Huilu puhallinsoitin. Poikittaishuilu ja sen ominaisuudet

Sopraano rekisteri. Huilun äänenkorkeutta muutetaan ylipuhaltamalla (harmonisten äänien poistaminen huulilla) sekä avaamalla ja sulkemalla reikiä venttiileillä. Nykyaikaiset huilut valmistetaan yleensä metallista (nikkeli, hopea, kulta, platina), harvemmin puusta, joskus lasista, muovista ja muista komposiittimateriaaleista.

Huilualue - yli kolme oktaavia: alkaen h tai c 1 (pieni oktaavi si tai ennen ensimmäistä) to c 4 (neljänteen asti) ja korkeampi. Nuotit kirjoitetaan diskanttiavaimeen todellisen äänen mukaan. Sävy on selkeä ja läpinäkyvä keskirekisterissä, suhiseva alaosassa ja hieman karkea ylhäällä. Huilulle on tarjolla monenlaisia ​​tekniikoita, hänelle uskotaan usein orkesterisoolo. Sitä käytetään sinfonia- ja vaskibändeissä sekä klarinetin ohella muita puupuhaltimia useammin kamariyhtyeissä. Sinfoniaorkesterissa käytetään yhdestä viiteen huilua, useimmiten kahta tai kolmea, joista yksi (yleensä lukumäärältään viimeinen) voi vaihtua esityksen aikana pikolo- tai alttohuiluksi.

Instrumentin historia

Keskiaikainen esitys huilun soittajista, jotka pitävät soittimia vasemmalla

Varhaisin kuva poikittaisesta huilusta löydettiin etruskien kohokuvasta, joka on peräisin sata tai kaksisataa vuotta eKr. Tuolloin poikittaista huilua pidettiin vasemmalla, vain 1000-luvun runon kuvitus kuvaa ensimmäistä kertaa soitinta oikealla.

Keskiaika

Ensimmäiset arkeologiset löydöt länsimaiden poikittaishuiluista juontavat juurensa XII-XIV vuosisadalta jKr. Yksi sen ajan varhaisimmista kuvista löytyy Hortus Deliciarum -tietosanakirjasta. Yllä olevaa 1000-luvun kuvaa lukuun ottamatta kaikissa keskiaikaisissa eurooppalaisissa ja aasialaisissa kuvissa esiintyjät pitelevät poikittaista huilua vasemmalla, kun taas antiikkieurooppalaisissa kuvissa huilit pitelevät soitinta oikealla. Siksi oletetaan, että poikittaishuilu Euroopassa jäi tilapäisesti pois käytöstä ja palasi sitten sinne Aasiasta Bysantin valtakunnan kautta.

Keskiajalla poikittaishuilu koostui yhdestä osasta, joskus kahdesta "bassohuilusta" G:ssä (nykyisin alttohuilun alue). Työkalulla oli sylinterimäinen muoto ja 6 reikää, joilla oli sama halkaisija.

renessanssi

Viisi Landsknechtiä, Daniel Hopfer, 1500-luku, toinen vasemmalta poikittaisella huilulla

Renessanssin aikana poikittaisen huilun muotoilu muuttui vähän. Soittimella oli kaksi ja puoli oktaavia tai enemmän, mikä ylitti useimpien silloisten lohkohuilujen alueen oktaavilla. Soittimella pystyi soittamaan kaikkia kromaattisen asteikon säveliä, mikäli sinulla oli hyvä sormitus, joka oli melko monimutkaista. Keskimmäinen rekisteri kuulosti parhaimmalta. Kuuluisia alkuperäisiä poikittaishuiluja renessanssista säilytetään Castel Vecchio -museossa Veronassa.

Barokin aikakausi

Ensimmäiset suuret muutokset poikittaisen huilun suunnittelussa teki Otteter-perhe. Jacques Martin Otteter jakoi instrumentin kolmeen osaan: pää, runko (jossa on reiät, jotka suljettiin suoraan sormilla) ja polvi (jossa oli yleensä yksi venttiili, joskus enemmän). Myöhemmin suurin osa 1700-luvun poikittaisista huiluista koostui neljästä osasta - soittimen runko jaettiin kahtia. Otteter muutti myös soittimen reiän kapenevaksi parantaakseen oktaavien välistä intonaatiota.

1700-luvun viimeisinä vuosikymmeninä poikittaiseen huiluun lisättiin yhä enemmän venttiileitä - yleensä 4 - 6 ja enemmän. Joillakin soittimilla on mahdollista ottaa c 1 (ensimmäiseen oktaaviin asti) pidennetyllä kulmakappaleella ja kahdella lisäventtiilillä. Tärkeitä innovaatioita silloisen poikittaisen huilun suunnittelussa tekivät Johann Joachim Quantz ja Johann Georg Tromlitz.

Klassinen ja romanttinen aikakausi

Mozartin aikaan yksiventtiilinen poikittaishuilu oli vielä tämän instrumentin yleisin malli. 1800-luvun alussa poikittaisen huilun suunnitteluun lisättiin yhä enemmän venttiileitä, kun soittimen musiikki muuttui virtuoosimaksi ja lisäventtiileillä helpotti vaikeiden kohtien suorittamista. Venttiilivaihtoehtoja oli suuri määrä. Ranskassa suosituin oli poikittaishuilu 5 venttiilillä, Englannissa - 7 tai 8 venttiilillä, Saksassa, Itävallassa ja Italiassa oli samanaikaisesti eniten erilaisia ​​järjestelmiä, joissa venttiilien lukumäärä voi olla 14 kappaletta tai enemmän, ja järjestelmät nimettiin niiden keksijöiden mukaan: "Meyer", "Schwedler-huilu", "Ziegler-järjestelmä" ja muut. Oli jopa venttiilijärjestelmiä, jotka oli erityisesti tehty helpottamaan tiettyä kulkua. 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla oli huiluja ns. Wieniläistä tyyppiä, pienen oktaavin suolan ääneen. Giuseppe Verdin vuonna 1853 kirjoittamassa oopperassa La Traviata on viimeisessä kohtauksessa 2. huilulle uskottu fraasi, joka koostuu alemman rekisteriäänistä alas - B, B-flat, A, A-flat ja matala oktaavi. G. Tämä huilu on nyt korvattu alttohuilulla

Berliinistä tuli tärkeä keskus silloisen huilukoulun kehittämiselle, jossa poikkihuilu sai erityisen merkityksen Fredrik II:n hovissa, joka itse oli huilusoittaja ja erinomainen säveltäjä. Hallitsijan sammumattoman kiinnostuksen ansiosta suosikkiinstrumenttiaan kohtaan on monia teoksia poikittaishuilulle Joachim Quantzilta (hovisäveltäjä ja opettaja Friedrich), C.F.E.Bachin (hovicembalisti), Franzin ja hänen poikansa Friedrich Bendan, Karl Friedrich Faschin ja muiden teoksista.

Barokin aikakauden ohjelmiston mestariteoksia ovat Partita a-molli huilusoololle ja 7 JSBachin sonaattia huilulle ja bassolle (joista 3 saattoi kuulua hänen poikansa CFEBachin kynään), 12 fantasiaa soololle huilu G F. Telemann, C.F.E.Bachin sonaatti huilusoololle a-molli.

1800-luvun huiluohjelmistoa hallitsevat huilusäveltäjien – Jean-Louis Tuloun, Giulio Bricchaldin, Wilhelm Poppin, Jules Demerssmannin, Franz Dopplerin, Cesare Ciardin, Anton Fürstenaun, Theobald Boehmin, Joachim Körsenin ja muiden – virtuoosit salongiteokset. esityksiä. Virtuoosikonsertteja huilulle ja orkesterille tulee yhä enemmän - Vilém Blodeck, Saverio Mercadante, Bernard Romberg, Franz Danzi, Bernard Molik ja muut.

1900-luvun jälkipuoliskolla monet säveltäjät kirjoittavat sävellyksiä soolohuilulle ilman säestystä, usein käyttämällä nykyaikaisia ​​instrumenttien soittotekniikoita. Erityisen usein esitetään Luciano Berion Sequencing, Isan Yunan etüüdit, Toru Takemitsun ääni, K. Halfterin Debla ja muita säveltäjien Heinz Holligerin, Robert Aitkenin, Elliot Carterin, Gilbert Amin, Kazuo Fukineishimin ja Brian Ferrion teoksia huilusoololle. ovat myös suosittuja. , Franco Donatoni ja muut.

Jazz ja muut tyylit

Matala soundin vuoksi huilu ei heti juurtunut jazzmusiikkiin. Huilun tunkeutuminen soolo-instrumenttina jazzissa liittyy sellaisten muusikoiden nimiin kuin Herbie Mann, Jeremy Stig, Hubert Lowes. Yksi jazzhuilusoiton uudistajista oli saksofonisti ja huilisti Roland Kirk, joka käyttää aktiivisesti hengityksen ja äänellä leikin tekniikoita. Saksofonistit Eric Dolphy ja Jozef Latif soittivat myös huilua.

Jazz ja klassinen musiikki kohtaavat ranskalaisen jazzpianistin Claude Bollingin jazzsviitit huilulle sekä akateemisten (Jean-Pierre Rampal, James Galway) että jazzmuusikoiden esittämänä.

Popmusiikissa

Yksi rock- ja popmusiikin genren kuuluisista huiluista on Ian Anderson Jethro Tall -yhtyeestä.

Huilukoulun kehittäminen Venäjällä

Varhainen kausi

Ensimmäiset ammattihuilusoittajat Venäjällä olivat enimmäkseen kutsuttuja ulkomaalaistaustaisia ​​muusikoita, joista monet jäivät Venäjälle elämänsä loppuun asti. Niinpä kuuluisa sokea huilisti ja säveltäjä Friedrich Dulon palveli Katariina II:n hovissa vuosina 1792–1798. Myöhemmin kuuluisat saksalaiset ja italialaiset huilistit Heinrich Zusman (1822-1838), Ernst Wilhelm Heinemeier (1847-1859), Cesare Ciardi (vuodesta 1855) olivat Pietarin keisarillisen teatterin solisteja. Vuonna 1831 Joseph Guillou, Pariisin konservatorion professori, asettui Pietariin. Varhaisia ​​mainintoja on myös venäläisistä huilusista - esimerkiksi vuosina 1827-1850 Moskovan Bolshoi-teatterin solistina oli vapautensa saanut orja Dmitri Papkov.

1800-luvun toinen puoli

Euroopan suurimmat huilistit saapuivat kiertueelle Venäjälle - 1880-luvulla tšekkiläinen huiluvirtuoosi Adolf Tershak matkusti konserteillaan ympäri Venäjää, vuosina 1887 ja 1889. Kuuluisa ranskalainen huilisti Paul Taffanel vieraili Moskovassa ja Pietarissa.

XX vuosisadalla

Pietarin konservatorion ensimmäinen venäläinen professori oli vuonna 1905 Keisarillisen teatterin solisti Fjodor Stepanov. 1900-luvun alkupuoliskolla saksalaiset Max Berg ja Karl Schwab sekä tšekkiläinen Julius Federgans työskentelivät Pietarin keisarillisten teattereiden solisteina samanaikaisesti kotimaisten esiintyjien kanssa. Stepanovin kuoleman jälkeen vuonna 1914 hänen luokkansa siirtyi huilusti ja säveltäjä Vladimir Tsybinille, joka antoi valtavan panoksen kotimaisen huilusoiton kehitykseen Venäjällä. Vladimir Tsybiniä voidaan oikeutetusti pitää venäläisen huilukoulun perustajana.

Tsybinin pedagogista työtä jatkoivat hänen opiskelijansa, Moskovan konservatorion professorit Nikolai Platonov ja Yuliy Yagudin. 1900-luvun alussa P. Ya. Fedotov ja Robert Lambert opettivat Pietarin konservatoriossa, ja myöhemmin jälkimmäisen oppilaita olivat Boris Trizno ja Joseph Yanus.

1950-luvulla kuuluisat Neuvostoliiton huilustit Aleksander Korneev ja Valentin Zverev voittivat merkittäviä kansainvälisiä palkintoja.

1960-luvulla venäläisen huilunsoittokoulun kehittämiseen antoivat merkittävän panoksen Leningradin konservatorion professori, Boris Triznon opiskelija Gleb Nikitin ja Moskovan konservatorion professori, Nikolai Platonovin opiskelija, Juri Dolžikov.

Moskovan ja Leningradin suurten orkesterien solistien joukossa 1960-1970-luvuilla olivat Albert Hoffman, Aleksander Golyshev, Albert Ratsbaum, Eduard Shcherbachev, Alexandra Vavilina ja muut, ja myöhemmin nuorempi sukupolvi - Sergei Bubnov, Marina Vorozhtsova ja muut.

Tällä hetkellä Moskovan konservatorion professoreina ja apulaisprofessoreina toimivat Aleksander Golyshev, Oleg Khudyakov, Olga Ivusheikova, Leonid Lebedev; Pietarin konservatorio - Valentin Cherenkov, Alexandra Vavilina, Olga Chernyadeva. Yli 50 venäläistä nuorta huilistia, mukaan lukien Denis Lupatšev, Nikolai Popov, Nikolai Mokhov, Denis Burjakov, Aleksandra Grot, Grigori Mordašov ja muita, on myös saanut tai jatkaa opintojaan ulkomailla.

Huilun rakenne

Poikittaishuilu on pitkänomainen sylinterimäinen putki, jossa on toisesta päästä suljettu venttiilijärjestelmä, jonka lähellä on erityinen sivureikä huulten levittämistä ja ilman puhaltamista varten. Moderni huilu on jaettu kolmeen osaan: pää, vartalo ja polvi.

Pää

Tiedosto: Flute Head.JPG

Leuat huilun päässä

Isossa huilussa on suora pää, mutta on myös kaarevia päitä - lastensoittimissa sekä altto- ja bassohuiluissa, jotta soitinta on mukavampi pitää kädessä. Pää voidaan valmistaa erilaisista materiaaleista ja niiden yhdistelmistä - nikkelistä, puusta, hopeasta, kullasta, platinasta. Nykyaikaisen huilun pää, toisin kuin soittimen runko, ei ole sylinterimäinen, vaan kartio-parabolinen muoto. Vasemmassa päässä, pään sisällä, on tulppa, jonka asento vaikuttaa instrumentin toimintaan ja joka tulee tarkistaa säännöllisesti (yleensä pyyhintätangon takapäätä, puhdistustankoa käyttämällä). Pään reiän muoto, muoto ja leukojen taipuma vaikuttavat suuresti koko soittimen soundiin. Usein esiintyjät käyttävät eri valmistajan päitä kuin pääinstrumentin valmistaja. Jotkut huiluvalmistajat - kuten Lafin tai Faulisi - ovat erikoistuneet yksinomaan huilunpäiden valmistukseen.

Huilun runko

Huilun runkorakenne voi olla kahden tyyppistä: "inline" - kun kaikki venttiilit muodostavat yhden rivin, ja "offset" - kun suolaventtiili työntyy esiin. Venttiilejä on myös kahta tyyppiä - suljettu (ilman resonaattoreita) ja avoin (resonaattoreilla). Avoimet venttiilit ovat yleisimpiä, koska niillä on useita etuja suljettuihin verrattuna: huilusti voi tuntea ilmavirran nopeuden ja äänen resonanssin sormiensa alla, avoimien venttiilien avulla voidaan säätää intonaatiota ja soittaessaan nykymusiikkia, ne ovat käytännössä välttämättömiä. Lapsia tai pieniä käsiä varten on muovitulpat, jotka voivat tarvittaessa sulkea tilapäisesti kaikki tai osan instrumentin venttiileistä.

Polvi

Huilupolvi (ennen)

Isossa huilussa voidaan käyttää kahta polvea: polvesta polveen tai polveen B. Huilulla polvesta alaspäin ääni kuuluu ensimmäiseen oktaaviin, polvihuiluilla B - B pienen oktaavin verran. B-polvi vaikuttaa soittimen kolmannen oktaavin soundiin ja tekee soittimesta myös painoltaan jonkin verran raskaampaa. B-polvessa on "gizmo"-vipu, jota kannattaa lisäksi käyttää sormituksessa neljänteen oktaaviin asti.

Mi-mekaniikka

Monilla huiluilla on ns. mi-mekaniikka. Mi-mekaniikan keksivät 1900-luvun alussa samanaikaisesti, toisistaan ​​riippumatta, saksalainen mestari Emil von Rittershausen ja ranskalainen mestari Jalma Julio helpottaakseen kolmannen oktaavin E-sävelten ottamista ja parantaakseen intonaatiota. Monet ammattihuilusoittajat eivät käytä mi-mekaniikkaa, sillä hyvä soittimen hallinta helpottaa tämän äänen poimimista ilman hänen apuaan. Mi-mekaniikalle on myös vaihtoehtoja - Powellin kehittämä (toisen parin) suolaventtiilin sisäaukosta puolet peittävä levy sekä Sankyon kehittämä pienennetty kaksoissuolaventtiili (jota ei käytetä laajalti esteettisistä syistä).

Moderni Boehm-järjestelmän huilu suljetuilla venttiileillä, jotka eivät ole linjassa, mi-mekaniikalla ja polvea ylöspäin

Huilun akustiikka

Äänentuotantotavan mukaan huilu kuuluu labiaalisiin soittimiin. Huilusti puhaltaa ilmavirran korvatyynyn aukon etureunaan. Ilmavirta muusikon huulilta ylittää avoimen korvatyynyn aukon ja osuu korvan ulkoreunaan. Siten ilmavirta jakautuu noin puoleen: työkalun sisällä ja ulkopuolella. Osa instrumentin sisään jääneestä ilmasta luo ääniaallon (puristusaallon) huilun sisään, etenee avoimeen venttiiliin asti ja palaa osittain takaisin aiheuttaen putken resonanssin. Osa soittimen ulkopuolelle jäävästä ilmasta aiheuttaa lieviä ylisävyjä, kuten tuulen melua, jotka oikein asetettuna ovat kuultavissa vain esiintyjälle itselleen, mutta muuttuvat useiden metrien etäisyydeltä erottamattomiksi. Sävelkorkeutta muutetaan muuttamalla tuen (vatsalihasten) ja huulten ilman kulkunopeutta ja suuntaa sekä sormimalla.

Huilu valloittaa vihdoin eri maiden ja tyylien suurten säveltäjien sydämet, yksi toisensa jälkeen ilmestyy huilurepertuaarin mestariteoksia: Sergei Prokofjevin ja Paul Hindemithin sonaatteja huilulle ja pianolle, Karl Nielsenin ja Jacques Ibertin konsertteja huilulle ja orkesterille, sekä muita säveltäjien Boguslav Martinun, Frank Martinin ja Olivier Messiaenin teoksia. Useita sävellyksiä huilulle ovat kirjoittaneet venäläiset säveltäjät Edison Denisov ja Sofia Gubaidulina.

Idän huilut

Di(vanhasta kiinalaisesta hengchuista, handi - poikkihuilu) - muinainen kiinalainen puhallinsoitin, poikittaishuilu 6 soittoreiällä.

Useimmissa tapauksissa di:n runko on valmistettu bambusta tai ruo'osta, mutta on diita, jotka on valmistettu muunlaisesta puusta ja jopa kivestä, useimmiten jadesta. Rungon suljetun pään lähellä on ilmanpuhallusreikä, sen vieressä ohuimmalla ruokolla tai ruokokalvolla peitetty reikä; 4 lisäreikää, jotka sijaitsevat lähellä piipun avointa päätä, palvelevat säätöä. Huilun piippu sidotaan yleensä mustalla lakalla päällystetyillä lankarenkailla. Soittotapa on sama kuin poikittaishuilulla.

Aluksi uskottiin, että huilu tuotiin Kiinaan Keski-Aasiasta vuosina 140-87 eKr. e. Viimeaikaisissa arkeologisissa kaivauksissa on kuitenkin kaivettu esiin noin 8 000 vuotta vanhoja poikittaisia ​​luuhuiluja, jotka ovat rakenteeltaan hyvin samanlaisia ​​kuin nykyaikaiset (tosin ilman ominaista suljettua reikää), mikä tukee hypoteesia di:n kiinalaista alkuperää. Legenda kertoo, että keltainen keisari käski arvohenkilöitään valmistamaan ensimmäisen huilun bambusta.

Di:iä on kahdenlaisia: qiudi (kunqui-musiikin draamaorkesterissa) ja bandi (banzi-musiikkidraamaorkesterissa pohjoisissa provinsseissa). Huilutyyppiä ilman liimareikää kutsutaan mendiksi.

Shakuhachi(kiinalainen chi-ba) on pitkittäinen bambuhuilu, joka tuli Japaniin Kiinasta Nara-kaudella (710-784). Shakuhachia on noin 20 lajiketta. Normaali pituus 1,8 japanilaista jalkaa (54,5 cm) antoi soittimelle nimen, koska shaku tarkoittaa jalkaa ja hachi kahdeksaa. Joidenkin tutkijoiden mukaan shakuhachi on peräisin egyptiläisestä sabi-instrumentista, joka kulki pitkän matkan Kiinaan Lähi-idän ja Intian kautta. Alun perin työkalussa oli 6 reikää (5 edessä ja 1 takana). Myöhemmin, ilmeisesti xiao pitkittäishuilun mallilla, joka tuli myös Kiinasta Muromachin aikana, muunneltiin Japanissa ja tuli tunnetuksi nimellä hitoyogiri (kirjaimellisesti "yksi bambu polvi"), se sai modernin muotonsa 5 sormenreiällä. . Shakuhachi on valmistettu Madake-bambun (Phyllostachys bambusoides) perustasta. Keskimääräinen putken halkaisija on 4–5 cm ja putken sisäpuoli on lähes sylinterimäinen. Pituus vaihtelee koto- ja shamisen-yhtyeen virityksen mukaan. 3 cm:n ero antaa puolisävyeron sävelkorkeudessa. Vakiopituutta 54,5 cm käytetään shakuhachi-soolosävellysten soittamiseen. Äänenlaadun parantamiseksi käsityöläiset lakkaavat huolellisesti bambuputken sisäpuolen, kuten Noh-teatterin gagakussa käytetyn huilun. Fuke-lahkon honkyoku-tyyliset näytelmät (30-40 kappaletta on säilynyt) kantavat zen-buddhalaisuuden ajatuksia. Kinkon koulun honkyokussa käytetään fuke shakuhachin ohjelmistoa, mutta se antaa enemmän taiteellisuutta niiden esittämiseen.

P Melkein samanaikaisesti shakuhachin ilmestymisen kanssa Japaniin syntyi ajatus huilulla esitettävän musiikin pyhyydestä. Perinne yhdistää hänen ihmevoimansa prinssi Shotoku Taishin (548-622) nimeen. Erinomainen valtiomies, valtaistuimen perillinen, aktiivinen buddhalaisuuden saarnaaja, historiallisten kirjoitusten ja buddhalaisten sutrojen ensimmäisten kommenttien kirjoittaja, hänestä tuli yksi Japanin historian vaikutusvaltaisimmista henkilöistä. Esimerkiksi varhaiskeskiajan kirjallisissa lähteissä kerrottiin, että kun prinssi Shotoku soitti shakuhachia matkalla vuorenrinteellä olevaan temppeliin, taivaalliset keijut laskeutuivat huilun äänen tahtiin ja tanssivat. Horyuji-temppelistä peräisin olevaa shakuhachia, joka on nyt pysyvästi esillä Tokion kansallismuseossa, pidetään prinssi Shotokun ainutlaatuisena instrumenttina, joka aloitti pyhän huilun matkan Japanissa. Shakuhachi mainitaan myös buddhalaisen papin Enninin (794-864) nimen yhteydessä, joka opiskeli buddhalaisuutta Tang Kiinassa. Hän esitteli shakuhachi-säestyksen Amida Buddha -sutran lausunnon aikana. Hänen mielestään huilun ääni ei vain koristanut rukousta, vaan ilmaisi sen olemuksen suuremmalla läpitunkeutumisella ja puhtaudella. Zhukoai. Keiju huilu punaisena

Pyhän huilun perinteen muodostumisen uusi vaihe liittyy yhteen Muromachi-kauden merkittävimmistä henkilöistä, Ikkyu Sojuniin (1394-1481). Runoilija, taidemaalari, kalligrafi, uskonnonuudistaja, eksentrinen filosofi ja saarnaaja, elämänsä lopussa suurimman metropolitemppelin Daitokujin rehtorina hän vaikutti käytännössä kaikkiin aikansa kulttuurielämän alueisiin teeseremoniasta ja Zen-puutarhasta Noh-teatteri ja shakuhachi-musiikki. Äänellä oli hänen mielestään suuri rooli teeseremoniassa: kattilassa kiehuvan veden ääni, vispilän koputtaminen teetä vatkatessa, veden kohina - kaikki oli suunniteltu luomaan harmonian, puhtauden tunne, kunnioitus, hiljaisuus. Sama tunnelma seurasi shakuhachin soittoa, kun ihmisen sielun syvyydestä yksinkertaisen bambuputken läpi kulkevasta hengityksestä tuli itse elämän henkäys. Klassiseen kiinalaiseen tyyliin kirjoitetussa runokokoelmassa "Kyounshu" ("Hullujen pilvien kokoelma"), joka on täynnä äänikuvia ja shakuhachi-musiikkia, äänifilosofiaa keinona herättää tietoisuus, Ikkyu kirjoittaa shakuhachista puhtaana. universumin ääni: "Soitaessa shakuhachia näet näkymättömiä palloja, koko maailmankaikkeudessa on vain yksi kappale."

Noin 1700-luvun alusta. erilaisia ​​tarinoita kunnioitettavasta Ikkyusta ja shakuhachi-huilusta levitettiin. Yksi heistä kertoi, kuinka Ikkyu yhdessä toisen munkin Ichiroson kanssa lähti Kiotosta ja asettui Ujin majaan. Siellä leikattiin bambua, tehtiin shakuhachia ja leikittiin. Toisen version mukaan tietty Roan-niminen munkki eli eristäytyneinä, mutta oli ystäviä ja kommunikoi Ikkyun kanssa. Palvoessaan shakuhachia, poistamalla äänen yhdellä hengityksellä, hän saavutti valaistumisen ja otti nimen Fukedosha tai Fuketsudosha (seuraten tuulen ja reikien polkua) ja oli ensimmäinen komuso (kirjaimellisesti "tyhjyyden ja tyhjyyden munkki"). Huilusta, jota legendan mukaan mentori soitti, on tullut kansallinen jäänne ja se sijaitsee Hoshyuninin temppelissä Kiotossa. Ensimmäiset tiedot huilua soittavista vaeltavista munkeista ovat peräisin 1500-luvun ensimmäiseltä puoliskolta. Heitä kutsuttiin komo (komoso) munkeiksi, toisin sanoen "olkimattomunkeiksi". XVI vuosisadan runoudessa. Huilusta erottamattomia vaeltajan melodioita verrattiin kevätkukkien joukossa olevaan tuuleen, muistuttaen elämän haurautta, ja lempinimi komoso alettiin kirjoittaa hieroglyfeillä "ko" - tyhjyys, tyhjyys, "mo" - illuusio, " niin" - munkki. XVII vuosisadalla Japanin kulttuurin historiassa tuli uusi vaihe pyhän huilun historiassa. Komuso-munkkien päivittäinen toiminta keskittyi shakuhachin pelaamiseen. Aamulla apottilla oli tapana soittaa melodia "Kakureisei". Se oli herätysleikki, joka aloitti päivän. Munkit kokoontuivat alttarin ympärille ja lauloivat melodian "Choka" ("Aamulaulu"), jonka jälkeen heidän päiväpalvelunsa alkoivat. Päivän aikana he vuorottelivat shakuhachia, istuva zazen-meditaatiota, taistelulajien harjoittelua ja kerjäämistä. Illalla, ennen zazenin aloittamista uudelleen, esitettiin näytelmä "Banka" ("Iltalaulu"). Jokaisen munkin täytyi käydä kerjäämässä almua vähintään kolmena päivänä kuukaudessa. Viimeisenä luetelluista tottelevaisuudesta - almujen vuoksi vaeltaessa - melodiat kuten "Tori" ("Passage"), "Kadozuke" ("Risteys") ja "Hachigaeshi" ("maljan paluu") tarkoittivat tässä almukulhoa pelattiin). Kun kaksi komusoa tapasivat matkan varrella, heidän piti pelata Yobitakea. Se oli eräänlainen shakuhachille suoritettu kutsu, joka tarkoitti "bambun kutsua". Vastauksena tervehdykseen oli tarpeen pelata "Uketake", jonka merkitys on "vastaa ja poimia bambu". Matkalla halutessaan pysähtyä johonkin heidän veljeskuntansa temppelistä, joka on hajallaan eri puolilla maata, he esittivät näytelmän "Hirakimon" ("Porttien avaaminen") päästäkseen sisään yöksi. Kaikki shakuhachilla suoritetut rituaalikappaleet, kerjäämisrukoukset, jopa ne kappaleet, jotka vaikuttivat enemmän munkkien huvittelulta, olivat osa zen-käytäntöä, jota kutsutaan suizeniksi (sui - "puhaltaa, soittaa puhallinsoitinta").

Japanilaisen musiikin suurimmista ilmiöistä, jotka vaikuttivat honkyokun säveljärjestelmän muodostumiseen, on mainittava buddhalaisten shoyo-laulujen teoria ja musiikillinen käytäntö, gagakun teoria ja käytäntö sekä myöhemmin ji-utin, sokyokun perinteet. XVII-XVIII vuosisatoja - Shakuhachin suosion kasvun aika kaupunkiympäristössä. Pelitekniikan hienostuneisuus mahdollisti melkein minkä tahansa genren musiikin soittamisen shakuhachilla. Sitä alettiin käyttää kansanlaulujen (minyo) esittämiseen, maallisessa yhtyemusiikin tekemisessä 1800-luvulla, ja lopulta se korvasi tuon ajan yleisimmästä sankyoku-yhtyeestä kokyu-soittimen (koto, shamisen, shakuhachi). Shakuhachilla on lajikkeita:

Gagaku shakuhachi on vanhin instrumenttityyppi. Tempuku - klassisesta shakuhachista se erottuu hieman erilaisesta suun aukosta. Hitoyogiri shakuhachi (tai yksinkertaisesti hitoyogiri) - kuten sen nimi kertoo, on tehty yhdestä bambupolvesta (hito - yksi, yo - polvi, giri - äänekäs kiri, leikkaus). Fuke shakuhachi on nykyaikaisen shakuhachin välitön edeltäjä. Bansuri, bansri (Bansuri) - Intialainen puhallinsoitin, on olemassa 2 tyyppiä: klassinen poikittais- ja pitkittäishuilu, jota käytetään Pohjois-Intiassa. Valmistettu bambusta tai ruokosta. Yleensä siinä on kuusi reikää, mutta on ollut taipumus käyttää seitsemää reikää - lisätä joustavuutta ja korjata intonaatiota korkeissa rekistereissä. Aikaisemmin bansuria esiintyi vain kansanmusiikissa, mutta nykyään se on yleistynyt Intian klassisessa musiikissa. Samanlainen Etelä-Intiassa yleinen instrumentti on Venu. Z
meina huilu(Serpent Flut) - Intialainen puhallinsoitin, joka on valmistettu kahdesta putkesta (yksi - bourdon, toinen - 5-6 soittoreikää), jossa on puusta tai kuivatusta kurpitsasta valmistettu resonaattori.

Vaeltavat fakiirit ja käärmeen hurmaajat soittavat käärmehuilua Intiassa. Pelin aikana käytetään jatkuvaa, niin sanottua pysyvää (ketju)hengitystä.

Bleurtai gambaa- Indonesialainen pitkittäishuilu, jossa on pilli. Se on yleensä valmistettu eebenpuusta, koristeltu kaiverruksilla (tässä tapauksessa lohikäärmeen muodossa) ja siinä on 6 leikkireikää. Käytetään soolo- ja ensemble-instrumenttina.

Malesialainen huilu- lohikäärmeen muotoinen pitkittäinen huilu, jossa on pillilaite. Valmistettu mahonkista. Sitä käytetään kulttiseremonioissa lohikäärmeen – Malesiassa kunnioitetun pyhän olennon – hengen rauhoittamiseen.

Nimi "huilu" yhdistää koko ryhmän puupuhallinsoittimia. Totta, meidän aikanamme huiluja alettiin valmistaa muista materiaaleista: muovista, nikkelistä, hopeasta. Soittimen nimi tulee latinan sanasta "Flatus", joka tarkoittaa käännöksessä "hengitys". Huilua pidetään yhtenä maan vanhimmista soittimista. Huilun tarkkaa keksimispäivää on lähes mahdotonta nimetä, mutta arkeologien löydösten perusteella ensimmäiset huilut olivat olemassa jo 35-40 000 eKr.

Huilualue ja rekisterit

Alemmassa rekisterissä on matta, täyteläinen ja hieman kylmä sonoriteetti

Keskirekisterille on ominaista pehmeämpi ja heikompi ääni verrattuna muihin rekistereihin.

Ylärekisteri on selkeä, kevyt ja kiiltävä

Huiluja on monenlaisia, mutta pääasiassa ne eroavat pitkittäis- ja poikittaissuunnassa. Pitkittäishuiluissa tuulenreikä on päässä, soitettaessa muusikko pitää pitkittäishuilua kohtisuorassa huuliviivaa vastaan.

Poikittaissuunnassa reikä on sivulla, joten sinun on pidettävä se yhdensuuntainen huulilinjan kanssa.
Yksi yleisimmistä pitkittäishuilutyypeistä on nokkahuilu. Se muistuttaa piippua ja pilliä. Suurin perustavanlaatuinen ero tallentimen ja näiden instrumenttien välillä on, että etupuolella olevien seitsemän sormenreiän lisäksi on vielä yksi - oktaaviventtiili, joka sijaitsee takana.
Eurooppalaiset säveltäjät alkoivat käyttää nokkahuilua aktiivisesti teoksissaan jo 1500-luvulla. Bach, Vivaldi, Gandal ja monet muut sisällyttivät hyvin usein nokkahuilun teoksiinsa. Poikittaisten huilujen tultua havaittavaksi tallentimen vakava miinus - ei tarpeeksi kova ääni. Mutta tästä huolimatta tämä instrumentti on edelleen melko usein läsnä orkesterissa.
Huolimatta siitä, että poikittaiset huilut ilmestyivät kauan ennen aikakauttamme Kiinassa, pitkittäisten huilujen suosio ei sallinut niiden leviämistä pitkään aikaan. Vasta vuoden 1832 jälkeen saksalainen mestari Theobald Boehm paransi poikittaista huilua, ja se alkoi esiintyä orkestereissa yhtä usein kuin pitkittäinen. Poikittaisen huilun avulla voit toistaa ääniä ensimmäisestä neljänteen oktaaviin.

Huilua on neljää päätyyppiä, jotka muodostavat perheen: itse huilu (tai iso huilu), piccolohuilu (pikolohuilu), alttohuilu ja bassohuilu. Mukana on myös, mutta paljon harvemmin käytetty, suuri huilu E-sviitissä (kuubalainen musiikki, latinalaisamerikkalainen jazz), octobass-huilu (moderni musiikki ja huiluorkesteri) ja hyperbassohuilu. Prototyyppeinä on myös alemman alueen huiluja.

Isossa huilussa on suora pää, mutta on myös kaarevia päitä - lastensoittimissa sekä altto- ja bassohuiluissa, jotta soitinta on mukavampi pitää kädessä. Pää voidaan valmistaa erilaisista materiaaleista ja niiden yhdistelmistä - nikkelistä, puusta, hopeasta, kullasta, platinasta. Nykyaikaisen huilun pää, toisin kuin soittimen runko, ei ole sylinterimäinen, vaan kartio-parabolinen muoto. Vasemmassa päässä, pään sisällä, on tulppa, jonka asento vaikuttaa instrumentin toimintaan ja joka tulee tarkistaa säännöllisesti (yleensä pyyhintätangon takapäätä, puhdistustankoa käyttämällä). Pään reiän muoto, muoto ja leukojen taipuma vaikuttavat suuresti koko soittimen soundiin. Usein esiintyjät käyttävät eri valmistajan päitä kuin pääinstrumentin valmistaja. Jotkut huiluvalmistajat - kuten Lafin tai Faulisi - ovat erikoistuneet yksinomaan huilunpäiden valmistukseen.

Huilu (suuri huilu) -alue - yli kolme oktaavia: alkaen h tai c 1 (pieni oktaavi si tai ennen ensimmäistä) to c 4 (neljänteen asti) ja korkeampi. Korkeampien nuottien soittaminen on vaikeaa, mutta on kappaleita, joissa ovat mukana neljännen oktaavin nuotit "D" ja "E". Nuotit kirjoitetaan diskanttiavaimeen todellisen äänen mukaan. Sävy on selkeä ja läpinäkyvä keskirekisterissä, suhiseva alaosassa ja hieman karkea ylhäällä. Huilulle on tarjolla monenlaisia ​​tekniikoita, hänelle uskotaan usein orkesterisoolo. Sitä käytetään sinfonia- ja vaskibändeissä sekä klarinetin ohella muita puupuhaltimia useammin kamariyhtyeissä. Sinfoniaorkesterissa käytetään yhdestä viiteen huilua, useimmiten kahta tai kolmea, joista yksi (yleensä lukumäärältään viimeinen) voi vaihtua esityksen aikana pikolo- tai alttohuiluksi.

Huilun runkorakenne voi olla kahden tyyppistä: "inline" - kun kaikki venttiilit muodostavat yhden rivin, ja "offset" - kun suolaventtiili työntyy esiin. Venttiilejä on myös kahta tyyppiä - suljettu (ilman resonaattoreita) ja avoin (resonaattoreilla). Avoimet venttiilit ovat yleisimpiä, koska niillä on useita etuja suljettuihin verrattuna: huilusti voi tuntea ilmavirran nopeuden ja äänen resonanssin sormiensa alla, avoimien venttiilien avulla voidaan säätää intonaatiota ja soittaessaan nykymusiikkia, ne ovat käytännössä välttämättömiä.

Lapsia tai pieniä käsiä varten on muovitulpat, jotka voivat tarvittaessa sulkea tilapäisesti kaikki tai osan instrumentin venttiileistä.

Isossa huilussa voidaan käyttää kahta polvea: polvesta polveen tai polveen B. Huilulla, jossa on polvi C, matalampi ääni on ensimmäiseen oktaaviin asti, huiluilla, joiden polvi on B - B, vastaavasti pieni oktaavi. B-polvi vaikuttaa soittimen kolmannen oktaavin soundiin ja tekee soittimesta myös painoltaan jonkin verran raskaampaa. B-polvessa on "gizmo"-vipu, jota tulee lisäksi käyttää sormituksessa neljänteen oktaaviin asti.

Monilla huiluilla on ns. mi-mekaniikka. Sen keksivät 1900-luvun alussa samanaikaisesti, toisistaan ​​riippumatta saksalainen mestari Emil von Rittershausen ja ranskalainen mestari Jalma Julio helpottaakseen kolmannen oktaavin sävelten intonaation ottamista ja parantamista. Monet ammattihuilusoittajat eivät käytä mi-mekaniikkaa, sillä hyvä soittimen hallinta helpottaa tämän äänen poimimista ilman hänen apuaan. Mi-mekaniikalle on myös vaihtoehtoja - Powellin kehittämä (toisen parin) suolaventtiilin sisäaukosta puolet peittävä levy sekä Sankyon kehittämä pienennetty kaksoissuolaventtiili (jota ei käytetä laajalti esteettisistä syistä). Saksalaisen järjestelmän huiluissa mi-mekaniikkaa ei vaadita toiminnallisesti (paritetut suolaventtiilit erotetaan aluksi).

Äänentuotantotavan mukaan huilu kuuluu labiaalisiin soittimiin. Huilusti puhaltaa ilmavirran korvatyynyn aukon etureunaan. Ilmavirta muusikon huulilta ylittää avoimen korvatyynyn aukon ja osuu korvan ulkoreunaan. Siten ilmavirta jakautuu noin puoleen: työkalun sisään ja ulos. Osa instrumentin sisään jääneestä ilmasta luo ääniaallon (puristusaallon) huilun sisään, etenee avoimeen venttiiliin asti ja palaa osittain takaisin aiheuttaen putken resonanssin. Osa soittimen ulkopuolelle jäävästä ilmasta aiheuttaa lieviä ylisävyjä, kuten tuulen melua, jotka oikein asetettuna ovat kuultavissa vain esiintyjälle itselleen, mutta muuttuvat useiden metrien etäisyydeltä erottamattomiksi. Sävelkorkeutta muutetaan muuttamalla tuen (vatsalihasten) ja huulten ilman kulkunopeutta ja suuntaa sekä sormimalla.

Akustisten ominaisuuksiensa vuoksi huilulla on taipumus laskea sävelkorkeutta soittaessaan pianoa (etenkin alemmassa rekisterissä) ja nousta sävelkorkeutta soitettaessa linnoitusta (etenkin ylemmässä rekisterissä). Huoneen lämpötila vaikuttaa myös intonaatioon - matalampi lämpötila laskee soittimen sävelkorkeutta, korkeampi vastaavasti lisää sitä.

Työkalua viritetään ojennamalla päätä työkalun rungosta (mitä enemmän päätä pidennetään, sitä pidempään ja vastaavasti sitä alemmas työkalu tulee). Tällä viritysmenetelmällä on haittapuolensa jousiin tai koskettimiin verrattuna - kun päätä ojennataan, soittimen reikien välinen suhde häiriintyy ja oktaavit lakkaavat rakentamasta keskenään. Kun päätä ojennataan yli senttimetrin (joka alentaa soittimen sävelkorkeutta lähes puolisävel), huilun sointi muuttaa sointiaan ja muistuttaa puisten barokkisoittimien ääntä.

Huilu on yksi puhallinryhmän virtuoosimmista ja teknisesti liikkuvimmista soittimista. Hänen esityksessään ovat tyypillisiä asteikkomaiset nopeatempoiset kohdat, arpedgiot, leveät välimatkat. Harvemmin huilulle uskotaan pitkittyneitä ulokejaksoja, koska sen hengitys kuluu nopeammin kuin muilla puupuhaltimilla. Trillit kuulostavat hyvältä koko alueella (lukuun ottamatta muutamia trillejä matalimmilla äänillä). Soittimen heikko kohta on sen suhteellisen pieni dynaaminen alue - pianon ja forten välinen ero ensimmäisessä ja toisessa oktaavissa on noin 25 dB, ylärekisterissä enintään 10 dB. Huilut kompensoivat tätä puutetta sointivärejä vaihtamalla sekä muilla musiikin ilmaisukeinoilla. Instrumenttialue on jaettu kolmeen rekisteriin: alempi, keskimmäinen ja ylempi. Alempi rekisteri on suhteellisen helppo soittaa pianoa ja legatoa, mutta forte ja staccato vaativat kypsää taitoa. Keskirekisteri on vähiten ylisävyrikas, kuulostaa usein tylsältä, joten sitä käytetään vähän kantamaisen luonteen melodioissa. Ylempää rekisteriä on helppo soittaa fortella, pianon hallitseminen kolmannessa oktaavissa vaatii useiden vuosien soittimen opettelua. Jopa neljännen oktaavin terävälle tasolle hiljainen äänenpoisto tulee mahdottomaksi.

Huilun sointiväri ja äänen kauneus riippuu monista esiintyjän esitykseen ja taitoon liittyvistä tekijöistä - avoin kurkku on tärkeässä roolissa, instrumentin pään riittävän avoin aukko (yleensä 2/3), instrumentin pään oikea asento huuliin nähden, ilmavirran tarkka suunta sekä ilmansyötön määrän ja nopeuden taitava hallinta "tuen" avulla (vatsalihasten sarja, osa kylkiluiden väliset lihakset ja osa selkälihaksista, jotka vaikuttavat pallean toimintaan).

Huilulle on tarjolla laaja valikoima soittotekniikoita. Kaksinkertainen (tavut tu-ku) ja kolmiosa (tavut tu-ku-tu-tu-ku-tu) ovat yleisesti käytettyjä staccatoa. 1800-luvun lopusta ja 1900-luvun alusta lähtien frulato-tekniikkaa on käytetty erikoistehosteissa - soitetaan soitinta samanaikaisesti äänen ääntämisen kanssa, kuten "trr" kielen tai kurkun kärjellä. Ensimmäistä kertaa frulato-tekniikkaa käytti Richard Strauss sinfonisessa runossa "Don Quijote" (1896 - 1897).

1900-luvulla keksittiin monia muita tekniikoita ja tekniikoita:

Multifonics - kahden tai useamman äänen erottaminen samanaikaisesti käyttämällä erityistä sormitusta. Säveltäjien ja esiintyjien avuksi on olemassa erityisiä multifoniikan taulukoita esimerkiksi Pierre Yves Artaudin tai Robert Dickin kirjoissa.

Pillin äänet - tuovat mieleen hiljaisen pillin. Se piirretään korvatyynyn ollessa täysin rento ja suihku suunnattu sen paikan päälle, jossa haluttu ääni yleensä sijaitsee.

"Tangram" on lyhyt ääni, joka muistuttaa poppia. Se poistetaan instrumentin huulten ollessa kokonaan kiinni kielen nopealla liikkeellä. Kuulostaa suurelta seitsemältä esiintyjän käyttämän sormituksen alapuolelta.

"Jet whistle" - kuuloinen ilmasuihku (ilman ääntä), joka muuttaa äänenvoimakkuutta nopeasti ylhäältä alas tai alhaalta ylös säveltäjän ohjeiden mukaan. Se uutetaan, kun soittimen korvatyyny on kokonaan suljettu huulilla, voimakkaalla uloshengityksellä ja "fuit" -tavun kaltaisella tavulla.

On olemassa muitakin nykyaikaisten tekniikoiden menetelmiä - venttiilien koputtaminen, leikkiminen yhdellä piikkillä ilman ääntä, laulaminen samanaikaisesti äänen erotuksen kanssa ja muut.

Sano "huilu" ja mielikuva nousee tahattomasti silmiesi eteen: setä (täti) pitää molemmissa käsissään pitkää hopeista sauvaa, jossa on sormen paksu ja nippu venttiileitä. Kuinka setäsi pitää kepistä? - molemmissa käsissä toisella puolella huulet, toisessa se työntyy sivulle. Nuo. ei vartaloa pitkin, kuten klarinetti, vaan poikki. Koska se on poikittainen - yleisin huilu, jota käytetään tavallisessa merkityksessä eurooppalaisessa klassisessa musiikissa. Tämä on malli. Mutta hänen paikkansa ei ole vain sinfoniaorkesterissa, koska hän ei soita vain klassikoita, koska hän ei aina näytä siltä. Huilu on puupuhallin, puupuhallin.

Tässä on ensimmäinen dissonanssi - ei hopeapiippu, vaan puinen. He oppivat valmistamaan putkia metallista parisataa vuotta sitten, ja aiemmin ne tehtiin puusta. Eikä mustasta afrikkalaisesta puupalkista, kuten nyt, vaan ruokosta, ruokosta, bambusta, sylistä riippuen onttorunkoisten kasvien levinneisyyden maantieteellisestä sijainnista. Ja vanhimmat säilyneet huilut on yleensä tehty putkimaisista luista (kuten Kenin huilun legendassa). Ennen vanhaan ei osattu porata reikiä, ei ollut poraa.

Mutta toinen dissonanssi - huilu ei välttämättä asetu soitettaessa muusikon vartalon poikki, vaan tapahtuu niin, että pitkin (sopilka), ja ehkä vinosti (kaval). Huilut ovat erilaisia ​​ja äänen tuotantotavasta riippuen niitä pidetään eri tavalla. Siellä missä on pilli, ne pitelevät sitä suoraan, missä puhaltavat perään teroitettuna koko halkaisijaltaan, siellä se on vinosti, ja missä itse putkessa on kohokuviointireikä, siellä he pitävät huilua eteenpäin.

Ja dissonanssi numero kolme - venttiilijärjestelmä, hieno käsitys homo mechanicuksesta ei ole ollenkaan välttämätön. Tietenkin nykyaikaisten huilujen mekaniikka on monimutkainen, tarkka, miniatyyri. Se laajentaa soittimen soittomahdollisuuksia: venttiilit tukkivat yksiselitteisesti soittoreiät ja ilma ei pääse tihkumaan sormien läpi, ja mikä tärkeintä, sen avulla voit tehdä putket niin pitkiä (lue, niiden avulla voit poimia hyvin matalia ääniä) että ihmisen sormien pituus ei riittäisi, jos nämä venttiilit eivät olisi ... Ja sormien määrä on rajallinen, joku tykkää 🙂 Tässä minulla on kymmenen. Kromaattisella sopilkalla soitan kaikilla kymmenellä ja moldovaalaisella kavalalla viisi riittää - niin monta historiallisesti muodostunutta reikää, joka täyttää moldovalaisen kansanmusiikin modaalivaatimukset. Ja meillä olevia nuotteja on jo 12. Tässä auttoivat mekaniikan ihmeet, joissa kahden vierekkäisen venttiilin yhdellä sormella painaminen sekä puristettujen venttiilien yhdistelmät mahdollistavat tarkan mittakaavan kaikki nuotit. . Mutta se on mahdollista ilman venttiileitä. Venttiilit ovat valinnaisia.

Poikittaishuilu (tavallisilla ihmisillä poikittaishuilu) on minimalistisessa määritelmässään putki, joka on valmistettu mistä tahansa materiaalista, joka on tarpeeksi kovaa pitämään muotonsa ja jossa on yksi suljettu ja yksi avoin pää, yksi reikä putken sivulla lähempänä sen suljettua. pää puhaltaa sinne ja reikiä päällekkäin sormillasi putken ilmapatsaan lyhentämiseksi (äänen kohottamiseksi). Putken hyvin valitut mitat (pituus, sisähalkaisija, seinämän paksuus), peli- ja väijytysreikien mitat ja keskipisteen etäisyydet sekä masterin kaarevuus minimiin, muodostavat kolme valasta, joihin on rakennettu onnistunut musiikki-instrumentti - poikittaishuilu.

Esimerkkejä poikkipalkeista:

• Bansuri (Intia)
  
• Karnaattinen huilu (Kaakkois-Intia)
  
• Diji (Kiina)
  
  
• irlantilainen
  
• Barokki