Kuuluisat renessanssin taiteilijat. Suuret italialaiset taiteilijat

Angelico fra beatto
JOTTO DI BONDONE
Andrea manteny
Bellini Jovaani
Botticelli Sandro
Veronese Paolo.
Kyllä Vinci Leonardo
Jordon
Carpaccio Wittor
Michelangelo Bonarroti
Rafael Santia
Titian

Elvyttäminen tai renessanssi -
(Fr. Renaissance, Ital. Rinascimento) -
EPOCH Euroopan kulttuurin historiassa,
jotka tulivat korvaamaan keskiajan kulttuurin ja
uuden ajan kulttuurin edeltävä kulttuuri.
Esimerkinäinen aikakauden aikakauden aikakausi - XIV-XVI-luvulla.
Renessanssin erottuva piirre - kulttuurin maallinen luonne
ja sen antroposentrismi (eli kiinnostus, ennen kaikkea,
ihmiselle ja hänen toimintaansa).
On kiinnostunut muinaisesta kulttuurista,
Se tapahtuu kuin hänen "herätyksen" - termi ilmestyi.

Klassinen täysi herätys toteutettiin Italiassa,
Renessanssikulttuurissa, jonka erottaa ennaltaehkäisyn ajan
13 ja 14 vuosisadan vaihteen ilmiöt. (Pratorenesans), varhainen uudestisyntyminen (15-luvulla),
Korkea elvytys (15-luvun lopullinen 16 vuosisataa.),
Myöhempi uudestisyntyminen (16-luvulla).
Innovoinnin painopisteen varhaisen elpymisen aikakaudella
Kaikenlaisessa taiteessa Florentine School on tullut
Arkkitehdit (F. Bruneland, L.B. Alberti, B. Rossellino ja muut),
Kuvanveistäjät (L. Hibey, Donatello, Yakopo della Kverchar, A. Rosselino,
Desiderio da Stignano jne.), Maalaimet (Mazacho, Filippo Lippi,
Andrea del Kastano, PAOLO STUCHELLO, FRA Angeliko,
Sandro Botticelli ja muut), jotka ovat luoneet pehmeästi kiinteitä,
joilla on maailman sisäinen yhtenäisyys käsite,
levitä vähitellen koko Italiassa
(Creativity Piero della Francesca Urbino, Wittor Carpaccio,
F. Kosos Ferrarassa, A. Manteny Mantua, Antonello da Messina
Ja Giovanni Bellani Venetsiassa).
Korkealla uudestisyntymisjaksolla, kun humanistinen taistelu
Renaissance-ihanteet saivat voimakasta ja sankarillista luonnetta
Arkkitehtuuri ja kuvataiteet merkittiin leveydellä
Julkinen ääni, synteettinen yleistys ja kuvien voima,
Täysi henkinen ja liikunta.
Rakennuksissa D. Bramte, Rafael, Antonio da Sangallo saavutti
Sen APOGEE täydellinen harmonia, monumentaalisuutta ja selkeä suhteellisuus;
Humanistinen täyteys, rohkea taidetta taidetta,
Todellisuuden kattavuuden leveys on ominaista maailman suurimmalle
Tämän aikakauden taidon päälliköt - Leonardo da Vinci,
Raphael, Michelangelo, Georgeon, Titian.
1600-luvun toisesta neljänneksestä, kun Italia liittyi poliittisen kriisin politiikkaan
ja pettymys humanismin ajatuksissa, monien päälliköiden luovuutta
Hankittu monimutkainen ja dramaattinen luonne.
Myöhäisen renessanssin arkkitehtuurissa (Michelangelo, J. Yes Vigola,
Julio Romano, V. Perusti) Lisäsi kiinnostusta alueelliselle kehitykselle
sävellykset, rakennuksen toimittaminen laajalla kaupungin suunnittelusuunnitelmalla;
Niissä, jotka saivat rikkaat ja monimutkaiset julkiset rakennukset, temppelit,
Villach, Palazzo Clear Tectonics vaihdetaan
Intensiivinen konflikti Tectoniset voimat (Ya: n rakentaminen. Sansovino,
Alesi, M. Sanmikheli, A. Palladio).
Maalaus ja veistos myöhäisen herätyksen rikastettu
Ymmärtää maailman ristiriitoja, kiinnostusta kuvaan
Dramaattinen massatoiminta, spatiaaliseen dynamiikkaan
(Paolo Veronese, Ya. Tintoretto, Ya. Bassano);
Ennennäkemätön syvyys, monimutkaisuus, sisäinen tragedia
Kuvien psykologiset ominaisuudet myöhässä teoksissa
Michelangelo ja Titian.

Venetsialainen koulu

Venetian koulu, yksi tärkeimmistä viehättävästä Italian kouluista
Keskusta Venetsian kaupungissa (osittain myös pienissä kaupungeissa Terraferm
Venetsian vieressä sijaitsevan mantereen alueet).
Venetsialaiselle koululle viehättävän alkaneen valtakunta alkoi,
Erityistä huomiota värien ongelmiin, suoritusmuodon halu
Aistillinen täydellisyys ja maalaus.
Kaikkein kuullut venetsialaisen koulun saavutti aikakaudella
Varhain ja korkea uudestisyntyminen Antonello da Messinan työssä,
Avattu öljymaalausmahdollisuudet nykyaikaisille,
Täydellisten - Harmonisen Kuvien luojat Giovanni Bellini ja Georgon,
Suurin väri Titian, joka sisälsi kangasvalvojaan
Luontainen venetsialainen maalaus, iloisuus ja värikäs koko valikoima.
1500-luvun puolivälissä sijaitsevan venetsialaisen koulun 2. puoliskolla.
Virtuaalisuutta monen virtaavan maailman siirtämisessä, rakkaus juhla-silmälaseihin
ja pitkän muotoinen väkijoukko, jossa on ilmeinen ja piilotettu draama,
Hälyttävä tunne dynamiikan ja maailmankaikkeuden rajaton tunne
(Polaol Veronese ja Ya. Tintoretto).
17: ssä perinteisessä venetsialaisen koulun kiinnostusta värillisiin ongelmiin
D. FETTI: n teoksissa B. Strozzi et ai. Barokki maalauksen vastaanottajat,
Sekä realistiset suuntaukset karvagismin hengessä.
Venetian maalaus 18 V. ominaista kukoistava
Monumentaalinen koristeellinen maalaus (J. B. Tapolo),
Kotitalouksien lajityyppi (J. B. Podzetta, P. Long),
Dokumentti - tarkka arkkitehtoninen maisema - verit
(J. A. Kanaletto, B. Belto) ja Lyyrinen,
hienovaraisesti lähettämällä areikkaan ilmakehän jokapäiväisen elämän
Venetsian kaupunkikuva (F. Guard).

Florentine School

Florentine School, yksi johtavista italialaisista taidekouluista
Renessanssi Firenzen keskustassa.
Florentine-koulun muodostuminen, joka lopulta perustettiin 15. vuosisadalla,
vaikutti humanistisen ajattelun kukoistamiseen
(F. Petrarch, J. Bokcchcho, Licolo della Mirandola jne.),
Soveltamalla antiikin kulttuuriperintöä.
Florentine-koulun esi-isä Pratsoressance tuli Jotto,
liitetty sen koostumuksiin muovi vakuuttavuuteen ja
Elämän tarkkuus.
15 tuumaa. Renaissanssin taideteokset Firenzessä
Arkkitehti F. Bruneland, kuvanveistäjä Donatello,
Taidemaalari Mazacho, jota seuraa arkkitehti L.B. Alberti
Kuvanveistäjät L. Hibriti, Luca della Robbia, Deziderio Da Setgnano,
Benedetto da Mayan ja muut.
Florentine-koulun arkkitehtuurissa 1500-luvulla. Uusi tyyppi luotiin
Renaissance Palazzo, alkoi etsiä täydellistä temppelin rakennuksia,
ERA: n humanistiset ihanteet.
Florentine Schoolin visuaalisen taiteen osalta. ominaisuus
Intohimo perspektiivien ongelmiin, halukkuuden halu
Rakentaa ihmisen kuva
(Teokset A. del Verrocko, P. ST ST STINCHELLO, A. del Kastano jne.),
Ja monille hänen päälliköilleen - erityinen hengellisyys ja intiimi-lyyrinen
mietiskely (maalaus B. Gozzoli, Sandro Botticelli,
Frand Angeliko, Filippo Lippi, Piero Di Kozimo et ai.).
Mastersin haku on 15 c. Valmistunut suuria renessanssitaiteilijoita
Leonardo da Vinci ja Michelangelo, korotettu taiteellinen Quest
Florentine-koulu uudella laatutasolla. 1520-luvulla.
Koulun asteittainen hajoaminen alkaa huolimatta
että useat suuret taiteilijat jatkuivat Firenzessä
(Maalit Fra Bartolomeo ja Andrea del Sarto, kuvanveistäjä A. Sanovino);
1530-luvulta. Florentine Schoolista tulee yksi tärkeimmistä keskuksista
Manerismin taide (arkkitehti ja taidemaalari J. Vazari,
Maalit A. Bronzino, Ya. Ponformo).
1700-luvulla Florentine School laski.

Varhainen uudestisyntyminen

Ns. "Varhainen elvytys" kattaa
Italiassa, aika 1420-1500.
Näiden kahdeksankymmentäluvun aikana taide ei ole vielä täysin hämmentynyt
äskettäisen menneisyyden legendoista, mutta yrittää sekoittaa heille elementtejä,
Lainattu klassisesta antiikin.
Vasta myöhemmin, ja vain vähän, vaikutusvalta, kaikki on vahvempi
ja vahvempi kuin muuttuvat elinolosuhteet ja kulttuuri,
Taiteilijat heittää kokonaan keskiaikaisia \u200b\u200bperusteita ja rohkeasti käyttää
näytteitä muinaisesta taiteesta kuin heidän teostensa yleisessä käsitteessä,
Joten heidän yksityiskohdissaan.

Vaikka Italian taide on jo päättänyt jäljitelmän polusta
Klassinen antiikin, muissa maissa, joita se pidettiin pitkään
Gothic-tyylin perinteet. Alppien pohjoispuolella, samoin kuin Espanjassa,
Herätys tapahtuu vain XV-vuosisadan lopussa,
ja sen alkuvaika kestää, noin Lähi-luvun puoliväliin asti,
Älä tuota, ei kuitenkaan ole erityisen hienoa.

Korkea herätys

Toinen elvytysjakso on sen tyylin rehevän kehityksen aika -
On tavallista kutsua "korkea uudestisyntyminen",
Se ulottuu Italiassa noin 1500 - 1580.
Tällä hetkellä Firenzen italialaisen taiteen keskipiste
Liikkuu Roomaan Julia II: n papin Thronin merkinnän ansiosta,
henkilö kunnianhimoinen, rohkea ja yritys,
houkutteli hänen tuomioistuimensa parhaita Italian taiteilijoita,
jotka asuivat heille lukuisia ja tärkeitä teoksia ja antavat itselleen
Toinen esimerkki rakkaudesta taiteen. Samaan aikaan isä ja lähimmät seuraajat,
Rooma tulee kuin Uusi Ateena Perikles:
Se luo monia monumentaalisia rakennuksia,
Suoritetut upeat veistokselliset teokset,
Freskot ja maalaukset on kirjoitettu, edelleen kiitosta maalaus helmiä;
Samanaikaisesti kaikki kolme taideteollisuutta ovat hieman kädessä,
Auttaa toisiaan ja toisiaan keskenään.
Antiikki on nyt perusteellisempi,
toistetaan suuremmalla tiukemmin ja sekvenssi;
rauhallinen ja arvokkuus kutoa leikkisä kauneuden sijasta,
jotka muodostavat edeltävän kauden halu;
Keskiajan muistaminen katoaa, ja melko klassinen
Järjestelmä putoaa kaikkiin Art.
Mutta muinaisen jäljitelmä ei niele heidän riippumattomuutensa taiteilijoihin,
Ja he, joilla on suuri kekseliäs ja fantasia,
vapaasti kierrätetään ja sovelletaan asiaan
Mitä pidetään tarkoituksenmukaisena lainata Greco-roomalaisesta taiteesta hänelle.

Myöhemmin herätys

Kolmas uudestisyntyminen
Niin sanottu "myöhäinen renessanssi" aika,
Sille on ominaista jonkinlainen intohimoinen, levoton taiteilijoiden halu
täysin mielivaltaisesti, ilman kohtuullista sekvenssia, kehittää
ja yhdistää antiikkiset motiivit, etsi kuvitteellinen maalaus
Lingering ja riittävät muodot.
Merkkejä tästä pyrkimyksestä, joka aiheutti barokkityyliä,
Ja sitten XVIII-luvulla Rococo-tyyli osoitti
edeltää ajanjaksoa suuressa määrin tahattomasti
Suuri Michelangelo, hänen nerokas, mutta liian subjektiivinen
Vaarallisen esimerkin luominen erittäin vapaasta suhteesta
muinaisen taiteen periaatteisiin ja muotoihin; Mutta nyt suunta
Tämä tapahtuu yleismaailmallisella.

****************************************************

Angeliko, Fra Beato -
(Fra giovanni kyllä \u200b\u200bfiezoli) (Angelico, Fra Beatto; Fra Giovanni da fiesoli)
(OK 1400-1455), Florentine-koulun italialainen taidemaalari.
Teoksissaan yhdistettiin syvän uskonnollinen sisältö ja tyylin hienostuneisuus;
Gothic viehättävä perinne ja uuden renessanssin taiteen ominaisuudet.
FrAh Angeliko, maailmassa, joka yllään Guido di Piero (Guido di Piero),
Syntynyt Vikkiaon kaupungissa Toscanassa noin 1400. Asiakirjassa 1417,
Hänet on jo mainittu taiteilijana; Myös tunnettu
Se jopa 1423 Fyzolissa hän liittyi Dominikaaniseen järjestykseen, joka sai FRA Giovannin ja fiezolin nimen,
Ja sen jälkeen hän oli San Marcon luostarin Abbot Firenzessä.
Monet teokset, jotka johtuvat Creativity Fra Angelico,
Nyt heitä pidetään opiskelijoidensa teoksina, niiden koostumusten teemoja.
Yksi korkeiden taiteilijan suurista teoksista - Triptych Linaiosuo luostarilta
San Marco Firenzessä (1433-1435), josta vauvan nainen on edustettuna
Valtaistuimella ja sivulla läpät kaksi pyhää. Ladyin luku näytetään perinteisesti,
Ja pysyvän pyhien kuvassa mazacho-maalauksen vaikutus on huomattavasti, ja sen raskas ja jäykkä mallinnus yksilöiden.
1430-1440 FrAh Angeliko yksi ensimmäisistä osoitti uudenlaisen alttar-kuvan käyttöä,
Se tuli erittäin suosittu renessanssi, - Sacra Constazione (Pyhän haastattelun).
1438 - 1445, taiteilija maalasi San Marcon Florentine-luostarin.
Tämä luostari, jonka Dominikaaninen PAPEN EVGENY IV -järjestys lähetetään, rakennettiin uudelleen arkkitehti
Mikolelolozzo Kozimo Medicin herttua. Maalauksen aihe liittyy Dominikaaniseen järjestykseen,
Hänen tarinansa, peruskirja, erityisesti pyhät kunnioittavat.
Esimerkki on pilven freskoja (kuollut Kristus, Kristus vaeltajan kuvassa,
jonka kaksi Dominikaaninen munkki tekee; St. Peter Martyr (Pyhän pyhät Dominikaanit);
St. Dominic seisoo polvilla ristiinnaulitsemalla).
Kapitula Fra Angelico kirjoitti suuren koostumuksen ristiinnaulitsemisen kahdella ryöstäjällä
Kristuksen sivuilla ja kaikkien kristinuskon aikakauden pyhien joukosta, kokoontui ristin jalkaan.
Heidän surulliset kasvot ovat osoitettu kentälle, kukaan ei etsi Kristusta;
Taiteilija kuvasi ristiinnaulitsemisen ei historiallisena tapahtumana vaan mystinen kuva,
Asuminen ihmisen tietoisuudessa.
San Markon luostarin freskot täyttyvät Kristuksen jäljitelmä - mystinen uskonnollinen hoito,
Kirjoittanut kanava-Augustine FoMa Kempic.
Jokainen solu oli myös koristeltu freskoilla, jotka oli tarkoitus muokata
Esimerkiksi koostumus on naurettava Kristus. Näiden freskojen tunnelma vastaa yksinkertaisesti ja
Maalausmaalauksen rauhallinen turvalaite.
Viimeisten kymmenen vuoden elämä Fra Angeliko käytti Rooman, jossa hän koristeli kappelin freskoja
Pope Nikolai V (1445-1448). SV: n fragmentit. Lawrence ja St. Stephen.
Suunnitelman mukaan se oli melko narratiivisia kohtauksia kuin rukouskuvia.
He käyttävät monimutkaisia \u200b\u200barkkitehtonisia taustoja, joiden rakentamisessa tuntuu
Muinaisen taiteen päällikkö ja tarkasti todennetut lupaavat rakennukset
Mazacho ja Bruneland.

Neitsyt Marian kruuna.

Muticia Cosmas ja Damiana

*********************************************

JOTTO DI BONDONE - syntynyt 1266 tai 1267
Westrignanon kylässä ole kaukana Firenzestä pienen maanomistajan perheessä.
Oletettavasti 10-vuotiaana Jotto aloitti oppimismaalauksen
Chimabeen työpajassa kuuluisa Florentine-taidemaalari.
Jotto oli Firenzen kansalainen, vaikka hän työskenteli myös Assisi, Rooma, Padova,
Napoli ja Milano. Hänen lahjakkuutensa taiteilijan ja käytännön liiketoiminnan pito
Hän on vankka valtio. Huolimatta siitä, että Jotton työpaja kukoisti,
Tarina on säilyttänyt vain muutaman kangasta, jonka hän on allekirjoittanut,
Kyllä, ja ne, asiantuntijoiden mukaan todennäköisesti kuuluu hänen avustajiensa harjaan.
Jotton kirkas persoonallisuus erottuu Pasteresanan italialaisten päälliköiden kesken,
Ensinnäkin, taipumus innovoida, uuden taiteellisen taidon luomiseen,
Renessanssin tulevan aikakauden ennalta määrätty klassinen tyyli.
Hänen maalauksensa ilmentää ihmiskunnan ajatusta ja kantaa ensisijaisia \u200b\u200bhumanismia.
1290-99. Jotto loi San Francescon ylemmän kirkon maalauksen Assisi -
25 Frescoes, Vanhan testamentin kuvallisista kohtauksia sekä jaksoja Assisin francis of the francis
("Lähde Miracle"). Freskot erotetaan näkyvyyteen, mutkattomiin kerrontaan,
Kotitalousosien läsnäolo, jotka liittävät elinvoimaa ja luonnonmukaisuutta kohtauksille.
Hylkäsi kirkon kanonin, joka hallitsee tuolloin,
Jotto kuvaa hänen hahmoa, jotka ovat samanlaisia \u200b\u200bkuin todellisia ihmisiä:
suhteelliset, kyykkyelimet, pyöreät (ja ei pitkänomaiset) henkilöt,
Oikea leikkaus silmistä jne. Hänen pyhät eivät siirrä maan päällä ja seisovat tiukasti molemmilla jaloilla.
He ajattelevat enemmän maallisesta kuin taivaasta, kokeneet melkoisia tunteita ja tunteita.
Ensimmäistä kertaa italialaisen maalauksen historiassa, viehättävän työn sankareiden henkinen tila
Lähetetään kasvojen ilmaisuilla, eleillä, poseilla.
Sen sijaan, että perinteinen kultainen tausta Jotton freskoissa on kuvattu maisema,
Sisäiset tai veistoksiset ryhmät basilikohtaisilla julkisivuilla.
Jokaisessa koostumuksessa taiteilija kuvaa vain yhtä toimintaa,
Ei eri kohtausten järjestys, niin monet hänen aikalaisista.
1300-luvun alussa. Taiteilija vieraili Roomassa.
Tutustu lavastettu maalaus ja toimii P. Cavallini
myötävaikutti luovan menetelmän muodostamiseen.
Jotton luovat saavutukset ovat saaneet jatkokehitystä Capella-oksat
(Del Arena Capella) Padovassa, jonka hän tekee hänestä 1304-06.
Sijaitsee Capellan seinillä 3 tasossa,
Freskot maalaa kohtauksia Joaciman ja Anna
("Joacim joukossa paimenista", "Joachim", "poika Joachima", "Kokous kultaisesta portista"),
Neitsyt Maria ja Kristus ("Joulu", "Walchvovin palvonta", "paeta Egyptiin",
"Vauvojen lyöminen", "Kristuksen kaste", "Lazaruksen ylösnousemus",
"Juudas, joka saa maksua pettämisestä", "Kiss Juudasta",
"Puuttuva risti", "Crucifix", "Kristuksen postitus", "Resurrection"),
sekä kauhean tuomioistuimen kohtauksia.
Nämä seinämaalaukset ovat tärkein työ ja taiteilijan luovuuden yläosassa.
1300-02 Jotto tekee maalauksia Badian kirkossa Firenzessä.
1310-20 Tutkijoihin kuuluvat kuuluisa Altar-kuva Madonna Oneissanti.
Koostumusta ei ole allekirjoitettu, mutta tutkijat antavat yksimielisesti sen Jottoon.
1320-luvulla. Jotto luo maalauksia Chapel Peruszi ja Bardi
Santa Croce Florentinin kirkossa Johanneksen Kastajan teemoista,
Evankelistisen ja francis of Assis
("St. Franciska" Stigmatization "," Kuolema ja Ascension of St. Francis ").
1328-33 Jotto, lukuisat opetuslapset, maalaukset, kun
King Robert Anjouin napolilainen piha, joka valitti taiteilija otsikko "cournic".
Vuodesta 1334, Jotto johti Santa Maria del Fiuren katedraalin rakentamista
ja kaupunkien linnoitukset Firenzessä kuin laajalle levinneisyys
Nykyalaiset ja Firenzen kansalaiset. JOTTO Attribuutti kampanjahankkeen
(Bell Tower) Florentine-katedraalista (alkoi 1334, rakentaminen jatkui
1337-43. Andrea Pisano, valmistunut noin 1359. F. Talenti).
Jotto oli naimisissa kahdesti ja oli kahdeksan lasta.
Vuonna 1337 Jotto kuoli.

1.eOacima poistetaan aavikolle

2.Madonna lapsilla

3. Kestävä enkeli 1.

4.SV. Clara Assisi

5. St. Stickmatisointi Francis

6.S- Stephen

7. Hristmas

8.Reaby Jumalan äiti

9. Maria temppelissä

10.Fet, fragmentti

11. Bogotter vauvalla valtaistuimella

12.Vangist John on Patmos

Andrea manteny -
(Mantegna, Andrea) (OK 1431-1506),
Yksi Pohjois-Italian renessanssin suurimmista maalareista.
Manteny yhdisti Renaissance Mastersin tärkeimmät taiteelliset toiveet 15 W.
antiikin intohimo, kiinnostus tarkka ja huolellinen, pienimmät yksityiskohdat,
Luonnon ilmiöiden siirto ja epäitsekäs usko lineaariseen näkökulmaan
Keinona luoda avaruuden illuusion taso.
Hänen luovuuttaan tuli tärkein sitova yhteys Firenzen varhaisen elvytyksen välillä
ja myöhemmin Blooming Art Pohjois-Italiassa.
Manteny syntyi OK. 1431; Vuosina 1441 ja 1445 se kirjattiin Padovan maalareiden kauppaan
Foster Son Francesco, paikallinen taiteilija ja antiikki,
Työpajassa hän työskenteli 1448 saakka.
Vuonna 1449 Manteny alkoi luoda Eremitani-kirkon Fresco-koristelu Padua.
Vuonna 1454, Manteny naimisiin Nicolos, venetsialaisen taidemaalari Yakopo Bellinin tytär,
Sisar kahden erinomaisen päällikön 15 sisään. - Gentile ja Giovanni Bellini.
Vuosina 1456 ja 1459 hän kirjoitti Altar-kuvan San Zenon kirkolle Veronassa. Vuonna 1460,
Hyväksyttiin Marquis Mantui Lovovico Gonzagan kutsun, joka asettui pihallaan.
1466-1467 hän vieraili Toscanassa ja 1488-1490 Roomaa,
Missä paad Innokentia VIII: n pyynnöstä koristeltu hänen kappelinsa freskoilla.
Ritarien arvokkuuteen, joka sijaitsee korkean aseman pihalla,
Manteny palveli Gonzag-perheen elämän loppuun. Manteny kuoli 13. syyskuuta 1506.
16. toukokuuta 1446 manteny ja kolme muuta taiteilijaa sai tilauksen Maalaus Capella Ovetairille
Erementanin Padelanin kirkossa (tuhoutui toisen maailmansodan aikana).
Menaine omisti suurimman osan töistä freskojen luomisessa (1449-1455),
Ja se on hänen taiteellinen tyyli, joka hallitsee yhtyeen.
St. Jacobin kohtaus Herodon Agrippa edessä Capella Ovetari esittelee näytetyypin
Animessaan luovuuden manteny.
Muissa tämän ajanjakson muissa viehättävässä teoksissa, kuten kuva rukoilemisesta kulhoon
(Lontoo, kansallinen galleria), ei vain ihmisluvut täyttyvät jäykän lineaarisella tavalla,
Mutta myös maisema, jossa jokainen kivi ja maailma tutkitaan huolellisesti ja rekisteröity taiteilija,
Ja kivet ovat pukeutuneet frestereihin ja halkeamiin.
San Zenon kirkosta (1457-1459) Verona on viehättävä tulkinta
Kuuluisa veistoksellinen alttari St. Anthony loi Donatello
Basilica Sant Antonio (Santo) Padua. Triptych Manteny on kehystys
Valmistettu korkeassa helpotuksessa ja jäljittelevät klassisen arkkitehtuurin elementtejä.
Yksi merkittävimmistä näytteistä spatio-illuusioisista maalausta
Manteny on Schosin Deli-kameran maalaus Palazzo Dukaleissa Mantuassa, päättynyt vuonna 1474.
Square-huone muuttui visuaalisesti freskoilla kevyessä, ilmapaviljongissa,
Ikään kuin suljetaan kahdesta sivusta, jotka on kirjoitettu verhojen seinämiin ja avoinna kahdesta muusta puolelta
Kuva Gonzag-pihasta ja maiseman panoraama kaukana.
Magian kaari jakautuu kommunistiseen puolueeseen ja sijoittui niihin rikas anti-loukan
Ornamentti roomalaisten keisarien ja kohtausten kuvien klassisesta mytologiasta.
Kaaren yläosassa on kirjoitettu pyöreä ikkuna, jonka kautta taivas nähdään;
Ornate pukeutuneen hahmot katsovat taaksepäin, annettu voimakkaasti lupaavan vähenemisestä.
Tämä fresko-yhtye on huomattava paitsi yhtenä ensimmäisestä uudesta eurooppalaisesta taiteesta.
Esimerkkejä kuvallisen tilan luomisesta koneella, mutta myös kokoelma on erittäin akuutti ja tarkasti
Kaupalliset muotokuvat (perheenjäsenet Gonzaga).
MONOCHROME maalausten kierros Triumph Caesar (1482-1492) kirjoitettiin pyynnöstä Francesco Gonzag
ja oli tarkoitus koristella palatsi teatteri Mantua; Nämä maalaukset ovat huonosti säilyneet
Ja parhaillaan Hampton Courtin palatsissa Lontoossa.
Yhdeksän suurta kankaalle kuvaa pitkä kulkue, jolla on valtava määrä antiikkiveistoksia,
Armpeople, Trophies. Sen liike saavuttaa huipentumisen seremoniallisessa kulmassa Cisyys-voittajan edessä. Kuvat heijastavat laajaa tietämystä muinaisen taiteen ja klassisen kirjallisuuden alalla.
Tässä syklissä ja Madonna della Vittoriassa (1496, Pariisi, Louvre), joka on kirjoitettu Gonzagan sotilaallisen voiton muistoksi,
Mantenyn taide saavutti suurimman monumentaalisuuden. Muodot niissä Volta, eleet vakuuttavat ja selkeät,
Tilaa tulkitaan laajasti ja vapaasti.
Studio (kaappi) Isabella d "Este, vaimo Francesco Gonzaga, Manteny kirjoitti kaksi sävellytystä
Mytologisista aiheista (kolmas pysyi keskeneräisenä): Parna (1497) ja Minerva,
Odottaa vices (1502, sekä Louvre). Ne ovat havaittavissa jonkin verran pehmennystä mantenian tyyliin,
liittyy uuden ymmärryksen maisemasta. Fresco Belvedere Capella,
Pope Innokenti VIII: n suurennuslasi vuonna 1488, oli valitettavasti kadonnut milloin
Vatikaanin palatsin laajentaminen Pia Pius VI: n aikana.
Huolimatta siitä, että vain seitsemän kaiverria voidaan pitää epäilemättä omistuksessa Mantenian kädessä,
Mestarin vaikutus tämän tyyppisen taiteen kehittämiseen on valtava. Hänen Madonna kaiverrus vauvaesitykseen
Kuinka orgaanisesti taiteilijan tyyli voi olla graafisessa tekniikassa,
Kun se on luontainen joustava ja terävyys, kiinnittäen kaivertavan leikkurin liikkeen.
Muut kaiverrukset, jotka johtuvat muistoon - merijumalien taistelu (Lontoo, British Museum)
Ja Judith (Firenze, Uffizi Galleria).

1. Testi, 1457-1460.

2.Madonna vauvalla.
1457-59. Kappale

3. Kulhon liuos.
Noin 1460.

4.tright CarlO Medici.
1450 ja 1466 välillä

5. Kameran deli sposy.
OkUlus. 1471-74

6. Kameran deli sposy. Pohjoisen seinän fragmentti.

7. Kameran deli sposy. Itäisen seinän fragmentti.

8. Meriliikenteen taistelu.
1470s.

9.S. Sebastian.
Noin 1480.

10. Madonna kiviä.
1489-90

12. Madonna della Vittoria.
1496

13.Parnas.
1497, Louvre, Pariisi

14.Samson ja Dalila. Noin 1500.
Kansallisgalleria, Lontoo

****************************

Bellini Giovanni -
Bellini (Bellini), italialaisten maalareiden perhe,
Venetsian elvytystekniikan perustajat.
Perheen johtaja - Jacopo Bellini (noin 1400-1470 / 71)
Kuvien pehmeä lyyhde säilytetään goottilaisten perinteiden kanssa
("Madonna vauvalla", 1448, Brera Gallery, Milano).
Hänen piirustuksineen täynnä eläviä havaintoja
(antiikin muistomerkit, arkkitehtoniset fantasioita),
Kiinnostus näkökulmasta, A.menty ja P. Screechlon vaikutus.
Kun Gentile Bellini (noin 1429-1507), poika Jacopo Bellini,
liittyvät venetsialaisen genren alkuperään - historiallinen maalaus,
("Kuljetus San Marco Square", 1496, "Pyhän Ristin ihme", 1500, -
Sekä Akatemian galleriassa Venetsia). Giovanni Bellini (noin 1430-1516),
Jacopo Bellinin toinen poika, - Venetsialaisen koulun suurin päällikkö,
Venetsian suuren elvytystekniikan perusteet.
Dramaattinen terävä, kylmä värillisissä töissä Giovanni Bellini
("Postitus Kristus", noin 1470, Brera Gallery, Milano) 1470-luvun loppuun mennessä
Korvataan harmonisesti selkeillä maalauksilla, joissa suuret ihmisen kuvat
Spiritualisoitu maisema on konsonantti (niin sanottu "Lake Madonna", 1490s, Uffizi;
"Jumalan Pierce", Kansallinen taidegalleria, Washington).
Giovanni Bellinin teokset, mukaan lukien lukuisat "Madonna"
("Madonna, jossa on tropit", 1487, Akatemian galleria, Venetsia; "Madonna", 1488,
Carraran Akatemia, Bergamo), eroavat sonkarin pehmeästä harmoniasta,
Ikään kuin kyllästetyt värit ja mustavalkoisen valmistumisen hienous,
Rauhallinen juhlallisuus, lyyrinen mietiskely ja selkeät kuvien runoutta.
Giovanni Bellinin työssä sekä klassisesti tilattu koostumus
Renaissance alttarin maalaus ("Madonna on Pyhien ympäröimä valtaistuimia", 1505,
San Zakkarian kirkko, Venetsia) muodostui täynnä kiinnostusta ihmiseen
(Koiran muotokuva L. Lordan, 1502, Kansallisgalleria, Lontoo;
Kongoerin muotokuva, 1480, kansallisgalleria, Washington).

1. "St. George ja Dragon" Detail of the Altar, 1470

2. "Kreikan madonna"
1460

3. "Conggraine muotokuva"
1480

4. "Jumalan juhla"
1514

5. "Ristiinnaulitseminen"
1501-1503

6. "Madonna vauvalla"
1480

7. "Virtue"
1500

8. "Sv.ieronim, lukee luonto"
1460

9. "Transfiguration"
1485

10. "Passion noin kuppi"
(Tuska puutarhassa) OK.1470

11. "Madonna ja vauva siunaus"
1510, Breran kokoelma, Milano

12. "Purgatorion allegoria" (lev.fr.)
1490-1500, Uffizi-galleria

13. "Neljä allegoriaa
Pysyvyys ja kohtalo ", 1490

14. "Purgatorion allegoria" (Rightfr)
1490-1500, Uffizi-galleria

15. "Neljä allegoriaa
Varovaisuus ja valhee ", 1490

16. "Nude nuori nainen peili"
1505-1510, Taidehistorian museo, Wien

****************************

Botticelli Sandro. -
[Oikeastaan \u200b\u200bAlesandro di Mariano Filipei, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445-1510), italialainen taidemaalari varhaisen renessanssin aikakausi.
Kuului Florentine Schooliin, noin 1465-1466, jota opiskeli Philippo Lippi;
Vuonna 1481-1482 hän työskenteli Roomassa. Botticellin varhaiset teokset ovat erikoisia
Tyhjennä avaruusrakennus, kirkas musta ja valkoinen mallinnus, kiinnostus päivittäisiin yksityiskohtiin
("Tervetuloa palvonta", noin 1476-1471,). 1470-luvun lopusta, Botticellin lähentymisen jälkeen
Firenzen Medicin hallitsijoiden ja Firenzen humanistien ympyrän kanssa,
Hänen työstään aristokratian ja hienostuneisuuden ominaisuudet vahvistetaan, maalaukset näkyvät
antiikki- ja allegoralisissa aiheissa, joissa aistilliset pakanalliset kuvat ovat täynnä
Yleinen ja samanaikaisesti runollinen, lyyrinen hengellisyys
(Jousi, noin 1477-1478, "Venuksen syntymä", noin 1483-1485, - sekä Uffizissa).
Maisema-animaatio, hauras kauneus lukujen, keuhkojen musiikki, kantalinjat,
Upea läpinäkyvyys, ikään kuin kudotut maaleja reflekseistä, luo ilmakehän niihin
Unelmoivuus ja helppo suru.
Suoritetussa Botticella vuonna 1481-1482 Frescoes Sicastit Chapelissa Vatikaanissa
("Kohtaukset Mooseksen elämästä", "Korean rangaistus, Daphan ja Abiron" jne.)
Maiseman ja muinaisen arkkitehtuurin majesteettinen harmonia yhdistetään
Sisäinen tontti jännitteet, Portrait Ominaisuudet erikoisominaisuudet
Yhdessä ihmisen sielun sisäisen tilan hienovarainen vivahteita,
ja päällikön muotokuva (Portrait of Juliano Medici, 1470s, Bergamo;
Muotokuva nuori mies mitali, 1474, Uffizi Galleria, Firenze).
1490-luvulla, sillä aikakaudella, jossa esitetään sosiaalisia firmenttejä ja mystico-askecia
MONK Savonarolan saarnaaminen Botticellin alalla, Draaman muistiinpanot
ja uskonnollinen korotus ("slander", 1495, Uffizi), mutta hänen piirustuksensa
"Divine Comedy" Dante (1492-1497, graving cabinet, Berliini ja Vatikaanikirjasto)
Emotionaalisen ekspressiivisyyden terävyyttä ja kuvien renessanssin selkeys säilytetään.

1. "Simonea Vespucci-muotokuva" OK.1480

2. "hyveen allegoria"
1495

3. "Lucretian historia"
OK.1500.

4. "Nuoren miehen muotokuva mitali"

5. "Mystinen joulu"
OK.1500.

6. "Korean, Dafanin ja Abironin rangaistus"

7. "St. Augustine siunattu"
OK.1480

8. "Annunciation"
OK.1490.

9. "Madonna suurtaatte"
1486

10. "Madonna, jossa kranaatti"
1487

11. "MAGI: n palvonta"
Alttari Zanobi 1475

12. "Slader"
1495

13. "Venus ja Mars"
1482-1483

14. "Kevät" 1477-1478
Uffizi Galleria, Firenze

15. "Madonna, jossa on kirja" 1485
PURANI PEZZOLI MUSSE, MILAN

16. "Athena Pallada ja Centaur" 1482
Uffizi Galleria, Firenze

17. "Venuksen syntymä" OK.1482
Uffizi Galleria, Firenze

18. Scastinskaya Capella
(Yksityiskohta) 1482 Rooma, Vatikaani

19. "Nastajo Delian historia
OK.1485 Prado, Madrid

****************************

Veronese Paolo. - (Veronese; itse asiassa Cagliari, Caliarri) Paolo (1528-1588),
Myöhäisen herätyksen aikakauden italialainen taidemaalari.
Hän opiskeli Veronian taidemaalari A. Badile; Hän työskenteli pääasiassa Venetsiassa sekä Verona, Mantu, Vicenza, Padua, vuonna 1560, ehkä vieraillut Roomassa. Veronilaisen taidemittarilla The Venetsian maalauskoulun parhaat ominaisuudet: helppoa, taiteellisesti, hienostunut kuvio ja muoto, joka yhdistetään hienostuneeseen värpohjaiseen gamutin kanssa, joka perustuu monimutkaisiin yhdistelmiin puhtaiden värejä yhdistettynä kevyeen lievään hopeaan sävy.

1. "Mosesin löytäminen"
1580

2. "Temptation of St. Anthony"
1567

3. "Sv.ystinian postitus"
1573

4. "Daniele Barbaron muotokuva"
1569

5. "Kristus ja Samarita" (fragmentti)
1582

6. "Calvary"
1570-e.

7. "Mars ja Venus"
1570-e.

8. "rakkauden allegoria. Treasason"
1570

9. "Pyhä Lucia"
1580

10. "Kristus Emmausissa"
1570-e.

11. "Pyhän Mark- ja Marcilianin toteuttaminen"
1578

12. "Pier Simona talossa"
OK.1581

13. "Enkelit"
(Fragm. "Nainen Zebedia ja Kristuksesta")

14. "uiminen Susanna"
1570s, Louvre, Pariisi

15. "Älä kosketa minua!" 1570-e.
Taidemuseo, Grenoble

16. "Kylpyammeet" 1570-luvulla
Kuvataiteen museo, Lyon

****************************

Leonardo da Vinci -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
Italian taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti, tiedemies ja insinööri.
Korkea elvytys taiteellinen kulttuuri,
Leonardo da Vinci kehittyi maisteriksi
Koulutus Firenzessä A. del Verrocossa.
Työntekijät Workshop Verokkossa, missä taiteen käytäntö
Merkitsevät teknisiä kokeita,
sekä ystävyys tähtitieteilijälle P.toschelli osallistui
Nuorten da Vincin tieteellisten etujen syntyminen.

1. "Madonna, jossa on kuori" 1501

2. "Virgo ja vauva sv.annalla"
OK.1507

3. "Vakh"
1510-1513

4. "John The Baptisti"
1513-1517

5. "LED ja Swan"
1490-1500-e.

6. "Madonna Carnation" 1473

7. "Portrait Beatrice D" Este "
1490-e.

8. "Ginevier Benchin muotokuva"
1476

9. "Annunciation"
1472-1475

10. "Viimeinen illallinen"
(Keski-fragmentti) 1495-1497, Milano

11. FRESCO: n "viimeinen illallinen"
(Keski-fragmentti)

12. "Madonna Litta"
OK.1491, Hermitage, Pietari

13. "Lady, jossa ermine" 1485-1490
Kansallinen museo, Krakova

14. "Musiikin muotokuva" 1490
Pinakotek Ambrosian, Milano

15. "Mona Lisa" (Dzokonda)
1503-1506, Louvre, Pariisi

16. "Madonna Benua" 1478
Hermitage, Pietari

17. "Tuntematon muotokuva"
OK.1490, Louvre, Pariisi

18. "Madonna kiviä" OK. 1511
Kansallisgalleria, Lontoo

****************************

Georgeon -
(Giorgione, itse asiassa George Barbarelli Yes Castrelfranko,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 tai 1477-1510),
Italian taidemaalari, yksi perustajista
Korkea elvytys.
Hän opiskeli, luultavasti Giovanni Bellini,
oli lähellä venetsialaisten humanistien ympyrää,
Myös kuuluisa laulaja ja muusikko.
Yhdessä uskonnollisten aiheiden sävellyksiä
("PASTUKHOV: n palvonta", Kansallinen taidegalleria, Washington).
Georgeon loi maalauksia maallisista, mytologisista tontteista,
Se on hänen työstään, joka sai vallitsevan arvon.

1. "Thunderstorm"
1505

2. "Warrior hänen Squire"
1509

3. "Madonna on valtaistuimella
ja pyhät "1505

4. "Madonna taustalla maisema"
1503

5. "Kolme elämää"
1510

6. "Madonna kirja"
1509-1510

7. "Mosesin löytäminen"
1505

8. "Shephersin palvonta"
OK.1505

9. "Antonio Brockcard muotokuva"

10. "Maaseudun konsertti"
1510

11. "Vanhan naisen muotokuva"
OK.1510

12. "CERES"
OK.1508.

13. "Nuoren miehen muotokuva"
OK.1506.

14. "Sunset"
1506

15. "Madonna vauvan ja pyhien kanssa"
1510

16. "JDIFE" OK.1504
Hermitage, Pietari

17. "Laura" 1506
Taidehistorian museo, Wien

18. "Sleeping Venus"
OK.1510, Dresden Galleria

19. "Kolme filosofia" 1508
Taidehistorian museo, Wien

****************************

Carpaccio Wittor -
(Carpaccio) Wittor
(noin 1455 tai 1456 - noin 1526),
Italian taidemaalari varhaisesta uudestisyntymisestä.
Oppinut Gentile Belliniilta; Työskenteli Venetsiassa.
Carpaccion legendaariset pyhät tapahtumat tulkitsivat todellisia kohtauksia,
Viedään nykyaikaisen Venetsian tilaan,
sisälsivät kaupungin maisemat ja sisätilat, lukuisat genretiedot,
Kirkkaasti luokitellaan kansalaisten elämän (Pietarien maalaussyklit, 1490-1495,
Akatemian galleria, Venetsia sekä St. George ja St. Ieronima, 1502-1507,
Skol di San Georgio Deli Schiavony, Venetsia).
Halu luoda kokonaisvaltainen kuva maailmankaikkeudesta
Carpaccio, jossa on kiehtova kerronta,
Runollinen ja jonkin verran naiivi yksityiskohtien tuoreus.
Hienoksi lähetetään vaalean ilmaväliaineen pehmenemisen vaikutus
Paikallisten väripaikkojen ääni,
Carpaccio valmisteli Venetsian maalauskoulun värisimmät löytöjä XVI-luvulla.

1. "Pilgrimien saapuminen
Kölnissä "
1490

2. "Madonna, John Baptist ja Pyhät"
1498

3. "Lion of St. Mark"
(kappale)
1516

4. "Dispan sv.tefan"
St. Sunfanin elämä
1514

5. "Vapahtaja ja neljä apostolia"
1480

6. "Saint George, joka vaikuttaa lohikäärmeeseen"
1502-1508

7. "Saint Ursulan apotehoinen"
1491

8. "Pidä kymmenen tuhatta"
1515

9. "Selenites St. Georgein kaste"
1507

10. "Nuori Knight" 1510,
Tissen-borneyysin kokoelma, Madrid

11. "Allegory. Kristuksen intohimo"
1506, Metropolitan, New York

12. "Pilgrimien kohtaaminen isällä"
1493, Akatemian galleria, Venetsia

13. "Pyhän Ristin ihme"
1494, Akatemian galleria, Venetsia

****************************

Michelangelo Buonotti. -
(Michelangelo Buonarroti; muuten Miklalano di Lodoviko di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(1475-1564), italialainen kuvanveistäjä, taidemaalari, arkkitehti ja runoilija
. Michelangelon taideteollisuudessa valtava ilme voima, ne olivat syvästi inhimillisiä,
Täysi sankarillinen patos korkea rebirth ihanteet ja traaginen kriisi tunne
Humanistinen maailman väestö, joka on ominaista laterinoness tekijän aikakaudelle.
Michelangelo opiskeli Firenzessä D.Gyrlandin työpajassa (1488-1489) ja
Kuvanveistäjä Bertoldo di Giovanni (1489-1490),
Michelangelon luovan kehityksen määritysarvo oli kuitenkin tuttava
Jotton, Donatellon, Mazacho, Jacopo della Kvercharin teoksista,
Antiikki-muovien muistomerkkien tutkimus.
Creative Michelangelo,
Kuka tuli italialaisen renessanssin loistava loppuvaihe,
oli valtava rooli eurooppalaisen taiteen kehittämisessä,
suurelta osin valmistettu manimannerin muodostuminen,
Se vaikutti suuresti barokkiperiaatteiden lisäämiseen.

1. Sequestintin kappelin lähde

2.Lunetit (profeetat ja dads)

3. Luonnos maalaus "Adamin luominen"

4.Detal "Profeetat Jeremiah ja Isaiah"

5. Tarkastus Mural "EVE: n luominen"

6. "Pyhä perhe" 1506

7.Sikstanskaya kapea
"Tulva"

8.Sikstiskaya kapea
"Libyan sivila"

9.Sikstiskaya kapea
"Light of Light pimeys"

10.Sikstanskaya Capella
"Falling"

11.Sikstaskaya kapella
"Eritrea Sivila"

12.Sikstanskaya Capella
"Profeetta Zechariah"

****************************

Rafael Santia -
(Oikeastaan \u200b\u200bRaffaello Santi tai Santsio, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), italialainen taidemaalari ja arkkitehti.
Hänen työstään suurimman selkeyden vuoksi
Humanistiset edustustot suuresta herätyksestä
noin kaunis ja täydellinen henkilö, joka asuu sopusoinnussa maailman kanssa
Ominaisuutena ERA-ideoiden elämää vahvistavat kauneutta.
Raphael, Giovanni Santin taidemaalari, viettivät alkuvuosia Urbinoon,
1500-1504 hän opiskeli Peruginossa Perugiassa.
Tämän ajanjakson teoksia on merkitty hienolla runolla
ja pehmeät sanat maiseman taustat.
Raphaelin taiteen, jolla oli valtava vaikutus Euroopan maalaukseen XVI-XIX
Ja osittain XX-vuosisatoja vuosisatojen ajan taiteilijoiden ja katsojien osalta
Kiistaton taiteellisen viranomaisen ja näytteen arvo.

1. "Madonna Granduk"
1504

2. "Madonna del Imapannata"
1504

3. "Madonna vihreä"
OK.1508.

4. "Pyhä perhe Oak"
1518

5. "Sv.nikolasan alttari"
(Fragm.) 1501

6. "Taistelu St. George Dragon"
1502

7. "Kolme graces"
1502

8. "Knightin unta"
1502

9. "Triumph Galatei"
1514

10. "Madonna Anshidia"
OK.1504

11. "Risteys"
1516

12. "Sve. Mikhail ja Dragon"
1514

13. "Adam ja Eeva"
1509-1511

14. "John Aragonskaya"
1518

15. "Lady Unicorn"
OK.1502.

16. "Muotokuva Margarita Lucy"
1519

17. "Muotokuva Baltazar Castiglion" 1515

18. "Madonna Canijani" 1508
Vanha Pinakotek, München

19. "Madonna Conreate" 1502-1504
Hermitage, Pietari

20. "Visekielin visio" 1515
Palazzo Pitty, Firenze

21. "Sicstinskaya Madonna" 1514
Taidegalleria, Dresden

****************************

Titian -
(Oikeastaan \u200b\u200bTitiano Vecevero, Tiziano Veccellio),
(1476/77 tai 1480S - 1576),
Italian taidemaalari aikakausi
Korkea ja myöhäinen renessanssi.
Hän opiskeli Venetsiassa Giovanni Bellini,
Vuonna työpaja oli lähellä Georgonia;
Hän työskenteli Venetsiassa sekä Padua, Ferrara, Mantu, Urbino, Rooma ja Augsburg.
Liittyvät läheisesti venetsialaisiin taiteellisiin piireihin
(Georgeon, I.Sansovino, kirjailija P.Atino et ai.),
Venetsian maalauskoulun erinomainen päällikkö,
Titian, joka sisälsi hänen työstään renessanssin humanistiset ihanteet.
Hänen elämänsä vahvistavat taidetta erotetaan polyhedral,
Todellisuuden kattavuus, syvien dramaattisten aikakauden dramaattisten konfliktien paljastaminen.
Titian viehättävä tekniikka vaikutti poikkeuksellisen vaikutuksen edelleen,
XX-luvulle asti maailmanlaajuisen kuvataiteen kehittäminen.

1. "SEW Love"
(Vanity) 1515

2. "Diana ja Callisto"
1556 - 1559

3. "Bakhus ja Ariadne"
1523-1524

4. "Euroopan sieppaus"
1559 - 1562

5. "Falling"
1570

6. "Flora"
1515

7. "IOLANTA"
La Bella Gatta)

8. "Federigo Gonzaga Mantua"
1525

9. "Venus peilillä" 1555

10. "Danae ja Amur"
1546

11. "Rakkaus Maa ja taivaallinen"
1510

12. "Nuoren naisen muotokuva"
OK.1530, Hermitage, Pietari

13. "Walking Maria Magdalene"
1560s, Hermitage, Pietari

14. "Diana ja Akteon" 1556
Nat. Skotlannin galleria, Edinburgh

15. "Vakhanalia"
1525, Louvre Museum, Pariisi

16. "Venus Urbinskaya"
1538, Uffizi, Firenze

17. "Venus ja Adonis"
1554, Prado, Madrid

****************************

Renaissanssin aikakausi syntyi Italiasta. Se osti nimensä, joka johtui 1400-luvulla, joka alkoi hyvin ja kulttuuri oli hyvin vaikuttanut hyvin. Renaissance ilmaistiin paitsi maalauksissa vaan myös arkkitehtuurissa, veistoksessa ja kirjallisuudessa. Renessanssin erinomaiset edustajat - Tämä on Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo ja Rafael.

Näinä aikoina maalareiden päätavoite oli realistinen kuva ihmiskehosta, joten he ovat periaatteessa maalattu ihmisiä, kuvasivat erilaisia \u200b\u200buskonnollisia tontteja. Tsektiivisen periaatteen keksittiin myös uusille mahdollisuuksille taiteilijoiden edessä.

Firenze oli renessanssin keskus, toinen paikka otti Venetsia ja myöhemmin lähempänä 1600-luvulla - Rooma.

Leonardo tunnetaan meille lahjakkaana taidemaalari, kuvanveistäjä, tiedemies, insinööri ja herätyksen aikataulutus. Leonardo työskenteli suurimman osan elämästään Firenzessä, jossa hän loi paljon mestariteoksia ympäri maailmaa. Heistä: "Mona Lisa" (muuten - "JOCONDA"), "Lady Mornostham", "Madonna Benua", "John The Baptist" ja "St. Anna Maria ja vauvan Kristus. "

Tämä taiteilija on tunnistettavissa ainutlaatuisen tyylin ansiosta vuosien. Hän maalasi myös SISTINE CHAPELin seinät Pope Siksta IV: n henkilökohtaiseen pyyntöön. Kuuluisat maalaukset Botticelli kirjoitti mytologisesta teemasta. Tämä kuva viittaa "kevät", "Pallada ja Centaur", "Venuksen syntymä".

Titian oli Florentine-koulun taiteilijoiden päällikkö. Hänen opettajansa kuoleman jälkeen Titian tuli venetsialaisen tasavallan virkamies, yleisesti hyväksytty taiteilija. Tämä taidemaalari tunnetaan muotokuvista uskonnollisista aiheista: "Marian nousu", "Dana", "Rakkaus maallinen ja taivaan rakkaus".

Italialainen runoilija, kuvanveistäjä, arkkitehti ja taiteilija kuvasivat paljon mestariteoksia, joista - kuuluisa Davidin patsas marmori. Tämä patsas on tullut tärkein vetovoima Firenzessä. Michelangelo maalasivat Sicastitin kappelin kaaren Vatikaanissa, mikä oli suuri paavi Julia II. Hänen työnsä aikana hän kiinnitti enemmän huomiota arkkitehtuuriin, mutta antoi meille "St. Peterin" ristiinnaulitsemisen "," sijainti arkun "," Adamin luominen "," posterger ".

Hänen luovuutesi muodostettiin Leonardo da Vinci ja Michelangelon suurella vaikutuksella, jonka ansiosta hän sai korvaamatonta kokemusta ja taitoa. Hän maalasi Vatikaanin etuhallit edustivat ihmisen toimintaa ja kuvaavat erilaisia \u200b\u200bkohtauksia Raamatusta. Rafaelin kuuluisan maalauksen joukossa - "Sicstinskaya Madonna", "Kolme Graces", "Saint Mikhail ja Devil".

Ivan Sergeevich Tsegorodtsev

Korkean elvytyksen aikakausi (XV: n loppu on XVI-luvun ensimmäinen neljännes) - täydellisyyden ja vapauden aika. Kuten muut tämän aikakauden taidetyypit, maalaus on merkitty syvällä uskossa henkilöön, luovassa voimissaan ja hänen mielensä voimaa. Kauneuden, humanismin ja harmonian ihanteet, mies on maailmankaikkeuden perusta, hallitsee suuren elvytyksen päälliköiden maalauksia.

Tämän ajan maalit helppokäyttöisellä käyttämällä kaikkia kuvavälineitä: maku, rikastettu ilmalla, kevyellä ja varjolla ja piirustus, vapaa ja akuutti; He omistavat täydellisesti mahdollisuuksia ja volyymiä. Taiteilijoiden kanavat ihmiset hengittävät ja muuttavat, heidän tunteensa ja kokemuksensa tuntuvat syvästi emotionaalisesti.

Tämä aikakausi antoi neljä Geniyev - Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Titian. Maalauksessaan suuren elvytyksen ominaisuudet - ihanteellisuus ja harmonia, jotka liittyvät kuvien syvyyteen ja elinvoimaisuuteen, - ilmestyy kirkkaasti.

Leonardo da Vinci

15. huhtikuuta 1452 Pienessä Italian kaupungissa Vinci, joka oli lähellä Firenze, Notarus Piero da Vinci syntyi ulkona pojaksi. He kutsuivat häntä Leonardo di S. Piero d'Antonio. Pojan äiti, jotkut Katerina, hieman myöhemmin naimisissa talonpoika. Isä ei kieltänyt laittoman vauvan, vei hänet koulutukseen ja antoi hyvän koulutuksen. Vuosi Gishfather Leonardoin kuoleman jälkeen Antonio, vuonna 1469, notaari lähtee perheensä kanssa Firenzelle.

Alkuvuosilta Leonardo herättää intohimoa piirustukseen. Tästä huolimatta isä antaa pojan kouluttamaan yksi tunnetuimmista veistos-mestareista, maalaus- ja koruyrityksistä Andrea Verrocko (1435-1488). Verrockon työpajan maine oli epätavallisen suuri. Monet maalausten ja veistoksen suorituskyvyn tilaukset ovat jatkuvasti saaneet kaupungin jaloista asukkaista. Andrea Verrocko ei vahingossa nauttinut suuresta viranomaiselta opiskelijoilta. Nykyaikaiset katsoivat hänelle lahjakkain seuraaja Florentine-renessanssin ideoiden maalauksessa ja veistoksessa.

Verrockon innovaatio taiteilijana liittyy ensisijaisesti kuvan uudistamiseen, että naturalistiset ominaisuudet hankkivat maalauksen. Verrockon työpajasta tälle päivälle tuli hyvin vähän teoksia. Tutkijat uskovat: kuuluisa "Kristuksen kaste" perustettiin tässä työpajassa. Lisäksi todettiin, että kuvan taustalla oleva maisema ja vasemmassa osassa olevat enkelit kuuluvat harjaan Leonardoon.

Jo tässä varhaisessa työssä syntyi tulevasta tunnetun taiteilijan luova yksilöllisyys ja kypsyys. Leonardo-käden kirjoittama maisema eroaa huomattavasti verrockon harjan luonteesta. Nuorille taiteilijalle, se näyttää siltä, \u200b\u200bettä kevyt haze ympäröi ja symboloi tilan äärettömyyttä ja äärettömyyttä.

Leonardon luomat kuvat ovat myös erottuva. Ihmiskehon anatomian syvä tuntemus sekä hänen sielunsa ansiosta taiteilijaksi luomaan epätavallisen ekspressiivisen kuvan enkeleistä. Työpaja pitää valon ja varjon pelin auttoi taiteilijaa kuvaamaan eläviä, dynaamisia lukuja. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä enkelit vain jäävät jonkin aikaa. Se kestää muutaman minuutin - ja he tulevat elämään, siirtyvät, puhuvat ...

Art Historian ja Biograpters da Vinci väittää, että 1472 Leonardo lähtee Verrican Workshopista ja tulee päällikön maalareiden kauppaan. Vuodesta 1480 hän viittaa veistokseen Leonardoin mukaan, helpoin tapa ilmaista ihmiskehon liikkeiden dynamiikka. Tästä syystä hän työskentelee arts-akatemiassa - niin kutsuttiin sitten San Marco-aukion puutarhaan, joka perustettiin Lorenzon upean aloitteesta.

Vuonna 1480 Leonardo vastaanottaa San Donaton kirkosta, tilauksen taidekomponenssista "MAGI: n palvonnan".

Firenzessä Leonardo asui pitkään. Vuonna 1482 hän jätti Milanon. Todennäköisesti se, että taiteilijaa ei kutsunut Roomaan työskentelemään SISTINE-kappelin maalauksessa, vaikutti suuresti. Tavalla tai toisella, pian päällikkö ilmestyi ennen kuuluisan italialaisen Louis Sforzan kaupungin herttua. Milanilaiset toivottivat tervetulleeksi Leonardo. Hän asui ja asui Tichinesin sataman neljänneksellä pitkään. Ja jo seuraavana, 1483, vuosi hän kirjoittaa alttari-kuvan, joka oli määrätty Capella Immacolate San Francesco Grande -kirkoksessa. Tämä mestariteos on tullut myöhemmin nimellä Madonna kalliossa.

Samanaikaisesti Leonardo pyrkii luomaan Francesco Sforzan pronssi-muistomerkki. Kuitenkaan luonnoksia eikä oikeudenkäyntiä ja valukappaleita ei kuitenkaan pystynyt ilmaisemaan taiteilijan suunnitelmaa. Työ pysyi keskeneräisenä.

Vuosina 1489-1490 Leonardo da Vinci Jana Galeazzo Sforzan hääpäiväksi Castello Sforzesco.

Lähes kaikki 1494 Leonardo da Vinci omistaa uuden liikunnan itselleen - hydrauliikka. Saman SFORzan aloitteesta Leonardo kehittää ja toteuttaa hankkeen Lombard Plainin alueen tyhjentämiseksi. Kuitenkin jo vuonna 1495, suurin hieno taideteollisuus palaa maalaukseen. Tänä vuonna on tulossa alkuvaihe historiassa luomisen kuuluisan fresko "Viimeinen ehtoollinen", joka koristaa seinät niitty huoneen luostarin lähellä kirkon Santa Maria delle Grazie.

Vuonna 1496, Ranskan kuningas Milanin Duchyn hyökkäyksen ansiosta Louis Xii Leonardo lähtee kaupungista. Hän siirtyy ensin Mantuaan ja sitten asettui Venetsiaan.

Vuodesta 1503, taiteilija asuu Firenzessä ja yhdessä Michelangelon kanssa, työskentelee maalauksen suuremman neuvoston maalauksessa Palazzo Signoriassa. Leonardo oli kuvata "Angiarin taistelu". Kuitenkin päällikkö sijaitsee jatkuvasti luovassa haussa usein heittää työn. Se tapahtui "Angiarigin taistelu" - Fresco pysyi hyväksyttäessä. Taiteen historioitsijat viittaavat siihen, että kuuluisa "JOCONDA" luotiin.

Vuodesta 1506-1507 Leonardo asuu jälleen Milanossa. Vuodesta 1512, Maximilian Sforzan herttua. 24. syyskuuta 1512 Leonardo päättää lähteä Milanosta ja asettua opiskelijoiden kanssa Rooman. Tässä hän ei ole pelkästään maalaus, vaan viittaa myös matematiikan ja muiden tieteiden tutkimukseen.

Saatuaan 1513 toukokuussa Ranskan kuningas Francis I: n kutsusta Leonardo da Vinci siirtyi Amboaziin. Täällä hän asuu vasta kuolemaan: kirjoittaa kuvia, jotka harjoittavat koristeltuja lomia, tekee työtä Ranskan jokien käyttämiseen tähtäävien hankkeiden käytännön soveltamisessa.

2. toukokuuta 1519 suuri taiteilija kuolee. Leonardo da Vinci on haudattu San Fiorentino Ambauz-kirkkoon. Kuitenkin uskonnollisten sotien (XVI-luvulla) aikana taiteilijan hauta tuhoutui ja tuhoutui kokonaan. Hänen mestariteoksensa, joita pidettiin XV-XVI-vuosisatojen visuaalisen taiteen visuaalisen taiteen huippuina, ovat niin tälle päivälle.

Kanvas da Vinci-erikoispaika tekee Fresko "viimeinen illallinen". Kuuluisten freskojen historia on mielenkiintoinen ja hämmästyttävä. Sen luominen tarkoittaa 1495-1497. Hänet kirjoitettiin, jotta voisimme tilata Dominikaanisen järjestyksen munkit, jotka halusivat koristella maalauksen niityllä heidän luostarissaan, joka sijaitsee Santa Maria Church delle Grazie Milanossa. Fresko osoitti melko kuuluisan evankeliumin tontin: Jeesuksen Kristuksen viimeinen ateria kahdentoista apostolin kanssa.

Tämä mestariteos tunnustetaan koko taiteilijan luovuuden yläosana. Kristuksen kuvien päällikön luoma ja apostolit ovat epätavallisen kirkas, ilmeikäs, elossa. Koncrosenessista huolimatta kuvatun tilanteen todellisuus, freskojen sisältö osoittautuu täytetyksi syvällä filosofisella merkityksellä. Täällä hyvän ja pahan ristiriidan ikuinen teema, tyytymättömyys ja henkinen kulunut, totuus ja valheet saivat suoritusmuodon. Johdetut kuvat eivät ole vain yksittäisiä luonteen piirteitä (jokainen ihminen kaikessa luonteeltaan luonteeltaan), mutta myös erikoinen psykologinen yleistys.

Kuva on erittäin dynaaminen. Yleisö todella tuntuu jännitystä, joka pyyhkäisi kaikki läsnäolevat aterian jälkeen, kun Kristuksen profeetalliset sanat tulevat tulevista sanoista, jotka olisi tehtävä yksi apostoleista. Kankaasu osoittautuu eräänlainen tietosanakirja ihmisten tunteiden ja tunnelmien hienoimmista sävyistä.

Leonardo da Vinci lopetti yllättävän nopeasti: vain kahden vuoden kuluttua kuva oli täysin valmis. Hän ei kuitenkaan pidä munkkeja: Hänen toteutuksensa tapa oli liian erilainen kuin aikaisemmasta viehättävästä kirjeen tyylistä. Mestarin innovaatio ei ollut pelkästään niin paljon uuden koostumuksen maalien käytössä. Erityistä huomiota kiinnitetään kuvan näkökulmasta kuvassa. Valmistettu erityistekniikalla, fresko, koska se laajenee ja kasvattaa todellista tilaa. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä kuvassa esitettyjen huoneiden seinät ovat dispersion luostarin seinien jatkaminen.

Munkit eivät ymmärtäneet ja eivät ymmärtäneet luovaa ajatusta ja taiteilijan saavutuksia, koska he eivät välittäneet liikaa maalauksen säilyttämisestä. Jo kaksi vuotta myöhemmin kirjoittamisen jälkeen maalinmaalaukset alkoivat huonontua ja turvota, seinäpinta, jolla oli kuvattu kuva, näytti pelätty hienoimpia aineita. Se tapahtui toisaalta uusien värien huonon laadun ansiosta ja toisaalta vakion altistumisen vuoksi, kylmä ilmaa ja pari tunkeutui luostarin keittiöstä. Maalauksen ulkonäkö pilkkasi lopulta, kun munkit päättivät leikata ylimääräisen sisäänkäynnin refektoriin seinään freskolla. Tämän seurauksena kuva leikattiin pohjaan.

Yritetään kunnostaa mestariteosia pidettiin 1300-luvulta. He kuitenkin kaikki osoittautuivat turhaan, maali jatkaa romahtaa. Syynä tällä hetkellä on ympäristötilanteen heikkeneminen. Freskon laadusta ilmaa koskeva pakokaasujen lisääntynyt pitoisuus sekä haihtuvat aineet, jotka on lähetetty ilmakehään tehtailla ja tehtailla.

Nyt voimme jopa sanoa, että maalausten palauttamisen varhainen työ ei ollut vain tarpeetonta ja merkityksetöntä, mutta sillä oli myös negatiivinen puoli. Palautusprosessissa taiteilijat lisäävät usein fresko, muuttamalla kankaalle ja kuvattu sisätiloissa esitettyjen merkkien ulkonäköä. Joten, äskettäin tunnustettiin, että yhdellä apostolilla alun perin ei ollut pitkään parta. Lisäksi refektorin seinillä esitetyt mustat kankaat osoittautuivat enempää kuin pieniä mattoja. Vain
XX-luvulla Oli mahdollista selvittää ja osittain palauttaa ornamentti.

Modernit restaurit, joista Carlo Berettersin johtajana työskenteli ryhmä, päätti palauttaa ensimmäisen tyypin Fresco vapautti sen myöhemmin sovellettavista elementeistä.

Äitiyden teema, nuoren äidin kuvat, jotka hänen lapsensa pyytävät, pysyivät avainasa suuren mestarin töissä pitkään. Todelliset mestariteokset ovat hänen kangas "Madonna Litt" ja "Madonna kukka" ("Madonna Benois"). Tällä hetkellä Madonna Litt pidetään Pietarissa Pietarissa sijaitsevassa valtion hermitageissa. Kuvan osti Venäjän keisari Alexander II vuonna 1865. Italian Duke Antonio Litta, johon hän oli aiemmin läpäissyt lahjaksi Wisconti Dukesista. Venäjän kuninkaan järjestyksessä kuva käännettiin puusta kankaalle ja lähetti johonkin kuuluisan Pietarin museon salista.

Taiteelliset tiedemiehet uskovat (ja tieteelliset tutkimukset ovat osoittaneet, että tekijä ei itse valmistunut kuvan luomiseen. Hänen yksi Leonardoin opiskelijoista, Britaphio osoitettiin.

Kankaasu on äidin teeman silmiinpistävin ilmentäminen renessanssijakson maalauksessa. Madonna-äidin valo kirkas ja hengellinen kuva. Vauva näkymä on epätavallisen lempeä, hän ilmaisee samanaikaisesti ja
Surullisuus ja rauha ja sisäinen rauhallinen. Äiti ja lapsi näyttävät muodostavan oman, ainutlaatuisen maailman, muodostavat yhden harmonisen kokonaisuuden. Kuvan lopputulos voidaan ilmaista seuraavilla sanoilla: kaksi elävää olutta, äitiä ja lapsia, siirtyä itsestään perustan ja merkityksen elämän.

Madonnon kuva lapsen kanssa monumentaalisen käsissä. Viimeistely ja hienostuneisuus antaa sille erityisen sileän, valon ja varjon siirtymisen. Lukemisen hellyyttä ja haurautta korostetaan ramppin suhkaretit putosivat olkapäät. Taustalla näkyvät ikkunat ovat tasapainossa ja koostumus on valmis, jossa korostetaan kertakäyttöisiä kaksi läheistä ihmistä muusta maailmasta.

"Madonna, jossa kukka" kankaalla (Madonna Benua), noin 1478, lunastettiin viimeisimmistä venäläisistä omistajistaan \u200b\u200bKing Nikolai II: sta vuonna 1914 erityisesti hermitage. Varhaiset omistajat pysyivät tuntemattomina. On vain legenda, joka kertoo, että Venäjälle myönnetty italialainen hankalaa toimija, jonka jälkeen se ostettiin Samarassa vuonna 1824 kauppias Sapozhnikov. Myöhemmin kangas perivät Isä tyttärelle, M. A. Sapozhnikova (hänen miehensä - Beno'a), jonka keisari osti sen. Siitä lähtien kuvassa on kaksi nimeä: "Madonna kukka" (kirjailija) ja "Madonna Benua" (viimeisen omistajan sukunimen mukaan).

Maalaus, jolla Jumalan äiti on esitetty vauvalla, heijastaa äidin tavallisia, maallisia tunteita lapsen kanssa. Koko kohtaus on rakennettu kontrasti: Nauraa äiti ja lapsi, kaikki vakavuus opiskelu kukka. Taiteilija, joka keskittyy tähän oppositioon, osoittaa ihmisen halun tietoa, hänen ensimmäiset askeleensa totuutta kohti. Tämä on kankaalle tärkein ajatus.

Valon ja varjon peli asettaa erityisen, intiimin sävyn koko koostumuksesta. Äiti ja vauva ovat omassa maailmassaan, jotka on katkaistu maahallinnosta. Huolimatta siitä, että kuvatut nukkumisperheet ja jäykkyys Leonardo da Vinci oppivat melko helposti käytettyjen maalien ja mustavalkoisten yhdistelmien sävyjen sileissä, pehmeillä siirtymiksi. Kankaan on kirjoitettu rikki, rauhalliset maalit, jotka ovat säätäneet yhtä väriä tiukasti, ja tämä antaa kuvan pehmeästä luonteesta ja aiheuttaa tunteen epäilemättä, kosmisesta harmoniaa ja rauhaa.

Leonardo da Vinci on tunnustettu muotokuva. Kuuluisin tykkiin - "Lady, jossa on MornoStham" (noin 1483-1484) ja "Musician muotokuva".

Art historioitsijat ja historioitsijat viittaavat siihen, että "Lady-Mornosta" tykki kuvaa Holerania, Milanin Duke Louis Moron entinen suosikki hänen avioliittoonsa. Tiedot säilyivät, että Churchilica oli hyvin koulutettu nainen, joka oli tuolloin suuri harvinaisuus. Lisäksi kuuluisan taiteilijan historioitsijat ja biografit uskoivat myös, että hän tunsi läheisesti Leonardo da Vinci, joka kerran päätti kirjoittaa muotokuvansa.

Tämä kangas tuli meille vain uudelleenkirjoitusvaihtoehdolla, ja siksi tutkijat ovat epäillyt Leonardoin kirjoittajaa pitkään. Kuitenkin kuvan hyvin säilötyt osat vuoren ja kasvot nuoren naisen kasvot mahdollistaa luottamuksensa suuren master da Vinci-tyyliin. Mielenkiintoista ja siitä, että tiheä tumma tausta, samoin kuin jotkin yksityiskohdat ovat kampauksia, ovat laatikoita myöhemmin.

"Lady, jossa on MornoStham" on yksi kirkkaimmista psykologisista pavuista taiteilijan muotokuvan galleriassa. Koko tyttö ilmentää dynaamisuutta, aspiraatio eteenpäin, osoittaa epätavallisen vakuuttamisen ja vahvan ihmisen luonteen. Henkilön oikeat ominaisuudet korostavat sitä.

Muotokuva on todella monimutkainen ja monipuolinen, harmonia ja kuvan loppuun saattaminen saavutetaan yhdistämällä useita elementtejä: kasvojen ilmaisut, pään kääntö, kädet. Naisen silmät heijastavat epätavallista mieli, energia, näkemys. Tiiviisti pakatut huulet, suora nenä, terävä leuka - kaikki korostaa tahtoa, päättäväisyyttä, riippumattomuutta. Tyylikäs pää käänny, avoin kaula, harja kädet pitkillä sormilla, sileät graceful eläimet, korostavat epävakautta ja vähäisyyttä koko kuvion. Ei ole sattumaa, että nainen pitää ermine kädessään. Valkoinen eläin turkki, joka on samanlainen kuin ensimmäinen lumi, symboloi täällä nuoren naisen hengellistä puhtautta.

Muotokuva yllättävän dynaamisesta. Mestari onnistui tarkkaan kiinni hetkestä, kun yksi liike on sujuvasti mennä toiseen. Siksi näyttää siltä, \u200b\u200bettä tässä on tyttö tulee elämään, käänny päänsä ja kätensä liikkuu pehmeän villan eläimen ...

Koostumuksen ylimääräinen ilmeikkyys antaa luvut muodostavien linjojen selkeyden sekä varjossa olevan valonsiirtotekniikan master-hallussapito ja käyttö, jonka avulla luodaan kanavaasetuslomake.

"Musiikin muotokuva" on ainoa miesten muotokuva Leonardo da Vincin mestariteoksista. Monet tutkijat tunnistavat mallin Milanon katedraalin Regentin kanssa Frankno Gaffurion. Useat tutkijat kumotaan tämän lausunnon, puhuvan, ettei ole olemassa mitään, vaan tavallinen nuori mies, muusikko. Huolimatta joidenkin yksityiskohtien läsnäolosta, kirjeiden da Vinci -tekniikka, taiteen historioitsijat epäilet edelleen Leonardo-tekijän. Todennäköisesti nämä epäilyt liittyvät elementteihin, jotka ovat luonteenomaisia \u200b\u200bLombard-muotokumppaneiden taiteisiin perinteisiin kankaalle.

Portrait-tekniikka muistuttaa suurelta osin Antonello da Messinan työtä. Vehneiden kiharaisten hiusten taustalla selkeästi erottuvat, tiukat kasvot. Yleisön edessä on älykäs henkilö, jolla on vankka luonne, vaikkakin samanaikaisesti hänen näkemyksessään saada jotain upeaa, kevyt. Ehkä se on tällä hetkellä, että uusi, jumalallinen melodia syntyy muusikon sielussa, joka voitti monien ihmisten sydämet jonkin aikaa.

Kuitenkin on mahdotonta sanoa, että taiteilija yrittää kohtaa keinotekoisesti ihmistä. Mestari on ohut ja taitavasti välittää ihmisen sielun vaurautta ja leveyttä, turvautumatta hyperboleihin ja palatteeseen.

Yksi tunnetuimmista Canvases da Vincistä on kuuluisa "Madonna kalliossa" (1483-1493). Se suoritti Leonardo San Francesco Grandin kirkon munkkien järjestyksestä Milanossa. Koostumuksen tarkoituksena oli koristella alttarin kyynärpäällä imarolaatin.

Maalaukseen on kaksi vaihtoehtoa, joista yksi on varastoitu Pariisin Louvren ja toinen Lontoon kansallisgalleriassa.

Se oli Louvraskaya "Madonna Cliffs" koristeli kirkon alttarin. Tutkijat viittaavat siihen, että taiteilija luovutti sen Ranskan Louis XII: n kuningas. Hän teki sen historioitsijoiden mukaan kiitollisuudeksi kuninkaan osallistumisesta konfliktin ratkaisemiseen, joka syntyi maalausten ja taiteilijoiden asiakkaiden välillä.

Esitetty vaihtoehto korvattiin toisella kuvalla, joka on nyt Lontoon kansallisgalleriassa. Vuonna 1785 hän osti sen ja toi jonkun Hamiltonin Englantiin.

Erottuva ominaisuus "Madonna in the Rocks" on ihmisen lukujen sulautuminen maisema. Tämä on ensimmäinen kuva suuresta taiteilijasta, jossa pyhien kuvat ovat harmonisesti välittömiä heidän hengellisyytensä kanssa heidän läsnäolollaan. Ensimmäistä kertaa mestareiden työssä luvut eivät kuvata arkkitehtonisen rakennuksen minkä tahansa elementin taustalla, vaan kuin ne suljetaan kovassa kalliomaisessa maisemassa. Tällainen tunne luodaan koostumuksessa myös erityisen kevyen pelin ja putomien varjojen kustannuksella.

Epätavallisen henkinen ja upeat läsnä täällä Madonnan kuva. Pehmeä valo putoaa enkelien kasvoille. Taiteilija teki paljon luonnoksia ja luonnoksia ennen kuin hänen sankarit tulivat elämään ja heidän kuvat muuttuivat kirkkaiksi ja ilmeiksi. Yksi Etudes kuvasi Angel Head. Olemme tuntemattomia, tyttö on tai nuori mies. Mutta yksi asia voidaan sanoa luottamuksella: Tämä on ansiolainen olento, täynnä hellyyttä, ystävällisyyttä, puhtautta. Koko kuva on täynnä rauhaa ja hiljaisuutta.

Mestarin kirjoittama vaihtoehto eroaa ensimmäisestä yksityiskohdista: Nimes näkyvät pyhien päämiehien yläpuolella, pieni John Forerunner pitää ristin, enkelin muutokset. Ja itse toteuttamistekniikka itsessään on tullut yksi syynä Leonardo-oppilaiden oppilaiden antamiseksi. Täällä kaikki luvut esitetään lähempänä, suurempia ja lisäksi niitä, jotka muodostavat ne, ovat havaittavissa, jopa vakavampi, huomattavasti. Tällainen vaikutus syntyy sakeuttamalla varjoja ja korostamalla yksittäisiä paikkoja koostumuksessa.

Kuvan toinen versio, taidehistorioitsijoiden mukaan on tavallinen, laskeutunut. Ehkä syy tähän oli se, että kuva osoitettiin Leonardo-opiskelijoille. Tämä ei kuitenkaan heikennä kankaalle. Taiteilijan idea on selvästi näkyvissä siinä, mestarin perinne kuvien luomisessa ja ilmaisemisessa on hyvin jäljitetty.

Vähemmän mielenkiintoista on tarina kuuluisasta maalauksesta Leonardo da Vinci "Annunciation" (1470s). Kuvan luominen viittaa taiteilijan työskentelyn alkuvaiheessa tutkimuksensa aikana ja työskentelemään Andrea Verrokon työpajassa.

Useilla kirjeen kirjeen osatekijöillä voit luottaa luottavaisesti, että kuuluisan mestariteosin kirjoittaja on Leonardo da Vinci ja sulje osallistuminen verrockon tai muiden opiskelijoiden kirjoittamiseen. Kuitenkin koostumuksen yksityiskohdat ovat tyypillisiä Verrockon koulun taiteelliseen perinteeseen. Tämä viittaa siihen, että nuori taidemaalari huolimatta jo ilmenneeltä omaperäisyydestä ja lahjakkuudesta, joka oli vielä jossain määrin vaikuttanut opettajalleen.

Maalauksen koostumus on melko yksinkertainen: maisema, maaseutu huvila, kaksi kuvaa - Maria ja Angel. Taustalla
Näemme aluksia, joitain rakennuksia, satamaa. Tällaisten yksityiskohtien läsnäolo ei ole täysin ominaista Leonardoin luovuutta, eikä he ole täällä tärkein. Taiteilijalle on tärkeämpää näyttää piilotettu Misty Haze, joka sijaitsee kaukana ja kirkas, lähes läpinäkyvä taivas. Karkaistut kuvat nuoresta naisesta odottavat hyviä uutisia, ja enkeli on erittäin kaunis ja lempeä. Muotojen linjat on suunniteltu DA VINCI: llä, mikä mahdollisti kankaalle mahdollisuuden määrittää mestariteos, joka kuuluu varhaisen Leonardoksen harjaan.

Kuuluisan päällikön perinne on tekniikka Toissijaisten yksityiskohtien toteutus: kiillotetut penkit, kivi parapetes, kirjoja, koristeltu fancy siirtyy satuja. Jälkimmäisen prototyyppi, muuten, pidetään Giovanni-haudan sarkofagina, joka on asennettu San Lorenzon kirkkoon. Nämä elementit, jotka ovat luonteeltaan Verrockon kouluun ja viimeisen luovuuden ominaispiirteen, jonkin verran Da Vinci. Ne ovat elossa, tilavuus, harmonisesti kudottu yleiseen kokoonpanoon. Vaikuttaa siltä, \u200b\u200bettä kirjailija on asettanut itselleen tavoitteen, ottamalla opettajansa ohjelman perustana, paljastaakseen lahjakkuutensa maailman käyttämällä omaa tekniikkaa ja taiteellisia ilmaisuvälineitä.

Tällä hetkellä yksi kuvan vaihtoehdoista on Firenzen Uffizi-galleriassa. Koostumuksen toinen versio tallennetaan Pariisissa Louvre.

Louvran kuva on jonkin verran monimutkaisempi kuin aikaisempi vaihtoehto. Kiven parapet-seinän seinämien geometrisesti oikeat rivit ovat selvästi näkyvissä, jossa piirros toistetaan Marian kuvan takana sijaitsevat penkit. Etualalle otetut kuvat sijoitetaan sopivaan kokoonpanoon ja loogiseen. Marian ja enkelin vaatteet, verrattuna ensimmäiseen vaihtoehtoon, kirjoitetaan pikemminkin ja johdonmukaisemmin. Maria, jolla on alhainen pää, suljettu tummansinisellä mekkolla, jossa on taivaallinen sininen viitta, joka heittää olkapäille, näyttää epäilemättä olento. Tummat maalit mekko kirkkaampi kirkkaampi ja varjostaa hänen kasvonsa valkoisuus. Ei vähemmän ilmeistä ja enkelin kuva, joka toi Madonna hyvä uutinen. Keltainen sametti, rikas punainen sadetakki, jolla on sujuvasti laskeva drophery, täydentää hyvän enkelin keiju-tarinaa.

Erityisen kiinnostusta myöhästyneestä koostumuksesta on hienovaraisesti purkautunut Master Maisema: Poista joka tapauksessa, melkein todella näkyvät kasvavat puut, vaaleansininen, läpinäkyvä taivas, vuoret piilossa valon sumu, elävät kukat jalkojen alle Angel.

Maalaus "Saint Jerome" viittaa Leonardo da Vincin työhön Workshop Andrea Verrocko (niin edelleen. Florentine-taiteilijan luovuuden). Kanava pysyi keskeneräisenä. Koostumuksen pääteema on yksinäinen sankari, parannuksen syntinen. Hänen ruumiinsa kuivattiin nälästä. Kuitenkin hänen silmänsä, täydellinen päättäväisyys ja tahto, on elävä ilmaisu henkilön resistanssista ja hengellisestä voimasta. Leonardo ei missään tapauksessa luota kaksinaisuutta, näkemyksen epäselvyyttä.

Maalaustensa merkit ilmaisevat aina suurimman määritetyn syvän intohimon ja tunteiden.

Leonardoksen tekijästä todistaa myös mestarillisesti purkautuneen erakkopäähän. Ei aivan tavallinen puolestaan \u200b\u200bpuhuu maalaustekniikan kauniista hallussapidosta ja tietämyksestä ihmiskehon anatomian päällikön päällikön. Vaikka on välttämätöntä tehdä pieni varaus: monin tavoin taiteilija seuraa täällä Andrea del Kastano ja Domenico Venetsianon perinteitä, jotka puolestaan \u200b\u200bovat Antonio Polladiolosta.

Jerome-luku on erittäin ilmeikäs. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä kampi erakko on kaikki suunnattu eteenpäin. Oikeassa
Käsi hänellä on kivi, toinen hetki - ja hän lyö heitä itseään rinnassa, Bichuya hänen ruumiinsa ja sairas-sielun sielu täydellisille synneille ...

Mielenkiintoinen ja komposiitti rakenne maalaus. Kaikki tämä osoittautuu vankilaan kierteeseen, joka alkaa kivistä, jatkaa lionin lukua, joka sijaitsee tupakoinnin juurella ja päättyy erakkolueelle.

Ehkä suurin suosio maailmanmestariteoksista maailman kuvataiteesta käyttää "Joconda". Mielenkiintoista tosiasiaa, että suorittamalla työtä muotokuvassa, taiteilija ei ollut osunut hänen kanssaan kuolemaan. Myöhemmin kuva putosi ranskalaiselle kuningas Francis I, joka laittoi sen Louvre.

Kaikki tutkijoiden historioitsijat ovat samaa mieltä siitä, että kuva on kirjoitettu vuonna 1503. Kuitenkin prototyypin suhteen muotokuvassa kuvattu nuori tyttö on edelleen kiistoja. Se katsotaan (perinne tulee kuuluisasta Georgeo Vazarin Biografiasta), että muotokuva näyttää Florentine Citizen Francesco di Jocondo, Mona Lisa.

Katsot kuvaa, luottamus voit sanoa, että taiteilija on saavuttanut täydellisyyden ihmisen kuvan luomisessa. Täällä päällikkö siirtyy pois muotokuvan toteuttamisesta hyväksytty ja laajalle levinnyt. Joconda on kirjoitettu kirkkaalla taustalla ja lisäksi kolme neljäsosaa liikevaihdosta, hänen ulkoasunsa kääntyy suoraan katsojalle - se oli uusi muotokuvaan tuolloin. Tyttöjen takana olevan avoimen maiseman ansiosta jälkimmäisen luku osoittautuu osaksi maisemaa, sopeutua siihen. Tämä saavutetaan luotujen Leonardojen kustannuksella ja jota hän käyttää erityisen taiteellisen ja visuaalisen teknologian töissä - Sphumato. Sen ydin on se, että ääriviivat ovat aiheuttaneet, ne ovat hämärtyneet, se luo fuusiotunnistusta, sen yksittäisten osien interpenetraation koostumukseen.

Muotokuvassa tällainen tekniikka (ihmisen kuvion sulautuminen ja laajamittainen luonnonmaisema) muuttuu tapa ilmaista filosofinen ajatus: Manin maailma on yhtä valtava, laajamittainen ja monipuolinen, kuten meitä ympäri maailmaa . Mutta toisaalta koostumuksen pääaihe voi olla edustettuna ja mahdottomuus täydellinen tietämys luonnon ihmisen ihmisen mielestä. Tämän ajatuksen kanssa monet taidekriitikot yhdistävät ironista hymyn jäädytetty Mona Lisan huulille. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä "kaikki henkilön pyrkimykset tietää maailma, on ehdottomasti turhaan ja turhaan."

Jocondan muotokuva, taide kulttuuritieteilijöiden mukaan, on yksi Leonardo da Vincin korkeimmista saavutuksista. Siinä taiteilija pystyi todella ilmaisemaan ja ilmaisemaan täydellisesti ajatuksen harmoniasta ja maailmansähtimisestä, ajatuksesta syystä ja taiteesta.

Michelangelo Bonarroti

Michelangelo Buonaroti, italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti ja runoilija, joka syntyi Caprese lähellä Firenze 6. maaliskuuta 1475 G. Michelangelon isä, Lodoviko Buonaroti, oli Caprin kaupungin kaupunki. Hän haaveili, että poika pian muuttaa hänet työpaikassa. Toisin kuin isä Michelangelo päättää kuitenkin omistaa elämänsä maalaamaan.

Vuonna 1488 Michelangelo menee Firenzelle ja siirtyy taidekouluun, jonka jälkeen johtanut kuuluisa taidetaide Domenico Girlandiao. Vuosi myöhemmin, vuonna 1489, nuori taiteilija toimii jo Lorenzo Medicin perustamassa työpajassa. Täällä nuori mies oppii maalaamaan toisen kuuluisen taiteilijan ja kuvanveistäjän kanssa Ajansa Bertolddo di Giovanni, joka oli Donatello-opiskelija. Tässä työpajassa Michelangelo työskenteli yhdessä Angelo Polycianon ja Pico della Mirandolin kanssa, mikä vaikutti suuresti nuoren taidemaalarin taiteellisen menetelmän muodostumiseen. Michelangelon luovuutta ei kuitenkaan suljettu Space Mug Lorenzo Medici. Hän oli jatkuvasti kehittynyt. Taiteilija kiinnitetään yhä enemmän suuria sankarillisia kuvia suurten Jotton ja Mazachon teoksista.

90-luvun alkupuoliskolla. Ensimmäiset 15 vuosisataa näyttävät Michelangelon ensimmäiseltä veistoksilta: "Madonna lähellä portaita" ja "Centaursin taistelu".

Madonnalla taiteellisten kuvatapojen vaikutus on yleisesti hyväksytty tuohon aikaan. Michelangelon työssä on samat yksityiskohdat muovisia lukuja. Kuitenkin myös nuoren kuvanveistäjän puhtaasti yksittäinen tekniikka, joka ilmenee korkean, sankarillisten kuvien luomisessa.

"Centlacsin taistelun" helpotuksella ei ole enää jälkiä ulkomaan vaikutusta. Tämä työ on ensimmäinen riippumaton toiminto, joka osoitti yksilöllinen käsiala. Viettäjän edessä olevaa helpotusta koko sisällön sisältöön on mytologinen kuva Lapiphsin taistelusta Bentavran kanssa. Kohtaus erottaa poikkeuksellisen draaman ja realismin, joka ilmaisee tarkasti lähetetyt muoviset kuvat. Tätä veistosta voidaan pitää Hymnin sankari, inhimillinen vahvuus ja kauneus. Kaikesta tontin draamasta huolimatta syvä sisäinen harmonia on suljettu kokonaiskoostumukseen.

Script-art historioitsijat pitävät "Centavrov-taistelua" Batt of Centurvrov "alkuperäisen Michelangelon luovuuden. Ne viittaavat siihen, että taiteilijan nero tekee alun tässä työssä. Mestarin varhaisiin teoksiin liittyvä helpotus on eräänlainen heijastus Michelangelon taiteellisen taidon runsaasti.

Vuodesta 1495-1496 Michelangelo Buoronarot sijaitsee Bologna. Täällä hän kohtaa kankaalle Jacopo della Kverchar, houkutteli nuoren taiteilijan huomion luotujen kuvien monumentaalisuuden avulla.

Vuonna 1496 päällikkö asettui Roomaan, jossa hän opiskeli muovia ja tapaa äskettäin avoin muinaisista veistoksista, joista Lacoon ja Belvedere Torso. Muinaisten kreikkalaisten kuvanveistäjien taidemalli heijastui Michelangelo Vakhe.

Vuodesta 1498-1501 taiteilija työskentelee marmoriryhmän luomisessa, jota kutsutaan "Pieta" ja toi Michelangelon yhden ensimmäisen Italian tärkeimmistä mestareista. Koko kohtaus, joka edustaa nuorta äitiä, joka itkee kuolleen pojan kehon yli, on tunne ylimääräisestä henkilöstä ja hellyydestä. Ei ole sattumaa, että taiteilija valitsi mallin nuoresta tytöstä - kuva, joka vastaa hengellistä puhtautta.

Tämä nuoren mestarin työ, joka näyttää ihanteellisia sankareita, eroaa merkittävästi 1500-luvulla syntyneistä veistoksista. Michelangelo-kuvat ovat syviä ja psykologisia. Surujen ja surun tunteita lähetetään hienovaraisesti äidin kasvojen erityisellä ilmaisulla, kätensä sijainti, ruumis, jonka taivut korostavat vaatteiden pehmeää dirapiaa. Viimeksi mainitun kuva, muuten, voidaan pitää erikoisna askeleena Master: Yksityiskohtaiset yksityiskohdat koostumuksen elementeistä (tässä tapauksessa taitot ja huput taittuvat) on ominaispiirre PRESSES . Kokonaiskoostumus on erittäin ilmeikäs ja säälittävä, mikä muodostaa nuoren kuvanveistäjän luovuuden erottuva piirre.

Vuonna 1501, Michelangelo, Master of Sculpture jo kuuluisa Italiassa, jälleen lähtee Firenzelle. Se on täällä, että hänen marmori "David". Toisin kuin edeltäjät (Donatello ja Verrocko), Michelangelo teki nuoren sankarin vain valmistautumaan taisteluun. Valvokokojen patsas (sen korkeus on 5,5 m) ilmaisee epätavallisen vahvan tahdon henkilön, hänen ruumiinsa fyysisen voiman ja kauneuden. Tietoisuuteen Michelangelo henkilö on samanlainen kuin mytologisten jättiläisten titaanien lukuja. David näkyy täällä täydellisen, vahvan ja vapaan miehen ajatuksena, joka on valmis voittamaan mahdolliset esteet sen polulla. Kaikki intohimot kiehuvat sankarin sielussa siirrettiin kehon käännöksellä ja Davidin kasvot, jotka puhuvat hänen ratkaisevasta ja maksusta.

Ei ole sattumaa, että Davidin patsas koristeltiin Palazzo Vecchioon (Firenzen kaupunkiyksikön rakennuksen) symbolina kaupunkivaltion poikkeukseksi ja riippumattomuudesta. Koko koostumus ilmaisee vahvan ihmisen sielun harmoniaa eikä vähemmän vakavaa kehoa.

Vuonna 1501 yhdessä Davidin patsas, monumentaalisen ("Kashinin") ja Makovnan "taistelu") ensimmäisistä teoksista. Jälkimmäinen on tällä hetkellä varastoitu Firenzessä Uffizi-galleriassa.

Vuonna 1505 Michelangelo palaa Roomaan. Tässä se työskentelee paavi Julia II: n haudan luomisessa. Suunnitelman mukaan haudan piti olla suuri arkkitehtoninen rakenne, jonka ympärillä 40 patsaasta valittiin marmorista ja pronssi helpotuksia. Kuitenkin jonkin aikaa paavi Julius II kieltäytyi tilauksensa, ja Michelangelon suuria suunnitelmia ei ole tarkoitus toteutua. Lähteet osoittavat, että asiakas maksaa pikemminkin mestari, jonka seurauksena hän loukkaantui sielun syvyyksiin, päätti jättää pääomasta ja palata Firenzeen.

Kuitenkin Florentine-viranomaiset vakuuttivat kuuluisan kuvanveistäjän tekemään paavi. Pian hän kääntyi Michelangelolle uudella tarjouksella - koristella Sikstuksen kappelin katto. Mestari, joka piti itseään ensinnäkin, hyväksyi tilauksen vastahakoisesti. Tästä huolimatta hän loi kankaalle, joka on edelleen tunnustettu maailmanlaajuisen taiteen tunnustetuksi mestariteoksi ja jätti muistin taidemaalari monille sukupolville.

On huomattava, että Michelangelo työskenteli enimmäismäärän maalauksessa, jonka pinta-ala on yli 600 neliömetriä. M, täysin yksin ilman avustajia. Kuitenkin neljän vuoden kuluttua Fresko oli täysin valmis.

Maalauskatoksen koko pinta jaettiin useisiin osiin. Keskuspaikalla on yhdeksän kohtausta, jotka kuvaavat maailman luomista, samoin kuin ensimmäisen kansan elämää. Jokaisen tällaisen kohtauksen kulmissa ovat nude-poikien lukuja. Tämän koostumuksen vasemmalla ja oikealla puolella on freskoja, joissa on kuvia seitsemästä profeetasta ja viidestä altis. Katto, kaarevat kaaret ja alustat on sisustettu erillisillä raamatullisilla kohtauksilla. On huomattava, että Michelangelon lukuja erotetaan täällä. Tämä erityinen tekninen tekniikka antoi kirjoittavan keskittymään katsojan huomion tärkeimmistä jaksoista ja kuvista.

Tähän asti taide historialliset tutkijat ovat hämmentyneitä freskoiden ideologisen suunnittelun ongelmasta. Tosiasia on, että kaikki tontit, jotka muodostavat sen, poistuvat raamatullisen tontin loogisen sekvenssin loukkauksin. Niinpä esimerkiksi kuva "Nooan kirjoittaminen" edeltää koostumusta "Light of Light of Darkness", vaikka sen pitäisi olla päinvastoin. Kuitenkin tonttien dispersio ei vaikuttanut taidemaalarin taiteelliseen hallintaan. Ilmeisesti se oli vielä tärkeämpää, että taiteilija ei luovuta kertomuksen sisältöä ja uudestaan \u200b\u200b(kuten Daavidin patsas) osoittavat ihmisen kauniin, ylellisen sielun harmoniaa ja vahvaa, vahvaa kehoa.
Tämän vahvistus on SavaFin Titaniumin kaltaisen vanhin kuva (Fresko "Sunin ja kuun luominen"), joka luo loistavan.

Lähes kaikissa freskoissa, jotka kertovat maailman luomisesta, yleisö näyttää ihmisen jättiläisikokoilta, jossa luojan pyynnöstä elämä, päättäväisyys, vahvuus ja on herätetty. Ajatus riippumattomuudesta langan kautta tapahtuu kuvassa "Falling", jossa EVA, joka ulottuu kiellettyihin hedelmiin, ikään kuin haastaa kohtalo, ilmaisee ratkaisevan halun vapautta. Sama joustamattomuus ja jano elämä ovat täynnä ja kuvia freskoista "tulva", jonka sankareita uskovat elämän jatkamiseen ja laatuaan.

Image of Sivi ja profeetoista edustaa ihmisten lukuja, jotka peruuttavat vahvat tunteet ja kirkkaan persoonallisuuden hahmoihin. Wise Joil on täällä epätoivoisen Ezekielin vastakohta. Viewer vaikuttaa Spiritualized Isaiahin kuvat ja kauniit esitetyt ennusteen, delphic savils kanssa suuret selkeät silmät.

Ennen useamman kuin kerran, potilas ja MICHELANGELOn luomien kuvien monumenointi. Mielenkiintoista, että jopa niin sanottu. Lisäluvut on varustettu päälliköillä samoilla ominaisuuksilla kuin päämerkit. Yksittäisten maalausten kulmissa sijaitsevat nuoret miehet ovat elämän ilon ja oman henkisen ja kehon vahvuuden tietoisuus.

Art historioitsijat pitävät Sistine-kappelin maalausta, joka on suorittanut Michelangelon luovan muodostumisen ajanjakson. Täällä päällikkö niin menestyksekkäästi tuottanut katon jakamisen, joka huolimatta kaikesta tonttien monimuotoisuudesta, joka tuottaa kokonaisuutena harmonian vaikutelman ja taiteilijan luomien kuvien yhtenäisyyden.

Koko työn aikana Michelangelo Frescon yli, mestarin taiteellisen menetelmän vähitellen muuttui. Myöhemmät merkit esitetään suurempia - tämä vahvisti merkittävästi monumentaalisia. Lisäksi samankaltainen kuva-asteikko johti siihen, että muoviset luvut muuttuivat paljon monimutkaisemmaksi. Tämä ei kuitenkaan vaikuttanut kuvien ilmeikkyvyyteen. Ehkä täällä enemmän kuin missä tahansa, kuvanveistäjän lahjakkuus ilmestyi, joka onnistui hienovaraisesti välittämään jokaisen ihmisen liikkumisen riviä. Vaikuttaa siltä, \u200b\u200bettä maalauksia ei ole kirjoitettu maaleilla, mutta ovat mestarillisesti kudotut volumetriset helpotukset.

Freskojen luonne eri osissa kattoon on erilainen. Jos keskeinen osa ilmaisee optimistisimmat tunnelmat, kuvat on järjestetty kaarevaan kaariin, jolloin kaikki synkkyyden sävyt: rauha, suru ja ahdistus korvataan sekaannuksilla ja irrottamalla.

Mielenkiintoista ja esitteli Michelangelon tulkintaa Kristuksen esivanhempien kuvien tulkinnasta. Jotkut heistä ilmaisevat suhteellisen yhtenäisyyden tunteita. Toiset päinvastoin ovat täynnä pahaa ja vihaa toisilleen, mikä ei ole tyypillistä raamatullisille sankareille, jotka on suunniteltu kuljettamaan valoa ja hyvää maailmaan. Taidealan historioitsijat pitävät myöhemmin Dorivovka Capella uuden taiteellisen menetelmän ilmenemisellä, joka alkaa laadullisen uuden ajan kuuluisan taidemaalariamisen työssä.

20-luvulla 1600-luvulla Michelangelo Works esiintyy, joiden tarkoituksena oli koristella paavi Julia II hauta. Jälkimmäisen rakentamisen tilaus sai kuuluisan kuvanveistäjä paavin perillisistä. Tässä suoritusmuodossa haudassa oli hieman pienempi mitat vähimmäispatsas. Pian pää oli valmis työskentelemään kolmen veistoksen toteuttamisessa: kahden orjan ja Mooseksen patsaat.

Michelangelo työskenteli 1513: n vangittujen kuvien kanssa. Tämän työn avainteema on henkilö, joka taistelee vihamielisten voimien kanssa. Täällä voittavan sankareiden monumentaaliset luvut korvataan: hahmot, jotka kuolevat epätasa-arvoisessa taistelussa pahan kanssa. Lisäksi nämä kuvat osoittautuvat alaisiksi, jotka eivät ole yhden tavoitteena ja taiteilijan tehtävänä, mutta ovat kutoa tunteita ja tunteita.

Kuvan moninaisuus ilmaistaan \u200b\u200bkäyttämällä päällikön käyttämää erikoista taiteellista ja hienoa menetelmää. Jos ennen tuolloin Michelangelo pyrki näyttämään toisaalta kuvion tai veistoryhmän, nyt taiteilijan luoma kuva muuttuu muoviksi. Riippuen siitä, minkä puolen patsas on katsoja, se hankkii tiettyjä ääriviivoja, kun taas tämä tai ongelma on teroitettu.

Edellä esitetty esimerkki voi toimia "ostetuksi vankeudeksi". Joten, jos katsoja ohittaa veistoksen kohti myötäpäivään, se näkee helposti seuraavat: Ensinnäkin siihen liittyvän vankeuden kuva ja avuton elin ilmaisee epäinhimillisen kärsimystä oman impotenssin tietoisuudesta, ihmisen sielun ja kehon heikkous. Kuitenkin, kun se liikkuu veistoksen ympärille, kuva vaihtelee merkittävästi. Vankijan entinen heikkous katoaa, hänen lihaksensa voima kaadetaan, pää on ylpeänä nousussa. Ja nyt katsoja ei ole enää uupunut marttyyri, vaan voimakas sankari-titaani, jostain naurettavaa haasteesta. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä hetki - ja tapa revittyy. Tämä ei kuitenkaan tapahdu. Liikkuminen, katsoja näkee, kuinka miehen keho heikkenee uudelleen, hänen päänsä menee alas. Ja jälleen kerran meillä on säälittävä vankeudessa, joka erosi hänen kohtalostaan.

Sama vaihtelu voidaan jäljittää patsas "kuoleva vankeudessa". Kun katselija edistetään, hän näkee, kuinka keho lyö tuskallisesti rauhoittaa ja ketjusta, Assupping ajatus ikuisesta hiljaisuudesta ja rauhasta.

Captive veistokset ovat erittäin ilmeisiä, mikä syntyy kuvioiden liikkumisen muovien realistisesta siirtämisestä. He tulevat elämälle kirjaimellisesti katsojan edessä. Vangeiden patsastuksen suorituskyvyn mukaan on mahdollista vertailla, ellei Masterin aikaisinta veistos - "Centaursin taistelu".

Mooseksen patsas, toisin kuin "vangit", on jonkin verran hillitsemällä luonnosta, mutta ei vähemmän ilmeistä. Tässä Michelangelo käsittelee jälleen Titanicin sankarin kuvan luomista. Mooseksen luku on johtajan, johtajan, henkilö, jolla on epätavallisen vahva tahto. Sen ydin on täysin paljastettu verrattuna Daavidiin. Jos jälkimmäinen symboloi luottamusta sen vahvuuteen ja voittamiseen, Mooseksen tässä on ajatuksen persoonallisuus, että voitto vaatii valtavasti vaivaa. Tämä sankarin henkinen stressi luovutetaan päällikölle paitsi muokattavan kasvojen ilmaisun, mutta myös muovisten muotojen avulla: teräviä virkistäviä vaatekappaleita, hitsattu Mooseksen parran säikeet.

Vuodesta 1519 Michelangelo toimii luomalla neljä enemmän vankien patsaa. He pysyivät keskeneräisinä. Seuraavaksi heidät koristeltiin Firenzessä sijaitsevalla Bobolin puutarhassa. Tällä hetkellä patsaat tallennetaan Florentine Akatemiaan. Näissä teoksissa ilmestyy uusi aihe Michelangelolle: veistoksen liittäminen ja kiven lohkon lähdemateriaalina. Kuvanveistäjä esittelee ajatuksen taiteilijan päätavoitteena: vapauttaminen kivipakkausten kuva. Koska veistokset osoittautuivat keskeneräiseksi ja kiven käsittelemättömät viipaleet näkyvät selvästi alaosassaan, katsoja voi nähdä koko kuvan luomisprosessin. Tässä esitetään uusi taiteellinen konflikti: henkilö ja maailma hänen ympärillään. Ja tätä konfliktia ei ratkaistu henkilön hyväksi. Kaikki hänen tunteensa ja intohimonsa ovat masentuneet.

Työ, joka tarkoitti korkean uudelleensyntymisvaiheen loppuunsaattamista ja samanaikaisesti Michelangelon luovuuden uusi vaihe oli Capelichi Medicin maalaus Firenzessä. Työ toteutettiin 15 vuotta, 1520: stä 1534: een. Jonkin aikaa taiteilija joutui keskeyttämään työtä poliittisten tapahtumien yhteydessä Italiassa. Vuonna 1527 vastauksena Rooman tappioon Firenze julisti itsensä tasavallan.

MICHELANGELO valittiin republikaanisen valtion laitteen kannattajana, joka oli linnoitustyön johtaja ja edisti suurta panosta kaupungin puolustamiseen. Kun Firenze putosi ja armot tulivat voimaan jälleen, kuuluisan taiteilijan yli, ja nyt myös poliitikko ripusti vakavan kuolemanrantaa. Pelastus tuli täysin yllättäen. Pope Clement VII Medici, ylpeä ja turhaan henkilö, ilmaisi halun jättää jälkeläiset muistista itsestään ja hänen sukulaisistaan. Kuka ei ole Michelangelo, kuuluisa taidetta kirjoittamisesta hienoja maalauksia ja tehdä erinomaisia \u200b\u200bpatsaita, voisi tehdä sen?

Joten Capelli Medicin rakentamistyö jatkui. Jälkimmäinen on pieni rakenne, jossa on suuret seinät, yläreunassa kupoli. Kappelissä on kaksi hautaa: Juliano Nemurskyn ja Lorenzo Urbinskin herkkalat, jotka sijaitsevat seinillä. Kolmas seinä, vastapäätä alttaria, on Madonnan patsas. Vasemmalle ja oikealle - veistokset, henkilökohtaiset kuvat pyhistä ja damianista. Todettiin, että suuren mestarin opiskelijat tekivät heidät. Tutkijat ehdottavat, että myös Medicin haudan osalta tehtiin myös patsaita "Apollo" (toinen nimi - "David") ja "nopea poika".

Lähellä Dukesin veistoksia, joilla ei ollut ulkoisia yhtäläisyyksiä prototyyppiensa kanssa, allegoriset luvut asetettiin: "aamu", "päivä", "ilta" ja "yö". Ne on edustettuna maapallon ja ihmisen ominaisuuden symboleina. Sijaitsee kapeilla Niches Patsuksilla aiheuttaa vaikutelman läsnäolosta, jotain kauheaa ja kauheaa. Dukesin surround-luvut, jotka tulivat kaikilta puolilta murskatut kiviseinät, ilmaiset hengelliset armot ja kuvien sisäinen tyhjyys.

Tämän yhtyeen harmoninen on Madonna-kuva. Epätavallisen ilmeikäs ja täydellinen lyrismi, se on yksiselitteinen eikä rasita tummilla linjoilla.

Capeli Cape on erityisen kiinnostunut arkkitehtonisten ja veistoksellisten muotojen taiteellisen yhtenäisyyden näkökulmasta. Rakennusten ja patsaat ovat alisteisia täällä yhdellä ajatuksella taiteilijasta. Capella on kirkkain esimerkki kahden taiteen vuorovaikutuksen synteesistä ja harmoniaa - veistoksia ja arkkitehtuuria, jossa yksi harmonisesti täydentää ja kehittää toisen elementtien merkitystä.

Vuodesta 1534, Michelangelo lähtee Firenzestä ja asettuvat Roomaan, jossa se pysyy elämänsä loppuun asti. Suuren päällikön luovuuskausi siirtyi väärentämisen yhteydessä ideoita, kirjoittajia, maalareita ja renessanssin kuvanveistäjiä vastaan. Taideteollisuuden taide tulee korvaamaan jälkimmäisen työn.

Roomassa Michelangelo tarttuu ihmisille, jotka muodostavat uskonnollisen ja filosofisen ympyrän, jota johtanut kuuluisa runoilija Italia kyseisen Vitoria-sarakkeen ajan. Kuitenkin, kuten hänen nuoruudessaan Michelangelon ajatukset ja ajatukset olivat kaukana niistä, jotka Vitalit piireissä. Pohjimmiltaan päällikkö asui ja työskenteli Roomassa väärinkäsityksen ja hengellisen yksinäisyyden ympäristössä.

Se oli tuolloin (1535-1541) Fresko "pelottava tuomioistuin", joka päättää SISTINE-kappelin kiinnitysseinästä.

Raamatun tontti täällä kirjoittaja tutkii. Katseluohjelma tuntee kauhean tuomioistuimen maalaus, joka ei ole positiivinen alku, korkeampi oikeudenmukainen juhla, vaan pikemminkin kuin koko ystävällisen kuoleman universaali tragedia kuin apokalypsi. Hylkää ihmisten luvut vahvistavat draaman koostumusta.

Maalauksen spontaani luonne kaikkien täyteyden kanssa vastaa taiteilijan tehtävää - näyttämään kadonneen ihmisen kokonaispainosta. Taiteellisen kuvan tämän päätöksen ansiosta katsoja syntyy tässä maailmassa yksinäisyydestä ja voimattomuudesta vihamielisille voimille, joilla ei ole järkeä taistella. Traagiset huomautukset Hanki enemmän lävistysääni ja koska mestareilla ei ole koko, ihmisten ryhmän monoliittinen kuva (kuten se esitetään myöhäisten herätys-artistien kankaaseella), jokainen heistä elää hänen elämäänsä. Taidemaalarin epäilemättä ansiota voidaan jo katsoa, \u200b\u200bettä hän on osoittanut, että silti epäjohdonmukainen, mutta ei enää persoonatonta ihmisen massa.

"Kauhealla tuomioistuimella" Michelangelo edustaa epätavallisen ilmeistä värikäs tekniikkaa. Kontrasti kirkkaita alastomia kappaleita ja tumma, musta ja sininen taivas vahvistaa vaikutelman traagisista jännitteistä ja masennuksesta COM-asemassa.

Michelangelo. Pelottava tuomioistuin. Fresko Vatikaanin SISTINE-kappelista. Kappale. 1535-1541

Vuosina 1542-1550 Michelangelo toimii Polan Chapel Seinien maalauksessa Vatikaanissa. Suuren master-maalarin harjat kuuluvat kahteen freskoon, joista yksi oli myöhemmin nimeltään nimi "Paul" ja toinen - "Pietarin ristiinnaulitseminen". Viimeksi mainituissa merkkejä katselee Petran rangaistusta, ajatus hiljaisesta suostumuksesta, toimimattomuudesta ja nöyryydestä hänen kohtalostaan. Fyysisiä ihmisiä tai henkistä voimaa ei ole jotenkin vastustaa väkivaltaa ja pahaa.

1530-luvun lopulla. Toinen Michelangelon veistos näkyvät - Brute Bust. Tämä työ tuntui kuuluisan päällikön vastaiseksi tappamaan Despotic Duke Alessandro Medici, joka oli hänen suhteellinen Lorenzo. Riippumatta todellisista motiiveista, jälkimmäisen teko oli tyytyväinen taiteilija - republikaanien kannattaja. Civil Paphos esiintyy Brutan kuva, jota edustaa Mestari Noble, Gordy, Riippumaton, mies, jolla on suuri mieli ja kuuma sydän. Täällä Michelangelo, kuten se oli, palaa ihanteellisen henkilön kuvaan, jolla on korkeat henkiset ja henkiset ominaisuudet.

Michelangelon luovuuden viimeiset vuodet kulkivat ystävien häviämisen ilmapiirissä ja lähellä ja jopa pahentumpaa julkista reaktiota. Vastamodistien innovaatiot eivät voineet koskettaa päällikön teoksia, joissa renessanssin edistyksellisimmät ajatukset ilmenivät: humanismi, vapauden häiriö. Riittää, että yksi kovaa vasta-arvosteluista, Paul IV Karaffin kovaa faneista, muutoksista oli kuuluisan taidemaalarin "kauhean tuomioistuimen" kokoonpanoon. Paavi huolehtii ihmisten freskoista esitetyistä obscene alaston luvuista. Hänen tilauksensa mukaan Michelangelo Daniele da Volterran opiskelija piilotti Cape of the Cape -kappaleen Michelangelan välittäjien alastomuutta.

Kaikilla toiveilla ja kaatumisella Michelangelon viimeiset teokset tunsivat Michelangelon viimeiset teokset - sarja piirustuksia ja veistoksia. Nämä teokset ovat, jotka heijastavat voimakkaasti tunnustetun päällikön sisäisiä ristiriitoja.

Joten, Jeesus Kristus Pyst Paltrinasta esitellään sankarina, joka on rikki ulkoisten voimien hyökkäyksessä. Sama kuva peaiinissa ("asento arkun") Florentinin katedraalista on jo purettu ja humanisoitu. Tämä ei ole enää titan sankari. Tärkeää taiteilija osoittautuu näyttämään henkisen voiman, tunteet ja kokemukset merkkien.

Kristuksen rungon rikkoutuneet ääriviivat, äidin kuva, joka nojaa pojan kuolleen ruumiin yli, nikodemus, kehoa
Jeesus arkun alueella - kaikki on alisteinen yksi tehtävä: kuvata ihmiskokemusten syvyyttä. Lisäksi, totta
Näiden teosten etu on kuvien irtoamisen ohjatun ohjatun ohjatun. Ihmiset kuvassa yhdistyvät tappion syvän myötätunto ja katkeruus. Michelangelon vastaanottoa kehitettiin Italian taiteen muodostumisen seuraavassa vaiheessa myöhäisen renessanssin taiteilijoiden ja kuvanveistäjien teoksissa.

Michelangelon luovuuden viimeisen vaiheen yläosaa voidaan pitää veistoksena, myöhemmin nimeltään "Putain Rondanini". Tässä esitetyt kuvat esitetään arkuus, hengellisyys, syvä suru ja suru. Täällä, heti kuin ihmisen yksinäisyyden teema maailmassa, jossa niin monet ihmiset.

Sama motiiveja kuulostaa suuren mestarin myöhäisissä graafisissa teoksissa, jotka pitivät piirustuksen ensisijaisesta veistoksesta, maalauksesta ja arkkitehtuurista.

Michelangelon graafisten teosten kuvat eivät eroa monumentaalisen sävellyksensä sankareista: samat majesteettiset sankareita-titaanit esitetään täällä. Viimeisen luovuuden aikana Michelangelo käsittelee piirustuksen itsenäisenä taiteellisena ja visuaalisena tyylilajina. Joten 30-40. 1500-luvulla viitataan päällikön vilkkaimpien ja ekspressiivisten koostumusten ulkonäköön, kuten: "Falling Phaeton" ja "Kristuksen ylösnousemus".

Mestarin taiteellisen menetelmän kehitys on helposti jäljittää esimerkeissä graafisen työn. Jos kynän ensimmäiset luvut sisältävät varsin erityisiä kuvioita kuvioista, joilla on melko teräviä ääriviivoja, myöhäiset kuvat muuttuvat epämääräisemmiksi ja pehmeiksi. Tämä helpotus syntyy sen vuoksi, että taiteilija käyttää joko sangina tai italialainen kynä, jolla on hienoja ja lempeitä viivoja.

MICHELANGEELOn myöhempää luovuutta ei kuitenkaan ole vain traagisesti toivottoman kuvantamisella. Tähän aikaan kuuluvien suurien päälliköiden arkkitehtoniset rakenteet, ikään kuin jatkavat herätyksen perinteitä. Hänen Pyhän Pietarin katedraali ja Capitolin arkkitehtoninen yhtye Roomassa on korkean humanismin renessanssiideoiden suoritusmuoto.

Michelangelo Buonaroti kuoli Roomassa 18. helmikuuta 1564. Hänen ruumiinsa tiukasti mysteerissä otettiin pääomasta ja lähetettiin Firenzelle. Suuri taiteilija haudattiin Santa Croceen kirkkoon.

Maalauksen ja veistoksen päälliköiden työllä oli suuri rooli monien Michelangelon seuraavien seuraajien taiteellisen menetelmän muodostumisessa ja kehittämisessä. Niistä, Rafael, Manneristit, usein kopioidut linjat, jotka kuuluvat kuuluisan taidemaalarin kuvat. Yhtä tärkeä asia Michelangelon taideteollisuudelle oli barokkien aikakauden taiteilijoiden edustajille. Kuitenkin se oli samanlainen kuin Michelangelon sankareita, jotka kunnioittivat humanismia, Michelangelon tahdosta, joka olisi väärinymmärretty Michelangelon sankareilla, olisi väärinkäsitys Michelangelon sankareilla.

Rafael Santia

Rafael Santi syntyi Pikkukaupungissa Urbinoissa vuonna 1483 perustaa täsmällinen syntymäaika suuri taidemaalari. Samalla tavalla hän syntyi 26 tai 28. maaliskuuta. Muut tutkijat väittävät, että Rafaelin syntymäaika oli 6. huhtikuuta 1483

1500-luvun loppuun mennessä Urbinoista tulee yksi maan suurimmista kulttuurikeskuksista. Biografit viittaavat siihen, että Rafael opiskeli isänsä, Giovanni Santi. Vuodesta 1495, nuori mies työskentelee Art Workshopissa Urbinsky Master Tymoteo Dellaw Vita.

Rafaelin "unen" nukkuminen "ja" kolme grace "pidetään aikaisin säilyneinä päivisin. Jo näissä töissä renessanssin päälliköiden saarnatut humanistiset ihanteet ovat täysin heijastuneet.

"Knightin unessa" on erikoinen uudelleen mytologinen teema herculesista, valinnasta: Valor tai iloa? .. Rafael Hercules kuvaa nukkuva nuori ritari. Hänen edessä - kaksi nuorta naista: yksi - kirja ja miekka kädessä (tietämyksen symbolit, valor ja korkeimmat foots), toinen - kukkiva haara, henkilökohtainen ilo ja ilo. Koko koostumus on lähetetty kauniin maiseman taustalla.

"Kolme Grace" esittelee jälleen antiikkiset kuvat, jotka ovat otettuja, todennäköisesti muinaisella kreikkalaisella naamuakella (kuva arvokkaalla tai puoliksi arvokas kivi).

Huolimatta siitä, että nuoren taiteilijan varhaisissa teoksissa paljon lainoja, kirjoittajan luova yksilöllisyys näyttää aivan selvästi täällä. Se ilmaistaan \u200b\u200bkuvien lyricity, erityinen rytminen organisointi, muotoja muodostavien rivien pehmeys. Koska epätavallinen harmonia purettujen kuvien sekä koostumuksen selkeyden ja selkeyden vuoksi kerrotaan suuresta herätystaiteesta.

Vuonna 1500 Rafael jättää kotikaupunginsa ja menee Perugia, Umbrian pääkaupunkiin. Täällä hän oppii maalausta Pietro Perugininon työpajaan, joka oli Umbral Art ja Fine Schoolin perustaja. Raphaelin nykyaikaiset todistuvat: Toiminnallinen opiskelija on niin syvästi hyväksynyt opettajan kirjeet, joita heidän verkkoa ei voitu edes erottaa. Hyvin usein Rafael ja Perugino suorittavat tilauksen, työskentelet yhdessä kuvan kautta.

Kuitenkin sanoa, että nuoren taiteilijan alkuperäinen lahjakkuus ei kehittynyt lainkaan tänä aikana, se olisi väärin. Tämä vahvistaa kuuluisa "Madonna Concreate", joka on luotu noin 1504

Tässä kanavassa Madonna näyttää ensimmäistä kertaa, mikä myöhemmin ottaa yhden johtavista paikoista taiteilijan työssä. Madonna on kirjoitettu ihanan maiseman taustalla puiden, kukkuloiden ja järven kanssa. Kuvat yhdistyvät sillä perusteella, että Madonna ja vauva kääntyi kirjaan, jonka lukeminen on kiireinen nuorella äidillä. Koostumuksen loppuun saattaminen lähetetään paitsi päähenkilöiden lukuihin, vaan myös kuvan - TDDU: n (kierros), joka ei rajoita kuvien vapautta lainkaan. Ne ovat äänenvoimakkuutta ja helppoa. Luonnollisuuden ja realismin vaikutelma luodaan kevyiden kylmämaalien ja niiden erityisyhdistelmien avulla: kyllästetty sininen madonna cape, läpinäkyvä sininen taivas, vihreät puut ja järven vesi, lumipeitteiset vuoret valkoisilla yläosilla. Kaikki tämä katseltaessa kuvaa luo puhtauden ja hellyyden tunteen.

Toinen yhtä hyvin tunnettua Rafael-palaa, joka liittyy myös hänen luovuudensa varhain, on kangas, joka on luotu vuonna 1504, nimeltään "Marian sitoutuminen". Tällä hetkellä kuva tallennetaan Milanon Brera-galleriassa. Erityisen mielenkiinto on yhteensopiva rakenne täällä. Kihteen uskonnollinen ja rituaalinen toiminta siirrettiin taidemaalari kirkon seinistä, näkyvissä kadulle. Sakramentti suoritetaan selkeän vaaleansinisen sinisen taivaan alla. Kuvan keskellä on pappi, hänen vasemmalle ja oikealle - Maria ja Joosef, vieressä, jonka pienet ryhmät ovat nuoria tyttöjä ja nuoria miehiä. Kirkko, joka on lähetetty koostumuksen näkökulmasta, on eräänlainen tausta, joka tapahtuu. Hän on jumalallisen sijainnin symboli ja tuhoaa Marialle ja Josephille. Looginen valmistuminen Kuva antaa kankaalle puoliympyrän muotoilua yläosassaan, toistaa kirkon kupolin rivi.

Kuvassa olevat luvut ovat erittäin lyric ja samalla luonnollisia. Täällä hyvin tarkasti ja hienosti lähetetty liike, ihmiskehon muovi. Elävä esimerkki tästä on poika, joka sijaitsee koostumuksen etualalla, rikkoa sauva polvesta. Elegantti, lähes obstellites näyttää katsojalta Maria ja Joseph. Heidän hengelliset kasvot ovat täynnä rakkautta ja hellyyttä. Huolimatta muotojen sijainnin määritelty symmetria, kangas ei menetä lyyristä ääntä. Rafaelin luomat kuvat, älä skeema, nämä elävät ihmiset kaikilla heidän tunteistaan.

Tässä työssä ensimmäistä kertaa kirkkaasti verrattuna edellisiin teoksiin, nuoren päällikön lahjakkuus ilmestyi kykyssä hienoksi järjestää koostumuksen rytmi. Tämän ominaisuuden ansiosta arkkitehtonisten rakenteiden kuvat ovat harmonisesti sisältyvät yleiseen kuvaan, joka ei ole vain maiseman Raphael-elementillä, vaan myös yksi rivi päähenkilöillä, paljastaa heidän olemuksensa ja luonteensa.

Halu luoda erityinen rytmi työssä, ja tiettyjen sävyjen maalien taiteilijan käyttö. Niinpä kokoonpano "Marian sitoutuminen" rakennettiin vain neljä väriä.

Kultainen keltainen, vihreät ja punaiset sävyt, yhdistetty sankareiden, maiseman, arkkitehtuurin vaatteisiin ja pyytämään tarvittavaa rytmiä kokonaiskoostumuksesta, muodostavat harmoniaa vaaleansinisten sävyjen kanssa taivaalla.

Hyvin pian, taide-työpaja Perugino muuttuu liian pieneksi maalaustekniikan kasvulle. Vuonna 1504 Rafael päättää siirtyä Firenzeen, jossa korkean elvytystekniikan ideat ja estetiikka kehittyvät. Täällä Rafael tutustuu Michelangelon ja Leonardo da Vincin teoksiin. Se on luottavaisesti sanottavaa, että nuoren taidemaalarin opettajat tässä vaiheessa luovan menetelmän muodostumisen tässä vaiheessa olivat heille. Näiden mestareiden teoksissa nuori taiteilija löysi jotain, joka ei ollut Umbrian koulu: alkuperäinen tyyli luoda kuvia, ilmaisevia muovi kuvia lukuja, enemmän todellisuutta.

Uudet taiteelliset ja visuaaliset ratkaisut heijastuivat Raphaelin vuonna 1505 luomiin teoksiin. Firenzen Angelo Dononin ja hänen vaimonsa tunnetun kuvioiden muotokuvia pidetään parhaillaan Pitty-galleriassa. Kuvat ovat riistettyjä sankarillisia patoja ja hyperbolisaatiota. Nämä ovat tavallisia ihmisiä, jotka ovat kuitenkin parhaimmat ihmisen ominaisuudet, joista on päättäväisyys ja vakava tahto.

Täällä Firenzessä Rafael kirjoittaa Madonne: lle omistettuja maalauksia. Hänen kangas "Madonna vihreä", "Madonna, jossa on shyman", "Madonna-sadovnik" ilmestyy. Nämä koostumukset ovat yhden työn variantteja. Kaikilla kankauksilla kuvasi Madonna vauvan ja pienen Johannes Kastajan kanssa. Luvut on lähetetty upean kauniin maiseman taustalla. Raphaelin kuvat ovat erittäin lyric, pehmeä ja lempeä. Hänen Madonna on kaiken ystävällisen, rauhallisen äidin rakkauden suoritusmuoto. Näissä teoksissa jokin osuus sentimentaalisuudesta ja liiallisesta ihailusta sankareiden ulkoisesta kauneudesta ilmestyy.

Taidemaalarin taiteellisen menetelmän erottuva piirre tänä aikana on saada kaikki Florentine-koulun päälliköt selkeän visuaalisen värin puutteesta. Kankaalla ei ole määrääviä maaleja. Kuvat siirretään pastelliväreissä. Väri taiteilija ei ole tärkein asia. Tärkeämpää, sillä se osoittautuu niin tarkasti, jotka siirtävät kuvion muodostavat viivat.

Firenzessä luotiin ensimmäiset RAFAELin monumentaalisen maalauksen näytteet. Niistä suurin kiinnostus tehdään 1506-1507. Madonna John The Baptist ja St. Nikolai "(tai" Madonna Anseida "). Taiteilijan luova menetelmä vaikutti suurelta osin Florentine-maalarit, pääasiassa Leonardo da Vinci ja Fra Bartolomeo.

Vuonna 1507, haluavat vertailla Firenzan koulun parhaita mestareita, he olivat Leonardo da Vinci ja Michelangelo, Rafael luo melko suuren kankaan, jota kutsutaan "asemaan arkkuun". Koostumuksen koostumusten erilliset elementit ovat kuuluisia maalareita. Niinpä Kristuksen pää ja ruumis lainataan Michelangelon "Pieta" (1498-1501) veistoksesta ja naisesta, joka tukee Mariaa, - saman mestarin kankaalle "Madonna Donon". Monet taiteen historioitsijat eivät pidä tätä Raphaelin työtä alkuperäisen, paljastaen alkuperäisen lahjakkuutensa ja taiteellisen ja visuaalisen menetelmän ominaisuuksia.

Viimeisestä epäonnistuneesta työstä huolimatta Rafaelin saavutukset ovat merkittäviä. Pian nykyaikaiset huomaavat ja tunnistavat nuoren taiteilijan teokset, ja kirjoittaja itse laittaa yhteen riviin erottavien tuomareiden päälliköiden kanssa. Vuonna 1508 kuuluisan arkkitehdin Bramtein suojelusta Rafaelin Country Maa Forter lähtee Roomaan, jossa se osoittautuu papin tuomioistuimeen kutsuttuihin.

Tuolloin Julius II tunnettiin turhaan, ratkaisevana ja maksuttomana.
Se oli hänen valtakautensa, että papin omaisuuksia laajennettiin merkittävästi sotien avulla. Sama "loukkaava" politiikka toteutettiin kulttuurin ja taiteen kehittämisessä. Joten kuuluisimmat taiteilijat, kuvanveistäjät ja arkkitehdit kutsuttiin Papin tuomioistuimeen. Rooma, joka on sisustettu lukuisia arkkitehtonisia rakennuksia, alkoi huomattavasti muuntaa: Bramte rakensi St. Peterin katedraali; Michelangelo, joka keskeytti Julia II: n haudan rakentamisen jonkin aikaa, alkoi maalata Sicastit-kappelin enimmäismäärää. Vähitellen, runoilijoiden ja tutkijoiden ympyrä, saarnaa korkeita humanistisia periaatteita ja ideoita, jotka on muodostettu paavin ympärillä. Tällaisessa ilmakehässä saapui Firenzesta Rafael Santi.

Roomaan saapuminen Rafael alkoi työskennellä paavi huoneistojen maalauksessa (jne. STAL). Freskot luotiin 1509-1517: een. Ne eroavat toisten mestareiden tämän luonteen teoksista useita ominaisuuksia. Ensinnäkin tämä on maalausten laajuus. Jos aiempien maalareiden teoksissa on useita pieniä koostumuksia yhdellä seinällä, Raphaelilla on jokainen kuva erillinen seinä. Näin ollen "kasvanut" ja kuvatut luvut.

Seuraavaksi on tarpeen huomata Raphaelin freskoiden kyllästyminen erilaisilla koristeellisilla elementeillä: katot, jotka on sisustettu keinotekoisella marmorilla ja kullatuksilla, freskoan ja mosaiikkikoostumukset, jotka on maalattu outo kuviokerros. Tällainen lajike ei kuitenkaan luo kuitenkaan luonnonvaikutelmista ja kaaosta. Järjestetyt koristeelliset elementit, jotka on järjestetty niiden paikkaan ja taitavasti kotisivat koristeelliset elementit aiheuttavat tunteen harmoniaa, tilausta ja tiettyä rytmimäätöä. Luovien ja teknisten innovaatioiden seurauksena maalausten taiteilijan luomat kuvat näkyvät selvästi katsojalle ja hankkivat siten tarvittavat selkeyttä ja selkeyttä.

Kaikki freskot joutuivat noudattamaan yleisiä aiheita: katolisen kirkon ja hänen lukujensa kirkastus. Tältä osin maalauksia rakennetaan raamatullisiin tontteihin ja papaisuuden historiasta (kuvia Julia II: sta ja sen seuraaja Lion X: n). Raphaelissa tällaiset erityiset kuvat kuitenkin hankkivat yleisen allegorisen arvon, joka paljastaa ihmisten elvyttämisen humanististen ideoiden ydin.

Erityisesti tämän näkökulmasta edustaa asemaa della Senyaturaa (allekirjoitushuone). Koostumuksen freskot ovat neljästä ihmisen hengellisestä toiminnasta. Joten, "riidan" fresko osoittaa teologia "Ateenan koulu" - filosofia, "Parnas" - runous, "viisaus, maltillisuus ja voima" - oikeus. Kunkin freskojen yläosa kruunataan kuvion allegorisella kuvalla, joka personoi erillinen toimintatyyppi. Kaarien kulmissa on pieniä koostumuksia lähellä yhtä tai muuta freskoa.

Dellah-koneen Senetin maalauksen koostumus rakennettiin Raamatun ja muinaisten Kreikan tonttien yhdistelmälle (Raamattu "Falling", Antique - "Victory Apollo edellä Martien yläpuolella"). Se tosiasia, että mytologisten, pakanallisten ja maallisten aiheiden yhdistelmää käytettiin koristelemaan papal-huoneita, todistaa ihmisten asenteesta uskonnolliseen dogmaan. Rafaelin freskot ilmaisivat prioriteettinsa maallisen alussa kirkon uskonnollisella.

Kirkkain ja täysin heijastava uskonnollinen kultti Fresco oli kuva "riidan". Tässä koostumus osoittautuu jaetaan kahteen osaan: taivas ja maa. Alla, maan päällä, kirkon isien lukuja sekä papisto, vanhimmat ja nuoret miehet sijoitetaan. Niiden kuvat ovat äärimmäisen luonnollisia, jotka luodaan käyttäen realistista muoveja elimistöjen, kääntöjen ja luvut. Henkilöstöjen joukossa voit helposti selvittää Dante, Savonarol, Taidemaalari FRA Beatto Angeliko.

Ihmisten lukujen yli järjestetään kuvia, jotka symboloivat Pyhää Trinity: Jumala Isä, hieman alhaisempi - Jeesus Kristus Neitsyt ja John The Baptisti, heidän alle - kyyhkysi - Pyhän Hengen persoonallisuus. Yleisen koostumuksen keskellä Simpal Communion - pilvi.

"Lähetys" Rafael näkyy ylivoimaisena masterikoostumuksena. Monista merkkeistä huolimatta kuva erotetaan kuvien poikkeuksellisesta selkeydestä ja kirjoittajan selkeyden vuoksi. Kuvioiden muodostumisen symmetria koostumuksen yläosassa pehmentää lähes kaoottista sijoitettua kuvion alaosaan. Ja siksi jotkut kuvan kaaviot tulevat ensin tuskin havaittavissa. Ron puolipyörä täällä: puolipyörät, jotka sijaitsevat pyhien yläosassa ja apostoleissa pilvissä ja sen SzVUK - vapaan ja luonnollisempien ihmisten puoliympyrä kuvan alaosassa.

Yksi tämän työnsä Raphaelin parhaista freskoista ja teoksista pidetään maalauksena "Ateenan koulu". Tämä fresko on korkean humanistisen ihanteiden suoritusmuoto, joka liittyy muinaisen Kreikan taidetta. Taiteilija kuvasi kuuluisia antiikkifilosofeja ja tutkijoita. Koostumuksen keskiosa, Platonin ja Aristoteleen lukuja sijoitetaan. Platon käsipisteitä maan päällä ja aristotelet - taivaalla, joka symboloi muinaisten filosofien opetukset.

Platon vasemmalta puolelta on Sokrates-luku, joka johtaa keskustelun ihmisryhmän kanssa, joista nuorten alkiviad kasvot kohdennetaan huomattavasti, jonka runko on suojattu kuori, ja pää on peitetty kypärällä . Dioogeeni sijaitsee portaissa, filosofisen koulun perustaja. Se on esitetty täällä kerjäläisenä, seisoo temppelin sisäänkäynnin ja pyytää Almsia.

Kaksi ihmisryhmää kasvatetaan koostumuksen alaosassa. Vasemmalla puolella näyttää Pythagoran hahmo, jota opiskelijat ympäröivät. Oikein - euklidin kanssa jotain piirtää stylistilevyyn, jota myös opiskelijat ympäröivät. Viimeisen ryhmän oikealle on Zoroastra ja kruunattu PTOLEUM, jossa on pallot. Lähellä tekijää sijaitsee itse muotokuvaan ja sooda-taidemaalari (se alkoi työskennellä koneen della Senyaturan maalauksessa). Keskusta vasemmalle, taiteilija sijoittui efesoksensa suunnatun Herakliitin.

Verrattuna kuvat Murals-riidoiden "kuviin" Athenian koulun "luvut ovat paljon suurempia ja monumentaalisia. Nämä ovat sankareita, joilla on erinomainen mieli ja suuri voima henki. Freskojen tärkeimmät kuvat ovat Plato ja Aristoteles. Niiden merkitys on määritelty paitsi eikä niin paljon kuin koostumuksen paikka (he käyttävät keskuspaikan), kuinka paljon kasvojen ilmaisu ja erityinen muovi Puh: Näillä luvuilla on todella kuninkaallinen asento ja kävely. Mielenkiintoista, että Leonardo da Vinci tuli Platonin kuvan prototyyppi. Malli, kun kirjoitetaan euklidin kuva, oli arkkitehti Bramte. Heraclituksen prototyyppi oli kuva, jonka Michelangelo kuvasi SISTINE CHAPELin Plafonissa. Jotkut tutkijat viittaavat siihen, että Michelangelon päällikkö teki Herceliitin kuva.

Muutokset täällä ja aihe: Fresco kuulostaa eräänlaisena hymnin ihmisen mielestä ja ihmisestä. Siksi kaikki merkit sijaitsevat suurten arkkitehtonisten rakennusten taustalla, symboloivat ihmisen mielen ääretöntä ja luovaa ajatusta. Jos "kiistojen" sankareita ovat passiivisia, sitten Ateenalaisessa koulussa esitetyt kuvat ovat aktiivisia ja energiset rakentajat elämästään, maailman yhteisön laitteen muuntimet.

Mielenkiintoisia ja komposiittiratkaisuja freskoista. Joten, sijaitsee Platonin ja Aristoteleen taustalla, koska ne näytetään liikkeessä, ovat tärkeimmät kuvassa. Lisäksi ne muodostavat koostumuksen dynaamisen keskuksen. Puhuminen syvyydestä, he etsivät katsojalle, mikä luo vaikutelman dynamiikasta, koostumuksen kehityksestä, joka on kehystetty puolipyörällä.

Station D'eeliodoron huoneeseen tulevaa maalausta tehtiin Rafalemista 1511 - 1514. Tämän huoneen freskoissa olevat tontit olivat raamatullisia legendoja ja tosiasioita papaisuuden historiasta, jotka on upotettu tarinoita , jossa tärkein paikka annettiin jumalalliseen providence ja ihme.

Huone sai nimensä koristeellisen työn lopussa Fresko "Exile Eliodor", joka oli tontti, joka oli tarina Eliorisen Syyrian komentajasta, joka halusi sietää Jerusalemin linnaan tallennetun varallisuuden. Hänestä ei kuitenkaan estänyt taivaallinen ratsastaja. Fresko toimi muistutuksena siitä, miten paavi Julia II joukot voittivat ja karkoivat Ranskan armeijan Papin alueelta.

Tämä fresko ei kuitenkaan poikkea taiteilijan luovan suunnittelun ilmaisemisessa. Tämä tapahtuu todennäköisesti johtuen siitä, että kokonaiskoostumus osoittautuu jaetaan kahteen erilliseen osaan. Vasen on ihana ratsastaja, joka yhdessä kahden enkelien kanssa yrittää lyödä Eliodoria. Freskon oikealla puolella Julius II, joka kallistuu venyttimiin. Niistä, jotka tukevat paalua, taidemaalari kuvasi kuuluisan saksalaisen taidemaalari Albrecht Dürerin. Tontin väitetystä sankarillisesta laastarille huolimatta Rafaelin kuvat ovat täysin dynamiikkaa ja draamaa.

Hieman vahvempi luonne ja täydellinen koostumusjärjestelmässä on fresko, jota kutsutaan "massaksi bolsseeniksi". Tontti perustuu kertomukseen, kertoen epäuskoisesta papista, jonka pilvet maalattiin verta yhteyden aikana. Tämän ihmeen todistajat Raphael Cannonissa olivat Papa Julius II, joka sijaitsee takana kardinaalit ja Sveitsin sotilaalliset huoltajat.

Kuuluisan taiteilijan tämän työn erottuva piirre on tullut suuri, verrattuna aiempiin teoksiin, luonnollisuuteen ja luonnollisuuteen sankareiden kuvassa. Tämä ei ole enää tiivistelmä, silmiinpistävää ulkoisen kauneuden kanssa, mutta melko todellisia ihmisiä. Tämän silmiinpistävin todiste on Sveitsin kuvat papin guaraniumista, joiden kasvot ovat täynnä sisäistä energiaa, ilmaista vahva ihminen. Kuitenkin niiden tunteet eivät ole taiteilijan luovaa fiktiota. Nämä ovat varsin todellisia inhimillisiä tunteita.

Tässä työssä kirjoittaja maksaa paljon huomiota kankaiden ja kuvien väriin, värikäs täyteys. Taidemaalari on nyt huolissaan paitsi kuvioiden ääriviivoja, vaan myös kuvien värikylläisyyden, sisäisen maailman näytön tietyn sävyn kautta.

Yhtä ilmaiseva on Fresko "Pietarin fale", joka kuvaa Apostoli Peter Angelin vapautumisen kohtausta. Art historioitsijat uskovat, että tämä kuva on symboli upeasta vapautuksesta papal Legate Lion X (myöhemmin isä) Ranskan vankeudesta.

Erityisen mielenkiinto on komposiitti ja väriliuos, jonka tekijä on tämän fresko. Se toistaa yön valaistusta, mikä lisää yleisen koostumuksen dramaattista luonnetta. Kuvan sisällön ja suuremman emotionaalisen täydellisyyden paljastaminen monilla tavoilla edistää tarkalleen valittuja arkkitehtonisia taustan: Dungeon, joka on taitettu massiivisista tiilistä, raskas kaareva kaari, paksut ruudukon.

Neljänneksi ja viimeinen Fresko d'Elodoron asemalla, jota kutsutaan myöhemmin "paavi Lion I: n kokoukseksi", tehtiin RAFAELin luonnoksen mukaan, Julio Romano ja Francesco Penny. Työ toteutettiin 1514-1517: een. Mestari itse, joka tuli epätavallisen suosittu taiteilija, joka laajensi mainetta koko Italiassa ja sai paljon tilauksia, ei voinut suorittaa työtä papin kammioiden koristeluun . Lisäksi Raphael oli tuolloin nimitetty St. Peterin katedraalin pää arkkitehtiin ja myös valvoa arkeologisia kaivauksia, jotka toteutettiin sitten Rooman alueella ja sen ympäristössä.

Kuvia, Del Incradion koneiden päättämisestä, kirjoitettiin tarinoita papin historian tarinoita. Kaikista freskoista vain yksi on "tulipalo Borgo" ansaitsee erityistä huomiota. Hän puhuu tulesta, joka tapahtui yhdessä roomalaisessa neljäsosaa 847 tulipalossa sammutti paavi Leo IV: n osallistumista. Tämä fresko sisältää liiallisen kärsivällisyyden ja keinotekoisen draaman, joka yrittää paeta ihmisten katastrofista: Poika, joka kuljettaa isänsä, nuori mies, joka kiipesi seinän läpi, tyttö, jolla on kannu.

Vatican Stansin freskot osoittavat hyvin Rafaelin luovuuden kehitys: taiteilija vähitellen siirrot ihanteellisista kuvista varhaisesta draamasta ja samalla lähentää elämää myöhään (tontti koostumukset ja muotokuvat).

Lähes välittömästi saapumisen jälkeen Roomaan, vuonna 1509, Rafael, jatkaa madonna-teemaa, kirjoittaa Madonna Alba Canvas. Verrattuna "Madonna Concreate" -luvut "Madonna ALBE" kuvat ovat paljon monimutkaisempia. Maria kuvataan täällä nuori nainen, jolla on vahva luonne, energinen ja varma. Myös vahva ja vauvan liike. Kuva tehdään TDO: n muodossa. Kuviot kuitenkin tyhjennetään täällä kokonaan, mikä ei ollut tyypillistä pyöreitä liinoja. Tämä luvut eivät kuitenkaan aiheuta kuvien staattisuuden ulkonäköä. Niitä sekä koko koostumus kokonaisuutena esitetään dynamiikassa. Tämä tunne syntyy sen vuoksi, että päällikkö hienosäätää ja siirtää tarkasti ihmiskehon liikkumista.

Maalaus "Madonna tuolissa" (tai "Madonna della della Seda") oli erityisen tärkeä taiteilijan luovan menetelmän muodostamiseksi), joka valmistui noin 1516: ssä. Hieman ideaalisoitu kuva Madonna laskeutuu tänne kirjoittamalla tiettyjen todellisten elementtien koostumukseen. Joten esimerkiksi Marian rintakehä kattaa laajan kirkkaan nenäliinan, jossa on reuna. Tällaiset huivit tuolloin olivat kaikkien italialaisten talonpoikien suosikki asu.

Madonna, Kristuksen vauva ja pieni Johannes Kastaja ovat lähellä toisiaan. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä kuvat virtaavat tasaisesti yksin toisessa. Koko kuva on täynnä epätavallisen kirkkaan lyyristä tunnetta. Aina vilkas teema äidin rakkaudesta siirretään täällä paitsi Marian ulkonäköön, vaan myös muovin muotoon. TDOD: n muoto antaa koko koostumuksen loogisen loppuun. Marian ja vauvan luvut, jotka on sijoitettu pyöreään kanavaan, ovat kahden lähimmän ihmisen unionin symboli: äiti ja lapsi. Tämä
Raphaelin maalaus on myös tunnustanut hänen nykyiset maalauksen yläosaan paitsi komposiittirakenteen näkökulmasta vaan myös kuvien muovisten linjojen hieno siirto.

10. vuodesta. XVI in. Rafael toimii alttarien sävellyksillä. Joten, vuonna 1511 Madonna Foligno ilmestyy. Ja vuonna 1515 kuuluisa taiteilija alkaa luoda kankaalle, joka myöhemmin tuo taidemaalari suurien päälliköiden kunniaksi ja valloittaa sydämet yksi ihmisten sukupolvi. "Sicstinskaya Madonna" on kuva, joka merkitsi Raphaelin taiteellisen menetelmän muodostumisen lopullisen vaiheen. Täällä syntyi äitiysteema verrattuna aiempiin teoksiin, suurimpaan kehitykseen ja täydellisin inkarnaatioon.

Katedraalin sisäänkäynnillä katsojan näkemys vetoaa välittömästi Madonnon majesteettiseen hahmoon, kantolautakunnalle Jeesuksen Kristuksen käsissä. Tällainen vaikutus saavutetaan sankareiden erityisellä koostumuksella. Juuri verho, kuuden ja Barbaran pyhien näkymät, jotka muunnetaan Mariaksi, - kaikki tämä on tarkoitettu korostamaan ja tekemään nuoren äidin koostumuksen keskus.

Madonna Rafaelin kuvan julkistamisessa siirtyi pois renessanssin taiteilijoista. Madonna vetoaa täällä suoraan katsojalle. Hän ei ole mukana lapsella (kuten Madonna Leonardo da Vinci) eikä upotettu itseään (kuten Mestarin varhaisten teosten sankaria). Tämä Maria, joka siirtyy lumivalkoisiin pilviin vastaamaan katsojan, johtaa keskustelemaan hänen kanssaan. Laajasti avatuilla silmillä hänen silmänsä ovat näkyvissä ja äidin rakkautta ja jonkin verran sekaannusta ja toivottomuutta ja nöyryyttä ja syvä kokemus pojan edelleen kohtalosta. Hän maakunnalla tietää kaiken, mitä hänellä tapahtuu lapselleen. Kuitenkin pelastushenkilöiden vuoksi äiti on valmis uhraamaan hänet. Sama vakavuus on varustettu Kristuksen vauvan kuvalla. Hänen silmissään, kuten se oli, koko maailma päätettiin, että profeetta lähettää meidät ihmiskunnan kohtalosta ja omasta.

Raphael. SISTINE Madonna. 1515-1519.

Marian kuva on täynnä draamaa ja erittäin ilmeistä. Kuitenkin se on riistetty idealisoinnista, eikä niillä ei ole hyperbolisia ominaisuuksia. Täydellisyyden tunne, kuvan täydellisyys luodaan täällä koostumuksen dynaamisen koostumuksen vuoksi, joka ilmaistaan \u200b\u200bplastlukujen tarkalla ja oikeassa lähetyksessä ja sankareiden draperi. Kaikki muodot esitetään, elossa, siirrettävä, kirkas. Marian kasvot, samoin kuin vauvan Kristus lapsellisilla silmillä, ilmaisee koko tunteita, vuorotellen yhden toisensa jälkeen katsojan edessä: suru, ahdistus, nöyryys ja lopulta päättäväisyys.

Taiteen historioitsija-ympäristössä Sicstinian Madonna-prototyypin kysymys on avoinna. Jotkut tutkijat tunnistavat tämän kuvan nuoren naisen kuvan kanssa, joka on kuvattu muotokuvassa "ladespledissä" (1514). Kuitenkin esittäjän nykyaikaisten todisteiden mukaan Maria Sistinskaya Madonna Canvas on melko yleinen nainen, Rafaelevsky ihanteellinen kuin tietty kuva kenenkään.

Raphaelin muotokuvien joukossa, joka on 1511: ssä kirjoitettu paavi Julia II: n muotokuva, todellinen henkilö näkyy täällä tietty idea, joka oli luonteenomaista maalivarintamenetelmää.

Erityistä huomiota ansaitsee Baldassa Castiglionin muotokuvan, joka on luotu 1515, joka osoittaa rauhallisen, tasapainoisen, harmonisesti kehittyneen henkilön. Rafael seisoo täällä upeana master-värinä. Se käyttää monimutkaisia \u200b\u200bväriyhdistelmiä ja sävyjätteitä. Sama sävyn hallussapito erottaa toisesta taidemaalarin tuote: naisen muotokuva "naisen päiväpeitteessä" ("La Donna Velata", 1514), jossa väri hallitseva on valkoinen maali (lumivalkoinen mekko Nainen ravistelee kevyitä päiväpeitteitä).

Merkittävä osa Rafaelin työssä on monumentaalinen teos. Myöhäinen vastaava se toimii, suurin kiinnostus on ensisijaisesti fresko, joka päättää 1515 Villa Farnesinin seinistä (aiemmin omistama Rich Kidji) "Triumph Galatei". Tämä kuva erottaa epätavallisen iloisen tunnelman. Kuvat ovat kirjaimellisesti täynnä onnea. Tällainen sävy luodaan käyttämällä erityistä kirkkaat, tyydyttyneitä värejä: nude valkoisia kappaleita ovat harmonisesti yhdistetty täällä läpinäkyvällä sinisellä taivaalla ja sinisellä meren aaltoilla.

Rafaelin viimeinen monumentaalinen työ oli kaarevan gallerian seinien koristelu, joka sijaitsee Vatikaanin palatsin toisessa kerroksessa. Hallien sisustus koristeltiin maalaamalla ja mosaiikki keinotekoiselta marmorilta. Freskojen tontit vetävät taiteilijat raamatullisista legendoista jne. Groteskov (maalaus löytyi muinaisista kreikkalaisista haudoista - grottoes). Yhteensä on 52 maalausta. Heidät myöhemmin yhdistettiin syklille yleisen nimen alla "Rafaelin Raamattu". Mielenkiintoista ja siitä, että Vatikaanin palatsin salissa oleva työ, kuuluisa taiteilija, joka on yhdessä opiskelijoiden kanssa, joista näkyvä paikka oli Julio Romano, Francesco Penny, Perino Del Waga, Giovanni da virtsa.

Raphaelin myöhemmät koneen kanavat olivat eräänlainen heijastus ja ekspressointi master-mestarin vähitellen kasvavasta luovasta kriisistä. Kun kaikki suuren uudistuksen päälliköiden aiheuttamat kuvien kasvavat kuvat, mutta samalla pysyy uskollinen omille taiteelliselle kuvallaan, Rafael tulee tyylin ristiriitaisuuksiin. Hänen välineet ja tapoja ilmaista ajatus on liian vähän, jotta voidaan luoda laadullisesti uusia, kehittyneempiä sisäisen maailman ja ulkoisten kauneuskuvien siirtämisen kannalta. Kirkkaat esimerkit, jotka kuvaavat tämän Rafaelin luovuuden ajanjakson "Cross" (1517), syklin "pyhä perhe" (noin 1518), alttarikokoonpano "muutos".

On mahdollista, että tällainen lahjakas taidemaalari, joka oli Rafael, löytäisi pois tällaisesta luovasta umpikujasta, ellei äkillinen kuolema, ravisteli kaikki maisterin nykyaikaiset. Rafael Santi kuoli 6. huhtikuuta 1520 37-vuotiaana. Rehelliset hautajaiset järjestettiin. Suuren taidemaalarin tuhka on haudattu Pantheon Rooman.

Raphaelin teokset tänä päivänä ovat maailmanlaajuisen taiteen mestariteoksia. Nämä maalaukset ovat esimerkki klassisesta taiteesta, kutsuttiin näyttämään ihmiskunnalle täydellisen, epämiellyttävän kauneuden. He esittivät katsojalle maailmaa, jossa ihmiset omistavat korkeat tunteet ja ajatukset. Rafaelin luovuutta on eräänlainen santhem-taide, joka muuntaa henkilön, joten se on puhdistanut, kevyempi, kauniimpi.

Titian (Tiziano Vevero)

Titiano Tiippu syntyi sotilasperheessä pienessä Pieve di Kadorissa, joka sijaitsee vuoristossa ja osa Venetsian omaisuutta. Titian syntymäpäivän ja vuoden tarkasti tutkijat epäonnistuivat. Jotkut uskovat, että tämä on 1476-1477, toiset - 1485-1490

Tutkijat viittaavat siihen, että suku ilta oli vanha ja varsin vaikutusvaltainen kaupungissa. Vanhemmat päättivät antaa Tizianon Venetsian Mosaic Mosterin taideteolliseen maalaukseen. Jonkin ajan kuluttua nuori ilta määriteltiin koulutukseen ensimmäisessä Gentile Bellinin työpajassa ja sitten Giovanni Bellini. Tällä hetkellä nuori taiteilija tutustuu Georgoniin, jonka vaikutusvalta heijastui hänen varhaisessa teoksissaan.

Kaikki taiteilijan luovuutta voidaan jakaa kahteen jaksoon: ensimmäinen - niin edelleen. Georgenevsky - jopa 1515-1516. (kun Georgeonin vaikutukset) ilmaistaan \u200b\u200bvoimakkain taidemaalarin teoksissa); Toinen - 40-luvulta. 1500-luvulla (tällä hetkellä Titian on jo vakiintunut päällikkö, joka edustaa myöhäisen herätyksen taidetta).

Seuraavaksi Georgeonin ja renessanssin taiteellisen menetelmän muodostumisen jälkeen Titian Rethinks tapoja ratkaista taiteellisia ongelmia. Taiteilijan harjojen mukaan uusia kuvia syntyy, mikä poikkeaa merkittävästi korotetuista ja hienostuneista lukuista, esimerkiksi Rafael ja Leonardo da Vinci. Titian laskeutui, täynnä, aistillisia, ne ovat suurelta osin läsnä heissä. Taidemaalarin varhaisessa liinavaatteessa on ominaista melko yksinkertainen koostumus, joka kuitenkin läpäisee epätavallisen iloinen mieliala ja tietoton pilvettömän onnellisuuden, täydellisyyden ja äärettömän maan äärellä.

Tämän ajanjakson teoksista, joka ilmaisee täydellisesti taiteilijan luovaa menetelmää, yksi kirkkaimmista on "rakkaus maa ja taivaallinen" kangas, päivätty 10 vuotta. 16-luvulla. Kirjoittaja on tärkeä paitsi tontti, vaan myös näyttää kauniin maiseman, joka asettaa ajatuksia mielenrauhasta ja onnellisuudesta, ja naisen aistillinen kauneus.

Naisten luvut ovat epäilemättä sublimed, mutta niitä ei ole erotettu elämästä ja eivät ole ideaalisesti tekijä. Maisema, joka purkautuu pehmeillä maaleilla ja sijoitetaan taustalla, toimii erinomaisena taustana graceful ja tyylikäs, mutta samaan aikaan melko todellinen, betoni naaraskuvia: rakkautta maallinen ja rakkautta taivaasta. Taitavasti koostuu koostumus ja ohut tunne väri auttoi taiteilijaa luomaan epätavallisen harmonisen työn, joka osoittautuu, joka osoittautuu tekijän alaiseksi pyrkimykseksi, osoittavat maallisen luonteen ja ihmisen luonnollisen kauneuden.

Myöhemmin 1518: n mukaan Titian "Assunta" (tai "Marian ascension") ei ole tätä rauhallista mietiskelyä ja rauhaa, joka kuulostaa "rakkauden maapallon ja taivaan työstä". On olemassa enemmän dynamiikkaa, voimaa, energiaa. Koostumuksen keskiosa on Maria, joka näkyy nuori, täynnä maallisen kauneutta ja naisen voimaa. Apostolien näkemykset, joiden kuvat ilmaisevat samaa elinvoimaa ja energiaa. Erityinen ihmisen kauneutta ja vahva ihminen tunne on koostumus "Vakh ja Ariadne" (syklin "Vakhanlia", 1523).

Maallisen naisten kauneuden kirkastus tuli Titianin teemana ja toinen työ, jota kutsutaan Venus Urbinskaya. Se luotiin vuonna 1538. Huolimatta siitä, että kuvan korkeutta ja hengellisyyttä ei ole, jälkimmäinen ei vieläkään vähennä kankaan esteettistä arvoa. Venus on todella kaunis täällä. Kuitenkin sen kauneus laskeutuu ja luonnollinen, joka eroaa Titianin luoma kuva Venus Botticelli.

Kuitenkin olisi väärä vain sanoa, että kuvat, aikaisin taiteilijan luovuuden kehittymisen varhainen aika kirjoitti vain henkilön ulkoisen kauneuden. Kaikki niiden ulkonäkö kuvaa harmonista henkilöä, jonka ulkoinen kauneus on yhtä suuri kuin henkinen ja on yhtä kaunis sielun pyörivä puoli.

Tästä näkökulmasta katsottuna Jeesuksen Kristuksen kuva Caesar Cannon voi olla suurin kiinnostus, joka on luotu 1515-1520: een. Jeesus Titian ei näytä lainkaan jumalallisesta, korotetusta taivaallisesta olennosta. Hänen kasvonsa hengellinen ilme viittaa siihen, että yleisö on jalo mies, jolla on täydellinen hengellinen organisaatio.

Sama henkisyys on täynnä alttarikokoonpanossa "Madonna Pesaro", jotka on luotu 1519-1526: een mennessä. Nämä sankarit eivät ole kaavioita eikä abstraktioita. Elävän, todellisen kuvan luominen monilla tavoilla edistää monenlaisten maalien ohjatun toiminnon käyttöä: Snow White BedsPread Mary, Sky-Blue, Scarlet, kirkas punainen, kultaiset vaatteet sankareita, rikas vihreä matto. Tällainen erilaiset sävyt eivät vaikuta kaaoksen koostumukseen, vaan päinvastoin se auttaa taidemaalari luomaan SLIM ja harmoninen kuvien järjestelmä.

1520-luvulla. Titian perustettiin dramaattisen luonteen ensimmäinen tuote. Tämä on kuuluisa kangas "arkkuasema". Kristuksen kuva tässä on sama kuin kuvassa "Caesar Dynaria", tulkitaan. Jeesusta ei ole esitetty olennona, joka tuli alas taivaasta ihmiskunnan pelastamiseksi, mutta täysin maallisen sankarina, joka putosi epätasa-arvoisessa taistelussa. Tontin koko tragedian ja draaman huolimatta kangas ei aiheuta toivottomuuden tunnelmaa katsojaa. Päinvastoin, Titianin luoma kuva on optimismin ja sankaruuden symboli, joka personoi henkilön sisäisen kauneuden, hänen henkensä aatelisto ja vahvuus.

Tämä luonne erottaa merkittävästi tämän taiteilijan työn myöhemmin kuin sen sama nimi 1559, jossa optimistiset tunnelmat korvataan toivottomalla tragedialla. Täällä sekä toisessa Titian-kuvasta - "tappaa St. Peter-marttyyri ", jonka luomisen aika viittaa 1528-1530: een, päällikkö käyttää uutta taiteellista kuvaa. Kankaaseissa esitetyt kuvat (lähetetään tumma, synkkä romahtaa "asennossa arkun" asennossa "ja taivuttaa puita Pyhän Peter-marttyyrin" tappamiseen "Pietarin" tappamiseen ") Out olla erityisiä ilmaisuja ihmisen tunteista ja intohimoista. Suuri luonnon äiti on alisteinen Herran mies täällä. Titian edellä mainituissa sävellyksissä, koska se voi väittää olevansa ajatus: kaikki, mitä luonteeltaan, johtuu henkilön toimista. Hän on Mr. ja maailman hallitsija (mukaan lukien luonto).

Uusi vaihe taiteilijan taitojen kehittämisen monipuolisten koostumusten luomisessa oli kangas nimeltä "Johdatus temppeliin", päivätty 1534-1538. Huolimatta siitä, että Titianilla on monia kuvia, ne kaikki osoittautuvat yhdistettynä yhdistettyyn kokonaislukuun merkittävään tapahtumaan, joka esiintyy silmissään, on Marian käyttöönotto temppeliin. Pääpiirin kuvio erotetaan toissijaisesta (mutta ei vähemmän merkittävistä) merkkeistä, joissa on spatiaalisia taukoja: portaiden vaiheet erotetaan uteliaiden ja pappien joukosta. Juhlautunut tunnelma, tunne siitä, mitä tapahtuu, syntyy koostumuksessa, jossa on eleitä ja muovisia lukuja. Kuitenkin kuvan ottamisen ansiosta etualalle sijoitetut munat, työn väheneminen vähenee ja vaikutelma realismin ja taiteilijan kuvaaman tilanteen luonnollisuudesta kasvaa.

Kansankuvien koostumuksen esittely on tyypillinen ominaisuus Titianin taiteellisen ja hienoimen menetelmän 30-luvun ajanjaksolla. XVI vuosisadalla. Tällaiset kuvat auttavat päällikköä luomaan totuudenmukaisen kuvan elinvoimaa.

Täysin luova idea osoittaa harmoninen henkilö, kaunis ja sielu ja ruumis, toteutettiin Titian muotokuvassa. Yksi tämän tämän luonteen ensimmäisistä teoksista on "nuoren miehen muotokuva, jolla on käsine." Webin luominen kuuluu 1515-1520: een. Nuoren ihmisen kuvassa esitetään koko sukupolvi ihmisistä - renessanssi. Muotokuva ilmentää ajatusta ihmisen hengen ja kehon harmoniasta. Leveät olkapäät, vapaa kehon muovi, huolimattomasti epätasapainoinen paita portit, rauhallinen luottamus, että nuoren ihmisen näkemys ilmaisee, - kaikki pyrkivät välittämään tekijän tärkein ajatus ihmisen ilosta ja tavallisen henkilön onnea, joka ei tiedä suru ja ei repeytynyt sisäisiin ristiriitoja.

Samantyyppinen harmonisesti järjestetty onnellinen ihminen näkyy "violanta" ja "Tommason muotokuva" (molemmat - 1515-1520).

Muotokuvissa loivat paljon myöhemmin, katsoja ei enää täytä tätä suoruutta ja selkeää varmuutta kuvien luonteesta, joka oli tyypillisesti tällaisille teoksille 1515-1520. Titian myöhäisten merkkien olemus verrattuna varhaiseen, paljon vaikeampaan ja monenväliseen. Valoisa esimerkki kirjailijan taiteellisen menetelmän muuttamisesta on kuva "Rimaldi-hippolyte-muotokuva", joka on luotu 1540-luvun lopulla. Muotokuva osoittaa nuoren miehen, jonka kasvot, jota rajoittuu pieni parta, ilmaisee syvän sisäisen taistelun tunteista ja tunteista.

Titian luoma tänä aikana, kuvat eivät ole tyypillisiä korkealle rebirthille: ne ovat monimutkaisia, monessa suhteessa ristiriitaisia \u200b\u200bja dramaattisia. Nämä ovat kokoonpanon sankareita, joita kutsutaan "paavin Paaul III muotokuvaksi Alessandro- ja Ottavio Farnesin kanssa". Kanava luotiin 1545-1546: een. Isä Pavel III näkyy ovela ja uskomaton henkilö. Hän on ahdistuneisuus ja vihainen katsomassa Ottavio, veljenpoikansa, joka on kuuluisa pihalla, jonka ansiosta ja tekopyhä.

Titian osoitti itsensä upeana tekniikan alan koostumuksena. Ihmisten hahmojen olemus paljastuu tässä työssä vuorovaikutuksessa sankareiden kanssa toistensa kanssa eleidensä ja poseiden kautta.

Majesteettisten koristeellisten ja realististen elementtien yhdistelmällä on rakennettu muotokuva, joka kuvaa Charles V (1548). Työpajan tarkkuus näyttää mallin sisämaailman. Katsoja ymmärtää, että hänen edessään konkreettinen ihminen, jolla on monimutkainen luonne, jonka tärkeimmät ominaisuudet ovat sekä suuri mieli että henki ja temppu, julmuus, tekopyhyys.

Yksinkertaisemmin Titianin luomien muotokuvien komposiittirakennuksen kannalta kaikki katsojan huomion keskittyy kuvan sisäiseen maailmaan. Esimerkiksi kangas "Areetino" -muoto "voidaan tuoda, päivätty 1545. Taiteilijan malli valittiin Tunnettuna Venetsian, Pietro Areetino, joka oli kuuluisa ylimääräisestä ahneudesta rahalle ja maallisille nautinnoille. Tästä huolimatta hän arvostaa taidetta, hän itse oli useiden journalististen artikkelin kirjoittaja, suuri määrä komediaa, uusia ja runoja (vaikkakaan ei aina
{!LANG-2f4ca6367d97ff6cf9deff9acca61569!}

{!LANG-d9da10cacaaa473f91be710c7c40e3ff!}

{!LANG-75be5098a8620a10ac6c16476c590e9c!}
{!LANG-4d7760ed0cbae05c585f504882a3c16e!}

{!LANG-8be2a66e036f172ce6d77103fde87538!}

{!LANG-779931f63353f102d8d1b089471f2fc3!}

{!LANG-15de24cb88e9d89f6a8210ade0276a79!}

{!LANG-9e58343a60f3be1e7dfa55333caeb019!}

{!LANG-f3c1783f88549fff2ca377db77b64c24!}

{!LANG-4f45af806a54c463d6c9c15409c5d499!}
{!LANG-a08ed5e5b2aed7caee7e65c6322b0ade!}

{!LANG-77f5fbb0c4673d0c61199128496de2d9!}

{!LANG-f145168b503535116259c90b9b4272f7!}

{!LANG-b74f3314fb552306e378973f156c5b2d!}

{!LANG-35619de133d99bd114ac9f0ac57b8347!}

{!LANG-bd9670e140722d6b599e67bbfacfead9!}

{!LANG-a65758a40e090659c3cf36146ae42d91!}

{!LANG-aece41025d88b96e4db949101af835fd!}

{!LANG-9be72e62b454c33bc5bbf3f130e4c5f5!}

{!LANG-419e285d173e660d76769ba6475ed640!}

{!LANG-0de6ab8c277be06b25fc8654667c55d5!} {!LANG-a363eb5e9c03bed3505d9d3910026583!} {!LANG-1591c888e8a382e2d7f1a74e2709408a!}
{!LANG-5a058f155f8211f65e92423abdb2dbee!} {!LANG-3f23c473582f226ffc94c617dfe09b7d!} .

{!LANG-d7db72f1107ffac9706edcd0439724bc!} {!LANG-17ddc1f4d9d460a12e3b5bbef6b00771!}


{!LANG-79a4cd72dd46eedaed6ec660d40e65ad!}

{!LANG-bb4c2dd2d0dedc54e40b4538cc957841!} {!LANG-dd4085ce704dc008b42f36762dcd4b92!} {!LANG-00d244e9fa44b95b7f2106f6dc7a9bad!}
{!LANG-d0b460020cc6b175cf7081a9395c8187!} {!LANG-0cff1453d9797daaeaceeefe299e442a!}.

{!LANG-75bcf8e1bf154a3b4af6b790fb2974b4!}

{!LANG-5e94d3ef24175d9f29e47a6610565d00!}

{!LANG-e81b37c6c0d65c47a661a146eda7f55f!} {!LANG-3fa852440f63492a2208717580b89fc3!} (1401-1428), {!LANG-954528d09d5a29e4c6f5ef130b37e882!} (1383-1440), {!LANG-7abf32acbc40e0ea9d280fa0778b48c8!} (1420-1497), {!LANG-5bac3ab0ed1ef303f2d581088325a438!} (1420-1492), {!LANG-e0041e3bad7f7b8ceb4e1290019137c1!} (1431-1506), {!LANG-21e7bb7a21b5eff5df4a99392fbdcc07!} (1430-1516), {!LANG-f03db7a724b9d813f2e673a1096f3a0a!} (1430-1479), {!LANG-456927aefea09668c2eb423f0f6c4d80!} (1449-1494), {!LANG-c676ee0f465996d96bf306ae75dfc45f!} (1447-1515).

{!LANG-3fa852440f63492a2208717580b89fc3!} {!LANG-e8b0beeec79d257c1918fd13bb66c0de!}

{!LANG-5848618f9c88c52bab4873b4daf135fc!}

{!LANG-2ad745ef748839d9a1785cac18c49cf6!}

{!LANG-b1690a04a73ab1e4cb05b8e3bfe4d4bc!}

{!LANG-c4384197543554e8c04359003e89141f!}

{!LANG-30f435f30581e0bccbd7691e4ad3ba4d!}

{!LANG-2f866e19521ab64a85f5554491a5ca0f!} {!LANG-b23bbf61f616819581fa21f7c482283a!}

{!LANG-d93c6dc25082589b5ace6668a6d750ca!}

{!LANG-ea3e62befee581da0931fb361e3d1be8!}

{!LANG-e69826ac4278906d54a2dbd1a8989476!}

{!LANG-49e8ea5c09a68d731a1fe04d52ffe7ef!}

{!LANG-0a3aab5272a6532f93d040fc7e6455fb!}

{!LANG-83e9f427c94e719ea3040c0937a871db!}

{!LANG-37d80a78c3622813107d234aafef0d4e!}

{!LANG-775bfffe439b3189d65d6faff4f2d4f2!}

{!LANG-f292b2ce32620def094d20611be7ddd6!}{!LANG-dcc22b6e10390890615d3ee7c70af961!}{!LANG-a3f2f34b4e972ee302929a4faf387c2c!}{!LANG-58b149bb1a41b60a4c4116b29de7e309!}{!LANG-fa9ca65986f5596d99a3ef858dbfce1f!}{!LANG-a794670ac087ed63b169d24becd2f938!}{!LANG-86c5c74f7641e35c14730fe4e881cfee!}{!LANG-711b9f85ca117e6c2f70f35c34358d9d!}{!LANG-b3968338777cc1d477dcd82d53588e0a!}

{!LANG-15ce555fb471f77fccee3c7b4bd335df!}

{!LANG-85a5c73718f80d411cdea3c0a9a4961b!}

{!LANG-327982e5aae3a72d02b5e34b4c74422e!}
{!LANG-6c1b9f0fd4f89cb66aa16723c4d10c79!}
{!LANG-aef28cddeee7c8803f93a9ddd52e3ca1!}

{!LANG-63314008727646d23c470deb147283ec!}

{!LANG-746ba42796ca141e55aeeb77eb2764ce!} {!LANG-79f926fdd638c9312ff3a5897b1bfdb8!} {!LANG-c27b41009429b7b8cc04759b5ab944ca!}

{!LANG-4e86f83602e73cd57d3e95797c77cb55!}

{!LANG-c60e1d5a4077c592de797b39494171c2!}

{!LANG-9cef37039cffdfcb41959bcea54db8f6!}

{!LANG-d42fd5b12acfdbee7745f2228f58b2fa!}

{!LANG-d173876bb0181977c6e5d610b470110c!}

{!LANG-305c1f228fabb25ffa65f05216d2568c!}

{!LANG-85695f81742ec0aa4da63966a51c7df1!}
{!LANG-f573776f6473fa160a2328e1aa57dcf9!} {!LANG-5890bd50dba901c1f532f88469f8bb9a!}.
{!LANG-1ff6baba6c1e4f00af561d5d67cf3c93!} {!LANG-7a960706f07eb94eb2241ace37e86ab9!} , {!LANG-c90772d9443fa034eb6610ba856c581e!} , {!LANG-1798b237157e260dc963aa22334093c1!}- {!LANG-16d09f6de2939c59ff588fe308506c97!}

{!LANG-8a482b9c77b78cec687bfef8aff28935!} ({!LANG-7a960706f07eb94eb2241ace37e86ab9!} {!LANG-6d217bde93251e995c66dcc244c296ae!}

{!LANG-53b194c3895dba34eacafbab0bd869d8!}

{!LANG-3f70418e577f93bb101d14cb427c5366!}

{!LANG-aa95122ea43fb513a9426dfaee19cd9a!} {!LANG-0e866b7b540db4c977b3b32b2471f750!} {!LANG-bc205db2955b5514b84eadd3ac7524d0!}

{!LANG-6c0bb32031f1f3ce81b28b6c42699096!}

{!LANG-afe36f2c16944058d67c9d3fa183a33c!}

{!LANG-ff94909f93934dfcb6e092a5d94aae1b!}

{!LANG-936b68bd3c7a595bef3c6313aee363a6!}

{!LANG-e7a4c4944b06e0c0425d816e408837e0!}

{!LANG-6ee37721217cbccf556bb526eb9a835a!}

{!LANG-61368b8d104bca9b9d3d9705844dcd3c!}

{!LANG-25926ad98228421ed1805a93828a96ee!}

{!LANG-15f7a2e59d03ff40baa37f52f38f2779!}

{!LANG-3430070358064eb163d6eb52b720204f!}

{!LANG-2c3039f91e9a05e70a85a658bd1f43b8!}

{!LANG-f1306501706e5e7a58276e00a016c060!}

{!LANG-8d1caa739964572597464cb8e49e6239!}

{!LANG-2fe65eb6f9533cc62cb99e7d37285845!}