Tunnetuin klassinen musiikki. Tunnetuimmat klassisen musiikin kappaleet Erilaiset kosketinsoittimet

Joten huomiomme keskipisteessä ovat nykyään tunnetuimmat klassiset musiikkikappaleet. Klassinen musiikki on jännittänyt kuulijoitaan useiden vuosisatojen ajan aiheuttaen heille tunteiden ja tunteiden myrskyn. Siitä on pitkään tullut osa historiaa ja se on kietoutunut ohuilla langoilla nykypäivään.

Epäilemättä kaukaisessa tulevaisuudessa klassisella musiikilla ei ole vähemmän kysyntää, koska tällainen ilmiö musiikkimaailmassa ei voi menettää merkitystään ja merkitystään.

Nimeä mikä tahansa klassinen teos - se ansaitsee ensimmäisen paikan missä tahansa musiikillisessa hittiparaatissa. Mutta koska tunnetuimpia klassisia musiikkiteoksia ei ole mahdollista verrata keskenään, niiden taiteellisen ainutlaatuisuuden vuoksi tässä nimetyt opukset esitetään vain tutustumisteoksina.

"Moonlight Sonata"

Ludwig van Beethoven

Kesällä 1801 loistava työ L.B. Beethoven, jonka oli määrä tulla kuuluisaksi kaikkialla maailmassa. Tämän teoksen nimi "Moonlight Sonata" tunnetaan ehdottomasti kaikille, vanhoista nuoriin.

Mutta alun perin teoksella oli nimi "Almost Fantasy", jonka kirjoittaja omisti nuorelle opiskelijalleen, rakkaalle Juliet Guicciardille. Ja nimen, jolla se tunnetaan tähän päivään, keksi musiikkikriitikko ja runoilija Ludwig Relshtab L.V.:n kuoleman jälkeen. Beethoven. Tämä teos kuuluu yhteen säveltäjän tunnetuimmista musiikkiteoksista.

Muuten, erinomaista klassisen musiikin kokoelmaa edustavat Komsomolskaya Pravda -sanomalehden painokset - CD-kirjat, joissa on levyjä musiikin kuunteluun. Voit lukea ja kuunnella hänen musiikkiaan - erittäin kätevää! Suositeltava tilaa klassisen musiikin levyjä suoraan sivultamme : paina "osta"-painiketta ja mene heti kauppaan.

"Turkkilainen maaliskuu"

Wolfgang Amadeus Mozart

Tämä teos on Sonata nro 11:n kolmas osa, se syntyi vuonna 1783. Aluksi sitä kutsuttiin "Turkish Rondoksi" ja se oli erittäin suosittu itävaltalaisten muusikoiden keskuudessa, jotka myöhemmin nimesivät sen uudelleen. Nimi "Turkish March" annettiin teokselle myös siksi, että se on sopusoinnussa turkkilaisten Janissary-orkestereiden kanssa, joille lyömäsoittimien ääni on hyvin tyypillistä, mikä voidaan jäljittää myös V.A.:n "Turkish March" -teoksessa. Mozart.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Säveltäjä itse kirjoitti tämän teoksen W. Scottin runoon "The Lady of the Lake" tai pikemminkin sen kappaleeseen, eikä hän aikonut kirjoittaa niin syvästi uskonnollista sävellystä kirkolle. Jonkin aikaa teoksen ilmestymisen jälkeen tuntematon muusikko asetti rukouksen "Ave Maria" innoittamana sen tekstin loistavan F. Schubertin musiikin mukaan.

"Impromptu fantasia"

Frederic Chopin

F. Chopin, romantiikan ajan nero, omisti tämän teoksen ystävälleen. Ja juuri hän, Julian Fontana, ei totellut kirjailijan ohjeita ja julkaisi sen vuonna 1855, kuusi vuotta säveltäjän kuoleman jälkeen. F. Chopin uskoi, että hänen teoksensa oli samanlainen kuin kuuluisan säveltäjän ja pianistin Beethovenin opiskelijan I. Moschelesin improvisaatio, mikä oli syynä Fantasia-Impromptun julkaisematta jättämiseen. Kukaan ei kuitenkaan ole koskaan pitänyt tätä loistavaa teosta plagiointina, paitsi kirjoittaja itse.

"Kimalaisen lento"

Nikolai Rimski-Korsakov

Tämän teoksen säveltäjä oli venäläisen kansanperinteen fani - hän oli kiinnostunut saduista. Tämä johti oopperan "Tarina tsaari Saltanista" luomiseen, joka perustuu A.S. Pushkin. Osa tätä oopperaa on välikappale "Flight of the Bumblebee". Jäljitteli teoksessa mestarillisesti, uskomattoman elävästi ja loistavasti tämän hyönteisen lennon ääniä N.A. Rimski-Korsakov.

"Caprice nro 24"

Niccolo Paganini

Aluksi kirjailija sävelsi kaikki otukset yksinomaan parantaakseen ja hioakseen viulunsoittotaitoa. Lopulta he toivat viulumusiikkiin paljon uutta ja ennen tuntematonta. Ja 24. caprice, viimeinen N. Paganinin sävelletyistä kapriiseista, kantaa nopeaa tarantellaa kansanmusiikkiin, ja se on myös tunnustettu yhdeksi viululle koskaan luoduista teoksista, joille ei ole vertaansa vailla monimutkaisuus.

"Vocalise, opus 34, nro 14"

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Tämä teos täydentää säveltäjän 34. opuksen, joka yhdistää neljätoista laulua, jotka on kirjoitettu pianosäestykseen. Vocalise, kuten odotettiin, ei sisällä sanoja, vaan se suoritetaan yhdellä vokaaliäänellä. S.V. Rahmaninov omisti sen oopperalaulaja Antonina Nezhdanovalle. Hyvin usein tämä teos esitetään viululla tai sellolla pianon säestyksellä.

"Kuutamo"

Claude Debussy

Tämän teoksen säveltäjä on kirjoittanut ranskalaisen runoilijan Paul Verlainen runon rivien vaikutelmana. Nimi välittää hyvin selkeästi melodian pehmeyden ja koskettavuuden, joka vaikuttaa kuuntelijan sieluun. Tämä loistavan säveltäjän C. Debussyn suosittu teos soi 120 eri sukupolvien elokuvassa.

Kuten aina, paras musiikki on ryhmämme kontaktissa .

Kuuntele jotain klassikoista - mikä voisi olla parempaa?! Varsinkin viikonloppuisin, kun haluat rentoutua, unohtaa päivän huolet, työviikon huolet, haaveilla kauniista ja vain piristää itseäsi. Ajatelkaapa, nerokkaat kirjailijat loivat klassikot niin kauan sitten, että on vaikea uskoa, että jokin voi kestää niin monta vuotta. Ja näitä teoksia rakastetaan ja kuunnellaan edelleen, ne luovat sovituksia ja moderneja tulkintoja. Myös nykyaikaisessa käsittelyssä loistavien säveltäjien teokset pysyvät klassisena musiikina. Kuten hän myöntää, klassiset teokset ovat nerokkaita, ja kaikki nerokas ei voi olla tylsää.

Todennäköisesti kaikilla suurilla säveltäjillä on erityinen korva, erityinen herkkyys sävelle ja melodialle, minkä ansiosta he pystyivät luomaan musiikkia, josta nauttivat kymmenet sukupolvet paitsi heidän maanmiestensä, myös klassisen musiikin ystävien ympäri maailmaa. Jos epäilet edelleen, pidätkö klassisesta musiikista, sinun on tavattava, ja näet, että itse asiassa olet jo pitkäaikainen kauniin musiikin fani.

Ja tänään puhumme 10 kuuluisimmista säveltäjästä maailmassa.

Johann Sebastian Bach

Ensimmäinen paikka on ansaitusti omistettu. Saksassa syntyi nero. Lahjakkain säveltäjä kirjoitti musiikkia cembalolle ja urkuille. Säveltäjä ei luonut uutta musiikkityyliä. Mutta hän pystyi luomaan täydellisyyttä kaikissa aikansa tyyleissä. Hän on kirjoittanut yli 1000 esseen. Hänen teoksissaan Bach yhdisti erilaisia ​​musiikkityylejä, joihin hän tapasi koko elämänsä. Usein musiikillinen romantiikka yhdistettiin barokkityyliin. Elämässä Johann Bach säveltäjänä, joka ei saanut ansaitsemaansa tunnustusta, kiinnostus hänen musiikkiaan kohtaan heräsi lähes 100 vuotta hänen kuolemansa jälkeen. Nykyään häntä kutsutaan yhdeksi kaikkien aikojen suurimmista maan päällä elävistä säveltäjistä. Hänen ainutlaatuisuutensa ihmisenä, opettajana ja muusikkona heijastui hänen musiikissaan. Bach loi perustan modernille ja nykymusiikille jakaen musiikin historian Bachia edeltävään ja post-Bachiin. Uskotaan, että musiikki Bach synkkä ja synkkä. Hänen musiikkinsa on melko perustavanlaatuista ja kiinteää, hillittyä ja keskittynyttä. Kuin kypsän, viisaan ihmisen heijastuksia. Luominen Bach vaikutti moniin säveltäjiin. Jotkut heistä ottivat esimerkin hänen teoksistaan ​​tai käyttivät teemoja niistä. Ja muusikot kaikkialla maailmassa soittavat musiikkia Bach ihaillen hänen kauneuttaan ja täydellisyyttään. Yksi tunnetuimmista teoksista "Brandenburgin konsertit" on erinomainen todiste musiikista Bach ei voida pitää liian synkkänä:

Wolfgang Amadeus Mozart

Oikein pidetty neroksi. 4-vuotiaana hän soitti jo viulua ja cembaloa vapaasti, 6-vuotiaana hän alkoi säveltää musiikkia ja 7-vuotiaana hän improvisoi jo taitavasti cemballalla, viululla ja urkuilla kilpaillen kuuluisien muusikoiden kanssa. Jo 14-vuotiaana Mozart- tunnustettu säveltäjä ja 15-vuotiaana - Bolognan ja Veronan musiikkiakatemioiden jäsen. Luonteeltaan hänellä oli ilmiömäinen korva musiikille, muisti ja kyky improvisoida. Hän loi hämmästyttävän määrän teoksia - 23 oopperaa, 18 sonaattia, 23 pianokonserttoa, 41 sinfoniaa ja paljon muuta. Säveltäjä ei halunnut matkia, hän yritti luoda uuden mallin, joka heijastaa musiikin uutta persoonallisuutta. Ei ole sattumaa, että musiikki Saksassa Mozart jota kutsutaan "sielun musiikiksi", säveltäjä osoitti teoksissaan vilpittömän, rakastavan luonteensa piirteitä. Suurin melodisti piti oopperaa erityisen tärkeänä. oopperat Mozart- aikakausi tämäntyyppisen musiikkitaiteen kehityksessä. Mozart tunnustettu laajalti yhdeksi suurimmista säveltäjistä: hänen ainutlaatuisuutensa piilee siinä, että hän työskenteli kaikissa aikansa musiikillisissa muodoissa ja saavutti kaikissa korkeimman menestyksen. Yksi tunnetuimmista teoksista "Turkkilainen maaliskuu":

Ludwig van Beethoven

Toinen suuri saksalainen oli tärkeä hahmo romanttisen ja klassisen ajan. Jopa ne, jotka eivät tiedä klassisesta musiikista mitään, tietävät hänestä. Beethoven on yksi maailman esitetyimmistä ja arvostetuimmista säveltäjistä. Suuri säveltäjä oli todistamassa Euroopassa tapahtuneita suuria mullistuksia ja piirsi sen kartan uudelleen. Nämä suuret vallankaappaukset, vallankumoukset ja sotilaalliset yhteenotot näkyvät säveltäjän teoksissa, erityisesti sinfonisissa. Hän ruumiillistui musiikkikuviin sankarillisesta taistelusta. Kuolemattomissa teoksissa Beethoven kuulet ihmisten taistelun vapauden ja veljeyden puolesta, horjumattoman uskon valon voittoon pimeydestä sekä unelmia ihmiskunnan vapaudesta ja onnellisuudesta. Yksi hänen elämänsä kuuluisimmista ja hämmästyttävimmistä faktoista on, että korvasairaus kehittyi täydelliseksi kuuroudeksi, mutta tästä huolimatta säveltäjä jatkoi musiikin kirjoittamista. Häntä pidettiin myös yhtenä parhaista pianisteista. Musiikki Beethoven yllättävän yksinkertainen ja laajan kuuntelijajoukon ymmärrettävissä. Vaihtuvat sukupolvet, jopa aikakaudet ja musiikki Beethoven edelleen kiihottaa ja miellyttää ihmisten sydämiä. Yksi hänen parhaista töistään - "Moonlight Sonata":

Richard Wagner

Suuren nimen kanssa Richard Wagner useimmiten liitetty hänen mestariteoksiinsa "Hääkuoro" tai "Valkyrien ratsastus". Mutta hänet tunnetaan paitsi säveltäjänä, myös filosofina. Wagner piti musiikkiteoksiaan tapana ilmaista tiettyä filosofista käsitettä. KANSSA Wagner Oopperoiden uusi musiikillinen aikakausi alkoi. Säveltäjä yritti tuoda oopperan lähemmäs elämää, musiikki on hänelle vain keino. Richard Wagner- musiikkidraaman luoja, oopperoiden ja johtamistaiteen uudistaja, musiikin harmonisen ja melodisen kielen uudistaja, uusien musiikillisen ilmaisun muotojen luoja. Wagner- maailman pisimmän sooloaarian (14 minuuttia 46 sekuntia) ja maailman pisimmän klassisen oopperan (5 tuntia ja 15 minuuttia) kirjoittaja. Elämässä Richard Wagner pidettiin kiistanalaisena henkilönä, jota joko ihailtiin tai vihattiin. Ja usein molempia yhtä aikaa. Mystinen symboliikka ja antisemitismi tekivät hänestä Hitlerin suosikkisäveltäjän, mutta estivät hänen musiikilleen tien Israeliin. Säveltäjän kannattajat tai vastustajat eivät kuitenkaan kiellä hänen suuruuttaan säveltäjänä. Loistavaa musiikkia alusta asti Richard Wagner imee sinut jälkiä jättämättä tilaa kiistoihin ja erimielisyyksiin:

Franz Schubert

Itävaltalainen säveltäjä on musiikillinen nero, yksi parhaista laulusäveltäjistä. Hän oli vain 17-vuotias, kun hän kirjoitti ensimmäisen kappaleensa. Yhdessä päivässä hän pystyi kirjoittamaan 8 laulua. Luovan elämänsä aikana hän loi yli 600 sävellystä, jotka perustuvat yli 100 suuren runoilijan runoihin, mukaan lukien Goethe, Schiller ja Shakespeare. Niin Franz Schubert top 10:ssä. Vaikka luovuus Schubert hyvin monimuotoinen, genrejen, ideoiden ja reinkarnaatioiden käytön suhteen laulu-laulujen sanat hallitsevat ja määräävät hänen musiikissaan. Ennen Schubert laulua pidettiin merkityksettömänä genrenä, ja juuri hän nosti sen taiteellisen täydellisyyden tasolle. Lisäksi hän yhdisti näennäisesti toisiinsa liittymättömän laulun ja kamarisinfonisen musiikin, mikä synnytti uuden suunnan lyyris-romanttiselle sinfonialle. Laulujen sanat ovat yksinkertaisten ja syvien, hienovaraisten ja jopa intiimien inhimillisten kokemusten maailma, joita ei ilmaista sanoilla, vaan äänellä. Franz Schubert eli hyvin lyhyen elämän, vain 31-vuotiaana. Säveltäjän teosten kohtalo ei ole vähemmän traaginen kuin hänen elämänsä. Kuoleman jälkeen Schubert monet julkaisemattomat käsikirjoitukset säilyivät sukulaisten ja ystävien kirjahyllyissä ja laatikoissa. Edes hänen lähimmät eivät tienneet kaikkea, mitä hän kirjoitti, ja hänet tunnustettiin useiden vuosien ajan pääasiassa vain laulun kuninkaaksi. Jotkut säveltäjän teoksista julkaistiin vasta puoli vuosisataa hänen kuolemansa jälkeen. Yksi rakastetuimmista ja kuuluisimmista teoksista Franz Schubert – "Iltaserenadi":

Robert Schumann

Yhtä traagisen kohtalon omaava saksalainen säveltäjä on yksi romanttisen aikakauden parhaista säveltäjistä. Hän loi hämmästyttävän kaunista musiikkia. Saadaksesi käsityksen 1800-luvun saksalaisesta romantismista, kuuntele vain "Karnevaali" Robert Schumann. Hän pystyi murtautumaan klassisen aikakauden musiikillisista perinteistä luomalla oman tulkinnan romanttisesta tyylistä. Robert Schumann hänellä oli monia kykyjä, eikä edes pitkään aikaan osannut päättää musiikin, runouden, journalismin ja filologian välillä (hän ​​oli monikielinen ja käännetty vapaasti englannista, ranskasta ja italiasta). Hän oli myös hämmästyttävä pianisti. Ja silti tärkein kutsumus ja intohimo Schuman siellä oli musiikkia. Hänen runollinen ja syvästi psykologinen musiikkinsa heijastelee pitkälti säveltäjän luonteen kaksinaisuutta, intohimon purkausta ja vetäytymistä unelmien maailmaan, mautonta todellisuutta ja ihanteen tavoittelua. Yksi mestariteoksista Robert Schumann jotka kaikkien on kuultava:

Frederic Chopin

Ehkä tunnetuin puolalainen musiikkimaailmassa. Ei ennen eikä jälkeen säveltäjän Puolassa syntynyt tämän tason musiikillinen nero. Puolalaiset ovat uskomattoman ylpeitä suuresta maanmiehestään, ja säveltäjä laulaa työssään usein kotimaastaan, ihailee maisemien kauneutta, valittaa traagista menneisyyttä ja haaveilee suuresta tulevaisuudesta. Frederic Chopin- yksi harvoista säveltäjistä, jotka kirjoittivat musiikkia yksinomaan pianolle. Hänen luovassa perinnössä ei ole oopperoita tai sinfoniaa, mutta pianokappaleita esitetään kaikessa monimuotoisuudessaan. Hänen teoksensa muodostavat perustan monien kuuluisien pianistien ohjelmistolle. Frederic Chopin on puolalainen säveltäjä, joka tunnetaan myös lahjakkaana pianistina. Hän eli vain 39 vuotta, mutta onnistui luomaan monia mestariteoksia: balladeja, preludeja, valsseja, mazurkoja, nokturneja, poloneeseja, etydejä, sonaatteja ja paljon muuta. Yksi heistä - "Balladi nro 1, g-molli".

Franz Liszt

Hän on yksi maailman suurimmista säveltäjistä. Hän eli suhteellisen pitkän ja yllättävän rikkaan elämän, tunsi köyhyyden ja vaurauden, tapasi rakkautta ja kohtasi halveksuntaa. Syntymästään lähtien lahjakkuuden lisäksi hänellä oli upea työkyky. Franz Liszt ansainnut paitsi musiikin asiantuntijoiden ja ystävien ihailun. Sekä säveltäjänä että pianistina hän sai yleisen hyväksynnän 1800-luvun eurooppalaisilta kriitikoilta. Hän loi yli 1300 teosta ja vastaavia Frederic Chopin suosikkiteoksia pianolle. loistava pianisti, Franz Liszt hän osasi toistaa kokonaisen orkesterin äänen pianolla, mestarillisesti improvisoi, hänellä oli fantastinen muisti sävellyksistä, hänellä ei ollut vertaista nuottien lukemisessa. Hänellä oli säälittävä esitystyyli, joka heijastui myös hänen musiikissaan, emotionaalisesti intohimoinen ja sankarillisesti pirteä, luoden värikkäitä musiikkikuvia ja jättäen kuulijaan lähtemättömän vaikutuksen. Säveltäjän tunnusmerkkejä ovat pianokonsertot. Yksi näistä teoksista. Yksi tunnetuimmista teoksista Liszt – "Unelmat rakkaudesta":

Johannes Brahms

Merkittävä hahmo musiikin romanttisella aikakaudella on Johannes Brahms. Kuuntele ja rakasta musiikkia Brahms Sitä pidetään hyvänä makuna ja tyypillisenä romanttisen luonteen merkkinä. Brahms ei kirjoittanut yhtään oopperaa, mutta hän loi teoksia kaikissa muissa genreissä. erityinen kunnia Brahms toi sinfoniansa. Jo ensimmäisissä teoksissa näkyy säveltäjän omaperäisyys, joka lopulta muuttui hänen omaksi tyylikseen. Kaikki työt huomioiden Brahms, ei voida sanoa, että säveltäjä olisi saanut voimakkaita vaikutteita edeltäjiensä tai aikalaistensa teoksista. Ja luovuuden kannalta Brahms usein verrattuna Bach ja Beethoven. Ehkä tämä vertailu on perusteltu siinä mielessä, että kolmen suuren saksalaisen työ edustaa kokonaisen aikakauden huipentumaa musiikin historiassa. Toisin kuin Franz Liszt elämä Johannes Brahms oli vailla myrskyisiä tapahtumia. Hän piti parempana hiljaisesta luovuudesta, hän ansaitsi elämänsä aikana tunnustuksen lahjakkuudestaan ​​ja yleismaailmallisesta kunnioituksestaan ​​ja sai myös huomattavia kunnianosoituksia. Erinomaisin musiikki, jossa luova voima Brahms oli hänen erityisen elävä ja omaperäinen vaikutus "Saksan requiem", teos, jonka kirjailija loi 10 vuotta ja omisti äidilleen. Sinun musiikissasi Brahms laulaa ihmiselämän ikuisista arvoista, jotka piilevät luonnon kauneudessa, menneisyyden suurten kykyjen taiteessa, kotimaansa kulttuurissa.

Giuseppe Verdi

Mitä on kymmenen parhaan säveltäjän joukko ilman?! Italialainen säveltäjä tunnetaan parhaiten oopperoistaan. Hänestä tuli Italian kansallinen kunnia, hänen työnsä on italialaisen oopperan kehityksen huipentuma. Hänen saavutuksiaan ja ansioitaan säveltäjänä ei voi yliarvioida. Tähän asti, vuosisata kirjailijan kuoleman jälkeen, hänen teoksensa ovat edelleen suosituimpia, laajalti esitettyjä, jotka ovat tuttuja sekä klassisen musiikin asiantuntijoille että ystäville.

varten Verdi Draamasta tuli oopperan tärkein asia. Säveltäjän Rigoletton, Aidan, Violettan, Desdemonan musiikkikuvissa yhdistyvät orgaanisesti kirkas melodia ja hahmojen syvyys, demokraattiset ja hienostuneet musiikilliset ominaisuudet, väkivaltaiset intohimot ja kirkkaat unelmat. Verdi oli todellinen psykologi ihmisten intohimon ymmärtämisessä. Hänen musiikkinsa on jaloutta ja voimaa, hämmästyttävää kauneutta ja harmoniaa, sanoinkuvaamattoman kauniita melodioita, upeita aarioita ja duettoja. Intohimot kiehuvat, komedia ja tragedia kietoutuvat ja sulautuvat yhteen. Oopperoiden juonet, mukaan Verdi, pitäisi olla "alkuperäinen, mielenkiintoinen ja ... intohimoinen, intohimo ennen kaikkea." Ja useimmat hänen teoksistaan ​​ovat vakavia ja traagisia, osoittavat emotionaalisia dramaattisia tilanteita ja musiikkia Verdi antaa tapahtumalle ilmeisyyttä ja korostaa tilanteen aksentteja. Otettuaan vastaan ​​kaiken italialaisen oopperakoulun saavuttaman parhaan, hän ei kieltänyt oopperaperinteitä, vaan uudisti italialaisen oopperan, täytti sen realismilla ja antoi sille kokonaisuuden yhtenäisyyden. Samaan aikaan hän ei julistanut uudistustaan, ei kirjoittanut siitä artikkeleita, vaan kirjoitti yksinkertaisesti oopperoita uudella tavalla. Yhden mestariteoksen voittokulkue Verdi- ooppera - pyyhkäisi italialaisten kohtausten läpi ja jatkui Euroopassa sekä Venäjällä ja Amerikassa, pakottaen skeptikotkin tunnistamaan suuren säveltäjän lahjakkuuden.

10 maailman kuuluisinta säveltäjää päivitetty: 13. huhtikuuta 2019: Elena

Minun on myönnettävä, että puhun cembalosta minulle syvästi henkilökohtaisena aiheena. Olen soittanut sillä nyt lähes neljäkymmentä vuotta, ja minulla oli syvä kiintymys tiettyihin kirjailijoihin ja soitin konserteissa kokonaisia ​​syklejä kaikesta, mitä he kirjoittivat tälle instrumentille. Ensinnäkin tämä koskee Francois Couperiniä ja Johann Sebastian Bachia. Toivon, että tämä toimii tekosyynä riippuvuuksilleni, joita en pelkään voi välttää.

LAITE

Tunnetaan suuri perhe kosketinkielillä kynitettyjä soittimia. Ne eroavat koon, muodon ja äänen (värikkäiden) resurssien osalta. Melkein jokainen käsityöläinen, joka teki tällaisia ​​soittimia ennen vanhaan, yritti lisätä niiden suunnitteluun jotain omaa.

Niiden nimissä on paljon hämmennystä. Yleisimmillä termeillä soittimet jaetaan muodon mukaan pituussuuntaisiin (muistuttavat pientä pianoa, mutta muodoltaan kulmikkaita - pianolla on pyöristetyt muodot) ja suorakaiteen muotoisiin. Tämä ero ei tietenkään ole mitenkään koristeellinen: kielien erilaisella sijoittelulla kosketinsoittimeen nähden kaikilla näille soittimille tyypillinen näppäilypaikka kielessä vaikuttaa erittäin merkittävästi soittimen sointiin. ääni.

I. Vermeer Delftistä. Nainen istuu cembalon ääressä
OK. 1673-1675 National Gallery, Lontoo

Cembalo on tämän perheen suurin ja monimutkaisin soitin.

Venäjällä 1700-luvulta lähtien. Soittimen yleisimmin käytetty ranskalainen nimi on cembalo ( klavesiini), mutta sitä esiintyy pääasiassa musiikillisessa ja akateemisessa käytännössä, ja italiaksi - cembalo ( cembalo; Myös italialaiset nimet tunnetaan clavicembalo, gravicembalo). Musiikkikirjallisuudessa, varsinkin kun on kyse englanninkielisestä barokkimusiikista, tämän soittimen englanninkielinen nimi esiintyy ilman käännöstä cembalo.

Cembalossa äänenpoiston pääominaisuus on, että näppäimen takapäähän on asennettu ns. jumpperi (muuten työntäjä), jonka yläosaan on kiinnitetty höyhen. Kun muusikko painaa näppäintä, sen takaosa nousee (koska näppäin on vipu) ja jumpperi nousee ylös, ja höyhen nappaa kielen. Kun avain vapautetaan, höyhen liukuu äänettömästi jousen ansiosta, joka sallii sen hieman poiketa.

Erityyppiset kosketinsoittimet

On huomionarvoista, että W. Shakespeare kuvasi hyppääjän toiminnasta epätavallisen tarkan 128. sonetissaan. Monista käännösvaihtoehdoista cembalonsoiton ydin on tarkimmin - taiteellisen ja runollisen puolen lisäksi - Modest Tšaikovskin käännös:

Kun sinä, musiikkini, soitat,
Aseta nämä näppäimet liikkeelle
Ja sormillasi niin hellästi hyväillen niitä,
Kielten yhteensopivuus herättää ihailua,
Sitten kateudella katson avaimia,
Kuinka ne tarttuvat käsiisi;
Suut palavat ja kaipaavat suudelmaa
He katsovat kateellisesti rohkeuttaan.
Ah, jos kohtalo kääntyy yhtäkkiä
Minä rivissä näitä kuivia tanssijoita!
Olen iloinen, että kätesi liukui heidän ylitse, -
Heidän sieluttomuutensa on siunatumpaa kuin elävät huulet.
Mutta jos he ovat onnellisia, niin
Anna heidän suudella heidän sormiaan, anna minun suudella heidän huuliaan.

Kaikista kosketinkielisistä soittimista cembalo on suurin ja monimutkaisin. Sitä käytetään sekä soolosoittimena että säestyksenä. Se on välttämätön barokkimusiikissa yhtyeenä. Mutta ennen kuin puhumme tämän soittimen valtavasta ohjelmistosta, sen suunnittelussa on selitettävä jotain muuta.

Cembalossa kaikki värit (sävyt) ja dynamiikka (eli äänen voima) asetettiin alun perin itse soittimeen kunkin yksittäisen cembalon luojan toimesta. Tässä se on jossain määrin samanlainen kuin elin. Cembalossa et voi muuttaa ääntä muuttamalla koskettimen voimakkuutta. Vertailun vuoksi: pianolla koko tulkintataide piilee kosketuksen rikkaudessa eli moninaisissa tavoissa painaa tai lyödä näppäintä.

Kaavio cembalomekanismista

Riisi. V: 1. Varsi; 2. Pelti; 3. Pusher (työntäjä); 4. Rekisteröintipalkki; 5. Polttarit;
6. Rungon jumpperi (työntäjä); 7. Avain

Riisi. B. Puskuri (työntäjä): 1. Vaimennin; 2. merkkijono; 3. Sulka; 4. Kieli; 5. Polster; 6. Kevät

Riippuu tietysti cembalistin soittoherkkyydestä, kuulostaako soitin musiikillisesti vai "kuin kattila" (Voltaire sanoi sen karkeasti). Mutta äänen voimakkuus ja sointi eivät riipu cembalistista, koska cembalistin sormen ja kielen välissä on monimutkainen välitysmekanismi hyppääjän ja höyhen muodossa. Jälleen vertailun vuoksi: pianon kohdalla koskettimen lyöminen vaikuttaa suoraan kielen osumiseen, kun taas cembalossa vaikutus höyhenen on epäsuora.

TARINA

Cembalon varhainen historia ulottuu kauas aikojen sumuihin. Se mainitaan ensimmäisen kerran John de Murisin tutkielmassa The Mirror of Music (1323). Yksi varhaisimmista cembalon kuvauksista on Weimarin ihmekirjassa (1440).

Pitkään uskottiin, että vanhin meille saapunut soitin oli Hieronymus Bolognalainen ja se on päivätty vuodelta 1521. Sitä säilytetään Lontoossa, Victoria and Albert Museumissa. Mutta äskettäin on todettu, että on olemassa useita vuosia vanhempi instrumentti, jonka on myös luonut italialainen mestari - Vincentius Livigimenosta. Se esiteltiin paavi Leo X:lle. Sen tuotanto aloitettiin kotelon tekstin mukaan 18. syyskuuta 1515.

Cembalo. Weimarin ihmeiden kirja. 1440

Äänen monotonisuuden välttämiseksi cembalomestarit alkoivat jo soittimen kehityksen varhaisessa vaiheessa toimittaa jokaiselle koskettimelle ei yhtä kieleä, vaan tietysti kahta eri sointia. Mutta pian kävi selväksi, että teknisistä syistä ei voitu käyttää useampaa kuin kahta merkkijonoa yhdelle näppäimistölle. Sitten syntyi ajatus lisätä näppäimistöjen määrää. 1700-luvulle mennessä musiikillisesti rikkaimmat cembalat ovat kahdella koskettimella varustettuja soittimia (eli manuaaleja lat. manus- "käsi").

Musiikillisesti tällainen soitin on paras tapa esittää monipuolista barokkiohjelmistoa. Monet cembaloklassikoiden teoksista on kirjoitettu nimenomaan kahdella kosketinsoittimella soitettavaksi, esimerkiksi monet Domenico Scarlattin sonaatit. F. Couperin määräsi nimenomaisesti kolmannen cembalokappaleidensa kokoelman esipuheessa, että hän asetti siihen kappaleet, joita hän kutsuu "Kappaleet Croises"(leikkii [kädet] ristiin). Säveltäjä jatkaa: "Tällaisilla nimillä kappaleita tulisi soittaa kahdella kosketinsoittimella, joista toisen pitäisi kuulostaa vaimennetulta rekisterien vaihtuessa." Niille, joilla ei ole kaksimanuaalista cembaloa, Couperin antaa suosituksia soittimen soittamiseen yhdellä koskettimella. Mutta useissa tapauksissa kahden manuaalisen cembalon vaatimus on välttämätön edellytys sävellyksen täysimittaiselle taiteelliselle esitykselle. Niinpä kuuluisan "ranskalaisen alkusoiton" ja "italialaisen konserton" sisältävän kokoelman otsikkosivulla Bach ilmoitti: "clavichembalolle, jossa on kaksi manuaalia".

Cembalon kehityksen näkökulmasta kaksi manuaalia ei ollut rajana: tunnemme esimerkkejä kolmikoskettimista cembaloista, vaikka emme tiedä teoksia, jotka vaativat kategorisesti tällaista instrumenttia esitykseensä. Pikemminkin nämä ovat yksittäisten cembalonvalmistajien teknisiä temppuja.

Cembaloa sen loistavina kukoistusaikoina (XVII-XVIII vuosisatoja) soittivat muusikot, jotka omistivat kaikki tuolloin olemassa olleet kosketinsoittimet, eli urut ja klavikordin (niitä kutsuttiin siksi klavieriksi).

Cembaloita ovat luoneet paitsi cembalonvalmistajat myös urkujen rakentajat. Ja oli luonnollista soveltaa cembalorakentamisessa perusideoita, joita oli jo laajalti käytetty urkujen suunnittelussa. Toisin sanoen cembalontekijät seurasivat urkujen rakentajien polkua laajentaessaan soitintensa rekisteriresursseja. Jos urkuissa oli yhä useampia putkisarjoja jaettuina manuaalien kesken, niin cembalossa he alkoivat käyttää suurempaa määrää jousisarjoja, jotka myös jaettiin manuaalien kesken. Äänenvoimakkuudeltaan nämä cembalorekisterit eivät eronneet paljoa, mutta soinniltaan ne olivat varsin merkittäviä.

Ensimmäisen musiikkikokoelman otsikkosivu
neitsytelliselle "Parthenialle". Lontoo. 1611

Kahden kielesarjan (yksi kullekin kosketinsoittimelle) lisäksi, jotka kuulostivat yhtenäisesti ja vastasivat korkeudeltaan nuotteihin tallennettuja ääniä, siellä saattoi olla neljän jalan ja kuusitoista jalan rekistereitä. (Jopa rekisterien nimet ovat lainanneet cembalontekijät urkujen rakentajilta: putket urut on merkitty jalkoina, ja nuottia vastaavat päärekisterit ovat ns. kahdeksan jalkaa, kun taas piippuja, jotka tuottavat ääniä oktaavin nuottia korkeammalla, kutsutaan nelijalkaiseksi, oktaavin alapuolelle - vastaavasti kuusitoista jalkaksi. Cembalolla samoilla mitoilla sarjojen muodostamat rekisterit jouset.)

Siten XVIII vuosisadan puolivälin suuren konsertticembalon äänialue. ei vain ollut kapeampi kuin pianoforte, vaan jopa leveämpi. Ja tämä siitä huolimatta, että cembalosimusiikin nuottien esitysalue näyttää kapeammalta kuin pianomusiikin.

MUSIIKKI

1700-luvulle mennessä cembalo on kerännyt poikkeuksellisen rikkaan ohjelmiston. Äärimmäisen aristokraattisena välineenä se levisi kaikkialle Eurooppaan, ja sillä oli kaikkialla kirkkaimmat apologeetit. Mutta jos puhumme 1500-luvun - 1700-luvun alun vahvimmista kouluista, meidän on ensin mainittava englantilaiset virginalistit.

Emme kerro tässä neitsyen tarinaa, vaan panemme merkille, että kyseessä on eräänlainen kosketinsoittimella kynitty kielisoitin, joka on soundiltaan samanlainen kuin cembalo. On huomionarvoista, että yhdessä viimeisistä perusteellisista cembalon historiaa koskevista tutkimuksista ( Kottik E. Cembalon historia. Bloomington. 2003), virginaalin ja spinetin (toinen lajike) katsotaan olevan sopusoinnussa itse cembalon kehityksen kanssa.

Mitä tulee neitsyen nimeen, on syytä huomata, että yksi ehdotetuista etymologioista nostaa sen englanniksi Neitsyt ja sitten latinaan Neitsyt, eli "neitsyt", koska Elizabeth I, neitsytkuningatar, rakasti näytellä neitsyt. Itse asiassa neitsyt ilmestyi jo ennen Elizabethia. Sanan "virginel" alkuperä on oikeampi johtaa toisesta latinalaisesta sanasta - virga("sauva"), joka osoittaa samaa jumpperia.

On mielenkiintoista, että kaiverruksessa, joka koristaa ensimmäistä painettua painosta neitsytoliselle ("Parthenia"), muusikko on kuvattu kristityn neitsyen - St. Caecilia. Muuten, kokoelman nimi tulee kreikasta. partenos joka tarkoittaa "neitsyt".

Tämän painoksen koristeeksi kaiverrus hollantilaisen taiteilijan Hendrik Goltziuksen maalauksesta "St. Cecilia". Kaivertaja ei kuitenkaan tehnyt peilikuvaa taululla olevasta kuvasta, joten sekä itse kaiverrus että esiintyjä osoittautuivat ylösalaisin - hänen vasen kätensä on paljon kehittyneempi kuin oikea, mikä ei tietenkään voinut ovat olleet neitsyt sen ajan. Kaiverruksissa on tuhansia tällaisia ​​​​virheitä. Ei-muusikon silmä ei tätä huomaa, mutta muusikko näkee heti kaivertajan virheen.

Cembalon herätyksen perustaja 1900-luvulla omisti englantilaisten virginalistien musiikille useita upeita, täynnä innostunutta tunnetta. upea puolalainen cembalisti Wanda Landowska: "Vuoden sydämistä, jotka ovat arvokkaampia kuin meidän, ja jotka ravitsevat kansanlauluja, vanhaa englantilaista musiikkia - kiihkeää tai rauhallista, naiivia tai säälittävää - luonnon ja rakkauden lauluja. Hän korottaa elämää. Jos hän kääntyy mystiikkaan, hän ylistää Jumalaa. Se on erehtymättömän mestarillinen, samalla spontaani ja rohkea. Se näyttää usein nykyaikaisemmalta kuin uusin ja paras. Avaa sydämesi tämän pohjimmiltaan tuntemattoman musiikin viehätysvoimalle. Unohda, että hän on vanha, äläkä ajattele, että tämän vuoksi häneltä on riistetty inhimillinen tunne.

Nämä rivit on kirjoitettu 1900-luvun alussa. Kuluneen vuosisadan aikana on tehty paljon paljastaakseen ja arvostaakseen neitsytmuusikoiden korvaamatonta musiikkiperintöä kokonaisuudessaan. Ja mitä nämä nimet ovat! Säveltäjät William Bird ja John Bull, Martin Pearson ja Gil Farnaby, John Munday ja Thomas Morley...

Englannin ja Alankomaiden välillä oli läheisiä kontakteja (jo kaiverrus "Parthenia" todistaa tästä). Hollantilaisten mestareiden, erityisesti Ruckers-dynastian, cembalat ja neitsyt olivat hyvin tunnettuja Englannissa. Samanaikaisesti omituisella tavalla Alankomaat itse ei voi ylpeillä niin kirkkaasta sävellyskoulusta.

Mantereella alkuperäiset cembalokoulut olivat italialaisia, ranskalaisia ​​ja saksalaisia. Mainitsemme vain kolme heidän pääedustajaansa - Francois Couperin, Domenico Scarlatti ja Johann Sebastian Bach.

Eräs selkeä ja ilmeinen merkki erinomaisesta säveltäjän lahjasta (joka pätee jokaiseen aikakauden säveltäjään) on oman, puhtaasti henkilökohtaisen, ainutlaatuisen ilmaisutavan kehittäminen. Ja lukemattomien kirjoittajien kokonaismassassa ei ole niin paljon todellisia tekijöitä. Nämä kolme nimeä kuuluvat varmasti tekijöille. Jokaisella niistä on oma ainutlaatuinen tyylinsä.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668–1733) - todellinen cembalorunoilija. Hän saattoi pitää itseään onnellisena miehenä: kaikki (tai melkein kaikki) hänen cembaloteoksensa, eli juuri hänen maineensa ja maailmanmerkityksensä muodostavat, ovat hänen itsensä julkaisemia ja muodostavat neljä osaa. Näin ollen meillä on kattava käsitys hänen cembaloperinnöstään. Näiden rivien kirjoittajalla oli onni esittää täydellinen sykli Couperinin cembalosävellyksiä kahdeksassa konserttiohjelmassa, jotka esiteltiin hänen musiikkinsa festivaaleilla, jotka pidettiin Moskovassa Ranskan Venäjän-suurlähettilään Pierre Morelin suojeluksessa.

Olen pahoillani, etten voi ottaa lukijaani kädestä, johtaa häntä cembalon luo ja soittaa esimerkiksi Couperinin ranskalaista naamiota tai Domino Maskeja. Kuinka paljon viehätystä ja kauneutta siinä! Mutta kuinka paljon myös psykologista syvyyttä. Täällä jokainen naamio on tietyn värinen ja - mikä on erittäin tärkeää - luonteeltaan. Tekijän huomautukset selittävät kuvat ja värit. Maskeja (ja värejä) on yhteensä kaksitoista, ja ne näkyvät tietyssä järjestyksessä.

Minulla oli jo kerran syytä muistaa tämä Couperinin näytelmä K. Malevitšin "Mustasta neliöstä" kertovan tarinan yhteydessä (ks. Art, nro 18/2007). Tosiasia on, että Couperinin värimaailma alkaen valkoisesta (ensimmäinen muunnelma, joka symboloi neitsyyttä) päättyy mustaan ​​naamioon (Fury or Despair). Näin ollen kaksi eri aikakausien ja eri taiteiden luojaa loi teoksia, joilla on syvästi symbolinen merkitys: Couperinille tämä sykli symboloi ihmisen elämän jaksoja - ihmisen ikää (kaksitoista kuukausien lukumäärää, kukin kuusi vuotta - tämä on barokin aikakaudella tunnettu allegoria). Seurauksena on, että Couperinilla on musta naamio, Malevichilla on musta neliö. Molemmissa mustan ulkonäkö on seurausta monien voimien vaikutuksesta. Malevich sanoi suoraan: "Pidän valkoista ja mustaa väreistä ja värimaailmasta johdettuna." Couperin esitteli meille tämän värikkään valikoiman.

On selvää, että Couperinilla oli käytössään upeat cembalot. Tämä ei ole yllättävää - loppujen lopuksi hän oli Ludvig XIV:n hovicembalisti. Soittimet pystyivät soundillaan välittämään säveltäjän ideoiden täyden syvyyden.

Domenico Scarlatti(1685-1757). Tällä säveltäjällä on täysin erilainen tyyli, mutta aivan kuten Couperin, erehtymätön käsiala on ensimmäinen ja ilmeinen merkki neroudesta. Tämä nimi liittyy erottamattomasti cembaloon. Vaikka Domenico kirjoitti nuorempana eri musiikkia, hän tuli myöhemmin tunnetuksi nimenomaan valtavan määrän (555) cembalosonaattien kirjoittajana. Scarlatti laajensi poikkeuksellisen cembalon esitysmahdollisuuksia, toi soittotekniikkaan ennennäkemättömän virtuoosisen ulottuvuuden.

Eräänlainen rinnakkaisuus Scarlatille pianomusiikin myöhemmässä historiassa on Franz Lisztin työ, joka, kuten tiedätte, tutki erityisesti Domenico Scarlattin esitystekniikkaa. (Muuten, koska puhumme yhtäläisistä pianotaiteen kanssa, niin Couperinilla oli myös tietyssä mielessä henkinen perillinen - tämä oli tietysti F. Chopin.)

Domenico Scarlatti (jota ei pidä sekoittaa isänsä, kuuluisan italialaisen oopperasäveltäjän Alessandro Scarlattiin) oli elämänsä toisen puoliskon ajan Espanjan kuningatar Maria Barbaran hovicembalisti, ja suurin osa hänen sonaateistaan ​​oli kirjoitettu erityisesti hänelle. . Voimme turvallisesti päätellä, että hän oli erinomainen cembalisti, jos hän soitti näitä joskus erittäin teknisiä sonaatteja.

I. Vermeer Delftistä. Tyttö selässä. OK. 1670. Yksityinen kokoelma

Tältä osin muistan yhden kirjeen (1977), jonka sain erinomaiselta tšekkiläiseltä cembalistilta Zuzanna Ruzickovalta: "Hyvä herra Maikapar! Minulla on sinulle yksi pyyntö. Kuten tiedätte, aitoja cembaloja kohtaan on nykyään paljon kiinnostusta, ja tästä käydään paljon keskustelua. Yksi näistä instrumenteista D. Scarlattin yhteydessä käydyn keskustelun avainasiakirjoista on Vanloo-maalaus, joka kuvaa Portugalin Maria Barbaraa, Philip V:n vaimoa (Z. Ruzickova erehtyi - Maria Barbara oli Ferdinand VI:n vaimo) , Philip V. poika - OLEN.). Rafael Pouyana (merkittävä nykyaikainen ranskalainen cembalististi - OLEN.) uskoo, että maalaus on maalattu Maria Barbaran kuoleman jälkeen, joten se ei voi olla historiallinen lähde. Maalaus on Eremitaasissa. Olisi erittäin tärkeää, jos voisitte lähettää minulle tämän maalauksen asiakirjat."

Kappale. 1768. Eremitaaši, Pietari

Kirjeessä mainittu maalaus on L.M.:n "Sekstetti". Vanloo (1768).

Se on Eremitaasissa, XVIII vuosisadan ranskalaisen maalauksen osaston varastohuoneessa. Osastonhoitaja I.S. Nemilova, saatuaan tietää vierailuni tarkoituksesta, saattoi minut suureen huoneeseen tai pikemminkin saliin, jossa on maalauksia, jotka eivät sisältyneet päänäyttelyyn. Kuinka monta musiikillisen ikonografian kannalta kiinnostavaa teosta on täällä tallennettu! Esitimme peräkkäin suuret kehykset, joihin asennettiin 10–15 maalausta, ja pidettiin meitä kiinnostavina aiheina. Ja lopuksi "Sekstetti" L.M. Vanloo.

Joidenkin raporttien mukaan tämä maalaus kuvaa Espanjan kuningatar Maria Barbaraa. Jos tämä hypoteesi todistettaisiin, meillä voisi olla Scarlattin itsensä soittama cembalo! Mitä syitä on tunnistaa Vanloon maalauksessa kuvatussa cembalistissa Maria Barbarassa? Ensinnäkin minusta vaikuttaa siltä, ​​että tässä kuvatun naisen ja Maria Barbaran tunnettujen muotokuvien välillä on todellakin pinnallista yhtäläisyyttä. Toiseksi Vanloo asui espanjalaisessa hovissa suhteellisen pitkän aikaa ja pystyi siksi maalaamaan kuvan kuningattaren elämästä. Kolmanneksi maalaukselle tunnetaan myös toinen nimi - "Espanjalainen konsertto" ja neljänneksi jotkut ulkomaiset musiikkitieteilijät (esim. K. Zaks) ovat vakuuttuneita siitä, että maalauksessa on Maria Barbara.

Mutta Nemilova, kuten Rafael Puyana, epäili tätä hypoteesia. Maalaus on maalattu vuonna 1768, eli kaksitoista vuotta taiteilijan Espanjasta lähdön ja kymmenen vuotta Maria Barbaran kuoleman jälkeen. Hänen järjestyksensä historia tunnetaan: Katariina II välitti Vanloolle prinssi Golitsynin kautta toiveen saada hänen maalaus. Tämä teos tuli heti Pietariin ja sitä pidettiin täällä koko ajan, Golitsyn antoi sen Katariinalle "Konsertina". Mitä tulee nimeen "Espanjalainen konsertto", espanjalaiset puvut, joissa hahmot on kuvattu, vaikuttivat sen ulkonäköön, ja kuten Nemilova selitti, nämä ovat teatteriasuja, eivät niitä, jotka olivat silloin muodissa.

W. Landowska

Kuvassa tietysti cembalo herättää huomion - kaksimanuaalinen soitin, jolla on ominaisuus 1700-luvun ensimmäiseltä puoliskolta. koskettimien väritys, nykyajan kääntöpuoli (pianossa mustat ovat tällä cembalolla valkoisia ja päinvastoin). Lisäksi siitä puuttuu edelleen polkimet vaihtorekistereihin, vaikka ne olivat jo silloin tiedossa. Tämä parannus löytyy useimmista nykyaikaisista kaksoismanuaalisista konsertticembaloista. Tarve vaihtaa rekistereitä käsin saneli tietyn lähestymistavan cembalon rekisteröinnin valinnassa.

Esityskäytännössä on tällä hetkellä selkeästi määritelty kaksi suuntaa: ensimmäisen kannattajat uskovat, että kaikki soittimen nykyaikaiset mahdollisuudet tulee käyttää (tällaista mielipidettä jakoivat mm. V. Landowska ja muuten Zuzanna Ruzickova ), toiset uskovat, että muinaista musiikkia modernilla cembalolla esitettäessä ei pidä ylittää niitä esityskeinoja, joihin vanhat mestarit kirjoittivat (kuten Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, sama Rafael Puyana ym. ajattelevat).

Koska kiinnitimme niin paljon huomiota Vanloo-maalaukseen, panemme merkille, että taiteilija itse puolestaan ​​osoittautui hahmoksi musiikillisessa muotokuvassa: tunnetaan ranskalaisen säveltäjän Jacques Duflyn cembalopala, jota kutsutaan nimellä ”Vanloo”. .

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685-1750). Hänen cembaloperintönsä on poikkeuksellisen arvokas. Kokemukseni esiintymisestä konserteissa kaiken, mitä Bachin on kirjoittanut tälle instrumentille, todistaa, että hänen perintönsä mahtuu viiteentoista (!) konserttiohjelmaan. Samanaikaisesti on laskettava erikseen cembalo- ja jousikonsertot, samoin kuin joukko ensemble-teoksia, joita ei voi ajatella ilman cembaloa.

On tunnustettava, että kaikesta Couperinin ja Scarlattin ainutlaatuisuudesta huolimatta kukin heistä viljeli yhtä yksilöllistä tyyliä. Bach oli universaali. Jo mainitut "Italialainen konsertto" ja "ranskalainen alkusoitto" ovat esimerkkejä Bachin tutkimuksesta näiden kansallisten koulujen musiikista. Ja nämä ovat vain kaksi esimerkkiä, joiden nimet heijastavat Bachin tietoisuutta. Tänne voit lisätä hänen jaksonsa "French Suites". Voisi spekuloida englantilaisvaikutuksista hänen englantilaisissa sviiteissään. Ja kuinka monta eri tyylistä musiikkinäytettä on niissä hänen teoksissaan, jotka eivät heijasta tätä nimissä, vaan sisältyvät itse musiikkiin! Lienee tarpeetonta sanoa, kuinka laajasti hänen syntyperäinen, saksalainen klaveriperinne syntetisoituu hänen teoksissaan.

Emme tiedä tarkalleen, mitä cembaloja Bach soitti, mutta tiedämme, että hän oli kiinnostunut kaikista teknisistä innovaatioista (mukaan lukien urut). Hänen kiinnostuksensa cembalon ja muiden kosketinsoittimien esitysmahdollisuuksien laajentamiseen osoittaa selkeimmin kuuluisa preludi- ja fuugasarja kaikilla sävelsoittimilla "The Well-Tempered Clavier".

Bach oli todellinen cembalon mestari. I. Forkel, ensimmäinen Bachin elämäkerran kirjoittaja, kertoo: "Kukaan ei voinut korvata hänen cembalonsa kuluneita höyheniä uusilla, jotta hän olisi tyytyväinen - hän teki sen itse. Hän viritti cembalonsa aina itse ja oli tässä suhteessa niin taitava, ettei viritys kestänyt koskaan varsinaista tuntia kauempaa. Hänen viritysmenetelmänsä ansiosta kaikki 24 avainta olivat hänen käytettävissään, ja improvisoimalla hän teki niillä mitä halusi.

Jo cembalomusiikin loistavan luojan elinaikana cembalo alkoi menettää jalansijaa. Vuonna 1747, kun Bach vieraili Preussin kuninkaan Frederick Suuren luona Potsdamissa, hän antoi hänelle improvisoitavan teeman, ja Bach ilmeisesti improvisoi jo "pianoforteella" (se oli uuden instrumentin nimi silloin aika) - yksi neljästätoista tai viidestätoista, jotka Bachin ystävä, kuuluisa urkumestari Gottfried Zilberman teki kuninkaalle. Bach hyväksyi sen soundin, vaikka ennen sitä hän ei pitänyt pianosta.

Mozart kirjoitti vielä varhaisessa nuoruudessaan cembalolle, mutta kaiken kaikkiaan hänen klaveriteoksensa on tietysti suunnattu pianoforteelle. Beethovenin varhaisten teosten kustantajat ilmoittivat nimilehdillä, että hänen sonaattinsa (ajattele sitä jopa vuonna 1799 julkaistua Pathetiquea) oli tarkoitettu "cembalolle tai pianoforteelle". Kustantajat menivät temppuun: he eivät halunneet menettää niitä asiakkaita, joilla oli vanhoja cembaloja talossaan. Mutta yhä useammin cembaloista jäi vain runko: cembalon "täyte" poistettiin tarpeettomana ja korvattiin uudella, vasaratyyppisellä, eli pianolla, mekaniikalla.

Herää kysymys: miksi tämä soitin, jolla oli niin pitkä historia ja niin rikas taiteellinen perintö, oli 1700-luvun lopussa. syrjäytettiin musiikin harjoittamisesta ja korvattiin pianolla? Eikä vain pakotettu, vaan kokonaan unohdettu 1800-luvulla? Ja loppujen lopuksi ei voida sanoa, että kun tämä cembalon syrjäyttämisprosessi alkoi, piano oli ominaisuuksiltaan paras instrumentti. Päinvastoin! Carl Philipp Emanuel Bach, yksi Johann Sebastianin vanhimmista pojista, kirjoitti kaksoiskonserttonsa cembalolle ja pianoforteelle orkesterin kanssa, mikä tarkoitti omakohtaisesti havainnollistaakseen cembalon edut pianoon nähden.

On vain yksi vastaus: pianon voitto cembalista tuli mahdolliseksi esteettisten mieltymysten radikaalin muutoksen olosuhteissa. Barokkien estetiikka, joka perustuu joko selkeästi muotoiltuun tai selkeästi tunneltuun affektiiviteorian käsitykseen (lyhyesti olemus: yksi mieliala, vaikuttaa, - yksi äänimaali), jolle cembalo oli ihanteellinen ilmaisuväline, väistyi ensin sentimentaalismin maailmankuvalle, sitten vahvemmalle suunnalle - klassismille ja lopulta romantiikkalle. Kaikissa näissä tyyleissä houkuttelevin ja viljellyin oli päinvastoin idea vaihtuvuus- tunteita, kuvia, tunnelmia. Ja piano pystyi ilmaisemaan sen.

Tämä instrumentti sai pedaalin fantastisilla ominaisuuksillaan ja kykeni luomaan uskomattomia nousuja ja laskuja soinnuksessa ( crescendo ja diminuendo). Cembalo ei voinut tehdä kaikkea tätä periaatteessa - sen suunnittelun erityispiirteiden vuoksi.

Pysähdytään ja muistetaan tämä hetki, jotta voimme aloittaa seuraavan keskustelumme sen kanssa - pianosta ja erityisesti suurkonsertista flyygeli, eli "kuninkaallinen instrumentti", kaiken romanttisen musiikin todellinen mestari.

Tarinassamme historia ja nykyaika sekoittuvat, koska tänään tämän perheen cembalo ja muut soittimet osoittautuivat epätavallisen yleisiksi ja kysytyiksi johtuen valtavasta kiinnostuksesta renessanssin ja barokin musiikkia kohtaan, eli aika, jolloin he nousivat ja selvisivät kulta-aikastaan.

Säveltäjä ja esittävä taide ovat kaksi ehtymätöntä lähdettä, jotka ruokkivat toisiaan: esiintyjän kädet täyttävät säveltäjän ajatuksen elämän hengityksellä ja musiikintekijä ammentaa inspiraatiota esittäjän taidosta. Kuten monet muut säveltäjät, Sofia Asgatovna Gubaidulina loi monia tiettyihin esiintyjiin keskittyviä sävellyksiä, ja yksi näistä muusikoista on Mark Ilyich Pekarsky, joka omistautui lyömäsoittimille. Hän ei ole vain erinomainen esiintyjä ja lyömäsoitinyhtyeen luoja - Mark Ilyich kirjoitti monia artikkeleita ja kirjoja tästä musiikki-instrumenttien alueesta, perusti lyömäsoitinyhtyeluokan Moskovan konservatorioon.

”Rummuilla voi tehdä kaikkea, mitä viululla, pianolla, urkuilla voi tehdä, vain vähän muilla keinoin, mutta periaatteessa rummuilla voidaan välittää sekä hauskaa että kärsimystä ja surua ja iloa ja mitä haluat, muusikko sanoo. Yksi tämän idean parhaista vahvistuksista voidaan pitää hämmästyttävän laajaa valikoimaa eri kansojen eri aikakausina luomia lyömäsoittimia. Monet näistä soittimista ovat edustettuina Pekarskyn kokoamassa ainutlaatuisessa kokoelmassa. Tämä loisto ei voinut muuta kuin kiinnostaa Gubaidulinaa - loppujen lopuksi Sofia Asgatovna yritti aina löytää uuden äänen jopa yleisimmille ja tunnetuimmille eurooppalaisille julkisille soittimille, ja tässä tapauksessa säveltäjällä oli todella arvokas hajonta epätavallisia sointisoittimia: crotali (Pompeian symbaalit), kiinalaiset symbaalit, korea chang-rumpu, bian-zhong kiinalaiset kellot… Mutta säveltäjä tekee jotain vieläkin epätavallisempaa – hän yhdistää kaikki nämä idän salaperäisestä maailmasta tulleet sointisävelet länsieurooppalaisiin soitin – cembalo… syntyykö ratkaisematon ristiriita tällaisessa idän ja lännen yhdistelmässä? Sofia Gubaidulina ei ajattele niin - hän on vakuuttunut siitä, että itämaiset soittimet "yhdessä cembalon kanssa menettävät paikallisen maantieteellisen vivahteensa ja kuuluvat yleisempään musiikintekoon, jossa kaikilla eri sointiominaisuuksilla on tapana lähentyä."

Tällainen ”lähentyminen” synnyttää Gubaidulinan teokseen yllättävän harmonisen kokoonpanon, jota kuunnellessa on vaikea uskoa, että sen muodostavat instrumentit olisivat tulleet eri puolilta maailmaa ja aikakausilta – ne todellakin ”puhuvat” samaa kieltä . .. kyllä ​​he tekevät! Teoksessa, jonka otsikko on äärimmäisen yksinkertainen - "Musiikkia cembaloille ja lyömäsoittimille Mark Pekarskyn kokoelmasta" - esiintyy eräänlainen "musiikkipuhe" "sanoja" muodostavine "foneemineen" (puheääneineen). Ei ole sattumaa, että Sofia Asgatovna suunnitteli alun perin antavansa tälle teokselle toisen nimen - "Logogryfi", tämä on sanapelin nimi, jossa kirjain kirjaimelta poistetaan asteittain tietystä sanasta ja uusia sanoja ilmestyy (esim. "lähde - nielu - virta"). Jotain vastaavaa säveltäjä tekee äänikomplekseilla. Esimerkiksi teoksen alussa on kiinalaisten symbaalien aaltomainen "kerrostuminen", jotka tulevat sisään eri korkeuksilla, ja sitten ne vähitellen "sammuvat" - musiikkikankaan "tiivistymistä" seuraa sen " harvinaisuus". Tässä kiehtovassa ääni"pelissä" ei niinkään korostu äänen korkeus, vaan sen sointiluonne (tätä musiikkitekniikkaa kutsutaan sonoricsiksi). Musiikilliset "logogryfit" muodostavat perustan muodon rakentamiselle. Ensimmäisessä osassa rakennetaan kahdeksan musiikillisen "sanan" sarja lisäämällä asteittain äänien määrää, ja toisto-osiossa samat äänikompleksit rakennetaan eri järjestyksessä: tarkkaa "peiliheijastusta" ei ole. tässä tapauksessa, mutta yleinen taipumus asteittaiseen vähenemiseen ilmenee. Voimme havaita vastakkaisten kehityssuuntien yhdistelmän ei vain erillisen osan muodossa, vaan myös työn osien suhteessa: ensimmäinen osa on suunnattu pääasiassa korkeaan rekisteriin, toinen - matalaan.

Vaikutelma "älykkäästä pelistä" ei synny vain harmonisen "matemaattisen suhteen", vaan myös musiikillisten lainausten avulla. Ensimmäisessä osassa esiintyy lyhyt, kolmen sävelen, mutta tunnistettava aihe c-mollivalssista sekä pieni katkelma g-molli fuugasta Johann Sebastian Bachin ensimmäisestä osasta. Molempien sitaattien ulkoasu on muuttunut oudosti: Chopinin valssin aihe esiintyy sävelessä, joka on kaukana alkuperäisestä (B-molli), jota selittävät bian-zhun ja Pompeian symbaalit. Bachin fuugan motiivi esittää chang (tosin myöhemmin se kuulostaa "perinteisemmässä" esityksessä - cembalossa, mutta sen ääriviivoja muutetaan siten, että syntyy vaikutelma väärästä äänestä).

Sofia Gubaidulinan "Musiikki cembalolle ja lyömäsoittimille" on hienostunut mielen peli, mutta olisi virhe kutsua sitä "kylmän järjen" tuotteeksi. Sävyjen, lyhyiden motiivien ja äänikompleksien leikissä voi aistia eloisaa tunteiden ”hengitystä”.

Kaikki oikeudet pidätetään. Kopiointi kielletty