Kapitel XVI.

BERNARD SHOW: "INTELLIGENT TEATER"

Første tyvere: Fra Dublin til London. - Showkritiker: i kampen for et nyt teater. -« Ubehagelige skuespil ":" Enkemandens huse ",« Mrs. Warrens profession "- I slutningen af ​​århundredet:" behagelige skuespil "og« Tre stykker til puritanerne." - I begyndelsen af ​​århundredet: nye temaer, nye helte. - "Pygmalion": Galatea i den moderne verden. - Første Verdenskrig: "Huset hvor hjerter er knuste". - Between World Wars: The Late Shaw. - Shaws dramatiske metode: musik af paradokser.

Min måde at lave sjov på er at fortælle sandheden.

George Bernard Shaw var mere end en stor forfatter, en innovativ dramatiker, der blev klassiker. global skala. Hans vittigheder og paradokser var spredt over hele verden. Hans berømmelse var så høj, at han blot blev kaldt G. B. S.; de, der aldrig har set eller læst hans skuespil, har hørt om ham. Ligesom sine berømte landsmænd W. Churchill, B. Russell, H. Wells var han en stor englænder, hvis tilstedeværelse i hans liv blev følt med patriotisk stolthed i flere generationer.

Første tyvere: Fra Dublin til London

"Red-bearded Irish Mephistopheles" - såkaldt Bernard Shaw hans biograf E. Hughes. Ordet "irsk" er meget betydningsfuldt her. Bernard Shaw var dybt forbundet med sit hjemland, han dedikerede stykket "John Bull's Other Island" (1904). Indtil 1922 forblev Irland faktisk en britisk koloni. The Green Island producerede mange satiriske forfattere udstyret med skarpt kritisk syn, uforenelige med hykleri og løgn: D. Swift, R. Sheridan, O. Wilde og selvfølgelig B. Shaw. Og senere - den store James Joyce, forfatteren til "Ulysses", og to nobelpristagere - digteren W. Yeats og dramatikeren S. Beckett, en af ​​grundlæggerne af "det absurde drama".

Dublin: begyndelsen af ​​rejsen. George Bernard Shaw (George Bernard Shaw. 1S56— 1950), født i Dublin, tilhørte den på ingen måde lille kategori af forfattere, der opnåede anerkendelse, efter at have gennemgået strabadser i deres ungdom og oplevet skæbnens slag. Selvom dramatikerens forfædre tilhørte en adelig familie, var hans far en ydmyg kommerciel kontorist og faktisk en fiasko, hvilket påvirkede hans karakter og bestemte hans afhængighed af vin. Sønnen så ham sjældent ædru. Moderen, der uden held kæmpede med sin mands afhængighed, blev tvunget til at forsørge familien. Hun underviste! musik, sang, dirigerede omkvædet. Blandt den kommende dramatikers mange talenter er musikaliteten, der er arvet fra hans mor. Faderen lærte sin søn at reagere på livets problemer med hån eller ironi.

Situationen i familien var ikke let, børnene blev overladt til sig selv. Senere, da han nærmede sig sin 90-årige, huskede Shaw; "Jeg var ikke glad i Dublin, og når spøgelser dukker op fra fortiden, vil jeg drive dem tilbage med en poker." Barndommen var "forfærdelig", "uden kærlighed."

Shaws barndomsår faldt sammen med fremkomsten af ​​befrielseskampen i Irland. I 1858 blev det irske revolutionære broderskab dannet; nogle gange blev dets medlemmer kaldt "fenianere". I 1867 udbrød et oprør i Dublin, som hensynsløst blev undertrykt. Shaw kaldte sig selv en ung fenianer.

Bernard Shaw var faktisk selvlært. Han begyndte at læse i en alder af 4-5 år og mestrede ret hurtigt alle de engelske klassikere, primært Shakespeare og Dickens, samt værker fra verdenslitteraturen. Som 11-årig blev han sendt på en protestantisk skole, hvor han ifølge ham selv var næstsidste eller sidste elev. Mindre end et år senere flyttede han til den engelske videnskabelige og kommercielle skole, hvorfra han dimitterede i en alder af 15: Skole B, Shaw betragtede som den mest uheldige fase i sin biografi. Efter endt uddannelse tjente Shaw i et ejendomsmæglerbureau. Blandt hans opgaver var at indsamle husleje fra indbyggerne i de fattigste kvarterer i den irske hovedstad. Men de kunne selvfølgelig ikke tage officielle pligter alvorligt. Åndelige og intellektuelle interesser har allerede sejret over ham. Han læste ivrigt, var glad for politik.

I 1876 fandt en skæbnesvanger begivenhed sted i Shaws liv: han trak sig fra agenturet og. da han forlod Irland, flyttede han til London. "Mit livsværk var ikke muligt i Dublin baseret på min irske erfaring." - forklarede han senere.

Tidlige år i London. I hovedstaden fik Shaw job hos et telefonselskab, men hans indtjening var så lille, at han hurtigt sagde op. Shaw talte om dette med ironi: "Telefoneposet sluttede i 1879, og samme år begyndte jeg med det, enhver litterær eventyrer begyndte på det tidspunkt, og mange begynder den dag i dag. Jeg skrev en roman."

Romanen hed The Unreasonable Connection (1880), efterfulgt af to mere: Artist's Love (1S8S) og Cashel Byrons Profession (1S83). Sidstnævnte var dedikeret til professionel sport, boksning. At engagere sig i sådanne højgafler af sportsgrene som boksning, golf og fodbold, anså Shaw for urimeligt, og vidnede kun om det faktum, at menneskeheden er ubønhørligt nedværdigende.

Romaner sendt til udgivere blev afvist, Shaw havde intet navn eller støtte; han modtog over 60 afslag. Senere begyndte hans romaner at blive trykt i socialistiske aviser med lav oplag.

På det tidspunkt var Shaw i fattigdom, afbrudt af småjobs. Nogle gange hjalp hans mor ham.I 1885 kom hans første artikel i pressen.

Fabian. I London blev Shaw interesseret i politik. Han forklarede især sin ankomst til hovedstaden med, at han var nødt til at tilslutte sig verdenskulturen. Og det beviste han snart med sin kreativitet, overholdelse af de seneste kunstneriske tendenser. Samtidig udvidede rækken af ​​hans offentlige interesser sig afgørende. Shaw begyndte at vise en voksende interesse for socialistiske ideer, som let kunne forudsiges: en person, der kendte førstehånds arbejdsløshed og nød, kunne ikke undgå at være en kritiker af et samfund, hvor hykleri og profitdyrkelse herskede.

Showet møder berømte reformistiske socialistiske ideologer, Sydney og Beatrice Webbs, og går ind i Fabian Society grundlagt af dem, opkaldt efter Fabius Maximus (Kunktator), en romersk general, hvis navn er blevet et kendt navn som personificeringen af ​​langsomhed og forsigtighed. Fabianerne blev ideologerne for den engelske version af "demokratisk socialisme".

Shaw var betydeligt mere radikal end de ortodokse fabianere. Han kunne ses i rækken af ​​fredelige demonstrationer, han talte ved stævner, især i Hyde Park. "Jeg er en mand på gaden, en agitator," sagde han om sig selv.

V. I. Lenin sagde, at Shaw er "en venlig fyr, der faldt ind i fabianernes miljø. Han er meget mere til venstre end alle omkring ham." I lang tid blev denne bemærkning fra V.I. Lenin betragtet som grundlæggende for russiske showeksperter.

En af dramatikerens samtidige huskede at have set Shaw i biblioteket på Fabian Museum: han studerede samtidig Marx' Kapital og partituret til Wagners Rhinguldet. Hele showet er i denne kombination! Han var en kunstens mand, fri tankeflugt, en individualist, kunne ikke helt underkaste sig en streng, dogmatisk teori. Shaw skrev om politiske emner, mens han demonstrerede en særlig legende-humoristisk eller ærlig talt paradoksal intonation.

I løbet af disse år blev Shaw en genial taler, han lærte at præsentere enhver seriøs tanke i en let og kortfattet form. Oplevelsen af ​​at tale offentligt afspejlede sig derefter i hans arbejde - i skabelsen af ​​diskussionsskuespil.

Showkritiker: i kampen for et nyt teater

Shaw kom til drama relativt sent, efter at have allerede fået autoritet som original teater- og musikanmelder siden midten af ​​1880'erne. Shaw elskede teater, levede det. Han havde selv utvivlsomme skuespillerevner, han læste sine stykker over hende.

Shaws arbejde med de første stykker gik hånd i hånd med en teateranmelders intense arbejde.

I 1880'erne var tingenes tilstand i engelsk teater alarmerende. Repertoiret bestod så at sige af to dele. Nutidige temaer blev for det meste præsenteret af franske forfattere (Dumas, Sardoux), komedie-underholdende skuespil, lette melodramaer designet til at afvise den borgerlige seer fra alvorlige livsproblemer. Det klassiske repertoire var begrænset til Shakespeares værker, opførelserne af hans skuespil var strålende. Shaw beundrede sin store forgænger og argumenterede samtidig med ham som ligemand. Denne kontrovers fortsatte gennem dramatikerens liv. Han ønskede at "redde" England fra den århundreder lange "slaveunderkastelse" til Shakespeare, idet han mente, at problemerne med hans værker hører fortiden til. Forestillingen drømte om et problematisk, intellektuelt, seriøst teater, vendt mod moderniteten, hvor den intense diskussion ikke ville køle af, hvor sammenstødet mellem karakterernes synspunkter ikke ville stoppe. AG Obraztsova skriver, at fremtidens teater i hans forestilling "blev opfordret til på et nyt niveau at indgå en kreativ alliance mellem scenekunsten - kunsten at lukke teaterscenen og oratoriet - kunsten at gader og pladser, og han var også en talerstol."

"Heroisk skuespiller". Shaw gik kraftigt ind for "et åbenhjertigt doktrineater." Men det betød på ingen måde, at han, mens han forsvarede den engagerede kunst, ignorerede dens æstetiske karakter eller ønskede at påtvinge scenen funktionen af ​​ligefrem propaganda. Imidlertid stræbte Shaw tydeligt efter at understrege teatrets sociale og uddannelsesmæssige funktion, dets evne til at påvirke ikke kun publikums sjæle og følelser, men også deres sind.

Shaw formulerede sit grundlæggende princip som følger: "Drama gør teater, ikke teater gør drama." Han mente, at der fra tid til anden i den dramatiske kunst "fødes en ny impuls", og søgte at implementere den i sine skuespil.

Dramatikeren godkendte ikke skuespillere, der kun søgte selvudfoldelse, for hvilket han kritiserede et af skuespillerscenens idoler - Henry Irving. Shaws ideal var en heroisk skuespiller, blottet for bombast, falske følelser, falske henrykkelser og lidelse. "Der er nu behov for helte, som vi kan genkende os selv i," insisterede Shaw. Et sådant billede kunne legemliggøres af en skuespiller, der ikke kun besidder en fin følelsesmæssig organisation, men også intellekt, et offentligt syn. Det var nødvendigt at vise en helt, i hvem "lidenskaber giver anledning til filosofi ... kunsten at styre verden", og ikke kun fører til "bryllup, retssager og henrettelser." Den moderne helt for Shaw var en, hvis personlige lidenskaber blev fortrængt af "bredere og sjældnere offentlige interesser."

"Ibsenismens kvintessens." Shaw valgte Ibsen som sin allierede. Han blev en ivrig fortaler for den store nordmand i England, hvor hans stykker kom på scenen senere end i andre europæiske lande. Forestillingen talte om Ibsen med livlig sympati, så i ham en fornyer, der gav dramatik den friske retning, som den moderne scene trængte til, en kunstner, der "opfyldte et behov, som ikke blev tilfredsstillet af Shakespeare." Shaws talrige artikler og anmeldelser om skuespilleren i Dukkehjemmet blev samlet i hans bog Ibsenismens kvintessens (1891). Shaw fortolkede Ibsens dramaer og tillagde ham sine egne æstetiske synspunkter. Som en kritiker passende påpegede, forestillede han sig "hvad Ibsen ville tænke, hvis han var Bernard Shaw." Efter at have mødt Ibsen begyndte "før-Hibsen-skuespillet" at volde ham "mere og mere irritation og kedsomhed." Ibsen hjalp Shaw med at forstå, hvor livsvigtigt stykket er, hvor "personernes problemer, karakterer og handlinger, der er af direkte betydning for publikum selv, bliver berørt og diskuteret." Ibsens vigtigste nyskabelser er forbundet hermed. Han "indførte diskussion og udvidede dens rettigheder", så den "invaderede handlingen og endelig smeltede sammen med den." Samtidig så publikum ud til at være inkluderet i diskussionerne, deltog mentalt i dem. Disse bestemmelser gjaldt lige så meget for Shaws poetik.

Musikkritiker: The True Wagnerian. Et andet område af Shaws arbejde var musikkritik. På sin egen måde følte og forstod han samspillet mellem forskellige typer kunst, så vigtige for århundredskiftet: maleri, litteratur, musik. Shaw skrev om de store klassiske komponister, Beethoven og Mozart, grundigt og professionelt. Men hans idol, som han viede mange værker til, var Richard Wagner (1813-1III).

For Shaw står navnene på Ibsen og Wagner side om side: førstnævnte var en dramareformator, sidstnævnte en opera. I The True Wagnerian (1898) skrev Shaw: "... Da Ibsen greb dramaet i kraven, som Wagner greb operaen, måtte hun villigt videre ..." Wagner var også "teatrets mester". ”. Han opnåede sammensmeltningen af ​​musik og ord, havde en enorm, endnu ikke fuldt forstået indflydelse på litteraturen. For Shaw var den dybe, filosofiske betydning af Wagners værk indlysende, i hvis musikdramaer ikke så meget portrætterede bestemte begivenheder som udtrykte deres essens. Samtidig blev musikken i sig selv en handling, der transmitterede den mægtige kraft af menneskelige lidenskaber.

"Ubehagelige skuespil": "Enkemands huse", "Mrs. Warrens erhverv"

"Det Uafhængige Teater". Dannelse af et "nyt drama" i slutningen af ​​1800-tallet. ledsaget af en "teatralsk revolution". Det var repræsenteret af Free Theatre (1887-1896) af A. Antoine i Frankrig, det litterære og teatralske selskab Free Stage (1889-1894) af O. Brahma i Tyskland, Det Independent Theatre (1891 - 1897) i England, organiseret af J. T. Grein, hvor stykker blev opført af europæiske frem for engelske dramatikere. Det var i dette teater, at Shaws første skuespil, Enkemandens hus, så lyset af scenen i 1892. Shaw vendte sig dog meget tidligere til dramatik: I 1885 komponerede han sammen med kritikeren og oversætteren af ​​Ibsen, W. Archer, et teaterstykke. Senere indgik dette skuespil i revideret form i cyklussen "Ubehagelige stykker" (1898).

"Ubehagelige skuespil". I forordet til cyklussen skrev Shaw: "Jeg bruger dramatisk handling her for at få seeren til at tænke over nogle ubehagelige fakta ... Jeg må advare mine læsere om, at min kritik er rettet mod dem, og ikke mod scenekaraktererne. .."

Shaw gik ofte forud for sine skuespil med lange forord, hvor han direkte forklarede sin plan og karakteriserede karaktererne. Ligesom hans store samtidige H. Wells (som Shaw havde et vanskeligt forhold til), havde Shaws værker altid et opdragende element. Han skrev om Enkemandens Huse: "... Jeg har vist, at vort borgerskabs respektabilitet og aristokratiet af de yngre sønner fra adelige familier lever af fattigdommen i byernes slumkvarterer, som en flue lever af råd. Dette emne er ikke behageligt."

Shaws tidlige skuespil forårsagede en bred offentlig reaktion. De bestemte hovedparametrene for hans dramatiske metrologi. Skuespillene rejser vigtige sociale spørgsmål. Bevægelsen af ​​plottet bestemmes ikke så meget af intriger som af sammenstød mellem synspunkter. Diskussion driver faktisk handling, definerer en intern konflikt. Young Shaws omhyggelige undersøgelse af Ibsens tekster afspejles især tydeligt i afsløringen af ​​bedrag og hykleri, som skjuler tingenes sande og forfalskning. Hans helte, ligesom Ibesnovs, oplever en åbenbaring.

"Enkemandens Hus". Skuespillet "Widower's Homes" afspejlede Shaws indtryk af hans arbejde i Dublin som huslejeopkræver. Dette er et stykke om andres udnyttelse af nogle mennesker, om den uretfærdige organisering af samfundet med dets offensive polarisering af rigdom og penge. Derfor forfatterens ironi og bitre hån. Ironisk nok er hovedet en parodi på det bibelske udtryk "enkehus", det vil sige de fattiges bolig. Hovedpersonens navn er ironisk - husejeren, udbytteren og pengeslugeren Sartorius (fra latin "hellig"). Stykkets plot er ligetil. Hovedbegivenhederne har en baggrund (som i en række af Ibsens skuespil).

Men under en ferie i Tyskland mødte rigmanden Sartornus og hans datter, den charmerende Blanche, en ung engelsk læge, Trent. Blanche og Trent blev forelskede i hinanden. Den skal giftes. I London aflægger Trent Sartorius et besøg, men der opstår nogle vanskeligheder. Trent erfarer, at mange af hans kommende svigerfars penge ikke blev erhvervet på den mest retfærdige måde: Sartorius blev beriget af lejen opkrævet fra de fattige slumbeboere. Situationen forværres af Trents samtale med Licchise, lejeindkreveren fyret af Sartorius. Likchiz' historie er en gribende episode af stykket. Likchiz gjorde samvittighedsfuldt sit arbejde: "han øsede penge ud, hvor ingen andre i livet ville have ridset ..." Han demonstrerede en pose penge til Trent og siger: "Her er hver en krone vandet med tårer: Jeg ville købe brød til ham for et barn, fordi barnet er sultent og græder af sult - og jeg kommer og river den sidste krone ud af halsen på dem. ”Likchiz skammer sig over sådan et arbejde, men kan ikke nægte det, da hans egne børn i dette tilfælde vil blive efterladt uden brød.

Sartorius' grådighed er grænseløs. Da Likchiz, uden ejerens viden, reparerer en trappe for en ringe penge, fordi dens nødsituation truer beboerne med skader, afskediger Sartorius ham. Lickcheese beder Trent om at lægge et godt ord ind for ham, men det vækker forargelsen hos den unge mand, som er oprigtigt overbevist om, at hans kommende svigerfar har "fuldstændig ret". I sin irettesættelse af Trent, det "uskyldige lam", tilføjer Lickchees karakteriseringen af ​​Sartorius som "den værste husejer i London." Hvis Likchiz havde "rivet huden levende af" fra de uheldige lejere, så ville dette have virket utilstrækkeligt for Sartorius. I fremtiden "afmaskerer" dramatikeren Trent selv. Helten er klar til at gifte sig med Blanche uden sin fars penge, for at leve med hende for sin egen uafhængige indkomst, hvis kilde er alle de samme slumhuse, da jorden, de er bygget på, tilhører hans rige tante.

Heltene er bundet af gensidigt ansvar. Likchiz, genoprettet til at arbejde, hjælper Sartorius med at "skrue" endnu et rentabelt bedrageri. "I finalen opsummerer Trent, uden overhovedet at give op på Blanches medgift, hvad der skete:" Det ser ud til, at vi er her - én bande!

Mrs. Warrens erhverv. Shaws andet skuespil, The Heartbreaker (1893), var mislykket, men det tredje, Mrs. Warrens Profession (1894), vakte furore. Censur forbød produktionen i England, fordi emnet prostitution blev betragtet som umoralsk.

Faktisk var der ingen umoral og endnu mindre erotik i stykket. Problemet, realiseret i det originale plot, blev fortolket i et socialt aspekt, voksede ud af det moderne samfunds dybe fordærv. Denne tanke udtrykkes direkte af Shaw: "Den eneste måde for en kvinde at sikre sin eksistens er at give sine kærtegn til en mand, der har råd til den luksus at støtte hende."

Litteraturens evige tema – konflikten mellem generationer af fædre og børn – optræder hos Shaw som en konflikt mellem mor og datter. Hovedpersonen Vivi er en ung pige, der fik en god opvækst på et pensionat, bor i London langt fra sin mor, som er i Europa. Vivi er til en vis grad en type "ny kvinde". Hun er en dygtig matematiker, uafhængig, intelligent, udstyret med en følelse af sin egen værdighed, ikke "fikseret" på ægteskab, kender værdien af ​​en sød, men faktisk tom Frank, der er forelsket i hende.

I dette stykke, som i Enkemandens huse, er der en klimascene - Vivi møder sin mor, Kitty Warren, efter flere års adskillelse.

Efter at have spurgt sin mor, hvad hun laver, hvad er kilderne til hendes betydelige indkomst, hører Vivi en chokerende tilståelse. Da fru Warren meddeler, at hun er ejer af et netværk af bordeller i europæiske hovedstæder, beder Vivi, oprigtigt indigneret, sin mor om at opgive en sådan indtægtskilde, men hun får resolut afslag.

Den livshistorie, som fru Warren fortalte sin datter, er grundlæggende vigtig. Familien til Kitty Warrens forældre havde fire døtre: to af dem, hun og Liz, var interessante, smukke piger, de to andre havde et lavmælt udseende. Behovet fik dem til at tænke på at tjene penge tidligt. De af søstrene, der valgte den sædvanlige vej for ordentlige piger, endte dårligt. Den ene arbejdede på en hvid blyfabrik i tolv timer om dagen for en sølle løn, indtil hun døde af blyforgiftning. Hun brugte den anden mor som eksempel, fordi hun giftede sig med en fødevarelagerarbejder, holdt tre børn rene og ryddelige for mere end beskedne penge. Men til sidst begyndte hendes mand at drikke: "Var det det værd for at være ærlig?" spørger Missy Warren.

Kitty Warren begyndte sin karriere som opvasker i en temperamentsamfundsrestaurant, indtil hun mødte sin søster, smukke Lizzie. Hun overbeviste hende om, at skønhed er en vare, der skal kunne sælges rentabelt. Startende med individuelt fiskeri åbnede søstrene, sammen med deres opsparing, et førsteklasses tolerancehus i Bruxelles. Med hjælp fra en ny partner Crofts udvidede Kitty sin "forretning" ved at etablere afdelinger i andre byer. Under hensyntagen til morens argumenter indrømmer den smarte Vivi, at hun har "fuldstændig ret og fra et praktisk synspunkt." Og alligevel, i modsætning til lægen Trent ("Enkemandens hus"), accepterer hun ikke filosofien om "beskidte penge". Hun afviser også chikanen af ​​velhavende Crofts, som tilbyder hende et økonomisk rentabelt ægteskab.

Vivi er uden sammenligning den mest elskelige figur i stykket. Hun vækker associationer til Ibsens helte, hvori der er en åbenlys trang til sandhed og retfærdighed. I slutningen af ​​stykket bryder Vivi med sin mor: hun vil gå sine egne veje, arbejde på et notarkontor, indrette sit liv med ærligt arbejde, stole på sin vilje uden at gå på kompromis med moralske principper. Men uanset hvor ondskabsfuld Kitty Warren, Crofts og lignende, så følger det af logikken i det dramatiske plot, at ikke kun de er skadelige: "Samfundet, og ikke enhver person, er skurken i dette stykke."

Mod slutningen af ​​århundredet: Behagelige stykker og tre stykker for puritanerne"

To årtier - fra udgivelsen af ​​"Unpleasant Plays" til slutningen af ​​Første Verdenskrig - en frugtbar fase i Shaws arbejde. På dette tidspunkt blev hans bedste værker, forskelligartede i emne og ekstraordinære i struktur, udgivet. Shaw kaldte den anden cyklus Pleasant Pieces. Hvis genstand for kritik i den foregående cyklus er samfundets socioøkonomiske grundlag, så kritiseres denne gang ideologiske myter, illusioner, fordomme, der er solidt forankret i hovedet på dramatikerens landsmænd. Shaws mål var at overbevise om behovet for et nøgternt syn på tingene, at afmytologisere den offentlige bevidsthed.

Cyklussen omfatter fire skuespil: "Arms and Man" (1894), "Candida" (1894), "The Chosen One of Fate" (1895), "Vent og se" (IS95).

Startende med denne cyklus inkluderer Shaws arbejde et antimilitaristisk tema, som var yderst relevant i disse år.

En af retningerne i Shaws satire var "deheroization" af stærke personligheder, der vandt berømmelse på slagmarken. Sådan er skuespillet "The Chosen One of Fate", som har undertitlen "Trifle". Handlingen foregår i 1796 i Italien, helt i begyndelsen af ​​hovedpersonen Napoleons strålende karriere. Showet reducerer bevidst billedet af kommandanten. I en omfattende introduktion til stykket forklarer forfatteren; Napoleons geni - ved at forstå vigtigheden af ​​artillerikanonade for udryddelsen af ​​så mange mennesker som muligt (i sammenligning med riffel- og bajonetkamp). Franske soldater i nød plyndrer og opfører sig som græshopper i Italien.

Stykket er skrevet på en legende måde og følger langt fra historiske fakta. I munden på Napoleon er indlejret argumenter om hans hovedfjende - England, landet for "middelaldrende mennesker", "butiksejere". Napoleon taler om engelsk hykleri. I hans monolog kan Shaws stemme og intonationer skelnes: “Briterne er en speciel nation. Ingen englænder kan synke så lavt, at han ikke har fordomme, eller stige så højt, at han frigør sig fra deres magt ... Enhver englænder er fra fødslen udstyret med en eller anden mirakuløs evne, takket være hvilken han blev verdens hersker ... Hans kristne pligt er at erobre dem, der ejer genstanden for hans ønsker ... Han gør, hvad han vil, og griber, hvad han kunne lide ..."

Briterne er kendetegnet ved evnen til at retfærdiggøre enhver af de mest uærlige handlinger ved henvisninger til de højeste moralske autoriteter, at stå i en effektiv positur af en moralsk person.

”Der er ikke sådan en ondskab og den bedrift, som en englænder ikke ville have opnået; men der var ingen anledning til, at englænderen tog fejl. Han gør alt ud fra princippet: han kæmper med dig fra det patriotiske princip, berøver dig fra forretningsprincippet; slavebinder dig fra det imperiale princip; truer dig fra princippet om maskulinitet; støtter sine konger fra princippet om loyalitet og hugger hovedet af hans hoved fra republikanismens princip."

I stykket "Arms and Man", kendt i Rusland som "Chokoladesoldaten", foregår handlingen under den bulgarsk-serbiske krig i 1886, som resulterede i to slaviske folks meningsløse selvdestruktion. Den dramatiske konflikt bygger på Shaws karakteristiske modsætning til to typer helte – den romantiske og den realistiske. Den første er den bulgarske officer Sergei Saranov, udstyret med et smukt "byronisk" udseende, en elsker af verbal retorik, kombineret med indlysende holdninger. En anden type er lejesoldaten Brunchli, en schweizer, der tjente sammen med serberne, en mand med et praktisk sind, ironisk, blottet for enhver illusion. Det er ham, Raina Petkova, en velhavende arving, giver hende sympatier. I modsætning til Saranovs emmer af patriotisk patos, ser Brunchli krigen som et rentabelt, godt betalt job.

Shaws næste samling, Three Pieces for the Puritans (1901), inkluderer The Devil's Apprentice (1897), Cæsar og Cleopatra (IS9S) og The Conversion of Captain Brasbound (1899). Navnet nickl kan ikke tages bogstaveligt, det er ret ironisk. I introduktionen til cyklussen erklærer Shaw, at han opstiller sine skuespil til dem, hvor tyngdepunktet er en kærlighedsaffære. Showet er imod, at lidenskab sejrer over fornuften. Som en fortaler for det "intellektuelle teater" betragter Shaw sig selv som en "puritaner", med henvisning til hans tilgang til kunst.

I denne cyklus skuespil vender Shaw sig til historiske emner. I dramaet "The Devil's Apprentice", som fortsætter det for Shaw så vigtige antikrigstema, foregår handlingen i æraen af ​​den amerikanske revolution i det 18. århundrede, i 1777, hvor kolonisterne indledte en kamp for frihed fra engelsk krone. I centrum af stykket er Richard Dudgeon, fyldt med had til undertrykkelse og undertrykkere, til alle former for bigotteri og dobbelthed.

Skuespillet "Cæsar og Cleopatra" er en dramatisk udvikling af temaet om forholdet mellem den store kommandør og den egyptiske dronning. Til en vis grad er dette stykke baseret på en intern polemik med Shakespeares tragedie Antony og Cleopatra. Sidstnævnte tolkes sædvanligvis som den romantiske kærligheds apoteose, hvis offer var statens interesser. Shakespeares Antony og Cleopatra er lidenskabelige elskere, modsat af den kolde, beregnende Octavian. Showet ændrer konceptet om helte, og fokuserer på det komplekse forhold mellem de sejrrige romere og egyptere. Kleopatras handlinger styres ikke kun af en stærk følelse for Cæsar, men også af politisk beregning. Cæsar er heller ikke en romantisk helt, men en sober pragmatiker. Han styrer sine sanser. Og da erhvervslivet kalder ham til Italien, skiltes han ikke kun med Cleopatra, men lover også at sende dronningen en afløser for sig selv - "en romer fra top til tå, yngre, stærkere, mere energisk", "ikke gemmer sit skaldede hoved under vinderens laurbær." Han hedder Mark Antony.

Shaws skuespil bliver sådan set en prolog til Shakespeares, der foregår efter Cæsars død, da den egyptiske dronning møder sin nye elsker.

I begyndelsen af ​​århundredet: nye temaer, nye helte

I begyndelsen af ​​1900-tallet opnåede Shaw verdensomspændende berømmelse. Hans personlige liv er også ved at blive afgjort. I 1898 udviklede Shaw helbredsproblemer. Han gennemgik en større benoperation. Såret helede ikke i lang tid - hans krop var svækket på grund af overanstrengelse og dårlig vegetarisk ernæring. Den syge forfatter begyndte at blive plejet af sin hengivne fan Charlotte Payne-Townsend, en irsk kvinde, som han mødte i Fabian Society. De blev gift samme år. Shaw var 42, Charlotte var 43. De var gift i 45 år indtil Charlottes død i 1943. De havde ingen børn. Denne forening af dem havde et udtalt intellektuelt grundlag. Shaw var en ejendommelig person, ikke uden særheder, hans kontor var et imponerende syn. Bunker af bøger og manuskripter var stablet overalt, på bordet, på gulvet. Shaw tillod ikke at røre ved dem, men Charlotte formåede at etablere Shaws liv, bringe komfort og minimal orden ind i det. Da Charlotte blev spurgt, om det var nemt for hende at leve med et geni, svarede Ogga: "Jeg har aldrig levet med et geni."

I 1900-tallet var Shaw ekstremt kreativ i sin kunst; den ene efter den anden, omtrent en gang om året, udkom hans skuespil, og i ingen af ​​dem blev han gentaget: "The Man and the Superman" (1903), "The Other Island of John Bull" (1904), "Major Barbara" (1905), The Doctor's Dilemma (1906), The Exposure of Blasco Posnet (1909), Androcles and the Lion (1912), Pygmalion (1913).

"Mand og Superman". Skuespillet Man and Superman, med undertitlen A Comedy with Philosophy, var en succes. Dette er en variation af historien om Don Juan, en kvinde er udstyret med et aktivt princip, hun forfølger en mand og prøver at gifte ham med sig selv.

Hovedpersonen, John Tanner, er en socialistisk, ung rig mand, C.P.K.B. (Member of the Idle Class of the Rich). Han er attraktiv, kvinder er tiltrukket af ham, men helten er bange for dem og søger at undgå ægteskabsbånd. Shaw lader til at lægge sine ideer i munden på helten, der skrev The Guide and Pocket Guide for Revolutionaries. Han kritiserer det kapitalistiske system og mener, at fremskridt ikke kan opnås gennem politisk kamp, ​​men som et resultat af aktiv "livskraft" og biologisk forbedring af den menneskelige natur.

Tanners håndbog er fuld af vittige, paradoksale aforismer. Nogle af dem er: "Den gyldne regel er, at der ikke er nogen gyldne regler"; "Kunsten at styre er organiseringen af ​​afgudsdyrkelse"; "I et demokrati vælger mange uvidende, hvorimod få tidligere var korrupte"; "Man kan ikke blive en smal specialist uden at blive i bred forstand et fjols"; "Velt opdragede børn er dem, der ser deres forældre, som de er."

Stykket består af to dele – en komedie om John Tanner og et mellemspil om Doc Juan. Ved at sammenligne disse billeder tydeliggør forfatteren essensen af ​​hovedpersonens karakter. Don Juans passion for kvinder står i kontrast til Tanners spirituelle Don Juanisme - hans passion for nye ideer, hans drøm om en supermand. Men han er ikke i stand til at omsætte sine ideer til virkelighed.

Major Barbara. Shaws skuespil rummer åbenhjertig og skarp samfundskritik. I stykket Major Barbara er objektet for ironien Frelsens Hær, hvor hovedpersonen Barbara tjener, som slet ikke er fyldt med lysten til at gøre gode gerninger. Paradoks i Gom. at organiseret velgørenhed, finansieret af de rige, ikke bliver mindre, men tværtimod mangedobler antallet af fattige. Blandt karaktererne er et af de mest imponerende ansigter heltindens far, ejeren af ​​Undershaft-våbenfabrikken. Han betragter sig selv som livets herre, hans depiz: "Ingen skam", han er den egentlige "landets regering." Undershaft er en købmand i døden og er stolt af, at våben og torpedoer dominerer hans religion og hans moral. Ikke uden fornøjelse taler han om hav af uskyldigt blod, om fredelige bønders nedtrampede marker og andre ofre for "national forfængelighed": "Alt dette giver mig indtægt: Jeg bliver kun rigere og får flere ordrer, når aviserne basunerer om det."

Det er ikke svært at forestille sig, hvor relevant dette billede blev for det 20. århundrede, især i perioder med et intenst våbenkapløb.

Shaw og Tolstoy. Ligesom sine bemærkelsesværdige samtidige, Galsworthy og Wells, ignorerede Shaw ikke Tolstojs kunstneriske bidrag, selvom han adskilte sig fra ham på den filosofiske og religiøse side. Skeptisk over for autoriteter, tilskrev Shaw alligevel Tolstoj til "tankens mestre", til dem, der "leder Europa". I 1898, efter optræden i England af Tolstojs afhandling Hvad er kunst?, svarede Shaw på den med en længere anmeldelse. I polemisering med individuelle Tolstojs teser delte Shaw hovedideen i afhandlingen, der proklamerede kunstens sociale mission. Shaw og Tolstoy blev også bragt sammen af ​​deres kritiske holdning til Shakespeare, selvom de tog udgangspunkt i forskellige filosofiske og æstetiske præmisser.

I 1903 sendte Shaw Tolstoj sit skuespil Man and Superman, ledsaget af et omfattende brev. Tolstojs forhold til Shaw var komplekst. Han satte stor pris på hans talent og naturlige humor, men bebrejdede Shaw for ikke at være seriøs nok, idet han talte om et sådant spørgsmål som formålet med menneskelivet på en komisk måde.

Et andet skuespil af Shaw, The Exposure of Blasco Posnet (1909), sendt af forfatteren til Yasnaya Polyana, kunne Tolstoy godt lide. Hun var i ånden tæt på folkedramaet og blev ifølge Shaw skrevet ikke uden indflydelse fra Tolstojs "Mørkets magt".

Pygmalion: Galatea i den moderne verden

På tærsklen til Første Verdenskrig skrev Shaw et af sine mest berømte skuespil, Pygmalion (1913). Hun var mere naturskøn, traditionel i form end mange af hans andre værker, og havde derfor succes i forskellige lande og trådte ind i det klassiske repertoire. Stykket blev også grundlaget for den vidunderlige musical My Fair Lady.

Stykkets titel peger på den ældgamle myte, omarbejdet af Ovid i sine Metamorfoser.

Den talentfulde billedhugger Pygmalion skulpturerede den utroligt smukke statue af Galatsn. Hans skabelse var så perfekt, at Pygmalion blev forelsket i ham, men hans kærlighed blev ubesvaret. Så vendte Pygmalion sig med en bøn til Zeus, og han genoplivede statuen. Så Pygmalion fandt nedrivningslykke.

En mester i paradokset, den ironiske "vending" af konventionel visdom, udfører Shaw en lignende operation med mytens plot. I stykket er det ikke Pygmalion (Professor Higgins), der "genopliver" Galatea (Eliza Dolittle), men Galatea - hendes skaber, der lærer ham sand menneskelighed.

Hovedpersonen er den fonetiske videnskabsmand professor Henry Higgins - en fremragende ekspert på sit felt. Han er i stand til at bestemme talerens oprindelse og sociale status ved udtale. Professoren forlader aldrig sin notesbog, hvor han optager andres dialekter. Higgips er fuldstændig optaget af videnskab og er rationel, kold, egoistisk, arrogant og har svært ved at forstå andre mennesker. Professoren er en overbevist ungkarl, der er mistænksom over for kvinder, som han ser som en intention om at stjæle hans frihed.

Sagen bringer ham i kontakt med Eliza Doolittle, en blomstersælger, en enestående natur, lys. Bag sin sjove udtale og vulgære jargon afslører Shaw sin excentricitet og charme. Talemangler forstyrrer Eliza, forhindrer hende i at få et job i en anstændig butik. Hun viser sig for professor Higgins og tilbyder ham en lille smule til gengæld for at lære hende udtaletimer. Oberst Pickering, en amatør-lilguist, laver et væddemål med Higgins: Professoren skal bevise, at han kan forvandle en blomsterpige til en højsamfundskvinde på få måneder.

Higgins' eksperiment forløber med succes, hans pædagogik vil bære frugt, dog ikke uden problemer. To måneder senere bringer professoren Eliza hjem til sin mor, den primitive engelske fru Higgins, netop på dagen for festen. Et stykke tid holder Eliza sig fremragende, men fortaber sig uventet på "gadeord". Higgins vil være i stand til at udjævne tingene ved at overbevise alle om, at dette er den nye sekulære jargon. Elizas næste indtræden i det høje samfund er mere end vellykket. En ung kvinde bliver forvekslet med en hertuginde, beundret for hendes manerer og skønhed.

Eksperimentet, der allerede er begyndt at trætte Higgins, er afsluttet. Professoren er igen arrogant kold over for pigen, hvilket fornærmer hende dybt. Shaw lægger bitre ord i munden på hende og understreger stykkets humanistiske patos: ”Du trak mig ud af mudderet!... Og hvem spurgte dig? Nu takker du Gud for, at alt er forbi, og du kan kaste mig tilbage i mudderet. Hvad er jeg god til? Hvad har du tilpasset mig til? Hvor skal jeg gå hen? Desperat kaster pigen skoene efter Higgins. Men dette bringer ikke professoren ud af balance: han er sikker på, at alt vil ordne sig.

Der er tragiske toner i stykket. Forestillingen gennemsyrer stykket dybe betydninger. Han står op for menneskers lighed, forsvarer den menneskelige værdighed, individets værdi, som mindst af alt måles på skønheden i udtalen og aristokratiske manerer. Mennesket er ikke et ligegyldigt materiale til videnskabelige eksperimenter. Han er en person, der kræver respekt for sig selv.

Eliza forlader Higgips' hus. Og alligevel formår hun at "komme igennem" den gamle ungkarl. I løbet af disse måneder udviklede der sig sympati mellem professoren og Eliza.

I finalen vender Eliza tilbage til Higgins' hus og kræver, at professoren beder hende om et andragende, men får afslag. Hun takker Pickering for en virkelig ridderlig holdning til hende og truer Higgins med, at hun vil gå på arbejde som assistent for hans rival professor Nepin.

Showet byder på en trist "åben" slutning. Efter at have skændtes med Higgins igen, tager Eliza af sted til brylluppet til sin far, med hvem der også skete en vidunderlig metamorfose. Drikfælgeren, efter at have modtaget en betydelig sum ved testamente, blev medlem af Society of Moral Reforms. Higgins, der byder Eliza farvel, beder hende om at shoppe og ignorerer hendes foragtende tone. Han er overbevist om, at Eliza vil vende tilbage.

Shaw selv skrev i efterordet til stykket, måske på grund af sin afhængighed af vittigheder eller ønsket om at pusle til seeren, følgende: "... Hun (Eliza) har en følelse af, at hans (Higgins') ligegyldighed vil blive større end andre almindelige naturers passionerede kærlighed ... Hun er enormt interesseret i ham. Der er endda et ondsindet ønske om at fængsle ham alene på en øde ø ..."

Stykket åbnede en ny facet af dramatikerens talent: hans karakterer er i stand til ikke kun at diskutere og dykke vittigt, men også at elske, selvom de dygtigt maskerer deres følelser.

Historien om skabelsen af ​​stykket er forbundet med romanen af ​​Shaw og den berømte skuespillerinde Patricia Campbell. Det var en bogstavromance. Patricia spillede rollen som Eliza i Pygmalion. Efter at have diskuteret rollen med Patricia skrev Shaw: "Jeg drømte og drømte og svævede i skyerne hele dagen og hele den næste dag, som om jeg ikke var tyve endnu. Men jeg er ved at fylde 56. Der er aldrig sket noget så latterligt og så vidunderligt.

Blandt de russiske opsætninger af Pygmalion er premieren på Maly Theatre i december] 943 med den geniale D. Zerkalova i rollen som Eliza særlig betydningsfuld.

Første Verdenskrig: "Hjem hvor hjerter knuses"

Første Verdenskrig var et chok for Shaw. I modsætning til de forfattere, der på et tidligt tidspunkt var tæt på det "patriotiske" synspunkt (G. Hauptmann, T, Mann, A. Frankrig), indtog Shaw en dristig, selvstændig holdning. I 1914 udgav han pjecen Common Sense of War, inspireret af den antimilitaristiske patos, der var til stede i en række af hans skuespil. "Krig er den største forbrydelse mod menneskeheden, en metode til at løse konflikter på den mest barbariske måde!" Shaw insisterede. Med sin pjece advarede han om farerne ved at blive blændet af pitriotiske ideer. I 1915, i et brev til Shaw, støttede Gorky, som han kaldte "et af vor tids mest dristige mennesker", hans humanistiske holdning.

Shaw boltrede sig i antikrigsstemninger i en række korte dramatiske værker, der var inkluderet i samlingen Pieski on War (1919): About Flaherty, Knight Commander of Victoria, The Emperor of Jerusalem, Anna, the Bolshevik Empress, and August Doing His Pligt Det sidste stykke er det mest vellykkede, tæt på farce.

Lord August Haykcastle er en højtstående militær embedsmand. En selvtilfreds og dum aristokrat med et "støbejernskalle", som foragter almindelige mennesker, han holder pseudopatriotiske taler. Det forhindrer ham ikke i at udsløre vigtige militærhemmeligheder til den tyske spion.

Shaw reagerede på begivenhederne i Rusland i 1917. Han fordømte de herskende klasser i England, som forsøgte at undertrykke bolsjevikkerne gennem intervention. Shaw godkendte socialisme som målet for den russiske revolution. Men vold som bolsjevikkernes metode var uacceptabel for showdemokraten.

Et skuespil på Chekhovs måde. I krigsårene blev det mest betydningsfulde og komplekse drama skabt med en original titel, der blev til en aforisme: "A House Where Hearts Break." Shaw begyndte arbejdet med stykket i 1913, afsluttede det i 1917 og udgav det efter krigens afslutning i 1919. Stykket har undertitlen "Fantasy i russisk stil om engelske temaer." Som sædvanlig indledte Shaw stykket, præget af en bred, socio-filosofisk lyd, et grundigt forord, der angiver dets "russiske spor". Dette skuespil havde en milepælsbetydning for Shaw, det absorberede også mange af motiverne, temaerne og teknikkerne fra hans tidligere dramaer. Forfatteren understregede omfanget af ideen: før beskueren, et kulturelt, ledigt Europa på tærsklen til krigen, hvor kanonerne allerede var ladet. I stykket optræder Shaw som satiriker og samfundskritiker, der portrætterer samfundet afslappet, i en "overophedet rumatmosfære", hvor "sjælløs uvidende list og energi hersker."

Shaw udnævnte de store russiske forfattere Tjekhov og Tolstoj som sine forgængere i udviklingen af ​​sådanne problemer. "Tjekhov," siger Shaw, "har fire dejlige sketches til teatret om et hus, hvor hjerter knuses, hvoraf tre - The Cherry Orchard, Oncle Vanya og The Seagull - blev opført i England." Senere, i 1944, skrev Shaw, at han var fascineret af Tjekhovs dramatiske løsninger på emnet om værdiløsheden af ​​"kulturelle tomgangere, engagerede sig ikke i kreativt arbejde."

Ifølge Shaw portrætterede Tolstoy også "House", og det gjorde han i "The Fruits of Enlightenment" "grusomt og foragteligt." For ham var det "Hjem", hvor Europa "døder sin sjæl".

Shaws stykke har en kompleks, sammenfiltret intrige, det virkelige i det sameksisterer med det groteske og fantasien. Helte er desperate mennesker, der har mistet troen på livsværdier, skjuler ikke deres værdiløshed og fordærv. Begivenheder udspiller sig i et hus "bygget som et gammelt skib." Repræsentanter for tre generationer optræder i stykket.

Ejeren af ​​huset er den firsårige kaptajn Shotover, en mand med nogle særheder. I sin ungdom oplevede han romantiske eventyr til søs, men med årene blev han skeptiker. Han kalder England for "sjælenes fangehul". Husskibet bliver et dystert symbol. I en samtale med Hector, manden til en af ​​døtrene, giver Shotover en mere end pessimistisk prognose om sit lands fremtid: "Hendes kaptajn ligger på sin seng og suger spildevand direkte fra en flaske. Og holdet til cockpittet surmuler over kortene. De vil flyve ind, styrte ned og drukne. Tror du, at Herrens love blev annulleret til fordel for England, bare fordi vi blev født her?" Frelse fra en sådan skæbne ligger ifølge Shotover i studiet af "navigation", det vil sige i politisk uddannelse. Dette er Shaws yndlingsidé. De midaldrende døtre af Shotover, Hesion Hushabye og Eddie Utterword og deres mænd er satirisk afbildet. De lever sølle, frugtesløst og forstår dette, men de har ingen energi, kan kun brokke sig, komme med ætsende bemærkninger til hinanden og sludre om bagateller. Næsten alle karaktererne er viklet ind i et spind af løgne.

Den eneste handlingsperson i dette brogede selskab samlet i huset er Mangan. Shotover hader ham. Han beholder reserver af dynamit for at sprænge den forhadte verden omkring ham i luften, hvor der, som Hector siger, næsten ingen anstændige mennesker er.

Blandt de få positive karakterer er den unge dame Ellie Dan. Den kombinerer en forkærlighed for romantisk illusion og praktisk. Hun rådfører sig med Shopper, om hun skal gifte sig med rigmanden Mangan, hvis penge blev erhvervet med kriminelle midler. Ellie er klar til at "sælge ud" til ham for at "redde sjælen fra fattigdom." Men den "farlige gamle mand" Shotoner overbeviser hende om, at "rigdom er ti gange større sandsynlighed for at styrte ned i underverdenen." Som et resultat beslutter Ellie sig for, at den mest foretrukne løsning er at blive Shotovers kone. Ellie minder lidt om sådanne Shaw-karakterer som Vivi, Eliza Dolittle, udstyret med selvværd og en tørst efter et bedre liv.

Stykkets finale er symbolsk. Det tyske luftangreb viser sig at være den eneste interessante begivenhed, der forstyrrede karakterernes "ulidelig kedelige" eksistens. En af bomberne falder helt sikkert i gruben, hvor Mengen og tyven, der havde sneget sig ind i huset, gemte sig. Resten af ​​heltene oplever "vidunderlige fornemmelser" og drømmer om et nyt raid ...

Dette stykke er ligesom Pygmalion en tilbagevisning af Shaws vedvarende bebrejdelser om, at han næsten ikke skabte fuldblods menneskelige karakterer, og kun bærere af ideologiske teser, visse skikkelser klædt i mandlige og kvindelige kostumer, optrådte på scenen.

Stykket "A House Where Hearts Break" fuldendte den vigtigste og mest frugtbare fase i dramatikerens kreative udvikling. Der var stadig tre årtiers skrivning forude, fuld af interessante søgninger.

Between World Wars: The Late Shaw

Da krigen sluttede og Versailles-traktaten blev underskrevet (1919), var Shaw allerede 63 år gammel. Men han så ikke ud til at føle byrden i årevis. De sidste årtier af hans karriere er kort karakteriseret her, da denne periode allerede er dækket i løbet af det XX århundredes litteratur.

Tilbage til Methusalem. Show-dramatikeren mestrer nye teknikker og genrer, især genrerne i et filosofisk-utopisk politisk skuespil, excentricitet og farce. Hans skuespil i fem akter "Tilbage til Methusalem" (1921) er en refleksion over historiens og evolutionens problemer på en grotesk fantastisk måde. Shaws tanke er original. Han er overbevist om, at samfundets ufuldkommenhed ligger i personens ufuldkommenhed, frem for alt i den korte varighed af hans jordiske eksistens. Derfor er opgaven at forlænge menneskets liv op til Methusalems alder, det vil sige op til 300 år ved hjælp af systematisk biologisk evolution.

"Sankt Johannes". Den næste dramatik er produceret. Shaw - "Saint John" (1923) har undertitlen "Krønike i seks dele med en epilog." I den vendte Shaw sig til et heroisk tema. I centrum af stykket ses billedet af Jeanne d'Arc. Billedet af denne pige fra folket, selve fænomenet af denne mystiske og frygtløse personlighed, vakte beundring og var genstand for talrige undersøgelser og ideologiske polemik. I 1920. Jeanne blev kanoniseret I kunstnerisk fortolkning havde Shaws billede af Jeanne fremragende forgængere: Voltaire, Friedrich Schiller, Mark Twain, Anatole France.

I forordet til stykket talte Shaw imod at romantisere sin heltinde, imod at gøre hendes liv til et sentimentalt melodrama. Baseret på en objektiv analyse af fakta og dokumenter, adlydende logikken i sund fornuft, skabte Shaw en ægte historisk tragedie. Han introducerede Jeanne som "en fornuftig og indsigtsfuld landpige med ekstraordinær styrke i sindet og udholdenhed."

I en samtale med kongen udtaler Jeanne de ord, der er nøglen til at forstå hendes karakter: "Jeg er selv fra jorden, og jeg fik al min styrke ved at arbejde på jorden." Hun længes efter at tjene sit hjemland, årsagen til hendes befrielse. Med sin uinteresserede og patriotisme modarbejder Jeanne de paladsintriger, som kun er drevet af egoistiske interesser. Jeannes religiøsitet er en manifestation af hendes følelse af åndelig frihed og længsel efter ægte menneskelighed.

I 1928 vandt Shaw, den anden englænder efter Kipling, Nobelprisen i litteratur. I 1931, ikke uden et strejf af chokerende, tog han til Sovjetunionen for at fejre sin 75-års fødselsdag der. Stalin accepterer ham.

I England skrev og talte Shaw meget til forsvar for vores land. Undskyldning for sovjetterne var slet ikke bevis på Shaws politiske kortsynethed, selvom man i hans taler selvfølgelig følte en udfordring mod den britiske presses antisovjetisme. Måske faldt han, ligesom nogle vestlige forfattere i 1930'erne, under indflydelse af en stærk propaganda-stalinistisk maskine, der også fungerede i udlandet.

Skuespil fra de sidste årtier. I B. Shaws skuespil i de senere år er der på den ene side et egentligt sociopolitisk tema, på den anden side en usædvanlig, paradoksal form, ja endda en tyngde hen imod excentriskhed og bøvl. Derfor - vanskeligheden ved deres scenefortolkning.

Skuespillet "Kurren med æbler" (1929), skrevet i året med den alvorligste økonomiske krise, har undertitlen "Politisk ekstravaganda". Navnet går tilbage til udtrykket: "vælte en vogn med æbler", det vil sige, betragte den forstyrrede orden ikke længere genstand for genopretning, forstyrre alle planer. Handlingen foregår i fremtiden, i 1962, og indeholder vittige angreb på det politiske system i England.

Stykkets indhold koger ned til endeløse skænderier mellem kong Magnus, en mand med intelligens og skarpsindighed, med sin premierminister Proteus og medlemmer af hans kabinet. Proteus indrømmer: "Jeg tjener som premierminister af samme grund, som alle mine forgængere besatte det: fordi jeg ikke er god til noget andet." Shaw gør det klart: den virkelige magt er ikke kongen, ikke ministrene, men monopolerne, selskaber, pengesække. Meget i dette stykke lyder stadig meget relevant i dag.

Skuespillet Bitterly But True (1932) opføres på en munter måde, hvis dybe tema er den åndelige krise i det engelske samfund. I et andet teaterstykke, "On the Shore" (1933), lød emnet om arbejdsløshed og måder at overvinde den på, som var relevant for begyndelsen af ​​1930'erne. Shaw genskabte karikaturportrætter af britiske ledere, premierminister Arthur Chavendero og medlemmer af hans regering.

Det utopiske plot i stykket "The Simpleton from the Unexpected Islands" (1934) er baseret på forfatterens overbevisning om det skadelige i en ledig tilværelse. I en række skuespil skaber Shaw billeder af dem, der opnåede deres rigdom på en uretfærdig måde (Millionaire, 1936; Billions of Byant, 1948), Condemning fascism and totalitarianism; gennemsyret hans skuespil "Geneve" (1938), dramatikeren udviklede; også historiske temaer ("In the golden days of King Charles", 1939) Under Anden Verdenskrig opfordrede Shaw til en tidlig åbning af en anden front og europæisk solidaritet med Rusland. Kun to ord: "Hjælp Rusland."

Shaws død: et liv levet fuldt ud. Efter at have fejret sin 90-års fødselsdag i 1946 fortsatte dramatikeren med at arbejde. I 1949, et år før sin død, skrev han en legende dukkekomedie "Shex vs. Shaw", og hvis helte var let at gætte af Shakespeare og Shaw, hvilket førte til en humoristisk kontrovers in absentia.

I de senere år boede dramatikeren alene i den lille by Eyot-Saint-Lawrence og fortsatte med at arbejde og forblev en levende legende. Shaw døde den 2. november 1950 i en alder af 94. Alle, der kendte ham, talte om ham med beundring og bemærkede den fantastiske alsidighed af dette geni.

Længe før sin død sagde 44-årige Shaw i en tale: "Jeg har gjort mit arbejde på jorden og har gjort mere, end jeg skulle. Og nu er jeg kommet til dig for ikke at bede om en belønning. Jeg kræver det med ret." Og Shaws belønning var ikke kun verdensomspændende berømmelse, anerkendelse og kærlighed, men frem for alt bevidstheden om, at han havde opfyldt sin mission på jorden i det fulde omfang af sin styrke og talenter.

Shaws dramatiske metode; paradoksernes musik

Shaws vej som forfatter varede tre kvart århundrede. Han var en innovatør, der fortsatte og berigede traditionerne for verdens dramatikere. Ibsens princip om "idédrama" blev videreudviklet og skærpet af ham.

Stridighederne om Ibsens karakterer udviklede sig til lange diskussioner i Shaw. De dominerer stykket, absorberer ydre dramatisk handling og bliver en kilde til konflikt. Shaw indleder ofte sine skuespil med omfattende forord, hvori han forklarer karakterernes karakterer og kommenterer det problem, der diskuteres i dem. Hans helte er nogle gange ikke så meget psykologisk skitserede individuelle karakterer som bærere af bestemte begreber og teorier. Deres forhold vises som en intellektuel rivalisering, og selve det dramatiske værk bliver en dramadiskussion. En talentfuld taler og polemiker, Shaw synes at formidle disse kvaliteter til sine helte.

I modsætning til Ibsen, hvis arbejde var præget af dramaer, er Shaw primært komiker. Kernen i hans metodologi er den humoristisk-sitiriske begyndelse. Forestillingen er tæt på måden som antikkens store satiriker Aristophanes, og i hvis skuespil princippet om karakterens konkurrence blev realiseret.

Showet er blevet sammenlignet med Swift. Men i modsætning til Swift, især senere, hader Shaw ikke mennesker. Den har heller ikke Swifts dysterhed. Men Shaw, ikke uden ironi og endda foragt, vil afvige fra folks dumhed, til deres uudslettelige fordomme og latterlige sentimentalitet.

Hans polemik med Shakespeare, på trods af alle dens yderpunkter, var ikke kun Shaws særhed, hans ønske om at chokere den litterære verden, en udfordring næsten med henblik på selvpromovering. Det handlede jo om et forsøg på den tilsyneladende indiskutable autoritet. Shaw ønskede at sætte spørgsmålstegn ved, hvad han mente var Shakespeares skadelige afgudsdyrkelse, der var blevet forankret i hans landsmænd, den arrogante overbevisning om, at kun England kunne fødes som den eneste og uovertrufne digter, der stod over al kritik. Heraf fulgte, at alle dramatikere og digtere var forpligtet til at orientere sig mod Shakespeare i deres arbejde. Shaw argumenterede for, at der kunne være en anden slags drama.

Humor, satire, paradokser. Showet er langt fra naturtro, et spejlbillede af virkeligheden. Hans teater er intellektuelt. Det er domineret af elementet humor og satire. Hans karakterer taler om alvorlige ting på en komisk, ironisk måde.

Shaws skuespil funkler af vid og hans glorificerede paradokser. Det er ikke kun udsagn fra Shaw's karakterer, der er paradoksale, men også situationerne i hans skuespil og ofte plots. Selv i Othello sagde Shakespeare: "De gamle søde paradokser eksisterer for at få fjolser til at grine." Og her er Shaws synspunkt: "Min måde at spøge på er at fortælle sandheden."

Mange af Shaws paradokser er aforistiske. Her er nogle af dem: « En rationel person tilpasser sig verden, en urimelig person fortsætter i sine forsøg på at tilpasse verden til sig selv. Derfor afhænger fremskridt altid af urimelige mennesker ”; ”Når en mand vil dræbe en tiger, kalder han det en sport; når tigeren selv vil slå ham ihjel, kalder manden det for blodtørstighed. Forskellen mellem kriminalitet og retfærdighed er ikke længere ”; "Hvem kan gøre det; der ikke ved hvordan man gør - underviser; der ikke ved, hvordan man underviser - lærer, hvordan man underviser ”; "Folk bliver smigret ikke af smiger, men af ​​det faktum, at de anses for at være værdige til smiger"; "En sund nation føler ikke sin nationalitet, ligesom en sund person ikke føler, at han har knogler. Men hvis du undergraver dens nationale værdighed, vil nationen ikke tænke på andet end at genoprette den."

Shaws paradokser eksploderede den imaginære anstændighed af almindeligt accepterede ideer, fremhævede deres inkonsistens og absurditet. I dette viste Shaw sig at være en af ​​forløberne for det absurde teater.

I Shaws skuespil - poesi ved tanke. Hans karakterer er rationelle, rationelle, dramatikeren håner endda af følelser eller, for at være mere præcis, af sentimentalitet. Men det betyder ikke, at hans teater er tørt, koldt, fjendtligt over for følelsesmæssigt og lyrisk teater.

Et bemærkelsesværdigt træk ved B. Shaws skuespil er den latente musikalitet. Hun er i harmoni med hans kreative personlighed. Han levede i en atmosfære af musik, elskede klassikerne, optrådte som musikkritiker, elskede at spille musik. Han byggede sine sangstykker i overensstemmelse med lovene for musikalsk komposition, følte rytmen af ​​frasen, lyden af ​​ordet. Han skrev konstant om ordenes musik i anmeldelser af Shakespeare-skuespil. Han kaldte udstillinger af sine skuespil for "ouverturer", dialoger med karakterer - "duetter", monologer - "solopartier". Shaw skrev om nogle af sine skuespil som "symfonier". Af og til iscenesatte Shaw sine skuespil, og Shaw var særlig opmærksom på tempoet og rytmen i opførelsen. Monologer, duetter, kvartetter og bredere ensembler skabte det musikalske mønster i hans optræden. Han gav anvisninger om skuespillerens fire hovedstemmer: sopran, kontralto, tenor, bas. Forskellige musikalske effekter bruges i hans skuespil.

Thomas Mann, en af ​​skaberne af den intellektuelle europæiske roman fra det 20. århundrede, bemærkede med ekstraordinær subtilitet: "Denne sangersøns og sanglærers dramaturgi er den mest intellektuelle i verden, hvilket ikke forhindrer den i at være musik. - ordenes musik, og den er bygget, som han selv understreger, på princippet om musikalsk udvikling af temaet; på trods af al tankens gennemsigtighed, udtryksfuldhed og nøgternt kritiske legelyst, ønsker hun at blive opfattet som musik ..."

Men selvfølgelig er Shaws teater mere et teater for "forestillinger" frem for "oplevelser". Realiseringen af ​​hans dramatiske ideer kræver ukonventionelle tilgange og en høj grad af konventionalitet fra instruktøren og skuespilleren. Udførelsen af ​​rollerne involverer en usædvanlig skuespilstil, excentrisk, grotesk, satirisk spids. (Lidt lignende vanskeligheder opstår i fortolkningen af ​​Brecht.) Derfor opføres komedien "Pygmalion", som er nærmest den traditionelle type, oftest.

Litteratur

Litterære tekster

Vis B. Fuldstændige værker: i 6 bind / B. Vis; forord A Aniksta. - M, 1978-1982.

Vis B. Om drama og teater / B. Show. - M., 1993.

Vis B. Om musik / B. Vis. - M, 2000.

Vis B. Bogstaver / B. Vis. - M .. 1972.

Kritik. Selvstudier

Balashov P. Bernard Shaw // Engelsk litteraturhistorie: i 3 bind - М „1958.

Civil 3. T. Bernard Shaw: en oversigt over liv og kreativitet / 3. T. Civil. - M., 1968.

Obraztsova A.G. Bernard Shaw i europæisk teaterkultur ved begyndelsen af ​​XIX-XX århundreder / A.G. Obraztsova. - M., 1974.

Obraztsova A.G. Bernard Shaws dramatiske metode / A.G. Obraztsova.- M., 1965.

Pearson X. Bernard Shaw / X. Pearson. - M., 1972.

Romm A.S.George Bernard Shaw / A.S. Romm, - M., L., 1966.

Romm A.S. Show-teoretiker / A.S. Romm. - L., 1972.

Hughes E, Bernard Shaw / E. Hughes, - M., 1966

Spil det formen af ​​et litterært værk skrevet af en dramatiker, der som regel består af dialoger mellem personer og er beregnet til læsning eller teaterforestilling; et lille stykke musik.

Brug af udtrykket

Udtrykket "skuespil" refererer til både dramatikeres skrevne tekster og deres teaterforestillinger. Få dramatikere, såsom George Bernard Shaw, gav ikke fortrinsret til, om deres skuespil ville blive læst eller opført på scenen. Stykket er en form for drama, der tager udgangspunkt i en konflikt af alvorlig og kompleks karakter.... Begrebet "skuespil" bruges i bred forstand - med henvisning til den dramatiske genre (drama, tragedie, komedie osv.).

Stykke i musik

Et stykke i musik (i dette tilfælde kommer ordet fra det italienske sprog pezzo, bogstaveligt "stykke") er et instrumentalt værk, ofte lille i volumen, som er skrevet i form af en periode, en enkel eller kompleks 2-3 delform, eller i form af en rondo. Titlen på et musikstykke definerer ofte dets genregrundlag - dans (valse, polonaiser, F. Chopins mazurkaer), march ("Tinsoldaternes march" fra Tchaikovskys "Børnealbum"), sang ("Sang uden ord" af F. Mendelssohn ").

Oprindelse

Udtrykket "leg" er af fransk oprindelse. I dette sprog omfatter ordet stykke flere leksikalske betydninger: del, stykke, værk, uddrag. Stykkets litterære form er nået langt fra oldtiden til nutiden. Allerede i teatret i det antikke Grækenland blev to klassiske genrer af dramatiske forestillinger dannet - tragedie og komedie. Den senere udvikling af teatralsk kunst berigede genrer og varianter af drama og følgelig skuespillets typologi.

Stykkets genrer. Eksempler på

Et skuespil er en form for litterært værk af dramatiske genrer, herunder:

Udvikling af stykket i litteraturen

I litteraturen blev stykket oprindeligt set som et formelt, generaliseret begreb, der indikerede, at et kunstværk tilhørte den dramatiske genre. Aristoteles ("Poetik", V og XVIII afsnit), N. Boileau ("Epistel VII til Racine"), G. E. Lessing ("Laocoon" og "Hamburg Drama"), J. V. Goethe ("Weimar Hofteater") brugte udtrykket " leg" som et universelt koncept, der gælder for enhver genre af drama.

I det XVIII århundrede. dramatiske værker dukkede op i titlerne, som ordet "leg" optrådte ("The Play on the Accession of Cyrus"). I det XIX århundrede. navnet "leg" blev brugt til at henvise til et lyrisk digt. Dramatikerne i det tyvende århundrede søgte at udvide dramaets genregrænser ved at bruge ikke kun forskellige dramatiske genrer, men også andre typer kunst (musik, vokal, koreografi, herunder ballet, biograf).

Stykkets kompositionsstruktur

Den kompositoriske konstruktion af stykkets tekst omfatter en række traditionelle formelle elementer:

• titel;
• liste over skuespillere;
• karaktertekst - dramatiske dialoger, monologer;
• bemærkninger (forfatterens noter i form af en angivelse af handlingsstedet, karakteristika for karakterer eller en specifik situation);

Stykkets tekstmæssige indhold er opdelt i separate fuldstændige semantiske dele - handlinger eller handlinger, som kan bestå af episoder, fænomener eller billeder. Nogle dramatikere gav deres værker en forfatters undertitel, som indikerede stykkets genrespecificitet og stilistiske orientering. For eksempel: "Discussion Play" af B. Shaw "Marriage", "Parabola Play" af B. Brecht "The Kind Man from Sichuan".

Legens funktioner i kunsten

Stykket havde en stærk indflydelse på kunstens udvikling. Skuespillenes plot er baseret på verdensberømte kunstværker (teatralske, musikalske, kinematografiske, tv):

• operaer, operetter, musicals, for eksempel: W. A. ​​Mozarts opera "Don Juan, eller den straffede libertine" er baseret på stykket af A. de Zamora; kilden til plottet til operetten "Truffaldino fra Bergamo" - stykket "Tjener for to herrer" af K. Goldoni; musicalen "West Side Story" - en tilpasning af William Shakespeares skuespil "Romeo og Julie";
• balletforestillinger, f.eks.: balletten "Peer Gynt", opført efter stykket af samme navn af G. Ibsen;
• kinematografiske værker, for eksempel: den engelske film "Pygmalion" (1938) - en tilpasning af skuespillet af samme navn af B. Shaw; spillefilmen "Dog in the Manger" (1977) er baseret på handlingen i stykket af samme navn af Lope de Vega.

Moderne betydning

Indtil vor tid har fortolkningen af ​​begrebet et skuespil som en universel definition af tilhørsforhold til dramatiske genrer, som er meget brugt i moderne litteraturkritik og litterær praksis, overlevet. Begrebet "leg" anvendes også på blandede dramatiske værker, der kombinerer træk fra forskellige genrer (for eksempel: komedie-ballet, introduceret af Moliere).

Ordet leg kommer fra Fransk stykke, som betyder stykke, del.

B. Shaw om det "nye drama"

I det historiske og litterære perspektiv markerede det "nye drama", der fungerede som en radikal omstrukturering af det 19. århundredes drama, begyndelsen på det 20. århundredes drama. I historien om det vesteuropæiske "nye drama" tilhører rollen som fornyer og pioner den norske forfatter Henrik Ibsen (1828-1906).

B. Shaw, som hos Ibsen så "idealismens store kritiker" og i hans skuespil - prototypen på hans egne skuespildiskussioner, i artiklerne "Ibsenismens kvintessens" (1891), "Realistisk dramatiker - til sine kritikere " (1894), og også i talrige anmeldelser, breve og forord til skuespil, gav han en dyb analyse af den norske dramatikers ideologiske og kunstneriske nyskabelse og formulerede på grundlag heraf hans idé om de kreative opgaver, som det "nye drama står over for". ”. Hovedtræk ved det "nye drama", ifølge Shaw, er, at hun beslutsomt vendte sig mod det moderne liv og begyndte at diskutere "problemer, karakterer og handlinger, der er af direkte betydning for publikum selv." Ibsen lagde grunden til et "nyt drama", og i Shaws øjne er han for den moderne seer meget vigtigere end den store Shakespeare. ”Shakespeare bragte os på scenen, men i situationer, der er fremmede for os ... Ibsen tilfredsstiller et behov, som Shakespeare ikke opfyldte. Han repræsenterer os selv, men os i vores egne situationer. Det, der sker med hans karakterer, sker også for os." Shaw mener, at den moderne dramatiker bør gå samme vej som Ibsen. Samtidig med at han taler om sit eget arbejde, indrømmer Shaw, at "han er tvunget til at tage alt materiale til dramaet enten direkte fra virkeligheden eller fra pålidelige kilder." "Jeg har ikke skabt noget, har ikke opfundet noget, har ikke perverteret noget, jeg har bare afsløret de dramatiske muligheder, der lurer i virkeligheden."

Shaw kalder "kulten af ​​falske idealer" etableret i samfundet "idealisme", og hans tilhængere - "idealister." Det er dem, kanten af ​​Ibsens satire retter sig, som forsvarede menneskets ret til at handle anderledes end samfundets "moralske idealer" foreskriver. Ibsen, ifølge Shaw, "insisterer på, at det højeste mål skal være inspireret, evigt, kontinuerligt udviklende, og ikke ydre, uforanderligt, falsk ... ikke et bogstav, men en ånd ... ikke en abstrakt lov, men en levende impuls. " Den moderne dramatikers opgave er at afsløre de modsætninger, der lurer i samfundet og finde en vej "til mere perfekte former for offentligt og privat liv."

Derfor er det nødvendigt at reformere dramaet, at gøre hovedelementet i dramadiskussionen til sammenstødet mellem forskellige ideer og meninger. Shaw er overbevist om, at dramaet i et moderne skuespil ikke bør baseres på ydre intriger, men på akutte ideologiske konflikter i selve virkeligheden. "I de nye stykker er den dramatiske konflikt ikke bygget op omkring en persons vulgære tilbøjeligheder, dens grådighed eller generøsitet, vrede eller ambition, misforståelser og ulykker og alt muligt andet, men omkring sammenstødet mellem forskellige idealer."

Ibsen-skolen har således, slutter Shaw, skabt en ny form for drama, hvis handling er "nært forbundet med den situation, der diskuteres." Ibsen ”indførte diskussionen og udvidede dens rettigheder så meget, at den efter at have spredt sig og invaderet handlingen endelig assimilerede sig med den. Skuespillet og diskussionen er blevet praktisk talt synonyme." Retorik, ironi, argumentation, paradokser og andre elementer i "ideernes drama" er designet til at vække beskueren ud af "emotionel søvn", få ham til at føle empati, gøre ham til en "deltager" i den diskussion, der er opstået - i en ord, for ikke at give ham "frelse i følsomhed, sentimentalitet" og" lære at tænke."

46. ​​Træk af socialt drama i B. Shaws værk

George Bernard Shaw (26. juli 1856 - 2. november 1950) - britisk (irsk og engelsk) forfatter, romanforfatter, dramatiker, vinder af Nobelprisen i litteratur. Offentlig person (socialist "Fabian", tilhænger af reformen af ​​det engelske skrift). Anden (efter Shakespeare) mest populære dramatiker i engelsk teater. Bernard Shaw er skaberen af ​​det moderne engelske sociale drama. Shaws værker fortsætter de bedste traditioner inden for engelsk drama og absorberer erfaringerne fra de største mestre i det moderne teater - Ibsen og Tjekhov - og åbner en ny side i det 20. århundredes drama. Shaw er satiremester og bruger latter som det primære våben i sin kamp mod social uretfærdighed. "Min måde at spøge på er at fortælle sandheden," - disse ord af Bernard Shaw hjælper med at forstå originaliteten af ​​hans anklagende latter.

Biografi: Han blev tidligt revet med af socialdemokratiske ideer; vakte opsigt med målrettede teatralske og musikalske anmeldelser; senere optrådte han selv som Dramatiker og fremkaldte straks skarpe Angreb fra Personer, der var forargede over deres angivelige Umoral og overdrevne Mod; i de senere år er det blevet mere og mere populært hos den engelske offentlighed og finder beundrere på kontinentet takket være fremkomsten af ​​kritiske artikler om ham og oversættelser af hans udvalgte skuespil (for eksempel på tysk - Trebic). Shaw bryder fuldstændig med den primitive, puritanske moral, der stadig er iboende i mange af de velhavende i det engelske samfund. Han kalder tingene ved deres rigtige navne, anser det for muligt at skildre ethvert dagligdags fænomen og er til en vis grad en tilhænger af naturalismen. Bernard Shaw blev født i Dublin, Irlands hovedstad, af en fattig adelsmand, der tjente som embedsmand. I London begyndte han at udgive artikler og anmeldelser om teaterforestillinger, kunstudstillinger og optrådte på tryk som musikkritiker. Shaw adskilte aldrig sin passion for kunst fra sin iboende interesse for hans tids sociale og politiske liv. Han deltager i socialdemokraternes møder, deltager i stridigheder, han bliver revet med af socialismens ideer. Alt dette bestemte arten af ​​hans arbejde.

Tur til USSR: Fra 21. juli til 31. juli 1931 besøgte Bernard Shaw USSR, hvor han den 29. juli 1931 havde et personligt møde med Joseph Stalin. En socialist i sine politiske synspunkter, Bernard Shaw blev også en tilhænger af stalinismen og en "ven af ​​USSR." Således giver han i forordet til sit stykke "On the Shore" (1933) et teoretisk grundlag for OGPU's undertrykkelse mod folkets fjender. I et åbent brev til redaktionen for avisen Manchester Guardian kalder Bernard Shaw de oplysninger, der kom i pressen om hungersnøden i USSR (1932-1933), for falske. I et brev til Labour Monthly tog Bernard Shaw også åbent side med Stalin og Lysenko i kampagnen mod genetiske videnskabsmænd.

Stykket "The Philanderer" afspejlede en ret negativ, ironisk holdning hos forfatteren til den ægteskabsinstitution, som han var på det tidspunkt; i Widower's Houses gav Shaw et billede af Londons proletarers liv, bemærkelsesværdigt i sin realisme. Meget ofte optræder Shaw som en satiriker, der nådesløst latterliggør de grimme og vulgære sider af det engelske liv, især livet i borgerlige kredse (John Bull's Other Island, Arms and the Man, How He Lied to Her Husband, etc.).

Shaw har også skuespil i den psykologiske genre, nogle gange endda ved at røre ved melodramaet (Candida osv.). Han ejer også en roman skrevet på et tidligere tidspunkt: "Love in the World of Artists." Da han skrev denne artikel, blev der brugt materiale fra Brockhaus and Efron Encyclopedic Dictionary (1890-1907). I første halvdel af 1890'erne arbejdede han som kritiker for London World magazine, hvor han blev efterfulgt af Robert Hichens.

Bernard Sh gjorde meget for at reformere sin tids teater. Ш var tilhænger af "skuespilteater", hvor hovedrollen tilhører skuespilleren, hans teatralske færdigheder og hans moralske karakter. For Sh er teater ikke et sted for underholdning og underholdning for offentligheden, men en arena for intense og meningsfulde diskussioner, katten ledes på brændende emner, der dybt begejstrer publikums sind og hjerter.

Som en sand innovator kom Shaw ud inden for drama. Han godkendte en ny type skuespil i det engelske teater - et intellektuelt drama, hvor hovedstedet ikke tilhører intriger, ikke til et skarpt plot, men til intense stridigheder, vittige verbale heltekampe. Shaw kaldte sine skuespil "diskussionsskuespil". De ophidsede beskuerens sind, tvang ham til at reflektere over, hvad der skete, og grine af det absurde i den eksisterende orden og skikke.

Det første årti af det XX århundrede. og især årene op til Verdenskrig 1914-1918 gik for Shaw under tegnet af betydelige modsætninger i hans kreative søgninger. Udtrykket af Shaws demokratiske synspunkter i denne periode var et af hans mest strålende og. velkendte komedier - "Pygmalion" (Pygmalion, 1912) Blandt litteraturkritikere er der en opfattelse af, at Shaws skuespil mere end andre dramatikeres skuespil fremmer visse politiske ideer. Bernard Shaw kombinerede militant ateisme med en undskyldning for "vitalitet", som i overensstemmelse med evolutionens objektive love i sidste ende skulle skabe et frit og almægtigt individ, der er fri for egeninteresser, fra filistersk snæversyn og fra moralske dogmer. af streng karakter. Socialismen, udråbt af Shaw som et ideal, blev afbildet for ham som et samfund baseret på absolut lighed og alsidig udvikling af individet. Shaw betragtede Sovjetrusland som prototypen på et sådant samfund. Mere end én gang erklærede Bernard Shaw sin ubetingede støtte til proletariatets diktatur og udtrykte sin beundring for Lenin, tog Bernard Shaw en tur til USSR i 1931 og fordrejede i sine svar på, hvad han så, den reelle situation groft til fordel for sine egne teoretiske synspunkter. , der tilskynder til ikke at lægge mærke til hverken sult eller lovløshed eller slaveri. I modsætning til andre vestlige tilhængere af det sovjetiske eksperiment, som gradvist blev overbevist om dets politiske og moralske inkonsekvens, forblev Shaw en "ven af ​​USSR" indtil slutningen af ​​sit liv. Denne holdning har sat et aftryk på hans filosofiske skuespil, normalt en åbenhjertig forkyndelse af Shaws utopiske synspunkter eller et forsøg på at argumentere for hans politiske præferencer. Showkunstnerens prestige blev hovedsageligt skabt af skuespil af en anden art, der konsekvent implementerede hans princip om idédramaet, hvilket forudsætter et sammenstød af uforenelige ideer om liv og værdisystemer. Diskussionsskuespillet, som Shaw betragtede som den eneste virkelig moderne dramatiske form, kunne være en moralkomedie, en pjece om et aktuelt emne, en grotesk satirisk anmeldelse ("ekstravaganza", i Shaws egen terminologi) og "high comedy" med omhyggeligt udviklede karakterer som i "Pygmalion" (1913) og "fantasi i russisk stil" med klare ekkoer af Anton Pavlovich Tjekhovs motiver (skrevet under Første Verdenskrig, af ham opfattet som en katastrofe, "Hus hvor hjerter knuses" " (1919, iscenesat 1920) Genrevariationen i Bernard Shaws drama svarer til dets brede følelsesspektrum - fra sarkasme til elegisk refleksion over skæbnen for mennesker, der er ofre for grimme sociale institutioner. Den oprindelige æstetiske idé om Shaw forbliver dog uændret, overbevist om, at "et skuespil uden kontroverser og uden et emne for kontroverser ikke længere citeres som et seriøst drama." Hans eget mest konsekvente forsøg på at skabe et seriøst drama i ordets præcise betydning var Saint John (1923), som er en version af historien om retssagen og massakren mod Jeanne dArc. Næsten samtidigt skrevet i fem dele illustrerer skuespillet Tilbage til Methusalem (1923), hvis handling begynder på skabelsestidspunktet og slutter i 1920, fuldt ud Shaws historiske begreber, der opfatter menneskehedens krønike som en vekslen mellem perioder af stagnation og kreativ evolution, i sidste ende besat top.

Skrivning

Skuespillet af G. Ibsen "Nora" ("Et dukkehjem") vakte voldsom polemik i samfundet, nogle steder i stuerne satte de endda en annonce op: "Vær venlig ikke at tale om \\" Dukkehus \\ "". Egentlig begyndte det nye drama med ordene fra hovedpersonen Ibsen, sagde til sin mand Helmer: "Du og jeg har noget at snakke om." Ibsen skabte en særegen genre af leg-diskussionen, hvor hovedsagen for karaktererne ikke er opnåelsen af ​​succes i livet, men søgen efter sandt bevis på sandheden i dialog. Lege-diskussionen skabte diskussioner i det virkelige liv.

Faktum er, at selv med nutidens frigørelse af en kvinde, kan Noras adfærd - hendes afgang fra børn - ikke betragtes som normen, og på Ibsens tid krænkede det den offentlige moral.

Rollen som Nora er en stor test for enhver skuespillerinde. Blandt de berømte skuespillerinder blev Nora spillet af den italienske Eleanor Duse og den russiske Vera Komissarzhevskaya. Den første forkortede stykkets tekst, mens den anden spillede helt efter Ibsen.

Det blev antaget, at der i et kunstværk og i drama også er en logik for karakterudvikling, som bestemmer heltenes handlinger, det vil sige, at intet uventet ifølge dette koncept ikke kan være i livet af helten. Nora er en kærlig mor, og ifølge den normale logik kan et skænderi med hendes mand ikke få hende til at forlade børnene. Hvordan kunne denne "fugl", "egern" beslutte sig for en sådan handling og så stædigt forsvare sit synspunkt?

Ibsen fulgte ikke vejen til standardhændelsesopløsning. Han var en innovatør på dramaområdet, så karakterernes psykologiske utilstrækkelighed blev for ham et symbol på utilstrækkeligheden af ​​sociale relationer. Ibsen skabte et analytisk, ikke et psykologisk, hverdagsspil, og det var nyt. Ibsen viste, hvordan et menneske på trods af alt, på trods af psykologisk vished, tør være sig selv.

"Jeg skal selv finde ud af, hvem der har ret - samfundet eller mig," meddeler Nora til sin mand. - Jeg kan ikke længere være tilfreds med, hvad flertallet siger, og hvad der står i bøger. Jeg er selv nødt til at tænke over alle disse ting og prøve at forstå dem."

Efter at have skabt et skuespil (analytisk), der var nyt i stemningen, "losede" Ibsen det ikke fra hverdagens detaljer. Så stykket begynder med et juletræ, som Nora købte og bragte hjem på Helligdagsaften. Jul for katolikker og protestanter er årets vigtigste ferie, det er personificeringen af ​​familiens komfort og varme. Udover juletræet giver dramatikeren mange andre hverdagsdetaljer. Dette er Noras napolitanske kostume, hvor hun vil danse til en fest med naboer, så vil hun i samme kostume starte en afgørende samtale med Helmer. Dette er postkassen, som indeholder et åbenbaringsbrev fra pengeudlåneren, Ranks visitkort med et tegn på hans forestående død. Da hun forlod Helmer, vil Nora kun tage de ting med sig, som hun havde med fra sit hjem, da hun blev gift. Hun er "befriet" fra tingene i "dukkehuset", fra alt, hvad der virker uoprigtigt og fremmed for hende. I mange detaljer forsøgte Ibsen at vise livets "rod" i Helmerhuset. Samtidig hjælper disse detaljer i underteksten læseren og seeren til at forstå, hvad der skete.I sin tale ved sin mindehøjtidelighed ved Union of Norwegian Women i 1898 sagde forfatteren: "Tak for skålen, men jeg må afvise æren af ​​bevidst at bidrage til kvindebevægelsen. Jeg forstod ikke engang rigtig dens essens. Og den sag, som kvinder kæmper for, forekommer mig at være universel ... "

Noras udtalelser og handlinger i slutningen af ​​stykket blev betragtet som de modigste på Ibsens tid, hvor Helmer, bange for at hans kone kunne forlade familien, minder hende om hendes ansvar over for sin mand og sine børn. Nora indvendte: "Jeg har andre pligter og de samme helgener. Forpligtelser over for sig selv”. Helmer bruger det sidste argument: ”Først og fremmest er du kvinde og mor. Dette er det vigtigste." Nora svarer (der hørtes bifald på dette tidspunkt): ”Jeg tror ikke længere på det her. Jeg tror, ​​at jeg først og fremmest er et menneske som dig ... eller i det mindste burde jeg tage mig af at blive et menneske."

Efter at være blevet feminismens flag ved 1800- og 1900-tallets skift vækker Ibsens stykke hundrede år senere ikke interesse, hvor det engang mødte tordnende klapsalver, altså i Norge, i Rusland og åbenbart i andre lande. Spørgsmålet er naturligt: ​​hvorfor? Har alle de problemer, der fik Nora til at gøre, hvad hun gjorde? Måske skyldes det, at Burrow beskæftiger sig med en bestemt sag om kampen for individets befrielse? "Et dukkehjem" er dog et skuespil, der viser uoverensstemmelsen mellem et ydre velstående liv og dets indre dysfunktion. Måske virker problemet med menneskets befrielse i begyndelsen af ​​det 21. århundrede i det aspekt, hvori det er iscenesat i Ibsens skuespil langt ude, siger man, "en dame er gal af fedt", i vores vanskelige liv er der ikke tid til det her.

Der er endnu et vigtigt spørgsmål i stykket, udover opmærksomheden på hovedpersonens skæbne. Ifølge FM Dostojevskij er forvandlingen af ​​menneskeheden til tankeløse og fredfyldte dukker, der adlyder dukkeførerne (som det var i stykket: Helmer - Nora) en frygtelig fare. På civilisationsskalaen fører "leg med dukker" til skabelsen af ​​totalitære regimer og til hele nationers død. Men Ibsen kan naturligvis ikke drage disse konklusioner. For ham er familien selve samfundet, dets aftryk. Og man kan ikke andet end at være enig i dette.

Ibsens dramaer, der gik rundt i alle verdens teatre, havde stor indflydelse på verdensdramaet. Kunstnerens interesse for heltenes åndelige liv og hans kritik af den sociale virkelighed bliver ved begyndelsen af ​​det 19. og 20. århundrede til det progressive dramas love.

Det er ærgerligt, at der i dag i vore teatres repertoire næsten ikke findes skuespil af G. Ibsen. Kun lejlighedsvis kan man høre Edward Griegs musik til et andet værk af Ibsen - dramaet "Peer Gynt", som forbindes med folkekunst, med eventyrets verden. Det charmerende billede af Solveig, dramaets dybe filosofiske betydning tiltrak alle skønhedselskere opmærksomhed på "Peer Gynt".