Moderne russiske jazzsangere. Sovjetisk politik og udviklingen af ​​jazz i Rusland

Jazz er musik fyldt med passion og opfindsomhed, musik, der ikke kender nogen grænser eller grænser. At lave en liste som denne er utroligt svært. Denne liste blev skrevet, omskrevet og derefter omskrevet igen. Ti er for begrænsende for en musikgenre som jazz. Men uanset mængden er denne musik i stand til at puste liv og energi, vågne op fra dvale. Hvad kunne være bedre end fed, utrættelig, varmende jazz!

1. Louis Armstrong

1901 - 1971

Trompetist Louis Armstrong er æret for sin livlige stil, opfindsomhed, virtuositet, musikalske udtryk og dynamiske præstation. Kendt for sin rasende stemme og en karriere, der strækker sig over fem årtier. Armstrongs indflydelse på musikken er uvurderlig. Generelt betragtes Louis Armstrong som den største jazzmusiker gennem tiderne.

Louis Armstrong med Velma Middleton & His All Stars - Saint Louis Blues

2. Duke Ellington

1899 - 1974

Duke Ellington har været pianist og komponist, leder af et jazzorkester i næsten 50 år. Ellington brugte sit band som et musiklaboratorium til sine eksperimenter, hvor han demonstrerede talenterne hos bandmedlemmerne, hvoraf mange blev hos ham i lang tid. Ellington er en utrolig begavet og produktiv musiker. I løbet af sin halvtreds år lange karriere har han skrevet tusindvis af kompositioner, herunder musik til film og musicals, såvel som mange berømte standarder som "Cotton Tail" og "It Don't Mean a Thing".

Duke Ellington og John Coltrane - I sentimental stemning

3. Miles Davis

1926 - 1991

Miles Davis er en af ​​de mest indflydelsesrige musikere i det 20. århundrede. Sammen med sine bands har Davis været en central figur i jazzmusikken siden midten af ​​1940'erne, herunder bebop, cool jazz, hard bop, modal jazz og jazzfusion. Davis har utrætteligt rykket grænserne for kunstnerisk udtryk, hvilket gør ham ofte identificeret som en af ​​de mest innovative og respekterede kunstnere i musikhistorien.

Miles Davis Quintet - It Never Entered My Mind

4. Charlie Parker

1920 - 1955

Den virtuose saxofonist Charlie Parker var en indflydelsesrig jazzsolist og en førende skikkelse i udviklingen af ​​be-bop, en jazzform præget af hurtige tempoer, virtuos teknik og improvisation. I sine komplekse melodiske linjer kombinerer Parker jazz med andre musikgenrer, herunder blues, latin og klassisk musik. Parker var en ikonisk figur i beatnik-subkulturen, men han overgik sin generation og blev personificeringen af ​​en kompromisløs, intelligent musiker.

Charlie Parker - Blues for Alice

5. Nat King Cole

1919 - 1965

Kendt for sin silkebløde baryton, bragte Nat King Cole følelsen af ​​jazz til populær amerikansk musik. Cole var en af ​​de første afroamerikanere, der var vært for et tv-program med deltagelse af jazzartister som Ella Fitzgerald og Eartha Kitt. En fænomenal pianist og en fremragende improvisator, Cole var en af ​​de første jazzartister, der blev et popikon.

Nat King Cole - Efterårsblade

6. John Coltrane

1926 - 1967

På trods af en forholdsvis kort karriere (han akkompagnerede første gang i en alder af 29 i 1955, begyndte officielt sin solokarriere som 33-årig i 1960 og døde som 40-årig i 1967), er saxofonisten John Coltrane den vigtigste og mest kontroversielle figur i jazzen. Trods en kort karriere på grund af sin berømmelse har Coltrane haft mulighed for at indspille i overflod, og mange af hans indspilninger er blevet udgivet posthumt. Coltrane har radikalt ændret sin stil i løbet af sin karriere, men han har stadig en stor tilhængerskare af både hans tidlige, traditionelle lyd og hans mere eksperimenterende lyd. Og ingen, med nærmest religiøst engagement, tvivler på dets betydning i musikhistorien.

John Coltrane - Mine yndlingsting

7. Thelonious Munk

1917 - 1982

Thelonious Monk er en musiker med en unik improvisationsstil, den næstmest genkendelige jazzartist efter Duke Ellington. Hans stil var præget af energiske, perkussive partier blandet med barsk, dramatisk stilhed. Under sine optrædener, mens resten af ​​musikerne spillede, rejste Thelonius sig fra keyboardet og dansede i flere minutter. Med de klassiske jazzkompositioner "Round Midnight", "Straight, No Chaser" endte Monk sine dage i relativ uklarhed, men hans indflydelse på moderne jazz er stadig synlig i dag.

Thelonious Monk - "rundt midnat

8. Oscar Peterson

1925 - 2007

Oscar Peterson er en innovativ musiker, der fremførte alt inklusive en klassisk Bach-ode og en af ​​de første jazzballetter. Peterson åbnede en af ​​de første jazzskoler i Canada. Hans "Hymn to Freedom" blev hymnen for borgerrettighedsbevægelsen. Oscar Peterson var en af ​​de mest talentfulde og vigtige jazzpianister i sin generation.

Oscar Peterson - C Jam Blues

9. Billie Holiday

1915 - 1959

Billie Holiday er en af ​​jazzens vigtigste skikkelser, selvom hun aldrig har skrevet sin egen musik. Holiday har forvandlet sangene "Embraceable You", I'll Be Seeing You og "I Cover the Waterfront" til anerkendte jazzstandarder, og hendes fortolkning af "Strange Fruit" betragtes som en af ​​de fineste i amerikansk musikhistorie. Selvom hendes liv var fuld af tragedie, demonstrerede Holidays improvisationsgeni, kombineret med hendes skrøbelige, noget raspende stemme, en hidtil uset dybde af følelser uden sidestykke blandt andre jazzsangere.

Billie ferie - mærkelig frugt

10. Svimmel Gillespie

1917 - 1993

Trompetisten Dizzy Gillespie er bebop-innovator og improvisationsmester, såvel som en pioner inden for afrocubansk og latinjazz. Gillespie har samarbejdet med forskellige musikere fra Sydamerika og Caribien. Han var dybt passioneret omkring den traditionelle musik i afrikanske lande. Alt dette tillod ham at bringe uhørte innovationer til moderne jazzfortolkninger. Gennem sin lange karriere har Gillespie turneret utrætteligt og betaget publikum med sin baret, hornbriller, buldrende kinder, lethjertethed og sin utrolige musik.

Dizzy Gillespie feat. Charlie Parker - En nat i Tunesien

11. Dave Brubeck

1920 – 2012

Dave Brubeck er en komponist og pianist, populariserer af jazz, borgerrettighedsaktivist og musikforsker. En ikonoklastisk performer, genkendelig fra en enkelt akkord, en rastløs komponist, der flytter grænserne for genren og bygger bro mellem musikkens fortid og fremtid. Brubeck samarbejdede med Louis Armstrong og mange andre anerkendte jazzmusikere og påvirkede avantgardekunstnere som pianisten Cecil Taylor og saxofonisten Anthony Braxton.

Dave Brubeck - Take Five

12. Benny Goodman

1909 – 1986

Benny Goodman er en jazzmusiker bedre kendt som "King of Swing". Blev en popularizer af jazz blandt hvide unge. Dens udseende markerede begyndelsen på en æra. Goodman var en kontroversiel person. Han stræbte utrætteligt efter ekspertise, og dette afspejles i hans tilgang til musik. Goodman var mere end bare en virtuos performer – han var en kreativ klarinettist og innovator i jazztiden, der gik forud for Bebop-æraen.

Benny Goodman - Syng Syng Syng

13. Charles Mingus

1922 – 1979

Charles Mingus er en indflydelsesrig jazzkontrabassist, komponist og leder af et jazzorkester. Mingus' musik er en blanding af varm og sjælfuld hard bop, gospel, klassisk musik og free jazz. For sin ambitiøse musik og formidable temperament har Mingus fået tilnavnet "The Angry Jazz Man". Hvis han bare var en stregspiller, ville få mennesker kendt til hans navn i dag. Han var snarere den største kontrabassist, en der altid holdt fingrene på pulsen af ​​jazzens voldsomme udtrykskraft.

Charles Mingus - Moanin "

14. Herbie Hancock

1940 –

Herbie Hancock vil altid være en af ​​de mest ærede og kontroversielle musikere inden for jazz – det samme vil hans arbejdsgiver/mentor Miles Davis. I modsætning til Davis, der støt bevægede sig fremad og aldrig så sig tilbage, zigzagger Hancock mellem næsten elektronisk og akustisk jazz og endda r "n" b. På trods af hans elektroniske eksperimenter fortsætter Hancocks kærlighed til flyglet uformindsket, og hans stil med klaverspil fortsætter med at udvikle sig til stadig mere barske og komplekse former.

Herbie Hancock - Cantelope Island

15. Winton Marsalis

1961 –

Den mest berømte jazzmusiker siden 1980. I begyndelsen af ​​1980'erne var Winton Marsalis en åbenbaring, da en ung og meget talentfuld musiker besluttede at leve af at spille akustisk jazz frem for funk eller R "n" B. Siden 70'erne har der været stor mangel på nye trompetister inden for jazz, men Marsalis' uventede fremtræden har inspireret en fornyet interesse for jazzmusik.

Wynton Marsalis - Rustiques (E. Bozza)

Historien om sovjetisk (efter 1991 - russisk) jazz er ikke blottet for originalitet og adskiller sig fra periodiseringen af ​​amerikansk og europæisk jazz.

Musikhistorikere opdeler amerikansk jazz i tre perioder:

• traditionel jazz, herunder New Orleans-stil (herunder Dixieland), Chicago-stil og swing - fra slutningen af ​​1800-tallet. indtil 1940'erne;
• moderne(moderne jazz), inklusive stilarterne bebop, cool, progressiv og hårdtkæmpende - fra begyndelsen af ​​40'erne. og indtil slutningen af ​​50'erne. XX århundrede;
• avantgarde(fri jazz, modal stil, fusion og fri improvisation) - siden begyndelsen af ​​1960'erne.

Det skal bemærkes, at kun tidsfristerne for transformationen af ​​en bestemt stil eller retning er angivet ovenfor, selvom de alle eksisterede sammen og fortsætter med at eksistere den dag i dag.

Med al respekt for den sovjetiske jazz og dens mestre, skal det ærligt indrømmes, at sovjetjazzen i de sovjetiske år altid var sekundær, baseret på de ideer, der oprindeligt opstod i USA. Og først efter at russisk jazz var nået langt, i slutningen af ​​det XX århundrede. vi kan tale om originaliteten af ​​jazz udført af russiske musikere. Ved at bruge jazzens rigdom opsamlet gennem et århundrede bevæger de sig deres egen vej.

Jazzens fødsel i Rusland fandt sted et kvart århundrede senere end dens oversøiske modstykke, og den periode med arkaisk jazz, som amerikanerne gennemgik, er slet ikke til stede i den russiske jazzs historie. På det tidspunkt, hvor de i det unge Rusland lige havde hørt en musikalsk nyhed, dansede Amerika til jazz med kræfter, og der var så mange orkestre, at det var umuligt at tælle deres antal. Jazzmusikken erobrede et stadig større publikum, lande og kontinenter. Den europæiske offentlighed var meget mere heldig. Allerede i 1910'erne, og især under Første Verdenskrig (1914-1918), forbløffede amerikanske musikere den gamle verden med deres kunst, og pladeindustrien bidrog også til udbredelsen af ​​jazzmusikken.

Fødselsdagen for sovjetisk jazz betragtes som 1. oktober 1922, da det første excentriske jazzband i RSFSR gav en koncert i Great Hall of the State Institute of Theatre Arts. Sådan blev ordet skrevet - jazzband. Dette orkester var organiseret af en digter, oversætter, rejsegeograf og danser Valentin Parnakh(1891-1951). I 1921 vendte han tilbage til Rusland fra Paris, hvor han havde boet siden 1913 og var fortrolig med fremragende kunstnere, forfattere og digtere. Det var i Frankrig, at denne ekstraordinære og højtuddannede person, lidt mystisk, som elskede alt avantgarde, mødte de første jazzgæstekunstnere fra Amerika og, revet med af denne musik, besluttede at gøre russiske lyttere bekendt med musikalsk eksotisme. Til det nye orkester var der brug for usædvanlige instrumenter, og Parnakh bragte til Moskva en banjo, sæt lyddæmpere til en trompet, tomtom med fodpedal, bækkener og støjinstrumenter. Parnach, der ikke var musiker, behandlede jazzmusikken på en utilitaristisk måde. "Han blev tiltrukket af denne musik af usædvanlige, knækkede rytmer og nye, som han sagde," excentriske "danse," huskede den berømte forfatter, dramatiker, manuskriptforfatter Yevgeny Gabrilovich senere, som i nogen tid arbejdede som pianist i Valentin Parnakhs orkester.

Musik skulle ifølge Parnach være et akkompagnement til plastiske bevægelser, anderledes end klassisk ballet. Allerede fra begyndelsen af ​​orkestrets eksistens argumenterede dirigenten for, at en jazzgruppe skulle være et "mimic orchestra", så i sin nuværende forstand kan et sådant orkester næppe kaldes et jazzorkester i fuld udstrækning. Mest sandsynligt var det et støjorkester. Måske af denne grund slog jazzen i Rusland først rod i det teatralske miljø, og i tre år optrådte Parnakh-orkestret i forestillinger iscenesat af teaterdirektør Vsevolod Meyerhold. Derudover deltog orkestret nogle gange i karnevalsfejringer, optrådt i House of Press, hvor Moskva-intelligentsiaen samledes. Ved koncerten dedikeret til åbningen af ​​Kominterns 5. kongres fremførte orkestermedlemmerne uddrag fra Darius Millaus musik til balletten "Bull on the Roof" - et værk, der er ret svært at fremføre. Parnakhs jazzband var den første gruppe, der blev inviteret til Statens Akademiske Dramateater, men efter et stykke tid begyndte den anvendte betydning af orkestret at tilfredsstille lederen, og Vsevolod Meyerhold var irriteret over, at så snart orkestret begyndte at spille, blev al opmærksomhed fra publikum var nittet på musikerne og ikke til at iscenesætte action. På trods af det faktum, at pressen bemærkede den vellykkede brug af musik til "manifestation af en dramatisk rytme, pulsslag i en forestilling", mistede instruktør Meyerhold interessen for orkestret og lederen af ​​det første jazzband i Rusland, efter en stor og larmende succes vendte tilbage til poesien. Valentin Parnakh var den første russiske forfatter af artikler om ny musik, og skrev endda poesi om jazz. Der er ingen optagelser af Parnakhov-ensemblet, da optagelsen i USSR først dukkede op i 1927, da kollektivet allerede var opløst. På dette tidspunkt havde meget flere professionelle kunstnere optrådt i landet end "Det første excentriske orkester i RSFSR - Valentin Parnakhs jazzband". De var orkestre Teplitsky, Landsberg, Utesov, Tsfasman.

I slutningen af ​​1920'erne. i USSR var der entusiaster, musikere dukkede op, der spillede det, der blev "hørt", som på en eller anden måde kom fra jazzmekkaet, fra Amerika, hvor store swingorkestre på det tidspunkt begyndte at dukke op. I 1926 i Moskva, en kandidat fra konservatoriet og en strålende virtuos pianist Alexander Tsfasman(1906-1971) organiserede "AMA-jazz" (på det kooperative forlag under Association of Moscow Authors). Det var det første professionelle jazzorkester i Sovjetrusland. Musikerne udførte kompositionerne af lederen selv, hans arrangementer af amerikanske skuespil og de første musikalske opusser af sovjetiske komponister, der skrev musik i en genre, der var ny for dem. Orkestret har med succes optrådt på scenen i store restauranter, i foyererne i de største biografer. Ved siden af ​​navnet på Alexander Tsfasman kan du gentagne gange gentage ordet "først". I 1928 optrådte orkestret i radioen - for første gang lød sovjetisk jazz i luften, og derefter dukkede de første plader med jazzmusik op (Hallelujah af Vincent Humans og Seminole af Harry Warren). Alexander Tsfasman var forfatteren til det første jazzradioshow i vores land. I 1937 blev der lavet optegnelser over Tsfasmans værker: "På en lang rejse", "På kysten", "Usuccessful Date" (husk bare linjerne: "Vi var begge: Jeg var på apoteket, og jeg ledte efter dig i biografen, så i morgen - samme sted, til samme time! "). Tsfasmans behandling af den polske tango, almindeligvis kendt som "Den brændte sol", havde uændret succes. I 1936 blev A. Tsfasmans orkester anerkendt som det bedste til at vise jazzorkestre. I det væsentlige kunne det kaldes en jazzfestival, som blev arrangeret af Moscow Club of Artists.

I 1939 blev Tsfasmans orkester inviteret til at arbejde på All-Union Radio, og under den store patriotiske krig gik orkestrets musikere til fronten. Koncerterne blev afholdt i frontlinjen og i frontlinjen, i skovlysninger og i udgravninger. På det tidspunkt blev sovjetiske sange fremført: "Dark Night", "Dugout", "My Favorite". Musik hjalp soldaterne til at flygte fra den forfærdelige hverdag i kort tid, hjalp med at huske deres hjem, familie og deres kære. Det var hårdt at arbejde på militærhospitaler, men også her bragte musikerne glæden ved at møde ægte kunst. Men hovedarbejdet for orkestret forblev arbejde på radioen, optrædener på fabrikker, fabrikker og rekrutteringscentre.

Det bemærkelsesværdige Tsfasman-orkester, bestående af talentfulde jazzmusikere, eksisterede indtil 1946.

I 1947-1952. Tsfasman stod i spidsen for den symfoniske jazz i Hermitage popteater. I en vanskelig tid for jazzen (dette var 1950'erne), under den kolde krig med USA og Vesten, da publikationer, der ærekrænkede og miskrediterede jazz begyndte at dukke op i den sovjetiske presse, arbejdede orkesterlederen på koncertscenen som en jazz pianist. Derefter sammensatte maestroen en instrumental kvartet til studiearbejde, hvis hits var inkluderet i fonden for sovjetisk musik:

"Hyggelig aften", "Venter", "Altid med dig." Kendte og elskede romancer og populære sange af Alexander Tsfasman, musik til forestillinger og film.

I 2000, i serien "Anthology of Jazz", udkom Tsfasmans album "The Burnt Sun", indspillet på cd, som indeholder komponistens bedste instrumentale og vokale stykker. G. Skorokhodov skrev om Tsfasman i sin bog "Stars of the Soviet Stage" (1986). A. N. Batashev, forfatteren til en af ​​de mest autoritative publikationer - "Sovjetjazz" (1972) - talte i sin bog om Alexander Tsfasmans liv og arbejde. I 2006 udkom bogen "Alexander Tsfasman: The Coryphaeus of Soviet Jazz" af Doctor of Philosophy, forfatter og musikolog A. N. Golubev.

Samtidig med "AMA-jazz" Tsfasman i Moskva, i 1927, dukkede en jazzgruppe op i Leningrad. Det var "Det første koncert jazzband" pianist Leopold Teplitsky(1890-1965). Tidligere, i 1926, besøgte Teplitsky New York og Philadelphia, hvor han blev sendt af People's Commissariat for Education. Formålet med turen var at studere musik til illustrationer til stumfilm. I flere måneder absorberede musikeren alle rytmerne af musik, der var ny for ham selv, studeret med amerikanske jazzmænd. Da han vendte tilbage til Rusland, organiserede L. Teplitsky et orkester af professionelle musikere (lærere fra konservatoriet, musikskoler), som desværre ikke mærkede jazzspecifikationerne ved den musik, de fremførte. Musikere, der altid kun spillede efter noder, kunne ikke forestille sig, at den samme melodi kunne spilles på en ny måde hver gang, det vil sige, at improvisation var udelukket. Teplitskys fortjeneste kan betragtes som, at musikere for første gang optrådte i koncertsale, og selvom lyden af ​​orkestret var langt fra et ægte jazzband, var det ikke længere den excentriske kunst af Valentin Parnakhs støjorkester. Repertoiret for Leopold Teplitskys orkester bestod af skuespil af amerikanske forfattere (dirigenten bragte uvurderlig bagage til sit hjemland - en stak jazzplader og en hel mappe med orkesterarrangementer Paul Whiteman)... Teplitskys jazzband holdt ikke længe, ​​kun få måneder, men selv i løbet af denne korte tid introducerede musikerne publikum til moderne amerikansk dansemusik, til smukke Broadway-melodier. Efter 1929 var Leopold Teplitskys skæbne dramatisk: arrestation på grund af falsk fordømmelse, fordømmelse af NKVD-trojkaen til ti år i lejre, opførelse af Hvidehavet-Østersøkanalen. Efter konklusionen blev Leopold Yakovlevich tvunget til at bosætte sig i Petrozavodsk ("sådan" var ikke tilladt i Leningrad). Den musikalske fortid er ikke blevet glemt. Teplitsky organiserede et symfoniorkester i Karelen, underviste på konservatoriet, skrev musik og dirigerede radioudsendelser. Den internationale jazzfestival "Stars and We" (arrangeret i 1986 i Petrozavodsk) siden 2004 er blevet opkaldt efter pioneren inden for russisk jazz Leopold Teplitsky.

Musikkritik i slutningen af ​​1920'erne kunne ikke værdsætte det nye kulturelle fænomen. Her er et uddrag fra dengang fra en typisk anmeldelse af jazz: "Som et middel til tegneserie og parodi ... som et groft, men bidsk og pikant rytmisk og klangfarvet apparat, velegnet til dansemusik og til billig" musikalsk undermaling "i teatralsk brug, - et jazzband har sin egen grund. Uden for disse grænser er dens kunstneriske værdi ikke stor."

Den russiske sammenslutning af proletariske musikere (RAPM) lagde også brænde på ilden, hævdede den "proletariske linje" i musikken og afviste alt, der ikke svarede til deres ofte dogmatiske syn på kunst. I 1928 offentliggjorde avisen Pravda en artikel med titlen "Om de fedes musik" af den berømte sovjetiske forfatter Maxim Gorky. Det var en vred pamflet, der fordømte "rovdyrenes verden", "fedtets magt." Den proletariske forfatter boede på det tidspunkt i Italien, på øen Capri, og var højst sandsynligt bekendt med den såkaldte "restaurantmusik", langt fra ægte jazz. Nogle minutiøse jazzhistorikere hævder, at forfatteren simpelthen er "træt" af foxtrots, som Gorkys uheldige stedsøn spillede hele tiden på villaens første sal. På den ene eller anden måde, men den proletariske forfatters udtalelse blev straks taget op af RAPM's ledere. Og i lang tid blev jazz i vores land kaldt "de fedes musik", uden at vide, hvem der var den sande forfatter af jazzmusik, i hvilke magtesløse lag af det amerikanske samfund den blev født.

På trods af den vanskelige kritiske atmosfære fortsatte jazzen med at udvikle sig i USSR. Der var mange mennesker, der betragtede jazz som en kunst. Man kunne sige om dem, at de besad en "medfødt sans for jazz", som ikke kan udvikles gennem motion: enten er den eller er den ikke. Som komponisten sagde Gia Kancheli(født i 1935), "det er umuligt at påtvinge denne følelse, det er nytteløst at lære det, fordi noget oprindeligt, naturligt er indlejret her".

I Leningrad, i lejligheden til en studerende fra Landbrugsinstituttet Heinrich Terpilovsky(1908-1989) i slutningen af ​​1920'erne. der var en hjemmejazzklub, hvor amatørmusikere lyttede til jazz, diskuterede meget og passioneret om ny musik og stræbte efter at forstå jazzens kompleksitet som et kunstnerisk fænomen. Unge musikere blev så revet med af jazzideer, at der hurtigt blev dannet et ensemble, som for første gang skabte et jazzrepertoire. Ensemblet blev kaldt "Leningrad Jazz Capella", hvis musikalske ledere var Georgy Landsberg(1904-1938) og Boris Krupyshev. Landsberg tilbage i 1920'erne. boede i Tjekkoslovakiet, hvor Georges far arbejdede i handelsmissionen. Den unge mand studerede på Prags Polytekniske Institut, gik ind til sport, fremmedsprog og musik. Det var i Prag, at Landsberg hørte amerikansk jazz - "The Chocolate Boys" Sam Wooding. Prag har altid været en musikby: jazzorkestre, ensembler var allerede bekendt med den oversøiske nyhed. Så efter at have vendt tilbage til sit hjemland, var Georgy Landsberg allerede "bevæbnet" med mere end et dusin jazzstandards og skrev de fleste af arrangementerne selv. Han blev hjulpet N. Minh og S. Kagan. En atmosfære af kreativ konkurrence herskede i kollektivet: musikerne tilbød også deres egne versioner af arrangementer, hvert forslag blev varmt diskuteret. Indstuderingsprocessen interesserede til tider unge musikere endnu mere end selve forestillingerne. Jazz Capella fremførte ikke kun værker af udenlandske komponister, men også originale skuespil af sovjetiske forfattere: Jazz Suite af A. Zhivotov, lyrisk spil af N. Minh "I am lonely", "Jazz Fever" af G. Terpilovsky. Selv i Leningrad-pressen dukkede der godkendende anmeldelser op om ensemblet, hvor fremragende kunstnere blev noteret, som spillede harmonisk, rytmisk fast og dynamisk. Leningradskaya Jazz Capella turnerede med succes i Moskva, Murmansk, Petrozavodsk, organiserede "se-koncerter", der introducerede lyttere til "kulturel kammer-type jazz". Repertoiret blev udvalgt meget omhyggeligt under hensyntagen til koncertaktiviteten, men "akademiskhed" bragte ikke kommerciel succes, publikum var ikke klar til at lytte til vanskelig musik. Administratorer af teatre og klubber mistede hurtigt interessen for ensemblet, og musikerne begyndte at flytte til andre orkestre. Georgy Landsberg arbejdede sammen med flere musikere på restauranten Astoria, hvor der i begyndelsen af ​​russisk jazz blev holdt jamsessions med udenlandske jazzmænd, der ankom til byen på krydstogtskibe.

I 1930 flyttede mange musikere fra G. Landsberg til Leonid Utesovs mere succesrige orkester, og Landsberg afskedigede sit orkester og arbejdede som ingeniør i nogen tid (den uddannelse, han fik på Polyteknisk Institut, kom til nytte). Jazz Capella som koncertgruppe blev genoplivet igen med ankomsten af ​​den talentfulde pianist og arrangør Simon Kagan, og da G. Landsberg genopstod i ensemblet i 1934, begyndte Capella at lyde på en ny måde. Pianisten lavede arrangementer for Bond med strålende opfindsomhed Leonid Andreevich Diederichs(1907-?). Han lavede instrumentale arrangementer af sange af sovjetiske komponister, hvilket kreativt berigede hvert partitur. Også kendt er de originale instrumentalstykker af L. Diederichs - "Puma" og "Under Paris' tag". Stor succes bragte kollektivet en turné i hele Sovjetunionen, som varede ti måneder. I 1935 sluttede kontraktperioden med Leningrad Radio, hvis faste orkester var Jazz Capella. Musikerne spredte sig igen til andre orkestre. I 1938 blev G. Landsberg arresteret, sigtet for spionage og skudt (rehabiliteret i 1956). Capella ophørte med at eksistere, men forblev i musikhistorien et af de første professionelle ensembler, der bidrog til dannelsen af ​​sovjetisk jazz, der udførte værker af russiske forfattere. Georgy Landsberg var en vidunderlig lærer, der opdragede fremragende musikere, som dengang arbejdede i pop- og jazzorkestre.

Jazz er kendt for at være improvisationsmusik. I Rusland 20-30'erne. XX århundrede der var få musikere, der var dygtige til spontan solo-improvisation. Indspilninger fra disse år er hovedsageligt repræsenteret af store orkestre, hvis musikere spillede deres roller efter noder, herunder solo-"improvisationer". Instrumentale stykker var sjældne, med vokalakkompagnement fremherskende. For eksempel "Tea Jazz", organiseret i 1929. Leonid Utesov(1895-1982) og trompetsolist i orkestret i Maly Opera House Yakov Skomorovsky(1889-1955) var et godt eksempel på et sådant orkester. Og i sit navn indeholdt den en afkodning: teatralsk jazz. Det er tilstrækkeligt at huske komedien af ​​Grigory Alexandrov "Merry Guys", hvor hovedrollerne blev spillet af Lyubov Orlova, Leonid Utesov og hans berømte orkester. Efter 1934, da hele landet så "jazz-komedien" (som instruktøren først definerede genren for sin film), blev Leonid Utesovs popularitet som filmskuespiller utrolig. Leonid Osipovich havde optrådt i film før, men i "Merry Fellows" var den rustikke hovedperson - hyrden Kostya Potekhin - forståelig for den brede offentlighed: han sang smukke sange inspireret af komponisten IO Dunaevsky, jokede groft og udførte typiske Hollywood-tricks . Alt dette glædede publikum, selvom få mennesker vidste, at en sådan filmstil længe var blevet opfundet i Hollywood. Det eneste, der er tilbage for instruktøren Grigory Alexandrov, er at overføre det til sovjetisk jord.

I 1930'erne. navnet Tea Jazz er blevet ekstremt populært. Entreprenante kunstnere tildelte ofte deres orkestre et sådant navn i rent kommercielle formål, men de var langt fra de virkelig teatralske forestillinger af Leonid Utyosovs orkester, som stræbte efter at skabe musikalske revyer holdt sammen af ​​en enkelt scenehandling. En sådan teatralisering adskilte Utesovs underholdningsorkester positivt fra den instrumentelle karakter af L. Teplitskys og G. Landsbergs orkestre og var mere forståelig for den sovjetiske offentlighed. For fælles kreativitet tiltrak Leonid Utyosov desuden berømte og talentfulde sovjetiske sangskrivere, som f.eks. Isaac Dunaevsky, brødre Dmitriy og Daniil Pokrassy, ​​​​Konstantin Listov, Matvey Blanter, Evgeny Zharkovsky. Sangene, der lød i orkestrets programmer, smukt arrangeret, blev ekstremt populære og elskede af folket.

Fremragende musikere arbejdede i Leonid Utyosovs orkester, som skulle mestre en ny musikalsk genre. Efterfølgende skabte Tea-Jazz-kunstnerne nationalscenen og jazzen. Blandt dem var Nikolaj Minkh(1912-1982). Han var en vidunderlig pianist, der havde gennemgået "sine uforglemmelige universiteter", som musikeren selv huskede, side om side med Isaac Dunaevsky. Denne oplevelse hjalp senere Minhu med at lede orkestret ved Moscow Variety Theatre og i 1960'erne. deltage i komponerende aktiviteter, skabe musikalske komedier og operetter.

Et træk ved sovjetisk jazz i 1930-1940'erne. det kan anses for, at jazz dengang var "sangjazz" og snarere var forbundet med den type orkester, hvor de uundværlige deltagere udover hovedinstrumenterne var saxofoner og trommer. Det blev sagt om musikerne i sådanne orkestre, at "de spiller i jazz", ikke jazz. Sangformen, som fik stor betydning, var måske formen, den måde, der åbnede jazzmusikken for millioner af lyttere. Alligevel var denne musik - sang, dans, heterogen og hybrid - langt fra ægte amerikansk jazz. Og den kunne ikke slå rod i Rusland i sin "rene form". Selv hævdede Leonid Osipovich Utyosov selv, at ægte tidlig amerikansk jazz for størstedelen af ​​den sovjetiske offentlighed var fremmed og uforståelig musik. Leonid Utesov, en mand af teater, vaudeville, en beundrer af syntetisk action, kombinerede teater med jazz og jazz med teater. Sådan opstod "Jazz on the Bend" og "Music Store" - muntre programmer, hvor musik og humor blev kombineret på en fantastisk måde. Komponisten IODunaevsky arrangerede nogle gange vittigt ikke kun folkesange og populære sange: for eksempel inkluderede orkestrets program den "jazzede" "Song of an Indian Guest" fra operaen "Sadko", "Song of the Duke" fra "Rigoletto", jazz fantasi "Eugene Onegin".

Den kendte jazzhistoriker AN Batashev skriver i sin bog "Sovjetjazz": "I midten af ​​30'erne, i L. Utesovs koncertpraksis, blev grundlaget for genren lagt, bygget på hjemligt musikalsk og poetisk materiale, syntetisering af visse elementer af udenlandske teaterforestillinger, pop og jazz. Denne genre, som først blev kaldt "teatralsk jazz" og senere, efter krigen, bare "popmusik", gennem årene udviklede sig mere og mere og levede efter sine egne love."

En særlig side i orkestrets liv under ledelse af Utesov er årene med den store patriotiske krig. På kortest mulig tid, programmet "Beat the Enemy!" ... Under krigen var kunstnere både musikere og kæmpere. Mange kollektiver gik til fronten som en del af store koncertbrigader. Populære jazzorkestre af Alexander Tsfasman, Boris Karamyshev, Claudia Shulzhenko, Boris Rensky, Alexander Varlamov, Dmitry Pokrass, Isaac Dunaevsky har besøgt mange fronter. Ofte skulle musikere ved fronten arbejde med opførelsen af ​​militære befæstninger, deltage direkte i militære operationer og ... dø.

Den berømte sovjetiske komponist Vano Muradeli, der vendte tilbage fra en tur til fronten, vidnede: "Vores soldaters og befalingsmænds interesse for især kultur, kunst og musik er meget stor. Optrædende kollektiver, ensembler, jazz, der arbejder for fronten, nyder deres store kærlighed." Nu var der ingen af ​​de kritikere, der tidligere havde udtrykt tvivl om vigtigheden af ​​jazzmusik, der stillede spørgsmålet "Har vi brug for jazz?" Kunstnerne støttede ikke kun kampånden med deres kunst, men skaffede også midler til konstruktion af fly og kampvogne. Forrest var Utyevskiy-flyet "Merry Fellows" kendt. Leonid Utyosov var en fremragende mester på den sovjetiske scene, en favorit blandt mange generationer af sovjetiske lyttere, som vidste, hvordan man "smelter" sig selv med sangen. Sådan kaldte han sin selvbiografiske bog - "Med en sang gennem livet", udgivet i 1961. Og i 1982 skrev Yu. A. Dmitriev bogen "Leonid Utesov", som fortæller om den berømte bandleder, sanger og skuespiller.

Det kan naturligvis argumenteres for, at datidens orkestre ikke fuldt ud kan betragtes som jazz, da musikerne ved at spille fra tonerne blev frataget muligheden for at improvisere, hvilket er et brud på jazzmusikkens vigtigste princip. Men jazzmusik kan ikke altid være improvisatorisk, fordi enhver musiker i orkestret, der forsømmer sin rolle, ikke kan improvisere. Duke Ellington Orchestra opførte for eksempel ofte stykker, hvor forfatteren havde skrevet solopartier fra start til slut. Men ingen ville nogensinde tro, at det ikke var jazz! Og sådanne eksempler er der mange af, for det at tilhøre jazzen er også bestemt af det musikalske udøvende sprogs særegne karakter, dets intonation og rytmiske træk.

1930'erne i USSR var der år med hidtil uset opsving på alle områder af det sovjetiske folks liv. Årene med de første femårsplaner var folkets entusiasme stor: nye byer, fabrikker, fabrikker blev bygget, jernbaner blev anlagt. Denne socialistiske optimisme, der var ukendt for hele verden, krævede sit eget musikalske "arrangement", nye stemninger, nye sange. Det kunstneriske liv i USSR har altid været under nøje kontrol af landets partiledelse. I 1932 blev det besluttet at likvidere RAPM og danne en enkelt union af sovjetiske komponister. Dekretet fra CPSU's centralkomité (b) "Om omstrukturering af litterære og kunstneriske organisationer" gjorde det muligt at træffe en række organisatoriske foranstaltninger vedrørende massegenrer, herunder jazzmusik. 1930'erne i USSR spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​sovjetisk jazz. Musikerne forsøgte at skabe deres eget og originale repertoire, men hovedopgaven for dem på det tidspunkt var at mestre evnen til jazzudførelse: evnen til at bygge elementære jazzfraser, der tillader improvisation, opretholde rytmisk kontinuitet i et gruppe- og solospil - alt der udgør ægte jazz, selvom det er indspillet på noder.

I 1934 inviterede Moskva-plakater tilskuere til en koncert med Alexander Varlamovs jazzorkester.

Alexander Vladimirovich Varlamov blev født i 1904 i Simbirsk (nu Ulyanovsk). Varlamov-familien var berømt. Oldefar til Alexander Vladimirovich var en komponist, en klassiker fra russisk romantik ("Den røde Sarafan", "Langs gaden fejer en snestorm," "Ved daggry vækker du hende ikke," "Et ensomt sejl hvidner "). Moderen til den fremtidige orkesterleder var en berømt operasanger, og hans far var advokat. Forældre bekymrede sig om deres søns musikalske uddannelse, især da den unge mand var meget dygtig, og ønsket om at blive en professionel musiker forlod ikke det unge talent i alle studieår: først på en musikskole, derefter på GITIS og kl. den berømte Gnesinka. Allerede i sine studieår så Varlamov Sam Woodings Chocolate Boys-revy, som gjorde et uudsletteligt indtryk på eleven. Varlamov, efter at have modtaget en fremragende musikalsk uddannelse, besluttede at organisere et ensemble, der ligner "Hot Seven"-ensemblet, kendt fra grammofonplader og radioudsendelser. Louis Armstrong. Orkestret var også en "ledestjerne" for Varlamov Duke Ellington, der beundrede den russiske musiker. Den unge komponist-dirigent udvalgte omhyggeligt musikere og repertoire til sit orkester. Fem år er gået, siden Varlamov dimitterede fra Gnesinka, og et jazzorkester i Den Røde Hærs Centralhus blev oprettet. Det var et instrumentalt orkester, der ikke, som mange orkestre på den tid, var trukket til teatralsk jazz. Musikkens udtryksfuldhed blev opnået gennem smukke melodier og arrangementer. Sådan blev stykkerne født: "På karnevallet", "Dixie Lee", "Aftenen forlader", "Livet er fuld af lykke", "Blue Moon", "Sweet Su". Nogle amerikanske jazzstandarder oversatte Varlamov til russisk og sang selv. Musikeren havde ikke enestående vokale evner, men nogle gange lod han sig optage på plader og fremførte sange melodisk præcist og overbevisende i indhold.

I 1937-1939. Varlamovs karriere udviklede sig ganske vellykket: musikeren dirigerede først septetten ("Seven"), og var derefter chefdirigent for jazzorkestret i All-Union Radio Committee, i 1940-1941 toårige - chefdirigent USSR's State Jazz Orchestra. Men da krigen brød ud, blev mange af orkestrets musikere kaldt op til fronten. Varlamov gav ikke op. Han organiserede blandt de musikere, der blev løsladt fra militærtjeneste, og de tidligere sårede, en usædvanlig (man kan sige, mærkelig) "Melodiorkester": tre violiner, bratsch, cello, saxofon og to klaverer. Musikerne optrådte med stor succes på Eremitagen, Metropol, i militære enheder og hospitaler. Varlamov var en patriot. Musikeren donerede sine egne pengebesparelser til at bygge den sovjetiske komponisttank.

Hårde tider i vores lands historie har påvirket skæbnen for millioner af talentfulde, succesrige og berømte mennesker. Komponisten-dirigenten Alexander Varlamov slap ikke for en grusom skæbne. 1943 Da musikerne øvede på den berømte "Rhapsody in the Blues" af George Gershwin, blev lederen af ​​"Melody Orchestra" arresteret. Årsagen var fordømmelsen af ​​cellisten, som rapporterede, at Varlamov ofte lytter til udenlandske radioudsendelser, angiveligt venter på tyskernes ankomst osv. Myndighederne troede på denne slyngel, og Varlamov blev først sendt til et skovningssted, til det nordlige Urals, hvor han arbejdede i otte år. En stor afsætningsmulighed for fangerne var orkestret, der bestod af musikere og sangere fra lejren, som blev lige så bagvasket som lederen af ​​denne gruppe. Dette ekstraordinære orkester bragte stor glæde til alle ni lejrpladser. Efter at have afsonet sin straf håbede Alexander Vladimirovich at vende tilbage til Moskva. Men han måtte stadig sendes i eksil til Kasakhstan, hvor musikeren arbejdede i små byer: han underviste i børne- og ungdomsmusik, komponerede værker til det russiske dramateater. Kun i 1956 efter rehabilitering var Varlamov i stand til at vende tilbage til Moskva og blev straks involveret i et aktivt kreativt liv ved at komponere musik til film (tegnefilm: "Wonder Woman", "Puck! Puck!", "Ræv og Beaver" osv. .), dramatiske teatre, poporkestre, tv-produktioner, i 1990 ikke længe før Varlamovs død udkom den sidste disk med indspilninger af jazz og symfonisk jazzmusik af en vidunderlig komponist og dirigent.

Men lad os vende tilbage til førkrigsårene, hvor adskillige jazzorkestre optrådte i sovjetrepublikkerne på én gang, i 1939 blev organiseret Statsjazz i USSR. Det var prototypen på de fremtidige popsymfoniorkestre, hvis repertoire bestod af transskriptioner af klassiske værker til stor symfonisk jazz. Det "seriøse" repertoire blev skabt af orkesterchefen Victor Knushevitsky (1906-1974). Til Statsjazz i USSR, opført hovedsageligt på radio, skrevet af komponister I. O. Dunaevsky, Yu. Milyutin, M. Blanter, A. Tsfasman og andre. På Leningrad-radioen i 1939 Nikolai Minkh organiserede et jazzorkester.

Andre fagforeningsrepublikker sad ikke bagud. I Baku skabte Tofik Kuliyev State Jazz Orchestra i Aserbajdsjan SSR. Et lignende orkester optrådte i Armenien under ledelse af Artemy Ayvazyan. Deres egne republikanske orkestre optrådte i Moldavian SSR, i Ukraine. Et af de anerkendte allierede jazzorkestre var et kollektiv fra det vestlige Hviderusland under ledelse af en førsteklasses trompetist, violinist, komponist Eddie Rosner.

Eddie (Adolf) Ignatievich Rosner(1910-1976) blev født i Tyskland af en polsk familie, studerede violin på Berlins konservatorium. Han mestrede piben på egen hånd. Hans idoler blev glorificeret Louis Armstrong, Harry James, Bunny Berigen. Efter at have modtaget en fremragende musikalsk uddannelse spillede Eddie i nogen tid i et af de europæiske orkestre, derefter organiserede han sit eget band i Polen. Da Anden Verdenskrig begyndte, måtte orkestret redde sig selv fra fascistiske repressalier, da de fleste af musikerne var jøder, og jazz i Nazityskland blev forbudt som en "ikke-arisk kunst". Så musikerne fandt tilflugt i det sovjetiske Hviderusland. I de næste to år turnerede bandet med succes i Moskva, Leningrad og under krigen - på fronterne og bagved. Eddie Rosner, som i sin ungdom blev kaldt "White Armstrong", var en talentfuld kunstner, der forstod at vinde publikum med sin dygtighed, charme, smil, munterhed. Rosner er musiker, ifølge mesteren på den russiske scene Yuri Saulsky,"Besad en ægte jazzbase, smag." Programmets hits havde stor succes blandt lytterne: "Caravan" af Tizola - Ellington, "St. Louis Blues" af William Handy, "Serenade" af Toselli, "Tales of the Vienna Woods" af Johann Strauss, Rosners egen sang " Quiet Water", "Cowboy Song", "Mandolin, Guitar and Bass" af Albert Harris. I krigsårene begyndte skuespil af allierede - amerikanske og engelske forfattere - at blive brugt oftere i orkestres repertoire. Der er dukket mange grammofonplader op med indspilninger af indenlandske og udenlandske instrumentalstykker. Mange orkestre spillede musik fra den amerikanske film "Serenade of the Sun Valley", som spillede det berømte Glenn Miller big band i hovedrollen.

I 1946, da forfølgelsen af ​​jazz begyndte, da jazzmænd blev anklaget for kosmopolitisme og bandet blev opløst, besluttede Eddie Rosner at vende tilbage til Polen. Men han blev anklaget for landsforræderi og sendt til Magadan. Fra 1946 til 1953 var den virtuose trompetist Eddie Rosner i Gulag. De lokale myndigheder pålagde musikeren at danne et orkester af fanger. Lange otte år gik på denne måde. Efter sin løsladelse og rehabilitering stod Rosner igen i spidsen for bigbandet i Moskva, men selv spillede han trompet mindre og mindre: skørbugen overført til lejren år ramt. Men orkestrets popularitet var stor: Rosners sange nød konstant succes, musikerne spillede hovedrollen i 1957 i den populære film "Carnival Night". I 1960'erne. musikere spillede i orkestret, som derefter vil udgøre farven og herligheden af ​​russisk jazz: multiinstrumentalist David Golosjtjekin, trompetist Konstantin Nosov, saxofonist Gennady Holstein. Store arrangementer for bandet skrev Vitaly Dolgov og Alexey Mazhukov,

som ifølge Rosner ikke arrangerede værre end amerikanerne. Maestroen var selv klar over, hvad der skete i verdensjazzen, han stræbte efter at inkludere de bedste eksempler på ægte jazz i programmerne, som Rosner gentagne gange blev bebrejdet i pressen for at forsømme det sovjetiske repertoire. I 1973 vendte Eddie Rosner hjem til Vestberlin. Men karrieren for en musiker i Tyskland lykkedes ikke: kunstneren var ikke længere ung, han var ikke kendt af nogen, han kunne ikke finde et job i sit speciale. I nogen tid arbejdede han som entertainer på et teater, som overtjener på et hotel. I 1976 døde musikeren. Til minde om den vidunderlige trompetist, bandleder, komponist og talentfulde leder af hans programmer, i 1993 i Moskva, i Rossiya-koncertsalen, blev der afholdt et vidunderligt show "I selskab med Eddie Rosner". I samme 1993 blev Yu. Tseitlins bog "The Ups and Downs of the Great Trumpeter Eddie Rosner" udgivet. Dokumentarromanen af ​​Dmitry Dragilev, udgivet i 2011, "Eddie Rosner: Shmaya jazz, cholera is clear!"

Det er svært at skabe et godt jazzorkester, men det er endnu sværere at fastholde det i årtier. Et sådant orkesters levetid afhænger først og fremmest af den fremragende leder - en person og en musiker, der er forelsket i musik. Den legendariske jazzmand kan kaldes komponisten, bandlederen, lederen af ​​verdens ældste jazzorkester, optaget i Guinness Rekordbog, Oleg Lundstrem.

Oleg Leonidovich Lundstrem(1916-2005) blev født i Chita, i familien til en fysiklærer Leonid Frantsevich Lundstrem, en russificeret svensker. Forældrene til den fremtidige musiker arbejdede på den kinesiske østlige jernbane (den kinesisk-østlige jernbane, der forbinder Chita og Vladivostok gennem Kinas territorium). I nogen tid boede familien i Harbin, hvor en stor og broget russisk diaspora samledes. Her boede både sovjetiske borgere og russiske emigranter. Familien Lundstrem har altid elsket musik: far spillede klaver og mor sang. Børn blev også introduceret til musik, men de besluttede at give børnene en "stærk" uddannelse: begge sønner studerede på Handelsskolen. Oleg Lundstrems første bekendtskab med jazz skete i 1932, da en teenager købte en disk med en indspilning af Duke Ellingtons orkester "Dear Old South" (Kære Gamle Sydland). Oleg Leonidovich huskede senere: "Denne plade spillede rollen som en detonator. Hun vendte bogstaveligt talt op og ned på hele mit liv. Jeg opdagede et hidtil ukendt musikalsk univers."

På Harbin Polytechnic Institute, hvor den kommende patriark af sovjetisk jazz modtog sin videregående uddannelse, var der mange ligesindede venner, der ville spille deres yndlingsmusik. Så en kombination af ni russiske studerende blev skabt, som spillede til fester, dansegulve, festlige baller, nogle gange optrådte holdet på den lokale radio. Musikerne lærte at "skyde" populære jazzstykker fra plader, lavede arrangementer af sovjetiske sange, primært af I. Dunaevsky, selvom Oleg Lundstrem senere huskede, at han altid ikke forstod, hvorfor George Gershwins melodier var ideelle til jazz, men sovjetiske sange komponister var det ikke. De fleste af medlemmerne af det første Lundstrem Orkester var ikke professionelle musikere, de fik en teknisk uddannelse, men var så passionerede omkring jazz, at de bestemt besluttede kun at studere denne musik. Gradvist blev kollektivet berømt: han arbejdede i dansesale i Shanghai, turnerede Hong Kong, Indokina, Ceylon. Lederen af ​​orkestret - Oleg Lundstrem - begyndte at blive kaldt "Kongen af ​​Jazz i Fjernøsten".

Da den store patriotiske krig begyndte, indsendte unge mennesker - sovjetiske borgere - en ansøgning til Den Røde Hær, men konsulen meddelte, at der indtil videre er mere brug for musikere i Kina. Det var en svær tid for orkestermusikerne: der var lidt arbejde, publikum søgte ikke at more sig og danse, økonomien blev overhalet af inflationen. Først i 1947 fik musikerne tilladelse til at vende tilbage til USSR, men ikke til Moskva, som de ønskede, men til Kazan (Moskva-myndighederne var bange for, at "Shanghai" kunne rekrutteres til spioner). Først var der en beslutning om at lave et jazzorkester af Tatar ASSR, men i det næste år, 1948, udsendte Centralkomiteen for Bolsjevikkernes Kommunistiske Parti en resolution "Om operaen" Great Friendship "af Muradeli, "fordømmer formalisme i musikken. I resolutionen blev operaen, som Stalin ikke brød sig om, kaldt "et ondskabsfuldt antifiktionsværk", "drevet af indflydelsen fra dekadent vesteuropæisk og amerikansk musik." Og musikerne i Lundstrem-orkestret blev bedt om at "vente med jazz".

Men det er aldrig for sent at lære! Og Oleg Lundstrem kom ind på Kazan-konservatoriet i komposition og dirigering. Under deres studier formåede musikerne at optræde i Kazan, optage i radioen og få ry som det bedste swingorkester. Tolv tatariske folkesange, som Lundstrem glimrende arrangerede "til jazz", blev især værdsat. Moskva lærte om Lundstrem og hans "konspiratoriske big band". I 1956 ankom jazzmænd til Moskva i det tidligere "kinesiske" line-up og blev Rosconcert Orchestra. I løbet af de lange år af dets eksistens har sammensætningen af ​​orkestret ændret sig. I 1950'erne. "Shone": tenorsaxofonist Igor Lundstrem, trompetister Alexey Kotikov og Uskyld Gorbuntsov, kontrabassist Alexander Gravis, trommeslager Zinovy ​​​​Khazankin. Solister i 1960'erne. der var unge musikere-improvisatorer: saxofonister Georgy Garanyan og Alexey Zubov, trombonist Konstantin Bakholdin, pianist Nikolaj Kapustin. Senere, i 1970'erne, kom saxofonister til orkestret Gennady Holstein, Roman Kunsman, Stanislav Grigoriev.

Oleg Lundstrems orkester førte et aktivt turné- og koncertliv, tvunget til at regne med smagen hos et bredt publikum, der opfattede jazzen som en underholdende, sang- og dansekunst. Derfor i 1960-1970'erne. kollektivet arbejdede ikke kun jazzmusikere og sangere, men også popartister. Oleg Lundstrems orkester har altid forberedt to programmer: et populært sang- og underholdningsprogram (for indbyggere i provinserne) og et instrumental-jazz-program, som havde stor succes i Moskva, Leningrad og de store byer i Unionen, hvor publikum allerede var bekendt med jazzens kunst.

Orkestrets instrumentale program bestod af klassiske jazzstykker (fra repertoiret af Count Basie og Glenn Miller og Duke Ellingtons big bands), samt stykker skrevet af bandmedlemmerne og af Maestro Lundstrom selv. Disse var "Fantasy om Moskva", "Fantasi om temaerne for Tsfasmans sange", "Foråret kommer" - en jazzminiature baseret på sangen af ​​Isaac Dunaevsky. I musikalske suiter og fantasier - værker af stor form - kunne musikere-solister vise deres evner. Det var rigtig instrumental jazz. Og unge jazzmænd, som så bliver farven på russisk jazz, - Igor Yakushenko, Anatoly Kroll, Georgy Garanyan- komponerede deres værker opfindsomt og med stor smag. Oleg Lundstrem "opdagede" også talentfulde vokalister, der fremførte popsange. Orkestret sang på forskellige tidspunkter Maya Kristalinskaya, Gyuli Chokheli, Valery Obodzinsky, Irina Otieva. Og selvom sangmaterialet var upåklageligt, var bigbandet og dets instrumentalsolister altid i søgelyset.

Oleg Lundstrems musikalske "universitet" gennem de mange årtier af orkestrets eksistens har passeret mange russiske musikere, hvis liste ville tage mere end én side, men bandet ville ikke have lydt så professionelt, hvis ikke en af ​​de bedste arrangører havde arbejdet - Vitaly Dolgova(1937-2007). Kritikeren G. Dolotkazin skrev om mesterens værk: “V. Dolgovs stil gentager ikke den traditionelle fortolkning af et stort orkester opdelt i sektioner (trompeter, tromboner, saxofoner), mellem hvilke der konstant føres dialoger og navneopråb. V. Dolgov er kendetegnet ved princippet om end-to-end udvikling af materiale. I hver separat episode af stykket finder han et karakteristisk orkesterstof, originale klangkombinationer. V. Dolgov bruger ofte teknikkerne polyfoni, overlappende lag af orkestrale sonoriteter. Alt dette giver harmoni og integritet til hans arrangementer."

I slutningen af ​​1970'erne, da et stabilt jazzpublikum udviklede sig i Rusland, begyndte der at blive afholdt festivaler, Oleg Lundstrem opgav popnumre og helligede sig helt jazzen. Maestroen komponerede selv musik til orkestret: Mirage, Interlude, Humoresque, Marsh Foxtrot, Impromptu, Lilac Blossoms, Bukhara Ornament, In the Mountains of Georgia. Det skal bemærkes, at Oleg Lundstrems Mindeorkester den dag i dag fremfører værker komponeret af den russiske jazzmester med stor succes. I 1970'erne. i Sovjetunionen var der komponister, der tiltrak jazz: Arno Babadzhanyan, Kara Karaev, Andrey Eshpay, Murad Kazhlaev, Igor Yakushenko. Deres værker blev også opført af Lundstrem Orkester. Musikerne turnerede ofte i udlandet, optrådte på indenlandske og udenlandske jazzfestivaler: Tallinn-67, Jazz Jembori-72 i Warszawa, Prag-78 og Prag-86, Sofia-86, Jazz i Duetown-88 "i Holland," Grenoble- 90 "i Frankrig, ved Duke Ellington Memorial Festival i Washington i 1991. I løbet af de fyrre år, det har eksisteret, har Oleg Lundstrems orkester besøgt mere end tre hundrede byer i vores land og i snesevis af fremmede lande. Det er glædeligt at bemærke, at det anerkendte kollektiv ofte blev indspillet på plader: "Oleg Lundstrem's Orchestra", to albums forenet under samme titel "In Memory of Musicians" (dedikeret til Glenn Miller og Duke Ellington), "In Our Time", "I saftige toner" osv.

Batashev A. N. sovjetisk jazz. Historisk skitse. S. 43.

Jazzkunstnere opfandt et særligt musikalsk sprog, der var baseret på improvisation, komplekse rytmiske figurer (swing) og unikke harmoniske mønstre.

Jazz opstod i slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​XX i USA og repræsenterede et unikt socialt fænomen, nemlig sammensmeltningen af ​​afrikanske og amerikanske kulturer. Yderligere udvikling og stratificering af jazz til forskellige stilarter og understile skyldes, at jazzartister og komponister konstant fortsatte med at komplicere deres musik, lede efter nye lyde og mestre nye harmonier og rytmer.

Der er således ophobet en enorm jazzarv, hvor der kan skelnes mellem følgende hovedskoler og stilarter: New Orleans (traditionel) jazz, bebop, hard bop, swing, cool jazz, progressiv jazz, free jazz, modal jazz, fusion osv. Denne artikel samler ti fremragende jazzartister, som gør dig bekendt med det mest komplette billede af æraen med frie mennesker og energisk musik.

Miles Davis

Miles Davis blev født den 26. maj 1926 i Olton (USA). Kendt som en ikonisk amerikansk trompetist, hvis musik gjorde en enorm indflydelse på jazz- og musikscenen i det 20. århundrede som helhed. Han eksperimenterede meget og modigt med stilarter, og måske er det derfor, Davis-figuren er ophav til stilarter som cool jazz, fusion og modaljazz. Miles begyndte sin musikalske karriere som medlem af Charlie Parker-kvintetten, men formåede senere at finde og udvikle sin egen musikalske lyd. Miles Davis' vigtigste og mest grundlæggende albums er Birth of the Cool (1949), Kind of Blue (1959), Bitches Brew (1969) og In a Silent Way (1969). Hovedtræk ved Miles Davis var, at han konstant var i en kreativ søgen og viste verden nye ideer, og det er grunden til, at den moderne jazzmusiks historie så meget skylder hans exceptionelle talent.

Louis Armstrong (Louis Armstrong)

Louis Armstrong, manden, hvis navn kommer til de fleste menneskers sind, når de hører ordet "jazz", blev født den 4. august 1901 i New Orleans (USA). Armstrong havde et blændende talent for at spille trompet og gjorde meget for at udvikle og popularisere jazzmusik over hele verden. Derudover erobrede han også publikum med sin husky basvokal. Vejen, som Armstrong skulle gå fra tramp til titlen som King of Jazz, var en tornefuld vej. Og det begyndte i en koloni for sorte teenagere, hvor Louis blev taget for en uskyldig prank - at skyde en pistol nytårsaften. Forresten stjal han en pistol fra en politibetjent, en klient til hans mor, som var en repræsentant for det ældste erhverv i verden. Takket være dette ikke alt for gunstige sammenfald af omstændigheder fik Louis Armstrong sin første musikalske oplevelse i lejrens brass band. Der mestrede han kornet, tamburin og althorn. Med et ord er Armstrong gået fra marcher i kolonien og derefter lejlighedsvise optrædener i klubber til en musiker af verdensbetydning, hvis talent og bidrag til jazzbanken næppe kan overvurderes. Indflydelsen fra hans ikoniske album Ella and Louis (1956), Porgy and Bess (1957) og American Freedom (1961) kan stadig høres i dag i en række forskellige stilarter.

Duke Ellington (Duke Ellington)

Duke Ellinton blev født den 29. april 1899 i Washington DC. Pianist, orkesterleder, arrangør og komponist, hvis musik er blevet en sand nyskabelse i jazzens verden. Hans værker blev spillet på alle radiostationer, og hans indspilninger indgår med rette i "jazzens guldfond". Ellinton er blevet anerkendt over hele verden, har modtaget mange priser, har skrevet et stort antal geniale værker, herunder "Caravan"-standarden, som har gået rundt om i hele kloden. Hans mest berømte udgivelser inkluderer Ellington At Newport (1956), Ellington Uptown (1953), Far East Suite (1967) og Masterpieces By Ellington (1951).

Herbie Hancock (Herbie Hancock)

Herbie Hancock blev født den 12. april 1940 i Chicago (USA). Hancock er kendt som pianist og komponist, samt ejer af 14 Grammy-priser, som han modtog for sit arbejde på jazzområdet. Hans musik er interessant ved, at den kombinerer elementer af rock, funk og soul sammen med free jazz. Også i hans kompositioner kan man finde elementer af moderne klassisk musik og bluesmotiver. Generelt vil næsten enhver sofistikeret lytter være i stand til at finde noget for sig selv i Hancocks musik. Hvis vi taler om innovative kreative løsninger, så betragtes Herbie Hancock som en af ​​de første jazzartister, der kombinerer synthesizer og funk på samme måde som musikeren er i begyndelsen af ​​den nyeste jazzstil - post-bebop. På trods af specificiteten af ​​musikken i nogle stadier af Herbies arbejde, er de fleste af hans sange melodiske kompositioner, der forelskede sig i den brede offentlighed.

Blandt hans albums kan følgende skelnes: "Head Hunters" (1971), "Future Shock" (1983), "Maiden Voyage" (1966) og "Takin" Off "(1962).

John Coltrane

John Coltrane, en fremragende jazzinnovator og virtuos, blev født den 23. september 1926. Coltrane var en talentfuld saxofonist og komponist, bandleder og en af ​​de mest indflydelsesrige musikere i det 20. århundrede. Coltrane betragtes som en betydningsfuld skikkelse i jazzens udviklingshistorie, som inspirerede og påvirkede nutidige kunstnere såvel som improvisationsskolen generelt. Indtil 1955 forblev John Coltrane relativt ukendt, indtil han sluttede sig til Miles Davis-kollektivet. Et par år senere forlod Coltrane kvintetten og begyndte at engagere sig tæt i sit eget arbejde. I disse år indspillede han albums, der udgjorde den vigtigste del af jazzarven.

Det er Giant Steps (1959), Coltrane Jazz (1960) og A Love Supreme (1965), plader, der er blevet ikoner for jazzimprovisation.

Charlie Parker

Charlie Parker blev født den 29. august 1920 i Kansas City (USA). Kærlighed til musik vågnede ret tidligt op i ham: han begyndte at mestre saxofon i en alder af 11. I 30'erne begyndte Parker at mestre improvisationsprincipperne og udviklede i sin teknik nogle af de teknikker, der gik forud for bebop. Senere blev han en af ​​grundlæggerne af denne stil (sammen med Dizzy Gillespie) og havde generelt en meget stærk indflydelse på jazzmusikken. Men selv i teenageårene blev musikeren afhængig af morfin, og senere mellem Parker og musikken var der et problem med heroinafhængighed. Desværre, selv efter behandling i klinikken og bedring, kunne Charlie Parker ikke arbejde så aktivt og skrive ny musik. I sidste ende afsporede heroin hans liv og karriere og forårsagede hans død.

Charlie Parkers mest betydningsfulde jazzalbum: Bird and Diz (1952), Birth of the Bebop: Bird on Tenor (1943) og Charlie Parker med strygere (1950).

Thelonious Monk Quartet

Thelonious Monk blev født den 10. oktober 1917 i Rocky Mount (USA). Bedst kendt som jazzkomponist og pianist, samt en af ​​grundlæggerne af bebop. Hans originale "raggede" måde at spille på har absorberet forskellige stilarter - fra avantgarde til primitivisme. Sådanne eksperimenter gjorde, at lyden af ​​hans musik ikke var helt typisk for jazz, hvilket dog ikke forhindrede mange af hans værker i at blive klassikere inden for denne musikstil. Som en meget usædvanlig person, der fra barnsben gjorde sit bedste for ikke at være "normal", og som alle andre blev Monk kendt ikke kun for sine musikalske beslutninger, men også for sin ekstremt komplekse karakter. Hans navn er forbundet med mange anekdotiske historier om, hvordan han kom for sent til sine egne koncerter og engang endda nægtede at spille i en Detroit-klub, da hans kone ikke dukkede op til forestillingen. Og så sad Monk på en stol med armene kors, indtil hans kone endelig blev bragt ind i hallen - i tøfler og morgenkåbe. For øjnene af sin mand blev den stakkels kvinde hastetransporteret med fly, hvis bare koncerten fandt sted.

Monks mest fremtrædende albums inkluderer Monk's Dream (1963), Monk (1954), Straight No Chaser (1967) og Misterioso (1959).

Billie Holiday

Billie Holiday, den berømte amerikanske jazzvokalist, blev født den 7. april 1917 i Philadelphia. Som mange jazzmusikere begyndte Holiday sin musikalske karriere i natklubber. Med tiden var hun så heldig at møde produceren Benny Goodman, som organiserede hendes første optagelser i studiet. Glory kom til sangeren efter at have deltaget i store bands af sådanne jazzmestre som Count Basie og Artie Shaw (1937-1938). Lady Day (som hendes fans kaldte hende) havde en unik præstationsstil, takket være hvilken hun så ud til at genopfinde en frisk og unik lyd til de enkleste kompositioner. Hun var særlig god til romantiske, langsomme sange (såsom "Don't Explain" og "Lover Man"). Billie Holidays karriere var lys og strålende, men ikke lang, for efter tredive år blev hun afhængig af druk og stoffer, hvilket påvirkede hendes helbred negativt. Englestemmen mistede sin tidligere styrke og fleksibilitet, og Holiday mistede hurtigt offentlighedens gunst.

Billie Holiday har beriget jazzens kunst med så fremragende albums som Lady Sings the Blues (1956), Body and Soul (1957) og Lady in Satin (1958).

Bill Evans

Bill Evans, den legendariske amerikanske jazzpianist og komponist, blev født den 16. august 1929 i New Jersey, USA. Evans er en af ​​de mest indflydelsesrige jazzartister i det 20. århundrede. Hans musikalske kompositioner er så sofistikerede og usædvanlige, at få pianister er i stand til at arve og låne hans ideer. Han kunne swinge og improvisere som en virtuos som ingen anden, samtidig var melodi og enkelthed langt fra fremmed for ham – hans fortolkninger af berømte ballader vandt popularitet selv blandt ikke-jazz-publikum. Evans blev uddannet som akademisk pianist, og efter at have tjent i hæren begyndte han at optræde offentligt med forskellige lidet kendte musikere som jazz-artist. Succes kom til ham i 1958, da Evans begyndte at spille i Miles Davis sekstetten sammen med Cannonball Oderly og John Coltrane. Evans betragtes som skaberen af ​​jazztrio-kammergenren, som er kendetegnet ved et førende improviserende klaver, samt trommer og kontrabassoloer. Hans musikalske stil har bragt en række farver til jazzmusik - fra opfindsomme yndefulde improvisationer til lyrisk farvede toner.

Evans' bedste albums inkluderer hans soloindspilning af "Alone" (1968), lavet i man-band mode, "Waltz for Debby" (1961), "New Jazz Conceptions" (1956) og "Explorations" (1961).

Svimmel Gillespie

Dizzy Gillespie blev født den 21. oktober 1917 i Chirow, USA. Dizzy har mange præstationer i historien om udviklingen af ​​jazzmusik: han er kendt som trompetist, vokalist, arrangør, komponist og orkesterleder. Gillespie var også med til at stifte improvisationsjazz sammen med Charlie Parker. Som mange andre jazzmænd startede Gillespie med at spille i klubber. Derefter flyttede han til New York og kom med succes ind i det lokale orkester. Han var kendt for sin originale, hvis ikke klovnede, adfærd, som med succes vendte de mennesker, der arbejdede med ham, imod ham. Fra det første orkester, hvor en meget talentfuld, men ejendommelig trompetist Dizz tog på turné i England og Frankrig, blev han nærmest smidt ud. Musikerne fra hans andet orkester reagerede heller ikke helt hjerteligt på Gillespies hån ved deres optræden. Derudover forstod de færreste hans musikalske eksperimenter – nogle kaldte hans musik "kinesisk". Samarbejdet med det andet orkester endte i et slagsmål mellem Cab Calloway (dets leder) og Dizzy under en af ​​koncerterne, hvorefter Gillespie blev smidt ud af bandet med et styrt. Efter skaber Gillespie sin egen gruppe, hvor han og andre musikere arbejder for at diversificere det traditionelle jazzsprog. Således blev stilen kendt som bebop født, på den stil, som Dizzy aktivt arbejdede med.

Den geniale trompetists bedste album omfatter Sonny Side Up (1957), Afro (1954), Birk's Works (1957), World Statesman (1956) og Dizzy and Strings (1954).

I mange årtier har frihedens musik, fremført af svimlende jazzvirtuoser, været en stor del af musikscenen og af menneskelivet. Navnene på musikerne, som du kan se ovenfor, er blevet udødeliggjort i mange generationers hukommelse, og højst sandsynligt vil det samme antal generationer inspirere og forbløffe med deres dygtighed. Måske er hemmeligheden, at opfinderne af trompeter, saxofoner, kontrabasser, klaverer og trommer vidste, at nogle ting ikke kunne realiseres på disse instrumenter, men de glemte at fortælle jazzmusikere om det.

Som en af ​​de mest ærede former for musikalsk kunst i Amerika, lagde jazz grundlaget for en hel industri, og afslørede for verden adskillige navne på geniale komponister, instrumentalister og vokalister og affødte en bred vifte af genrer. De 15 mest indflydelsesrige jazzmusikere er ansvarlige for et globalt fænomen, der er opstået gennem det sidste århundrede i genrens historie.

Jazz udviklede sig i de sene år af det 19. århundrede og i begyndelsen af ​​det 20. som en retning, der kombinerer klassiske europæiske og amerikanske lyde med afrikanske folkemotiver. Sangene blev fremført med en synkoperet rytme, hvilket satte skub i udviklingen og efterfølgende dannelsen af ​​store orkestre til deres fremførelse. Musikken har taget et stort skridt fremad fra ragtime til moderne jazz.

Den vestafrikanske musikkulturs indflydelse er tydelig i, hvilken slags musik der skrives, og hvordan den udføres. Polyrytme, improvisation og synkopering er det, der kendetegner jazzen. I løbet af det sidste århundrede har denne stil ændret sig under indflydelse af genrens samtidige, som bidrog med deres præstationer til essensen af ​​improvisation. Nye retninger begyndte at dukke op - bebop, fusion, latinamerikansk jazz, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz og så videre.

15 Art Tatum

Art Tatum er en jazzpianist og virtuos, der var praktisk talt blind. Han er kendt som en af ​​tidens største pianister, der ændrede klaverets rolle i jazzensemblet. Tatum vendte sig for at skabe sin egen unikke spillestil og tilføjede swing-rytme og fantastisk improvisation. Hans holdning til jazzmusik ændrede radikalt flyglets betydning i jazzen som musikinstrument sammenlignet med dets tidligere karakteristika.

Tatum eksperimenterede med melodiens harmonier, påvirkede akkordens struktur og udvidede den. Alt dette prægede bebop-stilen, som er kendt for at blive populær ti år senere, da de første plader i denne genre dukkede op. Kritikere bemærkede også hans upåklagelige spilleteknik - Art Tatum var i stand til at spille de sværeste passager med så lethed og hurtighed, at det så ud til, at hans fingre næsten ikke rørte de sorte og hvide tangenter.

14 Thelonious munk

Nogle af de mest komplekse og varierede lyde kan findes i repertoiret af pianisten og komponisten, en af ​​de vigtigste repræsentanter for æraen med fremkomsten af ​​bebop og dens efterfølgende udvikling. Selve hans personlighed som excentrisk musiker var med til at popularisere jazzen. Monk, altid klædt i jakkesæt, hat og solbriller, udtrykte åbent sin frie holdning til improvisationsmusik. Han accepterede ikke strenge regler og dannede sin egen tilgang til at skrive essays. Nogle af hans mest geniale og berømte værker er Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You og Well, You Needn't.

Monks spillestil var baseret på en innovativ tilgang til improvisation. Hans værker er kendetegnet ved perkussive passager og bratte pauser. Ganske ofte, lige under sine optrædener, sprang han op fra klaveret og dansede, mens de andre bandmedlemmer fortsatte med at spille melodien. Thelonious Monk er fortsat en af ​​de mest indflydelsesrige jazzmusikere i genrens historie.

13 Charles Mingus

Den anerkendte kontrabasvirtuos, komponist og bandleder var en af ​​de mest ekstraordinære musikere på jazzscenen. Han udviklede en ny musikalsk stil, der kombinerede gospel, hard bop, free jazz og klassisk musik. Samtidige kaldte Mingus "arvingen til Duke Ellington" for hans fantastiske evne til at skrive værker for små jazzensembler. I hans kompositioner demonstrerede alle medlemmer af holdet evnen til at spille, som hver især ikke kun var talentfuld, men var karakteriseret ved en unik spillestil.

Mingus udvalgte omhyggeligt de musikere, der udgjorde hans band. Den legendariske kontrabassist var bemærkelsesværdig for sin vrede, og engang slog han endda trombonisten Jimmy Knepper i ansigtet og slog hans tand ud. Mingus led af en depressiv lidelse, men var ikke klar til at finde sig i, at dette på en eller anden måde påvirkede hans kreative aktivitet. På trods af denne lidelse er Charles Mingus en af ​​de mest indflydelsesrige personer i jazzhistorien.

12 Art Blakey

Art Blakey var en berømt amerikansk trommeslager og bandleder, der lavede et sprøjt i trommesætstil og teknik. Han kombinerede swing, blues, funk og hard bop - en stil, der i dag høres i enhver moderne jazzkomposition. Sammen med Max Roach og Kenny Clarke opfandt han en ny måde at spille bebop på trommer. I over 30 år har hans band The Jazz Messengers givet en start til jazzmusik for mange jazzkunstnere: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett osv.

Jazzambassadørerne skabte ikke bare fænomenal musik – de var en slags musikalsk træningsplads for unge talentfulde musikere som Miles Davis' band. Art Blakeys stil ændrede selve lyden af ​​jazz og blev en ny musikalsk milepæl.

11 Svimmel Gillespie

Jazztrompetisten, sangeren, komponisten og bandlederen blev en fremtrædende figur under bebop- og moderne jazz-æraen. Hans trompetstil påvirkede stilen til Miles Davis, Clifford Brown og Fats Navarro. Efter at have tilbragt tid i Cuba, da han vendte tilbage til USA, var Gillespie en af ​​de musikere, der aktivt promoverede afro-cubansk jazz. Ud over sin uforlignelige præstation på en karakteristisk buet trompet, var Gillespie genkendelig på sine hornbriller og utroligt store kinder, mens han spillede.

Den store jazzimprovisator Dizzy Gillespie fornyede ligesom Art Tatum harmoni. Kompositionerne af Salt Peanuts og Goovin 'High var rytmisk helt anderledes end tidligere værker. Ved at forblive tro mod bebop gennem hele sin karriere, huskes Gillespie som en af ​​de mest indflydelsesrige jazztrompetister.

10 Max Roach

Blandt de 15 mest indflydelsesrige jazzmusikere i genrens historie er Max Roach, en trommeslager kendt som en af ​​beboppens pionerer. Han, som få andre, påvirkede moderne trommespil. Roach var borgerrettighedsaktivist og samarbejdede med Oscar Brown Jr. og Coleman Hawkins på albummet We Insist! - Freedom Now, dedikeret til 100-året for underskrivelsen af ​​Emancipation Proclamation. Max Roach er en mand med upåklagelig spillestil, i stand til at spille længere soloer gennem hele koncerten. Absolut ethvert publikum var glade for hans fuldendte dygtighed.

9 Billie Holiday

Lady Day er millioners favorit. Billie Holiday skrev kun få sange, men da hun sang, pakkede hun stemmen ind fra de første toner. Hendes præstation er dyb, personlig og endda intim. Hendes stil og intonation er inspireret af lyden af ​​musikinstrumenter, som hun har hørt. Som næsten alle de musikere, der er beskrevet ovenfor, blev hun skaberen af ​​en ny, men allerede vokal stil, baseret på lange musikalske sætninger og tempoet i deres chanting.

Den berømte Strange Fruit er den bedste ikke kun i Billie Holidays karriere, men i hele jazzens historie på grund af sangerens sjælfulde præstation. Hun er posthumt hædret med prestigefyldte priser og optaget i Grammy Hall of Fame.

8 John Coltrane

John Coltranes navn er forbundet med virtuos spilleteknik, fremragende talent for at komponere musik og en passion for at opdage nye facetter af genren. På nippet til oprindelsen af ​​hard bop opnåede saxofonisten en enorm succes og blev en af ​​de mest indflydelsesrige musikere i genrens historie. Coltranes musik var hård, og han spillede med høj intensitet og dedikation. Han var i stand til både at spille alene og improvisere i et ensemble og skabe solopartier af utænkelig varighed. Ved at spille tenor og sopran saxofon var Coltrane i stand til at skabe melodiske kompositioner i stil med glat jazz.

John Coltrane er forfatteren til en slags "reboot bebop", der inkorporerer modale harmonier. Han forblev den vigtigste aktive figur i avantgarden, han var en meget produktiv komponist og stoppede ikke med at udgive cd'er, efter at have indspillet omkring 50 albums som bandleder gennem hele sin karriere.

7 Grev Basie

Den revolutionære pianist, organist, komponist og bandleder Count Basie ledede et af de mest succesrige bands i jazzhistorien. På 50 år har Count Basie Orchestra, inklusive utroligt populære musikere som Sweets Edison, Buck Clayton og Joe Williams, opbygget et ry som et af USA's mest eftertragtede big bands. Count Basie, vinder af ni Grammy-priser, har indgydt en kærlighed til orkesterlyd i generationer af lyttere.

Basie har skrevet mange kompositioner, der er blevet jazzstandarder, såsom April in Paris og One O'Clock Jump. Kolleger talte om ham som taktfuld, beskeden og fuld af entusiasme. Havde det ikke været i historien om Count Basie orkesterjazzen, ville bigbands-æraen have lydt anderledes og ville sandsynligvis ikke have været så indflydelsesrig, som den blev med denne fremragende bandleder.

6 Coleman Hawkins

Tenorsaxofonen er et symbol på bebop og al jazzmusik generelt. Og taknemmelige for det, vi kan være Coleman for Hawkins. Hawkins' innovation var afgørende for udviklingen af ​​bebop i midten af ​​fyrrerne. Hans bidrag til dette instruments popularitet kan have formet John Coltranes og Dexter Gordons fremtidige karriere.

Kompositionen Body and Soul (1939) blev standarden for at spille tenorsaxofon for mange saxofonister. Andre instrumentalister var også påvirket af Hawkins - pianisten Thelonious Monk, trompetisten Miles Davis, trommeslageren Max Roach. Hans evne til ekstraordinær improvisation førte til afsløringen af ​​nye jazzsider af genren, som ikke blev berørt af hans samtidige. Dette forklarer til dels, hvorfor tenorsaxofonen er blevet en integreret del af det moderne jazzensemble.

5 Benny Goodman

Åbner fem af de 15 mest indflydelsesrige jazzmusikere i genrens historie. Den berømte King of Swing ledede næsten det mest populære orkester i det tidlige 20. århundrede. Hans Carnegie Hall-koncert fra 1938 er anerkendt som en af ​​de vigtigste livekoncerter i amerikansk musikhistorie. Dette show demonstrerer begyndelsen på jazzens æra, anerkendelsen af ​​denne genre som en selvstændig kunstform.

På trods af at Benny Goodman var forsanger i et stort swingorkester, deltog han også i udviklingen af ​​bebop. Hans orkester var et af de første til at samle musikere af forskellige racer. Goodman var en stærk modstander af Jim Crow-loven. Han afviste endda en sydenturné til støtte for racelighed. Benny Goodman var en aktiv aktivist og reformator ikke kun inden for jazz, men også inden for populærmusik.

4 Miles Davis

En af de centrale jazzfigurer i det 20. århundrede, Miles Davis, stod foran og havde tilsyn med mange musikalske begivenheder. Han er krediteret for at være pioner inden for genrerne bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk og technomusik. I konstant søgen efter en ny musikalsk stil havde han altid succes og var omgivet af strålende musikere, herunder John Coltrane, Cannoball Adderly, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter og Chick Corea. I løbet af sin levetid blev Davis tildelt 8 Grammy-priser og er optaget i Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis var en af ​​de mest aktive og indflydelsesrige jazzmusikere i forrige århundrede.

3 Charlie Parker

Når du tænker på jazz, tænker du på et navn. Også kendt som Bird Parker, han var en pioner inden for jazz-altsaxofonen, bebop-musiker og komponist. Hans hurtige spil, klare lyd og talent som improvisator havde en betydelig indflydelse på datidens musikere og vores samtid. Som komponist ændrede han standarderne for jazzmusikskrivning. Charlie Parker blev musikeren, der dyrkede ideen om, at jazzmænd var kunstnere og intellektuelle, ikke kun showmen. Mange kunstnere har forsøgt at kopiere Parkers stil. Hans berømte spilleteknikker kan spores på samme måde som mange af nutidens nybegyndere musikere, der tager udgangspunkt i kompositionen Bird, der stemmer overens med alt-sakosofens tilnavn.

2 Duke Ellington

Han var en storladen pianist, komponist og en af ​​de mest fremragende ledere af orkestret. Selvom han er kendt som en pioner inden for jazz, udmærkede han sig i andre genrer, herunder gospel, blues, klassisk og populærmusik. Det er Ellington, der tilskrives æren for at gøre jazzen til en særskilt kunstart. Med utallige priser og priser holdt den første store jazzkomponist aldrig op med at blive bedre. Han inspirerede de næste generationer af musikere, herunder Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington er fortsat et anerkendt jazzflygelgeni som instrumentalist og komponist.

1 Louis Armstrong

Den ubestridte mest indflydelsesrige jazzmusiker i genrens historie - kendt som Sachmo - er en trompetist og sanger fra New Orleans. Han er kendt som skaberen af ​​jazz og spillede en nøglerolle i dens udvikling. Denne kunstners slående evner gjorde det muligt at bygge trompeten ind i et solo jazzinstrument. Han er den første musiker til at synge og popularisere scat. Hans lave "tordnende" stemmeklang var umulig ikke at genkende.

Armstrongs tilslutning til sine egne idealer påvirkede Frank Sinatras og Bing Crosbys, Miles Davis og Dizzy Gillespies arbejde. Louis Armstrong påvirkede ikke kun jazzen, men hele den musikalske kultur, og gav verden en ny genre, en unik sangstil og trompetspil.

Moderne russisk jazz er forbundet med kvindelig vokal. Find ud af, hvem de er - berømte russiske jazzsangere, hvad de er berømte for, hvad publikum elsker dem for.

Russiske jazzsangere

Anna Buturlina

Anna Buturlina er en af ​​de mest populære russiske jazzsangerinder.

Pigen synger ikke kun i sine egne soloprojekter, men arbejder også med Russian State Symphony Orchestra of Cinematography, med Oleg Lundstrem Jazz Orchestra.

Efter at have optrådt med orkestret den 7. maj 2015 ved FN's Generalforsamling, blev pigen noteret af den berømte komponist Daniil Kramer, som gav hende en vurdering af "jazz Valentina Tolkunov".

Anna er deltager i Anatoly Krolls projekt "The First Ladies of Russian Jazz"

Han arbejder som underviser i vokalfærdigheder, skriver musik og indspiller albums for de mindste, synger på film-soundtracks og giver endda stemme til film- og tegneserieheltinder.

Vokalistens mest markante værker er stemmeskuespillet af Disney-prinsesserne Tiana (Prinsessen og frøen) og Elsa (Frozen), samt den russiske version af Let It Go-sangen fra den anden - Let It Go and Forget.

Aset Samrailova (ASET)

Aset er en usædvanlig og fremragende vokalist blandt kunstnerne på den russiske scene. Hendes numre på russisk og engelsk har altid været højt værdsat af publikum og kritikere.

Pigen fremfører musik i mange genrer: soul, jazz, blues, urban romantik, pop og R&B.

Aset blev berømt efter at have deltaget i det berømte tv-show "Voice-2", såvel som takket være "Big Jazz" og "Main Stage".

Hendes stemme kan høres på lydsporene til filmene "Pilgrimsrejse til den evige stad" og "Stenhoved". Børn kan genkende hende på stemmeskuespillet i Disney-tegnefilmene "The Princess and the Frog", "Fairies", "Cars 2" og filmen "School Musical".

Alina Rostotskaya

Alina Rostotskaya er en af ​​de lyseste repræsentanter for jazzvokalen i Moskva. Efter at have modtaget Grand Prix for den bedste jazzsangerkonkurrence i Moskva i 2009, begyndte Alinas popularitet at vokse. Et år senere synger pigen i sit eget ensemble på den berømte festival "Jazz in the Hermitage Garden".

Vokalisten deltog i store begivenheder i mange skandinaviske og baltiske lande, samt Polen, Ukraine og Rusland, nåede finalen i det store jazzshow.

Hun skilte sig ud ved den lettiske festival Riga Jazz Stage og modtog en særlig pris fra den berømte lettiske komponist og pianist Raimonds Pauls.

Alina Rostotskaya er en leder blandt russiske jazzmusikere takket være hendes hårde arbejde og talent - pigen synger, fungerer som komponist, arrangør og endda en digter.

"Men du er en kvinde!" - hvad er og hvordan man håndterer det

Larisa Dolina

Ikke alle berømte russiske jazzsangere synger udelukkende i én genre. En af disse er popstjernen Larisa Dolina. Da hun var hjemmehørende i Baku i en alder af 3, flyttede hun med sine forældre til Odessa, hvor hun begyndte at mestre klaveret. Så begynder hendes livslange musikalske vej. Senere dimitterede Larisa fra Moscow School of Music. Gnesins.

Dolina begyndte at optræde og arbejde separat i 1985.

Samtidig oprettede vokalisten den første forfatters program "Long Leap" og rejste i hele USSR med recitals.

I 1996 fandt jubilæumsforestillingen for vokalisten "Weather in the House" sted, hvor hun fremførte sine yndlings- og yndlingssange og præsenterede albummet af samme navn, som blev hendes visitkort.

Elvira Trafova

Den første vokalist af russisk jazz, der modtog titlen som hædret kunstner i Rusland, hovedfokus for opmærksomheden i St. Petersborg-kredse af denne musikalske stil - alt dette handler om Elvira Trafova.

Efter at have dimitteret fra Leningrad Institute of Theatre, Music and Cinema i 1972 sluttede sangeren sig til Jazz Music Ensemble og blev solist i det. Så begyndte hendes jazzkarriere at tage form.

Elvira Trafova anerkendt som den russiske jazzs førstedame

I 1989 begyndte hun at arbejde i St. Petersburg State Philharmonic Society of Jazz Music og forlader stadig ikke musikscenen. Elvira optræder med den ærede kunstner i Rusland Peter Kornev og hans ensemble.

Julia Kasyan

Den talentfulde jazzsangerinde Yulia Kasyan blev bemærket ved efterårsmarathon-konkurrencerne og den internationale konkurrence i Jekaterinburg - hun blev nomineringsvinder.

Siden det øjeblik optræder pigen regelmæssigt i filharmoniske samfund og på jazzfestivaler sammen med orkestret.

En lys, virtuos og berømt mester i sit håndværk, pianisten Nikolai Sizov er en konstant partner i scenen af ​​Yulia Kasyan.

Sophie Okran

Efter at have studeret på en musikskole i Kaukasus flyttede Sophie til Krasnodar, hvor hun begyndte at arbejde på Premiere Theatre.

Sangerinden var inviteret til den populære musikalske gruppe "Kvartal". Efter sin debut i musicalen "Hair" i 1999 begyndte vokalisten at blive inviteret til at samarbejde og deltage i projekter af russiske kunstnere, hvoraf den ene var Valery Meladze.

Sophie Okran bruger meget tid på at arbejde på pauseskærme til radiostationer, hvilket bidrager til den brede genkendelse af hendes stemme.

Vokalisten har også sit eget Natural Woman-program, som hun optrådte med på festivaler og spillesteder i landet.

Takket være den unikke kombination af afrikansk skarphed og russisk blid romantik i sangerindens plastiske, dybe og komplekst klingende stemme bliver hun ofte kaldt russisk.

Den talentfulde jazzvokalist Mariam Merabova blev født i Jerevan. Pigen begyndte sin musikalske vej i en alder af 5 med at studere på hovedbyens musikskole. I en tidlig alder flyttede hun til Moskva og studerede først i skolen og derefter på skolen. Gnesins i klaver.

Mariam Merabova ved showet "The Voice"

2000 var et vendepunkt for Mariam Merabova: vokalisten indspillede til albummet fra Miraife jazzprojektet og deltog i skabelsen af ​​musicalen We will rock you.

Sangerinden modtog et tilbud om at undervise på School of Professional Creative Development fra Alla Pugacheva.

Marina Volkova

Marina Volkova er vokalist, lærer og komponist. Efter at have modtaget en akademisk musikalsk uddannelse opdagede sangerinden jazzen for sig selv.

Forestillingen med Yves Cornelius var et "sandhedens øjeblik" for Marina Volkova

Marina forsøgte i lang tid at forstå, hvad "swing" er. Men bare at finde ud af det var ikke nok, det er den slags ting, der skal mærkes. Og det mærkede vokalisten selv, hvilket i høj grad skyldes Michael Jacksons og den amerikanske sangerinde Sarah Vaughans sange.

I 2009, i Moskva, sang pigen med Yves Cornelius, en af ​​de mest berømte jazzsangere i staterne. Sangerinden markerer selv denne forestilling som "sandhedens øjeblik", fordi Yves hjalp hende med at lægge alt på hylderne i hendes fremtidige karriere.

Sarah Vaughans sange hjalp Marina med at forstå, hvad swing er

Samme år deltager Marina i First Moscow Jazz Vocalists Competition og bliver komponist og sanger i Perfect Me-projektet. Marina kombinerer projektet med skabelsen af ​​sin egen jazzkvartet, Marina Volkova Jazz Band.