"Äiti Courage ja hänen lapsensa" (Brecht): näytelmän kuvaus ja analyysi. B. Brechtin antifasistisen draaman "Mother Courage" ideologiset ongelmat

Koti / riidellä

Maastamuutossa, taistelussa fasismia vastaan, Brechtin dramaattinen luovuus kukoisti. Se oli sisällöltään poikkeuksellisen rikas ja muodoltaan vaihteleva. Maahanmuuton kuuluisimpia näytelmiä - "Äiti Courage ja hänen lapsensa" (1939). Mitä terävämpi ja traagisempi konflikti on, sitä kriittisempi on Brechtin mukaan ihmisen ajatus. 1930-luvun olosuhteissa "Mother Courage" kuulosti tietysti protestilta fasistien demagogista sodan propagandaa vastaan, ja se oli osoitettu sille osalle Saksan väestöstä, joka antautui tälle demagogialle. Sota kuvataan näytelmässä elementtinä, joka on orgaanisesti vihamielinen ihmiselämää kohtaan.

"Eepisen teatterin" olemus tulee erityisen selväksi "Mother Courage":n yhteydessä. Näytelmässä yhdistyvät teoreettinen kommentointi realistiseen, johdonmukaisuudessaan armottoman tapaan. Brecht uskoo, että realismi on luotettavin tapa vaikuttaa. Siksi "Mother Couragessa" on niin johdonmukaiset ja johdonmukaiset "todelliset" elämän kasvot pienissäkin yksityiskohdissa. Mutta on syytä pitää mielessä tämän näytelmän kaksisuunnitelmaisuus - hahmojen esteettinen sisältö, ts. elämän lisääntyminen, jossa hyvä ja paha sekoittuvat toiveistamme riippumatta, ja Brechtin itsensä ääni, joka ei ole tyytyväinen sellaiseen kuvaan, yrittää vahvistaa hyvää. Brechtin asema ilmenee suoraan Zongeissa. Lisäksi näytelmäkirjailija tarjoaa näytelmäkirjailija Brechtin ohjaajien ohjeiden mukaisesti teattereille runsaasti mahdollisuuksia esitellä kirjailijan ajattelua erilaisten "vieraantumisten" avulla (valokuvaus, elokuvaprojektio, näyttelijöiden suora vetovoima yleisöön).

"Mother Courage" -elokuvan sankarien hahmot hahmotellaan kaikissa monimutkaisissa ristiriidoissaan. Mielenkiintoisin on kuva Anna Fierlingistä, lempinimeltään Mother Courage. Tämän hahmon monipuolisuus herättää yleisössä monenlaisia tunteita. Sankaritar houkuttelee raittiilla elämänymmärryksellä. Mutta hän on 30-vuotisen sodan kaupallisen, julman ja kyynisen hengen tuote. Rohkeus on välinpitämätön tämän sodan syistä. Kohtalon hankaluuksista riippuen hän pystyttää pakettiautonsa päälle luterilaisen tai katolisen lipun. Rohkeus lähtee sotaan suuria voittoja toivoen.

Brechtin jännittävä konflikti käytännön viisauden ja eettisten impulssien välillä saastuttaa koko näytelmän väittelyn intohimolla ja saarnaamisen energialla. Katariinan kuvaan näytelmäkirjailija piirsi Mother Couragen antipoodin. Uhkaukset, lupaukset tai kuolema eivät pakottaneet Katrinia luopumaan päätöksestä, jonka hän saneli halunsa auttaa jollain tavalla ihmisiä. Puhuvaa Rohkeutta vastustaa mykkä Katrin, tytön hiljainen teko ikään kuin kumoaa kaikki hänen äitinsä pitkät väitteet. Brechtin realismi ilmenee näytelmässä paitsi päähenkilöiden kuvauksessa ja konfliktin historismissa, myös episodisten henkilöiden elintärkeässä luotettavuudessa, Shakespearen monivärisyydessä, joka muistuttaa "falstaffilaista taustaa". Jokainen näytelmän dramaattiseen konfliktiin vedetyssä hahmossa elää omaa elämäänsä, arvailemme hänen kohtalostaan, hänen menneisyydestään ja tulevasta elämästään ja ikään kuin kuulemme jokaisen äänen sodan ristiriitaisessa kuorossa.

Sen lisäksi, että Brecht paljastaa konfliktin hahmojen törmäyksen kautta, Brecht täydentää näytelmän elämäkuvaa vyöhykkeillä, joissa konfliktista saadaan suora käsitys. Merkittävin zong on Suuren nöyryyden laulu. Tämä on monimutkainen "vieraantuminen", kun kirjoittaja toimii ikään kuin sankaritarnsa puolesta, terävöittää tämän virheellisiä asentoja ja siten väittelee hänen kanssaan, mikä inspiroi lukijan epäilemään "suuren nöyryyden" viisautta. Rohkeus Brecht vastaa äidin kyyniseen ironiaan omalla ironiallaan. Ja Brechtin ironia johdattaa katsojan, joka on täysin alistunut elämän hyväksymisen filosofiaan sellaisena kuin se on, aivan toisenlaiseen maailmankuvaan, ymmärrykseen kompromissien haavoittuvuudesta ja kuolemasta. Laulu nöyryydestä on eräänlainen ulkomainen vastine, joka mahdollistaa Brechtin todellisen, vastakkaisen viisauden ymmärtämisen. Koko näytelmä, joka kuvaa kriittisesti sankarittaren käytännöllistä, kompromisseja "viisautta", on jatkuva keskustelu "Song of Great Humility" -laulun kanssa. Äiti Courage ei näe näytelmän valoa, vaan selviytyessään shokista hän oppii "sen luonteesta enempää kuin marsu biologian laista". Traaginen (henkilökohtainen ja historiallinen) kokemus, joka on rikastanut katsojaa, ei opettanut Äiti Couragelle mitään eikä rikastanut häntä vähiten. Hänen kokemansa katarsisi osoittautui täysin hedelmättömäksi. Joten Brecht väittää, että todellisuuden tragedian havainto vain emotionaalisten reaktioiden tasolla sinänsä ei ole tietoa maailmasta, se ei eroa paljon täydellisestä tietämättömyydestä.

Lähetä hyvä työsi tietokanta on yksinkertainen. Käytä alla olevaa lomaketta

Opiskelijat, jatko-opiskelijat, nuoret tutkijat, jotka käyttävät tietopohjaa opinnoissaan ja työssään, ovat sinulle erittäin kiitollisia.

2. Kuva äidistä Courage

Kirjallisuus

1. Berthold Brecht ja hänen "eeppinen teatterinsa"

Bertolt Brecht on 1900-luvun saksalaisen kirjallisuuden suurin edustaja, taiteilija, jolla on suuri ja monipuolinen lahjakkuus. Hän kirjoitti näytelmiä, runoja, novelleja. Hän on teatterihahmo, sosialistisen realismin taiteen ohjaaja ja teoreetikko. Brechtin sisällöltään ja muodoltaan todella innovatiiviset näytelmät ovat ohittaneet teatterit monissa maailman maissa ja löytävät kaikkialla tunnustusta laajimmissa katsojapiireissä.

Brecht syntyi Augsburgissa paperitehtaan johtajan varakkaaseen perheeseen. Täällä hän opiskeli lukiossa, sitten lääketiedettä ja luonnontieteitä Münchenin yliopistossa. Brecht aloitti kirjoittamisen ollessaan vielä lukiossa. Vuodesta 1914 lähtien hänen runojaan, tarinoitaan ja teatteriarvostelujaan alkoi ilmestyä Augsburgin sanomalehdessä Volkswil.

Vuonna 1918 Brecht kutsuttiin armeijaan ja palveli sotilassairaalassa käskynhoitajana noin vuoden. Sairaalassa Brecht kuuli tarinoita sodan kauhuista ja kirjoitti ensimmäiset sodanvastaiset runonsa ja laulunsa. Hän itse sävelsi heille yksinkertaisia melodioita ja esiintyi kitaralla selvästi lausuen sanat osastoilla haavoittuneiden edessä. Näistä teoksista varsinkin erottui "pallotuskailla kuolleesta sotilasta, joka "tuomitsi Saksan armeijan, joka pakotti sodan työväkeä vastaan.

Kun vallankumous alkoi Saksassa vuonna 1918, Brecht osallistui siihen aktiivisesti, vaikkakin edelleen ja ei aivan selvästi kuvitellut tavoitteitaan ja tavoitteitaan. Hänet valittiin Augsburgin sotilasneuvoston jäseneksi. Mutta suurimman vaikutuksen runoilijaan tekivät uutiset proletariaatin vallankumouksesta. v Venäjä, maailman ensimmäisen työläisten ja talonpoikien valtion muodostumisesta.

Tänä aikana nuori runoilija lopulta erosi perheestään heille luokkaan ja "liittyi köyhien joukkoon".

Ensimmäisen runouden vuosikymmenen tulos oli Brechtin runokokoelma "Kotisaarnat" (1926). Useimmille kokoelman runoille on ominaista tahallinen epäkohteliaisuus porvariston ruman moraalin kuvauksessa sekä vuoden 1918 marraskuun vallankumouksen tappion aiheuttama toivottomuus ja pessimismi.

Nämä ideologinen ja poliittinen Brechtin varhaisen runouden piirteitä ominaisuus ja ensimmäisistä dramaattisista teoksistaan - "Baal","Drums in the Night" yms. Näiden näytelmien vahvuus on vilpittömässä halveksunnassa ja porvarillisen yhteiskunnan tuomitseminen. Muistellessaan näitä näytelmiä kypsänä vuotiaana Brecht kirjoitti, että niissä hän ”ilman pahoittelee osoitti kuinka suuri tulva täyttää porvarit rauha".

Vuonna 1924 kuuluisa ohjaaja Max Reinhardt kutsuu Brechtin näytelmäkirjailijaksi Berliinin teatteriinsa. Tässä Brecht lähestyy Kanssa edistykselliset kirjailijat F. Wolf, I. Becher, vallankumouksellisten työläisten luoja teatteri E. Piscator, näyttelijä E. Bush, säveltäjä G. Eisler ja muut hänen läheiset päällä taiteilijoiden henki. Tässä tilanteessa Brecht vähitellen voittaa pessimisminsä, hänen teoksissaan ilmestyy maskuliinisempia intonaatioita. Nuori draamakirjailija luo ajankohtaisia satiirisia teoksia, joissa hän arvostelee jyrkästi imperialistisen porvariston sosiaalista ja poliittista käytäntöä. Tällainen on sodanvastainen komedia "Mikä tämä sotilas on, mikä tämä on" (1926). Hän kirjoitettu aikana, jolloin saksalainen imperialismi, tukahdutettuaan vallankumouksen, alkoi voimakkaasti palauttaa teollisuutta amerikkalaisten pankkiirien avulla. Reaktionaarinen ele-poliisit yhdessä natsien kanssa he yhtyivät erilaisiin "Bundeihin" ja "Fereineihin", propagoivat revansistisia ideoita. Teatterilava täyttyi yhä enemmän sokerista, rakentavaa draamaa ja toimintaelokuvia.

Näissä olosuhteissa Brecht pyrkii tietoisesti taiteeseen, joka on lähellä ihmisiä, taiteeseen, joka herättää ihmisten tietoisuuden, aktivoi heidän tahtonsa. Hylkäämällä dekadenttisen draaman, joka vie katsojan pois aikamme tärkeimmistä ongelmista, Brecht kannattaa uutta teatteria, joka on suunniteltu kansan kasvattajaksi, edistyneiden ideoiden ohjaajaksi.

1920-luvun lopulla ja 1930-luvun alussa julkaistuissa teoksissa "Matkalla nykyteatteriin", "Dialektiikka teatterissa", "Ei-aristotelisesta draamasta" Brecht kritisoi nykyaikaista modernistista taidetta ja esittää tärkeimmät säännökset. hänen teoriansa "Epic teatteri". Nämä määräykset koskevat toimimista, rakentamista dramaattinen teokset, teatterimusiikki, maisemat, elokuvan käyttö jne. Brecht kutsuu draamaansa "ei-aristoteeliseksi", "eeppiseksi". Tämä nimi johtuu siitä, että tavallinen draama on rakennettu Aristoteleen teoksessaan "Poetics" muotoilemien lakien mukaan ja vaatii näyttelijän pakollista emotionaalista tuomista kuvaan.

Brechtin teorian kulmakivi on järki. "Eeppinen teatteri", sanoo Brecht, "ei vetoa niinkään tunteeseen kuin katsojan mieleen." Teatterista tulee ajatuskoulu, se näyttää elämää aidosti tieteellisestä näkökulmasta, laajasta historiallisesta näkökulmasta, edistää edistyksellisiä ideoita, auttaa katsojaa ymmärtämään muuttuvaa maailmaa ja muuttamaan itseään. Brecht korosti, että hänen teatteristaan tulisi tulla teatteri "ihmisille, jotka päättivät ottaa kohtalonsa omiin käsiinsä", että hänen ei pitäisi vain näyttää tapahtumia, vaan myös aktiivisesti vaikuttaa niihin, stimuloida, herättää katsojan toimintaa, pakottaa hänet olemaan myötätuntoisia. , mutta väittele, ota kriittinen kanta kiistassa. Samalla Brecht ei luovu lainkaan halusta vaikuttaa tunteisiin ja tunteisiin.

Toteuttaakseen "eeppisen teatterin" säännöksiä Brecht käyttää luomistoiminnassaan "vieraantumisen vaikutusta", eli taiteellista laitetta, jonka tarkoituksena on näyttää elämän ilmiöitä epätavallisesta näkökulmasta, pakottaa eri näköinen karjua he arvioivat kriittisesti kaikkea, mitä lavalla tapahtuu. Tätä tarkoitusta varten Brecht tuo usein näytelmiinsä kuoroja ja soololauluja, selittää ja arvioi esityksen tapahtumia, paljastaen tavallista odottamattomasta näkökulmasta. "Vieraantumisvaikutus" saavutetaan myös näyttelijätaitojen, lavasuunnittelun ja musiikin järjestelmällä. Brecht ei kuitenkaan koskaan pitänyt teoriaansa lopullisesti muotoiltuna ja työskenteli elämänsä loppuun asti parantaakseen sitä.

Rohkeana uudistajana Brecht käytti myös kaikkea parasta, mitä saksalainen ja maailmanteatteri ovat aiemmin luoneet.

Joidenkin teoreettisten kannanottojensa ristiriitaisuudesta huolimatta Brecht loi todella innovatiivisen taisteludramaturgian, jolla on terävä ideologinen painopiste ja suuri taiteellinen ansio. Brecht taisteli taiteen avulla kotimaansa vapauttamisen, sen sosialistisen tulevaisuuden puolesta ja toimi parhaimmissa teoksissaan sosialistisen realismin suurimpana edustajana saksalaisessa ja maailmankirjallisuudessa.

20-luvun lopulla - 30-luvun alussa. Brecht loi sarjan "opettavia näytelmiä", jotka jatkoivat työteatterin parhaita perinteitä ja oli tarkoitettu edistyneiden ajatusten agitaatioon ja propagandaan. Näitä ovat "Badenin opetusnäytelmä", "Korkein mitta", "Sanominen" Kyllä "ja sanominen" Lemmikki "ja muut. Menestyneimmät niistä ovat" St. John of the Saughterhouse "ja uudelleenesitys Gorkin" äidistä ".

Muuttovuosina Brechtin taiteellinen taito saavutti huippunsa. Hän luo parhaita teoksiaan, jotka olivat suuri panos sosialistisen realismin saksalaisen ja maailmankirjallisuuden kehitykseen.

Satiirinen näytelmälehtinen "Pyöreäpäinen ja teräväpäinen" on ilkeä parodia hitleriläisestä valtakunnasta; se paljastaa nationalistisen de-magian. Brecht ei säästä saksalaisia, jotka antoivat natsien huijata itseään väärillä lupauksilla.

Samalla terävästi satiirisella tavalla kirjoitettiin näytelmä "Arthur Ween ura, joka ei voinut olla".

Näytelmä luo allegorisesti uudelleen fasistisen diktatuurin syntyhistorian. Molemmat näytelmät sävelsivät eräänlaisen antifasistisen dilogian. Ne olivat täynnä "vieraantumisvaikutuksen", fantasia ja groteskin tekniikoita "eeppisen teatterin" teoreettisten määräysten hengessä.

On huomattava, että vastustaessaan perinteistä "aristotelilaista" draamaa Brecht ei täysin kiistänyt sitä käytännössä. Siten perinteisen draaman hengessä kirjoitettiin 24 yksinäytöksistä antifasistista näytelmää, jotka sisältyivät kokoelmaan Pelko ja epätoivo kolmannessa valtakunnassa (1935-1938). Niissä Brecht hylkää suosikkikonventionaalisen taustansa ja mitä suorimmin realistisesti ma-nere maalaa traagisen kuvan saksalaisten elämästä natsien orjuuttamassa maassa.

Näytelmä tästä kokoelmasta "Rifles Teresa Carrar "ideologisessa kunnioitus jatkaa hahmoteltua linjaa lavastuksessa Gorkin "äidit". Näytelmän keskiössä ovat Espanjan sisällissodan ajankohtaiset tapahtumat sekä apoliittisuuden ja välinpitämättömyyden tuhoisten illuusioiden purkaminen kansakunnan historiallisten oikeudenkäyntien aikana. Yksinkertainen espanjalainen nainen Andalusiasta Carrar menetti miehensä sodassa ja nyt peläten menettävänsä poikansa, kaikin mahdollisin tavoin estää häntä osallistumasta vapaaehtoisesti taistelemaan fasisteja vastaan. Hän uskoo naiivisti kapinallisten vakuutuksiin kenraalit, Mitä haluat ei neutraalien siviilien kosketuksiin. Hän jopa kieltäytyy luovuttamasta republikaaneja kiväärit, koiran piilossa. Samaan aikaan fasistit ampuvat laivasta konekiväärellä rauhanomaisesti kalastanutta poikaa. Carrarin tietoisuudessa valaistuminen tapahtuu silloin. Sankaritar vapautuu tuhoisasta periaatteesta: "kotani on reunalla" - ja tulee johtopäätökseen tarpeesta puolustaa ihmisten onnellisuutta käsi kädessä.

Brecht erottaa kaksi teatterityyppiä: dramaattinen (tai "aristoteelinen") ja eeppinen. Dramaattinen pyrkii valloittamaan katsojan tunteet, niin että hän kokee katarsisin pelon ja myötätunnon kautta, jotta hän antautuu koko olemuksellaan lavalla tapahtuvalle, empatiaa, murehtii menettäen teatterin välisen eron tunteen. toimintaa ja tosielämää, ja se ei tuntuisi näytelmän katsojalta, vaan henkilöltä, joka on mukana todellisissa tapahtumissa. Eeppisen teatterin on puolestaan vedottava järkeen ja opettava, samalla kun hän kertoo katsojalle tietyistä elämäntilanteista ja ongelmista, tarkkailla olosuhteita, joissa hän pysyisi, jos ei rauhallisena, niin joka tapauksessa hallitsemaan tunteitaan ja Täysin aseistettuna selkeällä tietoisuudella ja kriittisellä ajattelulla, antautumatta näyttämötoiminnan illuusioihin, tarkkailisin, ajattelisin, määrittelisin periaatteellisen kantani ja tekisin päätöksiä.

Havainnollistaakseen dramaattisen ja eeppisen teatterin eroja Brecht hahmotteli kaksi ominaisuutta.

Yhtä ilmaisuvoimainen on Brechtin vuonna 1936 muotoilema dramaattisen ja eeppisen teatterin vertaileva ominaisuus: "Draamateatterin katsoja sanoo: kyllä, minullakin on jo tämä tunne. Aina tulee olemaan." Tämän miehen kärsimys järkyttää minä, sillä hänelle ei ole ulospääsyä. '' Tämä on suurta taidetta: kaikki siinä on sanomattakin selvää. '' Itken itkevien kanssa, nauran nauravien kanssa.

Eeppisen teatterin katsoja sanoo: En uskoisi niin. - Sitä ei pitäisi tehdä - Se on äärimmäisen hätkähdyttävää, melkein mahdotonta - Tämä on saatava loppumaan - Tämän miehen kärsimys hämmästyttää minua, ulospääsyä varten on edelleen mahdollista hänelle. - Tämä on suurta taidetta: mikään ei ole siinä itsestään selvää. - Nauraan itkulle, itken nauraville."

Luo katsojan ja näyttämön välille etäisyys, joka on välttämätön, jotta katsoja voi ikään kuin "ulkopuolelta" havaita ja päätellä, että hän "nauraa itkeville ja itkee nauraville", eli niin, että hän näkee pidemmälle ja ymmärtää enemmän kuin näytelmähahmot, joten hänen asemansa toimintaan nähden oli henkisen ylivoiman ja aktiivisten päätösten asema - tämä on tehtävä, jonka eeppisen teatterin teorian mukaan näytelmäkirjailija, ohjaaja ja näyttelijän on ratkaistava yhdessä. Jälkimmäiselle tämä vaatimus on erityisen sitova. Siksi näyttelijän tulisi näyttää tietty henkilö tietyissä olosuhteissa, eikä vain olla hän. Joissakin lavalla oleskelunsa hetkissä hänen on seisottava luomansa kuvan vieressä, eli oltava sen ruumiillistuja, mutta myös sen tuomari. Tämä ei tarkoita sitä, että Brecht kieltäisi teatterikäytännössä täysin "tunteen", eli näyttelijän sulautumisen kuvaan. Mutta hän uskoo, että tällainen tila voi ilmaantua vain hetkessä, ja sen tulisi yleensä olla alisteinen kohtuudella harkitulle ja tietoisesti määrätylle roolin tulkinnalle.

Brecht perustelee ja tuo teoreettisesti niin sanotun "vieraantumisilmiön" luovaan käytäntöönsä pohjimmiltaan pakollisena hetkenä. Hän näkee sen pääasiallisena tapana luoda etäisyyttä katsojan ja näyttämön välille, luoden eeppisen teatterin teorian kuvitteleman ilmapiirin suhteessa yleisöön näyttämölle; Pohjimmiltaan "vieraantumisilmiö" on tietynlainen kuvattujen ilmiöiden objektiivisointi, se on suunniteltu järkyttämään katsojan havainnon mieletön automatismi. Katsoja tunnistaa kuvan kohteen, mutta näkee samalla sen kuvan epätavallisena, "vieraantunutna"... Toisin sanoen "vieraantumisilmiön" avulla näytelmäkirjailija, ohjaaja, näyttelijä näyttää tiettyjä elämänilmiöitä ja ihmistyypit eivät tavanomaisessa, tutussa ja tutussa muodossaan, vaan joltain odottamattomalta ja uudelta puolelta, mikä saa katsojan ihmettelemään, näkemään uudella tavalla. vanhoja ja jo tuttuja asioita, kiinnostuneita niistä aktiivisemmin. ymmärtää ja ymmärtää niitä syvemmin. "Tämän "vieraantumisvaikutuksen" tekniikan tarkoitus - selittää Brecht - on juurruttaa katsojaan analyyttinen, kriittinen asema suhteessa kuvattuihin tapahtumiin" 19> /

Brechtin taiteessa kaikilla sen aloilla (draama, ohjaus jne.) "vieraantumista" käytetään erittäin laajasti ja mitä erilaisimmissa muodoissa.

Ryöstöjengin päällikkö - vanhan kirjallisuuden perinteinen romanttinen hahmo - on kuvattu kumartunut tulo- ja kulukirjaan, johon on kaikkien italialaisen kirjanpidon sääntöjen mukaan kirjoitettu hänen "yrityksensä" taloustapahtumat. Jopa viimeisinä tunteina ennen teloitusta hän tuo velan luottoon. Tällainen odottamaton ja epätavallisen "vieraantunut" perspektiivi alamaailman kuvauksessa aktivoi nopeasti katsojan tajunnan, saa hänet ajatukseen, joka ei ehkä ole tullut hänelle ennen mieleen: rosvo on sama porvaristo, joten kuka on porvaristo, ei rosvo. onko se?

Brecht turvautuu näytelmiensä lavasuoritukseen myös "vieraantumisefekteihin". Hän esittelee näytelmiin esimerkiksi kuoroja ja soololauluja, niin sanottuja "lauluja". Näitä kappaleita ei aina esitetä ikään kuin "toiminnan aikana", mikä luonnollisesti sopii lavalla tapahtuvaan. Päinvastoin, ne usein painokkaasti putoavat pois toiminnasta, keskeyttävät ja "vieraannaavat" sen esiintyessään näyttämöllä ja ohjattuna suoraan yleisöön. Brecht jopa korostaa nimenomaan tätä toiminnan katkaisun ja esityksen siirtämisen toiselle tasolle hetkeä: kappaleiden esityksen aikana ritilän tankoista laskeutuu erityinen tunnus tai lavalla ei syty erityistä "solukkovaloa". Laulut on toisaalta suunniteltu tuhoamaan teatterin hypnoottinen vaikutus, estämään näyttämöilluusioiden syntymistä, ja toisaalta ne kommentoivat lavalla tapahtuvia tapahtumia, arvioivat niitä ja edistävät teatterin kehitystä. yleisön kriittisiä arvioita.

Kaikki Brechtin teatterin lavastustekniikat ovat täynnä "vieraantumisefektejä". Rekonstruktiot lavalla tehdään usein jaetuilla verhoilla; muotoilu on luonteeltaan "vihjeellinen" - se on erittäin harva, sisältää "vain välttämättömät", eli vähintään koristeita, jotka välittävät paikan ominaispiirteet ja aika, ja vähimmäisvaatimukset käytetty ja mukana toiminnassa; naamioita käytetään; toimintaan liittyy joskus tekstityksiä, jotka projisoidaan verhoon tai taustalla ja välittäminen erittäin akuutissa aforistisessa tai paradoksaalisessa muodossa sosiaalinen merkitys juonit, jne.

Brecht ei pitänyt "vieraantumisilmiötä" luovan menetelmänsä ainutlaatuisena piirteenä. Päinvastoin, hän lähtee siitä tosiasiasta, että tämä tekniikka, enemmän tai vähemmän, kuuluu yleensä kaiken taiteen luonteeseen, koska se ei ole itse todellisuus, vaan vain sen kuva, joka riippumatta siitä, kuinka lähellä elämää , ei silti voi olla identtinen hänen kanssaan ja siksi se sisältää yhden tai muu toimenpide konventioita, eli syrjäisyyttä, "vieraantumista" kuvan aiheesta. Brecht löysi ja esitti erilaisia "vieraantumisen vaikutuksia" muinaisessa ja aasialaisessa teatterissa, Bruegel vanhemman ja Cézannen maalauksissa, Shakespearen, Goethen, Feuchtwangerin, Joycen jne. teoksissa. Mutta toisin kuin muut taiteilijat, "vieraantuminen" saattaa olla paikalla spontaanisti Brecht, sosialistisen realismin taiteilija, toi tämän tekniikan tarkoituksella läheiseen yhteyteen työssään suorittamiinsa yhteiskunnallisiin tehtäviin.

Todellisuuden kopioiminen suurimman ulkoisen samankaltaisuuden saavuttamiseksi, sen välittömän aistinvaraisen ilmeen säilyttämiseksi mahdollisimman lähellä tai todellisuuden "organisoimiseksi" sen taiteellisen esityksen prosessissa, jotta sen olennaiset piirteet voidaan välittää täysin ja totuudenmukaisesti ( tietysti konkreettis-figuratiivisessa inkarnaatiossa) - nämä ovat nykymaailman taiteen esteettisten ongelmien kaksi napaa. Brecht suhtautuu tähän vaihtoehtoon hyvin selkeästi. "Yleinen mielipide on", hän kirjoittaa eräässä muistiinpanossaan, "että mitä realistisempi taideteos on, sitä helpompi on tunnistaa siinä todellisuus. Vertailen tätä määritelmää, jonka mukaan mitä realistisempi taideteos on, sitä helpompaa on oppia todellisuutta." Todellisuuden tuntemiseen sopivin Brecht piti tavanomaista, "vieraantunutta", joka sisältää suuren yleistyksen realistisen taiteen muodoista.

Oleminen taiteilija Brecht kuitenkin hylkäsi aina kaavamaisen, resonoivan, tunteeton taiteen, ja piti rationalismin periaatteen poikkeuksellisen tärkeänä luomisprosessissa. Hän on näyttävä runoilija, joka viittaa järkeen katsoja, etsii samanaikaisesti ja löytää kaiun tunteistaan. Brechtin näytelmien ja tuotantojen tuottama vaikutelma voidaan määritellä "älyksi jännitykseksi", eli sellaiseksi ihmissielun tilaksi, jossa terävä ja intensiivinen ajatustyö, ikään kuin induktion kautta, herättää yhtä voimakkaan tunnereaktion.

"Eepisen teatterin" teoria ja "vieraantumisen" teoria ovat avain Brechtin koko kirjalliseen työhön kaikissa genreissä. Ne auttavat ymmärtämään ja selittämään sekä hänen runoutensa että proosan oleellisimpia ja pohjimmiltaan tärkeimpiä piirteitä, draamasta puhumattakaan.

Jos Brechtin varhaisten töiden yksilöllinen omaperäisyys heijastui suurelta osin hänen asenteessa ekspressionismiin, niin 1920-luvun jälkipuoliskolla monet Brechtin maailmankatsomuksen ja tyylin tärkeimmistä piirteistä saavat erityisen selkeyden ja määräyksen kohtaamalla "uuden tehokkuuden". Paljon epäilemättä yhdisti kirjoittajan tähän suuntaan - ahne riippuvuus nykyajan merkkeihin elämässä, aktiivinen kiinnostus urheiluun, sentimentaalisen unenomaisuuden kieltäminen, arkaainen "kauneus" ja psykologiset "syvyydet" käytännöllisyyden periaatteiden nimissä. , konkreettisuus, organisointi jne. Ja samalla Brecht erotti paljon "uudesta tehokkuudesta", alkaen hänen jyrkästi kriittisestä asenteestaan amerikkalaista elämäntapaa kohtaan. Yhä enemmän marxilaisesta maailmankatsomuksesta kyllästettynä kirjailija joutui väistämättömään konfliktiin sen kanssa alkaen"uuden tehokkuuden" pääfilosofiset postulaatit - teknismin uskonnon kanssa. Hän kapinoi taipumusta väittää teknologian ensisijaisuutta vastaan ja humanistiset periaatteet elämä: modernin tekniikan täydellisyys ei häikäissyt häntä niin paljon, että hän ei kietonut modernin yhteiskunnan epätäydellisyyksiä, kirjoitettiin toisen maailmansodan aattona. Lähestyvän kata-strofin pahaenteiset ääriviivat häämöivät jo kirjoittajan mielen edessä.

2. Kuva äidistä Courage

Näytelmä avautuu dramaattisen kroniikan muodossa, jolloin Brecht voi piirtää laajan ja monipuolisen kuvan Saksan elämästä sen monimutkaisuudessa ja ristiriitaisuuksissa ja näyttää tätä taustaa vasten sankaritaraan. Sota rohkeudesta on tulonlähde, "kultainen aika". Hän ei edes ymmärrä, että hän itse oli syyllinen kaikkien lastensa kuolemaan. Vain kerran, kuudennessa kohtauksessa, raivostuttuaan tyttärensä hän huudahti: "Vittu sota!" Mutta jo seuraavassa kuvassa hän kävelee jälleen itsevarmalla askeleella ja laulaa "laulun sodasta - loistava sairaanhoitaja". Mutta kestämättömin asia Couragen käytöksessä on hänen siirtymisensä Courage-äidistä Courageen - kauppakumppaniksi. Hän tarkistaa, onko kolikossa hammas, onko se väärennös ja

30-luvun lopulla - 40-luvun alussa. Brecht luo näytelmiä, jotka ovat samantasoisia maailman draamamatkailun parhaiden teosten kanssa. Nämä ovat "Mother Courage" ja "The Life of Galileo".

Historiallinen draama Mother Courage ja hänen lapsensa (1939) perustuu tarinaan 1600-luvun saksalaisesta satiiristista ja publicistista. Grimmelshausenin "Kattava ja omituinen elämäkerta suuresta pettäjästä ja kulkurirohkeesta", jossa kirjailija, kolmikymmenvuotiseen sotaan osallistunut, loi upean kroniikan tästä Saksan historian synkimmästä ajanjaksosta.

Brechtin näytelmän pääsankaritar on ruokala-nainen Anna Firliig, joka on saanut lempinimeltään "Rohkeus" rohkeasta hahmostaan. Lastattuaan pakettiauton kuumalla tavaralla hän lähtee kahden poikansa ja tyttärensä kanssa joukkojen perään sotilasoperaatioalueelle toivoen saavansa kaupallista hyötyä sodasta.

Vaikka näytelmän toiminta sijoittuu Saksan kohtalolle traagisen kolmikymmenvuotisen sodan 1618-1648 aikakauteen, se liittyy orgaanisesti aikamme kiireellisimpiin ongelmiin. Näytelmä koko sisällöllään pakotti lukijan ja katsojan toisen maailmansodan kynnyksellä pohtimaan sen seurauksia, kuka siitä hyötyy ja kuka siitä kärsii. Mutta näytelmässä oli enemmän kuin yksi sodanvastainen teema. Brecht oli syvästi huolissaan tavallisten Saksan työläisten poliittisesta kypsymättömyydestä, heidän kyvyttömyydestään ymmärtää oikein heidän ympärillään tapahtuvien tapahtumien todellista merkitystä, minkä ansiosta heistä tuli fasismin tuki ja uhreja. Näytelmän tärkeimmät kriittiset nuolet eivät ole suunnattu hallitseviin luokkiin, vaan kaikkeen, mikä on pahaa, moraalisesti vääristynyttä, eli työväen keskuudessa. Brechtiläinen kritiikki on sekä närkästyksen että sympatian täynnä.

Rohkeus on nainen, joka rakastaa lapsiaan, elää heidän puolestaan, pyrkii pelastamaan heidät sodalta, - samalla hän lähtee sotaan toivoen saavansa voittoa siitä ja hänestä tulee itse asiassa lasten kuoleman syyllinen, koska joka kerta kun voiton jano on vahvempi kuin äidillinen tunne. Ja tämä kauhea moraalinen ja inhimillinen Rohkeuden lankeemus näkyy kaikessa kauheassa olemuksessaan.

Näytelmä avautuu dramaattisen kroniikan muodossa, jolloin Brecht voi piirtää laajan ja monipuolisen kuvan saksalaisesta elämästä. sisään koko sen monimutkaisuus ja epäjohdonmukaisuudet ja päällä näytä sankaritarsi tätä taustaa vasten. Sota rohkeudesta on tulonlähde, "kultainen aika". Hän ei edes ymmärrä, että hän itse oli syyllinen kaikkien lastensa kuolemaan. Vain kerran, kuudennessa kohtauksessa, raivostuttuaan tyttärensä hän huudahti: "Vittu sota!" Mutta jo seuraavassa kuvassa hän kävelee jälleen itsevarmalla askeleella ja laulaa "laulun sodasta - loistava sairaanhoitaja". Mutta kestämättömin asia Couragen käytöksessä on hänen siirtymisensä Courage-äidistä Courageen - kauppakumppaniksi. Hän tarkistaa, onko kolikossa hammas, onko se väärennös ja ei huomaa, kuinka tällä hetkellä rekrytoija vie poikansa Eilifin ruhtinaallisen armeijan sotilaiden luo. Sodan traagiset opetukset eivät opettaneet ahneelle tarjoilijalle mitään. Mutta kirjoittajan tehtävänä ei ollut näyttää sankarittaren näkemystä. Näytelmäkirjailijalle on pääasia, että katsoja oppii elämänkokemuksestaan oppitunnin itselleen.

taipumusluonnollinen

Näytelmässä "Mother Courage ja hänen lapsensa" on monia kappaleita, kuten myös monissa muissa Brechtin näytelmissä. Mutta erityinen paikka on "Song of the Great Surrender", jonka laulaa Courage. Tämä pe-sna on yksi "vieraantumisvaikutuksen" taiteellisista tekniikoista. Tekijän tarkoituksen mukaan se on suunniteltu keskeyttämään toiminta lyhyeksi ajaksi, jotta katsojalla olisi mahdollisuus pohtia ja analysoida onnettoman ja rikollisen kauppiaan tekoja, selittää hänen "suuren antautumisensa" syitä. näytä, miksi hän ei löytänyt voimaa ja tahtoa sanoa "ei" "Periaate:" elää susien kanssa - ulvoa kuin susi." Hänen "suuri antautumisensa" koostui naiivista uskosta, että sodan kautta oli mahdollista ansaita hyvää rahaa. Joten Couragen kohtalo kasvaa suureksi taipumusluonnollinen"pienen ihmisen" tragedia kapitalistisessa yhteiskunnassa. Mutta maailmassa, joka vääristää tavallisia työntekijöitä moraalisesti, on edelleen ihmisiä, jotka pystyvät voittamaan tottelevaisuuden ja suorittamaan sankariteon. Sellainen on Ku-razhin tytär, tyhmä tyhmä Katrin, joka äitinsä mukaan pelkää sotaa eikä näe yhden elävän olennon kärsimystä. Katrin on elävän, luonnollisen rakkauden ja ystävällisyyden voiman henkilöitymä. Henkensä kustannuksella hän pelastaa rauhallisesti nukkuvat kaupungin asukkaat vihollisen äkilliseltä hyökkäykseltä. Kaikkein heikoin Katrin osoittautuu kykeneväksi aktiivisiin toimiin voiton ja sodan maailmaa vastaan, josta äiti ei pääse pakoon. Katrinin saavutus saa sinut ajattelemaan Couragen käytöstä entistä enemmän ja tuomitsemaan hänet. Tuomitsemalla porvarillisen moraalin kieroutuneen Rohkeen hirvittävään yksinäisyyteen Brecht johdattaa katsojan ajatukseen tarpeesta murtaa sellainen sosiaalinen järjestelmä, jossa eläinmoraali vallitsee ja kaikki rehellinen on tuomittu tuhoon.

Kirjallisuus

1.Saksan kirjallisuuden historia, t5 / toim. Litvak S.A. - M., 1994

1. Ulkomaisen kirjallisuuden historia, - M .: Koulutus, 1987.

2. Modernin proosan mestarit.- M .: Progress 1974.

Samanlaisia asiakirjoja

Bertolt Brecht edustaa 1900-luvun saksalaista kirjallisuutta, elämän ja luovuuden historiaa. Kirjailijan ja teatterin varhaisen luovuuden yksilöllisyys, taiteilijoiden ponnistelut. "Matusya Kurazh ja її lapset" eeppisen teatterin periaate.

lukukausityö lisätty 3.4.2011

Modernismin voittajatrendit ja eurooppalaisen kirjallisuuden kehitys 1900-luvulla. Vertaileva analyysi Sophokleen antiikkisen "Antigonin" ja Brecht obrobin kanssa. Syitä tuhoaminen pään ajatuksia tragedian. Berthold Brecht saksalaisen draaman yhteydessä.

lukukausityö, lisätty 19.11.2014

Nimetsiläisen kirjailijan B. Brechtin elämä. Joogo katso teatterin mysteeriä. Teatteriksi kääntämisen periaate. Brechtin innovaatio. Joogo dramaattinen luovuus siirtolaisuudessa, taistelussa fasismia vastaan. Suurin yhteenotto Galilein "asi"-elämässä.

esitys lisätty 16.10.2014

Lyhyesti Bertolt Brechtistä. Tuhlaajapoika ei palannut. Hektisenä aikana. Kaupunkien hyökkäyksestä. Teatteri herättää ajatuksia. Lääke suureen tarkoitukseen. Voit ottaa kotimaasi mukaasi. Totuuden etsijä valheiden markkinoilla. Kolmannen vuosituhannen kärsimätön runoilija.

tiivistelmä, lisätty 1.4.2007

Ongelman ja poetiikan merkitys ja "si" Matinka Courage ja ne lapset. Unelmieni sekalaisia Bertold Brechtin työssä.

lukukausityö, lisätty 10.6.2012

Ulkomainen kirjallisuus ja historialliset tapahtumat 1900-luvulla. Ulkomaisen kirjallisuuden suunnat 1900-luvun alkupuoliskolla: modernismi, ekspressionismi ja eksistentialismi. 1900-luvun ulkomaiset kirjailijat: Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.

tiivistelmä, lisätty 30.3.2011

Nimechchinin kirjallisen prosessin kehityksen erityispiirteet 1900-luvulla. Pään väijytykset "epichny-teatterille". B. Brechtin innovatiivisten ideoiden analyysi. Katso kirjailijaa esteettisesti. Dram-yleiskulujen filosofinen varasto. P'єsin allegorinen merkitys ja metaforisuus.

lukukausityö lisätty 6.2.2015

M. Šolohovin "Hiljainen Don" on 1900-luvun suurin eeppinen romaani. Eepoksen johdonmukainen historismi. Laaja kuva Donin kasakkojen elämästä ensimmäisen maailmansodan aattona. Taistelu vuoden 1914 sodan rintamilla. Kansanlaulujen käyttö romaanissa.

tiivistelmä, lisätty 26.10.2009

Yleiset suuntaukset eeppisen maailman "Song of Roland" rakentamisessa, taistelun kuvauksen luonne. Tilan ja ajan piirteet teoksessa. Luonnon ja ihmisen rooli ja paikka. Ihmeiden interventio ja elementtien profetiat, jotka tapahtuvat "Laulussa".

tiivistelmä lisätty 10.4.2014

Ymmärrä "liikkuva kuva valoon". Tapoja toteuttaa käsitteellinen tila B. Brechtin "Trigroshovy-romantiikassa". Taiteellisen tekstin käsitteellinen alue. Binäärioptioiden semanttinen rakenne. Brekhtіvske taiteellinen toimintamalli. Romaanin pääpaatos.

30-luvun lopulla - 40-luvun alussa. Brecht luo näytelmiä, jotka ovat samantasoisia maailman draamamatkailun parhaiden teosten kanssa. Nämä ovat "Mother Courage" ja "The Life of Galileo".

moraalinen

Näytelmässä "Mother Courage ja hänen lapsensa" on monia kappaleita, kuten myös monissa muissa Brechtin näytelmissä. Mutta erityinen paikka on "Song of the Great Surrender", jonka laulaa Courage. Tämä pe-sna on yksi "vieraantumisvaikutuksen" taiteellisista tekniikoista. Tekijän tarkoituksen mukaan se on suunniteltu keskeyttämään toiminta lyhyeksi ajaksi, jotta katsojalla olisi mahdollisuus pohtia ja analysoida onnettoman ja rikollisen kauppiaan tekoja, selittää hänen "suuren antautumisensa" syitä. näytä, miksi hän ei löytänyt voimaa ja tahtoa sanoa "ei" "Periaate:" elää susien kanssa - ulvoa kuin susi." Hänen "suuri antautumisensa" koostui naiivista uskosta, että sodan kautta oli mahdollista ansaita hyvää rahaa. Joten Couragen kohtalo kasvaa suureksi moraalinen"pienen ihmisen" tragedia kapitalistisessa yhteiskunnassa. Mutta maailmassa, joka vääristää tavallisia työntekijöitä moraalisesti, on edelleen ihmisiä, jotka pystyvät voittamaan tottelevaisuuden ja suorittamaan sankariteon. Sellainen on Ku-razhin tytär, tyhmä tyhmä Katrin, joka äitinsä mukaan pelkää sotaa eikä näe yhden elävän olennon kärsimystä. Katrin on elävän, luonnollisen rakkauden ja ystävällisyyden voiman henkilöitymä. Henkensä kustannuksella hän pelastaa rauhallisesti nukkuvat kaupungin asukkaat vihollisen äkilliseltä hyökkäykseltä. Kaikkein heikoin Katrin osoittautuu kykeneväksi aktiivisiin toimiin voiton ja sodan maailmaa vastaan, josta äiti ei pääse pakoon. Katrinin saavutus saa sinut ajattelemaan Couragen käytöstä entistä enemmän ja tuomitsemaan hänet. Tuomitsemalla porvarillisen moraalin kieroutuneen Rohkeen hirvittävään yksinäisyyteen Brecht johdattaa katsojan ajatukseen tarpeesta murtaa sellainen sosiaalinen järjestelmä, jossa eläinmoraali vallitsee ja kaikki rehellinen on tuomittu tuhoon.

Bertolt Brechtin eeppisen teatterin teoria, jolla oli valtava vaikutus 1900-luvun draamaan ja teatteriin, on erittäin vaikea materiaali opiskelijoille. Käytännön oppitunnin pitäminen näytelmästä "Mother Courage ja hänen lapsensa" (1939) auttaa tekemään tämän materiaalin saataville assimilaatiota varten.

Eeppisen teatterin teoria alkoi muotoutua Brechtin estetiikassa jo 1920-luvulla, jolloin kirjailija oli lähellä vasemmistolaista ekspressionismia. Ensimmäinen, vielä naiivi ajatus oli Brechtin ehdotus tuoda teatteria lähemmäs urheilua. "Teatteri ilman yleisöä on hölynpölyä", hän kirjoitti artikkelissaan "Lisää hyvää urheilua!"

Vuonna 1926 Brecht valmistui näytelmästä "Mikä on tämä sotilas, mikä tämä on", jota hän piti myöhemmin ensimmäisenä esimerkkinä eeppisesta teatterista. Elisabeth Hauptmann muistelee: "Näytelmän näyttämisen jälkeen" Mikä tämä sotilas on, mikä tämä on "Brecht hankkii kirjoja sosialismista ja marxismista... Hieman myöhemmin, lomalla ollessaan, hän kirjoittaa:" Olen päälaella Capitalissa. Nyt minun on tiedettävä tämä kaikki varmasti ... ".

Brechtin teatterijärjestelmä muotoutuu samanaikaisesti ja erottamattomasti hänen teoksissaan sosialistisen realismin menetelmän muodostumisen kanssa. Järjestelmän perusta - "vieraantumisilmiö" - on K. Marxin kuuluisan kannan esteettinen muoto "Teesejä Feuerbachista": "Filosofit vain selittivät maailmaa eri tavoilla, mutta tarkoitus on muuttaa sitä."

Ensimmäinen teos, joka sisälsi syvästi tämän vieraantumisen ymmärtämisen, oli näytelmä "Äiti" (1931), joka perustuu A. M. Gorkin romaaniin.

Kuvaaessaan järjestelmäänsä Brecht käytti termiä "ei-aristoteelinen teatteri", sitten - "eeppinen teatteri". Näiden termien välillä on joitain eroja. Termi "ei-aristoteelinen teatteri" liittyy ensisijaisesti vanhojen järjestelmien hylkäämiseen, "eeppinen teatteri" - uuden perustamiseen.

"Ei-aristoteelinen" teatteri perustuu keskeisen käsitteen kritiikkiin, joka Aristoteleen mukaan on tragedian ydin - katarsis. Brecht selitti tämän protestin sosiaalisen merkityksen artikkelissaan Fasismin teatraalisuudesta (1939): kriittinen asenne häntä ja itseään kohtaan.<...>Siksi fasismin omaksumaa teatterileikin menetelmää ei voida pitää teatterin positiivisena mallina, jos odotamme siltä kuvia, jotka antavat yleisölle avaimen julkisen elämän ongelmien ratkaisemiseen” (Kirja 2. P. 337).

Ja Brecht yhdistää eeppisen teatterinsa vetoomukseen järkeen kieltämättä tunnetta. Vuonna 1927 hän selitti artikkelissaan "Reflections on the Difficulties of Epic Theatre": "Eeppisessä teatterissa oleellista on luultavasti se, että se ei vetoa niinkään katsojan tunteeseen kuin mieleen. Katsojan ei pidä tuntea myötätuntoa, vaan väitellä. Samalla olisi täysin väärin hylätä tunne tästä teatterista” (Kirja 2. S. 41).

Brechtin eeppinen teatteri on sosialistisen realismin menetelmän ruumiillistuma, halu repiä pois mystiset verhot todellisuudesta, paljastaa yhteiskunnallisen elämän todelliset lait sen vallankumouksellisen muutoksen nimissä (ks. B. Brechtin artikkelit "Sosialistisesta realismista", "Sosialistinen realismi teatterissa").

Eeppisen teatterin ideoista suosittelemme keskittymistä neljään pääkohtaan: "teatterin tulee olla filosofista", "teatterin tulee olla eeppistä", "teatterin tulee olla ilmiömäistä", "teatterin tulee antaa vieraantunut kuva todellisuudesta" - ja analysoida niitä. toteutus näytelmässä "Äiti Courage ja hänen lapsensa".

Näytelmän filosofinen puoli paljastuu sen ideologisen sisällön erityispiirteissä. Brecht käyttää paraabeliperiaatetta ("kertomus siirtyy pois nykyajan kirjailijan maailmasta, joskus jopa tietystä ajasta, tietystä ympäristöstä, ja sitten, ikään kuin kulkiessaan käyrää pitkin, palaa jälleen hylättyyn aiheeseen ja antaa sen filosofisen ja eettisen ymmärtäminen ja arviointi ...".

Siten leikkiparaabelilla on kaksi suunnitelmaa. Ensimmäinen on B. Brechtin pohdiskelu nykytodellisuudesta, toisen maailmansodan liekeistä. Näytelmäkirjailija muotoili tätä suunnitelmaa ilmaisevan näytelmän idean seuraavasti: "Mitä "Mother Courage" -tuotannon pitäisi ennen kaikkea näyttää? Että suuria asioita sodissa eivät tee pienet ihmiset. Se sota, joka on liike-elämän jatkoa muilla keinoin, tekee parhaista ihmisominaisuuksista tuhoisia omistajilleen. Että taistelu sotaa vastaan on kaiken uhrauksen arvoista” (Kirja 1. S. 386). Siten "Äiti Courage" ei ole historiallinen kronikka, vaan varoitusnäytelmä, se ei ole suunnattu kaukaiseen menneisyyteen, vaan lähitulevaisuuteen.

Historiallinen kronikka on näytelmän toinen (parabolinen) suunnitelma. Brecht kääntyi 1600-luvun kirjailijan X. Grimmelshausenin romaaniin "Yksinkertaiselle huolimatta, eli omituisesta kuvauksesta paatunut pettäjä ja kulkuri Rohkeus" (1670). Romaanissa Kolmikymmenvuotisen sodan (1618-1648) tapahtumien taustalla Simplicius Simplicissimuksen (kuuluisa sankari Grimmelshausenin romaanista Simplicissimus) ystävän Couragen (eli rohkean, rohkean) seikkailut. kuvattiin. Brechtin kronikka esittelee Anna Fierlingin, lempinimeltään äiti Courage, 12 vuotta (1624-1636) hänen matkoistaan Puolan, Määrin, Baijerin, Italian ja Saksin halki. "Vertailu ensimmäiseen jaksoon, jossa Courage kolmen lapsen kanssa lähtee sotaan, odottamatta mitään pahaa, uskoen voittoon ja onneen, viimeiseen jaksoon, jossa lapsensa sodassa menettänyt tarjoilija itse asiassa on jo elämästään kaiken tyhmällä itsepäisyydellä menettänyt vetää pakettiautonsa syrjäisellä radalla pimeyteen ja tyhjyyteen - tämä vertailu sisältää näytelmän parabolisen yleiskäsityksen äitiyden (ja laajemmin: elämän, ilon, onnen) yhteensopimattomuudesta sotilaskauppa." On huomattava, että kuvattu ajanjakso on vain fragmentti 30-vuotissodasta, jonka alku ja loppu menetetään vuosien virrassa.

Sodan kuva on yksi näytelmän keskeisistä filosofisesti rikkaista kuvista.

Tekstiä analysoimalla opiskelijoiden tulee esitellä näytelmän tekstiä käyttäen sodan syitä, sodan tarvetta liikemiehille, sodan ymmärtämistä "järjestyksenä". Courage-äidin koko elämä liittyy sotaan, hän antoi hänelle tämän nimen, lapset, vauraus (katso kuva 1). Rohkeus valitsi "suuren kompromissin" tapakseen olla sodassa. Mutta kompromissi ei voi piilottaa sisäistä konfliktia äidin ja tarjoilijan (äiti - Rohkeus) välillä.

Sodan toinen puoli paljastuu Courage-lasten kuvissa. Kaikki kolme hukkuvat: sveitsiläinen rehellisyytensä takia (kuva 3), Eilif - "koska hän teki yhden urotyön enemmän kuin vaadittiin" (kuva 8), Katrin - varoittaa Hallen kaupunkia vihollisten hyökkäyksestä (kuva 11). Ihmisten hyveet joko vääristyvät sodan aikana tai johtavat hyvät ja rehelliset tuhoon. Näin syntyy suurenmoinen traaginen kuva sodasta "käänteisenä maailmana".

Näytelmän eeppisiä piirteitä paljastaessa on välttämätöntä viitata teoksen rakenteeseen. Opiskelijoiden tulee opiskella tekstin lisäksi myös brechtilaisen lavastustavan periaatteita. Tätä varten heidän on tutustuttava Brechtin teokseen ”Rohkeusmalli”. Huomautuksia vuoden 1949 tuotannosta" (Kirja 1.s. 382-443). "Mitä tulee saksalaisen teatterin tuotannon eeppiseen alkuun, se heijastui misan-kohtauksissa ja kuvien piirtämisessä ja yksityiskohtien huolellisessa viimeistelyssä ja toiminnan jatkuvuudessa", kirjoitti. Brecht (Kirja 1, s. 439). Eeppisiä elementtejä ovat myös: sisällön esittäminen jokaisen kuvan alussa, toimintaa kommentoivien vyöhykkeiden esittely, tarinan laaja käyttö (tältä kannalta on mahdollista analysoida yhtä dynaamisimmista kuvista - kolmas, jossa neuvotellaan sveitsiläisten hengestä). Montaasi kuuluu myös eeppisen teatterin välineisiin, toisin sanoen osien, jaksojen yhdistäminen yhdistämättä niitä, ilman halua piilottaa liitosta, vaan päinvastoin, pyrkien korostamaan sitä, aiheuttaen siten assosiaatiovirtaa katsoja. Brecht artikkelissa "Theater of Pleasure vai Theater of Teaching?" " s. 66 ).

Jos opiskelijat ymmärtävät episoinnin periaatteen, he voivat lainata useita konkreettisia esimerkkejä Brechtin näytelmästä.

"Ilmiöteatterin" periaatetta voidaan analysoida vain Brechtin teoksella "Rohkeusmalli". Mikä on ilmiömäisyyden ydin, jonka merkityksen kirjailija paljasti teoksessa "Kuparin osto"? Vanhassa "aristoteelisessa" teatterissa vain näyttelijän näytteleminen oli todella taiteellinen ilmiö. Muut komponentit ikään kuin soittivat hänen kanssaan, kopioivat hänen töitään. Eepisessä teatterissa esityksen jokaisen komponentin (ei vain näyttelijän ja ohjaajan työ, vaan myös valo, musiikki, suunnittelu) tulee olla taiteellinen ilmiö (ilmiö), jokaisella tulee olla itsenäinen rooli esityksen filosofisen sisällön paljastamisessa. työtä, äläkä kopioi muita komponentteja.

"Rohkeusmallissa" Brecht paljastaa ilmiömäisyysperiaatteeseen perustuvan musiikin käytön (ks. Kirja 1. s. 383–384), sama pätee maisemiin. Kaikki turha poistetaan lavalta, ei kopioida kopiota maailmasta, vaan sen kuva. Tätä varten käytetään vain vähän mutta luotettavia yksityiskohtia. ”Jos tietty likiarvo sallitaan suuressa, niin pienessä sitä ei voida hyväksyä. Realistisen kuvauksen kannalta pukujen ja rekvisiitta yksityiskohtien huolellinen työstäminen on tärkeää, koska katsojan mielikuvitus ei voi lisätä tähän mitään”, Brecht kirjoitti (Kirja 1. S. 386).

Vieraantumisen vaikutus ikään kuin yhdistää kaikki eeppisen teatterin pääpiirteet, antaa niille tarkoituksenmukaisuutta. Vieraantumisen kuviollinen perusta on metafora. Vieraantuminen on yksi teatterin sovittelun muodoista, pelin ehtojen hyväksyminen ilman uskottavuuden illuusiota. Vieraantuva vaikutus on suunniteltu korostamaan kuvaa, näyttämään sitä epätavalliselta puolelta. Tässä tapauksessa näyttelijän ei pitäisi sulautua sankariinsa. Joten Brecht varoittaa, että kuvassa 4 (jossa Courage-äiti laulaa "The Song of Great Humility") vieraantumaton näytteleminen "on täynnä sosiaalista vaaraa, jos roolin näyttelijä Courage, joka hypnotisoi katsojaa näyttelemisellään, rohkaisee häntä tottuu tähän sankaritarin.<...>Hän ei voi tuntea sosiaalisen ongelman kauneutta ja houkuttelevaa voimaa” (Kirja 1. S. 411).

Vieraantumisen vaikutusta B. Brechtin päämäärästä poikkeavalla tavalla modernistit kuvasivat näyttämölle absurdin maailman, jossa kuolema hallitsee. Brecht pyrki vieraantumisen avulla näyttämään maailmaa siten, että katsojalla olisi halu muuttaa sitä.

Näytelmän finaalin ympärillä oli suuria kiistoja (ks. Brechtin ja F. Wolfin dialogi. Kirja 1. s. 443–447). Brecht vastasi Wolfille: "Tässä näytelmässä, kuten aivan oikein huomautit, osoitetaan, että Couragelle eivät opetettu mitään häntä kohdanneet katastrofit.<...>Hyvä Friedrich Wolf, sinä olet se, joka vahvistaa, että kirjoittaja oli realisti. Vaikka Rohkeus ei olisi oppinut mitään, yleisö voi mielestäni silti oppia jotain katsomalla sitä” (Kirja 1. S. 447).

2. Kuva äidistä Courage

30-luvun lopulla - 40-luvun alussa. Brecht luo näytelmiä, jotka ovat tasavertaisia maailman draaman parhaiden teosten kanssa. Nämä ovat "Mother Courage" ja "The Life of Galileo".

Historiallinen draama "Äiti Courage ja hänen lapsensa" (1939) perustuu tarinaan 1600-luvun saksalaisesta satiiristista ja publicistista. Grimmelshausenin "Kattava ja omituinen elämäkerta suuresta pettäjästä ja kulkurirohkeesta", jossa kirjailija, kolmikymmenvuotiseen sotaan osallistunut, loi upean kroniikan tästä Saksan historian synkimmästä ajanjaksosta.

Brechtin näytelmän pääsankaritar on ruokala-nainen Anna Firliig, joka on saanut lempinimeltään "Rohkeus" rohkeasta hahmostaan. Kuormattuaan pakettiautoon kuumaa tavaraa, hän kahden poikansa ja tyttärensä kanssa seuraa joukkoja sota-alueelle toivoen saavansa kaupallista voittoa sodasta.

Vaikka näytelmän toiminta sijoittuu Saksan kohtalolle traagisen kolmikymmenvuotisen sodan aikakauteen 1618-1648, se liittyy orgaanisesti aikamme kiireellisimpiin ongelmiin. Näytelmä koko sisällöllään pakotti lukijan ja katsojan toisen maailmansodan kynnyksellä pohtimaan sen seurauksia, kuka siitä hyötyy ja kuka siitä kärsii. Mutta näytelmässä oli enemmän kuin yksi sodanvastainen teema. Brecht oli syvästi huolissaan tavallisten Saksan työläisten poliittisesta kypsymättömyydestä, heidän kyvyttömyydestään ymmärtää oikein heidän ympärillään tapahtuvien tapahtumien todellista merkitystä, minkä ansiosta heistä tuli fasismin tuki ja uhreja. Näytelmän tärkeimmät kriittiset nuolet eivät ole suunnattu hallitseviin luokkiin, vaan kaikkeen, mikä on pahaa, moraalisesti vääristynyttä, eli työväen keskuudessa. Brechtiläinen kritiikki on sekä närkästyksen että sympatian täynnä.

Rohkeus - nainen, joka rakastaa lapsiaan, elää heille, pyrkii pelastamaan heidät sodalta - samaan aikaan lähtee sotaan toivoen saavansa voittoa siitä ja tulee itse asiassa lasten kuoleman syyllinen, koska joka kerta voiton jano on vahvempi kuin äidin tunne ... Ja tämä kauhea moraalinen ja inhimillinen Rohkeuden lankeemus näkyy kaikessa kauheassa olemuksessaan.

Näytelmä avautuu dramaattisen kroniikan muodossa, jolloin Brecht voi maalata laajan ja monipuolisen kuvan Saksan elämästä kaikessa monimutkaisuudessa ja ristiriitaisuuksissa ja näyttää tätä taustaa vasten sankaritaraan. Sota rohkeudesta on tulonlähde, "kultainen aika". Hän ei edes ymmärrä, että hän itse oli syyllinen kaikkien lastensa kuolemaan. Vain kerran, kuudennessa kohtauksessa, raivostuttuaan tyttärensä hän huudahti: "Vittu sota!" Mutta jo seuraavassa kuvassa hän kävelee jälleen itsevarmalla askeleella ja laulaa "laulun sodasta - loistava sairaanhoitaja". Mutta sietämättömin asia Couragen käytöksessä on hänen siirtymisensä Courage-äidistä Courageen - itsekkääksi kauppiaaksi. Hän tarkistaa kolikon hampaan - onko se väärennös, eikä huomaa, kuinka tällä hetkellä rekrytoija vie poikansa Eilifin ruhtinaallisen armeijan sotilaiden luo. Sodan traagiset opetukset eivät opettaneet ahneelle tarjoilijalle mitään. Mutta kirjoittajan tehtävänä ei ollut näyttää sankarittaren näkemystä. Näytelmäkirjailijalle on pääasia, että katsoja oppii elämänkokemuksestaan oppitunnin itselleen.

Näytelmässä "Mother Courage ja hänen lapsensa" on monia kappaleita, kuten myös monissa muissa Brechtin näytelmissä. Mutta erityinen paikka on "Song of the Great Surrender", jonka laulaa Courage. Tämä laulu on yksi "vieraantumisefektin" taiteellisista tekniikoista. Tekijän tarkoituksen mukaan se on suunniteltu keskeyttämään toiminta lyhyeksi ajaksi, jotta katsojalla olisi mahdollisuus pohtia ja analysoida onnettoman ja rikollisen kauppiaan tekoja, selittää hänen "suuren antautumisensa" syitä. näytä, miksi hän ei löytänyt voimaa ja tahtoa sanoa "ei" periaatteelle: "elää susien kanssa - ulvo kuin susi." Hänen "suuri antautumisensa" koostui naiivista uskosta, että sodasta oli mahdollista ansaita hyvää rahaa. Joten Rohkeen kohtalo kasvaa kapitalistisen yhteiskunnan "pienen ihmisen" suurenmoiseen moraaliseen tragediaan. Mutta maailmassa, joka vääristää tavallisia työntekijöitä moraalisesti, on edelleen ihmisiä, jotka pystyvät voittamaan tottelevaisuuden ja suorittamaan sankariteon. Sellainen on Couragen tytär, sortunut tyhmä Katrin, joka äitinsä mukaan pelkää sotaa eikä näe yhdenkään elävän olennon kärsimystä. Katrin on elävän, luonnollisen rakkauden ja ystävällisyyden voiman henkilöitymä. Henkensä kustannuksella hän pelastaa rauhallisesti nukkuvat kaupungin asukkaat vihollisen äkilliseltä hyökkäykseltä. Kaikkein heikoin Katrin osoittautuu kykeneväksi aktiivisiin toimiin voiton ja sodan maailmaa vastaan, josta äiti ei pääse pakoon. Katrinin saavutus saa sinut ajattelemaan Couragen käytöstä entistä enemmän ja tuomitsemaan hänet. Tuomitsemalla porvarillisen moraalin kieroutuneen Rohkeen kauheaan yksinäisyyteen Brecht johdattaa katsojan ajatukseen tarpeesta murtaa sosiaalinen järjestelmä, jossa eläinmoraali vallitsee ja kaikki rehellinen on tuomittu tuhoon.

Ja musta. Se oli valoisa, juhlava, hieman yliluonnollinen liitto, jolle mikään ei näyttänyt mahdottomalta. Uusi musiikki ilmensi unelmaa yhtenäisyydestä ja tasa-arvosta, harmoniasta ja suvaitsevaisuudesta. Vuosikymmenen toisella puoliskolla rock joutui vaikeuksiin: Beatles ilmoitti konserttitoiminnan lopullisesta lopettamisesta, vuonna 1966 Bob Dylan joutui auto-onnettomuuteen ja joutui ...

Musiikki. Musiikkia, joka on luotu elektroni-akustisten ja äänentoistolaitteiden avulla. Edustajat: H. Eymert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper. 3. XX vuosisadan toisen puoliskon kulttuuri. Postmodernismi Postmodernismi syntyi länsieurooppalaisessa kulttuurissa 60- ja 70-luvuilla. Termiä on käytetty laajalti vuodesta 1979 lähtien, jolloin ranskalaisen filosofin Jean-Francois Lyotardin (1924-1998) kirja "...

Lähetä hyvä työsi tietokanta on yksinkertainen. Käytä alla olevaa lomaketta

Samanlaisia ​​asiakirjoja

Toimittajan valinta

Samanlaisia asiakirjoja