Suomen taiteilijat ja niiden maalaukset. Suomalaiset taiteilijat

Monien vuosien ajan uskottiin, että Alberta III: n kirjoittama Alexander III Nephewsin muotokuva menetettiin tai tuhoutui. Kuva: Erkka Mikkonen / YLE

Suomen taidehistorioitsija havaitsi vahingossa Albert Eteefugeltin työtä Venäjän alueellisen museon kokouksissa. Tutkimustutkija haluaisi tuoda kuvan näyttelyyn Suomessa.

Rybinsky-museossa löytyi kuuluisan suomalaisen taidemaalari Albert Edelfeltin (1854-1905) kankaalle. Suomen Art Historian Sani Conport-Webb löysi vuonna 1881 kirjoitetun kuvan Internet Search Engine -ohjelman avulla.

- Näin työn sattumalta, mutta tunnustan sen, koska se tutkittiin huolellisesti tämän aiheen.

St. Petersburgin arts-sisällön Akatemian valmistunut Webb näki tämän työn luonnokset Ateneumin Helsingin taidemuseossa. Käyttämällä luonnoksia, oli mahdollista määrittää muotokuvassa kuvattujen lasten identiteetti: nämä ovat venäläisen kuningas Alexander III: n veljenpoika. Yksi luonnoksista Edofelt huomautti heidän nimensä.

Pitkät haired pojat kuvassa pukeutunut mekkoon 1800-luvun muotipäässä. Rybin-museo uskoi, että tytöt on kuvattu siitä. Museotyöntekijät olivat iloisia uusia tietoja kuvasta.

"Uskomme, että nämä olivat tyttöjä, ja osoittautui, että Grand Duke Vladimir Borisin ja Kirillin pojat kuvattiin", sanoo Sergei Ovsyannikovin varajohtaja.

Kuva kertoo Etofelletin yhteystiedot kuninkaallisen perheen kanssa

Työ putosi Rybinsky-museon kokoukseen vallankumouksen jälkeen. Kuvan kääntöpuolella olevan allekirjoituksen mukaan aiemmin se oli Pyhän Pietarin Vladimirin palatsissa.

Nakhodkan lisäarvo antaa kuvan siitä, että kuva osoittaa suomalaisen taiteilijan läheiset yhteydet kaupungin Nevassa ja kuninkaallisella perheellä.

- Luultavasti tämä muotokuva oli ratkaiseva näkökulmasta Etofeltin uran loistava kehitys Royal Courtissa, - panee merkille contoula-webb.

Myöhemmin Edopel kirjoitti muotokuvan Alexander III Mikhail ja Ksenia sekä useita viimeisen venäläisen kuningas Nicholas II: n muotokuvia.

Suomalaisten taiteilijoiden linkit Venäjällä ovat vielä vähän tutkittuja

Aina Etofeltti oli suosittu Venäjällä. Hänen teoksensa pidetään sekä Pietarin Hermitagein ja Moskovan Pushkin-museon kokouksissa.

Nykyään Edopelt, kuten muut suomalaisen maalauksen kultakauden taiteilijat, venäläinen katselija on melkein tuntematon. Myös suomalaisissa taiteen historiallisissa tutkimuksissa huomiota ei ole kiinnitetty erityisesti suomalaisten taiteilijoiden yhteyksiin Venäjän kanssa.

Constane Webb on nyt säilynyt opinnäytetyön Pietarin Akatemian osa-elämän ja suomalaisen taidetta.

"Toivon, että tämän löytämisen ansiosta Edofelt saa jälleen Venäjällä ja Suomi muistuttaa Suomen taiteilijoiden tärkeitä linkkejä Venäjän kanssa.

Päätelmä Webb kysyi Rybinsk-museon työntekijöiltä mahdollisuudesta tuoda tarkastelu näyttelyyn Suomessa. Sergei Ovsyannikov, apulaisjohtaja, saavutti ajatuksen positiivisesti.

- Jos Suomi haluaa saada kuvan näyttelyyn, teemme kaiken, mikä riippuu meistä niin, että hanke pystyy.

Kuitenkin Ovsyannikovin mukaan potentiaalisen matkan Suomeen, kuva on remontoitava.

Arts-akatemian majesteettinen rakennus on koristeltu Navel Renkment Vasilyevskin saaren kolmannen ja neljännen rivin välillä. Se on yksi klassisen arkkitehtuurin parhaista muistomerkkeistä.

Projektin kirjoittajat A.F. Kokorinov ja Zh.b.delmotim. Imperial "Käsitelty taiteen Akatemia" ("Kolmen Patataiteen Akatemia") - maalaus, veistokset ja arkkitehtuuri - perustettiin vuonna 1757 Queen Elizabethin aikakaudella. Kaksi ja puoli vuosisataa, Akatemia nosti paljon sukupolvia taidekasta: maalarit, veistokset, arkkitehdit. Niistä ovat suuria taiteilijoita, joiden teokset esitetään Pietarin museoissa, Moskovan ja monien Euroopan pääkaupungeissa.

Arkkitehdit ja kuvanveistäjät - Akatemian tutkinnon suorittaneet ja koristeltu monia Venäjän kaupunkeja ja ulkomailla. Niiden paljon rakennettu Pietarissa. Suomessa on teoksia, koska monien vuosien ajan Akatemia oli venäläisen ja suomalaisen taiteen aktiivisen viestinnän paikka. Parhaat suomalaiset taiteilijat saivat otsikon "Fine Artsin akateemikot". Niistä oli v.runiberg, kg.nyoustrom. Mutta ensimmäinen, tietenkin pitäisi nimetä, Azzelelt.

Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905)

Suurin historiallinen maalaus, muotokuva, kotimainen genre. Ensimmäiset suomalaiset taiteilijat, jotka tunnetaan ulkomailla. Albert "syntyi Porvon lähellä arkkitehtiperheessä. Kahden vuoden ajan hän opiskeli Helsingin yliopistossa, ennen kuin hän päätti maksaa maalaukseen. Hän sai taidekasvatuksen Antwerpen Akatemian Akatemian ja sitten Pariisissa Kuvataidetieteen koulu. Vuosina 1877-80. Edelfelt luo historiallisia tontteja maalauksia. Mutta sitten taiteilija vetoaa luonteeltaan genre-tontteihin, joissa hänen rakkautensa kotimaiseen maahan ja kiinnostus tavallisten ihmisten elämään ilmestyi kirkkaasti. Nämä kuvat: "merellä", "Pojat vedessä", "vesi Baba" "," kirja "," kalastajat kaukaisilta saarilta ".

Vuonna 1881 A. Etofelt pitkään elämään ja toimii Pietarissa, kommunikoi venäläisten taiteilijoiden kanssa. Vuonna 1881 nuori suomalainen taiteilija esitteli työnsä Pietarin Akatemian tuomioistuimessa. Hänellä oli suuri menestys: hänet valittiin Pietarin Akatemian jäseniksi. Royal-kylässä hänet järjestettiin henkilökohtaisella näyttelyllä. Yksi kuvista osti keisarillisen sukunimen. Tekijä sai uusia tilauksia kuninkaallisesta perheestä, joka toi hänet maineeksi.

Kuninkaallisessa kylässä oleskelunsa aikana taiteilija edusti Zesarevich Alexander, ja teki useita teoksiaan Gatchina-palatsille, erityisesti kopiosta "merellä", joka muihin töihin tallennetaan Hermitageissa. Etofeltin kotitalouksien luonnokset: "Hyvät ystävät" ja "lastentarhassa" - olivat myös Alexander III. Näissä maalauksissa oli toistoja, jotka ovat ulkomaisia \u200b\u200bmuseoita.

Etofeltin ansio oli Venäjän yhteisten näyttelyiden organisointi, jonka ansiosta Venäjän yleisö tapasi monien suomalaisten taiteilijoiden työn.

Etofellin päätoimintaa voidaan kutsua muotokuvamaalaukseksi. Hän työskenteli paljon tilauksista, erityisesti kuninkaallinen piha, luodaan virallisia muotokuvia. Mutta parhaiten hänen muotokuvauksessaan ovat: "Taiteilijan äidin muotokuva" (1883), "Louis Paster" (1885), "Larin Paraskin muotokuva" (1893) "(1893)," Aino Act "(1901).

Viralliset esitykset ja monivuotiset ystävyyssuhteet.

Ensimmäinen suomalainen taiteilija, joka järjesti näyttelynsä keisarillisessa taideteollisuudessa 1800-luvun lopulla, oli taidemaalari Albert Edelfelt. Matkalla Länsi-Eurooppaan vuonna 1881, nuori suomalainen taiteilija esitteli työnsä Pietarin Akatemian tuomioistuimessa. Hänellä oli suuri menestys - hänelle myönnettiin akateemikon nimi. Royal-kylässä hänet järjestettiin henkilökohtaisella näyttelyllä. Yksi kuvista osti keisarillisen sukunimen.

Tekijä sai uusia tilauksia kuninkaallisesta perheestä, joka toi hänet maineeksi. Taiteilijan läheisyys keisarillisesta sukunimelle auttoi suomalaisen maalauksen suosiota Venäjällä. A.EDFELT: n suosion ja viranomaisen ansiosta Suomen taide heijastui Suomen ja Venäjän välisiin näyttelyihin Pietarissa ja Moskovassa, alkaen Nizhny Novgorod -näyttely 1882.

Suomalaiset taiteilijat Hermitage

Hermitage esittelee seitsemän Aerfeltin maalausta ja useita piirustuksia. Mainitun kuvan lisäksi "merellä", joka ensimmäisessä versiossa sijaitsee Göte-Ga-museossa, on välttämätöntä juhlia kotitalouden luonnonkaunis koostumus "hyviä ystäviä" (1881), jonka toisto on g -Torg ja Helsinki. Lähellä sitä luonteeltaan ja kuvassa "Lasten" (1885) ostanut myös Alexander III Gatchina-palatsille. Yksi Etofellin demokraattisista teoksista on maalaus "Bratka" (1898, Hermitage), joka aiheutti Pietarin kritiikin hyväksynnän.

Muotokuvan genre, jossa Aktera Mkhata M.v. Dyakovskaya-gay Rothin vaimon hermitage-muotokuvaksi esiteltiin. Hermitage-kokouksessa on esimerkkejä suomalaisen taiteilijan maisemasta. Tämä on kangas "Porvon ulkonäkö" (1898) ja etsaus "mänty lumessa". On mainittava, että Afelt-teokset varastoidaan myös Kiovan museoon - kuva "kalastajat kaukaisista putouksista" ja Moskovan museossa. A.S. Pushkin: "Barbara Mantin muotokuva".

Lisäksi Hermitageilla on viehättävät teokset Yuho Raranen, Eero Nelimarka ja Henry Erikson.

Suomalaiset taiteilijat Pietarissa

Arkkitehti K.G.NANYREM (1856-1917) teki suurta panosta Suomen pääkaupungin arkkitehtoniseen ulkonäköön. Riittää, että nimetään kiinteistön talon ylelliset rakennukset, valtion arkisto, koristavat senaatin aukion ympäristö. Kayanokan entinen tulli ja varasto on mahdollista muistaa Kayanokan, Ensimmäiset Kaupa-Torin sisämarkkinat. Mutta harvat ihmiset tietävät, että arkkitehti Kk.youtroma työskenteli Pietarissa. Projektinsa mukaan rakennettiin Petrogradin puoleisen lääketieteellisen laitoksen kirurgisen klinikan rakentaminen.

Näyttävä Acressori Akatemian professori, ja sai akateemisen arkkitehtuurin otsikon.

Taiteilija y.rissancena kutsutaan yksi erottuvimmista, vahvoimmista ja syvällisistä kansallisista kykyistä viime vuosisadan maalauksessa. Hän kirjoitti muotokuvia, genre maalauksia kansanelämästä. Helsingissä koulunkäynnin opiskelun jälkeen hänellä oli tarkoitus opiskella Pietarin Akatemiassa, jossa hän lähti I.E Pepinain johdolla 1897-98. Tutkimus Pietarissa, viestintä venäläisten taiteilijoiden kanssa ja koko luovan elämän ilmapiiri Pietarin nostamisasioissa nostivat taiteilijan luovuuden uudelle korkeudelle. Sen jälkeen hän työskenteli hedelmällisesti monien vuosien ajan Suomessa ja ulkomailla. Hänen tutkimuksesta ja elämästä Pietarissa kannattaa kertoa lisää.

Rissanene Yuho (Julio Rissanen, 1873-1950)

Yuho Rissanene syntyi Kuopion läheisyydessä Batrack-perheessä. Lapsuudessa hänen oli oltava kovaa, joskus jopa kelloa, kun isä-humalassa kuoli (jäädytetty). Vuonna 1896 Yuho Rissanene tuli suomalaisen taideyhteiskunnan keskustaa ja teollisuuskoulusta Helsingissä Turkuun.

Lapsena Rudolf Cov osallistui Pietarin seurakunnan kirkkokoulun, jossa hän hallitsi suomalaista ja Venäjän tutkintotodistusta. Lapsuudesta lähtien rakasti ja aiheutti opettajien huomion Pietarissa. Hänen oli suunnattu opiskelemaan, mutta hänen piti tehdä rahaa leivälle. Ja vain vuonna 1907 R.KAVU onnistui jatkamaan oppimismaalausta koulussa piirtämällä suomalaista taidetta ystäville.

Siellä hän oli Huto Simbergin opiskelija, joka on kuuluisa "haavoittunut enkeli". H. Simberg perii opettajan Gallen-Callena Faith fantasia ja mystinen luonnon voima. Rudolf COI opiskellut sitten Pariisissa vuonna 1914 ja vuonna 1924 Italiassa. Paluu Suomeen, hän liittyi taiteilijoiden ympyrän marraskuun "marraskuun", mutta pysyi uskollisena realistisesti ja kirjoitti maisemat hänen hillittyyn, rauhalliseen impressionismin tyyliin. Paljon merkittävästi kuin taiteilija-taidemaalari, Coywa oli valmistelija ja kuvittaja.

Näytetään epätavallisen vilkas ja kirkas fantasia, hän kuvasi kymmeniä upeita kirjoja, mukaan lukien suomalainen topelin "lukeminen", saksa - "Tales of Brother Grimm", Arab Fairy Tales "Thousand ja yhden yön Sherzeme-dy" jne. COYVA kuvasi mielellään joulu-sanomalehtiä, suomalaisia \u200b\u200bkalentereita ja muita julkaisuja, kehittää itseään selvästi voimakkaasti Venäjän kuvittajilta, harvinainen tehokas tehokas, kirkkaasti sisustettu tyyli. Hänen huumorintaju ilmenee, paitsi upeita kuvia ja piirustuksia sekä nykyaikaisten karikatyyreiden menestystä. Maalausten ja piirustusten kokoelma (kokoelma) tulivat valitettavasti kuolemansa jälkeen vuonna 1947

Schulman Karl Allan (Carl Allan Schulman, 1863-1937)

Arkkitehti, kirkkaat kyvyt ja kohtalo. Karl Allan sai arkkitehtonisen koulutuksen Suomessa nuorten suomalaisten modernistien innovatiivisten ideoiden tutkimuksessa: E.SAARI-AD, Gizelius, A. Lidreeni. Häntä houkutteli nykyaikaisen ideat. Ilman tilauksia kotimaassa, nuori arkkitehti K.A. Schulman työskentelee ulkomailla: Argentiinassa, Saksassa, Hollannissa, Ruotsissa.

Kun hän palasi kotimaahansa, hän sai mahdollisuuden rakentaa haastavasti keinona Karjalan kannalta. Tämän rakentamisen onnistuminen johtuu hänelle Pietarissa. Vuonna 1901 hän oli vastapäätä Vladimirin Jumalan äidin kuvakkeen kirkkoa. Kilpailuun osallistui 88 arkkitehdit. Tämän seurauksena talon omistaja Baron von Bezon kehotti Schulmanin rakentamista. Kuuden kerroksinen talo modernissa tyyliin koristeltu neliön ainutlaatuinen maku. Alemmat lattiat on esitetty suurilla ikkunoilla.

Ja ylemmässä kerroksessa on epätavallinen galleria, jonka keskiarvoa, jonka torni käsitellään sankarin kypärässä. Rakennuksen kivitiedot on valmistettu suomalaisesta säiliöstä. Ne antavat piirustuksen ornamentista, kuvaamalla kasveja ja eläinten ominaispiirteitä. Sisäänkäynnin yläpuolella - omistajan kädet - baron tausta viikset. 1900-luvun alussa Imperiumin toimiston maahanpääsy oli tässä parlamentissa sekä "naisten ahkera". Nyt Vladimirin talo rekonstruoidaan. Se on osa Vladimir Passage Shopping -kompleksia.

Vladimirin talo on ainoa rakentaminen Pohjois-Northern Schoolin syyttäjistä, joka oli laajalti jakanut pohjoiseen pääkaupunkiin.

Sitten St. Petersburgin arkkitehdit edustivat ja kehitettiin ja kehitettiin: Flidwal, N.V.Vasiliev, A.f. Bubyir. Kuten K.Shulman, hän työskenteli monta vuotta Vyborgin maakunnan arkkitehti, jossa he loivat 10 monikerroksista taloa Pohjois-modernin tyyliin. Lisäksi K.A. Shulman oli Suomen arkkitehtiliiton tunnettu työntekijä, hän toimi ammattijohtajana. Johtajuutensa mukaiset kuorimaryhmät onnistuivat Pietariin, Suomessa ja ulkomailla.

Gripenberg Oder Sebastian (Odert Sebastian Gripenberg, 1850-1939)

Gripenberg Odere Sebastian, arkkitehti; Syntynyt Kuryoki. Rikkaiden ja jalojen vanhempien poika Odelle opiskeli Cadet Schoolissa Haminassa ja sitten Pietarin sotilastekniikan akatemiassa. Siellä hän sai sotilasrakennuksen koulutusta, mutta hän lähti armeijan vuonna 1875. Hän päätti tulla arkkitehti-ammattilaiseksi. Tänä aikana on syntynyt uudet tekniikat Pietarin arkkitehtuurissa. Eclekticism - Edellisten aikojen vastaanotot: Renessanssi, goottilainen, barokki - yhdistettynä etsimään uusia koristeellisia yksityiskohtia monikerroksisten talojen julkisivujen käsittelystä. Nämä ovat kuuluisia rakennuksia A.K. Serbryakova, P.Yu. Suzora, A.E. Belogudan.

Vuonna 1878 Gripenberg puolusti ammattikorkeakoulussa arkkitehdin tutkintotapaa, jonka jälkeen hän opiskeli Wienissä. Vuonna 1879-87. Hän työskenteli arkkitehtina Helsingissä. Ensimmäinen hänen työstään heijastaa renessanssin himo ja hänen opettajansa nimenomaisen vaikutuksen Shems Trej. Tulevaisuudessa halutaan voimakas jakautuminen ja rakentamisen volyymien jäsenyys ilmenee. Nämä ovat sellaisia \u200b\u200bteoksia suomalaisten kirjailijoiden, ensimmäisen business centerin yhteiskunnan rakentamisessa, niin vanha rakennus "Helsingin Sanomat", säästöpankin Turun rakentaminen.

Vuonna 1887 hänet nimitettiin julkisen (siviili) laitoksen pääarkkitehtuuriksi, josta 1904 hän muutti kaupan ja teollisuuden johtajan johtajalle.

Gripenberg oli osakeyhtiö "suomalainen teatteritalo" ja pääjohtaja, kun luodaan kansallisen teatterin rakentamista sekä Fliyolan vakuutusyhteiskunnan hallituksen puheenjohtajaksi. O.S.GriPenberg oli arkkitehtien ensimmäinen puheenjohtaja vuonna 1892-1901, samoin kuin yksi teknikoiden suomalais-julkisen yhteiskunnan perustajista.

Akseli Gallen-Kallela

Sammon Puolustus (1896)

Kullon kuvitukset. " Sammon suoja«.

Sámpo. (FIN. Sampo.) - Caroyan-suomalaisessa mytologiassa, ainoa maaginen esine maaginen voima ja on onnellisuuden, hyvinvoinnin ja runsauden lähde. Epic "Kalevala" hänen luoja Elias Lonnrot esitteli Sammon tehtaan muodossa.

Hugo Simberg.

Halla. (1895)

halla. - Tämä on jäädyttääJos ymmärrän oikein, esimerkiksi kesällä yöllä tai varhain aamusta

Tässä mielessä kuva lähettää hyvin kuvan.

Helene Schjerfbeck.

Tofiilas (1888)

toipilas. — talteenotto

Hugo Simberg.

Kuoleman Puutarha. — Kuoleman puutarha

Tässä kuvassa on useita versioita, tässä kuvassa Fresko Tampereen katedraalista.

Tämä kuva suositeltavaa minulle yksi suomalainen tyttö, kun huomasin, että jotenkin synkkä jopa synkkä suomalaisille, hän oli kuuma minulle: "Kuolemat huolehtivat kukista keskellä aavikon, ja kun he joutuvat leikkaamaan sen, ne Tee se varovasti pyytää anteeksiantoa ... "

Hugo Simberg.

Haavoittinuut Enkeli -Haavoittunut enkeli
(1903)

Maalausten tontti avautuu tunnistettavissa historiallisella taustalla: Tämä on Eliantarhan puisto (kirjeet "." Zoo ") ja Teolin lahdella Helsingissä. 1900-luvun alussa puisto oli suosittu lomapaikka työskentelyalan edustajille, heillä oli myös hyväntekeväisyyslaitoksia. Tie pitkin merkkejä liikkua, säilynyt tänään: kulkuus liikkuu sen pitkin olemassa olevia sitten kouluja sokeille tytöille ja suojaa vammaisille.

Kuvassa näkyy kaksi poikaa, jotka kuljettavat naarasen enkeliä silmät silmät ja verenvuoto siipi. Yksi pojista tarkasti ja kauhistui suoraan katsojalle, hänen ulkoasunsa ilmaisee joko myötätuntoa haavoittuneelle enkelille, onko halveksittava. Taustallisesti vakava ja stingy tausta maisema antaa kuitenkin vaikutelman rauhallisesta. Nontrivial tontti avaa tilaa monenlaisille tulkinnoksi. Karkeat vaatteet ja kengät pojat, heidän frowndy vakavat kasvot vastustavat hauraa, pukeutunut kirkkaan pukeutumiseen enkeliä, mikä viittaa elämään ja kuoleman väliseen vastakkainasetteluun enkelin siiven ja silmien siiven siivellä - merkki Ongelmattomuus ja olemassaolon haavoittuvuus, mutta kädessä enkelillä on kukkakimppu lumikytkimistä on herätyksen ja elpymisen symboli. Elämä täällä näyttää olevan lähellä kuolemaa. Yksi pojista kääntyi yleisölle, rikkoi hermeettinen kuva kuvasta, mikä antaa sen ymmärtää, että elämän ja kuoleman kysymykset ovat suorat suhtautuvat heihin. Simberg itse kieltäytyi antamasta mitään tulkintaa "haavoittunut enkeli", joka tarjoaa katsojan erittäin päätelmiin.

Kuvalla oli valtava vaikutus suomalaiseen kulttuuriin. Linkit löytyy monista korkean ja massan taiteen teoksista. Suomen Metal Group Nightwishin laulun "Amaranth" voittaa motiivin "haavoittunut Angel".

Albert Edelfelt.

Pariisin Luxembourgin Puisonta. — Pariisin Luxemburgin puutarhassa.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja Kissa. — Vanha nainen ja kissa

Gallen-Callelas yleensä kaikki mestariteosten kuvat, se on todella maailmanluokan taiteilija.

Tämä kuva on korostettu naturalisella tavalla, mutta koko koskemattomuudesta huolimatta on täynnä sympatiaa ja rakkautta helpoimmista ja kaikkein köyhimmistä ihmisistä.

Turun taidemuseo hankki kuva vuonna 1895 ja sijaitsee edelleen siellä.

Sana aKKA. Olen aina tuskin kääntää - ja "baba" ja "isoäiti".

Tässä näytän vähän makua ja lisää toinen kuva Helene Schjerfbeck. - Venäjällä luemme hänen nimensä Helena Sherfbeck.

Ja tässä on valon ja lämmön säde.

Kuva 1882, Tanssiaishengät. — Tanssikengät.

Tämä on luultavasti suomalaisen kuvan satula. Ainakin mielestäni.

Albert Edelfelt.

Rafen Ruumissaaatto. — Hautauslapsi (Lapsen kirjaimellisesti hautausmenetelmä)

Tämä on ensimmäinen suomalainen taidekokoelma, joka on kirjoitettu ulkona. Hänestä tuli fragmentti aitoa elämää, jota taiteilija nähnyt ja painettu. Kuva kertoo ihmisen surusta. Etocelte esitti yksinkertaisen perheen, joka kuljettaa pienen arkun veneessä. Harsh maisema vastaa ihmisten tunnelmaa, jotka etsivät lapsensa viimeistä polkua. Heidän surullisissa henkilöissäan hillittyjä liikkeitä - juhlallinen suru, joka on INVAS, jossa on valkoinen kiinteä sileä järvi, kirkas kylmä taivas, kaukana alhaisilla rannoilla.

"Lapsen hautajaiset" toi hänet akateemikon otsikon, ja työ ostettiin yksityisessä kokoelmassa Moskovassa. Samanaikaisesti järjestettiin henkilökohtainen näyttely Royal Villageissa, ja Edopeltia edusti Alexander III ja Maria Fedorovna, joka myös miellyttää maalausta.

Taiteilijan läheisyys pihalle auttoi suomalaisen maalauksen suosiota Venäjällä. Voidaan sanoa, että Edofelti oli yksi niistä, jotka avasivat Suomen taiteen Venäjälle.

Vuonna 1907 kuva palautettiin Suomeen ja sijaitsee nyt Ateneum-museossa Helsingissä.

Myös itse, haluaisin minun huomata, että tässä kuvassa suomalaisten kuolemaasenne siirretään hyvin tarkasti (mikä valitettavasti on osa viimeistä osaa, mikä tahansa elämä). Se on hyvin tiukka ja hillitä, tässä on myös ero venäläisistä. Mutta tämä tiukku ja pidätys ei puhu sääntöjenvastaisuudesta, vain suomalaiset pitävät sitä syvästi itsessään. Syvempi kuin me, venäläiset. Mutta suru tästä ei lakkaa olemasta surua ja heille.

Pekka Halonen.

Tienraivajia Karjalassa. — Karjalan tienrakentajat.

Se haluaisi "laimentaa tien Karjalan."

raivata. - Hyvä verbi: Selkeä tapa
En tiedä, onko hänellä yhteinen sana raivo. — rage, Frenzy

Mutta katsot tätä kuvaa - voidaan olettaa, että kyllä.

Kuvassa toinen suomalaisten ominaisuus - historiallisesti heidän oli asuttava erittäin epäedullisessa luonnollisessa ympäristössä, toisin sanoen vain kovasti taistelee niiden olemassaoloa, joten luultavasti, ja tämä on sitkeys, jota he näyttävät työvoimasta ja vastoinkäymiset. Ainakin se oli niin ennen.

Hugo Simberg.

Toinen kuva Hugo Simberg - " Unelma«.

Slimberg oikein sijoittuu symboleihin, sen maalaukset ovat erittäin avoimia tulkinnoista ja tulkinnoista.

Ja samaan aikaan maalauksissaan on aina jotain hyvin kansallista.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Poika ja varis.

(1884) Henkilökohtaisesti, muuten, vain melko aikuinen oppinut varis (varis.), tavanomaisesti, ei vaimo / nainen varis (korppi.). Itse asiassa tällainen sekavuus tapahtuu onneksi vain venäjäksi. Esimerkiksi Ukrainan raven, se on koukku ja varis ja on "varis". Englanti sanan varikset kuulostaa "Raven", ja varikset soittaa "varis".

Kuva on nyt Ateneumissa.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen Äiti — Äiti Lemminkäinenena.
(1897)

Kuva on Ateneum, Helsinki.

Kuva kuvaa Kalevalan kohtausta, jossa Lemminkinkoainen kuoli ja leikattiin, ja osa kehosta heitettiin Dark River, Tionel. Hero RABLI: n äiti keräsi osan poikansa kehosta ja ommellut johonkin niistä. Kuvassa hän odottaa mehiläinen - niin etsii - joka tuo mugian hunajaa vanhemmasta Jumalan sijoittajalle, joka herättää Lemminkäisena.

Ateneum-museon pysyvä esittely Se vie rakennuksen kolmannen kerroksen (pienet temaattiset näytteet järjestetään, ja väliaikaiset näyttelyt pidetään toisessa kerroksessa). Tässä artikkelissa kerrotaan joistakin mielenkiintoisimmista ja tunnetuimmista maalauksista ja veistoksista Ateneumin kokoelmissa sekä heidän tekijöidensä: kuuluisa suomalaiset taiteilijat ja veistokset. Lisätietoja Ateneumin museon historiasta ja museonrakennuksen arkkitehtuurista Osaat lukea. Se tarjoaa myös hyödyllistä tietoa lippujen kustannukset, Työtunnit Ja järjestys vierailla Ateneumin museossa. Huomio: Ei aina museossa samanaikaisesti näet kaikki kuuluisat teokset.

Suomen kuvanveistäjien työ

Aloitamme matkamme Ateneum-museoon suoraan sisäänkäynnistä.

Aulassa tapaamme marmoriryhmän " Apollo ja Mariji"(1874) kuuluisan suomalaisen kuvanveistäjän teot Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg.) (1838-1920), Yuhan Rnebergin muistomerkkien tekijä ja Helsingin keisari Alexander II. Kuvanveistäjän isä, runoilija Yuhan Roneberg, kansallinen romanttinen suunta kirjallisuudessa, esitteli Kreikan ja Rooman sivilisaation ihanteet Suomen kulttuuriin, mukaan lukien rohkeuden ja omistautumisen arvo. Hänen poikansa jatkoi näitä ihanteita, mutta jo veistoksen keinoja. Vuonna 1858-62 Walter Roneberg opiskeli Kööpenhaminassa Akatemian Akatemiassa Tanskan kuvanveistäjä Hermann Wilhelm Bissenin johdolla kuuluisan Torvaldsenin opiskelija on maailmanmestaralainen uusklassisen veistoksen mestari. Vuonna 1862-1876 Runeberg työskenteli Roomana, jatkavat oppimaan klassista perintöä.

Tässä veistoksessa Runeberg esitti Apollon Jumalaa, joka tappoi Satire Marcian taiteensa, henkilökohtaisesti pimeydestä ja maallisuudesta. Apollon luku suoritetaan antiikki-ihanteiden hengessä, kun taas Marijin Barky ja värjätty paimen on vastoin tätä kuvaa. Koostumus oli alun perin tarkoitus koristella Helsingin uutta opiskelija-taloa ja oli naisten yhteiskunta tilannut, mutta naiset ilmeisesti päättivät, että Runebergin veistos on paljon alasti luontoa. Joka tapauksessa, tämän seurauksena työ esitettiin lahjaksi Suomen taiteelliselle yhteiskunnalle - joten se osoittautui Ateneumin museon kokoelmassa.

Sisäänkäynnin tärkeimmistä näyttelytiloista kolmannen kerroksen attoualissa näet lisää mielenkiintoisia teoksia. suomen kuvanveistäjät. Erityisen houkutteleva näyttää marmori ja pronssi veistokset, tyylikkäät hahmot ja työmuseot Villa Vallgrena (Ville Vallgren.) (1855–1940). Villa Vallgren. Se oli yksi ensimmäisistä suomalaisista kuvanveistäjistä, jotka päättivät Suomessa peruskoulutusta jatkamaan koulutusta, ei Kööpenhaminassa vaan Pariisissa. Hänen valintansa vaikutti kuuluisalle taiteilijalle Albert Eddofelt, myös kotoisin Porvoon kaupungista. Edopelti auttoi impulsiivisen maanmies ja muissa elämässä ja ammattimaisissa kysymyksissä: Esimerkiksi hänen avustuksensa Wallgren sai tilauksen kuuluisan suihkulähteen "Havis Amandan" (1908) täyttämiseksi Esplanade Boulevardilla.

Villa Vallgren.jotka asuivat Ranskassa lähes 40 vuoden ajan, on tunnetuin sen aistillisista naisten luvuista tyylillä Ar-Nouveau. Kuitenkin luovuuden varhaisessa vaiheessa hän kuvasi usein poikia ja tarttui klassiseen tyyliin (esimerkit voivat palvella runollisia marmoriveistoksia " Kaiku"(1887) ja" Poika leikkii rapulla"(1884), jossa Vallgren yhdistää ihmishahmot ja luonnon maailma).

1800-luvun lopulla Villa Vallgren osti maailmanlaajuisen mainetta upeana koriste-patsas, samoin kuin maljakoita, hautaamisorjoja ja kyyneleitä, jotka on koristeltu surullisia tyttöjä. Mutta ilman vähemmän vakuuttavaa Bonwist Vallgren esitteli elämän iloa, mukaan lukien flirtti ja viettelevät naiset, kuten sama Havis Amanda. Edellä mainitun veistoksen lisäksi "poika leikkii Crabin kanssa" (1884), Ateneumin museon kolmannessa kerroksessa nähdään pronssi Works Villa Vallgren: "Tears" (1894), "kevät (herätys)" (1895) ", kaksi nuorta" (1893) ja maljakko (noin 1894). Nämä hienostunut työ täydellisesti kehitetyillä yksityiskohdilla ovat pienikokoisia, mutta ne tuottavat vahvan emotionaalisen vaikutelman ja muistavat heidän kauneudensa.

Villa Vallgren läpäisi pitkän polun kuvanveistäjän uraan, mutta kerran löytää suuntaansa ja tuli ammattilaisten tuella, tuli yksi arvostetuimmista ja maailmanlaajuisimmista historian taiteilijoiden suomalainen taide. Esimerkiksi hän oli ainoa suomalainen, joka sai Grand Prix -mitalin Pariisin maailman näyttelyssä (tämä tapahtui vuonna 1900). Ensimmäistä kertaa Vallgren houkutteli kollegojen ja kriitikoiden huomion vuoden 1889 näyttelyn aikana, jossa hänen helpotuksensa "Kristus" esiteltiin. Jälleen kerran suomalainen kuvanveistäjä teki hänet puhumaan itsestään symbolistisen parisian salongien aikana Rose + Croix. Vuonna 1892 ja 1893. Walgrenin vaimo oli ruotsalainen taiteilija ja kuvanveistäjä Antoinetta Rostrem ( Antoinette Råström.) (1858-1911).

Suomen Art: Albert Etofelt, Axel Gallen-Callel, Eero Yarnefelt, Pekka Halonen

Yhdessä kolmannesta kerroksesta laajimmista salista museo Ateneum Klassiset maalaukset esitetään, mukaan lukien Villa Vallgrenin ystävä - Albert Edelfelta (Albert Edelfelt.) (1854-1905), maailmanlaajuisesti tunnetaan maailmassa suomalainen taiteilija.

Yleisön huomio ei välttämättä houkuttele upea kuva " Queen Blanca"(1877) - Yksi suosituimmista ja rakastetuimmista maalauksista Suomessa, todellinen laulu äitiys. Tämän kuvan ja kirjontakuvan tulostustulokset löytyvät tuhansista taloista koko maassa. Edelfliitin inspiraation lähde palveli Zacharias Hopeluksen "yhdeksän Silvernikov" ( De Nio SilverPenningarna.), jossa Ruotsin keskiaikainen kuningatar ja Norja Blanca Namura viihdyttää poikansa kappaleita - Prince Hakon Magnusson, tulevaisuuden puoliso Margarita i tanskalainen. Tämän avioliiton tulos järjestettiin juuri queen Blanco, Ruotsin, Norjan ja Tanskan teräs - Kalmarskaya Sania (1397-1453). Tietoja kaikista näistä tulevista tapahtumista ja laulaa melko muodon pienelle pojalleen.

Tämän verkon luomisen aikakaudella historiallista maalausta pidettiin kaikkein jalokuvana taiteenä ja oli kysynnässä Suomen yhteiskunnan muodostettujen kerrosten, koska kansallinen identiteetti oli juuri alkanut muodostuu. Albert Eddofelt oli vain 22-vuotias, kun hän päätti luoda kuvan keskiaikaisen Skandinavian historian teemana, ja Blancan kuningatar tuli hänen ensimmäinen vakava työ. Taiteilija pyrki oikeuttamaan hänen kansansa odotukset ja muodostavat historiallisen kohtauksen mahdollisimman paljon ja luotettavasti (kun kirjoitat kuvaa, Edofelt asui läheisessä ullakolla Pariisissa ja hänen opettajansa Jean-Leon Zheroomin vaatimuksessa tutki tämän ajanjakson puvut , Lue kirjoja keskiaikaisesta arkkitehtuurista ja huonekaluista, vieraili keskiaikainen puhdas museo). Katso, millainen taito puretaan kuningattaren mekkojen loistavalla silkillä, lattialla oleva ihon karhu ja monet muut yksityiskohdat (taiteilijan karhu Cucution oli erityisesti vuokrattu tavaratalossa). Mutta kuvan tärkein asia, ainakin nykyaikaiselle katsojalle (ja hyvin Etofeltiin, suurin osa maailmassa rakasti äitiään), se on edelleen lämmin emotionaalinen sisältö: lapsen äidin ja eleiden kasvot, Kuka ilmaisee rakkautta, iloa ja läheisyyttä.

Kaunis 18-vuotias pariisilainen palveli mallina kuningattareille, ja prinssi oli melko italialainen poika. Kuva "kuningatar Blanca" Se esitteli ensimmäisen kerran julkisuudessa vuonna 1877 Pariisin salonissa oli suuri menestys ja muutettiin ranskalaisista taiteellisista julkaisuista. Sitten hänet näytettiin Suomessa, jonka jälkeen kankaalle myytiin Aurora Karamzinille. Seuraavaksi kuva oli keräyksessä Magnate Yalmar Linderin kokoelmassa, joka esitteli sen museo Ateneum Vuonna 1920.

Toinen esimerkki varhaisesta luovuudesta Albert Edelfelta Assteneum-museo palvelee suruvaavua " Hautajaiset vauva"(" Counterin kuljetus ") (1879). Olemme jo sanoneet, että hänen nuoruudessa Edopel oli historiallinen taidemaalari; Hän valmisteli itsensä Antwerpenin koulutuksen aikana ja sitten Pariisissa. Mutta 1870-luvun loppuun mennessä hänen ihanteet muuttuivat, hän aloitti ystävänsä ranskalaisen taiteilijan basent-bonightin kanssa ja tuli plantin maalauksen saarnaaja. Seuraava työ Edelfelta On jo realistinen postitus talonpoikaiseen elämään ja elävän elämän elävän elämän. Mutta kuva "vauvan hautajaisista" ei vain heijasta arkielämän kohtausta: se lähettää yhden ihmisen perustavanlaatuisista ihmisistä - suru.

Tuona vuonna Edofelti vieraili ensimmäistä kertaa maassa, jonka äiti oli kuvattu Hikekon kiinteistössä lähellä Porvoa (sen jälkeen taiteilija tuli näihin kauniisiin paikkoihin joka kesä joka kesä). Kuva oli täysin kirjoitettu plauelissa, josta suuri kangas oli kiinnitettävä rannikkokivet niin, että se ei vapisi tuuleen. "En usko, että ulkoilman kirjoittamisen kuvat ovat niin kovia," Edelfelt ilmoitti yhdelle ystävilleen. Etocelt totisti Porvo-saariston asukkaiden voimakkaita kasvoja, useammin kuin kerran lähti kalastajien kanssa merellä ja jopa laittoi jopa sahakalastusveneen hänen työpajaansa tarkasti yksityiskohdat. Kuva Edelfeltistä « Lapsen hautajaiset "esiteltiin Pariisin palveluksessa 1880 ja merkitty kolmannen asteen mitalilla (ensimmäistä kertaa suomalainen taiteilija myönsi tällainen kunnia). Ranskalaiset kriitikot totesivat maalauksen arvokkuuden, mukaan lukien se, että se on riistetty liiallisesta sentimentaalisuudesta, mutta heijastaa tätä ihmisarvoa, jolla merkkejä on väistämätön.

Kuva on täysin erilainen, aurinko ja huoleton kuvio Albert Edelfelta « Luxemburg surullinen."(1887). Kun Edelfelt kirjoitti tämän kangasta, hän oli jo hyvin kuuluisa luku Pariisin taidemmassa maailmassa. Pariisin puistot kiehtovat lukuisten lasten ja lastenhoitajien kanssa, iloitsi hyvää säätä, hän päätti kaapata tämän kauneuden. Siihen aikaan taidemaalari on jo asunut Pariisissa yli kymmenen vuoden ajan, ja se on jopa outoa, että tämä kuva on sen ainoa tärkeä työ Parisian elämän kuvan kanssa. On todennäköistä, että se johtuu kovaa kilpailua taiteilijoiden keskuudessa: tässä ympäristössä oli helpompaa erottua, työskennellä enemmän "eksoottisia" suomalaisia \u200b\u200btontteja. Maalaus "Luxemburgin puutarha" on epätavallinen kuin se, että Edopelt on käyttänyt monia impressionismin tekniikoita. Samaan aikaan, toisin kuin impressionistit, hän työskenteli tällä verkossa yli vuoden ajan sekä pillerissä että työpajassa. Työ usein hidastui Banal-syistä: huonon sään tai myöhästyneiden mallien vuoksi. Itsekriittinen Edofelt toistuvasti muokattiin kankaalle, mikä tekee muutoksista viimeiseen hetkeen, jolloin työ oli jo aika kuljettaa näyttelyä.

Kuva esitettiin ensin näyttelyssä Galerie Petit. Toukokuussa 1887. Etofeltan tulos ei täysin tyydyttänyt tulosta: väri räjähdysten taustalla ranskan impressionistien kuvissa, hänen kangas näytti, koska se näytti olevan anemic, "nestemäinen". Kuitenkin työ ja julkinen hyväksyttiin kriitikot ja yleisö. Tämän jälkeen tämä kuva on tullut eräänlainen symboli suomalaisen taiteen ja Etoceltin läheisistä suhteista - Pariisin kanssa, joka tässä aikakaudella oli taiteellisen maailmankaikkeuden epicenter.

Kuva " Naiset kirkossa Rouquahdella"(1887) Albert Edelfelt.lähetetty Summer Workshopissa Haikko - siellä hän loi melkein kaikki hänen teoksensa ihmisten elämän teemana. Vaikka kuva heijastaa Itä-Suomen matkan vaikutelmia, tiedetään, että kuvan mallit olivat Haikon naiset (valokuvat säilyivät Edelfeltinsä studiossa). Kuten muut suuret koostumukset, tätä ei luotu yön yli, perusteelliset alustavat luonnokset tehtiin aina. Taiteilijan pääasiallinen tarkoitus pysyi aina "tilannekuvan" spontaanin, elinvoiman saavuttamisen.

Albert Eddofelta -hoidon vieressä Ateneum-museossa näet kuvion toisen suomalaisen taiteen kultakauden edustajasta, Eero Yarefelta (Eero Järnefelt.) (1863-1937). Valmistuttuaan Suomessa Yarnefelt meni Pietarimissä hän opiskeli vuonna Akatemiahänen setä Mikhail Klodta, oli lähellä Repinia ja Korvinia, ja sitten meni jatkaa koulutusta Pariisissa. Ulkopuolisista vaikutuksista huolimatta Yarnefeltin työssä kansallisen identiteetin etsiminen heijastui, halu korostaa alkuperäisen kulttuurin ominaista luonnetta ( lue lisää luovuudesta Eero Yarefeltalukea ).

Yarnefelt on tunnetuin muotokuvana ja Kolyan alueen majesteettisten maisemien kirjoittaja ja Tuusulanyarvi-järven läheisyys, jossa hänen Villa Studio "Suvirtant" sijaitsee (naapurustossa sijaitsi naapurustossa, jossa säveltäjä Sibelius asui vaimonsa kanssa - Yarnefeltin sisarensa kanssa).

Mutta tärkein ja tunnettu työ Eero Yarefeltin on ehdottomasti kuva "Yoke" ("Forest Burning") (1893) (Muita nimiä nimen - " Takaisin nagging rahaa», « Muuttua työvoimaa"). Kankaan juoni liittyy muinaiseen maatalousmenetelmään, joka on polttaa metsän saatavaksi peltomaasta (ns. Lit-ampuminen). Kuva luotiin kesällä 1893 tilalla Rannan Puurula Lapinlachti kaupungissa Pohjois-Savon alueella. Tuona vuonna huurre tuhosi sadon. Yarefelt työskenteli yhden varakas perheen maatilalla ja havaitsivat vaikeita elinolosuhteita ja maattomien työntekijöiden työvoimaa, jotka saivat maksun heidän työstään vain, jos sadonkorjuu oli hyvä. Samanaikaisesti Yarnefelt teki polttavan metsämaiseman luonnoksen, joka tutkittiin tulipalon ja savun käyttäytymistä ja kuvasi myös maaseudun asukkaita, jotka lopulta tuli maalauksensa tärkeimmät hahmot.

Vain yksi maalauksen merkki näyttää suoraan katsojalle: Tämä on tyttö, joka on keskeyttänyt työn ja antaa meille lausekkeet hävittämistä. Hänen vatsansa turvonnut nälästä, kasvoista ja vaatteista, jotka söpövät noki, ja hänen päänsä ympärillä, Yarnefelt kuvasivat savua, joka muistuttaa NIMB: tä. Taiteilija kirjoitti tämän kuvan 14-vuotiaan tytön nimeltä Johanna Kokocken ( Johanna Kokkonen.), palvelijat tilalla. Mies etualalla - Heikki Purune ( Heikki. Puurunen.), Viljelijän veli, ja taustalla maatilan omistaja on kuvattu.

Tarkasteltaessa kuvaa, voit kirjaimellisesti tuntea tulen lämpöä, kuulla liekin ja crunch-oksat vaimentuneen melun. Kuvalla on useita tulkintoja, mutta sen tärkein mielessä on kova kritiikki sorrettujen ihmisten. Maalauksen tyttö yleistettiin kaikkien köyhien ja nälkäisten lasten kanssa, kaikki suomalaiset heikommassa asemassa olevat ihmiset. Kankaan edusti ensin yleisö vuonna 1897.

Koko iso huone museo Ateneum Dekoodattu toisen kuuluisan Fine Art - Axel Gallen-Callela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Kuten muut merkittävät suomalaiset taiteilijat, hän opiskeli. Gallen-KaLLL: n erityistä huomiota kiinnitettiin 1900 maailman näyttelyssä, kun hän täytti suomalaisen paviljongin suomalaisen Epicin syistä.

Aikana Harjoittelu Pariisissa Gallen-Callel usein piirrettyjä luonnoksia, joita hän on havainnut kaduilla ja kahvilassa. Esimerkki tämän ajanjakson luovuudesta on kuva "Nude" ("Ilman maskia") (Démasquée. ) (1888) - Melkein ainoa eroottinen kangas Gallen-Callelan työssä. Tiedetään, että 23-vuotinen taiteilija on luonut suomalaisen keräilijän ja Fogrotheran fogrofefin järjestyksellä, joka halusi täydentää seksuaalisesti kannettavien maalausten kokouksensa. Kuitenkin, kun Antellen näki kankaalle, hän kieltäytyi ottamasta sitä ilmeisesti, harkitse kuvaa liian suurta kuin hänen makuunsa.

Kuvassa on nude parisian (ilmeisesti prostituoitu), joka istuu taiteilijan työpaja sohvalla, peitetty perinteisellä suomalaisella matolla. Kuva antaa ajatuksen boheemian elämäntyyliä, mutta samalla vihjeet, että hänen iloni on täynnä kuolemaa, pudota. Taiteilija kuvaa Lilian symbolisointia, joka vastustaa aistillista mallia ja kitaraa, jonka muoto parantaa edelleen eroottista tunnetta. Nainen tarkastelee samalla viettelevää ja pelottavaa. Ristiinnaulitseminen, Buddhan patsas ja muinainen suomalainen matto ryuyuKuvattu vieressä Smug Farren Flesh Vihjeitä pyhimystä kiitosta. Taustalla taulukossa kallo vilkkuu - usein elementti Vanitas-tyylilajin kuvissa, muistutti katsojaa maallisten nautintojen ja kuoleman väistämättömyydestä. Huijaus Démasquée. oli ensin esillä museo Ateneum Vuonna 1893.

Monet myöhemmin toimii Gallen Callela Omistettu "Kalevale". Suomen Epicin sankareista, kuten Vynyamymmenen ja Lemminkäinen, taiteilija soveltaa erityistä tyyliä, kovaa ja ilmeikää, täynnä jäljittelemättömiä kirkkaita värejä ja tyyliteltyjä koristeita. Tästä syystä kannattaa huomata upea kuva " Äiti Lemmininineinenena"(1897). Vaikka kuva on EPOS: n kuva, sillä on maailmanlaajuinen, yleinen ääni ja sitä voidaan pitää eräänlaisena pohjoisena juomana. Tämä äidin rakkauden lävistyslaulu on yksi Gallen-Callelan hämmästyttävimmistä teoksista aiheesta " Kalelala».

Äiti Lemmininineinenena "Funny Guy, Deft Hunter ja viettelijä naisten, löytää poikansa lähellä Black District River (Tonel), jossa hän yritti ampua pyhän joutsen. Joutsen on kuvattu tummassa vedessä taustalla, ja kivinen ranta, pääkappaleet ja luut ovat hajallaan ja kuoleman värit itävät. Kalelavassa se kertoo, kuinka äidin fusings vettä pitkillä pöyhillä, imee kaikki kappaleet ja kääntää uudelleen pojan. Loitsujen ja voiteiden avulla se herättää Lemminkäisen. Kuvassa näkyy hetki, joka edeltää ylösnousemusta. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä kaikki oli mennyt, mutta auringon säteet tunkeutuvat kuolleiden valtakuntaan, antaen toivoa, ja mehiläinen kantaa puolueellisen Balsam Balsamin hero ylösnousemukseen. Tumma, mykistetyt värit vahvistavat tämän maanalaisen maailman liikkumattomuuden tunnetta, ja voimakas verinen-punainen sammal kivillä, kuolettava vaalea valkoisuus kasveista ja nahasta Lemminkyaineenin kontrasti jumalallisen kultaisen värin kanssa ja vuotanut taivaan säteillä.

Tähän kuvaan taiteilija teki oman äitinsä. Hän onnistui luomaan hyvin realistisen kuvan vilkkaalla, voimakkaalla ulkonäöllä (tämä on aito tunne: Gallen-Callel, joka oli erityisesti puhuttu äidilleen jotain surullista, aiheuttaen kyyneleensä). Samanaikaisesti kuva erotetaan tyylillä, jonka avulla voit luoda erityisen myyttisen ilmapiirin, tunne, että tapahtumat esiintyvät "toisella puolella". Gallen-KasaLL: n emotionaalisten vaikutusten parantamiseksi käytettiin lämpötilaa öljymaalien sijasta. Tehokas koostumus auttaa luomaan yksinkertaistettuja muotoja, selkeitä kuvioiden ja suurten väritasojen ääriviivoja. Parempi voi välittää kuvan synkkä tunnelma, taiteilija on varustettu kotimaassaan Ruovesissa aivan musta huone, ainoa valaistuslähde, jossa oli kattoluukku. Lisäksi hän kuvasi itsensä lattialle alasti ja käytti näitä kuvia, kun hän kirjoitti kuvan Lemmininineisen.

Kaiken toisessa, idyllisellä ja melkein kevyellä tyylillä, Triptyych Gallen-Callels asettuu " Legenda Aino"(1891). Koostumus on omistettu "Kalevlavan" tonttiin nuoresta tytöstä Aino ja VynynyamyMyNienin vanha viisaus. Aino vanhempien päätöksellä oli naimisissa Vynyamysisen kanssa, mutta hän pakenee häneltä, mieluummin hukkua. Triptychin vasemmalla puolella, vanhan miehen ja tytön ensimmäinen kokous, joka suljettiin perinteisessä Karjalan asu, metsässä, ja oikealla näemme surullisen Ayinon. Valmistaudu kiirehtimään veteen, hän itkee rannalla, kun istuu vedessä, kun istut vesi maidit pelissä vedessä. Lopuksi keskuspaneeli kuvaa historian lopullista: Vynyamyarden lähtee veneellä merellä ja kalastuksessa. Kun hän ei ole saanut vähän kalaa, hän ei tunnista tyttöä, joka hukkui hänen vikaansa ja heittää kalat takaisin veteen. Mutta tällä hetkellä kalat muuttuvat Ainolle - merenneito, joka nauraa vanhaa ihmistä, joka jäi sen ja katoaa aaltoihin ikuisesti.

1890-luvun alussa Gallen Callel Hän oli naturalismin kannattaja, ja hän välttämättä tarvitsi aitoja malleja kaikkiin kuvioihin ja kohteisiin. Joten, SyyNyamyoneenin kuva pitkällä kauniilla partalla, taiteilija teki yhden Karjalan kylien asukkaan. Lisäksi taiteilija pidätti ahvenen, jotta saavutettaisiin tarkin kuva pelästyneestä vanhasta kalasta. Jopa hopea rannekoru, joka loistaa Ainolla, oli todellisuudessa: Gallen-Kaalil esitteli tämän sisustuksen nuorelle vaimolleen Marialle. Hän oli ilmeisesti Ainolle mallina. Triptychin maisemat tekivät taiteilija Karjalan kuherruskuukauden aikana.

Koostumus kehys kehys, jossa on koristeet ja lainausmerkit Kalevalasta kirjoittamalla Gallen-KalleLL: n käsin. Tämä triptyykki on tullut lähtökohtana. kansallinen romantiikka Suomessa - Ara Nouveaun suomalainen versio. Tämän kuvakirjan ensimmäinen versio suoritettiin Pariisissa 1888-89. (Nyt se kuuluu Suomen Pankkiin). Kun kuva otettiin ensin käyttöön Helsingissä, hän täytti suurella innostuksella, ja senaatti päätti tilata uuden vaihtoehdon valtion tilille. Tällainen ajatus näyttää luonnolliselta luonnollisesti vaahdon, idealisoivan ja romantisen suomalaisen kansakunnan aallosta. Lisäksi taidetta pidettiin voimakkaana keinona ilmaista suomalaisia \u200b\u200bkansallisia ihanteita. Samaan aikaan Karjalan taiteilijoiden retket aloitettiin etsimään "todellista suomalaista tyyliä". Karelia näki ainoa koskematonta reunaa, jossa "Kalevalai" jälkiä säilyttivät, ja Gallen-Callena itse havaitsivat tämän Eposin tarinaksi kansallisen suuruuden aikaisemmista aikoista kadonneesta paratiisista.

Kuva Gallen-Callela " Kirous Coollervo."(1899) kertoo" Kalevala "toisesta sankarista. Kullervo oli nuoria epätavallisia voimia, orpo, joka annettiin orjuuteen ja lähetettiin lehmien kaatumisen erämaahan. Paha rakastaja, Blacksmith Ilmarisen vaimo antoi hänelle leivän tiellä, joka oli piilotettu kivi. Yritin leikata leipää, veitsi rikkoi veitsen, ainoa isä. Nautti, hän kerää uuden karjan susia, karhuja ja temppua, joka painoi emäntä. Coullervo kulkee orjuudesta ja palaa kotiin, oppia, että hänen kotoisin elossa. Kuitenkin tässä pahoinpitelyssä sohva ei pääty. Endless kierre kosto tuhoaa paitsi vasta hankittu perhe, vaan myös oma. Aluksi hän kohtaa ja viettelee tyttöä, joka muuttaa sisarensa ja tämän syntisen yhteyden vuoksi sisar cums itsemurha. Pian kuolee ja kaikki hänen sukulaiset. Sitten Kullervo tappaa itsensä, kiirehtiä miekalla.

Gallen-Callelan kuvassa on esitetty episodi, kun CAMPP toimii edelleen paimenen (taustalla, joka näkyy karjan, ja paistettu leipä on esitetty eteenpäin). Nuori mies ravistaa hänen nyrkkiin ja vannonut kostaa vihollisiaan. Taiteilija kuvasi vihainen sankari alkusyksystä alkusyksystä aurinkomaisemaa vastaan, mutta taustalla on jo sakeutettu pilviä, ja punainen rowan toimii varoituksena, tulemattoman verenvuodatuksen profetia. Tässä kuvassa tragedia yhdistetään Karjalan luonteen kauneuteen, ja Avengerin sankari voidaan pitää suomalaisen torjunnan hengen symbolina ja kasvavan kansallisen itsetietoisuuden. Toisaalta, edessämme, vihan muotokuva ja pettymys, miehen voimattomuus, joka toi muille ihmisille, jotka tuhosivat perheensä, väkivallan ilmapiirissä ja kostoa, ja tämä oli traaginen tulos hänen kohtalo.

Lue lisää luovuudesta Gallen Callela Lukea.

Valmiit tämän osan tarina toisen suomalaisen kansallisen romantiikan toisen valoisan edustajan maalauksessa, kuuluisalla kultaisella ikäisellä taiteilijalla - Pekki Halonen. Pekka Halonen. (Pekka Halonen.) (1865-1933) hankittu maine 1890-luvulla, mikä osoittaa itselleen ylivoimaisen päällikön talvimaisemat. Yksi tämän genren mestariteoksista on kuva " Nuoret männyt lumen alla"(1899), katsotaan esimerkkinä suomen Japajen ja ar-nouveau maalauksessa. Pehmeä pörröinen lumipeitteiset taimet, jotka pelaavat eri valkoista sävyjä, luo rauhallisen ilmapiirin metsän keiju. Sumuinen ilma on kyllästetty kylmällä talvilomalla, ja rehevät lumiset kerrokset korostavat nuorten mäntyjen haurasta kauneutta. Puut olivat yleensä yksi luovuuden suosikkimoiduista. Pekki Halonen. Koko hänen elämänsä aikana hän innostusta kuvasi puita eri vuoden aikana, ja erityisesti rakasti keväällä, mutta silti tuli kuuluisa mestari talvimaisemat - Harvat maalarit uskalsivat luomaan kylmässä. Pekka Halonen ei pelännyt talvella ja työskenteli ulkona missä tahansa säässä koko elämänsä ajan. Työn kannattajaa vankeudessa, hän hoiti taiteilijoita halveksuntaa, mikä "Katsokaa maailmaa ikkunan läpi". Halonen-luvuissa oksat ovat pakkasta, puita keräsivät lumiset hatut, aurinko havaitsee sinertävä varjo maan päällä ja metsän asukkaat jättävät jälkiä pehmeä valkoinen matto.

Talvimaisemat tulivat eräänlaisena kansallisena symbolina, ja Pekka Halonen suoritti tusinaa pataus Suomen luonteesta ja kansallisesta elämästä Suomen Paviljongissa Pariisissa 1900. Tämä kierros sisältää esimerkiksi kuvan " Urube"(" Pesu jäällä ") (1900). Kiinnostus Pohjois-Exoticsin kuvasta herätti Halonen, kun hän opiskeli Pariisin Gaugaen-kenttään vuonna 1894.

Taiteilijat kultainen vuosisadan maalaus Siellä oli peräisin kaupunkien keskiluokasta. Toinen asia - Pekka Halonen, joka lähtee valaistuneiden talonpoikien ja käsityöläisten perheestä. Hän syntyi Lapinlachti (Itä-Suomi) ja tuli melko varhain - ei pelkästään maalausta, vaan myös musiikin kanssa (taiteilijan äiti oli lahjakas esiintyjä Kanteleella; hän asetti poikaansa huolellisen asenteen ja rakkauden luontoon ja myöhemmin Tämä rakkaus kääntyi lähes uskontoon). Maalauksen opiskeleminen Nuori mies alkoi hieman myöhemmin kuin hänen ikäisensä, mutta neljän vuoden opiskelun jälkeen Suomen taideyhteiskunnan ja hänen erinomaisen loppupuolella, Halonen pystyi saamaan apurahan, mikä antoi hänelle opiskella sen ajan taiteellinen Mecca. Aluksi hän osallistui Julianin Akatemiaan, ja sitten vuonna 1894 alkoi ottaa yksityisiä oppitunteja Gogen-kentät Yhdessä hänen ystävänsä Vyno Bloomstin kanssa. Tänä aikana Halonen tapasi symbolismia, synteettisiä ja jopa teosofia. Tutustu uusimpiin taiteellisiin virtauksiin, ei kuitenkaan johtanut häntä hylkäämään realistisesti, eikä hän lainaa kirkas paletti Gajen, mutta Hogen Halosen vaikutusvalta tuli japanilaisen taiteen syväntuurisena ja alkoi kerätä kopioita japanilaiset kaiverrukset.

Esimerkiksi työnsä näyttää usein kaareva mänty - suosittu motiivi japanilaisessa taiteessa. Lisäksi monissa maalauksissa Halonen kiinnittää erityistä huomiota yksityiskohtiin, koristeelliseen sivukonttoreihin tai erityisen lumen kuvioon, ja talvimaisemien teema ei ole harvinaista japanilaisessa taiteessa. Myös Halonenille on ominaista tyypin "caemon", epäsymmetristen koostumusten, lähikuvaus- ja epätavallisten kulmien pystysuorat kapeat esineet. Toisin kuin monet muut maisema-pelaajat, hän kirjoitti tyypillisiä panoraamanäkymiä päälle; Hänen maisemat ovat kirjoitettu syvälle metsään, lähellä luontoa, jossa puut kirjaimellisesti ylittävät katsojan, kutsumalla hänet hiljaiseen maailmaansa. Hogen innoitti Halonenin oman tyylin löytämiseen luontoon ja rohkaisi etsimään aiheita kansallisissa juurissa. Kuten gogenen, Halonen pyrki löytämään jotain ensisijaista, alkuperää taiteensa avulla, mutta vain jos ranskalainen etsii hänen ihanteellisuutta Tyynenmeren saarilla, suomalainen taiteilija pyrki elvyttämään suomalaisten "kadonneen paratiisin" Virgin metsät, pyhät paholaiset kuvatut Kalevale.

Peckien halosen luovuus on aina erottanut rauhan ja harmonian etsinnän. Taiteilija uskoi, että "taiteen ei pitäisi ärsyttää hermoja hiekkapaperina, sen pitäisi luoda tunne rauhasta." Myös talonpoikaneen työvoiman, Halonen etsivät rauhallisia, tasapainoisia koostumuksia. Joten, työssä " Karjalan edelläkävijät» (« Tie tiiviste Karjalassa") (1900) Hän esitteli suomalaisia \u200b\u200btalonpoikkeamia itsenäisinä, kohtuullisina työntekijöinä, joiden ei tarvitse tehdä liiallisia toimia työn täyttämiseksi. Lisäksi taiteilija korosti, että hän pyrki luomaan yleinen koristeellinen vaikutelma. Hänen vastauksensa nykyaikaisille, jotka kritisoivat epärealistisia "rauhallisia sunnuntai-tunnelmia" maalauksia ja yllättyneitä liian puhtaita vaatetustyöntekijöitä, pieni määrä pelimerkkejä kentällä ja veneen outo ulkonäkö keskellä metsää. Mutta taiteilijalla oli täysin erilainen ajatus. Pekka Halonen halusi luoda ei kuvaa vakavasta tyhjentävästä työstä, vaan välittää talonpoikaisen työvoiman rauhallinen rytmi.

Paljon vaikutusvaltaa Halonen oli myös matkoja Italiaan (1896-97 ja 1904), mukaan lukien varhaisen renessanssin mestariteokset, joita hän näki Firenzessä. Myöhemmin Pekka Halonen vaimonsa ja lapsensa kanssa (pari oli syntynyt kahdeksan lasta) Siirtyy Tuusul-järvelle, jonka hiljainen viehättävä ympäristö tarjoillaan epäoikeudenmukaisena inspiraation lähteenä ja hedelmällisen työn päässä Helsingistä ", kaikki proaic ja ruma ". Täällä hiihto järvellä, taiteilija huolehti paikkansa tulevasta talostaan, ja vuonna 1899 pariskunta osti tontin rannalta, jossa Pekki Halonenin talo-studio kasvoi muutamassa vuodessa - Villa, kutsui heitä Chalosenniai (Halosenniemi.) (1902). Tämä viihtyisä puinen asuinpaikka kansallisessa romanttisessa hengessä on suunnitellut taiteilija itse. Tänään parlamentissa on Pecki Halosen museo.

Suomalaiset symbolit

Yksi Ateneum-museon kokoelman mielenkiintoisimmista osista on Hugo Simbergin ja muiden suomalaisten symbolistien ainutlaatuiset teokset.

Museon attenuumin erillisessä salissa, kuuluisa kuva " Haavoittunut enkeli"(1903) Suomen taiteilija Hugo Simberg. Kaksoisa kulkue on kuvattu tällä melankolisessa kanavalla: Kaksi Sullen-poikaa kuljettaa hänen venyttimiä pukeutunut valkoiseen vauva tyttö sidottu silmät ja haavoittunut siipi. Kuvan tausta on alkupäivän paljain maisema. Angel Snowdrops Bouquet, kevään ensimmäiset värit, paranemisen ja uuden elämän symbolit . Mustapoika pukeutunut kulkue, joka muistuttaa ticklerin (luultavasti tämä on kuoleman symboli). Toisen pojan näkemys kääntyi meille, tunkeutuu suoraan katsojan sieluun ja muistutti, että elämän ja kuoleman teemat liittyvät jokaiseen meihin. Fallen Angel, maanpaossa Paradise, heijastukset kuolemasta - kaikki nämä aiheet olivat erityisen huolissaan taiteilijoista symbolit. Taiteilija itse kieltäytyi tarjoamasta maalausta valmiita tulkintoja, antamalla katsojalle erittäin päätelmiin.

Hugo Simberg työskenteli tässä kuvassa pitkään: ensimmäiset luonnokset löytyvät albumistaan \u200b\u200bvuodesta 1898. Jotkin luonnokset ja valokuvat heijastavat koostumuksen yksittäisiä fragmentteja. Joskus enkeli kuljetetaan kottikärryllä, joskus poikia ei esitellään porttien muodossa, mutta pienet paholaiset, samaan aikaan enkelin luku pysyy keskitetysti, ja takasuunnitelma on todellinen maisema. Kuvassa oleva työprosessi keskeytettiin, kun Simberg vakavasti sairastui: Taiteilija Syksystä 1902 keväällä 1903 käsiteltiin Instituutin Diakanise-instituutin sairaalassa Helsingissä ( Helsingin Diakonissalaitos) Callion alueella. Hänellä oli raskas hermostunut tauti, jota syphilis pahentaa (josta taiteilija kuoli).

Tiedetään, että Simberg kuvasi malleistaan \u200b\u200b(lapset) työpajaan ja Elaactarhan puistoon, lähellä edellä mainittua sairaalaa. Kuvassa näkyvä polku on tänään - se toimii Tejölylanlachtin lahden rannalla. Simbergin aikana Eliantarch Park oli työluokan suosittu lomakohde edustajat. Lisäksi oli olemassa monia hyväntekeväisyyslaitoksia, mukaan lukien naisten koulu sokeille ja turvakotille vammaisille. Slimberg on toistuvasti katsellut puiston asukkaita, kun se käveli siellä keväällä 1903, menossa vakavasta sairaudesta. Ilmeisesti näiden pitkien kävelylenkkien aikana kuvasta oli lopulta asetettu ajatus. Maalauksen filosofisten tulkintojen lisäksi "haavoittunut enkeli" (paratiisin karkotuksen symboli, ihmisen sielun sairaus, henkilö, rikki unelmat), jotkut näkevät siinä taiteilijan tuskallisen tilan persusta Ja jopa erityiset fyysiset oireet (joidenkin tietojen mukaan Simberg kärsi myös aivokalvontulehduksesta).

Kuva Slimberg " Haavoittunut enkeli"Oli suuri menestys heti sen valmistumisen jälkeen. Esitys pidettiin suomalaisen taideyhteiskunnan syksyn näyttelyssä vuonna 1903. Aluksi kangas on esitetty ilman nimeä (tarkemmin, sen sijaan, että nimi oli nuken), joka viittasi yhden tulkinnan mahdottomuuteen. Tästä syvälle yksilölliselle ja emotionaaliselle työlle vuonna 1904 tapahtui taiteilija sai valtionpalkinnon. Slimbergin toista versiota teki Slimberg Tampereen katedraalin sisätilojen sisustukseen, jossa hän työskenteli yhdessä Magnus Enkelin kanssa.

Suomessa vuonna 2006 toteutetun tutkimuksen mukaan " Haavoittunut enkeli"Hänet tunnustettiin suosituimpana tuotteena Ateneumin kokoelmassa, Suomen rakastetuin" kansallinen maalaus ", maan taiteellinen symboli.

Hugo Simberg (Hugo Simberg.) (1873-1917) Syntynyt Haminan kaupungissa ja sitten asui ja tutki sitten, ja sitten, missä hän vieraili Suomen taideyhteiskunnassa. Kesä hän viettää usein nimellä Nigenelautta (Syankyarvi) Suomenlahden rannalla. Simberg matkusti paljon Euroopassa, vieraili Lontoossa ja Pariisissa, vieraili Italiassa, Kaukasiassa. Tärkeä vaihe hänen muodostuksensa taiteilija laski ajanjaksona, jolloin Slimberg, pettynyt stereotyyppiseen akateemiseen koulutukseen, alkoi ottaa yksityisiä oppitunteja Axel Gallen-Callelasta kuurojen maastossa Ruveesissä, jossa Gallen-Callon rakensi talonsa. Gallen-KaaliLL arvosteli hyvin opiskelijansa lahjakkuutta ja ennakoi hänet suuren tulevaisuuden taiteen maailmassa, vertaamalla Slimberin teoksia, totuudenmukaisilla ja intohimoisilla saarnoilla, joiden pitäisi kuulla kaikille. Slimberg tuli kolme kertaa Ruoves 1895-1897. Täällä taidemäärän ilmakehässä hän löysi nopeasti oman kielensä. Esimerkiksi hänen oleskelunsa ensimmäisessä syksyllä Ruveesissa hän kirjoitti kuuluisan työn " Pakkas"(1895), osittain muistuttaa Mukan" itkeä ". Tällöin sääilmiö, maanviljelijöiden pelko ympäri maailmaa, sai näkyvän suoritusmuodon, kasvot ja muodon: Tämä on tappavan vaalean kuva, jossa on suuret korvat, jotka istuvat snopin yläosassa ja myrkyttää kaiken hänen tappavan hengityksen ympärille. Toisin kuin Minkin "Creek", viime vuosina aikaisemmin, Simbergin "Claus" ei ole täydellinen kauhu ja epätoivo, vaan outo tunne uhkaa ja sääliä samanaikaisesti.

Tärkeä kohta Slimbergin elämässä oli syksyn näyttely 1898, minkä jälkeen hänet hyväksyttiin Suomen taiteilijoiden unionissa. Simberg matkusti paljon Euroopassa, opetti, osallistui näyttelyihin. Kuitenkin todella taiteilijan ottamisen mittakaava arvioitiin vasta hänen kuolemansa jälkeen. Keskittyminen kauhean ja yliluonnolliseen keskittymiseen havaitsi ymmärrystä kaukana kaikista kriitikoilla ja katsojilla kyseisen ajan.

Hugo Simberg oli yksi suurimmista suomalaiset symbolit. Häntä houkutteli ei-banal jokapäiväiset tilanteet - päinvastoin, hän kuvasi, mitä avasi ovet toiseen todellisuuteen, vaikutti katsojan mieleen ja sieluun. Hän ymmärsi taidetta "mahdollisuutena siirtää henkilö keskellä talvea kauniilla kesä-aamulla ja tuntuu luontoon herättää ja sinä itse on hänen kanssaan sopusoinnussa. Tämä on mitä etsin taideteoksessa. Sen pitäisi puhua jotain ja puhua äänekkäästi, jotta voimme toteuttaa toiseen maailmaan. "

Slimberg on erityisen rakastettu kuvaamaan, mitä näkyy vain mielikuvituksessa: enkelit, paholaiset, trollit ja kuoleman kuvat. Kuitenkin jopa nämä kuvat, hän kiinnitti pehmeyttä ja ihmiskuntaa. Simbergin kuolema on usein ystävällinen ja täynnä myötätuntoa, täyttää tehtävät ilman innostusta. Täällä se tuli kolme valkoista kukkia poimia vanha nainen. Kuitenkin kuolema ei ole kiire, hänellä voi olla varaa kuunnella, miten poika soittaa viulua. Vain tunteja seinän merkitsee aikaa (" Kuolema kuuntelee", 1897).

Töissä " Kuoleman puutarha"(1896), joka on luotu ensimmäisen koulutusmatkan aikana Pariisiin, Simberg, kuten hän itse sanoi, kuvasi paikan, jossa ihmisen sielu putoaa heti kuoleman jälkeen, ennen kuin menee taivaaseen. Kolme luurankoja mustissa vaatteissa ovat mahtavia huolenpitoa sielujen kasvit tällaisella rakkaudella, kuten munkkien hoitoa luostarin puutarhassa. Tämä työ oli erittäin tärkeää taiteilijalle. Lähes kymmenen vuotta myöhemmin Simberg toistettiin sen suuren freskon muodossa Tampereen katedraalissa. Tämän työn kummallinen viehätys sijaitsee kauniissa kotitalouksien yksityiskohdat (kastelu voi olla pyyhe koukulla), rauhallinen ilmapiiri ja nivelet itse kuolemasta, joka ei ole tuhoa, vaan hoidon inkarnaatio. Mielenkiintoista on, että Hans Christian Andersen Fairy Tale "Tarina yhdestä äidistä", löydämme myös samanlaisen kuvan: Storyteller kuvailee valtava kasvihuone kuolemasta - kasvihuone, ihmisen sielu on kirjattu jokaisen kukin tai puun takana. Kuolema kutsuu itsensä Jumalan puutarhuriksi: "Otan hänen kukkansa ja puita ja siirrän heidät suurelle paratiisi puutarhaan tuntemattomalle maalle."

Ensimmäistä kertaa kuoleman kuva ilmestyi Simberg työssä " Kuolema ja talonpoika"(1895). Lyhyt musta Cape ja lyhyet housut antavat eräänlaisen kuoleman, Purean näkymän. Tämä työ suoritti Slimberg Ruovesissa, kun hän osallistuu Aksel Gallen-Callelaan. Tänä vuonna opettajan juniori tytär kuoli diphteria keväällä ja "Kuolema ja talonpoika" voidaan pitää ilmaisuna myötätuntoa henkilölle, joka menetti lapsen.

Kuten paholaiset, Hugo Simbergin enkelit ovat samankaltaisia \u200b\u200bja siksi haavoittuvia. He yrittävät ohjata ihmisiä hyvällä, mutta todellisuus on kaukana ihanteista. Työ " Nukkua"(1900) aiheuttaa kysymyksiä katsojalta. Miksi nainen itkee, tuolloin enkeli tansseja miehensä kanssa? Ehkä miehensä menee vaimonsa toiseen maailmaan? Toinen tämän työn nimi oli "parannusta", joten se on mahdollista tulkita eri tavoin.

Enkelien kuvat esiintyivät ensin Slimbergin työssä 1895 (työ " Hurskaus"). Tässä ilkikuristuksessa rukoilu enkeli tyttö ei huomaa, että lähellä naapurimaailua mielessä on täysin erilainen. Ja todellakin tämän toisen enkelin siivet ovat kaukana niin valkoisesta. On taistelu aistillisuutta ja hengellisyyttä.

Rengas Nigeneutan sijainnissa, jossa Slimberg lähes aina vietti kesäaikaan perheen kartanossa, oli suosittu tapaamispaikka nuorille kesäisin. Harmonikka, nuoret miehet ja tytöt houkuttelivat täällä tanssia veneellä jopa kaukaa. Slimberg teki toistuvasti luonnoksia tanssia. Mutta työssä " Tanssi rannalla"(1899) Tytöt eivät tanssi kavereiden kanssa, mutta kuoleman luvut, niin usein Simbergissä. Ehkä kuolema tällä kertaa ei tullut hirveän sadon vuoksi, mutta haluaa vain osallistua yleiseen hauskuuteen? Vain nyt harmonikka jostain syystä ei pelaa.

Kuten näet Hugo Simberg - Erittäin alkuperäinen taiteilija, jonka luovuutta ei ole puuttuu erikoinen ironia, mutta samalla läpäise mystiikkaa ja keskittyi sellaisiin teemoihin, jotka ovat hyvät ja pahat, elämänominaisuudet symbolit. Simbergin teoksissa syvä filosofiset asiat välittävät pehmeän huumorin ja syvän myötätuntoa. "Köyhä kaveri", "Meek Death", talojen kuningas - kaikki nämä hahmot tulivat työstään unelmista ja satuja. Ei kullattuja kehyksiä ja loistavia käsitöitä: "Vain rakkaus tekee todellisen taiteen teoksia. Jos yleiset taistelut tulevat ilman rakkautta, lapsi syntyy valitettavaksi. "

Hugo Simbergin teosten lisäksi voit nähdä työn Assenuum-museossa suomen symbolistinen taiteilija Magnus Enket (Magnus Enckell.) (1870-1925), kuten Simberg, joka työskenteli Tampereen katedraalin freskoilla (1907). Enenel syntyi papin perheessä Haminan kaupungissa, opiskeli maalausta B ja vuonna 1891 hän meni Pariisiin, jossa hän jatkoi koulutusta Julianan Akatemiassa. Siellä hän siirsi Rosenkraucer J. Peladanin symbolismin ja mystiset ajatukset. Viimeinen Magnus Enkel on hyväksynyt kauneuden androgicin, joka alkoi käyttää teoksissaan. Enenel on viihdyttänyt ajatusta kadonneesta paratiisista, menetti ihmisen puhtauden ja täysin nuoret pojat, joilla oli androgic kauneus, joka esiteltiin taiteilijalle puhtaimmasta ihmisestä. Sen ei myöskään saa unohtaa, että Enenel oli homoseksuaali ja usein kirjoitti alaston pojat ja rehellisesti eroottiset, aistilliset lajit. Vuonna 1894-95 Taiteilija matkusti Italiassa ja 1900-luvun alussa klassisen italialaisen taiteen vaikutuksen alaisena sekä postlyismi, hänen paletti on paljon värikäs ja kirkas. Vuonna 1909 hänet yhdessä Colorists Werner Tome ja Alfred Finch, perustivat ryhmän Septem..

Varhainen luovuutta Magnus Enkel, päinvastoin, merkitään vaimennettu gamut, värin askeettinen. Tuolloin taiteilijan paletti väheni vain harmaan, mustan ja Ocherin sävyihin. Esimerkki on kuva " Herääminen"(1894), jonka Enkel on kirjoittanut taiteilijan toisen saapumisen aikana. Kankaaseen ominaisuus Värin minimalismi, yksinkertaistettu koostumus ja alleviivattu piirustuslinja - kaikki tätä käytetään korostamaan kuvatun merkitystä. Nuori mies, joka saavutti siirtymäkauden ikä heräsi ja istuu alasti sängyssä, laski päänsä vakavalla ilmaisulla hänen kasvonsa, upotetut ajatuksissaan. Kehon kaareva asema ei ole vain tavallinen nosto ele sängystä; Tämä motiivi, joka usein havaitaan symbolistisilta taiteilijoilta, on monimutkaisempi. Julkisuusaika ja seksuaalinen herääminen / viattomuuden menetys - nämä aiheet houkuttelivat monia Enkö (ke, esimerkiksi hälyttävä kuva Muskin "kypsymistä" (1894/95)). Musta ja valkoinen gamma korostaa kokouksen melankolista mielialaa sorkkaelämän kanssa.

Toinen suomen symbolistinen taiteilijaVaikka ei ole tunnetuin Vektti Bloomstedt (rakkeroitu) (Väinö blmtedt) (1871-1947). Bloomstedt oli taiteilija ja tekstiilisuunnittelija ja se oli erityisesti japanilaisen taiteen vaikutuksen alaisena. Hän opiskeli ensin Suomessa ja sitten yhdessä Pekka Halonenin kanssa. Kuten jo tiedämme Pariisin saapumisen aikana, nämä suomalaiset taiteilijat tutustuivat Gaugeen, joka äskettäin palasi Tahiti ja alkoi ottaa oppitunteja. Impulsiivinen Bloomstedt puhui heti Gauguinin ja hänen hengittävän maalauksensa vaikutuksesta. Hogenin menetetyn paratiisin etsiminen oli hyvin lähellä Bloomstedt. Vain jos gogen etsii tätä paratiisia eksoottisissa maissa, sitten Vinezo Bloomstedt, kuten monet suomalaiset taiteilijat tuohon aikaan, tarkoituksena oli etsiä alkuperää kotimaahansa, neitsytehenkilö "Kalelava". Bloomstedt-maalausten sankarit ovat usein kuvitteellisia tai mytologisia merkkejä.

Gogen Bloomstedtin tuttamisen jälkeen 18990-luvun puolivälissä kieltäytyi realistinen maalaus ja valitti symboliikka ja kirkas monivärinen synteettinen paletti. Symbolismin ideologian mukaan realistinen taide, joka perustuu visuaaliseen havaintoon, on liian rajallinen eikä anna ymmärtää tärkeintä ihmisessä, sen emotionaalinen ja hengellinen olemus, elämän mysteeri itse. Jokapäiväisessä todellisuudessa on toinen maailma, ja symbolistien tarkoituksena on ilmaista tämä maailma taiteen avulla. Sen sijaan, että yrittäisit luoda kolmiulotteisen illuusion todellisuudesta, taiteilijoiden symbolistit turvautuivat tyylillisuuteen, yksinkertaistamiseen, sisustukseen, pyrkivät löytämään jotain puhdasta ja runollisesta. Siksi heidän kiinnostuksensa varhaisessa italialaisessa renessanssissa, lämpötilan ja freskoiden tekniikan käyttö. Yksi kirkkaisista esimerkeistä symbolismi suomalaisten taiteilijoiden työssä on kuva Vectin Bloomstedta « Francesca"(1897), upota katsojan unen ja unohduksen maailmaan, staattisen ja täydellisen maagisen ilmapiirin päihdyttämällä unikon haju.

Tämän kuvan inspiraation lähde oli Dantein "jumalallinen komedia", jossa runoilija kokoontuu helvetissä Francesuka da Riminin kanssa, ja hän kertoo hänelle tarinan traagisesta rakkaudestaan \u200b\u200bPaololle. Madonna Tytön kuva, "Renaissance" maisema, jossa on tummat sypressit ja kuvan läpikuultava väripinta (maali selkeästi loistaa kankaalle) ehdottaa idean vanhoista freskoista italialaisissa temppeleissä. Lisäksi suorituskyvyn erityisen tekniikan vuoksi kuva osittain muistuttaa shabby-kuvakudostusta. Kuva on kirjoittanut Blompstedt matkan aikana Italiaan. Se näkee myös prefaliitin taiteen vaikutuksen.

Naiset taideteollisuudessa: suomalaiset taiteilijat

Museo Atheneum Huomionarvoista myös se, että hänen kokoelmansa huomattava osa on tehty naisten taiteilijat, mukaan lukien maailmankuulu, kuten suomalainen taiteilija Helena Sherfbeck. Vuonna 2012 pidettiin Atenmeummuseon 150-vuotisjuhla 150-vuotisjuhlaan. Asseneuummuseo tallentaa Helena Sherfbeckin suurimman ja täydellisen kokoelman (212 maalauksia, piirustuksia, albumeja).

Helena Sherfbeck (Helena Schjerfbeck.) (1862-1946) Syntynyt Helsingissä varhain alkoi oppia maalauksia ja jo nuoruutensa saavuttanut huomattavia taitoja. Helena asettui kiintolevylle, joka aiheutti portaiden laskua lapsuudessa. Tämän vuoksi tyttö sai kotikoulutuksen - hän ei mennyt tavalliseen kouluun, mutta hänellä oli paljon aikaa piirustuksessa, ja hänet hyväksyttiin taidekoulussa epätavallisen varhaisessa iässä. (Valitettavasti lonkan vamma muistutti Chromotaa elämän loppuun asti). Opiskelun jälkeen Suomessa, mukaan lukien yksityinen Academy Adolf, Beckerin tausta, Sherfbeck sai stipendin ja jätti, missä hän opiskeli Kolasrasin akatemiassa. Vuosina 1881 ja 1883-84. Hän työskenteli myös Brittanyn taiteilijoiden pesäkkeissä (maalaus " Poika ruokkii nuorempaa sisar"(1881), joka on kirjoitettu tällä Ranskan alueella, nyt edes harkita suomalaisen modernismin alkua). Bretagneissa hän tapasi tuntemattoman englantilaisen taiteilijan ja naimisissa, mutta vuonna 1885 sulhanen sitoutui sitoutumiseen (hänen perheensä uskoi, että Helenan ongelmat reiden kanssa liittyivät tuberkuloosiin, josta hänen isänsä kuoli). Helena Sherfbeck ei koskaan naimisissa.

1890-luvulla Sherfbeck opetti taideyhteiskunnan koulussa, jonka hän kerran valmis. Vuonna 1902, terveysongelmien vuoksi hän lähti opetuksesta ja muutti yhdessä äitinsä kuurojen maakunnassa Hywinkyassa. Hiljaisuuden tarpeessa taiteilija johti uutta elämää, mutta edelleen osallistua näyttelyihin. Yleisön Sherphbeckin "löytö" tapahtui vuonna 1917: Taiteilijan ensimmäinen henkilökohtainen näyttely, jolla oli suuri menestys yleisössä ja kriitikoilla ja kriitikoilla ja rikkoo eristäytyneen olemassaolonsa Helsingin taidemäärässä. Seuraava laaja näyttely pidettiin Tukholmassa vuonna 1937 ja sai innostuneita arvosteluja, ja siellä oli useita samankaltaisia \u200b\u200bnäyttelyitä koko Ruotsissa. Vuonna 1935, kun äitinsä kuoli, Helena siirtyi asua Tammisaaressa ja viime vuosina Ruotsissa Saltschebadenin Sanatorissa. Suomessa Sherfbeckin työtä oli ristiriitainen pitkään (hänen lahjakkuutensa tunnustettiin vain 1900-luvun toisella puoliskolla), kun taas Ruotsissa hänen taiteensa oli melko varhain innostuksella. Mutta aidosti laaja kansainvälinen tunnustus tuli Sherphbeckiin vuonna 2007, kun hänen teostensa laajamittaiset retrospektiivit pidettiin Pariisissa, Hampurissa ja Haagissa.

Kaikista Helena Sherefbekin maalauksista maailmassa on tunnetuimpia itsekriittisiä itse nauhoja, joiden ansiosta voit jäljittää sekä sen tyylin kehityksen että muutoksen taiteilijan, armottomasti korjata ikääntymisen kasvot. Yhteensä Sherphbeck kirjoitti noin 40 itse muotokuvaa, ensimmäinen 16-vuotiaana, viimeinen - 83 vuotta. Kuusi heistä ovat Asseneum-kokoonpanossa.

Mutta luultavasti tunnetuin kuva Helena Sherfbeck on kankaalle " Toipumassa " (1888), usein nimeltään Pearl museo Ateneum. Yleisö on arvostettu, tämä kuva 26-vuotiaasta taiteilijasta myönnettiin pronssimitalin Pariisin maailmannäyttelyssä vuonna 1889 (tämä kangas oli nimeltään nimellä "First Greenery" ( Première Verdure.) "Se oli niin alun perin nimeltään Sherfbeckin kuva). Ill-lasten aihe levisi XIX vuosisadan taidetta, mutta Sherphbeck kuvaa ei vain kaunista, vaan talteenottamista. Hän kirjoitti tämän kuvan St. Ivesin viehättävässä rannikkokaupungissa Cornwallissa Englannin lounaaseen, jossa taiteilija meni itävaltalaisen tyttöystävänsä neuvoja vuonna 1887-1888 ja sitten 1889-1890.

Tätä työtä kutsutaan usein viimeiseksi naturalistisen valon maalauksen näytteeksi Sherfbeckin työssä (myöhemmin hän muutti tyylitelty modernismin ja lähes abstraktin ekspressionismin ascetic paletin kanssa). Tässä taiteilija toimii mestarillisesti valon kanssa, houkuttelee katsojan näkymää kerääntyvän tytön kasvoille hiusnat ja kuumeiset ruddy posket, jolla on muki hauras kukkiva oksa kädessään - kevään ja uuden elämän symboli. Lapsen huulilla on hymy, joka ilmaisee toivoa toiveesta. Tämä jännittävä kuva tarttuu katsojalle, aiheuttaa hänelle empatiaa. Kuvassa jotakin mielessä voidaan kutsua itsenäisenä taiteilijan itse muotokuvaksi, joka vain yritti vain toipua sitoutumisen jälkeen. On myös mahdollista, että tässä kuvassa Sherphbeck kuvasi itseään lapsuudessaan, kertoen meille, että hän tunsi, usein ketjutettiin nukkumaan ja iloitsemaan ensimmäiset kevään merkit.

Huomioithan, että tällä hetkellä Helena Sherfbeckin tunnetuimmat teokset ovat "kiertueella" Ruotsissa. Yksi näyttely tapahtuu Tukholmassa ja kestää helmikuun 2013 loppuun, toinen on Göteborgissa (elokuuhun 2013 asti).

Yksi vielä suomalainen taiteilijajonka luovuus voit tutustua attooneum-museoon, on Bed Shernshanz (Sternzantz)(Bedta Stjernschantz.) (1867-1910). Museossa on suunniteltu museossa suunnitellaan vuodelle 2014 laajamittainen näyttely tämän taiteilijan teoksista. Bed Hernshanz oli tärkeä sukupolven edustaja suomalaiset symbolistiset taiteilijat XIX- ja XX-vuosisatojen vaihteessa. Hän syntyi aristokraattisessa perheessä Porvoon kaupungissa. Vuonna 1886 hänen isänsä kuoli ja perhe kohtaavat materiaalivaikeuksia. Toisin kuin muut naisten taiteilijat, Shernshanz joutui työskentelemään olemassaolon keinoin. Vuonna 1891, samanaikaisesti toisen kuuluisan suomalaisen taiteilijan, Ellen Teshoffin, hän tuli Pariisiin ja tytöt yhdessä allekirjoittivat Kolasrasin Akatemiassa. Magnus Enkell tuli mentoriksi, jonka vaikutuksesta hän imeytyi symbolismin ajatuksia. Tämän virtauksen edustajat olivat vakuuttuneita siitä, että taidetta ei saa avata luonteen kopioimiseksi, vaan ne on puhdistettava kauneuden vuoksi, ohuiden tunteiden ja kokemusten ilmaisujen vuoksi. Rahan puutteen vuoksi Shernshanz asui Pariisissa vain yhden vuoden. Paluu Suomeen, hän ei löytänyt paikkaa ja vuonna 1895 hän meni Viron Wormesin saarelle, jossa oli pitkäaikainen ruotsalainen ratkaisu, joka säilytti kielensä, tapojaan, vaatteensa. On taiteilija ja kirjoitti kuvan " Kaikkialla kutsun meille ääntä"(1895). Kuvan otsikko on lainaus "Song of Finland", joka tunnetaan tuolloin ( Suomen Laulu.), sanat, jotka kirjoitti runoilijan Emil Quvanten. Kuten näette, ei vain Karjalan paikka, jossa suomalaiset taiteilijat menivät etsimään koskematonta luontoa ja ihmisiä.

Tässä runollisella kankaalla taiteilija kuvasi ruotsalaisten lasten ryhmän, joka onnistui säilyttämään kansalliset perinteet ja kielensä ulkomaalaisessa ympäristössä. Tämän vuoksi jotkut kriitikot ovat nähneet patrioottisen merkityksen kuvassa, varsinkin kun Kantelen työkalu on tärkeä paikka koostumuksessa, joka soittaa yhtä tyttöä. Toinen tyttö laulaa, ja nämä äänet täyttävät askeettisen maiseman tuulimyllyillä. Täysin staattinen, jäädytetty juliste ja ympäröivän maiseman tyhjyys katsoja alkaa myös kuunnella kankaalle kuulostavaa musiikkia. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä jopa tuuli on tyydyttävä, eikä lehdet eikä tuulitaalla nauraa, ikään kuin lyömme lumottuun valtakuntaan, joka putosi pois. Jos siirrät kuvan symbolistisesta tulkinnasta, sitten hurskas ja keskittynyt lasten kasvot tämän mystisen maiseman taustalla - tapa välittää viattomuuden tila. Lisäksi, kuten monissa muissa symbolien teoksissa, tässä on erityinen rooli musiikille, kaikkein poistetuimmista ja jalosta.

Vuonna 1897-98. Bed Hernshanz, joka on saanut Suomen hallituksesta avustusta, meni matkustamaan Italiassa, mutta hänen luova toiminta tämän ajanjakson jälkeen meni. Vaikka taiteilijan perintö on pieni, se houkuttelee tutkijoiden edun, ja tulevaisuudessa useat konferenssien ja julkaisujen odotetaan lisäävän enemmän sen luovuuden merkityksestä vuosisatojen sitovuuden kansainvälisessä yhteydessä.

Toinen mielenkiintoinen suomalainen taiteilija samasta ajanjaksosta - ELIN Danielson Gambegodi (ELIN Danielson-Gambogi) (1861-1919). ELIN Danielson Gambegodi kuului suomalaisen ensimmäiseen sukupolveen naisten taiteilijatjoka sai ammatillista koulutusta. Hän työskenteli pääasiassa realistisen muotokuvan genreissä ja sekä elämässä että luovuudessa erottuvat kollegoistaan \u200b\u200bemansipaatiollaan ja boheemian elämäntapa. Hän kritisoi naisten asemaa yhteiskunnassa, käytti housuja ja savustettuja, johti anti-informistinen elämää ja toimitti monien taiteilijoiden kanssa, mukaan lukien norjalainen kuvanveistäjä Gustav Vigendand (vuonna 1895 heillä oli romaani). Hänen maalauksensa naisten kuvalla jokapäiväisissä tilanteissa monet kriitikot pidettiin mautonta ja epämiellyttävänä.

« Itse muotokuva"Elin Danielson Gambeji (1900) kirjoitettiin ajanjaksolla, jolloin taiteilija alkoi valloittaa tunnustusta Euroopassa. Taiteilija kuvataan hänen työpajassaan, jossa on harja ja paletti kädessä ja ikkunan edessä oleva verho valo virtaa, mikä luo halon päänsä ympärille. Suuri kankaiden muoto, taiteilijan asento ja näkymä - kaikki tämä ilmaisee itsenäisenä ja luottavana. Tähän kuvaan Danielson Gambegodi oli merkitty Firenzen hopeamitalilla vuonna 1900.

Elin Danielson Gambejee syntyi kylässä lähellä Porin kaupungissa. Vuonna 1871 heidän perheensä maatila meni konkurssiin ja vuoden kuluttua isänsä teki itsemurhan. Tästä huolimatta äiti onnistui löytämään varoja, jotta 15-vuotias elin siirtyi ja alkoi oppia maalausta. Tyttö kasvoi vapaassa ilmapiirissä, tiukkojen sosiaalisten tabujen ulkopuolella. Vuonna 1883 Danielson Gambeji lähti, kun hän jatkoi koulutusta Collairshi Akatemiassa, ja kesäkaudella oli maalaus Bretagne. Sitten taiteilija palasi Suomeen, jossa hän puhui muiden maalarit ja opettanut taidekouluissa ja vuonna 1895 hän sai apurahan ja meni Firenzeen. Vuotta myöhemmin hän muutti Antiñanon kylä ja naimisissa Italian taiteilija Rafaello Gambeji. Pari osallistui lukuisiin näyttelyihin kaikkialla Euroopassa; Heidän työnsä osoitettiin vuoden 1900 maailmannäyttelyssä Pariisissa ja Venetsian Biennaalissa 1899. Mutta 1900-luvun alussa perheen ongelmat ja taloudelliset vaikeudet, petokset ja hänen miehensä sairaus alkoivat. Elin Danielson Gambegodi kuoli pneumoniasta ja haudattiin Livornossa.

Lopuksi, joukossa suomen naisten taiteilijat ei voi kutsua Ellen Tesoney (Ellen Thesleff.) (1869-1954). Harvat, osa suomalaisista kirjoittajista laski niin varhaisen tunnustuksen. Jo vuonna 1891 nuorisotyö osallistui suomalaisen taideyhteiskunnan näyttelyyn upealla työllä " Kaiku» ( Kaiku.) (1891), joka on saanut korkean arvostelun kriitikot. Tuolloin hän vain valmistui Gunnar Bernpsonin yksityisestä akatemiasta ( GunnarBerndtson.) Ja minä menin ensimmäiseen matkaani siihen, missä tyttö tuli COLLASRASI Akatemiaan Shernshanzin ongelmien kanssa. Pariisissa hän tapasi symbolismia, mutta alusta lähtien hän valitsi oman itsenäisen taiteen. Tänä aikana hän alkoi luoda maalauksia asceettisessa värimaailmassa.

Italian taide on tullut tärkein inspiraation lähde Ellen Teshoffille. Jo vuonna 1894, hän meni varhaisen renessanssin kotimaan, Firenzessä. Tässä taiteilija näki monia upeita uskonnollisia maalauksia, mukaan lukien Botticelli-työ, jonka luovuutta hän ihaili Louvre. Tescheoff myös kopioi luostarifreskoja. Henkisen italialaisen maalauksen vaikutus vahvisti himoaan runolliseen, kohonneeseen taiteeseen ja myöhempiin vuosiin värin askeettinen työssään sai maksimaalisen ilmaisun. Tyypilliset teosten motiivit olivat tiukat, jotka suoritettiin maisemien tummilla sävyillä ja ihmisluvuilla, aavemuksella ja melankolisilla.

Esimerkki tämän ajanjakson työstä voi olla vaatimaton koko " Itse muotokuva"(1894-95) Ellen Teshretoff, piirretty yksinkertaisella lyijykynällä. Tämä Firenzessä luotu autoPortisti tuli kahden vuoden valmistelutyöstä. Kevyt kasvot puhuvat pimeydestä, paljon kertoo meille taiteilijasta ja hänen ihanteistaan \u200b\u200btuolloin. Symbolismin filosofian aikana sitä pyydettiin perustavanlaatuisista kysymyksistä ja opiskeli ihmisten tunteita. Tässä itse muotokuvassa näet Leonardo da Vincin nykyaikaisen suoritusmuodon hänen kysymyksiensä ja elämästään. Samanaikaisesti kuva on hyvin henkilökohtainen: se heijastaa Teslenin surua rakkaan isänsä kuolemasta, joka tapahtui kahden vuoden aikaisemmin.

Teshretic kasvoi musiikillisessa perheessä ja lapsuudesta hän oli ihastunut laulamaan ja musiikkia yhdessä sisarien kanssa. Yksi yleisimmistä motiiveista työstään oli kaiku tai itkeä - eniten alkuperäinen musiikki. Hän kuvasi myös pelin viululle - yksi yleisimpiä ja monimutkaisia \u200b\u200bsoittimia. Esimerkiksi mallia maalaus " Peli viululle"(" Scribble ") (1896) puhui taiteilijan sisar, Tira Elizaveta, usein hänen poseeraa 1890-luvulla.

Koostumus on suunniteltu lämpimiin läpikuultavaan, helmi-opaalisiin sävyihin. Violinisti kääntyi katsojalta, keskittyen peliin. Musiikin teema, joka kunnioitetaan hengelliseksi, jumalallinen taide oli yksi yleisimmistä symbolismista, mutta taiteilijat kuvasivat harvoin naisten muusikoita.

Kuten hänen ystävänsä Magnus Enckel, Creativity Ellen Teshoffin varhaisessa vaiheessa edullinen väri-askeettinen. Mutta sitten hänen tyylinsä on muuttunut. Kandinskin ja hänen Münchenin mucin vaikutuksen alaisena taiteilija tuli ensimmäinen täyttö Suomessa ja vuonna 1912 häntä kutsuttiin osallistumaan Suomen Association näyttelyyn Septem., Raisling kirkkaita puhtaita maaleja.

Hänen osallistuminen ei kuitenkaan ylitä näyttelyn puitteissa: missä tahansa Tescheoff-ryhmissä ei ole antanut, kun otetaan huomioon vahvan persoonallisuuden normaalin tilan yksinäisyys. Teslen alkoi luoda värikkäitä ja monikerroksisia värillisiä fantasioita. Hän on toistuvasti ollut hänen sisarensa ja äitinsä Toscanassa, jossa hän kirjoitti aurinkoa italialaisia \u200b\u200bmaisemia.

Naimisissa Taeshoff ei koskaan tullut ulos, mutta se tapahtui luovaksi henkilöksi. Taiteilija asui pitkän elämän ja sai tunnustuksen.

Ulkomaalaus Ateneumissa

Ulkopuolisten taiteiden kokoelmassa Asseneum-museota esitellään yli 650 maalausta, veistoksia ja piirustuksia, kuten Cezanne, Vag Gogh, Chagall, Modigliani, Munk, Repin, Rodgen, TSorn.

Ulkopuolisesta kokoelmasta museo Ateneum Kohokohta kuva van gogh "katu yli sur-uaz" (1890). Vincent van Gogh kirjoitti tämän kuvan pian ennen kuolemaa, pienessä yli sur-uaz ( Auvers-sur-Oe), joka sijaitsee Seineen virtauksen laaksossa, noin 30 km luoteeseen. Van Gogh, joka kärsi mielenterveyden hyökkäyksistä, meni yli-sur-uazin kanssa hänen veljensä Theo Hashe-lääkärin hoitoon. Yli-sur-uazissa oli tämän lääkärin klinikka - mies, joka ei ole välinpitämätön taiteen, tuntemaan monia ranskalaisia \u200b\u200btaiteilijoita ja jotka myös tuli toinen Van Gogh.

Ylikuormituksen kaupunki tuli lopulta taiteilijan kuoleman paikka, joka tunsi veljensä ja hänen perheensä taakan. Van Gogh ampui itsensä ja kuoli sitten veren menetyksestä. Taiteilija asui yli Sur-Uaz viimeisen 70 päivän elämässään, tämän lyhyen 74 maalauksen jälkeen, joista yksi on nyt Helsingin päätaiteen museossa. Ehkä kuva jätetään keskeneräisenä (joissakin paikoissa aluke on unohdettu). Taivas kirkkauden on rennompi vihreä sävy maapallon ja kaakeloitujen kattojen punertava sävy. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä koko kohtaus on hengellisessä liikkeessä, läpäissyt levoton energia.

Tarina on erittäin mielenkiintoista siitä, miten kuva "kadulla yli sur-uaz putosi museo Atheneum. Jonkin aikaa van Goghin kuoleman jälkeen hän kuului taiteilijan, Theo, ja sitten leskensä, jolla oli kangas osti Julien Leclerc ( Julien Leclercq) - Ranskalainen runoilija ja taidekriitikko. Tiedetään, että vuonna 1900 Leclerk osti TEO: n leski vähintään 11 \u200b\u200bteosta Van Gogh. Vuotta myöhemmin hän järjesti ensimmäisen retrospektiivisen näyttelyn Van Gogh B, mutta pian kuoli pian. Vaimo oppia oli pianisti Fanny Flodin ( Fanny.Flodin.), suomalaisen taiteilijan ja kuvanveistäjä Hildyn Flodinin sisko ( Hilda Flodin.). Vuonna 1903 Fanny myi kuvan Van GogH: sta edustajille toistuvasti mainittujen flare-keräilijän Antella 2500 brändille (noin 9500 euroa nykyaikaisille rahalle). Tämä kangas on tullut ensimmäinen maalaus VAG Gogh vanhasta kirkosta

Suomen taiteilija Berndt Lindholm (1841-1914).

Berndt Adolf Lindholm Berndt Adolf Lindholm, (Lovisis 20. elokuuta 1841 - 15. toukokuuta 1914 Göteborgissa, Ruotsi) oli suomalainen taiteilija, Sitä pidetään myös yhtenä ensimmäisistä suomalaisista impressionista. Lindholmmyös ensimmäinen skandinaavinen taiteilija, joka meni opiskelemaan Pariisissa. Pherraisrin piirustustunteja, jotka hän sai Porvoossa taiteilija Yohan Knuttonissa ja siirsi sitten Suomen kouluun Turun taideyhteiskunnasta. Vuonna 1856-1861gg. Hän on opiskelija Ecmana.1863-1865. Lindholm jatkoi opintojaan ulkomaille Düsseldorfin taideteollisuudessa.Hän lähti Saksasta ja yhdessä ( Yalmar Munsterhelm) Magnus Hjalmar Munsterhjelm (1840-1905) (Työkalu 19. lokakuuta 1840 - 2. huhtikuuta 1905)palasi kotimaahansa Karlsruhe (1865-1866), jossa hän alkoi ottaa yksityisiä oppituntejaHans Fredrik Gude (1825-1903), Ja sitten vieraili kahdesti Pariisissa 1873-1874, jossa hänen opettajansa oli Leon Bonna. Ranskassaläheisesti ilmoitettu Barbogen Chall-Francois Konachin kanssa.Hän arvostaa myös Theodore Rousseaun työtä ja ihailta Jean-Batista Camille Coron työtä.Ensimmäinen henkilökohtainen näyttely pidettiin Helsingissä syksyllä 1870, jossa Lindholm sai korkean luokan. Vuonna 1873 taiteen akatemian annettiin akateemikon otsikko maalaus "metsä Savolasin maakunnassa" ja muita., vuonna 1876 hänet sai Filadelphian maailmanmessujen mitali; Vuonna 1877 hänet sai Suomen valtion palkinnon. Duldholmhän asui lähinnä ulkomailla. Vuonna 1876 hän muutti Göteborgiin ja työskenteli kuraattorimuseossa (1878-1900). Hän myös opetti Gothengian piirustus- ja maalauskoulussa, valittiin sitten Kuvataideakatemian ja Ruotsin Royal Academyn jäsen.Se oli monipuolisempi kuin hänen ystävänsä taiteilija ja kilpailija Magnus Yalmar Munsterhelmjoka pysyi uskollisena koko elämänsä romanttisessa maisemassa.Aluksi Lindholm maalasi myös tyypillisiä romanttisia maisemia ja sitten ranskalaisen täysistunnon vaikutuksen alaisena vähitellen lähestyvät realismia. Hänen uransa loppuun mennessä hän kääntyi vain rannikko- ja merimaisemoille. Tiedetään myös Lindholm Osallistui Zacharia Topeliuksen kirjasta - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - yksi Suomen kirjallisuuden merkittävimmistä edustajista. Runoilija, kirjailija, tarinankerros, historioitsija ja julkistaminen, - hän ansaitsi rakkautta ja tunnustamista sekä kotimaassa että kaukana. Tophetius kirjoitti ruotsiksi, vaikka se on täysin omistuksessa ja suomeksi. Topelien teokset käännetään yli kaksikymmentä kieltä. Hänellä oli poikkeuksellinen monipuolinen lahjakkuus ja hämmästyttävä suorituskyky, täydellinen kokoelma hänen kirjoituksistaan \u200b\u200bon kolmekymmentäneljä volyymi. (Z. Topelius. Matkustaminen Suomessa. Painos F. Tilgman, 1875. Lane. Vuodesta ruotsalainen. F.heurena sisältää monia kaiverrukset aidoista maalauksia A.Fon Becker, A.Derfelt, R. V. Ekman, V. Holmberg, KEYanson , O. Klein, I. Knutson, B.Londholm, Munstergelm ja B. Ringold). Lindholmin kuvitukset 10: ssä on omistettu Imatran vesiputoukseen. Suomessa Ranskassa olevien oleskelun taiteilijan teokset eivät olleet täysin arvioituja, lähes kaikki heistä ovat yksityisiä kokoelmia.

Stony Beach . Edelleen... ">

Kivet valaisivat auringon.

Mäntymetsästä.

Metsämaisema tuoksulla.

Joki virtaa läpi rock-alue

Vintage kaura.

Rannikko

Talvimaisema kuunvalossa

Näkymä rannasta.

Veneet laiturilla

SKIRD.

Maisema Berezami

Merimaisema.

Merimaisema.

Näkymä kiviä.

Kaipuu

Sunlight B. Metsä.

Näkymä Ladoga.

Kalastajat aamulla sumussa

Alukset horisontissa.

Montmart, Pariisi.

Porvoon saarelta

Lehmät laitumella