Näytelmän "Voi nokkeluudesta" genren omaperäisyys. Näytelmän "Woe from Wit" genren omaperäisyys Teoksen genreen kuuluminen Woe from Witille

Luomisen historia

Teos syntyi kolmen vuoden aikana - vuodesta 1822 vuoteen 1824. Syksyllä 1824 näytelmä valmistui. Gribojedov meni Pietariin aikoen käyttää yhteyksiään pääkaupungissa saadakseen luvan sen julkaisemiseen ja teatteriesitykseen. Pian hän kuitenkin vakuuttui, että komedia "ei ohita". Vain vuonna 1825 "Russian Talia" -almanakissa julkaistut otteet sensuroitiin. Koko näytelmä julkaistiin ensimmäisen kerran Venäjällä vuonna 1862. Ensimmäinen teatteriesitys ammattimaisella näyttämöllä tapahtui vuonna 183i. Tästä huolimatta Gribojedovin näytelmä levisi heti lukijan keskuuteen käsinkirjoitettuina kappaleina, joiden määrä oli lähellä sen ajan kirjalevikkiä.

Komedia menetelmä

Näytelmä "Voi nokkeluudesta" on kirjoitettu aikana, jolloin klassismi vallitsi näyttämöllä, mutta romantiikka ja realismi kehittyivät kirjallisuudessa kokonaisuudessaan. Eri suuntien syntyminen määritti pitkälti työmenetelmän piirteet: komediassa yhdistyvät klassismin, romantiikan ja realismin piirteet.

genre

Griboyedov itse määritteli teoksen genren "komediaksi". Mutta tämä näytelmä ei sovi komediagenren kehykseen, koska dramaattiset ja traagiset elementit ovat siinä erittäin vahvoja. Lisäksi, toisin kuin kaikki komediagenren kaanonit, "Voe from Wit" päättyy dramaattisesti. Nykyaikaisen kirjallisuuskritiikin näkökulmasta "Voi nokkeluudesta" on draama. Mutta Gribojedovin aikaan tällaista dramaattisten lajien jakoa ei ollut olemassa (draama genrenä syntyi myöhemmin), joten ilmestyi seuraava mielipide: "Voi nokkeluudesta" on "korkea" komedia. Koska tragediaa pidettiin perinteisesti "korkeana" genrenä, tämä genren määritelmä asetti Gribojedovin näytelmän kahden genren - komedian ja tragedian - leikkauspisteeseen.

Juoni

Varhain orvoksi jäänyt Chatsky asui huoltajansa Famusovin, isänsä ystävän, talossa ja kasvatti tyttärensä kanssa. "Tapa olla yhdessä joka päivä on erottamaton" yhdisti heidät lapsuuden ystävyyteen. Mutta pian nuori mies Chatsky oli jo "ikästynyt" Famusovin talossa, ja hän "muutti pois", sai hyviä ystäviä, otti tieteet vakavasti ja lähti "vaeltamaan". Vuosien mittaan hänen ystävällinen asenne Sophiaa kohtaan on kasvanut vakavaksi tunteeksi. Kolme vuotta myöhemmin Chatsky palasi Moskovaan ja kiirehti tapaamaan Sofiaa. Hänen poissaolonsa aikana tyttö on kuitenkin muuttunut. Hän on loukkaantunut Chatskysta pitkästä poissaolosta ja on rakastunut isä Molchalinin sihteeriin.

Famusovin talossa Chatsky tapaa Skalozubin, mahdollisen Sophian käden haastajan, ja muita "Famus"-yhteiskunnan edustajia. Heidän välilleen syntyy ja syttyy intensiivinen ideologinen taistelu. Kiista koskee ihmisen arvokkuutta, hänen arvoaan, kunniaa "ja rehellisyyttä, asennetta palveluun, henkilön asemaa yhteiskunnassa. Chatsky kritisoi rasittavasti isänmaan" isän orjuuden tyranniaa, kyynisyyttä ja sydämettömyyttä ", heidän säälittävä ihailunsa kaikkea vierasta kohtaan, heidän uransa jne.

"Famusovskoe" -yhteiskunta - ilkeyden, tietämättömyyden, inertian henkilöitymä. Sophia, jota sankari rakastaa niin paljon, tulisi myös lukea hänestä. Hän antaa juoruja Chatskyn hulluudesta kostaakseen Molchalinin pilkkaa. Fiktio Chatskyn hulluudesta leviää salamannopeasti, ja käy ilmi, että Famusovin vieraiden mukaan hullu tarkoittaa "vapaa-ajattelijaa » ... Näin ollen Chatsky tunnustetaan hulluksi vapaan ajattelunsa vuoksi. Finaalissa Chatsky saa vahingossa tietää, että Sophia on rakastunut Molchaliniin ("Tässä minä lahjoitin kenelle!"). Ja Sophia vuorostaan ​​huomaa, että Molchalin on rakastunut häneen "asemansa mukaan". Chatski päättää lähteä Moskovasta lopullisesti.

Konflikti. Sävellys. Ongelmallista

Woe From Witissä voidaan erottaa kaksi konfliktin tyyppiä: yksityinen, perinteinen komedian rakkaussuhde, johon Chatsky, Sophia, Molchalin ja Liza ovat osallisia, ja julkinen ("nykyisen vuosisadan" ja " viime vuosisadalla”, toisin sanoen Chatsky inertin sosiaalisen ympäristön kanssa - "Famus"-yhteiskunta). Siten komedia perustuu Chatskyn rakkausdraamaan ja sosiaaliseen tragediaan, joita ei tietenkään voida nähdä toisistaan ​​erillään (toinen määrittää ja ehdollistaa toista).

Klassismin ajoista lähtien toiminnan yhtenäisyyttä eli tapahtumien ja episodien välistä tiukkaa syy-suhdetta on pidetty draamassa pakollisena. Woe From Witissä tämä yhteys on huomattavasti heikentynyt. Gribojedovin näytelmän ulkoinen toiminta ei ilmene niin elävästi: näyttää siltä, ​​​​että komedian aikana ei tapahdu mitään erityisen merkittävää. Tämä johtuu siitä, että Woe from Witissä dramaattisen toiminnan dynamiikka ja intensiteetti luodaan välittämällä keskeisten henkilöiden, erityisesti Chatskyn, ajatuksia ja tunteita.

1700-luvun lopun - 1800-luvun alun kirjoittajien komediat pilkkasivat yksittäisiä paheita: tietämättömyyttä, ylimielisyyttä, lahjontaa, vieraan sokeaa jäljittelyä. "Voe from Wit" on rohkea satiirinen tuomitseminen koko konservatiivisesta elämäntavasta: yhteiskunnassa vallitsevasta uraismista, byrokraattisesta hitaudesta, marttyyrikuolemasta, maaorjuuden julmuudesta, tietämättömyydestä. Kaikkien näiden ongelmien esittäminen liittyy ensisijaisesti Moskovan aateliston, "famus" -yhteiskunnan, kuvaamiseen. Lähikuva Famusovista, nykyisen hallinnon kiihkeästä puolustajasta; Skalozubin kuvassa leimataan sotilaallisen ympäristön urasmuus ja Arakcheyevskoe-sotilas; Virkapalveluksensa aloittava Molchalin on nöyrä ja periaatteeton. Episodisten hahmojen (Gorichi, Tugoukhovskys, Hryumins, Khlestova, Zagoretsky) ansiosta Moskovan aatelisto näyttää toisaalta monipuoliselta ja kirjavalta, ja toisaalta se näkyy tiiviinä sosiaalisena leirinä, joka on valmis puolustaa etujaan. Famus-yhteiskunnan imago koostuu paitsi lavalle tuoduista kasvoista, myös lukuisista ei-lavahahmoista, jotka mainitaan vain monologeissa ja huomautuksissa ("esimerkillisen hölynpölyn" kirjoittaja Foma Fomich, vaikutusvaltainen Tatjana Jurievna, maaorja -teatterikävijä, prinsessa Marya Alekseevna).

sankarit

Komediahahmot voidaan jakaa useisiin ryhmiin: päähenkilöt, sivuhahmot, maski-sankarit ja lavahahmot. Näytelmän päähenkilöitä ovat Chatsky, Molchalin, Sophia ja Famusova. Näiden hahmojen vuorovaikutus toistensa kanssa ohjaa näytelmän kulkua. Toissijaiset sankarit - Liza, Skalozub, Khlestova, Gorichi ja muut - osallistuvat myös toiminnan kehittämiseen, mutta niillä ei ole suoraa yhteyttä juoneen.

Päähenkilöt. Gribojedovin komedia kirjoitettiin 1800-luvun ensimmäisellä neljänneksellä, vuoden 1812 sodan jälkeen. Tuolloin Venäjän yhteiskunta jakautui kahteen leiriin. Ensimmäiseen kuuluivat 1700-luvun arvohenkilöt, jotka tunnustavat vanhoja elämänperiaatteita ja edustivat "mennyttä vuosisataa" ("famusilainen" yhteiskunta). Toisessa - progressiivinen jalo nuoriso, joka edustaa "nykyistä vuosisataa" (Chatsky). Mihin tahansa leiriin kuulumisesta on tullut yksi kuvajärjestelmän organisoinnin periaatteista.

Famus-yhdistys. Tärkeä paikka komediassa on nykyaikaisen yhteiskunnan kirjoittajan paheiden paljastamisella, jonka pääarvo on "kahden tuhannen perheen sielut" ja arvo. Ei ole sattumaa, että Famusov yrittää välittää Sofiasta Skalozubille, joka "on sekä kultainen laukku että leimaa kenraaleja". Lizan sanoin Gribojedov vakuuttaa meidät siitä, ettei vain Famusov ole sitä mieltä: "Kuten kaikki Moskovassa, isäsi on tällainen: hän haluaisi vävyn daschin-tähdillä." Suhteet tässä yhteiskunnassa muodostuvat sen perusteella, kuinka rikas ihminen on. Esimerkiksi Famusov, joka on töykeä ja tyrannillinen perheensä kanssa puhuessaan Skalozubin kanssa, lisää kunnioittavan "-s". Mitä tulee riveihin, jotta voidaan purkaa, "on monia kanavia." Famusov mainitsee esimerkkinä Chatsky Maxim Petrovichin, joka saavuttaakseen korkean aseman "taivutti reunan yli".

Palvelu Famus-yhteiskunnan edustajille on epämiellyttävä taakka, jonka avulla voi kuitenkin rikastua. Famusov ja muut hänen kaltaiset eivät palvele Venäjän hyväksi, vaan lompakon täydentämiseksi ja hyödyllisten tuttavuuksien hankkimiseksi. Lisäksi he tulevat palveluun ei henkilökohtaisten ominaisuuksien vuoksi, vaan perhesuhteiden ansiosta ("Kun minulla on työntekijöitä, tuntemattomat ovat erittäin harvinaisia", Famusov sanoo).

Famus-seuran jäsenet eivät tunnusta kirjoja, he pitävät stipendiä syynä valtavan järjettömän määrän ilmestymiseen. Näihin "hulluihin" kuuluu heidän mielestään prinsessa Tugoukhovskajan veljenpoika, joka "ei halua tietää rivejä", Skalozubin serkku ("Riikka seurasi häntä: hän yhtäkkiä jätti palveluksensa, hän alkoi lukea kirjoja kylässä ") ja tietysti Chatsky. Jotkut Famus-seuran jäsenet jopa yrittävät vaatia valaa, "jotta kukaan ei osaa eikä oppisi lukemaan ja kirjoittamaan .. Mutta Famus-seura jäljittelee sokeasti ranskalaista kulttuuria omaksuen sen pinnalliset ominaisuudet. Niinpä ranskalainen Bordeauxista, saapuessaan Venäjälle, "ei tavannut venäläisen tai venäläisen kasvojen ääntä". Venäjä vaikutti muuttuneen Ranskan maakunnaksi: "naisilla on sama järki, samat asut." He jopa alkoivat puhua pääasiassa ranskaa unohtaen äidinkielensä.

Famus-yhteiskunta muistuttaa hämähäkkiä, joka vetää ihmiset verkkoonsa ja pakottaa heidät elämään omien lakiensa mukaan. Joten esimerkiksi Platon Mikhailovich palveli äskettäin rykmentissä, juoksi vinttikoirahevosella, ei pelännyt tuulta, ja nyt "hänen terveytensä on erittäin heikko", kuten hänen vaimonsa uskoo. Hän näyttää elävän vankeudessa. Hän ei voi edes lähteä kylään: hänen vaimonsa pitää liian paljon juhlista ja vastaanotoista.

Famus-seuran jäsenillä ei ole omia mielipiteitään. Esimerkiksi Repetilov, saatuaan tietää, että kaikki uskovat Chatskyn hullutukseen, on myös samaa mieltä siitä, että hän on menettänyt järkensä. Kyllä, ja kaikki välittävät vain siitä, mitä ihmiset ajattelevat heistä yhteiskunnassa. He ovat välinpitämättömiä toisilleen. Esimerkiksi saatuaan tietää Molchalinin putoamisesta hevoselta, Skalozub on kiinnostunut vain siitä, "kuinka hän murtui, rintakehä tai kylki". Ei ole sattumaa, että komedia päättyy Famusovin kuuluisaan lauseeseen "mitä prinsessa Marya Aleksevna sanoo?" Saatuaan tietää, että hänen tyttärensä on rakastunut Silent iniin, hän ei ajattele tämän henkistä kärsimystä, vaan sitä, miltä se näyttää maallisen yhteiskunnan silmissä.

Sophia. Kuva Sofiasta on epäselvä. Toisaalta Famusovin tytärtä kasvattivat hänen isänsä, Madame Rosier, halpoja opettajia ja tunteellisia ranskalaisia ​​romaaneja. Hän, kuten useimmat hänen piirinsä naiset, haaveilee "aviomies-palvelijasta". Mutta toisaalta Sophia pitää parempana köyhää Molchalinia kuin rikasta Skalozubia, ei kumarra riveiden edessä, kykenee syvään tunteeseen, hän voi sanoa: "Mikä on huhu minulle? Hän, joka haluaa tuomita!" Sophian rakkaus Silent-welliin on haaste yhteiskunnalle, joka hänet kasvatti. Tietyssä mielessä vain Sophia pystyy ymmärtämään Chatskia ja vastaamaan hänelle yhtäläisin ehdoin, kostamaan ja levittämään juoruja hänen hullutuksestaan; vain hänen puhettaan voidaan verrata Chatskyn puheeseen.

Chatsky. Komedian keskeinen hahmo ja ainoa positiivinen hahmo on Chatsky. Hän puolustaa valistuksen ja mielipiteenvapauden ihanteita, edistää kansallista identiteettiä. Hänen käsityksensä ihmismielestä ovat täysin erilaisia ​​kuin hänen ympärillään olevien. Jos Famusov ja Silent toisille mieli ymmärretään kyvynä sopeutua, miellyttää vallassa olevia henkilökohtaisen hyvinvoinnin nimissä, niin Chatskylle se liittyy henkiseen riippumattomuuteen, vapauteen, siviilipalveluksen ajatukseen. "

Vaikka Gribojedov tekee lukijalle selväksi, että hänen nyky-yhteiskunnassaan on ihmisiä, jotka ovat samankaltaisia ​​kuin Chatsky, komedian sankari näytetään yksinäisenä ja vainottuna. Chatskyn ja Moskovan aateliston välistä konfliktia pahensi hänen henkilökohtainen draamansa. Mitä akuutimmin sankari kokee onnettoman rakkautensa Sophiaa kohtaan, sitä voimakkaammin hän vastustaa Famus-yhteiskuntaa. Viimeisessä

Itse asiassa Chatsky näyttää syvästi kärsivältä, täynnä skeptisyyttä, katkeraa henkilöä, joka haluaa "kaataa kaiken sapen ja kaiken ärsytyksen koko maailmaan".

Naamiosankareita ja lavan ulkopuolisia hahmoja. Kuvat sankareista-naamioista ovat erittäin yleisiä. Kirjoittaja ei ole kiinnostunut heidän psykologiastaan, he pitävät häntä vain tärkeinä "ajan merkkeinä". Heillä on erityinen rooli: ne luovat yhteiskunnallis-poliittisen taustan juonen kehitykselle, korostavat ja selittävät jotain päähenkilöissä. Naamioituneita sankareita ovat Repetilov, Zagoretsky, herrat N ja D, Tugoukhovsky-perhe. Otetaan esimerkiksi Pjotr ​​Iljitš Tugoukhovsky. Hän on kasvoton, hän on naamio: hän ei sano muuta kuin "uh-hmm", "a-hm" ja "u-hm", ei kuule mitään, ei ole kiinnostunut mistään ja on täysin vailla omaa lausunto. Se tuo järjettömyyteen, järjettömyyteen asti "aviomies-poika, aviomies-palvelija" piirteet, jotka muodostavat "kaikkien Moskovan aviomiesten ylevän ihanteen".

Samanlaista roolia näyttelevät ei-lavahahmot (sankarit, joiden nimet on nimetty, mutta he eivät itse näy lavalla eivätkä osallistu toimintaan). Lisäksi sankarit-naamiot ja ei-lavahahmot näyttävät "työntävän" famusilaisen olohuoneen seiniä. Heidän avullaan kirjoittaja saa lukijan ymmärtämään, että emme puhu vain Famusovista ja hänen vierailleen, vaan myös koko herrallisesta Moskovasta. Lisäksi hahmojen keskusteluissa ja huomioissa näkyy pääkaupunki Pietari ja Saratovin erämaa, jossa Sofian täti asuu jne. Siten toiminnan aikana teoksen tila laajenee vähitellen kattaen ensin koko Moskovan ja sitten Venäjän.

Merkitys

Komediassa Woe From Wit nostettiin esille kaikki tuolloin akuutit poliittiset ja sosiaaliset kysymykset: orjuudesta, palveluksesta, valistuksesta, aateliston kasvatuksesta; palava kiista valamiehistön oikeudenkäynneistä, sisäoppilaitoksista, instituuteista, vertaiskoulutuksesta, sensuurista jne. heijastui.

Yhtä tärkeää on komedian kasvatuksellinen arvo. Gribojedov kritisoi jyrkästi väkivallan, mielivaltaisuuden, tietämättömyyden, juoppoisuuden, tekopyhyyden maailmaa; osoitti kuinka parhaat ihmisen ominaisuudet katoavat tässä maailmassa, jossa famust ja molchaliinit hallitsevat.

Erityisen tärkeä on komedian "Voi nokkeluudesta" merkitys venäläisen draaman kehityksessä. Sen määrää ensisijaisesti sen realismi.

Komedian rakentamisessa on joitain klassismin piirteitä: pohjimmiltaan kolmen yhtenäisyyden noudattaminen, suurten monologien läsnäolo, joidenkin hahmojen "puhuvat" nimet jne. Mutta sisällöltään Gribojedovin komedia on realistista työtä. Näytelmäkirjailija hahmotteli komedian sankarit täysin, kattavasti. Jokainen heistä ei ole minkään yhden paheen tai hyveen ruumiillistuma (kuten klassismissa), vaan elävä henkilö, jolla on hänen ominaispiirteensä. Gribojedov osoitti samalla sankarinsa yksilöinä, joilla oli ainutlaatuisia, yksilöllisiä luonteenpiirteitä, ja tietyn aikakauden tyypillisinä edustajina. Siksi hänen sankariensa nimet ovat tulleet yleisiksi substantiiviksi: synonyymejä sieluttomalle byrokratialle (famusismi), ryyppäämiselle (hiljaisuus), töykeälle ja tietämättömälle sotilasklikin (skalozubovshchina), joutopuheen (toiston) muotia jahtaavalle.

Luomalla komediansa kuvia Griboyedov ratkaisi realistisen kirjailijan (etenkin näytelmäkirjailijan) tärkeimmän tehtävän sankarien puheen luonnehdinnassa, eli tehtävän yksilöidä hahmojen kieli. Gribojedovin komediassa jokainen puhuu hänelle ominaista elävää puhuttua kieltä. Tämä oli erityisen vaikeaa, koska komedia on kirjoitettu runoudella. Mutta Gribojedov onnistui antamaan säkeelle (komedia kirjoitettiin jambisella erolla) elävän, rennon keskustelun luonteen. Luettuaan komedian Pushkin sanoi: "En puhu runoudesta - puolet pitäisi sisällyttää sananlaskuihin." Pushkinin sanat toteutuivat nopeasti. Jo toukokuussa 1825 kirjailija V. F. Odojevski totesi: ”Melkein kaikista Gribojedovin komedian runoista tuli sananlaskuja, ja kuulin usein yhteiskunnassa kokonaisia ​​keskusteluja, joista suurin osa oli runoja Woe from Witistä.

Ja puhekielessämme oli monia säkeitä Gribojedovin komediasta, esimerkiksi: "Onnellisia tunteja ei noudateta", "Ja isänmaan savu on meille makea ja miellyttävä", "Tuore perinne, mutta vaikea uskoa" ja monet muut.

Esimerkkejä aiheen USE-tehtävistä 4.2.

Osa 1

Tehtävien B1-B11 vastaus on sana tai sanayhdistelmä. Kirjoita vastauksesi muistiin ilman välilyöntejä, välimerkkejä tai lainausmerkkejä.

81. Mihin kirjalliseen perheeseen kuuluu A. Gribojedovin "Voi nokkeluudesta"?

82. Miten A. Gribojedov itse määritteli genren "Voi nokkeluudesta"?

83 ... Mitkä ovat ne kaksi ristiriitaa, jotka ovat Woe from Witin taustalla?

84. Nimeä rakkauskonfliktin osallistujat "Voi viisaudesta".

85. Nimeä A. Gribojedovin komedian "Voi nokkeluudesta" muut kuin näyttämöt.

86. Kuka "Voe from Wit" -elokuvan sankareista kutsuu itseään "salaisen liiton" jäseneksi?

87. Keistä "Voi viisaudesta" sankareista

Kuka muu ratkaisee kaiken niin rauhallisesti! Siellä mopsi silittää sitä ajoissa! Täällä aikaan kortti hieroa! Zagoretsky ei kuole siihen!

88. Kuka "Voe from Wit" -elokuvan sankareista levittää huhua Chatskyn hulluudesta?

89. Kuka "Woe from Wit" -elokuvan sankareista hänen oman myöntämänsä mukaan "mieli sydämen kanssa ei ole vireessä"?

KELLO 10. Mikä on samantyyppisen lausunnon nimi draamateoksessa?

Ja todellakin, valo alkoi muuttua typeräksi,

Voit sanoa huokaisten;

Miten vertailla ja nähdä

Nykyinen vuosisata ja mennyt vuosisata:

Perinne on tuore, mutta vaikea uskoa,

Koska hän oli kuuluisa, jonka kaula usein taipui;

Niinkuin ei sodassa, vaan rauhassa he ottivat otsaansa,

Esimerkkejä koetehtävistä

He koputtivat lattiaan katumatta!

Kuka sitä tarvitsee: niin ylimielisyys, makaa tomussa,

Ja korkeammille kudottiin imartelua, kuten pitsiä.

Tottelevaisuuden ja pelon aikakausi oli suora,

Kaikki innon varjolla kuninkaan puolesta.

En puhu sedästäsi;

Emme häiritse häntä tuhkaa:

Mutta sillä välin kenet metsästys vie,

Tosin kiihkeimmässä orjuudenmukaisuudessa ^

Nyt saada ihmiset nauramaan,

Uskallatko uhrata selän?

Asverstnichek ja vanha mies

Toinen, joka katsoo tuota hyppyä,

Ja murenevan nuhjuiseen ihoon,

Tea sanoi: "Ah! jos vain minäkin!"

Vaikka kaikkialla on metsästäjiä, jotka tekevät samoin,

Kyllä, nykyään nauru pelottaa ja pitää häpeän kurissa;

Ei ihme, että suvereenit suosivat niitä säästeliäästi.

KLO 11. Kuten sanotaan sankarien sanoja, jotka erottuvat lyhyydestään, ajattelukyvystään ja ilmaisukyvystään: "Perinne on tuore, mutta sitä on vaikea uskoa", "Palvelisin mielelläni, on sairasta palvella, "Ja isänmaan savu on meille makea ja miellyttävä."

Osa 3

Anna täydellinen yksityiskohtainen vastaus ongelmalliseen kysymykseen houkuttelemalla tarvittavaa teoreettista ja kirjallista tietoa, tukeutumalla kirjallisiin teoksiin, kirjoittajan asemaan ja paljastamalla mahdollisuuksien mukaan oma näkemyksesi ongelmasta.

C1. Kuvaile "Famus"-seuran edustajia.

C2. Mikä on ongelma A.S.:n näytelmän genren määrittelyssä? Gribojedov "Voi viisautta"?

SZ. Chatskyn kuva: voittaja vai häviäjä?

A.S. Pushkin. Runoja

"Tšaadajeville"

Runon "Tšaadajeville" kirjoitti Pushkin "Pietarin" aikana, vuonna 1818. Tällä hetkellä runoilija vaikutti voimakkaasti dekabristin ideoista. Heidän vaikutuksensa alaisena syntyvät hänen vapautta rakastavat näiden vuosien sanoitukset, mukaan lukien ohjelmaruno "Tšaadaeville". genre- ystävällinen viesti.

Runossa "Tšaadajeville" kuulostaa aihe vapautta ja taistelua itsevaltiutta vastaan. Se heijastaa näkemyksiä ja poliittisia tunteita, jotka yhdistivät Pushkinin hänen ystävänsä P. Ya. Chaadajevin ja kaikkien aikansa edistyksellisten ihmisten kanssa. Ei ole sattumaa, että runo levisi laajasti luetteloissa, toimi poliittisen agitoinnin välineenä.

Juoni. Viestin alussa Pushkin sanoo, että Aleksanteri I:n hallituskauden alkuvuosina yhteiskunnassa heränneet toiveet katosivat nopeasti.. "Kohtalokkaan vallan" sorto (keisarin politiikan kiristäminen vuoden 1812 sodan jälkeen ) saa edistyksellisiä näkemyksiä ja vapautta rakastavat ihmiset erityisen terävästi tuntemaan "isänmaan kutsumuksen ja odottamaan kärsimättömästi" pyhän vapauden hetkeä. Runoilija kehottaa "omistamaan kauniiden impulssien sielut isänmaalle ...", taistelemaan sen vapauden puolesta. Runon lopussa usko ilmaistaan ​​itsevaltiuden kaatumisen väistämättömyyteen ja Venäjän kansan vapautumiseen:

Toveri, usko: hän nousee,

Kiehtovan onnen tähti

Venäjä nousee unesta

Ja itsevaltiuden raunioilla

He kirjoittavat nimemme!

Innovaatio Pushkin on siinä, että hän yhdisti tässä runossa kansalaisyhteiskunnan, syyttävän patoksen lyyrisen sankarin lähes intiimeihin tunteisiin. Ensimmäinen säkeistö tuo mieleen sentimentaalisen ja romanttisen elegian kuvat ja estetiikka. Seuraavan säkeistön alku muuttaa kuitenkin tilanteen dramaattisesti: rohkea sielu vastustaa pettynyttä sielua. Tulee selväksi, että puhumme vapauden janosta ja taistelusta; mutta samalla ilmaus "halu palaa" vihjaa, kuten näyttää, ja että puhumme rakkaustunteiden käyttämättömästä voimasta. Kolmas säkeistö yhdistää kuvia poliittisista ja rakkauslyriikoista. Kahdessa viimeisessä säkeistössä rakkausfraseologia korvataan kansalais-isänmaallisilla kuvilla.

Jos dekabristin runouden ihanne oli sankari, joka vapaaehtoisesti luopuu henkilökohtaisesta onnellisuudesta isänmaan onnen vuoksi, ja rakkauslyriikat tuomittiin näistä asemista, niin Pushkinissa poliittiset ja rakkauslyriikat eivät vastanneet toisiaan, vaan sulautuivat yhteen. yleisessä vapaudenrakkauden purkauksessa.

"Kylä"

Runon "Kylä" kirjoitti Pushkin vuonna 1819, niin sanotun "Pietarin" aikana. Runoilijalle tämä oli aikaa aktiiviselle osallistumiselle maan sosiaaliseen ja poliittiseen elämään, vieraillessa dekabristien salaliitossa, ystävyydestä Ryleevin, Luninin, Chaadajevin kanssa. Tärkeimmät kysymykset Pushkinille tänä aikana olivat Venäjän sosiaalinen rakenne, monien ihmisten sosiaalinen ja poliittinen vapauden puute, autokraattisen orjajärjestelmän despotismi.

Runo "Kylä" on omistettu sen ajan äärimmäisen merkityksellisille aihe maaorjuus. Siinä on kaksiosainen sävellys: ensimmäinen osa (sanoihin "... mutta kauhea ajatus..." asti) on idylli, ja toinen on poliittinen julistus, vetoomus valtaan.

Lyyriselle sankarille kylä on toisaalta eräänlainen ihannemaailma, jossa vallitsee hiljaisuus ja harmonia. Tässä maassa, "rauhallisuuden, työn ja inspiraation paratiisissa", sankari saa henkisen vapauden, antautuu "luoviin ajatuksiin". Runon ensimmäisen osan kuvat - "pimeä puutarha viileyteineen ja kukkineen", "kevyet purot", "raidalliset kentät" - ovat romantisoituja. Tämä luo idyllisen kuvan rauhasta ja hiljaisuudesta. Mutta maaseutuelämän täysin erilainen puoli paljastuu toisessa osassa, jossa runoilija paljastaa armottomasti yhteiskunnallisten suhteiden rumuuden, maanomistajien tyrannian ja ihmisten oikeuksien menettämisen. "Villi herraus" ja "laiha orjuus" ovat tämän osan pääkuvia. Ne ilmentävät "tietämättömyyden murhaavaa häpeää", kaikkea orjuuden vääryyttä ja epäinhimillisyyttä.

Näin ollen runon ensimmäinen ja toinen osa ovat vastakkaisia, vastakkaisia ​​toisiaan vastaan. Kauniin, harmonisen luonnon, ensimmäisessä osassa kuvatun "onnen ja unohduksen" valtakunnan taustaa vasten toisen julmuuden ja väkivallan maailma näyttää erityisen rumalta ja virheelliseltä. Runoilija käyttää kontrastitekniikkaa tuodakseen pääasiat esiin idea toimii - orjuuden epäoikeudenmukaisuus ja julmuus.

Kuvallisten ja ilmaisullisten kielellisten keinojen valinta palvelee samaa tarkoitusta. Puheen intonaatio runon ensimmäisessä osassa on rauhallinen, tasainen, ystävällinen. Runoilija valitsee huolellisesti epiteetit välittäen maaseudun luonnon kauneutta. Ne luovat romanttisen ja seesteisen tunnelman: "Päivieni virta kaataa", "krylata myllyt", "siniset tasangot, järvet", "tammimetsien rauhallinen melu", "peltojen hiljaisuus". Toisessa osassa intonaatio on erilainen. Puhe kiihtyy. Runoilija valitsee osuvia epiteettejä, antaa ilmeisen puheen ominaisuuden: "villi herraus", "kohtalon valitsema tuhoamaan ihmisiä", "uupuneet orjat", "väistämätön omistaja". Lisäksi runon seitsemän viimeistä riviä ovat täynnä retorisia kysymyksiä ja huudahduksia. Ne osoittavat lyyrisen sankarin suuttumuksen ja hänen haluttomuutensa sietää yhteiskunnan epäreilua rakennetta.

"Päivävalo on sammunut"

Teoksesta "Päivävalo on sammunut ..." tuli Pushkinin uuden luovuuden ensimmäinen runo ja niin kutsutun "Krimin syklin" elegioita. Tämä sykli sisältää myös runot "Lentävä harju ohenee ...", "Kuka näki maan, missä luonnon ylellisyys ...", "Ystäväni, olen unohtanut menneiden vuosien jäljet ​​...", "Annatko minulle anteeksi mustasukkaiset unet... "," Sateinen päivä on sammunut; sumuinen yö...". genre- romanttinen elegia.

Sävellys .. Runon voi karkeasti jakaa kahteen osaan. Ensimmäisessä kaikki lyyrisen sankarin ajatukset ja tunteet suunnataan "kaukaiselle rannalle", matkan päämäärään. Toisessa hän muistaa hylätyn "isänmaan". Runon osat ovat vastakkaisia ​​toisiaan vastaan: "kaukainen ranta", johon lyyrinen sankari etsii, näyttää hänelle "taikamaalta", johon hän pyrkii "innolla ja kaipauksella". "Isänmaan maita" sitä vastoin kuvataan "surullisiksi rannoiksi", jotka liittyvät "haluihin ja toiveisiin, tuskalliseen petokseen", "kadonneeseen nuoruuteen", "ilkeisiin harhaluuloihin" jne.

Elegia "Päivänvalo on sammunut ..." merkitsee romanttisen ajanjakson alkua Pushkinin teoksessa. Se kuulostaa perinteiseltä romantiikasta aihe romanttisen sankarin pako. Runo sisältää koko joukon romanttisen maailmankuvan tunnusomaisia ​​piirteitä: kaipuu karkaa, ikuisesti hylätty kotimaa, vihjeitä "hullusta rakkaudesta", petosta jne.

On syytä huomata Pushkinin kuvien äärimmäinen romantiikka. Sankari ei ole vain elementtien rajalla (valtameren, taivaan ja maan välissä), vaan myös päivän ja yön rajalla; ja myös "vanhojen vuosien hullun rakkauden" ja "kaukaisten rajojen" välillä. Kaikki on työnnetty äärirajoille: ei meri, vaan "synkkä valtameri", ei vain rannikko, vaan vuoret, ei vain tuuli, vaan tuuli ja sumu samaan aikaan.

"Vanki"

Runo "Vanki" kirjoitettiin vuonna 1822 "eteläisen" maanpaossa. Saavuttuaan pysyvän palveluspaikkansa Chisinauhun runoilija järkyttyi silmiinpistävästä muutoksesta: kukkivien Krimin rantojen ja meren sijaan oli loputtomia auringon polttamia aroja. Lisäksi ystävien puute, tylsä, yksitoikkoinen työ ja täydellisen riippuvuuden tunne vaikuttavista viranomaisista. Pushkin tunsi itsensä vangiksi. Tällä hetkellä luotiin runo "Vanki".

Koti aihe runo "Vanki" on vapauden teema, joka ilmentää elävästi kotkan kuvaa. Kotka on vanki, kuin lyyrinen sankari. Hän varttui ja kasvoi vankeudessa, hän ei koskaan tuntenut vapautta ja kuitenkin pyrkii siihen. Kotkan kutsu vapauteen ("Lennetään pois!") Toteuttaa Puškinin runon ajatuksen: ihmisen tulee olla vapaa kuin linnun, koska vapaus on jokaisen elävän olennon luonnollinen tila.

Sävellys."Vanki", kuten monet muut Pushkinin runot, on jaettu kahteen osaan, jotka eroavat toisistaan ​​intonaation ja sävyn suhteen. Osuudet eivät ole vastakkaisia, mutta lyyrisen sankarin sävy muuttuu vähitellen kiihtyneemmäksi. Toisessa säkeessä rauhallinen tarina muuttuu nopeasti intohimoiseksi vetoomukseksi, vapaudenhuutoksi. Kolmannessa se saavuttaa huippunsa ja ikään kuin roikkuu korkeimmalla äänellä sanoilla "... vain tuuli ... kyllä ​​minä!"

"Vapauden aavikon kylväjä.,."

Vuonna 1823 Pushkin kävi läpi syvän kriisin. Runoilijaa vallannut henkisen taantuman tila, pessimismi, heijastui useisiin runoihin, mukaan lukien runoon "Vapauden aavikon kylväjä ...".

Pushkin käyttää juoni evankeliumin vertaus kylväjästä. Tämän vertauksen Kristus lausuu kahdentoista opetuslapsen läsnäollessa kansan kokoontuessa: "Kylväjä lähti kylvämään siemenänsä, ja kun hän kylvi, putosi jotakin muuta tielle ja tallattiin; ja taivaan linnut söivät sen. Ja toinen putosi kiven päälle ja noustessaan kuivui, koska siinä ei ollut kosteutta. Ja toinen putosi orjantappuroiden väliin, ja orjantappurat kasvoivat ja tukahduttivat sen. Ja jotkut putosivat hyvään maahan ja nousivat ylös ja kantoivat satakertaisen hedelmän." Jos evankeliumin vertauksessa ainakin osa "siemenistä" kantoi "hedelmää", niin Pushkinin lyyrisen sankarin johtopäätös on paljon vähemmän lohdullinen:

Vapauden aavikon kylväjä,

Menin ulos aikaisin, ennen tähtiä;

Puhtaalla ja viattomalla kädellä

Orjuutettujen ohjaksiin

Heiti elämää antavan siemenen -

Mutta menetin vain aikaa

Hyviä ajatuksia ja töitä...

Sävellys. Sävellyksellisesti ja merkitykseltään runo jakautuu kahteen osaan. Ensimmäinen on omistettu kylväjälle, sen sävy on ylevä ja korotettu, mitä helpottaa evankeliumin kuvien käyttö ("kylväjä", "elämää antava siemen"). Toinen - "rauhallisiin kansoihin", tässä lyyrisen sankarin sävy muuttuu dramaattisesti, nyt tätä vihaista irtisanomista, "rauhallisia kansoja" verrataan alistuvaan laumaan:

Laitumet, rauhanomaiset kansat!

Kunniahuuto ei herätä sinua.

Miksi laumat tarvitsevat vapauden lahjoja?

Ne on leikattava tai leikattava.

Niiden perintö sukupolvelta toiselle

Ies, jossa on helistimet ja ruoska.

Kuuluisan vertauksen avulla Pushkin ratkaisee perinteisen romantiikan uudella tavalla teema runoilija-profeetta törmäyksessä väkijoukon kanssa. "Vapauden aavikon kylväjä" on runoilija (eikä vain Pushkin itse, vaan runoilija sinänsä), lyyrisen sankarin kylvämä "elävyyttä antava siemen", joka symboloi sanaa, runoutta yleensä ja poliittisia runoja ja radikaaleja lausuntoja, merkitsi runoilijan elämää erityisesti Pietarissa ja Chisinaussa. Tämän seurauksena lyyrinen sankari tulee siihen tulokseen, että kaikki hänen työnsä ovat turhia: mikään vapauskutsu ei pysty herättämään "rauhallisia kansoja".

"Koraanin jäljitelmät" (IX. "Ja väsynyt matkustaja nurisi Jumalaa vastaan ​​...")

"Ja väsynyt matkustaja nurisi Jumalaa vastaan ​​..." on vuonna 1825 kirjoitetun syklin "Koraanin jäljitelmä" yhdeksäs ja viimeinen runo. Pushkin, tukeutuen M. Verevkinin venäjänkieliseen käännökseen, siirsi vapaasti osat suuroista eli Koraanin luvuista. Genre - vertaus.

Pushkinin sykli "Koraanin jäljitelmä" ei ole vain erillisiä, vaikkakin toisiinsa liittyviä jaksoja profeetan elämästä, vaan ihmisen kohtalon tärkeimmät vaiheet yleensä.

Syklin viimeinen runo "Ja väsynyt matkustaja nurisi Jumalaa vastaan ​​..." on selvästi vertaus, ja juoni sen tarpeeksi yksinkertainen. "Väsynyt matkustaja" kärsii aavikon kuumuuden aiheuttamasta janosta ja keskittyy fyysiseen kärsimykseensä. Hän "murisee" Jumalalle, kun hän on menettänyt toivon pelastuksesta, eikä ymmärrä jumalallista kaikkialla läsnäoloa, ei usko Luojan jatkuvaan huolenpitoon luomakuntaansa kohtaan.

Kun sankari oli jo täysin menettämässä uskonsa pelastukseen, hän näkee vettä sisältävän kaivon ja sammuttaa ahneesti janonsa. Sen jälkeen hän nukahtaa useiksi vuosiksi. Herätessään matkustaja huomaa, että Kaikkivaltiaan tahdosta hän nukkui monta vuotta ja hänestä tuli vanha mies:

Ja surun murtama välitön vanha mies,

Nyyhkyttäen, vapiseva pää lankesi...

Mutta ihme tapahtuu:

Jumala palauttaa nuoruuden sankarille:

Ja matkustaja tuntee sekä voimaa että iloa;

Ylösnoussut nuoruus pelasi veressä;

Pyhät tempaukset täyttivät rintani:

Ja Jumalan kanssa hän lähtee pitkälle matkalle.

Tässä runossa Pushkin käyttää mytologista "kuolema - uudestisyntymä" juoni, jonka vuoksi sillä on yleistävä luonne. Matkustaja nähdään ihmisenä yleisesti. Hänen "kuolemansa" ja "ylösnousemuksensa" symboloivat ihmisen elämänpolkua erheestä totuuteen, epäuskosta uskoon, synkästä pettymyksestä optimismiin. Niinpä sankarin "ylösnousemus" tulkitaan ensisijaisesti henkiseksi uudestisyntymiseksi.

"Profeetallisen Olegin laulu"

"Profeetallisen Olegin laulu" kirjoitettiin vuonna 1822. genre- legenda.

Juonen perusta"Lauluja profeetallisesta Olegista" oli legenda Olegin, Kiovan prinssin kuolemasta, tallennettu "Tale of Gone Years". Kiovan prinssi Oleg, jota ihmiset ovat kutsuneet "profeetallisiksi" viisaudesta, velho, "taikuri", ennustaa: "Sinä hyväksyt kuoleman hevoseltasi". Kauheasta ennustuksesta peloissaan prinssi erosi uskollisesta taisteluystävästään, hevosesta. Kuluu paljon aikaa, hevonen kuolee, ja prinssi Oleg, muistaen ennustuksen, päättää vihaisesti ja katkerasti, että velho petti hänet. Vanhan taisteluystävän haudalle tullessaan Oleg katuu, että heidän oli pakko

aikaista lähteä. Osoittautuu kuitenkin, että velho ei herjannut, ja hänen ennustuksensa toteutui: hevosen kallosta ryöminyt myrkyllinen käärme pisti Olegia.

Prinssi Olegin ja hänen hevosensa legendasta Pushkin kiinnosti aihe kohtalo, ennalta määrätyn kohtalon väistämättömyys. Oleg pääsee eroon, kuten hänestä näyttää, kuolemanuhkasta, lähettää hevosen, jolla taikurin ennustuksen mukaan pitäisi olla kohtalokas rooli. Mutta monen vuoden kuluttua, kun näyttää siltä, ​​että vaara on ohi - hevonen on kuollut - kohtalo ohittaa prinssin.

Runo sisältää toisenkin aihe, erittäin tärkeä runoilijalle - runoilija-profeetan teema, runoilijan teema - korkeimman tahdon saarnaaja. Joten prinssi sanoo taikurille:

Näytä minulle koko totuus, älä pelkää minua:

Otat hevosen palkkioksi.

Ja hän kuulee vastauksena:

Tietäjät eivät pelkää mahtavia hallitsijoita,

Ja he eivät tarvitse ruhtinaallista lahjaa;

Heidän profeetallinen kielensä on totuudenmukaista ja vapaata

Ja hän on ystävällinen taivaan tahdon kanssa.

"merelle"

"To the Sea" luotiin vuonna 1824. Tämä runo päättää Pushkinin työn romanttisen ajanjakson. Se seisoo ikään kuin kahden ajanjakson risteyksessä, joten se sisältää romanttisia teemoja ja kuvia sekä realismin piirteitä.

Perinteisesti genre runo "Merelle" määritellään elegiana. Pikemminkin pitäisi kuitenkin puhua genrejen, kuten viestin ja elegian, yhdistelmästä. Viestin genre ilmenee jo runon nimessä, mutta sisältö jää puhtaasti elegiseksi.

Runon aivan ensimmäisellä rivillä lyyrinen sankari sanoo hyvästit merelle ("Hyvästi, vapaa elementti!"). Tämä on jäähyväiset todelliselle Mustallemerelle (vuonna 1824 Pushkin karkotettiin Odessasta Mihailovskoeen isänsä valvonnassa) ja merelle absoluuttisen vapauden romanttisena symbolina ja itse romantiikalle.

Kuva merestä, raivoaa ja vapaana, on keskeisessä asemassa. Ensinnäkin meri ilmestyy meille perinteisesti romanttisessa hengessä: se symboloi ihmisen elämää, hänen kohtaloaan. Sitten kuva konkretisoituu: meri liittyy suurten persoonallisuuksien - Byronin ja Napoleonin - kohtaloihin.

Tässä runossa runoilija sanoo hyvästit romantiikalle, ihanteilleen. Pushkin siirtyy vähitellen realismiin. Elegian kahdella viimeisellä rivillä meri lakkaa olemasta romanttinen symboli, vaan muuttuu vain maisemaksi.

Elegia "To the Sea" nostaa romantiikan perinteistä aihe sankarin romanttinen pako. Tässä mielessä on mielenkiintoista verrata sitä yhteen ensimmäisistä romanttisen ajanjakson runoista Pushkinin teoksessa "Päivänvalo sammui ..." (1820), jossa myös lennon teema nousee esiin. Täällä lyyrinen sankari yrittää paeta tuntemattomaan "taikamaahan" (ympäröivän todellisuuden romanttinen hylkääminen), ja runossa "Merelle" sanotaan jo tämän romanttisen matkan epäonnistumisesta:

Ei voinut lähteä ikuisesti

Minulla on tylsä, liikkumaton ranta,

Onnittele teitä ilolla

Ja ohjaa aaltojasi pitkin

Runollinen pakoni!

Runossa "Päivänvalo on sammunut ..." sankari pyrkii "kaukaiseen rantaan", joka näyttää hänelle ihanteellisesta maasta (romanttinen "siellä"), ja elegissa "Merelle" sankari epäilee sen olemassaolo:

Maailma on tyhjä ... missä nyt

Kantaisitko minut ulos, valtameri?

Ihmisten kohtalo on sama kaikkialla:

Missä on pisara hyvää, siellä on valppaana

Jo valaistuminen il tyranni.

"Lastenhoitaja"

Runo "Nyane" kirjoitettiin Mihailovskilla vuonna 1826. Vuosina 1824-1826 runoilijan lastenhoitaja Arina Rodionovna asui Puškinin kanssa Mihailovskissa ja jakoi maanpaossa hänen kanssaan. Hänellä oli suuri vaikutus hänen työhönsä, kansanperinteeseen, intohimoon kansanrunoutta kohtaan, satuihin. Runoilija lauloi toistuvasti aikaa lastenhoitajansa kanssa runoissa ja ilmensi hänen piirteitään lastenhoitajan Tatjana Larinan, lastenhoitaja Dubrovskin, romaanin "Arap of Pietari Suuren" naishahmojen kuvissa jne. Kuuluisa Pushkin-runo "Sairaanhoitaja" on myös omistettu Arina Rodionovnalle.

Genren ongelma. Sarjakuvan päätekniikat (A. Griboedov "Voi nokkeluudesta")

Komediassa "Woe from Wit" on kaksi tarinaa: rakkaus ja sosiopoliittinen, ne ovat täysin tasa-arvoisia, ja molempien keskeinen hahmo on Chatsky.

Klassismin draamassa toiminta kehittyi ulkoisista syistä: suurista käännetapahtumista. Woe From Witissä tällainen tapahtuma on Chatskyn paluu Moskovaan. Tämä tapahtuma antaa sysäyksen toiminnalle, siitä tulee komedian alku, mutta ei määritä sen kulkua. Siten kaikki kirjoittajan huomio keskittyy sankarien sisäiseen elämään. Hahmojen henkinen maailma, heidän ajatuksensa ja tunteensa luovat komedian sankarien välisen suhdejärjestelmän ja määräävät toimintatavan.

Gribojedovin kieltäytyminen perinteisestä juonen lopputuloksesta ja menestyvä loppu, jossa hyve voittaa ja pahe saa rangaistuksen, on hänen komediansa tärkein ominaisuus. Realismi ei tunnista yksiselitteisiä loppuja: loppujen lopuksi kaikki elämässä on liian monimutkaista, jokaisessa tilanteessa voi olla arvaamaton loppu tai jatko. Siksi Woe From Wit ei ole loogisesti valmis, komedia näyttää päättyvän dramaattiseimpaan hetkeen: kun koko totuus paljastettiin, verho putosi ja kaikki päähenkilöt joutuivat vaikean uuden polun valinnan eteen.

Kriitikot määritteli näytelmän genren eri tavoin (poliittinen komedia, moraalikomedia, satiirinen komedia), mutta jokin muu on meille tärkeämpää: Gribojedovski Chatsky ei ole klassikkohahmo, vaan "yksi ensimmäisistä romanttisista sankareista venäjällä draamaa, ja romanttisena sankarina hän toisaalta hylkää kategorisesti lapsuudesta tutun inertin ympäristön, tämän ympäristön synnyttämät ja edistämät ideat; toisaalta olosuhteet, jotka liittyvät hänen rakkauteensa Sofiaan. elää syvästi ja emotionaalisesti” (Encyclopedia of Literary Heroes. M., 1998) ...

Gribojedov loi komedian, jossa oli monenlaisia ​​ongelmia. Se ei koske vain ajankohtaisia ​​sosiaalisia ongelmia, vaan myös ajankohtaisia ​​moraalikysymyksiä kaikilla aikakausilla. Kirjoittaja ymmärtää ne sosiaaliset ja moraali-psykologiset ristiriidat, jotka tekevät näytelmästä todellisen taideteoksen. Ja kuitenkin hän osoitti "Voi nokkeluudesta" ensisijaisesti aikalaisilleen. AS Griboyedov piti teatteria klassismin perinteissä: ei viihdelaitoksena, vaan saarnatuolina, alustana, josta hän saattoi lausua tärkeimmät ajatukset, jotta Venäjä kuulee ne, jotta moderni yhteiskunta näkisi paheensa - pikkumainen. , mautonta - ja kauhistui siitä ja nauroi heille. Siksi Griboyedov yritti näyttää Moskovan ensinnäkin hauskana.

Kunnollisuuden sääntöjen mukaan käännytään ensin talon omistajan - Pavel Afanasjevitš Famusovin - puoleen. Hän ei voi unohtaa hetkeäkään, että hän on tyttärensä-morsiamensa isä. Hänen täytyy olla naimisissa. Mutta tietenkään siitä ei ole helppoa päästä eroon. Arvoinen vävy on suurin häntä piinaava ongelma. "Mikä tehtävä, luoja, olla isä aikuiselle tyttärelle!" hän huokaa. Hänen toiveensa hyvästä pelistä liittyvät Skalozubiin: hän on loppujen lopuksi "kultainen laukku ja tähtää kenraaleja". Kuinka häpeämättömästi Famusov kiusaa tulevaa kenraalia, imartelee häntä, ihailee äänekkäästi tämän vilpittömästi typerän "soturin" jokaista sanaa, joka istui "haudossa" vihollisuuksien aikana!

Skalozub itse on koominen - hänen mielensä ei edes riitä oppimaan kunnollisen käytöksen perussääntöjä. Hän vitsailee ja nauraa jatkuvasti äänekkäästi, puhuu "monista kanavista" arvosanojen saamiseksi, onnesta parisuhteessa - silloin toverit tapetaan ja hän saa rivejä. Mutta tässä se on mielenkiintoista: Skalozub, puhtaasti farssihahmo, on aina hauska samalla tavalla. Famusovin kuva on paljon monimutkaisempi: se on psykologisesti syvemmälle kehitetty, se on tyyppinä tekijälle mielenkiintoinen. Ja Gribojedov tekee hänestä hauskan eri tavoin. Hän on yksinkertaisesti koominen, kun hän ihailee urhoollista everstiä, flirttailee Lizan kanssa tai teeskentelee olevansa pyhimys lukiessaan Sofian moraalisia opetuksia. Mutta hänen väitteensä palvelusta: "allekirjoitettu, niin pois harteiltasi", hänen ihailunsa Maxim Petrovitshia kohtaan, hänen vihansa Chatskiin ja nöyryytetty pelko "prinsessa Marya Aleksevnan" oikeudenkäynnistä eivät ole enää vain naurettavia. He ovat kauheita, kauheita syvässä moraalittomuudessaan, periaatteettomuudessaan. Ne ovat pelottavia, koska ne eivät suinkaan ole ominaisia ​​Famusoville - nämä ovat koko famusilaisen maailman, koko "menneisen vuosisadan" elämänasenteita. Siksi Gribojedoville oli tärkeää, että hänen hahmonsa herättävät ennen kaikkea naurua - yleisön naurua niille ominaisille puutteille ja paheille. Ja Woe From Wit on todella hauska komedia, komediatyyppien tähdistö.

Esimerkiksi Tugoukhovsky-perhe: röyhkeä puoliso, aviomies, joka ei lausunut yhtään selkeää huomautusta lavalla läsnäolonsa aikana, ja kuusi tytärtä. Huono Famusov, silmiemme edessä, ryömii ihostaan ​​löytääkseen yhden tyttären, ja tässä on kuusi prinsessaa, ja lisäksi he eivät todellakaan loista kauneudesta. Eikä ole sattumaa, että kun he näkivät pallossa uudet kasvot - ja he tietysti osoittautuivat Chatskyiksi (aina sopimattomiksi!) - Tugoukhovskyt ryhtyivät välittömästi pariin. Totta, kuultuaan, että mahdollinen sulhanen ei ole rikas, he vetäytyivät välittömästi.

Ja Gorici? Eivätkö he näytä komediaa? Natalya Dmitrievna muutti äskettäin eläkkeelle jääneestä miehestään, nuoresta sotilasmiehestä järjettömän lapsen, josta on huolehdittava jatkuvasti ja ärsyttävästi. Platon Mikhailovich joutuu joskus ärsyyntymään, mutta yleensä stoisesti kestää tämän valvonnan, koska hän on jo kauan sitten alistunut nöyryyttävään asemaansa.

Joten edessämme on komedia modernin Moskovan Gribojedovin korkeasta elämästä. Mitä piirrettä, ominaispiirrettä kirjailija jatkuvasti korostaa? Miehet ovat kummallisesti riippuvaisia ​​naisista. He ovat vapaaehtoisesti luopuneet miesten etuoikeudesta olla vastuussa ja ovat melko tyytyväisiä säälittävään rooliin. Chatsky muotoilee tämän upeasti:

Aviomies-poika, aviomies-palvelija vaimon sivuilta -

Kaikkien Moskovan aviomiesten korkea ihanne.

Onko heidän mielestään tämä asiaintila epänormaali? Kaukana siitä, he ovat melko onnellisia. Lisäksi huomaa, kuinka Griboyedov johdonmukaisesti ajaa tätä ideaa: loppujen lopuksi naiset hallitsevat paitsi lavalla, myös kulissien takana. Muistakaamme Tatjana Jurievna, jonka Pavel Afanasjevitš mainitsee monologissa "Maku, isä, erinomainen tapa ...", jonka suojelus on Molchalinille niin rakas; Muistakaamme Famusovin viimeinen huomautus:

Vai niin! Herranjumala! mitä sanoo

Prinsessa Marya Aleksevna?

Hänelle - miehelle, herrasmiehelle, valtion virkamiehelle, joka ei ole pieni - jonkun Marya Alekseevnan tuomioistuin on kauheampi kuin Jumalan tuomio, sillä hänen sanansa ratkaisee maailman mielipiteen. Hän ja muut hänen kaltaiset - Tatjana Jurjevna, Khlestova, kreivittären isoäiti ja tyttärentytär - luovat yleistä mielipidettä. Naisten voima on ehkä koko näytelmän koominen pääteema.

Komedia ei aina vetoa joihinkin katsojan tai lukijan abstrakteihin ajatuksiin siitä, miten sen pitäisi olla. Se vetoaa maalaisjärkeemme, minkä vuoksi nauramme, kun luemme Voi Witistä. Se mikä on luonnotonta, on hauskaa. Mutta mikä sitten erottaa iloisen, iloisen naurun katkerasta, sappisesta, sarkastisesta naurusta? Loppujen lopuksi sama yhteiskunta, jolle juuri nauroimme, pitää sankariamme melko vakavasti hulluna. Moskovan maailman tuomio Chatskylle on ankara: "Hullu kaikkeen." Tosiasia on, että kirjoittaja käyttää vapaasti erityyppisiä sarjakuvia yhden näytelmän puitteissa. Toiminnasta toimintaan sarjakuva "Woe from Wit" saa yhä konkreettisemman sarkasmin ja katkeran ironian sävyn. Kaikki hahmot - ei vain Chatsky - vitsailevat yhä vähemmän näytelmän edetessä. Famusovien talon tunnelma, joka oli kerran niin lähellä sankaria, tulee tukahduttavaksi ja sietämättömäksi. Lopulta Chatsky ei ole enää se jokeri, joka pilkkaa kaikkia ja kaikkea. Menetettyään tämän kyvyn sankari lakkaa olemasta oma itsensä. "Sokea mies!" hän huutaa epätoivoisesti. Ironia on elämäntapa ja asenne siihen, mikä ei ole sinun vallassasi muuttaa. Siksi kyky vitsailla, kyky nähdä jokaisessa tilanteessa jotain hauskaa, nauraa elämän pyhimmille rituaaleille ei ole vain luonteenpiirre, se on tietoisuuden ja maailmankuvan tärkein piirre. Ja ainoa tapa taistella Chatskya vastaan ​​ja ennen kaikkea hänen ilkeällä kielellään, ironisella ja sarkastisella, on tehdä hänestä naurunalaisin, maksaa hänelle samalla kolikolla: nyt hän on narri ja pelle, vaikka tekeekin. ei tiedä siitä. Chatsky muuttuu näytelmän aikana: hän siirtyy melko harmittomuudesta Moskovan käskyjen ja ideoiden muuttumattomuuden naurusta syövyttävään ja tuliseen satiiriin, jossa hän tuomitsee niiden tavat, jotka "vetävät tuomionsa unohdetuista sanomalehdistä // Times of Ochakovskit ja Krimin valloitus." Chatskyn rooli I.A.:n mukaan. Goncharova, - "passiivinen", siitä ei ole epäilystäkään. Dramaattinen motiivi kasvaa yhä enemmän kohti finaalia, ja sarjakuva väistyy vähitellen valta-asemaansa. Ja tämä on myös Gribojedovin innovaatio.

Klassismin estetiikan näkökulmasta tämä on luvaton sekoitus satiiria ja korkeaa komediaa. Uuden aikakauden lukijan näkökulmasta tämä on lahjakkaan näytelmäkirjailijan menestys ja askel kohti uutta estetiikkaa, jossa ei ole genrejen hierarkiaa eikä genreä eroteta toisesta tyhjällä aidalla. Joten Goncharovin mukaan "Voi nokkeluudesta" on "kuva moraalista ja elävien tyyppien galleria ja ikuisesti terävä, polttava satiiri ja samalla komedia ... jota tuskin löytyy muista kirjallisuuksista ." NG Tšernyševski määritteli väitöskirjassaan "Taiteen esteettiset suhteet todellisuuteen" tarkasti komedian olemuksen: koominen "... ihmiselämän sisäinen tyhjyys ja merkityksettömyys, jota samalla peittää ulkonäkö, jolla on oikeus sisältö ja todellinen merkitys."

Mitkä ovat Woe from Wit -sarjakuvan tekniikat? Koko komediassa on "kuurojen puheen" tekniikkaa. Tässä on toisen näytöksen ensimmäinen ilmiö, Famusovin ja Chatskin kohtaus. Keskustelijat eivät kuule toisiaan, kumpikin puhuu omasta keskeyttäen toisen:

Famusov. Vai niin! Herranjumala! Hän on Carbonari!

Chatsky. Ei, valo ei ole sellainen tänään.

Famusov. Vaarallinen henkilö!

lausunnot komedian genrestä

1) IA Goncharov: "... Komedia" Voi Witistä "on sekä moraalin kuva että elävien tyyppien galleria ja ikuisesti terävä, polttava satiiri ja samalla komedia, ja sanotaanpa itseämme - ennen kaikkea komediaa - joita tuskin löytyy muista kirjallisuuksista ... "

2) AABlok: "Voi Witistä" ... - loistava venäläinen draama; mutta kuinka hämmästyttävän satunnainen hän on! Ja hän syntyi jonkinlaiseen upeaan ympäristöön: Gribojedovin näytelmien joukossa, melko merkityksettömänä; Pietarilaisen virkamiehen aivoissa Lermontovin sappi ja viha sielussaan ja liikkumattomat kasvot, joissa "ei ole elämää"; tämä ei riitä: epäystävällinen mies, jolla on kylmät ja laihat kasvot, myrkyllinen pilkkaaja ja skeptikko ... kirjoitti loistavimman venäläisen draaman. Koska hänellä ei ollut edeltäjiä, hänellä ei ollut yhtäläisiä seuraajia."

3) N.K.Piksanov: "Pohjimmiltaan" Woe from Wit "ei pitäisi kutsua komediaksi, vaan draamaksi, käyttämällä tätä termiä ei sen yleisessä, vaan sen erityisessä genremerkityksessä.<...>
"Woe from Wit" -elokuvan realismi on korkean komedia-draaman realismia, tiukkaa, yleistettyä, lakonista, viimeiseen asti taloudellista tyyliä, ikään kuin korotettuna, valaistuna."

4) A.A. Lebedev: "Voe from Wit" on täynnä naurun elementtiä, sen erilaisissa muunnelmissa ja sovelluksissa ... "Voe from Wit" -sarjakuvan elementti on erittäin monimutkainen ristiriitainen elementti ... elementtejä, joskus tuskin yhteensopivia, joskus vastakkaisia: tässä ja "kevyt huumori", "värisevä ironia", jopa "eräänlainen hyväilevä nauru" ja sitten "syövyttävä", "sappi", satiiri.
... Mielen tragedia, jota käsitellään Gribojedovin komediassa, on valaistu nokkelasti. Täällä tällä kosketuksen terävimmällä reunalla traaginen elementti sarjakuvalla"Voe from Wit" -kirjassa ja paljastaa eräänlaisen alatekstin kirjoittajan omasta käsityksestä kaikesta, mitä tapahtuu ... "

Argumentteja komedian puolesta

1. Sarjakuvan tekniikat:

a) Gribojedovin komediassa käytetty päätekniikka on koominen epäjohdonmukaisuuksia :
Famusov(johtaja on virallisella paikalla, mutta hän on huolimaton tehtävistään):

Koominen epäjohdonmukaisuudet puheessa ja käytöksessä:

Skalozub(sankarin luonne ei vastaa hänen asemaansa ja kunnioitusta, jota hänelle osoitetaan yhteiskunnassa):

Myös muiden komedian häntä koskevien hahmojen lausunnoissa on ristiriitoja: toisaalta hän "ei koskaan lausunut viisasta sanaa", toisaalta "hän oli kultapussi ja tähtäsi kenraaleja".

Molchalin(ajatusten ja käytöksen epäjohdonmukaisuus: kyyninen, mutta ulkoisesti nöyrä, kohtelias).

Khlestovoy:

Lisa rakkaudesta Sofiaan:

Chatsky(mielen ja sen hauskan tilanteen välinen ristiriita, johon hän joutuu: esimerkiksi Sophialle osoitetut puheet, Chatsky lausuu sopimattomimmalla hetkellä).

b) Sarjakuva tilanteita: "kuurojen keskustelu" (dialogi Chatskin ja Famusovin välillä II näytöksessä, Chatskyn monologi III näytöksessä, kreivitär-isoäidin keskustelu prinssi Tugoukhovskyn kanssa).

c) Koominen efekti luo parodiakuva Repetilova.

d) Vastaanotto groteski Famusovin vieraiden kiistassa Chatskyn hulluuden syistä.

2. Kieli"Voi Witistä" - komedian kieltä(puhekielellinen, tarkka, kevyt, nokkela, joskus ankara, runsaasti aforismeja, energinen, helppo muistaa).

Argumentteja draaman puolesta

Teoksen "Voi nokkeluudesta" pääidea on esimerkki ilkeydestä, tietämättömyydestä ja orjuudesta riveissä ja perinteissä, joita vastustivat uudet ideat, aito kulttuuri, vapaus ja järki. Päähenkilö Chatsky esiintyi näytelmässä erittäin demokraattisen nuorten yhteiskunnan edustajana, joka heitti avoimen haasteen konservatiiveille ja maaorjuuden omistajille. Kaikki nämä yhteiskunnallisessa ja poliittisessa elämässä riehuneet hienoudet Griboyedov onnistui pohtimaan klassisen komedian rakkauskolmion esimerkkiä. On huomionarvoista, että pääosa luojan kuvaamasta työstä tapahtuu vain yhden päivän sisällä, ja itse Gribojedovin hahmot näkyvät erittäin elävästi.

Monet kirjailijan aikalaiset ylistivät hänen käsikirjoitustaan ​​vilpittömästi ja asettivat tsaarille luvan komedian julkaisemiseen.

Komedian "Voi nokkeluudesta" kirjoittamisen historia

Ajatus komedian "Voi nokkeluudesta" kirjoittamisesta syntyi Gribojedoville hänen ollessaan Pietarissa. Vuonna 1816 hän palasi kaupunkiin ulkomailta ja löysi itsensä yhdestä maallisesta vastaanotosta. Hän oli syvästi närkästynyt venäläisten vetovoimasta ulkomaalaisten puoleen huomattuaan, että kaupungin aatelisto kumartaa yhden ulkomaisen vieraan edessä. Kirjoittaja ei voinut hillitä itseään ja osoitti kielteisen asenteensa. Samaan aikaan yksi kutsutuista, joka ei jakanut vakaumustaan, vastasi, että Gribojedov oli hullu.

Tuon illan tapahtumat muodostivat komedian perustan, ja itse Gribojedovista tuli päähenkilön Chatskyn prototyyppi. Kirjoittaja aloitti teoksen työskentelyn vuonna 1821. Hän työskenteli komedian parissa Tiflisissä, jossa hän palveli kenraali Ermolovin alaisuudessa, ja Moskovassa.

Vuonna 1823 näytelmän työ valmistui, ja kirjailija alkoi lukea sitä Moskovan kirjallisissa piireissä, ja hän sai matkan varrella ylistäviä arvosteluja. Komedia myytiin menestyksekkäästi luetteloiden muodossa lukijoiden keskuudessa, mutta se julkaistiin ensimmäisen kerran vasta vuonna 1833 ministeri Uvarovin vetoomuksen jälkeen tsaarille. Kirjoittaja itse ei ollut enää elossa siihen aikaan.

Teoksen analyysi

Komedian pääjuoni

Komediassa kuvatut tapahtumat tapahtuvat 1800-luvun alussa pääkaupungin virkamiehen Famusovin talossa. Hänen nuori tyttärensä Sophia on rakastunut Famusovin sihteeriin Molchaliniin. Hän on laskeva ihminen, ei rikas, ja hänellä on pieni arvo.

Hän tietää Sophian intohimoista ja tapaa hänet mukavuussyistä. Eräänä päivänä Famusovien taloon saapuu nuori aatelismies Chatsky, perheen ystävä, joka ei ole käynyt Venäjällä kolmeen vuoteen. Hänen paluunsa tarkoituksena on mennä naimisiin Sophian kanssa, jota kohtaan hänellä on tunteita. Sophia itse piilottaa rakkautensa Molchalinia kohtaan komedian päähenkilöltä.

Sofian isä on vanhan tavan ja näkemysten mies. Hän alistuu riveihin ja uskoo, että nuorten tulee miellyttää viranomaisia ​​kaikessa, ei ilmaista mielipidettään ja palvella esimiehiään epäitsekkäästi. Chatsky sitä vastoin on nokkela nuori mies, jolla on ylpeyden tunne ja hyvä koulutus. Hän tuomitsee tällaiset näkemykset, pitää niitä typerinä, tekopyhinä ja tyhjinä. Famusovin ja Chatskin välillä syntyy kiivaita kiistoja.

Chatskyn saapumispäivänä kutsuvieraat kokoontuvat Famusovin taloon. Illan aikana Sophia levittää huhua, että Chatsky on tullut hulluksi. Vieraat, jotka eivät myöskään jaa hänen näkemyksiään, omaksuvat aktiivisesti tämän idean ja tunnustavat yksimielisesti sankarin hulluksi.

Chatsky löytää itselleen mustan lampaan illalla ja lähtee Famusovien talosta. Odottaessaan vaunuja, hän kuulee Famusovin sihteerin tunnustavan tunteensa herrojen palvelijalle. Sophia kuulee tämän ja ajaa Molchalinin välittömästi ulos talosta.

Rakkauskohtauksen loppu päättyy Chatskyn pettymykseen Sofiaan ja korkeaan yhteiskuntaan. Sankari lähtee Moskovasta ikuisesti.

Komedian "Voi nokkeluudesta" sankarit

Tämä on Gribojedovin komedian päähenkilö. Hän on perinnöllinen aatelismies, joka omistaa 300-400 sielua. Chatsky jäi orvoksi varhain, ja koska hänen isänsä oli Famusovin läheinen ystävä, hänet kasvatettiin lapsuudesta lähtien Sofian kanssa Famusovien talossa. Myöhemmin hän kyllästyi niihin ja asettui aluksi erilleen ja lähti sitten kokonaan vaeltamaan ympäri maailmaa.

Lapsuudesta lähtien Chatsky ja Sophia olivat ystäviä, mutta hänellä ei ollut vain ystävällisiä tunteita häntä kohtaan.

Gribojedovin komedian päähenkilö ei ole tyhmä, nokkela, kaunopuheinen. Tyhmien pilkan rakastaja Chatsky oli liberaali, joka ei halunnut kumartaa viranomaisten edessä ja palvella korkeampia rivejä. Siksi hän ei palvellut armeijassa eikä ollut virkamies, mikä on harvinaisuus tuon ajan aikakaudelle ja hänen sukututkimukselleen.

Famusov on vanha mies, jolla on harmaat hiukset temppeleissä, aatelismies. Ikäisekseen hän on hyvin iloinen ja raikas. Pavel Afanasjevitš on leski, lapsista hänellä on ainoa Sophia, 17-vuotias.

Virkamies on julkishallinnossa, hän on rikas, mutta samalla tuulinen. Famusov ei epäröi pysyä omissa piikaissaan. Hänen luonteensa on räjähtävä, levoton. Pavel Afanasevich on töykeä, mutta oikeiden ihmisten kanssa hän osaa osoittaa asianmukaista kohteliaisuutta. Esimerkki tästä on hänen kommunikaationsa everstin kanssa, jonka kanssa Famusov haluaa mennä naimisiin tyttärensä kanssa. Tavoitteensa vuoksi hän on valmis kaikkeen. Hänelle on ominaista alistuminen, alistuminen riveille ja orjuus. Hän arvostaa myös yhteiskunnan mielipidettä itsestään ja perheestään. Virkamies ei pidä lukemisesta eikä pidä koulutusta kovin tärkeänä asiana.

Sophia on varakkaan virkamiehen tytär. Mukava ja koulutettu Moskovan aateliston parhaiden sääntöjen mukaan. Hän jäi varhain ilman äitiä, mutta rouva Rosierin kasvatusneuvojan hoidossa hän lukee ranskalaisia ​​kirjoja, tanssii ja soittaa pianoa. Sophia on ailahteleva tyttö, tuulinen ja helposti nuorten miesten mukana. Samalla hän on herkkäuskoinen ja hyvin naiivi.

Näytelmän aikana on selvää, että hän ei huomaa, että Molchalin ei rakasta häntä ja on hänen kanssaan omien etujensa vuoksi. Hänen isänsä kutsuu häntä häpeämättömäksi naiseksi, kun taas Sophia itse pitää itseään älykkäänä eikä pelkurimaisena nuorena naisena.

Famusovin sihteeri, joka asuu heidän talossaan, on naimaton nuori mies erittäin köyhästä perheestä. Molchalin sai aateliston arvonimen vasta palveluksen aikana, mitä pidettiin tuolloin hyväksyttävänä. Tätä varten Famusov kutsuu häntä ajoittain juurittomaksi.

Sankarin sukunimi, niin hyvin kuin mahdollista, vastaa hänen luonnettaan ja temperamenttiaan. Hän ei pidä puhumisesta. Molchalin on kapeakatseinen ja erittäin tyhmä ihminen. Hän käyttäytyy vaatimattomasti ja hiljaa, kunnioittaa rivejä ja yrittää miellyttää kaikkia, jotka ovat hänen ympärillään. Se tekee sen pelkästään voiton vuoksi.

Aleksei Stepanovitš ei koskaan ilmaise mielipidettään, minkä vuoksi hänen ympärillään olevat pitävät häntä melko komeana nuorena miehenä. Itse asiassa hän on ovela, periaatteeton ja pelkuri. Komedian lopussa käy selväksi, että Molchalin on rakastunut palvelijaan Lisaan. Myönnettyään tämän hänelle, hän saa osan oikeamielistä vihaa Sophialta, mutta hänen tyypillinen kiusaaminen antaa hänelle mahdollisuuden jatkaa isänsä palveluksessa.

Skalozub on komedian alaikäinen hahmo, hän on passiivinen eversti, joka haluaa tulla kenraaliksi.

Pavel Afanasevich viittaa Skalozubin kadehdittavien Moskovan kosijoiden luokkaan. Famusovin mukaan varakas upseeri, jolla on painoa ja asemaa yhteiskunnassa, on hyvä peli hänen tyttärelleen. Sophia itse ei pitänyt hänestä. Teoksessa Skalozubin kuva on koottu erillisiksi lauseiksi. Sergei Sergeevich liittyy Chatskin puheeseen absurdein perusteluin. Ne paljastavat hänen tietämättömyytensä ja tietämättömyytensä.

piika Lisa

Lizanka on tavallinen palvelija Famus-talossa, mutta samalla hän on melko korkealla paikalla muiden kirjallisten hahmojen joukossa, ja hänelle on osoitettu paljon erilaisia ​​jaksoja ja kuvauksia. Kirjoittaja kuvailee yksityiskohtaisesti, mitä Lisa tekee ja mitä ja miten hän puhuu. Hän saa muut näytelmän sankarit tunnustamaan tunteitaan, provosoi heidät tiettyihin tekoihin, työntää heidät erilaisiin heidän elämänsä kannalta tärkeisiin päätöksiin.

Mr. Repetilov esiintyy teoksen neljännessä näytöksessä. Tämä on komedian pieni, mutta elävä hahmo, joka on kutsuttu Famusoville hänen tyttärensä Sophian syntymäpäivän kunniaksi. Hänen kuvansa luonnehtii henkilöä, joka valitsee helpon tien elämässä.

Zagoretsky

Anton Antonovich Zagoretsky on maallinen juhla ilman rivejä ja kunnianosoituksia, mutta kuka tietää miten, ja rakastaa kutsua kaikkiin vastaanotoihin. Hänen lahjansa kustannuksella - olla miellyttävä tuomioistuimelle.

Kiirehtiessään vierailemaan tapahtumien keskipisteessä, "ikään kuin" ulkopuolelta, toissijainen sankari A.S. Gribojedov, Anton Antonovich, hänen oma henkilönsä, kutsutaan iltaan Faustuvien taloon. Toiminnan ensimmäisistä sekunneista lähtien hänen persoonallaan käy selväksi - Zagoretsky on edelleen "laukaus".

Madame Khlestova on myös yksi komedian sivuhahmoista, mutta hänen roolinsa on silti erittäin värikäs. Tämä on edistynyt nainen. Hän on 65-vuotias Pomeranian koira ja tummaihoinen piika - arap. Khlestova on tietoinen tuomioistuimen uusimmista juoruista ja jakaa mielellään omia tarinoitaan elämästä, joissa hän puhuu helposti muista teoksen hahmoista.

Komedian "Voi viisaudesta" sävellys ja tarinat

Kirjoittaessaan komediaa "Voi nokkeluudesta" Griboyedov käytti tälle genrelle ominaista tekniikkaa. Tässä näemme klassisen tarinan, jossa kaksi miestä kilpailee yhden tytön kädestä kerralla. Heidän kuvansa ovat myös klassisia: toinen on vaatimaton ja kunnioittava, toinen koulutettu, ylpeä ja luottavainen omaan ylivoimaisuuteensa. Totta, näytelmässä Griboyedov asetti aksentit sankarien luonteeseen hieman eri tavalla, mikä teki siitä houkuttelevan tälle yhteiskunnalle, nimittäin Molchalinille, eikä Chatskylle.

Näytelmän useissa luvuissa on taustakuvausta elämästä Famusovien talossa, ja vasta seitsemännessä ilmiössä alkaa rakkaustarinan juoni. Melko yksityiskohtainen pitkä kuvaus näytelmän aikana kertoo vain yhdestä päivästä. Tapahtumien pitkän aikavälin kehitystä ei kuvata tässä. Komediassa on kaksi juonilinjaa. Nämä ovat konflikteja: rakkaus ja sosiaalinen.

Jokainen Gribojedovin kuvaama kuva on monitahoinen. Jopa Molchalin on mielenkiintoinen, jolle lukijalla on jo epämiellyttävä asenne, mutta hän ei aiheuta ilmeistä inhoa. On mielenkiintoista seurata häntä eri jaksoissa.

Näytelmässä on perusrakenteista huolimatta tiettyjä poikkeamia juonen juonittelussa, ja on selvästi havaittavissa, että komedia on kirjoitettu kolmen kirjallisuuden aikakauden risteyksessä: kukoistava romantiikka, syntymässä oleva realismi ja kuoleva klassismi.

Gribojedovin komedia "Voi nokkeluudesta" saavutti suosionsa paitsi klassisten juonitekniikoiden käytön vuoksi heille epätyypillisessä kehyksessä, se heijasteli ilmeisiä muutoksia yhteiskunnassa, jotka olivat silloin vasta syntymässä ja versomassa.

Teos on mielenkiintoinen myös siinä mielessä, että se eroaa silmiinpistävästi kaikista muista Gribojedovin kirjoittamista teoksista.

Gribojedovin teosta "Voi nokkeluudesta" voidaan pitää ensimmäisenä venäläisen klassisen kirjallisuuden komediadraamana, koska juoni perustuu rakkauden ja yhteiskuntapoliittisten linjojen kietoutumiseen, näitä juonenkäänteitä yhdistää vain päähenkilö Chatsky.

Kriitikot katsoivat Woe From Witin useiden genrejen ansioksi: poliittinen komedia, satiirinen komedia, sosiaalinen draama. Kuitenkin Griboyedov itse vaati, että hänen työnsä on runollinen komedia.

Mutta tästä huolimatta on mahdotonta kutsua tätä teosta yksiselitteisesti komediaksi, koska sen tarinassa käsitellään sekä sosiaalisia ongelmia että rakkausluonteisia ongelmia, on myös mahdollista tunnistaa erikseen sosiaaliset ongelmat, jotka ovat merkityksellisiä nykymaailmassa.

Kriitikot tunnustavat vielä nykyaikana oikeuden kutsua teosta komediaksi, sillä kaikkia esiin tuotuja sosiaalisia ongelmia kuvataan suurella huumorilla. Esimerkiksi kun hänen isänsä löysi Sofian samasta huoneesta Famusovin kanssa, Sofia vitsaili: "Hän meni yhteen huoneeseen, mutta päätyi toiseen" tai ota huomioon tilanteet, jolloin Sofia kiusasi Skalozubia tämän koulutuksen puutteesta ja Skalozubia. vastasi: "Kyllä, arvosanojen saamiseksi, on monia kanavia, jotka koskevat heitä todellisina filosofeina, tuomitsen."

Teoksen piirre on se, kuinka äkillisesti ja dramaattisimmalla hetkellä komedia katkeaa, sillä heti kun koko totuus paljastuu, sankarien tarvitsee vain seurata uuden elämän polkua.

Gribojedov otti hieman epätavallisen askeleen tuon ajan kirjallisuudessa, nimittäin: hän siirtyi pois perinteisestä juonenlopusta ja vauraasta lopusta. Genre-piirteeksi voidaan kutsua myös sitä, että kirjoittaja loukkasi toiminnan yhtenäisyyttä. Todellakin, komedian sääntöjen mukaan pitäisi olla yksi pääkonflikti, joka ratkeaa positiivisessa mielessä loppuun mennessä, ja teoksessa "Voi viisaudesta" on kaksi yhtä tärkeää konfliktia - rakkaus ja sosiaalinen, ja siellä on näytelmässä ei ole positiivista loppua.

Voit myös erottaa ominaisuutena - draaman elementtien läsnäolon. Sankarien emotionaaliset kokemukset näkyvät niin selkeästi, että joskus ei edes kiinnitä huomiota tilanteen tiettyyn koomisuuteen. Esimerkiksi Chatskyn sisäiset tunteet erosta Sofiasta, Sofia kokee samanaikaisesti henkilökohtaista draamaansa Molchalinin kanssa, joka itse asiassa ei todellakaan rakasta häntä.

Myös Gribojedovin innovaatio tässä näytelmässä voidaan erottaa siitä, että hahmot on kuvattu melko realistisesti. Hahmoja ei ole tapana jakaa positiivisiin ja negatiivisiin. Jokaisella hahmolla on omat ominaisuutensa ja se on täysin varustettu sekä positiivisilla että negatiivisilla luonteenpiirteillä.

Yhteenvetona voidaan todeta, että Gribojedovin teoksen "Voi nokkeluudesta" genren pääpiirrettä voidaan kutsua tosiasiaksi, että tässä teoksessa on merkkejä erityyppisten kirjallisuuden genren sekoittumisesta. Eikä ole yksimielisyyttä siitä, onko se komedia vai tragikomedia. Jokainen lukija keskittyy tässä teoksessa siihen, mikä on hänelle tärkeämpää ja sen perusteella voidaan määrittää teoksen päägenre.