Store renæssancekunstnere. Renæssancefigurer: Liste og præstationer Berømte italienske renæssancekunstnere

De første forløbere for renæssancekunsten dukkede op i Italien i det 14. århundrede. Kunstnere fra denne tid, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) og (primært) Giotto (1267-1337), da de skabte lærreder af traditionelle religiøse temaer, begyndte de at bruge nye kunstneriske teknikker: at bygge en tredimensionel komposition ved at bruge et landskab i baggrunden, hvilket gjorde det muligt for dem at gøre billeder mere realistiske og livlige. Dette adskilte deres arbejde skarpt fra den tidligere ikonografiske tradition, fyldt med konventioner i billedet.
Udtrykket bruges til at henvise til deres arbejde. Proto-renæssance (1300-tallet - "Trecento") .

Giotto di Bondone (ca. 1267-1337) - Italiensk maler og arkitekt fra proto-renæssancetiden. En af nøglefigurerne i den vestlige kunsts historie. Efter at have overvundet den byzantinske tradition for ikonmaleri, blev han den sande grundlægger af den italienske malerskole, udviklede en helt ny tilgang til at skildre rummet. Giottos værker var inspireret af Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Tidlig renæssance (1400-tallet - "Quattrocento").

I begyndelsen af ​​det 15. århundrede Filippo Brunelleschi (1377-1446), florentinsk lærd og arkitekt.
Brunelleschi ønskede at gøre opfattelsen af ​​de udtryk og teatre, som han rekonstruerede, mere visuel og forsøgte at skabe geometrisk perspektivbilleder ud fra sine planer for et bestemt synspunkt. I disse søgninger, direkte perspektiv.

Dette gjorde det muligt for kunstnerne at få perfekte billeder af tredimensionelt rum på et fladt lærred af billedet.

Et andet vigtigt skridt hen imod renæssancen var fremkomsten af ​​ikke-religiøs, sekulær kunst. Portræt og landskab etablerede sig som selvstændige genrer. Selv religiøse emner fik en anden fortolkning - renæssancekunstnere begyndte at betragte deres karakterer som helte med udtalte individuelle træk og menneskelig motivation for handlinger.

De mest berømte kunstnere i denne periode er Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - den berømte italienske maler, den største mester i den florentinske skole, reformatoren af ​​maleri fra Quattrocento-æraen.

Fresco. Mirakel med stateren.

Maleri. korsfæstelse.

Fresco. Historien om dronningen af ​​Saba. San Francesco-kirken i Arezzo

Forår.

Venus' fødsel.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Italiensk kunstner (maler, billedhugger, arkitekt) og videnskabsmand (anatom, naturforsker), opfinder, forfatter.

selvportræt

Dame med en hermelin. 1490. Czartoryski-museet, Krakow

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Eremitagemuseet.

Madonna Benois (Madonna med en blomst). 1478-1480

Madonna med en nellike. 1478

I løbet af sit liv lavede Leonardo da Vinci tusindvis af noter og tegninger om anatomi, men udgav ikke sit arbejde. Ved at foretage en obduktion af ligene af mennesker og dyr formidlede han nøjagtigt strukturen af ​​skelettet og indre organer, herunder små detaljer. Ifølge professor i klinisk anatomi Peter Abrams var da Vincis videnskabelige arbejde 300 år forud for sin tid og overgik på mange måder den berømte Grey's Anatomy.

Liste over opfindelser, både ægte og tilskrevet ham:

faldskærm, tilolescovo slot,cykel, tankh, llette transportable broer til hæren, sprojektor, tilatapult, robot, dvohlenz teleskop.

Malerier og skulpturer af Michelangelo Buonarotti er fulde af heroisk patos og på samme tid en tragisk følelse af humanismens krise. Hans malerier forherliger menneskets styrke og kraft, skønheden i hans krop, mens de understreger dets ensomhed i verden.

Michelangelos geni efterlod et aftryk ikke kun på renæssancens kunst, men også på al videre verdenskultur. Hans aktiviteter er hovedsageligt forbundet med to italienske byer - Firenze og Rom.

Imidlertid var kunstneren i stand til at realisere sine mest grandiose planer netop i maleriet, hvor han optrådte som en sand fornyer af farver og form.
Efter ordre fra pave Julius II malede han loftet i Det Sixtinske Kapel (1508-1512), der repræsenterede den bibelske historie fra verdens skabelse til syndfloden og inkluderede mere end 300 figurer. I 1534-1541 udførte han i det samme Sixtinske Kapel for pave Paul III den storladne, dramatiske fresco Den sidste dom.
Det sixtinske kapel 3D.

Giorgiones og Titians værk er kendetegnet ved en interesse for landskabet, poetiseringen af ​​plottet. Begge kunstnere opnåede stor dygtighed i portrætkunsten, ved hjælp af hvilken de formidlede deres karakterers karakter og rige indre verden.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Italiensk kunstner, repræsentant for den venetianske malerskole.

Sovende Venus. 1510

Judith. 1504

Titian malede billeder om bibelske og mytologiske emner, han blev berømt som portrætmaler. Han blev bestilt af konger og paver, kardinaler, hertuger og fyrster. Titian var ikke engang tredive år gammel, da han blev anerkendt som den bedste maler i Venedig.

Selvportræt. 1567

Venus Urbinskaya. 1538

Portræt af Tommaso Mosti. 1520

Sen renæssance.
Efter at Rom blev plyndret af kejserlige tropper i 1527, gik den italienske renæssance ind i en kriseperiode. Allerede i afdøde Rafaels værk opridses en ny kunstnerisk linje, kaldet manérisme.
Denne æra er karakteriseret ved overstrakte og knækkede linjer, aflange eller endda deformerede figurer, ofte nøgne, spændinger og unaturlige positurer, usædvanlige eller bizarre effekter forbundet med størrelse, lys eller perspektiv, brugen af ​​en kaustisk kromatisk skala, overbelastet komposition osv. mestrer manerisme Parmigianino , Pontormo , Bronzino- boede og arbejdede ved hoffet for hertugerne i Medici-huset i Firenze. Senere spredte maneristisk mode sig over hele Italien og videre.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "indbygger i Parma") (1503-1540,) italiensk kunstner og gravør, repræsentant for mannerisme.

Selvportræt. 1540

Portræt af en kvinde. 1530.

Jacopo Robusti, bedre kendt som Tintoretto (1518 eller 1519-1594) - maler af den venetianske skole i senrenæssancen.

Den sidste nadver. 1592-1594. San Giorgio Maggiore kirke, Venedig.

Kristus på korset. OKAY. 1577. Privat samling.

Treenighed. 1579 Prado.

Under renæssancen sker der mange forandringer og opdagelser. Nye kontinenter udforskes, handel udvikles, vigtige ting opfindes, såsom papir, et havkompas, krudt og mange andre. Forandringer i maleriet var også af stor betydning. Renæssancemalerier opnåede enorm popularitet.

De vigtigste stilarter og tendenser i mestres værker

Perioden var en af ​​de mest frugtbare i kunsthistorien. Mesterværker af et stort antal fremragende mestre kan findes i dag i forskellige kunstcentre. Innovatorer dukkede op i Firenze i første halvdel af det femtende århundrede. Deres renæssancemalerier markerede begyndelsen på en ny æra i kunsthistorien.

På dette tidspunkt bliver videnskab og kunst meget tæt forbundet. Kunstnere videnskabsmænd søgte at mestre den fysiske verden. Malere forsøgte at bruge mere præcise ideer om den menneskelige krop. Mange kunstnere stræbte efter realisme. Stilen begynder med Leonardo da Vincis Den sidste nadver, som han malede i løbet af næsten fire år.

Et af de mest berømte værker

Det blev malet i 1490 til refektoriet i klostret Santa Maria delle Grazie i Milano. Lærredet repræsenterer Jesu sidste måltid med sine disciple, før han blev fanget og dræbt. Samtidige, der så kunstnerens arbejde i denne periode, bemærkede, hvordan han kunne male fra morgen til aften uden selv at stoppe for at spise. Og så kunne han opgive sit maleri i flere dage og slet ikke nærme sig det.

Kunstneren var meget bekymret for billedet af Kristus selv og forræderen Judas. Da billedet endelig var færdigt, blev det med rette anerkendt som et mesterværk. "Den sidste nadver" er en af ​​de mest populære den dag i dag. Renæssancereproduktioner har altid været efterspurgt, men dette mesterværk er præget af utallige kopier.

Et anerkendt mesterværk, eller en kvindes mystiske smil

Blandt værkerne skabt af Leonardo i det sekstende århundrede er et portræt kaldet "Mona Lisa" eller "La Gioconda". I den moderne æra er dette måske det mest berømte maleri i verden. Hun blev populær primært på grund af det undvigende smil på ansigtet af kvinden afbildet på lærredet. Hvad førte til sådan et mysterium? Mesterens dygtige arbejde, evnen til at skygge hjørnerne af øjnene og munden så dygtigt? Den nøjagtige karakter af dette smil kan ikke bestemmes indtil nu.

Ude af konkurrence og andre detaljer i dette billede. Det er værd at være opmærksom på en kvindes hænder og øjne: med hvilken nøjagtighed reagerede kunstneren på de mindste detaljer på lærredet, da han skrev det. Ikke mindre interessant er det dramatiske landskab i baggrunden af ​​billedet, en verden, hvor alt ser ud til at være i bevægelse.

En anden berømt repræsentant for maleri

Ikke mindre berømt repræsentant for renæssancen - Sandro Botticelli. Dette er en stor italiensk maler. Hans renæssancemalerier er også enormt populære hos en bred vifte af publikum. "Adoration of the Magi", "Madonna and Child Enthroned", "Annunciation" - disse værker af Botticelli, dedikeret til religiøse temaer, er blevet kunstnerens store præstationer.

Et andet berømt værk af mesteren er Madonna Magnificat. Hun blev berømt i årene af Sandros liv, som det fremgår af talrige reproduktioner. Lignende malerier i form af en cirkel var ret efterspurgte i Firenze i det femtende århundrede.

En ny drejning i malerens arbejde

Fra 1490 ændrede Sandro sin stil. Det bliver mere asketisk, kombinationen af ​​farver er nu meget mere behersket, mørke toner hersker ofte. Skaberens nye tilgang til at skrive sine værker er helt mærkbar i "Marias kroning", "Kristi klagesang" og andre lærreder, der forestiller Madonnaen og barnet.

Mesterværkerne malet af Sandro Botticelli på det tidspunkt, for eksempel portrættet af Dante, er blottet for landskabs- og interiørbaggrunde. En af kunstnerens ikke mindre betydningsfulde kreationer er "Mystisk jul". Billedet blev malet under indflydelse af de problemer, der fandt sted i slutningen af ​​1500 i Italien. Mange malerier af renæssancekunstnere vandt ikke kun popularitet, de blev et eksempel for den næste generation af malere.

En kunstner, hvis lærreder er omgivet af en aura af beundring

Rafael Santi da Urbino var ikke kun, men også en arkitekt. Hans renæssancemalerier er beundret for deres klarhed i form, enkelhed i komposition og visuelle opnåelse af idealet om menneskelig storhed. Sammen med Michelangelo og Leonardo da Vinci er han en af ​​de traditionelle treenigheder af de største mestre i denne periode.

Han levede et relativt kort liv, kun 37 år gammel. Men i løbet af denne tid skabte han et stort antal af sine mesterværker. Nogle af hans værker er i Vatikanpaladset i Rom. Ikke alle seere kan med egne øjne se malerier af renæssancekunstnere. Billeder af disse mesterværker er tilgængelige for alle (nogle af dem er præsenteret i denne artikel).

Raphaels mest berømte værker

Fra 1504 til 1507 skabte Raphael en hel serie af madonnaer. Malerierne udmærker sig ved fortryllende skønhed, visdom og samtidig en slags oplyst sorg. Hans mest berømte maleri var den sixtinske madonna. Hun er afbildet svævende på himlen og forsigtigt dalende til folket med babyen i armene. Det var denne bevægelse, som kunstneren var i stand til at skildre meget dygtigt.

Dette værk er blevet meget rost af mange kendte kritikere, og de kom alle til den samme konklusion, at det faktisk er sjældent og usædvanligt. Alle renæssancemalerier har en lang historie. Men det er blevet mest populært på grund af dets endeløse vandringer siden starten. Efter at have gennemgået adskillige forsøg tog hun endelig sin retmæssige plads blandt udstillingerne på Dresden Museum.

Renæssance malerier. Billeder af berømte malerier

Og en anden berømt italiensk maler, billedhugger og også en arkitekt, der havde en enorm indflydelse på udviklingen af ​​vestlig kunst, er Michelangelo di Simoni. På trods af at han hovedsageligt er kendt som billedhugger, er der også smukke værker af hans maleri. Og den mest betydningsfulde af dem er loftet i Det Sixtinske Kapel.

Dette arbejde blev udført i fire år. Rummet dækker omkring fem hundrede kvadratmeter og indeholder mere end tre hundrede figurer. I midten er ni episoder fra Første Mosebog, opdelt i flere grupper. Jordens skabelse, menneskets skabelse og dets fald. Blandt de mest berømte malerier på loftet er "Skabelsen af ​​Adam" og "Adam og Eva".

Hans mest berømte værk er The Last Judgment. Det blev lavet på altervæggen i Det Sixtinske Kapel. Fresken viser Jesu Kristi andet komme. Her ignorerer Michelangelo de almindelige kunstneriske konventioner, når han skriver Jesus. Han skildrede ham med en massiv muskuløs kropsstruktur, ung og skægløs.

Religionens betydning eller renæssancens kunst

Italienske renæssancemalerier blev grundlaget for udviklingen af ​​vestlig kunst. Mange af de populære værker fra denne generation af skabere har en enorm indflydelse på kunstnere, som fortsætter den dag i dag. De store kunstnere i perioden fokuserede på religiøse temaer, ofte bestilt af velhavende lånere, herunder paven selv.

Religion trængte bogstaveligt talt ind i det daglige liv for befolkningen i denne epoke, dybt indlejret i kunstneres sind. Næsten alle religiøse lærreder er på museer og kunstdepoter, men reproduktioner af malerier fra renæssancen, der ikke kun er relateret til dette emne, kan findes i mange institutioner og endda almindelige hjem. Folk vil uendeligt beundre værkerne af berømte mestre fra den periode.

7. august 2014

Studerende fra kunstuniversiteter og kunsthistorieinteresserede ved, at der ved overgangen til det 14. og 15. århundrede skete et skarpt vendepunkt i maleriet - renæssancen. Omkring 1420'erne blev alle pludselig meget bedre til at tegne. Hvorfor blev billederne pludselig så realistiske og detaljerede, og hvorfor havde malerierne lys og volumen? Ingen har tænkt over dette i lang tid. Indtil David Hockney tog et forstørrelsesglas op.

Lad os finde ud af, hvad han fandt...

En dag så han på tegninger af Jean Auguste Dominique Ingres, lederen af ​​den franske akademiske skole i det 19. århundrede. Hockney blev interesseret i at se sine små tegninger i større skala, og han forstørrede dem på en kopimaskine. Det var sådan, han faldt over den hemmelige side af maleriets historie siden renæssancen.

Efter at have lavet fotokopier af Ingres' små (ca. 30 centimeter) tegninger var Hockney overrasket over, hvor realistiske de var. Og det forekom ham også, at Ingres' replikker betød noget for ham.
minde om. Det viste sig, at de minder ham om Warhols arbejde. Og Warhol gjorde dette - han projicerede et foto på et lærred og skitserede det.

Til venstre: detalje af en Ingres-tegning. Til højre: Tegning af Mao Zedong Warhol

Interessante sager, siger Hockney. Tilsyneladende brugte Ingres Camera Lucida – et apparat, der er en konstruktion med et prisme, som for eksempel er fastgjort til et tablet-stativ. Således ser kunstneren, der ser på sin tegning med det ene øje, det virkelige billede, og med det andet - den faktiske tegning og hans hånd. Det viser sig en optisk illusion, der giver dig mulighed for nøjagtigt at overføre reelle proportioner til papir. Og det er netop "garantien" for billedets realisme.

Tegning af et portræt med et lucida-kamera, 1807

Så blev Hockney for alvor interesseret i denne "optiske" type tegninger og malerier. I sit atelier hang han sammen med sit team hundredvis af reproduktioner af malerier skabt gennem århundreder på væggene. Værker, der så "rigtige" ud, og dem, der ikke gjorde. Ordnet efter skabelsestidspunkt og regioner - nord øverst, syd nederst, så Hockney og hans team et skarpt vendepunkt i maleriet ved overgangen til det 14.-15. århundrede. Generelt kender alle, der ved i det mindste lidt om kunsthistorien – renæssancen.

Måske brugte de det samme kamera-lucida? Det blev patenteret i 1807 af William Hyde Wollaston. Selvom en sådan enhed faktisk er beskrevet af Johannes Kepler tilbage i 1611 i hans værk Dioptrice. Så brugte de måske en anden optisk enhed - en camera obscura? Det har jo været kendt siden Aristoteles' tid og er et mørkt rum, hvor lyset trænger ind gennem et lille hul og dermed opnås i et mørkt rum en projektion af det, der er foran hullet, men på hovedet. Alt ville være fint, men det billede, der opnås, når man projicerer et camera obscura uden en linse, for at sige det mildt, er ikke af høj kvalitet, det er ikke klart, det kræver meget skarpt lys, for ikke at nævne størrelsen på projektionen. Men linser af høj kvalitet var næsten umulige at lave indtil 1500-tallet, fordi der ikke var nogen måde at lave så højkvalitetsglas på det tidspunkt. Ting, tænkte Hockney, som på det tidspunkt allerede kæmpede med problemet med fysikeren Charles Falco.

Der er dog et maleri af Jan van Eyck, en mester fra Brügge, en flamsk maler fra den tidlige renæssance, hvori et spor er gemt. Maleriet hedder "Portræt af Cheta Arnolfini".

Jan Van Eyck "Portræt af Arnolfini" 1434

Billedet skinner simpelthen med en enorm mængde detaljer, hvilket er ret interessant, fordi det først blev malet i 1434. Og et hint om, hvordan forfatteren formåede at tage så stort et skridt fremad i billedets realisme, er spejlet. Og også en lysestage - utrolig kompleks og realistisk.

Hockney var fyldt med nysgerrighed. Han fik en kopi af sådan en lysekrone og forsøgte at tegne den. Kunstneren stod over for det faktum, at en så kompleks ting er svær at tegne i perspektiv. Et andet vigtigt punkt var materialiteten af ​​billedet af denne metalgenstand. Når man afbilder en stålgenstand, er det meget vigtigt at placere højdepunkterne så realistisk som muligt, da det giver en enorm realisme. Men problemet med disse højdepunkter er, at de bevæger sig, når beskuerens eller kunstnerens øje bevæger sig, hvilket betyder, at det slet ikke er let at fange dem. Og et realistisk billede af metal og blænding er også et kendetegn for renæssancemalerier, før det forsøgte kunstnere ikke engang at gøre dette.

Ved at genskabe en nøjagtig 3D-model af lysekronen sikrede Hockneys team, at lysekronen i The Arnolfini blev tegnet i sandt perspektiv med et enkelt forsvindingspunkt. Men problemet var, at så præcise optiske instrumenter som en camera obscura med en linse ikke eksisterede før omkring et århundrede efter, at maleriet blev skabt.

Fragment af maleriet af Jan van Eyck "Portræt af ægteparret Arnolfini" 1434

Det forstørrede fragment viser, at spejlet i maleriet "Portræt af Arnolfini" er konveks. Så der var spejle tværtimod - konkave. Desuden blev sådanne spejle i disse dage lavet på denne måde - en glaskugle blev taget, og dens bund var dækket af sølv, så blev alt undtagen bunden skåret af. Bagsiden af ​​spejlet var ikke nedtonet. Det betyder, at det konkave spejl hos Jan van Eyck kunne være det samme spejl, som er vist på billedet, bare bagfra. Og enhver fysiker ved, hvad et spejl er, når det reflekteres, projicerer det et billede af det reflekterede. Det var her hans ven, fysikeren Charles Falco, hjalp David Hockney med beregninger og forskning.

Et konkavt spejl projicerer et billede af tårnet uden for vinduet på lærredet.

Størrelsen på den klare, fokuserede del af projektionen er omkring 30 kvadratcentimeter – og det er kun størrelsen på hovederne i mange renæssanceportrætter.

Hockney skitserer en projektion af en person på lærred

Det er på størrelse med for eksempel portrættet af Doge Leonardo Loredan af Giovanni Bellini (1501), portrættet af en mand af Robert Campin (1430), Jan van Eycks eget portræt af en "mand i en rød turban" og mange andre tidlige hollandske portrætter.

Renæssanceportrætter

At male var et højt betalt arbejde, og selvfølgelig blev alle forretningens hemmeligheder holdt i den strengeste fortrolighed. Det var gavnligt for kunstneren, at alle uindviede troede, at hemmelighederne var i mesterens hænder og ikke kunne stjæles. Forretningen var lukket for udefrakommende – kunstnerne var i lauget, den bestod også af en række håndværkere – lige fra dem der lavede sadler til dem der lavede spejle. Og i Sankt Lukas-lauget, grundlagt i Antwerpen og første gang nævnt i 1382 (dengang åbnede lignende laug i mange nordlige byer, og et af de største var lauget i Brugge - byen hvor Van Eyck boede) var der også mestre, der gjorde spejle.

Så Hockney genskabte måden, hvorpå du kan tegne en kompleks lysekrone fra et maleri af Van Eyck. Ikke overraskende svarer størrelsen på den Hockney-projekterede lysekrone nøjagtigt til størrelsen på lysekronen i maleriet "Portræt af Arnolfini". Og selvfølgelig højdepunkterne på metallet - på projektionen står de stille og ændrer sig ikke, når kunstneren skifter position.

Men problemet er stadig ikke helt løst, for før fremkomsten af ​​højkvalitetsoptik, som er nødvendig for at bruge camera obscura, var der 100 år tilbage, og størrelsen af ​​projektionen opnået ved hjælp af et spejl er meget lille . Hvordan maler man billeder større end 30 kvadratcentimeter? De blev skabt som en collage - fra en række forskellige synsvinkler viste det sig sådan en slags sfærisk vision med mange forsvindingspunkter. Hockney indså dette, fordi han selv var engageret i sådanne billeder - han lavede mange fotocollager, der opnår nøjagtig samme effekt.

Næsten et århundrede senere, i 1500-tallet, blev det endelig muligt at skaffe og behandle glas godt - store linser dukkede op. Og de kunne endelig indsættes i en camera obscura, hvis funktionsprincip har været kendt siden oldtiden. Camera obscura med en linse var en utrolig revolution inden for billedkunsten, da projektionen nu kunne være af enhver størrelse. Og en ting mere, nu var billedet ikke "vidvinkel", men om et normalt aspekt - altså nogenlunde det samme, som det er i dag, når man fotograferer med et objektiv med en brændvidde på 35-50mm.

Problemet med at bruge et camera obscura med et objektiv er dog, at den direkte projektion fra objektivet er spejlende. Dette førte til en masse venstrehåndede i maleriet i de tidlige stadier af brugen af ​​optik. Som på dette maleri fra 1600-tallet fra Frans Hals-museet, hvor et venstrehåndet par danser, en venstrehåndet gammel mand truer dem med en finger, og en venstrehåndet abe kigger under kvindens kjole.

Alle på dette billede er venstrehåndede.

Problemet løses ved at installere et spejl, som linsen er rettet ind i, og dermed opnå den korrekte projektion. Men tilsyneladende kostede et godt, jævnt og stort spejl mange penge, så det var det ikke alle, der havde.

Et andet spørgsmål var fokus. Faktum er, at nogle dele af billedet i en position af lærredet under strålerne fra projektionen var ude af fokus, ikke klart. I Jan Vermeers værker, hvor brugen af ​​optik er ret tydeligt synlig, ligner hans værker generelt fotografier, man kan også bemærke steder uden for "fokus". Du kan endda se det mønster, som linsen giver – den notoriske "bokeh". Som for eksempel her, på maleriet "Mælkepigen" (1658), er kurven, brødet i den og den blå vase ude af fokus. Men det menneskelige øje kan ikke se "ude af fokus".

Nogle detaljer i billedet er ude af fokus

Og i lyset af alt dette er det slet ikke overraskende, at Antony Phillips van Leeuwenhoek, en videnskabsmand og mikrobiolog, samt en unik mester, der skabte sine egne mikroskoper og linser, var en god ven med Jan Vermeer. Videnskabsmanden blev den postume leder af kunstneren. Og dette tyder på, at Vermeer afbildede præcis sin ven på to lærreder - "Geographer" og "Astronomer".

For at se en del i fokus, skal du ændre placeringen af ​​lærredet under projektionsstrålerne. Men i dette tilfælde dukkede fejl i proportioner op. Som det ses her: Antheas enorme skulder af Parmigianino (ca. 1537), det lille hoved af Anthony van Dycks "Lady Genovese" (1626), de enorme fødder af en bonde i et maleri af Georges de La Tour.

Fejl i proportioner

Selvfølgelig brugte alle kunstnere linser på forskellige måder. Nogen til skitser, nogen lavet af forskellige dele - nu var det trods alt muligt at lave et portræt og afslutte alt andet med en anden model eller endda med en mannequin.

Der er næsten ingen tegninger tilbage af Velasquez. Hans mesterværk blev dog tilbage - et portræt af pave Innocentius den 10. (1650). På pavens kappe - tydeligvis silke - er et smukt lysspil. Blænding. Og for at skrive alt dette fra et synspunkt, var det nødvendigt at prøve meget hårdt. Men hvis du laver en projektion, så vil al denne skønhed ikke løbe væk nogen steder - blændingen bevæger sig ikke længere, du kan skrive med præcis de brede og hurtige strøg som Velazquez's.

Hockney gengiver et maleri af Velasquez

Efterfølgende havde mange kunstnere råd til camera obscura, og det holdt op med at være en stor hemmelighed. Canaletto brugte aktivt kameraet til at skabe sine syn på Venedig og skjulte det ikke. Disse malerier, takket være deres nøjagtighed, giver os mulighed for at tale om Canaletto som en dokumentarfilmskaber. Takket være Canaletto kan du ikke bare se et smukt billede, men også selve historien. Du kan se, hvad den første Westminster Bridge var i London i 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Den britiske kunstner Sir Joshua Reynolds ejede en camera obscura og fortalte tilsyneladende ikke nogen om den, da hans kamera kan foldes sammen og ligner en bog. I dag er det i London Science Museum.

Camera obscura forklædt som en bog

Til sidst, i begyndelsen af ​​det 19. århundrede, forbandede William Henry Fox Talbot ved hjælp af et lucida-kamera - det, du skal se ind i med det ene øje og tegne med hænderne, og besluttede, at sådan en ulejlighed skulle fjernes én gang. og for alle, og blev en af ​​opfinderne af kemisk fotografi, og senere en popularizer, der gjorde det masse.

Med fotografiets opfindelse forsvandt maleriets monopol på billedets realisme, nu er fotoet blevet et monopol. Og her blev maleriet endelig befriet fra linsen og fortsatte den vej, som det drejede fra i 1400-tallet, og Van Gogh blev forløberen for al kunst i det 20. århundrede.

Til venstre: Byzantinsk mosaik fra det 12. århundrede. Til højre: Vincent van Gogh "Portræt af hr. Trabuk" 1889

Opfindelsen af ​​fotografi er det bedste, der er sket for maleriet i hele dets historie. Det var ikke længere nødvendigt at skabe udelukkende rigtige billeder, kunstneren blev fri. Selvfølgelig tog det offentligheden et århundrede at indhente kunstnere i deres forståelse af visuel musik og stoppe med at tro, at folk som Van Gogh var "skøre". Samtidig begyndte kunstnere aktivt at bruge fotografier som "referencemateriale". Så var der sådanne mennesker som Wassily Kandinsky, den russiske avantgarde, Mark Rothko, Jackson Pollock. Efter maleri blev arkitektur, skulptur og musik udgivet. Det er rigtigt, at den russiske akademiske malerskole hænger fast i tiden, og i dag betragtes det stadig som en skam på akademier og skoler at bruge fotografi til at hjælpe, og den rent tekniske evne til at tegne så realistisk som muligt med bare hænder betragtes som den højeste bedrift .

Takket være en artikel af journalisten Lawrence Weschler, som var til stede under undersøgelsen af ​​David Hockney og Falco, afsløres et andet interessant faktum: Van Eycks portræt af parret Arnolfini er et portræt af en italiensk købmand i Brügge. Hr. Arnolfini er florentiner og desuden er han en repræsentant for Medici-banken (praktisk talt mestre i renæssancen Firenze, betragtet som protektorer for datidens kunst i Italien). Hvad siger dette? Det faktum, at han nemt kunne tage hemmeligheden bag St. Lukas-lauget - et spejl - med sig til Firenze, hvor renæssancen ifølge traditionel historie begyndte, og kunstnere fra Brugge (og følgelig andre mestre) er betragtes som "primitiver".

Der er en masse kontroverser omkring Hockney-Falco-teorien. Men der er bestemt et gran af sandhed i det. Hvad angår kunstkritikere, kritikere og historikere, er det endda svært at forestille sig, hvor mange videnskabelige værker om historie og kunst, der faktisk viste sig at være fuldstændig nonsens, men det ændrer hele kunsthistorien, alle deres teorier og tekster.

Fakta om brugen af ​​optik forringer på ingen måde kunstnernes talenter - trods alt er teknologi et middel til at formidle, hvad kunstneren ønsker. Og omvendt, det faktum, at der er en reel virkelighed i disse billeder, tilfører dem kun tyngde – det er trods alt præcis, hvordan datidens mennesker, ting, lokaler, byer så ud. Det er de rigtige dokumenter.

Renæssancen begyndte i Italien. Den fik sit navn på grund af den skarpe intellektuelle og kunstneriske opblomstring, der begyndte i det 14. århundrede og i høj grad påvirkede det europæiske samfund og kultur. Renæssancen kom ikke kun til udtryk i malerier, men også i arkitektur, skulptur og litteratur. De mest fremtrædende repræsentanter for renæssancen er Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo og Raphael.

I disse tider var malernes hovedmål en realistisk skildring af menneskekroppen, så de malede hovedsageligt mennesker, skildrede forskellige religiøse emner. Princippet om perspektiv blev også opfundet, hvilket åbnede nye muligheder for kunstnere.

Firenze blev centrum for renæssancen, efterfulgt af Venedig og senere, tættere på det 16. århundrede, Rom.

Leonardo er kendt for os som en talentfuld maler, billedhugger, videnskabsmand, ingeniør og arkitekt fra renæssancen. I det meste af sit liv arbejdede Leonardo i Firenze, hvor han skabte mange mesterværker kendt over hele verden. Blandt dem: "Mona Lisa" (ellers - "Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist" og "St. Anna med Maria og Kristusbarnet.

Denne kunstner er genkendelig på grund af den unikke stil, han udviklede gennem årene. Han malede også væggene i Det Sixtinske Kapel efter personlig anmodning fra pave Sixtus IV. Botticelli malede berømte malerier på mytologiske temaer. Sådanne malerier inkluderer "Forår", "Pallas og Kentauren", "Venus' fødsel".

Titian var leder af den florentinske kunstnerskole. Efter sin lærer Bellinis død blev Titian den officielle, almindeligt anerkendte kunstner i den venetianske republik. Denne maler er kendt for sine portrætter om religiøse temaer: "Marias himmelfart", "Danae", "Jordisk kærlighed og himmelsk kærlighed".

Den italienske digter, billedhugger, arkitekt og kunstner skildrede mange mesterværker, hvoraf den berømte statue af "David" er lavet af marmor. Denne statue er blevet en stor attraktion i Firenze. Michelangelo malede hvælvingen i Det Sixtinske Kapel i Vatikanet, som var en stor opgave fra pave Julius II. I løbet af sit arbejde lagde han mere opmærksomhed på arkitekturen, men gav os "Korsfæstelsen af ​​St. Peter", "Begravelsen", "Skabelsen af ​​Adam", "Såmanden".

Hans arbejde blev dannet under stor indflydelse af Leonardo da Vinci og Michelangelo, takket være hvem han fik uvurderlig erfaring og dygtighed. Han malede statværelserne i Vatikanet, repræsenterende menneskelig aktivitet og skildrede forskellige scener fra Bibelen. Blandt de berømte malerier af Raphael er "Sixtinske Madonna", "Three Graces", "Saint Michael and the Devil".

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

I vanskelige tider for Italien begynder den korte "guldalder" i den italienske renæssance - den såkaldte højrenæssance, det højeste punkt i blomstringen af ​​italiensk kunst. Højrenæssancen faldt således sammen med perioden med de italienske byers indædte kamp for selvstændighed. Denne tids kunst var gennemsyret af humanisme, troen på menneskets skabende kræfter, på dets ubegrænsede muligheder, på verdens rationelle indretning, på fremskridtets triumf. I kunsten kom problemerne med borgerpligt, høje moralske kvaliteter, bedrift, billedet af en smuk, harmonisk udviklet, stærk i ånd og krop heltemand, der formåede at hæve sig over hverdagens niveau, frem i forgrunden. Søgen efter et sådant ideal førte kunsten til syntese, generalisering, til afsløringen af ​​de generelle mønstre af fænomener, til identifikation af deres logiske sammenhæng. Højrenæssancens kunst giver afkald på detaljer, mindre detaljer i navnet på et generaliseret billede, i navnet på at stræbe efter en harmonisk syntese af livets smukke aspekter. Dette er en af ​​de vigtigste forskelle mellem højrenæssancen og den tidlige.

Leonardo da Vinci (1452-1519) var den første kunstner, der visuelt legemliggjorde denne forskel. Leonardos første lærer var Andrea Verrocchio. Figuren af ​​en engel på billedet af læreren "Dåb" viser allerede tydeligt forskellen i opfattelsen af ​​verden af ​​kunstneren fra den tidligere æra og den nye æra: ingen frontal fladhed af Verrocchio, den fineste lys- og skyggemodellering af volumen og billedets ekstraordinære spiritualitet. . Da de forlod Verrocchios værksted, tilskriver forskere "Madonna med en blomst" ("Madonna Benois", som det blev kaldt før, ved ejernes navn). I denne periode var Leonardo uden tvivl påvirket af Botticelli i nogen tid. Fra 80'erne af det XV århundrede. to ufærdige kompositioner af Leonardo er blevet bevaret: "The Adoration of the Magi" og "St. Jerome." Sandsynligvis i midten af ​​80'erne blev Madonna Litta også skabt i den gamle temperateknik, i hvis billede typen af ​​Leonards kvindelige skønhed kom til udtryk: tunge halvhængende øjenlåg og et knapt mærkbart smil giver madonnaens ansigt en særlig spiritualitet .

Ved at kombinere videnskabelige og kreative principper, med både logisk og kunstnerisk tænkning, var Leonardo engageret i videnskabelig forskning hele sit liv sammen med kunst; distraheret virkede han langsom og efterlod få kunstværker. Ved det Milanesiske hof arbejdede Leonardo som kunstner, videnskabelig tekniker, opfinder, matematiker og anatom. Det første større værk, han udførte i Milano, var Madonna of the Rocks (eller Madonna in the Grotte). Dette er den første monumentale altertavle fra højrenæssancen, hvilket også er interessant, fordi det fuldt ud udtrykte træk ved Leonards skrivestil.

Leonardos største værk i Milano, den højeste præstation af hans kunst var maleriet af væggen i refektoriet i klostret Santa Maria della Grazie på plottet af Den sidste nadver (1495-1498). Kristus mødes for sidste gang til middag med sine disciple for at meddele dem om forræderiet mod en af ​​dem. For Leonardo eksisterede kunst og videnskab uadskilleligt. Da han var engageret i kunst, lavede han videnskabelig forskning, eksperimenter, observationer, han gik gennem perspektivet ind i optik og fysik, gennem proportionsproblemer - ind i anatomi og matematik osv. Den sidste nadver fuldender en hel fase i kunstnerens videnskabelig undersøgelse. Det er også en ny fase i kunsten.

Fra at studere anatomi, geometri, befæstning, melioration, lingvistik, versifikation, musik, brød Leonardo væk for at arbejde på "Hest" - Francesco Sforzas ridemonument, som han først og fremmest kom til Milano, og som han optrådte for i fuld størrelse i begyndelsen af ​​90'erne i ler. Monumentet var ikke bestemt til at blive legemliggjort i bronze: i 1499 invaderede franskmændene Milano og Gascon armbrøstskytter skød ryttermonumentet ned. Siden 1499 begynder årene med Leonardos vandringer: Mantua, Venedig og endelig kunstnerens hjemby - Firenze, hvor han maler pap "St. Anna med Mary på knæ”, ifølge hvilken han skaber et oliemaleri i Milano (hvor han vendte tilbage i 1506)

I Firenze begyndte Leonardo et andet maleri: et portræt af konen til købmanden del Giocondo Mona Lisa, som blev et af de mest berømte malerier i verden.

Portræt af Mona Lisa Gioconda er et afgørende skridt i udviklingen af ​​renæssancekunst

For første gang kom portrætgenren på niveau med kompositioner om religiøse og mytologiske temaer. Med alle de indiskutable fysiognomiske ligheder var portrætterne af Quattrocento kendetegnet ved, om ikke af ydre, så af indre begrænsninger. Majestæten af ​​Monet Lisa kommunikeres allerede ved en sammenligning af hendes stærkt fremskredne til kanten af ​​lærredet, fremhævet tredimensionel figur med et landskab med klipper og vandløb synlige som om de var på afstand, smeltende, dragende, undvigende og derfor med alle motivets virkelighed, fantastisk.

Leonardo i 1515, efter forslag fra den franske kong Frans I, rejser til Frankrig for altid.

Leonardo var sin tids største kunstner, et geni, der åbnede kunstens nye horisonter. Han efterlod sig få værker, men hver af dem var en scene i kulturhistorien. Leonardo er også kendt som en alsidig videnskabsmand. Hans videnskabelige opdagelser, for eksempel hans forskning inden for fly, er af interesse i vores tidsalder for astronautik. Tusindvis af sider af Leonardos manuskripter, der dækker bogstaveligt talt alle vidensområder, vidner om universaliteten af ​​hans geni.

Idéerne om renæssancens monumentale kunst, hvor antikkens traditioner og kristendommens ånd smeltede sammen, fandt deres mest levende udtryk i Rafaels værk (1483-1520). I hans kunst fandt to hovedopgaver en moden løsning: den menneskelige krops plastiske perfektion, der udtrykker den indre harmoni af en omfattende udviklet personlighed, hvor Raphael fulgte antikken, og en kompleks multi-figur komposition, der formidler hele mangfoldigheden af verden. Raphael berigede disse muligheder og opnåede en fantastisk frihed til at skildre rummet og en menneskelig figurs bevægelse i det, upåklagelig harmoni mellem miljøet og mennesket.

Ingen af ​​renæssancens mestre opfattede antikkens hedenske væsen så dybt og naturligt som Rafael; ikke uden grund anses han for at være den kunstner, der fuldt ud forbandt de gamle traditioner med den nye tids vesteuropæiske kunst.

Raphael Santi blev født i 1483 i byen Urbino, et af centrene for kunstnerisk kultur i Italien, ved hertugen af ​​Urbinos hof, i familien til en hofmaler og digter, som var den fremtidige mesters første lærer

Den tidlige periode af Raphaels værk er perfekt kendetegnet ved et lille maleri i form af en tondo "Madonna Conestabile", med sin enkelhed og kortfattethed af strengt udvalgte detaljer (på trods af kompositionens frygtsomhed) og det særlige, der ligger i alle Raphaels værker. værker, subtil lyrik og en følelse af fred. I 1500 forlod Raphael Urbino til Perugia for at studere i atelieret hos den berømte umbriske kunstner Perugino, under hvis indflydelse The Trolovelse of Mary (1504) blev skrevet. En følelse af rytme, proportionalitet af plastiske masser, rumlige intervaller, forholdet mellem figurer og baggrunden, koordinationen af ​​hovedtonerne (i "Forlovelsen" er disse gyldne, røde og grønne i kombination med den lyseblå baggrund på himlen ) og skabe den harmoni, der allerede optræder i Raphaels tidlige værker og adskiller ham fra tidligere tiders kunstnere.

Gennem hele sit liv leder Raphael efter dette billede i Madonnaen, hans talrige værker, der fortolker billedet af Madonnaen, har givet ham verdensomspændende berømmelse. Kunstnerens fortjeneste er først og fremmest, at han formåede at legemliggøre alle de mest subtile nuancer af følelser i ideen om moderskab, at kombinere lyrik og dyb følelsesmæssighed med monumental storhed. Dette kan ses i alle hans Madonnaer, begyndende med den ungdommeligt frygtsomme Conestabile Madonna: i Madonnaen i det grønne, Madonnaen med guldfinken, Madonnaen i stolen, og især på højden af ​​Raphael-ånden og dygtigheden - i Sixtinske Madonna.

"Den Sixtinske Madonna" er et af Raphaels mest perfekte værker med hensyn til sprog: Marias skikkelse med babyen, der strengt taget truer mod himlen, forenes af en fælles bevægelsesrytme med figurerne af St. Barbarians og pave Sixtus II, hvis fagter er vendt til Madonnaen, samt synspunkter fra to engle (mere som putti, som er så karakteristisk for renæssancen), er i bunden af ​​kompositionen. Figurerne er forenet af en fælles gylden farve, som om de personificerede den guddommelige udstråling. Men det vigtigste er typen af ​​Madonnaens ansigt, som legemliggør syntesen af ​​det gamle skønhedsideal med spiritualiteten af ​​det kristne ideal, som er så karakteristisk for højrenæssancens verdensbillede.

Den sixtinske madonna er et senere værk af Raphael.

I begyndelsen af ​​det XVI århundrede. Rom bliver Italiens vigtigste kulturelle centrum. Højrenæssancens kunst når sit højdepunkt i denne by, hvor kunstnere som Bramante, Michelangelo og Raphael efter de formynderiske paver Julius II og Leo X's vilje arbejder samtidigt.

Rafael maler de to første strofer. I Stanza della Senyatura (rummet for signaturer, segl) malede han fire fresker-allegorier over hovedområderne for menneskelig åndelig aktivitet: filosofi, poesi, teologi og jura. ("The School of Athens", "Parnassus", " Disputation", "Mål, visdom og styrke ". I det andet rum, kaldet "Strofen af ​​Eliodor", malede Raphael fresker om historiske og legendariske emner, der glorificerede paverne i Rom: "Uddrivelsen af ​​Eliodor"

For middelalderens og den tidlige renæssances kunst var det almindeligt at skildre videnskaber og kunstarter i form af individuelle allegoriske figurer. Raphael løste disse temaer i form af kompositioner med flere figurer, nogle gange repræsenterende ægte gruppeportrætter, interessante både for deres individualisering og typiske karakter.

Eleverne hjalp også Raphael med at male Vatikanets loggiaer ved siden af ​​pavens værelser, malet efter hans skitser og under hans opsyn med motiver af antikke ornamenter, hovedsagelig hentet fra de nyopdagede antikke grotter (deraf navnet "grotesker" ).

Rafael udførte værker af forskellige genrer. Hans gave som dekoratør, såvel som instruktør, historiefortæller manifesterede sig fuldt ud i en serie på otte paptabeliner til Det Sixtinske Kapel på scener fra apostlene Peter og Pauls liv ("En vidunderlig fangst af fisk", f.eks. ). Disse malerier i løbet af XVI-XVIII århundreder. fungerede som en slags standard for klassicisterne.

Raphael var også den største portrætmaler i sin æra. ("Pave Julius II", "Leo X", kunstnerens ven forfatteren Castiglione, den smukke "Donna Velata" osv.). Og i hans portrætbilleder dominerer som regel indre balance og harmoni.

I slutningen af ​​sit liv var Raphael overbebyrdet med en række værker og ordrer. Det er endda svært at forestille sig, at alt dette kunne gøres af én person. Han var en central figur i det kunstneriske liv i Rom, efter Bramantes død (1514) blev han hovedarkitekten for katedralen St. Peter, var ansvarlig for arkæologiske udgravninger i Rom og dets omegn og beskyttelse af oldtidsminder.

Rafael døde i 1520; hans for tidlige død var uventet for hans samtidige. Hans aske er begravet i Pantheon.

Højrenæssancens tredjestørste mester - Michelangelo - overlevede langt Leonardo og Raphael. Den første halvdel af hans karriere falder på højrenæssancens kunsts storhedstid, og den anden - på tidspunktet for modreformationen og begyndelsen af ​​dannelsen af ​​barokkunst. Af den geniale konstellation af kunstnere fra højrenæssancen overgik Michelangelo dem alle med rigdommen af ​​sine billeder, civil patos og følsomhed over for ændringer i offentlig stemning. Derfor den kreative legemliggørelse af renæssancens ideers sammenbrud.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) I 1488 begyndte han i Firenze omhyggeligt at studere gammel plastik. Hans relief "Kentaurernes kamp" er allerede et produkt af højrenæssancen med hensyn til indre harmoni. I 1496 rejser den unge kunstner til Rom, hvor han skaber sine første værker, der bragte ham berømmelse: "Bacchus" og "Pieta". Bogstaveligt talt fanget af antikkens billeder. "Pieta" - åbner en række værker af mesteren om dette emne og placerer ham blandt de første billedhuggere i Italien.

Da Michelangelo vendte tilbage til Firenze i 1501, påtog sig Michelangelo på vegne af Signoria at skulpturere Davids skikkelse fra en marmorblok, der blev forkælet foran ham af en uheldig billedhugger. I 1504 færdiggjorde Michelangelo den berømte statue, kaldet "Kæmpen" af florentinerne og placeret af dem foran Palazzo Vecchia, rådhuset. Åbningen af ​​monumentet blev til en national fest. Billedet af David inspirerede mange Quattrocento-kunstnere. Men ikke som en dreng, som i Donatello og Verrocchio, skildrer Michelangelo ham, men som en ung mand i livets bedste alder, og ikke efter slaget, med hovedet af en kæmpe ved sine fødder, men før slaget, ved øjeblik med den højeste spænding. I det smukke billede af David, i sit strenge ansigt, formidlede billedhuggeren lidenskabens titaniske kraft, ufleksible vilje, borgerligt mod og en fri mands grænseløse kraft.

I 1504 begynder Michelangelo (som allerede nævnt i forbindelse med Leonardo) at arbejde på maleriet af "Hall of Five Hundred" i Palazzo Signoria

I 1505 inviterede pave Julius II Michelangelo til Rom for at bygge sin egen grav, men afviste derefter ordren og beordrede et mindre grandiost maleri af loftet i Det Sixtinske Kapel ved Vatikanpaladset.

Michelangelo arbejdede alene på at male loftet i Det Sixtinske Kapel, fra 1508 til 1512, og malede et område på omkring 600 kvadratmeter. m (48x13 m) i en højde på 18 m.

Michelangelo viede den centrale del af loftet til scenerne i den hellige historie, startende fra verdens skabelse. Disse kompositioner er indrammet af en gesims malet på samme måde, men skaber en illusion af arkitektur, og er adskilt, også af maleriske, stænger. Maleriske rektangler understreger og beriger loftets ægte arkitektur. Under den maleriske gesims malede Michelangelo profeterne og sibyllerne (hver figur er omkring tre meter), i lunetterne (buerne over vinduerne) skildrede han episoder fra Bibelen og Kristi forfædre som almindelige mennesker, der var travlt beskæftiget med daglige anliggender.

De ni centrale kompositioner udfolder begivenhederne i skabelsens første dage, historien om Adam og Eva, den globale syndflod, og alle disse scener er faktisk en hymne til mennesket, indlejret i det. Julius II døde kort efter afslutningen af ​​arbejdet i Sixtinske, og hans arvinger vendte tilbage til ideen om en gravsten. I 1513-1516. Michelangelo udfører figuren af ​​Moses og slaver (fanger) til denne gravsten. Billedet af Moses er et af de stærkeste i en moden mesters arbejde. Han investerede i ham drømmen om en klog, modig leder, fuld af titanisk styrke, udtryk, viljekvaliteter, så nødvendige dengang for foreningen af ​​sit hjemland. Figurerne af slaver var ikke inkluderet i den endelige version af graven.

Fra 1520 til 1534 arbejder Michelangelo på et af de mest betydningsfulde og mest tragiske skulpturelle værker - på Medici's grav (den florentinske kirke San Lorenzo), der udtrykker alle de oplevelser, der i denne periode faldt på mesterens lod. sig selv og sin fødeby og hele landet som helhed. Siden slutningen af ​​1920'erne er Italien bogstaveligt talt blevet revet fra hinanden af ​​både eksterne og interne fjender. I 1527 plyndrede lejede soldater Rom, protestanter plyndrede de katolske helligdomme i den evige by. Det florentinske bourgeoisi vælter Medici, der regerede igen fra 1510.

I en stemning af alvorlig pessimisme, i en tilstand af stigende dyb religiøsitet, arbejder Michelangelo på Medici-graven. Han bygger selv en tilbygning til den florentinske kirke San Lorenzo - et lille, men meget højt rum, dækket af en kuppel, og dekorerer to vægge i sakristiet (dets indre) med skulpturelle gravsten. Den ene væg er dekoreret med Lorenzos figur, den modsatte - Giuliano, og nederst ved deres fødder er der placeret sarkofager, dekoreret med allegoriske skulpturelle billeder - symboler på den flygtige tid: "Morgen" og "Aften" - i gravstenen af Lorenzo, "Nætter og dag" - i Giulianos gravsten.

Begge billeder - Lorenzo og Giuliano - har ikke en portræt-lighed, hvilket er, hvordan de adskiller sig fra de traditionelle beslutninger i det 15. århundrede.

Umiddelbart efter sit valg begyndte Paul III insisterende at kræve af Michelangelo opfyldelsen af ​​denne plan, og i 1534 afbrød arbejdet med graven, som han først afsluttede i 1545, og Michelangelo rejste til Rom, hvor han begyndte sit andet arbejde i det Sixtinske Kapel - til maleriet "Den sidste dom" (1535-1541) - en storslået skabelse, der udtrykte den menneskelige races tragedie. Trækkene i det nye kunstneriske system manifesterede sig endnu tydeligere i dette værk af Michelangelo. Den skabende dom, den straffende Kristus, er placeret i kompositionens centrum, og omkring den i en roterende cirkulær bevægelse afbildes syndere, der falder i helvede, de retfærdige farer op til paradiset, de døde rejser sig fra deres grave til Guds dom. Alt er fuld af rædsel, fortvivlelse, vrede, forvirring.

Maler, billedhugger, digter, Michelangelo var også en strålende arkitekt. Han udførte trapperne til det florentinske bibliotek i Laurenziana, indrammede Capitol-pladsen i Rom, rejste Pius porte (Porta Pia), siden 1546 har han arbejdet på katedralen St. Peter, begyndt af Bramante. Michelangelo ejer tegningen og tegningen af ​​kuplen, som blev udført efter mesterens død og stadig er en af ​​de vigtigste dominanter i panoramaet af byen.

Michelangelo døde i Rom i en alder af 89. Hans lig blev ført ud om natten til Firenze og begravet i den ældste kirke i hans fødeby Santa Croce. Den historiske betydning af Michelangelos kunst, dens indvirkning på samtiden og efterfølgende epoker kan næppe overvurderes. Nogle udenlandske forskere fortolker ham som barokkens første kunstner og arkitekt. Men mest af alt er han interessant som bærer af renæssancens store realistiske traditioner.

George Barbarelli da Castelfranco, med tilnavnet Giorgione (1477-1510), er en direkte tilhænger af sin lærer og en typisk kunstner fra højrenæssancen. Han var den første på venetiansk jord, der vendte sig mod litterære temaer, til mytologiske emner. Landskab, natur og den smukke nøgne menneskekrop blev for ham et kunstobjekt og et tilbedelsesobjekt.

Allerede i det første kendte værk, "Madonnaen af ​​Castelfranco" (ca. 1505), optræder Giorgione som en veletableret kunstner; billedet af Madonnaen er fuld af poesi, tankevækkende drømmende, gennemsyret af den stemning af tristhed, der er karakteristisk for alle kvindelige billeder af Giorgione. I løbet af de sidste fem år af sit liv skabte kunstneren sine bedste værker, udført i olieteknik, det vigtigste i den venetianske skole på det tidspunkt. . På maleriet "Tordenvejr" fra 1506 skildrer Giorgione mennesket som en del af naturen. En kvinde, der fodrer et barn, en ung mand med en stav (som kan forveksles med en kriger med en hellebard) er ikke forenet af nogen handling, men er forenet i dette majestætiske landskab af en fælles stemning, en fælles sindstilstand. Spiritualitet og poesi gennemsyrer billedet af den "sovende Venus" (ca. 1508-1510). Hendes krop er skrevet let, frit, yndefuldt, og det er ikke for ingenting, at forskere taler om "musikaliteten" i Giorgiones rytmer; den er ikke blottet for sensuel charme. "Landskoncert" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477?-1576) - den største kunstner i den venetianske renæssance. Han skabte værker om både mytologiske og kristne emner, arbejdede i portrætgenren, hans koloristiske talent er enestående, kompositorisk opfindsomhed er uudtømmelig, og hans lykkelige levetid tillod ham at efterlade en rig kreativ arv, der havde en enorm indflydelse på eftertiden.

Allerede i 1516 blev han den første maler i republikken fra 20'erne - den mest berømte kunstner i Venedig

Omkring 1520 bestilte hertugen af ​​Ferrara ham en række malerier, hvor Titian optræder som en antikkens sanger, der formåede at føle og, vigtigst af alt, legemliggøre hedenskabets ånd (Bacchanal, Venusfest, Bacchus og Ariadne).

Velhavende venetianske patriciere bestiller titianske altertavler, og han skaber enorme ikoner: "Maria Himmelfart", "Madonna Pesaro"

"At gå ind i Maria i templet" (cirka 1538), "Venus" (ca. 1538)

(gruppeportræt af pave Paul III med nevøerne Ottavio og Alexander Farnese, 1545-1546)

Han skriver stadig meget om gamle emner ("Venus og Adonis", "Hyrden og nymfen", "Diana og Actaeon", "Jupiter og Antiope"), men oftere og oftere vender han sig til kristne temaer, til scener med martyrium, hvor hedensk munterhed, antik harmoni erstattes af et tragisk verdensbillede ("Kristi flagellation", "Angrende Maria Magdalena", "St. Sebastian", "Klagsang").

Men i slutningen af ​​århundredet er træk ved en forestående ny æra i kunsten, en ny kunstnerisk retning, allerede tydelige her. Dette kan ses i to store kunstneres arbejde fra anden halvdel af dette århundrede - Paolo Veronese og Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, med tilnavnet Veronese (han var fra Verona, 1528-1588), var bestemt til at blive den sidste sanger i det festlige, jublende Venedig i det 16. århundrede.

: "Feast in the House of Levi" "Marriage in Cana of Galilæa" for refektoriet i klostret San George Maggiore

Jacopo Robusti, kendt i kunsten som Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto"-farver: kunstnerens far var silkefarver). "The Miracle of Saint Mark" (1548)

("Salvation of Arsinoe", 1555), "Indgang til templet" (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro i Piombino, Villa Rotonda i Vicenza, færdiggjort efter hans død af studerende ifølge hans projekt, mange bygninger i Vicenza). Resultatet af hans undersøgelse af antikken var bogen "Roman Antiquities" (1554), "Fire Books on Architecture" (1570-1581), men antikken var for ham en "levende organisme", ifølge forskerens retvisende observation.

Den nederlandske renæssance i maleri begynder med "Gent-altertavlen" af brødrene Hubert (død 1426) og Jan (ca. 1390-1441) van Eyck, færdiggjort af Jan van Eyck i 1432. Van Eyck forbedrede olieteknikken: olie gjorde det muligt at formidle mere alsidig glans, dybde, rigdom af den objektive verden, tiltrækker opmærksomhed fra hollandske kunstnere, dens farverige klang.

Af de talrige Madonnaer af Jan van Eyck er den mest berømte Madonna af kansler Rollin (ca. 1435)

("Mand med en nellike"; "Mand i en turban", 1433; portræt af kunstnerens kone Marguerite van Eyck, 1439

Ved at løse sådanne problemer skylder hollandsk kunst meget til Rogier van der Weyden (1400?-1464). Nedstigningen fra korset er et typisk Weydens værk.

I anden halvdel af det XV århundrede. redegør for arbejdet udført af mesteren af ​​det exceptionelle talent Hugo van der Goes (ca. 1435-1482) "Marias død").

Hieronymus Bosch (1450-1516), skaberen af ​​dystre mystiske visioner, hvori han også refererer til middelalderens allegori, "Lydernes Have"

Den hollandske renæssances højdepunkt var uden tvivl værket af Pieter Brueghel den Ældre, med tilnavnet Muzhitsky (1525 / 30-1569) ("De magre køkken", "Fedtes køkken"), "Vinterlandskabet" fra cyklussen " Årstiderne" (anden titel - "Hunters in the Snow", 1565), "Battle of Carnival and Lent" (1559).

Albrecht Dürer (1471-1528).

"Rosakransens fest" (et andet navn er "Madonna med rosenkransen", 1506), "Rytteren, Døden og Djævelen", 1513; "St. Jerome" og "Melankoli",

Hans Holbein den Yngre (1497-1543), "Dødens triumf" ("Dødsdansen") portræt af Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renæssancen Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (ca. 1420-1481), Portræt af Charles VII

Jean Clouet (ca. 1485/88-1541), søn af Francois Clouet (ca. 1516-1572) er den vigtigste franske maler i det 16. århundrede. portræt af Elisabeth af Østrig, omkring 1571, (portræt af Henrik II, Mary Stuart, etc.)