Puteri Turandot: Puteri Turandot ialah heroin drama dongeng Turandot dan opera berdasarkannya. Persembahan Puteri Turandot berdasarkan drama Turandot di Teater Vakhtangov Moscow. Lihat juga Turandot ... Wikipedia

PUTERI TURANDOT- "PRINCESS TURANDOT", USSR, TsT, 1971, b/w, 145 min. Persembahan, kisah dongeng. Berdasarkan kisah dongeng oleh Carlo Gozzi Vakhtangov, dipentaskan pada tahun 1922 oleh Evgeny Vakhtangov dan dipulihkan oleh Ruben Simonov. Tontonan… Ensiklopedia Pawagam

Puteri Turandot (Teater Vakhtangov)- Istilah ini mempunyai makna lain, lihat Puteri Turandot. Air pancut "Puteri Turandot" di Arbat, di hadapan Teater Vakhtangov. "Puteri Turandot ... Wikipedia

Turandot- Turandot ialah nama Parsi yang bermaksud "anak perempuan Turan". Karya artistik "Turandot" ialah drama dongeng oleh Carlo Gozzi dalam genre commedia dell'arte (1762). Opera "Turandot" oleh Ferruccio Busoni (1917). Opera "Turandot" oleh Giacomo ... ... Wikipedia

Turandot (opera)- Istilah ini mempunyai makna lain, lihat Turandot. Opera Turandot ital. Turandot ... Wikipedia

Seorang puteri- Putera (Prinz Jerman, putera Inggeris dan Perancis, príncipe Sepanyol, dari princeps Latin pertama) adalah salah satu gelaran tertinggi wakil bangsawan.Perkataan Rusia "putera" bermaksud wakil keturunan langsung raja, dan juga, dengan dekri khas, ahli lain ... ... Wikipedia

TURANDOT- (Turandot Itali) heroin tragicomedy C. Gozzi "Turandot" (1761). Anak perempuan maharaja China, T. yang cantik dan cerdik pandai telah pun menolak beberapa pelamar. Mereka membayar dengan nyawa mereka kerana gagal menyelesaikan tiga teka-tekinya. Diam-diam tiba di Beijing ... ... wira sastera

Teater Akademik Negeri. E. Vakhtangov- Bangunan teater moden Lokasi Moscow, Arbat, 26 Koordinat 55.749722 ... Wikipedia

Teater Akademik Negeri dinamakan sempena E. Vakhtangov- Teater Akademik Negeri. E. Vakhtangov Lokasi Moscow ... Wikipedia

Vakhtangov- Teater Akademik Negeri. E. Vakhtangov Bangunan moden teater Lokasi Moscow, Arbat, 26 Diasaskan 1921 Pengarah Sergey Sosnovsky Pengarah artistik Rimas Tuminas ... Wikipedia

Buku

• Puteri Turandot, Gozzi Carlo. Siri "Cerita untuk Teater" memperkenalkan pembaca kepada jenis karya istimewa. Bukan sahaja sastera yang indah: adegan itu memberikan buku kehidupan kedua. Biografi beberapa terkenal ... Beli untuk 766 rubel
• Puteri Turandot, Gozzi K. Siri "Cerita untuk Teater" memperkenalkan pembaca kepada jenis karya yang istimewa. Bukan sahaja sastera yang indah: adegan itu memberikan buku kehidupan kedua. Biografi beberapa orang terkenal...

Perkara pertama yang terlintas di fikiran apabila anda mendengar nama kisah dongeng oleh Carlo Gozzi "Puteri Turandot"- Teater Vakhtangov.
Simbol Teater Seni Moscow ialah "Seagull", manakala Vakhtangovites mempunyai "Turandot".
Persembahan itu benar-benar legenda. Persembahan pertama berlaku pada musim sejuk tahun 1922. Pengarah - Evgeny Vakhtangov. Artis - Ignat Nivinsky. Cecilia Mansurova - puteri, Yuri Zavadsky - Putera Calaf, Anna Orochko - Adelma, Boris Zakhava, Boris Shchukin, Ruben Simonov dan pembesar lain sekolah teater Rusia diduduki dalam peranan lain.
Pada tahun 1963, Ruben Simonov memulihkan prestasi, dengan Yulia Borisova (Turandot), Vasily Lanov (Putera Calaf), Lyudmila Maksakova (Adelma), Mikhail Ulyanov, Yuri Yakovlev dan pelakon lain. Terdapat juga penjelmaan semula ketiga persembahan pada tahun perestroika 1991.

Kenapa saya mahu bercakap tentang Puteri Turandot?
Saya ada di tangan saya sebuah buku yang benar-benar luar biasa ( rumah penerbitan SENI Volkhonka, dengan bantuan Muzium Teater Pusat Negeri Bakhrushin dan sokongan Yayasan Amal AVC). Buku itu adalah sebahagian daripada siri "Sejarah untuk teater" dan nilai utamanya terletak pada fakta bahawa sebagai tambahan kepada kehadiran fiaba yang paling terkenal ("dongeng" Itali), ia menceritakan tentang sejarah kejadiannya (Gozzi tidak mengarang drama ini sendiri, tetapi meminjam plot sebuah Puisi Parsi), tentang bagaimana kisah dongeng itu sampai ke Rusia dan oleh siapa ia berubah menjadi persembahan mercu tanda di pentas Vakhtangov yang terkenal.

Sangat mudah untuk membayangkan berapa ramai orang, melihat nama itu, akan berkata: Mengapa kita memerlukan Puteri Turandot sekarang?? Ya, terdapat pengeluaran yang begitu lama, ya, kad panggilan Teater Vakhtangov, ya, bintang-bintang teater Rusia bersinar di dalamnya, tetapi sekarang, mengapa kita memerlukan begitu banyak maklumat tentang persembahan, yang pada tahun 2006 mereka memutuskan untuk "menggantung"?
Jawapannya akan begini.
Mengumpul semua pautan rantaian kronologi yang berbeza ini, pembaca akan merasakan penyertaan yang memberi kehidupan dalam proses kreatif penciptaan, dan tenaga ini merangsang, menghantar arus elektrik panas, bangun, bangun, menyedarkan anda tentang kekuatan dan kebolehan anda sendiri. Pembaca bukan sahaja pembaca, dan bukan sahaja penonton, tetapi peserta, bersembunyi di sebalik tabir dan mata terbakar dengan rasa ingin tahu, memerhati keajaiban kelahiran persembahan yang unik.

Lihatlah berapa lama Turandot telah datang, setelah dilahirkan di Parsi, diterjemahkan di Itali, diperhatikan dan dibawa ke Rusia, ke pentas.
Pavel Antokolsky, penyair, perasan Evgenia Vakhtangov ke dalam Fiaba Gozzi, menterjemah teka-teki Puteri. Mikhail Osorgin- menterjemah teks utama dengan cemerlang. komposer Nikolai Sizov menulis muzik. Alexander Kozlovsky mengarang Turandot Waltz yang terkenal. Penulis drama Nikolai Erdman- ditulis oleh. Pereka fesyen dan pereka pakaian teater Nadezhda Lamanova- berpakaian semua watak.

Saya masuk dan

Lakaran pemandangan dan pakaian digunakan sebagai ilustrasi dalam buku. Ignat Nivinsky. Dia datang ke teater pada tahun 1921 atas jemputan Yevgeny Vakhtangov sendiri, yang menjemput ahli etsa yang diiktiraf ini untuk keupayaannya "untuk menyampaikan sandiwara yang jelas dengan imej bersyarat dan singkat."
"China" yang bersyarat dan hebat dibina di atas pentas dari satah condong dan hieroglif pada langsir yang terang. Vakhtangov menetapkan matlamat untuk Nivinsky "untuk menjadikan pemandangan itu dimainkan, untuk mengambil bahagian dalam aksi drama itu, dan bukan hanya sebagai latar belakang untuknya." Artis mengatasi tugas ini dengan mempesona.
"China" Nivinsky adalah bersyarat dan terang - ia pada masa yang sama menyampaikan rasa Cina dan mencipta suasana karnival Venice di atas pentas (jangan lupa bahawa Gozzi adalah orang Itali dan tinggal di Venice).
Reka bentuk pakaian adalah hasil kerja bersama Vakhtangov dan Nivinsky. Pereka fesyen Nadezhda Lamanova merangkumi mereka dalam perkara. Mereka diilhamkan sebagai moden (baju ekor untuk lelaki dan pakaian elegan untuk wanita), dan elemen eksotik (jubah, pedang, serban, seprai) mengubah pelakon menjadi watak teater topeng tradisional Itali - commedia dell'arte (sejenis dataran rakyat. seni). Gozzi memperkenalkan watak-watak Itali kegemaran ini ke dalam teks cerita dongeng tentang puteri Cina, secara organik "mencairkannya" dengan jenaka Pantaloon, Truffaldino, Tartaglia, Brighella.

Buku seperti "Puteri Turandot" boleh dipanggil khazanah sebenar. Pada zaman kita, dengan kasih sayang, ketelitian, perhatian dan minat yang tulus, untuk menerbitkan sebuah buku yang ditulis dalam bahasa Rusia yang sangat baik, secara terperinci, menarik, mudah dan sepenuhnya tanpa jemu, tanpa kekeringan ensiklopedia dan kebosanan profesor, beritahu pembaca keseluruhan selok-belok pengeluaran Vakhtangov yang terkenal.
Terima kasih banyak kepada penerbit untuk ini. SENI Volkhonka.

Item hadiah mewah.
Buku itu ditujukan (ia akan menarik) kepada pencinta teater dari semua peringkat umur, dan kepada semua orang yang berbudaya.
Dikeluarkan dalam edisi terhad.

Orang bijak: Hebat: Matahari, Matahari, Matahari!
Carlo Gozzi "Puteri Turandot"

Rumah penerbitan ART Volkhonka
dalam labirin
dalam Ozon

BUKU FOTO

Abad XII, menulis dalam bahasa Parsi. Pada tahun 1712, orientalis terkenal Petit de la Croix menerbitkan koleksi cerita Parsi, di mana ia pertama kali diterbitkan. Kemudian, dia boleh didapati dalam koleksi cerita dongeng "1001 Hari" dan "Kabinet Dongeng". Dari buku-buku inilah Gozzi mengambil plot untuk banyak karyanya. Selanjutnya dalam artikel itu, pembaca akan dapat mencari ringkasannya. "Puteri Turandot" ternyata menjadi plot yang sangat menarik, memberikan kehidupan kepada produksi opera dan teater dengan nama yang sama.

Bangga Kecantikan

Dalam produksi Vakhtangov, pelakon tidak memainkan watak itu sendiri, tetapi pelakon rombongan Venetian. Ia ternyata sejenis matryoshka. Persaingan antara Turandot dan Adelma adalah pada masa yang sama perjuangan dua primadona untuk hati kekasih pahlawan, Calaf. Malangnya, tafsiran ini hilang secara beransur-ansur dan penonton generasi terkemudian melihat persembahan yang sama sekali berbeza yang dipanggil "Puteri Turandot".

Teater Vakhtangov adalah tempat yang paling banyak dikunjungi di teater Moscow, saksi menulis bahawa penonton naik ke belakang kerusi mereka dengan gembira. Teks ejekan yang ironis dari selingan, permainan yang disengajakan dengan menggunakan alat peraga mudah - semua ini mencipta pesta karnival di atas pentas.

Petunjuk dan kiasan

Topeng para pelakon boleh ditafsir secara simbolik secara mendalam. Tidak hairanlah teater itu sentiasa mempunyai orientasi sosial yang akut. Ingat Gogol The Government Inspector. Pada zaman Soviet, apabila mungkin untuk menyatakan secara langsung hanya cinta yang tidak terkawal untuk parti, bentuk seni alegori seperti itu hanya dapat membantu menghilangkan jiwa.

Maharaja Altoum tergila-gilakan anak perempuannya - seorang lelaki tua penyayang yang tidak berbahaya. Tetapi di negaranya tidak ada adat yang lembut dan undang-undang yang agak kejam. Orang bijak yang bodoh dari Divan adalah pegawai yang patut diambil contoh. Dengan tugas utama mereka - sepanjang masa mengangguk setuju - mereka melakukan kerja yang sangat baik. Di negara yang hebat ini, semuanya baik-baik saja, semua orang tersenyum dan berjabat tangan dengan lembut antara satu sama lain. Tetapi tinggal di sana tidak selesa dan menakutkan. Tidak hairanlah jika persembahan ini pernah menjadi kejayaan yang luar biasa.

Di mana anda boleh bertemu Turandot hari ini?

Pada tahun 1991, anugerah teater paling berprestij, Crystal Turandot, telah ditubuhkan. Idea penciptaannya datang ke fikiran pengeluar Boris Belenky. Dalam dokumen program, Moscow ditakrifkan sebagai tempat untuk upacara anugerah, kerana ia adalah puncak teater Rusia.

Kemuncak anugerah ini ialah juri terdiri daripada mereka yang tidak ada kena mengena dengan teater - penulis, artis, pemuzik. Itulah sebabnya ia dipanggil bebas. Ramai pelakon terkenal dan disayangi adalah pemilik "Crystal Turandot": I. Churikova, O. Efremov, O. Tabakov, M. Ulyanov dan lain-lain.

Kisah dongeng K. Gozzi yang paling terkenal ternyata sangat prolifik untuk generasi akan datang. Kami harap artikel ini membantu anda mengetahui ringkasannya. "Princess Turandot" oleh Puccini, serta persembahan dengan nama yang sama, kini akan menjadi lebih jelas kepada anda jika anda memutuskan untuk melawat opera atau teater.

Hari berlalu berganti hari... Lanovoy Vasily Semenovich

"Puteri Turandot"

"Puteri Turandot"

Ya, sesi latihan, tamat pengajian dan persembahan sarjana muda memberi banyak manfaat dalam menguasai profesion masa depan, dan sekolah yang diasaskan oleh E. B. Vakhtangov. Tetapi masih sekolah utama di hadapan. Saya bernasib baik sekali lagi, saya menguasainya, terus belajar dari tuan terkenal - pelajar dan rakan sekutu Vakhtangov, untuk belajar dalam proses mengerjakan persembahan. Dan dalam pengertian ini, K. Gozzi mempelajari pelajaran terbesar, paling berguna dan tidak ternilai untuk dirinya sendiri dalam kerja-kerja penyambungan semula persembahan terkenal kami "Puteri Turandot". Benar, sebelum dia ada peranan dalam persembahan lain. Pada masa yang sama, setiap peranan untuk pelakon pemula adalah yang utama dan memerlukan penyelarasan lengkap kepadanya, pulangan dalaman, kerana tidak ada lagi yang dapat mengimbangi pengetahuan dan pengalaman yang hilang dalam teater. Tetapi tidak dinafikan, latihan, dan kemudian persembahan "Puteri Turandot" memberi saya yang paling banyak dalam hal ini, momen-momen manis yang jarang berlaku yang anda ingat sebagai hadiah nasib yang hebat dan yang tidak sering berlaku dalam kehidupan seorang pelakon. .

"Puteri Turandot" adalah sepanduk kami, masa muda kami, lagu kami, serupa dengan yang dibunyikan dan terus dibunyikan hingga ke hari ini di Teater Seni Moscow "The Blue Bird" oleh M. Maeterlinck. Dan setiap generasi pelakon (dalam kedua-dua teater) bermimpi untuk menyanyikannya. Barulah saya sedar betapa gembiranya berada dalam kumpulan yang menyediakan persembahan ini. Adalah bertuah bahawa masanya telah tiba untuk memperbaharuinya, bahawa Ruben Nikolaevich Simonov melihat saya di antara mereka yang dianggapnya perlu untuk "melewati" melalui Turandot.

Ya, Calaf bukanlah peranan pertama saya dalam teater, tetapi dialah yang menjadi yang paling mahal, paling diperlukan dan sangat diperlukan dalam menguasai sekolah Vakhtangov. Peranan inilah yang menjadikan saya seorang Vakhtangovite. Persembahan ini menjadi ujian sebenar terhadap kemungkinan kreatif pelakon teater kami. Di atasnya, pelakon muda buat pertama kalinya dengan serius dan mendalam mempelajari pelajaran Vakhtangov dan sekolahnya.

Benar, teater tidak dapat membuat keputusan untuk masa yang lama untuk menyambung semula "Puteri Turandot". Tanggungjawab mereka yang berani menyentuh apa yang menjadi legenda untuk semua orang, apa yang suci itu terlalu tinggi. Dan sikap terhadap idea yang menggoda dan menakutkan ini berbeza dalam teater. Tidak semua orang percaya dengan kejayaan kes itu, mereka takut mereka pasti akan dibandingkan dengan persembahan pertama itu dan perbandingan ini tidak akan memihak kepada kami. Tetapi godaan itu terlalu hebat untuk cuba memulihkan apa yang diberitahu sebagai legenda, untuk memulihkan ciptaan tertinggi Yevgeny Bagrationovich dalam semua realiti, penglihatan, dan bukan sahaja dari buku dan kenangan saksi mata yang gembira-saksi keajaiban tahun dua puluhan itu. .

Mereka takut bahawa pelakon tidak lagi dapat bermain seperti yang pernah dilakukan oleh Ts. L. Mansurova, Yu. A. Zavadsky, B. V. Shchukin, R. N. Simonov, B. E. Zakhava. Skala itu berubah-ubah untuk masa yang lama antara "sepatutnya" dan "sepatutnya". Akhirnya memutuskan bahawa semua yang sama "ia adalah perlu." Mereka beralasan seperti ini: "Bagaimana keadaannya, Teater Vakhtangov - dan tanpa persembahan terbaiknya?" Di samping itu, detik penting dalam penyelesaian positif isu ini ialah keprihatinan terhadap pendidikan generasi baharu pelakon sekolah ini. Lagipun, "Puteri Turandot" adalah persembahan di mana generasi pertama pelakon dibesarkan. Dari tahun 1921 hingga 1940, hampir semua pelakon teater melalui sekolah ini. Lebih-lebih lagi, kami memerlukannya, yang tidak melihat persembahan ini.

Latihan bermula pada tahun 1962, dan ia mengambil masa hampir setahun untuk tayangan perdana.

Kami bermula dengan kajian menyeluruh tentang persembahan Vakhtangov, memulihkannya dari ingatan, dari bahan sastera, dari lakaran, lukisan oleh artis, dan gambar. Kami mencuba langkah demi langkah untuk pergi ke semua cara penciptaannya oleh pengarah. Mereka mengkaji kemudahan dalam sebutan teks, kemudahan pergerakan, gabungan kesungguhan dan ironi yang boleh diterima dalam persembahan ini, mereka mendapati ukuran realiti dan konvensyen di dalamnya. Mula bekerja pada persembahan, mereka segera mengajukan soalan: "Bagaimana anda melihat drama ini hari ini dan menjemput Vakhtangov sendiri untuk bermain di dalamnya?" Jelas sekali, tidak akan ada pengulangan literal apa yang dicipta lebih daripada empat puluh tahun yang lalu. Bukan kebetulan bahawa Yevgeny Bagrationovich sendiri, sudah dalam proses latihan persembahan, bertanya kepada pelakon jika mereka bosan bermain dalam satu lukisan dan jika mereka boleh mengubah sesuatu di dalamnya. Itulah sebabnya kita paling tidak melihat persembahan itu sebagai satu peringatan, di mana tiada apa yang boleh diubah, tiada apa yang boleh disentuh.

Dalam amalan teater tidak ada dan tidak boleh menjadi pengulangan tepat satu persembahan. Mana-mana daripada mereka, walaupun yang paling disahkan oleh pengarah dari segi masa, dari segi mise-en-scenes, setiap kali akan sekurang-kurangnya sedikit, tetapi masih berbeza. Lebih-lebih lagi, "Puteri Turandot", bentuk yang bukan sahaja membenarkan, tetapi mencadangkan, setiap kali menyediakan sesuatu yang baru, sehingga replika baru, ulangan. Oleh itu, jika persembahan lain diteruskan dengan pematuhan yang sama terhadap teks drama yang tepat, maka di sini teks juga boleh berubah bergantung pada permainan yang dimulakan oleh topeng, atau sebaliknya, bergantung pada masa, pada situasi, di tempat tindakan yang menentukan kepada mereka sebutan satu atau teks lain. Jadi, untuk pengeluaran baharu, teks selingan telah ditulis khas, pelarasan dibuat pada reka bentuk persembahan dan, sudah tentu, kepada prestasi peranan mereka oleh pelakon. Apabila persembahan disambung semula, meneruskan dari rancangan amnya, "dari reka bentuk peringkat umum yang dibangunkan oleh Vakhtangov, tetapan pentas utama yang telah menjadi klasik dan, sudah tentu, pemeliharaan plot kanonik, ia telah memutuskan untuk tidak menyalin yang pertama. persembahan dengan penuh teliti, tetapi untuk memperkenalkan motif masa konsonan yang baharu, terutamanya dari segi topeng. Dalam mencipta imej, mereka telah ditolak sekarang sudah diberikan bukan kepada Mansurova, tetapi kepada Yulia Borisova, bukan kepada Zavadsky, pelaku peranan Calaf, tetapi kepada Lanovoy. Apa yang organik dan semula jadi untuk Yuri Alexandrovich Zavadsky dan Cecilia Lvovna Mansurova mungkin asing bagi kita. Oleh itu, walaupun pada hakikatnya dalam persembahan kami, kami mengambil banyak daripada pendahulu dan guru kami, kami terpaksa membawa lebih banyak lagi peranan kami sendiri, yang hanya wujud kepada kami. Begitu juga dengan penghibur lain yang datang ke peranan kami kemudian. Mereka juga, tanpa melanggar corak umum persembahan, menggunakan sesuatu yang ditemui oleh pelakon lain sebelum mereka, mencari cara mereka sendiri untuk imej, warna mereka sendiri dalam penciptaannya.

Yuri Alexandrovich Zavadsky, seperti yang mereka katakan, berperanan sebagai putera Kalaf, seperti yang mereka katakan, dari kepala hingga kaki. Putera dengan darah, begitu megah, agak indah, gerak-gerinya sedikit perlahan, megah, posenya cantik, ucapannya halus, agak sombong. Ia adalah seorang putera yang sangat mengambil berat tentang penampilannya, bagaimana orang lain melihatnya, bagaimana dia berdiri, bagaimana dia bergerak, bagaimana dia bercakap.

Saya, mengikut data saya, dalam perangai, dalam watak, sama sekali berbeza. Sebagai tambahan kepada perbezaan dalam data lakonan, ia juga sangat penting bahawa persembahan disambung semula pada masa yang berbeza - irama kehidupan lain menentukan irama pentas lain, pandangan kita terhadap wira, pandangan estetik kita telah berubah dalam beberapa cara - ini juga tidak boleh diabaikan. Kedua-dua Ruben Nikolaevich Simonov dan Iosif Moiseevich Tolchanov memberi amaran kepada saya agar tidak menyalin Kalaf yang dahulu, sentiasa mengingatkan saya bahawa seseorang itu mesti pergi dari diri sendiri dan hanya dari diri sendiri, walaupun seseorang mempunyai contoh prestasi cemerlang Calaf seperti Zavadsky di hadapan mata. Dan apabila saya bagaimanapun mengikutinya dalam sesuatu, saya segera mendengar peringatan bahawa hari ini seseorang mesti mengasihi dengan lebih berani, lebih bertenaga, bahawa pada zaman kita bahawa penghalusan adab tidak akan lagi dilihat seperti dahulu.

Semasa mengerjakan Kalaf, Tolchanov, berbeza dengan topeng, meminta daripada saya keseriusan penuh tingkah laku saya di atas pentas, menuntut saya benar-benar mengharungi detik-detik peranan yang sangat dramatik. Dan, cuba mematuhi arahan pengarah dengan teliti, Calaf saya yang berputus asa menangis, dan pengarah menuntut lebih banyak lagi dramatisasi wira, dan saya memukul dada saya, menangis teresak-esak kerana cinta saya yang tidak bahagia:

Kejam, awak minta maaf

Bahawa dia tidak mati

Siapa yang sangat menyayangi awak.

Tetapi saya mahu awak memenangi hidup saya juga.

Inilah dia di kakimu, Kalaf itu,

siapa yang anda tahu anda benci

Siapa yang menghina bumi, langit

Dan di hadapan mata anda dia mati kerana kesedihan.

Dan saya berfikir dalam hati: "Tetapi ini tidak benar. Bagaimanakah mungkin untuk menyebut teks ini dengan serius? Akhirnya, dia tidak tahan, dia bertanya: "Adakah perlu di sini dengan ironi?" Tetapi sebagai tindak balas saya mendengar perkara yang sama: “Tiada ironi! Semua dalam semua kesungguhan. Lagi serius lagi bagus."

Di sebelah permainan topeng, anda secara tidak sengaja tunduk kepada mood mereka, anda mula terbawa-bawa dan pergi untuk jenaka, tetapi di sini sekali lagi semua peringatan yang sama, sekarang kepada Cecilia Lvovna: "Lebih serius, lebih serius ... Humor adalah keistimewaan topeng, dan wira memimpin parti mereka dengan serius.” Dan saya meneruskan dengan semangat dan kesungguhan yang lebih besar untuk merayu kepada Turandot yang tidak berhati perut.

Dan sememangnya, "kesungguhan melampaui batas" bertukar menjadi lucu. Inilah yang R. N. Simonov mahu daripada saya. Dan saya secara peribadi yakin tentang ini pada persembahan pertama di hadapan penonton. Semakin mengalir air mata, semakin kuat esakan, semakin rancak reaksi penonton, semakin meledak ketawa. Penerimaan, boleh dikatakan, dari sebaliknya. Berikut ialah teknik Vakhtangov yang tepat dalam persembahan ini.

Dalam adegan apabila Calaf menaikkan kad puteri, dia melihat imejnya dengan kegembiraan, kelembutan, cinta, dan dengan segala kesungguhan berkata teks itu:

Tidak boleh,

Supaya wajah syurga yang menakjubkan ini,

Pandangan lembut berseri dan ciri lembut

Milik raksasa, tanpa hati, tanpa jiwa...

Wajah syurga, memanggil bibir,

Mata seperti mata cinta dewi ...

Tetapi selepas saya mengatakan semua ini, saya menukar potret puteri ke dalam dewan, dan penonton melihat, bukannya "wajah syurga", "pandangan lembut berseri" puteri, sejenis lukisan yang tidak masuk akal, sebagai kanak-kanak yang baru mula melukis menggambarkan ibu dan ayah. Melihat lukisan sedemikian, saya baru sahaja mengeluarkan kata-kata yang lembut dan bersemangat untuk mengiktiraf perasaan saya terhadap puteri. Teknik sedemikian diletakkan di tengah-tengah persembahan - keseriusan lengkap Calaf dalam pengakuannya terhadap potret Turandot yang tidak masuk akal. Gabungan keseriusan dan ironi, perasaan sebenar dan konvensional, memberikan mood yang diperlukan untuk persembahan, mendedahkan kaedah yang tepat di mana ia dibina.

Teknik yang sama digunakan dalam adegan malam dengan Adelma, apabila Calaf mendapat tahu bahawa puteri telah mengkhianatinya. Pada masa ini, dia mempunyai kasut di tangannya, yang dia tidak sempat memakainya. Dan dalam keadaan terdesak, Calaf memukul dadanya dengan kasut ini, dengan serius, dengan suara yang tragis berkata:

Maaf, hidup!

Mustahil untuk melawan nasib yang tidak dapat dielakkan.

Rupa awak, kejam, akan meminum darah saya.

Hidup, terbanglah, kamu tidak boleh lari dari kematian...

Sekali lagi helah yang sama. Keseriusan sepenuhnya, suaranya tragedi dan gerak isyarat yang tidak masuk akal: Calaf memukul dadanya dengan kasutnya. Lebih-lebih lagi, lebih serius saya melakukannya, lebih cerah penerimaannya didedahkan. Bukan saya, bukan sikap saya terhadap peristiwa yang digambarkan di atas pentas, yang menghilangkan keseriusan dan memberikan bunyi ironis kepada persembahan, tetapi lukisan di atas sehelai kertas yang penonton lihat selepas pengakuan saya, kasut dengan yang saya memukul dada saya. Permainan kami - Calaf, Turandot, Adelma - harus dibina atas perasaan yang ikhlas, dengan air mata yang sebenar.

Pernah, semasa salah satu persembahan, satu insiden berlaku yang akhirnya meyakinkan saya betapa tepatnya teknik itu, betapa tidak silapnya ia berfungsi walaupun dalam keadaan yang tidak dijangka dan tidak dijangka oleh pencipta persembahan.

Kebetulan pada salah satu persembahan, pelakon yang membawa keluar potret puteri tidak memiliki potret ini. Saya melihat bagaimana dia meletakkan tangannya di bawah jaket untuk mengeluarkannya, dan kemudian bertukar menjadi putih. Terdapat jeda yang singkat, tetapi, mujurlah, dia tidak lama lagi ditemui, menjadikannya seolah-olah dia mempunyai potret. Permainan dimulakan dengan subjek yang dimaksudkan. Dia seolah-olah mengeluarkannya dan meletakkannya di atas lantai. Saya tiada pilihan selain menerima syarat permainannya. Saya berpura-pura melihat potret itu, mengangkatnya dan, melihatnya (dengan tangan saya sendiri), saya mengucapkan kata-kata terkejut yang sudah biasa melihat keindahan Turandot. Kemudian saya memalingkan tapak tangan saya kepada penonton, menunjukkannya kepada penonton, dan, yang mengejutkan saya, penonton bertindak balas dengan cara yang sama seolah-olah saya mempunyai potret yang dilukis di tapak tangan saya. Kes ini menunjukkan dengan cara yang terbaik bahawa penonton akan melihat mana-mana konvensional dengan betul jika teater mengumumkan penerimaan dengan tepat, jika dia memahami keadaan permainan. Walaupun selepas kejadian ini, kami mempunyai idea untuk memainkan persembahan seterusnya dengan cara ini, "dengan tapak tangan", dan bukan potret. Tetapi mereka tetap memutuskan untuk tidak meninggalkan gambar itu, ia dilihat oleh penonton dengan lebih jelas, lebih jelas.

Selari dengan kerja saya di Calaf, Yulia Borisova mencipta imejnya sendiri Puteri Turandot. Cecilia Lvovna - pelakon pertama peranan ini - bukan sahaja memberitahu kami tentang persembahan itu, tetapi juga memainkan beberapa detiknya. Dengan persembahannya, kecerahan, perangai prestasi, dia memberikan idea paling jelas tentang cara anda boleh bermain dalam persembahan ini. Tetapi pada masa yang sama, bukan sahaja dia tidak berkeras untuk mengulangi apa dan bagaimana dia melakukannya, tetapi dia menuntut pendekatan bebas terhadap peranan itu dan sangat gembira dengan setiap penemuan pelakon itu, keputusan yang tidak dijangka dari adegan ini atau itu.

Ingin tahu dengan sendirinya adalah hakikat bahawa Vakhtangov memilih Mansurova untuk peranan Turandot. Yevgeny Bagrationovich sendiri menjelaskan pilihannya dengan fakta bahawa jika dia tahu dan boleh mengatakan terlebih dahulu bagaimana pelakon lain akan memainkan peranan ini, maka dia berkata tentang Mansurova bahawa dia tidak tahu bagaimana dia akan membuka diri dalam peranan ini, dan dia berminat. Persembahan, yang dibina sebahagian besarnya berdasarkan improvisasi, memerlukan unsur-unsur kejutan dalam permainan pelakon.

Kejutan setiap langkah baru - ini dijangka oleh Cecilia Lvovna daripada kami, penghibur baharu dalam "Puteri Turandot".

Satu contoh bagaimana, melalui usaha seorang pelakon, latihan khas, pengulangan berulang-ulang mereka, seseorang boleh mencapai bukan sahaja prestasi peranan yang sempurna, tetapi pada masa yang sama mengubah kekurangan fizikal seseorang menjadi kebaikan ... Cecilia Lvovna tahu bahawa dia mempunyai tangan yang hodoh secara semula jadi - jari yang pendek, tidak fleksibel, bukan plastik, berasa malu dengan perkara ini dan mengalami kesakitan yang kurang berlakon. Semasa latihan, dia tidak tahu di mana hendak meletakkan tangannya, dan dengan itu menarik perhatian lebih kepada mereka. Vakhtangov melihat ini dan di hadapan semua orang, tidak melepaskan kesombongannya, tanpa belas kasihan memukulnya di tangan, dari mana dia terus menangis. Dan dia melakukannya dengan sengaja untuk memaksanya melakukan gimnastik tangan, dan dia mencapai matlamatnya. Masa depan Turandot setiap hari untuk masa yang lama, sehingga sakit fizikal, sehingga penyeksaan diri, dia melakukan latihan khas untuk tangannya. Dan selepas dia memainkan peranan ini, dia dengan bangga memberitahu bahawa baginya ulasan yang paling menyenangkan dari penonton dan rakan sekerja di atas pentas adalah mereka yang menyatakan kekaguman untuk tangannya, keplastikan, kecantikan mereka. Pada kesempatan ini, dia teringat dengan rasa terima kasih Vakhtangov, yang memaksanya untuk membawa apa yang tidak sempurna dalam dirinya secara semula jadi kepada kesempurnaan, kepada kebajikan.

"Puteri Turandot" - ini adalah kerja bersama pertama kami dengan Yulia Konstantinovna Borisova. Berlatih dengannya dan kemudian bermain dalam persembahan adalah kebahagiaan, lakonan dan manusiawi yang hebat. Saya melihat bagaimana dia menjalankan peranannya, bagaimana dia bimbang, dan ada sebab untuk berperanan sebagai Turandot selepas Cecilia Lvovna Mansurova, seorang legenda dalam peranan ini, sama sekali tidak mudah, bertanggungjawab dan berisiko.

Komunikasi dengan Yulia Konstantinovna memberi saya banyak, tidak begitu banyak, mungkin, dalam menguasai teknik kraf, teknologi kreativiti, tetapi dalam sikap terhadap teater, kepada rakan kongsi di atas pentas, dalam etika pelakon, dalam pemberian diri sendiri, dalam perkhidmatan yang tidak berminat kepada teater, pengabdian kepadanya, mood berterusan untuk kreativiti, kesediaan untuk terlibat dalam kerja pada bila-bila masa dan meneruskannya sehingga berpeluh, hingga ke tahap keletihan, dan ini adalah yang tertinggi. tahap profesionalisme. Bagaimana dia mengekalkan hubungan dengan rakan kongsi, betapa mudah alih, bersedia di atas pentas untuk sebarang penambahbaikan, bagaimana sebenarnya dia merasakan keadaan semasa pasangannya! ..

Untuk menjelaskannya, untuk kejelasan, saya hanya akan memberikan dua contoh daripada kerja bersama.

Semasa salah satu latihan, kami bertengkar dengannya kerana pembinaan mise-en-scene. Pada pandangan saya, mise-en-scène itu tidak berjaya, saya berasa tidak selesa di dalamnya, ada sesuatu yang perlu diubah di dalamnya. Julia tidak bersetuju dengan saya, tetapi saya bersedia untuk mempertahankan diri saya sendiri. Segala-galanya akan ke tahap bahawa pertengkaran kami sepatutnya meningkat, tetapi ... saya melihat bagaimana dia tiba-tiba menjadi berjaga-jaga, membuat "berhenti" dan entah bagaimana membuat konsesi dengan lembut. Kemudian pengarah datang, dan semua masalah hilang dengan sendirinya. Tetapi bahawa pertikaian kami dan betapa mudah dan cepat dia membuat konsesi - maka semua ini mengejutkan dan membingungkan saya. Nampaknya pelakon muda itu tidak bersetuju dengan sesuatu! Tetapi, bertahun-tahun kemudian, apabila saya mengingatkan Yulia Konstantinovna tentang kejadian lama itu semasa latihan Turandot, dia memberitahu saya: "Vasya, lebih penting bagi saya untuk mengekalkan hubungan dengan pasangan saya daripada mendesak saya sendiri." Baginya, ini adalah perkara utama - untuk mengekalkan hubungan baik dengan rakan kongsi, tidak mengganggu proses kreatif, tidak membenarkan rungutan peribadi, permusuhan, perselisihan faham yang mengganggu kreativiti ke dalam kerja. Dan tidak pernah ada dalam hidupnya, dalam apa jua keadaan, saya tidak ingat perkara sedemikian yang dia membenarkan dirinya berhubung dengan seseorang yang tidak menghormati, sedikit pun tanpa kebijaksanaan. Selama bertahun-tahun, berapa banyak kami telah bermain dengannya, dan terdapat situasi yang berbeza, agak sukar, detik-detik tajam dalam kerja, kami tidak pernah mengalami (dan ini berkat dia) komplikasi yang sekurang-kurangnya sedikit sebanyak boleh menjejaskan prestasi . Ia adalah mustahil dalam perniagaan kami sebaliknya. Sangat sukar untuk bermain dengan pasangan yang anda tidak suka, ia menghalang.

Berdasarkan pengalaman peribadi, saya boleh mengatakan dengan pasti bahawa dalam teater (dan secara umum dalam kreativiti dan dalam kehidupan) adalah perlu untuk mengelakkan, hanya menghapuskan konflik, terutamanya dengan pelakon yang anda terlibat dalam persembahan. Ini pasti akan memberi kesan kepada kerja anda. Saya membuat kesimpulan ini kemudian, dan sekali lagi bukan tanpa bantuan Yulia Borisova. Ya, teater ialah karya kolektif, dan kejayaan atau kegagalan anda bergantung pada cara pasangan anda hidup bersama anda di atas pentas dalam satu peranan atau yang lain. Saya tidak faham, oleh itu, pelakon seperti itu yang tidak melindungi hubungan dengan rakan panggung. Untuk berbuat buruk kepada orang lain (ini adalah dalam kehidupan, dan terutamanya di atas pentas) bermakna pertama sekali melakukan buruk kepada diri sendiri. Bukan kebetulan bahawa pelakon yang hebat, di samping cuba mengekalkan hubungan dengan rakan panggung, semasa latihan memberi perhatian yang besar bukan sahaja kepada peranan mereka, tetapi juga kepada peranan pasangan mereka, terutamanya jika pasangannya adalah seorang pelakon muda, menyedari bahawa anda masih tidak boleh bermain tanpa pasangan, dan jika dia bermain dengan buruk, maka anda tidak akan berjaya. Begitulah segala-galanya disambungkan.

Dan satu lagi contoh untuk menyokong apa yang dikatakan, yang menjadi pelajaran lain yang disampaikan kepada saya oleh Yulia Konstantinovna mengenai "Puteri Turandot" yang sama, hanya beberapa tahun kemudian.

Kami mempunyai tradisi sedemikian dalam teater - untuk membuka dan menamatkan musim dengan "Puteri Turandot", dalam apa jua keadaan, ini telah berlaku selama bertahun-tahun berturut-turut. Musim sudah hampir ke penghujungnya. Ada satu hari lagi sebelum ia ditutup, dan ada masalah dengan tekak saya - suara saya hilang, sehingga saya tidak dapat menyebut perkataan itu dengan normal. Cuba untuk dirawat, tetapi semuanya tidak berjaya. Penghibur kedua Calaf V. Zozulin, pada masa itu sedang dalam perjalanan ke luar negara. Ia adalah mustahil untuk memindahkan prestasi, untuk menggantikannya juga, dan tiada apa yang tinggal selain bermain, tidak kira apa.

Saya pergi ke persembahan, seolah-olah untuk penyembelihan, tidak tahu bagaimana semuanya akan berakhir, tetapi jelas bahawa tiada apa yang baik boleh dijangkakan. Maka persembahan bermula ... Pada masa itu, saya sekali lagi yakin tentang apa itu Borisova, apakah profesionalisme sebenar di atas pentas (dan juga tidak profesionalisme). Saya melihat bagaimana Yulia, setelah mendengar bahawa pasangannya tidak bersuara, serta-merta mengeluarkan suaranya, beralih kepada bisikan, melihat bagaimana dia mula memilih saya, membalikkan saya kepada penonton, menukar adegan semasa dalam perjalanan. Dia sendiri berdiri membelakangi penonton, hanya untuk memalingkan saya menghadap mereka supaya mereka dapat mendengar saya. Dia melakukan segala-galanya untuk membantu saya, tidak mengambil berat tentang dirinya dalam kes ini, hanya untuk menyelamatkan, membantu rakan kongsi.

Tetapi di sana, pada persembahan yang sama, saya melihat pelakon lain yang, tidak perasan apa-apa atau tidak mahu perasan, melihat ketidakberdayaan saya, namun terus berlakon di atas pentas, bersiaran dengan semua kuasa suara mereka, dan bukan pelakon yang buruk, tetapi tidak berasa pasangan.

Contoh ini menarik perhatian saya dan menjadi pengajaran yang baik untuk masa depan. Dan kemudian, apabila sesuatu yang serupa berlaku dengan pelakon lain, saya sudah, mengingati pelajaran yang diajarkan oleh Yulia Konstantinovna kepada saya, juga cuba sedaya upaya untuk membantu mereka. Saya belajar ini daripada dia, saya berhutang kepadanya. Secara umum, menjadi pasangannya adalah kegembiraan yang besar bagi mana-mana pelakon. Tidak kira apa yang berlaku di rumah, tidak kira apa jua masalah, sebaik sahaja dia memasuki teater, dia meninggalkan keadaan bekasnya di ambang dan sentiasa bersedia, sentiasa dalam bentuk. Inilah yang, sebagai tambahan kepada bakat, keupayaan untuk menganalisis peranan secara mendalam, untuk benar-benar hidup di atas pentas, profesionalisme sejati terbentuk, inilah, lakonan sebenar dan kebijaksanaan manusia.

Kembali ke hari-hari latihan Turandot yang jauh, saya ingin mengatakan apa yang sukar, tetapi juga momen-momen yang cerah dalam kehidupan teater - perayaan, gembira, mengesahkan kehidupan. Tetapi ia hanya bekerja pada penyambungan semula persembahan. Dari sini seseorang boleh membayangkan bagaimana suasana yang memerintah semasa pengeluaran "Turandot" oleh Vakhtangov, semasa kelahirannya! Yevgeny Bagrationovich sendiri, mula bekerja pada persembahan, memberitahu pelakon: "Kami akan menunjukkan kepada penonton kepintaran kami. Biarkan seni inspirasi kami memikat penonton dan biarkan dia menjalani malam perayaan bersama kami. Biarkan keseronokan yang tidak terhad, belia, ketawa, improvisasi menyerbu ke dalam teater.”

Sukar untuk membayangkan bahawa kata-kata ini diucapkan oleh orang yang sakit tenat, yang takdirnya hanya tinggal beberapa hari lagi. Mungkin, menjangkakan ini, dia tergesa-gesa untuk mencipta sejenis pujian untuk kehidupan, kegembiraan, kebahagiaan. Dia mahu melaburkan segala-galanya yang cerah, baik hati, memantapkan kehidupan dalam prestasi terakhirnya ini. "Mari kita tunjukkan dalam kisah dongeng kita pasang surut perjuangan rakyat untuk kemenangan kebaikan atas kejahatan, untuk masa depan mereka," Evgeny Bagrationovich menyeru para pelakon, yang terobsesi dengan pemikiran tentang masa depan.

Semua ini - perasaan gembira dalam kehidupan, belia, kepercayaan dalam kemenangan kebaikan atas kejahatan - kami cuba untuk melaksanakan persembahan kami, untuk mencipta suasana perayaan yang sama, mudah, kegembiraan yang cerah.

Dalam kerja-kerja persembahan, suasana kegembiraan umum dan muhibah memerintah. Semua orang telah dirampas oleh beberapa perasaan semangat yang istimewa, perpaduan dalam kerja, kesedaran yang tinggi tentang tanggungjawab yang dipikul kepada kita, tanggungjawab untuk meneruskan tradisi baik teater. Ia juga merupakan kegembiraan untuk menyentuh waktu cerah Teater Vakhtangov, kekaguman kami terhadap pengasasnya dan penghibur pertama dalam persembahan ini.

Bekerja pada "Turandot" - ia adalah masa teater studio sebenar, masa mudanya. Mereka berlatih dengan penuh dedikasi, tanpa mengira pekerjaan peribadi, tanpa terganggu oleh perkara lain. Pelakon itu sendiri mendekati pengarah dan meminta mereka bekerja dengan mereka sebanyak mungkin, terutamanya jika sesuatu tidak menjadi. Dalam kerja ini, semua orang cuba membantu antara satu sama lain, segala-galanya yang peribadi pudar ke latar belakang. Apabila pelakon pergi ke latihan atau kemudian ke persembahan, segala-galanya yang tidak menyenangkan dalam hidup pergi ke suatu tempat ke dalam kelalaian dan hanya yang tulen, baik, cerah yang ada pada orang yang kekal. Ini adalah keajaiban Turandot bekerja dengan kami, peserta dalam persembahan. Dia menemui banyak dalam pelakon dengan cara manusia semata-mata, dan dengan cara baharu mendedahkan mereka secara profesional.

Tokoh-tokoh pentas sangat prihatin kepada kami, pelakon muda. Tanpa membuang masa dan usaha, mereka dengan sabar menjelaskan, memberitahu dan menunjukkan bagaimana ia dalam "Turandot" Vakhtangov itu dan bagaimana ia boleh dilakukan hari ini. Perpaduan dan persefahaman yang menakjubkan memerintah pada zaman itu dalam teater. Inilah, kesinambungan dalam tindakan, dalam kes konkrit, pada contoh, juga agak konkrit.

Sememangnya, semua ini tidak boleh tetapi menjejaskan hasil kerja, prestasi. Bentuknya yang sebenarnya menganggap pengenalan berterusan sesuatu yang baru ke dalam persembahan, penambahbaikan, fantasi. Dan betapa gembiranya seorang pelakon apabila, semasa latihan atau pada persembahan, dia membawa sesuatu yang tersendiri ke dalamnya, kadang-kadang tidak dijangka bukan sahaja untuk penonton, tetapi juga untuk pasangan.

Dan ia adalah pada persembahan ini, dan lebih daripada sekali. Saya melihat dengan mudah, kenakalan, fiksyen dan kecerdasan topeng (Pantalone - Yakovlev, Tartaglia - Gritsenko, Brighella - Ulyanov) memainkan keseluruhan persembahan semasa persembahan, benar-benar mandi dalam elemen mereka. Terdapat adegan dalam persembahan di mana Calaf berperanan sebagai penonton dan menonton topeng, persaingan mereka dalam kecerdasan, kepintaran dan permainan. Dan saya telah berulang kali menyaksikan detik-detik terhebat kreativiti tulen, sebenar, kelas pertama, penambahbaikan oleh artis dan rakan pentas yang hebat seperti Nikolai Gritsenko, Mikhail Ulyanov, Yuri Yakovlev. Mengetahui bahawa sesuatu yang tidak dirancang, tidak diramalkan lebih awal, boleh berlaku dalam persembahan, mereka menunggu saat ini, mengikuti gelombang penambahbaikan ini, dan sebaik sahaja seseorang menyedari sesuatu yang baharu dalam persembahan seseorang - dalam ekspresi muka, gerak isyarat, intonasi suara , isyarat baru, - jadi mereka segera bertindak balas terhadapnya, mengambil unsur penambahbaikan, dan kemudian sudah sukar untuk menghalang mereka. Ya, tidak ada keperluan untuk itu. Sebaliknya, ini dialu-alukan, momen unik fantasi sebenar, inspirasi artis. Dan di kalangan artis yang terlibat dalam persembahan itu, tiada siapa yang dapat meramalkan terlebih dahulu bahawa hari ini mereka akan mempersembahkan topeng antara satu sama lain, dan oleh itu setiap kali mereka menunggu dengan penuh minat untuk penambahbaikan mereka.

Itu adalah detik-detik yang menakjubkan; apabila Gritsenko, Ulyanov, Yakovlev, saya akan menambah kepada mereka AG Kuznetsov - pelakon kedua peranan Pantalone, bersaing dalam siapa yang mengalahkan siapa, yang membuat improvisasi lebih cerdik: litar penemuan seperti itu dihujani, semakin banyak cadangan baru kepada rakan kongsi , bahawa ini sudah bertukar menjadi prestasi mikro yang menakjubkan dalam rangka kerja keseluruhan prestasi. Dan ia bukan sahaja pertandingan pelakon, tetapi pertandingan topeng, yang disediakan oleh drama itu. Dalam permainan topeng yang pelik ini, mereka cuba mempengaruhi perkembangan peristiwa di dalamnya, entah bagaimana membantu wira dalam nasib mereka, mencipta sesuatu dari diri mereka semasa dalam perjalanan, membuat teka-teki antara satu sama lain, berpaling kepada penonton dengan soalan, ucapan, melukis dengan cara sedemikian dan mereka ke dalam aksi pentas.

Tetapi saya juga berpeluang untuk memerhati bagaimana berbeza dan kadang-kadang sangat sukar, malah menyakitkan, pelakon hebat ini menguasai topeng mereka, bagaimana rakan pentas saya bermain dengan cara yang berbeza, betapa jelas gaya lakonan setiap daripada mereka dapat dilihat. Ia juga merupakan sekolah yang hebat untuk pelakon muda yang menonton proses kerja mereka mengenai peranan, cara mereka mencari kekhususan watak mereka.

Sangat menarik untuk memerhatikan betapa perlahan, sangat sukar, kerja yang tegang dijalankan untuk Mikhail Alexandrovich Ulyanov. Betapa berhati-hatinya dia meraba-raba ke arah Brighellanya. Tidak memiliki ciri yang sama seperti Gritsenko atau Yakovlev, sebagai, seperti yang kita katakan, seorang wira sosial yang cerah dalam peranannya, dia dengan susah payah mencari bentuk kewujudan dalam topengnya. Secara beransur-ansur, melalui pergerakan individu, gerak isyarat, intonasi suaranya, dia menunjukkan detik-detik sokongan utama dalam persembahannya, dengan langkah kecil, melangkah dengan berhati-hati, dia semakin mendekati topengnya, tetapi dengan pukulan yang hampir tidak dapat dilihat dia semakin melukis dengan jelas. kontur utamanya. Pada mulanya dia ingin melihat sekurang-kurangnya garis besar umum watak yang akan dilakonkan, dan barulah dia mengisinya dengan darah dan daging, menuangkan perangainya kepadanya. Secara beransur-ansur, dia dengan berhati-hati menarik dirinya ke lukisan yang digariskan, cuba membenarkan bentuk kewujudannya dalam imej itu, dan sudah apabila dia menemui butiran peranan, melihat, merasakan wiranya, maka sudah mustahil untuk menendangnya keluar. daripada imejan yang ditemuinya, untuk menyesatkannya, yang dia selangkah demi selangkah saya mengukurnya, dan kini saya boleh berjalan dengan mata tertutup. Ia sudah menjadi meteor, menyapu segala-galanya dan semua orang di laluannya.

Nikolai Olympievich Gritsenko pergi ke penciptaan topeng Tartaglianya dengan cara yang sama sekali berbeza. Dia mempunyai hadiah yang jarang berlaku untuk mencari corak biasa untuk peranan dengan cepat. Dan setelah menemuinya, dengan berani, seolah-olah menjadi pusaran air, bergegas ke dalam bentuk kewujudan wira yang telah ditemui, tahu cara hidup dengan sempurna dalam corak peranan tertentu dan melakukan keajaiban dalam transformasi segera ke dalam imej yang dicipta, begitu banyak lagi. bahawa kadang-kadang sukar untuk mengenalinya, dan ini dengan solek minimum. Gritsenko mempunyai keberanian yang luar biasa - dia bekerja, sebagai peraturan, pada ketinggian maksimum dan berjalan di sepanjang tepi sokongan, apabila nampaknya anda tersalah langkah - dan anda akan patah. Tetapi dia dengan berani berjalan di sepanjang tepi ini, tidak membenarkan kerosakan. Dia sentiasa berada di ambang "menghancurkan", tetapi dengan senang hati mengelaknya, dengan itu bekerja secara maksimum, memberikan yang terbaik. Nikolai Olimpievich mempunyai peluang ini untuk mencurahkan dirinya ke dalam bentuk pentas yang dia dapati dengan sempurna. Sekiranya Ulyanov lebih kerap menarik watak itu ke arah dirinya sendiri, kepada datanya yang jelas, maka Gritsenko menundukkan keperibadiannya kepada corak tertentu, bergabung ke dalam bentuk yang dia temui. Tetapi walaupun dalam bentuk ini, lukisan luaran peranan, dia hampir tidak mengulangi dirinya sendiri. Nampaknya dari beberapa celengan yang tidak berdasar dia mengeluarkan lebih banyak muka, dengan kemurahan hati yang tidak dapat difahami dia menolak apa yang telah dijumpai.

Dan, tentu saja, Yuri Vasilyevich Yakovlev pergi dengan caranya sendiri untuk mencipta peranan Pantalone. Dia juga tidak segera menemui rupa dan bentuk tingkah laku topengnya, improvisasi. Tetapi dia tidak tergesa-gesa, tetapi perlahan-lahan, tanpa ketegangan yang kelihatan dan dengan yakin mendapat kekuatan, mencapai tahap prestasi, kesempurnaan, ringan, keharmonian. Pintar, cerdik, ceria, sedikit ironis dan merendahkan - ini adalah cara dia melihat Pantalonenya. Dan sebaik sahaja dia menemui ciri ini, berakar kuat di dalamnya, maka selepas itu dia sudah melakukan keajaiban sebenar di atas pentas. Penambahbaikan beliau boleh dipanggil semata-mata ketuhanan dengan rasa tinggi penemuan lakonan dalam imej ini. Ia berlaku bahawa pelakon lain membuat improvisasi sehingga anda mahu menutup telinga anda dan menutup mata anda, hanya untuk tidak mendengar dan tidak melihat apa yang ditawarkan oleh penonton. Ini berlaku apabila orang kurang rasa, rasa perkadaran. Penambahbaikan Yuri Vasilyevich secukup rasa, mengikut rasa perkadaran, sentiasa berada pada tahap tertinggi, ia sentiasa cemerlang. Dia melakukannya dengan mudah, tanpa tekanan, dengan bijak. Dan kami sentiasa menunggu penambahbaikan beliau pada persembahan, mengetahui bahawa ia akan menarik, virtuoso, jenaka dan akan sentiasa ada sesuatu yang baharu. Benar, dari masa ke masa, terutamanya apabila mereka pergi ke suatu tempat dalam lawatan, drama "Princess Turandot" dikendalikan secara aktif, dimainkan hampir setiap hari, pelakon bosan dengannya, dan sukar untuk mencari sesuatu yang baru setiap kali dengan irama sedemikian. kerja, tidak dijangka. Dan sekali, dalam lawatan di Leningrad, kami telah memainkan Turandot lebih daripada sepuluh kali berturut-turut, dan pada persembahan seterusnya, Yuri Vasilyevich mencadangkan penambahbaikan sedemikian dalam adegan topeng ...

Di tepi pentas (kami bermain di Istana Budaya Promkooperatsia) atas sebab tertentu kabel tebal turun dari bahagian paling atas. Rupa-rupanya ada yang terlupa untuk mengeluarkannya. Dan semasa persembahan, setelah memainkan adegannya, Yakovlev-Pantalone membelakangi semua orang dengan kata-kata: "Tinggalkan saya sendiri, Tartaglia, saya bosan bermain begitu banyak persembahan. Sangat banyak. Saya pergi, selamat tinggal!" Selepas itu, dia mendekati tali dan mula memanjatnya, berkata: "Saya tidak akan bermain Turandot lagi, saya bosan dengannya ..."

Betapa tidak dijangka, lucu dan tepat untuk semua orang. Bukan sahaja penonton ketawa, malah lebih-lebih lagi kami, pelakonnya. Saya fikir untuk Yuri Vasilyevich ia adalah salah satu karya lakonan terbaiknya dalam teater.

Dia juga mempunyai kebolehan bahasa yang istimewa. Dia mempunyai telinga yang sangat baik untuk muzik, mengambil dialek bahasa. Oleh itu, di luar negara, dia selalu lulus dengan hebat. Di Austria, dia bercakap bahasa Jerman dengan loghat "Austria", yang menggembirakan orang Austria. Di Romania, tiba-tiba ternyata dialek tempatan kedengaran dalam sebutannya. Dikatakan di Poland bahawa dia bercakap teks dalam bahasa Poland tulen.

Artis ini mempunyai kemahiran lakonan yang menakjubkan dan kemungkinan yang kelihatan tidak terhad.

Semua pelakon untuk peranan topeng dalam persembahan ini sangat berbeza dalam perangai, dalam cara masing-masing memimpin bahagiannya. Ruben Nikolaevich Simonov menyusunnya dengan sangat tepat dalam persembahan mengikut prinsip kontras: satu sangat indah, tinggi, tenang, halus, yang lain kecil, pantas, tegas, dengan mata air yang mengerikan di dalamnya yang menggerakkannya, yang ketiga adalah tebal seperti itik , bergoyang-goyang dari satu kaki ke kaki yang lain, berjalan di ambang yang aneh, tidak mengetahui ketakutan, menyerah kepada unsur-unsur permainan untuk melupakan diri sendiri, sejenis pelakon di atas pentas.

Sepanjang lapan belas tahun persembahan Turandot, tiada seorang pun pelakon yang kemudiannya diperkenalkan ke dalam peranan tertentu bermain lebih baik daripada pelakon pertama. Ini bukan pendapat saya, ia diakui oleh semua. Beberapa warna baru dibawa ke dalam persembahan, sesuatu, mungkin, ternyata lebih menarik, tetapi secara umum, tidak satu pun peranan menjadi lebih baik. Mungkin ada corak untuk ini. Ia adalah perlu untuk melalui keseluruhan laluan menyediakan persembahan dari awal, yang kita semua lalui, untuk berdiri setanding dengan semua orang. Semasa raptai tersebut, berlaku proses mengisar pelakon satu sama lain mengikut prinsip keserasian, kontras, pengisian dalaman setiap bahagian peranan, petikan, adegan. Sama seperti, apabila mencipta kanvas artistik, seorang pelukis menggunakan pertama satu pukulan, kemudian yang lain, mencapai gabungan warna yang unik, warna, di mana tidak ada satu pukulan yang menonjol, tidak melanggar keharmonian warna, kombinasi uniknya, begitu juga dalam teater satu ensembel bersatu telah dihimpunkan, di mana segala-galanya berada dalam perpaduan yang harmoni dan setiap lejang melengkapi yang lain, mencipta kanvas beraneka warna, tetapi tidak sama sekali. Ya, adalah perlu untuk melalui tempoh persediaan latihan dan pra-latihan yang panjang itu untuk disepadukan ke dalam persembahan secara organik, yang hampir mustahil bagi mereka yang diperkenalkan dengan persembahan kemudian. Penggantian biasanya tidak sama rata.

Itulah sebabnya teater membuat keputusan bahawa adalah perlu untuk tidak memperkenalkan penghibur baru ke dalam persembahan, dan apabila satu generasi pelakon memainkan Turandot mereka, untuk menghentikan persembahan untuk seketika sehingga pelakon lain yang baru menyediakannya lagi, sehingga tempoh yang cukup lama yang sama telah berlalu.proses memahami "Puteri Turandot" seseorang. Ia adalah perlu bahawa setiap generasi pelakon melalui sekolah besar yang sama Vakhtangov, dan bukan dengan khabar angin, bukan dari kata-kata seseorang, tetapi dalam amalan, dalam kerja konkrit. Setiap set penghibur perlu memulakan kerja pada persembahan daripada menyediakan buku asas untuk gambar masa hadapan, menggunakan pukulan ujian pertama ke sentuhan terakhir, yang memberikan kesempurnaan kepada keseluruhan kerja, dan, akhirnya, memainkannya dari awal hingga akhir .

Memainkan "Turandot" adalah kebahagiaan besar bagi seorang pelakon. Sebagai tambahan kepada sekolah, kemahiran lakonan, yang dia lalui semasa mengerjakan persembahan, dia juga menerima keseronokan yang tidak dapat dijelaskan daripada menyertainya, dari permainan itu sendiri, dari perasaan komunikasi yang tidak ternilai dengan penonton, dari penyesuaian mereka kepada gelombang anda. dan reaksi segera terhadap tindakan anda dalam persembahan dan semua yang berlaku di atas pentas. Bukan kebetulan bahawa setiap pelakon dalam teater bermimpi memainkan beberapa peranan di dalamnya, dan bukan sahaja pelakon muda, tetapi juga generasi yang lebih tua, termasuk mereka yang telah bersinar dalam masa mereka dalam persembahan ini, mereka juga dengan rela hati, dengan kegembiraan yang besar. dan mengambil bahagian dengan teruja sebaik sahaja peluang itu muncul.

Saya tidak akan melupakan detik itu apabila Cecilia Lvovna Mansurova muncul di atas pentas semasa persembahan Puteri Turandot pada ulang tahun separuh abad teater dan memainkan sebahagian kecil daripada peranan itu. Dia memberi saya teka-teki, teka-teki pertama pemain Turandot yang pertama. Alangkah indahnya, betapa ringannya dalam dirinya, walaupun usianya sudah tua, betapa buruknya dia terpancar dengan dirinya sendiri, betapa liciknya di matanya! Dia membuat teka-teki, dan pada masa itu, nampaknya, beribu-ribu fikiran, perasaan, keadaan jiwanya berpaling kepada Calaf: cinta, kebanggaan, tidak dapat ditembusi, dan keinginan untuk membantu Calaf mengatasi halangan yang dia tegakkan di jalannya, dan berpura-pura, dan keikhlasan, dan watak yang tidak masuk akal, dan kewanitaan. Dengan salah satu teka-tekinya, dia hanya mengejutkan saya, iaitu, bukan dengan teka-teki, tetapi dengan cara dia memikirkannya, bagaimana dia memainkan peranan kecil ini. Selepas serpihan pendek ini, saya fikir: bagaimana dia memainkan peranan ini sebelum ini!

Pada ulang tahun keenam puluh teater, kami memainkan persembahan untuk kali ke-2000. Satu lagi generasi pelakon memainkannya. Borisova dan saya datang ke peranan sebagai pelakon yang masih sangat muda. Agak sedih untuk berpisah dengan peranan kegemaran anda, tetapi masa berlalu. Lain-lain, pelakon muda datang, dan kini kami menyerahkan baton kepada generasi baru pelakon, supaya kegemilangan "Turandot" tidak pudar selama bertahun-tahun, supaya ia berterusan, menggembirakan penonton baru.

Keanehan persepsi persembahan oleh penonton secara langsung bergantung pada keaslian persembahan itu sendiri - ringan, ironis, muzik, dengan keplastikan khasnya, ukuran khas konvensional permainan persembahan, kisah dongeng persembahan, cuti persembahan. Di mana sahaja kami memainkannya, persembahan ini mempunyai laluan terpendek ke hati penonton, apabila secara literal dari pengenalan muzik pertama, dari baris pertama, kadang-kadang sudah dari pengenalan watak dan peserta dalam persembahan, penonton mendapati dirinya berada dalam elemen kami, dalam elemen persembahan, termasuk dalam permainan kami dan menikmati menonton apa yang berlaku di atas pentas. Umum mengetahui bahawa penonton yang kurang bersedia secara teater, semakin sukar untuk menjalin hubungan dengannya, terutamanya dalam persembahan yang tidak konvensional seperti "Puteri Turandot". Penonton, yang biasa mengikuti plot sahaja, situasi melodramatik, tentu saja, tidak akan berpuas hati dengan apa yang dipersembahkan kepadanya pada persembahan ini. Dia tidak akan menerima konvensyen reka bentuk, konvensyen pakaian, solek, dan cara lakonan. Dia akan bertanya (dan ini benar-benar berlaku), benar-benar, mereka berkata, mereka tidak boleh membuat hiasan sebenar, gam janggut sebenar dan bukannya kain lap.

Prestasi adalah berdasarkan sesuatu yang sama sekali berbeza. Plot di dalamnya hanyalah alasan untuk mengajak penonton berfantasi bersama teater, menawan hati dengan permainan teater, ironi, kecemerlangan akal, sandiwara. “Siapa peduli sama ada Turandot Calaf akan jatuh cinta atau tidak? - Yevgeny Bagrationovich memberitahu pelakon semasa latihan drama itu, menjelaskan bahawa ia bukan dalam plot drama itu bahawa bijirin harus dicari. - Sikap moden mereka terhadap kisah dongeng, ironi mereka, senyuman mereka pada kandungan "tragis" dongeng - itulah yang sepatutnya dimainkan oleh pelakon. Persembahan itu, mengikut niat pengarah, sepatutnya menggabungkan yang kelihatan tidak serasi - kehebatan hebat dan kehidupan seharian, kisah silam yang jauh dan tanda-tanda masa kini, ketidakmungkinan psikologi dalam tingkah laku watak dan air mata sebenar. "Ketidakmampuan pembinaan dongeng telah menjadi kaedah mencipta persembahan," tulis pengkritik teater terkenal L. A. Markov mengenai persembahan pertama "Turandot". - Beginilah rupa baju berekor dalam kombinasi dengan kepelbagaian kain penghias, raket tenis dan bukannya tongkat, peredam dan bukannya janggut, kerusi biasa dan bukannya pelamin dan berlatar belakangkan binaan konstruktivis, penutup kotak gula-gula dan bukannya potret, orkestra kerang, penambahbaikan pada tema moden, memecahkan emosi, perubahan perasaan , peralihan dan perubahan dalam kedudukan, keadaan, teknik - ini adalah bagaimana pakaian luar biasa dan gembira yang berpakaian "Puteri Turandot" dijelaskan.

Itulah sebabnya janggut sebenar dan pemandangan yang dicat dengan teliti sudah pun untuk persembahan lain, tetapi bukan untuk Turandot. Nasib baik, teater itu hampir tidak perlu membuat penjelasan sedemikian tentang persembahan itu. Biasanya, persefahaman bersama tentang teater dan penonton pada persembahan sudah timbul pada saat-saat pertama penampilan pelakon di atas pentas, dan penonton sangat berbeza, termasuk yang asing, hampir serta-merta menyapu semua halangan bahasa, prasangka, perbezaan dalam perangai, perbezaan budaya. Tetapi sekali lagi, saya perhatikan bahawa semakin tinggi budaya teater rakyat negara tempat kami membuat persembahan, hubungan dengan penonton diwujudkan dengan lebih cepat dan mudah.

"Puteri Turandot" di luar negara adalah halaman istimewa dalam kehidupan teater dan persembahan ini, halaman yang cemerlang dalam sejarah Teater Vakhtangov. Dengan persembahan ini, kami pergi ke hampir semua negara bekas sosialis, serta ke Greece, Austria, dan di mana-mana sahaja "Turandot" mempunyai masa yang paling singkat dan peningkatan yang paling cepat terhadap persepsi penontonnya, apabila sudah pada minit pertama persembahan yang paling tidak biasa, penonton yang paling sukar "berputus asa."

Mengapa saya memberi perhatian khusus kepada bagaimana Turandot diterima di luar negara? Ya, kerana kami memilikinya - legenda teater, yang ramai telah mendengar dan pergi ke drama itu, sudah mengetahui sesuatu mengenainya. Dan di luar negara, hanya kalangan penonton teater yang sangat sempit yang biasa dengan Turandot, dengan sejarahnya yang cemerlang, dan oleh itu penonton belum bersedia untuk persepsinya, tidak bersedia dengan minat dalam persembahan ini. Oleh itu, setiap kali tiba di luar negara, saya terpaksa mula, seperti yang mereka katakan, dari awal, untuk memenangi hati penonton dengan apa itu, apakah persembahan yang sebenarnya, tanpa sebarang bayaran pendahuluan.

Pemergian pertama "Puteri Turandot" berlaku pada tahun 1964 di Greece - sebuah negara dengan tradisi berabad-abad, malah milenium, tempat kelahiran seni dramatik, yang memberi dunia Homer, Sophocles, Aeschylus, Euripides, Aristophanes dan ahli teori pertama seni dramatik - Aristotle. Lawatan ini telah ditetapkan bertepatan dengan perayaan dua setengah ribu tahun teater. Mereka bersedia untuk mereka terutamanya dengan serius dan bertanggungjawab, malah mula belajar bahasa Yunani. Ini, mengikut pengiraan kami, sepatutnya mendedahkan spesifik persembahan kami dengan lebih cepat dan lebih jelas, dengan itu secara serentak memberi penghormatan kepada tanah air teater, negara, bahasa orang yang kami bawa seni kami. Dan kaedah penyingkiran diri pelakon dari peranan, yang digunakan dalam persembahan, memungkinkan untuk membuat sisipan seperti itu, alamat dalam bahasa Yunani kepada penonton.

Benar, apabila pelakon mengetahui bahawa beberapa petikan daripada "Turandot" akan dipersembahkan dalam bahasa Yunani, beberapa pelakon terkejut dengan mesej ini. Topeng terpaksa belajar terutamanya banyak teks. Oleh itu, mungkin, Gritsenko menerima berita ini secara dramatik. Setelah mengetahui ini, dia benar-benar menjadi pucat, ketawa dengan gugup dan berdoa: "Tuhan, saya hampir tidak ingat bahasa Rusia, dan kemudian dalam bahasa Yunani, seram!" Dan dia mula menjejalkan.

Pada masa itu, di teater seseorang sering dapat bertemu dengan pelakon dengan buku nota di tangan mereka, menjejalkan, memutar mata ke siling, teks, dengan kuat membaca: "Apocalypsos akolopaposos ..."

Nikolai Olimpiyevich Gritsenko benar-benar mengalami masa yang paling sukar untuk menguasai bahasa Yunani, dia tidak mempunyai masa untuk menghafal teks, dan masa semakin suntuk, dan kemudian suatu hari dia datang ke teater dengan gembira dan berkata bahawa dia telah menemui jalan keluar: dia menulis ulangan tindakan pertama pada satu manset lengan; yang kedua pada yang lain, pada tali leher, pada lapel jaket. Dan seperti seorang pelajar dalam peperiksaan, kemudian dia melihat ke dalam buaiannya.

Perhatian kepada lawatan kami sangat besar. Sebelum persembahan pertama, saya melihat bagaimana Gritsenko gugup, melihat ke dalam buaian, bimbang. Dua tindakan berjaya, dan pada yang ketiga dia mula tersandung, diam untuk masa yang lama sebelum dia mengucapkan frasa dalam bahasa Yunani, datang lebih dekat kepada penggerak, yang terletak di kedua-dua belah sayap pentas. Mereka mengatakan frasa kepadanya, dia, gembira, kembali ke tengah pentas, mengucapkannya, dan kemudian sekali lagi terlupa dan sekali lagi pergi ke sayap. Penonton memahami apa yang berlaku, bertindak balas dengan sangat baik terhadapnya, ketawa. Kami juga cuba memberitahunya, dan dia, melambaikan tangan, dengan senyap berkata: "Saya sendiri, saya sendiri ..." Dan suatu hari, apabila jeda terlalu lama, kami berbisik kepadanya: "Tukar ke bahasa Rusia, Nikolai Olimpievich , tukar kepada bahasa Rusia.” Dan kemudian mereka melihat bagaimana dia tiba-tiba mengubah wajahnya dan tanpa berdaya, dengan senyap menjawab: "Kawan-kawan, bagaimana dalam bahasa Rusia?" Kami hampir tidak dapat menahan ketawa. Kedengaran gelak tawa di dalam dewan itu. Penonton sendiri cuba menggesanya dalam bahasa Yunani, dan dia menjawab mereka: "Tidak, bukan seperti itu, bukan itu." Dan semua ini dilihat dalam bentuk yang suka bermain, tanpa batasan, dengan ceria dan humor.

Penonton segera memahami syarat permainan yang kami cadangkan dan dengan penuh semangat menerimanya. Mereka menyukai bentuk komunikasi terbuka antara pelakon dan penonton ini, beralih ke gerai, mereka menerima ukuran konvensional ini, ironi. Dan penonton Yunani, setelah mendengar ucapan berasingan dalam bahasa mereka sendiri, menerimanya dengan begitu bersemangat sehingga mereka segera merobohkan, menghancurkan dinding antara pentas dan dewan, yang sebelum permulaan persembahan, dengan runtuhan maklum balas penonton. Pada frasa pertama yang biasa didengari, penonton tercungap-cungap, seolah-olah condong ke arah kami, bertepuk tangan dan serta-merta menyertai persembahan yang meriah dan meriah ini.

Apabila kami melihat bagaimana kami diterima, semua ketakutan hilang serta-merta. Dan mereka - selepas semua, buat pertama kalinya mereka membawa persembahan kepada penonton yang tidak dikenali. Terdapat kebimbangan: adakah mereka akan menerima persembahan yang luar biasa itu? Memainkan drama itu memikat penonton, mereka berasa seperti rakan sejenayah dalam permainan ini dan bertindak balas dengan sangat meriah, dengan cara perangai selatan, terhadap segala yang berlaku di atas pentas. Topeng itu terus berkomunikasi dengan penonton dan menerima gelombang maklum balas penonton. Sambutan dewan ini mengangkat kami, memenuhi hati kami dengan kegembiraan, berbangga dengan kemungkinan manusia untuk mencipta keajaiban seperti itu. Ia benar-benar perayaan seni, kemungkinannya yang tidak terbatas, menyatukan orang yang berbeza dari struktur sosial, umur, kedudukan yang berbeza, memberikan kelonggaran manusia yang menakjubkan. Ya, ia adalah perayaan seni, kejayaannya, kuasa ajaibnya mempengaruhi seseorang.

"PUTERI ELIS" Ditulis dengan tergesa-gesa, tetapi demi tontonan yang tidak sepenuhnya tanpa merit, komedi ini pastinya sesuai dengan program umum perayaan, yang bermaksud bahawa ia mesti dikaitkan dengan plot yang dipilih oleh Saint-Aignan . Molière terpaksa bekerja