Pyöreä pöytä. Entä "yksinkertaisempi, kevyempi, korkeampi, hauskempi"? Antarova

Keskusteluja Stanislavskyn kanssa

(keskustelu nro 2)

Toimittajalta

Osa "Näyttelijän työ itsestään" on omistettu parhaille tähän aiheeseen liittyville teoksille. Päätimme aloittaa esittelemällä K.S. Stanislavsky Bolshoi-teatterin oopperastudion kanssa. Suuren teatteriopettajan ja ohjaajan tapaamiset studioopiskelijoiden kanssa tapahtuivat vuosina 1918-1920, ja ne äänitti yksi K.S.:n parhaista opiskelijoista. – Concordia Antarova ("Kaksi elämää"). Näissä keskusteluissa meistä tuntuu, että K.S.:n teatterietiikka on upeasti esitetty, jonka tunteminen on erityisen tärkeää näyttelijöiksi ja ohjaajille.

"Yksinkertaisempi, kevyempi, korkeampi, hauskempi." Nämä ovat ensimmäiset sanat, joiden pitäisi roikkua jokaisen teatterin päällä - taiteen temppeli, jos teatterit olisivat sellaisia. Vain rakkaus taiteeseen, kaikki ylevä ja kaunis, joka asuu jokaisessa ihmisessä - vain tämä jokaisen teatteriin astuvan tulee tuoda sinne ja vuodattaa itsestään kuin ämpäri puhdasta vettä, jota tuhat tänään pesee pois koko lian. rakennus, jos eilen se oli saastunut ihmisten intohimoja ja juonitteluja.

Yksi studion tai teatterin perustajien ensihuolenaiheista on huomioida sen tunnelma. Meidän on huolehdittava siitä, että pelko ilman muotoa hiipii studioon ja hallitsee sen työntekijöiden tai opiskelijoiden sydämiä, jotta kauneus yhdistää ja kiehtoo siellä. Jos kauneuden yhtenäisyydestä ei ole ajatusta, todellista teatteria ei ole, eikä sellaista teatteria tarvita. Jos ei ole alkeellista ymmärrystä itsestään ja koko voimansa kokonaisuudesta isänmaan iloisina palvelijoina, tällaista teatteria ei myöskään tarvita - se ei ole yksi luovista yksiköistä maan kaikkien luovien voimien joukossa. Tästä voimme ymmärtää, mikä tärkeä asia on - teatterihenkilöstön valinta, aina teatterialan heikoin ja vaikein kohta. Kun valinta tehdään holhouksen, ei kykyjen ja hahmojen perusteella, kun ihmiset hyväksytään studioon tuttavuuksien ja suositusten perusteella, tämä ei vain vähennä teatterin, esityksen tai harjoituksen arvokkuutta, vaan tuo niihin tylsyyttä ja itse luovuus muodostuu näissä tapauksissa korvikeista, ei todellisesta rakkaudesta, joka palaa oppimaan tulleissa.

Teatterin säännöt, joissa harjoitukset tehdään useilla näyttelijöillä kerralla, mutta osa läsnä olevista esiintyy, työskentelee heidän kanssaan ja loput istuvat, eivät osallistu analysoitaviin tehtäviin, eivät yhdisty sisäisesti luovaan työhön, vaan ilmapiirin täyttäminen kateudella ja kritiikillä on mahdotonta studiossa, jossa kaikki ovat tasavertaisia ​​luovassa työssä. Studiossa kaikki tietävät, että tänään tai huomenna heidän vuoronsa tulee joka tapauksessa, ja he ymmärtävät, että tovereiden työtä katsellessa heidän on elettävä käsillä olevaan tehtävään kaikella luovalla huomiolla. Tapauksen asettaminen, jossa ei kunnioiteta henkilöä - alisteinen toimija, jossa ei ole kohteliaisuutta, syntyy rappeutumisen ilmapiiri. Epäkohteliaisuuden kaaos, joka antaa itsensä kohottaa kiiltoa, ei johda siihen ilon ja keveyden ilmapiiriin, jossa voi kasvaa vain korkea henki- ja ajatuskulttuuri. Vain yksinkertaisessa ja kevyessä ilmapiirissä sana voi ilmetä täydellisenä heijastuksena niistä intohimoista, joiden jaloutta ja arvoa teatterin tulee heijastaa.

Niiden tuntien, jotka näyttelijä viettää teatterissa harjoituksissa, pitäisi luoda hänestä täysivaltainen ihminen - taiteen luoja, kauneuden ja rakkauden taistelija, joka voi kaataa kuulijoidensa sydämiin sanojen ja äänien koko merkityksen. Jos taiteilijoiden korvat eivät harjoituksen jälkeen kasvaneet parhaissa tunteissa ja ajatuksissa, jos heidän näkemyksensä oli pienessä mittakaavassa: "harjoittelussa kaikki kiehtoi minua ja sydämeni oli puhdas", mutta he lähtivät ja vaipui jälleen kabotismiin ja mauttomuuteen: "Olen näyttelijä, olen ihminen", mikä tarkoittaa, että harjoituksen johtajien keskuudessa oli vähän todellista rakkautta ja tulta.

Pointti ei ole ollenkaan näyttelijöissä eikä temppuissa, vaan kaiken luovuuden alkuvaiheessa - taiteilijan opettamisessa etsimään itsestään ymmärrystä sanan arvosta, opettaessa häntä kehittämään huomionsa. ja houkuttele se introspektiivisesti roolin orgaanisiin ominaisuuksiin, inhimillisten tunteiden luonteeseen, eikä arvioimaan ulkopuolelta tiettyjen toimien vaikutuksia uskoen, että voidaan oppia pelaamaan tätä tai tuota tunnetta. Elävän ihmistaiteilijan elävä sydän on tuotava elämässä aina rinnakkain kulkevien sisäisten ja ulkoisten toimien ketjuun; Häntä on autettava useilla eri välineillä vapauttamaan hänen ruumiinsa ja sisäisen maailmansa kaikista rajoituksista, jotta hän voi heijastaa näytelmänsä elämää; on välttämätöntä tuoda hänet sellaiseen huomionvoimaan, että ehdollinen ja ulkoinen eivät estä häntä ymmärtämästä inhimillisten intohimojen orgaanista luonnetta.

Nämä ovat studion tehtäviä, tämä on polku, jolla jokainen voi ja pitää kehittää sisällään olevaa viljaa ja muuttaa se kauneutena toimivaksi voimaksi. Mutta jokainen voi saavuttaa tämän kehityksen, jos hän rakastaa taidetta. Taiteessa voi vain valloittaa ja rakastaa, siinä ei ole käskyjä.

TO
. Antarova

Keskusteluja Stanislavskyn kanssa

(keskustelu nro 5)

Jokaisen taiteilijaksi haluavan on vastattava kolmeen kysymykseen:

1. Mitä hän tarkoittaa sanalla "taide"?

Jos hän näkee siinä vain itsensä, jossain etuoikeutetussa asemassa suhteessa hänen vieressään käveleviin ihmisiin, jos hän ei tässä taideajattelussaan yritä paljastaa sitä, mikä häntä huolestuttaa sisällään, kuten pimeässä vaeltavat tuskin tietoiset luovuuden voimat, mutta häiritsee häntä, mutta haluaa vain saada hänen persoonallisuutensa loistamaan; jos pikkuporvarilliset ennakkoluulot herättävät hänessä halun voittaa esteet tahdon avulla vain avatakseen ulkoisen polun elämään havaittavana ja näkyvänä hahmona, niin tällainen lähestymistapa taiteeseen on sekä ihmisen itsensä että taiteen kuolema.

2. Miksi minkä tahansa taiteen - draaman, oopperan, baletin, kamarilavan, maalin tai lyijykynätaiteen - valinnut henkilö astuu ihmiskunnan taiteelliseen alaan ja minkä idean hän haluaa ja pitäisi tuoda tälle taiteenalalle?

Jos hän ei ole tajunnut, kuinka paljon kärsimystä, kamppailua ja pettymystä häntä kohtaa, jos hän näkee vain sateenkaarisillan, joka kuljettaa hänet inspiraation kanssa maan ja elämän ulkopuolelle, jossa unelmat elävät, studion täytyy tuottaa hänelle pettymys.

Studion on tiedettävä ensimmäisistä vaiheista lähtien, että vain työ - ei vain ulkoisen "uran" loppuun, vaan työ kuolemaan - on polku, jonka hän valitsee itselleen; työn tulee olla energian lähde, joka monissa jännittävissä tehtävissä studion tulee täyttää opiskelijan aivot, sydän ja hermot.

3. Onko teatterissa käyvän ihmisen sydämessä niin paljon sammumatonta rakkautta taiteeseen, joka voi voittaa kaikki hänen eteensä väistämättä tulevat esteet?

Studion, elävänä esimerkkinä johtajiensa vaikutuksesta, tulisi näyttää, kuinka ihmisen sydämessä oleva sammumaton rakkauden virta taiteeseen tulisi kaataa päivän työhön. Ja tämä luova työ voi, sen pitäisi palaa kuin tuli. Vain silloin, kun tulta sytyttävä öljy on inhimillinen rakkaus, vain silloin voidaan toivoa voittavansa kaikki luovuuden tiellä olevat esteet ja saavuttava päämäärä: puhdasta taidetta, joka on vapautettu konventioista ja jonka luovat puhtaat luovat voimat, jotka ovat kehittyneet sisällä. itse. Vain silloin voidaan löytää näyttelijän tahdon joustavuus, pohjan - roolin jyvän - syvän ymmärryksen vapaa yhdistelmä ja sen päästä päähän -toiminta, kun rakkaus taiteeseen on voittanut henkilökohtaisen turhamaisuuden, itsensä. kunnioitusta ja ylpeyttä. Kun ymmärrys lavaelämän harmoniasta asuu mielessä ja sydämessä, vasta silloin – ”minästä” irti toiminnassa – voidaan esittää intohimon totuus ehdotetuissa olosuhteissa.

Mutta suojelkoot kaikki suuret elämänvoimat jokaista studiota tylsyyden ja pedanttisuuden valtaamisesta. Kaikki kuoli silloin; silloin on parempi hajottaa studio, opettajat ja studion jäsenet ja tuhota koko mekanismi. Tämä on vain nuorten voimien, ikuisesti vääristyneiden tietoisuuksien korruptiota. Taiteessa voi vain valloittaa. Se, toistan, on sammumattoman rakkauden tuli. Opettajat, jotka valittavat olevansa väsyneitä, eivät ole opettajia, he ovat koneita, jotka työskentelevät rahan takia. Jokainen, joka on käynyt kymmenen tuntia luokkaa päivässä eikä ole onnistunut polttamaan niissä rakkauttaan, vaan vain tahtoaan ja kehoaan, on yksinkertainen teknikko, mutta hän ei koskaan tule mestariksi, nuorten opettajaksi. Rakkaus on pyhää, koska sen tuli ei koskaan pyydä, riippumatta siitä kuinka monta sydäntä se sytyttää. Jos opettaja vuodatti luovuuttaan - rakkauttaan, hän ei huomannut työtunteja, eivätkä kaikki hänen oppilaansa huomanneet niitä. Jos opettaja palveli arjen tarpeita, hänen oppilaansa kyllästyivät, väsyivät ja vihastuivat hänen mukanaan. Ja niissä oleva taide, ikuinen, jokaisessa luontainen ja jokaisessa elävänä rakkautena, ei tunkeutunut päivän konventtien pölyisistä ikkunoista, vaan jäi kytemään sydämeen.

Jokaisen tunnin, jokaisen minuutin opettajan ja oppilaan yhtenäisyydestä tulee olla vain lentävä tietoisuus, ikuinen liike ympäristön rytmissä.

Tunteen - ajatuksen - sanan hengellisenä ajatuksenkuvana tulee aina olla totuuden ilmentymä, laki kyvystä välittää tosiasiat sellaisina kuin henkilö ne näki. Totuus ja rakkaus ovat kaksi polkua, jotka tuovat sisään koko taiteen elämän rytmin.

K. S. Stanislavskyn keskustelut
Bolshoi-teatterin studiossa 1918-1922.

Äänitys: RSFSR:n kunniataiteilija. K. E. Antarova

Yu. S. Kalashnikovin päätoimituksella M., All-Russian Theatre Society, 1947, toinen laajennettu painos

K. S. Stanislavskyn kolmekymmentä keskustelua luovuuden järjestelmästä ja elementeistä

OPETTAJAN MUISTOIN

Taiteilijan on helppo kirjoittaa muistiinpanoistaan ​​opettajan todelliset sanat ja antaa ne kaikille, jotka palavat rakkaudesta taiteeseen ja arvostavat lavataiteen polun kulkeneen suuren ihmisen jokaista kokemusta. Mutta on hyvin vaikea uskaltaa herättää jokaisessa lukijassa elävä kuva nerosta, jonka kanssa kommunikoit opettajana, jonka näit monta päivää työskennellessäsi kanssasi ja koko taiteilijaryhmän kanssa, tasavertaisena tasavertaisten kanssa, ei koskaan. antaa sinun tuntea etäisyyden itsesi ja opiskelijan välillä, mutta luo ilmapiirin, jossa on helppo kommunikointi, viehätys ja yksinkertaisuus. Mutta silti uskallan hahmotella tässä ainakin muutamissa piirteissä Konstantin Sergeevich Stanislavskyn kuvan sellaisena kuin hän esiintyi luokissaan meidän, Moskovan Bolshoi-teatterin taiteilijoiden kanssa vuosina 1918-1922. Hän aloitti opiskelun kanssamme asunnossaan Karetny Ryadissa, ja hänen oppituntinsa olivat aluksi epävirallisia, maksuttomia, eikä niissä ollut tarkkaa tuntia. Mutta Konstantin Sergeevich antoi meille kaiken vapaa-aikansa, ottamalla usein tunteja pois omasta lepostaan ​​tehdäkseen tätä. Usein tunnimme, jotka alkoivat klo 12 iltapäivällä, päättyivät klo 2 aamulla. Meidän on muistettava, kuinka vaikea aika oli tuolloin, kuinka kylmä ja nälkä kaikilla oli, mikä tuho hallitsi - ensimmäisen maailmansodan julma perintö, jotta voimme arvostaa molempien osapuolten - sekä opettajan että opiskelijoiden - epäitsekkyyttä. Huolimatta siitä, että he olivat Bolshoi-teatterin taiteilijoita, monet taiteilijat olivat täysin kengittömiä ja juoksivat Konstantin Sergeevitšin työhuoneeseen vahingossa saamissaan huopakissa. Konstantin Sergeevich unohti yleensä tarvitsevansa syödä ja juoda, aivan kuten me, hänen oppilaansa, hänen kaunopuheisuutensa ja taiteenrakkautensa liekki vaeltavat, unohdimme tämän hänen tunneilla. Jos tunnille tuli paljon ihmisiä ja hänen valtavan huoneensa tuoleilla ja sohvilla ei ollut tarpeeksi tilaa, he toivat maton ja kaikki istuivat sille lattialle. Jokainen minuutti, joka kului kommunikoinnissa Konstantin Sergeevitšin kanssa, oli loma, ja koko päivä vaikutti onnellisemmalta ja valoisammalta, koska hänen kanssaan oli luokat tulossa illalla. Hänen uskolliset avustajansa, jotka työskentelivät myös studiossa aluksi ilmaiseksi eivätkä pettäneet työtään loppuun asti, olivat hänen sisarensa Zinaida Sergeevna Sokolova ja veli Vladimir Sergeevich Alekseev, täynnä huomiota ja kiintymystä meitä kohtaan vähintäänkin Konstantin Sergeevich itse. Konstantin Sergeevich ei koskaan valmistautunut keskusteluihin, joita nauhoitin. Hän ei noudattanut luentomenetelmää; kaikki, mitä hän sanoi, muutettiin välittömästi käytännön esimerkeiksi, ja hänen sanansa virrasivat kuin yksinkertainen, elävä keskustelu hänen vertaistensa tovereiden kanssa, minkä vuoksi kutsuin niitä keskusteluiksi. Hänellä ei ollut tarkkaan laadittua suunnitelmaa, että tänään hän keskusteli meidän kanssamme hinnalla millä hyvänsä. Hän tuli aina itse elävästä elämästä, hän opetti arvostamaan annettua, lentävää nyt, hetkeä ja neroutensa herkkyydellä ymmärsi, millä tuulella hänen yleisönsä oli, mikä taiteilijoita nyt huolestuttaa, mikä kiehtoo heitä eniten. Tämä ei tarkoita, etteikö Konstantin Sergeevichillä olisi lainkaan suunnitelmaa, se oli vain todiste siitä, kuinka hienovaraisesti hän tiesi navigoida itsekseen ja kuinka hän suuntautui sen muuttumattoman suunnitelman orgaanisiin ominaisuuksiin tämän hetken olosuhteiden mukaan. hän välitti tietonsa meille. Hänen keskustelunsa liittyivät aina epätavallisen hienovaraisesti eläviin harjoituksiin. Muistan nyt, että seisoimme pianon ääressä ja yritimme keskittyä täydellisesti luodakseen julkisen yksinäisyyden luovan piirin, laulaa Tatjanan ja Olgan duettoa "Jevgeni Oneginista". Konstantin Sergeevich johti meidät kaikin mahdollisin tavoin etsimään uusia, eloisia intonaatioita ja värejä äänessämme, yritti kaikin mahdollisin tavoin rohkaista meitä etsinnöissämme, mutta me kaikki luisuimme meille tuttuihin oopperaklikseisiin. Lopulta hän tuli luoksemme ja vierellämme seisoessaan aloitti keskustelun, jonka kirjoitin numeroon 16. Nähdessään, ettemme voineet irrottautua oopperaklikseistä, hän antoi meidän unohtaa hetkeksi epäonnistuneen duettomme. Hän alkoi puhua keskittymisestä, suoritti kanssamme useita harjoituksia hengitysrytmiin yhdistetyistä toimista, kunkin kohteen tiettyjen ominaisuuksien korostamisesta hänen huomiossaan olevissa tehtävissä. Vertailemalla eri esineitä, osoittamalla hajamielisyyttä, tarkasteltavan kohteen ominaisuuksia, jotka olivat jääneet joltain toiselta taiteilijalta huomion ulkopuolelle, hän johti meidät huomiovalppauteen. Hän kertoi meille kaiken, mitä olin kirjoittanut muistiin 16. keskustelussa, ja palasi jälleen duetoon. Hänen keskustelunsa jälkeen ymmärsimme heti kaiken, mitä hän halusi kuulla äänitemme intonaatioissa, ja loppuelämäni ajan Olgan idean kanssa olen liittynyt kuun - valtavan vanteen - assosiaatioon. pallo, ja opettajan voimakas hahmo nousee aina, inspiroituneena, hellä, täynnä iloisuutta ja energiaa. Konstantin Sergeevich ei koskaan vetäytynyt opiskelijoidensa edessä syntyneistä esteistä, heidän väärinymmärryksistään, hän rohkaisi ja tiesi aina, kuinka saavuttaa tuloksia, vaikka hänen pitikin toistaa sama asia meille monta kertaa. Siksi keskusteluissa on usein toistoja, mutta en tahallani yliviivaa niitä, koska jokainen voi päätellä niistä kuinka vaikea tie on, kuinka vaikeaa sinun täytyy työskennellä. Loppujen lopuksi melkein kaikki meistä oli jo taiteilijoita. Bolshoi-teatteri, mutta kuinka kovaa sinun täytyy tehdä. Konstantin Sergeevich nosti huomiomme ja kaikki luovat elementit, jotka esittelevät todellista taidetta! Kuinka väsymätön olikaan hänen huomionsa siihen, mitä hän piti välttämättömänä henkisenä ja luovana matkatavarana jokaiselle taiteilijalle, joka haluaa kehittää luovia voimiaan eikä matkia toista! Monissa keskusteluissa, jotka eivät liittyneet suoraan etiikkaan, hän yritti jatkuvasti kylvää meihin jonkin ajatuksen siemenen vieressämme kävelevästä toverista ja herättää rakkautta häntä kohtaan. Konstantin Sergeevichillä oli loistava huumori, mutta samalla hän oli niin jalo ja yksinkertainen ajatuksissaan ja kohtelessaan meitä, ettei kenellekään tullut mieleenkään kertoa hänelle anekdootteja, juoruja jne. Syvästi vakava ja jännittävä ilmapiiri, jano oppia ja tietää jotain taiteessamme vallitsi keskuudessamme ja kaikki tuli opettajaltamme, joka oli täynnä rakkautta ja huomiota meitä kohtaan. Ei ole mahdollista välittää kaikkea, mitä Konstantin Sergeevich niin anteliaasti antoi meille luokissaan. Hän ei tyytynyt tuntemaan meidät studion jäseninä, vaan löysi myös aikaa Bolshoi-teatteriin katsomaan meitä esityksissä. Olisi tarpeen kirjoittaa erillinen kirja "Wertheristä" - studiomme ensimmäisestä tuotannosta, jonka näytimme Taideteatterissa. Ei ole sanoja kuvaamaan energiaa, jonka Konstantin Sergeevich, hänen sisarensa Zinaida Sergeevna, hänen veljensä Vladimir Sergeevich ja kaikki studion jäsenet vuodattivat tähän työhön. Nälkäinen, kylmä, usein ilman lounasta kaksi päivää, emme olleet väsyneitä. Olimme tuolloin niin köyhiä studiossa, ettemme voineet edes kutsua valokuvaajaa kuvaamaan koko Werther-tuotantoamme. Ja hän lähti, kuten Konstantin Sergejevitšin ensimmäinen lahja oopperalle, ei edes äänitetty missään. Konstantin Sergeevich kokosi Taideteatterin maisemat "mäntymetsästä", pyysin Bolshoi-teatterin puvut vanhasta, enää käyttämättömästä vaatekaapista, valitsin ne yhdessä Zinaida Sergeevnan kanssa, ja Konstantin Sergeevich hyväksyi ne. Esimerkkinä "polttamisesta" voin mainita Vladimir Sergejevitšin, joka asui tuolloin kaupungin ulkopuolella, kantoi selässään laukkua, jossa oli kaikki studioon tarvitsemansa tavarat ja söi melkein vain hirssiä. Joskus hän sanoi: "Luulen, että jos joku sanoo minulle sanan "hirssi", minä ammun." Naurua ja iloisia lauluja, kun olimme jo muuttaneet Leontyevsky Lane -kadulle ja huone oli ahdas, mutta suurempi kuin Karetny Ryadissa, soi jatkuvasti joka kulmasta. Keskuudessamme ei koskaan ollut epätoivoa, ja odotimme aina innolla Konstantin Sergeevitšin tulevaa tunneillemme. Kerran puhuessaan lentävän minuutin arvosta luovuudessa, jota on arvostettava hetkenä, jossa etsitään yhä uusia tehtäviä ja niiden mukana uusia ääni intonaatioita ja uusia fyysisiä toimia, Konstantin Sergeevich puhui Othellosta. Hän esitteli meille kaksi mahdollisuutta Othellolle astua Desdemonan makuuhuoneeseen yöllä. Hän oli toisessa versiossa niin uhkaava ja toisessa niin nöyrä, naiivi ja koskettava, että me kaikki turtuimme ja jäimme istumaan hiljaa, vaikka Othello oli jo kadonnut ja meidän opettaja seisoi taas edessämme. Mitä voimme sanoa nyt, kun hän ei ole enää kanssamme? Hänelle taide ei ollut vain elämän heijastus lavalla, vaan myös polku koulutukseen ja ihmisten yhtenäisyyteen. Olkoon se meille kaikille, jotka opiskelimme hänen kanssaan, kunnian ja totuuden todistus, osoitus kunnioituksesta jokaiselle, joka pyrkii tietoon ja täydellisyyteen teatterissamme. Minulla ei ole voimaa eikä kaunopuheisuutta välittää sanoin inspiraatiota jolla sytytin Konstantin Sergeevitšin hänen oppilaitaan - kukaan ei voinut vastustaa hänen intohimoaan. Mutta he tottelivat häntä ei auktoriteettina ja despoottina, vaan ilona, ​​joka yhtäkkiä paljasti sinussa uuden ymmärryksen jostain lauseesta, jostakin sanasta, joka valaisi kokonaisuutta. perhe, ja sinä he suorittivat sen huomenna eri tavalla. Jos Konstantin Sergeevitšiltä keräämäni keskustelut auttavat jotakuta edes edistymään taiteessa, niin tehtäväni on suoritettu.

K. Antarova.

ENSIMMÄISEN PAINOKSEN ESIPUHE

Keskusteluja K. S. Stanislavsky Bolshoi-teatteristudiossa, K. E. Antarovan äänittämä ja All-Russian Theatre Societyn julkaisija, tapahtui vuosina 1918-1922, mutta ne liittyvät nykyajan erittäin kiireellisiin kysymyksiin - näyttelijän työ- ja taiteelliseen kuriin liittyviin kysymyksiin. , hänen etiikkansa, hänen kasvatuksensa . Stanislavsky pohti jatkuvasti näitä aiheita ja kohtasi niitä sekä käytännön teatteritoiminnassaan että teoreettisessa työssään "järjestelmänsä" parissa, ja ne huolestuttivat häntä aina. Hänen sisarensa Z. S. Sokolova, joka työskenteli hänen kanssaan useita vuosia käsi kädessä hänen ohjaamissaan studioissa, sanoo kirjeessään K. E. Antarovalle muistiinpanojen julkaisemisesta: "Konstantin Sergeevich oli hyvin surullinen, ettei hänellä ollut aikaa kirjoittaa kirja etiikasta, varsinkin näyttelijästä. Muistiinpanoissasi, varsinkin ensimmäisissä kahdessatoista keskustelussa, hän puhuu paljon etiikasta, ja muissa keskusteluissa on melko vähän eettisiä ajatuksia hajallaan. kerran veljeni sanoi minulle: "Ehkä kirja etiikasta - - kaikkein tarpeellisin, mutta... minulla ei ole aikaa kirjoittaa." Tämä todiste riittää ymmärtämään pohjimmiltaan julkaistavan kirjan luonnetta ja arvoa. Mutta sitä lukiessa näet siinä myös heijastuksen poikkeuksellisesta noususta, jonka Stanislavskyn ensimmäiset vuodet toivat vallankumouksen, kun kaikki elämän koettelemukset - sodanjälkeisen ajan kylmä ja nälkä - eivät vain hämärtäneet hänen suuruuttaan. tapahtuneesta, mutta laajentaessaan hänen elämähorisonttiaan herätti hänessä koko myrskyn uusia ideoita ja uusia muotoiluja siitä, mikä hänessä oli jo aiemmin hämärästi käymässä. Hänen tarpeensa tuoda luovuuttaan laajojen massojen ulottuville sai ilmaisunsa Taideteatteria syntyessäänkin, jolloin vain ulkoiset olosuhteet eivät sallineet sen selviytymistä "julkisena taideteatterina". Imperialistisen sodan vaikutelmat saivat hänet tunnustamaan kaiken porvarillisen kulttuurin alemmuuden. Lokakuun sosialistinen vallankumous sai hänet asettamaan erityisen tiukkoja vaatimuksia teatterille ja kaikille sen työntekijöille. "Elämämme sankarillinen aikakausi vaatii toisenlaisen näyttelijän", hän sanoo yhdessä julkaistussa keskustelussaan. Ja hän etsii tapoja kouluttaa teatterinuorisoa sankarillisen, epäitsekkään maan palvelemisen hengessä, täysin irrallaan kaikista pienistä henkilökohtaisista eduista. Hän pyrkii keskusteluillaan osoittamaan, että taiteellinen luovuus voi kukoistaa vain niiden keskuudessa, jotka pystyvät tuntemaan syvimmän yhteyden teatterialan ja sen taiteellisten tehtävien välillä elämäänsä uudistavan kansan rakentamiseen ja joka täyttää jokaisen päivän, "jokaisen lentävä hetki siinä” korkeilla ajatuksilla, tunteilla ja tunnelmilla. Stanislavsky vaatii näissä keskusteluissa väsymätöntä työtä itsensä kanssa, tietoisuutensa ja tahtonsa voittoja kaikesta, mikä estää näyttelijää täysin antautumasta työlleen, ja hänen äänensä kaikuu niissä kaikella kiinteän, intohimoisen vakaumuksen voimalla. Stanislavskyn sisäisen kehityksen polun tutkiminen hänen nuoruudestaan, joka heijastui hänen "Taiteellisissa muistiinpanoissaan vuosilta 1877-1892", aina hänen henkisen kypsymisensä aikaan, jolloin hän kirjoitti kirjat "Elämäni taiteessa" ja "Näyttelijän Työskentele itsensä kanssa”, - näemme selvästi, että hänen koko elämänsä oli täynnä sitä taistelua luonteensa epätäydellisyyksien kanssa, johon hän kutsuu keskusteluissaan. Jokainen, jolla on pieninkin elävä käsitys hänestä, tietää myös, että hän ei koskaan ollut tyytyväinen saavutuksiinsa - ei luovuudessaan eikä teoreettisessa ajattelussaan eikä työssään itseään ihmisenä. Mutta ei ole epäilystäkään siitä, että halvaan skeptisyyteen alttiita ihmisiä on melko vähän, jotka hänen keskustelujaan lukiessaan sanovat, että hänen nuorille näyttelijöille asettamansa vaatimukset ovat yleensä mahdottomia täyttää ja jopa tarpeettomia, koska ylivoimainen enemmistö näyttelijöistä ei poissulje. suurimmat, eivät ole koskaan asettaneet heitä itselleen, eikä tämä kuitenkaan estänyt heitä näyttämästä kykyjään lavalla, mutta millaisia ​​he olivat lavan ulkopuolella, on heidän oma asiansa. Stanislavsky tietysti kuunteli tällaisia ​​pohdintoja useammin kuin kerran, mutta ei voinut hyväksyä niitä. Jokainen taiteilija millä tahansa taiteen alalla täyttää luomuksensa omalla ideologisella ja psykologisella sisällöllään, ja tämä pätee näyttelijään", tietysti jopa enemmän kuin kukaan muu taiteilija. Ja jos lahjakkaat ihmiset näyttäytyvät sekä lavalla että kulissien takana , välinpitämättömyys tovereidensa ja koko tiiminsä elämää kohtaan, mautonta turhamaisuutta, irstailua ja huolimattomuutta omaa ja yhteistä asiaa kohtaan, saavuttivat kuitenkin meluisaa menestystä, tämä tarkoittaa vain sitä, että vaativalla asenteella itseään kohtaan he olisivat antaneet verrattoman paljon. taiteessaan enemmän ja nostaisi teatterin sellaiselle korkeudelle, jota se ei vielä ole saavuttanut. Stanislavsky jakoi aina älykkään saksalaisen näyttelijän Ifflandin 1700-luvulla ilmaiseman ajatuksen, että paras tapa olla jalo lavalla roolissaan on "olla jalo todellisuudessa" omassa elämässäsi. Stanislavskin silmien edessä seisoivat suurten taiteilijoidemme Shchepkinin ja Ermolovan esimerkit, jotka omistautuivat taiteelle kaikella heille elämässä ominaisella jaloudella, vaikka heidän aikansa ei ollutkaan suotuisa tunnelmien ja taiteellisten ajatusten korkealle lennolle. . Hän uskoi aina jakamattoman, sankarillisen taiteen palvelemisen mahdollisuuteen ja aikakauteen, joka vaatii ja synnyttää sankareita eri elämänaloilla, aikakauteen, jolloin teatterin on ainakin pysyttävä elämän tahdissa ja noussut esiin. entisen unenomaisen olemassaolon noidankehä, elää kaikella voimillaan "maan päällä ja maan puolesta" - eikö hän, Stanislavsky, voisi vaatia näyttelijöiltä sitä, mihin hänen oma polttava, sankarillinen luontonsa houkutteli? Pohtiessaan keskusteluissaan kysymystä luovuuteen valmistautumisesta ja näyttelijän luomisprosessinsa organisoinnista, hän korostaa jatkuvasti kehittyneen ihmisen tietoisuuden ja halun voittaa luonnollisten keinojen rajoitukset valtavaa roolia tässä. Ja jos tähän aikaan, kauan ennen kuin hänen "järjestelmänsä" kaadettiin kirjaan: "Näyttelijän työ itsestään", paljon ei ollut niin selkeästi muotoiltu keskusteluissa, niin joitain "järjestelmän" puolia hän halusi valaista täydellisemmin. hänen myöhemmissä teoksissaan , paljastuvat jo täällä kaikessa syvyydessään. Tämä on kaiken edellä mainitun lisäksi kysymys aidon taiteellisen luovuuden luonteesta. Hänelle omistetut sivut osoittavat selvästi, että vuosina, joita keskustelut koskevat, Stanislavsky, muuttamatta realismia, mutta syventäen käsityksiään siitä, oli jo täysin siirtynyt pois kaikesta naturalismista, jopa siinä mielessä, että hän kutsui "psykologiseksi naturalismiksi". .” Taiteellisen yleistyksen tarve jokaisen hahmon ja jokaisen intohimon kuvaamiseen, säilyttäen kuitenkin kuvan suurimman konkreettisuuden, näkyy keskusteluissa erittäin vakuuttavasti. Jokainen kuvatun syventäminen, ihmishahmojen esittäminen ristiriitaisten ominaisuuksiensa ja pyrkimyksiensä monimutkaisuudessa, jokaisen elämänilmiön tulkinta eräänlaisena monimuotoisuuden yhtenäisyyden ja lisäksi tietyssä ideologisessa valossa - tätä Stanislavsky etsii täältä nuoria näyttelijöitä. Siten hän vaatii heiltä korkeaa älyllistä tasoa ja kykyä sukeltaa syvästi ja hienovaraisesti ihmisen psykologiaan, ei vain roolia työskennellessä, vaan myös ihmisiä havainnoitaessa elämässä. Esimerkit psykologisesta analyysistä, joita hän antaa keskusteluissaan työskennellessään Bolshoi-teatteristudiossa oopperoiden "Werther" ja "Jevgeni Onegin" tuotantojen parissa, ovat tässä suhteessa erittäin paljastavia. Mitä tulee niiden muistiinpanojen luotettavuuteen, jotka K. E. Antarova säilytti itse keskustelujen aikana puolistenografisesti ja tarkasti samana päivänä, niin jo lainatun Z. S. Sokolovan 8. marraskuuta 1938 päivätyn kirjeen rivit kertovat tästä. : "Olen yllättynyt, kuinka voit nauhoittaa veljesi keskustelut ja toimet niin sanatarkasti. Hämmästyttävää! -- hän sanoo K.E. Antarovalle ja palauttaa hänelle muistiinpanojen käsikirjoituksen. - Niitä lukiessani ja sen jälkeen minulla oli sellainen tila, että todella, tänään kuulin hänet ja olisin läsnä hänen tunneilla. Muistan jopa missä, milloin, minkä harjoituksen jälkeen hän sanoi, mitä äänitit..." Kirjeensä lopuksi Z. S. Sokolova vahvistaa jälleen kerran, että nämä tallenteet täyttävät osittain sen, mitä K. S. Stanislavsky itse niin halusi, mutta mitä hän ei onnistunut suorittaa henkilökohtaisesti.

Lyubov Gurevitš

Syntynyt tammikuussa 1939.

ESIPUHE TOISEEN PAINOKSIIN

Vuonna 1939 All-Russian Theatre Society julkaisi ensimmäistä kertaa K. S. Stanislavskyn keskustelut Bolshoi-teatterin taiteilijoiden kanssa, jotka nauhoitin. Kuten julkaisussa jo mainittiin, nämä keskustelut juontavat vuosilta 1918-1922. Vallankumous koko kansan elämässä sytytti vielä voimakkaammin ja kirkkaammin Venäjän näyttämön suuren opettajan valtavan energian. Hän halusi soveltaa ponnistelujaan oopperateatteriin, vangita laulajia luovilla ideoillaan ja herättää heissä halun etsiä uusia polkuja oopperan taiteessa. Laajennan kirjan ensimmäistä painosta useilla Konstantin Sergeevitšin keskusteluilla. Jotkut niistä liittyvät suoraan Massenet'n Werther-oopperan työskentelyaikaan. Loput kuusi keskustelua käsittelivät luovuuden elementtejä - Konstantin (Sergeevich) johti kanssamme, etsien niihin syitä säännöllisissä harjoituksissa. Nämä keskustelut ovat arvokkaita varsinkin siksi, että niissä esitettiin jo ajatuksia, joita myöhemmin systematisoitiin ja laajennettiin Stanislavskyn kirjassa " Näyttelijän työ itsestään." All-Russian Theatre Society oli ensimmäinen organisaatio, joka julkaisi "K. S Stanislavskyn keskustelut" pian hänen kuolemansa jälkeen, kun yksikään kustantamo ei ollut vielä julkaissut yhtään kirjaa Stanislavskysta. Tämä julkaisu on ensimmäinen suuren miehen muistomerkki. WTO toteuttaa toisen painoksen "K. S. Stanislavskyn keskusteluja" hetkellä modernin teatterielämän hetkellä, jolloin Stanislavskyn "järjestelmästä" on tullut yksi Neuvostoliiton teatteritaiteen keskeisistä ongelmista. Siitä käydään kiivasta keskustelua. "järjestelmä" teatteriympäristössä. Vielä tärkeämpää on muistuttaa näyttelijöitä ja ohjaajia K. S. Stanislavskyn ajatuksia teatterista luovuudesta, joita hän ilmaisi Neuvostoliiton teatterin alkuvaiheessa. Epäilemättä Konstantinin elävät sanat Hänen ainutlaatuisen kirkkailla ja värikkäillä intonaatioilla puhuma Sergeevich hukkuu paljon muistiinpanoihini. Mutta saamieni kirjeiden ja arvostelujen perusteella "keskustelut" herättävät taiteilijoissa yhä halun ymmärtää taiteessa sitä, mitä ihmisen luovan tunteen luonteen suuri tutkija vaati. Esitän henkilökohtaisen kiitollisuuteni WTO:lle molemmista Conversationsin painoksista, mutta en voi olla huomaamatta tämän julkisen organisaation herkkää huomiota ja huolenpitoa nuoria toimijoita kohtaan. Julkaisemalla ”K. S. Stanislavskyn keskustelut” toisen kerran WTO auttaa Moskovan ulkopuolella asuvia taiteellisia voimia, joilla ei ole mahdollisuutta hyödyntää teatterimestarien konsultaatioita. Mutta en vain tämän luovan avun ja huomion antamisesta taiteilijalle, kiitän sydämestäni WTO:ta. Erityiset kiitokseni Kokovenäläiselle Teatteriyhdistykselle, ennen kaikkea sen puheenjohtajalle, Neuvostoliiton kansantaiteilijalle Alexandra Aleksandrovna Yablochkinalle siitä, että annoimme mahdollisuuden tutustua K. S. Stanislavskyn luoviin ideoihin suurelle yleisölle. taiteilijoita, se auttaa laajentamaan heidän luovaa tietoisuuttaan, minkä tekee yksi suuren teatterihahmon tärkeimmistä testamenteista, joka aina sanoi: "Luovuutemme pääasia on tehokas ajatus, joka kulkee jatkuvasti eteenpäin."

K. E. Antarova.

PUHELU ENSIN

HUIPPUkeskustelu

KESKUSTELU KOLME

Haluan puhua kanssasi tänään ja yhdessä kanssasi muutan mieltäni uudestaan ​​ja uudestaan ​​siitä, mitä studio on. Ilmeisesti tämä teatterikoulu, niin sanotusti, vastaa nykyaikaa, koska studioita on uskomattoman paljon, hyvin erilaisia ​​lajikkeita, tyyppejä ja suunnitelmia. Mutta mitä enemmän elät, sitä enemmän vapautat tietoisuutesi pinnallisista sopimuksista, sitä selvemmin näet sekä omat että muiden virheet luovuudessa (Keskustelu lokakuussa 1918 Konstantin Sergeevitšin asunnossa Karetny Ryadissa.). Studio on se alkuvaihe, jossa tulee tuoda yhteen ihmisiä, jotka ovat täysin tietoisesti tietoisia siitä, että ihmisen koko elämä on hänen omaa luovuuttaan ja että hän haluaa tätä luovuutta itselleen vain teatteriin, että teatterissa on koko elämänsä . Taiteilijan on ymmärrettävä, ettei ole olemassa ulkoisia syitä toimimiseen ja luovuuteen vaikuttamiseen, että luovuudella on vain yksi impulssi - nämä ovat luovia voimia, joita jokainen kantaa sisällään. Studioiden luominen toi valoa entisten teattereiden tietämättömyyden kaaokseen, jossa ihmiset yhdistyivät ikään kuin luovaan tarkoitukseen, mutta itse asiassa henkilökohtaiseen itsensä ylistämiseen, helpon maineen, helpon, hajoavan elämän ja omien kykyjensä käyttöön. - kutsutaan "inspiraatioksi". Studion tulee elää toiminnan täydellisessä organisoinnissa; täydellinen kunnioitus toisia kohtaan ja toistensa tulisi hallita siinä; Yhtenäisen huomion kehittämisen on oltava studiossa opiskelemaan haluavien henkisen matkatavaroiden alkuperäinen perusta. Studion tulee opettaa taiteilija keskittymään ja löytämään tähän iloisia apuvälineitä, jotta hän voi helposti, iloisesti, innostua, kehittää itseensä voimaa eikä nähdä tätä sietämättömänä, vaikkakin väistämättömänä tehtävänä. Nykyajan näyttelevän ihmiskunnan onnettomuus on tapa etsiä motivoivia syitä luovuudelle ulkopuolelta. Taiteilijasta tuntuu, että hänen työnsä syy ja sysäys ovat ulkoiset tosiasiat. Syyt hänen menestykseensä lavalla ovat ulkoiset tosiasiat, mukaan lukien klakki ja holhous. Syyt hänen epäonnistumiseensa luovuudessa ovat hänen vihollisensa ja pahantahtoiset, jotka eivät antaneet hänelle mahdollisuutta paljastaa itseään ja erottua kykyjensä ilmapiiristä. Ensimmäinen asia, jonka taiteilijan studion tulisi opettaa, on, että kaikki, kaikki hänen luovat voimansa ovat hänen sisällään. Introspektiivinen katse asioihin ja asioihin, luovuuden voiman, syiden ja seurausten etsiminen itsessään pitäisi olla kaiken oppimisen alku. Loppujen lopuksi, mitä luovuus on? Jokaisen opiskelijan on ymmärrettävä, että ei ole olemassa elämää, joka ei sisältäisi jonkinlaista luovuutta. Henkilökohtaiset vaistot, henkilökohtaiset intohimot, joissa taiteilijan elämä virtaa, jos nämä henkilökohtaiset intohimot voittavat hänen rakkautensa teatteria kohtaan - kaikki tämä synnyttää hermojen tuskallisen herkkyyden, hysteerisen kirjon ulkoista liioittelua, jonka taiteilija haluaa selittää kykynsä omaperäisyyttä ja kutsua häntä "inspiraatioksi". Mutta kaikki, mikä tulee ulkoisista syistä, voi vain herättää eloon vaistojen toiminnan, eikä se herätä alitajuntaa, jossa todellinen temperamentti, intuitio elää. Henkilö, joka liikkuu lavalla vaistojensa paineen alaisena laatimatta tarkkaa toimintasuunnitelmaa, on motivaatioiltaan samanlainen kuin eläimillä - metsästävällä koiralla, joka lähestyy lintua, tai kissalle, joka hiipii hiiren perässä. Ero tuntuu vasta, kun intohimot eli vaistot puhdistetaan ajatuksella, ts. hänen valppaalla huomiollaan jalostettua ihmistietoisuutta, kun jokaisessa intohimossa on tilapäinen, ohimenevä, ehdollinen, merkityksetön ja ruma, eikä niistä. pysäytetään ja huomiota ei kiinnitetä niihin, vaan siihen orgaaniseen, intuitiosta erottamattomaan, joka elää kaikkialla, aina ja kaikkialla, kaikissa intohimoissa ja on yhteistä jokaiselle ihmissydämelle ja tietoisuudelle. Ja vain tämä muodostaa jokaisen intohimon orgaanisen jyvän. Luovuudessa ei ole kaikille samoja polkuja. Ivanille ja Maryalle on mahdotonta pakottaa samoja ulkoisia tekniikoita, ulkoisia mis-en-scèenin välineitä, mutta kaikki Ivanit ja Maryat voivat paljastaa inspiraation tulensa arvon, henkisen voimansa ja osoittaa missä. mitä etsiä ja miten kehittää sitä itsessään. Aloittelevien opiskelijoiden heitteleminen luokasta luokkaan, väsyminen, monen tieteenalan antaminen kerralla, pään tukkiminen uusilla, tuskin päivänvaloa näkyneillä tieteillä, joiden saavutuksia ei ole vielä testattu riittävällä kokemuksella, on erittäin haitallista. heille. Älä yritä aloittaa kasvatustasi ja koulutustasi studionäyttelijöinä, heti hajauttaen itseäsi kaikkiin suuntiin, älä yritä määrittää rooliasi ulkoisten merkkien perusteella, vaan anna itsellesi aikaa siirtyä pois tavanomaisesta asenteesta elää ja toimia ulospäin. Ymmärrä koko luova elämä sisäisen ja ulkoisen elämäsi yhdistämisenä ja aloita harjoitukset helposti ja hauskasti. Studio on paikka, jossa ihmisen on opittava tarkkailemaan luonnettaan, sisäisiä vahvuuksiaan, jossa hänen on kehitettävä tapa ajatella, että en vain elä elämää, vaan rakastan taidetta niin paljon, että haluan luoda. , minun kauttani ja minulta, kaikella ihmiset täyttämään päivänsä taiteeni ilolla ja onnella. Sellaisen, joka ei osaa nauraa, joka aina valittaa, joka on aina surullinen ja tottunut itkemään ja suuttumaan, ei pitäisi mennä studioon. Studio on kuin taiteen temppelin kynnys. Tässä tulisi loistaa tulisilla kirjaimilla kirjoitettu kirjoitus meille jokaiselle: "Opi taidetta rakastamalla ja siitä iloitsemalla voittamaan kaikki esteet." Jos rekrytoidaan studioon sivistymättömiä ja kyvyttömiä ihmisiä vain siksi, että he ovat hoikkia ja pitkiä, hyvääänisiä ja taitavia, niin studio tuottaa vielä kymmeniä häviäjiä, joiden kanssa näyttelijämarkkinat ovat nyt jo tulvillaan. Ja iloisten työntekijöiden sijaan, jotka ovat omistautuneet taiteelle, koska he rakastavat sitä, studiomme tuottaa ihmisiä, jotka ovat kiehtovia, jotka eivät halua astua luovuudellaan maansa julkiseen elämään sen palvelijoina, jotka haluavat tulla vain herroiksi. , jota heidän kotimaansa tulee palvella arvokkaineen paikoillaan ja kaivoineen. Ei myöskään ole oikeutettua niitä ihmisiä, jotka asettavat kaiken muun edelle studionsa maineen, eivätkä siihen kuuluvia eläviä sydämiä, joita varten jokainen studio on olemassa. Jokaisen, joka opettaa studiossa, on muistettava, että hän ei ole vain johtaja ja opettaja, hän on ystävä, avustaja, hän on se iloinen polku, jolla hänen rakkautensa taidetta kohtaan sulautuu rakkauteen sitä kohtaan ihmisissä, jotka tulevat oppia häneltä. Ja vain tällä perusteella, ei henkilökohtaisen valinnan perusteella, opettajan tulee johdattaa heidät ykseyteen itsensä, toistensa ja kaikkien muiden opettajien kanssa. Vasta silloin studio muodostaa sen alkuympyrän, jossa hyväntahtoisuus toisiaan kohtaan hallitsee ja jossa ajan myötä voidaan kehittää harmoninen, eli nykyaikaisuuttaan vastaava esitys.

KESKUSTELU NELJÄS

Jos olisi mahdollista kuvitella ihanne ihmiskunta, jonka vaatimukset taiteelle olisivat niin korkeat, että se täyttäisi kaikki maan päällä toimivan ihmisen ajatuksen, sydämen ja hengen vaatimukset, taide itsessään olisi elämän kirja. Mutta tämä kehitysaika on vielä kaukana. "Nyt" etsii taiteesta elämän ohjaavaa avainta, aivan kuten "eilisemme" etsi siitä vain viihdyttäviä spektaakkeleita. Mitä teatterin pitäisi antaa meille nykyelämässä? Ensinnäkin, ei paljas heijastus itsestään, vaan kaikki, mikä hänessä on, näytettäväksi sisäisessä sankarillisessa jännityksessä; näennäisen arkipäivän yksinkertaisessa muodossa, mutta todellisuudessa selkeinä, kirkkaina kuvina, joissa kaikki intohimot ovat jalostettuja ja eläviä. Kaikkein kauhein asia teatterille on teatterinäytelmä, jossa on taipumus pakottaa ajatuksia ja lisäksi ei eläville ihmisille, vaan heidän pöytäänsä keksityille mallinukkeille ilman rakkautta, kiihkeää rakkautta niitä ihmissydämiä kohtaan, joita kirjailija halusi kuvata. hänen näytelmässään. Jos ihmisen koko elämän arvon näyttämöllä määrittää hänen luovuus eli hänen ajatustensa, sydämensä ja fyysisen liikkeensä harmoninen fuusio joka sanaan, niin näytelmän arvo on suoraan verrannollinen tekijän rakkauteen häntä kohtaan. hänen kuvaamiensa ihmisten sydämet. Suuren kirjailijan on vaikea erottaa, kumpaa näytelmänsä hahmoista hän rakastaa enemmän. Kaikki - hänen sydämensä elävä vapina, kaikki, suuri ja alhainen - kaikki ei muotoutunut vain mielikuvituksessa, kun ajatus oli luova, vaan sydän katseli hiljaa, kuin joku harmaapuku seisoisi sivussa; hänen ajatuksensa ja sydämensä polttivat itsensä, ja hän tunsi sisällään kaiken inhimillisten tapojen suuruuden ja kauhun. Ja vasta sitten hänen kynästään vuodatti sekä korkea että alhainen, mutta aina elävä, ja tätä elävää jokainen todellinen teatteri - ei itseään rakastava, vaan nykyaikaisuuden puolesta työskentelevä teatteri - voi vuotaa sankarien ulkoisiin toimiin. näytelmästä. Mitä meidän, studio-ihmisten, tulisi ohjata näytelmää valittaessa? Jos sydämesi opiskelijana on täynnä maallisen luovan elämäsi arvon ymmärtämistä, niin se on myös täynnä ihmisen ensimmäistä rakkautta - rakkautta kotimaahan. Ja näytelmää valitessasi etsit ihmiskuvan täydellisyyttä, ei yksipuolisuutta, niissä ihmisissä, joita kirjailija esitti sinulle. Yrität varmistaa, että näytelmä ei ole sietämätön jäljitelmä yhdestä tai toisesta klassisesta mallista, vaan heijastaa elämää; silloin sinäkin pystyt heijastamaan sitä itsesi kautta lavalla osana elämää. Tekijän nimi ei ehkä ole kenenkään tiedossa, mutta hänen näytelmässään kuvaamat ihmiset eivät ole irti jostain postimerkistä, vaan elävät ihmiset; niistä löydät koko kirjon inhimillisiä tunteita ja voimia alkaen. heikkoudet ja päättyy sankaruuteen. Kunpa nämä eivät olisi kliseisiä ihanteita, joiden auktoriteettia täytyy kumartaa, sillä niillä on "leitetty" sukupolvien ajan niin ja tuolla tavalla! Etsi aina itseäsi, sellainen ja sellainen kuva näytelmästä. E_s_l_i sinä t_o_t i_l_i t_a, k_a_k_i_e v_a_sh_i o_r_g_a_n_i_ch_e_s_k_i_e what_u_v_s_t_v_a? Oletetaan, että olet löytänyt näytelmän, joka heijastaa tätä tai tätä elämän osaa. Mitä teatterin pitäisi tehdä, kun uusi näytelmä on jo valittu? Sen vaikutuksia tai taipumuksia ei pitäisi käsitellä; Kumpikaan ei houkuttele yleisöä eivätkä välitä heille rohkeutta, sankarillista ajatusta, kunniaa tai edes kauneutta. Parhaimmillaan saat onnistuneen propagandanäytelmän; mutta tämä ei ole vakavan teatterin tehtävä, tämä on vain hetki teatterin yhden tai toisen sisällyttämiselle tämän hetken utilitaristiseen tarpeeseen. Vain se, mikä voi jäädä näytelmään, ikuisesti puhtaiden inhimillisten tunteiden ja ajatusten jyvänä, vain se, mikä ei riipu ulkoisesta suunnittelusta ja on ymmärrettävää kaikille, kaikkina vuosisatoina, kaikilla kielillä, se, joka voi yhdistää turkkilaisen ja venäläinen, persialainen ja ranskalainen, jossa kauneus ei pääse pakoon minkään ulkoisen sopimuksen, kuten esimerkiksi Tatianan puhtaan, säteilevän rakkauden alta - vain teatterin täytyy löytää tämä näytelmästä. Ja silloin ei ole pelkoa, että teatteri katoaa. Hän ei voi eksyä, koska hän lähti etsimään polkua ei "itseään", "omaa" mainetta ja asenteita, vaan halusi olla ikään kuin elämää heijastava maaginen lyhty - kuulostava ja iloinen. Hän antoi itselleen tehtävän helpottaa kauneuden havaitsemista niille ihmisille, jotka voivat helpommin oivaltaa sen itsessään ja itsensä siinä teatterin kautta; ne, jotka elävät yksinkertaista päiväänsä pystyvät toteuttamaan itsensä luovana elämän yksikkönä lavalta heitettyjen ideoiden avulla. Näytelmän työskentelyn aloittaminen on tärkein hetki. Täällä alkaa näytelmän koko arvo määräytyä niiden ihmisten elämään, jotka jonakin päivänä tulevat teatteriin katsomaan esitystä; täällä lasketaan kivi, jolle on satu lahjakkaiden teatteriihmisten rakkaudesta ihmisiä kohtaan, vaikka myös lahjakas, mutta kuulostaa erilaiselta luovuudesta, tulisi rakentaa. Millä voit luoda tämän maagisen, lumoavan sadun elämän totuudesta lavalla? Jos tälle ei ole ensisijaista ehtoa, ei ole rakkautta, iloisuutta, energiaa, keskinäistä kunnioitusta ja yhtenäisyyttä näytelmän aloittajien välillä, sen tulevien näyttelijöiden ja ohjaajien välillä, ellei ole yhtenäisyyttä ajatuksessa välittää kaikkea sitä. on korkein, kaunis ja puhdas, jotta siitä tulisi energian ja kauneuden kapellimestari jokaiselle, joka astuu teatteriin katsojana - et nosta näytelmää "hyvän esityksen" mallin yläpuolelle. Koska olet valinnut luovuuden tien, saavutat tuloksia vasta, kun teistä kaikista tulee yksi perhe. Teatterin työtä seuraavien polku ei ole samanlainen kuin muiden ihmisten polku. Niillä, jotka eivät kulje näyttämön kauneudessa, voi olla jonkinlainen kaksoiselämä. Heille voi olla henkilökohtaista elämää perheessä, joka ei jaa heidän yrityksensä elämää, voi olla tuhat asiaa, joissa perhe voi saada jonkin verran osallistumista. Mutta taiteilija on joku, jolle teatteri on hänen sydämensä. Hänen nykyinen päivänsä on teatterityötä. Isänmaan palveleminen on hänen vaiheensa. Rakkaus ja jatkuva luova tuli ovat hänen roolinsa. Tässä on hänen kotimaansa, tässä on hänen tempauksensa, tässä on hänen ikuisen voimansa lähde. Ei voi ajatella, että teatteri on jonkinlainen vihittyjen lahko, että se on irti ja irti elämästä. Kaikki ihmisen luovuuden tiet johtavat elämän ilmestymiseen, aivan kuten "kaikki tiet johtavat Roomaan". Ja jokaisen ihmisen Rooma on sama: jokainen kantaa kaiken luovuutensa sisällään, kaataa kaiken elämään itsestään. Et voi luoda ulkoisia lahkoja teattereista. Ne teatterit, joissa jokaisessa ihmisessä tasavertaisesti elävä viljan sisäinen tietoisuus kuolee, ryntää ulkoiseen puhki, ulkoiseen maneeriin: he joko etsivät kohtauksia ilman verhoa, sitten etsivät massakaltaisuutta toiminnassa, sitten järjestävät uudelleen. maisemat ylösalaisin, sitten etsitään väärää toimintarytmiä, - ja kaikki joutuvat vaikeuksiin, sillä ei ole kevättä joka liikuttaa - yhteistä ja kaikille ymmärrettävää. Rytmi on hieno asia. Mutta jotta voit luoda koko esityksen sille, sinun on itse ymmärrettävä missä ja mikä rytmin merkitys on. Teatterit voivat johtajistaan ​​riippuen kulkea eri polkuja ja niiden pitäisi kulkea eri polkuja. Mutta sisäinen, ei ulkoinen. Ulkoiset mukautukset ovat seurausta, tulosta sisäisestä polusta ja syntyy tavalla tai toisella riippuen siitä, kuinka toimijat ja johtajat ymmärtävät luovuuden perustan. Jos johtajat ajattelevat, että he ovat kerta kaikkiaan ymmärtäneet teatterin kahleet, jos he eivät kulje eteenpäin nykyisen elämän rytmissä eivätkä muutu ulkoisissa sopeutumisissaan pitäen kiinni yhdestä, vaikkakin ikuisesti liikuttavasta, mutta samaan aikaan muuttumaton elämän ydin, sitten Eli rakkaus ihmiseen - he eivät voi luoda teatteria - isänmaan palvelija, ikivanha teatteri, aikakauden teatteri, osallistuminen koko luomiseen nykyaikaisen elämänsä. Kuulen usein, että minua moititaan siitä, että olen liian vaativa taiteilijalta, että vaadin lähes askeettisuutta teatterille ja taiteelle antautuneelta ihmiseltä. Ensimmäinen asia, jonka ne, jotka moittivat minua siitä, että haluan nähdä taiteilijassa askeettisen, erehtyvät, on riittämätön analyysi siitä, mitä sanalla "taiteilija" pitäisi tarkoittaa. Taiteilijalla, kuten kaikilla taiteilijoilla, on lahjakkuutta. Hän on jo kohonneiden tunteiden leimaama, on jo tuonut luovan siemenen, vaikka saapuessaan, samassa alastomassa, avuttomassa ja köyhtyneessä muodossa, jossa kaikki tulevat maan päälle, kukaan ei ole vielä arvannut hänen sisäistä rikkauttaan. Henkilö, jolla on lahjakkuutta, on jo tuomittu luovuuden saavutukseen. Hänessä palaa tuli, joka työntää hänet koko hänen elämänsä viimeiseen hengenvetoon asti kohti luovaa tunnetta. Jokaisen lahjakkuudesta pakkomielle kuuluvan ihmisen elämässä on tärkeää juuri tämä luova voima, joka pitää ihmistä sylissään ja sanoo hänelle: "Sinä olet minun." Tässä ei ole eroja: draamataiteilijat, laulajat, maalarit, kuvanveistäjät, runoilijat, kirjailijat, muusikot. Tässä ei ole tavanomaisia ​​eroja. Erot tulevat ihmisen tietoisuuden kehittymisestä, hänen tahdostaan, hänen moraaliperiaatteidensa korkeudesta, mausta, hänen aikakautensa ymmärryksen laajuudesta, kansojen yleisestä kulttuurista ja sivilisaatiosta. Taiteilijoiden väliset erot syntyvät, kun hänen orgaaninen, ainutlaatuinen yksilöllisyytensä kehittyy ihmisessä. Sen päälle ja ympärille kerrostuvat elämän arkipäiväiset ja sosiaaliset käänteet, ehdolliset, satunnaiset elämänolosuhteet, eli mitä me roolissa kutsumme "tarjotuiksi olosuhteiksi". Epäilemättä jokainen, joka toi lahjakkuutta mukanaan maan päälle, elää sen vaikutuksen alaisena. Kaikki toiminta seuraa niitä polkuja, joita lahjakkuus ihmisessä luo, ja todellinen lahjakkuus kulkee luovuuteen aivan kaikissa elämän "tarjoamissa" olosuhteissa. Älä koskaan usko, jos joku sanoo, että kova elämä on musertanut hänen lahjakkuutensa. Lahjakkuus on tulta, ja sitä on mahdotonta murskata, ei siksi, että sammuttimia ei olisi riittävästi, vaan koska lahjakkuus on ihmisen sydän, hänen olemuksensa, hänen voimansa elää. Näin ollen voit murskata vain koko ihmisen, mutta et hänen kykyjään. Ja täällä, kuten kaikkialla, kaikilla luovuuden aloilla; Joillekin lahjakkuus on ike, ja henkilö on sen orja. Toisille hän on sankariteko, ja henkilö on hänen palvelijansa. Toisille hän on ilo, onnellisuus, ainoa mahdollinen elämänmuoto maan päällä, ja lahjakkuutensa loistossa oleva henkilö on kansansa omistautunut palvelija. Jokaisen taiteilijan on selvitettävä se ja ymmärrettävä tarkasti, täysin selkeästi: taiteessa ei voi olla luova taiteilija. Kaikki luovuus on sarja elämää vahvistavia ehdotuksia. Heti kun kielteisen ja tahdonalaisen käskyn elementti astuu luovuuteen, luova elämä pysähtyy. Et voi saavuttaa luovuuden korkeuksia ajattelemalla itseäsi: "Hylkään elämästä, sen nautinnoista, sen kauneudesta ja iloista, koska saavutukseni on "uhri kaikelle taiteelle". Juuri vastapäätä. Taiteessa ei voi olla uhrauksia. Kaikki hänessä on kiehtovaa, kaikki on mielenkiintoista, kaikki on kiehtovaa. Kaikki elämä houkuttelee sinua. Hänessä on taiteilija. Hänen sydämensä on avoin elämän hankaluuksille, törmäyksille ja nautinnoille; ja taiteilija ei voi olla uroteossa kuin elämästä luopuva luostarikunta. Taiteilijan saavutus paljastaa luovan elämän salaisuudet osoittaen lahjattomalle ihmisjoukossa taiteilijan vakoileman suuruuden asioiden luonteessa. Taiteilija on voima, joka heijastaa kaikkea luonnon kätkettyä ihmisille, joilta on riistetty lahja nähdä nämä henkiset aarteet omin voimin. Nyt on sinulle selvää, että jos taiteilijalla on saavutus, se on hänen sisäistä elämäänsä. Taiteilijan saavutus elää hänen sydämensä kauneudessa ja puhtaudessa, hänen ajatusten tulessa. Mutta tämä ei suinkaan ole tahdon käskyä, ei elämän ja onnen kieltämistä ja hylkäämistä. Tämä on loistavien syvyyksien ja suurten totuuksien paljastaminen ihmisille. Sen verran olen kertonut teille taiteilija-luovan korkeasta tehtävästä. Haluaisin palata vielä kerran kysymykseen, kuinka valmistaudut tähän korkeaan tehtävään, toisin sanoen luovuuteen. Kuvittele, että jokainen teistä on ikääntynyt 25 vuotta kerrallaan ja elämä on tuonut teidät suunnilleen samoihin olosuhteisiin kuin minulla tällä hetkellä. Työskentelet jonkin taiteilijaryhmän kanssa minun "systeemini" mukaan. Miten taiteilijassa saavutetaan sellainen tietoisuus, että hän ymmärtää, ettei hänen luova tilansa ole näkymätön korkki, joka voidaan aina pitää valmiina taskussaan ja ottaa esiin sillä hetkellä, kun hänen täytyy löytää itsensä lavalta ja "olla" valmis luovuuteen. Olen useammin kuin kerran kertonut teille, että kaikki, mitä värikäs taiteilija valitsee elämässään, kaikki mitä hän oppii, mitä hän saavuttaa laajentuvassa tietoisuudessaan, on vain polku hänen luovan "minän" joustavampaan vapautumiseen. jokapäiväinen, egoistinen "minä". Ja tämä pieni egoistinen "minä", eli intohimoinen, vihainen, ärtyisä impulssi, turhamaisuus ja sen seuralainen - ensisijaisuuden jano - onko se hiljaa? Se pitää myös ihmisen tiukasti kiinni. Tämä taistelu itsessä, aivan kuten taistelu hyödyllisen ja haitallisen huomion ja mielikuvituksen välillä, on taiteilijan saavutusten perusta. Jos rooliin työskentelyyn tarvitaan koko sarja visioita, niin itsensä työskentelyyn - taistelussa korkean ja matalan välillä - taiteilijan on löydettävä paljon monimutkaisempia elokuvia. Taiteilija-luojalla tulisi olla enemmän kuin yksi selkeä tavoite: päästä täydelliseen itsehillintään, siihen luovuutta edeltävään tyyneyteen. Mutta hänen on välittömästi samaan aikaan nähtävä edessään toinen tavoite: herättää itsessä elämänmaku kauneuden etsinnässä, maku pitkäaikaiseen työskentelyyn rooliensa ja kuviensa parissa ilman ärsytystä, hyvässä tahdossa. ihmisiä kohtaan, sisäisessä kokemuksessa koko nykyisestä elämästä suurimmana kauneutena . Roolin ja kaiken sen, mitä taiteilija lavalle toi, arvo riippuu aina taiteilijan itsensä sisäisestä elämästä, hänessä syntyneestä tottumuksesta elää kaaoksessa tai harmoniassa. Jatkuva kaoottinen kiire, kiirehtiminen yhteen rooliin ja sitten toiseen; arjen toimintojen hälinä, kyvyttömyys saavuttaa niissä kurinalaisuutta, siirtyy huonona tapana sisäänpäin ja muuttuu taiteilijan itsensä tunnelmaksi hänen työssään. Kaikki tämä liittyy koulutukseen, tai pikemminkin taiteilijan itsekoulutukseen, ja jokaisen lahjakkaan ihmisen on ymmärrettävä, että roolin työstäminen on suora heijastus itsensä työstämisestä. Ovatpa tunnit sitten aulassa, lavalla tai harjoitussalissa, tärkeintä ei ole se taso, jolla itse tunnit ovat nyt, eli onko kyseessä lukeminen, roolianalyysi, ensimmäisen vaiheen harjoitukset, vaan se on tärkeää. mitä on taiteilijan sielussa. Millaisten ajatusten kanssa hän eli kun meni harjoituksiin, mitkä kuvat seurasivat häntä teatteriin. Jos lahjakkuus kuiskasi hänelle: "Olet minun", taiteilija pystyy seisomaan siinä kauneudessa, siinä kauneudessa, joka kiehtoo katsojan ajan myötä. Jos vain hänen itsekkyytensä vaistot huusivat hänelle: "Sinä olet meidän", niin polku luovuuteen ei voi avautua hänessä. Taide vie koko ihmisen, kaiken hänen huomionsa. Et voi antaa hänelle palasia elämästäsi, mutta sinun on annettava hänelle koko elämäsi. Saatat luulla, että juuri tässä osoitan sen vaativuuden, jolla jotkut moittivat minua sanoen, että haluan tehdä taiteilijasta askeettisen. Mutta olen jo selittänyt sinulle, mitä tarkoitan lahjakkaalla taiteilija-luovalla. Lisään määritelmääni vielä yhden luovuuden elementin, joka ei ole yhtä tärkeä kuin kaikki muut: maku. Taiteilijan maku määrää hänen koko elämänsä. Riittää, kun nähdään ihmisen, hänen kulkunsa, tavan, jolla hän pukeutuu, puhuu, syö, lukee, jotta muodostuu käsitys ihmisen mausta, siitä, mitä hän rakastaa eniten. Jotkut taiteilijat rakastavat enemmän kuin mitään muuta heitä ympäröivää moitteetonta, pedanttista ja huolellista siisteyttä. Kaikki elämä jatkuu Tekijä: mitattu soluja, ja Jumala varjelkoon he siirtäisivät mitään asunnossaan sen määrätyltä paikalta. Ihminen voi olla ystävällinen ja jopa kykenevä suuriin tekoihin sekä teatterissa että kotona. Mutta hänen kurja murtuneisuutensa kohtaa hänet kaikkialla. Jos lavalle asetetaan jakkara senttimetriä pidemmälle tai lähemmäksi, jos ikkunan verho ei putoa täsmälleen osoitettua linjaa pitkin, tämän järjestyksen taiteilija tai ohjaaja pystyy kokonaan poistumaan taiteesta ja syöksymään ärtyisyyteen. jokapäiväinen elämä. Maku ei määrää vain ulkoista elämää, vaan myös ihmisen koko sisäistä elämää, niitä impulsseja, joissa vallitsee joko pikkumainen, konventionaalinen tai orgaaninen tarve korkeille tunteille. Jotta taiteilija pääsisi tilaan, jossa katsoja näkee kehyksen ulkopuolella luojan hurmiossa - tietoisen astumisen kautta alitajuiseen luovuuteen - tätä varten taiteilijalla on oltava kauneuden maku, maku, joka luo hänen elämäänsä ei. vain tavallisesta, yksinkertaisessa päivässä välttämättömästä voimasta, mutta myös sankarillisista jännitteistä, joita ilman elämä ei ole hänelle makeaa, ja lavalle luovuuden areena on saavuttamaton. Maku kuljettaa ihmisen läpi kaikkien arjen esteiden, kaikkien niiden porvarillisten tapojen läpi, jotka näyttävät olevan keskivertoihmisen tarpeiden kannalta keskeisiä. Ja vain koska maku ryntää ihmistaiteilijan kauniiseen, hän voi saavuttaa sen innostuksen, ne kohonneet impulssit, joissa hän onnistuu tuntemaan itsensä tilaan: "Minä olen rooli" ja sanoa katsojalle rohkeasti: "Olen." Nämä ovat kaikki ne ihmisen psyyken syvyydet, joille elävän taiteen jatkuvuus perustuu. Oli surullisia aikoja, jolloin elävä taide katosi ja tilalle tuli kuiva, kuollut muoto. Mutta se heräsi jälleen henkiin heti, kun ilmaantui taiteilijoita, joiden elämänmaku taiteessa johti heidän rakkautensa täydelliseen epäitsekkääseen omistautumiseen sille, pyhän sydämen suureen omistautumiseen taiteen palvelukseen. Järjestelmässäni, jonka mukaan opetan sinua, pyrin viemään sinut polulle, jolla tutkit luovia voimiasi itsessäsi. Haluan murtaa kliseesi ja antaa sinulle uusia alkuja luovuudelle, joka pelastaa taiteilijan kuolemalta. Usein taiteilija ajattelee, että hänen väripalettinsa on loistava, kimalteleva viitta. Mutta todellisuudessa se on vain vanha kaapu, jossa voit nähdä paljon tahroja maalien kuluneista leimoista hajallaan joka suuntaan. Toivon teidän kaikkien päästävä eroon kaikenlaisesta tekopyhyydestä mahdollisimman pian ja pysyä aina elossa rooleissanne. Pukeutua aina värikkäiden, totuudenmukaisten tunteiden ja ajatusten kaapuihin. Tällä et vain pakota yleisöä olemaan tarkkaavainen kaikkeen, mitä lavalla tehdään, vaan kaikissa kappaleissasi on ajatus-sana-ääni, ja minä sanon sinulle yhdessä yleisön kanssa: "Uskon."

PUHELU VIIDES

Jokaisen taiteilijaksi haluavan on vastattava kolmeen kysymykseen: 1. Mitä hän tarkoittaa sanalla "taide"? Jos hän näkee siinä vain itsensä, jossain etuoikeutetussa asemassa suhteessa hänen vieressään käveleviin ihmisiin, jos hän ei tässä taideajattelussaan yritä paljastaa sitä, mikä häntä huolestuttaa sisällään, kuten pimeässä vaeltavat tuskin tietoiset luovuuden voimat, mutta häiritsee häntä, mutta haluaa vain saada hänen persoonallisuutensa loistamaan; jos pikkuporvarilliset ennakkoluulot herättävät hänessä halun voittaa esteet tahdon avulla vain löytääkseen itselleen ulkoisen polun elämään havaittavana ja näkyvänä hahmona, niin tällainen lähestymistapa taiteeseen on sekä ihmisen että taiteen kuolema. Ateljeen on henkilöstöä rekrytoiessaan ymmärrettävä selvästi, ketä se voi kouluttaa ja kenen yli kaikki sen henkisen kasvatuksen ponnistelut eivät johda haluttuun lopputulokseen, eli uuden tietoisuuden syntymiseen taiteilijassa, jossa hänen luova työnsä olla työn polku yhteisen hyvän puolesta. 2. Miksi minkä tahansa taiteen - draaman, oopperan, baletin, kamarilavan, maalin tai lyijykynätaiteen - valinnut henkilö astuu ihmiskunnan taiteelliseen alaan ja minkä idean hän haluaa ja pitäisi tuoda tälle taiteenalalle? Jos hän ei ymmärtäisi, kuinka paljon kärsimystä, kamppailua ja pettymystä häntä kohtaisi, jos hän näkisi vain sateenkaarisillan, joka kantaa hänet inspiraatiolla maan ja elämän ulkopuolelle, jossa unelmat elävät, studion täytyy tuottaa hänelle pettymys. Heti ensimmäisistä hetkistä lähtien opiskelijan on ymmärrettävä, että suuri työ, työ maan päällä, maan hyväksi, ei sen päällä, on hänen johtolankansa, hänen liekkinsä, hänen opastavansa. Studion on löydettävä jokaiselle hänen ulkoiset mukautuksensa ja kehitettävä huomio hänessä asuviin voimiin. Hänen ensimmäinen tehtävänsä on jatkuvasti seurata studiotyöntekijän työtä. Opiskelijan hallitsematon työ, jota hän soveltaa omiin taiteellisiin tehtäviinsä, on aina harhaa, aina ennakkoluulojen verkostoa, josta on silloin paljon vaikeampaa paeta kuin sisään astua. Opiskelijan on ensimmäisistä vaiheista lähtien tiedettävä, että vain työ - ei vain ulkoisen "uran" loppuun, vaan työ kuolemaan asti - on polku, jonka hän valitsee itselleen; työn tulee olla energian lähde, jolla studion tulee täyttää opiskelijan aivot, sydän ja hermot useissa jännittävissä tehtävissä. 3. Onko teatterissa käyvän ihmisen sydämessä niin paljon sammumatonta rakkautta taiteeseen, joka voi voittaa kaikki hänen eteensä varmasti tulevat esteet? Studion on näytettävä elävän esimerkin kautta johtajiensa vaikutuksesta, kuinka ihmisen sydämessä oleva sammumaton rakkaus taidetta kohtaan on kaadettava päivän työhön. Ja tämä luova työ voi, sen pitäisi palaa kuin tuli. Vain silloin, kun tulta sytyttävä öljy on inhimillinen rakkaus, vain silloin voidaan toivoa voittavansa kaikki luovuuden tiellä olevat esteet ja saavuttava päämäärä: puhdasta taidetta, joka on vapautettu konventioista ja jonka luovat puhtaat luovat voimat, jotka ovat kehittyneet sisällä. itse. Vasta sitten voidaan löytää näyttelijän tahdon joustavuus, pohjan - roolin jyvän - syvän ymmärtämisen vapaa yhdistelmä ja sen päästä päähän -toiminta, kun rakkaus taiteeseen on voittanut henkilökohtaisen turhamaisuuden, ylpeyden ja ylpeys. Kun ymmärrys lavaelämän harmoniasta asuu mielessä ja sydämessä, vasta silloin - "minästä" irti toiminnassa - voidaan esittää intohimon totuus ehdotetuissa olosuhteissa. Studion tulee johtaa systeemini mukaisten harjoitusten kautta "itsestään" luopumiseen, kaiken kokonaisvaltaisen huomion vaihtamiseen tekijän tai säveltäjän ehdottamiin olosuhteisiin, jotta niissä heijastuisi intohimon totuus. Varjelkoot kaikki suuret elämänvoimat jokaista studiota päästämästä ikävystymistä ja pedanttisuutta valtaansa. Kaikki kuoli silloin; silloin on parempi hajottaa studio, opettajat ja studion jäsenet ja tuhota koko mekanismi. Tämä on vain nuorten voimien, ikuisesti vääristyneiden tietoisuuksien korruptiota. Taiteessa voi vain valloittaa. Se, toistan jatkuvasti, on sammumattoman rakkauden kokko. Opettajat, jotka valittavat olevansa väsyneitä, eivät ole opettajia, he ovat koneita, jotka työskentelevät rahan takia. Jokainen, joka on käynyt kymmenen tuntia luokkaa päivässä eikä ole onnistunut polttamaan niissä rakkauttaan, vaan vain tahtoaan ja kehoaan, on yksinkertainen teknikko, mutta hän ei koskaan tule mestariksi, nuorten opettajaksi. Rakkaus on pyhää, koska sen tuli ei koskaan vähene, riippumatta siitä kuinka monta sydäntä se sytyttää. Jos opettaja vuodatti luovuuttaan - rakkauttaan, hän ei huomannut työtunteja, eivätkä kaikki hänen oppilaansa huomanneet niitä. Jos opettaja palveli arjen tarpeita, hänen oppilaansa kyllästyivät, väsyivät ja vihastuivat hänen mukanaan. Ja taide niissä, ikuinen, luontainen jokaiselle ja jokaiselle, joka elää kuin rakkaus, ei tunkeutunut päivän konventtien pölyisistä ikkunoista, vaan jäi kytemään sydämeen. Jokaisen tunnin, jokaisen minuutin opettajan ja oppilaiden yhtenäisyydestä tulee olla vain lentävä tietoisuus, ikuinen liike; ympäröivän elämän rytmissä. Tunteen - ajatuksen - sanan hengellisenä ajatuksenkuvana tulee aina olla totuuden ilmentymä, laki kyvystä välittää tosiasiat sellaisina kuin henkilö ne näki. Totuus ja rakkaus ovat kaksi polkua, jotka tuovat sisään koko taiteen elämän rytmin. Studion tulee herättää henkiin totuus ihmisessä ja hänen rakkautensa, huolella nostaa ja viljellä niitä. Ja päästäkseen itsehavainnoinnin polulle studion tulee ottaa käyttöön oikea hengitys, oikea kehon asento, keskittyminen ja valppaana tunnistaminen. Koko järjestelmäni perustuu tähän. Tästä studion tulisi aloittaa henkilöstönsä koulutus. Ja ensimmäisten hengitystuntien tulisi olla perusta sen introspektiivisen huomion kehittymiselle, jolle kaiken taiteen teoksen on rakennettava. Usein, hyvin usein, kerron sinulle näyttelijän kasvatuksesta. Miksi mietin tätä niin usein? Koska mielestäni myös näyttelijän kasvatus on yksi luovuuden elementeistä. Mistä se on tehty ja mitä sillä pitäisi tarkoittaa? Millä tasoilla se joutuu kosketuksiin luovuuden kanssa sen elementtinä? Näyttelijän "koulutuksella" en tarkoita vain ulkoisten käytöstapojen kasaa, joka hioo harjoittelemalla ja harjoittelemalla kehitettävää liikkeiden ketteryyttä ja kauneutta, vaan ihmisen kaksinkertaista, rinnakkain kehittyvää voimaa, joka on tulosta sisäisestä. ja ulkoinen kulttuuri, joka luo hänestä alkuperäisen olennon. Miksi pidän kasvatusta niin tärkeänä asiana taiteilijan työssä, että kutsun sitä jopa yhdeksi luovuuden elementeistä? Koska yksikään henkilö, joka ei ole saavuttanut itsehillinnän huippua, ei voi ilmaista kaikkia piirteitään kuvassa. Jos itsehillintä ja sisäinen kurinalaisuus eivät johda taiteilijaa täydelliseen tyyneyteen ennen luovuutta, harmoniaan, jossa taiteilijan tulee unohtaa itsensä yksilönä ja väistyä roolin persoonalle, hän maalaa kaikki kuvailemansa tyypit. hänen omaperäisyytensä värit. Hän ei voi alkaa murehtia luovasti roolin elämästä. Hän siirtää jokaiseen rooliin henkilökohtaisen persoonallisuutensa: ärtyneisyyttä, itsepäisyyttä, katkeruutta, pelkoa, periksiantamattomuutta tai päättämättömyyttä, kuumaa luonnetta jne. Harmonia, jota näyttelijän, eli hänen luovan minänsä, täytyy ajatella, syntyy täydellisen tuloksena. kehon työ, työ ja ajatukset ja tunteet. Luovan näyttelijän on kyettävä ymmärtämään kaikki aikakautensa suurin; Hänen on ymmärrettävä kulttuurin arvo kansansa elämässä ja tunnustettava itsensä yhdeksi heistä. Hänen on ymmärrettävä kulttuurin korkeudet, joihin maan aivot, hänen suurten aikalaistensa persoonassa, pyrkivät Jos taiteilijalla ei ole valtavaa kestävyyttä, jos hänen sisäinen organisaationsa ei luo luovaa kurinalaisuutta, kykyä siirtyä pois henkilökohtainen, mistä hän löytää voimaa heijastaa julkisen elämän huippua? Kun valmistelin Shtokmanin roolia, minua kiehtoi Shtokmanin rakkaus ja totuudenhalu näytelmässä ja roolissa. Intuitiosta, vaistomaisesti, päädyin sisäiseen kuvaan kaikkine piirteineen, lapsellisuuteen, likinäköisyyteen, joka kertoi Shtokmanin sisäisestä sokeudesta inhimillisille paheille, hänen ystävällisille suhteilleen lastensa ja vaimonsa kanssa, hänen iloisuuteensa ja liikkuvuuteensa. Tunsin Shtokmanin viehätyksen, joka pakotti jokaisen hänen kanssaan kosketuksiin joutuneen tulemaan puhtaammaksi ja paremmaksi, paljastamaan sielunsa hyvät puolet hänen läsnäolossaan. Intuitiosta tulin ulkoiseen kuvaan: se syntyi luonnollisesti sisäisestä. Shtokmanin ja Stanislavskyn sielu ja ruumis sulautuivat orgaanisesti toisiinsa. Heti kun ajattelin tohtori Shtokmanin ajatuksia tai huolenaiheita, hänen likinäköisyytensä ilmestyi itse, näin hänen vartalonsa kallistumisen eteenpäin, hänen kiireisen kävelynsä. Toinen ja kolmas sormi ojentuivat eteenpäin omasta tahdostaan, ikään kuin työntäisivät tunteitani, sanojani, ajatuksiani keskustelukumppanin sieluun... Taiteilijan koko elämän ja työn perusta on mahdottomuus erottaa arkiaan. "Minä" näyttelemisestä "minä". Jos näyttelijän ei aina ole helppoa samaistua katsojalle ja löytää hahmoilleen tarvittavaa ulkoista muotoa, niin hänen on aina helppo ymmärtää ja tunkeutua näytetyn kuvan halkeaman, dramaattisuuden syvyyteen, jos hän on saavuttanut luovan, vakaan itsehillinnän. Mitä korkeampi taiteilijan itsehillintä on, sitä selvemmin hän pystyy tuomaan esiin impulssit kauneuteen tai kaatumishalu, sankarillisten jännitteiden nousut tai paheiden ja intohimon pohja. Näyttelijän vahvuus, kyky nousta tunteiden ja ajatusten sankaruuteen virtaa hänen kasvatuksensa suorana seurauksena. Koulutus, itsehillintänä, luovana periaatteena näyttelijän elämässä, on samalla tasolla kuin luovuuden elementti - rakkaus taiteeseen. Riippumatta siitä, kuinka taiteilija kohoaa luovuudessaan, esteenä ei ole vain hänen kulttuurinsa koulutettuna tai tietämättömänä ihmisenä, vaan myös hänen kykynsä päästä sankarilliseen jännitteeseen. Se sisältää vain ne, jotka voivat löytää täydellisen, vakaan itsehillinnän. Tämä itsehillintä luovana elementtinä tulee niille taiteilijoille, joiden henkilökohtaiset intohimot, kuten kateus, mustasukkaisuus, kilpailu ja mestaruuden jano, ovat jo laskeneet. Heidän tilalleen kasvoi intohimo taiteeseen, epäitsekäs ilo siitä, että oli mahdollisuus kantaa ihmissielun suuria impulsseja teatterin lavalta ja näyttää niitä, ei itseään, yleisölle. Silloin näyttelijässä syttyy tuli, joka yhdistää hänet ja yleisö yhdeksi kokonaisuudeksi. Silloin taiteilijasta ei tule jonkun valittu, vaan kansansa tunnustettu poika, jossa jokainen katsoja tunnisti itsensä parhaat puolet, kärsi tai itki, iloitsi tai nauroi osallistuen koko sydämestään suomalaisen elämään. roolissa oleva henkilö. Mikä on tapa taiteilijan työskennellä itsensä kanssa saavuttaakseen tämän voiman: yhdistää näyttämön ja auditorion yhdeksi kokonaisuudeksi? Taiteilijassa itsessä hänen tunne- ja ajatuskulttuurinsa täytyy sulautua yhteen. Tämä yhtenäinen itsetietoisuus johtaa luovuuden alkuvaiheisiin. Kuinka voidaan saavuttaa tämä yhtenäinen tietoisuus, joka syntyy rakkauden taiteen ja itsehillinnän seurauksena? Onko se mahdollista saavuttaa, koska sanoin taiteilijalle: "Ajattele näin"? Et voi nostaa taiteilijan tietoisuutta toiselle tasolle jonkun toisen tahdolla. Vain harmonisesti kehittyvä taiteilija voi itsenäisesti, oman kokemuksensa kautta päästä seuraavalle, korkeimmalle laajennetun tietoisuuden tasolle. Mikä sitten on jokaisen rooli, myös itseni opettajana, jos toisen kokemus tällä alalla ei opeta toiselle mitään? Havaitsemme kaikilla tieteen, tekniikan ja lääketieteen aloilla, kuinka joidenkin kokemuksista tulee seuraavien sukupolvien peräkkäinen, perinnöllinen arvo. Vain taiteessa ja ehkä itse elämässä ihmiset eivät halua hyväksyä rakkaiden kokemuksia, jotka rakkaudella varoittavat väärinkäsityksistä ja illuusioista. Pyrin tuomaan sinulle korkeamman ymmärryksen luovuudesta sekä lavalla että elämässä. Mitä minun pitää tehdä tämän eteen? Minun ei tarvitse huomauttaa vain teille, taiteilijoille, luovan tunteen luonnetta ja sen elementtejä. Minun täytyy heittää pintaan kaikki elämässäni louhimani malmi ja näyttää, kuinka minä itse saavutan kussakin roolissa, ei tuloksia, vaan etsi itse polkua, eli kuinka kaivan malmiani. Koko sarjan keskittymis- ja huomioharjoituksia sekä julkisen yksinäisyyden ympyrän luomista niissä johdatin sinut ymmärtämään kaksi luovuuden päälinjaa: itsesi parissa työskenteleminen ja roolisi työstäminen. Ennen kuin aloin keskittyä johonkin tiettyyn rooliin, ennen kuin luon huomiopiirin, ennen kuin aloin sisällyttää siihen tiettyjä uusia "ehdotettuja olosuhteita" minulle annetusta roolista, minun on itse vapauduttava sen kaikista kerroksista ja kerroksista. elintärkeää, jokapäiväistä energiaa, joka on tarttunut minuun tänään, aina tähän hetkeen asti, kun aloitan luovuuteni. Tähän hetkeen asti olen elänyt yksinkertaisesti, sen tai tuon yhteiskunnan jäsenenä, tämän tai tuon kaupungin, kadun, perheen jne. "Jos" en katkaise kaikkien ehdottamieni päivän olosuhteiden kahleita, "jos" niin teen. en vapauta itseäni sopimuksistani niin, että tietoisuus herää minussa: "Sen lisäksi, että olen kaikkien näiden päiväni olosuhteiden yksikkö, olen myös koko maailmankaikkeuden yksikkö", silloin en ole täysin valmis havaitsemaan roolin, tunnistamaan siitä orgaanisia, universaaleja tunteita. Kaadakseni rooliin keskittyneen energian yleisöön, minun täytyy heittää pois kaikki se energia, joka on syntynyt vain elämäntilanteistani. Milloin hylkään ehdolliset olosuhteet helpoimmin ja yksinkertaisimmin? Miten todennäköisimmin hyväksyn ehdotetut ehdot? Taiteessa "tietää" tarkoittaa kyetä. Siitä "yleensä" tiedosta, joka täyttää aivot havainnoilla ja jättää sydämen kylmäksi, ei ole mitään hyötyä taiteilija-luojalle, taiteilijalle, joka kokee kaiken, mitä roolinsa sankari tuntee.

PUHELU KUUSI

Studio ei ole paikka satunnaisille rooleille. Tänne ei voi tulla halulla sellaiseen ja sellaiseen aikaan tai sellaiseen satunnaisten olosuhteiden sanelemaan tarpeeseen pelata sitä tai tuota roolia, sillä sillä hetkellä liikkuva elämä on ajanut sen umpikujaan ja ohjaajan ohjeita alkoi kaivamaan, ja siitä seurasi halu käydä studiossa. Opiskelija on joku, joka näkee elämäntyönsä taiteessa, joku, jolle studio on perhe. Kun oppilas tulee luokkaan, hän ei voi ajatella henkilökohtaisia ​​asioitaan, epäonnistumisiaan ja päivän koettelemuksia; hänen on jo studiota lähestyttäessä käännyttävä ajatuksiinsa työstään ja pyrittävä pois kaikesta muusta elämästä. Studioon astuessaan hänen on suljettava itsensä kauneuden, korkeiden, puhtaiden ajatusten piiriin työstään ja iloita siitä, että on olemassa paikka, jossa hän voi yhdistyä kauneutta tavoittelevien ihmisten kanssa kuten hän itse. Opiskelija on se ihmisen kehittynyt tietoisuus, jossa ajatus rakkaudesta taiteeseen, nousemassa ohjaavaksi periaatteeksi, asettaa kaikki hänen kanssaan kommunikoivat vaikeuksiin - aivoista ja jännitteistä, alkaen filosofiset etsinnät - yhtenäisyys, ja jossa yksinkertainen tieto kauneudesta itsessään antaa tietoa siitä jokaisessa ja tuo esiin molemminpuolisen kunnioituksen ja hyvän tahdon. Studioon saapuessa ei pidä täyttää aikaa tyhjillä keskusteluilla tovereiden kanssa, vaan muistaa kuinka arvokkaita ovat sen nuoruuden ajan ohimenevät ja peruuttamattomat tunnit, jolloin energia tuntuu tuhoutumattomalta ja voimalla ei ole loppua. Huomio jokaiseen lentävään minuuttiin! Huomio jokaiseen tapaamiseen! Kaikkein huolellisinta huomiota suruun itsessäsi! Jos epätoivo on vallannut ihmisen hengen tänään, niin ei vain tänään, vaan myös huomenna ja ylihuomenna luovat pyrkimykset epäonnistuvat. Kaikella työskentelyllään studiossa opiskelijan itsensä on kehitettävä luonteensa parhaat ominaisuudet ja ennen kaikkea - keveys, iloisuus ja iloisuus. Traaginen ilme, sankarillinen ulkonäkö, halu kehittää roolille ulkoinen "tyyli" - kaikki tämä on vanhentunutta teatteriroskaa, joka olisi pitänyt heittää pois taiteellisista näkemyksistä. Sinun on elettävä itsessäsi tunteidesi ja ajatustesi kaikella täyteydellä ja rakennettava koko ajan uusi tietoisuus, joka resonoi nykyaikaisuuden nuottien kanssa. Sinun on suunnattava kaikki ponnistelusi ajatustesi syvyyteen ja puhtauteen; sinun on kiinnitettävä huomio sydämesi luovuuteen joka minuutti. Ja sitten se "julkisen yksinäisyyden ympyrä", jossa taiteilijan on luotava, syntyy aina helposti, iloisesti ja yksinkertaisesti. Tapa olla tarkkaavainen kaikkiin elämän hetkiin lavalla ja sen ulkopuolella juurruttaa studioopiskelijaan tietoisen havainnoinnin kaikesta ulkoisesta ja sisäisestä. Hän ymmärtää, vähitellen ja oikein studioopettajien ohjaamana, että luovuuden aloittamiseen hän tarvitsee: 1) ulkoista ja sisäistä huomiota, 2) hyvää tahtoa, 3) täydellistä rauhaa ja tyyneyttä omassa sisällä ja 4) pelottomuutta. Jos studio ei alusta alkaen hillitse studion jäsenten absurdia luonnetta, herkkyyttä, hysteriaa, kateutta ja pahaa tahtoa, se ei vain tuota mahtavia taiteilijoita, se ei myöskään luo yksinkertaisesti hyviä taiteilijoita, jotka voivat houkutella puoleensa. yleisön hajallaan oleva huomio. Mitä vahvempi taiteilijan julkisen yksinäisyyden kierre on, sitä korkeampi hänen huomionsa ja ajatuksensa kiirehtiä, etsiessään kaunista itsestään ja ympärillään olevista, sitä suurempi on taiteilijan viehätys, sitä kauemmaksi hänen luovuuden värähtelynsä kulkevat ja sitä voimakkaammin hänen vaikutuksensa on. yleisö. Studion tulee paljastaa peräkkäin opiskelijalle luovuuden salaisuudet ja niistä ensimmäinen: mitä lahjakkaampi hän itse on, mitä luovampia voimia hänellä on, mitä laajempi on hänen sisäisten henkisten ymmärrystensä laajuus, sitä enemmän kauneutta hän löytää muut. Ja jos hän näkee ympärillään paljon kauneutta, jos hänen huomionsa saa jokaisessa ihmisessä jotakin arvoa, hänen luomispiirinsä rikastuu, hänen energiansa kipinät kirkastuvat, hänen kykynsä heijastaa koko elämäänsä lavalla kasvaa ja laajenee. Taiteilijan luovuuden vaikein kompastuskivi on taipumus suunnata huomionsa siten, että hän näkee aina naapurissa huonot puolet, pullistuneet puutteet, ei niihin kätkeytynyttä kauneutta. Tämä on yleensä ominaisuus vähemmän kykeneville ja vähemmän taiteellisesti kehittyneille luonteille - nähdä pahoja asioita kaikkialla, nähdä vainoa ja juonittelua kaikkialla, mutta todellisuudessa; itse asiassa sinulla ei ole tarpeeksi kehittyneitä kauneusvoimia itsessäsi erottaaksesi ja imeäksesi sen kaikkialla. Siksi heidän kuvansa ovat yksipuolisia ja epätosia, koska ei ole ihmisiä ilman kauneutta - se on vain tunnettava ja ymmärrettävä. Aluksi vaikeaa sisäisen huomiosi vaihtamisesta tulee vähitellen totuttua. Tutusta - ei heti, vaan vähitellen - tulee helppoa ja lopulta helppoa - kaunista. Sitten vasta kaunis itsessään alkaa herättää jokaisessa ihmisessä kauneuden vastevärähtelyjä, ja polku lavalle elämän heijastuksena taiteilijassa on valmis. Ilman tällaista syvällistä, vapaaehtoista valmistautumista ei voi tulla näyttelijää - ihmissydämien arvojen heijastajaa. Sinun on itse kyettävä avaamaan sydämesi kaikille elämän kohtaamisille, opittava antamaan jokaiselle luova huomiosi, ja sitten olet valmis näytelmän hahmojen kuviin; taiteilijalla on tie, esitysvoimat ovat valmiita äänessä, askeleessa, tavoissa, koska oikea tunne on valmis itsessä, ei vain ajatus, vaan myös sydän on valmis hahmottamaan koko ihmisen, joka on heijastettava. Ajatus - tunne - sana - ulvominen, kuin tuttu rulla, vierii huomion päälle, jota nyt on kuvattava. Kaikki rakkaus siirtyy näytelmän sankariin, ja hänestä tulee erottamaton itsestään. Aluksi studion täytyy käsitellä opiskelijoidensa pelkoa ja ahdistusta. Jokaisessa yksittäistapauksessa ja yleisissä luokissa on tarpeen käyttää useita tunteja tämän torjumiseen. On selitettävä, että kaikki nämä huolet, puhtaasti näyttelevät, johtuvat ylpeydestä, turhamaisuudesta ja ylpeydestä, pelosta olla muita huonompia. Taiteilijan on ilmaistava, että hänen on vapautettava sisäiset voimansa, jotta he joustaisivat ja heillä on mahdollisuus hyväksyä ne tehtävät, joita rooli tällä hetkellä sanelee. Ensisijaisuuden jano, kuten mainitut henkilökohtaiset tunteet, on eliminoitava kastien ennakkoluulona. Kaikki ovat tasa-arvoisia studiossa. Kaikki ovat yhtä luovia yksiköitä. Ja se lahjakkuus, joka antaa yhdelle mahdollisuuden näytellä ensimmäistä roolia ja toiselle toista, on ulkoinen sopimus. Huomenna jonkun ulkoiset ominaisuudet voivat horjua, hän voi sairastua ja menettää silmänsä, äänensä tai ontua, ja rakastajasta hänestä voi tulla toisen luokan näyttelijä rooleissa. Mutta vain hänen roolinsa luonne ja valikoima ovat muuttuneet. Onko hänen henki ja lahjakkuus muuttunut? Jos hän otti iskunsa iloisesti vastaan ​​esteenä, jonka hänen rakkautensa taidetta kohtaan oli voittanut, hänen kykynsä voi kehittyä entistä laajemmalle ja syvemmälle, sillä PUHELU SEITSEMÄN

TYUMENIN VALTION TAIDE- JA KULTTUURI-STITUUTTI

Ohjaus- ja näyttelijätieteen laitos

S.P.Kutmin

Lyhyt teatterin termien sanakirja

ohjaajan erikoisalan opiskelijoille

Kustantamo

Tjumenin valtion taiteen ja kulttuurin instituutti

BBK 85,33 i 2

Kutmin, S.P.

Lyhyt teatterin termien sanakirja ohjauksen erikoisalan opiskelijoille / Kutmin S.P.; TGIIK; Caf.dir. ja toimia. mestaruus - Tjumen, 2003. - 57 s.

Sanakirjassa käsitellään teatterin ja poptaiteen erikoistermejä. Nämä ovat sanoja, joita teatterin ja yleisötapahtumien ohjaajat käyttävät muita enemmän harjoituksissa, kuulemme niitä jatkuvasti näytelmän, esityksen ja näyttelijän työskennellessä roolissa. Sanakirja on tarkoitettu taiteen ja kulttuurin toisen asteen ja korkeakoulujen opiskelijoille ja opettajille.

Arvostelija: Zhabrovets, M.V. Ph.D., apulaisprofessori, johtaja. Ohjaus- ja näyttelijätieteen laitos

© Kutmin S.P., 2003

© Tjumenin valtion taiteen ja kulttuurin instituutti, 2003

Esipuhe

Tämä sanakirja pyrkii antamaan vain lyhyen, alkeellisimman selityksen termeistä, joita usein kohdataan ohjaamisen oppimisen aikana näytelmän, esityksen tai roolin parissa. Taide on toiminta-ala, jota on erittäin vaikea systematisoida, yleistää, teoretisoida sekä tarkkoja määritelmiä ja muotoiluja. Jokaisella termillä on monia tulkintoja. Ja jokainen tulkinta ei ole täysin tarkka ja tyhjentävä. On niin monia luovia johtajia ja niin monia mielipiteitä ammattiterminologiasta. Loppujen lopuksi mikä tahansa teoreettinen kanta seuraa tietystä luovasta käytännön kokemuksesta, ja luovuus on aina yksilöllistä ja ainutlaatuista. Jopa K.S. Stanislavskyn mukaan tämän tai toisen termin ymmärtäminen kehittyy jatkuvasti. Elämän ja luovien etsintöjen yhteydessä käsitteiden terminologiaa muokattiin, selkeytettiin ja täydennettiin. Formulaatiot K.S. Stanislavskia ymmärsivät ja kehittivät luovasti hänen oppilaidensa ja seuraajiensa - M. Knebel, M. Chekhov, V. Meyerhold, E. Vakhtangov, G. Christie, G. Tovstonogov, B. Zakhava, A. Palamishev, B. Golubovsky - töissä. , A. .Efros ja monet muut. K. S. Stanislavsky vaati luovaa lähestymistapaa asiaan, eikä sen dogmaattista käsittelyä. Siksi aloittelevan ohjaajan on sanakirjan kanssa työskennellessään opittava vain tietyn käsitteen olemus ja sitten yritettävä "omaksua ja korreloida" se omaan havaintoonsa ja luovaan etsintään. Sanakirja sisältää noin 490 sanaa ja termiä. Tämä määrä ei tietenkään riitä. Sanakirja vaatii lisäparannuksia, lisäyksiä ja selvennyksiä. Toivon, että sen määrä kasvaa vähitellen ja sanojen ja termien määrä täydentyy ja selkeytyy. Jos lukijalla on sanakirjan parissa työskennellessään ehdotuksia tai kommentteja, ne huomioidaan sanakirjan seuraavassa painoksessa.

Yksinkertaisempi, korkeampi, kevyempi, hauskempi." K.S. Stanislavsky

Abstraktio(latinaksi - häiriötekijä) - taiteellisen ajattelun ja kuvan rakentamisen tapa. Tässä menetelmässä vedetään pois toissijaisista, ei-tärkeistä tiedoista objektista ja korostetaan merkittäviä tärkeitä kohtia.

Absurdi(latinaksi - hölynpölyä, absurdia) Suunta taiteessa, ristiriita teoksen juonen kanssa. Jos teos kehittyy tietyssä järjestyksessä ja tapahtumalogiikassa: esittely, alku, konflikti, sen kehitys, huipentuma, loppu ja loppu, niin absurdi on konfliktin logiikan puuttumista. Tämä suunta heijastui J. Anouilhin, J. P. Sartren, E. Ionescon jne. teoksissa. Absurdi on luovuuden tyyppi, joka määrittää tämän ilmiön paradoksaalisuuden; Sitä on vähän tutkittu, mutta se on erityisen kiinnostava teatteriohjauksen näkökulmasta.

Vanguard(ranska - etujoukko) - taiteen suunta, joka on ristiriidassa taiteen vakiintuneiden normien kanssa. Etsi uusia ratkaisuja, jotka vastaavat uuden sukupolven estetiikkaa ja tarpeita.

Proscenium(ranska - lavan edessä) - teatterilavan etuosa (verhon edessä). Modernin teatteritaiteen proskenium näyttää olevan lisäleikkipaikka. Mahdollisuus kommunikoida suoraan yleisön kanssa.

Järjestelmänvalvoja(latinaksi - hallita, hallita) - henkilö, jonka ammatillinen toiminta on suunnattu esitysten, konserttien vuokraamiseen teatterissa ja lavalla.

Hypeä(ranskaksi - jännitys) - voimakas jännitys, jännitys, eturistiriita.

Jännitystä(ranskaksi - onnettomuus) - intohimo, innostus. Vahva intohimo, into. Äärimmäinen intohimo pelaamiseen.

Toimia(lat. - näytelmä, toiminta) - Erillinen, suuri, olennainen osa dramaattista toimintaa tai teatteriesitystä.

Näyttelijä(latinaksi - näyttelijä, esiintyjä, lausuja) - näyttelijä, joka näyttelee roolia, tulee dramaattisen teoksen päähenkilö teatterin näyttämöllä ja elokuvassa. Näyttelijä on elävä yhteys tekijän tekstin, ohjaajan tarkoituksen ja yleisön käsityksen välillä.

Näyttelijän leima- näyttelijän teokseensa tallentamat lavastustekniikat lopullisesti. Näyttelijän valmiita mekaanisia tekniikoita, joista tulee tapa ja tulee hänen toinen luontonsa, joka korvaa ihmisluonnon lavalla.

Näyttelijän taidetta- lavakuvien luomisen taito; esittävän taiteen tyyppi. Näyttelijän roolityöskentelyn materiaalina ovat hänen omat luonnolliset kykynsä: puhe, keho, liikkeet, ilme, havainnointi, mielikuvitus, muisti, ts. hänen psykofysiikkansa. Näyttelijätaiteen erikoisuus on, että loppuvaiheen luova prosessi tapahtuu katsojan edessä, esityksen aikana. Näyttelijäntaito on läheisessä yhteydessä ohjaajan taiteeseen.

Nykyinen(latinaksi - olemassa oleva, moderni) - tärkeys, merkitys nykyhetkelle, ajankohtaisuus, nykyaikaisuus.

Allegoria(gr. - allegoria) - todellisuuden taiteellisen ymmärtämisen periaate, jossa abstraktit käsitteet, ideat, ajatukset ilmaistaan ​​erityisinä visuaalisina kuvina. Esimerkiksi kuva naisesta, jolla on sidottu silmät ja jolla on vaaka - a. oikeudenmukaisuutta. Sanallinen allegoria taruissa ja saduissa.

Viittaus(Latina - vihjata) - taiteellisen ilmaisun tekniikka, joka rikastaa taiteellista kuvaa samankaltaisuuteen tai eroon perustuvilla assosiatiivisilla lisämerkityksillä vihjailemalla jo tunnettuun taideteokseen. Esimerkiksi F. Fellinin elokuvassa ”And the Ship Sails On” luetaan viittaus raamatulliseen legendaan Nooan arkista.

Ambivalenssi(lat. - molemmat - vahvuus) - psykologinen käsite, joka ilmaisee aistihavainnon kaksinaisuuden. Vastakkaisten, yhteensopimattomien pyrkimysten ja tunteiden samanaikainen läsnäolo ihmisen sielussa suhteessa samaan kohteeseen. Esimerkiksi: rakkaus ja viha, tyytyväisyys ja tyytymättömyys. Joskus toinen tukahduttaa ja peittää yhden tunteista.

Kunnianhimo(latinaksi - kunnianhimo, kerskaileminen) - ylpeys, kunniantunto, röyhkeys, ylimielisyys.

Rooli(ranska - sovellus) - näyttelijän suorittamien roolien luonne. Teatteriroolien tyyppi, joka vastaa näyttelijän ikää, ulkonäköä ja toimintatyyliä. Lavaroolityypit: koomikko, tragedia, sankarirakastaja, sankaritar, koominen vanha nainen, soubrette, ingénue, travesty, yksinkertainen ja järkeily.

Amfiteatteri(gr. - ympäri, molemmin puolin) - rakenne silmälaseille. Nykyaikaisissa teattereissa on istuinrivejä portterin takana ja yläpuolella.

Analyysi(gr. - hajoaminen, pilkkominen) - tieteellisen tutkimuksen menetelmä, joka koostuu kokonaisen ilmiön jakamisesta sen komponentteihin. Teatterissa analyysi on (tehokas analyysi) eräänlainen selitys, ts. luonnehtii tapahtuman paikkaa ja aikaa, hahmojen fyysisen ja sanallisen toiminnan motivaatiota. Näytelmän koostumuksen elementit (näyttely, juoni, konfliktin kehitys, huipentuma, loppu, finaali). Tapahtuvan toiminnan ilmapiiri, musiikki-, melu- ja valomusiikki. Analyysi sisältää tulevan esityksen aiheen, ongelman, konfliktin, genren, yleistavoitteen ja poikkileikkauksen valinnan perusteet sekä sen merkityksen. Analyysi on tehokas menetelmä, prosessi, jolla valmistaudutaan tuotannon toteuttamiseen käytännössä.

Analogia(gr. - vastaava) - objektien välinen samankaltaisuus jossain suhteessa. Analogian piirtäminen on kohteiden vertaamista toisiinsa, yhteisten piirteiden muodostamista niiden välille.

Sitoumus(ranskaksi - sopimus) - taiteilijan kutsuminen esiintymään tietyn ajan.

Vitsi(gr. - julkaisematon) - fiktiivinen, lyhyt tarina hauskasta, huvittavasta tapauksesta.

Ilmoitus(ranska - ilmoitus) - ilmoitus tulevista kiertueista, konserteista, esityksistä. Alustava juliste ilman tarkempia ohjeita.

Yhtye(Ranska - yhdessä, kokonaisuus, yhdistetty) - harmoninen osien yhtenäisyys muodostaen kokonaisuuden. Taiteellinen johdonmukaisuus dramaattisen tai muun teoksen yhteisesityksessä. Koko esityksen eheys sen idean, ohjauspäätöksen jne. perusteella. Esiintyjien kokonaisuutta säilyttämällä syntyy toiminnan yhtenäisyyttä.

Väliaika(ranskaksi - välissä - näytelmä) - lyhyt tauko esitysten, esityksen toimien tai konsertin osien välillä.

Yrittäjä(ranska - yrittäjä) – yksityinen, teatteriyrittäjä. Yksityisen viihdeyrityksen (teatteri, sirkus, elokuvastudio, televisio jne.) omistaja, vuokralainen, ylläpitäjä.

Yrittäjyys(ranskaksi - yritys) - upea yritys, jonka on luonut ja jota johtaa yksityinen yrittäjä. Pidä yritys.

Seurue(ranskaksi - ympäristö, ympäröivä) - ympäristö, ympäristö. Ympäristö ei ole vain koristeita ja väliseiniä, vaan myös tilaa,

Täysi talo(saksa - isku) - ilmoitus teatterissa tai elokuvateatterissa, että kaikki liput on myyty. Onnistunut suoritus täyskäsi. Tästä johtuu lauseen käänne - "esitys oli loppuunmyyty."

Aparte(Latina - sivulle.) - lavamonologit tai puheenvuorot, jotka on puhuttu sivulle, yleisölle ja joiden ei oletettavasti ole kuultavissa lavalla esiintyville kumppaneille.

Aplomb(ranskaksi - luotiviiva) - itseluottamusta, rohkeutta tavoissa, keskustelussa ja toimissa.

Apoteoosi(gr. - jumaluus) - teatteriesityksen tai juhlallisen konserttiohjelman viimeinen, juhlallinen massakohtaus. Upea loppu spektaakkelille.

Arena(latinaksi - hiekka) - pyöreä taso (sirkuksessa), jolla esityksiä pidetään. Käytetään sekä teatterissa että teatteriesityksissä.

Harlekiini(italialainen - naamio) - italialaisen kansankomedian koominen hahmossa tunnusomaisessa puvussa, joka on valmistettu monivärisistä rätteistä. Klovni, narri.

"Harlekiini"(it.) - kapea ja pitkä tekstiileistä valmistettu verho, joka rajoittaa lavan yläosaa pääverhon yläpuolelle Ensimmäinen pudotus verhon jälkeen.

Artikulaatio(latinaksi - pilkkoa, artikuloida) - artikuloida ääntäminen. Puheelinten (huulet, kieli, pehmeä kitalaki, leuat, äänihuulet jne.) työ, joka tarvitaan tietyn puheäänen lausumiseen. Artikulaatio on sanan perusta ja liittyy siihen erottamattomasti.

Taiteilija(ranskaksi - taiteen henkilö, taiteilija) - henkilö, joka osallistuu taideteosten julkiseen esittämiseen. Lahjakas henkilö, joka hallitsee taitonsa täydellisyyteen.

Taiteellinen tekniikka- tekniikka, jonka tarkoituksena on kehittää taiteilijan henkistä ja fyysistä luonnetta. Se sisältää kaikki näyttämötoiminnan osatekijät: aistityön, aistien muistin ja figuratiivisten visioiden luomisen, mielikuvituksen, ehdotetut olosuhteet, logiikan ja toimintojen järjestyksen, ajatukset ja tunteet, fyysisen ja sanallisen vuorovaikutuksen kohteen kanssa, kuten sekä ekspressiivinen plastisuus, ääni, puhe, karakterisointi, rytmitaju, ryhmittely, misanscène jne. Kaikkien näiden elementtien hallinnan tulisi johtaa näyttelijän kykyyn suorittaa aitoja, sopivia, orgaanisia toimintoja taiteellisessa ja ilmeikkäässä muodossa.

Arkkitehti(gr. - rakentaja) - rakennustaide, arkkitehtuuri. Taideteoksen rakentaminen, jonka määrää yksittäisten osien keskinäinen riippuvuus kokonaisuutena. Pää- ja sivuosien suhteellinen järjestely. Toisin sanoen tämä on muodon ja sisällön yhtenäisyyttä. Tämän perusteella on olemassa käsite "näytelmän arkkitehtonisuus". Päätapahtumien ketjun löytäminen analyysin tuloksena tarkoittaa näytelmän tai sävellyksen arkkitehtoniikan tuntemista.

kulissien takana(ranskaksi - takalava) - näyttämön takaosa, joka on jatkoa päälavalle, moderneissa teattereissa - on pinta-alaltaan samanlainen. Luodaan illuusion suuresta avaruuden syvyydestä. Toimii varahuoneena.

Assistant(lat. - läsnä) – assistentti. Viihteen taiteessa assistentti on henkilö, joka avustaa ohjaajaa näytelmän tai esityksen näyttämisessä. Avustajan työtehtävät ovat monipuolisia. Hänen tulee ymmärtää johtajansa luovat tehtävät ja inspiroitua niistä etsiessään taiteellisia ratkaisuja. Hänen tulee myös tuntea näyttämön lait, suorittaa harjoitukset ohjaajan poissa ollessa ja olla linkki ohjaajan ja näyttelijöiden, teknisten palveluiden välillä.

Assosiatiivinen sarja(lat.) – kuvia ja ideoita, jotka seuraavat toisistaan ​​yhteensopivuuden tai vastakohtaisuuden mukaan.

yhdistys(lat. - connect) - tapa saavuttaa taiteellista ilmaisukykyä, joka perustuu kuvien yhteyden tunnistamiseen muistiin tallennettuihin tai kulttuuriseen ja historialliseen kokemukseen tallennettuihin ideoihin.

Tunnelma(gr. - hengitys, pallo) - ympäristöolosuhteet, ympäristö. Teatteritaiteessa ilmapiiri ei ole vain ympäristö ja ympäristö, se on myös näyttelijöiden ja esiintyjien tila, jotka vuorovaikutuksessa keskenään muodostavat kokonaisuuden. Ilmapiiri on ympäristö, jossa tapahtumat kehittyvät. Tunnelma on yhdistävä lenkki näyttelijän ja katsojan välillä. Hän on inspiraation lähde näyttelijän ja ohjaajan työssä.

Attribuutti(latinaksi - välttämätön) - merkki esineestä tai ilmiöstä, joka kuuluu johonkin. Täysi määrite voidaan korvata onnistuneesti sen fragmenteilla, mutta se ei vaikuta toiminnon kestoon.

Vetovoima(ranskaksi - vetovoima) - numero sirkuksessa tai varieteohjelmassa, joka erottuu tehokkuudestaan ​​ja herättää kiinnostusta yleisössä.

Juliste(ranskaksi - ilmoitus naulattuna seinään) - lähetetty ilmoitus tulevasta esityksestä, konsertista, luennosta jne. Mainonnan tyyppi.

Mainostaa(ranska: ilmoittaa julkisesti) – kehua, kiinnittää tarkoituksella yleistä huomiota johonkin.

Aforismi(gr. - sanonta) - lyhyt, ilmeikäs sanonta, joka sisältää yleistävän päätelmän. Aforismille vaaditaan yhtä lailla ajatuksen täydellisyyttä ja muodon hienostuneisuutta.

Vaikuttaa(latinaksi - intohimo) - emotionaalinen jännitys, intohimo. Voimakkaan hermostuneen jännityksen hyökkäys (raivo, kauhu, epätoivo).

ihmiset, arkkitehtuuri, villieläimet - ts. kaikki mikä ihmistä ympäröi.

12. syyskuuta 2013 vuosi tapahtui Irkutskin akateemisen teatterin lehdistökeskuksessa Pyöreä pöytä oikeutettu "Teatteri on voima, joka suojelee ihmistä moraaliselta tyhjyydeltä ja sosiaaliselta yksinäisyydeltä", joka avasi keskustelusarjan teatteriyhteisön keskuudessa, jota yhdistää yhteinen suunta - teatteri ja nykyaika.

Tämä ei ole ensimmäinen kerta, kun Vampilovin nykydraamafestivaali on tuonut yhteen filologeja, kirjailijoita, toimittajia, kirjallisuuden ja teatterin tutkijoita vastaamaan kysymyksiin teatterin luonteesta ja vaikutuksesta yhteiskuntaan, sen kasvatuksellisen tehtävän merkityksestä nykyään, sen missio, suhteet yleisöön ja olemassa olevaan teatteriyleisöön, sen odotukset, mieltymykset. Vuoden 2013 tapaamista voidaan kutsua jatkoksi jo perinteisille festivaalikeskusteluille.

Elena Streltsova, teatterikriitikko, taidehistorian kandidaatti:

”Teatterin työ on joko menossa tuhoon, ja tähän sopii vain pragmaattisuus: vain aineelliset asiat, vain raha, vain voitto, siis jatkuva yrityselämä, joka sisältä suurelta osin tuhoaa teatterin kokonaisuuden. Toisaalta se, mikä on nyt devalvoitunut, on teatterin henkinen puoli. Kaikki sanat, joita nykyään häpäistään: koulutus, tehtävä, joita on jopa mahdotonta sanoa normaalilla intonaatiolla - kaikki alkavat pilata, olla ironisia...

Nyt kaikki toistavat Stanislavskyn näkemän teatterin ihanteellista ohjelmaa. Neljä sanaa: "yksinkertaisempi, kevyempi, korkeampi, hauskempi". Ja on selvää, että se on hauskempaa ja helpompaa - siinä se, mutta yksinkertaisempi ja korkeampi on vaikeaa, unohdettua, paneteltua. Tässä ei voi olla sovintoa, se voi olla joko-tai, kolmatta vaihtoehtoa ei ole. Joko seisot toisella puolella, kyynisyyden ja pragmatismin puolella, tai seisot tikkailla, jotka johtavat ylöspäin. Se on paljon monimutkaisempi. Ja nyt ei ehkä ole tämän aika, mutta meidän on vastustettava, jotenkin päästävä ulos."

Teatterikriitikko Vera Maksimova, pyöreän pöydän juontaja:

"Kummallista kyllä, halusin myös laittaa tämän lauseen keskusteluun. Itse liittäminen ja pienikin oikeus luovuuteen tuo niin suuren onnen. Näet, painopiste on "helppoisemmassa ja hauskempaa". Helppous on tietysti nerouden välttämätön ominaisuus. Raskasta, hikoilevaa neroa ei ole olemassa. Vakhtangov oli helppoa, Nemirovich sanoi. Mistä esityksissä oli kyse? Elämästä ja kuolemasta. Olihan se virhe, että vuosien ajan mittasimme Vakhtangovia Turandotilla. "Turandot" oli ainoa suoranainen hauska esitys, jopa "Hääissä" oli rutto, ja Tšehovissa rutto näytti hänestä, ja hän epäröi vain yhtä pääteemaa - elämän ja kuoleman suhdetta. Hän oli tolstoilainen. En tiedä kuinka kristitty hän oli, uskoiko hän kuolemattomuuteen. Synkät esitykset, filosofiset esitykset, suosikkigenre - tragediat, ja samalla täysin kevyt fantasioissaan, kevyt sävellyksiä, rakenne, valo näyttelijässä. Hän arvosti suuresti kauneutta. Se, mitä tänään ei muisteta ollenkaan, on kysymys kauneudesta, kauneuden vaikutus ja kauneuden kasvattava tehtävä. Tässä on Vakhtangov sinulle. Minulle arvokkainta tässä neljässä on siis "korkeampi".

Myös pyöreän pöydän muodossa nostettiin esille muita kysymyksiä, kuten teatterin ja uskonnon suhde, käykö nykyään kamppailua kiinteiden teattereiden (repertuaariteatterit) ja uuden teatterin välillä, mitä uusi teatteri opettaa, mitä uusi teatteri työntää. henkilö, mihin se vaikuttaa, mikä on sen johtajien tehtävä.

Kuva: Anatoli Byzov