Italialaiset soittimet. Italialaiset tanssit: historia ja niiden lajikkeet

Italialaisen musiikin alkuperä juontaa juurensa antiikin Rooman musiikkikulttuuriin (katso antiikin roomalainen musiikki). Olentojen soittama musiikki. rooli yhteiskunnassa., valtio. Rooman valtakunnan elämä, jokapäiväisessä elämässä ero. väestöryhmät; rikas ja monipuolinen oli muses. työkalut. Näytteet antiikin roomalaisesta musiikista eivät ole saavuttaneet meitä, mutta dep. sen elementit on säilynyt vuosisadalla. Kristus. virsiä ja punkteja. pohtii. perinteitä. 4. vuosisadalla, kun kristinusko julistettiin valtioksi. uskonnon vuoksi Roomasta ja Bysantista tuli yksi liturgian kehityksen keskuksista. laulaminen ensin. jonka perustana oli Syyriasta ja Palestiinasta peräisin oleva psalodi. Milanon arkkipiispa Ambrose vakiinnutti antifonisen virsien laulamisen käytännön, katso heidän melodiansa lähemmäksi Naria. alkuperää. Hänen nimeensä liittyy erityinen Länsi-Kristuksen perinne. kirkko. laulaminen, nimeltään Ambrosian chant (ks. Ambrosian chant). Lopussa. 6. vuosisata, paavi Gregory I: n johdolla, kehitettiin Kristuksen vankkoja muotoja. liturgian ja määräsi sen muset. puolella. Laulaja loi samanaikaisesti Roomassa. koulusta ("schola cantorum") tuli eräänlainen kirkon laulajien akatemia. oikeusjuttu ja ylin lainsäätäjä. elin tällä alueella. Gregory I: lle hyvitettiin tärkeimmän yhdistäminen ja kiinnittäminen. liturgiset laulut. Myöhemmät tutkimukset ovat kuitenkin vahvistaneet melodisen. tyyli ja muoto ns Gregoriaanisen laulaminen muotoutui lopulta vasta 8-9-luvuilla. Roomalaiskatolinen. palvonnan yhdenmukaisuuteen pyrkivä kirkko juurrutti tämän yksijalkaisen tyylin. kertosäe. laulaa kaikkien Kristukseen kääntyneiden kansojen keskuudessa. usko. Tämä prosessi saatiin loppuun loppuun mennessä. 11-luvulla, jolloin gregoriaaninen liturgia vastaavan kantaren kanssa. Keski- ja Länsi-maissa hyväksytyt määräykset. ja Yuzh. Euroopassa. Samanaikaisesti gregoriaanisen laulun jatkokehitys pysähtyi läpäisemättömyydessä. lomakkeet.

Loppusta. 1. vuosituhat jKr seurauksena vihollisten tunkeutumisesta Italian alueelle sekä paavinvallan lisääntyneestä sorrosta, joka vaikeutti luovuuden ilmaisua. aloitteesta, I. m. tulee. pysähtyneenä, sillä ei enää ole merkittävää roolia yleisessä musessa. Euroopan kehitys. maat. Tärkeimmät Euroopassa tapahtuneet muutokset. 1. ja 2. vuosituhannen vaihteessa, löytää keisarillisessa musiikissa heikko ja usein myöhästynyt heijastus. ja luoteeseen. Euroopassa jo 900-luvulla. perusteli italialaisen merkittävimmän polyfonian varhaiset muodot. pohtii. keskiajan teoreetikko Guido d "Arezzo (11. vuosisata) kiinnitti päähuomion yksipäiseen gregoriaaniseen laulamiseen koskien vain organumia. 1200-luvulla moniääninen laulaminen sisältyy eräiden italialaisten kirkkojen liturgiseen käytäntöön, mutta sen harvat tunnetut esimerkit eivät todista Italian itsenäisestä panoksesta tuon aikakauden polyfonisten tyylilajien kehitykseen. Varhaiseen renessanssiin liittyi uusi nousu musiikkitaiteessa 13--14-luvun lopulla, mikä heijasti humanististen taipumusten kasvua, ihmispersoonallisuus uskonnollisten dogmojen sorrosta, vapaampi ja suorempi käsitys maailmasta feodaalien vallan heikkenemisen ja varhaisten kapitalististen suhteiden muodostumisen aikana. Varhaisen renessanssin käsite vastaa määritelmää Tämän liikkeen pääkeskukset olivat Keski- ja Pohjois-Italian kaupungit - Firenze, Venetsia, Padova - sosiaalisen rakenteensa ja kulttuurinsa suhteen edistyneemmät kuin eteläiset alueet, joissa feodaaliset suhteet olivat vielä kesken. Nämä kaupungit houkuttelivat lahjakkaimpia säveltäjiä ja musiikkeja reunus esiintyjät. Uudet tyylilajit ja tyylisuunnat nousivat esiin.

Halu lisätä ilmaisua ilmeni lyriikassa. virsiä vapaasti tulkituille uskonnoille. teema - laudah, ruislaulu laulettiin jokapäiväisessä elämässä ja uskontojen aikana. kulkueet. Jo lopussa. 12. vuosisata syntyi "laudistien veljeys", joiden määrä lisääntyi 1200-luvulla ja varsinkin 1400-luvulla. Laudeja viljeltiin fransiskaanirikoksen munkkien keskuudessa vastustajina upseereille. Rooman kirkko, joskus he heijastivat sosiaalisen protestin motiiveja. Melody laud liittyy nariin. alkuperää, erilainen rytmi. selkeys, rakenteen selkeys, vallitseva pääväri. Jotkut heistä ovat luonteeltaan lähellä tanssia. kappaleita.

Firenzessä syntyi uusia maallisen polyfonian tyylilajeja. wok. kotiteatteriesitykseen tarkoitettu musiikki: madrigal, kachcha, ballata. Ne olivat 2 tai 3 maalia. säkeistö. kappaleet melodisilla otsikoilla. ylempi ääni, to-ry eri rytmi. liikkuvuus, runsaasti värikkäitä kohtia. Madrigal on aristokraatti. genre, jolle on ominaista runouden ja musien hienostuminen. rakennus. Sitä hallitsi hienovarainen eroottisuus. teema, myös satiirinen. motiivit, joskus poliittisesti syytetyt. Caccian sisältö oli alun perin metsästyskuvia (siis itse nimi: caccia - metsästys), mutta sitten sen teema laajenee ja kattaa erilaisia \u200b\u200btyylilajeja. Suosituin maallisista genreistä, Ars nova, on ballata (tanssilaulu, joka on sisällöltään samanlainen kuin madrigal).

Laaja kehitys Italiassa 1400-luvulla. vastaanottaa ohjeita. musiikkia. Main tuon ajan soittimia olivat luuttu, harppu, fidel, huilu, oboe, trumpetti ja muut urut. tyyppi (positiiviset, kannettavat). Niitä käytettiin laulun säestykseen ja soolo- tai yhtyeiden soittamiseen.

Ital kukoisti. Ars nova putoaa puoliväliin. 1400-luku 40-luvulla. luova avautuu. sen merkittävimpien mestareiden - Giovanni Firenzestä ja Jacopo Bolognasta - toiminnasta. Sokea virtuoosi urkuri ja säveltäjä. F. Landino on moniosaaja, runoilija, muusikko ja tiedemies, jota kunnioitetaan italialaisissa piireissä. humanistit. Hänen työssään yhteys kerrossänkyyn on lisääntynyt. alkuperästä, melodia on saanut suuremman ilmaisuvapauden, joskus hienostuneen hienostuneisuuden, kukkaisen ja rytmisen. monimuotoisuus.

Renessanssin aikakaudella (1500-luku) taide otti johtavan aseman Euroopassa. pohtii. kulttuureissa. Yleisen taiteen nousun ilmapiirissä. kulttuuri kehitti voimakkaasti musiikin tekemistä eri aloilla. yhteiskunnan kerrokset. Sen tulisija oli kirkon kanssa. käsityöläisten kappeleita. kiltayhdistykset, valaistuneiden kirjallisuuden ja taiteen ystävien piirit, jotka joskus kutsuvat itseään antiikin jälkeen. akatemioiden mallina. Pl. kaupungit loivat itsenäistyviä kouluja. panos I. m: n kehittämiseen. Suurimmat ja vaikutusvaltaisimmat heistä ovat roomalaiset ja venetsialaiset koulut. Roomalaiskatolisuuden keskellä renessanssiliikkeen tuomat uudet taidemuodot tapasivat usein kirkon vastustusta. viranomaiset. Kielloista ja irtisanomisista huolimatta koko 1400-luvulla. roomalaiskatolisessa. palvonta oli vakiintunut monikulmainen. laulaa. Tätä helpotti ranskalais-flaamilaisen G. Dufayn koulun edustajien, Josquin Despresin ja muiden säveltäjien toiminta, jotka palvelivat eri aikoina paavin kappelissa. Sikstuksen kappelissa (perustettu vuonna 1473) ja kuorossa. kappeli St. Pietari keskitti kirkon parhaat mestarit. laulaa paitsi Italiasta myös muista maista. Kirkon kysymykset. laulua annettiin erikoisaloille. huomiota Trentin neuvostoon (1545-63), jonka päätöksissä tuomittiin liiallinen innostus "kuviollisen" moniäänisen suhteen. musiikki, mikä vaikeuttaa "pyhien sanojen" ymmärtämistä, ja esitettiin vaatimusta yksinkertaisuudesta ja selkeydestä; maallisten melodioiden tuominen liturgiaan oli kielletty. musiikkia. Mutta toisin kuin kirkko haluaa. viranomaiset karkottamaan kaikki innovaatiot kulttilaulusta ja mahdollisuuksien mukaan palauttamaan sen gregoriaanisen laulun perinteisiin, Rooman koulun säveltäjät loivat pitkälle kehitetyn moniäänisen äänen. taide, jossa ranskalais-flaaminkielisen polyfonian parhaat saavutukset toteutettiin ja mietittiin uudelleen renessanssin estetiikan hengessä. Tuotannossa tämän koulun säveltäjät ovat monimutkaisia \u200b\u200bjäljitelmiä. tekniikka yhdistettiin sointu-harmoniseen. varasto, monta päätä. rakenne sai harmonisen eufonian luonteen, melodinen alku muuttui itsenäisemmäksi, ylempi ääni korostettiin usein. Roomalaisen koulun suurin edustaja on Palestrina. Hänen ihanteellisesti tasapainoista, valaistunutta, harmonista taitoaan verrataan joskus Rafaelin työhön. Koska kuoro on huippu. tiukan tyylin polyfonia, Palestrinan musiikki sisältää samalla kehittyneitä homofonisen ajattelun elementtejä. Horisontaalisten ja vertikaalisten periaatteiden tasapainoon pyrkiminen oli ominaista myös muille saman koulun säveltäjille: K. Festa, G. Animucci (joka johti St. Peter 1555-71), Clemens-not-Pope, Palestrinan opiskelijat ja seuraajat - G. Nanino, F. Anerio ja muut. paavin kappelissa työskennelleet säveltäjät: K. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (lempinimellä "Espanjan Palestrina").

Venetsialaisen koulun perustaja oli A. Willart (alkuperältään hollantilainen), joka vuonna 1527 johti St. Mark ja oli sen johtaja 35 vuotta. Hänen seuraajansa olivat C. de Pope ja espanjalainen C. Merulo. Tämä koulu saavutti korkeimman huipun A. Gabrielin ja hänen veljenpoikansa J. Gabrielin työssä. Toisin kuin Palestrinan ja muiden roomalaisen koulun säveltäjien tiukka ja hillitty kirjoitustapa, venetsialaisten taiteelle oli ominaista äänipaletin loisto, runsaasti kirkkaita värejä. vaikutuksia. Polyhorian periaate oli heille erityisen tärkeä. Kahden kuoron oppositio, sijaitsee. kirkon eri osissa, toimi dynaamisen perustana. ja värikkäitä kontrasteja. G. Gabrielin jatkuvasti vaihteleva äänimäärä saavutti 20. Kontrastikuoro. sonoriteetteja täydennettiin instrumenttien vaihdolla. timbrit, ja soittimet eivät vain kopioineet kuoron ääniä, vaan myös esiintyneet itsenäisesti enter-kappaleessa. ja yhdistävät jaksot. Harmoninen. kieli oli kyllästetty lukuisilla, usein rohkealla tuolloin kromatismilla, mikä antoi sille lisääntyneen ilmaisun piirteitä.

Venetsialaisen koulun mestareiden luovuudella oli tärkeä rooli uusien instrumentointimuotojen kehittämisessä. musiikkia. 1500-luvulla. itse soittimien kokoonpano on rikastunut merkittävästi ja niiden ilmaisu on laajentunut. mahdollisuudet. Jousisoittimien merkitys melodisella lämpimällä äänellä on kasvanut. Tänä aikana klassikko muodostui. alttoviulun tyyppi; viulu, yleinen aikaisempi preim. kansanelämässä prof. pohtii. työkalu. Luuttu ja urut dominoivat edelleen sooloinstrumentteina. Vuonna 1507-09 kustantaja O. Petrucci publ. 3 kokoelmaa pala luutulle, edelleen säilynyt. merkkejä wok-riippuvuudesta. motet-tyyppinen polyfonia. Tulevaisuudessa tämä riippuvuus heikentää erityisesti kehitettyjä työkaluja. esitystavat. Tyypillinen 1500-luvulle. genrejä sooloinstrumenttia. Musiikki - Richercar, Fantasia, Canzona, Capriccio. Vuonna 1549, org. Villartin Richercars. Hänen jälkeensä tämän tyylilajin kehitti J. Gabrieli, joista jotkut rikkaat autot lähestyvät fugaa esityksessään. Organ. Venetsialaisten mestareiden Toccata heijastaa virtuoosista alkua ja taipumusta vapaaseen fantasiaan. Vuonna 1551 Venetsiassa julkaistiin la. clavier-kappaleet tanssivat. merkki.

Ensimmäisten esiintyminen liittyy nimiin A. ja J. Gabrieli. näytteet kamariyhtyeestä ja orkista. musiikkia. Heidän sävellyksensä erilaisille soittimille. junat (3 - 22 juhlat) yhdistettiin lauantaina. "Canzons and Sonatas" ("Canzoni e sonate ...", julkaistu vuonna 1615 säveltäjien kuoleman jälkeen). Nämä näytelmät perustuvat kontrastin hajoamisen periaatteeseen. ohje. Sitten seurasivat ryhmät (molemmat homogeeniset - jouset, puu, messinki ja sekoitetut). inkarnaatio konsertin tyylilajissa.

Renaissance-ideoiden täydellisin ja elävin ilmaisu musiikissa oli madrigal, jonka uusi kukoistus tuli 1500-luvulla. Tähän renessanssin maallisen musiikin tekemisen tärkeimpään lajiin kiinnittivät monet. säveltäjät. Madrigalit ovat kirjoittaneet venetsialaiset A. Villart, K. de Pope, A. Gabrieli, roomalaisen koulun mestarit K. Festus ja Palestrina. Madrigalistikoulut olivat olemassa Milanossa, Firenzessä, Ferrarassa, Bolognassa, Napolissa. Madrigalin 1500-luku poikkesi Ars nova -kauden madrigalista runouden suuremmalla rikkaudella ja hienostuneisuudella. sisältö, mutta tärkein. hänen sfäärinsä pysyi rakkaussanana, usein pastoraalisena, yhdistettynä innostuneeseen luonnon kauneuden juhlimiseen. F.Petrarchin runolla oli suuri vaikutus madrigalin kehitykseen (monet hänen runonsa säveltivät eri kirjoittajat). Madrigalistiset säveltäjät kääntyivät L. Arioston, T. Tasson ja muiden renessanssin suurten runoilijoiden teosten puoleen. 1500-luvun madrigaleissa. 4- tai 5-maalit olivat vallitsevia. varasto, jossa yhdistyvät polyfonian ja homofonian elementit. Johtava melodinen. ääni erotettiin hienovaraisella ilmaisulla. sävyt, joustava yksityiskohtien runollinen siirto. teksti. Kokonaiskoostumus oli vapaa eikä totella strofia. periaate. 1500-luvun madrigalimestareiden joukossa. arvostettu hollantilainen J. Arkadelt, joka työskenteli Roomassa ja Firenzessä. Hänen vuosikymmeninä 1538–44 (6 kirjaa) julkaistut madrigalit painettiin uudelleen monta kertaa ja toistettiin joulukuussa. painetut ja käsikirjoitukset. kokouksia. Tämän tyylilajin korkein kukinta liittyy luovaan. L. Marenzion, C. Monteverdin ja C. Gesualdo di Venosan toiminta lopussa. 16 - aikaisin. 17. vuosisata Jos Marenziolle on ominaista ohut pallo. lyyrinen. kuvia, sitten Gesualdo di Venosassa ja Monteverdissä madrigali dramatisoidaan, jolla on syvällinen psykologinen kuva. ilmaisussa he käyttivät uusia, epätavallisia harmonisen keinoja. kieli, terävöitti intonaatiota. wokin ilmeikkyys. melodiat. Lankku sängyt ovat rikas kerros I. m. kappaleet ja tanssit, erottuvat melodioiden melodiallisuudesta, elävyydestä, sytyttävistä rytmeistä. Ital. tansseille on ominaista koko 6/8, 12/8 ja nopea, usein kiihkeä tempo: saltarello (13-14-luvuilta on säilynyt ennätyksiä), joka liittyy häneen panttilainaamoon (Lombardian tanssi) ja forlaniin (venetsialainen) , Friulian tanssi), tarantella (Etelä-Italian tanssi, josta tuli valtakunnallinen). Tarantellan ohella Sisiliana on suosittu (koko on sama, mutta tempo on kohtalainen, melodian luonne on erilainen - pastoraalinen). Sisilialaiset ovat lähellä barcarolea (venetsialaisten gondolierien laulu) ja toscanalaista rispettoa (ylistyslaulu, rakkauden tunnustus). Valittavat kappaleet tunnetaan laajalti - lamento (eräänlainen valitus). Melodian plastisuus ja melodisuus, kirkas lyyrisyys ja usein korostettu herkkyys ovat tyypillisiä Italiassa laajalle levinneille napolilaisille kappaleille.

Nar. musiikki vaikutti myös prof. pohtii. luominen. Suurin yksinkertaisuus ja läheisyys makuupusseihin. Frottolan ja villanellan tyylilajit poikkesivat alkuperästä.

Renessanssi antoi sysäyksen musiikkiteoreettisen kehitykselle. ajatuksia Italiassa. Modernin perusta. harmonian opin laati J. Tsarlino. Ke-vuosisata. hän vastusti tuskailuoppeja uudella tonaalijärjestelmällä, jossa oli 2 perusasetusta. tilat - pää- ja pienet. Tuomioissaan Tsarlino nojautui ensisijaisesti suoraan kuulokäsitykseen eikä abstrakteihin skolastisiin laskelmiin ja numeerisiin operaatioihin.

Imperialismin suurin tapahtuma 1500-luvun vaihteen vaihteessa. oli oopperan syntyminen. Ooppera, joka on ilmestynyt jo renessanssin lopussa, liittyy kuitenkin täysin sen ideoihin ja kulttuuriin. Ooppera itsenäisenä. genre kasvoi toisaalta teatterista. esitykset 1500-luvulta, musiikin mukana, toisaalta - madrigalista. Monet ovat luoneet musiikkia t-ra: lle. kuuluisia säveltäjiä 1500-luvulta Niinpä A. Gabrieli kirjoitti kuoroja Sophoklesin tragediaan "Oidipus" (1585, Vicenza). Yksi oopperan edelläkävijöistä oli A.Polizianon The Legend of Orpheus (1480, Mantua). Madrigal, keinot joustava, ilmaista. runouden inkarnaatiot. teksti musiikissa. Yleinen käytäntö esiintyä madrigaleissa yhden laulajan kanssa instrumentilla. res. toi heidät lähemmäksi wok-tyyppiä. monodia, josta tuli ensimmäisen Italin perusta. ooppera. Lopussa. 16. vuosisata madrigal-komedian genre syntyi leikkaukseksi. näyttelemisen mukana oli wok. jaksot madrigalin tyyliin. Tyypillinen esimerkki tästä tyylilajista on O. Veccan "Amphiparnas" (1594).

Vuonna 1581 ilmestyi polemia. V. Galilein tutkielma "Keskustelu muinaisesta ja uudesta musiikista" ("Dialogo della musica antica et délia moderna"), jossa laulava wok. kunnianhimo (antiikin mallin mukaan) vastusti vuosisadan "barbaarisuutta". polyfonia. Ote Danten jumalallisesta komediasta, jonka hän sävelsi, oli tarkoitus kuvata tätä wokia. tyyli. Galileon ajatuksia kannatti joukko runoilijoita, muusikoita ja humanistitutkijoita, jotka yhdistyivät vuonna 1580 valaistuneen firenzeläisen kreivi G. Bardin (ns. Florentine Camerata) aloitteesta. Tämän piirin jäsenet loivat ensimmäiset oopperat - "Daphne" (1597-98) ja J.Perin "Eurydice" (1600) O.Rinuccinin tekstille. Yksin wok. osat näistä oopperoista res. basso continuoa ylläpidetään lausunnossa. tavoin madrigal-varasto säilyy kuoroissa.

Useita vuosia myöhemmin laulaja ja säveltäjä kirjoittivat "Eurydice" -musiikin itsenäisesti. J.-Caccini, to-ry, oli myös kokoelman kirjoittaja. soolokammari kappaleita sop. "Uusi musiikki" ("Le nuove musiche", 1601), pää. samalla tyylillä. periaatteita. Tätä kirjoitustyyliä kutsuttiin nimellä "uusi tyyli" (Stile nuovo) tai "kuvallinen tyyli" (Stile rappresentativo).

Prod. Firenzeläiset ovat jossain määrin järkeviä, niiden arvo pääosin. kokeellinen. Nero muses puhalsi oopperaan todellisen elämän. näytelmäkirjailija, voimallisen traagisen kyvyn taiteilija K.Monteverdi. Hän kääntyi oopperalajiin aikuisuudessa, jo hän oli monien kirjoittaja. henkinen op. ja maalliset madrigalit. Hänen ensimmäiset oopperansa "Orfeus" (1607) ja "Ariadne" (1608) olivat postitse. Mantovassa. Pitkän tauon jälkeen Monteverdi esiintyi taas oopperasäveltäjänä Venetsiassa. Hänen oopperan luovuutensa huippu on Poppaean kruunajaiset (1642), tuotanto. todella Shakespearen voima, joka erottuu draaman syvyydestä. ilmaisut, hahmojen taitava muotoilu, konfliktitilanteiden terävyys ja jännitys.

Venetsiassa ooppera ylitti kapean aristokraattisen alueen. herkkujen piirissä ja siitä on tullut julkinen spektaakkeli. Vuonna 1637 avattiin ensimmäinen julkinen oopperatalo "San Cassiano" (vuosina 1637-1800 perustettiin vähintään 16 tällaista teatteria). Demokraattisempi. yleisön kokoonpano vaikutti myös teosten luonteeseen. Mytologinen. aihe väistyi historialliselle. tarinoita, joilla on todellisia toimia. henkilöt, dram. ja sankarillinen. alku oli kietoutunut koomiseen ja joskus jopa karkeasti farssiseen. Wok. melodia sai suuren melodian; recitatiivisten kohtausten sisällä, erillinen kiihkeän tyyppisiä jaksoja. Näitä Monteverdin myöhäisoopperoille ominaisia \u200b\u200bpiirteitä kehitettiin edelleen F. Cavallin, 42 oopperan kirjoittajan teoksessa, joista suosituin oli ooppera Jason (1649).

Rooman ooppera sai erikoisen värin täällä dominoivan katolisen vaikutuksesta. suuntauksia. Yhdessä antiikin kanssa. mytologinen. juonet ("Orpheuksen kuolema" - S. Landin vuonna 1619 antama "La morte d" Orfeo ";" Adonisin ketju "- D. Mazzocchin" La Caténa d "Adone", vuonna 1626) uskonto tuli oopperaan. Kristuksessa tulkittuja aiheita. moraalisointisuunnitelma. Useimmat keinot. valmistaja Roomalainen koulu - ooppera "St.Aleksei" Landi (1632), erottuva melodisuudellaan. musiikin rikkaus ja draama, kuoron runsaus kehittyivät tekstuurina. jaksot. Ensimmäiset esimerkit sarjakuvasta ilmestyivät Roomassa. oopperalaji: "Kärsimys, kyllä \u200b\u200btoivoa" ("Che soffre, speri", 1639) V. Mazzocchi ja M. Marazzoli ja "Dal male il bene" ("Dal male il bene", 1653) A. M. Abbatini ja Marazzoli.

K ser. 17. vuosisata ooppera poikkesi melkein kokonaan firenzeläisen Cameratan puolustamasta renessanssin estetiikan periaatteista. Tämän todistaa M.A.Chestin työ, joka liittyy venetsialaiseen oopperakouluun. Hänen kirjoituksissaan kiihtynyt draama. recitatiivia vastustaa pehmeä melodinen melodia, pyöristettyjen wokien rooli on kasvanut. numerot (usein dramaattisen vahingon vuoksi. toiminnan perustelut). Kunnia oopperasta "Kultainen omena" ("Il porno d" oro ", 1667), joka lavastettiin pompilla Wienissä keisari Leopold I: n häät, tuli prototyyppi seremoniallisista paraatiesityksistä, joista on sittemmin tullut ei ole enää puhtaasti italialainen ooppera, kirjoittaa R. Rolland, se on eräänlainen kansainvälinen tuomioistuimen ooppera. "

Loppusta. 17. vuosisata johtava rooli italian kehityksessä. ooppera siirtyi Napoliin. Napolilaisen oopperakoulun ensimmäinen merkittävä edustaja oli F. Provenzale, mutta sen todellinen pää oli A. Scarlatti. Lukuisten oopperoiden (yli 100) kirjoittaja hyväksyi italialaisen tyypillisen rakenteen. ooppera-seria, säilytetty ilman olentoja. muuttuu loppuun. 1700-luku Päämaja paikka tämän tyyppisessä oopperassa kuuluu aariaan, yleensä 3-osaiseen da capoon; recitatiiville annetaan palvelurooli, kuorojen ja yhtyeiden merkitys on minimoitu. Mutta kirkas melodinen. lahja Scarlatti, moniääninen taito. kirjeet, epäilemättä dramatisti. intuitio antoi säveltäjälle kaikista rajoituksista huolimatta voimakkaan, vaikuttavan vaikutuksen. Scarlatti kehitti ja rikasti sekä laulua että instrumentaalia. oopperan muodot. Hän kehitti tyypillisen italialaisen rakenteen. oopperan alkusoitto (tai sinfonia tuolloin hyväksytyn terminologian mukaan), jossa on nopeat ääripäät ja hidas keskijakso, josta tuli sinfonian prototyyppi sellaisenaan. kons. toimii.

Oopperan läheisyydessä kehitettiin uusi kirjallisuuden ulkopuolinen musiikkilaji. uskonnollinen isk-va - oratorio. Uskonnoista syntynyt. lukemat, mukana laulava polygoli. ylistys, hän sai omansa. valmis. muoto J.Karissimin teoksissa. Oratorioissa, jotka on kirjoitettu enimmäkseen raamatullisista aiheista, hän rikastutti keskellä kehittyneitä oopperamuotoja. 1600-luku, kuoron saavutukset. kons. tyyli. Carissimin jälkeen tämän tyylilajin kehittäneiden säveltäjien joukossa A. Stradella erottui (hänen persoonallisuudestaan \u200b\u200btuli legendaarinen seikkailunhaluisen elämäkerransa vuoksi). Hän esitteli oratorioon draaman elementtejä. patetiikka ja ominaisuudet. Lähes kaikki napolilaisen koulun säveltäjät kiinnittivät huomiota oratorio-tyylilajiin, vaikka oopperaan verrattuna oratorio oli toissijainen paikka teoksessaan.

Tähän liittyvä oratorion genre on kamarikantaatti yhdelle, joskus 2 tai 3 äänelle sopraanalla. basso continuo. Toisin kuin oratorio, siinä vallitsivat maalliset tekstit. Tämän tyylilajin tunnetuimmat mestarit ovat Carissimi ja L. Rossi (yksi Rooman oopperakoulun edustajista). Oratorion tavoin kantaatilla oli merkitys. rooli wokin tuotannossa. muodot, joista on tullut tyypillisiä napolilaiselle oopperalle.

Kulttimusiikin alalla 1600-luvulla. hallitsee halu ulkoiseen, uhkeaan suuruuteen, saavutettu ch. arr. määristä johtuen. vaikutus. Venetsialaisen koulun päälliköiden kehittämä polykoruksen periaate sai hyperbolisen luonteen. mittakaavassa. Joissakin tuotannoissa. käytetty jopa kaksitoista 4-maalia. kuorot. Giant kuoro. sävellyksiä täydennettiin lukuisilla. ja erilaisia \u200b\u200binstrumenttiryhmiä. Tämä rehevä barokkityyli kehitettiin erityisesti Roomassa, joka korvasi Palestrinan ja hänen seuraajiensa tiukan, hillittyyn tyyliin. Myöhäisromaanisen koulun merkittävimmät edustajat ovat G. Allegri (kuuluisan Misereren kirjoittaja, jonka W. A. \u200b\u200bMozart on äänittänyt korvalla), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Samaan aikaan ns. "konsertti", lähellä italialaisen alkulaulua. oopperoita, joista esimerkkejä ovat A. Bancierin (1595) ja L. Viadanan (1602) pyhät konsertit. (Viadana hyvitettiin, kuten myöhemmin kävi ilmi, ilman riittäviä perusteita, digitaalisen basson keksintö.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Lehrenzi ja muut kirkkoon toivat säveltäjät kirjoittivat samalla tavalla. oopperan tai kamarikantaatin musiikkielementit.

Uusien muotojen ja keinojen intensiivinen etsiminen. ilmeikkyys sanelee halu ilmentää rikas ja monipuolinen humanisti. sisältöä, suoritettiin opetuksen alalla. musiikkia. Yksi suurimmista org-mestareista. ja Bachia edeltävän kauden klavierimusiikki oli J. Frescobaldi - loistava säveltäjä. yksilöllisyys, loistava urku urkusta ja cembalosta, josta tuli kuuluisa kotimaassaan ja muualla Euroopassa. maat. Hän toi sen perinteeseen. richercar-muodot, fantasiat, toccata, voimakkaan ilmeikkyyden ja tunteen vapauden piirteet rikastuttivat melodiaa. ja harmoninen. kieli, kehitetty moniääninen. rakenne. Hänen tuotannossaan. kiteytynyt klassikko. fuugatyyppi, jolla on selvästi tunnistetut tonaaliset suhteet ja yleissuunnitelman täydellisyys. Frescobaldin työ on italian huippu. org. oikeusjuttu. Hänen innovatiiviset valloituksensa eivät löytäneet merkittäviä seuraajia itse Italiassa; niitä jatkoivat ja kehittivät säveltäjät muista maista. Italiaksi. ohje. musiikkia 2. kerroksesta. 17. vuosisata johtava rooli siirtyi jousisoittimille ja ennen kaikkea viululle. Tämä johtui viulunsoittotaiteen kukoistuksesta ja itse instrumentin parantamisesta. 1600- ja 1700-luvuilla. Italiassa syntyi kuuluisien viuluvalmistajien dynastioita (Amati-, Stradivari- ja Guarneri-perheet), joiden soittimet ovat edelleen vertaansa vailla. Erinomaiset viuluvirtuoosit olivat pääosin myös säveltäjiä, heidän teoksissaan vahvistettiin uusia sooloviulun esitystekniikoita, kehitettiin uusia musoja. lomakkeet.

1500-luvun vaihteessa. Venetsiassa kehittyi triosonaatin genre - moniosainen tuotanto. kahdelle sooloinstrumentille (useammin viuluille, mutta ne voidaan korvata muille vastaavan tessituran instrumenteille) ja bassoon. Tämän tyylilajin lajikkeita oli 2 (molemmat kuuluivat maallisen kamarimusiikin alaan): "kirkkosonaatti" ("sonata da chiesa") - 4-osainen sykli, jossa hitaat ja nopeat osat vuorottelivat, ja "kamarisonaatti" ("sonata da camera"), joka koostuu useista. tanssikappaleita. hahmo lähellä sviittiä. Näiden tyylilajien jatkokehitys on erityisen merkittävää. roolia pelasi Bolognan koulu, joka esitti loistavan viulutaiteen mestareiden galaksin. Sen vanhempien edustajien joukossa ovat M. Cazzati, J. Vitali, J. Bassani. Aika viulun ja kamariyhtyeiden historiassa oli A. Corellin (Bassanin opiskelija) teos. Hänen toimintansa kypsä aika liittyi Roomaan, jossa hän loi oman koulunsa, jota edustivat sellaiset nimet kuin P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis. Trio-sonaatin muodostaminen valmistui Corellin teoksessa. Hän laajensi ja rikasti esiintymistä. taivutettujen instrumenttien mahdollisuudet. Hän kuuluu myös sonaattien sykliin sooloviululle res. cembalo. Tämä uusi genre nousi esiin. 1600-luku merkitsi loppua. lausunto on yksitoikkoinen. periaate ohjeessa. musiikkia. Corelli ja hänen aikalaisensa G. Torelli loivat konsertto grosso - tärkeimmän kamariorkesterimusiikin muodon 1700-luvun puoliväliin saakka.

Loppuun. 17 - aikaisin. 1700-luku lisääntynyt kansainvälinen. I. m. Mn: n kirkkaus ja auktoriteetti ulkomainen muusikot ottivat yhteyttä Italiaan täydentääkseen koulutustaan \u200b\u200bja saamaan hyväksynnän, mikä takasi tunnustuksen heidän kotimaassaan. Opettajana, suuren oppimisen muusikko, comp. ja teoreetikko JB Martini (tunnetaan nimellä Padre Martini). K. V. Gluck, W. A. \u200b\u200bMozart ja A. Gretri käyttivät neuvojaan. Kiitos hänelle, Bolognan filharmonikoille. akatemiasta on tullut yksi Euroopan suurimmista musiikkikeskuksista. koulutus.

Ital. 1700-luvun säveltäjät tärkein huomiota kiinnitettiin oopperaan. Vain harvat heistä pysyivät poissa oopperatalosta, joka houkutteli laajaa yleisöä kaikilta elämänaloilta. Tämän vuosisadan jättimäisen oopperatuotannon loivat erityyppiset säveltäjät. kykyjä, joiden joukossa oli monia lahjakkaita taiteilijoita. Oopperan suosiota edistivät laulu-esiintyjien korkea taso. kulttuuri. Laulajat valmistelivat Ch. arr. konservatorioissa - orpokodeissa, jotka syntyivät 1500-luvulla. Napolissa ja Venetsiassa - Italian pääkeskuksissa. oopperaelämä 1700-luvulla. oli 4 konservatoriota, to-ryh musiikkia. koulutusta johtivat suurimmat säveltäjät. Laulaja ja säveltäjä F. Pistocchi perustettiin Bolognassa (n. 1700). kuoro. koulu. Erinomainen wok. opettaja oli N. Porpora, yksi napolilaisen koulun tuotteliaimmista oopperasäveltäjistä. Yksi kuuluisimmista bel canto -taidemestareista 1700-luvulla. - päämiehen esiintyjät. kastraattilaulajat A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (lempinimeltään Senesino), Farinelli, G. Cressentini, jolla oli virtuoosi wok, näyttelivät rooleja ooppera-sarjassa. tekniikka yhdistettynä pehmeään ja kevyeen äänen sävyyn; laulajat F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tezi.

Ital. oopperalla oli etuoikeuksia. asema useimmissa Euroopassa. pääkaupungit. Hän houkuttelee. vahvuus ilmeni myös siitä, että pl. muiden maiden säveltäjät ovat luoneet oopperoita italiaksi. tekstit napolilaisen koulun hengessä ja perinteissä. Espanjalaiset D. Perez ja D. Terradellas, saksalainen I. A. Hasse, tšekki J. Myslivechek liittyivät siihen. Saman koulun valtavirrassa se virtasi. osa GF Handelin ja KV Gluckin toimintaa. Ital. oopperakohtaukset on kirjoittanut venäläinen. säveltäjät - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

Kuitenkin jo napolilaisen oopperakoulun johtajan, ooppera-serian luojan A.Scarlatin elinaikana paljastettiin siihen liittyvät taiteet. ristiriidat, ruis oli syynä terävään kritiikkiin. puheet häntä vastaan. Alussa. 20-luku 1700-luku satiirikko ilmestyi. esite muses. teoreetikko B. Marcello, jossa pilkattiin oopperanvapauksien järjettömiä käytäntöjä, draamasäveltäjien laiminlyönti. toiminnan merkitys, primadonnojen ja kastroitujen laulajien ylimielinen tietämättömyys. Syvän etiikan puuttumisesta. sisältö ja ulkoisten vaikutusten väärinkäyttö kritisoivat sovr. Olen italia ooppera. valaisija F. Algarotti teoksessa "Essee oopperasta" ("Saggio sopra l" Orera in musica ... ", 1754) ja tietosanakirja E. Arteaga teoksessa" Italian musiikkiteatterin vallankumous "(" Le rivoluzioni del teatro ") musicale italiano dalla sua origine fino al presente ", jakeet 1-3, 1783-86).

Libretistirunoilijat A.Zeno ja P.Metastasio ovat kehittäneet vakaan historiallisen ja mytologisen rakenteen. ooperisarja, jossa draamojen luonnetta säänneltiin tiukasti. juonittelut, näyttelijöiden lukumäärä ja suhteet, soolovokien tyypit. huoneet ja niiden sijainti näyttämöllä. toiminta. Klassistisen draaman lakien mukaan he antoivat oopperalle sävellyksen yhtenäisyyden ja harmonian, vapauttivat sen sekoittumisesta traagiseen. komedian ja farsin elementtejä. Samalla näiden näytelmäkirjailijoiden oopperatekstit on merkitty aristokraattien piirteillä. galantia, kirjoitettu keinotekoisella, hyvällä tavalla hienostuneella kielellä. Opera seria, isp. leikkaus ajoitettiin usein tulemaan. juhlallisuuksien, piti päättyä pakolliseen onnelliseen loppuun, hänen hahmojensa tunteet olivat ehdollisia ja epätodennäköisiä.

Kaikki R. 1700-luku oli taipumus voittaa ooppera-serian vakiintuneet kliseet ja läheisempi yhteys musiikin ja draaman välillä. toiminta. Tämä johti vahvistetun roolin mukana recitatiiviseen, rikastamiseen orkille. värit, kuoron laajennus ja dramatisointi. kohtauksia. Nämä innovatiiviset taipumukset ilmaistuivat parhaiten N. Jommellin ja T. Traettan teoksissa, jotka valmistelivat osittain Gluckin oopperauudistuksen. Tauridan Iphigenia-oopperassa Traetta onnistui G.Abertin mukaan "edetä Gluck-musiikkidraaman porteille". Säveltäjät ns. A. Sacchini ja A. Salieri olivat vakuuttuneita Gluck-uudistuksen kannattajia ja seuraajia J. Sarti, P. Guglielmi ja muut.

Voimakkain oppositio on ehdollisesti sankarillinen. ooppera-seria sävelsi uusi demokraatti. ooppera-buffa-tyylilaji. Klo 17 ja aikaisin. 1700-luku koominen. ooppera esitettiin vain yksittäisissä näytteissä. Kuinka he seisovat yksin. genren hän alkoi muodostua Napolin koulun vanhempien mestarien L. Vincin ja L. Leon keskuudessa. Ensimmäinen klassikko näyte oopperabuffasta on Pergolesin "Neito-Neiti" (jota käytettiin alun perin välinäytteenä oman ooperisarjansa "Ylpeä vanki", 1733) välillä. Kuvien realismi, elävyys ja musiikkien terävyys. ominaisuudet myötävaikuttivat JB Pergolesi -muodon monikkomuodon laajimpaan suosioon. maissa, erityisesti Ranskassa, missä hänen virkansa. vuonna 1752 toimi sysäyksenä kovan estetiikan syntymiselle. polemikoita (katso "Buffonien sota") ja myötävaikuttivat ranskalaisten muodostumiseen. nat. koominen tyyppi. ooppera.

Menettämättä yhteyttä kerrossänkyyn. juuret, italia. Opera buffa kehitti myöhemmin kehittyneempiä muotoja. Toisin kuin oopperasarja, soolo-wok voitti leikkauksen. alussa, sarjakuvassa. Oopperaryhmät saivat suuren merkityksen. Kehittyneimmät kokoonpanot sijoittuivat vilkkaaseen, nopeasti etenevään finaaliin, joka oli eräänlainen komedia-juonittelun solmu. N. Logroshinoa pidetään tämän tyyppisten tehokkaiden lopullisten yhtyeiden luojana. K. Goldoni, merkittävä italialainen, vaikutti hedelmällisesti oopperan kehitykseen. 1700-luvun koomikko, joka heijasti teoksessaan valaistumisen realismin ideoita. Hän oli kirjoittanut useita oopperavapaita, joihin suurin osa italialaisista mestareista kirjoitti musiikkia. koominen. ooppera venetsialainen B.Galuppi. 60-luvulla. 1700-luku oopperabuffassa sentimentalistiset taipumukset ilmenevät (esimerkiksi N. Piccinnin ooppera Goldonin tekstistä "Chekkina tai hyvä tytär", 1760, Rooma). Opera buffa lähestyy "filististä draamaa" tai "kyynelistä komediaa", mikä heijastaa moraalia. kolmannen kartanon ideaalit ranskalaisen aattona. vallankumous.

N. Piccinnin, G. Paisiellon ja D. Cimarosan työ on viimeinen, korkein vaihe oopperabuffin kehityksessä 1700-luvulla. Heidän tuotantonsa yhdistävät koomiset elementit tunteisiin. pateettisuus, melodinen. oopperarepertuaarissa on säilynyt rikkaus erilaisilla muodoilla, elävyys, armo ja musiikin liikkuvuus. Monin tavoin nämä säveltäjät lähestyivät Mozartia ja valmistelivat yhden suurimman italialaisen teoksen. seuraavan vuosisadan oopperasäveltäjät G. Rossini. Tietyt oopperabuffan piirteet rinnastettiin myöhempään oopperasarjaan, mikä johti sen muotojen suurempaan joustavuuteen, melodian yksinkertaisuuteen ja spontaanisuuteen. ilmaisuja.

Tarkoittaa. panoksen teki ital. 1700-luvun säveltäjät kehityksessä hajoaa. opin tyylilajit musiikkia. Viulutaiteen alalla suurin mestari Corellin jälkeen oli G. Tartini. Hän jatkoi edeltäjiään seuraten sooloviulusonaatin ja triosonaatin tyylilajien viljelemistä, hän täytti ne uudella elävällä ilmaisuvoimalla, rikastti viulunsoittotekniikoita, laajensi sen ajan kuulostamisen valikoimaa. Tartini loi oman koulunsa nimeltä Padua (Padovan kaupungin mukaan, jossa hän vietti suurimman osan elämästään). Hänen opiskelijansa olivat P. Nardini, P. Albergi, D. Ferrari. 2. kerroksessa. 1700-luku avattu mestarillisesti. ja luovaa. Suurimman italialaisen G. Punyanin toiminta. viulisti klassikko aikakausi. Niiden joukossa. opiskelijat erityisen kuuluisa J.B.Viotti, jonka työssä tuntui toisinaan jo romanttiselta. trendejä.

Orc. konsertto grosso niin rohkea ja omaperäinen. A. Vivaldi oli innovatiivinen taiteilija. Hän dramatisoi tämän muodon, joka otettiin käyttöön dynaamisen kanssa. suurten ja pienten instrumenttiryhmien (tutti ja concertino) vastakohtaisuus. vastakohdat osastolla. osat, perusti syklin 3-osainen rakenne, joka on säilynyt klassikkona. ohje. konsertti. (J.S.Bach arvosti Vivaldin viulukonsertoja erittäin arvokkaasti, jotka transkriptoivat osan niistä clavieriksi ja uruiksi.)

J.B. Pergolesiin triosonaateissa on havaittavissa esiklassisen musiikin piirteitä. "gallantti" tyyli. Heidän kevyt, läpinäkyvä tekstuurinsä on melkein kokonaan homofoninen, melodia erottuu pehmeästä melodisuudesta ja armona. Yksi säveltäjistä, joka valmisti suoraan klassisen kukinnan. ohje. musiikki, oli J. Sammartini (78 sinfonian, monien sonaattien ja konserttien kirjoittaja eri instrumenteille), työnsä luonteeltaan lähellä Mannheimin ja varhaisen wieniläisen koulun edustajia. L. Boccherini yhdisteli teoksissaan gallanttisen herkkyyden elementtejä esiromanttisiin. innoissaan paatos ja läheisyys makuuihin. lähteet. Tulet huomaamaan. sellisti, hän rikasti soolosellokirjallisuutta, oli yksi klassisen musiikin perustajista. kuin kumarrettu kvartetti.

Taiteilija on vilkas ja rikas luova taiteilija. fantasia, D. Scarlatti laajensi ja päivitti clavier-musiikin kuviollista rakennetta ja ilmaisukeinoja. Hänen klavesin sonaatit (kirjailija kutsui heitä "harjoituksiksi" - "Essercizi per gravicembalo"), jotka vaikuttavat erilaisilta hahmoilta ja esitystavoilta, ovat eräänlainen tietosanakirja tuon aikakauden clavier-taiteesta. Selkeissä ja ytimekkäissä sonaateissa Scarlatin teema on terävöitetty. kontrastit, selvästi hahmoteltu DOS. osiot sonaatin näyttelystä. Scarlatin jälkeen klaverisonaatti kehittyi B. Galupin, D.Albertin (jonka nimi liittyy Alberti basso määritelmään), J.Rutinin, P.Paradiisin, D.Cimarosan teoksissa. M. Clementi, joka on oppinut D. Scarlatti -tavan (joka ilmaistiin erityisesti 12 sonaatin luomisessa "Scarlatti-tyyliin") puolista, tulee sitten lähemmäksi kehittyneen klassisen mestareita . tyyli, ja joskus lähestyy romanttisen alkuperää. virtuoosi.

N. Paganini avasi uuden aikakauden viulutaiteen historiassa. Esittäjänä ja säveltäjänä hän oli tyypillisesti romanttinen taiteilija. varasto. Hänen soittonsa teki vastustamattoman vaikutelman yhdistämällä valtava virtuoosisuus tuliseen fantasiaan ja intohimoon. Mn. valmistaja Paganini ("24 kapriisi" sooloviululle, konsertot viululle ja orkesterille jne.) Ovat edelleen vertaansa vailla olevia esimerkkejä virtuoosista viulukirjallisuudesta. Ne vaikuttivat paitsi viulumusiikin koko myöhempään kehitykseen 1800-luvulla, myös romanttisen suurimpien edustajien työhön. pianismi - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini oli viimeinen suurista italialaisista. mestarit, jotka työskentelivät työkalujen alalla. musiikkia. 1800-luvulla. säveltäjien ja yleisön huomio kiinnitettiin oopperaan melkein kokonaan. Vuosisadan vaihteessa. ooppera Italiassa koki tunnetun pysähtyneisyyden. Perinteet. tyypit ooppera-seria- ja opera-buffa -tuotteet olivat tuolloin jo käyttäneet mahdollisuuksiaan eivätkä voineet kehittyä. Suurimman italialaisen luovuus. tämän ajan oopperasäveltäjä G. Spontini eteni Italian ulkopuolella (Ranskassa ja Saksassa). S. Mayrin (kansalaisuuden mukaan saksalainen) yritykset tukea oopperaserian perinteitä (varttamalla tiettyjä lainattuja elementtejä) osoittautuivat eklektisiksi. Opera-buffaan suuntaan pyrkivä F.Paer ei tuonut tähän lajityyppiin mitään olennaisesti uutta verrattuna Paisiellon ja Cimarosan teoksiin. (Musiikkihistoria on säilyttänyt Paerin nimen kirjoittajana ooppera Leonora eli Rakastava rakkaus J.Bouillyn tekstille, joka toimi lähteenä Beethovenin vaaka. Fidelio.)

Korkea italialaisen kukinta. oopperoita 1800-luvulla. liittyi G. Rossinin toimintaan - säveltäjällä, joka oli lahjakas ehtymättömällä melodialla. kekseliäisyys, vilkas, loistava temperamentti ja erehtymätön näytelmäkirjailija. hohto. Italialaisen yleinen nousu heijastui hänen työhönsä. isänmaallisen kasvun aiheuttama kulttuuri. kansallinen - julkaisee. toiveet. Syvästi demokraattinen., Nar. alkuperältään Rossinin ooppera-luovuus osoitettiin laajalle joukolle kuuntelijoita. Hän elvytti nat. tyypin opera-buffa ja puhalsi siihen uuden elämän, terävöittäen ja syventäen toiminnan ominaisuuksia. ihmisiä lähemmäs todellisuutta. Hänen "Sevillan parturi" (1816) on italian huippu. koominen. ooppera. Rossini yhdistää koomisen periaatteen satiiriseen, libreyn. jotkut hänen oopperoistaan \u200b\u200bsisältävät suoria viittauksia yhteiskuntiin. ja poliit. tuon ajan ilmapiiri. Oopperoissa sankarillisia draamoja. luonteensa, hän voitti erityisesti ooppera-serian jäädytetyt kliseet ja kiinnitti erityistä huomiota kuoroon. alku. Lankku sängyt ovat laajalti kehitetty. kohtauksia Rossinin viimeisessä oopperassa "Wilhelm Tell" (1829) kansallisesta vapautumisesta. juoni, tulkittu romanttiseksi. suunnitelma.

Romanttinen saa elävän ilmeen. suuntauksia V.Bellinin ja G.Donizettin teoksissa, joiden toiminta kehittyi 30-luvulla. 1800-luku, kun liike nat. herätys (Risorgimento) Italiassa tuli ratkaisevaan vaiheeseen taistelussa yhtenäisyyden ja poliittisen puolesta. maan itsenäisyyttä. Bellinin oopperassa Norma (1831) ja puritaanit (1835) kansallinen vapautuminen kuuluu selvästi. motiiveihin, vaikka säveltäjä painottaa päähenkilöitä sankarien henkilökohtaiseen draamaan. Bellini oli mestari ilmaisussa. romanttinen. cantilena, joka herätti MI Glinkan ja F. Chopinin ihailun. Donizetti kaipaa voimakkaita draamoja. vaikutukset ja leikkaavat asennot kaadettiin joskus piilotettuun melodraamaan. Siksi sen suuri romanttinen. oopperat ("Lucretia Borgia", V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", W. Scott, 1835) osoittautuivat vähemmän elinkelpoisiksi kuin tuotannot. komedialaji ("Love Potion", 1832; "Don Pasquale", 1843), jossa perinne. kirjoita ital. opera-buffa sai uusia piirteitä: tyylilajin merkitys kasvoi, melodia rikastui jokapäiväisen romanssin ja laulun intonaatioilla.

J.S. Mercadanten, G. Pacinin ja joidenkin muiden saman ajanjakson säveltäjien teokset eivät eronneet toisistaan. yksittäisiä piirteitä, mutta heijastivat yleistä taipumusta dramatisoida oopperamuotoa ja rikastuttaa musiikkia - ilmaista. varat. Tässä suhteessa he olivat välittömiä. G. Verdin edeltäjät - yksi suurimmista oopperan näytelmäkirjailijoista paitsi italiaksi, myös musiikkimaailmassa. t-ra.

Verdin varhaiset oopperat, jotka ilmestyivät lavalle 40-luvulla. 1900-luku, joka ei ole vielä tyyliltään täysin itsenäinen ("Nabucco", "Lombardit ensimmäisessä ristiretkessä", "Ernani"), herätti yleisön kiihkeän innostuksen isänmaallisuudellaan. paatos, romanttinen. tunteiden kohoaminen, sankaruuden henki ja vapaudenrakkaus. Tuotannossa 50-luku ("Rigoletto", "Troubadour", "La Traviata") hän saavutti suuren psykologisen. kuvien syvyys, vahvuus ja totuudenmukaisuus akuuttien, voimakkaiden hengellisten konfliktien ruumiillistumisessa. Wok. Verdin kirjoittaminen on vapautettu ulkoisesta virtuositeetista, kulkuväreistä, ja siitä tulee orgaanisesti olennainen osa melodiaa. linjat, hankittu express. arvo. 60-70-luvun oopperoissa. ("Don Carlos", "Aida") hän pyrkii paljastamaan edelleen laajoja draamakerroksia. toiminta musiikissa, orkesterin roolin vahvistaminen, musien rikastaminen. Kieli. Yhdessä viimeisistä oopperoistaan \u200b\u200b- "Othello" (1886) Verdi päätyi lopun luomiseen. pohtii. draamat, joissa musiikki liittyy erottamattomasti toimintaan ja välittää joustavasti kaiken psykologisen. sävyjä.

Verdin seuraajat, sis. Suosittu La Gioconda -oopperan (1876) kirjoittaja A. Ponchielli ei onnistunut rikastuttamaan oopperaperiaatteitaan uusilla olennoilla. saavutuksia. Samanaikaisesti Verdin työ kohtasi Wagnerin musiikkidraamojen kannattajien vastustusta. uudistuksia. Wagnerianismilla ei kuitenkaan ollut syviä juuria Italiassa, Wagnerin vaikutus heijastui joissakin säveltäjissä ei niinkään oopperadraaman periaatteissa kuin harmonisissa tekniikoissa. ja ork. kirjaimet. Wagnerilaiset taipumukset heijastuivat Boiton (1868) oopperassa "Mephistopheles", joka myöhemmin siirtyi pois Wagnerin kiehtonnan ääripäistä.

Lopussa. 1800-luku verismi levisi Italiassa. Mascagnin (1890) ja Leoncavallon (1892) Pagliaccin oopperoiden valtava menestys auttoi tämän suuntauksen vakiinnuttamisessa italiaksi. oopperan luovuus. U. Giordano (teostensa joukossa tunnetuin ooppera "André Chenier", 1896) F. Chilea liittyi verismiin.

Suurimman italialaisen työ liittyi myös tähän suuntaukseen. oopperasäveltäjä Verdin jälkeen - G.Puccini. Hänen tuotantonsa. yleensä omistautunut. tavallisten ihmisten draama, joka näkyy värikkäässä kotitalouden taustalla. Samaan aikaan Puccinin oopperat eivät sisällä verismille ominaisia \u200b\u200bnaturalistisia piirteitä. paholainen, eroavat suuremmasta psykologisesta hienovaraisuudesta. analyysi, sielukas lyyrisyys ja kirjoituksen armo. Paras Italian perinne. bel canto, Puccini terävöitti kunnianosoitusta. wokin ilmeikkyys. melodia, pyrki laulun puhevivahteiden yksityiskohtaisempaan toistoon. Värikäs harmoninen. ja ork. hänen oopperoidensa kieli sisältää tiettyjä impressionismin elementtejä. Hänen ensimmäiset kypsä teoksensa. (La Bohème, 1896; Tosca, 1900) Puccini liittyy edelleen italiaan. oopperaperinne 1800-luvulta, myöhemmin sen tyyli muuttui monimutkaisemmaksi, ilmaisuvälineet saivat enemmän terävyyttä ja keskittymistä. Erityinen ilmiö italiaksi. oopperataide - E. Wolf-Ferrarin teos, to-ry yritti nykyaikaistaa klassikkoa. tyypin oopperabuffa, yhdistämällä sen perinne. muodot tyylillä myöhäisromantismin keinot ("Curious Women", 1903; "Four tirants", 1906, Goldonin tontit). R. Dzandonai, joka käveli lähinnä verismin polkua, lähestyi joitain uusia musia. 1900-luvun virtaukset.

Italian korkeat saavutukset ooppera klo 19 - aikaisin. 20. vuosisata liittyivät wok-suorituskyvyn loistavaan kukoistukseen. kulttuuri. Italialaiset perinteet. 1800-luvulla muodostettua bel cantoa kehitetään taiteessa edelleen. sukupolvien maailmankuulu laulaja. Samalla heidän esityksensä saa uusia piirteitä, lyyrisemmäksi ja dramaattisemmaksi ilmaisuksi. Viimeinen upea puhtaasti virtuoosisen edustajan edustaja, lahjoittamassa draamaa. sisältöä äänen ja teknisen kauneuden vuoksi. äänen liikkuvuus oli A.Catalani. Italialaisten mestareiden joukossa. wok. koulujen 1. kerros. 1800-luku, muodostunut Rossinin, Bellinin ja Donizettin oopperan luovuuden perusteella - laulajat Giuditta ja Julia Grisi, G. Pasta, laulajat G. Mario, G. B. Rubini. 2. kerroksessa. 1800-luku "Verdi" -laulajien galaksi on nousemassa esiin, johon laulajat A. Bosio, B. ja K. Marchisio, A. Patti, laulajat M. Battistini, A. Mazini, J. Anselmi, F. Tamagno, E Tamberlik ja muut kuuluivat 1900-luvulla. kunnia ital. oopperoita tukivat laulajat A. Barbie, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. ja L. Tetrazzini, laulajat J. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa , Titta Ruffo ja dr.

Loppusta. 1800-luku oopperan merkitys Italin työssä. säveltäjät ovat heikkenemässä ja on taipumus siirtää huomion painopiste instr-alueelle. tyylilajit. Aktiivisen luovuuden elpyminen. kiinnostus työkaluista. musiikkia edistivät J. Sgambati (sai tunnustusta Euroopassa pianistina ja kapellimestarina) ja G. Martucci. Molempien säveltäjien F. Lisztin ja R. Wagnerin vaikutuksesta kehittämä teos ei kuitenkaan ollut riittävän itsenäinen.

Uuden estetiikan julistajana. ideoilla ja tyyliperiaatteilla on suuri vaikutus koko Euroopan kehitykseen. 1900-luvun musiikki toimitti F. Busoni - yksi aikansa suurimmista pianisteista, merkittävä säveltäjä ja taiteeteoristi. Heille esitettiin uuden klassismin käsite, jonka hän vastusti toisaalta impressionistisesti. toisaalta kuvien juoksevuus, sävyjen käsittämättömyys - Schönbergin atonalismin "anarkia" ja "mielivaltaisuus". Luovasi. Busoni toteutti periaatteita sellaisissa teoksissa kuin "Counterpoint Fantasy" (1921), "Improvisation on a Bach Chorale" 2 fp. (1916), samoin kuin oopperat "Harlequin, tai ikkuna", "Turandot" (molemmat post. 1917), joissa hän hylkäsi kehitetyn wokin. heidän Ital-tyylinsä. edeltäjiensä kanssa ja pyrkivät lähestymään muinaisen makuusalin tyyppiä. komedia tai farssi.

Uusklassismin valtavirrassa italialainen luovuus muotoutui. säveltäjät, joskus yhdistetty nimellä. "1880-luvun ryhmät" - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. He pyrkivät elvyttämään suuren kansan perinteitä. pohtii. menneisyydessä, viitaten muotoihin ja tyyliin. vastaanotot ital. Barokki ja gregoriaaniset melodiat. Vanhan musiikin propagandisti ja tutkija, Malipiero publ. kokoelma K. Monteverdin teokset, op. valmistaja A.Vivaldi ja monien unohdettu perintö. ital. 1600-luvun ja 1700-luvun säveltäjät Työssään hän käyttää vanhan barokkisonaatin, richercarin jne. Muotoja. Oopperansa, DOS. pikalähetyksessä. wok. kunnianloukkaus ja vähäiset orkin keinot. res., heijastavat tulevaa 20-luvulla. reaktio verismiä vastaan. Casellan uusklassiset taipumukset ilmenivät "Partitassa" php: lle. orkesterin kanssa (1925), sviitti "Scarlattiana" (1926), musiikkiteatteri. valmistaja (esimerkiksi kamariooppera The Legend of Orpheus, 1932). Hän kääntyi kuitenkin italiaksi. kansanperinne (rapsodia orkesterille "Italia", 1909). Hänen värikäs ork. kirje kehitettiin suurelta osin venäjän kielen vaikutuksesta. ja ranska. koulut (Balakirevin Islameyn orkestrointi oli kunnianosoitus hänen intohimolleen venäläistä musiikkia kohtaan). Pizzetti toi oopperoihinsa uskonnollisia ja moralisoivia elementtejä ja kyllästeli musia. gregoriaanisen laulun kielen intonaatiot rikkomatta samalla italialaisia \u200b\u200bperinteitä. oopperakoulu 1800-luvulta. Useita erityinen paikka tässä säveltäjäryhmässä on orkille päällikön O. Respighin teoksella. äänikirjoittaminen (hänen työnsä muodostumiseen vaikuttivat N.A.Rimsky-Korsakovin oppitunnit). Symph. runoja Respighi ("Roomalaiset suihkulähteet", 1916; "Rooman mäntyjä", 1924) annetaan eläviä kuvia kerrossängyistä. elämä ja luonto. Uusklassistiset taipumukset heijastuivat vain osittain hänen myöhemmässä työssään. Huomattava rooli I. m. 1. kerroksessa. 20. vuosisata näytti veristisen liikkeen (Leo Tolstoin romaaniin perustuva ooppera Ylösnousemus, 1904) merkittävin edustaja F. Alfano, joka sitten kehittyi impressionismiksi; M. Castelnuovo-Tedesco ja V. Rieti, ruis alussa. Toinen maailmansota 1939-45 poliittisten tahojen toimesta. motiivit lähtivät kotimaastaan \u200b\u200bja asettuivat Yhdysvaltoihin.

40-luvun vaihteessa. 20. vuosisata I. m: ssä tapahtuu havaittavia tyylimuutoksia. Uusklassismin suuntaukset korvataan virtauksilla, jotka kehittävät yhdessä tai toisessa uuden Wienin koulun periaatteita. Ohjeellinen tässä suhteessa on luovaa. G.Petrassin evoluutio, to-ry, kokenut A. Casellan ja I.F.Stravinskyn vaikutuksen, siirtyi ensin vapaan atonaalisuuden asemaan ja sitten - ankaraan dodekafoniaan. Tämän ajanjakson suurin säveltäjä I. M. - L. Dallapikkola, jonka teokset herättivät laajaa huomiota toisen maailmansodan jälkeen. Hänen tuotannossaan. 40 ja 50 ekspressionismin ja sukulaisuuden piirteet ilmenevät. Bergin teoksille. Parasta heistä ilmentää humanistista. mielenosoitus tyranniaa ja julmuutta vastaan \u200b\u200b(kuorotrippi "Vangien laulut", 1938-1941; ooppera "Vanki", 1944-48), joka antoi heille tietyn antifasistisen suuntautumisen.

Toisen maailmansodan jälkeen esiin tulleiden nuoremman sukupolven säveltäjien joukosta mainetta saivat L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderno, R. Malipiero ja muut. eri kanssa. avantgardismin virrat - Weberin jälkeinen serialismi, sonoristiikka (ks. sarjamusiikki, sonorismi), aleatorika ja on kunnianosoitus uusien äänikeinojen muodolliselle etsinnälle. Berio ja Maderno d. vuonna 1954 Milanossa "Phonology Studio", joka suoritti kokeita elektronisen musiikin alalla. Samaan aikaan jotkut näistä säveltäjistä yrittävät yhdistää ns. uudet keinot ilmaista musia. avantgarde tyylilajimuotojen ja musiikkitekniikoiden kanssa 1600-luvulta.

Erityinen paikka modernissa. I. m. Kuuluu aktiiviseen rauhan taistelijaan, kommunistiseen säveltäjään L.Nonoon. Työssään hän käsittelee aikamme akuutimpia aiheita yrittäen ilmentää kansainvälisen ihmisen ideoita. työntekijöiden veljeys ja solidaarisuus, protestoi imperialistia vastaan. sorto ja aggressio. Mutta avantgarde-taiteen keinot, joita Nono käyttää, ovat usein ristiriidassa hänen suoruudenhimonsa kanssa. sekoitin. vaikutus laajaan kuuntelijajoukkoon.

Avantgardististen taipumusten lisäksi on J.C.Menotti - italialainen. Yhdysvalloissa asuva ja työskentelevä säveltäjä. Hänen työnsä, joka liittyy pääasiassa ooppera-t-romiin, verismin elementit saavat tietyn ekspressionistisen sävyn, kun taas totuudenmukaisen puheen intonaation etsiminen johtaa hänet osittaiseen lähentymiseen M.P.Mussorgskyn kanssa.

Muusissa. Italian elämä on edelleen tärkeä rooli oopperatr. Yksi merkittävimmistä oopperaryhmistä maailmassa on Teatro alla Scala Milanossa, joka on ollut olemassa vuodesta 1778 lähtien. Italian vanhimpiin oopperateihin kuuluvat myös San Carlo Napolissa (perustettu vuonna 1737), Fenice Venetsiassa (perustettu vuonna 1792). Suuret taiteet. Roomalainen oopperatalo (avattiin vuonna 1880 nimellä Costanzi Theatre, vuodesta 1946 - Rooman oopperatalo) sai merkityksen. Yksi merkittävimmistä moderneista. ital. oopperataiteilijat - laulajat G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; laulajat J. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, J. Di Stefano.

Suuri vaikutus oopperan ja sinfonian kehitykseen. kulttuuria Italiassa tarjosi A. Toscanini, yksi 1900-luvun suurimmista kapellimestareista. Musiikin esiintymisen merkittävät edustajat. taideteoksia johtavat P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, K. Cecchi; pianisti A. Benedetti Michelangeli; viulisti J. De Vito; sellisti E. Mainardi.

Alusta alkaen. 20. vuosisata intensiivistä kehitystä Italiassa musiikkitutkimuksessa. ja kriittinen. ajatella. Tarkoittaa. panos musien tutkimiseen. kulttuuriperinnön toivat musiikkitieteilijät G. Barblan (Italian musiikkitieteellisen seuran puheenjohtaja), A. Bonaventura, J. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, J. Radi-Chotti, L. Torquay, F. Torrefranca ja muut M Dzafred ja M. Mila työskentelevät pääasiassa. musien alalla. kritiikki. Italiassa julkaistaan \u200b\u200buseita musiikkeja. aikakauslehdet "Rivista Musicale italiana" (Torino, Milano, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi "(Milano, 1919-40, 1958-)," La Rassegna Musicale "(Torino, 1928-40) ; Rooma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milano, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Torino, 1964-) jne.

On julkaistu useita tietosanakirjoja, jotka on omistettu musiikki ja t-ru, sis. "Enciclopedia della musica" (jakeet 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (jakeet 1-9, Roma, 1954-62).

Erikoisuuksien joukossa. pohtii. uch. Suurimmat instituutiot ovat konservatoriot: "Santa Cecilia" Roomassa (perustettu vuonna 1876 musiikillisena lyseona, vuodesta 1919 - konservatorio); JB Martinin nimi Bolognassa (vuodesta 1942; perustettu vuonna 1804 musiikillisena liceumina, vuodesta 1914 lähtien se sai konservatorion); niitä. Benedetto Marcello Venetsiassa (vuodesta 1940, perustettu vuonna 1877 musiikillisena lyceumina, vuodesta 1916 lähtien se on rinnastettu korkeakouluun); Milano (perustettu vuonna 1808, nimetty G. Verdin mukaan vuonna 1901); niitä. L. Cherubini Firenzessä (perustettu vuonna 1849 musiikkiinstituuttina, sitten musiikkikoulu, musiikkiakatemia, vuodesta 1912 - konservatorio). Prof. muusikot ovat myös kouluttaneet musiikin historiaa yliopistoissa, paavin Ambrosian pyhän musiikin instituutissa jne. Näissä uchissa. instituutit sekä Verdin kulttuuriperintötutkimuslaitos on musiikkitieteilijä. Job. Venetsiassa perusti harjoittelijan. propagandan keskus ital. musiikki, to-ry järjestää vuosittain kesäkursseja ("Musical Holidays") antiikin italian tutkimiseen. musiikkia. Ambrosian-kirjastossa, Milanon konservatorion kirjastossa, on laaja kokoelma nuotteja ja musiikkikirjoja. Muinaisten instrumenttien, nuottien ja kirjojen arkistot ovat laajalti tunnettuja (keskitetty Bolognan filharmonisen akatemian kirjastoon, G.B.Martinin kirjastoon ja Bolognan San Petronio -kappelin arkistoon). Rikkain materiaali italian historiassa. musiikilla on Nat. Marcianan kirjasto, D. Chinin säätiön kirjasto ja Musemuseo. konservatoriossa Venetsiassa.

Italiassa on lukuisia. pohtii. organisoida ja toteuttaa. kollektiivit. Tavallinen sinfonia. konsertteja tarjoavat: orkesterien t-oja "La Scala" ja "Fenice", Nat. Akatemia "Santa Cecilia", Italia. radio ja televisio Roomassa, orkesteri noin-va "Iltapäivämusiikki" ("Rommerigi musicali"), to-ry esiintyy ennakkoon. espanjan kanssa moderni musiikki, kamariorkesterit "Angelicum" ja "Rooman virtuoosi", yhteiskunta "Ambrosian polyphony", levittävä keskiajan, renessanssin ja barokin musiikki sekä Bolognan teatterin "Comunale" orkesteri, Bolognan kamariorkesteri ja muut ryhmät.

Italiassa pidetään monia. pohtii. festivaalit ja kilpailut: intern. nykyaikainen festivaali musiikki (vuodesta 1930, Venetsia), "Florentine Musical May" (vuodesta 1933), "Kahden maailman festivaali" Spoletossa (vuodesta 1958, perustaja J.C.Menotti), "Uusi musiikkiviikko" (vuodesta 1960, Palermo), pianistikilpailu F. Busoni Bolzanossa (vuodesta 1949 lähtien vuosittain), nimetty musiikki- ja tanssikilpailu JB Viotti Vercellissä (vuodesta 1950, vuosittain) kilpailee heitä. A. Casella Napolissa (vuodesta 1952 joka toinen vuosi, vuoteen 1960 pianistit, vuodesta 1962 lähtien myös säveltäjät), viulukilpailu. N. Paganini Genovassa (vuodesta 1954, vuosittain), orkikilpailu. kapellimestarit Roomassa (vuodesta 1956 joka kolmas vuosi, perusti Kansallinen akatemia "Santa Cecilia"), pianistikilpailu. E. Pozzoli Seregnossa (vuodesta 1959 joka toinen vuosi), kilpailu nuorille kapellimestareille. G. Cantelli Novarassa (vuodesta 1961, joka toinen vuosi), "Verdi Voices" -laulukilpailu Bussetossa (vuodesta 1961, vuosittain), kuorokilpailu. kollektiivit heille. Guido d "Arezzo Arezzossa (perustettu vuonna 1952 kansallisena, vuodesta 1953 - kansainvälinen; vuosittain, tunnetaan myös nimellä" Polyphonico "), G. Casadon sellokilpailu Firenzessä (vuodesta 1969, joka toinen vuosi).

Italien joukossa. pohtii. Society - Uuden musiikin yhtymä (osa Kansainvälistä nykymusiikkiseuraa; perustettu vuonna 1917 kansallisena musiikkiseurana, vuonna 1919 se muutettiin Italian nykymusiikkiseuraksi, vuodesta 1923 - Corporation), musiikkiliitto. kirjastot, musiikkitieteellinen seura jne. Italialaiset tekevät suurta työtä. pohtii. kustantamo ja kauppayhtiö "Ricordi and Co." (perustettu vuonna 1808), jolla on sivuliikkeet pl. maat.

Kirjallisuus: Ivanov-Boretsky M.V., Musical-Historical Reader, voi. 1-2, M., 1933-36; hänen, Materiaalit ja asiakirjat musiikkihistoriasta, 2. osa, M., 1934; Kuznetsov K.A., musiikilliset ja historialliset muotokuvat, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Länsi-Euroopan musiikin historia ennen vuotta 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Yleinen musiikkihistoria, ensimmäinen osa, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Länsi-Euroopan ooppera. XVIII loppu - XIX vuosisadan ensimmäinen puolisko. Esseet, M., 1962; Euroopan taiteellisen historian historia: antiikista 1700-luvun loppuun, M., 1963; Euroopan taidehistorian historia. 1800-luvun alkupuoli, M., 1965.

Monet kansat ovat rinnakkain maailmassa ja kommunikoivat eri kielillä. Mutta ihmiset eivät ole puhuneet vain sanoilla koko historian ajan. Muinaisina aikoina lauluja ja tansseja käytettiin henkistämään tunteita ja ajatuksia.

Tanssitaide kulttuurisen kehityksen taustalla

Italialaisella kulttuurilla on suuri merkitys maailman saavutusten taustalla. Nopean kasvun alku osuu samaan aikaan uuden aikakauden - renessanssin - syntymän kanssa. Itse asiassa renessanssi syntyy juuri Italiassa ja kehittyy jonkin aikaa sisäisesti koskematta muihin maihin. Hänen ensimmäiset menestyksensä kuuluvat XIV-XV vuosisatoihin. Myöhemmin Italiasta ne levisivät kaikkialle Eurooppaan. Kansanperinteen kehitys alkaa myös XIV-luvulla. Tuore taiteen henki, erilainen asenne maailmaan ja yhteiskuntaan, arvojen muutos heijastuivat suoraan kansantansseihin.

Renessanssin vaikutus: uudet passit ja pallot

Keskiajalla italialaiset musiikkiliikkeet suoritettiin vaiheittain, sujuvasti ja heiluttaen. Renessanssi muutti suhtautumista Jumalaan, mikä heijastui kansanperinteeseen. Italialaiset tanssit hankkivat energiaa ja vilkkaita liikkeitä. Joten na "piste" symboloi ihmisen maallista alkuperää, hänen yhteyttä luonnon lahjoihin. Ja liike "varpailla" tai "hyppy" tasaasi ihmisen pyrkimystä Jumalaan ja hänen kirkastamistaan. Italialainen tanssiperintö perustuu niihin. Niiden yhdistelmää kutsutaan "balliksi" tai "balloiksi".

Renessanssin italialaiset kansanmusiikkivälineet

Kansanperinteen teoksia esitettiin säestykseksi. Tätä varten käytettiin seuraavia työkaluja:

• Klavesiini (italialainen "Chembalo"). Ensimmäiset maininnat: Italia, XIV vuosisata.
• Tamburiini (tamburiinin tyyppi, nykyaikaisen rummun esi-isä). Tanssijat käyttivät sitä myös liikkeiden aikana.
• Viulu (jousisoitin, joka on peräisin 1400-luvulta). Sen italialainen lajike on alttoviulu.
• Luuttu (kynitty jousisoitin.)
• Dudki, huilut ja obot.

Tanssivalikoima

Italian musiikkimaailmasta on tullut monipuolinen. Uusien instrumenttien ja melodioiden tulo sai energiset liikkeet tahdille. Kansalliset italialaiset tanssit ovat syntyneet ja kehittyneet. Heidän nimensä muodostettiin usein alueellisen periaatteen perusteella. Niitä oli monia. Tärkeimmät tänään tunnetut italialaiset tanssit ovat bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella ja pizza.

Bergamasca: klassiset pisteet

Bergamasca on suosittu italialainen 1600-luvulta peräisin oleva kansantanssi, joka meni muodin jälkeen, mutta jätti vastaavan musiikkiperinnön. Kotialue: Pohjois-Italia, Bergamon maakunta. Tämän tanssin musiikki on hauskaa, rytmistä. Rastimittari on monimutkainen nelitahtinen. Liikkeet ovat yksinkertaisia, sileitä, pariksi liitettyjä, muutokset parien välillä ovat mahdollisia prosessissa. Aluksi kansantanssi rakastui hoviin renessanssin aikana.

Ensimmäinen kirjallinen maininta siitä nähtiin William Shakespearen näytelmässä "Juhannusyön unelma". 1700-luvun lopulla Bergamasca muuttuu tanskalaisesta kansanperinnöstä sujuvasti kulttuuriperinnöksi. Monet säveltäjät ovat käyttäneet tätä tyyliä kirjoittaessaan teoksiaan: Marco Uccellini, Solomon Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

1800-luvun loppuun mennessä ilmestyi erilainen tulkinta bergamaskista. Sille oli ominaista monimutkainen sekoitettu musiikkimittari, nopeampi tempo (A. Piatti, C. Debussy). Tähän päivään on jäljelle jäänyt Bergamascuksen kansanperinteen kaiku, jota he yrittävät menestyksekkäästi ilmentää baletti- ja teatteriesityksissä käyttäen sopivaa tyylillistä musiikillista säestystä.

Galliarda: iloisia tansseja

Galliarda on vanha italialainen tanssi, yksi ensimmäisistä kansanmusiikista. Se ilmestyi 1400-luvulla. Käännetty tarkoittaa "hauskaa". Itse asiassa hän on hyvin iloinen, energinen ja rytminen. Se on monimutkainen yhdistelmä viidestä vaiheesta ja hyppystä. Tämä on pari kansantanssia, joka on saavuttanut suosiota aristokraattisissa palloissa Italiassa, Ranskassa, Englannissa, Espanjassa ja Saksassa.

XV-XVI-luvuilla galliardista tuli muodikasta sen koomisen muodon, iloisen, suoran rytmin vuoksi. Menetti suosiotaan evoluution ja muuntumisen johdosta tavalliseen tennistyyliin. 1600-luvun lopulla se muuttui kokonaan musiikiksi.

Ensisijaiselle galliardille on ominaista maltillinen vauhti, metrin pituus on yksinkertainen kolmen lyönnin. Myöhempinä aikoina ne suoritetaan sopivalla rytmillä. Tälle galliardille oli ominaista musikaalimittarin monimutkainen pituus. Tämän tyylin kuuluisat nykyaikaiset kappaleet ovat hitaampia ja rennompia. Galliardimusiikkia teoksissaan käyttäneet säveltäjät: V. Galilei, V. Break, B. Donato, W. Bird ja muut.

Saltarella: häät hauskaa

Saltarella (Saltarello) on vanhin italialainen tanssi. Se on melko hauska ja rytminen. Mukana yhdistelmä vaiheita, hyppyjä, käännöksiä ja kumartuksia. Alkuperä: italialaisesta saltare - "hypätä". Ensimmäiset maininnat tästä kansataidemuodosta ovat peräisin 1200-luvulta. Alun perin se oli julkinen tanssi musiikillisella säestyksellä yksinkertaisessa kahden tai kolmen lyönnin koossa. 1700-luvulta lähtien se on vähitellen muuttunut höyryiseksi suolarellaksi monimutkaiseksi musiikiksi. Tyyli on säilynyt tähän päivään saakka.

1800-luvulta se muuttui massiiviseksi italialaiseksi häätanssiksi, jota tanssittiin hääjuhlissa. muuten, tuolloin ne ajoitettiin usein sadonkorjuun kanssa. Vuonna XXI - esiintyi joillakin karnevaaleilla. Tämän tyylin musiikkia kehitettiin monien kirjoittajien sävellyksissä: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavana: siro juhlallisuus

Pavana on vanha italialainen tanssitanssi, joka suoritetaan yksinomaan kentällä. Toinen nimi tunnetaan - padovana (nimestä Padova; latinankielisestä pava - riikinkukko). Tämä tanssi on hidas, siro, juhlallinen, vaatimaton. Liikkeiden yhdistelmä koostuu yksinkertaisista ja kaksinkertaisista vaiheista, kurteista ja jaksottaisista muutoksista kumppaneiden suhteessa toisiinsa. Hän tanssi paitsi pisteissä myös kulkueiden tai seremonioiden alussa.

Italian pavana, joka on päässyt muiden maiden kenttäpalloihin, on muuttunut. Hänestä tuli eräänlainen tanssin "murre". Siten Espanjan vaikutus johti "pavanillan" syntymiseen ja ranskalainen "passamezzoon". Musiikki, johon vaiheet suoritettiin, oli hidasta, kaksitahtista. korostavat sävellyksen rytmiä ja tärkeitä kohtia. Tanssi meni vähitellen muodista ja säilyi musiikkiperinnön teoksissa (P. Attenyan, I. Shane, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: italialaisen temperamentin persoonallisuus

Tarantella on italialainen kansantanssi, joka on säilynyt tähän päivään saakka. Hän on intohimoinen, energinen, rytminen, iloinen, väsymätön. Italialainen tanssitarantella on paikallisten käyntikortti. Se koostuu hyppyjen yhdistelmästä (myös sivulle) ja vuorotellen heittämällä jalkaa eteenpäin ja taaksepäin. Se nimettiin Taranton kaupungin mukaan. On myös toinen versio. He sanoivat, että puretut ihmiset olivat alttiita taudille - tarantismille. Vaiva oli hyvin samanlainen kuin raivotauti, josta he yrittivät parantua pysähtyneiden nopeiden liikkeiden aikana.

Musiikki esitetään yksinkertaisella kolmen lyönnin tai monimutkaisella mittarilla. Hän on nopea ja hauska. Ominaisuudet:

1. Yhdistetään perussoittimet (näppäimistöt mukaan lukien) muihin soittimiin, jotka ovat tanssijoiden käsissä (tamburiinit ja kastanjetit).
2. Tavallisen musiikin puute.
3. Soittimien improvisointi tunnetussa rytmissä.

F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tšaikovski käyttivät sävellyksissään liikkeille ominaista rytmiä. Tarantella on edelleen värikäs kansantanssi, jonka perusteet jokainen patriootti hallitsee. Ja 2000-luvulla he jatkavat tanssimista sitä joukkona iloisissa perhelomissa ja ylellisissä häissä.

Pizzica: groovy tanssitaistelu

Pizzica on nopea italialainen tanssi, joka on johdettu tarantellasta. Tuli italialaisen kansanperinteen tanssisuunnaksi sen omien erityispiirteiden vuoksi. Jos tarantella on pääasiassa massatanssia, niin pizzasta on tullut yksinomaan pariksi. Vielä eloisampi ja energisempi hän sai joitain sota-muistiinpanoja. Kahden tanssijan liikkeet muistuttavat kaksintaistelua, jossa iloiset kilpailijat taistelevat.

Se esiintyy usein naisilla, joilla on useita herroja vuorotellen. Samanaikaisesti nuori nainen ilmaisi energisiä liikkeitä omaperäisyydestään, itsenäisyydestään, myrskyisästä naisellisesta periaatteestaan \u200b\u200bja hylkäsi heidät kaikki. Herrat alistuivat painostukseen osoittaen ihailunsa naista kohtaan. Tämä yksilöllinen erikoishahmo on ominaista vain pizzalle. Tavallaan hän luonnehtii intohimoista italialaista luonnetta. Saatuaan suosiota 1700-luvulla, pizza ei ole menettänyt sitä tähän päivään saakka. Sitä esiintyy edelleen messuilla ja karnevaaleilla, perhejuhlissa sekä teatteri- ja balettiesityksissä.

Uuden syntyminen johti sopivan musiikillisen säestyksen luomiseen. Ilmestyi ”Pizzicato” - tapa esittää kappaleita jousitetuilla nuoteilla, ei itse jousella, vaan sormien puristuksella. Seurauksena on täysin erilaisia \u200b\u200bääniä ja melodioita.

Italialaiset tanssit maailman koreografian historiassa

Tanssit ovat syntyneet kansantaiteena ja tunkeutuneet aristokraattisiin juhlasaleihin, ja he rakastivat yhteiskuntaa. Oli välttämätöntä järjestää ja konkretisoida passi amatööri- ja ammattikoulutusta varten. Ensimmäiset teoreettiset koreografit olivat italialaisia: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Nämä teokset, yhdessä liikkeiden ja niiden tyylin hiomisen kanssa, olivat perusta baletin maailman kehitykselle.

Sillä välin lähteellä seisoivat iloiset yksinkertaiset kyläläiset ja kaupunkilaiset, jotka tanssivat saltarellaa tai tarantellaa. Italialaisten temperamentti on intohimoinen ja vilkas. Renessanssin aikakausi on salaperäinen ja majesteettinen. Nämä piirteet luonnehtivat italialaisia \u200b\u200btansseja. Heidän perintönsä on tanssitaiteen kehityksen perusta koko maailmassa. Niiden piirteet heijastavat koko kansan historiaa, luonnetta, tunteita ja psykologiaa vuosisatojen ajan.

Kulttuurisesti surkea Italia on antanut maailmalle vertaansa vailla olevat käsityöläiset. Mutta italialaiset nero-tekijät itse vaikuttivat kansankulttuurista, ml. melodiset italialaiset kappaleet. Lähes kaikilla heistä on kirjoittajia, mikä ei kuitenkaan estä niitä kutsumasta kansanmielisiksi.

Tämä johtuu todennäköisesti italialaisten luonnollisesta rakkaudesta musiikin soittamiseen. Tämä lausunto koskee kaikkia Italian alueita Etelä-Napolista pohjoiseen Venetsiaan, mistä on osoituksena maassa pidetyt lukuisat laulujuhlat. Italialainen laulu tunnetaan ja rakastetaan kaikkialla maailmassa: Vanhempamme muistavat edelleen "Bella Chao" ja "Matkalla" - muslimi Magomajevin laulamat italialaiset kansanlaulut, jotka on tunnustettu maan parhaaksi kappaleiden esiintyjäksi.

Italialaiset kansanlaulut ikimuistoisista ajoista

Jos italialainen kieli on kehittynyt X-luvulla, tutkijat pitävät italialaisten kansanlaulujen ulkonäköä XIII-luvun alussa. Nämä olivat lauluja, joita liikkuvat jonglöörit ja minstrelit laulivat kaupungin aukioilla lomien aikana. Heidän aihe oli rakkaus tai sukututkimus. Heidän tyylinsä oli hieman töykeä, mikä on melko luonnollista keskiajalla.

Sisilialainen Chullo d'Alcamo kutsuu meille kuuluisinta kappaletta "Contrasto" ("Love riita"). Kyse on rakastuneen tytön ja pojan välisestä vuoropuhelusta. Lisäksi on olemassa samanlaisia \u200b\u200bvuoropuhelun kappaleita "Kiista sielun ja ruumiin välillä", "Ruskeaverikkö ja blondi", "Kevytmielisten ja viisaiden välinen kiista", "Talven ja kesän välinen kiista".

Renessanssin aikana päivittäisen musiikin tekemisen muoti levisi Italian asukkaiden keskuudessa. Tavalliset kaupunkilaiset kokoontuivat musiikin ystävien piireihin, joissa he soittivat erilaisia \u200b\u200binstrumentteja, sävelivät sanoja ja melodioita. Siitä lähtien kappaleita on jaettu laajalti kaikkien väestöryhmien kesken, ja ne ovat kuulostaneet kaikkialla Italiassa.

Soittimet ja italialaiset kansanlaulut

Kansanperinnöstä puhumattakaan, ei voida mainita instrumentteja, joiden säestyksellä ne esitettiin. Tässä on joitain niistä:

• Viulu, joka sai modernin ilmeensä 1400-luvulla. Italialaiset ovat rakastaneet tätä kansanperinteistä instrumenttia.
• Luuttu ja sen Pyreneiden versio vihuela. Kynittyjä instrumentteja, jotka levisivät kaikkialle Italiaan XIV-luvulla.
• Tamburiini. Eräänlainen tamburiini, joka tunkeutui Italiaan Provencesta. Tanssija seurasi heitä itseensä tarantellan esityksen aikana.
• Huilu. Voitot jaetaan XI vuosisadalla. Esiintyjä käyttää sitä usein tamburiinilla.
• Tynnyriurut, mekaaninen puhallinsoitin, josta tuli suosittu Italiassa 1700-luvulla. Häntä rakastettiin erityisesti kiertävien muusikoiden keskuudessa, muista paavi Carlo.

Italialainen kansanlaulu "Santa Lucia" - napolilaisen musiikin syntymä

Napoli on Campanian alueen pääkaupunki, tunnetuin kaupunki Etelä-Italiassa ja upean lyyrisen napolilaisen kansanlaulun, kauniin Santa Lucian, syntymäpaikka.

Epätavallinen kauneusluonteeltaan, leuto ilmasto ja kätevä sijainti saman nimisen lahden rannalla tekivät tästä kaupungista ja ympäröivästä alueesta epätavallisen houkuttelevan lukuisille valloittajille ja tavallisille uudisasukkaille. Yli 2500 vuoden ajan tämä kaupunki on omaksunut ja uudistanut monia kulttuureja, jotka eivät voineet pohtia alueen musiikkitraditioita.

Napolilaisen kansanlaulun syntymää pidetään XIII vuosisadan alussa, jolloin kappale "Aurinko nousee" oli erittäin suosittu. Tämä on italialaisen renessanssin aamu. Aika Italian kaupunkien nopeasta kehityksestä ja ihmistietoisuuden alkamisesta pimeistä aikakausista. Tähän ajanjaksoon mennessä ihmiset lopettivat tanssien ja kappaleiden syntisen harkinnan, alkoivat antaa itsensä nauttia elämästä.

XIV-XV-luvuilla. humoristiset parit olivat suosittuja ihmisten keskuudessa, jotka säveltiin päivän aiheista. 1400-luvun jälkipuoliskolla Napolissa syntyi vilanella (italialainen kylälaulu) - pareittain esiintyneitä useassa äänessä luutun säestyksellä.

Tunnetun napolilaisen kansanlaulun kukoistus putoaa kuitenkin 1800-luvulle. Tänä aikana Teodoro Cottraun kuuluisa italialainen kappale "Santa Lucia" julkaistiin. Se on kirjoitettu barcarole-tyylilajiin (sanasta barque), joka tarkoittaa "veneenmiehen laulu" tai "laulu vesillä". Kappale esitettiin napolilaisessa murteessa ja se oli omistettu rannikkokaupungin Santa Lucian kauneudelle. Tämä on ensimmäinen napolilainen teos, joka on käännetty murteesta italiaksi. Sen esittivät Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti ja monet muut maailmankuulut taiteilijat.

Alkuperäinen napolilainen teksti

Comme se fr? Cceca la luna chiena ...
Katso mare ratsastaa, ll'aria? serena ...
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v? ’Spassarse j? Nno pe’ mare ...
E 'pronta e lesta la varca mia ... Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t? Nna? posta pe ’f? na cena ...
e quanno stace la panza chiena, non c '? la m? nema melanconia!

Santa Lucia! Santa Lucia!
P? Zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia! ...

Klassinen italialainen teksti (Enrico Kossovic, 1849)

Sul mare luccica l'astro d'argento.

Sul mare luccica l'astro d'argento.
Placida? l'onda, prospero? il vento.

Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!

Etsitkö zeffiro, cos? Soave, Oh, com '? bello tähti sulla laiva!
Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? serena,

Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!


Tamma s? placida, vento s? caro,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!

E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!


Tai hitaasti? Bella? la seerumit.
Spira un'auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venäjänkielinen teksti

Meri tuskin hengittää
Unelias lepo
Surffauksen kuiskaus kuuluu kaukaa.
Isot tähdet syttyivät taivaalle, Santa Lucia, Santa Lucia!
Voi mitä ilta - Tähdet ja meri!
Lohkon juurelta puhaltaa lempeä tuuli.

Hän heittää kultaisia \u200b\u200bunia,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Vene on kuin joutsen
Purjehtii kaukaa
Tähdet taivaalla
Loistaa kirkkaasti.

Ihmeellinen kappale
Kuulen yöllä
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Ilta meren yli
Täynnä turhuutta
Hiljaa me kaikemme
Laulu on tuttu.

Voi minun Napoli,
Sukulaisten antama
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Kuunvalossa
Meri loistaa.

Suotuisa tuuli
Purje kohoaa.
Veneeni on kevyt
Airot ovat suuria ...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Verhojen takana
Veneet yksinäinen
Voidaan välttää
Vaatimattomat silmät.
Kuinka istua lukittuna
Yöllä näin?

Santa Lucia,
Santa Lucia!
Napoli minun ihana,
Voi ihana maa
Missä hymyilee
Olemme taivaan holvi.

Ilo sielussa
Kaataa epäinhimillistä ...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Olemme kevyitä vaahtokarkkeja
Kiihdytetään kaukaisuuteen
Ja nousemme veden yläpuolelle.

Ah, älä tuhlaa
Kultakello ...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Meri on tyyni
Ihailee kaikkia
Ja surua merimiehet
He unohtavat heti
He vain laulavat
Kappaleet ovat kiireisiä.

Santa Lucia,
Santa lucia
Mitä muuta odotat?
Hiljainen merellä.
Kuu paistaa
Sinisessä tilassa
Veneeni on kevyt
Airot ovat suuria ...

Santa Lucia,
Santa Lucia!
***

Kuuntele italialaista Santa Lucian kansanlaulua Anastasia Kozhukhovan esityksessä:

Lisäksi toinen napolilainen kappale "Dicitencello vuie" on kuuluisa maassamme; täällä se tunnetaan paremmin nimellä "Kerro tyttö tyttöystäväsi". Laulun on kirjoittanut säveltäjä Rodolfo Falvo vuonna 1930 ja sanat Enzo Fusco. Venäjänkielisen version esitti suurin osa venäläisistä taiteilijoista Sergei Lemeshevistä Valery Leontyeviin. Venäjän lisäksi tämä kappale on käännetty monille muille kielille.

Napolilaiset kappaleet ovat ennennäkemättömän kuuluisia ja rakastettuja kaikkialla maailmassa. Tämän todistaa tapahtuma, joka tapahtui Antwerpenin olympialaisissa vuonna 1920. Italian joukkueen palkintojenjakotilaisuuden aikana kävi ilmi, että belgialaisella orkesterilla ei ollut italialaisen laulun nuotteja. Ja sitten orkesteri räjähti ”O minun aurinko” (”O ainoa mio). Ensimmäisissä melodian äänissä stadionin yleisö alkoi laulaa laulun sanojen mukana.

Napolin ja lähialueiden lauluperinteistä puhumattakaan, ei voi mainita Piedigrotta-festivaalia, joka järjestetään vuosittain syyskuun alussa. Piedigrotta on luola, joka sijaitsee lähellä Napolia, kun se toimi pakanallisena pyhäkönä. Vuonna 1200 tämän paikan pyhittämiseksi pystytettiin tänne Pyhän Marian kirkko, joka tunnettiin nimellä Piedigrotta, joka tarkoittaa "luolan juurella".

Ajan myötä Neitsyt Marian uskonnollinen palvonta ja hänen kunniakseen järjestetyt juhlat muuttuivat laulukilpailuiksi. Tämän musiikkifestivaalin aikana Napolin parhaat runoilijat ja laulajat kilpailevat. Joskus tapahtuu, että kaksi kappaletta saa saman määrän pisteitä. Ja sitten yleisö jaetaan kahteen leiriin, joista kukin on valmis puolustamaan melodia, josta he pitävät nyrkillä. Jos molemmat kappaleet ovat todella hyviä, ystävyys voittaa ja koko kaupunki humisee nämä suosikkikappaleet.

Italialainen kansanlaulu "Happy"

Teos kuuluu rakkauden sanoituksiin, mutta tekstin sanat huomaavat nuoruuden petoksen ja keveyden. Tarina kerrotaan tytön puolesta, joka ikään kuin kääntyy ystävänsä puoleen ja kysyy: tietääkö hän, mikä on piilossa tyttöjen flirttailevan ilmeen takana? Tyttö itse ei ole vielä rakastunut ketään kohtaan ja pitää siksi itseään onnellisin ja "viehättävin kaikista kuningattarista". Nuori italialainen nainen kävelee koiranputkea ja orvokkia, kuuntelee lintujen twitteriä ja laulaa heille kuinka onnellinen hän on ja että hän haluaa rakastaa vain heitä ikuisesti.

Todellakin on täsmälleen huomattu, että vaikka rakkaudestasi toiseen ihmiseen ei tule tuskallista kiintymystä, on aikaa nauttia elämästä, luonnosta ja kaikista ympärilläsi olevista. Missä kaikki tämä on havaittavissa, kun palavat mustasukkaisuus ja ahdistus.

Kuuntele italialaista kansanlaulua "Happy" venäjäksi Anastasia Teplyakovan esityksessä:

Huumori italialaisissa kansanlauluissa: laulaminen makaroneista

Kevyt ja iloinen italialainen hahmo vaikutti leikkisien kappaleiden laajaan levitykseen. Tällaisten teosten joukosta on syytä huomata kappale "Macaroni", joka on omistettu tälle todella italialaiselle ruokalajille. Laulamalla tätä laulua orvot ja köyhien perheiden lapset ansaitsivat elantonsa pyytämällä alttareita ohikulkijoilta. Esittäjän sukupuolesta riippuen tekstissä on mies- ja naisversioita. Kappale on luotu tarantellarytmissä.

Tarantella on 1400-luvulta lähtien suoritettu kansantanssi. Tarantella perustuu pääsääntöisesti yhteen rytmisesti toistuvaan motiiviin. Mielenkiintoista on, että tanssia tämän melodian mukaan pidettiin parantavana lääkkeenä tarantulan puremille ihmisille. Muinaisista ajoista lähtien muusikot vaelsivat pitkin Italian teitä ja esittivät tätä melodiaa erityisesti potilaille, joilla oli "tarantismia".

Pasta (miesversio) Kääntäjä M. Ulitsky

1. Asun raunioiden keskellä.
Useimmiten iloinen kuin surullinen.
Asun raunioiden keskellä.
Useimmiten iloinen kuin surullinen.

Pöytäsänkyä ja parvekkeellista taloa käytettäisiin mielellään pastalle.

2. Tämä maukas ruokalaji on tavallisten ihmisten hyvä ystävä.
Tämä herkullinen ruokalaji on tavallisten ihmisten hyvä ystävä.

Mutta VIP: t syövät myös pastakastikkeen kanssa.

3. Haluatko tietää, kuinka kuoleva punainen pelle selvisi?
Haluatko tietää, kuinka kuoleva punainen pelle selvisi?

Shutovskaya otti kruununsa ja vaihtoi pastaan.

4. Tarantellamme lauletaan, kenen kanssa minun pitäisi mennä päivälliselle?
Tarantellamme on laulettu, kenen kanssa minun pitäisi mennä päivälliselle?

Vain huuda: "Pasta!" - Seuralaiset ilmestyvät välittömästi.

Pasta (naisversio)

Olen mustempi kuin oliivi
Vaellan yksin ilman kattoa
Ja tamburiinin äänellä
Olen valmis tanssimaan koko päivän
Tanssin Tarantellaa sinulle,
Ole vain tukeva
Anna sello ja osta
Pasta, pasta.

Kaverini Pulcinello
Nuoli haavoittui sydämeeni
Vain en halunnut, että Pulcinellosta tulee vaimo.
Hän melkein ampui itsensä
Minä melkein heitin itseni pois parvekkeelta
Mutta hän oli parantunut intohimosta,
Vain nielemällä pastaa.

Keräsin veljeni vaellukselle,
Rakas lähti hänen jälkeensä,
Kuinka tehdä sotilaita
Onko kaikki turvassa?
Joten aseet eivät ammu
Ota kaikki patruunat pois,
Luodin sijaan lentää
Pasta, pasta.

Jos tunnet hieman surullista
Jos sairaus sortaa sinua,
Tai joskus vatsa on tyhjä
Pasta on hyvä sinulle!
Hyvästi allekirjoittajat,
Hyvä matka, signora donna,
Sinun on oltava hyvin ruokittu
Ja pasta odottaa minua!

Maccheroni

1.Io mi sono ja poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono ja poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei -lauluja per unter piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo usedo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo usedo vole a fare il testimento.

Osta avesse dai padroni ja grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto ja buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per one sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e -kantaatti,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e -kantaatti,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
***

Kuuntele Anna Zhikhalenkon esittämää italialaista kansanlaulua "Makaroni" venäjäksi:

Venetsian kappaleita vedessä

Etelä-Napolin lisäksi Venetsia, Italian pohjoinen helmi, erottuu upeista ja hämmästyttävistä lauluperinteistä. Tämä koskee ensinnäkin gondolierien kappaleita. Nämä rakkauden teemat kuuluvat barcarole-tyylilajiin. He ovat hyvin melodisia ja kiireettömiä.

Gondolierin voimakas ja kaunis ääni näyttää toistavan airojen hitaita iskuja vettä vastaan. Outoa, kunnes 1700-luvulle saakka barcarole ei saanut ammattimuusikoiden ansaitsemaa huomiota. Seuraavan vuosisadan aikana tämä puute oli kuitenkin enemmän kuin korvattu. Tšaikovski, Mendelssohn, Chopin, Glinka ovat vain muutamia musiikkineroista, jotka venetsialainen kansanlaulu kiehtoi ja sisällytti sen motiivit kuolemattomiin teoksiinsa.

Valitettavasti modernilla on kielteinen vaikutus venetsialaisiin perinteisiin, mukaan lukien barcarole. Esimerkiksi turistien pyynnöstä gondolierit laulavat usein napolilaisen laulun "O Sole Mio", vaikka Gondolier-yhdistys vastustaa sitä, koska se ei ole venetsialainen.

Italian partisaanien laulu "Bella Chao"

Kuuluisa partisaanilaulu Bella Chao (Farewell to Beauty) on myös erittäin suosittu. Sen laulivat Vastarintaliikkeen jäsenet toisen maailmansodan aikana. Totta, sitä ei jaettu koko Italiassa, vaan vain maan pohjoisosassa, Apenniineilla.

Sanojen uskotaan kirjoittaneen ensihoitaja tai lääkäri. Ja melodia on selvästi otettu vanhasta lasten laulusta "Sleeping Potion". Vaikka Catanian yliopiston modernin historian professorin Luciano Granozzin mukaan vuoteen 1945 asti Bella Ciaoa esiintyivät vain muutamat sissiryhmät Bolognan läheisyydessä.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni a aprir."
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
la gli d? un basiini.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte che
la suoi mamma la l'ha lähetetty?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia puhdas che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
rasvaa sett'anni di prigion minua kohti.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
minä? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella ciao (yksi vaihtoehdoista)

Minut herätettiin tänä aamuna

Minut herätettiin tänä aamuna
Ja näin vihollisen ikkunan läpi!
Oh sissit vievät minut
Voi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Voi partisaanit, ota minut,
Tunnen kuolemani olevan lähellä!
Jos minun on tarkoitus kuolla taistelussa
Voi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Jos minun on tarkoitus kuolla taistelussa - hauta minut.
Hautaa korkealle vuorille
Voi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Hautaa korkealle vuorille
Punaisen kukan varjossa!

Voi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ohikulkija ohittaa, kukka näkee
"Kaunis - hän sanoo - kukka!"
Se on partisaanin muisti
Voi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Se on partisaanin muisti
Mikä vapaus putosi rohkeasti!
***

Kuuntele italialaisten partisaanien laulua "Bella, ciao" Pyatnitsky-kuoron esityksessä:

Kaikkien suosikki partisaanilaulu oli "Fischia il vento" ("tuuli puhaltaa"), ja sillä oli voimakas kommunistinen luonne. Siksi sodan päätyttyä ideologisista syistä Italian hallitus alkoi mainostaa laulua "Bella Chao". Mistä pitäisi vain kiittää häntä. Joka tapauksessa laulu sai maailmankuulun neljänkymmenen lopulla, ensimmäisen kansainvälisen nuorten ja opiskelijoiden festivaalin jälkeen, joka pidettiin Prahassa kesällä 1947. Sen jälkeen monta kertaa sen peittivät merkittävät ja ei kovin laulajat koko maailmasta.

Italialaisen kansanmusiikin aihe on niin laaja, että sitä on mahdotonta välittää yhdessä artikkelissa. Tämä johtuu siitä, että koko Italian historia heijastuu kansanlauluihin. Uskomattoman melodinen kieli, ylellinen luonto ja maan kehityksen myrskyinen historia ovat antaneet maailmalle sellaisen kulttuuri-ilmiön kuin italialainen kansanlaulu.

← ← Haluatko kuulla, että ystäväsi kiittävät sinua mielenkiintoisen ja arvokkaan materiaalin jakamisesta heidän kanssaan? Paina sitten yhtä vasemmalla olevasta sosiaalisen median painikkeesta!
Tilaa RSS tai vastaanota uusia artikkeleita sähköpostiisi.

Mandoliini on kielisoitettu kynitty soitin. Sen ulkonäkö on peräisin 1500-luvulta, ja värikkäästä Italiasta tuli sen kotimaa. Mandoliini on soittimelta, joka on ulkonäöltään hyvin samanlainen kuin luuttu, koska sillä on myös päärynän muotoinen muoto. Se eroaa luutusta siinä, että siinä on vähemmän kieliä ja lyhyempi kaula.

Pohjimmiltaan mandoliinilla on aina ollut neljä parikielistä jousea (tunnetaan nimellä Napolin mandoliini), ja luutulla on aikakaudesta riippuen kuusi tai enemmän jousia. Tämän tyyppisen mandoliinin lisäksi tunnetaan myös muita sen tyyppejä:

• sisilialainen - tasaisella pohjalla kuulokkeella ja neljällä kolmoiskielellä;
• milanolainen - kuudella kielellä, yksi oktaavi korkeampi kuin kitara;
• genova - viisikielinen mandoliini;
• florentiini.

Kuinka pelata mandoliinia

Yleensä mandoliinia pelataan valinnalla tai pikemminkin plektrumilla. Vaikka sattuu, he pelaavat sormillaan. Mandoliinin ääni on ainutlaatuinen - äänen nopea ja moninkertainen toistaminen (tremolo) selitetään sillä, että kosketettaessa jousia ääni hajoaa nopeasti eli se osoittautuu lyhyeksi. Siksi äänen pidentämiseksi ja oletettavasti viipyvän nuotin saamiseksi käytetään tremoloa.

Mandoliini tuli laajalti tunnetuksi Italian ulkopuolella vuosisadan kuluessa sen perustamisesta. Tämä instrumentti oli hyvin ihastunut ja sai nopeasti kansaninstrumentin aseman. Tähän asti hän kävelee planeetalla, juurtumalla yhä enemmän moderniin kulttuuriin.

Tiedetään jopa, että niin kuuluisa säveltäjä kuin Mozart käytti mandoliinia serenadissa oopperassaan Don Juan.

Lisäksi monet nykypäivän bändit, säveltäjät ja laulajat käyttävät tätä soittinta "makuun" sävellyksesi.

Mandoliinin avulla voit sekä täydentää että soittaa yksin. Esimerkiksi napolilaiset orkesterit tunnetaan, joiden äänet sulautuvat monista erikokoisista mandoliineista. Mandoliinia käytetään myös sinfonia- ja oopperaorkestereissa. Banjon ohella mandoliinia käytetään myös amerikkalaisessa bluegrass- ja kansanmusiikissa.

Kuten jo mainittiin, mandoliini on hyvin epätavallinen musiikki-instrumentti, jota monet rakastavat juuri siksi, että sen trumpina on tremolo, jota et ehkä löydä muista soittimista.

Mandoliini on soitin, joka on yksi suosituimmista kansaninstrumenttien luokassa. Ehkä harvat soittimet voivat ylpeillä tällaisesta suosiosta. Pikemminkin mandoliinia pidetään perinteisesti folkina, vaikka monet säveltäjät käyttivät sitä teoksissaan, antaen heille erityisen viehätyksen ja ainutlaatuisuuden. Vaikka mandoliinia käytetään usein orkestereissa, se kuulostaa hyvältä itsenäisenä musiikillisena osana. Sille soitetaan erilaisia \u200b\u200betudeja ja kappaleita muiden soittimien mukana.

Missä muualla mandoliini tuli tunnetuksi?

Suhteellisen nopeasti mandoliini muutti Italiasta Yhdysvaltojen pohjoispuolelle ja vakiinnutti asemansa paikalliseen musiikkiin. Euroopassa tämä instrumentti valloitti skandinaaviset ihmiset, jotka antoivat mandoliinille erityisen tiukan sonorisuuden.

Mandoliinilla on suhteellisia instrumentteja. Nämä ovat mandola, bouzouki ja oktaavimandoliini. Nykyaikaisen rock and roll-harmoniat ovat hyvin samanlaisia \u200b\u200bkuin sama mandoliini.

Tiedetään, että Led Zeppelin -ryhmän jäsenet pitivät kovasti mandoliinin soinnista ja käyttivät sitä melodioissaan. Jopa Jimmy Page, bändin jäsen, täydentää mandoliinia mandolalla ja kitaran kaulalla. Paul McCartney piti myös tätä vaikeaa soittinta.

Erinomaisen äänen lisäksi mandoliinilla on myös useita kiistattomia etuja:

• harmoninen rakenne;
• kompakti;
• yhdistelmä muiden mandoliinien tai muiden soittimien kanssa - kitara, huilu huilu.

Mandoliinin viritys muistuttaa jonkin verran viulun viritystä:

• ensimmäinen jousipari on viritetty toisen oktaavan e: hen;
• toinen pari - 1. oktaavin A: ssa,
• 1. oktaavin re;
• neljäs jousipari on mollioktaavin G.

Mandoliinin suosio kasvaa yhä enemmän. Esimerkiksi "Aria" -ryhmän jäsen Vadimir Kholstinin käyttää mandoliinia "Kadonnut paratiisi" -sävellyksessä. Sitä käytetään myös Epidemia-ryhmän metal-oopperassa (kappale Walk Your Way) ja Sergei Mavrin (Makadash).

Ja kuuluisa kappale "Loosing my faith", tekijä R.E.M. ainutlaatuisella mandoliiniäänellä? Näyttää siltä, \u200b\u200bettä hänet tunnetaan melkein kaikissa maailman maissa.

Mandoliini on melko salaperäinen musiikki-instrumentti. Hänen menestyksen salaisuuttaan ei ole vielä paljastettu täysin. Vaikka sen ilmestymisestä on kulunut yli neljäsataa vuotta, se ei varmasti menetä suosiotaan, vaan päinvastoin, saa yhä enemmän faneja. Nykyaikana sitä käytetään yhä useammin monenlaisissa musiikkilajeissa.

On erittäin silmiinpistävää, että mandoliini pystyy sopimaan täydellisesti mihin tahansa sävellykseen, lähteä tai korostamaan melkein minkä tahansa soittimen ääntä. Kuulet tämän hieman maagisen instrumentin äänet, ja näytät uppoutuvan muinaiseen aikakauteen, jossa esiintyi rohkeita ritareja, viehättäviä naisia \u200b\u200bja ylpeitä kuninkaita.

Video: Miltä mandoliini kuulostaa