19.2. "Hopeakauden" maalausta ja musiikkia

19.2.1 Maalaus: "World of Artista" avantgardeiksi. Wanderersin akateemisuus ja taipumattomuus vastusti "taiteen maailman" taiteilijoita, ja he puolsivat maalauksen innovaatioita. Suurin osa heistä kuului perinnöllisiin taideperheisiin ja näki tehtävänsä korkeakulttuurin levittämisenä yhteiskunnassa, taiteellisten perinteiden ja taiteellisen maun säilyttämisenä. "Taiteen maailma", kirjoitti P.N. Miljukov, "...on myös yhtä jyrkästi ajettu syytöksistä ja yleensä taiteen kansalaisajatuksista sekä edellistä sukupolvea hallinneista realistisista ja positivistisista maailmankatsomuksista." "World of Art" -ryhmää johti taiteilija A.N. Benois, joka oli sen ideologi ja teoreetikko. "Taiteen historiassa" vuonna 1902 hän kirjoitti: "Pietarissa ja Moskovassa järjestetään usein ulkomaisten taiteilijoiden näyttelyitä, ulkomaanmatkojen yleinen saatavuus, taidetta koskevien kuvitettujen julkaisujen yleisyys."Kaikki tämä toi meidät lähemmäksi länttä." Kaikki tämä myötävaikutti siihen, Benois jatkaa, että maalauksen vaatimukset ovat kasvaneet mittaamatta ja paljastaneet Maalaustemme taiteellinen taso oli alhainen. Tavoite muotoiltiin– nosta puhtaasti maalauksellista puolta taiteellinen toimii sisällön yli. Samaan aikaan musiikissa nousee samanlaisia ​​vaatimuksia - nostaa puhtaasti äänipuoli "ohjelman" yläpuolelle amma" musiikkiteos. Vaeltajien kritiikki ei kuitenkaan rajoittunut heidän muodonsa kritisointiin, vaan heidän maailmankuvansa ja realismiaan kritisoitiin jyrkästi. Uuden koulun tehtävänä oli realismin hylkääminen, päivän aiheen hylkääminen.

Ryhmän taiteilijat (Benois, Lanceray, Somov) keskittyivät Pietarin taiteen menneisyyden tutkimiseen ja siirtyivät sieltä 1700-luvun ranskalaisen taiteen tutkimiseen.

Toisen yhteiskunnan taiteilijat kääntyivät venäläisen taiteen alkuperän puoleen- "Venäjän taiteilijoiden liitto" (1903 - 1923), johon kuului K. F. Yuon (1875-1958), F. A . Malyavin (1869-1940), S. SISÄÄN . Maljutin (1859-1937), A. E. Arkhipov (1862-1930) ja muut. Heille on ominaista kiinnostus alkuperäiseen luontoon ja venäläisen kansanelämän alkuperäisiin piirteisiin, koristeellinen maalauksellisuus ja vetovoima plein airiin.

N.K. Roerich kulki omalla tavallaan (1874– 1947). Hänen esimerkkiään käyttäen P .N. Miljukov selittää useiden hopeakauden venäläisten taiteilijoiden kosmopoliittisuutta. "Ammatiltaan arkeologi,- Miliukov kirjoittaa Roerichista, - hän jätti nykyisyyden ei historiaan, vaan esihistorialliseen legendaan. Täällä hän käytti täydessä laajuudessaan kykyjään värittäjänä. Pre linjan laiminlyönti maalin vuoksi, peittämällä kokonaiset pinnat maalilla ilman sävyjä"Näitä impressionismin tekniikoita sovellettiin laajasti Roerichin maalauksessa." Miliukov korostaa, että ajan myötä mysteerielementistä tuli Roerichin hallitseva piirre. O. Tyylityksestä, joka eteni joidenkin sisustussuunnittelijoiden keskuudessa, tuli Roerichin peruslaki.

Hopeakauden maalaus oli monityylistä, mutta impressionismi oli siinä merkittävällä paikalla. Impressionistien vaikutuksen alaisena K.A. Korovin kirjoitti maalauksensa (1861– 1939) – tunnemaisemia ("Talvella"), genremaalauksia ("Parvekkeella") ja värikkäitä teatterimaisemia. Post-impressionistit vaikutti V. E. Borisova - Musatova (1870 - 1905), alkuperäinen taiteilija ("Pond"), uusromantikko, jonka maalaukset kuvaavat hänen suosikkielegista maisemaa– puisto, hiljaiset, salaperäiset naiset, kuin menneisyyden varjot – ovat helposti tunnistettavissa.

Vuosisadan vaihteen miehen hienostuneisuus ja monitulkintaisuus ilmeni K.A. Somovin, V.A. Serovin, K.A. Korovinin maalaamissa hänen aikalaistensa muotokuvissa. Taidemaailman johtava taiteilija Somov oli Eremitaasin kuraattorin poika, sai erinomaisen koulutuksen, valmistui Taideakatemiasta ja vieraili paljon Euroopassa. Hän loi sarjan graafisia muotokuvia aikalaisistaan– älyllinen eliitti: A. Bloka, F. Sologuba, M. Kuzmina, V. Ivanova, E. Lanceray, M. Dobuzhinsky ja muut. SISÄÄN . A . Serov on kirjoittanut muotokuvia näyttelijä M. N. Ermolov oi, kirjailija M. Gorki, K. A. Korovin– muotokuvia F. JA . Shalyapina, I. JA . Levitan. Hopeakauden taiteilijoiden luomat muotokuvat eivät ole vain muotokuvia oikeista ihmisistä, ne ovat galleria aikakauden luovista ihmisistä, jotka ilmensivät taiteilijoiden ihanteita elämässään.

M.A. Vrubel (1856 – 1910) aloitti toimintansa jo 1800-luvun 80-luvulla. Hän vetosi kohti kuvien symbolis-filosofista yleistämistä, joka sai usein traagisia sävyjä. Hänen aikalaistensa mielestä Vrubel vaikutti muukalaiselta jostain toisesta ajasta. Hänen maalauksensa kutsuttiin "maaginen", ja sen taikuuden alkuperä oli siinä, että taiteilijan hienostunut katse "tunkeutui" aivan syvyyksiin.

Klassinen esimerkki– myöhäinen teos "Pearl Shell". Unohdetaan merenneidot, jotka taiteilija asetti siihen - taikuutta ei ole niin paljon niissä , niin paljon siinä tavassa, jolla kuoren rakenne välittyy, sen ylivuodon ihmeet... Vrubel väitti, että pointti ei tässä ole väreissä, vaan helmiäisen rakenteen monimutkaisuus- "välittää tarkasti piirustuksen niistä pienimmistä suunnitelmista, joista muoto syntyy mielikuvituksessamme, noin kohteen tilavuus ja väri." Lukuisia "lilaa" on kirjoitettu käyttäen samaa "pienimpien suunnitelmien" menetelmää.– muistutus jonkinlaista ametistiarkkitehtuuria; joutsenen siivet rosoisella höyhenkerroksella - tällainen joutsen on valmis muuttumaan prinsessaksi; piikikäs takiainen - Sellaiset takiaiset ovat elossa, ne näyttävät puhuvan keskenään (maalaus "Kohti yötä"). Taiteilija syventyi varsien kutomiseen, kuusenoksiin, talvella lasiin saniaismaisia ​​kuvioita muodostavien jääkiteiden rakenteeseen, kivien koristeluun ja kytevien valojen välkkymiseen. Ja kaikki nämä joka askeleella kohdatut, mutta automaattisen näön niin huonosti havaitsemat luonnonilmiöt kasvoivat taiteilijan tarkkaavaisen katseen alla poikkeuksellisen fantastiseksi maailmaksi.

Avangardin edustajat olivat V. V. Kandinsky (1886– 1944), jonka abstrakteille sävellyksille on ominaista värikkäiden pisteiden ja katkoviivojen yhdistelmä ("Smutn" oe"), K.S. Malevitš (1878– 1935), yhden abstraktin taiteen lajin – suprematismin – perustaja, ”Mustan neliön” kirjoittaja, P. N. Filonov (1883 - 1941), joka pyrki symbolisesti ilmaisemaan maailmanhistorian prosessien malleja ("Kuninkaiden juhla"), M. Shag al (1887 – 1985), joka loi teoksia kansanperinteestä ja raamatullisista aiheista, värikkäitä ja iloisia. ("Minä ja kylä", "Vitebskin yläpuolella", "Häät"). Huolimatta lausuttu yksilöllisyys kunkin taiteilijan luova tapa, joka on ominaista Kaikki olivat asosiaalisuutta, omavaraista muotoa, luovan "minän" absolutisointia. Heidän tavoitteenaan oli tunkeutua alitajuntaan– alue, joka ei ole vielä tiedossa.

M.F. Larionov maalasi kankaansa primitivistisellä tavalla (1881– 1964) ja N. KANSSA . Goncharova (1881-1962). He loivat genremaalauksia: Larionovin elämä oli maakuntakadun ja sotilaskasarmin elämää ja Gontšarovan talonpoikaiselämää. Heidän teostensa muodot ovat litteitä ja groteskeja, tyylitelty muistuttamaan lapsen piirustusta. Larionovia harkitaan perustaja OS abstraktissa taiteessa molempiin suuntiin- Raionismi. Vuonna 1913 hän julkaisi kirjan nimeltä Rayism. Miliukov kutsui näitä taiteilijoita "venäläisiksi innovoijiksi", jotka eivät vain saavuttaneet länttä luovuudessaan, vaan yrittivät myös ohittaa sen.

Maalauksessa vuosisadan vaihteessa alkaneet prosessit tapahtuivat yhtä intensiivisesti musiikissa ja kirjallisuudessa.

19.2.2 Musiikki. Tänä aikana S.V.:n kaltaiset erinomaiset säveltäjät asuivat ja sävelsivät musiikkia. Rahmaninov, A.N. Skrjabin, I.F. Stravinsky. Poistuttuaan Venäjältä vuonna 1917 S.V. Rahmaninov (1873-1943) vietti loppuelämänsä maanpaossa ja oli kova koti-ikävä kotimaahansa, jonka teemasta tuli pääteema hänen työssään. Hän on kirjoittanut merkittäviä teoksia: neljä konserttoa pianolle ja orkesterille, preludit, etüüdit-kuvat, kolme sinfoniaa, "Sinfoniset tanssit" orkesterille, oopperat "Aleko", "The Miserly Knight", "Francesca da Rimini", "Liturgia" St. John Chrysostomos, "All-Night Vigil" ja romansseja. Hänen musiikkiteoksissaan yhdistyvät melodia ja ylevä emotionaalisuus. Rahmaninov- yksi maailman suurimmista pianisteista.

Toisen hopeakauden erinomaisen säveltäjän musiikissa- A. N. Skrjabin (1871-1915) jäljittelee siirtymistä realismista impressionismiin ja impressionismista ekspressionismiin. Skrjabinin työ paljasti pyrkimyksen tuntemattomiin kosmisiin sfääreihin. Musiikin ilmaisukeinojen keksijä, Skrjabin kehitti idean kevyestä musiikista ja esitteli ensimmäistä kertaa musiikillisessa käytännössä valon osan sinfoniseen runoon "Prometheus".

JOS. Stravinsky (1882-1971)– kirjoittajabaletteja"Persilja", "Kevätpyhä", "Lämpö- lintu", liittyvätKanssapakanallinenarkaainen, venäläisetkansanperinneJarituaalisuus. SISÄÄNVenäjäStravinskyasunutennen 1914 G., Asitten– takanarajaa. SävellyksetHänoppinutopiskeli N.A. Rimski-Korsakovin johdolla; vuoteen 1911 asti hänen musiikillisia mallejaan olivat N.A. Rimski-Korsakov ja A.K. Glazunov (1865-1937), baletin "Raymonda" kirjoittaja. Elämänsä eri aikoina Stravinsky kääntyi eri musiikkisuuntauksiin: uusfolklorismiin, muinaiseen polyfoniaan ja dodekafoniaan. Italialainen kirjailija A. Moravia kirjoitti, että Stravinsky, Picasso ja Joyce "avasivat oven 1900-luvun kulttuuriin".

1900-luvun ensimmäisinä vuosikymmeninä. Venäjällä myös vanhempi sukupolvi loi omia teoksiaan. PÄÄLLÄ. Tänä aikana Rimski-Korsakov kirjoitti kolme upeaa ooppera-satua: "Koschei the Immortal", "Legend of the Invisible City of Kitezh...", "The Golden Cockerel". S.I.:n työ erottui filosofisesta suuntautumisestaan. Tanejev (1856-1915) (kantaatti "Johannes Damaskuksesta" ja "Psalmin lukemisen jälkeen").

Julkaisut Teatterit-osiossa

10 hopeaajan teatteritaiteilijaa

1800-luvulla ja 1900-luvun alussa taiteilijat usein paitsi maalasivat kuvia, myös suunnittelivat teatterikohtauksia. Monet heistä työskentelivät Sergei Djagilevin venäläisille tuotantokausille ja loivat lavasteita Savva Mamontovin Moskovan yksityisoopperaan, Bolshoi- ja Mariinski-teattereihin. Portaali "Culture.RF" puhuu kymmenestä maalaresta, jotka ovat osoittautuneet tuotantosuunnittelijoiksi.

Mstislav Dobuzhinsky

Mstislav Dobuzhinsky. Sininen olohuone. Ivan Turgenevin Kuukausi maassa -elokuvan ensimmäisen näytöksen lavastus. 1909. Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Mstislav Dobuzhinsky. Comuksen pukusuunnittelu Bruilletin ja Palapran komediaan "Lakimies Patlen". 1915. Venäjän valtionmuseo, Pietari

Mstislav Dobuzhinsky. Katu kaupungissa. Lavastus Pjotr ​​Potjomkinin näytelmään "Petrushka". 1908. Valtion keskusteatterimuseo nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Mstislav Dobuzhinsky esitti ensimmäiset teatteriteoksensa Moskovan taideteatterin tilauksesta. Yksi menestyneimmistä oli Turgenevin näytelmään "Kuukausi maassa" perustuva esityksen suunnittelu. Taiteilija muisteli työtään tässä tuotannossa seuraavasti: ”Konstantin Sergeevitšin kanssa, huolimatta vuosien huomattavasta erosta, sain heti suuren hengellisen lähentymisen. Hän ei hämmentynyt minua paljoa ja tiesi kuinka keskustella epätavallisen mukavasti. Kuukausi maalla kohtaamani tehtävä oli paljon syvällisempi ja enemmän kuin pelkkä "kauniiden kehysten" luominen näytelmälle. Pääsin täysin uuteen ja poikkeukselliseen työilmapiiriin, ja se, mitä Stanislavsky paljasti minulle, oli valtava koulu minulle..

Hän suunnitteli myös Moskovan taideteatterissa esitykset "Nikolai Stavrogin", jotka perustuvat Dostojevskiin, Turgenevin "Missä laiha, siellä se katkeaa", "Vapaakuormaaja" ja "Provincial Woman". Taiteilijan viimeinen työ Moskovan taideteatterissa oli toinen Dostojevskin tuotanto "Stepantšikovon kylä". Tähän mennessä Stanislavskyn ja Dobuzhinskyn välille oli kertynyt luovia erimielisyyksiä, minkä vuoksi he lopettivat yhteistyön. Tästä huolimatta taiteilija muisti Stanislavskyn aina lämpimästi.

Maanpaossa Dobuzhinsky työskenteli paljon Kaunasin teatterissa - siellä hän esitti kymmenen oopperaa, muun muassa "Patakuningatar", "Pagliacci", "Boris Godunov", sekä kriitikkojen mukaan parhaan esityksensä "Don Juan". ”. Dobužinski valmisteli myös maisemat Mihail Fokinen baletille Venäläinen sotilas ja työskenteli Mihail Tšehovin kanssa Lontoon Demonit-tuotannossa. Yhdysvaltoihin, jonne hän muutti elämänsä lopussa, hän onnistui suunnittelemaan yhdessä Fjodor Komissarzhevskin kanssa Giuseppe Verdin näytelmän "Un ballo in maschera" Metropolitan-oopperassa ja Alban Bergin "Wozzeck" New Yorkin oopperassa. .

Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Metsä. Lavastusluonnos Nikolai Rimski-Korsakovin oopperaan "Tarina Kitezhin näkymättömästä kaupungista". 1918. Valtion keskusteatterimuseo, joka on nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Konstantin Korovin. Kleopatran palatsi, Egyptiläinen sali. Lavastus Nikolai Rimski-Korsakovin ooppera-balettiin Mlada. 1916. Yksityinen kokoelma

Konstantin Korovin. Tanssi. Lavastusluonnos Cesar Pugnin baletin ”Pieni kyhäselkähevonen” tuotantoon Mariinski-teatterin näyttämöllä Pietarissa. 1912. Pietarin valtion teatteri- ja musiikkitaiteen museo, Pietari

Konstantin Korovin otti ensimmäiset askeleensa lavastajana Savva Mamontovin yksityisoopperassa. Siellä hän suunnitteli vuonna 1885 Otto Nicolainin The Merry Wives of Windsorin. Seuraavien 15 vuoden aikana Korovin työskenteli Mamontov-teatterissa tusinassa tuotannossa - muun muassa "Aida", "Samson ja Delilah" ja "Khovanshchina". Kriitikot kirjoittivat hänen maisemistaan ​​Leo Delibesin Lakmé-oopperaan: "Kaikki kolme taiteilija Korovinin "Lakme" -sarjaa ovat melko kauniita - niistä tulee ehdottomasti Intian trooppista lämpöä. Puvut on tehty maulla, lisäksi ne ovat alkuperäisiä".

Myöhemmin Korovin työskenteli Bolshoi-teatterissa, jossa hän suunnitteli "Merenneidon" ja "Kultaisen kukon", ja Mariinski-teatterille hän valmisteli maisemat Rubinsteinin "Demonille". Kuten taiteilija kirjoitti: ”Värit, värisoinnut, muodot – tämä on tehtävä, jonka asetin itselleni baletin ja oopperateatterin koristemaalauksessa”. Huolimatta neljänkymmenen vuoden kokemuksesta ja yli sadasta lavastetusta esityksestä, Korovinilla ei aluksi ollut kysyntää maastamuutossa. Mutta kun venäläinen ooppera avattiin Pariisissa, taiteilija palasi suosikkiammattiinsa ja loi maisemat prinssi Igorille.

Aleksanteri Golovin

Aleksanteri Golovin. Hautaushalli. Lavastus Mihail Lermontovin draamaan "Masquerade". 1917. Valtion keskusteatterimuseo, joka on nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Aleksanteri Golovin. Kultainen sali. Lavastus Pjotr ​​Tšaikovskin baletille "Jotutsenjärvi". 1901. Valtion keskusteatterimuseo, joka on nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Aleksanteri Golovin. Kruunaus. Lavastusluonnos Modest Mussorgskin Boris Godunov-oopperan prologille. 1908. Valtion keskusteatterimuseo nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Aleksanteri Golovin tuli Bolshoi-teatteriin Vasili Polenovin suosituksesta - täällä hän loi maiseman Arseny Koreshchenkon oopperoille "Jäätalo" ja Nikolai Rimski-Korsakovin "Pihkovan nainen". Taiteilija muisteli: ”En halunnut aloittaa alusta, eli ensimmäisestä kuvasta ja siirtyä sitten toiseen, kolmanteen jne., vaan aloitin joko lopusta, viimeisestä kuvasta tai keskeltä. Joten kun esitin Jäätalon, aloitin kuvalla aamunkoitosta mustalaisleirin yli.

Työn vaikeus oli, että minun piti tehdä kaikki itse: en koskaan osannut kertoa, mitä tarkalleen tarvitsen, mitä halusin, ja tein aina mieluummin itse kuin uskoin sen assistenttien tehtäväksi.

Golovin työskenteli myös Diaghilevin Venäjän vuodenaikoina Pariisissa - hän suunnitteli Modest Mussorgskin oopperan Boris Godunov ja Igor Stravinskyn baletin Tulilintu. Hän valmisteli tuotantoja myös Mariinski-teatterille: hän suunnitteli siellä yhteensä 15 esitystä. Yhdessä Vsevolod Meyerholdin kanssa Golovin ohjasi Orpheuksen ja Eurydiken, Electran ja Kivivieraan. Meyerhold kirjoitti: "Kaksi nimeä ei koskaan katoa muististani: Golovin ja edesmennyt Nikolai Sapunov, he ovat niitä, joille, kuten minulle, avattiin salaiset ovet ihmeiden maahan.". Meyerholdin ja Golovinin viimeinen yhteinen teos oli Lermontovin naamiainen. Golovin kirjoitti tähän esitykseen noin neljä tuhatta piirustusta ja luonnosta maisemista, kankaista ja rekvisiittasta. Vallankumouksen jälkeen heidän luova liittonsa hajosi. Vuonna 1925 Moskovan taideteatterissa Golovin suunnitteli Figaron häät sekä Othellon - tämä esitys oli taiteilijalle viimeinen.

Vasily Polenov

Vasily Polenov. Hautausmaa sypressipuiden keskellä. Luonnos Christophe Gluckin oopperalle "Orpheus ja Eurydice". 1897. Valtion keskusteatterimuseo, joka on nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Vasily Polenov. Hall maagisessa linnassa. Sisustus luonnos. 1883. Valtion historiallinen, taide- ja kirjallisuusmuseo-reservaatti “Abramtsevo”, Moskovan alue

Vasily Polenov. Atrium. Sisustus luonnos. 1879. Valtion historiallinen, taide- ja kirjallisuusmuseo-reservaatti “Abramtsevo”, Moskovan alue

Vasili Polenovin kuuluisien tuotantojen joukossa ovat Savva Mamontovin näytelmään perustuvan sadun "Scarlet Rose" suunnittelu ja Christophe Gluckin "Orpheus ja Eurydice" -maisema, joka on tehty Savva Mamontovin yksityiselle oopperalle. Hän suunnitteli myös Pjotr ​​Tšaikovskin Orleansin piikan. Mutta Polenov ei vain työskennellyt muissa teattereissa, vaan myös järjesti omansa. Yhdessä lastensa kanssa hän näytti esityksiä tilansa vieressä sijaitsevan maaseutukoulun oppilaille. Vallankumouksen jälkeen talonpojat alkoivat leikkiä teatterissa. Näin taiteilija kuvaili sitä: "Meillä on kaksi teatteriryhmää, jotka on perustettu tänne talonpoikien keskuuteen... Esiintyjien tai taiteilijoiden, kuten me heitä kutsumme, joukossa on erittäin lahjakkaita ja henkisiä. Tyttäreillä on kiire ohjaamisessa, puvuissa, meikkauksessa, mutta he osallistuvat myös itse, ja minä kirjoitan lavasteita, sovitan lavaa ja teen rekvisiitta..

Lev Bakst

Lev Bakst. Lavastus baletille "Scheherazade" Nikolai Rimski-Korsakovin musiikkiin. 1910. Yksityinen kokoelma

Lev Bakst. Pukusuunnittelu Kleopatralle Ida Rubinsteinille balettiin "Cleopatra" Anton Arenskyn musiikkiin. 1909. Yksityinen kokoelma

Lev Bakst. Lavastus baletille Daphnis ja Chloe. 1912. Yksityinen kokoelma

Yksi Lev Bakstin ensimmäisistä teatteriteoksista oli Joseph Bayerin vuonna 1900 lavastettu baletti "Nukekiju". Bakst työskenteli paljon Eremitaasi- ja Alexandrinsky-teattereissa. Myöhemmin hän teki yhteistyötä Sergei Diaghilevin Russian Seasons -elokuvan kanssa, minkä ansiosta hänet tunnustettiin Euroopassa. Bakst koristeli baletteja Cleopatra, Scheherazade, Carnival ja muut. Taiteilija oli erityisen hyvä antiikki- ja itämaisissa teoksissa. Teatterisuunnittelijana Bakst saavutti erityisen taidon pukujen luomisessa. Bakstin keksimät mallit eivät vain löytäneet paikkansa lavalla, vaan myös vaikuttivat vakavasti tuon ajan maailmanmuotiin. Bakst kuvaili luovaa menetelmäään seuraavasti: ”Jokaisessa värissä on sävyjä, jotka ilmaisevat joskus vilpittömyyttä ja siveyttä, joskus aistillisuutta ja jopa julmuutta, joskus ylpeyttä, joskus epätoivoa. Se voidaan... välittää yleisölle... Sitä minä yritin tehdä Scheherazadessa. Surullisen vihreän päälle laitan sinisen, täynnä epätoivoa... On juhlallisia punaisia ​​ja punaisia, jotka tappavat... Taiteilija, joka osaa hyötyä näistä ominaisuuksista, on kuin kapellimestari..."

Nicholas Roerich

Nicholas Roerich. Suuri uhraus. Luonnos Igor Stravinskyn baletille "Kevään riitto". 1910. Saratovin taidemuseo, joka on nimetty A.N. Radishcheva, Saratov

Roerichin ensimmäinen teatterikokemus tuli vuonna 1907: Pietarin muinaisen teatterin luojat Nikolai Evreinov ja Nikolai Drizen tilasivat hänet suunnittelemaan näytelmän "Kolme viisasta". Kriitikot kritisoivat tuotantoa yksimielisesti, mutta kehuivat kuitenkin maisemia. Myöhemmin Roerich suunnitteli Diaghilevin tilauksesta "Prinssi Igorin" ja "Pihkovan naisen" Venäjän vuodenaikoina (yhdessä taiteilijoiden Alexander Golovinin ja Konstantin Yuonin kanssa). Kuten ohjaaja Alexander Sanin kirjoitti Roerichille: "Sinä tulet olemaan loistava tässä asiassa." Jos sinua ei olisi olemassa, sinun pitäisi keksiä ja syntyä "Igorille".. Myös Pariisin lehdistö kirjoitti ihaillen taiteilijan teatteritöistä: "Minulla ei ole kunniaa tuntea Roerichia henkilökohtaisesti... Arvostan häntä vain Chateletin maisemien perusteella ja pidän niitä upeina... Kaikki, mitä näin Chateletissa, vie minut museoihin, kaikki osoittaa syvimmän historian tutkimuksen , ja kaikessa tässä ei ole rutiinia, banaalisuutta ja tylsiä konventioita, joihin teatteriyleisömme on niin tottunut...” Toinen Nicholas Roerichin teos Diaghileville oli Igor Stravinskyn baletti "Kevään riitto", jonka säveltäjä muistutti: ”Aloin työskennellä Roerichin kanssa, ja muutaman päivän kuluttua lavatoiminnan suunnitelma ja tanssien nimet keksittiin. Siellä asuessamme Roerich teki myös luonnoksia kuuluisista taustoistaan, hengeltään polovtsialaisia, sekä pukuluonnoksia prinsessan kokoelman autenttisten näytteiden pohjalta..

Viktor Vasnetsov

Viktor Vasnetsov. Lavastus Nikolai Rimski-Korsakovin oopperaan "The Snow Maiden". 1885. Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Viktor Vasnetsov. Prologi. Lavastus Nikolai Rimski-Korsakovin oopperaan "The Snow Maiden". 1881. Valtion historiallinen, taide- ja kirjallisuusmuseo-reservaatti "Abramtsevo", Moskovan alue

Viktor Vasnetsov. Lavastus Modest Mussorgskin oopperaan "Boris Godunov". 1898. Valtion keskusteatterimuseo, joka on nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Viktor Vasnetsov työskenteli vähän teatterin näyttämöllä, mutta hänen luonnoksistaan ​​Aleksanteri Ostrovskin "The Snow Maideniin" tuli innovatiivisia venäläisessä lavastustaiteessa. Ensin Vasnetsov suunnitteli kotiesityksen Savva Mamontovin Abramtsevon tilalla. Muuten, Vasnetsov ei vain esittänyt maisemia, vaan myös näytteli joulupukin roolia; Ilja Repin oli bojaari Bermyata ja Savva Mamontov itse oli tsaari Berendei. Kolme vuotta myöhemmin Viktor Vasnetsov toisti The Snow Maidenin suunnittelun, mutta Savva Mamontovin Moskovan yksityiselle oopperalle. Taiteilija sai inspiraationsa muinaisesta venäläisestä arkkitehtuurista ja kansantaidoista. Näin kriitikko Vladimir Stasov kirjoitti tästä tuotannosta: "Vasnetsov sävelsi kaikki puvut ja lavasteet - mukaan lukien Berendejevin kammio." Nämä ovat todellisia teatterin ja kansallisen luovuuden mestariteoksia. Koskaan aikaisemmin, sikäli kuin voin arvioida, kenenkään mielikuvitus ei ole mennyt niin pitkälle ja niin syvälle muinaisen Venäjän, upean, legendaarisen, eeppisen arkkitehtonisten muotojen ja koristeiden uudelleen luomisessa. Kaikki, mikä jää meille arkielämän katkelmiin muinaisesta venäläisestä elämästä, koruompeluissa, suosituissa printeissä, piparkakkuissa, muinaisissa puisissa kaiverruksissa - kaikki tämä on yhdistetty tähän upeaan, vertaansa vailla olevaan kuvaan. Täällä avautuvat laajat, etäiset horisontit ihailemaan ja opiskelemaan paitsi taiteilijoita, myös kaikkia.".

Ivan Bilibin

Ivan Bilibin. Dadonin kammiot. Lavastus Nikolai Rimski-Korsakovin oopperaan Kultainen kukko. 1909. Taiteen ja historian arkistojen kokoelma, Berliini, Saksa

Ivan Bilibin. Pieni Kitezh Volgalla. Lavastusluonnos Nikolai Rimski-Korsakovin oopperan "Legenda näkymättömästä kaupungista Kitezhistä ja Neitsyt Fevroniasta" toiselle näytökselle. 1934. Yksityinen kokoelma

Ivan Bilibin. Shamakhanin kuningattaren teltta. Lavastus Nikolai Rimski-Korsakovin oopperaan Kultainen kukko. 1909. Taiteen ja historian arkistojen kokoelma, Berliini, Saksa

Ivan Bilibin tunnetaan ennen kaikkea venäläisten satujen ja eeposten kuvituksistaan. Mutta hän osoitti olevansa myös teatteritaiteilija. Hänen töihinsä kuuluu balettisarja "Russian Dances". Hän kirjoitti tämän tuotannon pukusuunnittelusta: "Oliko tämä puku kaunis? Hän oli mahtava. Siellä on liikkeen kauneutta ja rauhan kauneutta. Otetaan esimerkiksi venäläinen tanssimme. Mies tanssii kuin demoni, peittäen polvensa huimaa vauhtia, vain murtaakseen tanssin keskipisteen majesteettisen rauhan - naisen, ja hän seisoo melkein paikallaan kauniissa rauhanasussaan liikuttaen vain hieman olkapäitään.".

Hän suunnitteli Lope de Vegan "Fuente Ovejuna" muinaiselle teatterille, "Kultainen kukko" Nikolai Rimski-Korsakovin ja Aleksei Verstovskin "Askoldin hauta" yksityiselle Moskovan Zimin-oopperateatterille, "Ruslan ja Ljudmila" Mihail Glinkan ja Nikolai Rimski-Korsakovin "Sadko" - Pietarin kansantaloteatterille. Kuten muutkin 1900-luvun alun taiteilijat, Bilibin työskenteli Venäjän vuodenaikoina Pariisissa - hän osallistui oopperan "Boris Godunov" ja tanssisarjan "The Feast" suunnitteluun. Maanpaossa Bilibin suunnitteli venäläisten oopperoiden "Tsaarin morsian", "Prinssi Igor", "Boris Godunov" tuotantoja Théâtre des Champs-Élysées'ssä ja suunnitteli Igor Stravinskyn baletin "Tulilintu" Teatro Colonissa Buenos Airesissa. .

Alexander Benois

Alexander Benois. Reilu. Lavastus Igor Stravinskyn "Petrushkalle". 1911. Venäjän Bolshoi Akateemisen teatterin museo, Moskova Igor Grabar kirjoitti taiteilijasta: ”Benois'lla on monia intohimoja, mutta suurin niistä on intohimo taiteeseen ja taiteen alalla kenties teatteriin... Hän on teatraalisin ihminen, jonka olen koskaan tavannut elämässäni, yhtä teatraalinen kuin Stanislavsky itseään kuin Meyerholdia..."

Euroopassa Benois tuli tunnetuksi osallistumalla Diaghilevin venäläisiin vuodenaikoihin: hän suunnitteli baletit La Sylphide, Giselle ja Satakieli. Mutta hänen paras menestys oli Stravinskyn baletin "Petrushka" maisema, jolle hän myös kirjoitti libreton. Benois työskenteli myös paljon Stanislavskyn kanssa Moskovan taideteatterissa - hän suunnitteli Molieren näytelmät "Kuvitteellinen Invalid" ja "Tartuffe", Goldonin "Majatarhan emäntä". Stanislavsky muisti taiteilijan näin: ”Benoit osoittautui viehättäväksi. Hän kuuntelee, käy mielellään kaikenlaisissa testeissä ja muutostöissä ja haluaa ilmeisesti ymmärtää lavan salaisuudet. Hän on erinomainen ohjaaja-psykologi, joka tarttui erinomaisesti ja välittömästi kaikkiin tekniikoihimme ja oli heidän mukanaan. Erittäin ahkera. Sanalla sanoen, hän on teatteriihminen.". Maanpaossa Benois työskenteli Pariisin Grand Opera Theatressa, missä hän loi maiseman Igor Stravinskyn Keijun suudelmalle. Sergei Sudeikin. Olympiassa. Lavastus Jacques Offenbachin teokseen "The Tales of Hoffmann". 1915. Valtion keskusteatterimuseo nimetty A.A. Bakhrushina, Moskova

Sergei Sudeikinin ensimmäiset teokset teatterissa, kuten monet hänen aikansa taiteilijat, tulivat mahdollisiksi yhteistyön ansiosta Savva Mamontovin kanssa. Povarskajan studioteatterissa hän suunnitteli Maeterlinckin "Tentageillen kuoleman". Myöhemmin hän työskenteli toisessa Maeterlinck-näytelmässä, "Sisar Beatrice", josta Alexander Blok kirjoitti: "Ikään kuin nämä satunnaiset katsojat olisivat tunteneet "ihmeen hengityksen", jolla näyttämö kukoisti, tunnistimme suuren jännityksen, jännityksen rakkaudesta, siivistä, tulevaisuuden ilosta.".

Uudessa draamateatterissa Sudeikin teki maisemat Caesarille ja Kleopatralle Fjodor Komissarževskin johdolla. Maly-teatterissa hän suunnitteli baletit Swan Lake, Cavalry Halt ja Vain Precaution. Diaghilev palkkasi Sudeikinin suunnittelemaan Claude Debussyn Faunin iltapäivä ja Igor Stravinskyn Kevään rituaalit sekä Florent Schmidtin Salomen tragedia. Maanpaossa Sudeikin oli lavastussuunnittelija kabareessa "Die Fledermaus" Pariisissa ja työskenteli Metropolitan Operassa New Yorkissa.

Hopeakausi venäläisessä taiteellisessa kulttuurissa

Hopeakausi venäläisen taiteen historiassa on korkeimman nousun aikaa, jota voidaan ehkä verrata impressionismin aikakauden ranskalaisen taiteen nousuun. Uusi tyyli venäläiseen taiteeseen syntyi 80-luvulla. XIX vuosisadalla saanut vahvasti vaikutteita ranskalaisesta impressionismista. Sen kukoistusaika merkitsi 1800- ja 1900-lukujen vaihtoa. Ja 10-luvun lopulla. 1900-luvulla venäläisen taiteen jugendtyyli, johon hopeakausi liittyy, on väistymässä uusiin suuntiin.

Useiden vuosikymmenien ajan taantumuksensa jälkeen hopeakauden taidetta pidettiin dekadenttina ja mauttomana. Mutta toisen vuosituhannen loppua kohti arviot alkoivat muuttua. Tosiasia on, että henkisen kulttuurin kukintaa on kahdenlaisia. Ensimmäiselle on ominaista voimakkaat innovaatiot ja suuret saavutukset. Eläviä esimerkkejä tästä ovat 5.–4. vuosisadan kreikkalaiset klassikot. eKr. ja erityisesti Euroopan renessanssi. Venäläisen kulttuurin kulta-aika on 1800-luku: A. S. Pushkin, N. V. Gogol, A. A. Ivanov, P. I. Tšaikovski, L. N. Tolstoi, F. M. Dostojevski ja monet muut. Toinen tyyppi erottuu luomiensa arvojen hienostuneisuudesta ja hienostuneisuudesta, se ei pidä liian kirkkaasta valosta ja liittyy kuuhun, joka puolestaan ​​​​perinteisesti tunnistetaan hopeaan ja naiseuteen (toisin kuin maskuliininen auringonpaiste ja kulta). Hopeakauden taide kuuluu ilmeisesti toiseen tyyppiin.

Hopeaaika venäläisessä kulttuurissa on laaja käsite. Tämä ei ole vain modernismin maalausta ja arkkitehtuuria, ei vain symbolistista teatteria, joka ilmensi ajatusta taiteiden synteesistä, kun taiteilijat ja säveltäjät työskentelivät näytelmän näyttämiseksi yhdessä ohjaajien ja näyttelijöiden kanssa, se on myös kirjallisuutta. symboliikka ja erityisesti runous, joka tuli maailmankirjallisuuden historiaan nimellä "hopeakauden runous". Ja kaiken muun lisäksi tämä on aikakauden tyyli, tämä on elämäntapa.

Vielä 1800-luvun puolivälissä. Romantismin edustajat haaveilivat yhtenäisen tyylin luomisesta, joka voisi ympäröidä ihmisen kauneudella ja siten muuttaa elämää. Maailman muuttaminen taiteen keinoin - tämä oli Richard Wagnerin ja esirafaeliisien kauneuden luojille asetettu tehtävä. Ja jo 1800-luvun lopulla. Oscar Wilde väitti, että "elämä jäljittelee taidetta enemmän kuin elämisen taitoa". Käyttäytymisen ja elämän teatralisointi oli selvä, peli alkoi määrittää paitsi taiteellisen kulttuurin luonnetta myös sen tekijöiden elämäntapaa.

Runon tekeminen elämästäsi oli supertehtävä, jonka hopeakauden sankarit asettivat itselleen. Runoilija Vladislav Khodasevich selittää sen näin: ”Symbolistit eivät ensinnäkään halunneet erottaa kirjailijaa persoonallisuudesta, kirjallista elämäkertaa henkilökohtaisesta. Symbolismi ei halunnut olla vain taidekoulu, kirjallinen liike. Hän pyrki koko ajan luovaksi menetelmäksi elämässä, ja tämä oli hänen syvin, ehkä mahdoton totuus; ja tässä jatkuvassa pyrkimyksessä tapahtui olennaisesti koko hänen historiansa. Se oli sarja, joskus todella sankarillisia yrityksiä löytää moitteettoman todellinen elämän ja luovuuden fuusio, eräänlainen filosofinen taiteen kivi."

Tällä yrityksellä oli myös varjopuolia. Liian moitteeton puhe ja eleet, järkyttävät puvut, huumeet, spiritismi – vuosisadan vaihteessa kaikki nämä olivat merkkejä valitusta ja synnyttivät eräänlaista snobismia.

Kirjallinen ja taiteellinen bohemia, joka asettui jyrkästi joukkoihin, etsi uutuutta, epätavallisuutta ja akuutteja kokemuksia. Yksi tavoista selviytyä arjesta oli okkultismi sen monipuolisimmissa ilmenemismuodoissa. Taika, spiritualismi ja teosofia houkuttelivat uusromanttisia symbolisteja paitsi värikkäänä materiaalina taideteoksille myös todellisina tavoina laajentaa omaa henkistä horisonttiaan. He uskoivat, että maagisen tiedon hallitseminen tekee ihmisestä lopulta jumalan, ja tämä polku on täysin yksilöllinen kaikille.

Venäjälle on noussut uusi kirjallisen ja taiteellisen älykkyyden sukupolvi; hän erosi huomattavasti "60-luvun" sukupolvesta paitsi luovien kiinnostusten vuoksi; Myös ulkoiset erot olivat silmiinpistäviä. Miriskusnikit, goluborozovit, symbolistit, acmeistit kiinnittivät vakavaa huomiota pukuun ja yleisilmeeseen. Tätä suuntausta kutsutaan venäläiseksi dandyismiksi; se on tyypillistä selkeästi länsimaisille ihmisille.

Yu.B. Demidenko kirjoittaa: "On mahdotonta kuvitella K.A. Somovia, tunnustettua uljasten kohtausten mestaria, "joka loi maalauksissaan huolellisesti ja rakkaudella uudelleen "viehättäviä ja ilmavia pienten esineiden hengen", pukeutuneena tylsään vanhaan- muokattu mekkotakki tai tumma työpusero. Hän käytti erikoisleikattuja takkeja ja erittäin tyylikkäitä solmioita." M. Vrubel ja V. Borisov-Musatov, L. Bakst, S. Diaghilev ja muut maailman taiteilijat pukeutuivat yhtä tyylikkäästi. Tästä on paljon todisteita. Mutta Mihail Kuzminia pidetään oikeutetusti Pietarin kuninkaana hopeakauden esteetteinä. Valkoinen kivi ei jäänyt jälkeen; monilla "Golden Fleece"- ja "Libra" -lehtien toimitusten työntekijöillä oli myös täysi oikeus tulla kutsutuksi venäläisiksi dandikeiksi.

Elämän teatralisointi sujui sujuvasti karnevaaliksi. Toisin kuin länsimaista esteettistä bohemiaa, kansallisen idean kannattajat pukeutuivat kylä- ja useammin näennäiskyläasuihin. Päällystakit, silkkipaidat, marokkosaappaat, napakengät jne. Yesenin, Klyuev, Chaliapin, Gorky käyttivät sitä mielellään. Sekä länsimaalaiset että slavofiilit olivat vuosisadan alussa yhtä alttiita halulle ilmaista esteettisiä periaatteitaan käyttäytymisessä ja näin siltaa elämän ja taiteen välistä kuilua.

Hopeakausi Venäjällä synnytti melkoisen määrän kaikenlaisia ​​piirejä ja tapaamisia eliittille. World of Artin perustajat aloittivat matkansa järjestämällä itseopiskelupiirin, he kutsuivat itseään autodidakteiksi. Ensimmäisissä tapaamisissa tehtiin raportteja kuvataiteen kehitykseen liittyvistä aiheista.

Tunnetuin ja samalla hyvin salaperäisin tapaaminen Pietarissa vuosisadan alussa olivat keskiviikot

Vjatšeslav Ivanov - legendaarisessa tornissa. Yksi syvällisimmistä venäläisen symbolismin ajattelijoista, Vjatš Ivanov, rakasti F. Nietzschen filosofiaa ja oli syvällinen antiikin kulttuurin tuntija; Hän oli erityisen kiinnostunut dionysilaisista mysteereistä (hänen tätä aihetta käsittelevä pääteoksensa "Dionysos ja esidyonysismi" julkaistiin myöhässä vasta vuonna 1923). Ivanovin asunnosta, joka sijaitsee Tavricheskaja-kadun kulmarakennuksen ylimmässä kerroksessa, tornista päin avautui, tuli symbolismin taiteellisen ja kirjallisen eliitin kokoontumispaikka. K. Somov, M. Dobuzhinsky, A. Blok, Z. Gippius, F. Sologub, Vs. Meyerhold, S. Sudeikin vierailivat täällä usein. Ivanovin tornia ympäröi monia huhuja. Tiedetään luotettavasti, että siellä pidettiin dionysolaisia ​​pelejä juomien ja muinaisiin vaatteisiin pukeutuneena. Täällä pidettiin spiritistisiä seansseja, järjestettiin improvisoituja esityksiä, mutta pääasia oli raportit ja keskustelut erilaisista filosofisista, uskonnollisista ja esteettisistä aiheista. Vyach.Ivanov ja hänen samanmieliset ihmiset saarnasivat tulevaa Pyhän Hengen ilmestystä; oletettiin, että pian syntyy uusi uskonto - kolmas testamentti (ensimmäinen - Vanha testamentti - Isältä Jumalalta; toinen - Uusi testamentti - Jumalalta Pojalta; kolmas - Pyhästä Hengestä). Luonnollisesti ortodoksinen kirkko tuomitsi tällaiset ajatukset.

Tällaisia ​​piirejä ja yhteisöjä oli kenties kaikissa Venäjän valtakunnan kulttuurikeskuksissa; Hieman myöhemmin niistä tuli olennainen osa venäläisen siirtolaisen elämää.

Toinen merkki elämän teatralisoitumisesta hopeakaudella on monien kirjallisten ja taiteellisten kabareeiden synty. Pietarissa suosituimmat kabareeteatterit olivat "Stry Dog" ja "Comedians' Halt" ja Moskovassa "The Bat".

Nikita Balievin vuonna 1908 järjestämä kabareeteatteri "Lepakko" tuli erityisen kuuluisaksi vuonna 1915, kun se asettui kuuluisan pilvenpiirtäjän - Nirnzee-talon - kellariin Bolshoy Gnezdnikovsky Lane -kadulle. Taiteilija Sergei Sudeikin maalasi eteisen, ja verho valmistettiin hänen luonnostaan. Tämä kabareeteatteri kasvoi suoraan Moskovan taideteatterin iloisista sketsejä, jossa Nikita Baliev aloitti näyttelijänuransa. Lepakkon ohjelmisto koostui teatteriminiatyyreistä, operetteista ja melko vakavista esityksistä. Pöydissä pureskeluväkijoukko korvattiin lopulta katsojilla tuoliriveissä. Moskovan taiteellinen maailma lepäsi ja viihtyi täällä. Vuonna 1920 Baliev muutti joukon parhaan osan kanssa.

Joten Venäjältä peräisin oleva ja hopeaajan käsitteen synonyymiksi muodostunut yksittäinen tyyli oli todella universaali, koska - vaikkakin lyhyen aikaa - se kattoi paitsi kaikki luovuuden alueet, myös suoraan evien ihmisten elämän. de sièclen aikakausi. Jokainen hieno tyyli on tällainen.

Vrubel
1856 –1910

"Kuusiippinen serafi" on yksi Vrubelin viimeisistä teoksista. Hän kirjoitti sen sairaalassa vaikeassa mielentilassa. Uusimmissa maalauksissaan Vrubel siirtyy pois realismista hahmojen ja tilan kuvauksessa. Hän kehittää täysin erikoisen, vain hänelle ominaisen vedonmosaiikin, joka lisää muoviratkaisun koristeellisuutta. Hengellisen valon värähtelyn tunne läpäisee koko kuvan.

"Kuusiippinen serafi" on ilmeisesti saanut inspiraationsa A. S. Pushkinin kuuluisasta runosta "Profeetta". Kuva nähdään "Demonin" tasolla ja johtaa myöhempiin - "Profeetan pää" ja "Profeetta Hesekielin näky".

Serov
1865 –1911

World of Arts -opiskelijoista Valentin Serov oli lähinnä realistista perinnettä. Ehkä hän oli merkittävin hopeakauden venäläisistä muotokuvamaalareista. Hän loi muotokuvamaalauksia, joissa hahmo on edustettuna aktiivisessa vuorovaikutuksessa elinympäristön kanssa.

Yksi hänen viime kauden parhaista teoksistaan, prinsessa Olga Konstantinovna Orlovan muotokuva, vastaa tätä periaatetta. Kaikki täällä on rakennettu symmetrialle ja kontrasteille, mutta tuotu kuitenkin tiettyyn harmoniaan. Siten kuvattavan henkilön pää ja vartalo esitetään hyvin kolmiulotteisesti ja jalat saavat lähes litteän siluetin. Kolmio, johon kuvio on kirjoitettu, lepää terävässä kulmassa; kuvakehykset on suunnattu aggressiivisesti mallin päähän. Valtavan hatun kehystetty rauhallinen, ehdottoman itsevarma ilme näyttää kuitenkin pysäyttävän rikkaan sisustuksen esineiden äkilliset liikkeet. Ilmeisesti Serovilla oli melko ironinen asenne kuvattavaan henkilöön.

Roerich
1874 –1947

Nicholas Roerich ei ollut vain taiteilija, vaan myös historioitsija. Hänen kiinnostuksensa arkeologiaan on myös tunnettu. Tämä näkyy hänen taiteessa. Taiteilija oli erityisen kiinnostunut slaavilaisista pakanallisista antiikista ja varhaisesta kristinuskosta. Roerich on lähellä kaukaisen menneisyyden ihmisten henkistä maailmaa ja heidän kykyään liueta luonnossa.

Maalaus "Aleksanteri Nevski iskee Jarl Birgeriin" on erittäin onnistunut tyylitelmä muinaisesta pienoismallista. Ääriviivat ja paikalliset väritäplät ovat ratkaisevassa roolissa kuvassa.

Bakst
1866 –1924

Lev Bakst tuli lähemmäksi eurooppalaista jugendversiota kuin muut World of Art -taiteilijat. Tämä näkyy selvästi hänen teoksessaan "Dinner". Joustava ääriviiva, yleinen muototulkinta, lakoninen väri ja kuvan tasaisuus osoittavat sellaisten länsimaisten taiteilijoiden kuten Edvard Munchin, Andres Zornin ja muiden vaikutuksen Bakstiin.

Borisov-Musatov
1870 –1905

Kaikissa Borisov-Musatovin maalauksissa ilmaistaan ​​romanttinen unelma kauniista harmoniasta, joka on täysin vieras nykymaailmalle. Hän oli todellinen sanoittaja, herkkä luonnolle ja tunsi ihmisen fuusion luonnon kanssa.

"Reservoir" on ehkä taiteilijan täydellisin teos. Kaikki hänen teoksensa pääaiheet ovat läsnä täällä: muinainen puisto, "Turgenev-tytöt", staattinen kokonaisuus, rauhallinen väri, lisääntynyt "kuvakudos" koristeellisuus... "Reservoirin" sankaritaren kuvat kuvaavat taiteilijan sisarta ja vaimo.

Borisov-Musatov onnistui mestariteoksessaan kuvaamaan ajattoman tilan. Yleistetty neutraali nimi "Reservoir" herättää kuvan universaalista harmonisesta luonnon-ihmisen yhtenäisyydestä – jakamattomuudesta, ja kuva itsessään muuttuu hiljaista mietiskelyä vaativaksi merkiksi.

1800- ja 1900-luvun vaihteessa venäläisessä maalauksessa tapahtui merkittäviä muutoksia. Genrekohtaukset häipyivät taustalle. Maisema menetti valokuvalaatunsa ja lineaarisen perspektiivinsä ja muuttui demokraattisemmaksi väripisteiden yhdistelmän ja leikin perusteella. Muotokuvissa yhdistettiin usein taustan koristeellinen konventionaalisuus ja kasvojen veistoksellinen selkeys.

Uuden vaiheen alku venäläisessä maalauksessa liittyy luovaan yhdistykseen "World of Art". XIX vuosisadan 80-luvun lopulla. Pietarissa syntyi lukiolaisten ja taiteen ystävien piiri. He kokoontuivat yhden osallistujan asuntoon - Alexandra Benois. Viehättävä ja kykenevä luomaan luovan ilmapiirin ympärilleen, hänestä tuli piirin sielu alusta alkaen. Sen pysyvät jäsenet olivat Konstantin Somov ja Lev Bakst . Myöhemmin heihin liittyi Eugene Lanceray, Benoitin veljenpoika ja Sergei Diaghilev , joka tuli maakunnasta.

Ympyrän tapaamiset olivat luonteeltaan hieman klovnisia. Mutta sen jäsenten esittämät raportit valmisteltiin huolellisesti ja vakavasti. Ystäviä kiehtoi ajatus yhdistää kaikenlaista taidetta ja tuoda yhteen eri kansojen kulttuurit. He puhuivat huolestuneena ja katkerasti, että venäläistä taidetta tunnettiin vähän lännessä ja että kotimaiset taiteilijat eivät olleet tarpeeksi perehtyneet nykyeurooppalaisten taiteilijoiden saavutuksiin.

Ystävät kasvoivat, ryhtyivät luovuuteen ja loivat ensimmäiset vakavat teoksensa. Ja he eivät huomanneet kuinka Diaghilev päätyi ympyrän kärkeen. Entisestä provinssista tuli korkeasti koulutettu nuori mies, jolla oli hienostunut taiteellinen maku ja liiketaito. Hän ei itse harrastanut ammattimaisesti minkäänlaista taidetta, vaan hänestä tuli uuden luovan yhdistyksen pääjärjestäjä. Diaghilevin luonteessa tehokkuus ja hillitty laskelma esiintyivät rinnakkain jonkinlaisen seikkailun kanssa, ja hänen rohkeat hankkeensa toivat useimmiten menestystä.

Vuonna 1898 Diaghilev järjesti Pietarissa venäläisten ja suomalaisten taiteilijoiden näyttelyn. Pohjimmiltaan tämä oli ensimmäinen uuden suunnan taiteilijoiden näyttely. Tätä seurasi muita vernissaageja ja lopulta vuonna 1906 Pariisissa näyttely "Kaksi vuosisataa venäläistä maalausta ja kuvanveistoa". Venäjän "kulttuurin läpimurto" Länsi-Eurooppaan tapahtui Diaghilevin ja hänen ystäviensä ponnistelujen ja innostuksen ansiosta.

Vuonna 1898 Benois-Diaghilev-piiri alkoi julkaista "World of Art" -lehteä. Diaghilevin ohjelmallinen artikkeli totesi, että taiteen tarkoitus on luojan itsensä ilmaisu. Taidetta, Diaghilev kirjoitti, ei pitäisi käyttää havainnollistamaan mitään sosiaalisia oppeja. Jos se on aito, se on itsessään elämäntotuus, taiteellinen yleistys ja joskus ilmestys.

Nimi ”World of Art” siirtyi lehdestä luovalle taiteilijayhdistykselle, jonka selkärangan muodosti sama piiri. Sellaiset mestarit kuin V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan, N. K. Roerich liittyivät yhdistykseen. He kaikki muistuttivat vähän toisiaan ja työskentelivät erilaisissa luovissa tyyleissä. Silti heidän luovuudessaan, tunnelmissaan ja näkemyksissään oli paljon yhteistä.

”Mirskusniki” oli huolestunut teollisen aikakauden alkamisesta, kun valtavat kaupungit kasvoivat, kasvoivat kasvottomilla tehdasrakennuksilla ja asuivat yksinäisiä ihmisiä. He olivat huolissaan siitä, että taidetta, jonka tarkoituksena oli tuoda harmoniaa ja rauhaa elämään, puristettiin siitä yhä enemmän ja siitä tuli pienen "valittujen" piirin omaisuutta. He toivoivat, että taide, palattuaan elämään, pehmentää, henkistää ja yhdistää ihmisiä vähitellen.

"Miriskusniki" uskoi, että esiteollisina aikoina ihmiset joutuivat läheisempään kosketukseen taiteen ja luonnon kanssa. 1700-luku vaikutti heistä erityisen houkuttelevalta. Mutta he silti ymmärsivät, että Voltairen ja Katariinan aika ei ollut niin harmoninen kuin heistä näyttää, ja siksi muutamat Versaillesin ja Tsarskoe Selon maisemat kuninkaiden, keisarinnaiden, herrojen ja rouvien kanssa verhoavat lievään surun ja itseironiaan. . Jokainen tällainen A. N. Benoisin, K. A. Somovin tai E. E. Lancerayn maisema päättyy kuin huokauksella: harmi, että se on poissa ikuisesti! Harmi, että se ei todellakaan ollut niin kaunis!

Taidemaailman taiteilijoille hieman raskaalta tuntunut öljymaalaus haalistui heidän työssään taustalle. Vesivärejä, pastellia ja guassia käytettiin paljon useammin, mikä mahdollisti teoksia vaaleissa, ilmavissa väreissä. Piirustus oli erityinen rooli uuden sukupolven taiteilijoiden työssä. Kaiverrustaito heräsi henkiin. Suuri kunnia tästä kuuluu A.P. Ostroumova-Lebedevalle. Kaupunkimaiseman mestari hän vangitsi kaiverruksiinsa monia Euroopan kaupunkeja (Rooma, Pariisi, Amsterdam, Brugge). Mutta hänen työnsä keskiössä olivat Pietari ja sen palatsin esikaupunkialueet - Tsarskoje Selo, Pavlovsk, Gatchina. Pohjoisen pääkaupungin ankara ja hillitty ilme hänen kaiverruksissaan heijastui siluettien ja linjojen intensiiviseen rytmiin, valkoisen, mustan ja harmaan värien kontrasteihin.

Kirjagrafiikan ja kirjataiteen elpyminen liittyy "miriskusnikkien" luovuuteen. Taiteilijat eivät rajoittuneet kuvituksiin, vaan esittelivät kirjoihin aloitussivuja, monimutkaisia ​​vinjettejä ja jugendtyylisiä päätteitä. Kävi selväksi, että kirjan suunnittelun tulee olla läheisesti sidoksissa sen sisältöön. Graafinen suunnittelija alkoi kiinnittää huomiota yksityiskohtiin, kuten kirjan muoto, paperin väri, fontti ja koristelu. Kirjojen suunnittelussa oli mukana monia tuon ajan merkittäviä mestareita. Pushkinin "Pronssiratsumies" liittyi tiukasti Benoisin piirustuksiin ja Tolstoin "Hadji Murat" Lancerayn kuvituksiin. 1900-luvun alku kirjaston hyllyille on tallennettu monia laadukkaita kirjataiteen esimerkkejä.

World of Artin taiteilijat osoittivat anteliaasti kunnioitusta taiteelle, erityisesti musiikille. Tuon ajan taiteilijoiden koristeet - toisinaan hienosti hienostuneet, välillä tulen kaltaiset - yhdessä musiikin, tanssin ja laulun kanssa loivat häikäisevän ylellisen näytelmän. L. S. Bakst vaikutti merkittävästi baletin "Scheherazade" (Rimski-Korsakovin musiikkiin) menestykseen. A. Ya. Golovin suunnitteli baletin "The Firebird" (I. F. Stravinskyn musiikkiin) yhtä kirkkaalla ja juhlavalla tavalla. N.K. Roerichin maisemat oopperalle "Prinssi Igor" ovat päinvastoin hyvin hillitty ja ankara.

Monissa maissa teatterin näyttämöllä kiertänyt baletti "Petrushka" oli säveltäjä Igor Stravinskyn ja taiteilija Alexandre Benoisin yhteisteos. Yksinkertainen juoni siitä, kuinka Petrushka rakastui Balerinaan, soitti sulavasti, lievästi ironisesti ja surullisesti, herätti synkkiä ajatuksia taiteilijan kohtalosta häikäilemättömässä maailmassa, jossa vallitsee fyysinen voima ja karkeat intohimot.

Teatterimaalauksen saralla ”MirIskusnikit” olivat lähimpänä vaalitun unelmansa toteuttamista - erilaisten taiteiden yhdistämistä yhdeksi teokseksi.

World of Art -yhdistyksen kohtalo osoittautui vaikeaksi. Lehden ilmestyminen loppui vuoden 1904 jälkeen. Siihen mennessä monet taiteilijat olivat eronneet yhdistyksestä ja se oli kutistunut alkuperäisen ympyrän kokoiseksi. Sen jäsenten luovat ja henkilökohtaiset yhteydet jatkuivat useita vuosia. "Taiteen maailmasta" on tullut kahden vuosisadan rajan taiteellinen symboli. Siihen liittyy koko vaihe venäläisen maalauksen kehityksessä. Erityinen paikka yhdistyksessä oli M. A. Vrubel, M. V. Nesterov ja N. K. Roerich.

Mihail Aleksandrovitš Vrubel (1856 – 1910) oli monipuolinen mestari. Hän työskenteli menestyksekkäästi monumentaalisten seinämaalausten, maalausten, koristeiden, kirjojen kuvitusten ja lasimaalausten parissa. Ja hän oli aina oma itsensä, intohimoinen, intohimoinen, haavoittuvainen. Hänen teoksensa läpi kulkee kolme pääteemaa, kolme motiivia.

Ensimmäinen, hengellisesti ylevä, ilmeni ensinnäkin Kiovan Pyhän Kirillin kirkon ikonostaasille maalatussa nuoren Jumalanäidin ja Lapsen kuvassa.

Vrubelin demoniset motiivit saivat vaikutteita Lermontovin runoudesta. Mutta Vrubelin demonista tuli itsenäinen taiteellinen kuva. Vrubelille Demoni, langennut ja syntinen enkeli, osoittautui kuin toiseksi "minäksi" - eräänlaiseksi lyyriseksi sankariksi. Tämä teema kuultiin erityisen voimakkaasti elokuvassa "Istuva demoni". Voimakas Demonin hahmo peittää lähes koko kankaan. Näyttää siltä, ​​​​että hänen pitäisi nousta ylös ja suoriutua. Mutta kätesi ovat alhaalla, sormesi puristuvat tuskallisesti yhteen ja silmissäsi on syvä melankolia. Tämä on Vrubelin demoni: toisin kuin Lermontovin, hän ei ole niinkään armoton tuhoaja kuin kärsivä persoonallisuus.

Vuonna 1896 Vrubel maalasi Nižni Novgorodissa järjestettävään All-venäläiseen näyttelyyn paneelin ”Mikula Selyaninovich”, jossa hän antoi kansansankari-kyntäjälle sellaisen voiman, ikään kuin hän sisältäisi itse maan primitiivisen voiman. Näin Vrubelin teokseen ilmestyi kolmas suunta - eeppinen kansansuuntaus. Hänen "Bogatyr" oli kirjoitettu tässä hengessä, liioiteltuna voimakkaana, istuen valtavan hevosen selässä. Maalaus "Pan" on tämän sarjan vieressä. Metsäjumala on kuvattu ryppyisenä vanhana miehenä, jolla on siniset silmät ja vahvat kädet.

Vrubelin elämän viimeiset vuodet tuomittiin vakavaan mielenterveyteen. Valaistumisen hetkinä hänelle syntyi uusia ideoita - "Profeetta Hesekielin visio", "Kuusiikäinen serafi". Ehkä hän halusi yhdistää, yhdistää luovuutensa kolme pääsuuntaa. Mutta tällainen synteesi oli jopa Vrubelin voimien ulkopuolella. Hautajaistensa päivänä Benoit sanoi, että tulevat sukupolvet ”katsovat taaksepäin 1800-luvun viimeisiin vuosikymmeniin. kuten "Vrubelin aikakaudella"... Hänessä aikamme ilmaisi itsensä kauneimmalla ja surullisimmalla tavalla, johon se pystyi."

Mihail Vasilievich Nesterov (1862-1942) kirjoitti varhaiset teoksensa Wanderersin hengessä. Mutta sitten uskonnolliset aiheet alkoivat ilmestyä hänen töihinsä. Nesterov kirjoitti sarjan maalauksia, jotka on omistettu Sergei Radonezhille. Varhaisin niistä oli maalaus "Näky nuorille Bartolomeukselle" (1889-1890). Valkopäinen poika, josta oli määrä tulla Muinaisen Venäjän henkinen mentori, kuuntelee kunnioittavasti profeetallisia sanoja, ja koko luonto, loppukesän yksinkertainen venäläinen maisema, näytti olevan täynnä tätä kunnioituksen tunnetta. .

Luonnolla on erityinen rooli Nesterovin maalauksessa. Hänen maalauksissaan hän toimii "hahmona", joka parantaa yleistä tunnelmaa. Taiteilija menestyi erityisesti pohjoisen kesän hienovaraisissa ja läpinäkyvissä maisemissa. Hän rakasti maalaamaan Keski-Venäjän luontoa syksyn kynnyksellä, kun hiljaiset pellot ja metsät valmistautuivat sitä odottamaan. Nesterovilla ei juuri ole "autioituneita" maisemia ja maalaukset ilman maisemia ovat harvinaisia.

Nesterovin teosten uskonnolliset motiivit ilmenivät parhaiten hänen kirkkomaalauksessaan. Hänen luonnoksiensa perusteella tehtiin joitakin mosaiikkiteoksia Pietariin Aleksanteri II:n salamurhapaikalle rakennetun Kristuksen ylösnousemuksen kirkon julkisivuille.

Taiteilija loi koko gallerian muotokuvia Venäjän merkittävistä ihmisistä. Useimmiten hän kuvasi sankareitaan ulkoilmassa jatkaen suosikkiteemaa ihmisen ja luonnon välisestä "vuoropuhelusta". L. N. Tolstoi vangittiin Yasnaya Polyana -puiston syrjäisessä nurkassa, uskonnolliset filosofit S. N. Bulgakov ja P. A. Florensky - kävelyn aikana (maalaus "Filosofit").

Muotokuvauksesta tuli Nesterovin luovuuden pääsuunta neuvostovallan vuosina. Hän kirjoitti pääasiassa hengeltään läheisille ihmisille, venäläisille intellektuelleille. Hänen erityinen saavutuksensa oli akateemikko I. P. Pavlovin ilmeikäs muotokuva.

Nikolai Konstantinovitš Roerich (1874 – 1947) loi elämänsä aikana yli seitsemän tuhatta maalausta. He koristelivat monien kaupunkien museoita maassamme ja ulkomailla. Taiteilijasta tuli julkisuuden henkilö maailmanlaajuisesti. Mutta hänen työnsä alkuvaihe kuuluu Venäjälle.

Roerich tuli maalaamiseen arkeologian kautta. Jo lukiovuosinaan hän osallistui muinaisten hautausaitojen kaivauksiin. Nuoren miehen mielikuvitus maalasi eloisia kuvia kaukaisista aikakausista. Lukion jälkeen Roerich tuli samanaikaisesti yliopistoon ja Taideakatemiaan. Nuori taiteilija alkoi toteuttaa ensimmäistä suurta suunnitelmaansa - maalaussarjaa "Venäjän alku". Slaavit".

Ensimmäinen kuva tässä sarjassa, "Messenger. Sukupolvi sukupolven jälkeen nousi”, oli kirjoitettu Vaeltajien tavalla. Myöhemmin värillä alkoi olla yhä aktiivisempi rooli Roerichin maalauksessa – puhdas, intensiivinen, epätavallisen ilmeikäs. Näin maalattiin maalaus "Overseas Guests". Voimakkaalla sinivihreällä värillä taiteilija onnistui välittämään jokiveden puhtauden ja kylmyyden. Merentakaisen veneen keltainen karmiininpunainen purje roiskuu tuulessa. Hänen heijastuksensa murskataan aalloissa. Näiden värien leikkiä ympäröi valkoinen katkoviiva lentäviä lokkeja.

Kaikesta antiikin kiinnostuksestaan ​​huolimatta Roerich ei jättänyt modernia elämää, kuunteli sen ääniä ja pystyi saamaan kiinni sen, mitä muut eivät kuulleet. Hän oli syvästi huolissaan Venäjän ja maailman tilanteesta. Vuodesta 1912 lähtien Roerich loi sarjan outoja maalauksia, joissa ei näytä olevan erityistä toimintapaikkaa, aikakaudet sekoittuvat. Nämä ovat eräänlaisia ​​"profeetallisia unia". Yksi näistä maalauksista on nimeltään "Viimeinen enkeli". Enkeli nousee pyörteilevissä punaisissa pilvissä jättäen maan tulen nielaisemaan.

Sodan aikana maalatuissa maalauksissa Roerich yrittää luoda uudelleen uskonnon ja rauhanomaisen työn arvot. Hän kääntyy kansanortodoksisuuden motiiveihin. Hänen kankaillaan pyhät laskeutuvat maan päälle, ottavat pois ihmisiltä vaivaa ja suojelevat heitä vaaroilta. Roerich viimeisteli tämän sarjan viimeiset maalaukset vieraassa maassa. Yhdessä niistä ("Zvenigorod") muinaisesta temppelistä tulee ulos pyhät valkoisissa kaapuissa ja kultaisissa haloissa ja siunaavat maata. Neuvosto-Venäjällä tuohon aikaan oli kirkon vainoaminen, kirkkoja tuhottiin ja häpäistiin. Pyhät menivät ihmisten luo.

Dia 2

"Hopeaaika" on kahden vuosisadan risteys Venäjän historiassa: XIX ja XX. Tänä aikana ilmestyivät seuraavat taiteelliset suuntaukset: Realismi; Modernismi

Dia 3

Realismi. V.M. Vasnetsov

Viktor Mikhailovich Vasnetsov 1848 -1926 - venäläinen taiteilija, taidemaalari ja arkkitehti, historiallisen ja kansanperinnemaalauksen mestari. Gamayun 1897

Dia 4

Bogatyrs 1898

Dia 5

Modernismi

Modernismin perusperiaate: ajatus aiempien aikakausien taiteen kyvyttömyydestä taistella epävapautta ja epäinhimillisyyttä vastaan, kyvyttömyydestä vangita kaikkea tätä. Modernismin pääpiirre: taiteilija ohjaa tahtoaan ja luovuuttaan taistelemaan julmaa todellisuutta vastaan, pyyhkii aikaisempien ihanteiden rajat.

Dia 6

Modernismi kuvataiteessa on kulttuurikerros, joka kattaa monia käsitteitä: impressionismi, ekspressionismi, kubismi, symbolismi, futurismi.

Dia 7

Impressionismi

Impressionismi (vaikutelma - vaikutelma) on 1800-luvun lopun ja 1900-luvun alun taiteen liike. Ilmestynyt Ranskassa. Edustajat pyrkivät vangitsemaan todellista maailmaa sen liikkuvuudessa ja vaihtelevuudessa luonnollisimmalla ja puolueettomalla tavalla sekä välittämään ohikiitäviä vaikutelmiaan.

Dia 8

V.A. Serov

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) - venäläinen taidemaalari ja graafikko, muotokuvan mestari.

Dia 9

Taiteilijan serkut

Dia 10

Ekspressionismi

Ekspressionismi (sanasta expressio, "ilmaisu") on modernismin liike, joka sai suurimman kehityksensä 1900-luvun ensimmäisinä vuosikymmeninä, pääasiassa Saksassa ja Itävallassa. Ekspressionismi ei pyri niinkään toistamaan todellisuutta kuin ilmaisemaan kirjoittajan tunnetilaa.

Dia 11

Norjalaisen taiteilijan Edvard Munchin (1893) "The Scream" on ainutlaatuinen esitys ekspressionistisesta taiteesta.

Dia 12

Marc Chagall graafikko, taidemaalari, teatteritaiteilija, kuvittaja

Morsian tuulettimen kanssa 1911 Minä ja kylä 1911

Dia 13

Kubismi

Kubismi (fr. Cubisme) on 1900-luvun alussa syntyneen kuvataiteen, ensisijaisesti maalaustaiteen modernistinen liike, jolle on ominaista painokkaasti geometrisoitujen konventionaalisten muotojen käyttö, halu "jakaa" todellisia esineitä stereometrisiksi. primitiivit. Lentulov. Basil Siunattu. Soitto

Dia 14

Ljubov Sergeevna Popova

Filosofin muotokuva, 1915

Dia 15

Symboliikka

Symbolismi (ranskalainen Symbolisme) on yksi suurimmista taiteen liikkeistä, joka syntyi Ranskassa ja saavutti suurimman kehityksensä 1800- ja 1900-luvun vaihteessa, ensin Ranskassa, Belgiassa ja Venäjällä. Symbolistit muuttivat radikaalisti paitsi erilaisia ​​taidetyyppejä, myös itse suhtautumista siihen. Symbolistit käyttivät symboliikkaa, vähättelyä, vihjeitä, mysteeriä, arvoitusta.

Dia 16

MI. Vrubel

Mihail Aleksandrovich Vrubel (5. maaliskuuta 1856 – 1. huhtikuuta 1910) oli venäläinen taiteilija 1800- ja 1900-luvun vaihteessa, joka ylisti nimeään lähes kaikissa kuvataiteen tyypeissä ja genreissä.