मास्को कला संग्रहालय पर यूरोपीय चित्रकला-प्रस्तुति में स्वच्छंदतावाद। सारांश: कला में एक प्रवृत्ति के रूप में स्वच्छंदतावाद रूमानियत के युग के परिदृश्य

दिशा

स्वच्छंदतावाद (fr। रोमांटिसमे) 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की संस्कृति में एक वैचारिक और कलात्मक प्रवृत्ति है - 19 वीं शताब्दी की पहली छमाही, जो किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक और रचनात्मक जीवन के आंतरिक मूल्य के दावे की विशेषता है, की छवि मजबूत (अक्सर विद्रोही) जुनून और चरित्र, एक आध्यात्मिक और उपचार प्रकृति। यह मानव गतिविधि के विभिन्न क्षेत्रों में फैल गया। 18वीं शताब्दी में सब कुछ अजीब, सुरम्य और किताबों में मौजूद, और वास्तव में नहीं, रोमांटिक कहा जाता था। उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, रोमांटिकतावाद एक नई दिशा का पदनाम बन गया, जो क्लासिकवाद और ज्ञानोदय के विपरीत था।

जर्मनी में पैदा हुआ। रूमानियत के अग्रदूत - "तूफान और हमले" और साहित्य में भावुकता।

स्वच्छंदतावाद प्रबुद्धता के युग की जगह लेता है और औद्योगिक क्रांति के साथ मेल खाता है, जो भाप इंजन, स्टीम लोकोमोटिव, स्टीमबोट, फोटोग्राफी और कारखाने के बाहरी इलाके की उपस्थिति से चिह्नित है। यदि प्रबोधन को तर्क के पंथ और उसके सिद्धांतों पर आधारित सभ्यता की विशेषता है, तो रूमानियतवाद मनुष्य में प्रकृति, भावनाओं और प्राकृतिक के पंथ पर जोर देता है। यह रूमानियत के युग में था कि पर्यटन, पर्वतारोहण और पिकनिक की घटनाओं ने आकार लिया, जिसे मनुष्य और प्रकृति की एकता को बहाल करने के लिए डिज़ाइन किया गया था। "लोक ज्ञान" से लैस एक "महान जंगली" की छवि और सभ्यता से खराब नहीं हुई मांग में है।

उदात्त की श्रेणी, रोमांटिकतावाद के केंद्र में, कांट द्वारा क्रिटिक ऑफ जजमेंट में तैयार की गई थी। कांट के अनुसार, सुंदर में एक सकारात्मक आनंद है, शांत चिंतन में व्यक्त किया गया है, और उदात्त, निराकार, अंतहीन में एक नकारात्मक आनंद है, जो आनंद नहीं, बल्कि विस्मय और समझ पैदा करता है। उदात्त का महिमामंडन बुराई में रूमानियत के हित, उसकी श्रेष्ठता और अच्छे और बुरे की द्वंद्वात्मकता के साथ जुड़ा हुआ है ("मैं उस शक्ति का हिस्सा हूं जो हमेशा बुराई चाहता है और हमेशा अच्छा करता है")।

प्रगति का ज्ञानवर्धक विचार और सब कुछ "पुरानी और अप्रचलित" रूमानियत को त्यागने की प्रवृत्ति लोककथाओं, मिथकों, परियों की कहानियों, आम आदमी में, जड़ों और प्रकृति की ओर लौटने में रुचि का विरोध करती है।

नास्तिकता की प्रवृत्ति का धर्म पर पुनर्विचार के लिए रूमानियतवाद द्वारा विरोध किया जाता है। "सच्चा धर्म अनंत की भावना और स्वाद है" (श्लेयरमाकर)। सर्वोच्च कारण के रूप में ईश्वर की ईश्वरवादी अवधारणा, कामुकता के रूप में, जीवित ईश्वर के विचार के रूप में पंथवाद और धर्म का विरोध करती है।

बेनेडेटो क्रोस के शब्दों में: "दार्शनिक रूमानियत ने ठंडे कारण, अमूर्त बुद्धि की अवहेलना में, जिसे कभी-कभी बिल्कुल सटीक अंतर्ज्ञान और कल्पना नहीं कहा जाता है, का बैनर उठाया।" प्रो जैक्स बारज़ेन ने नोट किया कि रोमांटिकवाद को तर्क के खिलाफ विद्रोह नहीं माना जा सकता है: यह तर्कसंगत अमूर्तताओं के खिलाफ विद्रोह है। के अनुसार प्रो. जी. स्कोलिमोव्स्की: "हृदय के तर्क की पहचान (जिसके बारे में पास्कल इतना स्पष्ट रूप से बोलता है), अंतर्ज्ञान की पहचान और जीवन का गहरा अर्थ उड़ने में सक्षम व्यक्ति के पुनरुत्थान के समान है। यह इन मूल्यों की रक्षा में था, परोपकारी भौतिकवाद, संकीर्ण व्यावहारिकता और यंत्रवत अनुभववाद के आक्रमण के खिलाफ, रोमांटिकवाद ने विद्रोह किया ”।

दार्शनिक रूमानियत के संस्थापक: श्लेगल बंधु (अगस्त विल्हेम और फ्रेडरिक), नोवालिस, होल्डरलिन, श्लेयरमाकर।

प्रतिनिधि: फ्रांसिस्को गोया, एंटोनी-जीन ग्रोस, थियोडोर गेरिकॉल्ट, यूजीन डेलाक्रोइक्स, कार्ल ब्रायलोव, विलियम टर्नर, कैस्पर डेविड फ्रेडरिक, कार्ल फ्रेडरिक लेसिंग, कार्ल स्पिट्जवेग, कार्ल ब्लेचेन, अल्बर्ट बिएरस्टेड, फ्रेडरिक एडविन चर्चलॉक्स- लुसी एवर।

चित्रकला में रूमानियत का विकास क्लासिकवाद के अनुयायियों के साथ तीखे विवाद में आगे बढ़ा। रोमांटिक लोगों ने अपने पूर्ववर्तियों को "ठंडी तर्कसंगतता" और "जीवन की गति" की अनुपस्थिति के लिए फटकार लगाई। 1920 और 1930 के दशक में, कई कलाकारों की कृतियों को पाथोस और नर्वस एक्साइटमेंट द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था; विदेशी उद्देश्यों और कल्पना के खेल की ओर झुकाव रहा है, जो "सुस्त रोजमर्रा की जिंदगी" से दूर हो सकता है। जमे हुए क्लासिकिस्ट मानदंडों के खिलाफ संघर्ष लंबे समय तक चला, लगभग आधी सदी। पहली जो नई दिशा को मजबूत करने और रूमानियत को "औचित्य" देने में कामयाब रहे, वह थे थियोडोर गेरिकॉल्ट।

पेंटिंग में रूमानियत की शाखाओं में से एक Biedermeier शैली है।

जेना स्कूल के लेखकों और दार्शनिकों (डब्ल्यू.जी. वेकेनरोडर, लुडविग टाइक, नोवालिस, भाइयों एफ. और ए. श्लेगेली) के बीच सबसे पहले स्वच्छंदतावाद का उदय हुआ। रूमानियत के दर्शन को एफ। श्लेगल और एफ। शेलिंग के कार्यों में व्यवस्थित किया गया था

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18वीं सदी के अंत और 19वीं सदी की शुरुआत में, क्लासिकवाद और ज्ञानोदय के विचारों ने अपना आकर्षण और प्रासंगिकता खो दी। नया, जो क्लासिकवाद के विहित तरीकों और ज्ञानोदय के नैतिक सामाजिक सिद्धांतों के जवाब में, मनुष्य, उसकी आंतरिक दुनिया में बदल गया, ताकत हासिल की और दिमाग पर कब्जा कर लिया। स्वच्छंदतावाद सांस्कृतिक जीवन और दर्शन के सभी क्षेत्रों में बहुत व्यापक है। संगीतकारों, कलाकारों और लेखकों ने अपने कार्यों में मनुष्य की उच्च नियति, उसकी समृद्ध आध्यात्मिक दुनिया, भावनाओं और अनुभवों की गहराई को दिखाने की कोशिश की। अब से, मनुष्य अपने आंतरिक संघर्ष, आध्यात्मिक खोजों और अनुभवों के साथ, न कि सामान्य कल्याण और समृद्धि के "धुंधले" विचारों के साथ, कला के कार्यों में प्रमुख विषय बन गया है।

पेंटिंग में स्वच्छंदतावाद

रचना, रंग, लहजे की मदद से रचनाकार विचारों की गहराई और अपने व्यक्तिगत अनुभवों को व्यक्त करते हैं। रोमांटिक छवियों की व्याख्या में विभिन्न यूरोपीय देशों की अपनी विशेषताएं थीं। यह दार्शनिक प्रवृत्तियों के साथ-साथ सामाजिक-राजनीतिक स्थिति के कारण है, जिसके लिए कला एक जीवंत प्रतिक्रिया थी। पेंटिंग कोई अपवाद नहीं था। छोटी रियासतों और डचियों में विभाजित, जर्मनी ने गंभीर सामाजिक उथल-पुथल का अनुभव नहीं किया, कलाकारों ने नायकों-टाइटन्स का चित्रण करने वाले स्मारकीय कैनवस नहीं बनाए, यहाँ मनुष्य की गहरी आध्यात्मिक दुनिया, उसकी सुंदरता और महानता, नैतिक खोज में रुचि थी। इसलिए, जर्मन चित्रकला में रूमानियत को पूरी तरह से चित्रों और परिदृश्यों में दर्शाया गया है। ओटो रनगे के काम इस शैली के उत्कृष्ट उदाहरण हैं। चित्रकार द्वारा बनाए गए चित्रों में, चेहरे की विशेषताओं, आंखों के सूक्ष्म विस्तार के माध्यम से, प्रकाश और छाया के विपरीत के माध्यम से, कलाकार की व्यक्तित्व की विरोधाभासी प्रकृति, उसकी शक्ति और भावना की गहराई को दिखाने की इच्छा व्यक्त की जाती है। परिदृश्य के माध्यम से, पेड़ों, फूलों और पक्षियों की थोड़ी शानदार, अतिरंजित छवि, कलाकार ने मानव व्यक्तित्व की विविधता, प्रकृति के साथ इसकी समानता, विविध और अज्ञात की खोज करने का भी प्रयास किया। चित्रकला में रूमानियत का एक उल्लेखनीय प्रतिनिधि परिदृश्य चित्रकार केडी फ्रेडरिक था, जिसने प्रकृति की शक्ति और शक्ति, पहाड़ी, समुद्र के दृश्य, मनुष्य के साथ व्यंजन पर जोर दिया।

फ्रांसीसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद विभिन्न सिद्धांतों के अनुसार विकसित हुआ। क्रांतिकारी उथल-पुथल, तूफानी सामाजिक जीवन ने कलाकारों के गुरुत्वाकर्षण द्वारा ऐतिहासिक और शानदार विषयों को चित्रित करने के लिए पेंटिंग में खुद को प्रकट किया, पथ और "घबराहट" उत्साह के साथ, जो चमकीले रंग के विपरीत, आंदोलनों की अभिव्यक्ति, कुछ अराजकता, रचना की सहजता द्वारा प्राप्त किया गया था। टी। गेरिकॉल्ट, ई। डेलाक्रोइक्स के कार्यों में सबसे पूर्ण और विशद रूप से रोमांटिक विचार प्रस्तुत किए गए हैं। कलाकारों ने कुशलता से रंग और प्रकाश का इस्तेमाल किया, भावना की एक स्पंदनात्मक गहराई, संघर्ष और स्वतंत्रता के लिए एक उत्कृष्ट आवेग पैदा किया।

रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद

रूसी सामाजिक विचार ने यूरोप में उभर रहे नए रुझानों और रुझानों के प्रति बहुत ही स्पष्ट प्रतिक्रिया व्यक्त की। और फिर नेपोलियन के साथ युद्ध - वे महत्वपूर्ण ऐतिहासिक घटनाएं जिन्होंने रूसी बुद्धिजीवियों की दार्शनिक और सांस्कृतिक खोजों को सबसे गंभीर रूप से प्रभावित किया। रूसी चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का प्रतिनिधित्व तीन मुख्य परिदृश्यों में किया गया था, स्मारकीय कला, जहां क्लासिकवाद का प्रभाव बहुत मजबूत था, और रोमांटिक विचारों को अकादमिक सिद्धांतों के साथ घनिष्ठ रूप से जोड़ा गया था।

उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, रूस के रचनात्मक बुद्धिजीवियों, कवियों और कलाकारों के साथ-साथ आम लोगों और किसानों के चित्रण पर अधिक ध्यान दिया गया था। किप्रेंस्की, ट्रोपिनिन, ब्रायलोव ने बड़े प्यार से एक व्यक्ति के व्यक्तित्व की सभी गहराई और सुंदरता को एक नज़र के माध्यम से दिखाने की कोशिश की, सिर की बारी, आध्यात्मिक खोज को व्यक्त करने के लिए एक पोशाक का विवरण, उनके "मॉडल" की स्वतंत्रता-प्रेमी प्रकृति ". किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व में बहुत रुचि, कला में उसके केंद्रीय स्थान ने स्व-चित्र की शैली के उत्कर्ष में योगदान दिया। इसके अलावा, कलाकारों ने ऑर्डर करने के लिए स्व-चित्रों को चित्रित नहीं किया, यह एक रचनात्मक आवेग था, समकालीनों के लिए एक तरह की आत्म-रिपोर्ट।

रोमांटिक लोगों के कार्यों में परिदृश्य भी उनकी मौलिकता से प्रतिष्ठित थे। पेंटिंग में स्वच्छंदतावाद एक व्यक्ति की मनोदशा को दर्शाता है और व्यक्त करता है, परिदृश्य को उसके अनुरूप होना चाहिए। इसीलिए कलाकारों ने प्रकृति के विद्रोही स्वरूप, उसकी शक्ति और सहजता को प्रतिबिंबित करने का प्रयास किया। ओरलोवस्की, शेड्रिन ने एक ओर समुद्री तत्व, शक्तिशाली पेड़ों, पर्वत श्रृंखलाओं का चित्रण करते हुए, वास्तविक परिदृश्य की सुंदरता और बहुरंगा को व्यक्त किया, दूसरी ओर, उन्होंने एक निश्चित भावनात्मक मनोदशा बनाई।

इवान कोन्स्टेंटिनोविच ऐवाज़ोव्स्की "सी। धूप का दिन »निजी संग्रह स्वच्छंदतावाद

जॉन कांस्टेबल "शरद जामुन और एक भूरे रंग के बर्तन में फूल" स्वच्छंदतावाद

थॉमस सुली "पोर्ट्रेट ऑफ़ मिस मैरी एंड एमिली मैकवेन", 1823 लॉस एंजिल्स काउंटी म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, यूएसए स्वच्छंदतावाद

विलियम मो ईगली "जिस तरह टहनी मुड़ी हुई है, पेड़ झुका हुआ है", 1861 फिलाडेल्फिया म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, यूएसए स्वच्छंदतावाद पेंटिंग का नाम कहावत के नाम पर रखा गया है "जैसे टहनी मुड़ी हुई है, वैसे ही पेड़ झुका हुआ है"। रूसी में एनालॉग "जहां पेड़ जा रहा था, वहीं गिर गया।"

इवान कोन्स्टेंटिनोविच ऐवाज़ोव्स्की "सीड-अबाद से टेफ्लिस का दृश्य", 1868 आर्मेनिया की राष्ट्रीय गैलरी, येरेवन रोमांटिकवाद सीड-अबाद तिफ़्लिस में एक चौथाई है, जो अपने सल्फर स्नान और नायाब स्नान परिचारकों के लिए प्रसिद्ध है। सीद-अबाद के बारे में बात करते हुए, कोई भी प्रसिद्ध अबानोतुबनी - बनी क्वार्टर के इतिहास को छू सकता है। इसके कई नाम थे। एक किंवदंती है कि सीमावर्ती पाशालिक से एक निश्चित भगोड़ा, जिसमें सर्दी हो रही है ...

कार्ल पावलोविच ब्रायलोव "उनकी शांत महारानी राजकुमारी एलिजाबेथ पावलोवना साल्टीकोवा का चित्र", 1841 रूसी संग्रहालय, सेंट पीटर्सबर्ग स्वच्छंदतावाद राजकुमारी को अपनी संपत्ति की छत पर एक कुर्सी पर बैठे हुए दिखाया गया है। गीतात्मक भावपूर्ण नोटों से भरे इस कैनवास में, ब्रायलोव ने अपनी नायिका की काव्यात्मक छवि बनाई। एलिसैवेटा पावलोवना साल्टीकोवा (नी स्ट्रोगनोवा), एक परोपकारी और प्रमुख उद्योगपति, काउंट स्ट्रोगनोव की बेटी। ब्रायलोव हमेशा कुलीन परिवारों की महिलाओं से आकर्षित होता था…।

रेमी-फ़र्सी डेसकार्सन "पोर्ट्रेट ऑफ़ डॉ. डी.एस. प्लेइंग चेस विद डेथ", 1793 म्यूज़ियम ऑफ़ द फ्रेंच रेवोल्यूशन, विज़ियस, फ़्रांस रूमानियतवाद, पेंटिंग के फ्रेम पर शिलालेख को देखते हुए, कैनवास को कलाकार द्वारा 1793 में चित्रित किया गया था, उनकी मृत्यु से कुछ समय पहले (कलाकार को प्रति-क्रांति के लिए सहानुभूति के लिए मार डाला गया था) और यह उनका अंतिम काम है। लंबे समय तक, तस्वीर को निजी संग्रह में रखा गया था और ...

इवान कोन्स्टेंटिनोविच ऐवाज़ोव्स्की "इटली में धूमिल सुबह", 1864 फियोदोसिया आर्ट गैलरी का नाम आई.के. ऐवाज़ोव्स्की, फियोदोसिया स्वच्छंदतावाद 1840 में ऐवाज़ोव्स्की इटली गए। वहां उन्होंने रूसी साहित्य, कला, विज्ञान - गोगोल, अलेक्जेंडर इवानोव, बोटकिन, पानाव के प्रमुख आंकड़ों से मुलाकात की। उसी समय, 1841 में, कलाकार ने अपना नाम बदलकर ऐवाज़ोव्स्की कर लिया। कलाकार की गतिविधियों में ...

जोशुआ रेनॉल्ड्स "पोर्ट्रेट ऑफ़ द वाल्डग्रेव सिस्टर्स", 1780 नेशनल गैलरी ऑफ़ स्कॉटलैंड, एडिनबर्ग रोमांटिकवाद वाल्डग्रेव बहनों के चित्र के लिए, रेनॉल्ड्स ने "संवादात्मक पेंटिंग" की शैली को चुना, जो अंग्रेजी चित्रकला के लिए पारंपरिक है। उन्होंने उन्हें एक मेज के चारों ओर बैठे और हस्तशिल्प करते हुए चित्रित किया। लेकिन उनके प्रदर्शन में रोजमर्रा का दृश्य अपनी दिनचर्या खो देता है। वह अपनी नायिकाओं को रोजमर्रा की जिंदगी से ऊपर उठाना चाहते हैं। युवा आकर्षण से भरी महिलाओं को सफेद कपड़े पहनाए जाते हैं ...

प्रस्तुति रूमानियत के युग के फ्रांस, जर्मनी, स्पेन और इंग्लैंड के उत्कृष्ट चित्रकारों के काम से परिचित होगी।

यूरोपीय चित्रकला में स्वच्छंदतावाद

18वीं सदी के अंत - 19वीं सदी के पहले तीसरे की आध्यात्मिक संस्कृति में स्वच्छंदतावाद एक प्रवृत्ति है। इसकी उपस्थिति का कारण फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों से निराशा थी। क्रांति का आदर्श वाक्य है "स्वतंत्रता, समानता, भाईचारा!" यूटोपियन निकला। क्रांति के बाद नेपोलियन महाकाव्य और उदास प्रतिक्रिया ने जीवन और निराशावाद में निराशा की भावना पैदा की। यूरोप में, एक नई फैशनेबल बीमारी "वर्ल्ड सॉरो" तेजी से फैल गई और एक नया नायक दिखाई दिया, तड़प रहा था, एक आदर्श की तलाश में दुनिया भर में भटक रहा था, और अधिक बार मृत्यु की तलाश में।

रोमांटिक कला की सामग्री

उदास प्रतिक्रिया के युग में, अंग्रेजी कवि जॉर्ज बायरन विचार के स्वामी बन गए। इसका नायक चाइल्ड हेरोल्ड एक उदास विचारक है, जो लालसा से तड़पता है, मौत की तलाश में दुनिया भर में घूमता है और बिना किसी पछतावे के जीवन से विदा लेता है। मेरे पाठकों, मुझे यकीन है, अब वनगिन, पेचोरिन, मिखाइल लेर्मोंटोव को याद कर लिया है। रोमांटिक नायक को अलग करने वाली मुख्य बात ग्रे, रोजमर्रा की जिंदगी की पूर्ण अस्वीकृति है। रोमांटिक और आम आदमी विरोधी हैं।

"ओह, मुझे खून बहने दो,

लेकिन मुझे जल्द ही कमरा दे दो।

मुझे यहाँ दम घुटने से डर लगता है

लुटेरों की शापित दुनिया में...

नहीं, एक नीच बुराई बेहतर है

डकैती, हिंसा, डकैती,

बहीखाता पद्धति से नैतिकता

और अच्छी तरह से खिलाए गए मगों का गुण।

हे बादल मुझे दूर ले चलो

अपने साथ एक लंबी यात्रा पर ले जाएं

लैपलैंड को, या अफ्रीका को,

या कम से कम स्टेटिन को - कहीं!"

जी. हेइन

नीरस रोजमर्रा की जिंदगी से बचना रूमानियत की कला की मुख्य सामग्री बन जाती है। एक रोमांटिक दिनचर्या और नीरसता से "भाग" कहाँ सकता है? यदि आप, मेरे प्रिय पाठक, दिल से रोमांटिक हैं, तो आप इस प्रश्न का उत्तर आसानी से दे सकते हैं। पहले तो,सुदूर अतीत हमारे नायक के लिए आकर्षक हो जाता है, अक्सर मध्य युग अपने महान शूरवीरों, टूर्नामेंट, रहस्यमय महल, सुंदर महिलाओं के साथ। वेबर, मेयरबीर, वैगनर के ओपेरा में जर्मन और अंग्रेजी कवियों की कविता में वाल्टर स्कॉट, विक्टर ह्यूगो के उपन्यासों में मध्य युग को आदर्श और महिमामंडित किया गया था। 1764 में वालपोल का कैसल ऑफ ओट्रान्टो, पहला अंग्रेजी "गॉथिक" हॉरर उपन्यास प्रकाशित हुआ था। जर्मनी में 19वीं शताब्दी की शुरुआत में, अर्नेस्ट हॉफमैन ने "एलिक्सिर ऑफ द डेविल" लिखा, वैसे, मैं आपको इसे पढ़ने की सलाह देता हूं। दूसरे, शुद्ध कथा का क्षेत्र, एक काल्पनिक, शानदार दुनिया का निर्माण, एक रोमांटिक के लिए "भागने" का एक शानदार अवसर बन गया। हॉफमैन, उनके "नटक्रैकर", "लिटिल त्सखेस", "गोल्डन पॉट" को याद करें। यह समझ में आता है कि टॉल्किन के उपन्यास और हैरी पॉटर के बारे में कहानियां हमारे समय में इतनी लोकप्रिय क्यों हैं। हमेशा रोमांस होता है! यह मन की स्थिति है, है ना?

तीसरा तरीकावास्तविकता से रोमांटिक नायक का प्रस्थान - सभ्यता से अछूते विदेशी देशों की उड़ान। इस मार्ग ने लोककथाओं के व्यवस्थित अध्ययन की आवश्यकता को जन्म दिया। रूमानियत की कला का आधार गाथागीत, किंवदंतियों, महाकाव्यों द्वारा बनाया गया था। रोमांटिक दृश्य और संगीत कला के कई काम साहित्य से जुड़े हुए हैं। शेक्सपियर, सर्वेंटिस, दांते फिर से विचार के स्वामी बन गए।

दृश्य कला में स्वच्छंदतावाद

प्रत्येक देश में, रूमानियत की कला ने अपनी राष्ट्रीय विशेषताएं हासिल कर लीं, लेकिन साथ ही, उनके सभी कार्यों में बहुत कुछ समान है। सभी रोमांटिक कलाकार प्रकृति से एक विशेष संबंध से जुड़े हुए हैं। परिदृश्य, क्लासिकवाद के कार्यों के विपरीत, जहां यह केवल एक सजावट के रूप में कार्य करता है, एक पृष्ठभूमि, रोमांटिक लोगों के लिए एक आत्मा प्राप्त करता है। परिदृश्य नायक की स्थिति पर जोर देने में मदद करता है। तुलना करना उपयोगी होगा रूमानियत की यूरोपीय दृश्य कलाकला के साथ और।

रोमांटिक कला एक रात के परिदृश्य, कब्रिस्तान, ग्रे कोहरे, जंगली चट्टानों, प्राचीन महल और मठों के खंडहर पसंद करती है। प्रकृति के प्रति एक विशेष दृष्टिकोण ने प्रसिद्ध परिदृश्य अंग्रेजी पार्कों के जन्म में योगदान दिया (सीधी गलियों और छंटे हुए झाड़ियों और पेड़ों के साथ नियमित फ्रांसीसी पार्क याद रखें)। अतीत की कहानियां और किंवदंतियां अक्सर चित्रों का विषय होती हैं।

प्रस्तुतीकरण "यूरोपीय ललित कला में रोमांटिकवाद"फ्रांस, स्पेन, जर्मनी, इंग्लैंड के उत्कृष्ट रोमांटिक कलाकारों के कार्यों को प्रस्तुत करने वाले बड़ी संख्या में चित्र शामिल हैं।

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• बच्चों के लिए विश्वकोश। टी.7. कला। - एम।: अवंता +, 2000।
• बेकेट वी. पेंटिंग का इतिहास। - एम।: एलएलसी "एस्ट्रेल पब्लिशिंग हाउस": एलएलसी "एएसटी पब्लिशिंग हाउस", 2003।
• महान कलाकार। खंड 24। फ्रांसिस्को जोस डी गोया वाई लुसिएंट्स। - एम।: पब्लिशिंग हाउस "डायरेक्ट-मीडिया", 2010।
• महान कलाकार। वॉल्यूम 32. यूजीन डेलाक्रोइक्स। - एम।: पब्लिशिंग हाउस "डायरेक्ट-मीडिया", 2010
• दिमित्रीवा एन.ए. कला का एक संक्षिप्त इतिहास। अंक III: XIX सदी के पश्चिमी यूरोप के देश; XIX सदी का रूस। - एम।: कला, 1992
• इमोहोनोवा एल.जी. विश्व कला संस्कृति: पाठ्यपुस्तक। छात्रों के लिए एक गाइड। बुधवार पेड. पढाई। संस्थान। - एम।: प्रकाशन केंद्र "अकादमी", 1998।
• लुकीचेवा के.एल. उत्कृष्ट कृतियों में पेंटिंग का इतिहास। - मॉस्को: एस्ट्रा-मीडिया, 2007।
• लवोवा ई.पी., सरब्यानोव डी.वी., बोरिसोवा ईए, फोमिना एन.एन., बेरेज़िन वी.वी., कबकोवा ई.पी., नेक्रासोवा विश्व कला संस्कृति। XIX सदी। - एसपीबी।: पीटर, 2007।
• मिनी विश्वकोश। पूर्व राफेलवाद। - विनियस: वीएबी "बेस्टियरी", 2013।
• समिन डी.के. एक सौ महान कलाकार। - एम।: वेचे, 2004।
• फ्रीमैन जे। कला का इतिहास। - एम।: "एस्ट्रेल पब्लिशिंग हाउस", 2003।

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परीक्षा निबंध

विषय: "कला में एक प्रवृत्ति के रूप में रोमांटिकवाद"।

प्रदर्शन किया छात्र 11 "बी" कक्षा स्कूल 3

बॉयप्रव अन्ना

विश्व कला व्याख्याता

संस्कृति बुत्सु टी.एन.

ब्रेस्ट 2002

1. परिचय

2. रूमानियत के उदय के कारण

3. रूमानियत की मुख्य विशेषताएं

4. रोमांटिक हीरो

5. रूस में स्वच्छंदतावाद

क) साहित्य

बी) पेंटिंग

ग) संगीत

6. पश्चिमी यूरोपीय रूमानियत

एक चित्र

बी) संगीत

सात निष्कर्ष

8. सन्दर्भ

1 परिचय

यदि आप रूसी भाषा के व्याख्यात्मक शब्दकोश में देखते हैं, तो आप "रोमांटिकवाद" शब्द के कई अर्थ पा सकते हैं: 1. 1 9वीं शताब्दी की पहली तिमाही के साहित्य और कला में प्रवृत्ति, अतीत के आदर्शीकरण की विशेषता, से अलगाव वास्तविकता, व्यक्तित्व और मनुष्य का पंथ। 2. साहित्य और कला में एक प्रवृत्ति, आशावाद से प्रभावित और विशद छवियों में एक व्यक्ति के उच्च उद्देश्य को दिखाने की इच्छा। 3. मनोदशा, वास्तविकता के आदर्शीकरण, स्वप्निल चिंतन से प्रभावित।

जैसा कि परिभाषा से देखा जा सकता है, रूमानियत एक ऐसी घटना है जो न केवल कला में, बल्कि व्यवहार, कपड़ों, जीवन शैली, लोगों के मनोविज्ञान में भी प्रकट होती है और जीवन के मोड़ पर उत्पन्न होती है, इसलिए रोमांटिकतावाद का विषय आज भी प्रासंगिक है। हम सदी के मोड़ पर रहते हैं, हम एक संक्रमणकालीन अवस्था में हैं। इस संबंध में, समाज में भविष्य में विश्वास की कमी है, आदर्शों में अविश्वास है, अपने स्वयं के अनुभवों की दुनिया में आसपास की वास्तविकता से बचने और साथ ही इसे समझने की इच्छा है। यह ऐसी विशेषताएं हैं जो रोमांटिक कला की विशेषता हैं। इसलिए मैंने शोध के लिए "कला में एक दिशा के रूप में रोमांटिकवाद" विषय को चुना।

स्वच्छंदतावाद विभिन्न प्रकार की कलाओं की एक बहुत बड़ी परत है। मेरे काम का उद्देश्य विभिन्न देशों में मूल की स्थितियों और रूमानियत के उद्भव के कारणों का पता लगाना है, साहित्य, चित्रकला और संगीत जैसे कला के रूपों में रूमानियत के विकास की जांच करना और उनकी तुलना करना है। मेरे लिए मुख्य कार्य रोमांटिकतावाद की मुख्य विशेषताओं को उजागर करना था, सभी प्रकार की कलाओं की विशेषता, यह निर्धारित करना कि कला में अन्य प्रवृत्तियों के विकास पर रूमानियत का क्या प्रभाव था।

विषय को विकसित करते समय, मैंने फिलिमोनोवा, वोरोटनिकोव, आदि जैसे लेखकों द्वारा कला पर पाठ्यपुस्तकों का उपयोग किया, विश्वकोश, रोमांटिकतावाद के युग के विभिन्न लेखकों को समर्पित मोनोग्राफ, अमिन्स्काया, अत्सर्किना, नेक्रासोव, आदि जैसे लेखकों द्वारा जीवनी सामग्री।

2. रोमांस के कारण

हम आधुनिकता के जितने करीब होते हैं, एक शैली या किसी अन्य के प्रभुत्व के लिए समय अवधि उतनी ही कम होती जाती है। 18वीं-19वीं शताब्दी की 18वीं-1वीं तिहाई के अंत की समयावधि। रोमांटिकतावाद का युग माना जाता है (फ्रांसीसी रोमांटिक से; कुछ रहस्यमय, अजीब, असत्य)

एक नई शैली के उद्भव पर क्या प्रभाव पड़ा?

ये तीन मुख्य घटनाएं हैं: महान फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन युद्ध, यूरोप में राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन का उदय।

पेरिस की गड़गड़ाहट पूरे यूरोप में गूँज उठी। नारा "स्वतंत्रता, समानता, भाईचारा!" सभी यूरोपीय लोगों के लिए एक जबरदस्त आकर्षक शक्ति थी। बुर्जुआ समाजों के गठन के साथ, मजदूर वर्ग ने एक स्वतंत्र शक्ति के रूप में सामंती व्यवस्था के खिलाफ काम करना शुरू कर दिया। तीन वर्गों के विरोधी संघर्ष - कुलीन वर्ग, पूंजीपति वर्ग और सर्वहारा वर्ग - ने 19वीं शताब्दी के ऐतिहासिक विकास का आधार बनाया।

नेपोलियन के भाग्य और 2 दशकों, 1796-1815 के यूरोपीय इतिहास में उनकी भूमिका ने उनके समकालीनों के दिमाग पर कब्जा कर लिया। "विचारों का शासक" - ए.एस. पुश्किन।

फ्रांस के लिए, ये महानता और गौरव के वर्ष थे, हालांकि हजारों फ्रांसीसी लोगों के जीवन की कीमत पर। इटली ने नेपोलियन को अपने मुक्तिदाता के रूप में देखा। डंडे ने उस पर बड़ी उम्मीदें टिकी हुई थीं।

नेपोलियन ने फ्रांसीसी पूंजीपति वर्ग के हितों में अभिनय करने वाले एक विजेता के रूप में काम किया। यूरोपीय सम्राटों के लिए, वह न केवल एक सैन्य दुश्मन था, बल्कि पूंजीपति वर्ग की विदेशी दुनिया का प्रतिनिधि भी था। वे उससे नफरत करते थे। नेपोलियन युद्धों की शुरुआत में उनकी "महान सेना" में क्रांति में कई प्रत्यक्ष भागीदार थे।

नेपोलियन का व्यक्तित्व स्वयं अद्भुत था। युवक लेर्मोंटोव ने नेपोलियन की मृत्यु की 10 वीं वर्षगांठ पर प्रतिक्रिया दी:

वह दुनिया के लिए अजनबी है। उसके बारे में सब कुछ एक रहस्य था

उदय का दिन - और पतन का एक घंटा!

इस रहस्य ने विशेष रूप से रोमांटिक लोगों का ध्यान आकर्षित किया।

नेपोलियन के युद्धों और राष्ट्रीय चेतना के पकने के संबंध में, इस अवधि को राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन के उदय की विशेषता थी। जर्मनी, ऑस्ट्रिया, स्पेन ने नेपोलियन के कब्जे के खिलाफ लड़ाई लड़ी, इटली - ऑस्ट्रियाई जुए के खिलाफ, ग्रीस - तुर्की के खिलाफ, पोलैंड में वे रूसी ज़ारवाद के खिलाफ लड़े, आयरलैंड - अंग्रेजों के खिलाफ।

एक पीढ़ी ने एक चौंकाने वाला बदलाव देखा।

फ़्रांस ने सबसे अधिक देखा: फ्रांसीसी क्रांति के तूफानी पांच साल, रोबेस्पिएरे का उत्थान और पतन, नेपोलियन अभियान, नेपोलियन का पहला त्याग, एल्बा द्वीप ("एक सौ दिन") से उसकी वापसी और अंतिम

वाटरलू में हार, बहाली शासन की धूमिल 15 वीं वर्षगांठ, 1860 की जुलाई क्रांति, पेरिस में 1848 की फरवरी क्रांति, जिसने अन्य देशों में एक क्रांतिकारी लहर को जन्म दिया।

इंग्लैंड में 19वीं सदी के दूसरे भाग में औद्योगिक क्रांति के परिणामस्वरूप। मशीन उत्पादन और पूंजीवादी संबंध मजबूती से स्थापित हो गए। 1832 के संसदीय सुधार ने पूंजीपति वर्ग का राज्य सत्ता में आने का रास्ता साफ कर दिया।

सामंती शासकों ने जर्मनी और ऑस्ट्रिया की भूमि पर सत्ता बरकरार रखी। नेपोलियन के पतन के बाद, उन्होंने विपक्ष के साथ कठोर व्यवहार किया। लेकिन जर्मन धरती पर भी, 1831 में इंग्लैंड से लाया गया एक भाप इंजन बुर्जुआ प्रगति का कारक बन गया।

औद्योगिक क्रांतियों, राजनीतिक क्रांतियों ने यूरोप का चेहरा बदल दिया। 1848 में जर्मन वैज्ञानिक मार्क्स और एंगेल्स ने लिखा, "बुर्जुआ वर्ग ने अपने वर्ग शासन के सौ साल से भी कम समय में पिछली सभी पीढ़ियों की तुलना में अधिक कई और अधिक उत्पादक शक्तियों का निर्माण किया है।"

इसलिए, महान फ्रांसीसी क्रांति (1789-1794) ने एक विशेष मील का पत्थर चिह्नित किया जो नए युग को ज्ञानोदय के युग से अलग करता है। यह केवल राज्य के रूप ही नहीं बदले, समाज की सामाजिक संरचना, वर्गों की व्यवस्था भी बदली। सदियों से प्रकाशित प्रतिनिधित्व की पूरी व्यवस्था हिल गई थी। शिक्षकों ने वैचारिक रूप से क्रांति को तैयार किया। लेकिन वे इसके सभी परिणामों का पूर्वाभास नहीं कर सके। "कारण का राज्य" नहीं हुआ था। क्रांति, जिसने व्यक्ति की स्वतंत्रता की घोषणा की, ने बुर्जुआ व्यवस्था, अधिग्रहण और स्वार्थ की भावना को जन्म दिया। यह कलात्मक संस्कृति के विकास का ऐतिहासिक आधार था, जिसने एक नई दिशा - रूमानियत को आगे बढ़ाया।

3. रोमांस की मुख्य विशेषताएं

कलात्मक संस्कृति में एक विधि और दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद एक जटिल और विरोधाभासी घटना थी। हर देश में उनकी एक विशद राष्ट्रीय अभिव्यक्ति थी। साहित्य, संगीत, चित्रकला और रंगमंच में, उन विशेषताओं को खोजना आसान नहीं है जो चेटौब्रिआंड और डेलाक्रोइक्स, मिकीविक्ज़ और चोपिन, लेर्मोंटोव और किप्रेंस्की को एकजुट करती हैं।

रोमानी लोगों ने समाज में विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक पदों पर कब्जा कर लिया। उन सभी ने बुर्जुआ क्रांति के परिणामों के खिलाफ विद्रोह किया, लेकिन उन्होंने अलग-अलग तरीकों से विद्रोह किया, क्योंकि प्रत्येक का अपना आदर्श था। लेकिन सभी बहुपक्षीयता और विविधता के लिए, रोमांटिकतावाद में स्थिर विशेषताएं हैं।

आधुनिकता में निराशा ने एक विशेष को जन्म दिया अतीत में रुचि: पूर्व-बुर्जुआ सामाजिक संरचनाओं के लिए, पितृसत्तात्मक पुरातनता के लिए। कई रोमांटिक लोगों को इस विचार की विशेषता थी कि दक्षिण और पूर्व के देशों - इटली, स्पेन, ग्रीस, तुर्की के सुरम्य विदेशीवाद - उबाऊ बुर्जुआ रोजमर्रा की जिंदगी के लिए एक काव्यात्मक विपरीत है। इन देशों में, तब भी सभ्यता से बहुत कम प्रभावित थे, रोमांटिक लोग उज्ज्वल, मजबूत पात्रों, एक मूल, रंगीन जीवन शैली की तलाश में थे। राष्ट्रीय अतीत में रुचि ने बहुत सारे ऐतिहासिक कार्यों को जन्म दिया।

व्यक्ति की विविध क्षमताओं को मुक्त करने के लिए, रचनात्मकता में अधिकतम आत्म-साक्षात्कार करने के लिए, होने के गद्य से ऊपर उठने का प्रयास करते हुए, रोमांटिक लोगों ने कला की औपचारिकता और क्लासिकवाद में निहित सीधे-सीधे विवेकपूर्ण दृष्टिकोण का विरोध किया। वे सभी . से आए हैं क्लासिकवाद के ज्ञान और तर्कवादी सिद्धांतों का खंडन,जिसने कलाकार की रचनात्मक पहल को बांध दिया। और अगर क्लासिकवाद सब कुछ एक सीधी रेखा में, बुरे और अच्छे में, काले और सफेद में विभाजित करता है, तो रोमांटिकवाद एक सीधी रेखा में कुछ भी विभाजित नहीं करता है। शास्त्रीयतावाद एक प्रणाली है, लेकिन रूमानियत नहीं है। स्वच्छंदतावाद ने आधुनिक समय को क्लासिकवाद से भावुकता की ओर अग्रसर किया, जो विशाल दुनिया के साथ एक व्यक्ति के आंतरिक जीवन को दर्शाता है। और रूमानियत आंतरिक दुनिया में सामंजस्य का विरोध करती है। रूमानियत के साथ ही वास्तविक मनोविज्ञान प्रकट होने लगता है।

रूमानियत का मुख्य कार्य था आंतरिक दुनिया की छविमानसिक जीवन, और यह कहानियों, रहस्यवाद, आदि के आधार पर किया जा सकता है। इस आंतरिक जीवन के विरोधाभास, इसकी अतार्किकता को दिखाना आवश्यक था।

अपनी कल्पनाओं में, रोमांटिक लोगों ने भद्दे वास्तविकता को बदल दिया या अपने अनुभवों की दुनिया में चले गए। स्वप्न और वास्तविकता के बीच की खाई, वस्तुनिष्ठ वास्तविकता के लिए सुंदर कल्पना का विरोध पूरे रोमांटिक आंदोलन के केंद्र में था।

पहली बार रूमानियत ने कला की भाषा की समस्या खड़ी की है। “कला प्रकृति से बिल्कुल अलग तरह की भाषा है; लेकिन इसमें वही चमत्कारी शक्ति भी शामिल है जो मानव आत्मा को गुप्त रूप से और अतुलनीय रूप से प्रभावित करती है ”(वेकेनरोडर और थिक)। एक कलाकार प्रकृति की भाषा का दुभाषिया होता है, आत्मा और लोगों की दुनिया के बीच मध्यस्थ होता है। "कलाकारों के लिए धन्यवाद, मानवता एक अभिन्न व्यक्तित्व के रूप में उभरती है। वर्तमान के माध्यम से, कलाकार अतीत की दुनिया को भविष्य की दुनिया से जोड़ते हैं। वे सर्वोच्च आध्यात्मिक अंग हैं जिसमें उनकी बाहरी मानवता की जीवन शक्तियाँ एक दूसरे से मिलती हैं, और जहाँ आंतरिक मानवता सबसे पहले प्रकट होती है ”(एफ। श्लेगल)।

हालाँकि, रूमानियत एक सजातीय प्रवृत्ति नहीं थी: इसका वैचारिक विकास अलग-अलग दिशाओं में चला गया। रोमांटिक लोगों में प्रतिक्रियावादी लेखक, पुराने शासन के अनुयायी थे, जिन्होंने सामंती राजशाही और ईसाई धर्म का महिमामंडन किया था। दूसरी ओर, एक प्रगतिशील दृष्टिकोण के साथ रोमांटिक लोगों ने सामंती और सभी प्रकार के उत्पीड़न के खिलाफ एक लोकतांत्रिक विरोध व्यक्त किया, बेहतर भविष्य के लिए लोगों के क्रांतिकारी आवेग को मूर्त रूप दिया।

स्वच्छंदतावाद ने विश्व कलात्मक संस्कृति में एक पूरे युग को छोड़ दिया, इसके प्रतिनिधि थे: वी। स्कॉट, जे। बायरन, शेली, वी। ह्यूगो, ए। मित्सकेविच, और अन्य; ई। डेलाक्रोइक्स, टी। गेरिकॉल्ट, एफ। रनगे, जे। कॉन्स्टेबल, डब्ल्यू। टर्नर, ओ। किप्रेन्स्की और अन्य की ललित कलाओं में; संगीत में एफ। शुबर्ट, आर। वैगनर, जी। बर्लियोज़, एन। पगनिनी, एफ। लिस्ट्ट, एफ। चोपिन और अन्य। उन्होंने नई शैलियों की खोज और विकास किया, मानव व्यक्ति के भाग्य पर पूरा ध्यान दिया, की द्वंद्वात्मकता का खुलासा किया अच्छाई और बुराई, कुशलता से मानवीय भावनाओं को प्रकट किया, आदि।

कला के रूपों ने उनके महत्व में कमोबेश बराबरी की और कला के शानदार कार्यों का निर्माण किया, हालांकि कला की सीढ़ी में रोमांटिक लोगों ने संगीत को प्राथमिकता दी।

4. रोमांटिक हीरो

रोमांटिक हीरो कौन है और वह कैसा है?

वह एक व्यक्तिवादी हैं। एक सुपरमैन जो दो चरणों में रहा है: वास्तविकता से टकराने से पहले, वह एक 'गुलाबी' अवस्था में रहता है, उसके पास दुनिया को बदलने के लिए, उपलब्धि की इच्छा होती है; वास्तविकता का सामना करने के बाद, वह इस दुनिया को अश्लील और उबाऊ दोनों मानता है, लेकिन वह एक संशयवादी, निराशावादी नहीं बनता है। इस स्पष्ट समझ के साथ कि कुछ भी नहीं बदला जा सकता है, वीर कर्मों की इच्छा खतरों की इच्छा में पुनर्जन्म लेती है।

रोमांटिक हर छोटी चीज को, हर ठोस तथ्य को, हर चीज को जो एकवचन है, शाश्वत स्थायी मूल्य दे सकता है। जोसेफ डी मैस्त्रे इसे "प्रोविडेंस के तरीके", जर्मेन डी स्टेल - "अमर ब्रह्मांड का फलदायी गर्भ" कहते हैं। ईसाई धर्म की प्रतिभा में, इतिहास को समर्पित एक पुस्तक में, चेटौब्रिआंड, सीधे ऐतिहासिक समय की शुरुआत के रूप में भगवान को इंगित करता है। समाज एक अटूट बंधन के रूप में प्रकट होता है, "जीवन का एक धागा जो हमें हमारे पूर्वजों से जोड़ता है और जिसे हमें अपने वंशजों तक विस्तारित करना चाहिए।" प्रकृति की सुंदरता के माध्यम से, गहरी भावनाओं के माध्यम से, केवल एक व्यक्ति का दिल, न कि उसका दिमाग, निर्माता की आवाज को समझ और सुन सकता है। प्रकृति दिव्य है, यह सद्भाव और रचनात्मक शक्ति का स्रोत है, इसके रूपकों को अक्सर रोमांटिक लोगों द्वारा राजनीतिक शब्दकोष में स्थानांतरित कर दिया जाता है। रोमांटिक लोगों के लिए, पेड़ कबीले, सहज विकास, जन्मभूमि के रस की धारणा, राष्ट्रीय एकता का प्रतीक बन जाता है। इंसान का स्वभाव जितना मासूम और संवेदनशील होता है, वह उतनी ही आसानी से भगवान की आवाज सुनता है। एक बच्चा, एक महिला, एक कुलीन युवा, दूसरों की तुलना में अधिक बार आत्मा की अमरता और अनन्त जीवन के मूल्य का अनुभव करता है। आनंद के लिए रोमांटिक लोगों की प्यास मृत्यु के बाद ईश्वर के राज्य की आदर्शवादी खोज तक सीमित नहीं है।

ईश्वर के लिए रहस्यमय प्रेम के अलावा, एक व्यक्ति को वास्तविक, सांसारिक प्रेम की आवश्यकता होती है। अपने जुनून की वस्तु को प्राप्त करने में असमर्थ, रोमांटिक नायक एक शाश्वत शहीद बन गया, जो उसके बाद के जीवन में अपने प्रिय के साथ बैठक की प्रतीक्षा करने के लिए बर्बाद हो गया, "महान प्रेम के लिए अमरता के योग्य है जब यह एक आदमी को अपने जीवन की कीमत चुकाता है।"

रोमांटिक लोगों के काम में एक विशेष स्थान व्यक्ति के विकास और शिक्षा की समस्या पर कब्जा कर लेता है। बचपन कानूनों से रहित है, इसके तत्काल आवेग सार्वजनिक नैतिकता का उल्लंघन करते हैं, बच्चे के खेल के अपने नियमों का पालन करते हैं। एक वयस्क में, इसी तरह की प्रतिक्रियाएं मृत्यु की ओर ले जाती हैं, आत्मा की निंदा के लिए। स्वर्गीय राज्य की तलाश में, एक व्यक्ति को कर्तव्य और नैतिकता के नियमों को समझना चाहिए, तभी वह अनन्त जीवन की आशा कर सकता है। चूंकि रोमांटिक लोगों को शाश्वत जीवन प्राप्त करने की उनकी इच्छा से कर्तव्य निर्धारित किया जाता है, इसलिए कर्तव्य को पूरा करने से व्यक्तिगत खुशी अपने सबसे गहरे और सबसे मजबूत अभिव्यक्ति में मिलती है। नैतिक कर्तव्य में गहरी भावनाओं और उदात्त हितों का कर्तव्य जोड़ा जाता है। विभिन्न लिंगों के गुणों को मिलाए बिना, रोमांटिक लोग पुरुषों और महिलाओं के आध्यात्मिक विकास की समानता की वकालत करते हैं। इसी तरह, एक नागरिक कर्तव्य भगवान और उसकी संस्थाओं के लिए प्यार से तय होता है। व्यक्तिगत प्रयास अपनी पूर्णता को एक सामान्य उद्देश्य में, पूरे राष्ट्र के प्रयास में, सभी मानव जाति के, पूरे विश्व के प्रयास में पाता है।

प्रत्येक संस्कृति का अपना रोमांटिक नायक होता है, लेकिन बायरन के चार्ल्स हेरोल्ड ने रोमांटिक नायक का एक विशिष्ट प्रतिनिधित्व दिया है। उन्होंने अपने नायक का मुखौटा लगाया (कहते हैं कि नायक और लेखक के बीच कोई दूरी नहीं है) और रोमांटिक सिद्धांत का पालन करने में कामयाब रहे।

सभी रोमांटिक कार्य विशिष्ट विशेषताओं द्वारा प्रतिष्ठित हैं:

सबसे पहले, हर रोमांटिक काम में नायक और लेखक के बीच कोई दूरी नहीं होती है।

दूसरे, नायक का लेखक न्याय नहीं करता है, लेकिन भले ही उसके बारे में कुछ भी बुरा कहा जाए, कथानक इतना बनाया गया है कि नायक को दोष नहीं देना है। रोमांटिक काम में कथानक आमतौर पर रोमांटिक होता है। रोमांटिक लोग प्रकृति के साथ एक विशेष संबंध भी बनाते हैं, उन्हें तूफान, गरज, प्रलय पसंद है।

5. रूस में रोमांस।

रूस में स्वच्छंदतावाद एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के लिए पश्चिमी यूरोपीय से अलग था। फ्रांसीसी क्रांति को इसके घटित होने के कारणों में नहीं गिना जा सकता है, क्योंकि लोगों के एक बहुत ही संकीर्ण दायरे ने अपने पाठ्यक्रम में परिवर्तनों पर कोई आशा रखी थी। और क्रांति के परिणामों ने इसमें पूरी तरह से निराश किया। XIX सदी की शुरुआत में रूस में पूंजीवाद का सवाल। खड़ा नहीं हुआ। इसलिए ऐसा कोई कारण भी नहीं था। असली कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोगों की पहल की सारी शक्ति प्रकट हुई थी। लेकिन युद्ध के बाद लोगों को वसीयत नहीं मिली। सबसे अच्छा कुलीन, वास्तविकता से असंतुष्ट, दिसंबर 1825 में सीनेट स्क्वायर में आया। यह अधिनियम भी रचनात्मक बुद्धिजीवियों के लिए एक निशान के बिना पारित नहीं हुआ। युद्ध के बाद के अशांत वर्ष वह सेटिंग बन गए जिसमें रूसी रूमानियत का गठन हुआ।

स्वच्छंदतावाद, और, इसके अलावा, हमारा, रूसी, हमारे मूल रूपों में विकसित और ढाला गया, रोमांटिकतावाद एक साधारण साहित्यिक नहीं था, बल्कि एक जीवन घटना, नैतिक विकास का एक पूरा युग, एक ऐसा युग जिसका अपना विशेष रंग था, एक विशेष किया जीवन में देखें ... रोमांटिक प्रवृत्ति को बाहर से आने दें, पश्चिमी जीवन और पश्चिमी साहित्य से, यह रूसी प्रकृति में अपनी धारणा के लिए तैयार मिट्टी पाया, और इसलिए कवि और आलोचक अपोलो ग्रिगोरिएव के रूप में पूरी तरह से मूल घटनाओं में परिलक्षित हुआ। इसका आकलन किया - यह एक अनूठी सांस्कृतिक घटना है, और इसकी विशेषताएं रूमानियत की आवश्यक जटिलता को दर्शाती हैं, जिसकी गहराई से युवा गोगोल उभरा और जिसके साथ वह न केवल एक लेखक के रूप में अपने करियर की शुरुआत में, बल्कि अपने पूरे जीवन में जुड़ा था। जिंदगी।

अपोलोन ग्रिगोरिएव ने उस समय के गद्य सहित साहित्य और जीवन पर रोमांटिक स्कूल के प्रभाव की प्रकृति को सटीक रूप से निर्धारित किया: एक साधारण प्रभाव या उधार नहीं, बल्कि एक विशेषता और शक्तिशाली जीवन और साहित्यिक प्रवृत्ति, जिसने युवा रूसी में पूरी तरह से मूल घटनाएं दीं साहित्य।

क) साहित्य

रूसी रूमानियत को कई अवधियों में विभाजित करने की प्रथा है: प्रारंभिक (1801-1815), परिपक्व (1815-1825) और कबीर के बाद के विकास की अवधि। हालाँकि, प्रारंभिक अवधि के संबंध में, इस योजना की पारंपरिकता हड़ताली है। रूसी रोमांटिकतावाद की शुरुआत के लिए ज़ुकोवस्की और बट्युशकोव के नाम जुड़े हुए हैं, ऐसे कवि जिनकी रचनात्मकता और दृष्टिकोण को एक साथ रखना और उसी अवधि के भीतर तुलना करना मुश्किल है, उनके लक्ष्य, आकांक्षाएं, स्वभाव इतने अलग हैं। दोनों कवियों के छंदों में, अतीत के प्रभावशाली प्रभाव को अभी भी महसूस किया जा सकता है - भावुकता का युग, लेकिन अगर ज़ुकोवस्की अभी भी इसमें गहराई से निहित है, तो बट्युशकोव नए रुझानों के बहुत करीब है।

बेलिंस्की ने ठीक ही कहा है कि ज़ुकोवस्की के काम की विशेषता है "अपूर्ण आशाओं के बारे में शिकायतें जिनका कोई नाम नहीं था, खोई हुई खुशी के लिए उदासी, जिसे भगवान जानता है कि यह क्या था।" वास्तव में, ज़ुकोवस्की के व्यक्ति में, रोमांटिकतावाद अभी भी अपना पहला डरपोक कदम उठा रहा था, भावुक और उदासीन उदासी, अस्पष्ट, बमुश्किल बोधगम्य हार्दिक तड़प को श्रद्धांजलि दे रहा था, एक शब्द में, भावनाओं के उस जटिल परिसर के लिए जिसे रूसी आलोचना में "रोमांटिकवाद" कहा जाता था। मध्य युग के।"

बट्युशकोव की कविता में एक पूरी तरह से अलग माहौल राज करता है: होने का आनंद, स्पष्ट कामुकता, आनंद के लिए एक भजन।

ज़ुकोवस्की को रूसी सौंदर्यवादी मानवतावाद का एक प्रमुख प्रतिनिधि माना जाता है। मजबूत जुनून के लिए विदेशी, शालीन और नम्र ज़ुकोवस्की रूसो और जर्मन रोमांटिक के विचारों के ध्यान देने योग्य प्रभाव में थे। उनका अनुसरण करते हुए, उन्होंने धर्म, नैतिकता और सामाजिक संबंधों के सौंदर्य पक्ष को बहुत महत्व दिया। कला ने ज़ुकोवस्की से एक धार्मिक अर्थ प्राप्त किया, उन्होंने कला में उच्च सत्य के "रहस्योद्घाटन" को देखने का प्रयास किया, यह उनके लिए "पवित्र" था। जर्मन रोमांटिक लोगों को कविता और धर्म की पहचान की विशेषता है। हम ज़ुकोवस्की में वही पाते हैं, जिन्होंने लिखा था: "पृथ्वी के पवित्र सपनों में कविता ईश्वर है।" जर्मन रोमांटिकवाद में, वह विशेष रूप से "आत्मा की रात की ओर", प्रकृति और मनुष्य में "अव्यक्त" की ओर, हर चीज से परे गुरुत्वाकर्षण के करीब था। ज़ुकोवस्की की कविता में प्रकृति रहस्य से घिरी हुई है, उनके परिदृश्य भूतिया और लगभग असत्य हैं, जैसे पानी में प्रतिबिंब:

पौधों की शीतलता में कितनी धूप विलीन हो जाती है!

जेट्स के किनारे की खामोशी में कितनी मीठी फुहार!

मार्शमैलो कितनी शांति से पानी में उड़ता है

और लचीला विलो स्पंदन!

ज़ुकोवस्की की संवेदनशील, कोमल और स्वप्निल आत्मा "इस रहस्यमय प्रकाश" की दहलीज पर मीठे रूप से जम जाती है। कवि, जैसा कि बेलिंस्की ने ठीक ही कहा है, "अपने दुख को प्यार करता है और कबूतर करता है," लेकिन यह पीड़ा उसके दिल को क्रूर घावों से नहीं काटती है, क्योंकि उदासी और उदासी में भी उसका आंतरिक जीवन शांत और शांत होता है। इसलिए, जब, बट्युशकोव को लिखे अपने पत्र में, "आनंद और आनंद का पुत्र," वह एपिकुरियन कवि को "संग्रहालय के रिश्तेदार" कहते हैं, तो इस रिश्ते पर विश्वास करना मुश्किल है। बल्कि, हम पुण्य ज़ुकोवस्की पर विश्वास करेंगे, जो सांसारिक सुखों के गायक को सलाह देते हैं: "स्वैच्छिकता को अस्वीकार करें, सपने घातक हैं!"

बट्युशकोव हर चीज में ज़ुकोवस्की के विपरीत है। वह एक मजबूत जुनून का आदमी था, और उसका रचनात्मक जीवन उसके भौतिक अस्तित्व से 35 साल पहले छोटा हो गया था: एक बहुत ही युवा व्यक्ति के रूप में, वह पागलपन की खाई में गिर गया था। उन्होंने खुद को समान शक्ति और जुनून के साथ सुख और दुख दोनों के लिए दिया: जीवन में, साथ ही साथ इसकी काव्य व्याख्या में, वह - ज़ुकोवस्की के विपरीत - "सुनहरे मतलब" के लिए विदेशी थे। यद्यपि उनकी कविता को शुद्ध मित्रता की प्रशंसा की विशेषता है, एक "विनम्र कोने" की खुशी, उनकी मूर्ति किसी भी तरह से मामूली और शांत नहीं है, क्योंकि बातुशकोव जीवन के साथ भावुक सुखों और नशे के सुस्त आनंद के बिना इसकी कल्पना नहीं कर सकते। कभी-कभी कवि इन्द्रिय सुखों में इस कदर डूब जाता है कि वह विज्ञान के दमनकारी ज्ञान को लापरवाही से अस्वीकार करने के लिए तैयार हो जाता है:

क्या यह दुखद सत्य में सच हो सकता है

उदास मूर्ख और उबाऊ संत

अंतिम संस्कार की पोशाक में बैठे,

मलबे और ताबूतों के बीच

क्या हमें अपने जीवन की मिठास मिलेगी?

उनसे, मैं देखता हूं, आनंद

काँटों की झाड़ियों से तितली की तरह उड़ता है।

उनके लिए प्रकृति के आकर्षण में कोई आकर्षण नहीं है,

कुँवारियाँ उन्हें नहीं गातीं, गोल नृत्यों में गुंथी हुई हैं;

उनके लिए, अंधे के लिए के रूप में,

खुशी के बिना वसंत और फूलों के बिना गर्मी।

सच्ची त्रासदी उनकी कविताओं में कम ही सुनने को मिलती है। केवल अपने रचनात्मक जीवन के अंत में, जब उन्होंने मानसिक बीमारी के लक्षण प्रकट करना शुरू किया, उनकी अंतिम कविताओं में से एक श्रुतलेख के तहत लिखी गई थी, जिसमें सांसारिक जीवन की व्यर्थता के उद्देश्य स्पष्ट रूप से व्यक्त किए गए हैं:

क्या आपको याद है कि आपने क्या कहा था

जीवन को अलविदा कह रहे हैं, भूरे बालों वाले मलिकिसिदक?

एक आदमी एक गुलाम पैदा हुआ था

एक गुलाम कब्र में पड़ा रहेगा,

और मौत शायद ही उसे बताएगी

वह अद्भुत आँसुओं की घाटी के साथ क्यों चला,

मैंने सहा, सहा, सहा,

रूस में, एक साहित्यिक प्रवृत्ति के रूप में रोमांटिकतावाद उन्नीसवीं सदी के बीसवीं सदी तक आकार ले लिया। इसके मूल कवि, गद्य लेखक, लेखक थे, और उन्होंने रूसी रूमानियत का निर्माण किया, जो अपने राष्ट्रीय, विशिष्ट चरित्र में "पश्चिमी यूरोपीय" से भिन्न था। उन्नीसवीं शताब्दी के पूर्वार्ध के कवियों द्वारा विकसित रूसी रूमानियत, और प्रत्येक कवि ने कुछ नया पेश किया। रूसी रूमानियत व्यापक रूप से विकसित हुई, विशिष्ट विशेषताओं का अधिग्रहण किया, और साहित्य में एक स्वतंत्र प्रवृत्ति बन गई। "रुस्लान और ल्यूडमिला" में ए.एस. पुश्किन की पंक्तियाँ हैं: "रूसी भावना है, रूस की गंध है।" रूसी रोमांटिकतावाद के बारे में भी यही कहा जा सकता है। रोमांटिक कार्यों के नायक "उच्च" और सुंदर के लिए प्रयास करने वाली काव्य आत्माएं हैं। लेकिन एक शत्रुतापूर्ण दुनिया है जो किसी को स्वतंत्रता का अनुभव नहीं करने देती है, जो इन आत्माओं को समझ से बाहर है। यह संसार उबड़-खाबड़ है, इसलिए काव्य आत्मा दूसरे की ओर दौड़ती है, जहां एक आदर्श है, वह "सनातन" के लिए प्रयास करता है। स्वच्छंदतावाद इसी संघर्ष पर आधारित है। लेकिन कवियों ने इस स्थिति को अलग तरह से माना। ज़ुकोवस्की, पुश्किन, लेर्मोंटोव, एक बात से आगे बढ़ते हुए, अपने नायकों और उनके आसपास की दुनिया के बीच अलग-अलग तरीकों से संबंध बनाते हैं, इसलिए उनके नायकों के आदर्श के लिए अलग-अलग रास्ते थे।

वास्तविकता भयानक, असभ्य, दिलेर और स्वार्थी है, इसमें कवि और उसके नायकों की भावनाओं, सपनों और इच्छाओं के लिए कोई जगह नहीं है। "सत्य" और शाश्वत - दूसरी दुनिया में। इसलिए दोहरी दुनिया की अवधारणा, कवि आदर्श की तलाश में इनमें से किसी एक दुनिया की इच्छा रखता है।

ज़ुकोवस्की की स्थिति उस व्यक्ति की स्थिति नहीं थी जिसने बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष में प्रवेश किया, जिसने उसे चुनौती दी। यह प्रकृति के साथ एकता का मार्ग था, प्रकृति के साथ सामंजस्य का मार्ग, एक शाश्वत और सुंदर दुनिया में। कई शोधकर्ताओं (यू.वी. मान सहित) के अनुसार, ज़ुकोवस्की ने द इनएक्सप्रेसिबल में एकता की इस प्रक्रिया के बारे में अपनी समझ व्यक्त की। एकता आत्मा की उड़ान है। जो सुंदरता आपको घेरती है वह आपकी आत्मा को भर देती है, यह आप में है, और आप इसमें हैं, आत्मा उड़ती है, न समय और न ही स्थान मौजूद है, लेकिन आप प्रकृति में मौजूद हैं, और इस समय आप रहते हैं, आप इस सुंदरता के बारे में गाना चाहते हैं , लेकिन आपके राज्य को व्यक्त करने के लिए शब्द नहीं हैं, केवल सद्भाव की भावना है। आप अपने आस-पास के लोगों से परेशान नहीं हैं, अभियोगी आत्माएं, आपके लिए और अधिक खुला है, आप स्वतंत्र हैं।

पुश्किन और लेर्मोंटोव ने रोमांटिकतावाद की इस समस्या को अलग तरह से देखा। निस्संदेह, पुश्किन पर ज़ुकोवस्की द्वारा डाला गया प्रभाव बाद के काम में परिलक्षित नहीं हो सकता था। पुश्किन के शुरुआती कार्यों को "नागरिक" रोमांटिकतावाद की विशेषता थी। ज़ुकोवस्की के "ए सिंगर इन द कैंप ऑफ रशियन सोल्जर्स" और ग्रिबॉयडोव के कार्यों के प्रभाव में, पुश्किन ने "लिबर्टी", "टू चादेव" लिखा। बाद में, वह आग्रह करता है:

"मेरे दोस्त! हम अपनी आत्मा को अद्भुत आवेगों के साथ अपनी मातृभूमि के लिए समर्पित करेंगे ..."। ज़ुकोवस्की के आदर्श के लिए यह वही प्रयास है, केवल पुश्किन ही आदर्श को अपने तरीके से समझते हैं, इसलिए आदर्श के लिए कवि का मार्ग अलग है। वह अकेले आदर्श के लिए प्रयास नहीं कर सकता और नहीं चाहता, कवि उसे बुलाता है। पुश्किन ने वास्तविकता और आदर्श को अलग तरह से देखा। इसे दंगा नहीं कहा जा सकता, यह विद्रोही तत्वों का प्रतिबिंब है। यह ode "द सी" में परिलक्षित होता है। यही है समुद्र की ताकत और ताकत, समुद्र मुक्त है, अपने आदर्श पर पहुंच गया है। व्यक्ति को भी मुक्त होना चाहिए, उसकी आत्मा मुक्त होनी चाहिए।

आदर्श की खोज रूमानियत की मुख्य विशेषता है। यह ज़ुकोवस्की के कार्यों में, और पुश्किन में, और लेर्मोंटोव में प्रकट हुआ। तीनों कवि स्वतंत्रता की तलाश में थे, लेकिन वे इसे अलग-अलग तरीकों से ढूंढ रहे थे, उन्होंने इसे अलग तरह से समझा। ज़ुकोवस्की "निर्माता" द्वारा भेजी गई स्वतंत्रता की तलाश में था। सामंजस्य पाकर व्यक्ति मुक्त हो जाता है। पुश्किन के लिए, आत्मा की स्वतंत्रता महत्वपूर्ण थी, जो एक व्यक्ति में प्रकट होनी चाहिए। लेर्मोंटोव के लिए, केवल विद्रोही नायक स्वतंत्र है। आजादी के लिए बगावत, इससे ज्यादा खूबसूरत और क्या हो सकता है? आदर्श के प्रति यह रवैया कवियों के प्रेम गीतों में संरक्षित था। मेरी राय में, यह रवैया समय के कारण है। यद्यपि वे सभी लगभग एक ही अवधि में काम करते थे, उनके निर्माण का समय अलग था, घटनाएं असाधारण तेजी से विकसित हुईं। कवियों के चरित्रों ने भी उनके संबंधों को बहुत प्रभावित किया। शांत ज़ुकोवस्की और विद्रोही लेर्मोंटोव पूरी तरह से विपरीत हैं। लेकिन रूसी रूमानियत ठीक विकसित हुई क्योंकि इन कवियों के स्वभाव अलग थे। उन्होंने नई अवधारणाएं, नए चरित्र, नए आदर्श पेश किए, स्वतंत्रता क्या है, वास्तविक जीवन क्या है, इसका पूरा विचार दिया। उनमें से प्रत्येक आदर्श के लिए अपने स्वयं के मार्ग का प्रतिनिधित्व करता है, यह प्रत्येक व्यक्ति के लिए पसंद का अधिकार है।

रूमानियत का उदय बहुत ही परेशान करने वाला था। मानव व्यक्तित्व अब पूरी दुनिया के केंद्र में खड़ा था। मानव "मैं" की व्याख्या सभी के आधार और अर्थ के रूप में की जाने लगी। मानव जीवन को कला, कला के कार्य के रूप में देखा जाने लगा। 19वीं सदी में रूमानियत बहुत आम थी। लेकिन सभी कवियों ने जो खुद को रोमांटिक कहते थे, इस आंदोलन के सार को व्यक्त नहीं किया।

अब, 20वीं शताब्दी के अंत में, हम पिछली शताब्दी के रोमांटिक लोगों को इस आधार पर दो समूहों में वर्गीकृत कर सकते हैं। एक और शायद सबसे व्यापक समूह वह है जो "औपचारिक" रोमांटिक लोगों को एक साथ लाता है। उन पर जिद पर संदेह करना मुश्किल है, इसके विपरीत, वे अपनी भावनाओं को बहुत सटीक रूप से व्यक्त करते हैं। इनमें दिमित्री वेनेविटिनोव (1805-1827) और अलेक्जेंडर पोलेज़हेव (1804-1838) शामिल हैं। इन कवियों ने अपने कलात्मक लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए इसे सबसे उपयुक्त मानते हुए रोमांटिक रूप का इस्तेमाल किया। तो, डी। वेनेविटिनोव लिखते हैं:

मुझे लगता है कि यह मुझ में जल रहा है

प्रेरणा की पवित्र लौ

लेकिन आत्मा अंधेरे लक्ष्य की ओर बढ़ती है ...

क्या मुझे एक विश्वसनीय चट्टान मिलेगी

मैं अपने पैर को मजबूती से कहाँ रख सकता हूँ?

यह एक विशिष्ट रोमांटिक कविता है। यह पारंपरिक रोमांटिक शब्दावली का उपयोग करता है - "प्रेरणा की लौ" और "उभरती हुई भावना" दोनों। इस प्रकार कवि अपनी भावनाओं का वर्णन करता है। लेकिन इससे ज्यादा कुछ नहीं। कवि अपनी "मौखिक छवि" से, रूमानियत के ढांचे से बंधा हुआ है। किसी न किसी तरह के क्लिच के लिए सब कुछ सरल कर दिया गया है।

19 वीं शताब्दी के रोमांटिक लोगों के एक अन्य समूह के प्रतिनिधि, निश्चित रूप से, ए.एस. पुश्किन और एम। लेर्मोंटोव थे। इन कवियों ने, इसके विपरीत, रोमांटिक रूप को अपनी सामग्री से भर दिया। ए। पुश्किन के जीवन में रोमांटिक अवधि कम थी, इसलिए उनके पास कुछ रोमांटिक काम हैं। काकेशस का कैदी (1820-1821) ए.एस. पुश्किन। हमारे सामने एक रोमांटिक काम का एक क्लासिक संस्करण है। लेखक हमें उसके नायक का चित्र नहीं देता, हम उसका नाम भी नहीं जानते। और यह आश्चर्य की बात नहीं है - सभी रोमांटिक नायक एक दूसरे के समान हैं। वे युवा, सुंदर ... और दुखी हैं। काम का कथानक भी शास्त्रीय रूप से रोमांटिक है। सर्कसियों की एक रूसी कैदी, एक युवा सर्कसियन महिला उसके साथ प्यार में पड़ जाती है और उसे भागने में मदद करती है। लेकिन वह निराशाजनक रूप से दूसरे से प्यार करता है ... कविता दुखद रूप से समाप्त होती है - सेरासियन महिला खुद को पानी में फेंक देती है और मर जाती है, और रूसी, "शारीरिक" कैद से मुक्त होकर, एक और अधिक दर्दनाक कैद - आत्मा की कैद में गिर जाती है। हम नायक के अतीत के बारे में क्या जानते हैं?

एक लंबी यात्रा रूस की ओर ले जाती है ...

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जहां उन्होंने भयानक पीड़ा को गले लगाया,

जहां तूफानी जिंदगी बर्बाद हो जाती है

आशा, आनंद और इच्छा।

वह स्वतंत्रता की तलाश में स्टेपी पर आया, अपने पिछले जीवन से बचने की कोशिश की। और अब, जब खुशी इतनी करीब लग रही थी, उसे फिर से दौड़ना है। लेकिन कहां? वापस उस दुनिया में जहां उसने "भयानक पीड़ा को गले लगाया"।

प्रकाश के धर्मत्यागी, प्रकृति के मित्र,

उन्होंने अपनी मूल सीमा छोड़ दी

और दूर देश के लिए उड़ान भरी

स्वतंत्रता के हंसमुख भूत के साथ।

लेकिन "आजादी का भूत" भूत बनकर रह गया। वह हमेशा रोमांटिक हीरो को परेशान करेगा। एक और रोमांटिक कविता "द जिप्सी" है। इसमें, लेखक फिर से पाठक को नायक का चित्र नहीं देता है, हम केवल उसका नाम जानते हैं - अलेको। वे सच्चे सुख, सच्ची स्वतंत्रता का अनुभव करने के लिए शिविर में आए थे। उसकी खातिर, उसने वह सब कुछ त्याग दिया जो पहले उसे घेरता था। क्या वह स्वतंत्र और सुखी हो गया है? ऐसा लगता है कि अलेको प्यार करता है, लेकिन इस भावना के साथ केवल दुर्भाग्य और अवमानना ​​ही उसके पास आती है। अलेको, जो स्वतंत्रता की इतनी लालसा रखता था, किसी अन्य व्यक्ति की इच्छा को नहीं पहचान सका। इस कविता में, रोमांटिक नायक की विश्वदृष्टि की एक और अत्यंत विशिष्ट विशेषता प्रकट हुई - स्वार्थ और उसके आसपास की दुनिया के साथ पूर्ण असंगति। अलेको को मौत की सजा नहीं दी जाती है, लेकिन इससे भी बदतर - अकेलापन और बहस। वह उस दुनिया में अकेला था जिससे वह भाग गया था, लेकिन दूसरे में, वांछित, उसे फिर से अकेला छोड़ दिया गया था।

काकेशस के कैदी को लिखने से पहले, पुश्किन ने एक बार कहा था: "मैं रोमांटिक कविता का नायक बनने के लायक नहीं हूं"; हालाँकि, उसी समय, 1820 में, पुश्किन ने अपनी कविता "द डेलाइट गॉट आउट ..." लिखी। इसमें आप रूमानियत में निहित सभी शब्दावली पा सकते हैं। यह "दूर का तट", और "उदास महासागर", और "उत्साह और लालसा" है जो लेखक को पीड़ा देता है। परहेज पूरी कविता के माध्यम से चलता है:

मेरे नीचे चिंता करो, उदास सागर।

यह न केवल प्रकृति के वर्णन में, बल्कि नायक की भावनाओं के वर्णन में भी मौजूद है।

...लेकिन जख्मों के पुराने दिल,

प्यार के गहरे घाव, कुछ नहीं भरा...

शोर, शोर, आज्ञाकारी पाल,

मेरे नीचे उत्साहित, उदास सागर ...

यानी प्रकृति एक और पात्र बन जाती है, कविता का एक और गेय नायक। बाद में, 1824 में, पुश्किन ने "टू द सी" कविता लिखी। लेखक खुद फिर से उसमें रोमांटिक हीरो बन गए, जैसे "दिन का उजाला निकल गया ..."। यहां पुश्किन ने समुद्र को स्वतंत्रता के पारंपरिक प्रतीक के रूप में संदर्भित किया है। समुद्र एक तत्व है, जिसका अर्थ है स्वतंत्रता और खुशी। हालाँकि, पुश्किन ने अप्रत्याशित रूप से इस कविता का निर्माण किया:

तुमने इंतज़ार किया, तुमने पुकारा... मैं बंधा हुआ था;

मेरी आत्मा व्यर्थ में फटी हुई थी:

एक शक्तिशाली जुनून से मोहित,

मैं तट पर रहा ...

हम कह सकते हैं कि यह कविता पुश्किन के जीवन के रोमांटिक दौर को पूरा करती है। यह एक ऐसे व्यक्ति द्वारा लिखा गया है जो जानता है कि तथाकथित "शारीरिक" स्वतंत्रता प्राप्त करने के बाद, रोमांटिक नायक खुश नहीं होता है।

जंगल में, रेगिस्तान में खामोश हैं

मैं ट्रांसफर कर दूंगा, मैं तुमसे भरा हुआ हूं,

आपकी चट्टानें, आपकी खाड़ी ...

इस समय, पुश्किन इस निष्कर्ष पर पहुंचे कि सच्ची स्वतंत्रता केवल एक व्यक्ति के भीतर ही मौजूद हो सकती है और केवल वह ही उसे वास्तव में खुश कर सकती है।

बायरन के रूमानियत का एक प्रकार पहले रूसी संस्कृति पुश्किन, फिर लेर्मोंटोव में अपने काम में रहता था और महसूस करता था। पुश्किन के पास लोगों पर ध्यान देने का उपहार था, और फिर भी महान कवि और गद्य लेखक के काम में रोमांटिक कविताओं में सबसे रोमांटिक, निस्संदेह, बख्चिसराय का फव्वारा है।

"द फाउंटेन ऑफ बखचिसराय" कविता अभी भी केवल एक रोमांटिक कविता की शैली में पुश्किन की खोज जारी रखती है। और इसमें कोई संदेह नहीं है कि इसे महान रूसी लेखक की मृत्यु से रोका गया था।

पुश्किन के काम में रोमांटिक विषय को दो अलग-अलग संस्करण प्राप्त हुए: एक वीर रोमांटिक नायक ("कैदी", "डाकू", "भगोड़ा") है, जो एक मजबूत इच्छा से प्रतिष्ठित है, हिंसक जुनून की क्रूर परीक्षा से गुजरा है, और एक है पीड़ित नायक जिसमें सूक्ष्म भावनात्मक अनुभव बाहरी दुनिया की क्रूरता ("निर्वासन", "कैदी") के साथ असंगत हैं। रोमांटिक चरित्र में निष्क्रिय शुरुआत ने अब पुश्किन से एक महिला की आड़ में ले ली है। बख्चिसराय का फव्वारा रोमांटिक नायक के इस पहलू को ठीक से विकसित करता है।

"काकेशस के कैदी" में "कैदी" पर बहुत कम ध्यान दिया गया था और "सेरासियन महिला" पर बहुत कम ध्यान दिया गया था, अब इसके विपरीत - खान गिरे थोड़ा नाटकीय व्यक्ति से अधिक नहीं है, लेकिन वास्तव में मुख्य चरित्र एक महिला है , दो भी - ज़रेमा और मारिया। पिछली कविताओं में पाए गए नायक के द्वंद्व का समाधान (बंधे हुए भाइयों की छवि के माध्यम से) पुश्किन यहां भी उपयोग करता है: निष्क्रिय सिद्धांत को दो पात्रों के व्यक्ति में दर्शाया गया है - ईर्ष्यालु, प्यार में भावुक ज़रेमा और उदास मैरी जिसने उम्मीद और प्यार खो दिया है। ये दोनों एक रोमांटिक प्रकृति के दो परस्पर विरोधी जुनून हैं: निराशा, निराशा, निराशा और, साथ ही, आध्यात्मिक उत्साह, भावनाओं की तीव्रता; विरोधाभास को कविता में दुखद रूप से हल किया गया है - मैरी की मृत्यु ने ज़रेमा को भी खुशी नहीं दी, क्योंकि वे रहस्यमय संबंधों से जुड़े हुए हैं। इसी तरह, ब्रदर्स-लुटेरों में, भाइयों में से एक की मृत्यु ने दूसरे के जीवन को हमेशा के लिए काला कर दिया।

हालांकि, बीवी टोमाशेव्स्की ने ठीक ही कहा, "कविता के गीतात्मक अलगाव ने सामग्री की एक निश्चित कमी को भी निर्धारित किया ... ज़रेमा पर नैतिक जीत से आगे निष्कर्ष और प्रतिबिंब नहीं बनते ... ... पहले दक्षिणी में पूछे गए प्रश्न कविता। "बख्चिसराय फाउंटेन" में ऐसी निरंतरता नहीं है ... "

पुश्किन ने किसी व्यक्ति की रोमांटिक स्थिति के सबसे कमजोर बिंदु को टटोला और रेखांकित किया: वह केवल अपने लिए सब कुछ चाहता है।

लेर्मोंटोव की कविता "मत्स्यरी" भी रोमांटिकतावाद की विशिष्ट विशेषताओं को पूरी तरह से प्रतिबिंबित नहीं करती है।

इस कविता में दो रोमांटिक नायक हैं, इसलिए, यदि यह एक रोमांटिक कविता है, तो यह बहुत ही अजीब है: पहला, दूसरा नायक लेखक द्वारा एपिग्राफ के माध्यम से प्रेषित होता है; दूसरी बात, लेखक मत्स्यरी से नहीं जुड़ता है, नायक अपने तरीके से इच्छाशक्ति की समस्या को हल करता है, और लेर्मोंटोव, पूरी कविता में, केवल इस समस्या को हल करने के बारे में सोचता है। वह अपने नायक का न्याय नहीं करता है, लेकिन वह या तो औचित्य नहीं देता है, लेकिन वह एक निश्चित स्थिति लेता है - समझ। यह पता चला है कि रूसी संस्कृति में रोमांटिकतावाद सोच में बदल रहा है। यह यथार्थवाद के दृष्टिकोण से रूमानियत को दर्शाता है।

हम कह सकते हैं कि पुश्किन और लेर्मोंटोव रोमांटिक बनने में सफल नहीं हुए (हालांकि, लेर्मोंटोव एक बार रोमांटिक कानूनों का पालन करने में कामयाब रहे - नाटक बहाना में)। कवियों ने अपने प्रयोगों के माध्यम से दिखाया कि इंग्लैंड में एक व्यक्तिवादी की स्थिति उपयोगी हो सकती है, लेकिन रूस में ऐसा नहीं हो सका। हालांकि पुश्किन और लेर्मोंटोव रोमांटिक बनने में सफल नहीं हुए, उन्होंने यथार्थवाद के विकास का रास्ता खोल दिया। 1825 में, पहला यथार्थवादी काम प्रकाशित हुआ: "बोरिस गोडुनोव", फिर "द कैप्टन की बेटी", "यूजीन वनगिन", "ए हीरो ऑफ अवर टाइम" और कई अन्य।

बी) पेंटिंग

दृश्य कलाओं में, रोमांटिकतावाद चित्रकला और ग्राफिक्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला और वास्तुकला में कम स्पष्ट रूप से। दृश्य कला में रूमानियत के उत्कृष्ट प्रतिनिधि रूसी रोमांटिक चित्रकार थे। अपने कैनवस में, उन्होंने स्वतंत्रता के प्यार, सक्रिय कार्रवाई की भावना व्यक्त की, जोश और जुनून से मानवतावाद की अभिव्यक्ति की अपील की। रूसी चित्रकारों के रोजमर्रा के कैनवस उनकी प्रासंगिकता और मनोविज्ञान, एक अभूतपूर्व अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित हैं। आध्यात्मिक, उदासीन परिदृश्य फिर से रोमांटिक लोगों द्वारा मानव दुनिया में प्रवेश करने का एक ही प्रयास है, यह दिखाने के लिए कि एक व्यक्ति कैसे रहता है और उपनगरीय दुनिया में सपने देखता है। रूसी रोमांटिक पेंटिंग विदेशी पेंटिंग से अलग थी। यह ऐतिहासिक सेटिंग और परंपरा दोनों द्वारा निर्धारित किया गया था।

रूसी रोमांटिक पेंटिंग की विशेषताएं:

शैक्षिक विचारधारा कमजोर हुई, लेकिन असफल नहीं हुई, जैसा कि यूरोप में हुआ। इसलिए, रोमांटिकवाद का उच्चारण नहीं किया गया था।

स्वच्छंदतावाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जो अक्सर इसके साथ जुड़ता है।

रूस में अकादमिक पेंटिंग अभी तक समाप्त नहीं हुई है।

रूस में स्वच्छंदतावाद एक स्थिर घटना नहीं थी, रोमांटिकतावाद को अकादमिकता के लिए तैयार किया गया था। XIX सदी के मध्य तक। रोमांटिक परंपरा लगभग समाप्त हो गई है।

1790 के दशक में रूस में रूमानियत से संबंधित कार्य पहले से ही दिखाई देने लगे थे (फियोडोसी यानेंको द्वारा "ट्रैवलर्स कॉट बाय द स्टॉर्म" (1796), "सेल्फ-पोर्ट्रेट इन ए हेल्मेट" (1792)। 18 वीं और 19 वीं शताब्दी के मोड़ पर । बाद में, इस प्रोटो-रोमांटिक कलाकार का प्रभाव अलेक्जेंडर ओरलोवस्की के काम में ध्यान देने योग्य होगा। लुटेरों, आग के दृश्य, लड़ाई उनके पूरे करियर के साथ। अन्य देशों की तरह, रूसी स्वच्छंदतावाद से संबंधित कलाकारों ने शास्त्रीय शैलियों में चित्रांकन की शुरुआत की , परिदृश्य और शैली के दृश्यों में एक पूरी तरह से नया भावनात्मक मूड है।

रूस में रूमानियत सबसे पहले प्रकट होने लगी पोर्ट्रेट पेंटिंग... उन्नीसवीं शताब्दी के पहले तीसरे में, अधिकांश भाग के लिए, कुलीन अभिजात वर्ग के साथ अपना संबंध खो दिया। कवियों, कलाकारों, कला संरक्षकों के चित्र, साधारण किसानों के चित्रण ने एक महत्वपूर्ण स्थान लेना शुरू कर दिया। यह प्रवृत्ति विशेष रूप से ओ.ए. के काम में स्पष्ट रूप से प्रकट हुई थी। किप्रेंस्की (1782 - 1836) और वी.ए. ट्रोपिनिन (1776 - 1857)।

वासिली एंड्रीविच ट्रोपिनिन ने अपने चित्र के माध्यम से व्यक्त एक व्यक्ति के जीवंत, अप्रतिबंधित चरित्र चित्रण के लिए प्रयास किया। एक बेटे का चित्र (1818), "पोर्ट्रेट ऑफ एएस पुश्किन" (1827), "सेल्फ-पोर्ट्रेट" (1846) मूल के साथ उनके चित्र समानता से नहीं, बल्कि आंतरिक दुनिया में उनकी असामान्य रूप से सूक्ष्म पैठ से हड़ताली है। आदमी।

एक बेटे का पोर्ट्रेट- आर्सेनी ट्रोपिनिना मास्टर के काम में सर्वश्रेष्ठ में से एक है। परिष्कृत, सुस्त सुनहरे रंग की योजना 18 वीं शताब्दी की वलेरा पेंटिंग से मिलती जुलती है। हालांकि, 18वीं सदी के रूमानियत में एक सामान्य बचपन के चित्र की तुलना में। यहाँ योजना की निष्पक्षता हड़ताली है - यह बच्चा बहुत कम माप में है। आर्सेनी की टकटकी दर्शक को पीछे छोड़ देती है, उसे लापरवाही से कपड़े पहनाए जाते हैं, कॉलर ऐसा लगता है जैसे गलती से खुल गया हो। प्रतिनिधित्व की कमी रचना के असाधारण विखंडन में निहित है: सिर कैनवास की लगभग पूरी सतह को भर देता है, छवि को बहुत कॉलरबोन में काट दिया जाता है, और इस प्रकार लड़के का चेहरा यंत्रवत् दर्शक के पास चला जाता है।

सृष्टि का इतिहास असामान्य रूप से दिलचस्प है "पुश्किन का पोर्ट्रेट"।हमेशा की तरह, पुश्किन के साथ पहले परिचित के लिए, ट्रोपिनिन कुत्ते के खेल के मैदान में सोबोलेव्स्की के घर आए, जहां कवि उस समय रहते थे। कलाकार ने उसे अपने कार्यालय में पिल्लों के साथ खिलवाड़ करते हुए पाया। उसी समय, जाहिरा तौर पर, पहली छाप के अनुसार लिखा गया था, जिसे ट्रोपिनिन ने बहुत सराहा, एक छोटा सा स्केच। काफी देर तक वह अपने पीछा करने वालों की नजरों से ओझल रहा। केवल लगभग सौ साल बाद, 1914 तक, इसे पी.एम. द्वारा प्रकाशित किया गया था। शचेकोटोव, जिन्होंने अलेक्जेंडर सर्गेइविच के सभी चित्रों को लिखा था, उन्होंने "अपनी विशेषताओं को सबसे अधिक व्यक्त किया ... कवि की नीली आँखें यहाँ एक विशेष प्रतिभा से भरी हुई हैं, सिर की बारी तेज है, और चेहरे की विशेषताएं अभिव्यंजक और मोबाइल हैं . निस्संदेह, यहां पुश्किन के चेहरे की वास्तविक विशेषताओं पर कब्जा कर लिया गया है, जो हम व्यक्तिगत रूप से एक या दूसरे चित्रों में मिलते हैं जो हमारे पास आए हैं। यह हैरान होना बाकी है, - स्कीकोटोव कहते हैं, - इस मनमोहक स्केच को कवि के प्रकाशकों और पारखी लोगों का ध्यान क्यों नहीं मिला। " यह छोटे एट्यूड के बहुत गुणों द्वारा समझाया गया है: न तो रंगों की चमक थी, न ही ब्रशस्ट्रोक की सुंदरता, न ही उत्कृष्ट रूप से "गोल चक्कर" लिखा गया था। और यहां पुश्किन एक लोक "श्वेत" नहीं है, "प्रतिभा" नहीं है, बल्कि सबसे ऊपर एक आदमी है। और यह विश्लेषण करना शायद ही संभव है कि नीरस भूरे-हरे, जैतून के पैमाने, जल्दबाजी में क्यों, जैसे कि लगभग गैर-वर्णन-दिखने वाले स्केच के ब्रश के आकस्मिक स्ट्रोक में इतनी बड़ी मानवीय सामग्री होती है। पुष्किन के पूरे जीवनकाल और बाद के चित्रों को याद करते हुए, मानवता की शक्ति द्वारा किए गए इस अध्ययन को केवल सोवियत मूर्तिकार ए। मतवेव द्वारा गढ़ी गई पुश्किन की आकृति के बगल में रखा जा सकता है। लेकिन यह वह कार्य नहीं था जो ट्रोपिनिन ने खुद को स्थापित किया था, न कि उस तरह का पुश्किन जिसे उसका दोस्त देखना चाहता था, हालांकि उसने कवि को एक सरल, घरेलू रूप में चित्रित करने का आदेश दिया था।

कलाकार के मूल्यांकन में, पुश्किन एक "ज़ार-कवि" थे। लेकिन वे लोककवि भी थे, उनके अपने और सबके प्रिय थे। "चित्र और मूल के बीच समानता हड़ताली है," पोलेवॉय ने इसके अंत में लिखा है, हालांकि उन्होंने अपर्याप्त "नज़र की गति" और "चेहरे पर अभिव्यक्ति की जीवंतता" पर ध्यान दिया, जो प्रत्येक के साथ पुश्किन में बदलता और पुनर्जीवित होता है। नई छाप।

चित्र में, सब कुछ सोचा जाता है और सबसे छोटे विवरण के लिए सत्यापित किया जाता है, और साथ ही कलाकार द्वारा कुछ भी जानबूझकर, कुछ भी पेश नहीं किया जाता है। यहां तक ​​​​कि कवि की उंगलियों को सुशोभित करने वाले अंगूठियों को भी उतना ही उजागर किया जाता है जितना कि खुद पुश्किन ने जीवन में उन्हें महत्व दिया। ट्रोपिनिन के सुरम्य खुलासे के बीच, पुश्किन का चित्र अपने पैमाने की सोनोरिटी के साथ विस्मित करता है।

ट्रोपिनिन के रूमानियत की अलग भावुक उत्पत्ति है। यह ट्रोपिनिन था जो शैली के संस्थापक थे, लोगों के एक आदमी (द लेसमेकर (1823)) का कुछ हद तक आदर्श चित्र। "दोनों पारखी और पारखी नहीं, - स्विनिन के बारे में लिखते हैं "फीता", -इस तस्वीर को देखकर प्रशंसा में आएं, जो वास्तव में सचित्र कला की सभी सुंदरियों को जोड़ती है: ब्रश की सुखदता, सही, खुश प्रकाश, स्पष्ट, प्राकृतिक रंग, इसके अलावा, यह चित्र एक सौंदर्य की आत्मा और उस धूर्त नज़र को प्रकट करता है जिज्ञासा है कि उसने उस मिनट में प्रवेश करने वाले किसी व्यक्ति पर फेंक दिया। उसके हाथ, कोहनी से नंगे, उसकी टकटकी से रुक गए, काम बंद हो गया, एक कुंवारी स्तन से एक आह निकल गई, एक मलमल के रूमाल से ढकी हुई - और यह सब इतनी सच्चाई और सरलता से दर्शाया गया है कि यह तस्वीर बहुत आसानी से ली जा सकती है गौरवशाली स्वप्न का सबसे सफल कार्य। सहायक सामान, जैसे कि एक फीता तकिया और एक तौलिया, महान कला के साथ व्यवस्थित किया जाता है और अंतिम रूप से समाप्त होता है ... "

उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, तेवर रूस का एक महत्वपूर्ण सांस्कृतिक केंद्र था। मॉस्को के सभी उत्कृष्ट लोग यहां साहित्यिक संध्याओं के लिए आए हैं। यहां युवा ओरेस्ट किप्रेंस्की ने ए.एस. पुश्किन से मुलाकात की, जिसका चित्र, बाद में चित्रित, विश्व चित्र कला का मोती बन गया, और ए.एस. पुश्किन उन्हें कविता समर्पित करेंगे, जहां वह उन्हें "हल्के पंखों वाले फैशन का प्रिय" कहेंगे। पुश्किन का पोर्ट्रेटओ। किप्रेंस्की का ब्रश काव्य प्रतिभा का एक जीवित व्यक्तित्व है। सिर के निर्णायक मोड़ में, छाती पर जोर से पार की गई भुजाओं में, कवि के संपूर्ण रूप में स्वतंत्रता और स्वतंत्रता की भावना परिलक्षित होती है। यह उनके बारे में था कि पुश्किन ने कहा: "मैं खुद को एक दर्पण के रूप में देखता हूं, लेकिन यह दर्पण मुझे चापलूसी करता है।" पुश्किन के चित्र पर काम में, ट्रोपिनिन और किप्रेंस्की आखिरी बार मिलते हैं, हालांकि यह बैठक उनकी अपनी आंखों से नहीं होती है, लेकिन कई साल बाद कला के इतिहास में, जहां, एक नियम के रूप में, के दो चित्र सबसे महान रूसी कवि की तुलना एक साथ की जाती है, लेकिन अलग-अलग जगहों पर - एक मास्को में। सेंट पीटर्सबर्ग में एक और। अब यह रूसी कला के लिए उनके महत्व में समान रूप से महान स्वामी की बैठक है। यद्यपि किप्रेंस्की के प्रशंसकों का तर्क है कि कलात्मक लाभ उनके रोमांटिक चित्र के पक्ष में हैं, जहां कवि को अपने विचारों में डूबे हुए दिखाया गया है, अकेले संग्रह के साथ, छवि की राष्ट्रीयता और लोकतंत्रवाद निश्चित रूप से ट्रोपिनिन्स्की के "पुश्किन" के पक्ष में हैं। .

इस प्रकार, दो चित्रों ने रूसी कला में दो प्रवृत्तियों को प्रतिबिंबित किया, दो राजधानियों में केंद्रित। और आलोचक बाद में लिखेंगे कि ट्रोपिनिन मास्को के लिए था जो कि किप्रेंस्की पीटर्सबर्ग के लिए था।

किप्रेंस्की के चित्रों की एक विशिष्ट विशेषता यह है कि वे किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक आकर्षण और आंतरिक बड़प्पन को दर्शाते हैं। एक बहादुर और मजबूत भावना वाले नायक का चित्र, एक उन्नत रूसी व्यक्ति के स्वतंत्रता-प्रेमी और देशभक्ति के मूड के मार्ग को मूर्त रूप देने वाला था।

सामने के दरवाजे में "ईवी डेविडोव का पोर्ट्रेट"(1809) एक अधिकारी की आकृति को दर्शाता है जिसने एक मजबूत और बहादुर व्यक्तित्व के उस पंथ की अभिव्यक्ति को सीधे व्यक्त किया, जो उन वर्षों के रूमानियत के लिए इतना विशिष्ट था। खंडित रूप से दिखाया गया परिदृश्य, जहां प्रकाश की एक किरण अंधेरे से लड़ती है, नायक की मानसिक चिंताओं का संकेत देती है, लेकिन उसके चेहरे पर स्वप्निल संवेदनशीलता का प्रतिबिंब है। किप्रेंस्की एक व्यक्ति में "मानव" की तलाश कर रहा था, और आदर्श उससे मॉडल के व्यक्तिगत लक्षणों को कम नहीं करता था।

किप्रेंस्की के चित्र, यदि आप उन्हें अपने मन की आंखों में देखते हैं, तो किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक और प्राकृतिक संपदा, उसकी बौद्धिक शक्ति को दर्शाते हैं। हां, उनके पास एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व का आदर्श था, जिसकी चर्चा उनके समकालीनों ने भी की थी, लेकिन किप्रेंस्की ने इस आदर्श को एक कलात्मक छवि पर शाब्दिक रूप से पेश करने की कोशिश नहीं की। एक कलात्मक छवि बनाने में, वह प्रकृति से आगे बढ़े, जैसे कि यह मापना कि वह इस तरह के आदर्श से कितना दूर या करीब है। वास्तव में, उनके द्वारा चित्रित उनमें से कई आदर्श की दहलीज पर हैं, इसके लिए प्रेरित हैं, लेकिन आदर्श ही, रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र के विचारों के अनुसार, शायद ही प्राप्त करने योग्य है, और सभी रोमांटिक कला इसके लिए एक मार्ग है।

अपने नायकों की आत्माओं में विरोधाभासों को ध्यान में रखते हुए, उन्हें जीवन के परेशान क्षणों में दिखाते हुए, जब भाग्य बदलता है, पिछले विचार टूटते हैं, युवा पत्ते आदि, किप्रेंस्की अपने मॉडलों के साथ अनुभव कर रहे हैं। इसलिए - कलात्मक छवियों की व्याख्या में चित्रकार की विशेष भागीदारी, जो चित्र को एक भावपूर्ण छाया प्रदान करती है।

किप्रेंस्की के काम की शुरुआती अवधि में, आप संदेह से संक्रमित व्यक्तियों को नहीं देखेंगे, विश्लेषण जो आत्मा को खराब करता है। यह बाद में आएगा, जब रोमांटिक समय अपनी शरद ऋतु से बाहर निकलता है, अन्य मनोदशाओं और भावनाओं को रास्ता देता है, जब एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व के आदर्श की जीत की उम्मीदें टूट जाती हैं। 1800 के दशक के सभी चित्रों और टवर में बने चित्रों में, किप्रेंस्की के पास एक बोल्ड ब्रश है जो आसानी से और स्वतंत्र रूप से एक रूप बनाता है। तकनीकों की जटिलता, आकृति का चरित्र टुकड़े से टुकड़े में बदल गया।

उल्लेखनीय है कि उनके वीरों के चेहरों पर आपको वीरता का उत्साह नहीं दिखाई देगा, इसके विपरीत अधिकांश चेहरे उदास हैं, वे प्रतिबिंबों में लिप्त हैं। ऐसा लगता है कि ये लोग रॉसी के भाग्य के बारे में चिंतित हैं, वे वर्तमान से अधिक भविष्य के बारे में सोचते हैं। महत्वपूर्ण घटनाओं में प्रतिभागियों की पत्नियों और बहनों का प्रतिनिधित्व करने वाली महिला पात्रों में, किप्रेंस्की ने भी जानबूझकर वीरतापूर्ण उत्साह के लिए प्रयास नहीं किया। सहजता, स्वाभाविकता की भावना प्रबल होती है। इसके अलावा, सभी चित्रों में आत्मा का इतना सच्चा बड़प्पन है। महिलाओं की छवियां उनकी विनम्र गरिमा, प्रकृति की अखंडता से आकर्षित होती हैं; पुरुषों के चेहरों पर जिज्ञासु विचार, तपस्या के लिए तत्परता का अनुमान लगाया जाता है। ये छवियां डिसमब्रिस्टों के परिपक्व नैतिक और सौंदर्यवादी विचारों के साथ मेल खाती हैं। उनके विचारों और आकांक्षाओं को तब कई लोगों द्वारा साझा किया गया था (कुछ सामाजिक और राजनीतिक कार्यक्रमों के साथ गुप्त समाजों का निर्माण 1816-1821 की अवधि में होता है), कलाकार उनके बारे में जानता था, और इसलिए हम कह सकते हैं कि घटनाओं में प्रतिभागियों के उनके चित्र 1812-1814, उसी वर्षों में बनाई गई किसानों की छवियां - डिसमब्रिज्म की उभरती अवधारणाओं के समानांतर एक प्रकार की कलात्मकता।

रोमांटिक आदर्श की उज्ज्वल मुहर के साथ चिह्नित "वी.ए. ज़ुकोवस्की का पोर्ट्रेट"(1816)। कलाकार, एस.एस. उवरोव द्वारा कमीशन किया गया एक चित्र बनाते हुए, समकालीनों को न केवल कवि की छवि दिखाने की कल्पना की, जो साहित्यिक हलकों में अच्छी तरह से जाना जाता था, बल्कि रोमांटिक कवि के व्यक्तित्व की एक निश्चित समझ का प्रदर्शन करने के लिए भी था। हमारे सामने उस प्रकार के कवि हैं जिन्होंने रूसी रूमानियत की दार्शनिक और स्वप्निल दिशा को व्यक्त किया। किप्रेंस्की ने रचनात्मक प्रेरणा के क्षण में ज़ुकोवस्की का परिचय दिया। हवा ने कवि के बालों को झकझोर दिया, पेड़ रात में अपनी शाखाओं के साथ खतरनाक रूप से छींटे मारते हैं, प्राचीन इमारतों के खंडहर मुश्किल से दिखाई देते हैं। रोमांटिक गाथागीतों के निर्माता इस तरह दिखते थे। गहरे रंग रहस्यमय वातावरण का उच्चारण करते हैं। उवरोव की सलाह पर, किप्रेंस्की चित्र के अलग-अलग टुकड़ों को चित्रित करना समाप्त नहीं करता है, ताकि "अत्यधिक पूर्णता" आत्मा, स्वभाव और भावुकता को बुझा न सके।

टवर में किप्रेंस्की द्वारा कई चित्रों को चित्रित किया गया था। इसके अलावा, जब उन्होंने इवान पेट्रोविच वुल्फ, एक टवर ज़मींदार को चित्रित किया, तो उन्होंने अपने सामने खड़ी लड़की, उनकी पोती, भविष्य की अन्ना पेत्रोव्ना केर्न को भावना के साथ देखा, जिसे सबसे मनोरम गीत कार्यों में से एक समर्पित किया गया था - द्वारा कविता पुश्किन के रूप में "मुझे अद्भुत क्षण याद है .."। कवियों, कलाकारों, संगीतकारों के ऐसे संघ कला में एक नई दिशा - रूमानियत की अभिव्यक्ति बन गए।

किप्रेंस्की द्वारा "यंग गार्डनर" (1817), ब्रायलोव द्वारा "इटैलियन नून" (1827), वेनेत्सियानोव द्वारा "द रीपर्स" या "द रीपर" (1820) एक ही टाइपोलॉजिकल श्रृंखला के काम हैं। वे प्रकृति की ओर उन्मुख हैं और लिखे गए थे स्पष्ट रूप से इसके उपयोग के साथ। प्रत्येक कलाकार - एक सरल प्रकृति की सौंदर्य पूर्णता को मूर्त रूप देने के लिए - एक छवि-रूपक बनाने के लिए छवियों, कपड़ों, स्थितियों के एक निश्चित आदर्शीकरण का नेतृत्व किया। जीवन, प्रकृति को देखते हुए, कलाकार ने इस पर पुनर्विचार किया , दृश्यमान काव्य बनाना। स्वामी, उन छवियों को जन्म देना जो पहले कला के लिए नहीं जानी जाती थीं, और XIX सदी की पहली छमाही के रोमांटिकतावाद की विशेषताओं में से एक है। ... "एक पिता का चित्र (ए. के. श्वाल्बे)"(1804) विशेष रूप से कला और चित्र शैली के ओरेस्ट किप्रेंस्की द्वारा चित्रित किया गया था।

रूसी रूमानियत की सबसे महत्वपूर्ण उपलब्धियाँ चित्र शैली में काम हैं। रूमानियत के सबसे चमकीले और बेहतरीन उदाहरण प्रारंभिक काल से हैं। इटली की अपनी यात्रा से बहुत पहले, 1816 में, किप्रेंस्की, जो आंतरिक रूप से एक रोमांटिक दुनिया के अवतार के लिए तैयार थे, ने पुराने उस्तादों के चित्रों को नई आँखों से देखा। गहरा रंग, प्रकाश द्वारा हाइलाइट किए गए आंकड़े, जलते हुए रंग, गहन नाटक का उन पर गहरा प्रभाव था। "एक पिता का चित्र" निस्संदेह रेम्ब्रांट से प्रेरित था। लेकिन रूसी कलाकार ने महान डचमैन से केवल बाहरी तकनीकें लीं। "एक पिता का चित्र" एक बिल्कुल स्वतंत्र कार्य है, जिसमें अपनी आंतरिक ऊर्जा और कलात्मक अभिव्यक्ति की शक्ति है। एल्बम पोर्ट्रेट की एक विशिष्ट विशेषता उनके निष्पादन की जीवंतता है। कोई तस्वीर नहीं है - कागज पर उसने जो देखा उसका तत्काल हस्तांतरण ग्राफिक अभिव्यक्ति की एक अनूठी ताजगी पैदा करता है। इसलिए, चित्रों में दर्शाए गए लोग हमारे करीब और समझने योग्य प्रतीत होते हैं।

विदेशियों ने किप्रेंस्की को रूसी वैन डाइक कहा, उनके चित्र दुनिया भर के कई संग्रहालयों में हैं। लेवित्स्की और बोरोविकोवस्की के काम के उत्तराधिकारी, एल। इवानोव और के। ब्रायलोव के पूर्ववर्ती, किप्रेंस्की ने अपने काम से रूसी कला विद्यालय को यूरोपीय प्रसिद्धि दी। अलेक्जेंडर इवानोव के शब्दों में, "वह यूरोप में रूसी नाम लाने वाले पहले व्यक्ति थे ..."।

एक व्यक्ति के व्यक्तित्व में बढ़ती रुचि, रूमानियत की विशेषता, ने 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में चित्र शैली के उत्कर्ष को पूर्व निर्धारित किया, जहां स्व-चित्र प्रमुख विशेषता बन गया। एक नियम के रूप में, स्व-चित्र का निर्माण एक आकस्मिक प्रकरण नहीं था। कलाकारों ने बार-बार खुद को लिखा और चित्रित किया, और ये रचनाएँ आत्मा की विभिन्न अवस्थाओं और जीवन के चरणों को दर्शाती एक प्रकार की डायरी बन गईं, और साथ ही, वे अपने समकालीनों को संबोधित एक घोषणापत्र थे। आत्म चित्रएक कस्टम शैली नहीं थी, कलाकार ने अपने लिए लिखा और यहाँ, जैसा कि पहले कभी नहीं था, आत्म-अभिव्यक्ति में स्वतंत्र हो गया। 18 वीं शताब्दी में, रूसी कलाकारों ने शायद ही कभी लेखक की छवियों को चित्रित किया, केवल व्यक्ति के अपने पंथ के साथ रोमांटिकतावाद, विशेष रूप से इस शैली के उदय में योगदान दिया। विभिन्न प्रकार के स्व-चित्र एक समृद्ध और बहुमुखी व्यक्तित्व के रूप में कलाकारों की धारणा को दर्शाते हैं। वे कभी-कभी निर्माता की सामान्य और प्राकृतिक भूमिका में दिखाई देते हैं ("एजी वर्नेक द्वारा "वेलवेट बेरेट में सेल्फ-पोर्ट्रेट", 1810 के दशक में), फिर वे अतीत में डुबकी लगाते हैं, जैसे कि खुद पर कोशिश कर रहे हों ("हेलमेट में सेल्फ-पोर्ट्रेट" और कवच" एफआई यानेंको द्वारा, 1792), या, अधिक बार, बिना किसी पेशेवर विशेषताओं के प्रकट होता है, प्रत्येक व्यक्ति के महत्व और आंतरिक मूल्य की पुष्टि करता है, मुक्त और दुनिया के लिए खुला, मांग और भागता है, उदाहरण के लिए, एफए ब्रूनी और 1810 के दशक के स्व-चित्रों में ओए ओरलोवस्की। संवाद और खुलेपन के लिए तत्परता, 1810-1820 के कार्यों के आलंकारिक समाधान की विशेषता, धीरे-धीरे थकान और निराशा, विसर्जन, स्वयं में वापसी (एम। आई। तेरेबेनेव द्वारा "सेल्फ-पोर्ट्रेट") द्वारा प्रतिस्थापित की जाती है। यह प्रवृत्ति सामान्य रूप से चित्र शैली के विकास में परिलक्षित हुई।

किप्रेंस्की के स्व-चित्र दिखाई दिए, जो ध्यान देने योग्य है, जीवन के महत्वपूर्ण क्षणों में, उन्होंने मानसिक शक्ति के उत्थान या पतन की गवाही दी। कलाकार ने अपनी कला के माध्यम से खुद को देखा। उसी समय, उन्होंने अधिकांश चित्रकारों की तरह दर्पण का उपयोग नहीं किया; उन्होंने अपने बारे में मुख्य रूप से प्रतिनिधित्व के आधार पर लिखा, वे अपनी आत्मा को व्यक्त करना चाहते थे, लेकिन अपनी उपस्थिति को नहीं।

"कान के पीछे ब्रश के साथ स्व-चित्र"छवि के बाहरी महिमामंडन, इसकी शास्त्रीय आदर्शता और आदर्श निर्माण में इनकार, और स्पष्ट रूप से प्रदर्शनकारी पर निर्मित। चेहरे की विशेषताओं को मोटे तौर पर सामान्य रूप से रेखांकित किया गया है। साइड लाइट चेहरे पर पड़ती है, केवल साइड फीचर्स को हाइलाइट करती है। प्रकाश के व्यक्तिगत प्रतिबिंब कलाकार की आकृति पर पड़ते हैं, जो चित्र की पृष्ठभूमि का प्रतिनिधित्व करने वाले बमुश्किल अलग-अलग चिलमन पर बुझ जाते हैं। यहां सब कुछ जीवन, भावनाओं, मनोदशाओं की अभिव्यक्ति के अधीन है। यह स्व-चित्र की कला के माध्यम से रोमांटिक कला पर एक नज़र है। रचनात्मकता के रहस्यों में कलाकार की भागीदारी रहस्यमय रोमांटिक "19 वीं शताब्दी के sfumato" में व्यक्त की गई है। एक अजीबोगरीब हरा-भरा स्वर कलात्मक दुनिया का एक विशेष वातावरण बनाता है, जिसके केंद्र में स्वयं कलाकार होता है।

इस स्व-चित्र के साथ लगभग एक साथ लिखा गया था और "गुलाबी गले में स्व-चित्र"जहां एक और छवि सन्निहित है। एक चित्रकार के पेशे के सीधे संदर्भ के बिना। सहज, स्वाभाविक रूप से स्वतंत्र महसूस करने वाले एक युवक की छवि को फिर से बनाया गया है। कैनवास की सुरम्य सतह का सूक्ष्म रूप से निर्माण किया गया है। कलाकार का ब्रश आत्मविश्वास के साथ पेंट लगाता है। छोटे और बड़े स्ट्रोक छोड़कर। रंग शानदार ढंग से विकसित होते हैं, रंग सुस्त होते हैं, एक-दूसरे के साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त होते हैं, प्रकाश शांत होता है: प्रकाश धीरे-धीरे युवक के चेहरे पर पड़ता है, उसकी विशेषताओं को रेखांकित करता है, बिना अनावश्यक अभिव्यक्ति और विरूपण के।

एक और उत्कृष्ट चित्रकार वेनेत्सियानोव था। 1811 में उन्होंने अकादमी से शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त की, जिसे "सेल्फ-पोर्ट्रेट" और "पोर्ट्रेट ऑफ के। गोलोवाचेवस्की के तीन छात्रों के साथ कला अकादमी के लिए नियुक्त किया गया"। ये उत्कृष्ट कार्य हैं।

वेनेत्सियानोव के असली कौशल ने खुद को घोषित किया "आत्म चित्र" 1811 वर्ष. उस समय खुद को चित्रित करने वाले अन्य कलाकारों की तुलना में इसे अलग तरह से चित्रित किया गया था - ए। ओरलोवस्की, ओ। किप्रेंस्की, ई। वर्नेक और यहां तक ​​​​कि सर्फ वी। ट्रोपिनिन। उन सभी के लिए रोमांटिक प्रभामंडल में खुद की कल्पना करना आम बात थी, उनके सेल्फ-पोर्ट्रेट पर्यावरण के एक तरह के काव्यात्मक विरोध थे। कलात्मक प्रकृति की विशिष्टता मुद्रा, इशारों और विशेष रूप से कल्पना की गई पोशाक की असामान्यता में प्रकट हुई थी। वेनेत्सियानोव के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" में, शोधकर्ताओं ने ध्यान दिया, सबसे पहले, एक व्यस्त व्यक्ति की सख्त और तनावपूर्ण अभिव्यक्ति ... सही दक्षता, जो ड्रेसिंग गाउन द्वारा इंगित दिखावटी "कलात्मक लापरवाही" से भिन्न होती है या अन्य कलाकार की। वेनिज़ियानोव खुद को संयम से देखता है। उनके लिए कला एक प्रेरित आवेग नहीं है, बल्कि एक ऐसा मामला है जिसमें एकाग्रता और ध्यान की आवश्यकता होती है। आकार में छोटा, अपने जैतून के स्वर में लगभग मोनोक्रोम, बेहद सटीक लिखा गया, यह एक ही समय में सरल और जटिल है। पेंटिंग के बाहरी पक्ष से आकर्षित न होकर, वह अपनी निगाहों से रुक जाता है। चश्मे के पतले सोने के फ्रेम के आदर्श रूप से पतले रिम्स छिपते नहीं हैं, बल्कि आंखों के तेज-तर्रार तीखेपन पर जोर देते हैं, प्रकृति की ओर इतना अधिक निर्देशित नहीं है (कलाकार ने खुद को पैलेट और हाथों में ब्रश के साथ चित्रित किया है), लेकिन अपने विचारों की गहराई में। एक बड़ा चौड़ा माथा, चेहरे का दाहिना हिस्सा, सीधी रोशनी से प्रकाशित, और एक सफेद शर्ट-सामने एक हल्का त्रिकोण बनाता है, जो मुख्य रूप से दर्शकों की आंखों को आकर्षित करता है, जो अगले पल में, दाहिने हाथ की गति के बाद एक पतली पकड़ लेता है ब्रश, पैलेट पर नीचे की ओर स्लाइड करता है। बालों की लहराती किस्में, एक चमकदार फ्रेम के धनुष, कॉलर के चारों ओर एक ढीली टाई, एक नरम कंधे की रेखा और अंत में, पैलेट का एक विस्तृत अर्धवृत्त चिकनी, तरल रेखाओं की एक चल प्रणाली बनाता है, जिसके अंदर तीन मुख्य बिंदु होते हैं: पुतलियों की छोटी सी चकाचौंध, और शर्ट के सामने का नुकीला सिरा, पैलेट और ब्रश के साथ लगभग बंद होना। एक चित्र की रचना के निर्माण में इस तरह की लगभग गणितीय गणना छवि को आंशिक आंतरिक स्थिरता देती है और यह मानने का कारण देती है कि लेखक के पास एक विश्लेषणात्मक दिमाग है, जो वैज्ञानिक सोच के लिए इच्छुक है। "सेल्फ-पोर्ट्रेट" में किसी भी रूमानियत का कोई निशान नहीं है, जो तब अक्सर होता था जब कलाकार खुद को चित्रित करते थे। यह एक कलाकार-शोधकर्ता, कलाकार-विचारक और मेहनती कार्यकर्ता का स्व-चित्र है।

एक और टुकड़ा - गोलोवाचेव्स्की का चित्र- एक तरह की साजिश रचना के रूप में कल्पना की गई: अकादमी के स्वामी की पुरानी पीढ़ी, पुराने निरीक्षक द्वारा प्रतिनिधित्व, बढ़ती प्रतिभाओं को निर्देश देती है: एक चित्रकार (चित्रों के एक फ़ोल्डर के साथ। एक वास्तुकार और एक मूर्तिकार। किशोरों को कुछ व्याख्या करता है) पुस्तक में पढ़ा गया पृष्ठ। अभिव्यक्ति की ईमानदारी को चित्र की सुरम्य संरचना में समर्थन मिलता है: इसके मंद, सूक्ष्म और खूबसूरती से सामंजस्यपूर्ण रंगीन स्वर शांति और गंभीरता की छाप पैदा करते हैं। आंतरिक महत्व से भरे खूबसूरती से चित्रित चेहरे। चित्र उनमें से एक था रूसी चित्रकला की सर्वोच्च उपलब्धियां पेंटिंग।

और 1800 के दशक में ओरलोव्स्की के काम में, चित्र दिखाई देते हैं, ज्यादातर चित्र के रूप में। 1809 तक, भावनात्मक रूप से समृद्ध पोर्ट्रेट शीट जैसी थी "आत्म चित्र"... संगीन और चारकोल (चाक से प्रकाशित) के एक सुस्वाद मुक्त स्पर्श से भरा हुआ, ओरलोवस्की का सेल्फ-पोर्ट्रेट अपनी कलात्मक अखंडता, विशिष्ट छवि, निष्पादन की कलात्मकता के साथ आकर्षित करता है। साथ ही, यह हमें ओरलोवस्की की कला के कुछ विशिष्ट पहलुओं को समझने की अनुमति देता है। ऑरलोव्स्की के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" में निश्चित रूप से उन वर्षों के कलाकार की विशिष्ट उपस्थिति को सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत करने का लक्ष्य नहीं है। हमारे सामने - कई तरह से जानबूझकर। एक "कलाकार" की अतिरंजित उपस्थिति अपने स्वयं के "मैं" को आसपास की वास्तविकता का विरोध करती है, वह अपनी उपस्थिति की "शालीनता" से चिंतित नहीं है: एक कंघी और ब्रश ने उसके रसीले बालों को नहीं छुआ, उसके कंधे पर है एक खुले कॉलर के साथ एक होम शर्ट के ठीक ऊपर एक चेकर क्लोक का किनारा। स्थानांतरित भौंहों के नीचे से "उदास" टकटकी के साथ सिर का एक तेज मोड़, एक चित्र का एक क्लोज-अप शॉट जिसमें चेहरे को क्लोज-अप, हल्के विरोधाभासों में दर्शाया गया है - यह सब विरोध के मुख्य प्रभाव को प्राप्त करने के उद्देश्य से है पर्यावरण के लिए चित्रित व्यक्ति (और इस प्रकार दर्शक के लिए)।

व्यक्तित्व की पुष्टि का मार्ग - उस समय की कला में सबसे प्रगतिशील विशेषताओं में से एक - चित्र का मुख्य वैचारिक और भावनात्मक स्वर बनाता है, लेकिन एक अजीबोगरीब पहलू में प्रकट होता है जो उस अवधि की रूसी कला में लगभग नहीं पाया जाता है। व्यक्तित्व की पुष्टि उसके आंतरिक दुनिया के धन के प्रकटीकरण के माध्यम से नहीं, बल्कि उसके चारों ओर की हर चीज को खारिज करने के एक और बाहरी तरीके से होती है। साथ ही, छवि निस्संदेह गरीब, सीमित दिखती है।

उस समय की रूसी चित्र कला में इस तरह के समाधान खोजना मुश्किल है, जहां पहले से ही 18 वीं शताब्दी के मध्य में नागरिक और मानवतावादी उद्देश्यों की आवाज तेज थी और एक व्यक्ति के व्यक्तित्व ने पर्यावरण के साथ मजबूत संबंध कभी नहीं तोड़े। एक बेहतर, लोकतांत्रिक सामाजिक व्यवस्था का सपना देखते हुए, उस युग के रूस के सर्वश्रेष्ठ लोग वास्तविकता से बिल्कुल भी नहीं टूटे, उन्होंने जानबूझकर "व्यक्तिगत स्वतंत्रता" के व्यक्तिवादी पंथ को खारिज कर दिया, जो पश्चिमी यूरोप की धरती पर पनपा, बुर्जुआ द्वारा फटकारा गया क्रांति। यह स्पष्ट रूप से रूसी चित्रकला में वास्तविक कारकों के प्रतिबिंब के रूप में प्रकट हुआ। किसी को केवल ओरलोवस्की के सेल्फ-पोर्ट्रेट की एक साथ तुलना करनी है "आत्म चित्र"किप्रेंस्की (उदाहरण के लिए, 1809), ताकि दो चित्रकारों के बीच एक गंभीर आंतरिक अंतर तुरंत स्पष्ट हो जाए।

किप्रेंस्की भी एक व्यक्ति के व्यक्तित्व को "हीरो" करते हैं, लेकिन वह इसके वास्तविक आंतरिक मूल्यों को दिखाता है। कलाकार के चेहरे में, दर्शक एक मजबूत दिमाग, चरित्र, नैतिक शुद्धता की विशेषताओं को अलग करता है।

किप्रेंस्की का पूरा रूप अद्भुत बड़प्पन और मानवता से आच्छादित है। वह अपने आस-पास की दुनिया में "अच्छे" और "बुरे" के बीच अंतर करने में सक्षम है और दूसरे को खारिज करते हुए, पहले प्यार और मूल्य की सराहना करते हैं, समान विचारधारा वाले लोगों को प्यार और महत्व देते हैं। साथ ही, निस्संदेह, हमारे पास एक मजबूत व्यक्तित्व है, जो अपने व्यक्तिगत गुणों के मूल्य की चेतना पर गर्व करता है। चित्र छवि की ठीक यही अवधारणा किप्रेंस्की द्वारा डी। डेविडोव के प्रसिद्ध वीर चित्र को रेखांकित करती है।

ओरलोव्स्की, किप्रेंस्की की तुलना में, साथ ही उस समय के कुछ अन्य रूसी चित्रकारों के साथ, अधिक सीमित, अधिक सीधे और बाहरी रूप से एक "मजबूत व्यक्तित्व" की छवि को हल करता है, स्पष्ट रूप से बुर्जुआ फ्रांस की कला पर ध्यान केंद्रित करता है। जब आप उनके "सेल्फ़-पोर्ट्रेट" को देखते हैं, तो ए. ग्रो और गेरिकॉल्ट के चित्र अनायास ही दिमाग में आ जाते हैं। 1810 के ओरलोवस्की की प्रोफ़ाइल "सेल्फ-पोर्ट्रेट", व्यक्तिवादी "आंतरिक शक्ति" के अपने पंथ के साथ, हालांकि, 1809 के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" के पहले से ही कठोर "स्केच" रूप से रहित या "ड्यूपोर्ट का पोर्ट्रेट"।उत्तरार्द्ध में, ओरलोवस्की, जैसा कि सेल्फ-पोर्ट्रेट में है, सिर और कंधों के तेज, लगभग क्रॉस मूवमेंट के साथ एक शानदार, "वीर" मुद्रा का उपयोग करता है। वह ड्यूपोर्ट के चेहरे की अनियमित संरचना पर जोर देता है, उसके बिखरे बाल, एक चित्र छवि बनाने के लक्ष्य के साथ जो अपने अद्वितीय, यादृच्छिक चरित्र में आत्मनिर्भर है।

"परिदृश्य एक चित्र होना चाहिए", - के.एन. बट्युशकोव ने लिखा। शैली की ओर रुख करने वाले अधिकांश कलाकारों ने अपने काम में इस रवैये का पालन किया। परिदृश्य।स्पष्ट अपवादों में ए.ओ. ओर्लोव्स्की ("सी व्यू", 1809) शानदार परिदृश्य की ओर अग्रसर थे; ए. जी. वर्नेक ("रोम के वातावरण में देखें", 1809); पी. वी. बेसिन ("द स्काई एट सनसेट इन द विसिनिटी ऑफ रोम", "इवनिंग लैंडस्केप", दोनों - 1820)। विशिष्ट प्रकारों का निर्माण करते हुए, उन्होंने संवेदना, भावनात्मक संतृप्ति की तात्कालिकता को बनाए रखा, रचनात्मक तकनीकों के साथ स्मारकीय ध्वनि तक पहुंचें।

युवा ओर्लव्स्की ने प्रकृति में केवल टाइटैनिक बलों को देखा, जो मनुष्य की इच्छा के अधीन नहीं थे, जो तबाही, आपदा पैदा करने में सक्षम थे। उग्र समुद्री तत्व के साथ मनुष्य का संघर्ष उसके "विद्रोही" रोमांटिक काल के कलाकार के पसंदीदा विषयों में से एक है। यह 1809 से 1810 तक उनके चित्र, जल रंग और तेल चित्रों की सामग्री बन गया। दुखद दृश्य तस्वीर में दिखाया गया है "जहाज़ की तबाही"(1809 (?)). जमीन पर गिरे अँधेरे में, प्रचंड लहरों के बीच, डूबते हुए मछुआरे उन तटीय चट्टानों पर चढ़ जाते हैं, जिन पर उनका जहाज दुर्घटनाग्रस्त हो गया था। गंभीर लाल रंग के स्वरों में बना रंग, चिंता की भावना को बढ़ाता है। शक्तिशाली लहरों के भयानक छापे, एक तूफान का पूर्वाभास, और दूसरी तस्वीर में - "समुद्र तट पर"(1809)। यह तूफानी आकाश में भी एक बड़ी भावनात्मक भूमिका निभाता है, जो अधिकांश रचना लेता है। यद्यपि ओरलोवस्की हवाई परिप्रेक्ष्य की कला को नहीं जानते थे, फिर भी योजनाओं के क्रमिक संक्रमण को यहां अधिक सामंजस्यपूर्ण और नरम तरीके से हल किया गया था। रंग हल्का हो गया है। लाल-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर मछुआरों के कपड़ों के लाल धब्बे खूबसूरती से खेलते हैं। जल रंग में बेचैन और परेशान करने वाला समुद्री तत्व "सेलबोट"(लगभग 1812)। और यहां तक ​​कि जब हवा पाल को नहीं फहराती है और पानी की सतह को पानी के रंग की तरह नहीं लहराती है "जहाजों के साथ सीस्केप"(लगभग 1810), दर्शक इस बात का पूर्वाभास नहीं छोड़ते कि शांति के बाद तूफान आएगा।

सभी नाटक और भावनात्मक उत्तेजना के लिए, कला के क्लासिक्स की प्रत्यक्ष नकल के परिणामस्वरूप ओर्लोवस्की के समुद्री दृश्य वायुमंडलीय घटनाओं के उनके अवलोकन का फल नहीं हैं। विशेष रूप से, जे वर्नेट।

S.F.Shchedrin के परिदृश्य एक अलग चरित्र के थे। वे मनुष्य और प्रकृति के सह-अस्तित्व के सामंजस्य से भरे हुए हैं ("समुद्र के द्वारा छत। सोरेंटो के पास कैपुचिनी", 1827)। नेपल्स और उनके ब्रश के वातावरण के असंख्य विचारों को असाधारण सफलता और लोकप्रियता मिली।

रूसी चित्रकला में सेंट पीटर्सबर्ग की एक रोमांटिक छवि का निर्माण एम। एन। वोरोबिएव के काम से जुड़ा है। उनके कैनवस पर, शहर रहस्यमयी पीटर्सबर्ग कोहरे में डूबा हुआ दिखाई दिया, सफेद रातों की एक नरम धुंध और समुद्र की नमी से संतृप्त वातावरण, जहां इमारतों की रूपरेखा मिट जाती है, और चांदनी संस्कार को पूरा करती है। वही गीतात्मक शुरुआत उनके द्वारा किए गए सेंट पीटर्सबर्ग परिवेश के विचारों को अलग करती है ("सेंट पीटर्सबर्ग के वातावरण में सूर्यास्त", 1832)। लेकिन उत्तरी राजधानी को कलाकारों ने प्राकृतिक तत्वों के टकराव और संघर्ष के क्षेत्र के रूप में एक अलग, नाटकीय तरीके से देखा (वी। ये। राव "एक थंडरस्टॉर्म के दौरान सिकंदर का कॉलम", 1834)।

के शानदार चित्रों में आई.के. फिर भी, मास्टर की विरासत में एक बड़ा स्थान रात के समुद्री दृश्यों द्वारा कब्जा कर लिया गया है जो विशिष्ट स्थानों को समर्पित है जहां तूफान रात के जादू को रास्ता देता है, एक समय जो रोमांटिक लोगों के विचारों के अनुसार, एक रहस्यमय आंतरिक जीवन से भरा होता है, और जहां कलाकार की सचित्र खोज का उद्देश्य असाधारण प्रकाश प्रभाव निकालना है ("एक चांदनी रात में ओडेसा का दृश्य", "चांदनी द्वारा कॉन्स्टेंटिनोपल का दृश्य", दोनों - 1846)।

प्राकृतिक तत्वों का विषय और आश्चर्य से पकड़ा गया व्यक्ति - रोमांटिक कला का एक पसंदीदा विषय, 1800-1850 के कलाकारों द्वारा अलग-अलग तरीकों से व्याख्या किया गया था। रचनाएँ वास्तविक घटनाओं पर आधारित थीं, लेकिन छवियों का अर्थ उनके उद्देश्यपूर्ण पुनर्लेखन में नहीं है। एक विशिष्ट उदाहरण प्योत्र बेसिन की पेंटिंग है "रोम के पास रोक्का डि पापा भूकंप"(1830)। यह किसी विशिष्ट घटना के वर्णन के लिए इतना समर्पित नहीं है जितना कि तत्वों की अभिव्यक्ति का सामना करने वाले व्यक्ति के भय और भय की छवि के लिए।

इस युग की रूसी चित्रकला के प्रमुख व्यक्ति केपी ब्रायलोव (1799-1852) और ए.ए. इवानोव (1806 - 1858)। रूसी चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन के.पी. ब्रायलोव, जबकि अभी भी कला अकादमी के छात्र थे, ने ड्राइंग के अतुलनीय कौशल में महारत हासिल की। रचनात्मकता ब्रायलोव को आमतौर पर "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" से पहले और बाद में विभाजित किया जाता है। पहले क्या बनाया था….?!

"इटैलियन मॉर्निंग" (1823), "हर्मिलिया एट द शेफर्ड्स" (1824) टोरक्वेटो टैसो की कविता पर आधारित "जेरूसलम की मुक्ति", "इतालवी दोपहर" ("इतालवी महिला को हटाने वाले अंगूर", 1827), "घुड़सवार" (1830) ), "बतशेबा" (1832) - ये सभी चित्र जीवन के उज्ज्वल, निर्विवाद आनंद से ओत-प्रोत हैं। इस तरह के काम पुश्किन, बट्युशकोव, व्यज़ेम्स्की, डेलविग के शुरुआती महाकाव्य छंदों के अनुरूप थे। महान आचार्यों की नकल पर आधारित पुरानी शैली ने ब्रायलोव को संतुष्ट नहीं किया, और उन्होंने "इतालवी सुबह", "इतालवी दोपहर", "बाथशेबा" को खुली हवा में चित्रित किया।

चित्र पर काम करते हुए, ब्रायलोव ने जीवन से केवल सिर को चित्रित किया। बाकी सब कुछ अक्सर उसकी कल्पना से तय होता था। ऐसे मुक्त रचनात्मक आशुरचना का फल है "राइडर"।चित्र में मुख्य बात एक भड़कीले, मँडराते हुए नथुने और जगमगाती आँखों वाले जानवर के विपरीत है और एक सुंदर घुड़सवार है जो शांति से घोड़े की मूर्ख ऊर्जा को नियंत्रित करता है (जानवरों को वश में करना शास्त्रीय मूर्तिकारों का पसंदीदा विषय है, ब्रायलोव ने इसे पेंटिंग में हल किया)।

वी "बतशेबा"कलाकार बाइबिल की कहानी का उपयोग खुली हवा में नग्न शरीर को दिखाने और निष्पक्ष त्वचा पर प्रकाश और प्रतिबिंब के खेल को व्यक्त करने के लिए एक बहाने के रूप में करता है। बतशेबा में, उन्होंने आनंद और खुशी से भरी एक युवती की छवि बनाई। जैतून का साग, चेरी के कपड़े, एक पारदर्शी जलाशय से घिरा नग्न शरीर चमकता और चमकता है। नरम लोचदार शरीर के आकार खूबसूरती से सफेद कपड़े और बाथशेबा की सेवा करने वाली अरब महिला के चॉकलेट रंग के साथ संयुक्त होते हैं। शरीर, तालाब, वस्त्रों की बहने वाली रेखाएं चित्र की रचना को एक सहज लय प्रदान करती हैं।

पेंटिंग में एक नया शब्द बन गया पेंटिंग "पोम्पेई का आखिरी दिन"(1827-1833)। उन्होंने अपने जीवनकाल में कलाकार का नाम अमर और बहुत प्रसिद्ध किया।

इसका कथानक, जाहिरा तौर पर, भाई अलेक्जेंडर के प्रभाव में चुना गया था, जिसने पोम्पियन खंडहरों का गहन अध्ययन किया था। लेकिन पेंटिंग के कारण गहरे हैं। गोगोल ने इस पर ध्यान दिया, और हर्ज़ेन ने स्पष्ट रूप से कहा कि द लास्ट डे ऑफ़ पोम्पेई में, शायद, रूस में डिसमब्रिस्ट विद्रोह की हार के कारण कलाकार के विचारों और भावनाओं का एक अचेतन प्रतिबिंब, ने अपना स्थान पाया। बिना कारण नहीं, मरते हुए पोम्पी में उग्र तत्वों के पीड़ितों के बीच, ब्रायलोव ने अपना आत्म-चित्र रखा और चित्र में अन्य पात्रों को अपने रूसी परिचितों की विशेषताएं दीं।

ब्रायलोव के इतालवी दल ने भी एक भूमिका निभाई, जो उन्हें पिछले वर्षों में इटली में आए क्रांतिकारी तूफानों के बारे में बता सकता है, प्रतिक्रिया के वर्षों में कार्बोनारी के दुखद भाग्य के बारे में।

पोम्पेई की मृत्यु की भव्य तस्वीर ऐतिहासिकता की भावना से ओत-प्रोत है, यह एक ऐतिहासिक युग से दूसरे युग में परिवर्तन, प्राचीन बुतपरस्ती के दमन और एक नए ईसाई धर्म की शुरुआत को दर्शाती है।

कलाकार इतिहास के पाठ्यक्रम को नाटकीय रूप से, युगों के परिवर्तन को मानवता के लिए एक आघात के रूप में मानता है। रचना के केंद्र में, एक महिला जो रथ से गिर गई और दुर्घटनाग्रस्त हो गई, स्पष्ट रूप से प्राचीन दुनिया के निधन का प्रतीक थी। लेकिन कलाकार ने एक जीवित बच्चे को मां के शरीर के पास रख दिया। बच्चों और माता-पिता, एक जवान आदमी और एक बूढ़ी औरत, एक मां, बेटे और एक बूढ़े पिता को चित्रित करते हुए, कलाकार ने पुरानी पीढ़ियों को दिखाया जो इतिहास में जा रही हैं और नई पीढ़ी उन्हें बदलने के लिए आ रही हैं। एक पुरानी दुनिया के मलबे पर धूल में गिरने पर एक नए युग का जन्म ब्रायलोव की पेंटिंग का वास्तविक विषय है। इतिहास चाहे जितने भी मोड़ क्यों न लाए, मानव जाति का अस्तित्व नहीं रुकता और जीवन की उसकी प्यास मिटती नहीं है। पोम्पेई के अंतिम दिन के पीछे यह मूल विचार है। यह तस्वीर मानवता की सुंदरता का एक भजन है, जो इतिहास के सभी चक्रों में अमर है।

कैनवास को 1833 में मिलान कला प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था, इसने उत्साही प्रतिक्रियाओं की झड़ी लगा दी। अच्छी तरह से पहना इटली पर विजय प्राप्त की गई थी। ब्रायलोव के शिष्य जी जी गगारिन ने गवाही दी: “इस महान कार्य ने इटली में असीम उत्साह जगाया। जिन शहरों में पेंटिंग का प्रदर्शन किया गया था, कलाकार के लिए औपचारिक स्वागत समारोह आयोजित किए गए थे, कविता उन्हें समर्पित थी, उन्हें संगीत, फूलों और मशालों के साथ सड़कों पर ले जाया गया था ... हर जगह उन्हें एक प्रसिद्ध, विजयी प्रतिभा के रूप में सम्मान के साथ प्राप्त किया गया था, सभी ने समझा और सराहा।"

अंग्रेजी लेखक वाल्टर स्कॉट (रोमांटिक साहित्य के प्रतिनिधि, अपने ऐतिहासिक उपन्यासों के लिए प्रसिद्ध) ने ब्रायलोव के स्टूडियो में एक घंटा बिताया, जिसके बारे में उन्होंने कहा कि यह एक तस्वीर नहीं थी, बल्कि एक पूरी कविता थी। मिलान, फ्लोरेंस, बोलोग्ना और पर्मा की कला अकादमियों ने रूसी चित्रकार को अपना मानद सदस्य चुना।

ब्रायलोव के कैनवास ने पुश्किन और गोगोल से उत्साही प्रतिक्रियाएँ प्राप्त कीं।

विसुवियस ने मुंह खोला - एक क्लब-लौ में धुआं निकला

यह व्यापक रूप से एक युद्ध बैनर के रूप में विकसित हुआ है।

पृथ्वी हिल गई है - रीलिंग कॉलम से

मूर्तियाँ गिर रही हैं! ..

पुश्किन ने चित्र की छाप के तहत लिखा।

ब्रायलोव के साथ शुरुआत, इतिहास में महत्वपूर्ण मोड़ रूसी ऐतिहासिक चित्रकला का मुख्य विषय बन गया, जहां भव्य लोक दृश्यों को चित्रित किया गया था, जहां प्रत्येक व्यक्ति एक ऐतिहासिक नाटक में भागीदार होता है, जहां कोई मुख्य या माध्यमिक नहीं होता है।

"पोम्पिया" सामान्य रूप से, क्लासिकवाद से संबंधित है। कलाकार ने कैनवास पर मानव शरीर की प्लास्टिसिटी को कुशलता से प्रकट किया। लोगों के सभी मानसिक आंदोलनों को ब्रायलोव द्वारा मुख्य रूप से प्लास्टिक की भाषा में प्रसारित किया गया था। एक तूफानी आंदोलन में दिए गए व्यक्तिगत आंकड़े संतुलित, जमे हुए समूहों में एकत्र किए जाते हैं। प्रकाश की चमक शरीर के आकार पर जोर देती है और मजबूत चित्रकारी प्रभाव पैदा नहीं करती है। हालांकि, पोम्पेई के जीवन में एक असाधारण घटना का चित्रण करते हुए, चित्र की रचना, जिसमें केंद्र में एक मजबूत सफलता है, रोमांटिकतावाद से प्रेरित थी।

दुनिया की एक धारणा के रूप में रूस में स्वच्छंदतावाद 18 वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक अपनी पहली लहर में मौजूद था। रूसी कला में रोमांटिक की रेखा 1850 के दशक में समाप्त नहीं हुई थी। कला के लिए रोमांटिक द्वारा खोला गया, "ब्लू रोज़" के कलाकारों के बीच बाद में विकसित होने की स्थिति का विषय। रोमांटिक लोगों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, उद्देश्यों, अभिव्यंजक तकनीकों ने विभिन्न शैलियों, प्रवृत्तियों, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया। रोमांटिक दृष्टिकोण या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़ और फलदायी साबित हुई।

एक सामान्य दृष्टिकोण के रूप में स्वच्छंदतावाद, मुख्य रूप से युवा लोगों की विशेषता, आदर्श और रचनात्मक स्वतंत्रता के लिए प्रयास के रूप में, अभी भी विश्व कला में लगातार रह रहा है।

ग) संगीत

अपने शुद्धतम रूप में स्वच्छंदतावाद पश्चिमी यूरोपीय कला की एक घटना है। XIX सदी के रूसी संगीत में। ग्लिंका से त्चिकोवस्की तक, क्लासिकवाद की विशेषताओं को रोमांटिकतावाद की विशेषताओं के साथ जोड़ा गया था, प्रमुख तत्व एक उज्ज्वल, विशिष्ट राष्ट्रीय सिद्धांत था। रूस में स्वच्छंदतावाद ने एक अप्रत्याशित वृद्धि दी जब यह प्रवृत्ति अतीत की बात लगती थी। 20वीं सदी के दो संगीतकारों, स्क्रिपाइन और राचमानिनोव ने एक बार फिर रूमानियत की ऐसी विशेषताओं को पुनर्जीवित किया, जैसे कि कल्पना की अनर्गल उड़ान और गीतों की ईमानदारी। इसलिए, XIX सदी। संगीत क्लासिक्स की सदी कहा जाता है।

समय (1812, डिसमब्रिस्ट विद्रोह, आगामी प्रतिक्रिया) ने संगीत पर छाप छोड़ी। हम जो भी शैली चुनते हैं - रोमांस, ओपेरा, बैले, चैम्बर संगीत - हर जगह रूसी संगीतकारों ने अपना नया शब्द कहा है।

रूस का संगीत, अपने सभी सैलून लालित्य और पेशेवर वाद्य की परंपराओं के सख्त पालन के साथ, सोनाटा-सिम्फोनिक लेखन सहित, रूसी लोककथाओं के अद्वितीय मोडल रंग और लयबद्ध संरचना पर आधारित है। कुछ - व्यापक रूप से रोजमर्रा के गीत पर आधारित, अन्य - संगीत बजाने के मूल रूपों पर, और अभी भी अन्य - प्राचीन रूसी किसान मोड के प्राचीन तौर-तरीकों पर।

19वीं सदी की शुरुआत - ये रोमांस शैली के पहले और उज्ज्वल उत्कर्ष के वर्ष हैं। अब तक, विनम्र ईमानदार गीत ध्वनि और श्रोताओं को प्रसन्न करते हैं अलेक्जेंडर अलेक्जेंड्रोविच एलियाबयेव (1787-1851)।उन्होंने कई कवियों के छंदों पर रोमांस लिखा, लेकिन वे अमर हैं "बुलबुल"डेलविग के छंदों के लिए, "विंटर रोड", "आई लव यू"पुश्किन के छंदों के लिए।

अलेक्जेंडर येगोरोविच वरलामोव (1801-1848)नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत लिखा, लेकिन हम उन्हें प्रसिद्ध रोमांस से बेहतर जानते हैं "लाल सुंड्रेस", "भोर में, तुम मुझे नहीं जगाते", "अकेला पाल सफेद है"।

अलेक्जेंडर लवोविच गुरिलेव (1803-1858)- संगीतकार, पियानोवादक, वायलिन वादक और शिक्षक, वह इस तरह के रोमांस के मालिक हैं: "घंटी नीरस रूप से बजती है", "धूमिल युवाओं की भोर में"और आदि।

यहां सबसे प्रमुख स्थान पर ग्लिंका के रोमांस का कब्जा है। पुश्किन और ज़ुकोवस्की की कविता के साथ संगीत का ऐसा प्राकृतिक संलयन अभी तक किसी और ने हासिल नहीं किया था।

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका (1804-1857)- पुश्किन के समकालीन (अलेक्जेंडर सर्गेइविच से 5 वर्ष छोटे), रूसी साहित्य के एक क्लासिक, संगीत क्लासिक्स के संस्थापक बने। उनका काम रूसी और विश्व संगीत संस्कृति के शिखर में से एक है। यह सामंजस्यपूर्ण रूप से लोक संगीत की संपत्ति और रचना की उच्चतम उपलब्धियों को जोड़ती है। ग्लिंका की गहरी लोकप्रिय यथार्थवादी रचनात्मकता ने 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में रूसी संस्कृति के शक्तिशाली उत्कर्ष को दर्शाया, जो 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध और डीसमब्रिस्ट आंदोलन से जुड़ा था। प्रकाश, जीवनदायिनी चरित्र, रूपों का सामंजस्य, अभिव्यंजक धुनों की सुंदरता, विविधता, प्रतिभा और सामंजस्य की सूक्ष्मता ग्लिंका के संगीत के सबसे मूल्यवान गुण हैं। प्रसिद्ध ओपेरा में "इवान सुसैनिन"(1836) लोकप्रिय देशभक्ति के विचार को शानदार ढंग से व्यक्त किया गया था; परी-कथा ओपेरा में रूसी लोगों की नैतिक महानता का महिमामंडन किया जाता है " रुस्लान और लुडमिला"... ग्लिंका द्वारा आर्केस्ट्रा कार्य: "वाल्ट्ज-फंतासी", "मैड्रिड में रात"और विशेष रूप से "कमरिंस्काया",रूसी शास्त्रीय सिम्फनी का आधार बनाते हैं। नाटकीय अभिव्यक्ति की शक्ति और त्रासदी के लिए संगीत की विशेषताओं की चमक के लिए उल्लेखनीय "प्रिंस Kholmsky"।ग्लिंका के मुखर गीत (रोमांस .) "मुझे एक अद्भुत क्षण याद है", "संदेह") संगीत में रूसी कविता का एक नायाब अवतार है।

6. पश्चिमी यूरोपीय रोमांस

एक चित्र

यदि क्लासिकवाद का पूर्वज फ्रांस था, तो "रोमांटिक स्कूल की जड़ें ... खोजने के लिए," उनके समकालीनों में से एक ने लिखा, "हमें जर्मनी जाना चाहिए। वह वहाँ पैदा हुई थी, और वहाँ आधुनिक इतालवी और फ्रांसीसी रोमांटिक लोगों ने अपने स्वाद विकसित किए ”।

बिखर जर्मनीक्रांतिकारी उभार को नहीं जानते थे। जर्मन रोमांटिक लोगों में से कई उन्नत सामाजिक विचारों के मार्ग के लिए विदेशी थे। उन्होंने मध्य युग को आदर्श बनाया। उन्होंने खुद को बेहिसाब भावनात्मक आवेगों के हवाले कर दिया, मानव जीवन के परित्याग के बारे में बात की। उनमें से कई की कला निष्क्रिय और चिंतनशील थी। उन्होंने पोर्ट्रेट और लैंडस्केप पेंटिंग के क्षेत्र में अपना सर्वश्रेष्ठ काम किया।

एक उत्कृष्ट चित्रकार ओटो रनगे (1777-1810) था। बाहरी शांति के साथ इस गुरु के चित्र, उनके गहन और तनावपूर्ण आंतरिक जीवन से विस्मित करते हैं।

रूंग इन . द्वारा रोमांटिक कवि की छवि देखी जाती है "आत्म चित्र"।वह ध्यान से खुद की जांच करता है और एक काले बालों वाला, काले आंखों वाला, गंभीर, ऊर्जा से भरा, विचारशील, आत्म-अवशोषित और मजबूत इरादों वाला युवक देखता है। रोमांटिक कलाकार खुद को जानना चाहता है। जिस तरह से चित्र को निष्पादित किया गया है वह तेज और व्यापक है, जैसे कि रचनाकार की आध्यात्मिक ऊर्जा को काम की बनावट में व्यक्त किया जाना चाहिए; गहरे रंग के पैमाने में प्रकाश और अंधेरे के विपरीत दिखाई देते हैं। कंट्रास्ट रोमांटिक मास्टर्स की एक विशिष्ट चित्रात्मक तकनीक है।

एक रोमांटिक कलाकार हमेशा किसी व्यक्ति की मनोदशा के परिवर्तनशील नाटक को पकड़ने, उसकी आत्मा को देखने की कोशिश करेगा। और इस संबंध में, बच्चों के चित्र उसके लिए एक उपजाऊ सामग्री के रूप में काम करेंगे। वी हुलसेनबेक के बच्चों का चित्र(1805) रनगे न केवल एक बच्चे के चरित्र की जीवंतता और सहजता को व्यक्त करता है, बल्कि एक हल्के मूड के लिए एक विशेष विधि भी ढूंढता है, जो दूसरी मंजिल की खुली हवा की खोजों को प्रसन्न करता है। XIX सदी। चित्र में पृष्ठभूमि एक परिदृश्य है, जो न केवल कलाकार के रंगीन उपहार, प्रकृति के प्रति एक सराहनीय दृष्टिकोण की गवाही देता है, बल्कि स्थानिक संबंधों के उत्कृष्ट प्रजनन में नई समस्याओं के उद्भव के लिए, खुली हवा में वस्तुओं के हल्के रंगों की भी गवाही देता है। रोमांटिक मास्टर, ब्रह्मांड की विशालता के साथ अपने "मैं" को मिलाने की इच्छा रखते हुए, प्रकृति के कामुक रूप से मूर्त रूप को पकड़ने का प्रयास करता है। लेकिन छवि की इस कामुकता के साथ, वह बड़ी दुनिया के प्रतीक "कलाकार के विचार" को देखना पसंद करते हैं।

रंज, पहले रोमांटिक कलाकारों में से एक, ने खुद को कला के संश्लेषण का कार्य निर्धारित किया: पेंटिंग, मूर्तिकला, वास्तुकला, संगीत। कला की सामूहिक ध्वनि दुनिया की दैवीय शक्तियों की एकता को व्यक्त करने वाली थी, जिसका प्रत्येक कण समग्र रूप से ब्रह्मांड का प्रतीक है। प्रसिद्ध जर्मन विचारक पहली मंजिल के विचारों के साथ कलाकार अपनी दार्शनिक अवधारणा को मजबूत करते हुए कल्पना करता है। XVII सदी जैकब बोहेम। संसार एक प्रकार का रहस्यमय संपूर्ण है, जिसका प्रत्येक भाग संपूर्ण को व्यक्त करता है। यह विचार पूरे यूरोपीय महाद्वीप के रोमांटिक लोगों से संबंधित है। अंग्रेजी कवि और कलाकार विलियम ब्लेक ने पद्य रूप में इसे इस प्रकार रखा है:

एक पल में देखें अनंत काल

रेत के आईने में एक विशाल दुनिया

एक मुट्ठी में - अनंत

और आकाश एक फूल के प्याले में है।

रनगे का चक्र, या, जैसा कि उन्होंने इसे कहा, "शानदार संगीत कविता" "दिन के मौसम"- सुबह, दोपहर, रात, इस अवधारणा की अभिव्यक्ति है। उन्होंने कविता और गद्य में दुनिया के अपने वैचारिक मॉडल की व्याख्या छोड़ दी। एक व्यक्ति की छवि, परिदृश्य, प्रकाश और रंग प्राकृतिक और मानव जीवन के हमेशा बदलते चक्र के प्रतीक हैं।

एक और उत्कृष्ट जर्मन रोमांटिक चित्रकार, कैस्पर डेविड फ्रेडरिक (1774-1840) ने अन्य सभी शैलियों के लिए परिदृश्य को प्राथमिकता दी और अपने सत्तर साल के जीवन के दौरान केवल प्रकृति की तस्वीरें लिखीं। फ्रेडरिक के कार्य का मुख्य उद्देश्य मनुष्य और प्रकृति की एकता का विचार है।

"प्रकृति की आवाज़ को सुनें जो हमारे भीतर बोलती है," कलाकार अपने छात्रों को निर्देश देता है। एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया ब्रह्मांड की अनंतता को व्यक्त करती है, इसलिए, खुद को सुनकर, एक व्यक्ति दुनिया की आध्यात्मिक गहराई को समझने में सक्षम होता है।

सुनने की स्थिति प्रकृति और उसकी छवि के साथ मानव "संचार" के मूल रूप को निर्धारित करती है। यह प्रकृति की महानता, रहस्य या ज्ञानोदय और प्रेक्षक की चेतन अवस्था है। सच है, बहुत बार फ्रेडरिक अपने चित्रों के परिदृश्य स्थान में आकृति को "प्रवेश" करने की अनुमति नहीं देता है, लेकिन फैले हुए खुले स्थानों की कल्पनाशील संरचना की सूक्ष्म पैठ में, एक भावना की उपस्थिति, एक व्यक्ति का अनुभव महसूस होता है। परिदृश्य के चित्रण में विषयवाद केवल रोमांटिकता की रचनात्मकता के साथ कला में आता है, जो दूसरे लिंग के स्वामी द्वारा प्रकृति के गीतात्मक प्रकटीकरण को दर्शाता है। XIX सदी। शोधकर्ताओं ने फ्रेडरिक के कार्यों में लैंडस्केप रूपांकनों के "प्रदर्शनों की सूची का विस्तार" पर ध्यान दिया। लेखक की साल और दिन के अलग-अलग समय पर समुद्र, पहाड़ों, जंगलों और प्रकृति के विभिन्न रंगों में रुचि है।

1811-1812 पहाड़ों में कलाकार की यात्रा के परिणामस्वरूप पर्वतीय परिदृश्यों की एक श्रृंखला के निर्माण द्वारा चिह्नित। "पहाड़ों में सुबह"सुरम्य रूप से एक नई प्राकृतिक वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करता है जो उगते सूरज की किरणों में पैदा होती है। मौवे टोन लिफाफा और उन्हें मात्रा और भौतिक वजन से वंचित करते हैं। नेपोलियन (1812-1813) के साथ युद्ध के वर्षों ने फ्रेडरिक को देशभक्ति के विषयों की ओर मोड़ दिया। चित्रण करते हुए, क्लेस्ट के नाटक से प्रेरणा लेते हुए, वे लिखते हैं "आर्मिनियस का मकबरा"- प्राचीन जर्मनिक नायकों की कब्रों के साथ एक परिदृश्य।

फ्रेडरिक समुद्र के दृश्यों का एक अच्छा स्वामी था: "एज", "मूनराइज ओवर द सी", "द डेथ ऑफ" होप "इन द आइस"।

कलाकार की नवीनतम रचनाएँ - "रेस्ट इन द फील्ड", "बिग स्वैम्प" और "रिमेंबरेंस ऑफ़ द जाइंट माउंटेन", "विशालकाय पर्वत" - अग्रभूमि में अंधेरे की योजना में पहाड़ की लकीरें और पत्थरों की एक श्रृंखला। यह, जाहिरा तौर पर, किसी व्यक्ति की खुद पर जीत की अनुभवी भावना की वापसी है, "दुनिया के शीर्ष" पर चढ़ने का आनंद, चमकदार अप्रकाशित ऊंचाइयों के लिए प्रयास। कलाकार की भावनाएँ इन पर्वतीय जनता को एक विशेष तरीके से रचती हैं, और फिर से पहले कदमों के अंधेरे से भविष्य के प्रकाश तक की गति को पढ़ा जाता है। पृष्ठभूमि में पर्वत शिखर को गुरु की आध्यात्मिक आकांक्षाओं के केंद्र के रूप में उजागर किया गया है। पेंटिंग किसी भी रोमांटिक रचना की तरह बहुत ही सहयोगी है, और पढ़ने और व्याख्या के विभिन्न स्तरों का सुझाव देती है।

फ्रेडरिक ड्राइंग में बहुत सटीक है, अपने चित्रों के लयबद्ध निर्माण में संगीतमय रूप से सामंजस्यपूर्ण है, जिसमें वह रंग और प्रकाश प्रभावों की भावनाओं के साथ बोलने की कोशिश करता है। "कई को थोड़ा दिया जाता है, कुछ को बहुत कुछ दिया जाता है। प्रकृति की आत्मा हर किसी के लिए अलग तरह से खुलती है। इसलिए, कोई भी एक बाध्यकारी बिना शर्त कानून के रूप में अपने अनुभव और अपने नियमों को दूसरे में स्थानांतरित करने की हिम्मत नहीं करता है। कोई भी हर किसी के लिए पैमाना नहीं होता। हर कोई अपने लिए केवल अपने लिए और कमोबेश अपने समान प्रकृति के लिए एक उपाय रखता है, ”- गुरु का यह प्रतिबिंब उनके आंतरिक जीवन और रचनात्मकता की अद्भुत अखंडता को साबित करता है। कलाकार की विशिष्टता उसके काम की स्वतंत्रता में ही स्पष्ट है - यही वह है जो रोमांटिक फ्रेडरिक के लिए खड़ा है।

कलाकारों के साथ अंतर करना अधिक औपचारिक लगता है - "क्लासिक्स" - जर्मनी में रोमांटिक पेंटिंग की एक और शाखा के क्लासिकिज़्म के प्रतिनिधि - नाज़रीन। वियना में स्थापित और रोम (1809-1810) में बसे, सेंट ल्यूक के संघ ने धार्मिक मुद्दों की स्मारकीय कला को पुनर्जीवित करने के विचार के साथ स्वामी को एकजुट किया। मध्य युग रोमांटिक लोगों के लिए इतिहास में एक पसंदीदा अवधि थी। लेकिन अपनी कलात्मक खोज में, नाज़रीन ने इटली और जर्मनी में प्रारंभिक पुनर्जागरण की पेंटिंग परंपराओं की ओर रुख किया। ओवरबेक और गेफोर ने एक नए गठबंधन की शुरुआत की, जो बाद में कॉर्नेलियस, जे। श्नॉफ वॉन कारोल्सफेल्ड और फेथ फ्यूरिच से जुड़ गया।

नाज़रीन का यह आंदोलन फ्रांस, इटली, इंग्लैंड में अकादमिक क्लासिकिस्टों के साथ उनके टकराव के रूपों के अनुरूप था। उदाहरण के लिए, फ्रांस में, तथाकथित आदिमवादी कलाकार डेविड की कार्यशाला, इंग्लैंड में, प्री-राफेलाइट्स से उभरे। रोमांटिक परंपरा की भावना में, वे कला को "समय की अभिव्यक्ति", "लोगों की भावना" मानते थे, लेकिन उनकी विषयगत या औपचारिक प्राथमिकताएं, जो पहले एकीकरण के नारे की तरह लगती थीं, कुछ समय बाद बदल गईं अकादमी के सिद्धांतों के समान सिद्धांतों में, जिसे उन्होंने अस्वीकार कर दिया।

रूमानियत की कला फ्रांस मेंविशेष प्रकार से विकसित किया गया है। पहली चीज जिसने इसे अन्य देशों में समान आंदोलनों से अलग किया, वह थी इसका सक्रिय आक्रामक ("क्रांतिकारी") चरित्र। कवियों, लेखकों, संगीतकारों, कलाकारों ने न केवल नए कार्यों का निर्माण करके, बल्कि पत्रिका और समाचार पत्रों के विवाद में भाग लेकर भी अपनी स्थिति का बचाव किया, जिसे शोधकर्ता "रोमांटिक लड़ाई" के रूप में वर्णित करते हैं। रोमांटिक पोलमिक में, प्रसिद्ध वी। ह्यूगो, स्टेंडल, जॉर्जेस सैंड, बर्लियोज़ और फ्रांस के कई अन्य लेखकों, संगीतकारों और पत्रकारों ने "अपनी कलम को तेज किया"।

फ्रांस में रोमांटिक पेंटिंग डेविड के क्लासिकिस्ट स्कूल, अकादमिक कला के विरोध के रूप में उभरती है, जिसे सामान्य रूप से "स्कूल" कहा जाता है। लेकिन इसे और व्यापक रूप से समझने की जरूरत है: यह प्रतिक्रिया के युग की आधिकारिक विचारधारा का विरोध था, इसकी बुर्जुआ संकीर्णता का विरोध था। इसलिए रोमांटिक कार्यों की दयनीय प्रकृति, उनकी घबराहट उत्तेजना, विदेशी उद्देश्यों के प्रति गुरुत्वाकर्षण, ऐतिहासिक और साहित्यिक भूखंडों के लिए, जो "सुस्त रोजमर्रा की जिंदगी" से दूर हो सकती है, इसलिए कल्पना का यह नाटक, और कभी-कभी, इसके विपरीत, दिवास्वप्न और गतिविधि का पूर्ण अभाव।

"स्कूल" के प्रतिनिधियों, शिक्षाविदों ने मुख्य रूप से रोमांटिक लोगों की भाषा के खिलाफ विद्रोह किया: उनका उत्साहित गर्म रंग, रूप का उनका मॉडलिंग, "क्लासिक्स", मूर्ति-प्लास्टिक के लिए सामान्य नहीं, बल्कि रंग के मजबूत विरोधाभासों पर बनाया गया धब्बे; उनकी अभिव्यंजक डिजाइन, जानबूझकर सटीक और क्लासिक पॉलिश को छोड़ना; उनकी बोल्ड, कभी-कभी अराजक रचना, महिमा और अडिग शांति से रहित। अपने जीवन के अंत तक रोमांटिक लोगों के कट्टर दुश्मन इंग्रेस ने कहा कि डेलाक्रोइक्स ने "पागल झाड़ू के साथ लिखा", और डेलाक्रोइक्स ने इंग्रेस और "स्कूल" के सभी कलाकारों पर शीतलता, तर्कसंगतता, आंदोलन की कमी का आरोप लगाया, कि वे मत लिखो, लेकिन अपने चित्रों को "पेंट" करो। लेकिन यह दो उज्ज्वल, पूरी तरह से अलग व्यक्तियों का एक साधारण संघर्ष नहीं था, यह दो अलग-अलग कलात्मक विश्वदृष्टि के बीच का संघर्ष था।

यह संघर्ष लगभग आधी सदी तक चला, कला में रूमानियत ने आसानी से और तुरंत नहीं जीत हासिल की, और इस प्रवृत्ति के पहले कलाकार थियोडोर गेरिकॉल्ट (1791-1824) थे - वीर स्मारकीय रूपों के एक मास्टर, जिन्होंने अपने काम में दोनों को जोड़ा। रूमानियत की विशेषताएं और विशेषताएं और अंत में, एक शक्तिशाली यथार्थवादी शुरुआत, जिसका 19 वीं शताब्दी के मध्य में यथार्थवाद की कला पर बहुत प्रभाव पड़ा। लेकिन अपने जीवनकाल में उन्हें कुछ ही करीबी दोस्तों ने सराहा।

रूमानियत की पहली शानदार सफलताएं थियोडोर झारिको के नाम से जुड़ी हैं। पहले से ही उनके शुरुआती चित्रों (सेना के चित्र, घोड़ों के चित्र) में, प्राचीन आदर्श जीवन की प्रत्यक्ष धारणा से पहले पीछे हट गए थे।

1812 में सैलून में गेरिकॉल्ट एक पेंटिंग दिखाता है "हमले के दौरान शाही घोड़े रेंजरों के अधिकारी।"यह नेपोलियन की महिमा और फ्रांस की सैन्य शक्ति के अपभू का वर्ष था।

चित्र की रचना सवार को एक "अचानक" क्षण के असामान्य परिप्रेक्ष्य में प्रस्तुत करती है, जब घोड़ा ऊपर उठा, और सवार, घोड़े की लगभग ऊर्ध्वाधर स्थिति को बनाए रखते हुए, दर्शक की ओर मुड़ गया। अस्थिरता के ऐसे क्षण की छवि, मुद्रा की असंभवता आंदोलन के प्रभाव को बढ़ाती है। घोड़े के पास समर्थन का एक बिंदु है, उसे जमीन पर गिरना चाहिए, खुद को उस लड़ाई में शामिल करना चाहिए जिसने उसे ऐसी स्थिति में लाया। इस काम में बहुत कुछ मिला: गेरिकॉल्ट का अपने आप में एक व्यक्ति के मालिक होने की संभावना में बिना शर्त विश्वास, घोड़ों की छवि के लिए भावुक प्रेम और एक नौसिखिए मास्टर के साहस को दिखाने में जो पहले केवल संगीत या कविता की भाषा द्वारा व्यक्त किया जा सकता था - लड़ाई का रोमांच, एक हमले की शुरुआत, एक जीवित प्राणी की ताकतों का अंतिम तनाव ... युवा लेखक ने आंदोलन की गतिशीलता के प्रसारण पर अपनी छवि का निर्माण किया, और उसके लिए यह महत्वपूर्ण था कि वह दर्शक को "अनुमान" के लिए ट्यून करे, पेंटिंग को "आंतरिक दृष्टि" के साथ समाप्त करे और वह जो चित्रित करना चाहता था उसकी भावना।

गॉथिक मंदिरों की राहत को छोड़कर, फ्रांस में रोमांस के सचित्र वर्णन की ऐसी गतिशीलता की परंपरा व्यावहारिक रूप से मौजूद नहीं थी, क्योंकि जब गेरिकॉल्ट पहली बार इटली आया था, तो वह माइकल एंजेलो की रचनाओं की छिपी शक्ति से दंग रह गया था। "मैं कांप रहा था," वे लिखते हैं, "मैंने खुद पर संदेह किया और लंबे समय तक इस अनुभव से उबर नहीं पाया।" लेकिन स्टेंडल ने अपने विवादास्पद लेखों में माइकल एंजेलो को कला में एक नई शैलीगत प्रवृत्ति के अग्रदूत के रूप में इंगित किया था।

गेरिकॉल्ट की पेंटिंग ने न केवल एक नई कलात्मक प्रतिभा के जन्म की घोषणा की, बल्कि नेपोलियन के विचारों के साथ लेखक के उत्साह और निराशा को भी श्रद्धांजलि दी। इस विषय से संबंधित कई अन्य कार्य हैं: " Carabinieri के अधिकारी "," हमले से पहले Cuirassier के अधिकारी "," Carabinieri का पोर्ट्रेट "," घायल कुइरासियर "।

"फ्रांस में पेंटिंग की स्थिति पर प्रतिबिंब" ग्रंथ में वह लिखते हैं कि "विलासिता और कला बन गए हैं ... एक आवश्यकता और, जैसा कि यह था, कल्पना के लिए भोजन, जो एक सभ्य व्यक्ति का दूसरा जीवन है ... जरूरतें तब पूरी होती हैं जब बहुतायत आती है। एक आदमी, रोजमर्रा की चिंताओं से मुक्त होकर, ऊब से छुटकारा पाने के लिए आनंद की तलाश करने लगा, जो अनिवार्य रूप से संतोष के बीच में उसे पछाड़ देगा।

कला की शैक्षिक और मानवतावादी भूमिका की यह समझ 1818 में इटली से लौटने के बाद गेरिकॉल्ट द्वारा प्रदर्शित की गई थी - उन्होंने नेपोलियन की हार सहित विभिन्न विषयों की नकल करते हुए, लिथोग्राफी में संलग्न होना शुरू किया ( "रूस से वापसी").

उसी समय, कलाकार अफ्रीका के तट पर फ्रिगेट "मेडुसा" की मौत के चित्रण की ओर मुड़ता है, जिसने तत्कालीन समाज को उत्साहित किया। आपदा एक अनुभवहीन कप्तान की गलती के कारण थी, जिसे संरक्षण के तहत पद पर नियुक्त किया गया था। जहाज के बचे हुए यात्रियों, सर्जन सविग्नी और इंजीनियर कोरियर ने दुर्घटना के बारे में विस्तार से बताया।

मरने वाला जहाज बेड़ा फेंकने में कामयाब रहा, जिस पर मुट्ठी भर बचाए गए लोग पहुंचे। बारह दिनों के लिए उन्हें तूफानी समुद्र पर ले जाया गया, जब तक कि उन्हें "आर्गस" जहाज द्वारा बचाया नहीं गया।

गेरिकॉल्ट मानव आध्यात्मिक और शारीरिक शक्तियों के अत्यधिक तनाव की स्थिति में रुचि रखते थे। पेंटिंग ने 15 जीवित यात्रियों को बेड़ा पर दिखाया जब उन्होंने क्षितिज पर आर्गस को देखा। "बेड़ा" मेडुसा "कलाकार द्वारा एक लंबे प्रारंभिक कार्य का परिणाम था। उन्होंने उग्र समुद्र के कई रेखाचित्र बनाए, अस्पताल में बचाए गए लोगों के चित्र बनाए। सबसे पहले, गेरिकॉल्ट एक दूसरे के साथ बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को दिखाना चाहता था, लेकिन फिर वह समुद्री तत्व के विजेताओं के वीर व्यवहार और राज्य की लापरवाही पर बस गया। लोगों ने बहादुरी से दुर्भाग्य को सहन किया, और मोक्ष की आशा ने उन्हें नहीं छोड़ा: बेड़ा पर प्रत्येक समूह की अपनी विशेषताएं हैं। रचना के निर्माण में, गेरिकॉल्ट ऊपर से एक दृष्टिकोण चुनता है, जिसने उसे अंतरिक्ष के मनोरम कवरेज (समुद्र की दूरियां दिखाई दे रही हैं) को संयोजित करने और अग्रभूमि के बहुत करीब, बेड़ा के सभी निवासियों को चित्रित करने की अनुमति दी। आंदोलन अग्रभूमि में शक्तिहीन रूप से पड़े हुए आंकड़ों के विपरीत और समूह में तेजतर्रार लोगों को गुजरने वाले जहाज को संकेत देने पर आधारित है। समूह से समूह में गतिशीलता के विकास की लय की स्पष्टता, नग्न शरीर की सुंदरता, चित्र का गहरा रंग छवि की पारंपरिकता का एक निश्चित नोट सेट करता है। लेकिन यह समझने वाले दर्शक के लिए इस मामले का सार नहीं है, जिसके लिए भाषा की पारंपरिकता मुख्य बात को समझने और महसूस करने में भी मदद करती है: एक व्यक्ति की लड़ने और जीतने की क्षमता। सागर दहाड़ता है। पाल कराहता है। रस्सियाँ बज रही हैं। बेड़ा फट रहा है। हवाएँ लहरों को चलाती हैं और काले बादलों को चीर कर चूर-चूर कर देती हैं।

क्या यह फ्रांस ही नहीं है, जो इतिहास के तूफान से प्रेरित है? - सोचा यूजीन डेलाक्रोइक्स, तस्वीर पर खड़ा है। "" मेडुसा "के बेड़ा ने डेलाक्रोइक्स को हिला दिया, वह रोया और एक पागल की तरह, गेरिकॉल्ट की कार्यशाला से बाहर निकल गया, जिसे वह अक्सर देखता था।

डेविड की कला ऐसे जुनून को नहीं जानती थी।

लेकिन गेरिकॉल्ट का जीवन दुखद रूप से जल्दी समाप्त हो गया (घोड़े से गिरने के बाद वह गंभीर रूप से बीमार हो गया था), और उसकी कई योजनाएँ अधूरी रह गईं।

गेरिकॉल्ट के नवाचार ने उस आंदोलन को संप्रेषित करने के लिए नई संभावनाएं खोलीं, जो रोमांटिकता, एक व्यक्ति की गुप्त भावनाओं और चित्र की रंगीन बनावट वाली अभिव्यंजना को उत्तेजित करता है।

उसकी खोज में गेरिकॉल्ट का उत्तराधिकारी यूजीन डेलाक्रोइक्स था। सच है, डेलाक्रोइक्स को उनके जीवन काल से दोगुना जारी किया गया था, और वह न केवल रोमांटिकतावाद की शुद्धता को साबित करने में कामयाब रहे, बल्कि पेंटिंग में एक नई दिशा, दूसरी मंजिल को आशीर्वाद देने में भी कामयाब रहे। XIX सदी। - प्रभाववाद।

अपने दम पर लिखना शुरू करने से पहले, यूजीन ने लेरेन के स्कूल में अध्ययन किया: उन्होंने जीवन से चित्रित किया, लौवर द ग्रेट्स रूबेन्स, रेम्ब्रांट, वेरोनीज़, टिटियन में कॉपी किया ... युवा कलाकार ने दिन में 10-12 घंटे काम किया। उन्होंने महान माइकल एंजेलो के शब्दों को याद किया: "पेंटिंग एक ईर्ष्यालु मालकिन है, इसके लिए पूरे व्यक्ति की आवश्यकता होती है ..."

डेलाक्रोइक्स, गेरिकॉल्ट के प्रदर्शन भाषणों के बाद, अच्छी तरह से जानता था कि कला में मजबूत भावनात्मक उथल-पुथल का समय आ गया है। सबसे पहले, वह प्रसिद्ध साहित्यिक भूखंडों के माध्यम से उनके लिए एक नए युग को समझने की कोशिश करता है। उसकी तस्वीर दांते और वर्जिली 1822 में सैलून में प्रस्तुत किया गया दो कवियों की ऐतिहासिक सहयोगी छवियों के माध्यम से एक प्रयास है: पुरातनता - वर्जिल और पुनर्जागरण - दांते - आधुनिक युग के "नरक" उबलते हुए कड़ाही को देखने के लिए। एक बार अपनी "डिवाइन कॉमेडी" में दांते ने वर्जिल को सभी क्षेत्रों (स्वर्ग, नरक, शोधन) में अपने मार्गदर्शक के रूप में लिया। दांते के काम में, पुरातनता की स्मृति में मध्य युग के अनुभव के माध्यम से एक नए पुनर्जागरण की दुनिया का उदय हुआ। पुरातनता, पुनर्जागरण और मध्य युग के संश्लेषण के रूप में रोमांटिक का प्रतीक दांते और वर्जिल के दर्शन के "डरावनी" में उत्पन्न हुआ। लेकिन एक जटिल दार्शनिक रूपक पूर्व-पुनर्जागरण युग और एक अमर साहित्यिक कृति का एक अच्छा भावनात्मक चित्रण निकला।

डेलाक्रोइक्स अपने समकालीन लोगों के दिलों में अपने दिल के दर्द के माध्यम से सीधी प्रतिक्रिया खोजने की कोशिश करेगा। उत्पीड़कों की स्वतंत्रता और घृणा से जलते हुए, उस समय के युवा यूनान के मुक्ति संग्राम के प्रति सहानुभूति रखते हैं। इंग्लैंड का रोमांटिक बार्ड बायरन वहां लड़ने जा रहा है। डेलाक्रोइक्स एक अधिक ठोस ऐतिहासिक घटना के चित्रण में नए युग का अर्थ देखता है - स्वतंत्रता-प्रेमी ग्रीस का संघर्ष और पीड़ा। वह तुर्कों द्वारा कब्जा किए गए ग्रीक द्वीप चियोस की आबादी की मौत की साजिश पर रहता है। 1824 के सैलून में, डेलाक्रोइक्स एक पेंटिंग दिखाता है "चियोस द्वीप पर नरसंहार"।पहाड़ी इलाकों के अंतहीन विस्तार की पृष्ठभूमि के खिलाफ। अभी भी आग की लपटों और बेरोकटोक लड़ाई के धुएं से चिल्लाते हुए, कलाकार घायल, थकी हुई महिलाओं और बच्चों के कई समूहों को दिखाता है। दुश्मनों के आने से पहले उन्हें आजादी के आखिरी मिनट में छोड़ दिया गया था। ऐसा प्रतीत होता है कि दायीं ओर पाले हुए घोड़े पर एक तुर्क पूरे अग्रभूमि और वहां मौजूद कई पीड़ितों पर लटका हुआ है। सुंदर शरीर, भरे हुए लोगों के चेहरे। वैसे, डेलाक्रोइक्स ने बाद में लिखा था कि ग्रीक मूर्तिकला को कलाकारों द्वारा चित्रलिपि में बदल दिया गया था, चेहरे और आकृति की वास्तविक ग्रीक सुंदरता को छिपाते हुए। लेकिन, पराजित यूनानियों के चेहरों में "आत्मा की सुंदरता" को प्रकट करते हुए, चित्रकार उन घटनाओं को नाटकीय रूप से चित्रित करता है जो तनाव की एक गतिशील गति को बनाए रखने के लिए, कोणों के विरूपण के लिए जाते हैं अंजीर। गेरिकॉल्ट के काम से इन "गलतियों" को पहले ही "हल" कर दिया गया था, लेकिन डेलाक्रोइक्स एक बार फिर रोमांटिक प्रमाण को प्रदर्शित करता है कि पेंटिंग "स्थिति की सच्चाई नहीं, बल्कि भावना की सच्चाई" है।

1824 में डेलाक्रोइक्स ने अपने दोस्त और शिक्षक - गेरिकॉल्ट को खो दिया। और वह नई पेंटिंग के नेता बन गए।

साल बीत गए। एक के बाद एक तस्वीरें सामने आईं: "मिसलुंगा के खंडहर पर ग्रीस", "सरदानपालस की मौत"और अन्य। कलाकार कलाकार के आधिकारिक हलकों में बहिष्कृत हो गया। लेकिन 1830 की जुलाई क्रांति ने स्थिति बदल दी। वह कलाकार को जीत और उपलब्धियों के रोमांस से प्रज्वलित करती है। वह एक चित्र पेंट करता है "बैरिकेड्स पर स्वतंत्रता"।

1831 में, पेरिस सैलून में, फ्रांसीसी ने पहली बार यूजीन डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग "लिबर्टी ऑन द बैरिकेड्स" देखी, जो 1830 की जुलाई क्रांति के "तीन गौरवशाली दिनों" को समर्पित थी। अपनी शक्ति, लोकतंत्र और कलात्मक समाधान के साहस के साथ, कैनवास ने समकालीनों पर एक आश्चर्यजनक छाप छोड़ी। किंवदंती के अनुसार, एक सम्मानित बुर्जुआ ने कहा: "आप कहते हैं - स्कूल का मुखिया? बेहतर कहो - विद्रोह का मुखिया! ” सैलून बंद होने के बाद, पेंटिंग से निकलने वाली दुर्जेय और प्रेरक अपील से भयभीत सरकार ने इसे लेखक को वापस करने की जल्दबाजी की। 1848 की क्रांति के दौरान, इसे फिर से लक्ज़मबर्ग पैलेस में सार्वजनिक प्रदर्शन के लिए रखा गया था। और उन्होंने इसे फिर से कलाकार को लौटा दिया। 1855 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कैनवास प्रदर्शित होने के बाद ही यह लौवर में समाप्त हुआ। यह अभी भी फ्रांसीसी रोमांटिकवाद की सबसे अच्छी रचनाओं में से एक है - एक प्रेरित प्रत्यक्षदर्शी गवाही और लोगों की स्वतंत्रता के लिए संघर्ष के लिए एक शाश्वत स्मारक।

युवा फ्रांसीसी रोमांटिक ने इन दो विपरीत सिद्धांतों को एक साथ मिलाने के लिए कौन सी कलात्मक भाषा खोजी - एक व्यापक, सर्वव्यापी सामान्यीकरण और ठोस वास्तविकता, इसकी नग्नता में क्रूर?

1830 के प्रसिद्ध जुलाई दिनों का पेरिस। हवा भूरे धुएं और धूल से संतृप्त है। पाउडर धुंध में गायब हो रहा एक खूबसूरत और आलीशान शहर। दूरी में, बमुश्किल ध्यान देने योग्य, लेकिन गर्व से नॉट्रे डेम कैथेड्रल के टॉवर - इतिहास, संस्कृति और फ्रांसीसी लोगों की भावना का प्रतीक। वहाँ से धुएँ के रंग के शहर से, बैरिकेड्स के खंडहरों के ऊपर, अपने मृत साथियों के शवों के ऊपर, विद्रोही हठ और दृढ़ संकल्प के साथ आगे बढ़ते हैं। उनमें से प्रत्येक मर सकता है, लेकिन विद्रोहियों का कदम अडिग है - वे जीत की इच्छा से, स्वतंत्रता के लिए प्रेरित हैं।

यह प्रेरक शक्ति एक खूबसूरत युवती की छवि में सन्निहित है, एक भावुक आवेग में उसे बुला रही है। अटूट ऊर्जा, स्वतंत्र और युवा गति के साथ, वह ग्रीक देवी की तरह है

नाइके की जीत। उसका मजबूत फिगर एक चिटोन ड्रेस में तैयार है, उसका चेहरा एकदम सही विशेषताओं के साथ, चमकती आँखों के साथ, विद्रोहियों की ओर मुड़ गया है। एक हाथ में वह फ्रांस का तिरंगा झंडा पकड़े हुए है, दूसरे हाथ में - एक बंदूक। सिर पर एक फ्रिजियन टोपी है - गुलामी से मुक्ति का एक प्राचीन प्रतीक। उसका कदम तेज और हल्का है - इस तरह देवी कदम रखती हैं। वहीं, महिला की छवि वास्तविक होती है - वह फ्रांसीसी लोगों की बेटी होती है। वह बैरिकेड्स पर समूह की आवाजाही के पीछे मार्गदर्शक शक्ति है। इससे, जैसे ऊर्जा के केंद्र में प्रकाश के स्रोत से, किरणें निकलती हैं, प्यास और इच्छा से जीत के लिए चार्ज करती हैं। जो लोग इसके करीब हैं, वे अपने-अपने तरीके से इस प्रेरक और प्रेरक आह्वान में अपनी भागीदारी व्यक्त करते हैं।

दाईं ओर एक लड़का है, एक पेरिस का जुआरी जो पिस्तौल लहरा रहा है। वह स्वतंत्रता के सबसे करीब है और उसके उत्साह और एक स्वतंत्र आवेग के आनंद से एक तरह का है। एक तेज, बचकाना अधीर आंदोलन में, वह अपने प्रेरक से थोड़ा आगे है। यह पौराणिक गावरोचे का पूर्ववर्ती है, जिसे बीस साल बाद विक्टर ह्यूगो द्वारा लेस मिजरेबल्स में चित्रित किया गया था: “प्रेरणा से भरपूर, दीप्तिमान गेवरोचे ने पूरी चीज़ को गति में लाने का काम संभाला। वह आगे-पीछे चिल्लाया, ऊपर गया, नीचे चला गया

नीचे, फिर से उठे, शोर मचाया, खुशी से चमक उठी। ऐसा लगता है कि वह यहां सभी को खुश करने आया है। क्या उसके पास इसके लिए कोई प्रोत्साहन था? हां, बिल्कुल, उसकी गरीबी। क्या उसके पास पंख थे? हाँ, बिल्कुल, उसका उल्लास। यह किसी तरह का बवंडर था। वह हवा भरता हुआ प्रतीत होता था, एक ही समय में हर जगह मौजूद था ... विशाल बैरिकेड्स ने उसे अपने रिज पर महसूस किया। "

डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग में गैवरोच युवाओं का व्यक्तित्व है, "एक अद्भुत आवेग", स्वतंत्रता के उज्ज्वल विचार की एक हर्षित स्वीकृति। दो छवियां - गैवरोचे और स्वोबोडा - एक दूसरे के पूरक प्रतीत होते हैं: एक आग है, दूसरी उससे जली हुई मशाल है। हेनरिक हेन ने पेरिसवासियों से गवरोचे के चित्र की जीवंत प्रतिक्रिया के बारे में बात की। "लानत है! एक किराना व्यापारी रोया। "ये लड़के दिग्गजों की तरह लड़े!"

बाईं ओर बंदूक वाला एक छात्र है। पहले, इसे कलाकार के स्व-चित्र के रूप में देखा जाता था। यह विद्रोही गैवरोचे की तरह तेज नहीं है। उसकी गति अधिक संयमित, अधिक एकाग्र, अर्थपूर्ण होती है। हाथ आत्मविश्वास से बंदूक की बैरल को पकड़ते हैं, चेहरा साहस, अंत तक खड़े होने के दृढ़ संकल्प को व्यक्त करता है। यह एक गहरी दुखद छवि है। छात्र को नुकसान की अनिवार्यता का एहसास होता है जो विद्रोहियों को होगा, लेकिन पीड़ित उसे डराते नहीं हैं - स्वतंत्रता की इच्छा मजबूत होती है। एक कृपाण के साथ एक समान रूप से बहादुर और दृढ़निश्चयी कार्यकर्ता उसके पीछे खड़ा है। आज़ादी के चरणों में एक घायल आदमी है। वह कठिनाई से उठता है ताकि एक बार फिर से स्वतंत्रता की ओर देख सकें, देखने के लिए और अपने पूरे दिल से उस सुंदरता को महसूस कर सकें जिसके लिए वह नष्ट हो गया है। यह आंकड़ा डेलाक्रोइक्स के कैनवास की ध्वनि के लिए एक नाटकीय शुरुआत लाता है। यदि गैवरोचे, स्वोबोडा, एक छात्र, एक कार्यकर्ता की छवियां लगभग प्रतीक हैं, स्वतंत्रता सेनानियों की अडिग इच्छा का अवतार - दर्शकों को प्रेरित और बुलाते हैं, तो घायल व्यक्ति करुणा की अपील करता है। इंसान आज़ादी को अलविदा कहता है, ज़िंदगी को अलविदा कहता है। वह अभी भी एक आवेग, गति है, लेकिन पहले से ही एक लुप्त होती आवेग है।

उनका आंकड़ा संक्रमणकालीन है। दर्शकों की निगाहें, अभी भी विद्रोहियों के क्रांतिकारी दृढ़ संकल्प से मोहित और मोहित होकर, गौरवशाली गिरे हुए सैनिकों के शरीर से ढके आड़ के पैर तक नीचे उतरती हैं। कलाकार द्वारा मृत्यु को तथ्य की सभी नग्नता और स्पष्टता में प्रस्तुत किया जाता है। हम मृतकों के नीले चेहरे, उनके नग्न शरीर देखते हैं: संघर्ष निर्दयी है, और मृत्यु विद्रोहियों का वही अपरिहार्य साथी है, जैसे सुंदर प्रेरक स्वतंत्रता।

लेकिन बिल्कुल वही नहीं! चित्र के निचले किनारे पर भयानक दृष्टि से, हम फिर से अपनी निगाह ऊपर उठाते हैं और एक युवा सुंदर आकृति देखते हैं - नहीं! जीवन जीत गया! इतनी स्पष्ट और मूर्त रूप से सन्निहित स्वतंत्रता का विचार भविष्य में इतना निर्देशित है कि इसके नाम पर मृत्यु भयानक नहीं है।

कलाकार जीवित और मृत विद्रोहियों के केवल एक छोटे समूह को दर्शाता है। लेकिन आड़ के रक्षक असामान्य रूप से असंख्य लगते हैं। रचना इस तरह से बनाई गई है कि लड़ाकों का समूह सीमित नहीं है, अपने आप में बंद नहीं है। वह लोगों के अंतहीन हिमस्खलन का एक हिस्सा है। कलाकार देता है, जैसा कि यह था, एक समूह का एक टुकड़ा: चित्र फ़्रेम बाएं, दाएं, नीचे से आंकड़े काटता है।

आमतौर पर, डेलाक्रोइक्स के कार्यों में रंग एक तीव्र भावनात्मक ध्वनि प्राप्त करता है, एक नाटकीय प्रभाव पैदा करने में एक प्रमुख भूमिका निभाता है। रंग, जो अब उग्र हो रहे हैं, अब फीके पड़ रहे हैं, दब गए हैं, एक तनावपूर्ण माहौल बनाते हैं। लिबर्टी ऑन द बैरिकेड्स में, डेलाक्रोइक्स इस सिद्धांत से विदा लेता है। बहुत सटीक रूप से, अचूक रूप से पेंट चुनना, इसे व्यापक स्ट्रोक के साथ लागू करना, कलाकार युद्ध के माहौल को बताता है।

लेकिन रंग योजना संयमित है। Delacroix प्रपत्र के राहत मॉडलिंग पर केंद्रित है। यह चित्र के आलंकारिक समाधान के लिए आवश्यक था। आखिरकार, कल की एक विशिष्ट घटना का चित्रण करते हुए, कलाकार ने इस घटना के लिए एक स्मारक भी बनाया। इसलिए, आंकड़े लगभग मूर्तिकला हैं। इसलिए प्रत्येक पात्र, एक पूरे चित्र का हिस्सा होने के नाते, अपने आप में कुछ बंद है, एक प्रतीक है जिसे एक पूर्ण रूप में ढाला गया है। इसलिए, रंग न केवल भावनात्मक रूप से दर्शक की भावनाओं को प्रभावित करता है, बल्कि एक प्रतीकात्मक भार भी वहन करता है। एक भूरे-भूरे रंग की जगह में, यहां और वहां, लाल, नीले, सफेद चमक का एक गंभीर त्रय - 1789 की फ्रांसीसी क्रांति के ध्वज के रंग। इन रंगों की बार-बार पुनरावृत्ति बैरिकेड्स पर उड़ने वाले तिरंगे झंडे के शक्तिशाली राग का समर्थन करती है।

डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग "लिबर्टी ऑन द बैरिकेड्स" अपने दायरे में एक जटिल, भव्य काम है। यह सीधे देखे गए तथ्य की विश्वसनीयता और छवियों के प्रतीकवाद को जोड़ती है; यथार्थवाद, क्रूर प्रकृतिवाद तक पहुँचना, और आदर्श सौंदर्य; स्थूल, भयानक और उदात्त, शुद्ध।

पेंटिंग "लिबर्टी ऑन द बैरिकेड्स" ने फ्रांसीसी चित्रकला में रूमानियत की जीत को समेकित किया। 30 के दशक में, दो और ऐतिहासिक पेंटिंग: "पोइटियर्स की लड़ाई"तथा "लेग के बिशप की हत्या"।

1822 में कलाकार ने उत्तरी अफ्रीका, मोरक्को, अल्जीरिया का दौरा किया। यात्रा ने उन पर एक अमिट छाप छोड़ी। 50 के दशक में, इस यात्रा की यादों से प्रेरित पेंटिंग उनके काम में दिखाई दीं: "लायन हंट", "मोरक्कन सैडलिंग ए हॉर्स"आदि। एक उज्ज्वल विपरीत रंग इन चित्रों के लिए रोमांटिक ध्वनि बनाता है। उनमें विस्तृत ब्रशस्ट्रोक की तकनीक दिखाई देती है।

डेलाक्रोइक्स, एक रोमांटिकवादी के रूप में, अपनी आत्मा की स्थिति को न केवल सुरम्य छवियों की भाषा के साथ दर्ज किया, बल्कि सचमुच अपने विचारों को भी तैयार किया। उन्होंने रोमांटिक कलाकार की रचनात्मक प्रक्रिया, रंग पर उनके प्रयोग, संगीत और कला के अन्य रूपों के बीच संबंधों पर प्रतिबिंबों का अच्छी तरह से वर्णन किया। उनकी डायरी बाद की पीढ़ियों के कलाकारों के लिए पसंदीदा पठन बन गई।

फ्रांसीसी रोमांटिक स्कूल ने मूर्तिकला (रूड और उनकी राहत "मार्सिलेस"), लैंडस्केप पेंटिंग (फ्रांस की प्रकृति की अपनी हल्की-हवा की छवियों के साथ केमिली कोरोट) के क्षेत्र में महत्वपूर्ण बदलाव किए।

रोमांटिकतावाद के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिगत व्यक्तिपरक दृष्टि एक कानून का रूप लेती है। प्रभाववाद कला को एक छाप घोषित करते हुए कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा। रोमांटिक लोग कलाकार की कल्पना, "उसकी भावनाओं की आवाज" के बारे में बात करते हैं, जो काम को रोकने की अनुमति देता है जब मास्टर इसे आवश्यक समझता है, न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों की आवश्यकता होती है।

यदि गेरिकॉल्ट की कल्पनाओं ने आंदोलन के हस्तांतरण पर ध्यान केंद्रित किया, तो डेलाक्रोइक्स - रंग की जादुई शक्ति पर, और जर्मनों ने इसमें एक निश्चित "पेंटिंग की भावना" को जोड़ा, फिर स्पेनिशफ्रांसिस्को गोया (1746-1828) द्वारा प्रस्तुत रोमांटिक लोगों ने शैली की लोककथाओं की उत्पत्ति, इसके फैंटमसागोरिक और विचित्र चरित्र को दिखाया। गोया खुद और उनका काम किसी भी शैलीगत ढांचे से बहुत दूर दिखता है, खासकर जब से कलाकार को अक्सर निष्पादन की सामग्री के नियमों का पालन करना पड़ता था (जब, उदाहरण के लिए, उन्होंने बुने हुए टेपेस्ट्री कालीनों के लिए पेंटिंग बनाई थी) या ग्राहक की आवश्यकताओं।

नक़्क़ाशी श्रृंखला में उनके फैंटमगोरिया प्रकाश में आए "कैप्रिचोस" (1797-1799),"युद्ध की आपदाएँ" (1810-1820),"विसंगतियों (" पागलपन ")(1815-1820), मैड्रिड में हाउस ऑफ द डेफ और चर्च ऑफ सैन एंटोनियो डे ला फ्लोरिडा में भित्ति चित्र (1798)। 1792 में गंभीर बीमारी। कलाकार के पूर्ण बहरेपन में प्रवेश किया। शारीरिक और आध्यात्मिक आघात सहने के बाद गुरु की कला अधिक केंद्रित, विचारशील, आंतरिक रूप से गतिशील हो जाती है। बहरेपन के कारण बंद हुई बाहरी दुनिया ने गोया के आंतरिक आध्यात्मिक जीवन को सक्रिय कर दिया।

नक़्क़ाशी में "कैप्रिचोस"गोया तत्काल प्रतिक्रियाओं, तेज भावनाओं के संचरण में असाधारण शक्ति प्राप्त करता है। काले और सफेद प्रदर्शन, बड़े धब्बों के बोल्ड संयोजन के लिए धन्यवाद, ग्राफिक्स की रैखिकता विशेषता की अनुपस्थिति, एक पेंटिंग के सभी गुणों को प्राप्त करती है।

मैड्रिड गोया में चर्च ऑफ सेंट एंथोनी की पेंटिंग, ऐसा लगता है, एक सांस में बनाता है। स्ट्रोक का स्वभाव, रचना की संक्षिप्तता, पात्रों की विशेषताओं की अभिव्यक्ति, जिसका प्रकार गोया ने सीधे भीड़ से लिया था, विस्मित कर देता है। कलाकार एंथोनी फ्लोरिडा के चमत्कार को दर्शाता है, जिसने हत्यारे को उठने और बोलने के लिए प्रेरित किया, जिसने हत्यारे का नाम लिया और इस तरह निर्दोष अपराधी को फांसी से बचाया। चमकदार प्रतिक्रिया करने वाली भीड़ की गतिशीलता को गोया ने इशारों में और चित्रित चेहरों की नकल दोनों में व्यक्त किया है। चर्च के अंतरिक्ष में भित्ति चित्रों के वितरण की रचनात्मक योजना में, चित्रकार टाईपोलो का अनुसरण करता है, लेकिन वह जो प्रतिक्रिया दर्शकों में पैदा करता है वह बारोक नहीं है, बल्कि विशुद्ध रूप से रोमांटिक है, प्रत्येक दर्शक की भावना को प्रभावित करता है, उसे मुड़ने का आग्रह करता है वह स्वयं।

सबसे बढ़कर, यह लक्ष्य कोंटो डेल सोर्डो ("हाउस ऑफ द डेफ") की पेंटिंग में हासिल किया गया है, जिसमें गोया 1819 से रहते थे। कमरों की दीवारें एक शानदार और अलंकारिक प्रकृति की पंद्रह रचनाओं से आच्छादित हैं। उन्हें समझने के लिए गहरी सहानुभूति की आवश्यकता होती है। चित्र शहरों, महिलाओं, पुरुषों आदि के किसी प्रकार के दृश्य के रूप में दिखाई देते हैं। रंग, चमकता, एक आकृति को खींचता है, फिर दूसरा। पेंटिंग समग्र रूप से गहरे, सफेद, पीले, गुलाबी-लाल धब्बे हैं, जो चमक में परेशान करने वाली भावनाएं हैं। श्रृंखला की नक़्क़ाशी "विसंगतियों" .

गोया ने पिछले 4 साल फ्रांस में बिताए। यह संभावना नहीं है कि वह जानती थी कि डेलाक्रोइक्स ने कभी भी अपने कैप्रिचोस के साथ भाग नहीं लिया। और वह यह नहीं देख सकता था कि ह्यूगो और बौडेलेयर को इन नक़्क़ाशी से कैसे दूर किया जाएगा, मानेट पर उनकी पेंटिंग का कितना बड़ा प्रभाव होगा, और XIX सदी के 80 के दशक में कैसे। वी। स्टासोव रूसी कलाकारों को अपने "युद्ध की आपदाओं" का अध्ययन करने के लिए आमंत्रित करेंगे

लेकिन हम, इसे ध्यान में रखते हुए, जानते हैं कि बोल्ड यथार्थवादी और प्रेरित रोमांटिक की इस "शैलीहीन" कला का 19वीं और 20वीं शताब्दी की कलात्मक संस्कृति पर कितना बड़ा प्रभाव पड़ा।

सपनों की शानदार दुनिया को अंग्रेजी रोमांटिक कलाकार विलियम ब्लेक (1757-1827) ने अपने कार्यों में भी महसूस किया है। इंगलैंडरोमांटिक साहित्य की क्लासिक भूमि थी। बायरन। शेली "धुंधला एल्बियन" की सीमाओं से बहुत दूर इस आंदोलन का बैनर बन गया। फ्रांस में, पत्रिका में "रोमांटिक लड़ाइयों" की आलोचना को "शेक्सपियर" कहा जाता था। अंग्रेजी चित्रकला की मुख्य विशेषता हमेशा मानव व्यक्ति में रुचि रही है, जिसने चित्र शैली को फलदायी रूप से विकसित करने की अनुमति दी। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का भावुकतावाद से गहरा संबंध है। मध्य युग में रोमांटिक लोगों की रुचि ने एक बड़े ऐतिहासिक साहित्य को जन्म दिया। जिसके मान्यता प्राप्त मास्टर डब्ल्यू स्कॉट हैं। पेंटिंग में, मध्य युग के विषय ने तथाकथित पेराफेलाइट्स की उपस्थिति को निर्धारित किया।

उल्याम ब्लेक अंग्रेजी सांस्कृतिक परिदृश्य में एक अद्भुत प्रकार का रोमांटिक है। वह कविता लिखता है, अपनी और दूसरों की किताबों का चित्रण करता है। उनकी प्रतिभा ने दुनिया को समग्र एकता में गले लगाने और व्यक्त करने की मांग की। उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों को बाइबिल बुक ऑफ जॉब, डांटे की डिवाइन कॉमेडी और मिल्टन के पैराडाइज लॉस्ट का चित्रण माना जाता है। वह अपनी रचनाओं को नायकों के टाइटैनिक आंकड़ों के साथ बसाता है, जो एक अवास्तविक प्रबुद्ध या फैंटमसागोरिक दुनिया के उनके परिवेश के अनुरूप है। उनके दृष्टांतों पर विद्रोही गर्व या सद्भाव की भावना पैदा करना मुश्किल है।

रोमन कवि वर्जिल द्वारा पादरी के लिए परिदृश्य नक्काशी कुछ अलग लगती है - वे अपने पिछले कार्यों की तुलना में अधिक आदर्श रूप से रोमांटिक हैं।

ब्लेक का रूमानियतवाद अपने स्वयं के कलात्मक सूत्र और दुनिया के अस्तित्व के रूप को खोजने की कोशिश करता है।

विलियम ब्लेक, अत्यधिक गरीबी और अस्पष्टता में जीवन व्यतीत कर रहे थे, उनकी मृत्यु के बाद उन्हें अंग्रेजी कला के क्लासिक्स के मेजबान में स्थान दिया गया था।

19 वीं शताब्दी की शुरुआत के अंग्रेजी परिदृश्य चित्रकारों के काम में। रोमांटिक शौक प्रकृति के अधिक उद्देश्यपूर्ण और शांत दृष्टिकोण के साथ संयुक्त हैं।

रोमांटिक रूप से ऊंचे परिदृश्य विलियम टर्नर (1775-1851) द्वारा बनाए गए हैं। वह गरज, बौछार, समुद्र में तूफान, उज्ज्वल, उग्र सूर्यास्त को चित्रित करना पसंद करता था। टर्नर ने अक्सर प्रकाश के प्रभावों को बढ़ा-चढ़ाकर पेश किया और प्रकृति की शांत अवस्था को चित्रित करते हुए भी रंगों की ध्वनि को तेज कर दिया। अधिक प्रभाव के लिए, उन्होंने पानी के रंग की तकनीक का इस्तेमाल किया और बहुत पतली परत में तेल पेंट लगाया और सीधे जमीन पर चित्रित किया, इंद्रधनुषी रंगों को प्राप्त किया। एक उदाहरण चित्र होगा "बारिश, भाप और गति"(1844)। लेकिन उस समय के जाने-माने आलोचक भी ठाकरे को सही ढंग से समझ नहीं आया, शायद, डिजाइन और कार्यान्वयन दोनों में सबसे नवीन तस्वीर। उन्होंने लिखा, "गंदी पोटीन के धब्बों से बारिश का संकेत मिलता है," एक पैलेट चाकू के साथ कैनवास पर छिड़का हुआ, गंदे पीले क्रोम की बहुत मोटी गांठों के नीचे से सूरज की रोशनी मंद टिमटिमाती है। स्कार्लेट क्रिमसन और म्यूट सिनेबार स्पॉट के ठंडे रंगों द्वारा छाया को व्यक्त किया जाता है। और यद्यपि लोकोमोटिव भट्टी में आग लाल दिखती है, मैं यह नहीं कहता कि इसे कैबाल्ट या मटर के रंग में चित्रित नहीं किया गया था ”। एक अन्य आलोचक ने टर्नर की रंग योजना "तले हुए अंडे और पालक" को पाया। दिवंगत टर्नर के रंग आम तौर पर समकालीनों के लिए पूरी तरह से अकल्पनीय और शानदार लगते थे। उनमें वास्तविक अवलोकन के दाने को देखने में एक सदी से अधिक समय लगा। लेकिन अन्य मामलों की तरह, यह यहाँ भी था। एक प्रत्यक्षदर्शी की एक दिलचस्प कहानी, या बल्कि "वर्षा, भाप और गति" के जन्म का एक गवाह संरक्षित किया गया है। एक निश्चित श्रीमती सिमोन वेस्टर्न एक्सप्रेस के एक डिब्बे में सवार हुई, जिसमें एक बुजुर्ग सज्जन उसके सामने थे। उसने खिड़की खोलने की अनुमति मांगी, बारिश में अपना सिर बाहर फेंक दिया और लंबे समय तक इस स्थिति में रहा। जब उसने आखिरकार खिड़की बंद कर दी। उसके पास से धाराओं में पानी बहता था, लेकिन उसने आनंदपूर्वक अपनी आँखें बंद कर लीं और पीछे की ओर झुक गया, स्पष्ट रूप से जो उसने अभी देखा था उसका आनंद ले रहा था। एक जिज्ञासु युवती ने खुद पर उसकी भावनाओं का अनुभव करने का फैसला किया - उसने भी अपना सिर खिड़की से बाहर निकाल दिया। वह भीग गई। लेकिन मुझे एक अविस्मरणीय छाप मिली। उसके आश्चर्य की कल्पना कीजिए जब एक साल बाद, लंदन में एक प्रदर्शनी में, उसने "वर्षा, भाप और गति" देखी। उसके पीछे किसी ने गंभीर रूप से टिप्पणी की: "टर्नर की बेहद विशिष्ट, ठीक है। बेतुकी बातों का ऐसा मिश्रण आज तक किसी ने नहीं देखा।" और उसने विरोध करने में असमर्थ होकर कहा: "मैंने देखा।"

शायद पेंटिंग में ट्रेन का यह पहला चित्रण है। देखने का बिंदु ऊपर कहीं से लिया गया है, जिसने व्यापक मनोरम कवरेज की अनुमति दी है। वेस्टर्न एक्सप्रेस पुल को उस गति से पार करती है जो उस समय के लिए बिल्कुल असाधारण थी (150 किमी प्रति घंटे से अधिक)। इसके अलावा, बारिश के माध्यम से प्रकाश को चित्रित करने का यह संभवत: पहला प्रयास है।

19वीं सदी के मध्य की अंग्रेजी कला। टर्नर की पेंटिंग की तुलना में पूरी तरह से अलग दिशा में विकसित हुआ। हालाँकि उनके कौशल को आम तौर पर पहचाना जाता था, लेकिन किसी भी युवा ने उनका अनुसरण नहीं किया।

टर्नर को लंबे समय से प्रभाववाद का अग्रदूत माना जाता है। ऐसा लगता है कि प्रकाश से रंग की उनकी खोज को फ्रांसीसी कलाकारों द्वारा और विकसित किया जाना चाहिए था। लेकिन ऐसा कतई नहीं है। वास्तव में, प्रभाववादियों पर टर्नर के प्रभाव के बारे में राय 1899 में प्रकाशित पॉल साइनैक की पुस्तक फ्रॉम डेलाक्रोइक्स टू नियो-इंप्रेशनिज़्म पर वापस जाती है, जहां उन्होंने बताया कि कैसे "1871 में, लंदन में अपने लंबे प्रवास के दौरान, क्लाउड मैनेट और केमिली पिसारो ने टर्नर की खोज की। वे उसके रंगों के आत्मविश्वास और जादुई गुण से चकित थे, उन्होंने उसके काम का अध्ययन किया, उसकी तकनीक का विश्लेषण किया। पहले तो वे बर्फ और बर्फ के उसके प्रतिपादन पर चकित थे, जिस तरह से वह बर्फ की सफेदी की अनुभूति को व्यक्त करने में कामयाब रहे, जो वे खुद नहीं पा सके, चांदी-सफेद, सपाट के बड़े धब्बों की मदद से विस्तृत ब्रश स्ट्रोक के साथ रखी गई। उन्होंने देखा कि यह छाप केवल सफेदी से हासिल नहीं हुई है। और बहुरंगी स्ट्रोक का एक द्रव्यमान। एक के बाद एक फूंक दिए, जिससे यह आभास हुआ, अगर आप उन्हें दूर से देखते हैं। ”

इन वर्षों के दौरान, साइनैक ने अपने बिंदुवाद के सिद्धांत की पुष्टि के लिए हर जगह देखा। लेकिन टर्नर की कोई भी पेंटिंग जिसे फ्रांसीसी कलाकार 1871 में नेशनल गैलरी में नहीं देख सकते थे, उनमें साइनैक द्वारा वर्णित पॉइंटिलिज़्म तकनीक शामिल नहीं है, जैसे कि "सफेद रंग के व्यापक धब्बे" नहीं हैं। ई, और 1890 के दशक में।

पॉल साइनैक ने टर्नर का सबसे अधिक ध्यान से अध्ययन किया - न केवल प्रभाववाद के अग्रदूत के रूप में, जिसके बारे में उन्होंने अपनी पुस्तक में लिखा, बल्कि एक महान अभिनव कलाकार के रूप में भी। साइनैक ने अपने दोस्त अंगरान को टर्नर की लेट पेंटिंग रेन, स्टीम एंड स्पीड, द एक्साइल, मॉर्निंग एंड इवनिंग ऑफ द फ्लड: अद्भुत अर्थ ऑफ द वर्ड के बारे में लिखा।

साइनैक के उत्साही मूल्यांकन ने टर्नर की सचित्र खोज की आधुनिक समझ की नींव रखी। लेकिन हाल के वर्षों में कभी-कभी ऐसा होता है कि वे उसकी खोज की दिशाओं के सबटेक्स्ट और जटिलता को ध्यान में नहीं रखते हैं, वास्तव में अधूरे टर्नर के "अंडरपेंटिंग" से एकतरफा उदाहरणों का चयन करते हुए, वे उसमें प्रभाववाद के पूर्ववर्ती की खोज करने का प्रयास करते हैं।

सभी नए कलाकारों की तुलना स्वाभाविक रूप से मोनेट से होती है, जिन्होंने खुद पर टर्नर के प्रभाव को पहचाना। यहां तक ​​​​कि एक भूखंड भी है जो दोनों के लिए बिल्कुल समान है - अर्थात् रूएन कैथेड्रल का पश्चिमी पोर्टल। लेकिन अगर मोनेट हमें एक इमारत के सूरज की रोशनी का एक स्केच देता है, तो वह हमें गॉथिक नहीं देता है, लेकिन किसी तरह का नग्न मॉडल, टर्नर में आप समझते हैं कि कलाकार, पूरी तरह से प्रकृति में लीन, इस विषय से दूर क्यों था - अपने में छवि यह ठीक है कि संपूर्ण की जबरदस्त भव्यता और अनंत जो हड़ताली है। विभिन्न विवरण, जो गोथिक कला के निर्माण को प्रकृति के कार्यों के करीब लाता है।

अंग्रेजी संस्कृति और रोमांटिक कला के विशेष चरित्र ने 19 वीं शताब्दी में प्रकृति के प्रकाश और वायु चित्रण की नींव रखने वाले पहले प्लेन एयर कलाकार की उपस्थिति की संभावना को खोल दिया - जॉन कॉन्स्टेबल (1776-1837)। अंग्रेज कांस्टेबल ने अपनी पेंटिंग की मुख्य शैली के रूप में परिदृश्य को चुना: “दुनिया महान है; दो समान दिन या दो समान घंटे भी नहीं होते हैं; एक पेड़ पर दुनिया के निर्माण से दो समान पत्ते नहीं थे, और सच्ची कला के सभी कार्य, प्रकृति की रचनाओं की तरह, एक दूसरे से भिन्न होते हैं, ”उन्होंने कहा।

कांस्टेबल ने प्रकृति की विभिन्न अवस्थाओं के सूक्ष्म अवलोकन के साथ सादे हवा पर तेल में बड़े-बड़े रेखाचित्र चित्रित किए, जिसमें वे प्रकृति के आंतरिक जीवन और उसके दैनिक जीवन की जटिलता को व्यक्त करने में सक्षम थे। ("हेम्पस्टेड हिल्स से हाईगेट का दृश्य", ठीक है। 1834; "घास की गाड़ी", 1821; "डेथेम वैली", लगभग 1828) लेखन तकनीकों की मदद से इसे पूरा किया। उन्होंने चलते-फिरते स्ट्रोक से पेंटिंग की, कभी मोटे और खुरदरे, कभी चिकने और अधिक पारदर्शी। प्रभाववादी इस पर सदी के अंत में ही आएंगे। कॉन्स्टेबल की अभिनव पेंटिंग ने डेलाक्रोइक्स के कार्यों के साथ-साथ फ्रांसीसी परिदृश्य के संपूर्ण विकास को प्रभावित किया।

कॉन्स्टेबल की कला, साथ ही गेरिकॉल्ट के काम के कई पहलुओं ने 19 वीं शताब्दी की यूरोपीय कला में एक यथार्थवादी प्रवृत्ति के उद्भव को चिह्नित किया, जो शुरू में रोमांटिकतावाद के समानांतर विकसित हुई थी। बाद में वे अलग हो गए।

रोमांटिक्स मानव आत्मा की दुनिया को खोलते हैं, व्यक्तिगत, किसी और के विपरीत, लेकिन ईमानदार और इसलिए दुनिया की सभी कामुक दृष्टि के करीब। पेंटिंग में छवि की तात्कालिकता, जैसा कि जेलाक्रोइक्स ने कहा, और साहित्यिक प्रदर्शन में इसकी निरंतरता नहीं, कलाकारों के ध्यान को आंदोलन के सबसे जटिल हस्तांतरण पर निर्धारित किया, जिसके लिए नए औपचारिक और रंगीन समाधान पाए गए। स्वच्छंदतावाद ने 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में एक विरासत छोड़ी। इन सभी समस्याओं और कलात्मक व्यक्तित्व को अकादमिकता के नियमों से मुक्त किया गया। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला में, रोमांटिक लोगों को विचार और जीवन के आवश्यक संयोजन को व्यक्त करने का प्रतीक था। कलात्मक छवि की पॉलीफोनी में घुल जाता है, विचारों की विविधता और आसपास की दुनिया पर कब्जा कर लेता है।

बी) संगीत

कला के संश्लेषण के विचार को रूमानियत की विचारधारा और व्यवहार में अभिव्यक्ति मिली। संगीत में स्वच्छंदतावाद ने 19वीं शताब्दी के 20 के दशक में रूमानियत के साहित्य के प्रभाव में आकार लिया और इसके साथ निकट संबंध में विकसित हुआ, सामान्य रूप से साहित्य के साथ (सिंथेटिक शैलियों के लिए एक अपील, मुख्य रूप से ओपेरा, गीत, वाद्य लघु और संगीत कार्यक्रम के लिए) ) एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के लिए अपील, रोमांटिकतावाद की विशेषता, व्यक्तिपरक, भावनात्मक रूप से तीव्र लालसा के पंथ में व्यक्त की गई थी, जिसने रोमांटिकतावाद में संगीत और गीत की सर्वोच्चता निर्धारित की।

19वीं सदी के पहले भाग का संगीत तेजी से विकसित हुआ। एक नई संगीत भाषा सामने आई है; वाद्य और कक्ष-मुखर संगीत में, लघुचित्रों का एक विशेष स्थान है; ऑर्केस्ट्रा रंगों के विविध स्पेक्ट्रम के साथ लग रहा था; पियानो और वायलिन की संभावनाओं को एक नए तरीके से प्रकट किया गया; रोमांटिक लोगों का संगीत बहुत गुणी था।

संगीतमय रूमानियतवाद विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों और विभिन्न सामाजिक आंदोलनों से जुड़ी कई अलग-अलग शाखाओं में प्रकट हुआ। इसलिए, उदाहरण के लिए, जर्मन रोमांटिक लोगों की अंतरंग, गीतात्मक शैली और फ्रांसीसी संगीतकारों के काम की "वाक्पटु" नागरिक पथ की विशेषता काफी भिन्न होती है। बदले में, नए राष्ट्रीय स्कूलों के प्रतिनिधि जो एक व्यापक राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन (चोपिन, मोनियसज़को, ड्वोरक, स्मेटाना, ग्रिग) के आधार पर उभरे, साथ ही साथ इतालवी ओपेरा स्कूल के प्रतिनिधि, रिसोर्गिमेंटो आंदोलन (वेर्डी) के साथ निकटता से जुड़े। बेलिनी), कई मायनों में जर्मनी, ऑस्ट्रिया या फ्रांस के समकालीनों से भिन्न हैं, विशेष रूप से, शास्त्रीय परंपराओं को संरक्षित करने की प्रवृत्ति।

और फिर भी, वे सभी कुछ सामान्य कलात्मक सिद्धांतों द्वारा चिह्नित हैं जो हमें विचार की एक रोमांटिक संरचना के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

मानव अनुभव की समृद्ध दुनिया को गहराई से और मर्मज्ञ रूप से प्रकट करने के लिए संगीत की विशेष क्षमता के कारण, रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र ने इसे अन्य कलाओं के बीच पहले स्थान पर रखा। कई रोमांटिक लोगों ने संगीत की सहज शुरुआत पर जोर दिया, इसे "अनजान" व्यक्त करने की क्षमता के लिए जिम्मेदार ठहराया। उत्कृष्ट रोमांटिक संगीतकारों के कार्यों का एक ठोस यथार्थवादी आधार था। सामान्य लोगों के जीवन में रुचि, जीवन की परिपूर्णता और भावनाओं की सच्चाई, रोजमर्रा की जिंदगी के संगीत पर निर्भरता ने संगीतमय रूमानियत के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों की रचनात्मकता के यथार्थवाद को निर्धारित किया। प्रतिक्रियावादी प्रवृत्तियाँ (रहस्यवाद, वास्तविकता से पलायन) केवल रोमांटिक कार्यों की अपेक्षाकृत कम संख्या में निहित हैं। उन्होंने खुद को वेबर के ओपेरा "यूरिएंट" (1823) में, वैगनर के कुछ संगीत नाटकों में, लिज़ट के ऑरेटोरियो "क्राइस्ट" (1862), और अन्य में प्रकट किया।

19वीं शताब्दी की शुरुआत तक, लोककथाओं, इतिहास, प्राचीन साहित्य के मौलिक अध्ययन सामने आए, मध्ययुगीन किंवदंतियों, गोथिक कला और पुनर्जागरण की संस्कृति को पुनर्जीवित किया जा रहा था। यह इस समय था कि यूरोप के रचना कार्य में एक विशेष प्रकार के कई राष्ट्रीय विद्यालयों का गठन किया गया था, जो कि आम यूरोपीय संस्कृति की सीमाओं का विस्तार करने के लिए नियत थे। रूसी, जो जल्द ही ले लिया, यदि पहले नहीं, तो विश्व सांस्कृतिक रचनात्मकता में पहले स्थानों में से एक (ग्लिंका, डार्गोमीज़्स्की, "कुचकिस्ट्स", त्चिकोवस्की), पोलिश (चोपिन, मोनियसको), चेक (स्मेटाना, ड्वोरक), हंगेरियन (लिस्ट्ट) ), फिर नॉर्वेजियन (ग्रिग), स्पैनिश (पेड्रेल), फिनिश (सिबेलियस), अंग्रेजी (एल्गर) - उन सभी ने, यूरोपीय संगीतकार की रचनात्मकता के सामान्य चैनल में विलय करते हुए, किसी भी तरह से स्थापित प्राचीन परंपराओं का विरोध नहीं किया। राष्ट्रीय संस्कृति की अनूठी राष्ट्रीय विशेषताओं को व्यक्त करते हुए, छवियों का एक नया चक्र उभरा, जिससे संगीतकार संबंधित थे। काम की इंटोनेशन संरचना आपको किसी विशेष राष्ट्रीय स्कूल से संबंधित कान से तुरंत पहचानने की अनुमति देती है।

संगीतकारों ने अपने देशों के पुराने, मुख्य रूप से किसान लोककथाओं को आम यूरोपीय संगीत भाषा में बदल दिया। उन्होंने, जैसा कि था, लैक्क्वेर्ड ओपेरा के रूसी लोक गीत को साफ किया, उन्होंने लोक शैलियों के गीतों को 18 वीं शताब्दी के महानगरीय स्वर प्रणाली में पेश किया। रूमानियत के संगीत में सबसे हड़ताली घटना, जिसे विशेष रूप से क्लासिकवाद के आलंकारिक क्षेत्र के साथ तुलना करने पर स्पष्ट रूप से माना जाता है, गीत और मनोवैज्ञानिक सिद्धांत का प्रभुत्व है। बेशक, सामान्य रूप से संगीत कला की एक विशिष्ट विशेषता भावनाओं के क्षेत्र के माध्यम से किसी भी घटना का अपवर्तन है। सभी युगों का संगीत इस पैटर्न के अधीन है। लेकिन रोमांटिक अपने सभी पूर्ववर्तियों को अपने संगीत में गेय सिद्धांत के अर्थ में, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई, मनोदशा के सूक्ष्मतम रंगों को व्यक्त करने में ताकत और पूर्णता में पार कर गए।

प्रेम का विषय इसमें एक प्रमुख स्थान रखता है, क्योंकि यह मन की स्थिति है जो मानव मानस की सभी गहराई और बारीकियों को सबसे व्यापक और पूरी तरह से दर्शाती है। लेकिन यह अत्यधिक विशेषता है कि यह विषय शब्द के शाब्दिक अर्थों में प्रेम के उद्देश्यों तक ही सीमित नहीं है, बल्कि घटनाओं की व्यापक श्रेणी के साथ पहचाना जाता है। एक विस्तृत ऐतिहासिक चित्रमाला की पृष्ठभूमि के खिलाफ नायकों के विशुद्ध रूप से गेय अनुभव प्रकट होते हैं। एक व्यक्ति का अपने घर के लिए, अपनी मातृभूमि के लिए, अपने लोगों के लिए प्यार - सभी संगीतकारों - रोमांटिक लोगों के काम के माध्यम से एक निरंतर धागा चलता है।

प्रकृति की छवि के लिए छोटे और बड़े रूपों के संगीत कार्यों में एक विशाल स्थान दिया गया है, गीतात्मक स्वीकारोक्ति के विषय के साथ घनिष्ठ और अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। प्रेम की छवियों की तरह, प्रकृति की छवि नायक के मन की स्थिति को व्यक्त करती है, इसलिए अक्सर वास्तविकता के साथ असंगति की भावना से रंगा जाता है।

फंतासी का विषय अक्सर प्रकृति की छवियों के साथ प्रतिस्पर्धा करता है, जो शायद वास्तविक जीवन की कैद से बचने की इच्छा से उत्पन्न होता है। रोमांटिक लोगों के लिए विशिष्ट एक अद्भुत दुनिया की तलाश है, जो रंगों की समृद्धि से जगमगाती है, ग्रे रोजमर्रा की जिंदगी का विरोध करती है। इन वर्षों के दौरान साहित्य रूसी लेखकों की परियों की कहानियों, गाथागीतों से समृद्ध हुआ। रोमांटिक स्कूल के संगीतकारों के लिए, शानदार, शानदार छवियां एक अद्वितीय राष्ट्रीय रंग प्राप्त करती हैं। गाथागीत रूसी लेखकों से प्रेरित हैं, और इसके लिए धन्यवाद, एक शानदार विचित्र योजना के कार्यों का निर्माण किया जाता है, प्रतीक के रूप में, विश्वास के सीम पक्ष, बुराई की ताकतों के डर के विचारों को तोड़ने की कोशिश कर रहे थे।

कई रोमांटिक संगीतकार संगीत लेखकों और आलोचकों (वेबर, बर्लियोज़, वैगनर, लिस्ट्ट, आदि) के रूप में भी दिखाई दिए। प्रगतिशील रूमानियत के प्रतिनिधियों के सैद्धांतिक कार्य ने संगीत कला के सबसे महत्वपूर्ण मुद्दों के विकास में बहुत महत्वपूर्ण योगदान दिया। स्वच्छंदतावाद को प्रदर्शन कलाओं (वायलिन वादक पगनिनी, गायक ए. नुरी, आदि) में अभिव्यक्ति मिली।

इस अवधि के दौरान स्वच्छंदतावाद का प्रगतिशील अर्थ मुख्य रूप से गतिविधियों में निहित है फ्रांज लिस्ट्तो... विरोधाभासी विश्वदृष्टि के बावजूद, लिस्ट्ट की रचनात्मकता मौलिक रूप से प्रगतिशील, यथार्थवादी थी। हंगेरियन संगीत के संस्थापक और क्लासिक में से एक, एक उत्कृष्ट राष्ट्रीय कलाकार।

लिस्ट्ट के कई कार्यों में, हंगेरियन राष्ट्रीय विषय व्यापक रूप से परिलक्षित होते हैं। लिज़ट की रोमांटिक, कलाप्रवीण व्यक्ति रचनाओं ने पियानो बजाने की तकनीकी और अभिव्यंजक संभावनाओं का विस्तार किया (संगीत कार्यक्रम, सोनाटास)। रूसी संगीत के प्रतिनिधियों के साथ लिस्ट्ट के संबंध महत्वपूर्ण थे, जिन कार्यों को उन्होंने सक्रिय रूप से बढ़ावा दिया।

उसी समय, लिस्ट्ट ने विश्व संगीत कला के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। लिस्ट्ट के बाद "पियानो के लिए सब कुछ संभव हो गया"। उनके संगीत की विशिष्ट विशेषताएं आशुरचना, भावनाओं का रोमांटिक उत्थान, अभिव्यंजक माधुर्य हैं। एक संगीतकार, कलाकार, संगीत व्यक्ति के रूप में लिस्ट्ट की सराहना की जाती है। संगीतकार की प्रमुख कृतियाँ: ओपेरा " डॉन सांचो या प्यार का महल"(1825), 13 सिम्फ़ोनिक कविताएँ" टैसो ”, ” प्रोमेथियस ”, “छोटा गांव"और अन्य, ऑर्केस्ट्रा के लिए काम करते हैं, पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए 2 संगीत कार्यक्रम, 75 रोमांस, गाना बजानेवालों और अन्य कम प्रसिद्ध काम नहीं करते हैं।

संगीत में रूमानियत की पहली अभिव्यक्तियों में से एक रचनात्मकता थी फ्रांज शुबर्टा(1797-1828)। शूबर्ट संगीत के इतिहास में संगीत रोमांटिकतावाद के संस्थापकों में से सबसे महान और कई नई शैलियों के निर्माता के रूप में नीचे चला गया: रोमांटिक सिम्फनी, पियानो लघु, गीत-रोमांटिक गीत (रोमांस)। उनके काम में सबसे बड़ा महत्व है गाना,जिसमें उन्होंने विशेष रूप से कई नवीन प्रवृत्तियों को दिखाया। शुबर्ट के गीतों में, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया सबसे गहराई से प्रकट होती है, लोक-रोज़ संगीत के साथ संबंध उसके लिए सबसे अधिक ध्यान देने योग्य है, उसकी प्रतिभा की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होती है - अद्भुत विविधता, सुंदरता , धुनों का आकर्षण। प्रारंभिक काल के सर्वश्रेष्ठ गीतों में शामिल हैं " चरखा पर मार्गरीटा ”(1814) , “वन राजा" दोनों गीत गोएथे द्वारा शब्दों के साथ लिखे गए हैं। उनमें से पहले में, परित्यक्त लड़की अपने प्रिय को याद करती है। वह अकेली है और गहरी पीड़ा में है, उसका गीत उदास है। सरल और भावपूर्ण माधुर्य केवल हवा के नीरस गुंजन से ही प्रतिध्वनित होता है। "द फॉरेस्ट किंग" एक जटिल टुकड़ा है। यह एक गीत नहीं है, बल्कि एक नाटकीय दृश्य है, जहां तीन पात्र हमारे सामने आते हैं: एक पिता जंगल में घोड़े पर सरपट दौड़ता है, एक बीमार बच्चा जिसे वह अपने साथ ले जा रहा है, और एक दुर्जेय वन राजा जो एक लड़के को दिखाई देता है ज्वरयुक्त प्रलाप। उनमें से प्रत्येक अपनी मधुर भाषा से संपन्न है। शूबर्ट के गाने "ट्राउट", "बारकारोला", "मॉर्निंग सेरेनेड" कोई कम प्रसिद्ध और प्रिय नहीं हैं। बाद के वर्षों में लिखे गए, इन गीतों को आश्चर्यजनक रूप से सरल और अभिव्यंजक माधुर्य, ताजा रंगों से अलग किया जाता है।

शुबर्ट ने गीतों के दो चक्र भी लिखे - " लवली मिलर"(1823), और" शीतकालीन पथ”(1872) - जर्मन कवि विल्हेम मुलर के शब्दों में। उनमें से प्रत्येक में, गीत एक कथानक द्वारा एकजुट होते हैं। "द ब्यूटीफुल मिलर" चक्र के गीत एक युवा लड़के के बारे में बताते हैं। धारा की धारा का अनुसरण करते हुए, वह अपनी खुशी की तलाश में यात्रा पर निकल पड़ता है। इस चक्र के अधिकांश गीतों में एक हल्का चरित्र होता है। "विंटर पाथ" चक्र का मिजाज पूरी तरह से अलग है। गरीब युवक को अमीर दुल्हन ने खारिज कर दिया। निराशा में, वह अपने गृहनगर को छोड़ देता है और दुनिया घूमने के लिए निकल जाता है। उसके साथी हवा, एक बर्फ़ीला तूफ़ान, अशुभ रूप से कर्कश कौवे हैं।

यहां दिए गए कुछ उदाहरण हमें शूबर्ट की गीत लेखन की ख़ासियत के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

शुबर्ट को लिखने का बहुत शौक था पियानो के लिए संगीत... इस उपकरण के लिए उन्होंने बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखीं। गानों की तरह, उनके पियानो के काम रोज़मर्रा के संगीत के करीब थे और उतने ही सरल और समझने योग्य थे। उनकी रचनाओं की पसंदीदा विधाएँ नृत्य, मार्च और उनके जीवन के अंतिम वर्षों में थीं - अचानक।

वाल्ट्ज और अन्य नृत्य आमतौर पर शूबर्ट के साथ बॉल्स पर, कंट्री वॉक में दिखाई देते थे। वहाँ उसने उन्हें सुधारा, और उन्हें घर पर दर्ज किया।

यदि आप शूबर्ट के पियानो के टुकड़ों की उनके गीतों से तुलना करते हैं, तो आप कई समानताएं पा सकते हैं। सबसे पहले, यह एक महान मधुर अभिव्यंजना, अनुग्रह, प्रमुख और नाबालिग का रंगीन जुड़ाव है।

सबसे बड़े में से एक फ्रेंच 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के संगीतकार थे जॉर्जेस बिज़ेटा, संगीत थिएटर के लिए एक अमर रचना के निर्माता - ओपेरा “कारमेन"और अल्फोंस डौडेट द्वारा नाटक के लिए अद्भुत संगीत" अर्लेसियन ”.

बिज़ेट के काम को विचार की सटीकता और स्पष्टता, नवीनता और अभिव्यक्तिपूर्ण साधनों की ताजगी, पूर्णता और रूप की कृपा की विशेषता है। बिज़ेट को मानवीय भावनाओं और कार्यों को समझने में मनोवैज्ञानिक विश्लेषण की तीक्ष्णता की विशेषता है, जो संगीतकार के महान हमवतन - लेखक बाल्ज़ाक, फ्लेबर्ट, मौपासेंट के काम की विशेषता है। शैलियों में विविध, बिज़ेट के काम में केंद्रीय स्थान ओपेरा का है। संगीतकार की ऑपरेटिव कला राष्ट्रीय धरती पर उठी और फ्रांसीसी ओपेरा हाउस की परंपराओं से पोषित हुई। बिज़ेट का मानना ​​​​था कि उनके काम में पहला काम फ्रेंच ओपेरा में मौजूद शैली की सीमाओं पर काबू पाना था जो इसके विकास में बाधा उत्पन्न करते थे। "बोल्शोई" ओपेरा उन्हें एक मृत शैली लगता है, गीत - अपनी अशांति और परोपकारी संकीर्णता से परेशान करता है, हास्य दूसरों की तुलना में अधिक ध्यान देने योग्य है। बिज़ेट के ओपेरा में पहली बार रसदार और जीवंत रोजमर्रा की जिंदगी और भीड़ के दृश्य ओपेरा में दिखाई देते हैं, जीवन और ज्वलंत दृश्यों की उम्मीद करते हैं।

अल्फोंस डौडेट द्वारा नाटक के लिए बिज़ेट द्वारा संगीत "अर्लेसियन""मुख्य रूप से दो कॉन्सर्ट सुइट्स के लिए जाना जाता है, जो उसके सर्वश्रेष्ठ नंबरों से बना है। बिज़ेट ने कुछ प्रामाणिक प्रोवेनकल धुनों का इस्तेमाल किया : "तीन राजाओं का मार्च"तथा "फ्रिस्की घोड़ों का नृत्य"।

ओपेरा बिज़ेट " कारमेन"एक संगीत नाटक है जो दर्शकों के सामने सच्चाई और लुभावनी कलात्मक शक्ति के साथ अपने नायकों के प्यार और मृत्यु की कहानी को प्रकट करता है: सैनिक जोस और जिप्सी कारमेन। ओपेरा कारमेन फ्रांसीसी संगीत थिएटर की परंपराओं के आधार पर बनाया गया था, लेकिन साथ ही यह बहुत सी नई चीजें लेकर आया। राष्ट्रीय ओपेरा की सर्वश्रेष्ठ उपलब्धियों पर भरोसा करते हुए और इसके सबसे महत्वपूर्ण तत्वों में सुधार करते हुए, बिज़ेट ने एक नई शैली बनाई - यथार्थवादी संगीत नाटक।

19 वीं शताब्दी के ओपेरा हाउस के इतिहास में, ओपेरा "कारमेन" पहले स्थान पर है। 1876 ​​​​से, उसका विजयी जुलूस वियना, ब्रुसेल्स, लंदन में ओपेरा हाउस के चरणों में शुरू होता है।

पर्यावरण के प्रति एक व्यक्तिगत दृष्टिकोण की अभिव्यक्ति कवियों और संगीतकारों में व्यक्त की गई थी, सबसे पहले, सहजता, भावनात्मक "खुलेपन" और बयान के जुनून में, श्रोता को लगातार तनाव की मदद से समझाने की इच्छा में स्वीकारोक्ति या स्वीकारोक्ति का स्वर।

कला में इन नए रुझानों का उपस्थिति पर निर्णायक प्रभाव पड़ा गीत ओपेरा... यह "बिग" और कॉमिक ओपेरा के विरोध के रूप में उभरा, लेकिन यह ऑपरेटिव ड्रामा और संगीत अभिव्यक्ति के साधनों के क्षेत्र में उनकी विजय और उपलब्धियों को नजरअंदाज नहीं कर सका।

नई ओपेरा शैली की एक विशिष्ट विशेषता किसी भी साहित्यिक कथानक की गीतात्मक व्याख्या है - एक ऐतिहासिक, दार्शनिक या समकालीन विषय पर। गीत ओपेरा के नायक सामान्य लोगों की विशेषताओं से संपन्न होते हैं, जो विशिष्टता से रहित होते हैं और एक रोमांटिक ओपेरा की कुछ अतिशयोक्तिपूर्ण विशेषता होती है। गीत ओपेरा के क्षेत्र में सबसे महत्वपूर्ण कलाकार थे चार्ल्स गुनोद।

गुनोद की कई ओपेरा विरासतों में, ओपेरा " फॉस्ट "एक विशेष और, कोई कह सकता है, असाधारण स्थान रखता है। उनकी दुनिया भर में प्रसिद्धि और लोकप्रियता गौनोद के किसी भी अन्य ओपेरा से बेजोड़ है। ओपेरा फॉस्ट का ऐतिहासिक महत्व विशेष रूप से महान है क्योंकि यह न केवल सबसे अच्छा था, बल्कि अनिवार्य रूप से नई दिशा के ओपेरा में पहला था, जिसके बारे में त्चिकोवस्की ने लिखा था: "इस बात से इनकार करना असंभव है कि फॉस्ट को शानदार ढंग से नहीं लिखा गया था, फिर असाधारण कौशल के साथ और महत्वपूर्ण पहचान के बिना।" फॉस्ट की छवि उनकी चेतना के तीव्र विरोधाभास और "द्वैत" को सुचारू करती है, दुनिया को पहचानने की इच्छा के कारण होने वाला शाश्वत असंतोष। गोनोद गोएथे के मेफिस्टोफिल्स की छवि की सभी बहुमुखी प्रतिभा और जटिलता को व्यक्त करने में असमर्थ थे, जिन्होंने उस युग की उग्रवादी आलोचना की भावना को मूर्त रूप दिया।

"फॉस्ट" की लोकप्रियता का एक मुख्य कारण यह था कि इसने गीत ओपेरा की युवा शैली की सबसे अच्छी और मौलिक रूप से नई विशेषताओं को केंद्रित किया: ओपेरा के नायकों की आंतरिक दुनिया का भावनात्मक रूप से प्रत्यक्ष और विशद रूप से व्यक्तिगत प्रसारण। गोएथे द्वारा "फॉस्ट" का गहरा दार्शनिक अर्थ, जिसने मुख्य पात्रों के संघर्ष के उदाहरण पर सभी मानव जाति की ऐतिहासिक और सामाजिक नियति को प्रकट करने की मांग की, गुनोद द्वारा मार्गुराइट और फॉस्ट के मानवीय गीतात्मक नाटक के रूप में सन्निहित था। .

फ्रांसीसी संगीतकार, कंडक्टर, संगीत समीक्षक हेक्टर बर्लियोज़एक प्रमुख रोमांटिक संगीतकार के रूप में संगीत के इतिहास में प्रवेश किया, एक कार्यक्रम सिम्फनी के निर्माता, संगीत के रूप, सद्भाव और विशेष रूप से इंस्ट्रूमेंटेशन के क्षेत्र में एक नवप्रवर्तनक। उनके काम में, उन्होंने क्रांतिकारी पथ और वीरता की विशेषताओं का एक विशद अवतार पाया। बर्लियोज़ एम. ग्लिंका से परिचित थे, जिनके संगीत की उन्होंने बहुत सराहना की। वह "माइटी हैंडफुल" के नेताओं के साथ मैत्रीपूर्ण शर्तों पर थे, जिन्होंने उत्साहपूर्वक उनके कार्यों और रचनात्मक सिद्धांतों को स्वीकार किया।

उन्होंने ओपेरा सहित 5 संगीतमय मंच कार्यों का निर्माण किया " बेनेवेनुटो सिलिनी ”(1838), “ ट्रोजन्स ”,”बीट्राइस और बेनेडिक्ट”(शेक्सपियर की कॉमेडी” मच अडो अबाउट नथिंग ”, 1862 पर आधारित); 23 मुखर और सिम्फोनिक कार्य, 31 रोमांस, गायन, उन्होंने "द बिग ट्रीटीज़ ऑन मॉडर्न इंस्ट्रुमेंटेशन एंड ऑर्केस्ट्रेशन" (1844), "इवनिंग इन द ऑर्केस्ट्रा" (1853), "थ्रू सोंग्स" (1862), "म्यूजिकल क्यूरियोसिटीज" किताबें लिखीं। ” (1859), "संस्मरण" (1870), लेख, समीक्षाएं।

deutsch संगीतकार, कंडक्टर, नाटककार, प्रचारक रिचर्ड वैगनरविश्व संगीत संस्कृति के इतिहास में सबसे महान संगीत रचनाकारों और ऑपरेटिव कला के प्रमुख सुधारकों में से एक के रूप में नीचे चला गया। उनके सुधारों का लक्ष्य एक नाटकीय रूप में एक स्मारकीय प्रोग्रामेटिक वोकल और सिम्फ़ोनिक काम बनाना था, जिसे सभी प्रकार के ओपेरा और सिम्फोनिक संगीत को बदलने के लिए डिज़ाइन किया गया था। ऐसा काम एक संगीतमय नाटक था, जिसमें संगीत एक सतत धारा में बहता है, सभी नाटकीय कड़ियों को एक साथ मिलाता है। समाप्त गायन को त्यागने के बाद, वैगनर ने उन्हें भावनात्मक रूप से समृद्ध पाठ के साथ बदल दिया। वैगनर के ओपेरा में एक महत्वपूर्ण स्थान पर स्वतंत्र आर्केस्ट्रा एपिसोड का कब्जा है, जो विश्व सिम्फोनिक संगीत में एक महत्वपूर्ण योगदान है।

वैगनर के हाथ में 13 ओपेरा हैं: " द फ़्लाइंग डचमैन "(1843)," तन्हौसर "(1845)," ट्रिस्टन एंड इसोल्ड "(1865)," गोल्ड ऑफ़ द राइन "(1869)और आदि।; गाना बजानेवालों, पियानो के टुकड़े, रोमांस।

एक और उत्कृष्ट जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक, शिक्षक, संगीत व्यक्ति थे फेलिक्स मेंडेलसोहन-बार्थोल्डी... 9 साल की उम्र में उन्होंने एक पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन करना शुरू किया, 17 साल की उम्र में उन्होंने एक उत्कृष्ट कृति बनाई - कॉमेडी के लिए ओवरचर " सी वह गर्मी की रात में है "शेक्सपियर. 1843 में उन्होंने लीपज़िग में जर्मनी में पहली कंज़र्वेटरी की स्थापना की। मेंडेलसोहन के काम में, "रोमांटिक के बीच एक क्लासिक", रोमांटिक विशेषताओं को सोच की शास्त्रीय संरचना के साथ जोड़ा जाता है। उनके संगीत में उज्ज्वल माधुर्य, अभिव्यक्ति का लोकतंत्रवाद, भावनाओं का संयम, विचार की शांति, उज्ज्वल भावनाओं की प्रबलता, गीतात्मक मनोदशा, भावुकता के मामूली स्पर्श के बिना नहीं, रूपों की त्रुटिहीनता और शानदार कौशल की विशेषता है। आर। शुमान ने इसे "19 वीं शताब्दी का मोजार्ट", जी। हेइन - "एक संगीत चमत्कार" कहा।

लैंडस्केप रोमांटिक सिम्फनीज़ ("स्कॉटिश", "इतालवी") के लेखक, प्रोग्राम कॉन्सर्ट ओवरचर्स, एक लोकप्रिय वायलिन कॉन्सर्टो, पियानो के लिए टुकड़ों का चक्र "सॉन्ग विदाउट वर्ड्स"; ओपेरा "कैमाचो की शादी।" उन्होंने नाटकीय प्रदर्शन "एंटीगोन" (1841), सोफोकल्स द्वारा "ओडिपस एट कॉलन" (1845), रैसीन (1845) द्वारा "अटालिया", शेक्सपियर (1843) द्वारा "ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम" के लिए संगीत लिखा। ) और दूसरे; वक्ता "पॉल" (1836), "एलिजा" (1846); पियानो के लिए 2 संगीत कार्यक्रम और वायलिन के लिए 2 संगीत कार्यक्रम।

वी इतालवीसंगीत संस्कृति एक विशेष स्थान Giuseppe Verdi का है - एक उत्कृष्ट संगीतकार, कंडक्टर, ऑर्गनिस्ट। वर्डी के काम का मुख्य क्षेत्र ओपेरा है। मुख्य रूप से वीर-देशभक्ति की भावनाओं और इतालवी लोगों के राष्ट्रीय मुक्ति विचारों के प्रतिपादक के रूप में कार्य किया। बाद के वर्षों में, उन्होंने सामाजिक असमानता, हिंसा, उत्पीड़न से उत्पन्न नाटकीय संघर्षों पर ध्यान दिया, उनके ओपेरा में बुराई की निंदा की। वर्डी के काम की विशेषता विशेषताएं: संगीत की राष्ट्रीयता, नाटकीय स्वभाव, मधुर चमक, मंच के नियमों की समझ।

उन्होंने 26 ओपेरा लिखे: " नबूको "," मैकबेथ "," ट्रबलडॉर "," ला ट्रैविटा "," ओथेलो "," ऐडा" और आदि . , 20 रोमांस, मुखर पहनावा .

युवा नार्वेजियन संगीतकार एडवर्ड ग्रिग (1843-1907)राष्ट्रीय संगीत को विकसित करने का प्रयास किया। यह न केवल उनके काम में, बल्कि नॉर्वेजियन संगीत के प्रचार में भी व्यक्त किया गया था।

कोपेनहेगन में अपने वर्षों के दौरान, ग्रिग ने बहुत सारा संगीत लिखा: " काव्य चित्र "तथा "हास्य शब्द"पियानो के लिए सोनाटा और पहला वायलिन सोनाटा, गाने। प्रत्येक नए काम के साथ, नॉर्वेजियन संगीतकार के रूप में ग्रिग की छवि स्पष्ट हो जाती है। नाजुक गीतात्मक "पोएटिक पिक्चर्स" (1863) में, राष्ट्रीय विशेषताएं अभी भी डरपोक रूप से टूट रही हैं। लयबद्ध आकृति अक्सर नॉर्वेजियन लोक संगीत में पाई जाती है; यह ग्रिग की कई धुनों की विशेषता बन गई।

ग्रिग का काम विशाल और बहुआयामी है। ग्रिग ने विभिन्न शैलियों की रचनाएँ लिखीं। पियानो कॉन्सर्टो और गाथागीत, वायलिन और पियानो के लिए तीन सोनाटा और सेलो और पियानो के लिए एक सोनाटा, चौकड़ी बड़े रूप के लिए ग्रिग की निरंतर लालसा की गवाही देती है। उसी समय, वाद्य लघुचित्रों में संगीतकार की रुचि अपरिवर्तित रही। पियानो के समान ही, संगीतकार चैम्बर वोकल मिनिएचर - एक रोमांस, एक गीत से आकर्षित हुआ था। ग्रिग के लिए मुख्य मत बनो, सिम्फोनिक रचनात्मकता का क्षेत्र इस तरह की उत्कृष्ट कृतियों द्वारा सूट के रूप में चिह्नित किया गया है " प्रति गुनोद ”, “होल्बर्ग के समय से" ग्रिग के काम के विशिष्ट प्रकारों में से एक लोक गीतों और नृत्यों का प्रसंस्करण है: साधारण पियानो टुकड़ों के रूप में, पियानो चार हाथों के लिए एक सूट चक्र।

ग्रिग की संगीत भाषा विशिष्ट है। संगीतकार की शैली का व्यक्तित्व सबसे अधिक नॉर्वेजियन लोक संगीत के साथ उनके गहरे संबंध से निर्धारित होता है। ग्रिग शैली की विशेषताओं, स्वर संरचना, लोक गीत के लयबद्ध सूत्रों और नृत्य की धुनों का व्यापक उपयोग करता है।

राग की विविधता और भिन्न विकास की उल्लेखनीय महारत, ग्रिग की विशेषता, इसके परिवर्तनों के साथ राग की बार-बार पुनरावृत्ति की लोक परंपराओं में निहित है। "मैंने अपने देश का लोक संगीत रिकॉर्ड किया है।" इन शब्दों के पीछे लोक कला के प्रति ग्रिग का सम्मानजनक रवैया और अपनी रचनात्मकता के लिए इसकी निर्णायक भूमिका की मान्यता है।

7. निष्कर्ष

उपरोक्त के आधार पर, निम्नलिखित निष्कर्ष निकाले जा सकते हैं:

रूमानियत का उदय तीन मुख्य घटनाओं से प्रभावित था: महान फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन युद्ध, यूरोप में राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन का उदय।

कलात्मक संस्कृति में एक विधि और दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद एक जटिल और विरोधाभासी घटना थी। हर देश में उनकी एक विशद राष्ट्रीय अभिव्यक्ति थी। रोमानी लोगों ने समाज में विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक पदों पर कब्जा कर लिया। उन सभी ने बुर्जुआ क्रांति के परिणामों के खिलाफ विद्रोह किया, लेकिन उन्होंने अलग-अलग तरीकों से विद्रोह किया, क्योंकि प्रत्येक का अपना आदर्श था। लेकिन सभी बहुपक्षीयता और विविधता के लिए, रोमांटिकतावाद में स्थिर विशेषताएं हैं:

वे सभी प्रबुद्धता के खंडन और क्लासिकवाद के तर्कवादी सिद्धांतों से आए, जिसने कलाकार की रचनात्मक पहल को जन्म दिया।

उन्होंने ऐतिहासिकता के सिद्धांत की खोज की (प्रबुद्ध लोगों ने अतीत को एक ऐतिहासिक तरीके से उनके लिए "उचित" और "अनुचित" के रूप में देखा)। हमने अतीत में मानव पात्रों को उनके समय के अनुसार आकार में देखा था। राष्ट्रीय अतीत में रुचि ने बहुत सारे ऐतिहासिक कार्यों को जन्म दिया।

एक मजबूत व्यक्तित्व में रुचि जो अपने आस-पास की पूरी दुनिया का विरोध करती है और केवल खुद पर निर्भर करती है।

किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया पर ध्यान दें।

स्वच्छंदतावाद पश्चिमी यूरोप और रूस दोनों में व्यापक रूप से विकसित हुआ था। हालांकि, रूस में रोमांटिकतावाद एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के लिए पश्चिमी यूरोपीय से अलग था। रूस में रूमानियत के उदय का वास्तविक कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोगों की पहल की पूरी ताकत प्रकट हुई थी।

रूसी रूमानियत की विशेषताएं:

स्वच्छंदतावाद ने आत्मज्ञान का विरोध नहीं किया। शैक्षिक विचारधारा कमजोर हुई, लेकिन यूरोप की तरह ढही नहीं। एक प्रबुद्ध सम्राट का आदर्श अपने आप समाप्त नहीं हुआ है।

स्वच्छंदतावाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जो अक्सर इसके साथ जुड़ता है।

रूस में विभिन्न प्रकार की कलाओं में स्वच्छंदतावाद ने खुद को अलग-अलग तरीकों से दिखाया है। वास्तुकला में, वह बिल्कुल भी नहीं पढ़ा गया था। पेंटिंग में - XIX सदी के मध्य तक सूख गया। यह केवल आंशिक रूप से संगीत में ही प्रकट हुआ। शायद केवल साहित्य में ही रूमानियत लगातार प्रकट हुई।

दृश्य कलाओं में, रोमांटिकतावाद चित्रकला और ग्राफिक्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला और वास्तुकला में कम स्पष्ट रूप से।

रोमांटिक्स मानव आत्मा की दुनिया को खोलते हैं, व्यक्तिगत, किसी और के विपरीत, लेकिन ईमानदार और इसलिए दुनिया की सभी कामुक दृष्टि के करीब। पेंटिंग में छवि की तात्कालिकता, जैसा कि डेलाक्रोइक्स ने कहा, और साहित्यिक प्रदर्शन में इसकी निरंतरता नहीं, कलाकारों के ध्यान को आंदोलन के सबसे जटिल हस्तांतरण पर निर्धारित किया, जिसके लिए नए औपचारिक और रंगीन समाधान पाए गए। स्वच्छंदतावाद ने 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में एक विरासत छोड़ी। इन सभी समस्याओं और कलात्मक व्यक्तित्व को अकादमिकता के नियमों से मुक्त किया गया। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला में, रोमांटिक लोगों को विचार और जीवन के आवश्यक संयोजन को व्यक्त करने का प्रतीक था। कलात्मक छवि की पॉलीफोनी में घुल जाता है, विचारों की विविधता और आसपास की दुनिया पर कब्जा कर लेता है। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का भावुकतावाद से गहरा संबंध है।

रोमांटिकतावाद के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिगत व्यक्तिपरक दृष्टि एक कानून का रूप लेती है। प्रभाववाद कला को एक छाप घोषित करते हुए कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा। रोमांटिक लोग कलाकार की कल्पना, "उसकी भावनाओं की आवाज" के बारे में बात करते हैं, जो काम को रोकने की अनुमति देता है जब मास्टर इसे आवश्यक समझता है, न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों की आवश्यकता होती है।

विश्व कला संस्कृति में स्वच्छंदतावाद ने एक पूरे युग को छोड़ दिया, इसके प्रतिनिधि थे: रूसी साहित्य में ज़ुकोवस्की, ए। पुश्किन, एम। लेर्मोंटोव, आदि; ई। डेलाक्रोइक्स, टी। गेरिकॉल्ट, एफ। रनगे, जे। कॉन्स्टेबल, डब्ल्यू। टर्नर, ओ। किप्रेंस्की, ए। वेनेत्सियानोव, ए। ऑरलोर्स्की, वी। ट्रोपिनिन और अन्य की ललित कलाओं में; संगीत में एफ। शुबर्ट, आर। वैगनर, जी। बर्लियोज़, एन। पगनिनी, एफ। लिस्ट्ट, एफ। चोपिन और अन्य। उन्होंने नई शैलियों की खोज और विकास किया, मानव व्यक्ति के भाग्य पर पूरा ध्यान दिया, की द्वंद्वात्मकता का खुलासा किया अच्छाई और बुराई, कुशलता से मानवीय भावनाओं को प्रकट किया, आदि।

कला के रूपों ने उनके महत्व में कमोबेश बराबरी की और कला के शानदार कार्यों का निर्माण किया, हालांकि कला की सीढ़ी में रोमांटिक लोगों ने संगीत को प्राथमिकता दी।

दुनिया की एक धारणा के रूप में रूस में स्वच्छंदतावाद 18 वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक अपनी पहली लहर में मौजूद था। रूसी कला में रोमांटिक की रेखा 1850 के दशक में समाप्त नहीं हुई थी। कला के लिए रोमांटिक द्वारा खोला गया, "ब्लू रोज़" के कलाकारों के बीच बाद में विकसित होने की स्थिति का विषय। रोमांटिक लोगों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, उद्देश्यों, अभिव्यंजक तकनीकों ने विभिन्न शैलियों, प्रवृत्तियों, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया। रोमांटिक दृष्टिकोण या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़ और फलदायी साबित हुई।

एक सामान्य दृष्टिकोण के रूप में स्वच्छंदतावाद, मुख्य रूप से युवा लोगों की विशेषता, आदर्श और रचनात्मक स्वतंत्रता के लिए प्रयास के रूप में, अभी भी विश्व कला में लगातार रह रहा है।

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