af den florentinske Camerata. Dette bevises af M.A.Chests arbejde, der er forbundet med den venetianske operaskole. I hans forfatterskab et ophidset drama. recitativet modarbejdes af en blød melodisk melodi, rollen som afrundede woks er øget. tal (ofte til skade for det dramatiske. Handlingens begrundelse). Æresoperaen "Det Gyldne Æble" ("Il porno d" oro ", 1667), pompøst iscenesat i Wien i anledning af kejser Leopold I's bryllup, blev prototypen på de ceremonielle paradeforestillinger, som siden er blevet udbredt i Europa. Det er ikke længere en rent italiensk opera, - skriver R. Rolland, - det er en type international hofopera".

Fra slutningen. 17. århundrede ledende rolle i udviklingen af ​​ital. operaen overgik til Napoli. Den første store repræsentant for den napolitanske operaskole var F. Provenzale, men dens sande leder var A. Scarlatti. Forfatteren til adskillige operaværker (over 100) godkendte den typiske italienske struktur. opera-seria, bevaret uden skabninger. ændringer til slutningen. 1700-tallet Hovedkvarter et sted i denne type opera hører til arie, normalt den 3-delte da capo; recitativ tildeles en servicerolle, betydningen af ​​kor og ensembler minimeres. Men lyst melodisk. Scarlattis gave, polyfonisk færdighed. breve, utvivlsomt dramatiker. intuitionen tillod komponisten, på trods af alle begrænsningerne, at opnå en stærk, imponerende effekt. Scarlatti udviklede og berigede både vokal og instrumental. operaformer. Han udviklede en typisk italiensk struktur. en operaouverture (eller en symfoni, ifølge den terminologi, der blev vedtaget på det tidspunkt) med hurtige ekstremafsnit og en langsom midterepisode, som blev prototypen på symfonien, som den står. konc. arbejder.

I tæt tilknytning til opera udviklede der sig en ny genre af ekstralitterær musik. religion isk-va - oratorium. Opstår fra religioner. oplæsninger, akkompagneret af polygonal sang. laud, hun fik sin egen. færdig. form i J. Karissimis værker. I oratorier, skrevet mest om bibelske temaer, berigede han de operaformer, der havde udviklet sig i midten. 17. århundrede, resultater af koret. konc. stil. Blandt de komponister, der udviklede denne genre efter Carissimi, skilte A. Stradella sig ud (hans personlighed blev legendarisk på grund af hans eventyrlige biografi). Han introducerede elementer af dramaer i oratoriet. patetiske og egenskaber. Næsten alle komponister fra den napolitanske skole var opmærksomme på oratorie-genren, selvom oratoriet i sammenligning med opera indtog en sekundær plads i deres arbejde.

En beslægtet genre af oratorium er en kammerkantate for én, nogle gange 2 eller 3 stemmer med sopr. basso continuo. I modsætning til oratoriet var sekulære tekster fremherskende i det. De mest fremtrædende mestre i denne genre er Carissimi og L. Rossi (en af ​​repræsentanterne for den romerske operaskole). Ligesom oratoriet spillede kantaten meningen. rolle i produktionen af ​​wok. former, der er blevet typiske for napolitansk opera.

Inden for kultmusikken i 1600-tallet. domineret af ønsket om ydre, prangende storhed, opnået af Ch. arr. på grund af mængder. effekt. Princippet om polychorus, udviklet af mestrene i den venetianske skole, blev hyperbolsk. vægt. I nogle produktioner. brugt op til tolv 4-mål. kor. Kæmpe kor. kompositioner blev suppleret med talrige. og forskellige grupper af instrumenter. Denne storslåede barokstil blev specielt udviklet i Rom, og erstattede den strenge, beherskede stil hos Palestrina og hans tilhængere. De mest fremtrædende repræsentanter for den sene romerske skole er G. Allegri (forfatter af den berømte Miserere, optaget af W. A. ​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Samtidig er den såkaldte. "koncertstil", tæt på den tidlige italieners ario-recitative sang. operaer, som eksempler på er de hellige koncerter af A. Bancieri (1595) og L. Viadana (1602). (Viadana blev tilskrevet, som det senere viste sig, uden tilstrækkelig begrundelse, opfindelsen af ​​den digitale bas.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi og andre komponister, som bragte dem til kirken, skrev på samme måde. musikelementer af opera eller kammerkantate.

Intensiv søgen efter nye former og virkemidler for muser. udtryksfuldhed dikteret af ønsket om at legemliggøre det rige og alsidige humanistiske. indhold, blev gennemført inden for instr. musik. En af de største mestre i org. og klavermusik fra før-Bach-perioden var G. Frescobaldi - en genial komponist. individualitet, en strålende virtuos på orgel og cembalo, som blev berømt herhjemme og i andre Europa. lande. Han bragte det ind i traditionen. rigere bilformer, fantasier, toccata, træk af intens udtryksfuldhed og følelsesfrihed, berigede det melodiske. og harmonisk. sprog, udviklet polyfonisk. struktur. I hans produktion. krystalliseret klassisk. en type fuga med klart identificerede tonale forhold og fuldstændighed af den generelle plan. Frescobaldis værk er toppen af ​​italiensk. org. retssag. Hans innovative erobringer fandt ikke fremragende tilhængere i selve Italien; de blev videreført og udviklet af komponister fra andre lande. I ital. instr. musik fra 2. sal. 17. århundrede hovedrollen overgik til bueinstrumenter og frem for alt til violinen. Dette skyldtes blomstringen af ​​violinens scenekunst og forbedringen af ​​selve instrumentet. I 17-18 århundreder. i Italien opstod dynastier af berømte violinmagere (familierne Amati, Stradivari, Guarneri), hvis instrumenter er forblevet uovertrufne den dag i dag. Fremragende violinvirtuoser var for det meste også komponister, nye teknikker til violinsolo-opførelse blev konsolideret i deres arbejde, nye muser blev udviklet. formularer.

Ved overgangen til det 16. og 17. århundrede. i Venedig udviklede genren triosonate - en flerstemmig produktion. for 2 soloinstrumenter (oftere violiner, men de kunne erstattes af andre instrumenter af den tilsvarende tessitura) og bas. Der var 2 varianter af denne genre (begge tilhørte området for sekulær kammermusikproduktion): "kirkesonate" ("sonate da chiesa") - en 4-delt cyklus, hvor langsomme og hurtige dele vekslede, og "kammer sonata" ("sonate da camera"), bestående af flere. dansestykker. karakter, tæt på suiten. Den videre udvikling af disse genrer er særlig vigtig. rollen blev spillet af Bologna-skolen, som præsenterede en strålende galakse af violinkunstmestre. Blandt dets højtstående repræsentanter er M. Cazzati, J. Vitali, J. Bassani. En æra i violin- og kammerensemblemusikkens historie var værket af A. Corelli (Bassanis elev). Den modne periode af hans aktivitet var forbundet med Rom, hvor han skabte sin egen skole, repræsenteret af navne som P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis. I Corellis arbejde blev dannelsen af ​​triosonaten fuldført. Han udvidede og berigede forestillingen. bueinstrumenternes muligheder. Han tilhører også en cyklus af sonater for soloviolin med res. cembalo. Denne nye genre, der opstod i con. 1600-tallet, markerede afslutningen. påstanden er monodisk. princip i instr. musik. Corelli skabte sammen med sin samtidige G. Torelli concerto grosso - den vigtigste form for kammerorkestermusik frem til midten af ​​det 18. århundrede.

Til slutningen. 17 - tidligt. 1700-tallet øget internationalt. I. m. Mn's herlighed og myndighed. udenlandsk musikere blev trukket til Italien for at færdiggøre deres uddannelse og modtage godkendelse, hvilket sikrede anerkendelse i deres hjemland. Som lærer var han især berømt for musikeren af ​​stor lærdom, komp. og teoretikeren JB Martini (kendt som Padre Martini). K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, A. Gretri brugte hans råd. Takket være ham, Bologna Philharmonic. Akademiet er blevet et af de største musikcentre i Europa. uddannelse.

Ital. komponister fra det 18. århundrede vigtigste opmærksomhed blev lagt på operaen. Kun få af dem holdt sig væk fra operahuset, der tiltrak et bredt publikum fra alle samfundslag. Operaproduktion af dette århundrede, gigantisk i volumen, blev skabt af komponister af forskellige typer. talentskala, blandt hvilke der var mange talentfulde kunstnere. Operaens popularitet blev fremmet af det høje niveau af vokalkunstnere. kultur. Sangerne var ved at forberede Ch. arr. i udestuer - børnehjem, som opstod i 1500-tallet. I Napoli og Venedig - de vigtigste centre i den italienske. operalivet i 1700-tallet. der var 4 udestuer, hvori muser. uddannelse blev ledet af de største komponister. Sanger og komp. F. Pistocchi grundlagt i Bologna (ca. 1700) speciel. korist. skole. Enestående wok. læreren var N. Porpora, en af ​​den napolitanske skoles mest produktive operakomponister. Blandt de berømte kunstmestre i bel canto i det 18. århundrede. - hovedmandens kunstnere. castratisangerne A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (med tilnavnet Senesino), Farinelli, G. Crescentini, som havde en virtuos wok, spillede roller i opera-serien. teknik kombineret med en blød og let stemmeklang; sangere F. Bordoni, F. Cuzzoni, K. Gabrielli, V. Tezi.

Ital. operaen nød privilegier. position i det meste af Europa. hovedstæder. Hun vil blive tiltrukket. styrke viste sig også i, at pl. komponister fra andre lande skabte operaer på italiensk. tekster i den napolitanske skoles ånd og traditioner. Det fik selskab af spanierne D. Perez og D. Terradellas, tyskeren I. A. Hasse, tjekken J. Myslivechek. I mainstream af samme skole strømmede det. en del af aktiviteterne i GF Handel og KV Gluck. For ital. operascener blev skrevet af russisk. komponister - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

Men allerede i løbet af levetiden for lederen af ​​den napolitanske operaskole A. Scarlatti, skaberen af ​​opera-serien, blev kunsten iboende i den afsløret. modsigelser tjente to-rye som grund til hård kritik. taler imod hende. I begyndelsen. 20'erne 1700-tallet satirikeren dukkede op. pjecemuser. teoretiker B. Marcello, hvori latterliggjorde operalibres absurde konventioner, forsømmelsen af ​​dramakomponisterne. handlingens betydning, primadonnaernes og de kastrerede sangeres formastelige uvidenhed. For manglen på dyb etik. indhold og misbrug af eksternaliteter kritiseret sovr. jeg er en italiensk opera. oplyser F. Algarotti i "Essay on the Opera" ("Saggio sopra l" orera in musica ... ", 1754) og encyklopædiforsker E. Arteaga i værket" The Revolution of the Italian Musical Theatre "(" Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente ", v. 1-3, 1783-86).

Librettistdigterne A. Zeno og P. Metastasio har udviklet en stabil struktur af historisk og mytologisk. opera-serier, hvor dramaernes karakter var strengt reguleret. intriger, antal og forhold mellem skuespillere, typer af solowokker. værelser og deres placering i det naturskønne. handling. I overensstemmelse med lovene i det klassicistiske drama gav de operaen kompositionens enhed og harmoni, befriede den fra at blande tragisk. elementer med komiske og farceagtige. Samtidig er disse dramatikeres operatekster præget af aristokraternes træk. galanteri, skrevet i et kunstigt, manéret sofistikeret sprog. Opera serie, isp. et snit var ofte tidsbestemt til at komme. festlighederne, måtte ende med den obligatoriske sikre slutning, var hendes karakterers følelser betingede og usandsynlige.

Alle R. 1700-tallet der var en tendens til at overvinde opera-seriens etablerede klicheer og en tættere forbindelse mellem musik og drama. handling. Dette førte til styrkelsen af ​​rollen som den ledsagede recitativ, berigelse af orken. farver, udvidelse og dramatisering af omkvædet. scener. Disse innovative tendenser kom mest levende til udtryk i N. Jommellis og T. Traettas værker, som delvist forberedte den operatiske reform af Gluck. I operaen Iphigenia i Taurida formåede Traetta, ifølge G. Abert, "at rykke frem til selve porten til Glucks musikdrama." Komponisterne af den såkaldte. A. Sacchini og A. Salieri var overbeviste tilhængere og tilhængere af Gluck-reformen.

Den stærkeste modstand er betinget heroisk. opera-serien blev komponeret af en ny demokratisk. opera-buffa genre. Klokken 17 og tidligt. 1700-tallet tegneserie. operaen blev kun præsenteret i isolerede prøver. Hvordan de står på egen hånd. genre begyndte hun at danne blandt seniormestrene i den napolitanske skole L. Vinci og L. Leo. Første klassiker et eksempel på operabuffaen er Pergolesis "The Maid-Lady" (oprindeligt brugt som et mellemspil mellem handlingerne i hans egen operaserie "The Proud Prisoner", 1733). Realisme af billeder, livlighed og skarphed af muser. egenskaber bidrog til den bredeste popularitet af mellemspillet JB Pergolesi i flertal. lande, især i Frankrig, hvor hendes post. i 1752 tjente som drivkraften til fremkomsten af ​​en voldsom æstetik. polemik (se "War of the Buffons") og bidrog til dannelsen af ​​franskmændene. nat. tegneserie type. opera.

Uden at miste kontakten til køjen. rødder, italiensk. opera buffa udviklede senere mere udviklede former. I modsætning til opera-serien sejrede solo-wokken i et snit. begyndelsen, i tegneserien. Operaensembler fik stor betydning. De mest udviklede ensembler blev placeret i livlige, hastigt udfoldede finaler, som var en slags knob af komedie-intriger. N. Logroshino anses for at være skaberen af ​​denne type effektive afsluttende ensembler. K. Goldoni, en fremtrædende italiener, havde en frugtbar indflydelse på udviklingen af ​​opera buffa. en komiker fra det 18. århundrede, der i sit arbejde reflekterede oplysningsrealismens ideer. Han var forfatter til en række operabiblioteker, hvoraf de fleste var komponeret af en af ​​de fremragende italienske mestre. tegneserie. opera den venetianske B. Galuppi. I 60'erne. 1700-tallet i operaen manifesteres buffa sentimentalistiske tendenser (f.eks. N. Piccinnis opera om Goldonis tekst "Chekkina, or the Good Daughter", 1760, Rom). Opera buffa nærmer sig typen af ​​"filistinsk drama" eller "tårefuld komedie", der afspejler moral. idealer af den tredje stat på tærsklen til den store franske. revolution.

N. Piccinnis, G. Paisiellos og D. Cimarosas arbejde er det sidste, højeste trin i udviklingen af ​​operabuffa i det 18. århundrede. Deres produktioner forbinder komiske elementer med følelser. patetisk, melodisk. rigdom med en række forskellige former, livlighed, ynde og mobilitet af musikken er blevet bevaret i opera-repertoiret. På mange måder henvendte disse komponister sig til Mozart og forberedte værket af en af ​​de største italienere. operakomponister fra det næste århundrede G. Rossini. Visse træk ved opera-buffaen blev assimileret af den senere opera-serie, hvilket resulterede i større fleksibilitet i dens former, enkelhed og spontanitet i det melodiske. udtryk.

Midler. bidraget blev ydet af ital. komponister fra det 18. århundrede i udvikling dekomp. genrer af instr. musik. Inden for violinkunst var den største mester efter Corelli G. Tartini. Han fortsatte, efter sine forgængere, med at dyrke genrerne soloviolinsonate og triosonate, fyldte dem med ny lys udtryksfuldhed, berigede violinspillets teknikker, udvidede rækkevidden af ​​dens klang, som var sædvanlig for den tid. Tartini skabte sin egen skole, kaldet Padua (efter byen Padua, hvor han tilbragte det meste af sit liv). Hans elever var P. Nardini, P. Albergi, D. Ferrari. I 2. sal. 1700-tallet udfoldet sig som virtuos-performer. og kreative. aktiviteter i G. Punyani, den største italiener. klassisk violinist æra. Blandt dens mange. elever især berømte J. B. Viotti, i hvis arbejde undertiden føles allerede romantisk. tendenser.

Orc. concerto grosso som fed og original. den innovative kunstner var A. Vivaldi. Han dramatiserede denne form, introduceret sammen med dynamik. kontrasterende store og små grupper af instrumenter (tutti og concertino) tematisk. kontraster inden for afdelingen. dele, etableret en 3-delt struktur af cyklussen, som er bevaret i klassikeren. instr. koncert. (Vivaldis violinkoncerter blev meget værdsat af J.S.Bach, som transskriberede nogle af dem til klaver og orgel.)

I triosonaterne af J. B. Pergolesi er træk fra præ-klassisk musik mærkbare. "galant" stil. Deres lette, gennemsigtige tekstur er næsten udelukkende homofonisk, melodien er kendetegnet ved blød melodiøsitet og ynde. En af de komponister, der direkte forberedte blomstringen af ​​det klassiske. instr. musik, var J. Sammartini (forfatter til 78 symfonier, mange sonater og koncerter for forskellige instrumenter), i kraft af kreativitet tæt på repræsentanterne for Mannheim og de tidlige wienske skoler. L. Boccherini kombinerede i sit værk elementer af galant følsomhed med præ-romantik. ophidset patos og nærhed til køjer. kilder. Du vil bemærke. cellist, han berigede solocellolitteraturen, var en af ​​grundlæggerne af den klassiske musik. som en buet kvartet.

Kunstneren er en livlig og rig kreativ kunstner. fantasy, udvidede og opdaterede D. Scarlatti klavermusikkens figurative struktur og midler til udtryksfuldhed. Hans sonater for cembalo (forfatteren kaldte dem "øvelser" - "Essercizi per gravicembalo"), der slår en række karakter- og præsentationsteknikker i øjnene, er en slags encyklopædi over klaverkunst fra den æra. I klare og kortfattede sonater skærpes Scarlattis tematik. kontraster, klart skitseret DOS. afsnit af sonateudstillingen. Efter Scarlatti udviklede klaversonaten sig i værker af B. Galuppi, D. Alberti (hvis navn er forbundet med definitionen af ​​Alberti-bas), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa. M. Clementi, efter at have assimileret nogle af siderne af D. Scarlattis måde (som især kom til udtryk i skabelsen af ​​12 sonater "i stil med Scarlatti"), kommer så tættere på mestrene i den udviklede klassiske . stil, og nogle gange nærmer sig oprindelsen af ​​romantisk. virtuositet.

N. Paganini åbnede en ny æra i violinkunstens historie. Som performer og komponist var han en typisk romantisk kunstner. lager. Hans spil gjorde et uimodståeligt indtryk ved at kombinere stor virtuositet med brændende fantasi og passion. Mn. manuf. Paganini ("24 Caprices" for soloviolin, koncerter for violin og orkester osv.) er stadig uovertrufne eksempler på virtuos violinlitteratur. De påvirkede ikke kun hele den efterfølgende udvikling af violinmusik i det 19. århundrede, men også arbejdet hos de største repræsentanter for romantikeren. pianisme - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini var den sidste af de store italienere. mestre, der arbejdede inden for værktøjsområdet. musik. I det 19. århundrede. komponisters og offentlighedens opmærksomhed var næsten udelukkende nittet til operaen. Ved overgangen til 18-19 århundreder. opera i Italien oplevede en periode med velkendt stagnation. Traditioner. typer opera-seria og opera-buffa havde på det tidspunkt allerede udtømt deres muligheder og kunne ikke udvikle sig. Kreativitet af den største italiener. operakomponist fra denne tid G. Spontini fortsatte uden for Italien (i Frankrig og Tyskland). Forsøg fra S. Mayr (tysk af nationalitet) på at støtte opera-seriens traditioner (ved at pode visse lånte elementer) viste sig at være eklektiske. F. Paer, der tiltrak opera-buffa, introducerede ikke noget væsentligt nyt i denne genre i sammenligning med Paisiellos og Cimarosas værker. (I musikhistorien er Paers navn blevet bevaret som forfatter til operaen Leonora, eller ægteskabelig kærlighed, baseret på teksten af ​​J. Bouilly, der fungerede som kilde til Beethovens vægt. Fidelio.)

Høj blomstring af italiensk. operaer i det 19. århundrede. var forbundet med aktiviteterne i G. Rossini - en komponist begavet med uudtømmelig melodisk. opfindsomhed, livligt, sprudlende temperament og umiskendelig dramatiker. flair. Det generelle opsving i italiensk blev afspejlet i hans arbejde. kultur forårsaget af væksten af ​​patriotiske. national-vil udgivelse. aspirationer. Dybt demokratisk., Nar. ved sin oprindelse var Rossinis opera-kreativitet henvendt til en bred vifte af lyttere. Han genoplivede nat. type opera-buffa og pustede nyt liv i den, skærpede og uddybede handlingernes karakteristika. personer, hvilket bringer dem tættere på virkeligheden. Hans "Barberen fra Sevilla" (1816) er toppen af ​​italiensk. tegneserie. opera. Rossini kombinerer det komiske princip med det satiriske, det frie. nogle af hans operaer indeholder direkte hentydninger til samfund. og polit. datidens atmosfære. I operaer, heltedramaer. karakter, overvandt han især opera-seriens frosne klicheer, idet han lagde særlig vægt på omkvædet. begyndelsen. Plankebedene udvikles bredt. scener i Rossinis sidste opera "Wilhelm Tell" (1829) om den nationale befrielse. plot, fortolket i en romantisk. plan.

Romantisk får et levende udtryk. tendenser i værkerne af V. Bellini og G. Donizetti, hvis aktiviteter udviklede sig i 30'erne. 1800-tallet, da bevægelsen nat. vækkelse (Risorgimento) i Italien gik ind i en afgørende fase i kampen for enhed og politisk. landets uafhængighed. I Bellinis opera Norma (1831) og Puritanerne (1835) høres den nationale befrielse tydeligt. motiver, selvom hovedvægten af ​​komponisten lægges på heltenes personlige drama. Bellini var en mester i at udtrykke. romantisk. cantilena, hvilket vakte beundring hos MI Glinka og F. Chopin. Donizetti har en længsel efter stærke dramaer. effekter og gribende positioner hældes nogle gange i opstyltet melodrama. Derfor er det en fantastisk romantisk. operaer ("Lucretia Borgia", efter V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", ifølge W. Scott, 1835) viste sig at være mindre levedygtige end produktioner. komedie genre ("Love Potion", 1832; "Don Pasquale", 1843), i hvilken tradition. skriv ital. opera-buffa fik nye funktioner: betydningen af ​​genrebaggrunden steg, melodien blev beriget med intonationer af hverdagsromantik og sang.

Værket af J.S. Mercadante, G. Pacini og nogle andre komponister fra samme periode adskilte sig ikke i deres egen ret. individuelle træk, men afspejlede en generel tendens til at dramatisere operaformen og berige musikken. midler. I denne henseende var de umiddelbare. forgængere til G. Verdi - en af ​​de største operadramatikere ikke kun på italiensk, men også i musernes verden. t-ra.

Tidlige operaer af Verdi, som dukkede op på scenen i 40'erne. 1800-tallet, endnu ikke helt uafhængig stilistisk ("Nabucco", "Lombards i det første korstog", "Ernani"), vakte publikums glødende begejstring med deres patriotiske. patos, romantisk. opstemthed af følelser, heltemod og kærlighed til frihed. I produktion 50'erne ("Rigoletto", "Troubadour", "La Traviata") opnåede han en stor psykologisk. dybde af billeder, styrke og sandfærdighed af legemliggørelsen af ​​akutte, intense åndelige konflikter. Wok. Verdis forfatterskab frigøres fra ydre virtuositet, passageornamentik og bliver et organisk integreret element i det melodiske. linjer, erhvervet ekspres. betyder. I operaer fra 60-70'erne. ("Don Carlos", "Aida") søger han yderligere at afsløre brede lag af dramaer. handlinger i musik, styrkelse af orkestrets rolle, berigelse af muserne. Sprog. I en af ​​sine sidste operaer - "Othello" (1886) kom Verdi til skabelsen af ​​slutningen. muser. dramaer, hvor musik er uløseligt forbundet med handling og fleksibelt formidler alt psykologisk. nuancer.

Tilhængere af Verdi, inkl. A. Ponchielli, forfatteren til den populære opera La Gioconda (1876), kunne ikke berige sine operaprincipper med nye skabninger. præstationer. Samtidig mødte Verdis værk modstand fra tilhængerne af Wagners musikdramaer. reformer. Wagnerismen havde dog ikke dybe rødder i Italien, Wagners indflydelse afspejledes hos nogle komponister ikke så meget i principperne for operadrama som i harmoniske teknikker. og ork. bogstaver. Wagnerske tendenser blev afspejlet i operaen "Mephistopheles" af Boito (1868), for at du skulle flytte væk fra ekstremerne af forelskelsen i Wagner.

Til sidst. 19. århundrede verisme blev udbredt i Italien. Den store succes med operaerne Rural Honor af Mascagni (1890) og Pagliacci af Leoncavallo (1892) bidrog til etableringen af ​​denne tendens som dominerende på italiensk. operativ kreativitet. U. Giordano (blandt hans værker den mest berømte opera "André Chénier", 1896), sluttede F. Chilea sig til verism.

Arbejdet fra den største italiener var også forbundet med denne tendens. operakomponist efter Verdi - G. Puccini. Hans produktion. normalt dedikeret almindelige menneskers drama, vist på en farverig husstandsbaggrund. Samtidig er Puccinis operaer fri for det naturalistiske, der ligger i verismen. djævelen, adskiller sig i større subtilitet psykologisk. analyse, sjælfuld lyrik og ynde ved at skrive. Tro mod de bedste italienske traditioner. bel canto, skærpede Puccini erklæringen. wokkens udtryksevne. melodik, stræbte efter en mere detaljeret gengivelse af talenuancer i sang. Farverig harmonisk. og ork. sproget i hans operaer indeholder visse elementer af impressionisme. I sine første modne produktioner. (La Bohème, 1896; Tosca, 1900) Puccini er stadig forbundet med italiensk. 1800-tallets operatradition, i fremtiden blev dens stil mere kompliceret, udtryksmidler fik større skarphed og koncentration. Et ejendommeligt fænomen på italiensk. operakunst - værket af E. Wolf-Ferrari, to-ry forsøgte at modernisere klassikeren. type opera-buffa, der kombinerer sin tradition. former med stilistiske middel til senromantik ("Nysgerrige kvinder", 1903; "Fire tyranner", 1906, om Goldonis plot). R. Dzandonai, der hovedsageligt gik langs verismens vej, nærmede sig nogle af de nye muser. strømninger i det 20. århundrede.

Høje præstationer af ital. opera klokken 19 - tidligt. 20. århundrede var forbundet med den strålende opblomstring af wok-optræden. kultur. italienske traditioner. bel canto, dannet i det 19. århundrede, er videreudviklet i kunsten af ​​flere. generationer af verdensberømte sangere. Samtidig får deres optræden nye funktioner, bliver mere lyriske og dramatisk udtryksfulde. Den sidste fremragende repræsentant for en ren virtuos facon, der donerede til drama. indhold af hensyn til lydens skønhed og tekniske. stemmens mobilitet, var A. Catalani. Blandt de italienske mestre. wok. skoler 1. sal. 1800-tallet, dannet på basis af Rossinis, Bellinis og Donizettis operaværker - sangerne Giuditta og Julia Grisi, J. Pasta, sangerne G. Mario, J. B. Rubini. I 2. sal. 19. århundrede en galakse af "Verdi"-sangere kommer i forgrunden, som sangerne A. Bosio, B. og K. Marchisio, A. Patti tilhørte, sangerne M. Battistini, A. Mazini, J. Anselmi, F. Tamagno , E. Tamberlik og andre I det 20. århundrede. herlighed ital. operaer blev støttet af sangerne A. Barbie, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. og L. Tetrazzini, sangerne J. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo og dr.

Fra slutningen. 19. århundrede operaens betydning i Italiens arbejde. komponister svækkes, og der er en tendens til at flytte fokus til instr. genrer. Genoplivningen af ​​den aktive kreative. interesse for værktøjer. musikken blev fremmet af J. Sgambatis aktiviteter (vandt anerkendelse i Europa som pianist og dirigent) og G. Martucci. Men begge komponisters arbejde, som udviklede sig under indflydelse af F. Liszt og R. Wagner, var ikke selvstændigt nok.

Som varsler om ny æstetik. ideer og stilprincipper har stor indflydelse på hele Europas udvikling. det 20. århundredes musik forudsat F. Busoni - en af ​​sin tids største pianister, en stor komponist og kunstteoretiker. Begrebet "nyklassicisme" blev fremført for dem, et snit, han modsatte sig på den ene side impressionistisk. flydende billeder, undvigelse af nuancer, på den anden side - "anarki" og "vilkårlighed" af Schönbergs atonalisme. Din kreative. Busonis principper blev implementeret i værker som "Counterpoint Fantasy" (1921), "Improvisation on a Bach Chorale" for 2 fp. (1916), samt operaerne "Harlequin, or Window", "Turandot" (begge post. 1917), hvor han opgav den udviklede wok. stilen på deres Italien. forgængere og stræbte efter at nærme sig den type gamle køjer. komedie eller slapstick.

I neoklassicismens mainstream tog italiensk kreativitet form. komponister, nogle gange forenet under navnet. "grupper fra 1880'erne." - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. De søgte at genoplive traditionerne fra den store nat. muser. fortid, med henvisning til former og stilistiske. receptioner ital. Barok og gregorianske sangmelodier. Propagandist og forsker i tidlig musik, Malipiero publ. kollektion værker af K. Monteverdi, instr. manuf. A. Vivaldi og manges glemte arv. ital. komponister fra det 17. og 18. århundrede I sit arbejde bruger han formerne fra den gamle baroksonate, richercar osv. Hans opera, DOS. på ekspres. wok. recitationer og sparsomme midler til ork. res., afspejler det kommende i 20'erne. reaktion mod verisme. Casellas neoklassicistiske tendenser blev manifesteret i "Partita" for php. med orkester (1925), suite "Scarlattiana" (1926), noget musikteater. manuf. (for eksempel kammeroperaen The Legend of Orpheus, 1932). Samtidig vendte han sig mod italiensk. folklore (rapsodi for orkester "Italien", 1909). Hans farverige ork. brevet blev udviklet i vid udstrækning under indflydelse af russisk. og fransk. skoler (orkestreringen af ​​Balakirevs Islamei var en hyldest til hans passion for russisk musik). Pizzetti introducerede religiøst-moraliserende elementer i sine operaer og mættede muserne. sprog med intonationer af den gregorianske sang, uden samtidig at bryde med italienske traditioner. operaskole i det 19. århundrede. Flere en særlig plads i denne gruppe af komponister indtager værket af O. Respighi, orkens mester. lydskrift (dannelsen af ​​hans arbejde var påvirket af lektionerne fra N. A. Rimsky-Korsakov). I symf. Respighis digte ("Roman Fountains", 1916; "Pines of Rome", 1924) giver levende billeder af nar. liv og natur. Neoklassicistiske tendenser blev kun delvist afspejlet i hans senere arbejde. En mærkbar rolle i I. m. 1. sal. 20. århundrede spillet af F. Alfano, en fremtrædende repræsentant for veristbevægelsen (operaen Resurrection baseret på Leo Tolstojs roman, 1904), som derefter udviklede sig til impressionisme; M. Castelnuovo-Tedesco og V. Rieti, to-rye i begyndelsen. 2. Verdenskrig 1939-45 af politisk. motiver forlod deres hjemland og slog sig ned i USA.

I slutningen af ​​40'erne. 20. århundrede hos I. m. forekommer mærkbare Stilforskydninger. Nyklassicismens tendenser afløses af strømninger, der i en eller anden form udvikler principperne for den nye wienerskole. Vejledende i denne henseende er kreativt. evolution af G. Petrassi, to-ry, efter at have oplevet indflydelsen fra A. Casella og I. F. Stravinsky, flyttede først til positionen af ​​fri atonalitet og derefter - streng dodekafoni. Den største komponist i denne periode, I. M. - L. Dallapikkola, hvis værk vakte stor opmærksomhed efter 2. Verdenskrig. I hans produktion. 40'erne og 50'erne kendetegnene ved ekspressionisme og slægtskab kommer til udtryk. til A. Bergs værk. De bedste af dem legemliggør det humanistiske. protest mod tyranni og grusomhed (kor. triptykon "Songs of Prisoners", 1938-1941; opera "The Prisoner", 1944-48), hvilket gav dem en vis antifascistisk orientering.

Blandt komponisterne af den yngre generation, som rykkede frem efter Anden Verdenskrig, opnåede L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderno, R. Malipiero m.fl. berømmelse. Deres arbejde er forbundet med div. . strømninger af avantgardisme - post-weberiansk serialisme, sonoristik (se Seriel musik, Sonorisme), aleatorik, og er en hyldest til den formelle søgen efter nye lydmidler. Berio og Maderno d. i 1954 i Milano "Studio of Phonology", som udførte eksperimenter inden for elektronisk musik. Samtidig forsøger nogle af disse komponister at forene de såkaldte. nye måder at udtrykke muserne på. avantgarde med genreformer og musikteknikker fra 16-17 århundreder.

En særlig plads i det moderne. I. m. Tilhører den kommunistiske komponist L. Nono, en aktiv forkæmper for fred. Han vender sig i sit arbejde til vor tids mest akutte temaer og forsøger at legemliggøre det internationales ideer. broderskab og solidaritet mellem arbejdere, protest mod imperialisten. undertrykkelse og aggression. Men avantgardekunstens midler, som Nono bruger, modsiger ofte hans ønske om direktehed. agitation. indvirkning på brede masser af lyttere.

Bortset fra avantgarde-tendenserne er J.C. Menotti - italiensk. komponist, der bor og arbejder i USA. I hans værk, der hovedsageligt er forbundet med operatisk t-rom, får elementer af verisme en vis ekspressionistisk farve, mens søgen efter sandfærdig taleintonation fører ham til en delvis tilnærmelse til M.P. Mussorgsky.

I muser. Italiens liv spiller fortsat en vigtig rolle i den operatiske tr. En af de fremragende operagrupper i verden er Teatro alla Scala i Milano, som har eksisteret siden 1778. De ældste opera-t-rams i Italien omfatter også San Carlo i Napoli (grundlagt i 1737), Fenice i Venedig (grundlagt i 1792) ). Store kunstarter. Det romerske operahus (åbnet i 1880 under navnet Costanzi-teatret, siden 1946 det romerske operahus) fik betydning. Blandt de mest fremtrædende moderne. ital. operakunstnere - sangere G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; sangere J. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, J. Di Stefano.

Stor indflydelse på udviklingen af ​​opera og symfoni. kultur i Italien blev leveret af A. Toscanini, en af ​​de største dirigenter i det 20. århundrede. Fremtrædende repræsentanter for musik. kunstværker er udført af P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Cecchi; pianist A. Benedetti Michelangeli; violinist J. De Vito; cellist E. Mainardi.

Fra begyndelsen. 20. århundrede intensiv udvikling modtaget i Italien musik-forskning. og kritisk tanke. Midler. bidrag til studiet af muser. arv blev bragt af musikforskerne G. Barblan (præsident for det italienske selskab for musikvidenskab), A. Bonaventura, J. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, J. Radi-Chotti, L. Torquay, F. Torrefranca og andre M. Dzafred og M. Mila arbejder overvejende. inden for muser. kritik. En række muser udgives i Italien. magasiner, inkl. "Rivista Musicale italiana" (Torino, Milano, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi "(Milano, 1919-40, 1958-)," La Rassegna Musicale "(Torino, 1928-40) ; Rom, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milano, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Torino, 1964-) osv.

Der er udgivet en række encyklopædier, dedikeret til musik og t-ru, inkl. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62).

Blandt specialerne. muser. uch. de største institutioner er konservatorierne: "Santa Cecilia" i Rom (grundlagt i 1876 som et musikalsk lyceum, siden 1919 - et konservatorium); navnet på J. B. Martini i Bologna (siden 1942; grundlagt i 1804 som et musikalsk lyceum, siden 1914 fik det status som et konservatorium); dem. Benedetto Marcello i Venedig (siden 1940, grundlagt i 1877 som et musikalsk lyceum, siden 1916 har det været sidestillet med en højere skole); Milano (grundlagt i 1808, opkaldt efter G. Verdi i 1901); dem. L. Cherubini i Firenze (grundlagt i 1849 som et musikalsk institut, derefter en musikskole, et musikakademi, siden 1912 - et konservatorium). Prof. musikere er også uddannet i dig i musikkens historie på universiteter, Pavelige Ambrosiske Institut for Hellig Musik osv. I disse uch. institutioner, samt ved Instituttet for undersøgelse af Verdis arv er musikforsker. Job. I Venedig grundlagde Intern. center for propaganda ital. musik, to-ry arrangerer årligt sommerkurser ("musikalske ferier") om studiet af oldtidens italiensk. musik. Ambrosian Library og Library of the Milano Conservatory har en omfattende samling af noder og bøger om musik. Lagrene af gamle instrumenter, noder og bøger er almindeligt kendte (koncentreret i biblioteket på Bologna Philharmonic Academy, i biblioteket hos G.B. Martini og i arkivet i San Petronio-kapellet i Bologna). De rigeste materialer om italiensk historie. musik har nat. bibliotek af Marciana, bibliotek af D. Chini Foundation og Museum of Muses. instrumenter på konservatoriet i Venedig.

I Italien er der talrige. muser. tilrettelægge og udføre. kollektiver. Almindelig symfoni. koncerter gives af: orkestre t-ditch "La Scala" og "Fenice", Nat. Akademiet "Santa Cecilia", Italien. radio og tv i Rom, orkester om-va "Afternoon music" ("Роmmerigi musicali"), to-ry optræder præim. med spansk moderne musik, kammerorkestre "Angelicum" og "Virtuosi of Rome", samfundet "Ambrosian polyfoni", propaganderende musik fra middelalderen, renæssancen og barok, samt orkestret for Bologna-teatret "Comunale", Bologna-kammerorkestret og andre grupper.

I Italien afholdes mange. muser. festivaler og konkurrencer: Praktikant. moderne festival. musik (fra 1930, Venedig), "Florentine Musical May" (fra 1933), "Festival of Two Worlds" i Spoleto (fra 1958, grundlagt af J.C. Menotti), "New Music Week" (fra 1960, Palermo), pianistkonkurrence dem. F. Busoni i Bolzano (siden 1949, årligt), musik- og dansekonkurrence opkaldt efter JB Viotti i Vercelli (siden 1950, årligt), konkurrerer dem. A. Casella i Napoli (fra 1952, hvert andet år, indtil 1960, deltog pianister, siden 1962 - også komponister), Violinkonkurrencen. N. Paganini i Genova (siden 1954, årligt), ork-konkurrence. dirigenter i Rom (siden 1956, hvert 3. år, etableret af National Academy "Santa Cecilia"), konkurrence af pianister. E. Pozzoli i Seregno (siden 1959, hvert andet år), konkurrence for unge dirigenter. G. Cantelli i Novara (siden 1961, hvert andet år), vokalkonkurrence "Verdi's Voices" i Busseto (siden 1961, årligt), korkonkurrence. kollektiver til dem. Guido d "Arezzo i Arezzo (grundlagt i 1952 som national, siden 1953 - international; årligt, også kendt som" Polyphonico "), G. Casado cellokonkurrence i Firenze (siden 1969, hvert andet år).

Blandt Ital. muser. Society - Corporation for New Music (sektion af International Society of Contemporary Music; grundlagt i 1917 som National Music Society, i 1919 blev det omdannet til Italian Society of Contemporary Music, siden 1923 - Corporation), Association of Muses. biblioteker, Society of Musicology osv. Der bliver udført et stort arbejde af italiensk. muser. forlag og handelsselskab "Ricordi og Co." (stiftet 1808), med filialer i pl. lande.

Litteratur: Ivanov-Boretsky M.V., musikhistorisk læser, vol. 1-2, M., 1933-36; hans, Materialer og dokumenter om musikkens historie, bind 2, M., 1934; Kuznetsov K.A., Musikalske og historiske portrætter, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Vesteuropæisk musiks historie før 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Almindelig musikhistorie, første del, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Vesteuropæisk Opera. Slutningen af ​​det 18. - første halvdel af det 19. århundrede. Essays, M., 1962; Den europæiske kunsthistories historie: fra antikken til slutningen af ​​det 18. århundrede, M., 1963; Europæisk kunsthistories historie. Første halvdel af det 19. århundrede, M., 1965.

Mange folk sameksisterer i verden og kommunikerer på forskellige sprog. Men folk har ikke kun talt med ord gennem historien. I oldtiden blev sange og danse brugt til at spiritualisere deres følelser og tanker.

Dansekunst på baggrund af kulturel udvikling

Italiensk kultur er af stor betydning på baggrund af verdens præstationer. Begyndelsen af ​​dens hurtige vækst falder sammen med fødslen af ​​en ny æra - renæssancen. Faktisk opstår renæssancen netop i Italien og udvikler sig i nogen tid internt uden at berøre andre lande. Hans første succeser falder på XIV-XV århundreder. Senere fra Italien spredte de sig over hele Europa. Udviklingen af ​​folkloren begynder også i det 14. århundrede. Kunstens friske ånd, en anderledes holdning til verden og samfundet, en ændring i værdier blev direkte afspejlet i folkedansene.

Renæssancens indflydelse: nye pas og bolde

I middelalderen blev italienske bevægelser til musik udført trinvist, jævnt, med svaj. Renæssancen ændrede holdningen til Gud, hvilket afspejlede sig i folketroen. Italienske danse fik energi og livlige bevægelser. Så na "punkt" symboliserede menneskets jordiske oprindelse, dets forbindelse med naturens gaver. Og bevægelsen "på tæer" eller "med et spring" sidestillede menneskets stræben efter Gud og dets forherligelse. Den italienske dansearv er baseret på dem. Deres kombination kaldes "balli" eller "ballo".

Italienske folkemusikinstrumenter fra renæssancen

Folkloreværker blev opført til akkompagnement. Til dette blev følgende værktøjer brugt:

• Cembalo (italiensk "cembalo"). Første omtaler: Italien, XIV århundrede.
• Tamburin (en type tamburin, forfaderen til den moderne tromme). Danserne brugte det også under deres bevægelser.
• Violin (bueinstrument opstod i det 15. århundrede). Dens italienske sort er bratsch.
• Lute (plukket strengeinstrument.)
• Dudki, fløjter og oboer.

Dansevariation

Den musikalske verden i Italien har fået en variation. Fremkomsten af ​​nye instrumenter og melodier foranledigede energiske bevægelser til takten. Nationale italienske danse blev født og udviklet. Deres navne blev dannet, ofte baseret på territorialprincippet. Der var mange varianter af dem. De vigtigste italienske danse kendt i dag er bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella og pizza.

Bergamasca: de klassiske pointer

Bergamasca er en populær italiensk folkedans fra det 16.-17. århundrede, som gik af mode efter, men efterlod en tilsvarende musikalsk arv. Hjemregion: Norditalien, provinsen Bergamo. Musikken i denne dans er sjov, rytmisk. Flåtmåleren er et komplekst fire-slag. Bevægelserne er enkle, glatte, parrede, ændringer mellem par er mulige i processen. Til at begynde med blev folkedansen forelsket i hoffet under renæssancen.

Den første litterære omtale af det blev set i skuespillet af William Shakespeare "En skærsommernatsdrøm". I slutningen af ​​det 18. århundrede forvandler Bergamasca uden problemer fra dansefolklore til en kulturarv. Mange komponister har brugt denne stil i processen med at skrive deres værker: Marco Uccelini, Solomon Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

I slutningen af ​​det 19. århundrede dukkede en anden fortolkning af bergamask op. Det var karakteriseret ved en kompleks blandet meter af musikalsk meter, et hurtigere tempo (A. Piatti, C. Debussy). Til dato har ekkoer af folklore Bergamascus overlevet, som de med succes forsøger at legemliggøre i ballet- og teaterforestillinger ved at bruge det passende stilistiske musikalske akkompagnement.

Galliarda: muntre danse

Galliarda er en gammel italiensk dans, en af ​​de første folkedanser. Det dukkede op i det 15. århundrede. Oversat betyder "glad". Faktisk er han meget munter, energisk og rytmisk. Det er en kompleks kombination af fem trin og hop. Dette er en par folkedans, der har vundet popularitet ved aristokratiske baller i Italien, Frankrig, England, Spanien, Tyskland.

I XV-XVI århundreder blev galliard moderigtigt på grund af sin komiske form, muntre, spontane rytme. Mistet popularitet som følge af evolution og transformation til standard prim court dansestilen. I slutningen af ​​1600-tallet blev det fuldstændig til musik.

Den primære galliard er kendetegnet ved et moderat tempo, længden af ​​en meter er et simpelt treslag. I senere perioder udføres de med den passende rytme. Denne galliard var karakteriseret ved den komplekse længde af den musikalske meter. Berømte moderne stykker i denne stil er langsommere og mere afslappede. Komponister, der brugte galliardmusik i deres værker: V. Galilei, V. Break, B. Donato, W. Bird og andre.

Saltarella: bryllup sjov

Saltarella (Saltarello) er den ældste italienske dans. Det er ret sjovt og rytmisk. Ledsaget af en kombination af skridt, hop, drejninger og buer. Oprindelse: fra det italienske saltare - "at hoppe". De første omtaler af denne form for folkekunst går tilbage til det 12. århundrede. Det var oprindeligt en offentlig dans med musikalsk akkompagnement i en simpel to- eller tre-takts størrelse. Siden det 18. århundrede er den uden problemer genfødt til en dampende saltarella til musik af komplekse størrelser. Stilen har overlevet den dag i dag.

I XIX-XX århundreder - blev det til en massiv italiensk bryllupsdans, som blev danset ved bryllupsfester. i øvrigt var de dengang ofte tidsbestemt til at falde sammen med høsten. I XXI - opført ved nogle karnevaler. Musik i denne stil blev udviklet i kompositioner af mange forfattere: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavana: yndefuld højtidelighed

Pavana er en gammel italiensk balsal dans, der udelukkende opføres på banen. Et andet navn er kendt - padovana (fra navnet Padova; fra det latinske pava - påfugl). Denne dans er langsom, yndefuld, højtidelig, prætentiøs. Kombinationen af ​​bevægelser består af enkle og dobbelte trin, curtsies og periodiske ændringer i partnernes position i forhold til hinanden. Hun dansede ikke kun på point, men også i begyndelsen af ​​processioner eller ceremonier.

Den italienske pavana, der er kommet ind på banen i andre lande, har ændret sig. Hun blev en slags danse-"dialekt". Således førte den spanske indflydelse til fremkomsten af ​​"pavanilla", og den franske - til "passamezzo". Musikken, som trinene blev udført til, var langsom, to-takts. fremhæve rytmen og vigtige punkter i kompositionen. Dansen gik gradvist af mode og blev bevaret i den musikalske arv (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: personificeringen af ​​det italienske temperament

Tarantella er en italiensk folkedans, der har overlevet den dag i dag. Han er lidenskabelig, energisk, rytmisk, munter, utrættelig. Den italienske tarantelladans er de lokales varemærke. Den består af en kombination af hop (også til siden) med skiftevis kast af benet frem og tilbage. Den blev opkaldt efter byen Taranto. Der er også en anden version. De sagde, at folk, der blev bidt, blev udsat for en sygdom - tarantisme. Sygdommen lignede meget rabies, hvorfra de forsøgte at blive helbredt i processen med uafbrudte hurtige bevægelser.

Musikken fremføres i en simpel tre-takts eller kompleks tid. Hun er hurtig og sjov. Egenskaber:

1. Kombination af grundlæggende instrumenter (inklusive keyboards) med yderligere instrumenter, der er i hænderne på danserne (tamburiner og kastanjetter).
2. Mangel på standardmusik.
3. Improvisation af musikinstrumenter inden for rammerne af en velkendt rytme.

F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky brugte den rytme, der ligger i bevægelser, i deres kompositioner. Tarantella er stadig en farverig folkedans, hvis grundprincipper beherskes af enhver patriot. Og i det 21. århundrede fortsætter de med at danse den i massevis ved muntre familiefester og overdådige bryllupper.

Pizza: en groovy dansekamp

Pizzica er en hurtig italiensk dans afledt af tarantellaen. Blev danseretningen for italiensk folklore på grund af fremkomsten af ​​sine egne særpræg. Hvis tarantellaen overvejende er en massedans, så er pizzaen udelukkende blevet parret. Endnu mere groovy og energisk fik han nogle krigeriske toner. De to danseres bevægelser ligner en duel, hvor sjove rivaler kæmper.

Det udføres ofte af damer med flere herrer på skift. Samtidig med at udføre energiske bevægelser udtrykte den unge dame sin originalitet, uafhængighed, stormende feminine princip, som et resultat af at afvise hver af dem. Herrerne bukkede under for presset og demonstrerede deres beundring for kvinden. Denne individuelle særlige karakter er kun karakteristisk for pizza. På en måde kendetegner hun den lidenskabelige italienske natur. Efter at have vundet popularitet i det 18. århundrede, har pizza ikke mistet det den dag i dag. Det bliver fortsat opført på messer og karnevaler, familiefester og teater- og balletforestillinger.

Fremkomsten af ​​en ny førte til skabelsen af ​​et passende musikalsk akkompagnement. "Pizzicato" dukkede op - en måde at fremføre stykker på buede noder, ikke med selve buen, men med klemning af fingrene. Som et resultat opstår der helt andre lyde og melodier.

Italienske danse i verdens koreografis historie

Efter at have opstået som en folkekunst, trængende ind i aristokratiske balsale, blev danse forelsket i samfundet. Det blev nødvendigt at systematisere og konkretisere pas med henblik på amatør- og professionel træning. De første teoretiske koreografer var italienere: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Disse værker tjente sammen med finpudsningen af ​​satserne og deres stilisering som grundlag for ballettens verdensudvikling.

Imens stod ved kilden muntre simple landsbyboere og byboere og dansede saltarella eller tarantella. Italienernes temperament er lidenskabeligt og livligt. Renæssancens æra er mystisk og majestætisk. Det er de træk, der kendetegner italienske danse. Deres arv er grundlaget for udviklingen af ​​dansekunst i verden som helhed. Deres træk er en afspejling af et helt folks historie, karakter, følelser og psykologi gennem mange århundreder.

Kulturelt patchwork Italien har givet verden uovertrufne håndværkere. Men de italienske geniskabere var selv påvirket af folkekulturen, inkl. melodiske italienske sange. Næsten alle har de forfattere, hvilket dog ikke forhindrer dem i at blive kaldt folkelige.

Dette skyldes sandsynligvis italienernes naturlige kærlighed til at lave musik. Denne erklæring gælder for alle regioner i Italien fra det sydlige Napoli til det nordlige Venedig, hvilket fremgår af de mange sangfestivaler, der afholdes i hele landet. Den italienske sang er kendt og elsket over hele verden: vores forældre husker stadig "Bella Chao" og "On the way" - italienske folkesange sunget af muslim Magomayev, anerkendt som den bedste udøver af sangene i dette land.

Italienske folkesange fra umindelige tider

Hvis det italienske sprog blev dannet af X århundrede, tilskriver forskerne udseendet af italienske folkesange til begyndelsen af ​​det XIII århundrede. Det var sange sunget af omrejsende jonglører og musikere på byens torve i ferierne. Emnet for dem var kærlighed eller familiehistorie. Deres stil var noget uhøflig, hvilket er ret naturligt for middelalderen.

Den mest berømte sang, der er kommet ned til os, hedder "Contrasto" ("Kærlighedstvist") af sicilianske Chullo d'Alcamo. Den handler om dialogen mellem en pige og en dreng, der er forelsket i hende. Derudover er der lignende dialogsange "Striden mellem sjælen og kroppen", "Striden mellem brunetten og blondinen", "Striden mellem de letsindige og de kloge", "Striden mellem vinter og sommer".

Under renæssancen spredte mode til hverdagsmusikproduktion sig blandt indbyggerne i Italien. Almindelige byfolk samledes i kredse af musikelskere, hvor de spillede på forskellige instrumenter, komponerede ord og melodier. Siden da er sangene blevet udbredt blandt alle dele af befolkningen og har lydt overalt i Italien.

Musikinstrumenter og italienske folkesange

Når man taler om folklore, kan man ikke undlade at nævne instrumenterne, til hvis akkompagnement de blev fremført. Her er nogle af dem:

• En violin, der fik sit moderne udtryk i 1400-tallet. Dette instrument af folkeoprindelse er meget elsket af italienerne.
• Luten og dens pyrenæiske version vihuela. Plukkede instrumenter spredte sig over hele Italien i det 14. århundrede.
• Tamburin. En slags tamburin, der kom ind i Italien fra Provence. Danseren ledsagede dem til sig selv under fremførelsen af ​​tarantellaen.
• Fløjte. Gevinster distribution i XI århundrede. Det bruges meget ofte af kunstneren sammen med en tamburin.
• Tøndeorgelet, et blæseinstrument, der blev populært i Italien i det 17. århundrede. Hun var især elsket blandt omrejsende musikere, husk pave Carlo.

Italiensk folkesang "Santa Lucia" - fødslen af ​​napolitansk musik

Napoli er hovedstaden i regionen Campania, den mest berømte by i det sydlige Italien og fødestedet for den forbløffende lyriske napolitanske folkesang, den smukke Santa Lucia.

Usædvanlig i sin skønne natur, milde klima og bekvemme beliggenhed ved bredden af ​​bugten af ​​samme navn gjorde denne by og det omkringliggende område usædvanligt attraktivt for talrige erobrere og almindelige nybyggere. I mere end 2500 år har denne by adopteret og gentænket mange kulturer, der ikke kunne andet end at reflektere over regionens musikalske traditioner.

Fødslen af ​​den napolitanske folkesang anses for at være begyndelsen af ​​det 13. århundrede, hvor sangen "The Sun Rises" var meget populær. Dette er begyndelsen af ​​den italienske renæssance. Tiden for den hurtige udvikling af italienske byer og begyndelsen af ​​fremkomsten af ​​menneskelig bevidsthed fra den mørke middelalder. I denne periode holdt folk op med at betragte danse og sange som syndige, begyndte at tillade sig at nyde livet.

I XIV-XV århundreder. humoristiske kupletter var populære blandt folket, som blev komponeret om dagens emne. I anden halvdel af det 15. århundrede blev Vilanella (italiensk landsbysang) født i Napoli - kupletter fremført i flere stemmer til akkompagnement af en lut.

Den kendte napolitanske folkesangs storhedstid falder dog på det 19. århundrede. Det var i denne periode, at Teodoro Cottraus berømte italienske sang "Santa Lucia" blev udgivet. Det er skrevet i genren barcarole (fra ordet barque), som betyder "bådsmandssang" eller "sang på vandet". Sangen blev fremført på napolitansk dialekt og var dedikeret til skønheden i kystbyen Santa Lucia. Dette er det første napolitanske værk, der er oversat fra en dialekt til italiensk. Den blev fremført af Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti og mange andre verdensberømte kunstnere.

Original napolitansk tekst

Comme se fr? Cceca la luna chiena ...
lo mare ride, ll'aria? serena...
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v? 'Spassarse j? Nno pe' hoppe ...
E 'pronta e lesta la varca mia ... Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t? Nna? posta pe ’f? efterhånden...
e quanno stace la panza chiena, non c '? la m? nema melankoni!

Santa Lucia! Santa Lucia!
P? Zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia!...

Klassisk italiensk tekst (Enrico Kossovich, 1849)

Sul mare lucica l'astro d'argento.

Sul mare lucica l'astro d'argento.
Placida? Har du lyst? il vento.

Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!

Con questo zeffiro, cos? soave, Åh, com '? bello star sulla nave!
Su passgieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

Su passgieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? serena,

Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!


Hoppe s? placida, vento s? caro,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!

E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!


Eller che tardate? Bella? la sera.
Spira un'auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Russisk tekst

Havet trækker næsten ikke vejret
I en søvnig hvile
Brændingens hvisken høres langvejs fra.
Store stjerner lyste op på himlen, Santa Lucia, Santa Lucia!
Åh, hvilken aften - Stjernerne og havet!
En mild vind blæser fra foden.

Han kaster gyldne drømme,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Båden er som en svane
Sejler væk i det fjerne
Stjerner på himlen
Skinne klart.

En vidunderlig sang
Jeg hører om natten
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Aften over havet
Fuld af sløvhed
Stille ekkoer vi
Sangen er velkendt.

Åh min Napoli
Mine slægtninge gav mig
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Ved måneskin
Havet skinner.

Gunstig vind
Sejlet hæver.
Min båd er let
Årerne er store...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Bag gardinerne
Både afsondret
Kan undgås
Ubeskedent blik.
Hvordan man sidder indespærret
Sådan om natten?

Santa Lucia,
Santa Lucia!
Napoli min vidunderlige,
Åh, dejligt land,
Hvor smiler
Vi er himlens hvælving.

Glæde i sjælen
Strømmer ujordisk...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Vi er lette skumfiduser
Lad os skynde os ud i det fjerne
Og vi vil stige over vandet som en måge.

Åh, spild ikke
Guld ur...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Havet er roligt
Beundrer alle
Og sorgsejlere
De glemmer det med det samme
De synger kun
Sangene er frække.

Santa Lucia,
Santa lucia
Hvad venter du ellers på?
Stille ved havet.
Månen skinner
I det blå rum
Min båd er let
Årerne er store...

Santa Lucia,
Santa Lucia!
***

Lyt til den italienske folkesang Santa Lucia fremført af Anastasia Kozhukhova:

Derudover er en anden napolitansk sang "Dicitencello vuie" også berømt i vores land; her er den bedre kendt som "Fortæl en pige til din kæreste." Sangen blev skrevet i 1930 af komponisten Rodolfo Falvo og teksten af ​​Enzo Fusco. Den russisksprogede version blev udført af flertallet af russiske kunstnere, fra Sergei Lemeshev til Valery Leontiev. Udover russisk er denne sang blevet oversat til mange andre sprog.

Napolitanske sange er uhørt berømte og elskede over hele verden. Dette bevises af sagen, der fandt sted ved De Olympiske Lege i Antwerpen i 1920. Under prisoverrækkelsen til det italienske hold viste det sig, at det belgiske orkester ikke havde noderne til den italienske hymne. Og så bragede orkestret ud "O, min sol" ("O sole mio). Ved de allerførste lyde af melodien begyndte publikum på stadion at synge med på sangens ord.

Når man taler om sangtraditionerne i Napoli og omegn, kan man ikke undlade at nævne Piedigrotta-festivalen, som afholdes årligt i begyndelsen af ​​september. Piedigrotta er en grotte beliggende nær Napoli, engang den tjente som et hedensk fristed. I 1200, for at indvie dette sted, blev Mariakirken opført her, som blev kendt som Piedigrotta, som betyder "ved foden af ​​grotten".

Med tiden blev den religiøse tilbedelse af Jomfru Maria og festlighederne til hendes ære forvandlet til en sangkonkurrence-festival. Under denne musikalske festival konkurrerer de bedste folkedigtere og -sangere i Napoli. Nogle gange sker det, at to sange får det samme antal point. Og så deles publikum i to lejre, som hver især er klar til at forsvare den melodi, de godt kan lide, med næverne. Hvis begge sange er rigtig gode, vinder venskabet, og hele byen nynner disse yndlingssange.

Italiensk folkesang "Happy"

Værket hører til kærlighedstekster, men tekstens ord lægger mærke til ungdommens forræderi og letsind. Historien fortælles fra en piges perspektiv, der ligesom vender sig mod sin veninde og spørger: ved han, hvad der gemmer sig bag pigernes flirtende blikke på ballerne? Pigen selv er endnu ikke forelsket i nogen og betragter derfor sig selv som den lykkeligste og "mest charmerende af alle dronninger". En ung italiensk kvinde går blandt tusindfryd og violer, lytter til fuglenes kvidren og synger for dem om, hvor glad hun er, og at hun kun vil elske dem for evigt.

Faktisk er det præcist bemærket, at selvom din kærlighed til en anden person ikke bliver en smertefuld tilknytning, er der tid til at nyde livet, naturen og alle omkring dig. Hvor er alt dette at lægge mærke til, når du brænder af jalousi og angst.

Lyt til den italienske folkesang "Happy" på russisk fremført af Anastasia Teplyakova:

Humor i italienske folkesange: synger om "Macaroni"

Den lette og muntre italienske karakter bidrog til den udbredte udbredelse af legende sange. Blandt sådanne værker er det værd at bemærke sangen "Macaroni", dedikeret til denne ægte italienske ret. Ved at synge denne sang tjente forældreløse børn og børn fra fattige familier deres levebrød ved at tigge om almisser fra forbipasserende. Afhængigt af kunstnerens køn er der mandlige og kvindelige versioner af teksten. Sangen er skabt i rytmen af ​​tarantella.

Tarantella er en folkedans opført siden det 15. århundrede. Tarantellaen er som regel baseret på et rytmisk gentagende motiv. Interessant nok blev dans til denne melodi betragtet som et helbredende middel til mennesker, der blev bidt af en tarantel. I lang tid vandrede musikere langs Italiens veje og fremførte denne melodi især for patienter med "tarantisme".

Pasta (mandlig version) Oversat af M. Ulitsky

1. Jeg bor blandt ruinerne.
Oftere munter end trist.
Jeg bor blandt ruinerne.
Oftere munter end trist.

En bordseng og et hus med balkon ville gerne bruges til pasta.

2. Denne lækre ret er en god ven af ​​almuen.
Denne lækre ret er en god ven af ​​almindelige mennesker.

Men vigtige mennesker spiser også med pastasauce.

3. Vil du vide, hvordan den døende røde klovn overlevede?
Vil du vide, hvordan den døende røde klovn overlevede?

Shutovskaya tog sin krone af og byttede til pasta.

4. Der synges vores tarantella, hvem skal jeg gå til middag med?
Vores tarantella synges, hvem skal jeg gå til middag med?

Jeg vil kun råbe: "Pasta!" - Ledsagere dukker op med det samme.

Pasta (kvindeversion)

Jeg er mere sort end en oliven
Jeg vandrer alene uden tag
Og til lyden af ​​en tamburin
Jeg er klar til at danse hele dagen
Jeg vil danse Tarantella for dig,
Bare vær støttende
Giv en soldo og køb
Pasta, pasta.

Min kammerat Pulcinello
Jeg blev såret i hjertet af en pil
Bare jeg ville ikke have, at Pulcinello skulle blive en kone.
Han skød næsten sig selv
Jeg smed mig næsten ud fra altanen
Men han blev helbredt for lidenskab,
Bare at sluge pasta.

Jeg samlede min bror til en vandretur,
Elskede forlod efter ham,
Hvordan man laver soldaterne
Er de alle uskadte?
Så våbnene ikke skyder
Du skal tage alle patronerne ud,
I stedet for kugler at flyve
Pasta, pasta.

Hvis du føler dig lidt trist
Hvis sygdom undertrykker dig,
Eller nogle gange er maven tom
Pasta er godt for dig!
Farvel signoritter,
God rejse, signora donna,
Du skal være meget godt mættet
Og pastaen venter på mig!

Maccheroni

1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spento vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo spendo vole a fare il testimento.

Køb avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e kantate,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e kantate,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, eller compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
Sono allegro, eller compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
***

Lyt til den italienske folkesang "Macaroni" på russisk fremført af Anna Zhikhalenko:

Venedig sange på vandet

Ud over det sydlige Napoli er Italiens nordlige perle, Venedig, kendetegnet ved storslåede og fantastiske sangtraditioner. Dette handler først og fremmest om gondoliers sange. Disse kærlighedsmotiver tilhører genren barcarole. De er meget melodiske og rolige.

Gondolierens stærke og smukke stemme synes at genlyde årernes langsomme slag på vandet. Mærkeligt, men indtil det 18. århundrede fik barcarole ikke den opmærksomhed, den fortjener fra professionelle musikere. Men i det næste århundrede blev denne udeladelse mere end opvejet. Tchaikovsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka - det er blot nogle få af de musikalske genier, der blev betaget af den venetianske folkesang og inkluderede dens motiver i deres udødelige værker.

Desværre påvirker moderniteten negativt de venetianske traditioner, herunder barcarole. For eksempel synger gondoliers ofte efter anmodning fra turister den napolitanske sang "O Sole Mio", selvom Gondolierforeningen er imod den, fordi den ikke er venetiansk.

Sangen fra de italienske partisaner "Bella Chao"

Den berømte partisan sang "Bella Chao" ("Farvel til skønheden") nyder også en hidtil uset popularitet. Den blev sunget af medlemmer af modstandsbevægelsen under Anden Verdenskrig. Sandt nok blev den ikke distribueret over hele Italien, men kun i den nordlige del af landet, i Appenninerne.

Det menes, at teksterne er skrevet af en paramediciner eller læge. Og melodien er tydeligvis hentet fra den gamle børnesang "Sleeping Potion". Selvom Bella Ciao ifølge Luciano Granozzi, professor i moderne historie ved universitetet i Catania, indtil 1945 kun blev udført af nogle få guerillagrupper i nærheden af ​​Bologna.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni a april."
Når man skal apr?
la porta e con la bocca
la gli d? en bacin.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte che
la suoi mamma la l'ha sendt ?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia pure che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
fatt sett'anni di prigion per mig.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per mig.
E la prigione
l’? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella ciao (en af ​​mulighederne)

Jeg blev vækket i morges

Jeg blev vækket i morges
Og jeg så fjenden gennem vinduet!
Åh, guerillaerne tager mig
Åh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Åh, guerillaer, tag mig,
Jeg fornemmer min død er nær!
Hvis jeg er bestemt til at dø i kamp
Åh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Hvis jeg er bestemt til at dø i kamp - Begrav mig.
Begrav højt i bjergene
Åh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Begrav højt i bjergene
I skyggen af ​​en rød blomst!

Åh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
En forbipasserende vil passere, en blomst vil se
"Smuk - vil han sige - en blomst!"
Det vil være partisanens minde
Åh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Det vil være partisanens minde
Hvilken frihed faldt tappert!
***

Lyt til sangen fra de italienske partisaner "Bella, ciao" fremført af Pyatnitsky-koret:

Alles yndlingspartisan sang var "Fschia il vento" ("Vinden blæser"), den bar en udtalt kommunistisk karakter. Derfor begyndte den italienske regering efter krigens afslutning af ideologiske formål at promovere sangen "Bella Chao". Hvilket man kun skal takke ham for. Under alle omstændigheder opnåede sangen verdensberømmelse i slutningen af ​​fyrrerne, efter den 1. internationale festival for ungdom og studerende, som fandt sted i Prag i sommeren 1947. Derefter blev det dækket mange gange af fremtrædende og knap så berømte sangere fra hele verden.

Emnet om italiensk folkemusik er så omfangsrigt, at det er umuligt at formidle det inden for rammerne af én artikel. Dette skyldes det faktum, at hele Italiens historie har fundet sin afspejling i folkesange. Et utroligt melodisk sprog, luksuriøs natur og en turbulent historie om landets udvikling har givet verden et så kulturelt fænomen som den italienske folkesang.

← ← Vil du høre dine venner sige tak for at dele interessant og værdifuldt materiale med dem ?? Så tryk på en af ​​knapperne på de sociale medier til venstre lige nu!
Abonner på RSS eller modtag nye artikler i din mail.

Mandolinen er et strengplukket musikinstrument. Dens udseende går tilbage til det 16. århundrede, og det farverige Italien blev dets hjemland. Mandolin er et musikinstrument, der i udseende ligner en lut, da det også har en pæreformet form. Den adskiller sig fra luten ved, at den har færre strenge og en kortere hals.

Grundlæggende har mandolinen altid haft fire parrede strenge (kendt som den napolitanske mandolin), og luten, afhængigt af æraen, har seks eller flere strenge. Ud over denne type mandolin kendes andre typer af den:

• Siciliansk - med flad ryg og fire tredobbelte strenge;
• Milanese - med seks strenge, en oktav højere end guitaren;
• Genovesisk - femstrenget mandolin;
• florentinsk.

Hvordan man spiller mandolin

Normalt spilles mandolinen med et hakke, eller rettere sagt, et plektrum. Selvom det sker, at de leger med fingrene. Mandolinens lyd er unik - den hurtige og gentagne gentagelse af lyden (tremolo) forklares ved, at når man rører strengene, forfalder lyden hurtigt, det vil sige, at den viser sig at være kort. Derfor bruges tremolo for at forlænge lyden og få en formodet dvælende tone.

Mandolin blev almindeligt kendt uden for Italien inden for et århundrede efter dets begyndelse. Dette instrument var meget glad for og fik hurtigt status som et folkeinstrument. Indtil nu går hun rundt på planeten og slår rod mere og mere i moderne kultur.

Det er endda kendt, at en så berømt komponist som Mozart brugte en mandolin i en serenade i sin opera Don Juan.

Derudover bruger mange af nutidens bands, komponister og sangere dette musikinstrument til at give noget "smag" dine kompositioner.

Ved hjælp af mandolinen kan du perfekt både akkompagnere og spille solopartier. For eksempel er napolitanske orkestre kendt, hvor lydene smelter sammen fra mange mandoliner i forskellige størrelser. Mandolinen bruges også i symfoni- og operaorkestre. Sammen med banjoen bruges mandolinen også i amerikansk bluegrass og folkemusik.

Som allerede nævnt er mandolinen et meget usædvanligt musikinstrument, og det er elsket af mange, netop fordi dets trumfkort er tremoloen, som du måske ikke finder i andre musikinstrumenter.

Mandolin er et musikinstrument, der er et af de mest populære i kategorien folkeinstrumenter. Måske kan få musikinstrumenter prale af en sådan popularitet. Tværtimod betragtes mandolinen traditionelt som folkemusik, selvom mange komponister har brugt den i deres værker, hvilket giver dem en særlig charme og unikhed. Selvom mandolinen ofte bruges i orkestre, lyder den fantastisk som en selvstændig musikalsk del. Forskellige etuder og stykker opføres på den, akkompagneret af andre instrumenter.

Hvor ellers blev mandolinen berømt?

Relativt hurtigt migrerede mandolinen fra Italien til den nordlige del af USA og blev solidt etableret i lokal musik. I Europa erobrede dette instrument det skandinaviske folk, som gav mandolinen en særlig streng klang.

Mandolinen har relative instrumenter. Disse er mandola, bouzouki og oktavmandolin. Rock and roll harmonier i moderne tid minder meget om den samme mandolin.

Det er kendt, at medlemmerne af Led Zeppelin-gruppen var meget glade for lyden af ​​mandolin og brugte den i deres melodier. Selv Jimmy Page, et medlem af bandet, supplerede mandolinen med en mandola og guitarhals. Paul McCartney foretrak også dette vanskelige musikinstrument.

Ud over sin fremragende lyd har mandolinen en række ubestridelige fordele:

• harmonisk struktur;
• kompakthed;
• kombination med andre mandoliner eller andre musikinstrumenter generelt - guitar, blokfløjte.

Stemningen af ​​mandolinerne minder lidt om stemningen af ​​violinen:

• det første par strenge er stemt i e af 2. oktav;
• det andet par - i A i 1. oktav,
• re af 1. oktav;
• det fjerde par strenge er G i den mol-oktav.

Mandolinens popularitet vokser mere og mere. For eksempel bruger et medlem af "Aria"-gruppen Vadimir Kholstinin en mandolin i den musikalske komposition "Paradise Lost". Det bruges også i metaloperaen fra Epidemia-gruppen (sangen Walk Your Way) og af Sergei Mavrin (Makadash).

Og den berømte sang "Loosing my religion" af R.E.M. med en uforlignelig mandolin-lyd? Det ser ud til, at hun er kendt i næsten alle lande i verden.

Mandolinen er et ret mystisk musikinstrument. Hendes hemmelighed bag succes er endnu ikke fuldt ud afsløret. Selvom der er gået mere end fire hundrede år siden dets udseende, mister den absolut ikke sin popularitet, men får tværtimod flere og flere fans. I moderne tid bruges det i stigende grad i en lang række musikalske genrer.

Det er meget slående, at mandolinen er i stand til at passe perfekt ind i enhver komposition, sætte gang i eller fremhæve lyden af ​​næsten ethvert instrument. Når du hører lyden af ​​dette noget magiske instrument, ser du ud til at kaste dig ud i den antikke æra med modige riddere, dejlige damer og stolte konger.

Video: Sådan lyder en mandolin