Kunstneriske fordele ved romanen "A Hero of Our Time. Den kunstneriske fordel ved dramaet "Tordenvejr

KUNSTNERISK VÆRDI - et kunstværk i dets forhold til de højeste menneskelige behov og interesser, realiseret i dets indholds-kunstneriske fordele og funktioner, takket være hvilket det har en positiv effekt på menneskers følelser, sind, vilje, hvilket bidrager til deres åndelige udvikling.

Kunstnerisk værdi er det følelsesmæssige, sensuelt-psykologiske, ideologiske indhold af værket som et system af billeder, helheden af ​​de betydninger, der er indeholdt i det, og de betydninger, der genereres af det. Da dette indhold er objektificeret af forfatteren ved hjælp af en "konstruktør-bærer" (skabt af et bestemt materiale i overensstemmelse med lovene for denne type kunst), er de kvaliteter, der følger af den kunstneriske bearbejdning af dette materiale, også værdi- væsentlig. Disse kvaliteter (organisk enhed af form og indhold, kompositorisk harmoni, harmoni, fuldstændighed, udtryksfuldhed, kunstnerisk sandhed af midler, sproglig forståelighed) opnår æstetisk værdi efterhånden som perfektion opnået, en manifestation af talent, bevis på beherskelse.

Kunstnerisk værdi dannes af den enhed af objektive betydninger og betydninger, der opstår under udviklingen af ​​et værk. Afhængig af værkets genre, dets formål og organiske indholdsaspekter (psykologiske, socioanalytiske, filosofiske osv.), kan denne enhed være domineret af nogle af de mulige værdibetydninger (f.eks. kognitiv, pædagogisk, socialt mobiliserende, hedonistiske osv.).

Virkelig betydningsfulde kunstværker tilhører kunstnere, der skaber til gavn for mennesket og derfor beskytter, hævder, poetiserer livets og kulturens betydningsfulde værdier. Samtidig skabes selve værket som en potentiel kunstnerisk værdi. Det bliver en social værdi i det omfang, de betydninger og forfattertanker, der er indeholdt i det, er kendt, dets fortjenester anerkendes, dets funktioner bliver sat i værk og udføres. Da denne udvikling udføres af fag, hvis værdiorientering er ikke-identiske, får værket en ikke-identisk vurdering. Ifølge det relativistiske begreb, der ignorerer dialektikken i subjekt-objekt æstetiske relationer, fortolkes kunstnerisk værdi som en funktion af evaluering, det viser sig at være et afledt af orienteringer, smag og meninger hos en bestemt del af offentligheden eller en individuelle modtager. Således viser avantgarde-produkter, pseudo-kunstneriske produkter, opfattet som kunstfænomener, at blive tilskrevet sfæren af ​​kunstnerisk værdi. Ifølge det marxistiske koncept er en tilstrækkelig kvalificering af kunstnerisk værdi kun mulig, hvis emnet for det evaluerende forhold har en fælles kultur, tilsvarende kunstnerisk uddannelse, god æstetisk smag og værdiorientering, der imødekommer tendenserne i sociale og kulturelle fremskridt. Den kunstneriske smags historiske variation udelukker ikke blot, men forudsætter kontinuiteten af ​​ideer om veldefinerede dyder, der har varig værdi, og om de tilsvarende kriterier.

Kunstnerisk værdi er ikke lige i sin objektive betydning, som bestemmes af graden af ​​uddybning i emnet visning, ideologi, kreativ originalitet, innovation. Af højeste værdi er værker, der med en humanistisk aspiration og sandfærdighed indeholder kreative erhvervelser og opdagelser, legemliggør dybe generaliseringer af sociale relationer, menneskelige karakterer og skæbner, universelt betydningsfulde psykologiske tilstande og følelser. Afhængig af emne-plot-specificiteten og værkets problematik kan dets værdibetydninger have en overvejende "situationsbestemt" konkret historisk karakter, eller de kan have universalitet. Universelle værdibetydninger opstår i specifikke historiske, sociale, nationale forhold og kulturelle sammenhænge. Men hvis levevilkårene for mennesker, deres psykologiske stereotyper, skikke og skikke ændrer sig, så forbliver kardinalspørgsmål om meningen med livet og en persons lykke, hans værdighed og søgen efter harmoni i forhold til andre mennesker generelt væsentlige. Status som universelle menneskelige kunstneriske værdier erhverves af værker, der rejser og diskuterer disse "evige" spørgsmål, indeholder universelle betydninger, der er åbne for læsning af mennesker fra forskellige nationer og forskellige epoker. På grund af visheden om et "menneskes" egenskaber og tilstedeværelsen af ​​aksiologiske konstanter af humanistisk æstetisk bevidsthed, bliver det således muligt at arve kunstneriske værdier, interetnisk udveksling af dem, fremkomsten og berigelsen af ​​deres universelle fond.

Efter at have stiftet bekendtskab med sammensætningen af ​​romanen "A Hero of Our Time", som er usædvanlig og kompleks, vil jeg gerne bemærke romanens kunstneriske fordele. Lermontov-landskabet har et meget vigtigt træk: det er tæt forbundet med karakterernes oplevelser, udtrykker deres følelser og stemninger, hele romanen er gennemsyret af dyb lyrik. Herfra kommer den lidenskabelige emotionalitet, spændingen ved naturbeskrivelserne, som skaber en følelse af musikaliteten i hans prosa. Flodernes sølvskinnende tråd og den blålige tåge, der glider gennem vandet og flygter ind i bjergenes kløfter fra de varme stråler, og gnistret af sne på bjergtoppene - de nøjagtige og friske farver i Lermontovs prosa er meget pålidelige . I "Bela" fascineres vi af de sandfærdigt tegnede billeder af højlændernes manerer, deres barske levevis, deres fattigdom. Lermontov skriver: "Saklyaen sad fast på den ene side til klippen, tre våde trin førte til dens dør. Jeg famlede mig ind og løb ind i en ko, jeg vidste ikke, hvor jeg skulle gå hen: her blæser får, der brokker en hund. Folket i Kaukasus levede hårdt og trist, undertrykt af deres fyrster, såvel som af den tsaristiske regering, som betragtede dem som "indfødte i Rusland". Lermontov viser skyggesiden af ​​højlændernes liv og sympatiserer med folket. De majestætiske billeder af bjergnaturen er tegnet meget talentfuldt. Den kunstneriske beskrivelse af naturen i romanen er meget vigtig for at afsløre billedet af Pechorin. I Pechorins dagbog støder vi ofte på en naturbeskrivelse forbundet med bestemte tanker, følelser, stemninger, og det hjælper os til at trænge ind i hans sjæl, til at forstå mange af hans karaktertræk. Pechorin er en poetisk person, lidenskabeligt kærlig natur, i stand til billedligt at formidle, hvad han ser. Ofte synes hans tanker om naturen at være sammenflettet med hans tanker om mennesker, om ham selv. Pechorin beskriver mesterligt nattens natur /sin dagbog, 16. maj/ med dens lys i vinduerne og "dystre, sneklædte bjerge". Nogle gange tjener naturbilleder som anledning til eftertanke, ræsonnement, sammenligning. Et eksempel på et sådant landskab er beskrivelsen af ​​stjernehimlen i historien "The Fatalist", hvis udseende får ham til at reflektere over en generations skæbne. Forvist til fæstningen keder Pechorin sig, naturen virker kedelig for ham. Landskabet her er også med til at forstå heltens sindstilstand. Dette er tjent med beskrivelsen af ​​det oprørte hav i historien "Taman". Billedet, der åbner sig for Gregory fra pladsen, hvor duellen skulle finde sted, udsigten til solen, hvis stråler ikke varmer Pechorin efter duellen, - hele naturen er trist. Således ser vi, at beskrivelsen af ​​natur fylder en stor plads a. afslører Pechorins personlighed. Kun alene med naturen oplever Pechorin den dybeste glæde. "Jeg kan ikke huske en dybere og friskere morgen!" - udbryder Pechorin, ramt af skønheden ved solopgangen i bjergene. Pechorins sidste håb er også rettet mod havets endeløse vidder, lyden af ​​bølgerne. Han sammenligner sig selv med en sømand, der er født og opvokset på dækket af en røverbrig, og siger, at han savner kystsandet, lytter til brusen fra de modkørende bølger og kigger ud i det fjerne, dækket af tåge. Lermontov var meget glad for havet, hans digt "Sail" gentager romanen "A Hero of Our Time". Pechorin leder efter det ønskede "sejl" i havet. Hverken for Lermontov eller for helten i hans roman gik denne drøm i opfyldelse: det "ønskede sejl" dukkede ikke op og skyndte dem af sted til et andet liv, til andre kyster på romanens sidste sider. Pgchorin kalder sig selv og sin generation "elendige efterkommere, der vandrer på jorden uden overbevisning og stolthed, uden fornøjelse og frygt." Det vidunderlige billede af et sejl er en længsel efter et mislykket liv. Historien "Prinsesse Mary" åbner med et vidunderligt landskab. Pechorin skriver i sin dagbog: "Jeg har en vidunderlig udsigt fra tre sider." Lermontov blev højt værdsat af Chekhov. Han skrev; "Jeg kan ikke et bedre sprog end Lermontovs. Jeg lærte at skrive af ham.” Sproget i romanen "A Hero of Our Time" glædede de største mestre af ordet. "Ingen har nogensinde skrevet i vores land i så korrekt, smuk og velduftende prosa," sagde Gogol om Lermontov. Ligesom Pushkin opnåede Lermontov ^ nøjagtigheden og klarheden af ​​hver sætning, dens forfining. Romanens sprog er frugten af ​​forfatterens omfattende arbejde med manuskripter. Pechorins sprog er meget poetisk, den fleksible struktur i hans tale vidner om en mand med stor kultur, med et subtilt og gennemtrængende sind. Rigdommen i romanens sprog er baseret på Lermontovs personlige holdning til naturen. Han skrev en roman i Kaukasus, naturen inspirerede ham. Den centrale del af romanen, Pechorins dagbog, er præget af en særlig dybdegående psykologisk analyse. For første gang i russisk litteratur vises en sådan nådesløs eksponering af helten af ​​hans personlighed. Heltens oplevelser analyseres af ham med "en dommers og en borgers alvor." Pechorin siger: "Jeg prøver stadig at forklare mig selv, hvilken slags følelser der koger i mit bryst." Vanen med introspektion suppleres af evnerne til konstant observation af andre. I det væsentlige er alle Pechorins forhold til mennesker en slags psykologiske eksperimenter, der interesserer helten i deres kompleksitet, "i et stykke tid underholder de med held. Sådan er historien med Bela, historien om sejren over Mary. Tilsvarende var det psykologiske "spil" med Grushnitsky, som Pechorin narre, og erklærer, at Mary ikke er ligeglad med ham, for senere at bevise sin beklagelige fejltagelse. Pechorin hævder, at "ambition er intet andet end en tørst efter magt, og lykke er bare pompøs stolthed." Hvis A.S. Pushkin anses for at være skaberen af ​​den første realistiske poetiske roman om modernitet, så efter min mening er Lermontov forfatter til den første sociopsykologiske roman i prosa, hans roman er kendetegnet ved dybden af ​​analyse af den psykologiske opfattelse af verden, der skildrer sin æra, udsætter Lermontov den for dyb kritisk analyse, uden at bukke under for illusioner og forførelser. Lermontov viser alle de svageste sider af sin generation: hjertekuld, egoisme, forgæves af aktivitet. Realismen i A Hero of Our Time adskiller sig i mange henseender fra realismen i Pushkins roman. Skubber de hverdagslige elementer, heltenes livshistorie til side, fokuserer Lermontov på deres indre verden og afslører i detaljer de motiver, der fik den eller den helt til at gøre noget. Forfatteren skildrer alle mulige overløb af følelser med en sådan dybde, penetration og detaljer, som hans tids litteratur endnu ikke kendte. Mange betragtede Lermontov som forgængeren til Leo Tolstoy, og jeg er helt enig i dette, det var fra Lermontov, Tolstoy lærte teknikkerne til at afsløre den indre verden af ​​karakterer, portrætter og talestil. Dostojevskij tog også udgangspunkt i Lermontovs kreative erfaring, men Lermontovs tanker om lidelsens rolle i en persons åndelige liv, om den splittede bevidsthed, om sammenbruddet af individualismen af ​​en stærk personlighed, forvandlede Dostojevskij til et billede af smertefuld spænding og smertefuld lidelse for heltene i hans værker. Den oprørske natur af Pechorin nægter glæder og fred i sindet. Denne helt "beder altid om storme". Hans natur er for rig på lidenskaber og tanker, for fri til at være tilfreds med lidt og ikke kræve store følelser, begivenheder, fornemmelser fra verden. Selvanalyse er nødvendig for en moderne person for korrekt at korrelere sin skæbne og skæbne med det virkelige liv, for at forstå sin plads i denne verden. Manglende overbevisning er en sand tragedie for helten og hans generation. "Journal of Pechorin" afslører et livligt, komplekst, rigt, analytisk arbejde i sindet. Dette beviser for os ikke kun, at hovedpersonen er en typisk figur, men også at der i Rusland er en ungdom, der er tragisk ensom, Pechorin betragter sig selv som en elendig efterkommer, der vandrer rundt på jorden uden overbevisning. Han siger: "Vi er ikke længere i stand til store ofre, hverken til gavn for menneskeheden eller endda for vores egen lykke." Den samme tanke gentager Lermontov i digtet "Dumaen": Vi er rige, næppe fra vuggen, Med fædrenes fejltagelser og deres sene sind, Og livet plager os allerede, som en glat vej uden mål, Som en fest på en fremmeds ferie. Enhver ægte russisk person bliver urolig ved tanken om, at M.Yu. Lermontov døde tidligt. Ved at løse det moralske problem med livets formål kunne hovedpersonen i hans arbejde, Grigory Pechorin, ikke finde en applikation til sine evner. "Hvorfor levede jeg? Til hvilket formål blev jeg født? Men det er rigtigt, jeg havde en høj udnævnelse, da jeg mærker enorme kræfter i min sjæl,” skriver han. I denne usikkerhed ligger oprindelsen til Pechorins holdning til menneskerne omkring ham. Han er ligeglad med deres oplevelser, så han fordrejer uden tøven andres skæbner. Pushkin skrev om sådanne unge mennesker: "Millioner af tobenede skabninger er det samme navn for dem." Ved hjælp af Pushkins ord kan man sige om Pechorin, at i hans livssyn "afspejles alderen, og det moderne menneske er afbildet helt korrekt, med sin umoralske sjæl, egoistisk og tør." Sådan så Lermontov sin generation.

Enkelheden af ​​japansk haiku, manglen på rim og deres kortfattethed er lidt usædvanligt for en europæisk læser. Nogle gange ser det ud til, at alle kan skabe sådan et mesterværk, men dette er et misvisende indtryk. Japanske digtere, der skriver haiku, arbejder i årevis på hver lyrisk miniature og bringer den til perfektion, som en ædelsten, der skinner med alle dens facetter. Kunstneriske detaljer i haiku afspejler hele verden af ​​følelser, tanker, observationer.

Rigtige billeder i haiku er tegnet med to eller tre ord, men de fremkalder brede associationer og forskellige stemninger.

Selv helteridderen

Omkring kirsebærblomster

Bliver en almindelig kriger.

Der er rigtige billeder i denne haiku - en helteridder, sakura, en simpel kriger og associationer - sejr, skønhed, tilbedelse før noget helt simpelt, uskyldigt. Stemning - betænksom, rolig, fredelig, overrasket.

Under kirsebærblomstringen

Bjerge vil ikke tilføje skønhed

Selv morgengry

kunstneriske billeder af forår, blomstrende have, morgengry.

Kunstneriske billeder af haiku er rige, rummelige og lyse, der er få eller praktisk talt ingen kunstneriske midler. Poetisk haiku - i udvælgelsen og placeringen af ​​almindelige ord.

Før skønheden af ​​blomster

Skamede månen sig? -

Gemmer sig bag en sky

nattens billede er skabt af ét ord - "måne". Naturen er menneskeliggjort – månen ”skammes”. Nattens udsmykning er ikke fuldmånen, men sandsynligvis duften af ​​et hav af blomster. læse haiku

Mountain Rose!

Hendes nåle tigger

hatte dekoration,

det er let at forestille sig: blandt de barske klipper - en magisk dal og et blomstrende mirakel - en rose. En rose, der erobrede både stenjorden og vindene og dårligt vejr. Jeg vil gerne have en sådan skønhed omkring mig længere, men en plukket rose på en hat vil hurtigt falme. Derfor vil vi ikke ødelægge den levende skønhed, lad andre beundre den smukke blomst. Landskabet i denne haiku er skjult, associativt, udtrykt med kun to ord - "bjergrose". Selv udråbstegn i slutningen af ​​linjen påvirker afsløringen af ​​dette billede - den højeste grad af beundring.

Blomster visnede.

Sorg dækker jorden -

græsfrø

naturen er menneskeliggjort. Metaforen "tristhed dækker jorden" skaber et billede af efteråret. Blomster visnede - det er tristhed. Men frøene forblev - håbet om fremtidens unge grønt. "Lys tristhed" her er det evige håb om fornyelse, genfødsel, generations kontinuitet.

For Basho er mennesket og naturen uadskillelige. Naturen er humaniseret, og en person synes at opløses i den, menneskeliv med ungdom og modenhed finder sine associationer i blomstring, modning af frugter og frø. Bashos haiku-temaer er forskelligartede, men ofte sammenflettede, meget associative, hvilket svarer til begrebet "yugen" - en subtil antydning eller undertekst, der skaber magien ved underdrivelse.

Agnia Lvovna Barto blev født i Moskva i familien til en læge - en dyrlæge. Hun studerede på en uddannelsesskole, gik samtidig på en teaterskole, ønskede at blive skuespillerinde. Hun begyndte at digte tidligt: ​​de var drilske epigrammer for lærere og veninder. I en alder af 20 udkom hendes første digte på tryk. A. Barto brugte i vid udstrækning humorens midler, selv når hun fortalte små børn om en legetøjskanin, en bjørn, en tyr, en hest. ("Legetøj 1936)
Der er en kutling, der svinger,
Suk på farten:
- Åh, bestyrelsen er forbi,
Nu vil jeg falde!
Hvert legetøj i digterindens billede får individualitet:
Tid til at sove!
Tyren faldt i søvn
Han lagde sig i en kasse på en tønde.
Den søvnige bjørn gik i seng
Kun elefanten vil ikke sove.
Elefant nikker med hovedet
Han sender en bue til elefanten.
A. Bartos legetøj er fuldgyldige deltagere i børns liv, børns venner:
Jeg elsker min hest
Jeg vil rede hendes hår glat,
Jeg stryger hestehalen med en kammusling
Og jeg tager på hesteryg for at besøge.
En sådan funktion i digte om legetøj tiltrækker opmærksomhed, som regel er de skrevet i første person, hvis vi taler om nogle gode gerninger af børn - "Jeg trækker en båd langs en hurtig flod ..."; "Nej, forgæves besluttede vi at køre med katten i bilen ..."; "Vi vil selv bygge flyet ...." og i tredje person, når der ikke er nogen aktive handlinger fra barnet eller dårlige gerninger "Kaninen blev forladt af værtinden ..."; "Vores Tanya højlydt ...".
Denne teknik hjælper med at etablere positive karaktertræk hos unge læsere.
Mere end én generation af sovjetiske mennesker har kendt og elsket A. Bartos digte siden barndommen. Hemmeligheden bag en sådan popularitet ligger i friskheden og umiddelbarheden af ​​de følelser, som digterinden formidler, i hendes evne til at løse de vigtigste pædagogiske problemer i en levende kunstnerisk form.
Digte af A. Barto er en kronik om sovjetisk barndom. Heltene i disse digte er børn fra et lille barn, der stadig ikke kan udtale ordet "mor" til en 14-årig teenager, der forbereder sig på at blive medlem af Komsomol. Med sådan viden om børnepsykologi skaber digterinden bøger til de mindste. Og samlingen "Legetøj" fra 1936, sammensat af lette klangfulde digte om yndlingsbørnelegetøj - en pjusket bjørn, en tyr, en bold, en hest osv., fungerer som et billede af en sådan bog.

At have nogen analoger i børns poesi af verden, er en cyklus af internationale digte af A. Barto - "Oversættelser fra børn". Mange børnedigte

læse og sympatisere med digterinden for at mærke stemningen hos et barn, der bor i en eller anden del af verden. Først derefter begyndte hun at skabe digte, der bevarer umiddelbarheden af ​​verdenssynet af børn fra forskellige lande. "Mange mennesker har "små digtere" til fælles, men ofte er deres oplevelser dybere, rigere, end et barn er i stand til at udtrykke. Så jeg forsøgte at bevare betydningen af ​​hvert digt, for at finde den poetiske form, der ville gøre det muligt at præcisere, mere præcist formidle, hvad der blev sagt af barnet, "sagde A. Barto om ideen om \u200b\ u200b denne cyklus. Problemerne med cyklussens digte er forskellige: holdning til naturen, kærlighed til mor, første barndoms kærlighed, bekymring for fremtiden.
"Oversættelser fra børn"- et skelsættende værk ikke kun i A. Bartos værk, men også i verdens børnelitteratur. Denne cyklus skabte en innovativ tradition i søgen efter poetisk selvudfoldelse af verdens børnedigtere. Evnen til at finde nye muligheder for poetisk selvudfoldelse, at videregive traditionernes stafetten er et af de vigtigste træk ved A. Bartos arbejde i mere end et årti. A. Bartos talent stoppede ikke i dets udvikling, hun stræbte efter at sige et nyt poetisk ord til hver ny ung generation af læsere.
Skrevet på forskellige tidspunkter, er Bartos digte for børn samlet i to bind "Digt for børn", i digtsamlinger "For blomster i vinterskoven", "Bare digte", "Dine digte" og andre. Heltene i hendes bøger er børn fra spæde til 14 år.
Bartos digte er elsket af børn i alle aldre. Hemmeligheden bag en sådan popularitet ligger i friskheden og umiddelbarheden af ​​de følelser, som digterinden formidler, i hendes evne til at løse de vigtigste pædagogiske problemer i en levende kunstnerisk form.
Rimet i Bartos digte er rigt og varieret. Hun er altid højrøstet og stærk. I digterindens digte er indholdsrigdommen organisk kombineret med en yderst kunstnerisk form.
A. Fadeev skrev: "A. Bartos kreativitet, fuld af kærlighed til livet, klar, solrig, modig, venlig, den bringer glæde til folk og opdrager mere end én generation af børn."

02. august 2010

Teknikker giver ret til at betragte det som et af den dramatiske litteraturs mesterværker. IA Goncharov beundrede skuespillet i Tordenvejret og skrev: "Fra hvilken som helst side det tages, fra siden af ​​skabelsesplanen eller dramatisk bevægelse, eller endelig karakterer, er det overalt præget af kreativitetens kraft, subtilitet af iagttagelse og nåde afslutter". Goncharov understregede især det typiske ved billederne af Tordenvejret: "Hvert ansigt i dramaet er en typisk karakter, der er snuppet direkte fra folkelivets miljø. gav en hel, mangfoldig verden af ​​personligheder, der eksisterede på hvert trin. Til dette kan vi tilføje, at selve byen Kalinov, afbildet i.

Dramaets handling afsløres med en dyb indre regelmæssighed, harmonisk og naturligt. Samtidig bruger dramatikeren dygtigt sådanne kompositionsmetoder, der giver stykket en særlig scenetilstedeværelse og handlingens bevægelse - skarphed og spænding. Det er den måde, landskabet bliver brugt gennem hele stykket.

Landskabet udfører en dobbelt funktion i Tordenvejret. I begyndelsen af ​​stykket er han baggrunden, som den dramatiske handling udspiller sig på.

Han understreger ligesom uoverensstemmelsen mellem Kalinoviternes døde, ubevægelige liv og deres "grusomme moral" på den ene side og de smukke naturgaver, som Kalinovtsy ikke forstår at værdsætte, på den anden side. Dette landskab er virkelig smukt. Han beundrer ham og siger til Boris:

• "Okay, sir, lad os gå en tur nu.
• Stilhed, luften er fremragende,
• på grund af Volga lugter engene af blomster, himlen er klar.
• Afgrunden åbnede sig, regimentets stjerner.
• Stjernerne af antallet af ket, bundens afgrund.

Men Kuligin - en drømmer - er alene i byen med sin entusiastiske holdning til naturen. Jo mere levende er ligegyldigheden over for alt yndefuldt, smukt skitseret fra Wild og Kabanovs side, som er klar til at kvæle enhver manifestation af en god, naturlig følelse i deres miljø. Tordenvejret spiller en anden rolle i stykket i første og fjerde akt. Et tordenvejr i naturen, et atmosfærisk tordenvejr, invaderer her direkte heltindens spirituelle drama og påvirker selve udfaldet af dette drama. Det kommer i øjeblikket af Katerinas mest magtfulde oplevelser.

I Katerinas sjæl, under indflydelse af en følelse af kærlighed til Boris, begynder forvirringen. Hun forråder sin hemmelighed til Varvara og kæmper mellem to følelser: kærlighed til Boris og bevidstheden om synd, denne kærligheds "ulovlighed". Katerina føler, som om en eller anden form for ulykke nærmer sig hende, forfærdelig og uundgåelig - og på dette tidspunkt begynder et tordenvejr. "Tordenvejr! Lad os løbe hjem! Skynde sig!" udbryder hun forfærdet. De første tordenskrald høres - og Katerina udbryder: "Åh, skynd dig, skynd dig!" Dette er i første akt af stykket. Men her kommer stormen igen:

Kvinde. Nå, hele himlen var overlejret. Præcis med en hat, og dækkede den.

1. rollator. Eko, min bror, det er som om en sky snoer sig i en kugle, det er som om det levende vælter og drejer sig i det.

2. rollator. Du markerer mit ord, at dette tordenvejr ikke vil passere forgæves ... Enten vil det dræbe nogen, eller også vil huset brænde ned ...

KATERINA (lytter). Hvad siger de? De siger, de vil dræbe nogen... Tisha, jeg ved, hvem de vil dræbe... De dræber mig. Et tordenvejr bryder ud, og Katerinas spændte nerver kan ikke holde det ud: hun angrer offentligt sin skyld. Tordenklap – og hun falder meningsløs.

Rollen som den gamle "dame med to lakajer" har også en vigtig kompositorisk betydning. Hendes udseende falder også sammen med billederne af et tordenvejr. "At være en synd af en slags," siger Katerina. "Sådan frygt for mig, sådan en frygt for mig! Det er, som om jeg står over en afgrund, og nogen skubber mig derhen..."

Oka er bange for fristelsen, den forbudte kærligheds "forfærdelige synd" - og så dukker den gamle kvinde op med sine ildevarslende taler: "Hvad, skønheder? Hvad laver du her? Venter I på de gode kammerater, mine herrer? Har du det sjovt? Sjovt? Gør din skønhed dig glad? Her, her, i selve poolen, ”spåer hun Katerina om sin skæbne. I det fjerne, bag Volga, kravler skyerne og omslutter himlen før et tordenvejr.

Damen med en stok og to lakajer med trekantede hatte bagved vises endnu en gang i stykkets højeste spændingsøjeblik. Torden buldrer. Katerina hører igen ordene fra den skøre gamle kvinde: "Hvad gemmer du på? Intet at skjule! Det kan ses, at du er bange: du vil ikke dø! .. Det er bedre med skønhed i poolen. Alt vil brænde i ild i uslukkeligt! Katerina, forfærdet, løber op til væggen i galleriet og knæler som med vilje ned i nærheden af ​​billedet, der viser "gehenna flammende": "For helvede! Helvede! Helvede! Gehenna brændende! Kabanova, Kabanov og Varvara omgiver hende. Hele hjertet er knust! Jeg orker det ikke mere. Mor! Tikhon! Jeg er en synder over for Gud"

Kudryash, i modsætning til Boris, er livlig, modig, behændig, i stand til at stå op for sig selv selv foran Dikiy; ser enkelt og let på Varvara, lider ikke af anger, som Katerina, og forstår ikke engang hendes pinsler. "Efter min mening," argumenterer hun, "gør hvad du vil, så længe det er syet og dækket." Varvara lader sig ikke fornærme, bukker ikke under for sin mor og for at forsvare sin frihed flygter hun hjemmefra med Kudryash.

Ostrovsky understreger også heltenes karakteristiske kvaliteter med de såkaldte betydningsfulde eller billedlige efternavne, ved hjælp af hvilke forfatteren afslører sine heltes indre verden, de dominerende træk ved deres karakter (Wild - en vild mand, Kudryash - en krøllet god fyr, Tikhon - en stille person, Kuligin - ligner Kulibin). Denne karakteriseringsmetode er generelt meget brugt i Ostrovskys dramaturgi, og hans karakterer bærer ikke kun allegoriske efternavne og navne: Gordey og Lyubim Tortsovs i "Poverty is not a last", Terrible Power i de dramatiske scener "True is good, but better" , Lup Lupych er embedsmand i "Abyss" mv.

Så Kuligin, en beundrer af Lomonosov og Derzhavin, er noget gammeldags. Indflydelsen af ​​boglige kirkeslaviske vendinger mærkes i den. Curlys sprog er oversået med sproglige ord (slobodanno, lad os gå ... i svælget) folkelige ordsprog, ordsprog og ordsprog; Degnens veltalenhed ses også deri.

Vandreren Feklusha væver sine smigrende ord, taler om sine vidunderlige "visioner" og om landene "hvor alle mennesker er med hundehoveder", og tegner i sig selv en hykler og helgen, der lever på bekostning af filistersk mørke og uvidenhed.