"Mor Courage og hendes børn" (Brecht): beskrivelse og analyse af stykket. De ideologiske problemer i det antifascistiske drama "Moder Courage" af B. Brecht

hjem / skænderi

I eksil, i kampen mod fascismen, blomstrede Brechts dramatiske værk op. Den var usædvanlig rig på indhold og varieret i form. Blandt de mest berømte skuespil af emigration - "Moder Courage og hendes børn" (1939). Jo skarpere og mere tragisk konflikten er, jo mere kritisk bør en persons tanke ifølge Brecht være. Under 1930'ernes forhold lød "Moder Courage" naturligvis som en protest mod nazisternes demagogiske krigspropaganda og var henvendt til den del af den tyske befolkning, der bukkede under for denne demagogi. Krig skildres i stykket som et element, der er organisk fjendtligt over for menneskets eksistens.

Essensen af det "episke teater" bliver især tydeligt i forbindelse med "Moder Courage". Teoretisk kommentar kombineres i stykket med en realistisk måde, nådesløs i sin sammenhæng. Brecht mener, at det er realismen, der er den mest pålidelige måde at påvirke på. Derfor er livets "ægte" ansigt i "Moder Courage" så konsekvent og vedvarende selv i små detaljer. Men man bør huske på dette stykkes dobbelthed – karakterernes æstetiske indhold, dvs. en gengivelse af livet, hvor godt og ondt blandes uanset vores ønsker, og Brechts stemme, der ikke er tilfreds med sådan et billede, forsøger at bekræfte det gode. Brechts holdning er direkte indlysende i Zongs. Derudover giver dramatikeren, som det følger af Brechts instruktørvejledning til stykket, teatrene rig mulighed for at demonstrere forfatterens tankegang ved hjælp af forskellige "fremmedgørelser" (fotografier, filmprojektioner, direkte appel af skuespillere til publikum).

Karaktererne af karaktererne i "Mother Courage" er afbildet i al deres komplekse inkonsekvens. Det mest interessante er billedet af Anna Firling, med tilnavnet Mother Courage. Alsidigheden af denne karakter forårsager en række følelser hos publikum. Heltinden tiltrækker med en sober forståelse af livet. Men hun er et produkt af trediveårskrigens merkantile, grusomme og kyniske ånd. Mod er ligeglad med årsagerne til denne krig. Afhængig af skæbnens omskiftelser hejser hun enten et luthersk eller et katolsk banner over sin varevogn. Mod går i krig i håbet om store overskud.

Konflikten mellem praktisk visdom og etiske impulser, der begejstrer Brecht, inficerer hele skuespillet med stridens lidenskab og prædikenens energi. I billedet af Catherine tegnede dramatikeren modpoden til Mother Courage. Hverken trusler, løfter eller død tvang Katrin til at opgive beslutningen dikteret af hendes ønske om i det mindste på en eller anden måde at hjælpe mennesker. Det snakkesalige Courage modarbejdes af den stumme Katrin, pigens tavse bedrift streger så at sige alle hendes mors lange argumenter over. Brechts realisme kommer til udtryk i stykket ikke kun i skildringen af hovedpersonerne og i konfliktens historicisme, men også i episodiske personers livsægthed, i Shakespeares flerfarvede, der minder om "Falstaff-baggrunden". Hver karakter, draget ind i stykkets dramatiske konflikt, lever sit eget liv, vi gætter på hans skæbne, tidligere og fremtidige liv, og som om vi hører hver eneste stemme i krigens disharmoniske kor.

Udover at afsløre konflikten gennem et sammenstød af karakterer, supplerer Brecht billedet af livet i legen med zongs, som giver en direkte forståelse af konflikten. Den mest betydningsfulde zong er "Sangen om stor ydmyghed". Dette er en kompleks form for "fremmedgørelse", når forfatteren handler som på vegne af sin heltinde, skærper sine fejlagtige holdninger og derved argumenterer med hende, hvilket inspirerer læseren til at tvivle på visdommen i "den store ydmyghed". På Mother Courages kyniske ironi svarer Brecht med sin egen ironi. Og Brechts ironi leder beskueren, der allerede er bukket under for filosofien om at acceptere livet, som det er, til et helt andet syn på verden, til en forståelse af kompromisernes sårbarhed og fatalitet. Sangen om ydmyghed er en slags fremmed modmiddel, der giver os mulighed for at forstå Brechts sande visdom, som er modsat den. Hele stykket, der er kritisk over for heltindens praktiske, kompromitterende "visdom", er et løbende argument med "Sangen om den store ydmyghed". Mother Courage ser ikke klart i stykket, efter at have overlevet chokket, lærer hun "om dens natur ikke mere end en eksperimentel kanin om biologiens lov." Den tragiske (personlige og historiske) oplevelse, mens den berigede seeren, lærte Moder Courage intet og berigede hende ikke det mindste. Den katharsis, hun oplevede, viste sig at være fuldstændig frugtesløs. Så Brecht argumenterer for, at opfattelsen af virkelighedens tragedie kun på niveau med følelsesmæssige reaktioner ikke i sig selv er viden om verden, den er ikke meget forskellig fra fuldstændig uvidenhed.

Send dit gode arbejde i videnbasen er enkel. Brug formularen nedenfor

Studerende, kandidatstuderende, unge forskere, der bruger videnbasen i deres studier og arbejde, vil være dig meget taknemmelig.

2. Billedet af mor Courage

Litteratur

1. Bertolt Brecht og hans "episke teater"

Bertolt Brecht er den største repræsentant for tysk litteratur i det 20. århundrede, en kunstner med stort og mangefacetteret talent. Han skrev skuespil, digte, romaner. Han er en teatralsk figur, instruktør og teoretiker af den socialistiske realismes kunst. Brechts stykker, virkelig nyskabende i deres indhold og form, er gået uden om teatrene i mange lande i verden, og overalt finder de anerkendelse blandt de bredeste kredse af tilskuere.

Brecht blev født i Augsburg i en velhavende familie bestående af en papirfabriksdirektør. Her studerede han på gymnasiet, studerede derefter medicin og naturvidenskab på universitetet i München. Brecht begyndte at skrive, mens han stadig gik i gymnasiet. Begyndende i 1914 begyndte hans digte, historier og teateranmeldelser at blive vist i Augsburg-avisen Volksvile.

I 1918 blev Brecht indkaldt til hæren og tjente i omkring et år som sygeplejerske på et militærhospital. På hospitalet hørte Brecht historier om krigens rædsler og skrev sine første antikrigsdigte og -sange. Han komponerede selv enkle melodier til dem og optrådte med en guitar, tydeligt udtalende ordene, på afdelingerne foran de sårede. Blandt disse værker, især skilte sig ud "Bal-ærgre sig om en død soldat”, der fordømte det tyske militær, som pålagde det arbejdende folk krig.

Da revolutionen begyndte i Tyskland i 1918, deltog Brecht dog aktivt i den Og ikke helt klart forestillede sig sine mål og målsætninger. Han blev valgt til medlem af Augsburgs soldaterråd. Men nyheden om den proletariske revolution gjorde størst indtryk på digteren. i Rusland, om dannelsen af verdens første stat af arbejdere og bønder.

Det var i denne periode, at den unge digter endelig brød med sin familie, deres klasse og "sluttede sig i de fattiges rækker".

Resultatet af det første årti med poetisk kreativitet var Brechts digtsamling "Hjemmeprædikener" (1926). De fleste af digtene i samlingen er kendetegnet ved bevidst uhøflighed i skildring af borgerskabets grimme moral, samt håbløshed og pessimisme forårsaget af novemberrevolutionens nederlag i 1918

Disse ideologisk og politisk træk ved Brechts tidlige digtning karakteristiske og for hans første dramatiske værker -- "Baal","Trommer i natten" m.fl. Styrken i disse stykker er i oprigtig foragt Og fordømmelse af det borgerlige samfund. Idet han mindedes om disse skuespil i sine modne år, skrev Brecht, at han i dem "uden beklager viste, hvordan den store oversvømmelse fylder de borgerlige fred".

I 1924 blev den berømte instruktør Max Reinhardt inviterer Brecht som dramatiker i sit teater i Berlin. Her konvergerer Brecht fra progressive forfattere F. Wolf, I. Becher, med skaberen af arbejdernes revolutionære teater E. Piscator, skuespilleren E. Bush, komponisten G. Eisler og andre tæt på ham på kunstneres ånd. I denne indstilling, Brecht lidt efter lidt overvinder sin pessimisme, optræder mere modige intonationer i hans værker. Den unge dramaturg skaber aktuelle satiriske værker, hvor han skarpt kritiserer det imperialistiske borgerskabs sociale og politiske praksis. Sådan er antikrigskomedien "Hvad er den soldat, hvad er det" (1926). Hun skrevet på et tidspunkt, hvor den tyske imperialisme efter revolutionens undertrykkelse begyndte at genoprette industrien med hjælp fra amerikanske bankfolk. reaktionær ele-politibetjente sammen med nazisterne forenede de sig i forskellige "bunds" og "fereyns", udbredte revanchistiske ideer. Teaterscenerne blev mere og mere fyldt med sukkersøde opbyggelige dramaer og actionfilm.

Under disse forhold stræber Brecht bevidst efter kunst, der er tæt på mennesker, kunst, der vækker menneskers bevidsthed, aktiverer deres vilje. Brecht afviser det dekadente drama, der leder seeren væk fra vor tids vigtigste problemer, og går ind for et nyt teater designet til at blive en opdrager af folket, en dirigent for avancerede ideer.

I værkerne "På vej til det moderne teater", "Dialektik i teatret", "Om ikke-aristotelisk drama" m.fl., udgivet i slutningen af 1920'erne og begyndelsen af 1930'erne, kritiserer Brecht den moderne modernistiske kunst og opstiller hovedbestemmelserne af hans teori "epos teater." Disse bestemmelser vedrører skuespil, bygning dramatisk værker, teatermusik, kulisser, brug af biograf osv. Brecht kalder sin dramaturgi "ikke-aristotelisk", "episk". Dette navn skyldes det faktum, at det sædvanlige drama er bygget i overensstemmelse med lovene formuleret af Aristoteles i hans værk "Poetik" og kræver, at skuespilleren vænner sig til karakteren følelsesmæssigt.

Brecht gør fornuften til hjørnestenen i sin teori. "Episk teater," siger Brecht, "tiltaler ikke så meget til følelser som til tilskuerens sind." Teatret skal blive en tankegang, vise livet fra et virkelig videnskabeligt synspunkt, i et bredt historisk perspektiv, fremme avancerede ideer, hjælpe beskueren til at forstå den skiftende verden og ændre sig selv. Brecht understregede, at hans teater skulle blive et teater "for mennesker, der har besluttet at tage deres skæbne i egen hånd", at han ikke kun skulle afspejle begivenheder, men også aktivt påvirke dem, stimulere, vække beskuerens aktivitet, få ham til ikke at empati, men at argumentere, at tage en kritisk stilling i striden. Samtidig opgiver Brecht på ingen måde ønsket om også at påvirke følelser og følelser.

For at implementere bestemmelserne i det "episke teater" bruger Brecht i sin kreative praksis "fremmedgørelsens virkning", det vil sige en kunstnerisk teknik, hvis formål er at vise livets fænomener fra en usædvanlig side, at få mennesker til at se anderledes ud gnide på dem, kritisk vurdere alt, hvad der sker på scenen. Til dette formål introducerer Brecht ofte kor og solosange i sine skuespil, forklarer og vurderer begivenhederne i forestillingen og afslører det almindelige fra en uventet side. "Alienationseffekten" opnås også af skuespilsystemet, scenografien og musikken. Brecht betragtede dog aldrig sin teori som endeligt formuleret, og indtil slutningen af sit liv arbejdede han på at forbedre den.

Som en dristig innovatør brugte Brecht samtidig alt det bedste, der tidligere var blevet skabt af det tyske og verdensteater.

På trods af kontroverserne i nogle af hans teoretiske positioner skabte Brecht en virkelig nyskabende, kamplysten dramaturgi, som har en skarp ideologisk orientering og stor kunstnerisk fortjeneste. Ved hjælp af kunsten kæmpede Brecht for sit hjemlands befrielse, for dets socialistiske fremtid, og i sine bedste værker optrådte han som den største repræsentant for socialistisk realisme i tysk og verdenslitteratur.

I slutningen af 20'erne - begyndelsen af 30'erne. Brecht skabte en række "instruktive skuespil", der videreførte det arbejdende teaters bedste traditioner og havde til formål at agitere og udbrede progressive ideer. Disse omfatter "The Baden Instructive Play", "The Supreme Measure", "The Saying "Yes" og Saying "No" m.fl. De mest succesfulde af dem er "Sint Joan of the Slagteriet" og iscenesættelsen af Gorkys "Mother". ".

I løbet af emigrationsårene når Brechts kunstneriske dygtighed sit højdepunkt. Han skaber sine bedste værker, som var et stort bidrag til udviklingen af tysk og socialistisk realismes verdenslitteratur.

Den satiriske skuespil-pjece Rundhovedet og skarphovedet er en ond parodi på Hitler-riget; den afslører nationalistisk demagogi. Brecht skåner heller ikke de tyske filister, der lod fascisterne snyde sig selv med falske løfter.

På samme skarpt satiriske måde blev stykket "Arthur Wee's career that could not have been" skrevet.

Stykket genskaber allegorisk historien om det fascistiske diktaturs opståen. Begge stykker udgjorde en slags antifascistisk dilogi. De bugnede af teknikker til "fremmedgørelseseffekten", fantasi og groteske i ånden fra det "episke teaters teoretiske bestemmelser".

Det skal bemærkes, at Brecht i sin praksis ikke fuldstændig benægtede det, da han talte imod det traditionelle "aristoteliske" drama. Så i det traditionelle dramas ånd blev der skrevet 24 enakters antifascistiske skuespil, som var inkluderet i samlingen Frygt og fortvivlelse i det tredje imperium (1935-1938). I dem opgiver Brecht sin foretrukne konventionelle baggrund og på det mest direkte, realistiske måde tegner et tragisk billede af det tyske folks liv i et land, der var slavebundet af nazisterne.

Spillet i denne samling "Rifles Teresa Carrar" i den ideologiske forhold fortsætter den skitserede linje i en dramatisering Gorkys "mødre". I centrum af stykket er de aktuelle begivenheder fra borgerkrigen i Spanien og afkræftelsen af ødelæggende illusioner om apolitiskhed og ikke-intervention på tidspunktet for nationens historiske retssager. En simpel spansk kvinde fra Andalusien fisker Carrar mistede sin mand i krigen og nu, bange for at miste sin søn, på alle mulige måder forhindrer ham i at melde sig frivilligt til at kæmpe mod nazisterne. Hun tror naivt på de oprørskes forsikringer generaler, Hvad vil du have ikke berørt af neutrale civile. Hun nægter endda at udlevere til republikanerne rifler, skjult af hunden. I mellemtiden bliver sønnen, der fiskede fredeligt, skudt af nazisterne fra skibet med et maskingevær. Det er da, at oplysning opstår i Carrars bevidsthed. Heltinden er befriet fra det ødelæggende princip: "min hytte er på kanten" - Og kommer til konklusionen om behovet for at forsvare folkets lykke med våben i hånd.

Brecht skelner mellem to typer teater: dramatisk (eller "aristotelisk") og episk. Det dramatiske søger at erobre beskuerens følelser, så han oplever katharsis gennem frygt og medfølelse, så han med hele sit væsen overgiver sig til det, der sker på scenen, empati, bekymre sig, efter at have mistet fornemmelsen af forskellen. mellem teatralsk handling og det virkelige liv, og ville ikke føles som en tilskuer af forestillingen, men som en person involveret i faktiske begivenheder. Det episke teater skal tværtimod appellere til fornuften og undervise, samtidig med at det fortæller beskueren om visse livssituationer og problemer, skal det samtidig iagttage de forhold, hvorunder han ville bevare, om ikke roen, så i det mindste kontrol over sine følelser og fuldt bevæbnet med en klar bevidsthed og kritisk tankegang, uden at bukke under for scenehandlingens illusioner, ville han observere, tænke, bestemme sin principielle holdning og træffe beslutninger.

For visuelt at identificere forskellene mellem dramatisk og episk teater, skitserede Brecht to sæt funktioner.

Ikke mindre udtryksfuld er den komparative karakteristik af det dramatiske og episke teater, formuleret af Brecht i 1936: vil altid være.--Denne persons lidelse chokerer mig, fordi der ikke er nogen vej ud for ham.--Dette er en stor kunst : alt er indlysende i det.--Jeg græder med gråden, jeg griner med grinene.

Tilskueren til det episke teater siger: Jeg ville aldrig have tænkt på dette.-- Det burde ikke lade sig gøre.-- Det er højst forbløffende, næsten usandsynligt.-- Dette skal stoppes.-- Denne mands lidelser chokerer mig, for en vej ud er stadig mulig for ham.- Dette er stor kunst: intet i det er indlysende.- Jeg griner af gråden, jeg græder af grinene.

At skabe en afstand mellem beskueren og scenen, nødvendig for, at beskueren kan iagttage og så at sige konkludere "udefra", at han ville "grie af græden og græde af grin", dvs. , så han ser længere og forstår mere end scenekarakterer, så hans holdning til handling er åndelig overlegenhed og aktiv beslutning. Det er den opgave, som ifølge teorien om episk teater, dramatiker, instruktør og skuespiller skal udføre i fællesskab. For sidstnævnte er dette krav af særlig bindende karakter. Derfor skal skuespilleren vise en bestemt person under visse omstændigheder, og ikke bare være ham. I nogle øjeblikke af sit ophold på scenen må han stå ved siden af det billede, han skaber, det vil sige ikke kun være dets legemliggørelse, men også dets dommer. Det betyder ikke, at Brecht fuldstændig benægter "følelse" i teatralsk praksis, altså sammensmeltningen af skuespilleren med billedet. Men han mener, at en sådan tilstand kun kan opstå i øjeblikke og generelt bør være underlagt en rationelt gennemtænkt og bevidsthedsdefineret fortolkning af rollen.

Brecht underbygger teoretisk og introducerer i sin kreative praksis den såkaldte "fremmedgørelseseffekt" som et grundlæggende obligatorisk moment. Han betragter det som hovedvejen til at skabe afstand mellem beskueren og scenen, at skabe den atmosfære, teorien om episk teater forudser i forhold til publikum til scenehandlingen; I bund og grund er "fremmedgørelseseffekten" en vis form for objektivering af de afbildede fænomener, den er designet til at fortrylle den tankeløse automatisme i beskuerens opfattelse. Beskueren genkender billedets emne, men opfatter samtidig dets billede som noget usædvanligt, "fremmedgjort" ... Med andre ord viser en dramatiker, instruktør, skuespiller et bestemt liv ved hjælp af "fremmedvirkningen". fænomener og mennesketyper ikke i deres sædvanlige, velkendte og velkendte form, men fra en eller anden uventet og ny side, der tvinger beskueren til at blive overrasket, til at se på det på en ny måde, ser det ud til. gamle og allerede kendte ting, mere aktivt interesseret i dem. dykke ned i og forstå dem dybere. "Betydningen af denne teknik med "fremmedgørelseseffekten," forklarer Brecht, "er at inspirere beskueren med en analytisk, kritisk position i forhold til de afbildede begivenheder" 19 > /

I Brechts Kunst, inden for alle dens felter (drama, instruktion, etc.), bruges "fremmedgørelse" yderst bredt og i de mest forskelligartede former.

Røverbandets ataman - en traditionel romantisk skikkelse af gammel litteratur - er afbildet lænet over indtægts- og udgiftsbogen, hvori ifølge alle italienske regnskabsregler de økonomiske operationer i hans "firma" er skrevet. Selv i de sidste timer før henrettelsen afbalancerer han debet med kreditten. Et sådant uventet og usædvanligt "fremmedgjort" perspektiv i skildringen af underverdenen aktiverer hurtigt beskuerens bevidsthed, leder ham til en tanke, som måske ikke er faldet ham ind før: en bandit er den samme borger, så hvem der er en borgerlig er ikke en bandit om?

I sceneopførelsen af sine stykker tyr Brecht også til "fremmedgørelseseffekter". Han introducerer for eksempel kor og solosange, de såkaldte "sange", i skuespil. Disse sange bliver ikke altid fremført som "i handlingsforløbet", der naturligt passer ind i, hvad der sker på scenen. Tværtimod falder de ofte udtrykkeligt ud af handlingen, afbryder og "fremmedgør" den, idet de udføres på proscenium og vender direkte ind i auditoriet. Brecht fremhæver endda specifikt dette øjeblik med at bryde handlingen og overføre forestillingen til et andet plan: Under fremførelsen af sangene sænker sig et særligt emblem fra risten, eller en særlig "honeycomb"-belysning tændes på scenen. Sange er på den ene side designet til at ødelægge teatrets hypnotiske effekt, for at forhindre fremkomsten af sceneillusioner, og på den anden side kommenterer de begivenheder på scenen, evaluerer dem og bidrager til udviklingen af kritiske offentlighedens domme.

Alle iscenesættelsesteknikker i Brechts teater er fyldt med "fremmedgørelseseffekter". Omarrangeringer på scenen er ofte lavet med gardinet adskilt; designet er "hentydende" i naturen - det er ekstremt sparsomt, indeholder "kun det nødvendige", det vil sige et minimum af kulisser, der formidler stedets karakteristiske træk Og tid Og minimum rekvisitter brugt og deltagelse i handlingen; masker påføres; handlingen er nogle gange ledsaget af inskriptioner projiceret på et gardin eller baggrund og transmitterer i en ekstremt spids aforistisk eller paradoksal form social betyder grunde, etc.

Brecht så ikke "fremmedgørelseseffekten" som et træk unikt for hans kreative metode. Tværtimod går han ud fra, at denne teknik i større eller mindre grad er indbygget i al kunsts natur i almindelighed, da det ikke er virkeligheden selv, men kun dens billede, som, uanset hvor tæt på livet kan det være, kan stadig ikke være identisk med hende og derfor indeholder den en eller en anden foranstaltning konventioner, dvs. fjernhed, "fremmedgørelse" fra billedets emne. Brecht fandt og demonstrerede forskellige "fremmedgørelseseffekter" i det antikke og asiatiske teater, i malerierne af Brueghel den Ældre og Cezanne, i værker af Shakespeare, Goethe, Feuchtwanger, Joyce osv. Men i modsætning til andre kunstnere, som "fremmedgørelse" kan Vær tilstede spontant Brecht - den socialistiske realismes kunstner - bragte bevidst denne teknik i tæt forbindelse med de sociale opgaver, han forfulgte med sit arbejde.

At kopiere virkeligheden for at opnå den største ydre lighed, for at bevare dens direkte sensuelle fremtoning så tæt som muligt, eller at "organisere" virkeligheden i processen med dens kunstneriske repræsentation for fuldt ud og sandfærdigt at formidle dens væsentlige træk (af naturligvis i en konkret-figurativ udmøntet), - det er de to poler i samtidens verdenskunsts æstetiske problemer. Brecht indtager en meget bestemt, distinkt holdning i forhold til dette alternativ. "Den sædvanlige opfattelse er, at," skriver han i en af notaterne, "at et kunstværk er jo mere realistisk, jo lettere er det at genkende virkeligheden i det. Jeg kontrasterer dette med definitionen af, at et kunstværk er jo mere realistisk, jo mere bekvemt det er for erkendelsen, at virkeligheden mestres i det. Brecht anså for det mest bekvemme for viden om virkeligheden at være betinget, "fremmedgjort", indeholdende en høj grad af generalisering af realistisk kunsts form.

Væren kunstner tænkte og tillagde det rationalistiske princip i den kreative proces enestående betydning, men Brecht afviste dog altid skematisk, resonant, ufølsom kunst. Han er en mægtig poet på scenen s. henvender sig til fornuften tilskuer, leder efter Og finder et ekko i sine følelser. Det indtryk, som Brechts skuespil og produktioner fremkalder, kan defineres som "intellektuel agitation", det vil sige en sådan tilstand af den menneskelige sjæl, hvor det skarpe og intense tankearbejde, som ved induktion, vækker en lige så stærk følelsesmæssig reaktion.

Teorien om "episk teater" og teorien om "fremmedgørelse" er nøglen til hele Brechts litterære arbejde i alle genrer. De er med til at forstå og forklare de væsentligste og fundamentalt vigtige træk ved både hans poesi og prosa, for ikke at tale om dramaturgi.

Hvis den individuelle originalitet i Brechts tidlige værker i høj grad afspejlede sig i hans holdning til ekspressionismen, så får mange af de vigtigste træk ved Brechts verdensbillede og stil i anden halvdel af 1920'erne en særlig klarhed og vished, der står over for den "nye effektivitet". Meget forbandt utvivlsomt forfatteren med denne retning - en ivrig afhængighed af det moderne livs tegn, en aktiv interesse for sport, en benægtelse af sentimental dagdrømning, arkaisk "skønhed" og psykologiske "dybder" i navnet på principperne om praktisk, konkrethed , organisation osv. Og samtidig adskilte meget Brecht fra den "nye effektivitet", begyndende med hans skarpt kritiske holdning til den amerikanske livsstil. Mere og mere gennemsyret af det marxistiske verdensbillede, gik forfatteren ind i en uundgåelig konflikt med en fra de vigtigste filosofiske postulater om den "nye effektivitet" - med teknologiens religion. Han gjorde oprør mod tendensen til at hævde teknologiens forrang faldt på det sociale Og humanistiske principper liv: den moderne teknologis perfektion blindede ham ikke så meget, at han ikke sammenvævede det moderne samfunds ufuldkommenheder. Foran forfatterens øje var de ildevarslende konturer af en forestående katastrofe allerede på vej.

2. Billedet af mor Courage

Stykket udspiller sig i form af en dramatisk krønike, der giver Brecht mulighed for at tegne et bredt og mangfoldigt billede af Tysklands liv i al dets kompleksitet og inkonsekvens og på denne baggrund vise sin heltinde. War for Courage er en indtægtskilde, en "gylden tid". Hun forstår ikke engang, at hun selv var synderen i alle hendes børns død. Kun én gang, i den sjette scene, efter at hendes datter var blevet misbrugt, udbrød hun: "For fanden krigen!" Men allerede på næste billede går hun igen med selvsikker gang og synger "en sang om krigen - den store sygeplejerske." Men det mest uudholdelige ved Courages opførsel er hendes overgang fra Courage moderen til Courage, den begærlige handelskvinde. Hun tjekker mønten for en tand - er den ikke falsk, Og

I slutningen af 30'erne - begyndelsen af 40'erne. Brecht skaber skuespil, der er på højde med verdens dramaturgis bedste værker. Disse er "Mother Courage" og "The Life of Galileo".

Det historiske drama Mother Courage and Her Children (1939) er baseret på historien om en tysk satiriker og publicist fra det 17. århundrede. Grimmelshausen "En detaljeret og besynderlig biografi om den store bedrager og vagabond Courage", hvor forfatteren, en deltager i Trediveårskrigen, skabte en vidunderlig krønike om denne mørkeste periode i Tysklands historie.

Hovedpersonen i Brechts stykke er Anna Firliig, en marketingmedarbejder, med tilnavnet "Courage" for sin modige karakter. Efter at have læsset en vogn med salgbare varer følger hun sammen med sine to sønner og datter tropperne til krigszonen i håbet om at tjene kommercielt overskud fra krigen.

Skønt stykkets handling foregår i 30-årskrigens æra 1618-1648, tragisk for Tysklands skæbne, er det organisk forbundet med vor tids mest presserende problemer. Med hele sit indhold tvang stykket læseren og seeren på tærsklen til Anden Verdenskrig til at tænke over dets konsekvenser, over hvem der nyder godt af det, og hvem der vil lide af det. Men der var mere end blot ét antikrigstema i stykket. Brecht var dybt foruroliget over den politiske umodenhed hos almindelige arbejdere i Tyskland, deres manglende evne til korrekt at forstå den sande betydning af de begivenheder, der fandt sted omkring dem, takket være hvilke de blev grundpillen og ofrene for fascismen. De vigtigste kritiske pile i stykket er ikke rettet mod de herskende klasser, men mod alt, hvad der er dårligt, moralsk forvrænget, der er i det arbejdende folk. Brechtiansk kritik er gennemsyret af både indignation og sympati.

Courage er en kvinde, der elsker sine børn, lever for dem, stræber efter at redde dem fra krig - samtidig går i krig i håbet om at tjene penge på hende og faktisk bliver synderen bag børns død, for hver gang profittørsten viser sig at være stærkere end moderfølelse. Og dette forfærdelige moralske og menneskelige fald af Mod vises i al dets forfærdelige væsen.

Stykket udspiller sig i form af en dramatisk krønike, der giver Brecht mulighed for at tegne et bredt og varieret billede af det tyske liv. i al dens kompleksitet Og uoverensstemmelser, og på den denne baggrund for at vise din heltinde. War for Courage er en indtægtskilde, en "gylden tid". Hun forstår ikke engang, at hun selv var synderen i alle hendes børns død. Kun én gang, i den sjette scene, efter at hendes datter var blevet misbrugt, udbrød hun: "For fanden krigen!" Men allerede på næste billede går hun igen med selvsikker gang og synger "en sang om krigen - den store sygeplejerske." Men det mest uudholdelige ved Courages opførsel er hendes overgang fra Courage moderen til Courage, den begærlige handelskvinde. Hun tjekker mønten for en tand - er den ikke falsk, Og bemærker ikke, hvordan rekruttereren i dette øjeblik tager sin søn Eilif til soldaterne i prinsens hær. De tragiske lektioner fra krigen lærte den grådige kantinepige intet. Men at vise heltindens indsigt var ikke en del af forfatterens opgave. For dramatikeren er det vigtigste, at beskueren drager en lære af hendes livserfaring.

temperament-naturlig

Der er mange sange i stykket "Moder Courage og hendes børn", ligesom i mange andre Brechts stykker. Men en særlig plads får "Sangen om den store overgivelse", som Courage synger. Denne pe-fjernelse er et af de kunstneriske redskaber til "fremmedgørelseseffekten". Ifølge forfatterens hensigt er det hensigten at afbryde handlingen i kort tid for at sætte seeren i stand til at tænke og analysere den uheldige og kriminelle købmands handlinger, for at forklare årsagerne til hendes "store overgivelse", for at vise hvorfor hun fandt ikke styrken og viljen til at sige "nej". princip: "at leve med ulve - hyle som en ulv." Hendes "store kapitulation" bestod i en naiv tro på, at man kunne tjene mange penge på bekostning af krigen. Så Courages skæbne vokser til en storslået temperament-naturlig tragedie om den "lille mand" i det kapitalistiske samfund. Men i en verden, der moralsk deformerer almindelige arbejdere, er der stadig mennesker, der er i stand til at overvinde ydmyghed og begå en heltedåd. Sådan er datteren til Courage, den undertrykte stumme Catherine, som ifølge sin mor er bange for krig og ikke kan se et enkelt levende væsens lidelse. Catherine er personificeringen af den levende, naturlige kraft af kærlighed og venlighed. På bekostning af sit liv redder hun de fredeligt sovende indbyggere i byen fra et pludseligt angreb fra fjenden. Den svageste af alle, Catherine viser sig i stand til aktiv handling mod profittens og krigens verden, som hendes mor ikke kan flygte fra. Katherines bedrift får dig til at tænke endnu mere over Courages opførsel og fordømme ham. Da Brecht dømmer Courage, fordrejet af borgerlig moral, til frygtelig ensomhed, leder Brecht seeren til ideen om behovet for at bryde et sådant socialt system op, hvor bestial moral hersker, og alt ærligt er dømt til døden.

Litteratur

1. Tysk litteraturhistorie, v5 / udg. Litvak S.A. - M., 1994

1. Udenlandsk litteraturhistorie, - M .: Uddannelse, 1987.

2. Mestre i moderne prosa.- M.: Fremskridt 1974.

Lignende dokumenter

Bertolt Brecht er en sand repræsentant for det 20. århundredes tyske litteratur, livets historie og kreativiteten. Den individuelle originalitet af forfatterens tidlige kreativitet og yogo-teater, kunstneriske værker. Princippet om episk teater på p'єsi "Matusya Courage og її børn".

semesteropgave, tilføjet 04/03/2011

Skylder skylden på modernismens strøm og udviklingen af europæisk litteratur i det 20. århundredes timer. Sammenlignende analyse af den gamle "Antigoni" af Sophocles og den Brechtianske version. Årsagerne til ødelæggelsen af tragediens hovedideer. Bertolt Brecht i konteksten af tysk drama.

semesteropgave, tilføjet 19.11.2014

Life of the Way af den tyske forfatter B. Brecht. Yogo se på teaterkunsten. Princippet om transformation i teatret. Brechts innovation. Yogo dramaturgisk kreativitet i emigration, i kampen mod fascismen. De vigtigste konflikter i p "єсі" The Life of Galileo.

præsentation, tilføjet 16.10.2014

Kort om Bertolt Brecht. Den fortabte søn vendte ikke tilbage. I en urolig tid. Om byernes angreb. Teater vækker tanker. Et værktøj til et fantastisk formål. Du kan tage dit hjem med dig. Søger efter sandhed på løgnens markeder. En utålmodig digter fra det tredje årtusinde.

abstrakt, tilføjet 01/04/2007

Hovedproblematikken og poetikken i "Moders Courage og de børn."

semesteropgave, tilføjet 10/06/2012

Udenlandsk litteratur og historiske begivenheder i det tyvende århundrede. Retninger af udenlandsk litteratur i første halvdel af det 20. århundrede: modernisme, ekspressionisme og eksistentialisme. Udenlandske forfattere i det tyvende århundrede: Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.

abstrakt, tilføjet 30/03/2011

Funktioner af udviklingen af den litterære proces af Nimechchin i det XX århundrede. Essensen af hovedet baghold af det "episke teater". Analyse af B. Brechts innovative ideer. Kig æstetisk på forfatteren. Filosofisk Pakhus Drama-Perestologi. Allegorisk sansning og metaforisk p'esi.

semesteropgave, tilføjet 06/02/2015

"Quiet Flows the Don" af M. Sholokhov er den største episke roman i det 20. århundrede. Konsekvent historicisme af epos. Et bredt billede af Don-kosakkernes liv på tærsklen til Første Verdenskrig. Kamp på fronterne af krigen i 1914. Brugen af folkeviser i romanen.

abstrakt, tilføjet 26.10.2009

Generelle tendenser i opbygningen af den episke verden af "Song of Roland", karakteren af skildringen af kampen. Træk af rum og tid i værket. Naturens og menneskets rolle og sted. Intervention af mirakler og profeti af de elementer, der finder sted i "Sangen".

abstrakt, tilføjet 04/10/2014

Forståelse af "det nuværende billede af verden." Måder til moderne implementering af konceptuelt rum i B. Brechts "Three-Groove Romance". Konceptosfære for den kunstneriske tekst. Semantisk struktur af binære oppositioner. Brekhtivs kunstneriske modellering af handling. Romanens vigtigste patos.

I slutningen af 30'erne - begyndelsen af 40'erne. Brecht skaber skuespil, der er på højde med verdens dramaturgis bedste værker. Disse er "Mother Courage" og "The Life of Galileo".

moralsk

Der er mange sange i stykket "Moder Courage og hendes børn", ligesom i mange andre Brechts stykker. Men en særlig plads får "Sangen om den store overgivelse", som Courage synger. Denne pe-fjernelse er et af de kunstneriske redskaber til "fremmedgørelseseffekten". Ifølge forfatterens hensigt er det hensigten at afbryde handlingen i kort tid for at sætte seeren i stand til at tænke og analysere den uheldige og kriminelle købmands handlinger, for at forklare årsagerne til hendes "store overgivelse", for at vise hvorfor hun fandt ikke styrken og viljen til at sige "nej". princip: "at leve med ulve - hyle som en ulv." Hendes "store kapitulation" bestod i en naiv tro på, at man kunne tjene mange penge på bekostning af krigen. Så Courages skæbne vokser til en storslået moralsk tragedie om den "lille mand" i det kapitalistiske samfund. Men i en verden, der moralsk deformerer almindelige arbejdere, er der stadig mennesker, der er i stand til at overvinde ydmyghed og begå en heltedåd. Sådan er datteren til Courage, den undertrykte stumme Catherine, som ifølge sin mor er bange for krig og ikke kan se et enkelt levende væsens lidelse. Catherine er personificeringen af den levende, naturlige kraft af kærlighed og venlighed. På bekostning af sit liv redder hun de fredeligt sovende indbyggere i byen fra et pludseligt angreb fra fjenden. Den svageste af alle, Catherine viser sig i stand til aktiv handling mod profittens og krigens verden, som hendes mor ikke kan flygte fra. Katherines bedrift får dig til at tænke endnu mere over Courages opførsel og fordømme ham. Da Brecht dømmer Courage, fordrejet af borgerlig moral, til frygtelig ensomhed, leder Brecht seeren til ideen om behovet for at bryde et sådant socialt system op, hvor bestial moral hersker, og alt ærligt er dømt til døden.

Bertolt Brechts episke teaterteori, som havde en enorm indflydelse på det 20. århundredes dramaturgi og teater, er et meget vanskeligt stof for studerende. Gennemførelse af en praktisk lektion om stykket "Moder Courage og hendes børn" (1939) vil hjælpe med at gøre dette materiale tilgængeligt for assimilering.

Teorien om det episke teater begyndte at tage form i Brechts æstetik allerede i 1920'erne, på et tidspunkt, hvor forfatteren var tæt på venstreekspressionismen. Den første, stadig naive, idé var Brechts forslag om at bringe teater tættere på sporten. "Et teater uden publikum er noget pjat," skrev han i artiklen "Mere god sport!".

I 1926 afsluttede Brecht arbejdet med stykket "Hvad er den soldat, hvad er det", som han senere betragtede som det første eksempel på episk teater. Elisabeth Hauptmann husker: ”Efter at have opført stykket ”Hvad er den soldat, hvad er det”, anskaffer Brecht sig bøger om socialisme og marxisme ... Noget senere, mens han er på ferie, skriver han: ”Jeg er op til ørene i Kapitalen. Jeg har nu brug for at vide alt dette med sikkerhed ...".

Brechts teatersystem tager form samtidig og i tæt sammenhæng med dannelsen af den socialistiske realismes metode i hans værk. Grundlaget for systemet - "fremmedgørelseseffekten" - er den æstetiske form for K. Marx' berømte holdning fra "Teserne om Feuerbach": "Filosoffer har kun forklaret verden på forskellige måder, men meningen er at ændre den. ."

Det første værk, der dybt legemliggjorde en sådan forståelse af fremmedgørelse, var skuespillet "Mother" (1931) baseret på A. M. Gorkys roman.

Som beskrivelse af sit system brugte Brecht nogle gange udtrykket "ikke-aristotelisk teater" og nogle gange "episk teater". Der er en vis forskel mellem disse udtryk. Udtrykket "ikke-aristotelisk teater" forbindes primært med fornægtelse af gamle systemer, "episk teater" - med godkendelse af et nyt.

Det "ikke-aristoteliske" teater bygger på kritikken af det centrale begreb, som ifølge Aristoteles er tragediens væsen - katarsis. Den sociale betydning af denne protest blev forklaret af Brecht i artiklen "Om fascismens teatralitet" (1939): "En persons mest bemærkelsesværdige egenskab er hans evne til at kritisere ... Den, der vænner sig til en andens billede. person, og desuden sporløst, afviser derved kritisk holdning til ham og sig selv.<...>Derfor kan metoden til teatralsk skuespil, som fascismen har vedtaget, ikke betragtes som en positiv model for teatret, hvis vi forventer billeder af det, der vil give publikum nøglen til at løse problemerne i det sociale liv” (Bog 2, s. 337).

Og Brecht forbinder sit episke teater med en appel til fornuften, uden at benægte følelser. Tilbage i 1927 forklarede han i artiklen "Reflektioner over det episke teaters vanskeligheder": "Det væsentlige ... i det episke teater er nok, at det ikke appellerer så meget til følelsen som til beskuerens sind. Beskueren skal ikke have empati, men argumentere. Samtidig ville det være helt forkert at afvise følelsen fra dette teater” (Bog 2, s. 41).

Brechts episke teater er legemliggørelsen af den socialistiske realismes metode, ønsket om at rive de mystiske slør væk fra virkeligheden, for at afsløre det sociale livs sande love i navnet på dets revolutionære forandring (se B. Brechts artikler "Om socialistisk realisme" , "Socialistisk Realisme i Teatret").

Blandt ideerne i det episke teater anbefaler vi at fokusere på fire hovedbestemmelser: "teatret skal være filosofisk", "teatret skal være episk", "teatret skal være fænomenalt", "teatret skal give et fremmedgjort billede af virkeligheden". ” - og analyser deres implementering i stykket “Mor Courage og hendes børn.

Den filosofiske side af stykket afsløres i dets særegne ideologiske indhold. Brecht bruger parabelprincippet ("fortællingen bevæger sig væk fra forfatterens nutidige verden, nogle gange endda fra en bestemt tid, en specifik situation, og derefter, som om den bevæger sig langs en kurve, igen tilbage til det forladte emne og giver sit filosofiske og etisk forståelse og vurdering ...”.

Legeparablen har således to planer. Den første er B. Brechts refleksioner over samtidens virkelighed, over Anden Verdenskrigs flammende flammer. Dramatikeren formulerede ideen om stykket, der udtrykte denne plan på følgende måde: "Hvad skal produktionen af "Mother Courage" først og fremmest vise? At store ting i krige ikke gøres af små mennesker. Den krig, som er en fortsættelse af forretningslivet på andre måder, gør de bedste menneskelige egenskaber katastrofale for deres besiddere. At kampen mod krigen er ethvert offer værd” (Bog 1, s. 386). Således er "Moder Courage" ikke en historisk krønike, men et advarende skuespil, den er vendt ikke ind i en fjern fortid, men til en nær fremtid.

Den historiske krønike udgør stykkets anden (parabolske) plan. Brecht vendte sig mod romanen af 1600-tallets forfatter X. Grimmelshausen "Til trods for en enfoldig, det vil sige en besynderlig beskrivelse af en forhærdet løgner og en vagabond Courage" (1670). I romanen, på baggrund af begivenhederne i Trediveårskrigen (1618-1648), eventyrene fra konservesfabrikken Courage (det vil sige modig, modig), kæresten til Simplicius Simplicissimus (den berømte helt fra Grimmelshausens roman Simplicissimus). ) blev afbildet. Brechts krønike præsenterer 12 års liv (1624-1636) af Anna Fierling, med tilnavnet Mother Courage, hendes rejser i Polen, Mähren, Bayern, Italien, Sachsen. "Sammenligning af den indledende episode, hvor Courage med tre børn går i krig uden at forvente det værste, med tro på overskud og held, med den sidste episode, hvor kandidaten, der har mistet sine børn i krigen, i det væsentlige, har allerede mistet alt i sit liv, trækker med dum vedholdenhed sin varevogn ad den slagne vej ind i mørke og tomhed - denne sammenligning indeholder den parabolsk udtrykte generelle idé om stykket om moderskabets uforenelighed (og mere bredt: liv, glæde, lykke) med militær handel. Det skal bemærkes, at den afbildede periode kun er et fragment af Trediveårskrigen, hvis begyndelse og slutning går tabt i strømmen af år.

Krigsbilledet er et af stykkets centrale filosofisk rige billeder.

Ved at analysere teksten skal eleverne afsløre årsagerne til krigen, behovet for krig for forretningsmænd, forståelsen af krig som "orden", ved hjælp af stykkets tekst. Hele mor Courages liv er forbundet med krigen, hun gav hende dette navn, børn, velstand (se billede 1). Courage valgte det "store kompromis" som en måde at leve på i krigen. Men et kompromis kan ikke skjule den interne konflikt mellem moderen og kantinen (mor - Courage).

Den anden side af krigen afsløres i billederne af Courage-børnene. Alle tre dør: schweizeren på grund af sin ærlighed (billede 3), Eilif - "fordi han opnåede en bedrift mere end krævet" (billede 8), Catherine - advarede byen Halle om angreb af fjender (billede 11). Menneskelige dyder fordrejes enten i løbet af krigen eller fører de gode og ærlige ihjel. Sådan opstår det storladne tragiske billede af krigen som "verden omvendt".

For at afsløre stykkets episke træk er det nødvendigt at henvise til værkets struktur. Studerende bør studere ikke kun teksten, men også principperne for den Brechtianske indstilling. For at gøre dette skal de stifte bekendtskab med Brechts Courage Model. Noter til 1949-produktionen" (Bog 1. S. 382-443). "Hvad angår den episke begyndelse i produktionen af det tyske teater, så afspejlede den sig i mise-en-scenerne og i tegningen af billeder og i den omhyggelige efterbehandling af detaljer og i handlingens kontinuitet," skrev han. Brecht (Bog 1, s. 439). Episke elementer er også: præsentationen af indholdet i begyndelsen af hvert billede, introduktionen af zongs, der kommenterer handlingen, den udbredte brug af historien (et af de mest dynamiske billeder kan analyseres fra dette synspunkt - det tredje , hvori der er en handel for schweizerens liv). Det episke teaters virkemidler omfatter også montage, det vil sige sammenkædning af dele, episoder uden deres sammensmeltning, uden ønsket om at skjule krydset, men tværtimod med en tendens til at fremhæve det og derved forårsage en strøm af associationer i det episke teater. seer. Brecht i artiklen "Theater of Pleasure or Theatre of Instruction?" (1936) skriver: "Den episke forfatter Deblin gav en fremragende definition af eposet og sagde, at i modsætning til et dramatisk værk, kan et episk værk relativt set skæres i stykker, og hvert stykke vil bevare sin levedygtighed" (Bog 2) , s. 66).

Lærer eleverne episeringsprincippet, vil de kunne give en række konkrete eksempler fra Brechts skuespil.

Princippet om "fænomenalt teater" kan kun analyseres ved at bruge Brechts "Courage Model". Hvad er essensen af fænomenalitet, hvis betydning forfatteren afslørede i værket "Køb af kobber"? I det gamle "aristoteliske" teater var kun skuespillerens præstation virkelig kunstnerisk. Resten af komponenterne spillede så at sige sammen med ham, duplikerede hans arbejde. I det episke teater bør hver komponent i forestillingen (ikke kun skuespillerens og instruktørens arbejde, men også lys, musik, design) være et kunstnerisk fænomen (fænomen), hver skal have en selvstændig rolle i at afsløre det filosofiske indhold af arbejdet, og ikke duplikere andre komponenter.

I Courage-modellen afslører Brecht brugen af musik ud fra princippet om fænomenalitet (se: Bog 1, s. 383-384), det samme gælder sceneri. Alt overflødigt fjernes fra scenen, ikke en kopi af verden gengives, men dens billede. Til dette bruges få, men pålidelige detaljer. »Hvis en vis tilnærmelse er tilladt i det store, så er det i det små uacceptabelt. For et realistisk billede er det vigtigt omhyggeligt at udvikle detaljerne i kostumer og rekvisitter, for her kan beskuerens fantasi ikke tilføje noget,” skrev Brecht (Bog 1, s. 386).

Effekten af fremmedgørelse forener så at sige alle hovedtrækkene i det episke teater, giver dem målrettethed. Det figurative grundlag for fremmedgørelse er en metafor. Fremmedgørelse er en af formerne for teatralsk konvention, accept af spillets betingelser uden illusion af plausibilitet. Effekten af fremmedgørelse er designet til at fremhæve billedet, for at vise det fra en usædvanlig side. Samtidig bør skuespilleren ikke fusionere med sin helt. Brecht advarer således om, at i scene 4 (hvor Mother Courage synger "The Song of Great Humility"), at optræde uden fremmedgørelse "skjuler en social fare, hvis udøveren af rollen som Courage, der hypnotiserer seeren med sit skuespil, kalder ham for at få vant til denne heltinde.<...>Han vil ikke være i stand til at mærke det sociale problems skønhed og tiltrækningskraft” (Bog 1, s. 411).

Ved at bruge fremmedgørelsens virkning med et andet mål end B. Brechts, skildrede modernisterne på scenen en absurd verden, hvor døden hersker. Brecht søgte ved hjælp af fremmedgørelse at vise verden på en sådan måde, at beskueren ville få et ønske om at ændre den.

Der var store stridigheder omkring stykkets finale (se Brechts dialog med F. Wolf. - Bog 1, s. 443-447). Brecht svarede Wolf: "I dette stykke, som du med rette bemærkede, er det vist, at Courage intet har lært af de katastrofer, der ramte det.<...>Kære Friedrich Wolf, det er dig, der bekræfter, at forfatteren var realist. Selvom Courage ikke har lært noget, kan offentligheden efter min mening stadig lære noget ved at se på det” (Bog 1, s. 447).

2. Billedet af mor Courage

I slutningen af 30'erne - begyndelsen af 40'erne. Brecht skaber skuespil, der er på niveau med de bedste værker fra verdensdramaet. Disse er "Mother Courage" og "The Life of Galileo".

Det historiske drama Mother Courage and Her Children (1939) er baseret på historien om den tyske satiriker og publicist fra det 17. århundrede. Grimmelshausen "En detaljeret og besynderlig biografi om den store bedrager og vagabond Courage", hvor forfatteren, en deltager i Trediveårskrigen, skabte en vidunderlig krønike om denne mørkeste periode i Tysklands historie.

Skønt stykkets handling foregår i 30-årskrigen 1618-1648, som var tragisk for Tysklands skæbne, er det organisk forbundet med vor tids mest presserende problemer. Med hele sit indhold tvang stykket læseren og seeren på tærsklen til Anden Verdenskrig til at tænke over dets konsekvenser, over hvem der nyder godt af det, og hvem der vil lide af det. Men der var mere end blot ét antikrigstema i stykket. Brecht var dybt bekymret over den politiske umodenhed hos det almindelige arbejdende folk i Tyskland, deres manglende evne til korrekt at forstå den sande betydning af de begivenheder, der fandt sted omkring dem, takket være hvilke de blev grundpillen og ofrene for fascismen. De vigtigste kritiske pile i stykket er ikke rettet mod de herskende klasser, men mod alt, hvad der er dårligt, moralsk forvrænget, der er i det arbejdende folk. Brechtiansk kritik er gennemsyret af både indignation og sympati.

Courage - en kvinde, der elsker sine børn, lever for dem og søger at redde dem fra krig - går samtidig i krig i håbet om at tjene penge på hende og bliver faktisk synderen i børns død, for hver gang grådighed viser sig at være stærkere end moderfølelse. Og dette forfærdelige moralske og menneskelige fald af Mod vises i al dets forfærdelige væsen.

Stykket udspiller sig i form af en dramatisk krønike, der giver Brecht mulighed for at tegne et bredt og varieret billede af Tysklands liv i al dets kompleksitet og modsætninger og på denne baggrund vise sin heltinde. War for Courage er en indtægtskilde, en "gylden tid". Hun forstår ikke engang, at hun selv var synderen i alle hendes børns død. Kun én gang, i den sjette scene, efter at hendes datter var blevet misbrugt, udbrød hun: "For fanden krigen!" Men allerede på næste billede går hun igen med selvsikker gang og synger "en sang om krigen - den store sygeplejerske." Men det mest uudholdelige i Courages opførsel er hendes overgange fra Courage-mor til Courage - en egoistisk købmand. Hun tjekker mønten for en tand - er den ikke falsk, og lægger ikke mærke til, hvordan rekruttereren i det øjeblik tager sin søn Eilif til soldaterne i prinsens hær. De tragiske lektioner fra krigen lærte den grådige kantinepige intet. Men at vise heltindens indsigt var ikke en del af forfatterens opgave. For dramatikeren er det vigtigste, at beskueren drager en lære af hendes livserfaring.

Der er mange sange i stykket "Moder Courage og hendes børn", ligesom i mange andre Brechts stykker. Men en særlig plads får "Sangen om den store overgivelse", som Courage synger. Denne sang er et af de kunstneriske redskaber til "fremmedgørelseseffekten". Ifølge forfatterens hensigt er det hensigten at afbryde handlingen i kort tid for at sætte seeren i stand til at tænke og analysere den uheldige og kriminelle købmands handlinger, for at forklare årsagerne til hendes "store overgivelse", for at vise hvorfor hun fandt ikke styrken og viljen til at sige "nej" til princippet: "at leve med ulve - hyle som en ulv. Hendes "store kapitulation" bestod i en naiv tro på, at der var gode penge at tjene på krigen. Således vokser Courages skæbne til en storslået moralsk tragedie for den "lille mand" i det kapitalistiske samfund. Men i en verden, der moralsk deformerer almindelige arbejdere, er der stadig mennesker, der er i stand til at overvinde ydmyghed og begå en heltedåd. Sådan er datteren til Courage, den undertrykte stumme Catherine, som ifølge sin mor er bange for krig og ikke kan se et enkelt levende væsens lidelse. Catherine er personificeringen af den levende, naturlige kraft af kærlighed og venlighed. På bekostning af sit liv redder hun de fredeligt sovende indbyggere i byen fra et pludseligt angreb fra fjenden. Den svageste af alle, Catherine viser sig i stand til aktiv handling mod profittens og krigens verden, som hendes mor ikke kan flygte fra. Katherines bedrift får dig til at tænke endnu mere over Courages opførsel og fordømme ham. Da Brecht dømmer Courage, fordrejet af borgerlig moral, til frygtelig ensomhed, leder Brecht seeren til ideen om behovet for at bryde et sådant socialt system op, hvor bestial moral hersker, og alt ærligt er dømt til døden.

Og sort. Det var en lys, festlig, lidt ekstravagant forening, som det så ud til, at intet var umuligt. Den nye musik legemliggjorde drømmen om enhed og lighed, harmoni og tolerance. I anden halvdel af årtiet ramte problemerne rocken: Beatles annoncerede det endelige ophør med koncertaktivitet, i 1966 kom Bob Dylan ud i en bilulykke og var ...

Musik. Musik skabt ved hjælp af elektronisk-akustisk og lydgengivelsesudstyr. Repræsentanter: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper. 3. Kultur i anden halvdel af det XX århundrede. Postmodernisme Postmodernismen opstod i den vesteuropæiske kultur i 60'erne og 70'erne. Udtrykket har været meget brugt siden 1979, hvor den franske filosof Jean-Francois Lyotard (1924-1998) udgav en bog "...

Send dit gode arbejde i videnbasen er enkel. Brug formularen nedenfor

Lignende dokumenter

Redaktørens valg