Historien om oprettelsen af ​​teatret i Rusland. Hvem og hvornår skabte det første teater i verden Hvornår opstod det første professionelle teater?

Teatrets historie er forankret i det antikke Grækenland for mere end to årtusinder siden. Den ældste kunst blev født som en spektakulær underholdning af de offentlige, festlige scener af mummer. Forestillingerne var oprindeligt tidsbestemt til at falde sammen med Great Dionysia - en stor religiøs højtid.

Nu er teatret uden tvivl noget mere end et optog af syngende mænd i gedeskind gennem byen. Det er blevet en høj kunst, en måde at rekreere på for det høje samfund, et sted for kulturel oplysning. Teatrets historie er en fascinerende udviklingsproces, der fortsætter den dag i dag. Vi vil fortælle læseren om det i vores artikel. Du vil også finde mange interessante fakta i det præsenterede materiale. Så lad os begynde.

Start

I Athen, 5. århundrede f.Kr. NS. teaterforestillinger var en integreret del af religiøse festivaler. Processionerne med statuen af ​​Dionysos blev ledsaget af muntre tilsang og dramatiske lege. Vi kan sige, at historien om det athenske teater begyndte som en amatørforestilling for et lille antal tilskuere. I starten blev der kun iscenesat tragedier, komedier blev vist senere. Det er bemærkelsesværdigt, at skuespillene som regel kun blev vist én gang. Dette stimulerede forfattere til at skabe relevante, interessante værker. Dramatikeren skrev ikke kun stykket, han var en fuldgyldig deltager i forestillingen, spillede rollerne: instruktør, komponist, koreograf og endda en skuespiller. Det var naturligvis ekstremt dygtige mennesker.

Men for at blive choreg (leder af et kor) krævedes det ikke stort talent. Alt, hvad de havde brug for, var penge og forbindelser med embedsmænd. Korets hovedopgave var at betale regninger, yde fuld materiel støtte og støtte teatret. Det var på det tidspunkt et konkurrencested, horeg, digter og hovedperson vandt i det. Vinderne blev kronet med efeu og belønnet med præmier. Sejren blev givet til dem ved juryens afgørelse.

Et interessant faktum er, at de gamle romere var rigtige fans af realisme. Produktionen blev betragtet som ideel, hvor skuespilleren vænnede sig 100% til rollen - om nødvendigt skulle han være klar til selv at dø.

Det græske teater havde ikke tag, tilskuere og skuespillere var faktisk på gaden. Størrelsen af ​​de gamle teatre var enorme, de kunne rumme fra 17 til 44 tusinde mennesker. Først blev der brugt træplatforme til at sætte publikum ned, derefter blev naturstenskråninger tilpasset til teatret. Og først da, i det IV århundrede f.Kr. e. blev der bygget et stenteater.

Du vil sikkert være interesseret i at vide, at regeringen, startende med Pericles, gjorde det muligt at besøge teatret og slutte sig til de smukke, selv økonomisk dårligt stillede borgere. For at gøre dette fik hver enkelt tilskud til et besøg i teatret og derefter til tre besøg.

Historien om det antikke teater har et karakteristisk træk: Skuespillerne spillede deres roller uden hjælp fra deres egne ansigtsudtryk. Den blev erstattet af alle slags masker, ofte ret groteske. Skuespilleren var meget opmærksom på kropsbevægelser og tøj. Skuespillerne var mænd, selv i kvinderoller. De indtog en privilegeret position i samfundet, var fritaget for skat.

Et interessant faktum er, at Livy Andronicus, en gammel romersk dramatiker, blev far til verdens første "fonogram". Han blev efterladt uden en stemme, men kom ud af situationen og fandt en dreng, der talte for ham.

Nogle udtryk for det antikke teater

Mange definitioner brugt i gamle teatre har overlevet til denne dag. En lille ordliste over termer fra oldtiden er præsenteret for din opmærksomhed nedenfor:

• Orchestra er en del af et rundt teater med to indgange, designet til opførelser af dramatiske og lyriske kor. I det athenske teater var dens diameter 24 meter.
• Skena er et sted at klæde sig ud. Det var oprindeligt et simpelt telt, derefter forbundet med scenedekorationer såsom baggrunden.
• Proskinius - søjlegangen foran skena.
• Paraseniy - sidesten udhuse.
• Scenen er en bakke over orkestret, hvor skuespillere begyndte at spille i senantikken.
• Ekkiklema er en bevægelig træplatform, der giver dig mulighed for at transformere scenen og flytte skuespillerne rundt på scenen.
• Koturny - sko med høje såler, der ligner stylter. Ved hjælp af sådanne sko blev skuespillerne højere, mere imponerende og ligner mytiske skabninger.

Et bemærkelsesværdigt faktum er, at det var i Rom, at sætningen "Finita la Comedia" først blev udtalt.

Dukker i teaterverdenen

Dukketeatrets historie går tilbage til Egypten, hvor præsterne brugte guden Osiris' dukke til at udføre rituelle handlinger. I begyndelsen var dukketeatret kun ceremonielt og rituelt, men nu er den religiøse konnotation forsvundet. Berømte rituelle og rituelle dukketeatre findes i mange lande: Japan (Bunraku), Indonesien (Wayang), Catalonien (El Pastores), Hviderusland (Batleika) og andre.

I dukketeatrets historie i Amerika skiller teatret, der blev skabt i 1962 under navnet "Brød og dukketeater" sig ud. Den byder på gigantiske papmachédukker, en tydelig politisk smag og lækkert brød ved indgangen. Dette samspil mellem skuespillere og tilskuere er symbolsk: Teaterkunsten skal være så tæt på folket som muligt.

Dukker kommer i forskellige størrelser og typer. Der er finger og handske, stok og tablet, dukker og kæmpedukker. Det er ikke så let at være skuespiller i et dukketeater, fordi du skal kunne genoplive et livløst objekt, udstyre det med karakter og stemme.

Et karakteristisk træk ved ethvert dukketeater er latterliggørelse af noget, tilstedeværelsen af ​​moral, et pædagogisk element i scenerne. Uanset hvor gammel dukketeatrets tilskuer er, vil han ikke blot finde noget at grine af, men også noget at tænke over. Ofte er heltene i dukketeater uattraktive, endda grimme karakterer, for eksempel den franske Punchinelle med en hæklet næse.

Du vil sikkert være interesseret i at vide, at skuespillere ikke altid er rige mennesker. I historien om amerikansk dukketeater er der fakta om, at teatergængere kunne se et teaterstykke i bytte for mad.

Drama

Historien om dramateatret går tilbage til oldtiden. Det er en af ​​kunstarterne, sammen med dukketeater, pantomime, opera og ballet. Det vigtigste kendetegn ved dramateatret er, at skuespillerens handlinger kombineres med de ord, han siger. Scenetale får særlig opmærksomhed i denne slags genre. Grundlaget for en dramatisk forestilling er et skuespil. I skuespilprocessen er improvisation mulig, handlingen kan omfatte dans, sang. Forestillingen er baseret på et litterært værk. Instruktøren er hovedfortolkeren af ​​et teaterstykke eller manuskript.

Det er ret bemærkelsesværdigt, at teaterarbejdere mener, at det ikke er godt at droppe manuskriptet. Hvis dette problem skete, skal du helt sikkert sidde på det.

Fremkomsten af ​​indenlandske teatertraditioner

Teatrets historie i Rusland er opdelt i faser:

• Indledende ("legende").
• Gennemsnit.
• Moden.

Legefuld scene

Som i det gamle Rom begyndte teatrets historie i Rusland som en ikke helt seriøs besættelse. Teaterforestillinger blev kaldt "sjove", og forestillinger blev kaldt "merrymaking". Den første omtale af bøvler i krøniker går tilbage til 1068. Faktisk kunne enhver person blive sådan en skuespiller, der underholder publikum. Fra et religionssynspunkt var buffons aktiviteter skammelige. I annalerne kaldes de djævelens tjenere, og hån, satire og påklædning kaldes synder. Skarp satire blev ikke hilst velkommen af ​​kirken, men dette stoppede ikke rigtig nogen.

Buffoonery blev heller ikke betragtet som en kunst, der glædede myndighederne, tværtimod gjorde akutte sociale temaer i scener, latterliggørelse af moderne mangler, skuespillere farlige og skadelige. Men folket elskede at se og grine af buffons præstationer. Det skal dog forstås, at det klassiske teater, som vi kender det nu, ikke er vokset ud af disse bøvlede scener, men uafhængigt af dem, ja snarere på trods af dem.

Mellemstadie

Den næste fase i russisk teaters historie er mellemtiden mellem legende og moden. På dette stadie opstår hof- og skoleteatrene. På det tidspunkt regerede tsar Alexei Mikhailovich, skuespillerne i hofteatret var udlændinge, skoleteatret - studerende. Efter Alexei Mikhailovichs død blev hofteatrets aktivitet suspenderet, indtil Peter I kom til magten. Han havde en positiv holdning til "skuespil", men udover underholdning var han også udstyret med en propagandafunktion. I 1702 dukkede et teater for de brede masser op – et offentligt. Dens bygning blev kaldt "Komedietemplet", hvor forestillinger blev givet af en tysk trup. Dette teater accepterede ikke folket. Selvom Peter I ikke nåede sit mål, gjorde han ikke teatret til et yndet sted for mennesker, tilgængeligt og populært, men han fastsatte alle de nødvendige forudsætninger for dette.

En moden fase i teaterkunstens historie

Denne periode i historien om oprettelsen af ​​et teater i Rusland er den vigtigste. På dette stadium begyndte teatret at erhverve de funktioner, der er velkendte for en moderne person, tog form i et seriøst professionelt fællesskab. Den 30. august 1756 blev starten givet, nemlig det kejserlige teater blev åbnet. Samme dato er dagen for grundlæggelsen af ​​Alexandrinsky-teatret i Skt. Petersborg. Det skete under Elizaveta Petrovna.

Et træk ved datidens teater var den samtidige deltagelse i produktioner af både russiske og udenlandske kunstnere. Det var på dette stadium, at udførelsen af ​​roller først blev betroet ikke kun til mænd, men også til kvinder. Catherine II lagde stor vægt på teatret, under hende i St. Petersborg var der tre tropper, en fantastisk sum penge blev brugt på udviklingen af ​​denne industri.

Ud over udviklingen af ​​statslige var Catherine også opmærksom på de adeliges private teatre, der var for eksempel teatret Sheremetyev, Volkonsky, Rumyantsev. Selv i provinserne blev deres egne godsejertrupper oprettet. Et russisk teater var ved at blive bygget, nemlig selve forestillingerne, efter modeller fra deres franske kolleger. I spidsen for den franske skuespilskole var I. A. Dmitrevsky, der opdragede mere end en generation af fremragende skuespillere.

Vidste du?

Vi præsenterer for læserens opmærksomhed nogle mere interessante fakta fra teaterkunstens historie.

På det tidspunkt, hvor Pushkin levede, var teatre i Rusland ikke helt siddende. De fjerneste rækker var optaget af folk, der stod på benene under hele showet.

Et ikonisk skuespil i den russiske teaterkunsts historie er DI Fonvizins "The Minor", som blev det første forsøg på at latterliggøre embedsmænd, adelige, typiske karakterer fra det 18. århundrede. Starodum (en positiv karakter) var den første, der blev spillet af førnævnte Dmitrevsky.

I 1803 blev de kejserlige teatre delt. Drama- og musikkrupper, opera- og ballettrupper optrådte som en del af musikken. Dominansen af ​​den franske skole for at spille på den russiske scene varede indtil det 19. århundrede. Det var da, at det russiske teater endelig kom på benene og fulgte sin egen vej. De opnåede erfaringer er blevet et godt grundlag, og opdagelsen af ​​nye talentfulde russiske komponister, skuespillere, dansere løftede teatret til et højt niveau.

PN Arapov var den første, der beskrev hele det russiske teaters historie i en encyklopædi - "Chronicle of the Russian Theatre". Teaterblade og professionelle kritikere dukker op. Således satte udviklingen af ​​teatret også skub i russisk litteratur.

Det mest berømte teater i Moskva

Bolshoi-teatrets historie begynder den 28. marts 1776. Det var på denne dag i Moskva, at kejserinde Catherine II underskrev et "privilegium" for prins Peter Urusov, hvilket gav ham mulighed for at opretholde teatret i ti år. Først blev det kaldt Petrovsky Theatre (til ære for gaden, hvor indgangen gik). I 1805 blev bygningen helt nedbrændt, og et nyt projekt blev skabt af arkitekten Osip Bove. I 1820 begyndte byggeriet, der varede 5 år.

Det opførte teater blev større, hvorfor det har fået sit navn. Beboerne i Moskva var tilfredse med denne smukke, harmoniske, rige bygning indtil 1853, da den anden brand brød ud. Denne gang blev genopbygningen overdraget til arkitekten Albert Cavos. Teatret blev restaureret allerede i 1856. Imperial Bolshoi Theatre blev berømt ikke kun i Rusland, men også i verden: det havde fremragende akustik. I 1917 efter revolutionen blev navnet ændret til Statens Bolsjojteater. Udsmykningen blev suppleret med sovjetiske symboler.

Han blev alvorligt såret under den store patriotiske krig og overtog bomben. Bygningen blev rekonstrueret igen. Indtil 1987 gennemgik bygningen kun mindre kosmetiske reparationer. Nu er Bolshoi Theatre en bygning med en ny scene, hvor moderne effekter kan bruges. Samtidig har det bevaret ånden fra klassisk arkitektur, dens "signatur" akustik, som giver det ret til at blive betragtet som et af de bedste teatre i verden. Dette er historien om Bolshoi-teatret.

Og endelig en mere, ikke mindre interessant kendsgerning. Film, der foregår helt eller delvist i teatret: Birdman, Woe Creator, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque Tales, Knockout, Bumping into Broadway, Black Swan "," The Puppeteer "," Awfully Big Adventure "," Shakespeare in Love "," Murder in a Small Town "," Orfevre Quay ".

Teaterhistorien (dramatiske og andre genrer af denne kunst) vil fortsætte med at udvikle sig, da interessen for den har været uændret i mere end to tusinde år.

I de gamle grækeres liv fik teaterkunsten førstepladsen som en måde at have det sjovt på. Forestillingerne blev organiseret på statsniveau for at hylde guden Dionysos i ferierne.

Opbygningen af ​​forestillingerne

Gamle græske dramaforestillinger var forskellige fra moderne. De bestod af flere forestillinger af rivaliserende digtere, der arbejdede i en tragisk og komisk retning. Hver deltager præsenterede en sjov historie for publikum. Ved iscenesættelsen blev der nødvendigvis brugt et kor af satyrer og tre tragedier, forenet af en historie. Forestillingerne sluttede først på den fjerde dag. De varede fra morgen til sen aften. Handlingen begyndte med tragiske præstationer efterfulgt af et satiredrama. En komedie blev iscenesat sidst på aftenen.

Musikalsk akkompagnement

Koret blev leveret af staten, da det var umuligt at forberede det selvstændigt. Med tiden ændrede antallet af talere sig fra 6 til 15 personer. Og sangerne blev undervist af velhavende borgere. Den, der forberedte koret til teaterkonkurrencer, og som forsynede det med kostumer, blev kaldt et kor. Sammen med skuespillere, sangere, blev horegerne fritaget for militærtjeneste i den tid, der krævedes til forberedelse og opførelse.

Scene struktur

Det antikke græske teater bestod af flere dele, blandt hvilke der er et orkester (et sted for optrædende sangere), en teatron (et auditorium) og en skene (en slags rekvisitter, der er nødvendige for at opnå større troværdighed). For at publikum bedre kunne høre skuespillernes ord, blev der brugt specielle kar til at hjælpe med at forstærke de talte lyde.

Karakteristiske træk

Oldtidens græske scenekunst var 90% mænd. Ud over den ukomplicerede udførelse af deres roller demonstrerede kunstnerne vokale evner, ideel diktion, fleksibilitet, plasticitet. Ansigterne på de mennesker, der optrådte på scenen, var dækket af masker. Deres udbredte brug er forbundet med æresbevisningen af ​​Dionysos, fraværet af kvindelige skuespillerinder og arenaens enorme størrelse. Masker kunne være tragiske eller komiske, hvilket præcist formidlede forfatterens idé til seeren.

Særlig beklædning til deltagerne i forestillingerne var med til at skildre forskellige karakterer. Da den var lang, voluminøs, skjulte den de nødvendige puder eller foringer, der blev brugt til at ændre kroppens naturlige proportioner. Hvis publikum var interesseret i forestillingen, udtrykte de positive følelser voldsomt. Misbilligelse var ikke mindre livlig. Ofte blev denne negative reaktion fremkaldt af folk, der var specielt hyret af konkurrenter.

Gammel romersk arena

Teatrets oprindelse i det gamle Rom er forbundet med overdådige høstfester, som oprindeligt blev organiseret som legende konkurrencer af små kor. De vittigheder, de udvekslede, var nogle gange ætsende og indeholdt latterliggørelse af samfundets laster, især toppen.

Teaterkunstens oprindelse

De tidligste repræsentationer af gammel romersk teaterkunst omfatter Atellans, som kaldes byerne i det sydlige af det moderne Italien. Det var lette komiske præstationer. Mange unge romere deltog.

Litterært drama kom til det antikke romerske teater fra Grækenland. Her blev lignende kreationer iscenesat på latin.

Grækeren Livy Andronicus endte på Roms område som krigsfange. Grækeren blev udpeget til at stå for iscenesættelsen af ​​den første dramatiske forestilling. Det var dette, der satte skub i den videre udvikling af teaterkunsten. Det kunne ikke, som i Grækenland, indikere problemer i samfundslivet, derfor blev historierne mere komplicerede, underholdningen af ​​de græske originaler steg. Trods dette havde romerne svært ved at opfatte traditionelle dramatiske historier.

Gladiatoriske briller

Forestillingerne fandt sted på helligdage. De blev ledsaget af cirkus, gladiatorforestillinger, der henledte opmærksomheden på sig selv og var populære blandt folket.

Til at begynde med var der ikke plads til skuespil, der var kun en ynkelig platform med en trappe. Skuespillerne blev mere professionelle, spillede uden masker. Skuespillet blev arrangeret efter aftale med lederen af ​​det antikke romerske teater. Med andre ord simpelthen skuespillertrupper, med de herskende kredse. Karakterernes kostumer var ikke anderledes end de græske. Kun et par accenter, såsom højden af ​​platformen i skoen, størrelsen af ​​parykkerne, der skaber et majestætisk indtryk.

Det første permanente romerske teater blev bygget af Pompejus. Tilskuerne krøb sammen på halvcirkelformede bænke arrangeret i flere rækker. Der var separate sæder til senatorer. Tag, indviklet dekorerede facader og gardin.

Oprindelsen af ​​det gamle Indiens teaterkunst

Gammel indisk teaterkunst blev opdelt i to retninger - folkemusik og litterær. Der er flere versioner af oprindelsen, hvoraf den mest populære tilskriver dette faktum til kejser Bharat. Gennem ham blev den femte Veda overført til mennesker, som forenede Ordet, Handlingen, Drengen. Udgaven af ​​fusionen af ​​glade forestillinger med det traditionelle mysterium, der eksisterede under store helligdage, er stadig mere sandsynlig.

Ved denne lejlighed blev der arrangeret ledsagende konkurrencer af stærke mænd, programmer for tryllekunstnere, musikere, dansere. Produktionen begyndte med dansenumre. Danserne prydede forestillingen med pantomimiske introduktioner, vedisk recitation. Efterhånden blev dansen afløst af kunstnernes optræden.

Socialt system

Det komplekse sociale system i det gamle Indien placerede skuespillere på det laveste niveau.

De blev betragtet som mennesker af en respektløs kaste, da de latterliggjorde guderne i deres taler. På trods af denne omstændighed var de fleste af dem de mest uddannede og respektable mennesker.

Forestillingerne blev iscenesat som danseforestillinger. Tegnsprog med rod i præsternes særlige ritualer blev frit brugt. Indisk danseteater lånte nøgletræk fra de gamle mysterier. Derfor krævede kunstnerne særlig plasticitet og evnen til at bruge et rigeligt arsenal af pantomime.

Vækst i popularitet

Ved udgangen af ​​anden halvdel af det første årtusinde f.Kr. NS. Indisk teaterkunst har opnået den højeste popularitet. På trods af sammenfaldet af tidspunktet for opførelsen af ​​skuespillene med de vigtigste religiøse helligdage, blev deres underholdningsessens fremhævet og fortrængte den rituelle komponent.

Skuespillerholdene bliver mere professionelle. Hver deltager påtager sig en kreativ rolle. Kønssammensætningen af ​​trupperne varierede - det er kendt om eksistensen af ​​samme køn og heteroseksuelle grupper. De fleste af dem vandrede. Da de mødtes, blev der arrangeret spektakulære konkurrencer på det fælles territorium. Ud over pengepræmier modtog vinderne en række hædersbevisninger.

Arenaen for indisk dans var nogle gange placeret i en bestemt bygning - lille, men relativt høj, i stand til at rumme 300 mennesker. Forestillingernes længde varierede fra to til tre timer til et par dage.

Skyggeteatre

Indisk skyggeteater skildrede oftere scener fra de legendariske og ærede myter om Ramayana og Mahabharata. Publikum kendte karakterernes historier, så de selvstændigt kunne formode de manglende elementer. Handlingen foregik bag en stor gennemsigtig skærm, hvor skuespillere og dukkedukker var anbragt. For større realisme blev dukkerne skåret i stykker, og så kunne selv komplekse bevægelser let efterlignes. De var lavet af pap, læder eller papmaché.

I indisk tro blev Gud Shiva tildelt rollen som skytshelgen for dukker, så skuespil blev iscenesat ikke langt fra hans tempel. Ifølge legenden opstod det indiske skyggeteater som et resultat af, at Shiva selv med sin kone Parvati engang kiggede ind i butikken hos en dukkefører, der udskårne figurer af træ.

Hun var så imponeret over håndværkerens dygtighed, at Shiva snart på hendes anmodning tillod legetøjet at blive genoplivet, så de kunne danse på egen hånd. Kort efter det guddommelige pars afgang holdt denne magi op med at virke, men mesteren genoprettede en vidunderlig gave ved at kontrollere karaktererne ved hjælp af tråde. Dette gav anledning til det indiske skyggeteater, hvor interessen i øjeblikket forsvinder på grund af udviklingen af ​​moderne teknologier.

Begyndelsen på det gamle Kinas teaterliv

Kinesisk teater blev født i begyndelsen af ​​det 12. århundrede. Oprindeligt var disse forestillinger på pladserne, tidsbestemt til at falde sammen med religiøse højtider. Forestillingerne var baseret på cirkuselementer, usædvanlige danse med dyrefigurer, akrobatiske forestillinger og fægtning.

Efterhånden dukker der ejendommelige roller op, som blev brugt i hvert skuespil, der erhverver nye karaktertræk, detaljer om livet. Tsan-jun og tsangu var de mest populære. De optrædende af kinesiske teatre er ikke længere selvlærte - de er uddannet på specialskoler, der opererer ved kejserens hof. Lyse kostumer dekoreret med traditionelle malerier og talrige rekvisitter er frit brugt.

Første plakat

Skuespil opføres i boder - områder under en baldakin, udstyret med sæder til tilskuere. Eller på fremspringende platforme, der støder op til de centrale templer. Det er her, konceptet med en plakat kommer fra - en særlig folder, der viser de involverede skuespillere og de karakterer, de optræder. Genrerne for kinesisk teater udvides og bliver mere komplekse. De beskriver detaljerne om vigtige begivenheder i statens og enkeltpersoners liv, og giver seerne eksempler at følge.

Den musikalske akkompagnement af teaterforestillinger blev forvandlet fra folkemelodier. Forestillingerne var pokkers farverige, indeholdt elementer af danse, cirkusnumre. Fortolkningen af ​​nogle af handlingerne blev givet af kunstnerne selv eller af dramatikerne. De fleste af rollerne blev spillet af kvinder, også mænd. Skuespillertruppen omfattede medlemmer af samme familie, udenforstående var sjældne.

Dukketeater

Den traditionelle kinesiske scene udviklede sig sideløbende med det lige så populære dukketeater. Han levede i et væld af varianter. Til dato er oplysninger om dem gået tabt, så undersøgelsen giver nogle vanskeligheder.

Populariteten af ​​denne kunstform er forbundet med skikkene med at placere specielle figurer i graven, designet til at hjælpe den afdøde i efterlivet. Scener med deltagelse af sådanne karakterer blev spillet ud under begravelsen, og blev gradvist til en egenskab i hverdagen. Bevaret information om en vidunderlig multi-tiered model af et dukketeater, hvis karakterer bevægede sig ved hjælp af vand.

Kinesisk dukketeater har udviklet sig i mange retninger. Det er værd at fremhæve forestillingerne med flade papirfigurer, hvor skuespillere og karakterer styret af dem deltog. Krudt, flydende scener og andre, som kun fragmentariske oplysninger har overlevet.

Ordet "teater" kender alle, også de mindste børn. Hvem af os kunne ikke lide at gå i dukketeateret, hvor ansigtsløst legetøj pludselig kom til live i dukkeførerens dygtige hænder og blev til magiske levende væsner... Efter at være blevet modnet, når vi vælger mellem teater og biograf, foretrækker vi ofte det sidste. Men kun i teatret kan man mærke den levende kraft, der udgår fra skuespillerne, kun teatret kan fange beskueren med sin pragt.

Hvordan opstod det?
Det første teater dukkede op i Athen, i 497 f.Kr. Dens udseende var forbundet med konkurrencer af sangere, digtere og skuespillere til ære for guden Dionysos fest. Der var ingen særlige faciliteter til tilskuerne, men de var ikke flove, og de sad på bakken for at se konkurrencerne. Der blev lavet en træscene til skuespillerne, som dog senere blev erstattet af en mere komfortabel arena.

Konkurrenter viste deres præstationer på en scene omgivet af en lav mur, takket være hvilken det var muligt at skjule unødvendige rekvisitter og dekorationer. Der var også stillet et telt til rådighed for de optrædende, hvor de kunne skifte tøj. Da ferien blev dedikeret til Dionysos, er det ikke overraskende, at der i midten af ​​stedet var et alter til Gud, og al handling fandt sted omkring det.

Lidt senere ændrede det antikke græske teater sig. Tilskuerne kunne endelig tage "rigtige" pladser - de var udstyret med marmor (til æresgæster) og sten (lettere for publikum) pladser. Blandt publikumspladserne var der resonerende kar, der forstærkede lyden.

I Rom dukkede det første stenteater først op i 55 f.Kr. Inden da nøjedes skuespillere og tilskuere kun med midlertidige træbygninger.

De sidste par års forestillinger lignede, hvad vi mener med forestillingen i dag. Der kunne kun være én skuespiller på scenen, der skiftede masker og spillede flere roller på én gang. Behovet for masker skyldtes teatrenes store størrelse, som kunne rumme ti eller endda sytten tusinde mennesker. Det var næsten umuligt at se skuespillerens ansigtstræk på lang afstand, og masker løste nemt dette problem. Skuespillerne i det antikke Grækenland var respekterede mennesker, kun en fri mand kunne blive en skuespiller i modsætning til de romerske "kolleger". Romerske skuespillere kom blandt slaver eller frigivne.

I oldgræske teatre var forestillingerne baseret på myter, fortolket på deres egen måde af skuespillere og forfattere til skuespil. Det romerske teater overtog næsten fuldstændig plots fra græsk drama og bearbejdede dem til det romerske publikum.

Oldtidens græske drama blomstrede i det femte århundrede f.Kr. Det var Aischylos, Sofokles og Euripides tid. Et stort bidrag til udviklingen af ​​det romerske teater blev ydet af den græske Livy Andronicus, som underviste i græske og latinske sprog til den romerske adels sønner. Også kendt er Gnei Nevius, som opnåede berømmelse takket være sine komedier. Repræsentanter for de næste generationer af romerske dramatikere var Titus Maccius Plautus, Publius Terentius og derefter Horace og Seneca.

Scenekunsten i den moderne verden er en af ​​de mest udbredte grene af kulturen. Der er bygget et stort antal teaterbygninger rundt om i verden, hvor der opføres forestillinger hver dag. Med udviklingen af ​​innovative teknologier begyndte mange mennesker at glemme kunstens sande værdier. Først og fremmest giver teatret en person mulighed for at forbedre og udvikle sig.

Teater i oldtiden

Teaterkunst er en af ​​de ældste. Dens oprindelse går langt fra det primitive samfund. Det opstod fra landbrugs- og jagtspil af mystisk og magisk karakter. Det primitive samfund mente, at hvis de, før de starter et bestemt værk, spiller en scene, der viser en gunstig afslutning af processen, så vil resultatet være positivt. De efterlignede også dyr, deres vaner og udseende. De gamle mennesker troede, at dette kunne påvirke resultatet af jagten, de arrangerede ofte danse, mens de tog dyreskind på. Og det var i disse handlinger, at de første elementer i teatret begyndte at dukke op. Lidt senere begyndte masker at blive brugt som de vigtigste attributter for præsten-skuespillerens indtræden i billedet.

Teater i det gamle egypten

Teater i Egypten begyndte sin udvikling fra begyndelsen af ​​fødslen af ​​den antikke verden. Dette var mod slutningen af ​​det tredje årtusinde f.Kr. Hvert år blev der opført små teaterforestillinger af dramatisk og religiøs karakter ved templerne.

Teater i det antikke Grækenland

I det antikke Grækenland blev teatre hovedsageligt bygget under åben himmel og designet til titusindvis af tilskuere. Tilskuerne sad på høje stenbænke ud mod en bred rund scene placeret i midten, det blev kaldt "orkester". Kulten af ​​den store frugtbarhedsgud Dionysos spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​det græske teater. Repertoiret bestod af tre tragedier og komedier. Skuespillerne var kun mænd, som nogle gange spillede kvinder. I komedien skulle de få publikum til at grine, til dette brugte de hjemmelavede masker, som forestillede fladtrykte næser, udstående læber og svulmende øjne. Masker blev lavet af tørt træ og derefter af klud, hvorefter de blev dækket med gips og malet med forskellige malinger. Maskerne gjorde det muligt for seere, der sad væk fra den gamle scene, at se ansigtsudtryk i overensstemmelse med handlingen. Den vidt åbne mund, skåret ind i masken, tillod skuespillerne at øge lydstyrken af ​​deres stemmer, man kan endda sige, at den fungerede som et mundstykke.

I Grækenland var forestillingerne fra folketeatret, som de gamle grækere kaldte mimer, meget populære. En mime blev betragtet som en lille scene af hverdagslig eller satirisk karakter, hvor skuespillerne portrætterede mytologiske helte, modige krigere eller simple markedstyve. Kvinder kunne også optræde i mimes; der blev ikke brugt masker under forestillingen.

Teater i det gamle Rom

I det antikke Rom var teatret primært til underholdning for skarer af tilskuere. Og skuespillerne blev betragtet som et af de lavere lag af befolkningen, få af de romerske skuespillere opnåede respekt i scenekunsten. Oftest var skuespillerne frigivne og slaver. I det romerske teater, som i det græske, var sæderne til tilskuere placeret afhængigt af hovedcirklen. Ud over tragedier og komedier spillede romerske skuespillere antonymer, pyrrhos, mimere og attelaner. Teatret var gratis for både kvinder og mænd, men ikke for slaver. For at tiltrække tilskuere og overraske dem med luksus dekorerede arrangørerne af legene hallen med guld, dryssede duftende væsker i den og strøede gulvet med blomster.

Teater i Italien

I renæssancens italienske teater var forestillingerne meget forskellige, de var mere muntre, mættede med humor og satire. Teaterforestillingen blev sat op på en specialfremstillet træscene, som altid samledes en kæmpe skare af tilskuere omkring. Gamle teatre begyndte at koncentrere sig i store kulturelle og industrielle byer. Det var antikkens teaterkunst, der revolutionerede helheden og inddelte teatret i varianter. Siden disse tider har der ikke været nogen grundlæggende omarrangeringer og revolutionære innovationer den dag i dag.

Teater i 17-18 århundrede

Teaterkunsten i det 17.-18. århundrede blev mere og mere fyldt med romantik, fantasi og fantasi. I disse år blev teatret oftest skabt af tropper, som omfattede forenede rejsende skuespillere og musikere. I 1580'erne blev det besøgt af almindelige mennesker, men fra 1610 begyndte de mere velhavende og elegante indbyggere i Frankrig at interessere sig for denne kunst. Senere blev teatret allerede betragtet som en moralsk kulturel institution, oftest blev det overværet af aristokrater. Det franske teater spillede hovedsageligt kostumespil, komedier og ballet. Landskabet fik et mere lignende udseende som det virkelige miljø. Teaterkunsten i det 17.-18. århundrede blev grundlaget for udviklingen af ​​al fremtidig verdenskunst. Mange teatre har overlevet den dag i dag.

I England

Engelsk teaterkunst i det 18. århundrede spillede en væsentlig rolle i hele det europæiske teaters historie og udvikling. Det blev stamfaderen til oplysningstidens drama. Også i de dage dukkede en ny dramatisk genre op, som blev kaldt det borgerlige drama, eller, som publikum kaldte det, den borgerlige tragedie. For første gang var det i England, at forestillingerne om det borgerlige drama dukkede op, senere trængte de ind i Tyskland, Italien og Frankrig.

Overgangen fra renæssancen til oplysningstiden

Overgangen fra renæssancen til oplysningstiden var meget stormfuld, lang og smertefuld nok for både skuespillere og tilskuere. Renæssanceteatret var efterhånden ved at dø fra år til år, men sådan et mirakel af menneskelig tankegang som musik- og teaterkunst kunne ikke bare dø. Det sidste og et af de stærkeste slag kom fra den puritanske revolution. England, der indtil for nylig var fuld af liv og glæde, lyst og farverigt, blev på et øjeblik fromt, klædt i mørkt tøj og for fromt. Der var ikke plads til teatret i et så gråt liv. De blev alle lukket, og lidt efter blev bygningerne brændt. I 1688 fandt den længe ventede revolution sted i England, hvorefter overgangen fra renæssancen til oplysningstiden netop skete.

Da Stuarts vendte tilbage til magten, restaurerede de teatre fuldstændigt, men nu var de væsentligt forskellige fra repræsentanter fra en svunden tid. I det 18. århundrede blomstrede musik- og teaterkunsten med en storslået buket af nye genrer. Balladeopera, pantomime og genhør begyndte at nyde enorm popularitet. Siden da har engelsk teater været mere optaget af indtægter end problemer. I 1737 godkendte Englands regering en kontrolhandling over teaterlivet, og fra det øjeblik blev alle skrevne skuespil stærkt censureret.

Teater i det gamle Rusland

I de områder, der engang var Kievan Rus, dukkede teaterkunst op i det 17. århundrede. Det begyndte med skole- og retsforestillinger. De første teaterkunststudier blev grundlagt på broderlige skoler og gårdhaver til velhavende mennesker. Skuespil blev skrevet af lærere og elever. De brugte hovedsageligt både hverdagstraditioner og evangeliehistorier. Hofteatrets fremkomst var forårsaget af hofadelens store interesse for kunst og vestlig kultur. De adelige kunne så godt lide forestillingerne fra de elever, der blev udgivet af det første teaterkunststudie, så de kunne se dem mere end 10 gange. I starten havde hofteatret ikke et fast sted, alle kostumer, dekorationer og dekorationer blev overført fra et sted til et andet. Med tiden, nærmere det 18. århundrede, begyndte teaterforestillinger at blive kendetegnet ved stor pomp og blev ledsaget af dans og musikinstrumenter.

I det 19. århundrede blev det russiske teater for første gang opdelt i musiktrupper, dramagrupper, og de blev også opdelt i opera- og balletgrupper. Det var i disse år, at en af ​​de første dramatiske scener åbnede, som i fremtiden skal hedde Maly Teatret. Selvom delingen fandt sted mellem trupperne, forblev de uadskillelige i lang tid. Snart begyndte institutioner som Teaterkunstakademiet at dukke op, og ikke de fattige, men derimod velhavende og uddannede mennesker blev skuespillere. Over tid begyndte antallet af teatre at vokse aktivt, de blev styret af kejserens teaterkontor. Hvad angår skuespillerne og arbejderne, begyndte de at henvise til alle teatre og ikke specifikt til nogen trup. I det 20. århundrede skete der en forbedring af kunsten i en sådan form, som vi kan observere den dag i dag.

En af de lyseste repræsentanter, der udviklede sig på det tidspunkt, er Bolshoi-teatret.

Rolle i den moderne verden

Teatret indtager den vigtigste plads i den moderne kunstverden, og derfor er det tiltænkt et bredt publikum og tiltrækker hver dag flere og flere nye tilskuere. Meget ofte i moderne teatre er der skuespil dedikeret til værker af berømte klassikere, dette giver dig mulighed for at få ny viden og blive bedre bekendt med historien. I dag er der mange akademier og skoler, hvor du kan få erhvervet som skuespiller.

Men udover et stort akademi, hvor fremtidens skuespillere uddannes, er der også små institutioner, for eksempel et teaterkunststudie, som kan få enhver talentfuld person, der ønsker at bevise sig selv og lære alle skuespils forviklinger. Nogle moderne teatre forbløffer os med deres skønhed og plasticitet af arkitektoniske former.

Teater er en populær og elsket kunstform. Når vi køber teaterbilletter, glæder vi os til at se og høre vores yndlingskunstnere.
Teatret har en meget gammel historie. For mange århundreder siden nød vores forfædre denne vidunderlige kunst på samme måde. I et primitivt samfund vidste folk selvfølgelig ikke, hvad en plakat var, og anede ikke noget om skuespillerfaget, men de var direkte involveret i teaterforestillinger. Selv de hedenske ritualer fra dengang havde karakter af en teaterforestilling, som var en måde at tjene guderne på. Hver præst besad gaven til at tale offentligt og karisma.

I antikkens æra mister teatret gradvist sin rituelle funktion og får en underholdningskarakter. I det antikke Grækenland var episoder fra Olympus-gudernes liv, såvel som græske heltes bedrifter, grundlaget for plottet af teaterforestillinger. Skuespillere og dramatikere i Grækenland fik stor hæder, mens i Rom tværtimod havde skuespillere ikke megen respekt. I teaterbygninger blev der afholdt gladiatorkampe, cirkuslege og blodige forestillinger, som næsten fuldstændig afløste teaterkunsten.

I middelalderen var teaterforestillinger forbudt, da den kristne kirke i dem så resterne af hedenske ritualer og ritualer. Skuespillere blev alvorligt forfulgt af inkvisitionen, at se teaterforestillinger blev straffet med ekskommunikation. Alle teatre var lukkede, så skuespillerne forenede sig i omrejsende trupper og viste deres kunst i små landsbyer.

Under renæssancen svækkedes kirkens indflydelse på alle sfærer af menneskelivet, og overgangen fra askesens idealer til personlig frihed og humanisme begyndte. Videnskaben og alle kunstområder udviklede sig aktivt. Teatret udviklede sig særligt hurtigt: overdækkede tierbygninger af teatre dukkede op, sceneteknologi blev udviklet, i forbindelse med hvilke nye teatralske specialiteter opstod: scenemaskinist, akustiker, illuminator og andre, nye genrer af teaterkunst dukkede op, især klassisk opera.

Slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​det XX århundrede er kendetegnet ved en orientering mod en harmonisk kombination af alle komponenter i forestillingen. Dette blev muligt takket være fremkomsten af ​​instruktørfaget og scenekunstens overgang til et nyt niveau. En vigtig rolle i dette blev spillet af skolen for skuespilfærdigheder i K.S. Stanislavsky.

I dag er teater en multigenre. Selve tilgangen til teaterforestillingen har ændret sig: den indeholder musik, installationer, komplekse kulisser, projektion. Selv et jakkesæt kan blive et kunstobjekt.
Musikken i teatret har også ændret sig. Mange produktioner er blevet mere som musicals, desuden med interaktive elementer: Tilskuere kan nemt inviteres til at deltage i begivenhedsforløbet, synge noget eller endda spille en sekundær rolle.

Teatret er fortsat en levende genre, det tillader løbende nye elementer i sig selv – og det er garantien for, at det vil leve og udvikle sig.