Ostrovskys vigtigste fortjeneste før det russiske teater. Statsmanden for det russiske teater (Dramaturgi A.N.

Ostrovsky drama medgift psykologisk

Ostrovskys fortjenester før russisk dramaturgi, før nationalteatret er enorme. I næsten fyrre års kreativ aktivitet A.N. Ostrovsky skabte det rigeste repertoire: omkring halvtreds originale skuespil, flere stykker skrevet i samarbejde. Han var også engageret i oversættelser og tilpasninger af skuespil af andre forfattere. På et tidspunkt bød dramatikeren velkommen i forbindelse med 35-året for hans karriere, I.A. Goncharov skrev: "Du bragte et helt bibliotek af kunstværker som en gave til litteraturen, du skabte din egen specielle verden til scenen. Du alene færdiggjorde bygningen, ved hvis fundament du lagde hjørnestenene til Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Men først efter jer, kan vi, russere, stolt sige: "Vi har vores eget russiske, nationale teater. Det burde med rette kaldes "Ostrovsky Theatre" Zhuravlev A.I., Nekrasov V.N. Teater A.N. Ostrovsky. - M.: Kunst, 1986, s. otte..

Ostrovskys talent, som fortsatte de bedste traditioner inden for klassisk russisk dramaturgi, hævdede dramaturgien af ​​sociale karakterer og skikke, dyb og bred generalisering, havde en afgørende indflydelse på hele den efterfølgende udvikling af progressiv russisk dramaturgi. I større eller mindre grad lærte L. Tolstoj og Tjekhov både fra ham og gik ud fra ham. Det er netop med linie af russisk psykologisk dramaturgi, som Ostrovsky repræsenterede så flot, at Gorkys dramaturgi hænger sammen. Ostrovskys dramatiske færdighed bliver studeret og vil blive studeret i lang tid af moderne forfattere.

Det er rimeligt at sige, at selv før Ostrovsky havde progressiv russisk dramaturgi storslåede skuespil. Lad os huske Fonvizins "Undervækst", Griboyedovs "Ve fra Vid", Pushkins "Boris Godunov", Gogols "Generalinspektør" og Lermontovs "Maskerade". Hvert af disse skuespil kunne berige og pynte, som Belinsky med rette skrev, litteraturen i ethvert vesteuropæisk land.

Men disse skuespil var for få. Og de bestemte ikke tilstanden for det teatralske repertoire. Billedligt talt ragede de op over niveauet for massedramaturgi som ensomme, sjældne bjerge i en endeløs ørkenslette. Langt de fleste stykker, der fyldte den daværende teaterscene, var oversættelser af tomme, useriøse vaudeville og sentimentale melodramaer vævet af rædsler og forbrydelser. Både vaudeville og melodrama, frygtelig langt fra det virkelige liv, især fra den rigtige russiske virkelighed, var ikke engang dets skygge.

Den hurtige udvikling af psykologisk realisme, som vi observerer i anden halvdel af 1800-tallet, viste sig også i dramaturgien. Interessen for den menneskelige personlighed i alle dens stater tvang forfattere til at lede efter midler til at udtrykke dem. I dramaet var det vigtigste sådanne middel den stilistiske individualisering af karakterernes sprog, og det var Ostrovsky, der spillede hovedrollen i udviklingen af ​​denne metode.

Derudover gjorde Ostrovsky i psykologisme et forsøg på at gå videre ad vejen for at give sine helte den størst mulige frihed inden for rammerne af forfatterens hensigt - resultatet af et sådant eksperiment var billedet af Katerina i Tordenvejret. Alexander Nikolaevich Ostrovsky overvejede begyndelsen på sin litterære vej i 1847, da han læste skuespillet "Familiebillede" med stor succes i huset af en professor og forfatter af joint venturet. Shevyreva. Hans næste skuespil "Egne mennesker - lad os nøjes!" (oprindeligt navn "Konkurs") gjorde hans navn kendt for alle, der læser Rusland. Fra begyndelsen af ​​50'erne. han samarbejder aktivt i tidsskriftet for historikeren M.P. Pogodin "Moskvityanin" og snart sammen med A.A. Grigoriev, L.A. Meem og andre dannede den "unge redaktion" for Moskvityanin, som forsøgte at gøre tidsskriftet til et organ for en ny tendens i social tankegang, tæt på slavofilisme og foregribelse af jordbevægelsen. Magasinet fremmede realistisk kunst, interesse for folkeliv og folklore, russisk historie, især historien om de underprivilegerede klasser.

Ostrovsky kom til litteraturen som skaberen af ​​en nationalt særpræget teaterstil, baseret i poetik på folkloristisk tradition. Dette viste sig at være muligt, fordi han begyndte med billedet af det russiske folks patriarkalske lag, som bevarede den præ-petrine, næsten ikke-europæiserede familie- og kulturelle levevis. Det var stadig et "før-personligt" miljø, for dets skildring kunne folklorens poetik bruges så bredt som muligt med sin ekstreme generalisering, med stabile typer, som om de umiddelbart kunne genkendes af lyttere og seere, og endda med en tilbagevendende hovedregel plot situation - elskernes kamp for deres lykke. På dette grundlag blev typen af ​​Ostrovskys folkepsykologiske komedie skabt russisk litteratur fra det 19.-20. århundrede / Comp. B.S. Bugrov, M.M. Golubkov. - M.: Aspect Press, 2000, s. 202..

Det er vigtigt at forstå, hvad der forudbestemte tilstedeværelsen af ​​psykologisk drama i Alexander Nikolayevich Ostrovskys arbejde. Først og fremmest, efter vores mening, ved det faktum, at han oprindeligt skabte sine værker til teatret, til sceneinkarnation. Stykket var for Ostrovsky den mest komplette form for udgivelse af et teaterstykke. Først når den opføres på scenen, antager forfatterens dramatiske fiktion en fuldstændig færdig form og frembringer netop den psykologiske effekt, hvis præstation forfatteren satte sig som mål for Kotikova P.B. Beskuerens stemme - en nutidig. (F.A. Koni om A.N. Ostrovsky) / / Litteratur i skolen. - 1998. - Nr. 3. - S. 18-22 ..

Derudover var teaterpublikummet i Ostrovskys æra mere demokratisk, mere "broget" med hensyn til deres sociale og uddannelsesmæssige niveau end læserne. Ifølge Ostrovsky er det nødvendigt med et vist uddannelsesniveau og en vane med seriøs læsning for opfattelsen af ​​fiktion. Tilskueren kan gå i teatret blot for underholdning, og det er op til teatret og dramatikeren at gøre forestillingen til både en fornøjelse og en moralsk lektion. Med andre ord skal den teatralske handling have den maksimale psykologiske indvirkning på beskueren.

Orientering til dramaets sceneeksistens bestemmer også forfatterens særlige opmærksomhed på de psykologiske karakteristika ved hver karakter: både hovedpersonen og den sekundære karakter.

Psykologien i beskrivelsen af ​​naturen forudbestemte scenens fremtidige sceneri.

A.N. Ostrovsky tildelte en væsentlig rolle til titlen på hvert af hans værker, også med fokus på den efterfølgende sceneproduktion, som generelt ikke var typisk for russisk litteratur fra realismens æra. Faktum er, at beskueren opfatter stykket med det samme, han kan ikke som læseren stoppe op og tænke, vende tilbage til begyndelsen. Derfor skal han straks af forfatteren være psykologisk indstillet på en eller anden type skue, som han er ved at se. Forestillingens tekst begynder som bekendt med en plakat, det vil sige navnet, definitionen af ​​genren og listen over flere karakteristiske karakterer. Allerede plakaten fortalte således seeren om indholdet og om "hvordan det ender", og ofte også om forfatterens holdning: hvem forfatteren sympatiserer med, hvordan han vurderer udfaldet af den dramatiske handling. Traditionelle genrer i denne forstand var de mest bestemte og klare. Komedie betyder, at for de karakterer, som forfatteren og seeren sympatiserer med, vil alt ende lykkeligt (betydningen af ​​dette velvære kan selvfølgelig være meget anderledes, nogle gange i modstrid med den offentlige idé) Zhuravleva A.I. Skuespil af A.N. Ostrovsky på teaterscenen//Litteratur i skolen. - 1998. - Nr. 5. - S. 12-16 ..

Men med den komplikation af livet, der skildres i stykket, blev det sværere og sværere at give en klar genredefinition. Og ofte nægter navnet "komedie", Ostrovsky kalder genren "scene" eller "billede". "Scener" - sådan en genre dukkede op med Ostrovsky i hans ungdom. Så blev han forbundet med "naturskolens" poetik og var noget i retning af et dramatiseret essay, der tegnede karakteristiske typer i plottet, som er en separat episode, et billede fra karakterernes liv. I "scenerne" og "billederne" fra 1860'erne og 1870'erne ser vi noget andet. Her har vi et fuldt udviklet plot, en konsekvent udvikling af dramatisk handling, der fører til en afslutning, der fuldstændig udtømmer den dramatiske konflikt. Grænsen mellem "scener" og komedie er ikke altid let at definere i denne periode. Måske er der to grunde til Ostrovskys afvisning af den traditionelle genredefinition. I nogle tilfælde forekommer det for dramatikeren, at den underholdende hændelse, der refereres til i stykket, ikke er typisk nok og "storskala" til dyb generalisering og vigtige moralske konklusioner - nemlig Ostrovsky forstod essensen af ​​komedien på denne måde (f.eks. eksempel "Ikke alt er Maslenitsa for en kat"). I andre tilfælde var der i heltenes liv for meget trist og vanskeligt, selvom slutningen viste sig at være velstående ("Abyss", "Late Love") Zhuravleva A.I. Skuespil af A.N. Ostrovsky på teaterscenen//Litteratur i skolen. - 1998. - Nr. 5. - S. 12-16 ..

I skuespillene fra 1860'erne og 1870'erne sker der en gradvis ophobning af dramatik, og der dannes en helt, som er nødvendig for dramagenren i ordets snævre betydning. Denne helt skal først og fremmest have en udviklet personlig bevidsthed. Så længe han ikke indre, åndeligt føler sig modsat af miljøet, slet ikke adskiller sig fra det, kan han vække sympati, men han kan endnu ikke blive helten i et drama, der kræver en aktiv, effektiv kamp af helten med omstændighederne. Dannelsen af ​​personlig moralsk værdighed og en persons ekstraklasseværdi i fattige arbejderes sind, bymasserne tiltrækker Ostrovskys store interesse. Opsvinget i personlighedsfølelsen forårsaget af reformen, som fangede et ganske bredt udsnit af den russiske befolkning, giver stof og danner grundlag for dramaet. I Ostrovskys kunstneriske verden, med sin lyse komiske gave, bliver en konflikt, der er dramatisk af natur, ofte løst i en dramatisk struktur. "Sandheden er god, men lykke er bedre" viser sig bare at være en komedie, der bogstaveligt talt står på tærsklen til drama: det næste "store skuespil", der henvises til i det ovenfor citerede brev, er "Dowry". Oprindeligt udtænkt som "scener", som han ikke tillagde stor betydning, følte Ostrovsky i løbet af arbejdet vigtigheden af ​​karakterer og konflikter. Og det lader til, at pointen her primært ligger i helten - Platon Zybkin.

En ven af ​​Ostrovskys ungdom, en bemærkelsesværdig digter og kritiker A.A. Grigoriev så "en af ​​de høje inspirationer" af Ostrovsky i Chatsky. Han kaldte også Chatsky for "den eneste heroiske person i vores litteratur" (1862). Ved første øjekast kan kritikerens bemærkning overraske dig: Griboyedov og Ostrovsky portrætterede meget forskellige verdener. Men på et dybere plan afsløres den ubetingede rigtighed af Grigorievs dom.

Griboyedov skabte i russisk drama typen "high hero", det vil sige en helt, gennem et direkte, lyrisk nært ord til forfatteren, der afslører sandheden, evaluerede begivenhederne i stykket og påvirkede deres forløb. Han var en personlig helt, der havde uafhængighed og modstod omstændigheder. I denne henseende påvirkede Griboedovs opdagelse hele det efterfølgende forløb af russisk litteratur i det 19. århundrede og naturligvis Ostrovsky.

Fokus på et bredt publikum, direkte i deres opfattelser og indtryk, bestemte den udtalte originalitet af Ostrovskys dramaturgi. Han var overbevist om, at folkets publikum i dramaer og tragedier har brug for "et dybt suk, for hele teatret har de brug for uskrømte varme tårer, glødende taler, der ville strømme direkte ind i sjælen."

I lyset af disse krav skrev dramatikeren skuespil med stor ideologisk og følelsesmæssig intensitet, komiske eller dramatiske, skuespil, der "fanger sjælen, får en til at glemme tid og sted." Ostrovsky skabte skuespil og gik hovedsageligt ud fra traditionerne for folkedrama, fra kravene til stærkt drama og stor komedie. "Russiske forfattere vil gerne prøve deres kræfter," sagde han, "foran et friskt publikum, hvis nerver ikke er særlig formbare, hvilket kræver stærkt drama, stor komedie, forårsager ærlig, høj latter, varme, oprigtige følelser, livlige og stærke karakterer."

Den berømte teaterkritiker F.A. Koni, berømt for sin åbenhed og mod, satte straks pris på den høje kvalitet af Ostrovskys værker. Koni anså enkelthed af indhold for at være en af ​​fordelene ved et dramatisk værk, og han så denne enkelhed, ophøjet til kunstnerisk, i Ostrovskys komedier i afgrænsningen af ​​ansigter. Koni skrev især om stykket "Moskoviterne": "Dramatikeren fik mig til at forelske mig i de karakterer, han skabte. fik mig til at forelske mig i Rusakov og Borodkin og Dunya, på trods af deres iboende klodsethed, fordi han formåede at afsløre deres indre menneskelige side, som ikke kunne andet end at påvirke publikums menneskelighed ”Koni A.F. På stykket "Moskvitians" // Repertoire og pantheon af den russiske scene. - 1853. - Nr. 4. - S. 34//Se. Kotikova P.B. Beskuerens stemme - en nutidig. (F.A. Koni om A.N. Ostrovsky) / / Litteratur i skolen. - 1998. - Nr. 3. - S. 18-22 ..

Også A.F. Koni bemærkede det faktum, at før Ostrovsky, "selv kontraster (psykologiske) ikke er tilladt i russisk komedie: alle ansigter er på samme blok - uden undtagelse, alle skurke og tåber" Koni A.F. Hvad er den russiske nationalitet? // Repertoire og pantheon på den russiske scene. - 1853. - Nr. 4. - S. 3//Se. Kotikova P.B. Beskuerens stemme - en nutidig. (F.A. Koni om A.N. Ostrovsky) / / Litteratur i skolen. - 1998. - Nr. 3. - S. 18-22 ..

Således kan vi sige, at kritikere allerede på Ostrovskys tid bemærkede tilstedeværelsen i hans dramatiske værker af subtil psykologisme, som kunne påvirke publikums opfattelse af skuespillenes helte.

Det skal bemærkes, at i hans komedier og dramaer var Ostrovsky ikke begrænset til rollen som en satirisk anklager. Han skildrede levende, sympatisk ofrene for socio-politisk og indenlandsk despotisme, arbejdere, sandhedssøgende, oplysere, varmhjertede protestanter mod vilkårlighed og vold. Disse hans helte var i autokratiets mørke rige "lyse stråler", der bekendtgjorde retfærdighedens uundgåelige sejr Lakshin V.Ya. Ostrovsky Teater. - M.: Kunst, 1985, s. 28..

Ved at straffe magthaverne, "undertrykkere", småtyranner med en formidabel domstol, sympatisere med de dårligt stillede, tegne helte, der var værd at efterligne, gjorde Ostrovsky dramaturgi og teater til en skole for social moral.

Dramatikeren gjorde ikke blot mennesker til arbejde og fremskridt, bærere af folkets sandhed og visdom, de positive helte i sine skuespil, men skrev også i folkets og folkets navn. Ostrovsky portrætterede i sine skuespil livets prosa, almindelige mennesker i hverdagsforhold. Men han indrammede denne livsprosa i rammen af ​​kunstneriske typer af den største generalisering.

Dvs. Zaitsev

Dannelsen af ​​kritisk realisme i det russiske teater i midten af ​​1800-tallet hænger sammen med de mange skift, der på det tidspunkt fandt sted i Rusland i alle former for offentlig bevidsthed, herunder kunst.

Hovedretningen for æraens kunstneriske søgen bestemte viden om virkeligheden i alle dens sociale modsætninger. I midten af ​​1940'erne opstod der en skole, der bekræftede troskab mod livets sandhed som hovedkriteriet for et kunstværk.

Kærlighed til teatret, der tjener det, blev kaldet for hele livet af Alexander Nikolayevich Ostrovsky (1823-1886). Dramatikeren begynder sin teatralske aktivitet i perioden med voldsomme reaktioner, der fulgte efter de europæiske revolutioner i 1848. Disse "dystre syv år" af Nicholas' regeringstid i den kulturelle sfære karakteriserede sig ved den strengeste censur, dominansen af ​​bureaukratiske embedsmænd, der ikke forstod noget i kunst, og styrkelsen af ​​monopolet på kejserlige teatre. En sådan teaterpolitik bidrog til velstanden på scenen af ​​"tom" vaudeville (for det meste oversat), tårefulde melodramaer, loyale dramaer, svarende til smagen af ​​teatrene "tændt" af hoffet. En af de mest populære forfattere var N.V. En dukkefører, "en repræsentant for den "falskt majestætiske skole", som uddanner publikum med beundring for statens fortid og nuværende tilstand" (Historien om russisk dramaturgi i det 17. - første halvdel af det 19. århundrede. - L., 1982. - S. 24). Selvfølgelig var den gyldne fond, det klassiske grundlag for det russiske teater, de strålende komedier af D.I. Fonvizina, A.S. Griboedova, N.V. Gogol, skuespil af A.S. Pushkin. Men der var for få af dem, de kunne ikke levere et fast repertoire.

Gogols ord ”For guds skyld, giv os russiske karakterer, giv os os selv, vores slyngler, vores excentrikere! Til deres scene, til din latter, ”opfattede samtiden det som et program for russisk national dramaturgi. Ostrovsky forsøgte at realisere det i "livets skuespil".

Dramatikeren skrev 47 originale værker, oversat stykket af G.F. Kvitka-Osnovyanenko "Schira Love" ("Oprigtig kærlighed eller skat er dyrere end lykke") og oversatte også 22 dramatiske værker fra engelsk, fransk, spansk og italiensk.

Ostrovsky klarede den historisk vigtige kunstneriske opgave glimrende - han fuldførte skabelsen af ​​russisk dramaturgi, "et helt folketeater." Den var bestemt til at dukke op, netop fordi den hurtige udvikling af kapitalismen i slutningen af ​​40'erne førte til processen med demokratisering af kulturen, til væksten af ​​samfundets kulturelle lag, og i forbindelse med dette opstod en social orden for et drama. fra det russiske liv (Polyakova E.I. Russian drama era of Ostrovsky // Russian drama of the Ostrovsky era. - M., 1984. - S. 9). Debutanten Ostrovskys succes bragte et nyt demokratisk publikum. Dramatikeren mente, at denne nye tilskuer, som kun forsøger at slutte sig til teatrets kunst, tager sine første skridt i retning af kulturologi, kan uddannes, udvikles, dannes i ham et behov for det smukke, meget kunstneriske: " ... du har brug for at vække gode instinkter i ham - og det er et spørgsmål om kunst... Teatret griber en frisk sjæl med hæsblæsende hånd og fører den, hvorhen den vil. Selvfølgelig er teatrets handling kort, den følger ikke tilskueren i alle hans spor, men de tre-fire timer er nok, når det vilde dyr er under kunstens fortryllelse almægtig over ham - allerede dybe kulturfurer har gik gennem hans rå hjerne, allerede over den vilde kulturelle podning ”(Ostrovsky A.N. Komplet samling af værker: I 16 bind - M., 1951. - T. 10. - S. 137-138). Med disse ord afslører Ostrovsky sig selv som en demokrat-pædagog. Med tiden bliver den utopiske karakter af dramatikerens oplysende håb mere og mere tydelig: kunsten formåede ikke at genskabe den "friske" handelsbeskuer. Med hensyn til intelligentsiaen forventede de direkte propaganda af avancerede ideer fra kunsten, og derfor forekom Ostrovsky hende ikke moderne (E.I. Polyakova).

Fra begyndelsen af ​​sin skabende virksomhed rangerede dramatikeren sig direkte blandt "forfatterne til en ny retning i vores litteratur." Hans nyskabelse manifesterede sig i, at han formåede at opdage en ny karakter af drama, hvis essens er tidens reelle sociale modsætninger, som uundgåeligt giver anledning til en protest mod selve virkeligheden. Hans værker var baseret på konflikter, kigget af dramatikeren i det virkelige liv, hvilket gav dem navnet "livets skuespil".

Forskere tilskriver udseendet af "livets skuespil" af A.N. Ostrovsky på scenen med to fænomener: triumfen for traditionerne for russisk nationalkomedie, fastlagt af Fonvizin, Krylov, Griboedov, Gogol, og principperne for den "naturlige skole", teoretisk underbygget af kritikeren V.G. Belinsky. Ostrovskys fortjeneste før den russiske teaterkultur er den talentfulde kombination og videreudvikling af disse to fænomener i hans arbejde.

I 1847 begyndte dramatikeren og udgav delvist "Noter af en Zamoskvoretsky-beboer". Zamoskvorechye-verdenen, hvor Alexander Nikolaevich tilbragte sin barndom og ungdom, Moskvas handelsdomstol, hvor han fungerede som juryadvokat i det verbale bord, gav rigt materiale, virkelige livshistorier og en særlig folkesmag.

Dramatikeren rev sløret af uklarhed fra Zamoskvoretskaya-livet og blev en pioner i det mystiske Zamoskvoretskaya-land, og for første gang afslørede dets indbyggeres levevis, traditioner, skikke og sprog for offentligheden. Han viste det russiske publikum Zamoskvorechye's særlige verden, som kritikeren Dobrolyubov definerede som et "mørkt kongerige", hvor lov om boligbyggeri, latterlige fordomme, filisterrutine og nedværdigende skikke gælder. Takket være dramatikerens talent dukkede levende mennesker op på scenen, som afskrevet fra naturen, og talte i et levende sprog - enkelt, almindeligt, aldrig før hørt på scenen.

14. februar 1847 i huset af professor ved Moskva Universitet S.P. Shevyreva Ostrovsky læste sit første skuespil - "Billedet af familielykke". En samtidig af dramatikeren, skuespillerinde fra Maly Theatre V.N. Ryzhova, der gentagne gange lyttede til sin forfatters fremførelse af sine egne værker, huskede: "A.N. Ostrovsky er overraskende enkel, uden nogen form for teatralitet eller affekt, men så gennemtrængende og rørende: at ... hjerter skælvede af sympati, indignation, glæde. Alexander Nikolaevich var især vellykket i kvinderoller, og selvom han slet ikke ændrede sin stemme, kunne man i replikaerne af heltinderne mærke enten rent kvindelig længsel eller moderkærlighed eller enorm kvindehengivenhed ... Og det forekom mig at når folk genkender sig selv i skæbnen for Ostrovskys helte, når kunstnerne vil fortælle om dem på den måde, den store dramatiker selv læser, vil folk skamme sig over at forårsage skade og fornærmelse mod hinanden, for at ødelægge menneskelig lykke ”(Ryzhov om Ryzhova - M., 1983. - S. 83).

Enaktskomedien, der fortæller om købmanden Puzatovs liv, imponerede alle tilstedeværende med viden om livet og købmandsklassen, glimrende demonstreret af forfatteren. Det var en ægte skitse fra naturen af ​​Zamoskvorechye-verdenen. Men censoren, der så i stykket offensiv til købmændene, forbød dens produktion (premieren fandt først sted i 1855).

I 1849 afsluttede Ostrovsky arbejdet med komedien "Konkurs" ("Vores folk - vi afregner"), som også blev forbudt. På trods af censorernes kategorisk negative vurdering af værket, gav nybegynderdramatikeren ikke op. Sammen med sin ven Provo Sadovsky, en ung skuespiller fra Maly Theatre, optrådte han komedie i forskellige Moskva-huse. Det var en bragende succes og blev en kunstnerisk sensation. ER. Turgenev talte om debutanten: "Han startede usædvanligt," A.F. Pisemsky skrev til dramatikeren: "Din konkurs er en købmands ve fra Wit, eller. mere præcist: købmands "Døde sjæle"; A.J. Herzen kaldte komedien "et råb af vrede og had mod russisk moral".

Stykket blev udgivet i 1850 af magasinet Moskvityanin, men censurkomiteen forbød igen dets produktion, og zar Nicholas I skrev med sin egen hånd: "Ganske rigtigt, det blev trykt forgæves, det er forbudt at spille ..." Forfatteren var blandt de upålidelige, blev der oprettet en sag mod ham og etableret tilsyn, han blev "udskrevet fra tjeneste" ved Handelsretten.

I 1850 blev Ostrovsky ansat i den "unge redaktion" af magasinet Moskvityanina. Han redigerer, skriver artikler, skaber fem skuespil mere, men de ventede alle på de foregåendes skæbne.

Det første stykke, der fik lov til at blive iscenesat, var melodramaet Do Not Get into Your Sleigh, som havde premiere den 14. januar 1853 på Maly Theatre i en fordelagtig opførelse af skuespillerinden L.P. Nikulina-Kositskaya, som forbløffede publikum med indtrængen af ​​hendes spil. Denne dag er udgangspunktet for scenehistorien for Ostrovskys skuespil. En samtidig af dramatikeren, et af medlemmerne af den "unge redaktion" af Moskvityanin, kunstneren I.F. Gorbunov, der deltog i den første opførelse af komedien, hævdede, at en ny æra begyndte på Moskva-scenen med den: "... Tæppet gik op, og fra scenen hørte de nye ord, et nyt sprog, tidligere uhørt fra scenen, levende mennesker dukkede op ...”(Gorbunov I.V. Uddrag fra erindringer // A.N. Ostrovsky i samtidiges erindringer. - M ., 1966. - S. 49). Forestillingen, leveret af et fremragende optrædende ensemble, var en triumferende succes.

Ostrovsky fra begyndelsen af ​​sin kreative aktivitet, samtidige tilskrevet dagligdags dramatikere. Kunstneren selv forstod livet som orden, fred, helliget af tradition, beskyttet af vanens kraft. Det var Ostrovsky, der først berørte sådanne temaer, billeder, "daglige lag, som før ham blev anset for uværdige til en kunstnerisk skildring. Mesterens talent tillod ham at se de uundgåelige modsætninger i denne tradition, i denne rækkefølge, underminere og ødelægge deres ukrænkelighed og afsløre hverdagens modsætninger som sociale. Han indså dybt al inertiens kraft, følelsesløsheden i hverdagen: "Det var ikke uden grund, at jeg kaldte denne kraft Zamoskvoretskaya: dér, hinsides Moskva-floden, hendes rige, der hendes trone. Hun driver en mand ind i et stenhus og låser en jernport bag sig; hun klæder en person med en bomuldskappe, hun sætter et kors på porten fra en ond ånd, og fra onde mennesker lader hun hunde rundt i gården. ... Hun er en løgner, hun foregiver altid at være familielykke, og en uerfaren person vil ikke snart genkende hende, og måske vil misunde hende. Hun er en forræder: hun bekymrer sig, bekymrer sig om en person, men pludselig slår hun ham så hårdt, at han ikke engang har tid til at krydse sig ”(A. N. Ostrovsky. Komplet samling af værker: I 16 bind - M., 1952. - V. 13. - S. 43).

Efter princippet om at være tro mod livets sandhed bryder han låse og bolte op, åbner skodder og vinduer i "det mørke rige" for at vise sine helte i hjemmet, i en familie, hvor de er naturlige, hvor de afslører sig selv mest fuldstændigt: "Det er her en person - så ved du det!"

Dramatikerens næste skuespil, Poverty Is Not a Vice (1854), bragte uventet hovedpersonen, drukkenbolten Lyubim Tortsov, i forgrunden, og gav ham medmenneskelighed og adel, og skabte heftige kontroverser både i det teatralske miljø og på pressens sider. . I erindringerne fra en samtidig, der så denne forestilling, læser vi:

“- Bredere vej - Lyubim Tortsov kommer! - udbrød i slutningen af ​​stykket, læreren i russisk litteratur, der sad hos os og tog sin frakke på.

Hvad mener du med det? spurgte eleven. - Jeg kan ikke se et ideal i Lyubim Tortsov. At drikke er ikke ideelt.

Jeg ser sandheden! svarede læreren skarpt. - Ja, sandheden. Bredere vej! Sandheden er på scenen. Vi elsker Tortsov - virkelig! Dette er slutningen af ​​scenelandskaber, slutningen af ​​Dukkemageren: den legemliggjorte sandhed dukkede op på scenen "(Gorbunov I.V. Uddrag fra A.N. Ostrovskys erindringer i samtidiges erindringer. - M .. 1966. - S. 55 - 56 ).

Den kendte kritiker Ap. Grigoriev annoncerede entusiastisk "et nyt ord" i teatret - om nationalitet og talte med en artikel, som han kaldte: "Bredere vej - Lyubim Tortsov kommer!". Modstandere af stykket protesterede skarpt mod kritik. Således stødte ny og gammel teatralsk æstetik sammen i stridigheder og diskussioner.

Ostrovsky fortsætter med at finpudse sin stil og blande genrer og deres grænser. Han arver traditionerne fra sine store forgængere og beriger dramaet med komedie-episoder, og i komedie introducerer han dramatiske scener, fylder dem med livsægthed ved at bruge al skønheden og farvemangfoldigheden i det russiske folkesprog.

I 1856, i komedien Tømmermænd ved en mærkelig fest, brugte Ostrovsky først begrebet "tyrann" og forklarer dets essens gennem ordene fra en af ​​karaktererne: "Tyran kaldes, hvis en person ikke lytter til nogen, du giv ham i det mindste en indsats på hovedet, og han hele sin egen. Han stamper med foden, han siger: hvem er jeg? Allerede her burde hele husstanden ligge for hans fødder, ellers er det en katastrofe ... ” I dette stykke tegnes træk ved tyranni som socialt fænomen. Men dette fænomen med livets gang blev efterhånden forældet. Temaet tyranni, der tærer på menneskers bevidsthed, kan spores i mange af hans skuespil.

En hidtil uset succes tilfaldt stykket "Tordenvejr", der er slående i dets sociale skarphed og patos af fordømmelse af tyranni. Den havde premiere i to teatre - i Maly i Moskva og Alexandrinsky i St. Petersborg.

For første gang så publikum Tordenvejret den 16. november 1859 ved fordelsforestillingen for skuespilleren fra Maly Theatre S. V. Vasiliev. Teaterhistorikere mener, at stykkets fremkomst og triumf er forbundet med navnet på L.P. Nikulina-Kositskaya, for hvem rollen som Katerina blev skrevet. Ved at skabe dette billede gik Ostrovsky ud fra individualiteten af ​​en talentfuld skuespillerinde (en tidligere tjener), som beundrede ham for hendes viden om folketale, liv og traditioner. Forestillingens indtrængen, en dyb forståelse af den kvindelige sjæl, skuespillets tragedie gjorde det muligt for udøveren af ​​hovedrollen at stige til højderne af skuespillerscenekunst. Hendes Katerina, stærk, lidenskabelig, ren og poetisk, som gjorde oprør mod vold mod en levende menneskesjæl, blev en sand "lysstråle" for hendes samtid.

Dramatikeren opfattede Stormen som en komedie og kaldte den derefter et drama. Dobrolyubov så i dette skuespil, at "de gensidige forhold mellem tyranni og stemmeløshed bringes i det til de mest tragiske konsekvenser" (Dobrolyubov N.A. En lysstråle i et mørkt kongerige // Udvalgte litterære kritiske artikler. - K., 1976. - P. 178). Moderne litteraturkritik klassificerer det efter genre som en social tragedie. Kunstanmelder B.V. Alpers betragter værket som en romantisk tragedie for det russiske nationalteater, der taler om den sociale og moralske renselse, om den katharsis, som Tordenvejret som en ægte tragedie bringer til auditoriet (Alpers B.V. Teateressays. M., 1981. - T 1. - S. 505).

I denne håbløshed, i denne "livets krypt" af Wild and Kabanovs, er der en levende, uforgængelig - Katerinas åndelige rigdom. Hendes æstetiske natur er præget af religiøsitet, en poetisk naturopfattelse, en følelse af skønhed.

Som forskeren V.V. Osnovin præcist bemærkede, i bøn, i tjeneste, i opfattelsen af ​​skønheden i verden omkring hende, søger hun en anvendelse for sine åndelige kræfter. Og det højeste punkt i denne ansøgning for hende er kærlighed. Alt Katerina er manifesteret i kærlighed. Hun gør oprør mod tyranni, kun bevæbnet med én ting - bevidstheden om retten til at elske. Efter at have opdaget kærligheden, at kende vilje, frihed, ønsker hun at leve. At leve for hende betyder at være sig selv. Men i Kalinovsky-riget er dette umuligt. Den eneste udvej er døden. Det har frihed.

Den russiske scene kendte endnu ikke en sådan karakter. Kunsthistorikere forklarer den enorme offentlige resonans af dramaet og dets første produktioner i teatrene Maly og Alexandrinsky.

Efter premieren på Tordenvejret udspillede der sig en diskussion omkring hende. Forfatteren blev bebrejdet for umoral, de hævdede, at hans skuespil ikke var et drama, men en satire. Men avancerede russiske forfattere satte stor pris på Tordenvejret: N. A. Dobrolyubov kaldte det "Ostrovskys mest afgørende værk", I. A. Goncharov hævdede, at "der ikke var noget sådant arbejde ... i vores litteratur", I. S. Turgenev mente, at dette uden tvivl var "det mest fantastiske, det mest storslåede værk af et magtfuldt russisk talent, der fuldstændig har mestret sig selv."

For stykket "Tordenvejr" blev Ostrovsky tildelt en akademisk pris. I 1863 blev han den første dramatiker i russisk litteraturs historie, der blev valgt til et tilsvarende medlem af Videnskabsakademiet.

Mange uforglemmelige sider er skrevet i russisk teaterkunsts historie, dedikeret til scenefortolkningen af ​​billederne af Tordenvejret udført af fremragende skuespillere. En af belysningen af ​​Maly Theatre, skuespillerinden G. N. Fedotova, der havde optrådt som Katerina i 1863, spillede hende i tredive år og gjorde dette billede til toppen af ​​hendes arbejde. Skuespillerinden forstod gradvist den multidimensionelle karakter af hendes heltinde, udvalgte specielle midler til kunstnerisk udtryk - dagligdags detaljer, gestus, gangart, måde at tale på. Katerina overraskede hende med "musikken" fra russisk tale. En sjælden ægthed af karakter gav anledning til viden om en slags gammel russisk etikette. Med temperament og lidenskab formidlet Fedotova sin forvirring og fortvivlelse. Fortolkningen af ​​rollen blev bestemt af medlidenhed med offeret for det "mørke rige". I udførelsen af ​​denne skuespillerinde var protesttemaet fraværende.

Nye træk i løsningen af ​​det tragiske billede af Katerina blev yderligere legemliggjort i udførelsen af ​​M. N. Ermolova (1873), som bragte Katerinas aktive protest i forgrunden. Yermolova spillede tragedie og udstyrede sin heltinde med "ubøjelig vilje, mod og åndelig maksimalisme" (B.V. Alpers). For hendes lidenskabelige og frihedselskende natur var kærlighed til Boris viden om fuldstændig frihed. At miste den frihed var at dø. Forestillingens kreative apoteose var de sidste to akter, hvor Yermolovas skuespil chokerede med tragisk intensitet. Denne Katerina forblev ubrudt, ubesejret i sine samtidiges sind.

I en helt anden fortolkning dukkede billedet af Katerina op for publikum, skabt af skuespillerinden af ​​et subtilt brudt drama E. Roshchina-Insarova i Meyerhold-forestillingen i 1916 på Alexandrinsky Theatre. B. V. Alpers kaldte hende Katerina fra "århundredets slutning", som "ikke længere havde kræfter eller lyst til at kæmpe." I den måde, hun så på Boris, levede hun "ikke kærlighed, ikke lidenskab ... men det sidste farvel til livet." Kritikeren kommer til den konklusion, at billedet af Katerina Roshchina er uadskilleligt fra den præ-stormfulde atmosfære, som den gamle verden levede i før årsskiftet 1916. Katerina Roshchina - hans afkom og offer - blev dømt til døden med ham.

Om den utraditionelle instruktørs fortolkning af stykket fortæller kunstkritiker K.L. Rudnitsky skrev: "Idet han undgik dagligdags ægthed, nægtede direkte at skildre det "mørke rige", forvandlede den prosaiske og vilde Kalinov til en slags fabelagtig by Kitezh, trak Meyerhold hele den dramatiske situation af Tordenvejret ud af de specifikke historiske omstændigheder i russisk. livet i midten af ​​1800-tallet. Men samtidig afslørede han dermed relevansen af ​​denne situation for begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Poetiseret fik det betydningen af ​​universalitet. I stedet for et specifikt mørkt handelsrige og mørkt liv virkede magten fra mørke åndelige kræfter ”(Rudnitsky K.L. Direktør Meyerhold. - M., 1969. - S. 191).

I denne uventede instruktionsidé lød billedet af Katerina på en ny måde. “Katerina var alene ... ude af stand til at åbne sig fuldt ud for nogen, forstået af ingen, ingen havde brug for. I fuldstændig og frossen ensomhed bevægede hun sig gennem forestillingen. Rudnitsky sammenlignede Katerina Roshchina med Bloks kvinde, "der gik ind på Alexandrinsky-scenen, "så ligeglad og lys, som om hun frit gav sin hånd til faldets engel." I løsrivelse, i undergang, i parathed til døden, var der hendes misundelsesværdige frihed ”(Ibid. - S. 192).

Kunstner af Maly Theatre S.V. Vasiliev, den første udøver af rollen som Tikhon, skabte det tragiske billede af en "upersonlig" person, ødelagt af det "mørke rige". "Det var forfærdeligt at se på ham," skrev en samtidig, "da han, der oplevede dødelig smerte, flygtede fra sin mors arme. Ikke så meget med ord, men med fagter, ansigtsudtryk kæmpede han med sin mor og tryglede hende om at lade ham gå. Hans sidste råb: "Mama! Du ødelagde hende!" - var forfærdeligt han chokerede og forfulgte derefter seeren i lang tid ”(Yearbook of the Imperial Theatres. Sæson 1895/1986. App., Bog 3. - S. 8).

Mange minder om udførelsen af ​​rollen som Tikhon af Alexandrinsky Theatre-skuespilleren A.E. Martynov blev efterladt af samtidige, der betragtede denne rolle som højdepunktet af arbejdet med en fremragende skuespiller, der talentfuldt legemliggjorde dramatikerens æstetik på scenen i St. Petersborg. Skuespillerens triumf var den sidste akt, som han ikke spillede, men levede gennemtrængende, rørende, oprigtigt. Da han fik at vide, at Katerina var gået hjemmefra, skyndte han sig at lede efter sin kone og græd stille, vendte tomhændet tilbage og afvæbnede publikum med dybden af ​​kærlighed og medlidenhed med Katerina. Tikhons sidste ord fik publikum til at se i ham fødslen af ​​en ny person, der var i stand til at forsvare sin værdighed.

Skuespilleren P. M. Sadovsky, udøveren af ​​rollen som Wild, imponerede publikum med en forbløffende anklagende kraft i forestillingen og gav ham et uhæmmet temperament og menneskelig vildskab, som dominerede hele Kalinov med despotisk magt. Det var et lyst og vægtigt bidrag til scenegalleriet med billeder af købmandstyranni. I løbet af skuespillerens liv skabte dramatikeren toogtredive skuespil, og mange af billederne blev skrevet specielt til Prov Sadovsky. Det skal bemærkes, at skuespilleren, som en nær ven af ​​dramatikeren, en kollega, en ligesindet person og en lys propagandist for hans innovative dramaturgi, skabte mere end tredive forskellige roller i A. N. Ostrovskys skuespil og imponerede sine samtidige med " den nye sandhed om barsk enkelhed."

En elev af A. N. Ostrovsky O. O. Sadovskaya, der debuterede på Maly Theatre på råd fra dramatikeren, spillede fyrre roller i sin elskede forfatters skuespil. I The Thunderstorm spillede skuespillerinden rollen som Barbara, Feklusha og Kabanikhi. Både for dramatikeren selv og for Sadovskaya var det vigtigste udtryksmiddel i forestillingen ordet, som hun ligesom scenepausen mestrede til perfektion. Ifølge kritikere gav kombinationen af ​​stilhed (pause) og tale, unik mimisk udtryksevne anledning til udviklingen af ​​billedet.

Det er kendt, at mens han arbejdede på skuespil, skrev Ostrovsky roller specifikt for kunstnerne fra Maly Theatre. Så han skrev rollen som Varvara i Tordenvejret for skuespillerinden Varvara Borozdina, og opkaldte denne heltinde efter hende, fordi han behandlede den unge begavede skuespillerinde "ikke bare venligt, med dyb menneskelig sympati, men også meget værdsat hendes talent, var ked af at i det daværende repertoire af Maly Theatre havde ikke roller, der var interessante nok for hende ”(Ryzhov om Ryzhova. - M., 1983. - S. 18). Denne kendsgerning taler om Ostrovsky som en følsom, omsorgsfuld person og kunstner, bekymret over skæbnen for talentfulde skuespillere og teater.

Som instruktør bestemte han billedligt talt sceneformen for "Thunderstorm" af V.I. Nemirovich-Danchenko: "Forestillingen skal ikke være storladen, men enkel, som en sang. En russisk sang bærer altid en dyb og enkel følelse... For at rejse sig til et skuespil skal man være ekstremt dyb og enkel” (Årbog for Moscow Art Theatre. - M.. 1045. - S. 276 - 278).

Men ikke en eneste instruktør har endnu formået at opklare mysteriet om dette stykke. I den kompositoriske løsning af Tordenvejret kombinerede dramatikeren det tragiske og det komiske, det episke og det lyriske. Stykket er så multidimensionelt, mangefacetteret, at det er utroligt svært at finde den rigtige nøgle i det. Indtil videre er nøglen til "følelsernes natur" (ifølge G. A. Tovstonogov) ikke fundet i dette skuespil. Tilsyneladende forklarer dette det faktum, at der i nationalteatrets historie endnu ikke har optrådt en "harmonisk integreret" forestilling baseret på dramatikerens skuespil, som ville blive en ægte kunstnerisk begivenhed.

Men hvor ærligt talt relevant, hvor modigt kan Ostrovsky lyde i dag. Det er tilstrækkeligt at minde om forestillingerne "Enough Stupidity for Every Wise Man" i Lenkom iscenesat af M.A. Zakharov eller "Wolves and Sheep" af G.A. Tovstonogov, i BDT im. M. Gorky. Det er stadig at håbe, at der dukker en instruktør op, som "vil yde den største tjeneste til det russiske teater ved at opklare mysteriet om Tordenvejret."

Efter den strålende succes med Tordenvejret skrev Ostrovsky fem nye skuespil. I 1861 blev censurforbuddet endelig ophævet fra hans geniale afkom - komedien "Vores folk - lad os slå sig ned." Kun i Moskva og St. Petersborg i 1561 blev der givet femogfirs forestillinger baseret på dramatikerens skuespil. I de sidste to årtier har forfatteren arbejdet meget intensivt.

Dramatikerens kreative palet er forskelligartet, og genstandene for hans opmærksomhed er: fordømmelse af "det mørke riges" tyranni som et socialt fænomen; adelens åndelige forarmelse, afsløringen af ​​det bureaukratiske apparat: fremkomsten af ​​nye sociale kræfter; en kvindes skæbne under betingelserne i det eksisterende system; den nye type forretningsmand - "livets nye mester"; talent og samfund og meget mere.

Den anklagende satiriske linje i A. N. Ostrovskys værk ("Der er enkelhed nok i enhver vis mand", "Et varmt hjerte", "Ulve og væddere" osv.) gør hans skuespil relateret til satiren af ​​M. E. Saltykov-Shchedrin og A. V. Sukhovo -Kobylin. Den sociopsykologiske linje ("Det sidste offer", "Dowry", "Talenter og beundrere", "Guilty Without Guilt" osv.) bringer det tættere på Turgenevs teater, forudser Chekhovs teater. Interessen for national historie resulterer i en cyklus af historiske krøniker og passion for slavisk mytologi - i den poetiske "forårsfortælling" - "Snejomfruen", som blev en inspirationskilde for N. A. Rimsky-Korsakov og P. I. Tchaikovsky.

Et meget vigtigt kunstnerisk stiltræk ved dramatikeren var ønsket om at skabe generaliserede billeder, der i dem kombinerede det socialt typiske og det individuelle. Mens han stadig var nybegynderforfatter, talte Ostrovsky om sin komedie "Egne mennesker - lad os slå os ned": "Jeg ønskede, at offentligheden skulle mærke last i Podkhalyuzins navn på samme måde, som den mærker den med navnet Harpogon, Tartuffe, Nedorosl, Khlestakov og andre” (Ostrovsky A. N Komplet samling af værker: I 16 bind - M., 1953. - T. 14. - S. 16). Drømmen er blevet til virkelighed: mere end et af hans billeder er blevet et kendt ord.

I 80'erne, den sidste periode af dramatikerens arbejde, skriver kritik om slibningen af ​​hans talent. Den sande betydning af Ostrovskys arbejde blev opsummeret af I. A. Goncharov, som skrev på dagen for 35-årsdagen for sin litterære aktivitet: "Du alene fuldførte bygningen, ved hvis basis blev lagt hjørnestenene Fonvizin, Griboedov, Gogol. Men først efter dig kan vi russere stolt sige: vi har vores eget russiske nationalteater. Det burde med rette hedde Ostrovsky-teatret.

Men i den russiske kulturs historie fremstår Ostrovsky ikke kun som skaberen af ​​det russiske nationalteater, men også som en kunstteoretiker, der skitserede nye måder for udviklingen af ​​russisk teatralsk æstetik.

I 1865 var det Ostrovsky, der blev en af ​​initiativtagerne til organisationen af ​​den "kunstneriske kreds" med deltagelse af forfatteren V.F. Odoevsky, musiker N. G. Rubinstein, kollega og ven, skuespiller P. M. Sadovsky. Det var den første kreative sammenslutning af russiske teaterfigurer, som erstattede teaterskolen.

Den nye type drama opdaget af forfatteren skabte et behov for en skole for realistisk skuespil, der ville svare til principperne om "livets skuespil". "For at seeren skal forblive tilfreds," skrev han, "er det nødvendigt, at før ham ikke var et skuespil, men livet, så der var en fuldstændig illusion, så han ville glemme, at han var i teatret. Derfor er det nødvendigt, at skuespillerne, når de præsenterer et skuespil, også ved, hvordan de skal repræsentere livet, så de ved, hvordan de skal leve på scenen ”(A. N. Ostrovsky. Komplet samling af værker: I 16 bind - M .. 1952. - T. 12. - S. 151).

En uomtvistelig autoritet for skuespillere, dramatikeren mener, at instruktøren også bør være en lærer, der arbejder sammen med skuespilleren om rollen. Uden at acceptere "premierposten", taler han om at skabe et "ensemble", hvilket er umuligt uden instruktørens vilje, kunstneriske disciplin, tradition, bidrager til ensartetheden af ​​sceneoptræden.

Ved at tale med læsning af skuespil, undervisning i skuespil fremsætter Ostrovsky problemet med stykkets forfatters deltagelse i instruktørens kreative arbejde. Forfatteren hjælper skuespillerne med at forstå essensen af ​​stykket og dets billeder, med at finde den rigtige tone.

Han kæmper med stereotyper i scenekunsten og har en negativ holdning til "amatørisme": for en amatør er teatret ikke en alvorlig sag, men kun sjov.

Forestillingens sjæl, mesteren af ​​"ægte scenekunst" for dramatikeren har altid været skuespilleren. Med behørig betydning for skuespillerskolen, hvor det faglige grundlag lægges, tildeler Ostrovsky den ledende rolle i processen med yderligere faglig udvikling til den teatralske scene, hvor "rigtige, komplette kunstnere dannes."

I 1874, med deltagelse af teaterkritiker og oversætter V. I. Rodislavsky, oprettede Ostrovsky Society of Russian Dramatic Writers. Da han gentagne gange var i udlandet, var Ostrovsky interesseret i udviklingen af ​​teatervirksomhed i europæiske lande. De akkumulerede indtryk, analyser af udenlandske erfaringer var nyttige til at vurdere den hjemlige teatersfære af dramatikeren. Han arbejder på en række notater og artikler, hvori han giver en udførlig beskrivelse af den daværende tilstand af russisk dramatik og teatervirksomhed og kommer til den konklusion, at hovedstadens kejserlige teater ikke kan opfylde det russiske nationalteaters høje mission. Han ser en vej ud i skabelsen i Moskva af et teater med en ny scenekultur, offentlig og demokratisk.

Kort før sin død ledede Ostrovsky repertoiret for de kejserlige teatre i Moskva. Den ældre dramatiker går ivrigt i gang, men han når at arbejde i kort tid – et halvt år senere døde han.

Ostrovskys teater er ifølge kritikerens passende definition et "etisk teater", hvis moralske ladning giver tro på livet. Hans kunst er autentisk, stor og derfor nødvendig.

For at bekræfte den eksisterende forbindelse mellem Ostrovskys kunst og modernitet vil jeg afslutningsvis gerne minde om en af ​​de mest slående scenefortolkninger af komedien "Får og ulve", iscenesat af den fremragende instruktør af det 20. århundrede Georgy Alexandrovich Tovstonogov på scenen af Leningrad Bolshoi Drama Theatre. M. Gorky, udført i 80'erne.

Opførelsen af ​​G. A. Tovstonogov blev den sejr, når teatret formår at kombinere skolen, ferien, forestillingen og underholdningen. Direktøren var interesseret i psykologien bag ikke-intervention, samvittighed. "Hvor kommer "ulvene" fra, hvad bidrager til deres aktivering? Lynyaevs ligegyldighed. Dramatikeren så, hvordan omfanget af prædation vokser fra generation til generation,” skrev instruktøren. Teatret var nødt til at gøre det "så forestillingen kunne se den aktuelle skala af selve fænomenet, så den naive intriger af "ulvene" for et århundrede siden fik os til at tænke på den mafia, der er almindelig i nutidens verden" (Tovstonogov G. A. Mirror af scenen. Bog 2. - L. , 1984. - S. 72). Dette er emnets relevans.

I en betagende lyserød vest, med en "charmerende" rund mave, fantastiske bakkenbarter og overskæg, fik en herlig, udmattet, kongeligt doven, ledig "kat" - Mikhail Borisych Lynyaev fremført af O.V. Basilashvili publikum til at græde af grin. Auditoriet, efter den spændende proces med fødslen af ​​Lynyaevs tanke, syntes at forudse retningen af ​​dens bevægelse. Og hovedproblemet, omkring hvilket Lynyaevs tanke arbejdede hårdt, kogte ned til én ting: hvordan man sover i en time eller to. Sådan Lynyaev var den centrale figur i dette skuespil om samhørighed. Tovstonogov gav "Wolves and Sheep" genrens renhed - der var en komedie, satire på scenen, latteren herskede på scenen. I mange professionelt "gode" forestillinger baseret på dette skuespil af Ostrovsky var latter en sjælden gæst. Udførelsen af ​​BDT "helbredt" med latter, samvittighed, gjorde folk, forblev en "fest" af glæde for øjet og sjælen.

Alt, hvad Ostrovsky drømte om, var på scenen: sandheden om livet, et strålende partnerskab, en fremragende koordineret gruppe; i et unikt ensemble af skuespillere var alle en stjerne, alle havde deres egen melodi, men alt dette var underlagt en fælles plan - at fordømme Lynyaev, Lynyavshchina som et farligt socialt fænomen i det 20. århundrede.

I dag, allerede fra det 21. århundrede, kan man med selvtillid sige: Ostrovsky er vores samtid.

L-ra: Russisk litteratur i ukrainske skoler. - 2002. - Nr. 5. - S. 40-45.

Nøgleord: Alexander Ostrovsky, karakterisering af Alexander Ostrovskys arbejde, kritik af Alexander Ostrovskys arbejde, kritik, download kritik, gratis download, abstrakt, russisk litteratur i det 19. århundrede, dramatikere af det 19. århundrede

Ostrovsky

Barndom og ungdom, tjenesteår, aktiviteter

Alexander Nikolayevich Ostrovsky blev født den 31. marts (12. april) 1823 i Moskva på Malaya Ordynka. Hans far, Nikolai Fedorovich, var søn af en præst, han dimitterede selv fra Kostroma Seminary, dengang Moskvas teologiske akademi, men begyndte at praktisere som domstolsadvokat, der beskæftigede sig med ejendoms- og kommercielle anliggender; steg til titulærrådsgrad og modtog i 1839 adelen. Mor, Lyubov Ivanovna Savvina, sextonens datter, døde, da Alexander kun var otte år gammel. Der var fire børn i familien. Familien boede i overflod, lagde stor vægt på studiet af børn, der modtog hjemmeundervisning. Fem år efter sin mors død giftede hans far sig med baronesse Emilia Andreevna von Tessin, datter af en russificeret svensk adelsmand. Børnene var heldige med deres stedmor: hun omgav dem med omsorg og fortsatte med at undervise dem. Som barn blev Alexander afhængig af at læse, får en god undervisning derhjemme, kan græsk, latin, fransk, tysk og senere engelsk, italiensk og spansk. Da Alexander var tretten år gammel, giftede hans far sig for anden gang med datteren af ​​en russificeret svensk baron, som ikke havde så travlt med at opdrage børn fra sin mands første ægteskab. Med hendes ankomst ændres husstandens levevis mærkbart, det officielle liv tegnes om på en ædel måde, miljøet ændrer sig, nye taler høres i huset. På dette tidspunkt havde den kommende dramatiker læst næsten hele faderens bibliotek.Ostrovskys barndom og en del af hans ungdom blev tilbragt i centrum af Zamoskvorechye. Takket være faderens store bibliotek stiftede han tidligt bekendtskab med russisk litteratur og følte en tilbøjelighed til at skrive, men hans far ville gøre ham til advokat. I 1835 gik Ostrovsky ind på det 1. Moskva Gymnasium, hvorefter han i 1840 blev student ved det juridiske fakultet ved Moskva Universitet, men det lykkedes ham ikke at gennemføre kurset, da han skændtes med en af ​​lærerne (han studerede indtil 1843). Efter anmodning fra sin far trådte Ostrovsky i tjeneste som en domstolsskriver og tjente ved domstolene i Moskva indtil 1851; hans første løn var 4 rubler om måneden, efter et stykke tid steg den til 15 rubler.

Universitetsår

Fra 1835-1840 - Ostrovsky studerer på First Moscow Gymnasium. I 1840, efter at have dimitteret fra gymnasiet, blev han indskrevet på det juridiske fakultet ved Moskva Universitet. På universitetet var en jurastuderende Ostrovsky så heldig at lytte til foredrag af kendere af historie, jura og litteratur som T.N. Granovsky, N.I. Krylov, M.P. Pogodin. Her afsløres for første gang de russiske krønikers rigdomme for den fremtidige forfatter af "Minin" og "Voevoda", sproget dukker op for ham i et historisk perspektiv. Men i 1843 forlod Ostrovsky universitetet og ønskede ikke at tage eksamen igen. Derefter trådte han ind på kontoret i Moskvas konstituerende domstol, senere tjente han i handelsretten (1845-1851). Denne oplevelse spillede en væsentlig rolle i Ostrovskys arbejde. Det andet universitet er Maly Theatre. Efter at være blevet afhængig af scenen tilbage i sine gymnasium år, blev Ostrovsky en stamgæst i det ældste russiske teater.

Første skuespil

1847 - Ostrovsky udgiver det første udkast til den fremtidige komedie "Own People - Let's Settle" under titlen "Insolvent Debtor" i Moskva City Listing, derefter komedien "Painting of Family Happiness" (senere "Familiebillede") og et essay i prosa "Noter fra en Zamoskvoretsky-beboer" .. Litterær berømmelse for Ostrovsky blev bragt af komedien "Vores folk - lad os slå sig ned!" (original titel - "Konkurs"), udgivet i 1850. Stykket fremkaldte positive reaktioner fra H. V. Gogol og I. A. Goncharov. De indflydelsesrige Moskva-købmænd, fornærmede over deres klasse, klagede til "cheferne"; som følge heraf blev komedien forbudt at iscenesætte, og forfatteren blev afskediget fra tjeneste og sat under polititilsyn på Nicholas I's personlige ordre. Supervision blev fjernet efter Alexander II's tiltrædelse, og stykket fik kun lov til at blive opført i 1861. Efter komedien "Our People - Let's Settle" udgiver Ostrovsky et, og nogle gange to-tre stykker hvert år, og skriver dermed 47 stykker af forskellige genrer - fra tragedie til dramatiske episoder. Derudover er der også skuespil skrevet i fællesskab med andre dramatikere - S.A. Gedeonov, N.Ya. Solovyov, P.M. Nevezhin, samt over 20 oversatte skuespil (C. Goldoni, N. Macchiavelli, M. Cervantes, Terence osv.).

Års retstjeneste

I 1843 trådte Alexander Nikolaevich Ostrovsky på anmodning af sin far ind i tjenesten af ​​en kontorist ved Moskvas samvittighedsdomstol. I 1845 flyttede han til Moskvas handelsdomstol. Ostrovsky tjente ved domstolene i Moskva indtil 1851. Ostrovsky opfattede tjeneste ved domstolene som en pligt. Men han gjorde det trofast. Efterfølgende hjalp erfaringen med retligt arbejde ham i høj grad med at skabe aktuelle værker. Ostrovsky tog mange ideer til skuespil derfra. Faderens advokatpraksis og retstjeneste i næsten otte år gav den kommende dramatiker rigt stof til sine skuespil.

sidste leveår

I slutningen af ​​sit liv opnåede Ostrovsky endelig materiel velstand (han modtog en livstidspension på 3 tusind rubler), og i 1884 indtog han stillingen som leder af repertoiret for Moskva-teatre (dramatikeren drømte om at tjene teatret hele sit liv ). Men hans helbred blev undermineret, hans kræfter var opbrugt.

Ostrovsky underviste ikke kun, han studerede. Ostrovskys talrige eksperimenter inden for oversættelse af antikkens, engelsk, spansk, italiensk og fransk dramatisk litteratur vidnede ikke blot om hans fremragende bekendtskab med alle tiders og folkeslags dramatiske litteratur, men blev også med rette anset af forskere af hans arbejde som en slags skole for dramatisk dygtighed, som Ostrovsky gennemgik hele sit liv (han begyndte i 1850 med en oversættelse af Shakespeares komedie The Taming of the Shrew).

Døden fangede ham i at oversætte Shakespeares tragedie "Antony og Cleopatra") den 2. juni (14), 1886 i Shchelykovo-ejendommen, Kostroma-regionen, fra en arvelig sygdom - angina pectoris. Han gik ned i graven uden at gøre alt, hvad han kunne, men han gjorde overordentlig meget. Efter forfatterens død oprettede Moskva-dumaen en læsesal opkaldt efter A.N. Ostrovsky. Den 27. maj 1929, i Moskva, på Teaterpladsen foran Maly-teatrets bygning, hvor hans skuespil blev opført, blev et monument for Ostrovsky afsløret (skulptør N.A. Andreev, arkitekt I.P. Mashkov). A.N. Ostrovsky er opført i den russiske rekordbog "Divo" som "den mest produktive dramatiker" (1993).

Ostrovsky - skaberen af ​​det russiske nationalteater

Alexander Nikolayevich Ostrovsky betragtes som grundlæggeren af ​​det russiske dramateater. Efter at have arbejdet for den russiske scene i næsten fyrre år skabte Ostrovsky et helt repertoire - fireoghalvtreds skuespil. Derudover skrev han talrige oversættelser fra Cervantes, Shakespeare, Goldoni. I.A. Goncharov skrev til A.N. Ostrovsky: "Du bragte et helt bibliotek af kunstværker som en gave til litteraturen, du skabte din egen specielle verden til scenen. Du alene færdiggjorde bygningen, ved hvilken du lagde hjørnestenene til Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Men først efter dig, kan vi russere stolt sige: "Vi har vores eget russiske, nationale teater." Det skal retfærdigt hedde: "Ostrovskys Teater." Ostrovsky bruger mange af sine udadvendte kræfter til sociale aktiviteter: han organiserer en kunstnerisk kreds, "Dramatiske Forfatteres Møde", udarbejder holdningen til Griboyedov-prisen, tager sig af oprettelsen af ​​et privat teater og teaterskoler... Dette førte naturligvis til, at dramatikeren i 1885 blev udnævnt til leder af Maly Teatrets repertoire og satte ham "i cirklen" 5.800 rubler; ja, et år før det sikrede forfatterens bror en pension på 3.000 rubler til ham. Han faldt lidt til ro: gudskelov, han ville ikke have en hovedpine over familien, men han følte ikke megen glæde. . I løbet af dette år arbejder han praktisk talt meget i teatret, skriver, oversætter, planlægger at åbne dramakurser. Men det ene hjerteanfald efterfølges af det andet, og så feber; og foran hende - et nervøst chok fra en brand i hendes elskede Shchelykovo; og igen - et kvælningsangreb ... nedslået over alt dette beslutter Alexander Nikolayevich den 28. maj at gå fra Moskva til Shchelykovo: trods alt natur, frisk luft, fred. Ja, og Maly-teatret tog til Warszawa og tog otte af sine forestillinger der, mens andre teatre stadig er lukkede - ingen sæson; du kan få noget hvile.

Alexander Nikolayevich Ostrovsky er en berømt russisk forfatter og dramatiker, der havde en betydelig indflydelse på udviklingen af ​​det nationale teater. Han dannede en ny skole for realistisk leg og skrev mange bemærkelsesværdige værker. Denne artikel vil skitsere hovedstadierne i Ostrovskys arbejde. Samt de mest betydningsfulde øjeblikke i hans biografi.

Barndom

Alexander Nikolayevich Ostrovsky, hvis foto er præsenteret i denne artikel, blev født i 1823, den 31. marts, i Moskva, i området. Hans far, Nikolai Fedorovich, voksede op i en præstefamilie, dimitterede selv fra Moskvas Teologiske Akademi, men tjente ikke i kirken. Han blev retsadvokat, engageret i kommercielle og juridiske sager. Nikolai Fedorovich formåede at stige til rang af titulær rådgiver og senere (i 1839) at modtage adelen. Moderen til den fremtidige dramatiker, Savvina Lyubov Ivanovna, var datter af en sexton. Hun døde, da Alexander kun var syv år gammel. Seks børn voksede op i Ostrovsky-familien. Nikolai Fedorovich gjorde alt for at sikre, at børnene voksede op i velstand og fik en anstændig uddannelse. Et par år efter Lyubov Ivanovnas død giftede han sig for anden gang. Hans kone var Emilia Andreevna von Tessin, baronesse, datter af en svensk adelsmand. Børnene var meget heldige med deres stedmor: det lykkedes hende at finde en tilgang til dem og fortsatte med at uddanne dem.

Ungdom

Alexander Nikolayevich Ostrovsky tilbragte sin barndom i centrum af Zamoskvorechye. Hans far havde et meget godt bibliotek, takket være hvilket drengen tidligt stiftede bekendtskab med russiske forfatteres litteratur og følte en hang til at skrive. Faderen så dog kun en advokat i drengen. Derfor blev Alexander i 1835 sendt til det første Moskva Gymnasium, efter at have studeret, hvor han blev student ved Moskva Universitet. Det lykkedes dog ikke Ostrovsky at opnå en juraeksamen. Han skændtes med læreren og forlod universitetet. På råd fra sin far gik Alexander Nikolaevich på arbejde i hoffet som skriver og arbejdede i denne stilling i flere år.

Forsøg på at skrive

Alexander Nikolayevich forlod dog ikke forsøg på at bevise sig selv på det litterære område. I sine første skuespil holdt han sig til en anklagende, "moralsk-social" retning. De første blev trykt i en ny udgave, Moscow City List, i 1847. Disse var skitser til komedien "Failed Debtor" og essayet "Notes of a Zamoskvoretsky Resident". Under udgivelsen var bogstaverne "A. O." og "D. G." Faktum er, at en vis Dmitry Gorev tilbød den unge dramatiker samarbejde. Det kom ikke videre end skrivningen af ​​en af ​​scenerne, men blev efterfølgende en kilde til store problemer for Ostrovsky. Nogle dårlige ønsker senere beskyldte dramatikeren for plagiat. I fremtiden vil mange storslåede skuespil komme ud af Alexander Nikolaevichs pen, og ingen vil vove at tvivle på hans talent. Yderligere vil nedenstående tabel blive præsenteret i detaljer, hvilket gør det muligt at systematisere de modtagne oplysninger.

Første succes

Hvornår skete det? Ostrovskys arbejde fik stor popularitet efter udgivelsen i 1850 af komedien "Vores folk - lad os slå sig ned!". Dette værk fremkaldte positive anmeldelser i litterære kredse. I. A. Goncharov og N. V. Gogol gav stykket en positiv vurdering. Der faldt dog også en imponerende flue i salven i denne tønde honning. Indflydelsesrige repræsentanter for Moskva-købmændene, fornærmede over godset, klagede til de højeste myndigheder over den uforskammede dramatiker. Stykket blev straks forbudt til iscenesættelse, forfatteren blev bortvist fra tjeneste og sat under det strengeste polititilsyn. Desuden skete dette på personlig ordre fra kejser Nicholas I selv. Tilsynet blev først afskaffet efter at kejser Alexander II besteg tronen. Og det teatralske publikum så komedien først i 1861, efter at forbuddet mod dens produktion blev ophævet.

Tidlige skuespil

A. N. Ostrovskys tidlige arbejde gik ikke ubemærket hen, hans værker blev primært offentliggjort i Moskvityanin-magasinet. Dramatikeren samarbejdede aktivt med denne udgivelse både som kritiker og som redaktør i 1850-1851. Under indflydelse af bladets "unge redaktører" og hovedideologen i denne kreds komponerede Alexander Nikolayevich skuespillene "Fattigdom er ikke en last", "Kom ikke ind i din slæde", "Liv ikke som du vil have". Temaerne for Ostrovskys arbejde i denne periode er idealiseringen af ​​patriarkatet, russiske gamle skikke og traditioner. Disse stemninger dæmpede lidt den anklagende patos i forfatterens arbejde. Men i værkerne i denne cyklus voksede Alexander Nikolayevichs dramatiske færdighed. Hans skuespil er blevet berømte og efterspurgte.

Samarbejde med Sovremennik

Fra 1853, i tredive år, blev Alexander Nikolaevichs skuespil vist hver sæson på scenerne i teatrene Maly (i Moskva) og Alexandrinsky (i St. Petersborg). Siden 1856 er Ostrovskys værk jævnligt blevet dækket i magasinet Sovremennik (værker udgives). Under det sociale opsving i landet (før livegenskabets afskaffelse 1861) fik forfatterens værker atter anklagende skarphed. I skuespillet "Tømmermænd ved en mærkelig fest" skabte forfatteren et imponerende billede af Bruskov Tit Titych, hvori han legemliggjorde den brutale og mørke magt i det hjemlige autokrati. Her hørte man for første gang ordet "tyrann", som senere blev fastlagt for et helt galleri af Ostrovskys karakterer. I komedien "Profitable Place" blev korruptionen af ​​embedsmænd, der er blevet normen, latterliggjort. Dramaet "Eleven" var en levende protest mod vold mod personen. Andre stadier af Ostrovskys arbejde vil blive beskrevet nedenfor. Men toppen af ​​opnåelsen af ​​denne periode af hans litterære aktivitet var det sociopsykologiske drama "Tordenvejr".

"Tordenvejr"

I dette skuespil malede "bytovik" Ostrovsky den kedelige atmosfære i en provinsby med dens hykleri, uhøflighed og den "senior" og riges ubestridelige autoritet. I opposition til menneskers uperfekte verden skildrer Alexander Nikolayevich betagende billeder af Volga-naturen. Billedet af Katerina er dækket af tragisk skønhed og dyster charme. Tordenvejret symboliserer heltindens åndelige forvirring og personificerer samtidig frygtbyrden, som almindelige mennesker konstant lever under. Den blinde lydigheds rige undermineres, ifølge Ostrovsky, af to kræfter: sund fornuft, som Kuligin prædiker i stykket, og Katerinas rene sjæl. I sin "Ray of Light in the Dark Kingdom" fortolkede kritikeren Dobrolyubov billedet af hovedpersonen som et symbol på dyb protest, der gradvist modnes i landet.

Takket være dette skuespil steg Ostrovskys arbejde til en uopnåelig højde. "Tordenvejr" gjorde Alexander Nikolaevich til den mest berømte og ærede russiske dramatiker.

Historiske motiver

I anden halvdel af 1860'erne begyndte Alexander Nikolayevich at studere historien om problemernes tid. Han begyndte at korrespondere med den berømte historiker og Nikolai Ivanovich Kostomarov. Baseret på undersøgelsen af ​​seriøse kilder skabte dramatikeren en hel række historiske værker: "Dmitry the Pretender og Vasily Shuisky", "Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk", "Tushino". Problemerne i den nationale historie blev afbildet af Ostrovsky talentfuldt og pålideligt.

Andre skuespil

Alexander Nikolaevich forblev stadig tro mod sit yndlingsemne. I 1860'erne skrev han mange "hverdagslige" dramaer og skuespil. Blandt dem: "Hårde dage", "Abyss", "Jokere". Disse værker konsoliderede de motiver, som forfatteren allerede fandt. Siden slutningen af ​​1860'erne har Ostrovskys arbejde gennemgået en periode med aktiv udvikling. Billeder og temaer af det "nye" Rusland, der overlevede reformen, dukker op i hans dramaturgi: forretningsmænd, erhververe, degenererede patriarkalske pengesække og "europæiske" købmænd. Alexander Nikolayevich skabte en strålende serie af satiriske komedier, der afslørede borgernes post-reforms illusioner: "Mad Money", "Hot Heart", "Wolves and Sheep", "Skov". Dramatikerens moralske ideal er renhjertede, ædle mennesker: Parasha fra "Hot Heart", Aksyusha fra "Skoven". Ostrovskys ideer om meningen med livet, lykke og pligt blev legemliggjort i stykket "Arbejdsbrød". Næsten alle Alexander Nikolayevichs værker skrevet i 1870'erne blev udgivet i Otechestvennye Zapiski.

"Snejomfru"

Fremkomsten af ​​dette poetiske skuespil var helt tilfældigt. Maly Theatre blev lukket for reparationer i 1873. Dens kunstnere flyttede til bygningen af ​​Bolshoi Theatre. I denne henseende besluttede kommissionen for ledelsen af ​​de kejserlige teatre i Moskva at skabe en forestilling, hvor tre tropper vil være involveret: opera, ballet og drama. Alexander Nikolaevich Ostrovsky påtog sig at skrive et lignende skuespil. The Snow Maiden er skrevet af dramatikeren på meget kort tid. Forfatteren tog et plot fra et russisk folkeeventyr som grundlag. Under arbejdet med stykket udvalgte han omhyggeligt størrelserne på versene, rådførte sig med arkæologer, historikere og oldtidens kendere. Musikken til stykket er komponeret af den unge P. I. Tjajkovskij. Uropførelsen af ​​stykket fandt sted i 1873, den 11. maj, på Bolshoi-teatrets scene. K. S. Stanislavsky talte om Snejomfruen som et eventyr, en drøm fortalt i klangfulde og storslåede vers. Han sagde, at realisten og bytovik Ostrovsky skrev dette stykke, som om han ikke havde været interesseret i noget før, bortset fra ren romantik og poesi.

Arbejde de seneste år

I denne periode komponerede Ostrovsky betydelige sociopsykologiske komedier og dramaer. De fortæller om følsomme, begavede kvinders tragiske skæbne i en kynisk og grådig verden: "Talenter og beundrere", "Dowry". Her udviklede dramatikeren nye teknikker til sceneudtryk i foregribelse af Anton Tjekhovs arbejde. For at bevare sin dramaturgis ejendommeligheder søgte Alexander Nikolaevich at legemliggøre karakterernes "indre kamp" i en "intelligent fin komedie".

Social aktivitet

I 1866 grundlagde Alexander Nikolaevich den berømte kunstneriske cirkel. Han gav efterfølgende Moskva-scenen mange talentfulde figurer. Ostrovsky fik besøg af D. V. Grigorovich, I. A. Goncharov, I. S. Turgenev, P. M. Sadovsky, A. F. Pisemsky, G. N. Fedotova, M. E. Ermolova, P. I. Tchaikovsky, L. N. Tolstoy, M. E. Saltychan-Shch.

I 1874 blev Society of Russian Dramatic Writers and Opera Composers oprettet i Rusland. Alexander Nikolaevich Ostrovsky blev valgt som foreningens formand. Billeder af den berømte offentlige figur var kendt for enhver elsker af teatre i Rusland. Reformatoren gjorde en stor indsats for, at teaterledelsens lovgivning blev revideret til fordel for kunstnerne, og derved forbedrede deres økonomiske og sociale situation væsentligt.

I 1885 blev Alexander Nikolayevich udnævnt til stillingen som leder af repertoiret og blev leder af teaterskolen.

Ostrovsky Teater

Alexander Ostrovskys arbejde er uløseligt forbundet med dannelsen af ​​et ægte russisk teater i sin moderne forstand. Dramatikeren og forfatteren formåede at skabe sin egen teaterskole og et særligt holistisk koncept med iscenesættelse af teaterforestillinger.

Træk ved Ostrovskys arbejde i teatret er manglen på modstand mod den skuespilnatur og ekstreme situationer i stykkets handling. I Alexander Nikolaevichs værker forekommer almindelige begivenheder med almindelige mennesker.

Reformens hovedideer:

• teatret skal bygges på konventioner (der er en usynlig "fjerde væg", der adskiller publikum fra skuespillerne);
• når man iscenesætter en forestilling, er det nødvendigt at satse ikke på én kendt skuespiller, men på et hold af kunstnere, der forstår hinanden godt;
• ufravigeligheden af ​​skuespillernes holdning til sprog: taleegenskaber skal udtrykke næsten alt om de karakterer, der er repræsenteret i stykket;
• folk kommer i teatret for at se skuespillerne spille, og ikke for at stifte bekendtskab med stykket – de kan læse det derhjemme.

De ideer, som forfatteren Ostrovsky Alexander Nikolayevich kom med, blev efterfølgende færdiggjort af M. A. Bulgakov og K. S. Stanislavsky.

Personlige liv

Dramatikerens personlige liv var ikke mindre interessant end hans litterære arbejde. Ostrovsky Alexander Nikolaevich levede i et borgerligt ægteskab med en simpel bourgeois i næsten tyve år. Interessante fakta og detaljer om det ægteskabelige forhold mellem forfatteren og hans første kone begejstrer stadig forskere.

I 1847, i Nikolo-Vorobinovsky Lane, ved siden af ​​huset, hvor Ostrovsky boede, bosatte en ung pige, Agafya Ivanovna, sig med sin tretten-årige søster. Hun havde ingen slægtninge eller venner. Ingen ved, hvornår hun mødte Alexander Nikolayevich. Men i 1848 fik de unge en søn, Alexei. Der var ingen betingelser for at opdrage et barn, så drengen blev midlertidigt anbragt på et børnehjem. Ostrovskys far var frygtelig vred over, at hans søn ikke kun droppede ud af et prestigefyldt universitet, men også kom i kontakt med en simpel borgerlig kvinde, der bor ved siden af.

Alexander Nikolaevich viste imidlertid fasthed, og da hans far sammen med sin stedmor rejste til det nyligt købte Shchelykovo-ejendom i Kostroma-provinsen, slog han sig ned med Agafya Ivanovna i sit træhus.

Forfatteren og etnografen S.V. Maksimov kaldte i spøg Ostrovskys første kone "Marfa Posadnitsa", fordi hun var ved siden af ​​forfatteren i tider med alvorlig nød og alvorlige modgang. Ostrovskys venner karakteriserer Agafya Ivanovna som en meget intelligent og hjertelig person af natur. Hun kendte bemærkelsesværdigt købmandslivets manerer og skikke og havde en ubetinget indflydelse på Ostrovskys arbejde. Alexander Nikolaevich rådførte sig ofte med hende om skabelsen af ​​hans værker. Derudover var Agafya Ivanovna en vidunderlig og gæstfri værtinde. Men Ostrovsky registrerede ikke et officielt ægteskab med hende, selv efter sin fars død. Alle børn født i denne forening døde meget unge, kun den ældste, Alexei, overlevede kort sin mor.

Over tid havde Ostrovsky andre hobbyer. Han var lidenskabeligt forelsket i Lyubov Pavlovna Kositskaya-Nikulina, der spillede Katerina ved premieren på Tordenvejret i 1859. Imidlertid opstod der hurtigt en personlig pause: skuespillerinden forlod dramatikeren af ​​hensyn til en rig købmand.

Så havde Alexander Nikolaevich en forbindelse med en ung kunstner Vasilyeva-Bakhmetyeva. Agafya Ivanovna vidste om dette, men hun bar standhaftigt sit kors og formåede at bevare Ostrovskys respekt for sig selv. Kvinden døde i 1867, 6. marts, efter alvorlig sygdom. Alexander Nikolaevich forlod ikke sin seng indtil det sidste. Begravelsesstedet for Ostrovskys første kone er ukendt.

To år senere giftede dramatikeren sig med Vasilyeva-Bakhmetyeva, som fødte ham to døtre og fire sønner. Alexander Nikolaevich boede med denne kvinde indtil slutningen af ​​sine dage.

Forfatterens død

Spændt offentlighed og kunne ikke andet end at påvirke forfatterens helbred. På trods af gode honorarer fra iscenesættelse af skuespil og en årlig pension på 3 tusind rubler, manglede Alexander Nikolayevich desuden altid penge. Udmattet af konstante bekymringer svigtede forfatterens krop til sidst. I 1886, den 2. juni, døde forfatteren på hans Shchelykovo ejendom nær Kostroma. Kejseren bevilgede 3.000 rubler til dramatikerens begravelse. Desuden tildelte han en pension på 3.000 rubler til forfatterens enke og yderligere 2.400 rubler om året for at opdrage Ostrovskys børn.

Kronologisk tabel

Ostrovskys liv og arbejde kan kort vises i en kronologisk tabel.

Ostrovskys liv og arbejde var fyldt med sådanne begivenheder. Tabellen, der viser hovedbegivenhederne i forfatterens liv, hjælper med at studere hans biografi bedre. Alexander Nikolaevichs dramatiske arv er svær at overvurdere. Selv under den store kunstners liv blev Maly Theatre kaldt "Ostrovskys hus", og det siger meget. Ostrovskys arbejde, en kort beskrivelse af det præsenteres i denne artikel, er værd at studere mere detaljeret.

Skriften

Alexander Nikolaevich Ostrovsky... Dette er et usædvanligt fænomen. Hans rolle i historien om udviklingen af ​​russisk dramaturgi, scenekunst og hele den nationale kultur kan næppe overvurderes. Han gjorde lige så meget for udviklingen af ​​russisk dramaturgi, som Shakespeare gjorde i England, Lone de Vega i Spanien, Molière i Frankrig, Goldoni i Italien og Schiller i Tyskland. Trods den chikane, som censuren, den teater- og litterære komité og direktionen for de kejserlige teatre påførte, fik Ostrovskys dramaturgi til trods for kritikken fra reaktionære kredse hvert år mere og mere sympati både blandt demokratiske tilskuere og blandt kunstnere.

Udvikling af de bedste traditioner inden for russisk dramatisk kunst, ved at bruge oplevelsen af ​​progressivt udenlandsk drama, utrætteligt at lære om livet i sit hjemland, konstant at kommunikere med folket, tæt forbundet med den mest progressive nutidige offentlighed, Ostrovsky blev en fremragende skildring af livet af sin tid, som legemliggjorde Gogols, Belinskys og andre progressive figurers drømme, litteratur om russiske karakterers udseende og triumf på den nationale scene.
Ostrovskys kreative aktivitet havde stor indflydelse på hele den videre udvikling af progressivt russisk drama. Det var fra ham, vores bedste dramatikere studerede, han underviste. Det var til ham, at håbefulde dramatiske forfattere blev trukket i deres tid.

Styrken af ​​Ostrovskys indflydelse på forfatterne på hans tid kan bevises af et brev til dramatikeren digterinde A. D. Mysovskaya. "Ved du, hvor stor din indflydelse var på mig? Det var ikke kærligheden til kunst, der fik mig til at forstå og værdsætte dig: tværtimod lærte du mig at elske og respektere kunst. Jeg står i gæld til dig alene for det faktum, at jeg modstod fristelsen til at falde ind i den elendige litterære middelmådigheds arena, ikke jagtede billige laurbær kastet af hænderne på søde og sure halvuddannede. Du og Nekrasov fik mig til at forelske mig i tanker og arbejde, men Nekrasov gav mig kun den første impuls, du er retningen. Da jeg læste dine værker, indså jeg, at rim ikke er poesi, og et sæt sætninger er ikke litteratur, og at kun ved at bearbejde sindet og teknikken vil kunstneren være en rigtig kunstner.
Ostrovsky havde en stærk indflydelse ikke kun på udviklingen af ​​indenlandsk drama, men også på udviklingen af ​​det russiske teater. Ostrovskys kolossale betydning i udviklingen af ​​det russiske teater understreges godt i et digt dedikeret til Ostrovsky og læst i 1903 af M. N. Yermolova fra scenen i Maly Theatre:

På scenen, selve livet, fra scenen blæser sandheden,
Og den lyse sol kærtegner og varmer os ...
Den levende tale fra almindelige, levende mennesker lyder,
På scenen, ikke en "helt", ikke en engel, ikke en skurk,
Men bare en mand ... Glad skuespiller
I en fart med hurtigt at bryde de tunge lænker
Forhold og løgne. Ord og følelser er nye

Men i sjælens hemmeligheder lyder svaret til dem, -
Og alle munde hvisker: salig er digteren,
Revede de lurvede, tinsel-betræk af
Og kaste et klart lys ind i mørkets rige

Den berømte skuespillerinde skrev om det samme i sine erindringer i 1924: "Sammen med Ostrovsky dukkede sandheden selv og selve livet op på scenen ... Væksten af ​​originalt drama begyndte, fuld af reaktioner på moderniteten ... De begyndte at tale om de fattige, de ydmygede og fornærmede.”

Den realistiske retning, dæmpet af autokratiets teatralske politik, videreført og uddybet af Ostrovsky, vendte teatret ind på den nære forbindelse med virkeligheden. Kun det gav liv til teatret som et nationalt, russisk, folketeater.

”Du bragte et helt bibliotek af kunstværker som gave til litteraturen, du skabte din egen specielle verden til scenen. Du alene fuldførte bygningen, på hvis grund hjørnestenene til Fonvizin, Griboyedov, Gogol blev lagt. Dette vidunderlige brev blev modtaget blandt andre lykønskninger i året for femogtrediveårsdagen for litterær og teatralsk aktivitet, Alexander Nikolaevich Ostrovsky fra en anden stor russisk forfatter - Goncharov.

Men meget tidligere, om det allerførste værk af den stadig unge Ostrovsky, udgivet i Moskvityanin, skrev en subtil kender af elegance og en følsom iagttager V. F. Odoevsky: denne mand er et stort talent. Jeg betragter tre tragedier i Rusland: "Undervækst", "Ve fra Vid", "Generalinspektør". Jeg satte nummer fire på Konkurs.

Fra sådan en lovende første vurdering til Goncharovs jubilæumsbrev, et fuldt, travlt liv; arbejde, og førte til et så logisk vurderingsforhold, fordi talent kræver først og fremmest stort arbejde af sig selv, og dramatikeren syndede ikke for Gud - han begravede ikke sit talent i jorden. Efter at have udgivet det første værk i 1847, har Ostrovsky siden skrevet 47 skuespil og oversat mere end tyve skuespil fra europæiske sprog. Og alt i alt er der i det folketeater, han skabte, omkring tusinde skuespillere.
Kort før sin død, i 1886, modtog Alexander Nikolaevich et brev fra L. N. Tolstoj, hvori den geniale prosaforfatter indrømmede: "Jeg ved af erfaring, hvordan folk læser, lytter og husker dine ting, og derfor vil jeg gerne hjælpe dig med at have nu blive i virkeligheden, hvad du utvivlsomt er - en forfatter af hele folket i bredeste forstand.