Muzik klasik yang paling terkenal. Kepingan muzik klasik yang paling terkenal Pelbagai jenis alat bertali papan kekunci
Jadi, di tengah-tengah perhatian kita hari ini adalah karya muzik klasik yang paling terkenal. Muzik klasik telah menarik minat pendengarnya selama beberapa abad, menyebabkan mereka ribut perasaan dan emosi. Ia telah lama menjadi sebahagian daripada sejarah dan terjalin dengan masa kini dengan benang nipis.
Tidak dinafikan, pada masa depan yang jauh, muzik klasik akan menjadi tidak kurang dalam permintaan, kerana fenomena sedemikian dalam dunia muzik tidak boleh kehilangan kaitan dan kepentingannya.
Namakan mana-mana karya klasik - ia akan layak mendapat tempat pertama dalam mana-mana perarakan hit muzik. Tetapi kerana tidak mungkin untuk membandingkan karya muzik klasik yang paling terkenal antara satu sama lain, kerana keunikan artistik mereka, opus yang dinamakan di sini hanya dibentangkan sebagai karya untuk kenalan.
"Sonata Cahaya Bulan"
Ludwig van Beethoven
Pada musim panas tahun 1801, karya cemerlang L.B. Beethoven, yang ditakdirkan untuk menjadi terkenal di seluruh dunia. Nama karya ini, "Moonlight Sonata", diketahui oleh semua orang, dari tua hingga muda.
Tetapi pada mulanya, karya itu mempunyai tajuk "Hampir Fantasi", yang didedikasikan oleh pengarang kepada pelajar mudanya, Juliet Guicciardi yang dikasihi. Dan nama yang dikenali sehingga hari ini telah dicipta oleh pengkritik muzik dan penyair Ludwig Relshtab selepas kematian L.V. Beethoven. Karya ini tergolong dalam salah satu karya muzik komposer yang paling terkenal.
Dengan cara ini, koleksi muzik klasik yang sangat baik diwakili oleh edisi akhbar Komsomolskaya Pravda - buku padat dengan cakera untuk mendengar muzik. Anda boleh membaca tentang dan mendengar muziknya - sangat mudah! Disyorkan memesan cakera daripada muzik klasik terus dari halaman kami : tekan butang “beli” dan segera pergi ke kedai.
"Turkish March"
Wolfgang Amadeus Mozart
Karya ini adalah gerakan ketiga Sonata No. 11, ia dilahirkan pada tahun 1783. Pada mulanya, ia dipanggil "Turkish Rondo" dan sangat popular di kalangan pemuzik Austria, yang kemudiannya menamakannya. Nama "Turkish March" telah diberikan kepada kerja itu juga kerana ia adalah konsonan dengan orkestra Janissary Turki, yang mana bunyi perkusi sangat khas, yang juga boleh dikesan dalam "Turkish March" oleh V.A. Mozart.
"Ave Maria"
Franz Schubert
Komposer sendiri menulis karya ini kepada puisi "The Lady of the Lake" oleh W. Scott, atau lebih tepatnya pada petikannya, dan tidak akan menulis komposisi keagamaan yang begitu mendalam untuk Gereja. Beberapa ketika selepas kemunculan karya itu, seorang pemuzik yang tidak dikenali, yang diilhamkan oleh doa "Ave Maria", menetapkan teksnya kepada muzik F. Schubert yang cemerlang.
"Fantasy Impromptu"
Frederic Chopin
F. Chopin, jenius zaman romantisme, mendedikasikan karya ini kepada rakannya. Dan dia, Julian Fontana, yang tidak mematuhi arahan pengarang dan menerbitkannya pada tahun 1855, enam tahun selepas kematian komposer. F. Chopin percaya bahawa karyanya adalah serupa dengan hasil dada I. Moscheles, pelajar Beethoven, seorang komposer dan pemain piano terkenal, yang menjadi sebab penolakan untuk mengeluarkan Fantasia-Impromptu. Namun, tiada siapa yang pernah menganggap karya cemerlang ini sebagai plagiat, kecuali penulis sendiri.
"Penerbangan Bumblebee"
Nikolai Rimsky-Korsakov
Komposer karya ini adalah peminat cerita rakyat Rusia - dia berminat dengan cerita dongeng. Ini membawa kepada penciptaan opera "The Tale of Tsar Saltan" berdasarkan plot A.S. Pushkin. Sebahagian daripada opera ini ialah selingan "Flight of the Bumblebee". Dengan mahir, sangat jelas dan cemerlang meniru dalam karya bunyi penerbangan serangga ini N.A. Rimsky-Korsakov.
"Caprice No. 24"
Niccolo Paganini
Pada mulanya, pengarang mengarang semua capricesnya semata-mata untuk tujuan meningkatkan dan mengasah kemahiran bermain biola. Akhirnya, mereka membawa kepada muzik biola banyak yang baru dan tidak diketahui sebelum ini. Dan caprice ke-24, caprices terakhir N. Paganini yang digubah, membawa tarantella pantas dengan intonasi rakyat, dan juga diiktiraf sebagai salah satu karya yang pernah dicipta untuk biola, yang tidak mempunyai kerumitan yang sama.
"Vocalise, opus 34, no. 14"
Sergei Vasilyevich Rahmaninov
Karya ini melengkapkan opus ke-34 komposer, yang menggabungkan empat belas lagu yang ditulis untuk suara dengan iringan piano. Vokalis, seperti yang dijangka, tidak mengandungi perkataan, tetapi dilakukan pada satu bunyi vokal. S.V. Rachmaninoff mendedikasikannya kepada Antonina Nezhdanova, seorang penyanyi opera. Selalunya kerja ini dilakukan pada biola atau cello, diiringi dengan iringan piano.
"Cahaya bulan"
Claude Debussy
Karya ini ditulis oleh komposer di bawah kesan baris puisi oleh penyair Perancis Paul Verlaine. Nama itu sangat jelas menyampaikan kelembutan dan sentuhan melodi, yang mempengaruhi jiwa pendengar. Karya popular komposer cemerlang C. Debussy ini dibunyikan dalam 120 filem daripada generasi yang berbeza.
Seperti biasa, muzik terbaik adalah dalam kumpulan kami dalam hubungan .
Dengar sesuatu daripada klasik - apakah yang lebih baik?! Terutama pada hujung minggu, apabila anda ingin berehat, lupakan kerisauan hari itu, kerisauan minggu kerja, bermimpi tentang yang indah, dan ceriakan diri anda. Fikirkan, klasik telah dicipta oleh pengarang cemerlang sejak dahulu lagi sehingga sukar untuk mempercayai bahawa sesuatu boleh bertahan selama bertahun-tahun. Dan karya-karya ini masih disukai dan didengari, mereka mencipta susunan dan tafsiran moden. Malah dalam pemprosesan moden, karya komposer cemerlang kekal sebagai muzik klasik. Seperti yang dia akui, karya klasik adalah cerdik, dan semua cerdik tidak boleh membosankan.
Mungkin, semua komposer yang hebat mempunyai telinga yang istimewa, kepekaan khas kepada nada dan melodi, yang membolehkan mereka mencipta muzik yang dinikmati oleh berpuluh-puluh generasi bukan sahaja rakan senegara mereka, tetapi juga peminat muzik klasik di seluruh dunia. Jika anda masih ragu-ragu sama ada anda suka muzik klasik, maka anda perlu berjumpa dengannya, dan anda akan melihat bahawa sebenarnya, anda sudah lama menjadi peminat muzik yang indah.
Dan hari ini kita akan bercakap tentang 10 komposer paling terkenal di dunia.
Johann Sebastian Bach
Tempat pertama layak dimiliki. Seorang genius dilahirkan di Jerman. Komposer paling berbakat menulis muzik untuk harpsichord dan organ. Komposer tidak mencipta gaya baru dalam muzik. Tetapi dia mampu mencipta kesempurnaan dalam semua gaya pada zamannya. Beliau adalah pengarang lebih 1000 esei. Dalam karya beliau Bach menggabungkan gaya muzik yang berbeza yang dia temui sepanjang hidupnya. Selalunya romantisme muzik digabungkan dengan gaya Baroque. Dalam kehidupan Johann Bach sebagai komposer yang tidak menerima pengiktirafan yang sepatutnya, minat terhadap muziknya timbul hampir 100 tahun selepas kematiannya. Hari ini dia digelar sebagai salah seorang komposer terhebat yang pernah hidup di bumi. Keunikan beliau sebagai seorang, guru dan pemuzik terpancar dalam muzik beliau. Bach meletakkan asas muzik moden dan kontemporari, membahagikan sejarah muzik kepada pra-Bach dan pasca-Bach. Adalah dipercayai bahawa muzik Bach suram dan suram. Muziknya agak asas dan kukuh, terkawal dan tertumpu. Seperti renungan seorang yang matang dan bijak. Ciptaan Bach mempengaruhi ramai komposer. Sebahagian daripada mereka mengambil contoh daripada karya beliau atau menggunakan tema daripada mereka. Dan pemuzik di seluruh dunia memainkan muzik Bach mengagumi kecantikan dan kesempurnaannya. Salah satu karya yang paling terkenal "Konsert Brandenburg" adalah bukti yang sangat baik bahawa muzik Bach tidak boleh dianggap terlalu suram:
Wolfgang Amadeus Mozart
Sah dianggap genius. Pada usia 4 tahun, dia sudah bermain biola dan harpsichord dengan bebas, pada usia 6 tahun dia mula mengarang muzik, dan pada usia 7 tahun dia sudah mahir membuat improvisasi pada harpsichord, biola dan organ, bersaing dengan pemuzik terkenal. Sudah pada umur 14 tahun Mozart- seorang komposer yang diiktiraf, dan pada usia 15 tahun - ahli akademi muzik Bologna dan Verona. Secara semula jadi, dia mempunyai telinga yang luar biasa untuk muzik, ingatan dan keupayaan untuk membuat improvisasi. Dia mencipta sejumlah karya yang menakjubkan - 23 opera, 18 sonata, 23 konserto piano, 41 simfoni dan banyak lagi. Komposer itu tidak mahu meniru, dia cuba mencipta model baharu, mencerminkan personaliti baharu muzik itu. Bukan kebetulan bahawa muzik di Jerman Mozart dipanggil "muzik jiwa", dalam karyanya komposer menunjukkan ciri-ciri sifatnya yang ikhlas dan penyayang. Melodist terhebat mementingkan opera. opera Mozart- era dalam perkembangan seni muzik jenis ini. Mozart diiktiraf secara meluas sebagai salah seorang komposer terhebat: keunikannya terletak pada fakta bahawa dia bekerja dalam semua bentuk muzik pada zamannya dan dalam semua mencapai kejayaan tertinggi. Salah satu karya yang paling dikenali "Turkish March":
Ludwig van Beethoven
Seorang lagi orang Jerman yang hebat adalah tokoh penting dalam tempoh romantis-klasik. Malah mereka yang tidak tahu apa-apa tentang muzik klasik tahu tentang dia. Beethoven adalah salah satu komposer yang paling dihormati dan dihormati di dunia. Komposer hebat menyaksikan pergolakan besar yang berlaku di Eropah dan melukis semula petanya. Rampasan kuasa, revolusi dan konfrontasi ketenteraan yang hebat ini dicerminkan dalam karya komposer, terutamanya simfoni. Dia dijelmakan dalam gambar muzik perjuangan heroik. Dalam karya abadi Beethoven anda akan mendengar perjuangan untuk kebebasan dan persaudaraan manusia, kepercayaan yang tidak tergoyahkan dalam kemenangan cahaya ke atas kegelapan, serta impian kebebasan dan kebahagiaan umat manusia. Salah satu fakta yang paling terkenal dan menakjubkan dalam hidupnya ialah penyakit telinga berkembang menjadi pekak sepenuhnya, tetapi walaupun ini, komposer terus menulis muzik. Dia juga dianggap sebagai salah seorang pemain piano terbaik. Muzik Beethoven sangat mudah dan boleh diakses oleh pemahaman pendengar yang paling luas. Generasi berubah, dan juga era, dan muzik Beethoven tetap mengujakan dan menggembirakan hati orang. Salah satu karya terbaiknya - "Sonata Cahaya Bulan":
Richard Wagner
Dengan nama seorang yang hebat Richard Wagner paling kerap dikaitkan dengan karya agungnya "Korus Perkahwinan" atau "Ride of the Valkyries". Tetapi dia dikenali bukan sahaja sebagai komposer, tetapi juga sebagai ahli falsafah. Wagner menganggap karya muziknya sebagai cara untuk menyatakan sesuatu konsep falsafah. DARI Wagner era muzik baru opera bermula. Komposer cuba untuk membawa opera lebih dekat dengan kehidupan, muzik untuknya hanya satu cara. Richard Wagner- pencipta drama muzikal, pembaharu opera dan seni konduktor, inovator bahasa muzik harmonik dan melodi, pencipta bentuk ekspresi muzik baharu. Wagner- pengarang aria solo terpanjang di dunia (14 minit 46 saat) dan opera klasik terpanjang di dunia (5 jam dan 15 minit). Dalam kehidupan Richard Wagner dianggap sebagai orang kontroversi yang sama ada dipuja atau dibenci. Dan selalunya kedua-duanya pada masa yang sama. Simbolisme mistik dan anti-Semitisme menjadikannya komposer kegemaran Hitler, tetapi menghalang laluan muziknya ke Israel. Bagaimanapun, penyokong mahupun penentang komposer itu tidak menafikan kehebatannya sebagai komposer. Muzik yang hebat dari awal lagi Richard Wagner menyerap anda tanpa jejak, tidak meninggalkan ruang untuk pertikaian dan perselisihan faham:
Franz Schubert
Komposer Austria adalah seorang genius muzik, salah seorang komposer lagu terbaik. Dia hanya 17 ketika dia menulis lagu pertamanya. Dalam satu hari dia boleh menulis 8 buah lagu. Semasa kehidupan kreatifnya, dia mencipta lebih daripada 600 gubahan berdasarkan puisi oleh lebih daripada 100 penyair hebat, termasuk Goethe, Schiller dan Shakespeare. sebab tu Franz Schubert dalam 10 teratas. Walaupun kreativiti Schubert sangat pelbagai, dari segi penggunaan genre, idea dan penjelmaan semula, lirik vokal-lagu berlaku dan menentukan dalam muziknya. Sebelum ini Schubert lagu itu dianggap sebagai genre yang tidak penting, dan dialah yang mengangkatnya ke tahap kesempurnaan artistik. Lebih-lebih lagi, dia menggabungkan lagu yang kelihatan tidak berkaitan dan muzik simfoni ruang, yang menimbulkan arah baru simfoni lirik-romantik. Lirik lagu vokal ialah dunia pengalaman manusia yang ringkas dan mendalam, halus malah intim, diungkapkan bukan dengan kata-kata, tetapi dengan bunyi. Franz Schubert hidup sangat singkat, hanya 31 tahun. Nasib karya komposer tidak kurang tragis daripada hidupnya. Selepas kematian Schubert masih banyak manuskrip yang tidak diterbitkan, disimpan di dalam almari buku dan laci saudara dan sahabat handai. Malah orang yang paling rapat dengannya tidak mengetahui semua yang dia tulis, dan selama bertahun-tahun dia diiktiraf terutamanya hanya sebagai raja lagu. Beberapa karya komposer diterbitkan hanya setengah abad selepas kematiannya. Salah satu karya yang paling disukai dan terkenal Franz Schubert – "Serenade Petang":
Robert Schumann
Dengan nasib yang tidak kurang tragis, komposer Jerman adalah salah seorang komposer terbaik era romantis. Dia mencipta muzik yang luar biasa indah. Untuk mendapatkan idea Romantikisme Jerman abad ke-19, dengar sahaja "Karnival" Robert Schumann. Dia dapat keluar dari tradisi muzik era klasik, mencipta tafsiran sendiri tentang gaya romantis. Robert Schumann telah berbakat dengan banyak bakat, dan walaupun untuk masa yang lama tidak dapat memutuskan antara muzik, puisi, kewartawanan dan filologi (dia adalah seorang polyglot dan diterjemahkan secara bebas dari bahasa Inggeris, Perancis dan Itali). Dia juga seorang pemain piano yang luar biasa. Namun panggilan utama dan semangat Schuman ada muzik. Muzik puitis dan mendalam psikologi beliau sebahagian besarnya mencerminkan dualiti sifat komposer, cetusan keghairahan dan berundur ke dunia mimpi, kesedaran tentang realiti kesat dan berusaha untuk ideal. Salah satu karya agung Robert Schumann yang semua orang perlu dengar:
Frederic Chopin
Mungkin Kutub paling terkenal dalam dunia muzik. Baik sebelum mahupun selepas komposer adalah seorang genius muzik tahap ini yang dilahirkan di Poland. Orang Poland amat berbangga dengan rakan senegara mereka yang hebat, dan dalam karyanya, komposer sering menyanyikan tanah airnya, mengagumi keindahan landskap, meratapi masa lalu yang tragis, dan mengimpikan masa depan yang hebat. Frederic Chopin- salah satu daripada beberapa komposer yang menulis muzik secara eksklusif untuk piano. Tiada opera atau simfoni dalam warisan kreatifnya, tetapi kepingan piano dipersembahkan dalam semua kepelbagaiannya. Karya-karyanya membentuk asas himpunan banyak pemain piano terkenal. Frederic Chopin ialah seorang komposer Poland yang juga dikenali sebagai pemain piano yang berbakat. Dia hidup hanya 39 tahun, tetapi berjaya mencipta banyak karya: balada, preludes, waltzes, mazurkas, nocturnes, polonaises, etudes, sonata dan banyak lagi. Salah seorang daripada mereka - "Balad No. 1, dalam G minor".
Franz Liszt
Dia adalah salah seorang komposer terhebat di dunia. Dia menjalani kehidupan yang agak lama dan kaya, mengetahui kemiskinan dan kekayaan, bertemu cinta dan menghadapi penghinaan. Selain bakat sejak lahir, dia mempunyai kapasiti yang hebat untuk bekerja. Franz Liszt layak bukan sahaja dikagumi oleh para ahli dan peminat muzik. Kedua-duanya sebagai komposer dan sebagai pemain piano, dia menerima kelulusan sejagat daripada pengkritik Eropah pada abad ke-19. Dia mencipta lebih 1300 karya dan sejenisnya Frederic Chopin karya pilihan untuk piano. pemain piano yang cemerlang, Franz Liszt dia tahu bagaimana untuk mengeluarkan semula bunyi keseluruhan orkestra pada piano, diimprovisasi dengan mahir, mempunyai ingatan yang hebat tentang gubahan muzik, dia tidak ada tandingannya dalam membaca nota dari helaian. Dia mempunyai gaya persembahan yang menyedihkan, yang juga dicerminkan dalam muziknya, bersemangat dari segi emosi dan bersemangat heroik, mencipta gambar muzik yang berwarna-warni dan membuat kesan yang tidak dapat dilupakan kepada pendengar. Ciri khas komposer ialah konsert piano. Salah satu karya ini. Salah satu karya yang paling terkenal Liszt – "Mimpi Cinta":
Johannes Brahms
Tokoh penting dalam tempoh romantis dalam muzik ialah Johannes Brahms. Dengar dan suka muzik Brahms Ia dianggap rasa yang baik dan tanda ciri sifat romantis. Brahms tidak menulis satu opera, tetapi dia mencipta karya dalam semua genre lain. kemuliaan istimewa Brahms membawa simfoninya. Sudah dalam karya pertama, keaslian komposer dimanifestasikan, yang akhirnya berubah menjadi gayanya sendiri. Mempertimbangkan semua kerja Brahms, tidak boleh dikatakan bahawa komposer itu sangat dipengaruhi oleh karya pendahulu atau sezamannya. Dan dari segi kreativiti Brahms sering dibandingkan dengan Bach Dan Beethoven. Mungkin perbandingan ini wajar dalam erti kata bahawa karya tiga orang Jerman yang hebat mewakili kemuncak seluruh era dalam sejarah muzik. Tidak seperti Franz Liszt sebuah kehidupan Johannes Brahms tiada kejadian bergelora. Dia lebih suka kreativiti yang tenang, semasa hayatnya dia mendapat pengiktirafan bakat dan penghormatan sejagat, dan juga dianugerahkan penghormatan yang besar. Muzik yang paling cemerlang di mana kuasa kreatif Brahms mempunyai kesan yang sangat jelas dan asli, adalah miliknya "Requiem Jerman", sebuah karya yang penulis cipta selama 10 tahun dan didedikasikan untuk ibunya. Dalam muzik anda Brahms menyanyikan nilai-nilai abadi kehidupan manusia, iaitu keindahan alam, seni bakat besar masa lalu, budaya tanah air mereka.
Giuseppe Verdi
Apakah sepuluh komposer terbaik tanpa?! Komposer Itali terkenal dengan operanya. Dia menjadi kegemilangan negara Itali, karyanya adalah kemuncak perkembangan opera Itali. Pencapaian dan jasa beliau sebagai komposer tidak boleh dipandang tinggi. Sehingga kini, satu abad selepas kematian pengarang, karyanya kekal sebagai yang paling popular, dilakukan secara meluas, diketahui oleh para pecinta dan pencinta muzik klasik.
Untuk Verdi Drama menjadi perkara terpenting dalam opera. Imej muzik Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona yang dicipta oleh komposer secara organik menggabungkan melodi terang dan kedalaman watak, ciri-ciri muzik yang demokratik dan halus, nafsu ganas dan impian yang cerah. Verdi adalah ahli psikologi sebenar dalam memahami nafsu manusia. Muziknya adalah bangsawan dan kuasa, keindahan dan keharmonian yang menakjubkan, melodi yang sangat indah, aria dan duet yang indah. Keghairahan menggelegak, komedi dan tragedi saling berkait dan bergabung bersama. Plot opera, menurut Verdi, hendaklah "asli, menarik dan ... bersemangat, dengan semangat melebihi segalanya." Dan kebanyakan karya beliau adalah serius dan tragis, menunjukkan situasi dramatik emosi, dan muzik yang hebat Verdi memberikan ekspresi kepada apa yang berlaku dan menekankan aksen situasi. Setelah menyerap semua yang terbaik yang dicapai oleh sekolah opera Itali, dia tidak menafikan tradisi opera, tetapi memperbaharui opera Itali, mengisinya dengan realisme, dan memberikannya kesatuan keseluruhan. Pada masa yang sama, dia tidak mengisytiharkan pembaharuannya, tidak menulis artikel mengenainya, tetapi hanya menulis opera dengan cara yang baru. Perarakan kemenangan salah satu karya agung Verdi- opera - melanda adegan Itali dan diteruskan di Eropah, serta di Rusia dan Amerika, memaksa orang yang ragu-ragu untuk mengiktiraf bakat komposer yang hebat.
10 komposer paling terkenal di dunia dikemas kini: 13 April 2019 oleh: Elena
Saya mesti mengaku bahawa saya bercakap tentang harpsichord sebagai subjek yang sangat peribadi untuk saya. Setelah melaksanakannya selama hampir empat puluh tahun sekarang, saya mengembangkan keterikatan yang mendalam kepada pengarang tertentu dan bermain dalam konsert kitaran lengkap semua yang mereka tulis untuk instrumen ini. Pertama sekali, ini menyangkut Francois Couperin dan Johann Sebastian Bach. Ini, saya harap, akan menjadi alasan untuk ketagihan saya, yang, saya takut, saya tidak akan dapat mengelak.
PERANTI
Satu keluarga besar alat petik bertali papan kekunci dikenali. Mereka berbeza dari segi saiz, bentuk dan sumber bunyi (berwarna-warni). Hampir setiap tukang yang membuat instrumen sedemikian pada zaman dahulu cuba menambah sesuatu yang tersendiri pada reka bentuk mereka.
Terdapat banyak kekeliruan tentang apa yang mereka dipanggil. Dalam istilah yang paling umum, instrumen dibahagikan mengikut bentuknya kepada membujur (mengingati piano kecil, tetapi dengan bentuk sudut - piano mempunyai bentuk bulat) dan segi empat tepat. Sudah tentu, perbezaan ini sama sekali bukan hiasan: dengan susunan rentetan yang berbeza berbanding dengan papan kekunci, tempat pada rentetan di mana pluck, ciri semua instrumen ini, dibuat, mempunyai kesan yang sangat ketara pada timbre bunyi.
I. Vermeer dari Delft. Wanita duduk di harpsichord
OKEY. 1673–1675 Galeri Nasional, London
Harpsichord adalah instrumen terbesar dan paling kompleks dalam keluarga ini.
di Rusia sejak abad ke-18. Nama Perancis yang paling banyak digunakan untuk instrumen itu ialah harpsichord ( clavecin), tetapi ditemui, terutamanya dalam amalan muzik dan akademik, dan bahasa Itali - cembalo ( cembalo; Nama Itali juga dikenali clavicembalo, gravicembalo). Dalam kesusasteraan muzikologi, terutamanya apabila ia berkaitan dengan muzik barok Inggeris, nama Inggeris instrumen ini muncul tanpa terjemahan harpsichord.
Dalam harpsichord, ciri utama pengekstrakan bunyi ialah apa yang dipanggil pelompat (jika tidak, penolak) dipasang di hujung belakang kunci, di bahagian atas yang mana bulu dipasang. Apabila seorang pemuzik menekan kekunci, hujung belakangnya naik (kerana kuncinya ialah tuas) dan pelompat naik, dan bulu memetik tali. Apabila kunci dilepaskan, bulu itu tergelincir tanpa bunyi berkat pegas yang membolehkannya melencong sedikit.
Pelbagai jenis alat bertali papan kekunci
Perlu diperhatikan bahawa perihalan tindakan pelompat, dan luar biasa tepat, diberikan oleh W. Shakespeare dalam soneta ke-128 beliau. Daripada banyak pilihan terjemahan, intipati memainkan harpsichord adalah paling tepat - sebagai tambahan kepada sisi artistik dan puitis - terjemahan Modest Tchaikovsky:
Apabila anda, muzik saya, bermain,
Tetapkan kekunci ini dalam gerakan
Dan, dengan jari anda membelainya dengan lembut,
Konsonan rentetan menimbulkan kekaguman,
Kemudian dengan cemburu saya melihat kunci,
Bagaimana mereka berpaut pada tapak tangan anda;
Mulut membara dan merindui ciuman
Mereka memandang iri hati dengan keberanian mereka.
Ah, kalau takdir tiba-tiba bertukar
Saya dalam barisan penari kering ini!
Saya gembira kerana tangan anda meluncur ke atas mereka, -
Ketidakjiwaan mereka lebih diberkati daripada bibir yang hidup.
Tetapi jika mereka gembira, maka
Biar mereka cium jari, biar saya cium bibir.
Daripada semua jenis alat muzik bertali papan kekunci yang dipetik, harpsichord adalah yang terbesar dan paling kompleks. Ia digunakan sebagai instrumen solo dan sebagai iringan. Ia amat diperlukan dalam muzik barok sebagai ensemble. Tetapi sebelum bercakap tentang repertoir besar untuk instrumen ini, sesuatu yang lain perlu dijelaskan dalam reka bentuknya.
Pada harpsichord, semua warna (timbres) dan dinamik (iaitu, kuasa bunyi) pada asalnya ditetapkan dalam instrumen itu sendiri oleh pencipta setiap harpsichord individu. Dalam hal ini ia sedikit sebanyak serupa dengan organ. Pada harpsichord, anda tidak boleh menukar bunyi dengan menukar kekuatan kunci. Sebagai perbandingan: pada piano, keseluruhan seni tafsiran terletak pada kekayaan sentuhan, iaitu, dalam pelbagai cara untuk menekan atau memukul kekunci.
Gambar rajah mekanisme harpsichord
nasi. TETAPI: 1. Batang; 2. Peredam; 3. Pelompat (penolak); 4. Bar daftar; 5. Rusa jantan;
6. Pelompat bingkai (penolak); 7. Kunci
nasi. B. Pelompat (penolak): 1. Peredam; 2. Rentetan; 3. Bulu; 4. Lidah; 5. Polster; 6. Musim bunga
Sudah tentu, ia bergantung kepada sensitiviti permainan pemain harpsichordis sama ada alat itu berbunyi muzik atau "seperti periuk" (Voltaire secara kasar menyebutnya). Tetapi kekuatan dan timbre bunyi tidak bergantung pada harpsichordist, kerana antara jari harpsichordist dan rentetan terdapat mekanisme penghantaran yang kompleks dalam bentuk jumper dan bulu. Sekali lagi, sebagai perbandingan: pada piano, pukulan kekunci secara langsung mempengaruhi tindakan tukul memukul tali, manakala pada harpsichord, kesan pada bulu adalah tidak langsung.
SEJARAH
Sejarah awal harpsichord pergi jauh ke dalam kabus masa. Ia pertama kali disebut dalam risalah John de Muris The Mirror of Music (1323). Salah satu penggambaran terawal harpsichord adalah dalam Weimar Book of Wonders (1440).
Untuk masa yang lama dipercayai bahawa instrumen tertua yang telah turun kepada kita telah dibuat oleh Hieronymus of Bologna dan bertarikh 1521. Ia disimpan di London, di Muzium Victoria dan Albert. Tetapi baru-baru ini telah ditubuhkan bahawa terdapat instrumen beberapa tahun lebih tua, juga dicipta oleh tuan Itali - Vincentius dari Livigimeno. Ia telah dipersembahkan kepada Pope Leo X. Pengeluarannya bermula, menurut inskripsi mengenai kes itu, pada 18 September 1515.
Harpsichord. Buku Keajaiban Weimar. 1440
Untuk mengelakkan kebosanan bunyi, ahli harpsichord, sudah pada peringkat awal pembangunan instrumen, mula membekalkan setiap kunci bukan dengan satu rentetan, tetapi dengan dua, tentu saja, daripada timbre yang berbeza. Tetapi tidak lama kemudian menjadi jelas bahawa, atas sebab teknikal, lebih daripada dua set rentetan untuk satu papan kekunci tidak boleh digunakan. Kemudian timbul idea untuk menambah bilangan papan kekunci. Menjelang abad ke-17 harpsichord yang paling kaya dengan muzik ialah instrumen dengan dua papan kekunci (dengan kata lain, manual, dari lat. manus- "tangan").
Dari sudut pandangan muzik, alat sedemikian adalah cara terbaik untuk melakukan repertoir barok yang pelbagai. Banyak karya klasik harpsichord telah ditulis khusus untuk kesan bermain pada dua papan kekunci, contohnya, beberapa sonata oleh Domenico Scarlatti. F. Couperin secara khusus menetapkan dalam kata pengantar koleksi ketiga keping kecapinya yang dia letakkan di dalamnya kepingan yang dia panggil "Kepingan Croises"(bermain dengan menyilang [tangan]). "Kepingan dengan nama sedemikian," komposer menyambung, "harus dimainkan pada dua papan kekunci, salah satu daripadanya harus kedengaran teredam dengan menukar daftar." Bagi mereka yang tidak mempunyai harpsichord dua manual, Couperin memberikan cadangan tentang cara memainkan instrumen dengan satu papan kekunci. Tetapi dalam beberapa kes, keperluan harpsichord dua manual adalah syarat yang sangat diperlukan untuk persembahan artistik sepenuhnya bagi sesebuah gubahan. Oleh itu, pada halaman tajuk koleksi yang mengandungi "French Overture" dan "Concerto Itali" yang terkenal, Bach menyatakan: "untuk clavichembalo dengan dua manual."
Dari sudut pandangan evolusi harpsichord, dua manual ternyata bukan had: kita tahu contoh harpsichord dengan tiga papan kekunci, walaupun kita tidak tahu karya yang secara kategorinya memerlukan instrumen sedemikian untuk prestasi mereka. Sebaliknya, ini adalah helah teknikal pembuat harpsichord individu.
Harpsichord pada zaman kegemilangannya yang cemerlang (abad XVII-XVIII) dimainkan oleh pemuzik yang memiliki semua alat keyboard yang ada pada masa itu iaitu organ dan clavichord (oleh itu dipanggil clavier).
Harpsichord dicipta bukan sahaja oleh pembuat harpsichord, tetapi juga oleh pembina organ. Dan adalah wajar untuk menerapkan dalam pembinaan harpsichord beberapa idea asas yang telah digunakan secara meluas dalam reka bentuk organ. Dalam erti kata lain, pembuat harpsichord mengikuti laluan pembina organ dalam mengembangkan sumber daftar instrumen mereka. Jika pada organ itu semakin banyak set paip diedarkan di antara manual, maka pada harpsichord mereka mula menggunakan lebih banyak set rentetan, juga diedarkan di antara manual. Dari segi jumlah, daftar harpsichord ini tidak banyak berbeza, tetapi dari segi timbre, mereka agak ketara.
Halaman tajuk koleksi muzik pertama
untuk "Parthenia" dara. London. 1611
Jadi, sebagai tambahan kepada dua set rentetan (satu untuk setiap papan kekunci), yang berbunyi serentak dan sepadan dengan ketinggian dengan bunyi yang dirakam dalam nota, mungkin terdapat daftar empat kaki dan enam belas kaki. (Malah penunjukan daftar telah dipinjam oleh pembuat harpsichord daripada pembina organ: paip organ ditunjukkan dalam kaki, dan daftar utama yang sepadan dengan notasi muzik ialah apa yang dipanggil lapan kaki, manakala paip yang membuat bunyi satu oktaf lebih tinggi daripada notated dipanggil empat kaki, satu oktaf di bawah - masing-masing enam belas kaki. Pada harpsichord, dalam ukuran yang sama, daftar yang dibentuk oleh set rentetan.)
Oleh itu, julat bunyi harpsichord konsert besar pertengahan abad XVIII. bukan sahaja tidak lebih sempit daripada pianoforte, malah lebih luas. Dan ini walaupun fakta bahawa notasi muzik muzik harpsichord kelihatan lebih sempit dalam julat daripada muzik piano.
MUZIK
Menjelang abad ke-18 harpsichord telah mengumpulkan repertoir yang luar biasa kaya. Sebagai alat yang sangat bangsawan, ia tersebar ke seluruh Eropah, mempunyai pengampu paling terang di mana-mana. Tetapi jika kita bercakap tentang sekolah terkuat pada abad ke-16 - awal abad ke-17, maka pertama sekali kita mesti menamakan virginalis Inggeris.
Kami tidak akan menceritakan kisah anak dara di sini, kami hanya akan ambil perhatian bahawa ini adalah sejenis alat muzik bertali yang dipetik papan kekunci, sama bunyinya dengan harpsichord. Perlu diperhatikan bahawa dalam salah satu kajian menyeluruh terakhir mengenai sejarah harpsichord ( Kottick E. Sejarah Harpsichord. Bloomington. 2003), virginal, serta spinet (varieti lain), dianggap selaras dengan evolusi harpsichord yang betul.
Mengenai nama dara, perlu diperhatikan bahawa salah satu etimologi yang dicadangkan menaikkannya kepada bahasa Inggeris anak dara dan seterusnya ke bahasa Latin dara, iaitu, "dara", kerana Elizabeth I, ratu dara, suka bermain dara. Malah, perawan itu muncul sebelum Elizabeth. Asal istilah "virginel" lebih tepat untuk memimpin dari perkataan Latin yang lain - virga("tongkat"), yang menunjukkan pelompat yang sama.
Adalah menarik bahawa pada ukiran yang menghiasi edisi cetakan pertama muzik untuk dara ("Parthenia"), pemuzik itu digambarkan dalam samaran seorang dara Kristian - St. Caecilia. Ngomong-ngomong, nama koleksi itu berasal dari bahasa Yunani. parthenos yang bermaksud "dara".
Untuk menghiasi edisi ini, ukiran daripada lukisan oleh artis Belanda Hendrik Goltzius "St. Cecilia". Walau bagaimanapun, pengukir tidak membuat imej cermin imej di papan, jadi kedua-dua ukiran itu sendiri dan pelaku ternyata terbalik - tangan kirinya jauh lebih maju daripada kanannya, yang, tentu saja, tidak dapat dah jadi anak dara masa tu. Terdapat beribu-ribu kesilapan sedemikian dalam ukiran. Mata bukan pemuzik tidak menyedari ini, tetapi pemuzik segera melihat kesilapan pengukir.
Beberapa halaman indah yang penuh dengan perasaan bersemangat telah dikhaskan untuk muzik anak dara Inggeris oleh pengasas kebangkitan harpsichord pada abad ke-20. ahli harpsichordis Poland yang hebat Wanda Landowska: "Mencurahkan hati yang lebih layak daripada kita, dan dipelihara dengan lagu-lagu rakyat, muzik Inggeris lama - bersemangat atau tenang, naif atau menyedihkan - menyanyikan alam semula jadi dan cinta. Dia meninggikan kehidupan. Jika dia beralih kepada mistik, maka dia memuliakan Tuhan. Tidak silap mahir, ia pada masa yang sama spontan dan berani. Ia selalunya kelihatan lebih moden daripada yang terbaru dan terhebat. Buka hati anda kepada daya tarikan muzik ini, pada asasnya tidak diketahui. Lupakan bahawa dia sudah tua, dan jangan fikir kerana ini dia telah kehilangan perasaan manusia.
Baris-baris ini ditulis pada awal abad ke-20. Sepanjang abad yang lalu, banyak yang telah dilakukan untuk mendedahkan dan menghargai secara keseluruhannya warisan muzik yang tidak ternilai daripada anak dara. Dan apakah nama-nama ini! Komposer William Bird dan John Bull, Martin Pearson dan Gil Farnaby, John Munday dan Thomas Morley...
Terdapat hubungan rapat antara England dan Belanda (sudah mengukir "Parthenia" memberi kesaksian tentang ini). Tali harpsichord dan dara tuan Belanda, terutamanya dinasti Ruckers, terkenal di England. Pada masa yang sama, dengan cara yang aneh, Belanda sendiri tidak boleh bermegah dengan sekolah mengarang yang begitu cerah.
Di benua itu, sekolah harpsichord asal adalah Itali, Perancis dan Jerman. Kami akan menyebut hanya tiga wakil utama mereka - Francois Couperin, Domenico Scarlatti dan Johann Sebastian Bach.
Salah satu tanda yang jelas dan jelas tentang hadiah komposer yang cemerlang (yang benar untuk mana-mana komposer dalam mana-mana era) ialah perkembangan gaya ekspresinya yang tersendiri, peribadi dan unik. Dan dalam jumlah besar penulis yang tidak terhitung jumlahnya, tidak akan ada banyak pencipta sejati. Ketiga-tiga nama ini sememangnya milik pencipta. Setiap daripada mereka mempunyai gaya tersendiri.
 Francois Couperin |
Francois Couperin(1668–1733) - penyair harpsichord sejati. Dia mungkin boleh menganggap dirinya seorang lelaki yang gembira: semua (atau hampir semua) karya harpsichordnya, iaitu, apa yang membentuk kemasyhuran dan kepentingan dunianya, telah diterbitkan oleh dirinya sendiri dan membentuk empat jilid. Oleh itu, kami mempunyai idea yang lengkap tentang warisan harpsichordnya. Pengarang baris-baris ini bernasib baik untuk melakukan kitaran lengkap gubahan harpsichord Couperin dalam lapan program konsert yang dipersembahkan pada festival muziknya yang diadakan di Moscow di bawah naungan Encik Pierre Morel, Duta Besar Perancis ke Rusia.
Saya minta maaf kerana saya tidak dapat memegang pembaca saya, membawanya ke harpsichord dan bermain, sebagai contoh, Couperin's French Masquerade, atau Domino Masks. Betapa banyak pesona dan keindahan di dalamnya! Tetapi sejauh mana kedalaman psikologi juga. Di sini, setiap topeng mempunyai warna tertentu dan - yang sangat penting - watak. Komen pengarang menerangkan imej dan warna. Terdapat dua belas topeng (dan warna) secara keseluruhan, dan ia muncul dalam urutan tertentu.
Saya sudah pernah mempunyai sebab untuk mengingati drama ini oleh Couperin berkaitan dengan cerita tentang "Black Square" oleh K. Malevich (lihat Seni, No. 18/2007). Hakikatnya ialah skema warna Couperin, bermula dengan putih (variasi pertama, melambangkan Keperawanan), berakhir dengan topeng hitam (Fury atau Despair). Oleh itu, dua pencipta era yang berbeza dan seni yang berbeza mencipta karya dengan makna simbolik yang mendalam: untuk Couperin, kitaran ini melambangkan tempoh kehidupan manusia - umur seseorang (dua belas untuk bilangan bulan, masing-masing selama enam tahun - ini adalah alegori yang dikenali pada zaman Baroque). Akibatnya, Couperin mempunyai topeng hitam, Malevich mempunyai persegi hitam. Dalam kedua-duanya, penampilan hitam adalah hasil daripada tindakan banyak kuasa. Malevich dengan terus terang menyatakan: "Saya menganggap putih dan hitam berasal daripada skema warna dan warna." Couperin memperkenalkan kami kepada rangkaian berwarna-warni ini.
Jelas sekali bahawa Couperin mempunyai harpsichord yang mengagumkan. Ini tidak menghairankan - lagipun, dia adalah pemain harpsichordis mahkamah Louis XIV. Instrumen, dengan bunyinya, dapat menyampaikan kedalaman penuh idea komposer.
Domenico Scarlatti(1685–1757). Komposer ini mempunyai gaya yang sama sekali berbeza, tetapi sama seperti Couperin, tulisan tangan yang jelas adalah tanda genius yang pertama dan jelas. Nama ini berkait rapat dengan harpsichord. Walaupun pada tahun-tahun mudanya Domenico menulis muzik yang berbeza, dia kemudiannya menjadi terkenal dengan tepat sebagai pengarang sejumlah besar (555) sonata harpsichord. Scarlatti secara luar biasa meluaskan kemungkinan prestasi harpsichord, memperkenalkan skop virtuoso yang belum pernah berlaku sebelum ini ke dalam teknik memainkannya.
Sejenis selari dengan Scarlatti dalam sejarah muzik piano kemudiannya ialah karya Franz Liszt, yang, seperti yang anda ketahui, secara khusus mempelajari teknik persembahan Domenico Scarlatti. (Dengan cara ini, kerana kita bercakap tentang persamaan dengan seni piano, maka Couperin juga mempunyai pewaris rohani dalam erti kata tertentu - ini, tentu saja, adalah F. Chopin.)
Untuk separuh kedua hidupnya, Domenico Scarlatti (tidak boleh dikelirukan dengan bapanya, komposer opera Itali yang terkenal Alessandro Scarlatti) adalah pemain harpsichordis istana Ratu Sepanyol Maria Barbara, dan sebahagian besar sonatanya ditulis khusus untuknya. . Kita boleh membuat kesimpulan dengan selamat bahawa dia seorang pemain harpsichordis yang sangat baik jika dia memainkan sonata yang kadangkala sangat teknikal.
I. Vermeer dari Delft. Gadis di spinet. OKEY. 1670. Koleksi peribadi
Dalam hal ini, saya teringat satu surat (1977) yang saya terima daripada ahli harpsichordis Czech yang cemerlang Zuzanna Ruzickova: “Tuan Maikapar yang dihormati! Saya ada satu permintaan untuk awak. Seperti yang anda ketahui, terdapat banyak minat dalam harpsichord asli sekarang, dan terdapat banyak perbincangan mengenai perkara ini. Salah satu dokumen utama dalam perbincangan mengenai instrumen ini berkaitan dengan D. Scarlatti ialah lukisan Vanloo, yang menggambarkan Maria Barbara dari Portugal, isteri Philip V. (Z. Ruzickova tersilap - Maria Barbara adalah isteri Ferdinand VI , anak kepada Philip V. - A.M.). Rafael Pouyana (ahli harpsichordis Perancis kontemporari utama - A.M.) percaya bahawa lukisan itu dicat selepas kematian Maria Barbara dan oleh itu tidak boleh menjadi sumber sejarah. Lukisan itu berada di Hermitage. Ia akan menjadi sangat penting jika anda boleh menghantar saya dokumen mengenai lukisan ini.
Serpihan. 1768. Hermitage, St. Petersburg
Lukisan yang dimaksudkan dalam surat itu ialah "Sextet" oleh L.M. Vanloo (1768).
Ia berada di Hermitage, di bilik stor jabatan lukisan Perancis abad XVIII. Penjaga Jabatan I.S. Nemilova, setelah mengetahui tujuan lawatan saya, mengiringi saya ke bilik besar, atau lebih tepatnya dewan, di mana terdapat lukisan yang tidak termasuk dalam pameran utama. Berapa banyak karya yang sangat menarik dari sudut pandangan ikonografi muzik, ternyata, disimpan di sini! Satu demi satu, kami mengemukakan bingkai besar, di mana 10-15 lukisan dipasang, dan menganggap subjek yang kami minati. Dan akhirnya, "Sextet" L.M. Vanloo.
Menurut beberapa laporan, lukisan ini menggambarkan Ratu Sepanyol Maria Barbara. Jika hipotesis ini terbukti, maka kita boleh mempunyai harpsichord yang dimainkan oleh Scarlatti sendiri! Apakah sebab yang perlu dikenali dalam pemain harpsichordis yang digambarkan dalam lukisan Vanloo, Maria Barbara? Pertama, nampaknya saya memang ada persamaan yang cetek antara wanita yang digambarkan di sini dan potret terkenal Maria Barbara. Kedua, Vanloo tinggal di mahkamah Sepanyol untuk masa yang agak lama dan, oleh itu, boleh melukis gambar pada tema dari kehidupan ratu. Ketiga, nama lain untuk lukisan itu juga dikenali - "Konserto Sepanyol" dan, keempat, beberapa ahli muzik asing (contohnya, K. Zaks) yakin bahawa Maria Barbara berada dalam lukisan itu.
Tetapi Nemilova, seperti Rafael Puyana, meragui hipotesis ini. Lukisan itu dicat pada tahun 1768, iaitu, dua belas tahun selepas pemergian artis dari Sepanyol dan sepuluh tahun selepas kematian Maria Barbara. Sejarah pesanannya diketahui: Catherine II menyampaikan kepada Vanloo melalui Putera Golitsyn hasrat untuk mempunyai lukisan olehnya. Kerja ini segera datang ke St. Petersburg dan disimpan di sini sepanjang masa, Golitsyn memberikannya kepada Catherine sebagai "Konsert". Bagi nama "Konserto Sepanyol", kostum Sepanyol di mana watak-wataknya digambarkan memainkan peranan dalam penampilannya, dan, seperti yang dijelaskan oleh Nemilova, ini adalah pakaian teater, dan bukan yang pada masa itu dalam fesyen.
 W. Landwska |
Dalam gambar, tentu saja, harpsichord menarik perhatian - alat dua manual dengan ciri untuk separuh pertama abad ke-18. pewarnaan kekunci, sebaliknya daripada yang moden (yang berwarna hitam pada piano berwarna putih pada harpsichord ini, dan sebaliknya). Di samping itu, ia masih kekurangan pedal untuk menukar daftar, walaupun ia sudah diketahui pada masa itu. Penambahbaikan ini ditemui pada kebanyakan harpsichord konsert manual dua kali moden. Keperluan untuk menukar daftar dengan tangan menentukan pendekatan tertentu untuk pilihan pendaftaran pada harpsichord.
Pada masa ini, dua arah ditakrifkan dengan jelas dalam melaksanakan amalan: penyokong yang pertama percaya bahawa semua kemungkinan moden instrumen harus digunakan (pendapat seperti itu dikongsi, sebagai contoh, oleh V. Landwska dan, dengan cara itu, Zuzanna Ruzickova ), yang lain percaya bahawa apabila melakukan muzik purba pada harpsichord moden, seseorang tidak boleh melampaui cara yang digunakan, berdasarkan yang ditulis oleh tuan lama (seperti yang difikirkan oleh Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, Rafael Puyana dan yang lain).
Oleh kerana kami memberi banyak perhatian kepada lukisan Vanloo, kami perhatikan bahawa artis itu sendiri, pada gilirannya, ternyata menjadi watak dalam potret muzik: karya harpsichord oleh komposer Perancis Jacques Dufly dikenali, yang dipanggil "Vanloo" .
 Johann Sebastian Bach |
Johann Sebastian Bach(1685–1750). Warisan harpsichord beliau mempunyai nilai yang luar biasa. Pengalaman saya membuat persembahan dalam konsert semua yang ditulis oleh Bach untuk instrumen ini membuktikan bahawa warisannya sesuai dengan lima belas (!) program konsert. Pada masa yang sama, konsert untuk harpsichord dan rentetan mesti dikira secara berasingan, serta jisim karya ensemble, yang tidak dapat difikirkan tanpa harpsichord.
Perlu diakui bahawa untuk semua keunikan Couperin dan Scarlatti, setiap daripada mereka menanam satu gaya individu. Bach adalah universal. "Italian Concerto" dan "French Overture" yang telah disebutkan adalah contoh kajian Bach tentang muzik sekolah kebangsaan ini. Dan ini hanyalah dua contoh, dalam nama mereka mencerminkan kesedaran Bach. Di sini anda boleh menambah kitaran "Suite Perancis" beliau. Seseorang boleh membuat spekulasi tentang pengaruh Inggeris dalam Suite Bahasa Inggerisnya. Dan berapa banyak sampel muzik gaya yang berbeza dalam karya beliau yang tidak menggambarkan ini dalam tajuk mereka, tetapi termasuk dalam muzik itu sendiri! Tidak perlu dikatakan, betapa luasnya tradisi clavier Jerman asalnya disintesis dalam karyanya.
Kami tidak tahu dengan tepat harpsichord yang dimainkan oleh Bach, tetapi kami tahu bahawa dia berminat dengan semua inovasi teknikal (termasuk dalam organ). Minatnya dalam mengembangkan kemungkinan prestasi harpsichord dan papan kekunci lain paling jelas ditunjukkan oleh kitaran preludes dan fugues yang terkenal dalam semua kekunci "The Well-Tempered Clavier".
Bach adalah seorang ahli harpsichord sejati. I. Forkel, penulis biografi pertama Bach, melaporkan: “Tiada siapa yang boleh menggantikan bulu yang usang pada harpsichordnya dengan yang baru supaya dia berpuas hati - dia melakukannya sendiri. Dia sentiasa menala harpsichordnya sendiri, dan sangat mahir dalam hal ini sehingga penalaan tidak pernah mengambil masa lebih daripada seperempat jam. Dengan kaedah penalaannya, kesemua 24 kekunci berada di tangannya, dan, membuat improvisasi, dia melakukan dengan mereka apa sahaja yang dia suka.
Sudah semasa hayat pencipta muzik harpsichord yang cemerlang, harpsichord mula kehilangan tempat. Pada tahun 1747, apabila Bach melawat Raja Prusia, Frederick the Great, di Potsdam, dia memberinya tema untuk diimprovisasi, dan Bach, nampaknya, sudah membuat improvisasi pada "pianoforte" (itulah nama instrumen baru pada masa itu. masa) - salah satu daripada empat belas atau lima belas, yang dibuat untuk raja oleh rakan Bach, ahli organ terkenal Gottfried Zilberman. Bach menyetujui bunyinya, walaupun sebelum itu dia tidak suka piano.
Mozart masih menulis untuk harpsichord pada masa mudanya, tetapi pada keseluruhannya karya claviernya, sudah tentu, ditujukan kepada pianoforte. Penerbit karya awal Beethoven menunjukkan pada halaman tajuk bahawa sonatanya (fikirkannya, malah Pathetique, yang diterbitkan pada tahun 1799) bertujuan "untuk harpsichord atau pianoforte." Penerbit pergi ke muslihat: mereka tidak mahu kehilangan pelanggan yang mempunyai harpsichord lama di rumah mereka. Tetapi semakin kerap hanya badan yang tinggal dari harpsichord: "pemadat" harpsichord telah dikeluarkan sebagai tidak perlu dan digantikan dengan jenis tukul baru, iaitu piano, mekanik.
Persoalannya timbul: mengapa instrumen ini, yang mempunyai sejarah yang begitu panjang dan warisan seni yang kaya, adalah pada akhir abad ke-18. disingkirkan daripada latihan muzik dan digantikan dengan piano? Dan bukan hanya dipaksa keluar, tetapi dilupakan sepenuhnya pada abad ke-19? Lagipun, tidak boleh dikatakan bahawa apabila proses menggantikan harpsichord ini bermula, piano adalah instrumen terbaik dari segi kualitinya. Sebaliknya! Carl Philipp Emanuel Bach, salah seorang anak lelaki sulung Johann Sebastian, menulis konserto bergandanya untuk harpsichord dan pianoforte dengan orkestra, yang bermaksud untuk menunjukkan secara langsung kelebihan harpsichord berbanding piano.
Hanya ada satu jawapan: kemenangan piano ke atas harpsichord menjadi mungkin di bawah keadaan perubahan radikal dalam keutamaan estetik. Estetika Baroque, yang berasaskan sama ada pada konsep yang dirumus dengan jelas atau dirasai dengan jelas tentang teori kesan (secara ringkas intipati: satu mood, mempengaruhi, - satu cat bunyi), yang mana harpsichord adalah cara ekspresi yang ideal, memberi laluan pertama kepada pandangan dunia sentimentalisme, kemudian ke arah yang lebih kuat - klasikisme dan, akhirnya, romantisme. Dalam semua gaya ini, yang paling menarik dan ditanam adalah, sebaliknya, idea kebolehubahan- perasaan, imej, perasaan. Dan piano itu mampu meluahkannya.
Instrumen ini memperoleh pedal dengan keupayaannya yang hebat dan mampu mencipta naik dan turun yang luar biasa dalam bunyi ( crescendo Dan diminuendo). Harpsichord tidak dapat melakukan semua ini pada dasarnya - kerana keanehan reka bentuknya.
Mari berhenti dan ingat detik ini supaya kita boleh memulakan perbualan seterusnya dengannya - tentang piano, dan khususnya tentang konsert besar piano besar, iaitu, "alat diraja", tuan sebenar semua muzik romantis.
Dalam kisah kita, sejarah dan kemodenan bercampur-campur, kerana hari ini harpsichord dan instrumen lain dari keluarga ini ternyata menjadi luar biasa dan dalam permintaan kerana minat yang besar dalam muzik Renaissance dan Baroque, iaitu, masa ketika mereka bangkit dan selamat dari zaman keemasan mereka.
Seni komposer dan seni persembahan adalah dua sumber yang tidak habis-habis yang saling memberi makan: tangan penghibur mengisi pemikiran komposer dengan nafas kehidupan, dan pencipta muzik mendapat inspirasi daripada kemahiran penghibur. Seperti kebanyakan komposer lain, Sofia Asgatovna Gubaidulina mencipta banyak gubahan yang memberi tumpuan kepada penghibur tertentu, dan salah seorang pemuzik ini ialah Mark Ilyich Pekarsky, yang mengabdikan hidupnya untuk instrumen perkusi. Dia bukan sahaja seorang penghibur yang cemerlang dan pencipta ensembel perkusi - Mark Ilyich menulis banyak artikel dan buku tentang bidang alat muzik ini, mengasaskan kelas ensemble perkusi di Konservatori Moscow.
"Pada gendang anda boleh melakukan semua yang anda boleh lakukan pada biola, pada piano, pada organ, hanya sedikit dengan cara lain, tetapi pada dasarnya, gendang mampu menyampaikan kedua-dua keseronokan, dan penderitaan, dan kesedihan. , dan kegembiraan, dan apa sahaja yang anda mahukan, "kata pemuzik itu. Salah satu pengesahan terbaik idea ini boleh dianggap sebagai pelbagai alat perkusi yang menakjubkan yang dicipta oleh orang yang berbeza dalam era yang berbeza. Kebanyakan instrumen ini diwakili dalam koleksi unik yang dipasang oleh Pekarsky. Kemegahan ini tidak dapat membantu tetapi menarik minat Gubaidulin - lagipun, Sofia Asgatovna sentiasa cuba mencari bunyi baru walaupun untuk instrumen awam Eropah yang paling biasa dan terkenal, dan dalam kes ini, komposer mempunyai taburan timbre yang tidak biasa yang sangat berharga: crotali (simbal Pompeian), simbal Cina, gendang chang Korea, loceng Cina bian-zhong... Tetapi komposer melakukan sesuatu yang lebih luar biasa – dia menggabungkan semua timbre ini, yang berasal dari dunia misteri Timur, dengan Eropah Barat instrumen - harpsichord... adakah percanggahan yang tidak dapat diselesaikan timbul dengan gabungan Timur dan Barat sedemikian? Sofia Gubaidulina tidak fikir begitu - dia yakin bahawa instrumen oriental "dalam kombinasi dengan harpsichord kehilangan nuansa geografi tempatan mereka dan termasuk dalam jenis pembuatan muzik yang lebih umum, di mana semua sifat timbre yang pelbagai cenderung untuk berkumpul."
"Persesuaian" sedemikian menimbulkan ensemble harmoni yang menghairankan dalam karya Gubaidulina, mendengarnya, sukar untuk mempercayai bahawa instrumen yang membentuknya berasal dari bahagian dunia dan era yang berbeza - mereka benar-benar "bertutur" dalam bahasa yang sama . .. ya, mereka lakukan! Dalam karya itu, bertajuk sangat ringkas - "Muzik untuk harpsichord dan alat perkusi dari koleksi Mark Pekarsky" - sejenis "ucapan muzik" muncul dengan "fonem" (bunyi pertuturan) yang membentuk "perkataan". Bukan kebetulan bahawa Sofia Asgatovna pada asalnya merancang untuk memberikan karya ini tajuk yang berbeza - "Logogryph", ini adalah nama permainan perkataan di mana huruf demi huruf dikeluarkan secara beransur-ansur dari perkataan tertentu, dan perkataan baru muncul (contohnya, "sumber - sinki - arus"). Sesuatu yang serupa dilakukan oleh komposer dengan kompleks bunyi. Sebagai contoh, pada permulaan kerja, terdapat "lapisan" simbal Cina seperti gelombang, masuk pada ketinggian yang berbeza, dan kemudian mereka secara beransur-ansur "dimatikan" - "pempadatan" fabrik muzik diikuti oleh "nya. rarefaction”. Dalam "permainan" bunyi yang menarik ini, bukan nada bunyi yang ditonjolkan, tetapi sifat timbrenya (teknik muzik ini dipanggil sonorik). "logogryphs" muzik menjadi asas untuk membina bentuk. Pada bahagian pertama, satu siri lapan "perkataan" muzik dibina dengan peningkatan beransur-ansur dalam bilangan bunyi, dan di bahagian ulangan, kompleks bunyi yang sama dibina dalam susunan yang berbeza: tidak ada "pantulan cermin" yang tepat dalam kes ini, tetapi kecenderungan umum kepada penurunan beransur-ansur muncul. Kita boleh melihat gabungan arah pembangunan yang bertentangan bukan sahaja dalam bentuk bahagian yang berasingan, tetapi juga dalam nisbah bahagian kerja: bahagian pertama diarahkan terutamanya kepada daftar tinggi, yang kedua - kepada yang rendah.
Kesan "permainan intelektual" dicipta bukan sahaja oleh "nisbah matematik" yang harmoni, tetapi juga dengan penggunaan petikan muzik. Dalam pergerakan pertama, motif pendek, tiga nota, tetapi boleh dikenali dari waltz minor C muncul, serta serpihan kecil dari fugue G minor dari jilid pertama Johann Sebastian Bach. Kemunculan kedua-dua petikan berubah secara pelik: motif dari waltz Chopin muncul dalam kunci yang jauh daripada asal (B-flat minor), dihuraikan oleh simbal bian-zhun dan Pompeian. Motif dari fugue Bach dilakukan oleh chang (walaupun kemudiannya ia berbunyi dalam persembahan yang lebih "tradisional" - pada harpsichord, tetapi garis besarnya diubah sedemikian rupa sehingga kesan bunyi palsu timbul).
"Muzik untuk harpsichord dan perkusi" oleh Sofia Gubaidulina adalah permainan minda yang canggih, tetapi adalah satu kesilapan untuk memanggilnya sebagai produk "alasan dingin". Dalam permainan timbres, motif ringkas dan kompleks bunyi, seseorang dapat merasakan "pernafasan" emosi yang meriah.
Hak cipta terpelihara. Menyalin dilarang
