Musiikkinimikkeiden tyypit. Musiikkiteokset ja musiikilliset genret

Jatkamalla musiikkiteoriaa koskevaa artikkelisarjaa, haluamme kertoa sinulle, kuinka genret muodostuivat ja kehittyivät musiikissa. Tämän artikkelin jälkeen et koskaan sekoita musiikkityylejä musiikkityyliin.

Katsotaanpa ensin, miten käsitteet ”tyylilaji” ja “tyyli” eroavat toisistaan. laji   - Tämän tyyppinen työ on kehittynyt historiallisesti. Se viittaa musiikin muotoon, sisältöön ja tarkoitukseen. Musiikkityylit aloittivat muodostumisensa musiikin kehityksen varhaisessa vaiheessa, primitiivisten yhteisöjen järjestelmässä. Sitten musiikki seurasi ihmistoiminnan jokaista vaihetta: elämää, työtä, puhetta ja niin edelleen. Siten muodostettiin genren perusperiaatteet, joita analysoimme tarkemmin.

tyyli   se tarkoittaa materiaalien (harmonia, melodia, rytmi, moniäänisyys) summa, tapa, jolla niitä käytettiin musiikkiteoksessa. Tyypillisesti tyyli perustuu tietyn aikakauden henkeen tai säveltäjä on luokitellut sen. Toisin sanoen tyyli on yhdistelmä musiikillista ilmaisullisuutta, joka määrittelee musiikin kuvan ja ajatuksen. Se voi riippua säveltäjän yksilöllisyydestä, hänen maailmankatsomuksestaan \u200b\u200bja maistaan \u200b\u200bsekä hänen lähestymistavastaan \u200b\u200bmusiikkiin. Tyyli määrittelee myös musiikin trendejä, kuten jazz-, pop-, rock-, folk-tyylejä ja niin edelleen.

Nyt takaisin musiikin genreihin. Genre-periaatteita on viisi, jotka, kuten sanoimme, ovat alkaneet primitiivisissä yhteisöissä:

• Moottorin teho
• mahtipontinen
• raspevnosti
• signalointi
• Äänentoisto

Juuri heistä tuli perustana kaikille myöhemmille genreille, jotka ilmestyivät musiikin kehittyessä.

Pian genren perusperiaatteiden muodostumisen jälkeen tyylilaji ja tyyli alkoivat kietoutua yhdeksi järjestelmäksi. Tällaiset tyylilajeja edustavat järjestelmät muodostuivat riippuen tapauksesta, jolle musiikki luotiin. Joten oli tyylilajeja, joita käytettiin tietyissä muinaisissa kultteissa, muinaisissa rituaaleissa ja jokapäiväisessä elämässä. Genreä sovellettiin enemmän luonteeseen, joka muodosti tietyn kuvan antiikin musiikista.

Egyptiläisten pyramidien seiniltä ja säilyneistä muinaisista papyreista löytyi rituaali- ja uskonnollisia lauluja, jotka kerrottiin useimmiten muinaisista egyptiläisistä jumalista.

Muinaisen musiikin uskotaan saavuttaneen korkeimman kehityspisteensä antiikin Kreikassa. Muinaisessa kreikkalaisessa musiikissa löydettiin tiettyjä malleja, joihin sen rakenne perustui.

Yhteiskunnan rakenteen kehittymisen myötä myös musiikki kehittyi. Keskiaikaisessa kulttuurissa uusia laululajeja ja instrumentaalityylejä on jo muodostunut. Tällä aikakaudella Euroopassa syntyi sellaisia \u200b\u200bgenrejä kuin:

• Organum on moniäänisen musiikin varhaisin muoto Euroopassa. Tätä tyylilajia käytettiin kirkoissa, ja kukoistushetki tuli Pariisin Notre Damen kouluun.
• Ooppera on musiikillinen ja dramaattinen teos.
• Kuoro - liturginen katolinen tai protestanttinen laulu.
• Motet on laulugenre, jota käytettiin sekä kirkossa että sosiaalisissa tapahtumissa. Hänen tyylinsä riippui tekstistä.
• Kapellimestari on keskiaikainen laulu, jonka teksti oli useimmiten henkinen ja moraalisoiva. Tähän asti he eivät pysty tarkistamaan kapellimestarien keskiaikaisia \u200b\u200bnuotteja, koska heillä ei ollut tiettyä rytmiä.
• Mise on katolisten kirkkojen liturginen palvelu. Tämä tyylilaji sisältää myös rekviisin.
• Madrigal on pieni teos lyyrisistä rakkauteemoista. Tämä genre on kotoisin Italiasta.
• Chanson - tämä tyylilaji esiintyi Ranskassa, ja alun perin se kuului kuoropoikalaisten kappaleisiin.
• Pavana - sujuva tanssi, joka avasi lomat Italiassa
• Galliarda - hauska ja rytminen tanssi myös Italiasta
• Allemanda - Saksassa ilmestynyt tanssiprosessi

XVII-XVIII   Maaseudun musiikki, kantrimusiikki, on ollut vuosisatojen ajan varsin aktiivista Pohjois-Amerikassa. Tähän genreen vaikuttivat suuresti irlantilainen ja skotlantilainen kansanmusiikki. Tällaisten kappaleiden sanoitukset kertoivat usein rakkaudesta, maaseudun elämästä ja cowboy-elämästä.

1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa kansanperinne kehittyi varsin aktiivisesti Latinalaisessa Amerikassa ja Afrikassa. Blues-yhteisö on syntymässä afrikkalais-amerikkalaisessa yhteisössä, joka oli alun perin ”työlaulu”, joka seurasi kenttätyötä. Lisäksi blues perustui balladeihin ja uskonnollisiin lauluihin. Bluesit perustivat uuden genren - jazzin, joka on seurausta Afrikan ja Euroopan kulttuurien sekoituksesta. Jazz on melko yleinen ja laajalti tunnustettu.

Jazziin ja bluesiin perustuva rytmi ja blues (R’n’B), kappale- ja tanssigenre, ilmestyy 1940-luvun lopulla. Hän oli varsin suosittu nuorten keskuudessa. Myöhemmin funk ja soul ilmestyivät tämän genren puitteissa.

On uteliasta, että näiden afrikkalais-amerikkalaisten tyylilajien lisäksi 1900-luvun 20-luvulla ilmestyi popmusiikkityyli. Tämän genren juuret ulottuvat kansanmusiikkiin, katu romansseihin ja balladeihin. Pop-musiikkia on aina sekoitettu muihin genreihin, muodostaen melko mielenkiintoisia musiikkityylejä. 70-luvulla osana popmusiikkia ilmestyi ”disco” -tyyli, josta tuli tuolloin suosituin tanssimusiikki, jolloin rock and roll taustalla.

50-luvulla rock tuli nykyisten tyylilajien joukkoon, joiden alkuperä on bluesissa, folkissa ja maassa. Hän sai nopeasti valtavan suosion ja kasvoi moniin eri tyyleihin sekoittuen muihin genreihin.

Kymmenen vuotta myöhemmin Jamaikalla muodostettiin reggae-genre, josta tuli laajalle levinnyt 70-luvulla. Reggaen perusta on mento - Jamaikan kansanmusiikin genre.

1970-luvulla esiintyi räppi, jonka Jamaikan DJ: t "vientivät" Bronxiin. Räpin perustajana on DJ Kool Herc. Alun perin räppiä luettiin nautinnon vuoksi, jotta he voisivat heittää tunteita. Tämän genren perusta on rytmi, joka asettaa recitaation rytmin.

1900-luvun jälkipuoliskolla sähköinen musiikki vakiinnutti itsensä genreksi. On outoa, että hän ei saanut tunnustusta 2000-luvun alussa, kun ensimmäiset elektroniset instrumentit ilmestyivät. Tämä tyylilaji sisältää musiikin luomisen käyttämällä elektronisia soittimia, tekniikoita ja tietokoneohjelmia.

1900-luvulla muodostuneilla tyylilajeilla on monia tyylejä. Esimerkiksi:

Jazz:

• New Orleansin jazz
• Dixieland
• swing
• Länsi-keinu
• bebop
• Kova bop
• boogie
• Viileä tai viileä jazz
• Muodollinen tai fret jazz
• Avantgarde-jazz
• Soul jazz
• Vapaa jazz
• Bossa Nova tai Latin American Jazz
• Sinfoninen jazz
• etenevä
• Fuusio tai Jazz Rock
• Sähköinen jazz
• Hapan jazz
• crossover
• Sileä jazz

• kabaree
• Minstrel-show
• Musiikkisali
• musikaali
• ragtime
• lounge
• Klassinen crossover
• Psykedeelinen pop
• Italo-disko
• Eurodisk
• Korkea energia
• Nu-disco
• Avaruus disko
• YE-YE
• K-pop
• Europop
• Arabipoppi
• Venäläinen popmusiikki
• rigsar
• LAIKA
• Latinalaisen Amerikan pop
• J-pop

• Rock and roll
• Big Beat
• rockabilly
• Psychobilly
• Neorokabilli
• skiffle
• Doo-wop
• vääntää
• Vaihtoehtoinen rock (Indie Rock / College Rock)
• Matto rock
• Madchester
• grunge
• shoegazing
• Brit pop
• Melu rock
• Melu Pop
• Lähetä grunge
• Lo fi
• Indie-pop
• Twi pop
• Art Rock (progressiivinen rock)
• Jazzrock
• Kraut rock
• Autotalli rock
• FREAKBEAT
• Glam rock
• Country rock
• Mersibit
• Metalli (kova rock)
• Avantgarde-metalli
• Vaihtoehtoinen metalli
• Musta metalli
• Melodinen black metal
• Sinfoninen black metal
• Todellinen musta metalli
• Viking metal
• Goottilainen metalli
• Doom metalli
• Death metal
• Melodinen death metal
• metalcore
• Uusi metalli
• Voimakas metalli
• Progressiivinen metalli
• Nopea metalli
• Stoner rock
• Thrash metal
• Kansanmetalli
• Raskasmetalli
• Uusi aalto
• Venäläinen rock
• Pubrokki
• Punk rock
• Ska punk
• Pop punk
• Kuori punk
• hardcore
• crossover
• Mellakat
• Pop-rock
• post-punk
• Goottilainen rock
• Ei aaltoa
• Rivi riviltä
• Psykedeelinen rock
• Pehmeä rock
• Folk rock
• Tekno rock

Kuten näette, tyylejä on monia. Täydellisen luettelon laatiminen vie paljon aikaa, joten emme tee tätä. Tärkeintä on, että tiedät nyt kuinka modernit suositut tyylilajit ilmestyivät etkä enää sekoita tyylilajia ja tyyliä enää.

Varoitamme heti, että on erittäin vaikea vastata yhden artikkelin kysymykseen, mitä musiikin genret ovat. Koko musiikin historian aikana on kertynyt niin monia genrejä, että niitä ei voi edes mitata arshinilla: koraali, romanssi, kantaatti, valssi, sinfonia, baletti, ooppera, prelidiota jne.

Muusikot ovat useiden vuosikymmenien ajan rikkoneet keihään, yrittäen luokitella musiikkityylejä (esimerkiksi sisällön luonteen, funktion mukaan). Mutta ennen kuin asumme tyypologian suhteen, selitetään juuri genren käsite.

Mikä on musiikkigenre?

Genre on eräänlainen malli, johon tietty musiikki liittyy. Hänellä on tietyt sisällön toteuttamisen ehdot, tarkoitus, muoto ja luonne. Joten, lullabyn tavoitteena on rauhoittaa vauvaa, siksi heilahtavat intonaatiot ja ominainen rytmi ovat hänelle tyypillisiä; c - kaikki ilmaisulliset musiikkivälineet mukautetaan selkeään vaiheeseen.

Mitkä ovat musiikin genret: luokittelu

Lajityyppien yksinkertaisin luokittelu on tapa, jolla ne suoritetaan. Nämä ovat kaksi suurta ryhmää:

• instrumentaalinen   (maaliskuu, valssi, luonnos, sonaatti, fuuga, sinfonia)
• laulugenrejä   (aaria, laulu, romanssi, kantaatti, ooppera, musikaali).

Toinen tyylilaji tyylilajiin liittyy esitysympäristöön. Se kuuluu A. Sohorille - tutkijalle, joka väittää, että musiikilla on genrejä:

• rituaali ja kultti   (psalmit, massa, rekviisi) - heille on ominaista yleistynyt kuva, kuoroprosessin hallitsevuus ja sama tunnelma useimpien kuuntelijoiden keskuudessa;
• massa kotitalous (kappaleet, marssi ja tanssi: polka, valssi, ragtime, balladi, hymni) - eroavat yksinkertaisessa muodossaan ja tutuilla intonaatioilla;
• konserttigenrejä   (oratorio, sonata, kvartetti, sinfonia) - esiintyminen konserttisalissa, lyyrinen ääni tekijän itseilmaisuna on ominaista;
• teatterityyrit   (musiikki, ooppera, baletti) - vaativat toimintaa, juoni ja maisemat.

Lisäksi itse genre voidaan jakaa muihin genreihin. Joten, opera-seria ("vakava" ooppera) ja opera-buffa (sarjakuva) ovat myös genrejä. Samaan aikaan on olemassa useita muitakin lajikkeita, jotka myös muodostavat uusia genrejä (lyyrinen ooppera, eeppinen ooppera, operetti jne.)

Genre-nimet

Voit kirjoittaa kokonaisen kirjan nimistä, jotka musiikkigenreillä on ja miten ne ilmestyvät. Nimet voivat kertoa genren historiasta: Esimerkiksi nimi “kryzhachok” johtuu siitä, että tanssijat sijaitsivat ristillä (Valkovenäjän “kryzh” - risti). Nocturne ("yö" - käännetty ranskaksi) suoritettiin yöllä ulkona. Jotkut nimet ovat peräisin instrumenttien nimistä (fanfaari, musetti), toiset - kappaleista (Marseillaise, Camarine).

Usein musiikki saa genren nimen, kun se siirretään toiselle välineelle: esimerkiksi kansantanssi - balettiin. Mutta tapahtuu päinvastoin: säveltäjä ottaa teeman ”Vuodenajat” ja kirjoittaa teoksen, ja sitten tästä aiheesta tulee genre, jolla on tietty muoto (4 vuodenaikaa 4 osaa) ja sisällön luonne.

Päätelmän sijasta

Puhuttaessa siitä, mitä musiikkityylejä voi olla, ei voida mainita yleistä virhettä. Tämä on sekaannusta käsitteissä, kun klassista, rockia, jazzia, hip-hopia kutsutaan genreiksi. On tärkeää muistaa, että tyylilaji on järjestelmä, jonka perusteella teokset luodaan, ja tyyli todennäköisesti ilmaisee luomisen musiikillisen kielen piirteet.

Musiikki syntyi muinaisina aikoina yhtenä tapana ilmaista ihmisten tunteita. Sen kehitys on aina ollut läheisessä yhteydessä ihmisyhteiskunnan tarpeisiin. Aluksi musiikki oli huonoa ja ilmentämätöntä, mutta monien vuosisatojen olemassaolonsa aikana siitä on tullut yksi monimutkaisimmista, ilmeisimmistä taiteista, joilla on poikkeuksellinen voima vaikuttaa ihmiseen.

Klassisessa musiikissa on runsaasti erityyppisiä teoksia, joilla jokaisella on omat erityispiirteensä, sisältönsä, tarkoituksensa. Tällaisia \u200b\u200bmusiikkiteoksia kuten laulu, tanssi, alkusoitto, sinfonia ja muut kutsutaan genreiksi ja.

Musiikkilajit muodostavat kaksi suurta ryhmää, jotka erottuvat suoritustavalla: laulu ja. instrumentaali.

Laulumusiikki liittyy läheisesti runolliseen tekstiin, sanaan. Hänen genrensa - laulu, romanssi, kuoro, ooppera-aaria - ovat kaikkien kuuntelijoiden tavoitettavin ja suosituin teos. Laulajat esittävät niitä soittimien säestyksellä, ja laulut ja kuorot ovat usein ilman säestystä.

Kansanlaulu - antiikin tyyppinen musiikkitaide. Kauan ennen kuin ammattimusiikki alkoi kehittyä, kansanlauluilla oli eläviä musiikillisia ja runollisia kuvia, jotka todella ja taiteellisesti vakuuttavasti kuvasivat ihmisten elämää. Tämä käy ilmi myös itse kappaleiden luonteesta, melodisen varaston kirkkaasta omaperäisyydestä. Siksi suuret säveltäjät pitivät kansanlauluja kansallisen musiikkitaiteen kehityksen lähteenä. "Emme luo, se luo ihmisiä", sanoi venäläisen oopperan ja sinfonisen musiikin perustaja M. I. Glinka, "mutta me vain järjestämme" (prosessi).

Minkä tahansa kappaleen olennainen piirre on kappaleen toistuva toistaminen eri sanoilla. Samanaikaisesti kappaleen päämelodia säilyy samassa muodossa, mutta joka kerta hieman muutettu runollinen teksti antaa sille uusia ilmeikkäitä sävyjä.

Jopa yksinkertaisin säestys - instrumentaalinen säestys - lisää kappaleen melodian emotionaalista ilmaisullisuutta, antaa soitolle erityisen täydellisyyden ja kirkkauden, “piirtää” instrumentalimusiikin avulla niitä runollisen tekstin kuvia, joita ei voida välittää kappaleella. Joten, Glinkan kuuluisissa romaaneissa ”Night Marshmallow” ja “Sleeping Blue” pianosäteys toistaa mitatusti liikkuvien aaltojen liikkeen, ja hänen laulussaan “The Lark” - lintujen sirinää. Franz Schubertin balladin ”Metsäkuningas” säestyksessä voit kuulla hevosen hurjaa harppausa.

XIX luvun säveltäjien teoksessa. kappaleen lisäksi romanssista tuli suosikki laulugenre. Tämä on pieni ääniääniteos instrumentaalisen säestyksen kanssa.

Yleensä romanssit ovat paljon monimutkaisempia kuin kappaleet. Romanssien melodiat eivät ole vain laajan kappalevaraston lisäksi melodisia ja recitatiivisia (Robert Schumannin ”En ole vihainen”). Romansseissa voi löytää vastakkaisia \u200b\u200bmusiikkikuvien vastakohtia (M.I. Glinkan ja A. S. Dargomyzhsky "Yö Marshmallow", A. P. Borodinin "Nukkuva prinsessa") ja voimakasta dramaattista kehitystä (Glinkan "Muistan loistavaa hetkeä") Puškinin runot).

Jotkut laulumusiikin lajit on tarkoitettu esiintyjäryhmälle: duetto (kaksi laulajaa), trio (kolme), kvartetti (neljä), kvintetti (viisi) jne. Ja myös kuoro (suuri laulajaryhmä). Kuorolajit voivat olla itsenäisiä tai olla osa laajempaa musiikillista ja dramaattista teosta: oopperat, oratoriot, kantaatit. Tällaisia \u200b\u200bovat suurien saksalaisten säveltäjien Georg Friedrich Handelin ja Johann Sebastian Bachin kuoroseokset, kuorot Christoph Gluckin sankarillisissa oopperoissa, venäläisten säveltäjien upeaan eeppiseen ja sankarillisesti dramaattisiin oopperoihin M. I. Glinka, A. N. Serov, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, S. I. Taneev. Ludwig van Beethovenin kuuluisassa yhdeksännen sinfonian kuorifinaalissa, joka kunnioittaa vapautta (Friedrich Schillerin Oodin sanoille), kuva toistetaan miljoonien ihmisten upeasta festivaalista (“Hug, million”).

Neuvostoliiton säveltäjät D. D. Shostakovich, M. V. Kovale, A. A. Davidenko ovat luoneet kauniita kuoroja. Davidenkon kuoro ”Kymmenennen pääkaupungin pääkaupungissa” on omistettu 9. tammikuuta 1905 teloituksen uhreille. hänen toinen kuoronsa, jonka läpimurto on ollut suuri - "Street on huolissaan" - kuvaa niiden ihmisten juhlia, jotka kaatoivat autokraation vuonna 1917.

Oratorio on merkittävä teos kuorolle, solisteille ja sinfoniaorkesterille. Se muistuttaa oopperaa, mutta esitetään konserteissa ilman maisemia, pukuja ja näyttämöesitystä (Neuvostoliiton säveltäjän S. S. Prokofjevin oratorio “Rauhan vartija”).

Kantta on sisällöltään yksinkertaisempaa ja kooltaan pienempi kuin oratorio. On olemassa kantaatteja lyyrisiä, juhlallisia, terveisiä, onnittelijoita, jotka on luotu jonkin vuosipäivän tai julkisen tapahtuman kunniaksi (esimerkiksi Tšaikovskin ”Kantta ammattikorkeakoulun näyttelyn avaamiseksi”). Neuvostoliiton säveltäjät kääntyvät myös tähän tyylilajiin, luovat kantaatteja moderneista ja historiallisista teemoista (Prokofjevin Aleksanteri Nevskin Shostakovitšin aurinko paistaa kotimaamme yli).

Vokaalimusiikin rikkain ja monimutkaisin genre on ooppera. Se sulautui yhdeksi kokonaiseksi runoksi ja dramaattiseksi toiminnaksi, laulu- ja instrumentaalimusiikiksi, ilmeiksi, eleiksi, tansseiksi, maalauksiksi, valotehosteiksi. Mutta kaikki tämä on oopperassa alistettu musiikilliselle alulle.

Tavallisen puhekielen rooli useimmissa oopperoissa suoritetaan laulamalla tai laulamalla - recitate. Sellaisissa oopperagenreissä kuin operetti, musiikkikomedia ja koominen ooppera, laulaminen vuorottelee tavallisen puhekielen kanssa (I. O. Dunaevskyn "Valkoinen acacia", Uzeyir Hajibeyov "Arshin Mal Alan", Jacques Offenbachin "Tales of Hoffmann").

Oopperatoiminta paljastuu pääasiassa laulu-kohtauksissa: aarioissa, kavateineissa, kappaleissa, musiikillisissa yhtyeissä ja kuoroissa. Soololaariat, sinfoniaorkesterin voimakkaan soinnin mukana, toistavat sankarien emotionaalisten kokemusten tai heidän muotokuvaominaisuuksien hienoimpia vivahteita (esimerkiksi Ruslanin aria Glinkan oopperassa Ruslan ja Lyudmila, Igorin ja Konchakin ariat prinssissä Igor Borodinissa). Dramaattiset yksittäisten näyttelijöiden kiinnostuksen kohteet paljastetaan yhtyeissä - duettoissa, terceteissä, kvarteteissa (Jaroslavnan ja Galitskin duetto Borodinin oopperassa Prinssi Igor).

Venäläisissä klassisissa oopperoissa löydämme upeita esimerkkejä musiikillisista yhtyeistä: Natashan ja prinssin dramaattinen duetto (Dargomyzhsky-oopperan Rusalka -elokuvan ensimmäisestä näytelmästä), Not Tomin vilpitön trio, rakas (Glinkan oopperasta Ivan Susanin). Glinka, Mussorgsky, Borodin -oopperoiden mahtavat kuorot luovat uskollisesti joukkojen kuvat.

Instrumentaalijaksoilla on huomattava merkitys oopperoissa: marsseja, tansseja ja joskus kokonaisia \u200b\u200bmusiikkikuvia, yleensä sijoitettuna toimintojen väliin. Esimerkiksi Rimsky-Korsakovin oopperassa “Legenda Kitežin näkymättömästä kaupungista ja neitsyt Fevroniasta” annetaan sinfoninen kuva Vanhan Venäjän suhteista Tatar-Mongol-joukkojen taistelusta (“Kerzhenetsin taistelu”). Lähes jokainen ooppera alkaa alkusoitolla, sinfonisella prologilla, joka hahmottelee oopperan dramaattisen toiminnan sisältöä.

Instrumentaalimusiikki perustui lauluun. Hän kasvoi laulusta ja tanssista. Yksi vanhimmista folk-taiteeseen liittyvistä instrumentaalimusiikin muodoista on teema.

Tällainen näytelmä perustuu musiikillisen pääidean - teeman - kehittämiseen ja muokkaamiseen. Samanaikaisesti yksittäiset melodiset käännökset, sävelmät, rytmi ja säestyksen luonne muuttuvat (vaihtelevat). Muistakaamme pianonmuunnelmat, jotka koskivat venäläisen 1800-luvun venäläisen muusikon laulua ”Minä menen joelle”. I. E. Khandoshkina (katso artikkeli ”Gus-musiikki 1800-luvulta”). Glinkan sinfonisessa fantasiassa “Kamarinskaya”, ensimmäinen majesteettinen, sujuva häälaulu “Vuorien takaa, korkeat vuoret” vaihtelee, sitten nopea tanssilaulu “Kamarinskaya”.

Toinen vanhin musiikillinen muoto on sviitti, vuorotellen erilaisia \u200b\u200btansseja ja näytelmiä. Muinaisessa tanssisviitissä XVII luvulla. tanssit vuorotellen luonteeltaan, vauhdilla ja rytmillä onnistuivat toisiaan: kohtalaisen hidas (saksalainen allemanda), nopea (ranskan soittoääni), erittäin hidas, juhlallinen (espanjalainen sarabanda) ja nopea (nopeat ampuminen, tunnetaan useissa maissa). Vuonna XVIII luvulla. sarabandan ja gigatavun väliin hauska tanssit asetettiin: gavotte, burre, minuet ja muut. Jotkut säveltäjät (esimerkiksi Bach) avasivat sarjan usein avauspelissä, jolla ei ollut mitään tanssimuotoa: alkusoitus, alkusoitto.

Yhtenä kokonaisuutena yhdisteltyä peräkkäistä musiikkiteosten sarjaa kutsutaan sykliksi. Muistelemme Schubertin laulusyklejä “Millerin rakkaus” ja “Talvitie”, Schumannin laulusykliä “Runoilijan rakkaus” Heinrich Heinen sanoihin. Monet instrumentaliset genret ovat syklejä: tämä on variaatio, sviitti, instrumentaliserenade, sinfonia, sonata, konsertti.

Alun perin sana sonata (italialaisesta ”soundista”) tarkoitti mitä tahansa instrumentaalimusiikkia. Vasta XVII vuosisadan loppuun mennessä. italialaisen viulisti Corellin teoksessa kehitettiin 4-6 osasta koostuva sonaattien erikoinen genre, josta tuli yksi suosituimmista. Klassisen sonaattinäytteet kahdesta tai kolmesta osasta XVIII vuosisadalla. luonut säveltäjät Carl Philip Emanuel Bach (I. S. Bachin poika), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I. E. Handoshkin. Heidän sonaattinsa koostui useista osista, erilaisista musiikkikuvista. Energinen, nopeasti kehittyvä ensimmäinen osa, joka yleensä perustuu kahden musiikkiteeman vastakkaiseen vertailuun, korvattiin toisella osalla - hitaalla, melodisella lyyrisellä näytelmällä. Sonaatti päättyi finaaliin - musiikilla nopeasti, mutta luonteeltaan erilainen kuin ensimmäinen osa. Joskus hidas osa korvattiin tanssipalalla - minuetti. Saksalainen säveltäjä Beethoven kirjoitti monet sonaateistaan \u200b\u200bneljään osaan asettamalla hitaan osan ja lopussa eloisan hahmon näytelmän - minuetti tai scherzo (italialaisesta "vitsi").

Teokset sooloinstrumenteille (sonaatti, variaatio, sviitti, alkusoitto, improvisointi, nokturne) yhdessä erilaisten instrumenttiyhtyeiden (triojen, kvartettojen) kanssa muodostavat kamarimusiikin kentän (kirjaimellisesti "koti"), joka on suunniteltu esittämään suhteellisen pienen yleisön edessä. Kammaryhdessä kaikkien soittimien osat ovat yhtä tärkeitä ja vaativat säveltäjän erityisen varovaista viimeistelyyn.

Sinfoninen musiikki on yksi maailman musiikkikulttuurin kirkkaimmista ilmiöistä. Sinfoniaorkesterin parhaat teokset erottuvat todellisuuden heijastuksen syvyyden ja täydellisyyden, mittakaavan loistoa ja samalla musiikkikielen yksinkertaisuuden ja saatavuuden kautta, joka toisinaan saa ilmaisun ja värikkäitä visuaalisia kuvia. Säveltäjien Haydnin, Mozartin, Beethovenin, Lisztin, Glinkan, Balakirevin, Borodinin, Rimsky-Korsakovin, Tšaikovskin ja muiden merkittävät sinfoniset teokset on luotu suurten konserttisalien massademokraattiselle yleisölle.

Sinfonisen musiikin päälajilajit ovat alkusoitot (esimerkiksi Beethovenin alkusoitto Goethe's Egmont-tragediaan), sinfoniset fantasiat (Tchaikovskyn Francesca da Rimini), sinfoniset runot (Bamakirevin Tamara), sinfoniset sviitit (Rimsky-Korsakovin Scheherazade). ja sinfoniat.

Sinfonia, kuten sonaatti, koostuu useista kirkkaan kontrastisista osista, yleensä neljästä. Niitä voidaan verrata draamanäytteen yksittäisiin tekoihin tai romaanin lukuihin. Äärettömästi monimuotoisissa musiikkikuvien yhdistelmissä ja niiden liikkeiden vastakkaisessa vuorottelussa - nopea, hidas, helppo tanssi ja taas nopeasti nopea - säveltäjät luovat todellisuuden eri näkökohdat.

Sinfonia säveltäjät heijastavat musiikissaan ihmisen energistä, aktiivista luonnetta, hänen kamppailuaan elämän vaikeuksista ja esteistä, hänen kirkkaita tunteitaan, onnellisuutta unesta ja surullisista muistoista, kiehtovaa luonnon kauneutta ja samalla massojen voimakasta vapautusliikettä, kansanelämän kohtauksia ja kansanjuhlat.

Instrumentaalinen konsertto muistuttaa muodoltaan sinfoniaa ja sonaattia. Tämä on erittäin monimutkainen sävellys soittimelle (pianolle, viululle, klarinetille jne.) Orkesterin säestyksellä. Solisti ja orkesteri näyttävät kilpailevan keskenään: orkesteri pysähtyy, solaantuneena intohimon tunteesta ja soittoäänen arkkien armosta sooloinstrumentin osassa, tai keskeyttää sen, kiistellen sen kanssa, tai valitsee voimakkaasti teeman.

Konsertteja ovat säveltäneet monet tunnetut säveltäjät 17–18-luvulta. (Corelli, Vivaldi, Handel, Bach, Haydn). Klassisen konsertin luoja oli kuitenkin suuri säveltäjä Mozart. Ihanaa konserttia erilaisille soittimille (useimmiten pianolle tai viululle) ovat kirjoittaneet Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Tchaikovsky, Glazunov, Rachmaninov, Neuvostoliiton säveltäjät A. Khachaturian, D. Kabalevsky.

Vuosisatojen vanha musiikin historia kertoo meille, kuinka erilaiset musiikilliset muodot ja genret ovat syntyneet ja kehittyneet vuosisatojen ajan. Jotkut heistä olivat olemassa suhteellisen lyhyen ajan, kun taas toiset ovat kestäneet ajan kokeen. Esimerkiksi sosialistisen leirin maissa kirkkomusiikkilajit ovat kuolemassa. Mutta näiden maiden säveltäjät luovat uusia tyylilajeja, kuten pioneeri- ja komsomolilauluja, rauhantaistelijoiden laulu marsseja.

Jos löydät virheen, valitse teksti ja paina Ctrl + Enter.

Koonnut:

Solomonova N.A.

Musiikkikirjallisuudessa tiedemiehet kääntyvät harvemmin käsitteiden, kuten tyylin ja genren, kehittämiseen kuin esimerkiksi kirjallisuuden kritiikkiin, kuten monet tutkijat ovat toistuvasti huomauttaneet. Juuri tämä seikka sai meidät kääntymään tämän kokoelman kirjoittamiseen.

Tyylikäsitys heijastaa teoksen sisällön ja muodon dialektista suhdetta, historiallisten olosuhteiden yhtenevyyttä, taiteilijoiden maailmankatsomuksia, heidän luovaa menetelmäänsä.

Tyylin käsite syntyi renessanssin lopulla, kuudennentoista vuosisadan lopulla, ja se sisältää monia näkökohtia:

Yhden tai toisen säveltäjän teoksen yksilölliset piirteet;

säveltäjäryhmän kirjoittamisen yleiset piirteet (koulutyyli);

yhden maan säveltäjien työn piirteet (kansallinen tyyli);

mihin tahansa žanriryhmään kuuluvien teosten piirteet ovat genren tyyli (tämän käsitteen esitteli A.N.Sokhor teoksessa ”Genren esteettinen luonne musiikissa”).

”Tyylin” käsitettä käytetään laajasti esiintymislaitteiden suhteen (esimerkiksi Mussorgskyn laulutyyli, Chopinin pianotyyli, Wagnerin orkesterityylit jne.). Muusikot, kapellimestarit tuovat myös oman ainutlaatuisen tulkinnan suoritetun teoksen tyyliin. Voimme tunnistaa myös erityisen lahjakkaat ja kirkkaat esiintyjät heidän ainutlaatuisen tulkintansa, teoksensa luonteen perusteella. Nämä ovat niin suuria muusikoita kuin Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifets, kapellimestarit Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan ja muut.

Kuuluisimmista tutkimuksista musiikkityylien ongelmista tulisi mainita seuraavat teokset: A. Berthoven ja hänen kolme tyylinsä. A.N.Serov, “Shostakovitšin tyylin piirteet” (artikkelikokoelma), “Prokofjevin sinfonioiden tyyli” M.E. Tarakanova, E. M. Tsarevan ”I. Brahms -tyylin ongelmasta” tai S. S. Skrebkovin ”Musiikkityylien taiteelliset periaatteet”, “Musiikin klassinen tyyli ХУ111 - alkaa Х1Хвеков; Aikakauden itsetietoisuus ja musiikkikäytäntö ”, kirjoittanut L. V. Kirillina, L. A. Mazelin” Chopin-tutkimus ”, jossa hän toteaa perustellusti, että tietyn teoksen analysointi on mahdotonta ottamatta huomioon tämän tyylin yleisiä historiallisesti vakiintuneita malleja ja että teoksen sisällön paljastaminen on mahdotonta ilman selkeää esitystä tiettyjen muodollisten vastaanottojen ilmeisestä merkityksestä tässä tyylissä. Tutkijan mukaan tieteellistä täydellisyyttä vaativan musiikkiteoksen tyhjentävältä analyysiltä pitäisi olla edellytys tämän tyylin, sen historiallisen alkuperän ja merkityksen, sisällön ja muodollisten tekniikoiden syvälliselle ja kattavalle tuntemiselle.

Tutkijat tarjoavat useita määritelmiä.

Musiikkityyli on taiteellisen ajattelun, ideologisten ja taiteellisten käsitteiden, kuvien ja heidän ruumiillistumisensa järjestelmä, joka syntyy tietystä sosiohistoriallisesta pohjalta. (L.A. Mazel)

Musiikkityyli on taidehistorian termi, joka kuvaa ilmaisujärjestelmää, jolla pyritään ilmentämään tätä tai toista ideologista ja kuvasisältöä. (E. M. Tsareva)

Tyyli on ominaisuus (hahmo) tai pääpiirteet, joilla voidaan erottaa yhden säveltäjän teokset toisesta tai yhden historiallisen ajanjakson teokset ... toisesta (B.V. Asafiev)

Tyyli on erityinen ominaisuus tai pikemminkin musiikillisten ilmiöiden laatu. Hän omistaa teoksen tai sen esityksen, painos, äänitekniikan päätöksen tai jopa teoksen kuvauksen, mutta vain siinä tapauksessa, että toinen, kolmas jne. Musiikin takana suoraan havaittu, havaittu on säveltäjän, esittäjän, tulkin yksilöllisyys.

Musiikkityylillä tarkoitetaan tiettyyn geneettiseen yhteisöön (säveltäjän, koulun, suunnan, aikakauden, ihmisten jne.) Kuuluvien musiikillisten luomusten erottuvaa laatua, joka antaa sinun tuntea, tunnistaa, määrittää heidän syntyperänsä suoraan ja ilmenee kaikkien kokonaisuutena poikkeuksetta havaitun musiikin ominaisuudet yhdistettynä integroituun järjestelmään monien erottuvien ominaispiirteiden ympärille. (E. V. Nazaikinsky).

Tutkijan mukaan kaikkein silmiinpistävimmät tyylin keinot ja musiikin piirteet ovat erottuvat, ja ne voidaan luonnehtia tyylin ominaispiirteisiin.

Säveltäjän teoksen yksilöllinen tyyli on pääsääntöisesti tutkijoiden kannalta houkuttelevin. "Tyyli musiikissa, kuten muissakin taiteen muodoissa, on osoitus luovan ihmisen luonteesta, joka luo musiikkia tai tulkitsee sitä" (E.V. Nazaikinsky). Tutkijat kiinnittävät vakavaa huomiota säveltäjän tyylin kehitykseen. Erityisesti edellä mainitut kolme Beethoven-tyyliä, jotka herättivät Serovin huomion. Tutkijat tutkivat huolellisesti Scriabinin varhaista, kypsää ja myöhäistä tyyliä jne.

”Tyylillisen varmuuden vaikutus” (E. Nazaikinsky) tarjoaa silmiinpistävimmän musiikin tyylitavoilla ja piirteillä, jotka ovat erottuvia ja jotka voidaan luonnehtia tyylin ominaispiirteisiin. Heidän mukaansa opiskelijat oppivat tietyn teoksen tyylin, säveltäjän tyylin, tietyn tulkin esiintymistavan. Esimerkiksi Griegille ominainen Ladogharmonic-vallankumous - johdantoäänen siirtyminen ei ääniääniseksi, vaan viuhkan viidenteen vaiheeseen (konsertti pianolle oscestra-esitteellä), kuuluisa Solveig-kappale Peer Gynt -sarjasta tai alaspäin siirtyminen viides vaihe kuudennen korotetun vaiheen läpi (lyyriset kappaleet, ”valssi” ala-asteessa) tai kuuluisa “Rachmaninov Harmony” - sointu, joka muodostuu neljännen, kuudennen, seitsemännen korotetun ja kolmannen askeleen ääniresoluutiosta melodisessa kerroksessa zhenii kolmas (alkuperäinen lause hänen tunnetuimpia balladin "Voi, älä ole surullinen!" - esimerkkejä on monia, ne voivat olla loputon.

Erittäin tärkeä tyylin ominaisuus on tietyn sisällön kiinnittäminen ja ilmaiseminen, kuten ovat osoittaneet E. V. Nazaikinsky, M. K. Mihhailov, L. P. Kazantseva, A. Y. Kudryashov.

Musiikin perinteiden erityisyys ilmenee selvemmin kansanperinteen lähteiden ja säveltäjän ammatillisen luovuuden välisessä suhteessa kansallisen tyylin puitteissa. Kuten Y. V. Nazaykinsky perustellusti toteaa, sekä folklore-aineisto että kansanmusiikin periaatteet ja sen erityisosat voivat toimia yleisen kansallisen tyylin omaperäisyyden lähteenä. Määrä ja tietyn kansan jäsenyyteen liittyvän tietoisuuden luonne, samoin kuin sen heijastuminen luovuuteen, riippuvat suurelta osin alkuperäiskulttuurin vuorovaikutuksesta vieraiden kulttuurien ja niiden elementtien kanssa, millaisiin muihin kansakuntiin ja kulttuureihin henkilö on yhteydessä. Jopa vahvin, kirkkain yksilöllinen tyyli sen muodostumis- ja kehitysprosessissa välittyy koulun, aikakauden, kulttuurin, ihmisten tyyleiltä. Muistutan V. G. Belinskyn upeista sanoista: "Jos yhden ihmisen kulttuurin kehitysprosessi kulkee lainaamalla toiselta, se tapahtuu silti toisaalta, muuten ei ole edistystä".

Teoksen musiikillisen kielen analyysi - melodian, harmonian, rytmin, muodon, tekstuurin piirteet ovat tyylin karakterisoinnin edellytys.

Musicologisessa kirjallisuudessa on monia teorioita, jotka kuvaavat yksittäisiä historiallisia vaiheita eri tyylien muodostumisessa - barokki, rokokoo, klassismi, romantiikka, impresionismi, ekspressionismi jne. Näiden tutkimusten sisältö paljastaa johtavia, perusperiaatteita, jotka yhdistävät musiikkiteokset yhden historiallisen aikakauden puitteissa, luotu eri maissa, eri kansallisissa kouluissa jne. , joka antaa kuvan tietyn historiallisen vaiheen estetiikasta, musiikillisesta kielestä ja aikakaudesta kokonaisuutena. Kuuluisessa kirjassaan ”Elämäni kronikka” I.F. Stravinsky kirjoitti: ”jokainen oppi vaatii erityistä ilmaisutapaa ja siten erityistä tekniikkaa sen ruumiillistumiselle; ei tietenkään voi kuvitella taiteessa tekniikkaa, joka ei johdu tietystä esteettisestä järjestelmästä. "

Jokaisella tyylillä on omat erityispiirteensä. Joten barokille on muotojen monumentaalisuus ominaista, mukaan lukien laajamittaiset sykliset muodot, monipuoliset kontrastit, moniäänisten ja homofonisten musiikkikirjoituksen periaatteiden vastakohta. Kuten A.Y. Kudryashov huomautti, barokkityylisetit esittelivät liikkeen samanaikaisesti kahdessa muodossa - ihmisen neljän päälämpötilan ruumiillistumisena ja ihmisen ajattelun vaiheina (melankolinen allemanda - “thesis”, koleerinen kello - “thesis”) flegmaattinen saraband - "anti-thesis", sanguine jig - "thesis". "Kuuntelijan, katsojan hämmästyttääkseen, hämmästyttääkseen viehätysvoimaa tuli 1200-luvun taiteen tavoitteena.

Kuten O. Zakharova huomautti, suuri rooli oli solistien julkisella esiintymisellä, heidän jakautumisellaan yleisön näkemiin ensimmäisiin paikkoihin, kun taas aikaisemmin suoraan yleisön edessä olleet kuoro ja instrumenttiyhtye siirtyivät taustalle.

Barokin aikakaudella oopperagenre kehittyy nopeasti, ja kuten V. Martynov perustellusti toteaa, oopperasta on tullut tapa musiikin olemassaoloon, sen sisältöön ... Ja kun barokin säveltäjät kirjoittavat massoja ja motetteja, heidän massojensa ja mototeesiensa ovat samoja oopperoita tai oopperan fragmentteja, ainoana erona on, että ne perustuvat pyhiin kanonisiin teksteihin, joista tulee ”musiikkiesityksen” kohde.

Barokkimusiikin keskipiste on vaikutus, joka ymmärrettiin tuolloin tunneksi, joka sisältää ikuisuuden ajatuksen. "Musiikin tarkoituksena on antaa meille iloa ja herättää meissä erilaisia \u200b\u200btunteita", kirjoitti R. Descartes tutkielmassaan Compendium of Music. Vaikutusten luokittelun teki A. Kircher - rakkaus, suru, rohkeus, innostuminen, maltillisuus, viha, suuruus, pyhyys, sitten - I. Walter - rakkaus, kärsimys, ilo, viha, myötätunto, pelko, elinvoimaisuus, hämmästys.

Barokin aikakauden säveltäjät kiinnittivät paljon huomiota sanan intonaatioon tapahtuvaan ääntämiseen r: n ja r: n ja r: n lakien mukaan. Y. Lotmanin mukaan ”barokkitekstin retoriikalle on ominaista törmäys kokonaisiin osiin, jotka on merkitty erilaisella semioottisuuden mitalla. Kielitapauksissa toinen näistä ilmenee aina "luonnollisena" (ei kielenä) ja toinen korostettuna keinotekoisena. "

Tässä ovat barokkitaidekuulujen kuuluisimmat musiikilliset retoriset hahmot:

melodian liike ylöspäin (ylösnousemuksen, ylösnousemuksen symbolina);

melodian liikettä alaspäin (synnin symboli tai siirtyminen "alempaan maailmaan");

melodian pyöreä liike ("infernal vortices" (Dante) tai päinvastoin jumalallisen valaistumisen symbolina);

melodian gammamuotoinen ylös- tai alaspäin liikkuminen nopealla tahdilla (toisaalta inspiraation tai toisaalta vihan symbolina);

melodian liikkuminen kapeilla kromaattisin väliajoin (kauhun, pahan symbolina);

melodian kulku laajalla kromaattisella, lisääntyneellä tai pienentyneellä aikavälillä tai tauko kaikissa äänissä (kuoleman symbolina).

Rokoko-tyylille on ominaista hauras, siro tai scherzinen kuvio galgatiivisesta, salonkimaisesta hahmosta, ja musiikillinen kieli on täynnä melodisen piirustuksen, melismien ja tekstuurien läpinäkyvyyden pirstoutumista. Säveltäjät pyrkivät ilmentämään vakiintuneita mielialoja, mutta niiden kehitys, ei rauhallisesti virtaava, vaikuttaa, mutta tunne jyrkästi muuttuvilla jännitteillä ja purkauksilla. Heille tuttu tulee musiikillisen ajattelun ilmaisun puheen selkeys. Järkemättömät, staattiset kuvat antavat tien vaihtelulle, rauhalle liikkumisen.

Luokka - ja akateemikon D. Likhachevin mukaan - yhdellä mahdollisista "aikakauden suurista tyyleistä". Klassisen tyylin esteettisessä näkökulmassa on tärkeää korostaa teokselle ominaisen aistillisesti suoran, rationaalisen loogisen ja ideologisesti ylevän huolellisesti tasapainotettua tasapainoa, taiteilijan klassista itsetuntoa, joka ylittää “pimeiden elämänvoimien voiman” ja kohtaa “kevyen, aistillisen kauneuden” (E. Kurt). , ja siksi sopusoinnussa menneisyyden klassisten esimerkkien kanssa, ennen kaikkea antiikista, jonka kiinnostuksen aktivointi on yksi viitteellisistä merkeistä minkä tahansa klassismin muodostumiselle (A.Yu. dryashov). Erityisen tärkeätä klassismin aikakaudella on neliosaisen sonaattisümfonisen syklin muodostuminen. Kuten M.G. Aranovsky uskoo, hän määrittelee ihmisen neljän päähypostaasin semantiikan: aktiivinen henkilö, ajatteleva ihminen, pelaava henkilö, julkinen henkilö. Neliosainen rakenne toimii, kuten N. Zhirmunskaya kirjoittaa, maailman universaalimallina - spatiaalinen ja ajallinen - syntetisoi ihmisen makrokosmoksen - maailmankaikkeuden - ja mikrokosmosen. ”Tämän mallin erilaisia \u200b\u200btaiteita yhdistävät symboliset ja symboliset yhteydet, jotka toisinaan käännetään tuttujen mytologisten kuvien ja piirrosten kielelle: elementit heijastavat symbolisesti vuodenaikaa, päiviä, ihmiskauden ajanjaksoja, maailman maita (esimerkiksi: talvi - yö - vanhuus - pohjoinen - maa jne.). n) ".

Näkyviin tulee koko joukko vapaamuurarien merkityksellisiä semanttikuvioita, jotka E. Chigarev paljasti Mozartin teoksessa ”Melodia: nousen suureen kuudenteen - toivo, rakkaus, ilo; pidätykset, pari vuorattuja seteleitä - veljeyden siteet; groupo - vapaamuurarien ilo; rytmi: katkoviiva rytmi, ... korostetut staccato-soinnut, korvattu tauolla - rohkeutta ja päättäväisyyttä; garmoniya: rinnakkaiset kolmannet, sextes ja sextacords - yhtenäisyys, rakkaus ja harmonia; ”Modaaliset” soinnut (sivuaskelmat - VI jne.) - juhlalliset ja uskonnolliset tunteet; kromatismit, vähentynyt seitsemäs sointu, dissonanssit - pimeys, taikausko, chloe ja epäjärjestys. ”

Beethovenin taidemaailman keskeinen sisältökompleksi on kauneus ja muodonmuutos, tiukasti organisoitu musiikillisen retorisen kaunopuheisuuden virta, korkea eettinen idea, suuri vastakohtien rooli - sekä musiikillisen syntaksin että muodon tasolla.

ROMANTISM - tyyli, joka vallitsi 1800-luvulla. Yksi musiikikromantiikan tutkijoista, Yu. Gabay, yksilöi kolme tapaa tulkita 1800-luvun romantiikkaa: toisin kuin klassinen tarkoittaa kristittyä taidetta; toiseksi, se liittyy romantiikan kielelliseen perinteeseen, nimittäin vanhaan ranskalaiseen runolliseen romaaniin, kolmanneksi, se määrittelee todella runollisen animaation, mikä tekee suuresta runosta aina hengissä (jälkimmäisessä tapauksessa romantiikka, joka käy läpi historiaa ikään kuin heidän ideaaliensa peilinä, löysi ne ja Shakespeare ja Cervantes, Dante, Homer ja Calderon).

Musiikkikielellä tutkijat huomauttavat harmonian kasvavan ilmaisullisen ja värikkään roolin, melodian tyyppisen melodian, vapaiden muotojen käytön, halun loppupään kehitykseen, uuden tyyppisiä pianoja ja orkestraalikuvioita. Novaliksen idea romanttisesta proosasta, muuttuvasta, upeasta, erityisistä käännöksistä, nopeista hyppyistä - voidaan ekstrapoloida musiikkiin. Tärkein tapa muodostaa romantiikan muodostumisen ja muutoksen yleinen ajatus musiikillisesti on lisääntynyt laulu, laulu, kantaali, läsnä Schubertissä, Chopinissa, Brahmsissa, Wagnerissa jne.

Ohjelmointi musiikillisen ajattelun ilmiönä

romanttinen aikakausi, edellyttää erityisiä keinoja musiikilliseen ilmaisuun. Olisi pidettävä mielessä ohjelmoidun ja ei-ohjelmallisen musiikin monimutkainen suhde, koska Chopinin mukaan "ei ole oikeaa musiikkia ilman piilotettua merkitystä". Ja Chopinin prelüüdit - hänen opiskelijoidensa lausuntojen mukaan - on heidän luojaansa tunnustus. Sonaatti B-litteässä ala-aulassa kuuluisalla "hautausmatkalla", Schumannin mukaan "ei musiikkia, vaan jotain pelottavaa henkeä läsnä ollessa", A. Rubinshteinin mukaan - "yötuuli puhaltaa hautausmaan arkkujen yli" ...

Kahdennenkymmenennen vuosisadan musiikissa havaitsemme erityisen monipuolisia sävellystekniikoiden tekniikoita: vapaa atonaalisuus, korkean korkeuden erittelemätön sonoristiikka, ääni-meluefektit, aleatorika, samoin kuin kaksitoista-ääninen järjestelmä, neomodaliteetti, sarjoittelu ja sarjoittelu. 2000-luvun musiikin yksittäisten osien avoimuus on ominainen piirre modernille kulttuurille kokonaisuutena, kuten ranskalainen kulttuuritieteilijä A. Molt perustellusti totesi: ”Nykykulttuuri on mosaiikki, ... koostuu monista vierekkäisistä, mutta ei muodostavan fragmenttien konstruktioista, joissa ei ole viitepisteitä, todella aidosti yleinen käsite, mutta toisaalta on monia käsitteitä, joilla on suuri painoarvo. ”

Musiikissa laulullinen-kantiloinen tematismi tuhoutuu, ja muut musiikilliset ilmaisutavat (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messian, Webern ja muut) vapautetaan ja epätavalliset esitysominaisuudet järkyttävät nykyaikaisia, kuten esimerkiksi G. Cowellin näytelmässä “ Harmoniset seikkailut ”- klustereiden (sekunteista koostuvien sointujen) käyttö, menetelmät pianon uuttamiseksi nyrkillä, kämmenellä tai koko käsivarsilla ...

Musiikissa ilmenee uusia modernistisia suuntauksia, jotka tulevat maalauksesta ja muusta taiteesta. Joten sellaisen ilmiön kuin bruitus m, tai melutaiteen (ranskankielisestä sanasta brute - noise) lähtökohtana oli italialainen maalari Luigi Russolo, joka kirjoitti manifestissaan ”The Art of Noises”, että ”musiikkitaide pyrkii dissonanttisimpien, omituisimpien ja ankarimpien äänien yhteensovittaminen ... soitamme, orkesteroimalla täydellisesti rapistavia kauppojen ovia, väkijoukkoja, rautatieasemien erilaisia \u200b\u200bääniä, takomoja, kehruutehtaita, painotaloja, sähkötyöpajoja ja maanalaisia \u200b\u200brautatieyhtiöitä ... modernin sodankäynnin äänet ... muuttaa ne musiikiksi ja sovittaa ne harmonisesti ja rytmisesti "

Toinen modernistinen suuntaus on da da zm. Dadaismin modernistinen ydin voidaan jäljittää taiteilija G. Grossin lausunnoissa: ”Dadaismi oli läpimurto, jonka teimme tekemällä, hämmentämällä, pilkaamalla ja nauraen, puhkeaaksemme siitä suljetusta, kerskailusta ja liian arvokkaasta meistä. ympyrä, joka nousi luokkien yli ja oli vieras vastuuntuntoon ja osallistumiseen jokapäiväiseen elämään. Efim Golyshev, yksi kahdennenkymmenennen vuosisadan kahdentoista tonnin sävellysmenetelmän mestarista, osallistui aktiivisesti Dada-klubin työskentelyyn Berliinissä. Hänen musiikillisten ja näyttämöteosten joukossa ovat dadaistinen tanssi naamioineen, Choking Maneuver ja Kumi kahdelle timpanille, kymmenelle helistimelle, kymmenelle naiselle ja yhdelle postimiehelle. Urbaanit teokset: Onegger (Tyynenmeren alue-231), Prokofva (baletti Steel Gallop), Mosolova (sinfoninen jakso "Kasvi. Koneiden musiikki" baletista "Steel"), Vareza (ionisaatio neljäkymmenelle yhdelle lyömäsoittimelle ja kahdelle sireenit) - sitten nämä trendit taittuivat sodanjälkeisen musiikillisen avantgardin suuntiin. Tämä on konkreettista ja elektronista musiikkia, yhtyetapahtumia ja instrumentaaliteatteria, sonoristiikkaa, multimediaprosesseja (teokset: P. Schaeffer, K. Stockhausen, M. Kagel, S. Slonimsky, A. Schnittke, S. Gubaidullina, J. Cage jne.)

1800-luvun lopulla luotiin edellytykset neoklasien ja tsismien syntymiselle, jotka olivat L. Rabenin mukaan maailmankaikkeimpia 2000-luvun uusista musiikkijärjestelmistä.

Musiikin polystylistiset taipumukset ilmestyvät. P noin l ja t ja -

l ja t ja to ja - tietoinen yhdistelmä yhdessä tyylillä eri tyylilinjoista. ”Polystylistiikan määritelmällä tarkoitetaan eri tyylillisten ilmiöiden tarkoituksellista yhdistämistä yhdessä teoksessa, tyylillistä heterogeenisyyttä, joka johtuu useiden teknisten menetelmien käytöstä (yksi erityistapauksista on kollaasi)” - (Musical Encyclopedia, osa T, s. 338). Löydämme yhden mielenkiintoisista tapauksista käyttää vertikaalisen polystylistiikan käyttämistä serenadessa viidelle A. Schnittken soittimelle: numero 17-partituurissa Tchaikovskyn viulukonserton motiivi kuulostaa samanaikaisesti ja hänen ensimmäisen pianokonsertonsa pääosan alussa, ja numero 19 liittyy Shemakhan-kuningatar "Shemakhan-kuningatar" Coco-nimisen kappaleen Cocoon " Rimsky-Korsakov, avaamalla Beethovenin säälittävän sonaatan soinnut ja Bach Chaconne -kohdan sooloviululle.

Musiikkilajit ovat sellaisia \u200b\u200bja tyyppisiä musiikkiteoksia, jotka ovat historiallisesti kehittyneet musiikin tiettyjen toimintojen, sen elämän tarkoituksen, esittämisen ja havaitsemisen olosuhteiden yhteydessä. E. Nazaikinsky on antanut erittäin laaja-alaisen määritelmän: ”genret ovat suhteellisen vakaita musiikkiteosten tyyppejä, luokkia, tyyppejä ja tyyppejä, jotka on historiallisesti eroteltu useiden kriteerien perusteella, joista pääasialliset ovat: a) tietty elämän tarkoitus (julkinen, jokapäiväinen, taiteellinen tehtävä), b) suorittamisen ehdot ja keinot, c) sisällön luonne ja sen suoritusmuodon muoto. Genre on monikomponentti, kumulatiivinen geneettinen (voi jopa sanoa, että geeni) rakenne, eräänlainen matriisi, jonka kautta tämä tai tuo taiteellinen kokonaisuus luodaan. Jos sana tyyli viittaa meihin lähteeseen, siihen, joka synnytti luomuksen, niin sanalaji viittaa tapaan, jolla geneettinen malli muodostui, syntyi, syntyi. Genre on kiinteä malliprojekti, malli, matriisi, kaanoni, johon tietty musiikki liittyy. ”

T.V. Popovan teoksissa tyylilajien luokittelu perustuu kahteen kriteeriin: musiikin olemassaolon olosuhteisiin ja esityksen ominaispiirteisiin. V.A. Tsukkerman yksilöi kolme pääryhmäryhmää: lyyriset, narratiiviset ja eeppiset genret sekä liikkeeseen liittyvät motoriset genret. Pääasiallisena kriteerinä A.N.Sokhor ottaa elämän olosuhteet, teloitusympäristön. Tutkija tunnistaa neljä pääryhmäryhmää: kultti- tai rituaaligenrejä, joukkojen jokapäiväisiä tyylilajeja, konserttigenrejä, teatterityylejä. O. V. Sokolovin tekemät genrejä systemaatiot perustuvat musiikin yhteyteen muihin taiteisiin tai musiikin ulkopuolisiin komponentteihin sekä sen toimintaan. Tämä on puhdasta musiikkia, vuorovaikutteista musiikkia, sovellettua musiikkia, sovellettua vuorovaikutteista musiikkia.

T. V. Popova systematisoi klassisen musiikin päälajeja seuraavasti:

Laululajit (laulu, hymni, kuoro, recitatiivinen, romanssi, balladi, aria, arietta, arioso, cavatina, laulu, yhtye);

Tanssimusiikkia. Antiikin tanssisarja;

Instrumentaalimusiikin lajit (alkusoitto, luettelo, etyydi, toccata, improvisoitu, musiikillinen hetki, nokturne, barcarole, serenade, scherzo, jujumoresque, capriccio, rapsodia, balladi, noveletta);

Sinfoninen ja kamarimusiikki;

Sonata-sinfoniset syklit, konsertti, sinfoninen sviitti Х1Х - ХХ vuosisadat;

Yhden osan (ei-sykliset) 1900-luvun genret (alkusoitto, fantasia, sinfoninen runo, sinfoninen kuva, yksiosainen sonaatti;

Musikaaliset ja dramaattiset teokset. Ooppera ja baletti

Kanataatti, oratorio, Requiem.

kirjallisuus

perustiedot

1. Bonfeld M. Sh. Musiikkiteosten analyysi. Tonaalimusiikin rakenne:

klo 14.00: Vlados, 2003.

2. Bonfeld M. Sh. Johdatus musiikiin. M .: Vlados, 2001.

3. Berezovchuk L. Musiikkigenre toimintokokonaisuutena: Psykologiset ja semioottiset näkökohdat // Teoreettisen musiikologian näkökohdat. Musicologian ongelmat. Osa 2. L., 1989. S. 95-122.

4. Gusev V. Kansanperinteen estetiikka. L., 1967.

5. Kazantseva L. P. Musiikillisen sisällön teorian perusteet: oppikirja. opas musiikkiyliopistojen opiskelijoille. Astrakhan, 2001.

6. Kazantseva L. P. Musiikin polystylistiikka: luento kurssilta "Musiikkiteosten analyysi". Kazan, 1991.

7. Kolovsky O. P. Lauluteosten analyysi: oppikirja. opas musiikkiyliopistojen opiskelijoille / O. P. Kolovsky [et al.]. L .: Musiikki, 1988.

8. Konen V.D. Kolmas kerros: Uudet massa genret 2000-luvun musiikissa. M., 1994.

9. Mazel L., Zuckerman V. Musiikkiteosten analyysi: oppikirja. korvaus. M .: Musiikki, 1967.

10. Musiikillinen ja tietosanakirja. M., 1998.

11. Nazaikinsky E. V. Tyyliä ja genrejä musiikissa: oppikirja. käsikirja korkeakoulujen opiskelijoille. M .: Vlados, 2003.

12. Popova T.V. Musiikkilajit ja -muodot. 2. toim. M., 1954.

13. Reuterstein M. Musiikkianalyysin perusteet: oppikirja. M .: Vlados, 2001.

14. Ruchevskaya E. A. Klassinen musiikillinen muoto. Pietari: säveltäjä, 1998.

15. Sokolov A. S. Johdatus 2000-luvun musiikilliseen sävellykseen: oppikirja. käsikirja yliopistoille. M .: Vlados, 2004.

16. Sokolov O.V. Musiikkilajien tyypologiasta // 2000-luvun musiikin ongelmat. Gorky, 1977.

17. Tyulin Yu. N. Musikaalinen muoto: oppikirja. korvaus / Yu N. Tyulin [et ai.]. L .: Musiikki, 1974.

18. Kholopova V. N. Musiikkiteosten muodot. Pietari: Doe, 2001.

lisä-

1. Alexandrova L. V. Järjestys ja symmetria musiikkitaiteessa: looginen-historiallinen näkökulma. Novosibirsk, 1996.

2. Grigoryeva G. V. Musiikkiteosten analyysi. Rondo 2000-luvun musiikissa. M .: Musiikki, 1995.

4. Kazantseva L. P. Musiikkasisällön analyysi: menetelmä. korvaus. Astrakhan, 2002.

5. Krapivina IV. Muotoilun ongelmat musiikillisessa minimalismissa. Novosibirsk, 2003.

6. Kudryashov A.Yu. Musiikillisen sisällön teoria. M., 2006.

7. Mazel L. F. Chopinin vapaat muodot. M .: Musiikki, 1972.

8. Musiikillinen tietosanakirja. M., 1974 - 1979. T. 1–6

9. Ovsyankina G. P. Venäjän musiikin pianosykli 2000-luvun jälkipuoliskolla: D. D. Shostakovichin koulu. Pietari: Säveltäjä, 2003.

10. Zuckerman V. Musiikkiteosten analyysi. Vaihtoehtoinen muoto: oppikirja. nastalle. muzykovedch. Dep. pohtii. yliopistot. M .: Musiikki, 1987.

adagio   - 1) hidas vauhti; 2) teoksen tai syklisen sävellyksen osan nimi adagion vauhdilla; 3) hidas soolo- tai duettanssi klassisessa baletissa.
säestys   - solistin, yhtyeen, orkesterin tai kuoron musiikillinen säestys.
ACCORD   - yhdistelmä useista (ainakin 3) eri korkuisista äänistä, jotka pidetään äänen yhtenäisyytenä; soinnun soinnit on järjestetty kolmasosaan.
FOCUS   - minkä tahansa äänen voimakkaampi, lyövämpi poiminta verrattuna muihin.
ALLEGRO   - 1) vauhtia, joka vastaa erittäin nopeaa vauhtia; 2) näytelmän tai sonaattisyklin osan nimi allegron tahdissa.
allegretto   - 1) vauhti, hitaampi kuin allegro, mutta nopeampi kuin moderato; 2) näytelmän tai teoksen osan nimi allekirjoituksen tahdissa.
alterative   - nostaa ja vähentää asteikon tasoa muuttamatta sen nimeä. Muutoksen merkit - terävä, litteä, kaksinkertainen terävä, kaksinkertainen litteä; merkki sen poistamisesta on leipuri.
Andante   - 1) kohtalainen vauhti, joka vastaa rauhallista askelta; 2) teoksen nimi ja sonaattisyklin osat andantin tahdissa.
Andantino   - 1) vauhdikkaampi kuin andante; 2) teoksen tai sonaattisyklin osan nimi Andantinon tahdissa.
ENSEMBLE   - Ryhmä esiintyjiä, jotka toimivat yhtenä taiteellisena ryhmänä.
JÄRJESTELY   - musiikkiteoksen käsittely esitykseksi toisella soittimella tai eri soittimilla, äänillä.
arpeggio   - soitetaan ääniä peräkkäin, yleensä alkamalla matalammalla äänellä.
ALS   - 1) alhaisin miespuhe; 2) matalarekisteriset soittimet (tuba, kontrabasso); 3) alempi sointuääni.
bel Canto   - Italiassa 1700-luvulla syntynyt laulutyyli, jolle on ominaista kauneus ja helppo kuulostaa, kantiilin täydellisyys ja koloratuurin virtuoosuus.
VARIATIONS   - kappale, jossa teema esitetään useita kertoja tekstuurin, tonaalisuuden, melodian muutoksilla jne.
VIRTUOSO   - esiintyjä, jolla on sujuva ääni tai soittotaito soittimelle.
Vocalise   - kappale kappale laulamatta ilman sanoja vokaalilla; yleensä harjoitus vokalitekniikan kehittämiseksi. Lauluja konserttiesityksestä tunnetaan.
VOCAL MUSIC - toimii yhdelle, usealle tai monelle äänelle (instrumentaalisen säestyksen kanssa tai ilman), muutamaan poikkeukseen liittyen runolliseen tekstiin.
KORKEUS   ÄÄNI - äänenlaatu, jonka henkilö määrittelee subjektiivisesti ja liittyy pääasiassa sen taajuuteen.
GAMMA   - kaikkien frettin äänien sekvenssi, joka sijaitsee päääänestä nousevassa tai laskevassa järjestyksessä, on oktaavin tilavuus, ja sitä voidaan jatkaa viereisiin oktaaveihin.
HARMONY   - ilmaisulliset musiikkivälineet, jotka perustuvat sävyjen yhdistämiseen konsonansseiksi, konsonien yhdistämiseen niiden jatkuvassa liikkeessä. Se on rakennettu moniäänisen musiikin fret-lakien mukaan. Harmonian elementit - poljinnopeus ja modulaatio. Harmonian oppi on yksi musiikkiteorian pääosista.
VOICE   - joukko ääniä, joilla on erilainen korkeus, voimakkuus ja jako, jotka johtuvat elastisten äänilankojen värähtelyistä.
ALUE   - laulavan äänen, soittimen äänenvoimakkuus (alimman ja korkeimman äänen välinen väli).
DYNAMICS   - äänenvoimakkuuden, äänenvoimakkuuden ja niiden muutosten erot.
TEKEMISMENETTELYJÄ   - musiikillisen ja esiintyvän henkilöstön johtaminen sävellyksen oppimisen ja julkisen esiintymisen aikana. Sen suorittaa kapellimestari (bändin päällikkö, kuoronjohtaja) käyttämällä erityisiä eleitä ja ilmeitä.
TREBLE   - 1) keskiaikaisen kahden äänen laulu; 2) korkea lasten (poikien) ääni, samoin kuin osa, jonka hän suorittaa kuorossa tai lauluyhtyeessä.
eripuraisuus   - seostamaton, voimakas samanaikainen eri ääniä kuulostava ääni.
KESTO   - ääni tai tauko.
DOMINANT   - yksi tonaalitoiminnoista tärkeimmissä ja vähäisemmissä, joilla on voimakas taipumus tonisoitua.
WIND   TYÖKALUT - instrumenttiryhmä, jonka äänilähteenä on ilmakolonnin (putken) värähtelyt.
GENRE   - historiallisesti vakiintunut jako, teoksen tyyppi muodon ja sisällön yhtenäisyydessä. Ne eroavat esiintymistavasta (laulu, laulu-instrumentalisti, soolo), tarkoituksesta (sovellettu jne.), Sisällöstä (lyyrinen, eeppinen, dramaattinen), esiintymispaikasta ja -olosuhteista (teatteri, konsertti, kamari, elokuvamusiikki jne.).
soolo   - johtava osa kuorolaulua tai eeposta.
ÄÄNI   - ominaista tietty korkeus ja tilavuus.
EPÄAIDOT   - moniäänisissä musiikkiteoksissa tarkka tai muokattu toisto melodian äänessä kuulosti aiemmin eri äänellä.
improvisointi - säveltää musiikkia esityksen aikana ilman valmistelua.
INSTRUMENTAL   MUSIC - tarkoitettu esiintymiseen soittimilla: solo, yhtye, orkesteri.
instrumentit   - musiikin esitys partituurin muodossa kamariyhtyeelle tai orkesterille.
INTERVAL   - kahden äänen korkeuden suhde. Se on melodinen (äänet otetaan vuorotellen) ja harmoninen (äänet otetaan samanaikaisesti).
ESITTELY   - 1) lyhyt johdanto syklisen instrumentaalimusiikin ensimmäiseen osaan tai päättymiseen; 2) oopperan tai balettin lyhyt avaaminen, oopperan johdanto erilliseen näytelmään; 3) kuoro tai lauluyhtye, joka seuraa alkusoittoa ja oopperan avaamista.
intonaatio   - 1) harmoninen tai melodinen käännös, joka täydentää musiikillisen rakenteen ja antaa sille enemmän tai vähemmän täydellisyyden; 2) virtuoosinen soolojakso instrumentaalikonsertossa.
KAMARIKUORO   MUSIC - instrumental- tai laulumusiikki pienelle näyttelijälle.
Kamerton   - Erityinen laite, joka lähettää tietyn taajuuden äänen. Tämä ääni toimii referenssinä soittimien virittämiselle ja laulamiselle.
Clavier   - 1) jousikoodinsoittimien yleinen nimi vuosina XVII – XVIII; 2) sanan clavirauszug lyhenne on oopperan, oratorion jne. Partituurin järjestely pianolle laulamista varten sekä yhdelle pianolle.
koloratuuri   - nopeat, teknisesti vaikeat, virtuoosiset kappaleet laulussa.
KOKOONPANO   - 1) työn rakentaminen; 2) teoksen nimi; 3) säveltäminen; 4) oppiaine musiikin oppilaitoksissa.
Yhdenmukaisuus   - Eri äänien yhtenäinen, koordinoitu samanaikainen kuulostaminen, yksi harmonian tärkeimmistä elementeistä.
kontra-altto   - matala naisen ääni.
huipentuma   - musiikillisen rakenteen, musiikkiteoksen osan, koko teoksen korkeimman jännityksen hetki.
LAD   - Tärkein esteettinen musiikkiluokka: korkeiden yhteyksien järjestelmä, jota yhdistää keskeinen ääni (harmonia), äänien suhde.
johtoajatus   - musiikillinen kierto, joka toistuu teoksessa hahmon, esineen, ilmiön, idean, tunteen ominaisuutena tai symbolina.
libretto   - kirjallinen teksti, joka on perustana minkä tahansa musiikkiteoksen luomiselle.
MELODIA   - yksimielisesti ilmaistu musiikillinen ajatus, musiikin pääelementti; äänisarja, joka järjestetään intonaation muodon mukaan ja muodostaa rytmisesti tietyn rakenteen.
METER - vuorottelevien voimakkaiden ja heikkojen rytmien järjestys, rytmin organisointijärjestelmä.
METRONOME   - työkalu, jonka avulla voidaan määrittää oikea täytäntöönpanotahti.
Mezzosopraano   - naispuhe, keskellä sopraanon ja kontraston välillä.
Monta ääntä   - musiikkivarasto, joka perustuu useiden äänien samanaikaiseen yhdistämiseen.
moderato   - kohtalainen vauhti, keskimäärin andantinon ja allegretton välillä.
modulaatio   - siirtyminen uuteen tonaalisuuteen.
MUSIIKKI   MUOTO - 1) ilmaisukokonaisuus, joka ilmentää musiikkiteoksessa tiettyä ideologista ja taiteellista sisältöä.
HUOMAUTUKSET KIRJA- Graafisten merkkien järjestelmä musiikin nauhoittamiseen samoin kuin sen äänitys. Nykyaikaisessa musiikillisessa notaatiossa käytetään seuraavia: 5-rivinen musiikkitausta, nuotit (ääniä osoittavat merkit), näppäin (määrittelevät nuotien korkeuden) jne.
harmoninen   - Ylääänet (osittaiset äänet), kuulostavat pääääniä korkeammalta tai heikommalta, sulautuivat siihen. Kummankin läsnäolo ja voimakkuus määrää äänen kielen.
Orkestroitu   - Musiikkiteoksen järjestäminen orkesterille.
ornamentiikka   - tapoja sisustaa laulu- ja instrumentaalimusiikkia. Pieniä melodisia koristeita kutsutaan melismeiksi.
ostinato   - melodisen rytmisen hahmon toistaminen.
täysillä pisteillä   - moniäänisen musiikkiteoksen musiikillinen merkintä, jossa toistensa yläpuolelle annetaan tietyssä järjestyksessä kaikkien äänien osat.
PARTY   - kiinteä osa moniäänistä teosta, joka on tarkoitettu suorittamiseen yhdellä äänellä tai tietyllä soittimella, samoin kuin ryhmällä homogeenisia ääniä ja instrumentteja.
PASSAGE   - äänien seuranta nopeasti liikkeellä, usein vaikea suorittaa.
PAUSE   - tauko yhden, usean tai kaikkien äänien äänessä musiikkiteoksessa; Huomautus kirjeessä, joka osoittaa tämän tauon.
pizzicato   - äänen vastaanottaminen kumartuilla soittimilla (nipistimellä) antaa nykimisen äänen, hiljaisempi kuin keulan kanssa soitettaessa.
plektra   (valinta) - laite äänen tuottamiseksi jousilla, pääasiassa niputettuilla soittimilla.
pyrstönnuolija   - kansanlaulussa päälaulaja ääni, joka kuulostaa samanaikaisesti sen kanssa.
PRELUDE   - pieni näytelmä sekä musiikkiteoksen johdanto-osa.
OHJELMA   MUSIC - musiikkiteokset, jotka säveltäjä toimitti suullisella ohjelmalla, joka määrittelee havainnon.
takaisinpyynti   - musiikkiteoksen motiivin toistaminen sekä toiston nuotin nuotti.
RYTMI   - Eri keston ja voimakkuuden äänien vuorottelu.
Symphonies - taiteellisen aikomuksen paljastaminen johdonmukaisella ja tarkoituksenmukaisella musiikillisella kehityksellä, mukaan lukien vastakkainasettelu sekä aiheiden ja temaattisten elementtien muutos.
sinfonia   MUSIC - sinfoniaorkesterin esittämiseen tarkoitetut musiikkiteokset (suuret, monumentaaliset teokset, pienet näytelmät).
Scherzo   - 1) vuosina XV1-XVII. ääni- ja instrumentaaliteosten nimeäminen leikkisissä teksteissä sekä instrumenttisissa näytelmissä; 2) osa sviitistä; 3) osa sonata-sinfonisesta syklistä; 4) XIX vuosisadan jälkeen. itsenäinen instrumentaaliteos, sulje capriccio.
KUULEMISMUSIKAALI   - ihmisen kyky havaita musiikillisten äänien yksilölliset ominaisuudet, tuntea niiden väliset toiminnalliset yhteydet.
sol-fa   - lauluharjoitukset kuulo- ja lukutaitojen kehittämiseksi.
SOPRANO   - 1) korkein lauluääni (pääasiassa naisten tai lasten), jolla on kehittynyt äänirekisteri; 2) kuoron yläosa; 3) suuret tapaukset työkaluja.
STRINGS   TYÖKALUT - äänenpoistomenetelmän mukaan ne jaetaan keulaan, hyppyselliseen, lyömäsoittimeen, shokki-näppäimistöön, pinch-näppäimistöön.
TACT   - Musiikkimittarin erityinen muoto ja yksikkö.
TEEMA   - rakennus, joka muodostaa musiikkiteoksen tai sen osien perustan.
TONE   - äänelle tai soittimelle ominaisen äänen väri.
TEMP   - metristen laskentayksiköiden nopeus. Tarkka mittaus toimii metronomina.
LUONNE   - äänijärjestelmän portaiden välisten aikavälisuhteiden kohdistaminen.
TONIC   - fretin päävaihe.
transkriptio   - musiikkiteoksen sovittaminen tai ilmainen, usein virtuoosinen käsittely.
liverrys   - irisiroiva ääni, joka syntyy kahden vierekkäisen äänen nopeasta toistosta.
alkusoitto   - Orkesterinäyttö ennen teatteriesitystä.
SHOCK   TYÖKALUT - instrumentit, joissa on nahkakalvo tai jotka on valmistettu materiaalista, joka kykenee soittamaan itsensä.
UNISON   - saman soiton samanaikaisesti useiden soittoäänien soittaminen.
LASKU   - teoksen erityinen äänikuva.
falsetti   - yksi miesten lauluäänen rekistereistä.
Fermata   - tauko pysähdys, yleensä kappaleen lopussa tai sen osien välillä; ilmaistuna äänen tai tauon keston pitenemisenä.
LOPULLINEN   - Syklisen musiikkiteoksen viimeinen osa.
koraali   - Uskonnolliset laulut latinaksi tai äidinkieleksi.
kromatiikkaa - Kahden tyyppinen rasterointivälijärjestelmä (muinaiskreikkalainen ja uusi eurooppalainen).
ISKUT   - menetelmät äänen ottamiseksi jousitettuihin instrumentteihin, jolloin äänelle on erilainen luonne ja väri.
ALTISTUMISTAPA   - 1) sonaattimuodon alkuosa, jossa hahmotellaan teoksen pääteemat; 2) fugan ensimmäinen osa.
ESTRADA   - eräänlainen musiikillinen esittävä taide