Seniman hebat zaman Renaissance. Tokoh Renaissance: Senarai dan Pencapaian Pelukis Renaisans Itali Terkemuka

Pelopor pertama seni Renaissance muncul di Itali pada abad ke-14. Artis pada masa ini, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) dan (terutamanya) Giotto (1267-1337), apabila mencipta kanvas tema keagamaan tradisional, mereka mula menggunakan teknik artistik baru: membina komposisi volumetrik, menggunakan landskap di latar belakang, yang membolehkan mereka membuat imej lebih realistik dan animasi. Ini dengan ketara membezakan kerja mereka daripada tradisi ikonografi sebelumnya, penuh dengan konvensyen dalam imej.
Istilah ini digunakan untuk menunjukkan kreativiti mereka Proto-Renaissance (1300-an - "Trecento") .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - Artis Itali dan arkitek era Proto-Renaissance. Salah satu tokoh penting dalam sejarah seni Barat. Setelah mengatasi tradisi lukisan ikon Byzantine, dia menjadi pengasas sebenar sekolah lukisan Itali, membangunkan pendekatan yang sama sekali baru untuk menggambarkan ruang. Karya Giotto diilhamkan oleh Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Renaissance Awal (1400-an - "Quattrocento").

Pada awal abad ke-15 Filippo Brunelleschi (1377-1446), sarjana dan arkitek Florentine.
Brunelleschi mahu membuat persepsi tentang istilah dan teater yang dia bina semula dengan lebih jelas dan cuba mencipta gambar perspektif geometri daripada rancangannya untuk sudut pandangan tertentu. Dalam pencarian ini ditemui perspektif langsung.

Ini membolehkan artis mendapatkan imej sempurna ruang tiga dimensi pada kanvas rata lukisan itu.

Satu lagi langkah penting ke arah Renaissance ialah kemunculan seni sekular bukan agama. Potret dan landskap telah menetapkan diri mereka sebagai genre bebas. Malah subjek agama memperoleh tafsiran yang berbeza - artis Renaissance mula melihat watak mereka sebagai wira dengan ciri individu yang jelas dan motivasi manusia untuk bertindak.

Artis paling terkenal pada zaman ini ialah Masaccio (1401-1428), Mazolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - pelukis Itali yang terkenal, tuan terbesar sekolah Florentine, pembaharu lukisan era Quattrocento.

Fresco. Keajaiban dengan statir.

Melukis. Penyaliban.

Fresco. Kisah Ratu Syeba. Gereja San Francesco di Arezzo

Musim bunga.

Kelahiran Venus.

Leonardo di ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Artis Itali (pelukis, pengukir, arkitek) dan saintis (ahli anatomi, naturalis), pencipta, penulis.

Potret diri

Wanita dengan cerpelai. 1490. Muzium Czartoryski, Krakow

Mona Lisa (1503-1505 / 1506)

Madonna Litta. 1490-1491. pertapaan.

Madonna Benoit (Madonna dengan bunga). 1478-1480

Madonna daripada Carnation. 1478

Semasa hidupnya, Leonardo da Vinci membuat beribu-ribu nota dan lukisan mengenai anatomi, tetapi tidak menerbitkan karyanya. Membuat bedah siasat ke atas mayat manusia dan haiwan, dia menyampaikan dengan tepat struktur rangka dan organ dalaman, termasuk butiran kecil. Menurut profesor anatomi klinikal Peter Abrams, kerja saintifik da Vinci mendahului masanya sebanyak 300 tahun dan dalam banyak cara mengatasi "Anatomi Kelabu" yang terkenal.

Senarai ciptaan, kedua-duanya nyata dan dikaitkan dengannya:

Payung terjun, keistana hutan, dalambasikal, tankh, ljambatan mudah alih yang ringan untuk tentera, hlmtanduk, kepadaatapult, hlmrev, dteleskop bulu.

Lukisan dan arca Michelangelo Buonarroti penuh dengan kesedihan heroik dan, pada masa yang sama, rasa tragis krisis kemanusiaan. Lukisannya mengagungkan kekuatan dan kekuatan seseorang, kecantikan tubuhnya, sambil menekankan kesepiannya di dunia.

Genius Michelangelo meninggalkan kesan bukan sahaja pada seni Renaissance, tetapi juga pada semua budaya dunia yang lebih jauh. Aktivitinya dikaitkan terutamanya dengan dua bandar Itali - Florence dan Rom.

Walau bagaimanapun, artis itu dapat merealisasikan ideanya yang paling bercita-cita tinggi dengan tepat dalam lukisan, di mana dia bertindak sebagai inovator warna dan bentuk sebenar.
Atas perintah Pope Julius II, dia melukis siling Kapel Sistine (1508-1512), mewakili kisah alkitabiah dari penciptaan dunia hingga banjir dan termasuk lebih daripada 300 tokoh. Pada tahun 1534-1541 di Kapel Sistina yang sama untuk Paus Paul III, dia mempersembahkan karya agung yang penuh dengan lukisan dinding dramatik "The Last Judgment".
Sistine Chapel 3D.

Karya Giorgione dan Titian dibezakan oleh minat mereka dalam landskap, penyajak plot. Kedua-dua artis mencapai kemahiran yang hebat dalam seni potret, dengan bantuan yang mereka menyampaikan watak dan dunia dalaman yang kaya dengan watak mereka.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Artis Itali, wakil sekolah lukisan Venice.

Venus yang sedang tidur. 1510

Judith. 1504g

Titian melukis gambar pada subjek alkitabiah dan mitologi, dia menjadi terkenal sebagai pelukis potret. Dia menerima perintah daripada raja-raja dan paus, kardinal, duke dan putera raja. Titian belum berusia tiga puluh tahun apabila dia diiktiraf sebagai pelukis terbaik Venice.

Potret diri. 1567g

Venus dari Urbinskaya. 1538

Potret Tommaso Mosti. 1520

Renaissance lewat.
Selepas pemecatan Rom oleh pasukan empayar pada tahun 1527, Renaissance Itali memasuki tempoh krisis. Sudah dalam karya mendiang Raphael, garis artistik baru telah digariskan, yang menerima nama itu perangai.
Era ini dicirikan oleh garisan yang melambung dan patah, pemanjangan atau bahkan ubah bentuk angka, selalunya bogel, ketegangan dan pose luar biasa, kesan luar biasa atau pelik yang dikaitkan dengan saiz, pencahayaan atau perspektif, penggunaan skala kromatik kaustik, komposisi terlampau beban, dsb. perangai Parmigianino , Pontormo , Bronzino- tinggal dan bekerja di mahkamah duke rumah Medici di Florence. Kemudian, fesyen sopan tersebar di seluruh Itali dan seterusnya.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "penduduk Parma") (1503-1540,) artis Itali dan pembuat cetakan, wakil ragam.

Potret diri. 1540

Potret seorang wanita. 1530.

Jacopo Robusti, lebih dikenali sebagai Tintoretto (1518 atau 1519-1594) - pelukis sekolah Venice zaman Renaissance lewat.

Makan malam terakhir. 1592-1594. Gereja San Giorgio Maggiore, Venice.

Kristus di atas salib. OKEY. 1577. Koleksi peribadi.

Triniti. 1579 Prado.

Semasa Renaissance, banyak perubahan dan penemuan berlaku. Benua baru diterokai, perdagangan semakin berkembang, benda-benda penting dicipta, seperti kertas, kompas nautika, serbuk mesiu dan lain-lain lagi. Perubahan dalam lukisan juga sangat penting. Lukisan Renaissance mendapat populariti yang besar.

Gaya dan trend utama dalam karya tuan

Tempoh itu adalah salah satu yang paling berkesan dalam sejarah seni. Karya agung sebilangan besar sarjana cemerlang boleh didapati hari ini di pelbagai pusat seni. Di Florence, inovator muncul pada separuh pertama abad kelima belas. Lukisan Renaissance mereka menandakan permulaan era baru dalam sejarah seni.

Pada masa ini, sains dan seni menjadi sangat berkait rapat. Para saintis artis berusaha untuk menguasai dunia fizikal. Pelukis cuba mengambil kesempatan daripada gambaran yang lebih tepat mengenai tubuh manusia. Ramai artis berusaha untuk realisme. Gaya ini bermula dengan lukisan Leonardo da Vinci "The Last Supper", yang dilukisnya selama hampir empat tahun.

Salah satu karya yang paling terkenal

Ia dicat pada tahun 1490-an untuk refectory biara Santa Maria delle Grazie di Milan. Kanvas itu menggambarkan hidangan terakhir Yesus bersama murid-muridnya sebelum dia ditangkap dan dibunuh. Orang sezaman yang memerhati karya artis dalam tempoh ini mencatatkan bagaimana dia boleh melukis dari pagi hingga petang, tanpa berhenti untuk makan. Dan kemudian dia boleh meninggalkan lukisannya selama beberapa hari dan tidak pernah mendekatinya sama sekali.

Artis itu sangat bimbang tentang imej Kristus sendiri dan pengkhianat Yudas. Apabila lukisan itu akhirnya siap, ia telah diiktiraf sebagai karya agung. "The Last Supper" masih menjadi salah satu yang paling popular. Pengeluaran semula Renaissance sentiasa mendapat permintaan tinggi, tetapi karya agung ini telah ditandai dengan banyak salinan.

Karya agung yang diiktiraf, atau senyuman Misteri seorang wanita

Antara karya yang dicipta oleh Leonardo pada abad keenam belas, terdapat potret yang dipanggil "Mona Lisa", atau "La Gioconda". Dalam era moden, ia mungkin lukisan paling terkenal di dunia. Dia menjadi popular terutamanya kerana senyuman sukar difahami pada wajah wanita yang digambarkan pada kanvas. Apa yang membawa kepada misteri ini? Kerja mahir tuan, kebolehan meneduhkan sudut mata dan mulut dengan begitu mahir? Sifat sebenar senyuman ini masih tidak dapat ditentukan.

Di luar persaingan dan butiran lain gambar ini. Perlu memberi perhatian kepada tangan dan mata wanita itu: dengan ketepatan apakah artis itu merawat butiran terkecil kanvas semasa menulisnya. Sama menariknya ialah landskap dramatik di latar belakang lukisan itu, dunia di mana segala-galanya seolah-olah berada dalam keadaan fluks.

Seorang lagi wakil lukisan terkenal

Wakil Renaissance yang tidak kurang terkenal ialah Sandro Botticelli. Ini adalah pelukis Itali yang hebat. Lukisan Renaissance beliau juga menikmati populariti yang besar di kalangan pelbagai khalayak. "Adoration of the Magi", "Madonna and Child Enthroned", "Annunciation" - karya Botticelli ini, yang didedikasikan untuk tema keagamaan, menjadi pencapaian hebat artis.

Satu lagi karya tuan yang terkenal ialah "Madonna Magnificat". Dia menjadi terkenal pada tahun-tahun kehidupan Sandro, seperti yang dibuktikan oleh banyak pembiakan. Kanvas sedemikian dalam bentuk bulatan sangat diminati di Florence pada abad kelima belas.

Satu giliran baru dalam kerja pelukis

Bermula pada tahun 1490, Sandro mengubah gayanya. Ia menjadi lebih pertapa, gabungan warna kini lebih terkawal, selalunya nada gelap diutamakan. Pendekatan baharu pencipta untuk menulis karyanya dapat dilihat dengan sempurna dalam "The Crowning of Mary", "Lamentation of Christ" dan kanvas lain yang menggambarkan Madonna dan Child.

Karya agung yang dilukis oleh Sandro Botticelli pada masa itu, seperti potret Dante, tidak mempunyai latar belakang landskap dan dalaman. Salah satu ciptaan artis yang sama penting ialah "Mistik Krismas". Lukisan itu dilukis di bawah pengaruh kegawatan yang berlaku pada akhir tahun 1500 di Itali. Banyak lukisan oleh seniman Renaissance bukan sahaja mendapat populariti, mereka menjadi contoh untuk pelukis generasi akan datang.

Seorang artis yang kanvasnya dikelilingi oleh lingkaran kekaguman

Rafael Santi da Urbino bukan sahaja seorang arkitek. Lukisan Renaissance beliau membangkitkan kekaguman untuk kejelasan bentuk mereka, kesederhanaan komposisi mereka dan pencapaian visual cita-cita kebesaran manusia. Bersama-sama dengan Michelangelo dan Leonardo da Vinci, dia adalah salah satu daripada triniti tradisional tuan terhebat pada zaman ini.

Dia menjalani kehidupan yang agak singkat, hanya 37 tahun. Tetapi pada masa ini dia mencipta sejumlah besar karya agungnya. Beberapa karyanya ada di Istana Vatican di Rom. Tidak semua penonton boleh melihat sendiri lukisan oleh artis Renaissance. Foto karya agung ini tersedia untuk semua orang (sesetengahnya dibentangkan dalam artikel ini).

Karya Raphael yang paling terkenal

Dari 1504 hingga 1507 Raphael mencipta keseluruhan siri "Madonnas". Lukisan-lukisan itu dibezakan oleh keindahannya yang mempesonakan, kebijaksanaan dan pada masa yang sama sejenis kesedihan yang tercerahkan. Lukisannya yang paling terkenal ialah "The Sistine Madonna". Dia digambarkan sedang berlegar-legar di langit dan turun dengan lancar ke arah orang ramai dengan Bayi dalam dakapannya. Pergerakan inilah yang dapat digambarkan oleh artis dengan sangat mahir.

Karya ini sangat dipuji oleh ramai pengkritik terkenal, dan mereka semua membuat kesimpulan sebulat suara bahawa ia sememangnya jarang dan luar biasa. Semua lukisan oleh seniman Renaissance mempunyai sejarah yang panjang. Tetapi ia menjadi yang paling popular terima kasih kepada pengembaraannya yang tidak berkesudahan, sejak penubuhannya. Selepas melalui pelbagai ujian, ia akhirnya mengambil tempat yang sepatutnya di kalangan eksposisi Muzium Dresden.

Lukisan Renaissance. Gambar lukisan terkenal

Dan seorang lagi pelukis terkenal Itali, pengukir, dan juga seorang arkitek yang mempunyai pengaruh besar terhadap perkembangan seni Barat ialah Michelangelo di Simoni. Walaupun fakta bahawa dia dikenali terutamanya sebagai pengukir, terdapat juga karya lukisannya yang sangat baik. Dan yang paling ketara ialah siling Kapel Sistine.

Kerja ini dijalankan selama empat tahun. Ruang itu meliputi kira-kira lima ratus meter persegi dan mengandungi lebih daripada tiga ratus angka. Di tengah-tengah terdapat sembilan episod dari kitab Kejadian, dibahagikan kepada beberapa kumpulan. Penciptaan bumi, penciptaan manusia dan kejatuhannya. Antara lukisan paling terkenal di siling adalah Penciptaan Adam dan Adam dan Hawa.

Karya beliau yang tidak kurang terkenal ialah "The Last Judgment". Ia telah dilaksanakan di dinding altar Kapel Sistine. Lukisan dinding menggambarkan kedatangan kedua Yesus Kristus. Di sini Michelangelo mengabaikan konvensyen artistik standard dalam menulis Yesus. Dia menggambarkannya dengan struktur badan berotot yang besar, muda dan tidak berjanggut.

Kepentingan Agama, atau Seni Zaman Renaissance

Lukisan Itali Renaissance menjadi asas kepada perkembangan seni Barat. Banyak karya popular generasi pencipta ini telah memberi impak yang besar kepada artis yang berterusan sehingga hari ini. Perwakilan seni yang hebat pada masa itu menumpukan perhatian mereka pada tema keagamaan, sering bekerja untuk pelanggan kaya, termasuk Paus sendiri.

Agama benar-benar menembusi kehidupan seharian orang zaman ini, sangat tertanam dalam minda artis. Hampir semua lukisan keagamaan berada di muzium dan simpanan seni, tetapi pengeluaran semula lukisan Renaissance yang berkaitan bukan sahaja dengan topik ini boleh didapati di banyak institusi dan juga rumah biasa. Orang ramai akan mengagumi karya-karya tuan terkenal pada zaman itu.

7 Ogos 2014

Pelajar seni dan orang yang berminat dalam sejarah seni tahu bahawa pada pergantian abad ke-14-15 perubahan mendadak berlaku dalam lukisan - Renaissance. Sekitar tahun 1420-an, semua orang tiba-tiba menjadi lebih mahir dalam melukis. Mengapa imej tiba-tiba menjadi begitu realistik dan terperinci, dan dalam lukisan terdapat cahaya dan kelantangan? Tiada siapa yang memikirkan perkara ini untuk masa yang lama. Sehingga David Hockney mengambil kaca pembesar.

Mari kita ketahui apa yang dia dapati...

Pernah dia melihat lukisan oleh Jean Auguste Dominique Ingres, pemimpin sekolah akademik Perancis abad ke-19. Hockney mula berminat untuk melihat lukisan kecilnya pada skala yang lebih besar, dan dia membesarkannya pada mesin fotostat. Ini adalah bagaimana dia terjumpa sisi rahsia dalam sejarah lukisan sejak Renaissance.

Setelah membuat salinan fotokopi lukisan kecil Ingres (kira-kira 30 sentimeter), Hockney kagum dengan realistiknya. Dan ia juga nampaknya bahawa garis Ingres adalah sesuatu baginya
ingatkan. Ternyata mereka mengingatkannya tentang kerja Warhol. Dan Warhol melakukan ini - dia menayangkan foto pada kanvas dan menggariskannya.

Kiri: Perincian lukisan oleh Ingres. Kanan: Lukisan oleh Mao Zedong Warhol

Kes yang menarik, kata Hockney. Nampaknya Ingres menggunakan Camera Lucida - peranti yang merupakan struktur dengan prisma yang dilekatkan, sebagai contoh, pada dirian pada tablet. Oleh itu, artis, melihat lukisannya dengan satu mata, melihat imej sebenar, dan dengan yang lain - lukisan itu sendiri dan tangannya. Ternyata ilusi optik yang membolehkan anda memindahkan perkadaran kehidupan sebenar ke kertas dengan tepat. Dan ini adalah tepat "jaminan" realisme imej.

Melukis potret dengan kamera lucida, 1807

Kemudian Hockney mula berminat dengan lukisan dan lukisan jenis "optik" ini. Di studionya, dia dan pasukannya telah menggantung ratusan reproduksi lukisan yang dicipta selama berabad-abad di dinding. Kerja yang kelihatan "sebenar" dan yang tidak. Mengatur mengikut masa penciptaan, dan mengikut wilayah - utara di bahagian atas, selatan di bahagian bawah, Hockney dan pasukannya melihat perubahan mendadak dalam lukisan pada permulaan abad ke-14-15. Secara umum, semua orang yang mengetahui sekurang-kurangnya sedikit tentang sejarah seni tahu - Renaissance.

Mungkin mereka menggunakan kamera lucid yang sama? Ia telah dipatenkan pada tahun 1807 oleh William Hyde Wollaston. Walaupun, sebenarnya, peranti sedemikian diterangkan oleh Johannes Kepler pada tahun 1611 dalam karyanya Dioptrice. Kemudian, mungkin mereka menggunakan peranti optik lain - kamera obscura? Lagipun, ia telah diketahui sejak zaman Aristotle dan merupakan bilik gelap di mana cahaya masuk melalui lubang kecil dan dengan itu dalam bilik gelap unjuran apa yang ada di hadapan lubang itu diperolehi, tetapi terbalik. Semuanya akan baik-baik saja, tetapi imej yang diperolehi apabila ditayangkan oleh kamera lubang jarum tanpa lensa, secara sederhana, ia tidak berkualiti tinggi, ia tidak jelas, ia memerlukan banyak cahaya terang, apatah lagi saiznya. daripada unjuran itu. Tetapi kanta berkualiti hampir mustahil untuk dibuat sehingga abad ke-16, kerana tiada cara untuk mendapatkan kaca berkualiti seperti itu pada masa itu. Perkara yang perlu dilakukan, fikir Hockney, pada masa itu sudah bergelut dengan masalah dengan ahli fizik Charles Falco.

Walau bagaimanapun, terdapat lukisan oleh Jan Van Eyck, seorang pelukis yang berpangkalan di Bruges dan pelukis Flemish zaman Renaissance awal, di mana petunjuk tersembunyi. Lukisan itu dipanggil "Potret Pasangan Arnolfini".

Jan Van Eyck "Potret Pasangan Arnolfini" 1434

Gambar itu hanya bersinar dengan sejumlah besar butiran, yang agak menarik, kerana ia hanya dicat pada tahun 1434. Dan cermin berfungsi sebagai petunjuk bagaimana pengarang berjaya mengambil langkah besar ke hadapan dalam realisme imej. Dan juga batang lilin adalah sangat rumit dan realistik.

Hockney penuh dengan rasa ingin tahu. Dia memegang salinan candelier itu dan cuba melukisnya. Artis itu berhadapan dengan hakikat bahawa perkara yang rumit itu sukar untuk dilukis dalam perspektif. Satu lagi perkara penting ialah kebendaan imej objek logam ini. Apabila menggambarkan objek keluli, adalah sangat penting untuk meletakkan sorotan secara realistik yang mungkin, kerana ini memberikan sejumlah besar realisme. Tetapi masalah dengan sorotan ini ialah ia bergerak apabila pandangan penonton atau artis bergerak, yang bermaksud tidak mudah untuk menangkapnya sama sekali. Dan imej realistik logam dan silau juga merupakan ciri tersendiri lukisan Renaissance, sebelum itu para artis tidak cuba melakukan ini.

Dengan mencipta semula model candelier tiga dimensi yang tepat, pasukan Hockney memastikan bahawa candelier dalam The Portrait of the Arnolfini Couple dilukis dengan tepat dalam perspektif dengan satu titik lenyap. Tetapi masalahnya ialah instrumen optik yang tepat seperti kamera obscura dengan kanta tidak wujud selama kira-kira satu abad selepas lukisan itu dicipta.

Serpihan lukisan oleh Jan Van Eyck "Potret Pasangan Arnolfini" 1434

Serpihan yang diperbesarkan menunjukkan bahawa cermin dalam lukisan "Potret Pasangan Arnolfini" adalah cembung. Jadi terdapat cermin sebaliknya - cekung. Lebih-lebih lagi, pada masa itu, cermin sedemikian dibuat dengan cara ini - sfera kaca diambil, dan bahagian bawahnya ditutup dengan perak, maka semuanya kecuali bahagian bawah dipotong. Bahagian belakang cermin tidak digelapkan. Ini bermakna cermin cekung Jan Van Eyck mungkin cermin yang sama seperti yang ditunjukkan dalam gambar, hanya dari bahagian belakang. Dan mana-mana ahli fizik tahu apa cermin, apabila dipantulkan, menayangkan gambar cermin itu. Di sinilah rakannya ahli fizik Charles Falco membantu David Hockney dengan pengiraan dan penyelidikan.

Cermin cekung menayangkan imej menara di luar tingkap ke atas kanvas.

Bahagian unjuran yang jelas dan fokus adalah kira-kira 30 sentimeter persegi, yang sama persis dengan saiz kepala dalam banyak potret Renaissance.

Hockney menggariskan unjuran seseorang pada kanvas

Ini adalah saiz contohnya potret "Doge Leonardo Loredana" oleh Giovanni Bellini (1501), potret seorang lelaki oleh Robert Campen (1430), potret Jan Van Eyck sendiri "seorang lelaki berserban merah" dan banyak lagi. potret Belanda awal.

Potret Renaissance

Melukis adalah pekerjaan bergaji tinggi, dan sememangnya, semua rahsia perniagaan disimpan dalam keyakinan yang paling ketat. Adalah berfaedah bagi artis bahawa semua orang yang belum tahu percaya bahawa rahsia berada di tangan tuan dan mereka tidak boleh dicuri. Perniagaan itu ditutup kepada orang luar - artis berada dalam persatuan, dan pengrajin yang paling pelbagai berada di dalamnya - daripada mereka yang membuat pelana kepada mereka yang membuat cermin. Dan dalam Guild of Saint Luke, yang diasaskan di Antwerp dan mula-mula disebut pada 1382 (kemudian persatuan yang serupa dibuka di banyak bandar utara, dan salah satu yang terbesar ialah guild di Bruges - bandar tempat Van Eyck tinggal) juga mempunyai tuan, membuat cermin.

Jadi Hockney mencipta semula bagaimana anda boleh melukis candelier yang kompleks daripada lukisan oleh Van Eyck. Sama sekali tidak menghairankan bahawa saiz candelier yang ditayangkan oleh Hockney betul-betul sepadan dengan saiz candelier dalam lukisan "Potret Pasangan Arnolfini". Dan, sudah tentu, silau pada logam - pada unjuran, mereka berdiri diam dan tidak berubah apabila artis menukar kedudukan.

Tetapi masalahnya masih belum diselesaikan sepenuhnya, kerana sebelum penampilan optik berkualiti tinggi, yang diperlukan untuk menggunakan kamera lubang jarum, terdapat 100 tahun lagi, dan saiz unjuran yang diperoleh dengan bantuan cermin adalah sangat kecil. . Bagaimana untuk melukis gambar yang lebih besar daripada 30 sentimeter persegi? Mereka dicipta seperti kolaj - dari pelbagai sudut pandangan, ia ternyata sejenis penglihatan sfera dengan banyak titik lenyap. Hockney menyedari ini, kerana dia sendiri terlibat dalam gambar sedemikian - dia membuat banyak kolaj foto di mana kesan yang sama dicapai.

Hampir satu abad kemudian, pada tahun 1500-an, ia akhirnya menjadi mungkin untuk mendapatkan dan memproses kaca dengan baik - kanta besar muncul. Dan akhirnya mereka boleh dimasukkan ke dalam kamera obscura, yang prinsipnya telah diketahui sejak zaman purba. Lens camera obscura merupakan revolusi yang luar biasa dalam seni visual, kerana unjuran kini boleh dalam sebarang saiz. Dan satu perkara lagi, kini imej itu bukan "sudut lebar", tetapi kira-kira aspek biasa - iaitu, lebih kurang sama seperti hari ini apabila mengambil gambar dengan kanta dengan panjang fokus 35-50mm.

Walau bagaimanapun, masalah dengan menggunakan kamera lubang jarum dengan kanta ialah unjuran hadapan dari kanta dicerminkan. Ini membawa kepada sebilangan besar orang kidal dalam melukis pada peringkat awal penggunaan optik. Seperti dalam lukisan tahun 1600-an dari muzium Frans Hals, di mana sepasang kidal menari, seorang lelaki tua kidal mengancam mereka dengan jari, dan seekor monyet kidal mengintai di bawah pakaian wanita itu.

Dalam gambar ini, semua orang kidal.

Masalahnya diselesaikan dengan memasang cermin di mana lensa diarahkan, dengan itu memperoleh unjuran yang betul. Tetapi nampaknya, cermin yang baik, rata dan besar memerlukan banyak wang, jadi tidak semua orang memilikinya.

Fokus adalah masalah lain. Hakikatnya ialah beberapa bahagian gambar pada satu kedudukan kanvas di bawah sinar unjuran tidak fokus, tidak jelas. Dalam karya Jan Vermeer, di mana penggunaan optik jelas kelihatan, kerjanya secara amnya kelihatan seperti gambar, anda juga boleh melihat tempat yang tidak fokus. Anda juga boleh melihat lukisan yang diberikan oleh lensa - "bokeh" yang terkenal. Sebagai contoh di sini, dalam lukisan "The Milkmaid" (1658), bakul, roti di dalamnya dan pasu biru tidak fokus. Tetapi mata manusia tidak boleh melihat "tidak fokus".

Beberapa butiran lukisan tidak difokuskan.

Dan berdasarkan semua ini, sama sekali tidak menghairankan bahawa rakan baik Jan Vermeer ialah Anthony Phillips van Leeuwenhoek, seorang saintis dan ahli mikrobiologi, serta seorang sarjana unik yang mencipta mikroskop dan kantanya sendiri. Saintis itu menjadi pengurus anumerta artis itu. Dan ini membolehkan kita menganggap bahawa Vermeer menggambarkan rakannya dengan tepat pada dua kanvas - "Ahli Geografi" dan "Astronomer".

Untuk melihat mana-mana bahagian dalam fokus, anda perlu menukar kedudukan kanvas di bawah sinar unjuran. Tetapi dalam kes ini, ralat dalam perkadaran muncul. Seperti yang anda lihat di sini: bahu besar "Anthea" Parmigianino (kira-kira 1537), kepala kecil "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), kaki besar petani dalam lukisan oleh Georges de La Tour.

Ralat nisbah aspek

Sudah tentu, semua artis telah menggunakan kanta secara berbeza. Seseorang untuk lakaran, seseorang terdiri daripada bahagian yang berbeza - lagipun, kini ia mungkin untuk membuat potret, dan menyelesaikan yang lain dengan model lain atau dengan boneka secara umum.

Velazquez juga hampir tiada lukisan. Walau bagaimanapun, karya agungnya kekal - potret Pope Innocent the 10th (1650). Pada jubah ayah - jelas sutera - terdapat permainan cahaya yang indah. Blikov. Dan untuk menulis semua ini dari satu sudut pandangan, anda perlu berusaha keras. Tetapi jika anda membuat unjuran, maka semua keindahan ini tidak akan lari - silau tidak lagi bergerak, anda boleh menulis dengan betul-betul pukulan lebar dan pantas seperti Velazquez.

Hockney menghasilkan semula lukisan oleh Velazquez

Selepas itu, ramai artis mampu membeli kamera obscura, dan ini tidak lagi menjadi rahsia besar. Canaletto secara aktif menggunakan kamera untuk mencipta pandangannya tentang Venice dan tidak menyembunyikannya. Gambar-gambar ini, kerana ketepatannya, memungkinkan untuk bercakap tentang Canaletto sebagai pembuat filem dokumentari. Terima kasih kepada Canaletto, anda boleh melihat bukan sahaja gambar yang indah, tetapi juga sejarah itu sendiri. Anda boleh melihat Jambatan Westminster yang pertama di London pada tahun 1746.

Canaletto "Jambatan Westminster" 1746

Artis British Sir Joshua Reynolds memiliki kamera obscura dan nampaknya tidak memberitahu sesiapa mengenainya, kerana kameranya berlipat dan kelihatan seperti buku. Hari ini ia ditempatkan di Muzium Sains London.

Camera obscura menyamar sebagai buku

Akhirnya, pada awal abad ke-19, William Henry Fox Talbot, menggunakan kamera-lucide - yang mana anda perlu melihat dengan sebelah mata dan melukis dengan tangan anda, mengutuk, memutuskan bahawa kesulitan seperti itu harus dihapuskan dengan sekali dan untuk selama-lamanya, dan menjadi salah seorang pencipta fotografi kimia, dan kemudian menjadi pempopular yang menjadikannya besar.

Dengan terciptanya fotografi, monopoli lukisan pada realisme gambar hilang, kini foto itu menjadi monopoli. Dan di sini, akhirnya, lukisan membebaskan dirinya dari lensa, meneruskan jalan dari mana ia berubah pada tahun 1400-an, dan Van Gogh menjadi pelopor semua seni abad ke-20.

Kiri: Mozek Byzantine abad ke-12. Kanan: Vincent Van Gogh, Potret M. Trabuc, 1889

Penciptaan fotografi adalah perkara terbaik yang telah berlaku kepada lukisan sepanjang sejarahnya. Ia tidak lagi perlu untuk mencipta imej sebenar secara eksklusif, artis menjadi bebas. Sudah tentu, orang ramai mengambil masa satu abad untuk mengejar artis dalam memahami muzik visual dan berhenti menganggap orang seperti Van Gogh sebagai "gila." Pada masa yang sama, artis mula aktif menggunakan gambar sebagai "bahan rujukan". Kemudian orang-orang seperti Wassily Kandinsky, avant-garde Rusia, Mark Rothko, Jackson Pollock muncul. Selepas lukisan, seni bina, arca dan muzik telah dibebaskan. Benar, sekolah lukisan akademik Rusia terjebak pada masanya, dan hari ini masih memalukan di akademi dan sekolah untuk menggunakan fotografi untuk membantu, dan pencapaian tertinggi dianggap sebagai keupayaan teknikal semata-mata untuk melukis secara realistik mungkin dengan tangan kosong.

Terima kasih kepada artikel oleh wartawan Lawrence Weschler, yang hadir pada penyelidikan David Hockney dan Falco, satu lagi fakta menarik didedahkan: potret pasangan Arnolfini oleh Van Eyck ialah potret seorang pedagang Itali di Bruges. En. Arnolfini adalah seorang Florentine dan lebih-lebih lagi, beliau adalah wakil bank Medici (secara praktikal pemilik Florence semasa Renaissance, dianggap sebagai pelanggan seni pada masa itu di Itali). Dan ini mengatakan apa? Hakikat bahawa dia boleh dengan mudah membawa rahsia persatuan St. Luke - cermin - bersamanya, ke Florence, di mana, menurut sejarah tradisional, Renaissance bermula, dan artis dari Bruges (dan, oleh itu, tuan lain) adalah dianggap "primitivis".

Terdapat banyak kontroversi mengenai teori Hockney-Falco. Tetapi pasti ada sebutir kebenaran di dalamnya. Bagi ahli sejarah seni, pengkritik dan ahli sejarah, adalah sukar untuk membayangkan betapa banyak karya saintifik mengenai sejarah dan seni yang sebenarnya menjadi karut sepenuhnya, ini juga mengubah keseluruhan sejarah seni, semua teori dan teks mereka.

Hakikat menggunakan optik sama sekali tidak mengurangkan bakat artis - lagipun, teknik adalah cara untuk menyampaikan apa yang artis inginkan. Dan sebaliknya, hakikat bahawa terdapat realiti sebenar dalam lukisan ini hanya menambah berat kepada mereka - lagipun, ini adalah bagaimana orang pada masa itu, perkara, premis, bandar kelihatan seperti. Ini adalah dokumen sebenar.

Era renaissance berasal dari Itali. Ia memperoleh namanya kerana berbunga intelektual dan artistik yang tajam yang bermula pada abad ke-14 dan sangat mempengaruhi masyarakat dan budaya Eropah. Renaissance dinyatakan bukan sahaja dalam lukisan, tetapi juga dalam seni bina, arca dan kesusasteraan. Wakil-wakil Renaissance yang paling terkenal ialah Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo dan Raphael.

Pada masa ini, matlamat utama pelukis adalah gambaran realistik tubuh manusia, jadi mereka terutamanya melukis orang, menggambarkan pelbagai subjek agama. Prinsip perspektif juga dicipta, yang membuka kemungkinan baru untuk artis.

Florence menjadi pusat Renaissance, Venice mengambil tempat kedua, dan kemudian, lebih dekat dengan abad ke-16 - Rom.

Leonardo dikenali kepada kami sebagai pelukis, pengukir, saintis, jurutera dan arkitek yang berbakat pada zaman Renaissance. Leonardo bekerja hampir sepanjang hidupnya di Florence, di mana dia mencipta banyak karya agung yang terkenal di seluruh dunia. Antaranya: "Mona Lisa" (jika tidak - "La Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benoit", "John the Baptist" dan "St. Anna dengan Maria dan Anak Kristus ”.

Artis ini dikenali dengan gaya unik yang telah dibangunkannya selama ini. Dia juga mengecat dinding Kapel Sistine atas permintaan peribadi Pope Sixtus IV. Lukisan terkenal oleh Botticelli menulis pada tema mitologi. Lukisan ini termasuk "Spring", "Pallas and the Centaur", "The Birth of Venus".

Titian adalah ketua sekolah pelukis Florentine. Selepas kematian gurunya Bellini, Titian menjadi pelukis rasmi yang diiktiraf Republik Venetian. Pelukis ini terkenal dengan potretnya mengenai tema keagamaan: "The Ascension of Mary", "Danae", "Earthly Love and Heavenly Love".

Penyair, pengukir, arkitek dan artis Itali melukis banyak karya, termasuk patung marmar David yang terkenal. Patung ini telah menjadi tarikan utama di Florence. Michelangelo melukis peti besi Kapel Sistine di Vatican, yang merupakan perintah utama Paus Julius II. Semasa tempoh kerja kreatifnya, dia memberi lebih perhatian kepada seni bina, tetapi memberi kami "The Crucifixion of St. Peter", "Entombment", "The Creation of Adam", "Fortuneteller".

Karyanya dibentuk di bawah pengaruh besar Leonardo da Vinci dan Michelangelo, terima kasih kepada siapa dia memperoleh pengalaman dan kemahiran yang tidak ternilai. Dia melukis bilik-bilik negara di Vatican, mewakili aktiviti manusia dan menggambarkan pelbagai adegan dari Alkitab. Antara lukisan terkenal oleh Raphael - "Sistine Madonna", "Three Graces", "St. Michael and the Devil".

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Dalam masa yang sukar untuk Itali, "zaman keemasan" pendek Renaissance Itali bermula - yang dipanggil Renaissance Tinggi, titik tertinggi perkembangan seni Itali. Oleh itu, Renaissance Tinggi bertepatan dengan tempoh perjuangan sengit bandar-bandar Itali untuk kemerdekaan. Seni masa ini diserap dengan humanisme, kepercayaan kepada kuasa kreatif manusia, dalam keterbatasan kemungkinannya, dalam struktur rasional dunia, dalam kejayaan kemajuan. Dalam seni, masalah kewajipan sivik, kualiti moral yang tinggi, perbuatan kepahlawanan, imej yang cantik, berkembang secara harmoni, kuat jiwa dan raga, seorang wira manusia, yang berjaya naik melebihi tahap kehidupan seharian, telah datang ke hadapan. Pencarian untuk ideal seperti itu membawa seni kepada sintesis, generalisasi, kepada pendedahan undang-undang umum fenomena, kepada pengenalpastian hubungan logik mereka. Seni Renaissance Tinggi meninggalkan butiran, butiran yang tidak penting atas nama imej umum, atas nama berusaha untuk sintesis harmoni dari sisi kehidupan yang indah. Ini adalah salah satu perbezaan utama antara Renaissance Tinggi dan yang awal.

Leonardo da Vinci (1452-1519) adalah artis pertama yang menyatakan perbezaan ini. Guru pertama Leonardo ialah Andrea Verrocchio. Sosok malaikat dalam lukisan guru "Baptisan" sudah jelas menunjukkan perbezaan dalam persepsi dunia oleh artis era lalu dan era baru: tiada kerataan depan Verrocchio, model chiaroscuro terbaik dalam volum dan luar biasa. kerohanian imej. ... Pada masa meninggalkan bengkel Verrocchio, penyelidik mengaitkan "Madonna dengan bunga" ("Madonna Benoit", seperti yang dipanggil sebelum ini, dengan nama pemiliknya). Dalam tempoh ini, Leonardo, tidak syak lagi, berada di bawah pengaruh Botticelli untuk beberapa waktu. Dari 80-an abad XV. dua gubahan yang belum selesai oleh Leonardo telah terselamat: The Adoration of the Magi dan St. Jerome". Mungkin pada pertengahan tahun 80-an, Madonna Litta telah dicipta dalam teknik lama tempera, dalam imej yang jenis kecantikan wanita Leonardo mendapati ekspresi: kelopak mata berat separuh tertutup dan senyuman yang hampir tidak dapat dilihat memberikan wajah Madonna kerohanian yang istimewa.

Menggabungkan prinsip saintifik dan kreatif, memiliki pemikiran logik dan artistik, Leonardo sepanjang hidupnya terlibat dalam penyelidikan saintifik bersama-sama dengan seni halus; terganggu, dia kelihatan perlahan dan meninggalkan beberapa karya seni. Di mahkamah Milan, Leonardo bekerja sebagai artis, saintis, juruteknik, pencipta, ahli matematik dan ahli anatomi. Karya pertama yang hebat yang dilakukannya di Milan ialah "Madonna of the Rocks" (atau "Madonna of the Grotto"). Ini adalah altarpiece monumental pertama Zaman Renaissance Tinggi, menarik juga kerana ia menyatakan sepenuhnya keistimewaan gaya lukisan Leonardo.

Karya terbesar Leonardo di Milan, pencapaian tertinggi seninya, adalah lukisan dinding ruang makan biara Santa Maria della Grazie mengenai subjek Perjamuan Terakhir (1495-1498). Kristus bertemu untuk kali terakhir pada perjamuan dengan murid-murid-Nya untuk mengumumkan kepada mereka pengkhianatan salah seorang daripada mereka. Bagi Leonardo, seni dan sains tidak dapat dipisahkan. Terlibat dalam seni, dia melakukan penyelidikan saintifik, eksperimen, pemerhatian, dia melalui perspektif dalam bidang optik dan fizik, melalui masalah perkadaran - dalam anatomi dan matematik, dll. "The Last Supper" melengkapkan keseluruhan peringkat dalam penyelidikan saintifik artis. Ia juga merupakan peringkat baharu dalam seni.

Leonardo berpisah daripada kajian dalam anatomi, geometri, kubu, tebus guna tanah, linguistik, versifikasi, muzik untuk bekerja pada "Kuda" - monumen ekuestrian kepada Francesco Sforza, untuk kepentingan yang pertama sekali dia datang ke Milan dan yang pada awal 90-an dilakukan dalam saiz penuh dalam tanah liat. Monumen itu tidak ditakdirkan untuk dijelmakan dalam gangsa: pada tahun 1499 Perancis menyerang Milan dan pemanah silang Gascon menembak monumen berkuda. Sejak 1499, tahun-tahun pengembaraan Leonardo bermula: Mantua, Venice dan, akhirnya, kampung halaman artis - Florence, di mana dia melukis kadbod "St. Anna dengan Maria di lututnya ", mengikut mana dia mencipta lukisan minyak di Milan (di mana dia kembali pada tahun 1506)

Di Florence, Leonardo memulakan lukisan lain: potret isteri pedagang del Giocondo Mona Lisa, yang telah menjadi salah satu lukisan paling terkenal di dunia.

Potret Mona Lisa Gioconda adalah langkah yang menentukan ke arah pembangunan seni Renaissance

Buat pertama kalinya, genre potret menjadi setanding dengan gubahan bertemakan agama dan mitologi. Dengan semua persamaan fisiognomik yang tidak dapat dipertikaikan, potret Quattrocento berbeza, jika bukan luaran, maka kekangan dalaman. Keagungan Mona Lisa sudah dikomunikasikan melalui perbandingan sosok tiga dimensinya yang tegas, yang ditolak dengan kuat ke tepi kanvas, dengan landskap yang boleh dilihat dari jauh dengan batu dan sungai, mencair, memberi isyarat, sukar difahami dan oleh itu hebat. untuk semua realiti motif.

Leonardo pada tahun 1515 atas cadangan raja Perancis Francis I pergi ke Perancis selama-lamanya.

Leonardo adalah artis terhebat pada zamannya, seorang jenius yang membuka ufuk baharu untuk seni. Dia meninggalkan beberapa karya, tetapi setiap daripada mereka adalah peringkat dalam sejarah budaya. Leonardo juga dikenali sebagai saintis serba boleh. Penemuan saintifiknya, sebagai contoh, penyelidikannya dalam bidang kenderaan terbang, menarik minat zaman angkasawan kita. Beribu-ribu halaman manuskrip Leonardo, yang meliputi secara literal semua bidang pengetahuan, membuktikan kesejagatan kejeniusannya.

Idea-idea seni monumental Renaissance, di mana tradisi kuno dan semangat Kristian bergabung, mendapati ekspresi paling jelas mereka dalam karya Raphael (1483-1520). Dalam seninya, dua tugas utama menemui penyelesaian yang matang: kesempurnaan plastik tubuh manusia, menyatakan keharmonian dalaman personaliti yang dibangunkan secara menyeluruh, di mana Raphael mengikuti zaman dahulu, dan komposisi berbilang angka yang kompleks yang menyampaikan semua kepelbagaian dunia. Raphael memperkaya kemungkinan ini, mencapai kebebasan yang luar biasa dalam penggambaran ruang dan pergerakan figura manusia di dalamnya, keharmonian yang sempurna antara alam sekitar dan manusia.

Tiada seorang pun daripada sarjana Renaissance mengambil secara mendalam dan secara semula jadi intipati pagan zaman dahulu seperti Raphael; bukan tanpa sebab dia dianggap sebagai artis yang paling menghubungkan tradisi kuno dengan seni Eropah Barat era baru.

Raphael Santi dilahirkan pada tahun 1483 di kota Urbino, salah satu pusat budaya seni di Itali, di istana Duke of Urbino, dalam keluarga pelukis dan penyair istana, yang merupakan guru pertama tuan masa depan.

Tempoh awal karya Raphael dengan sempurna dicirikan oleh lukisan kecil dalam bentuk tondo "Madonna Conestabile", dengan kesederhanaan dan laconicisme perincian yang dipilih dengan ketat (untuk semua sifat malu-malu komposisi) dan istimewa, yang wujud dalam semua Karya Raphael, lirik yang halus dan rasa damai. Pada tahun 1500, Raphael meninggalkan Urbino ke Perugia untuk belajar di studio artis Umbrian terkenal Perugino, di bawah pengaruh Mary's Betrothal ditulis (1504). Rasa irama, perkadaran jisim plastik, selang ruang, nisbah angka dan latar belakang, penyelarasan nada asas (dalam "The Betrothal" ini adalah emas, merah dan hijau dalam kombinasi dengan latar belakang biru pucat. langit) dan mencipta keharmonian yang telah dimanifestasikan dalam karya awal Raphael dan membezakannya daripada artis era sebelumnya.

Sepanjang hidupnya, Raphael telah mencari imej ini dalam Madonna, banyak karyanya yang mentafsir imej Madonna telah memenanginya kemasyhuran di seluruh dunia. Merit artis, pertama sekali, adalah bahawa dia dapat merangkumi semua nuansa perasaan yang halus dalam idea keibuan, untuk menggabungkan lirik dan emosi yang mendalam dengan kemegahan yang monumental. Ini boleh dilihat dalam semua Madonnasnya, bermula dengan "Madonna Conestabil" muda yang pemalu: dalam "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna in the Chair" dan terutamanya dalam kemuncak semangat dan kemahiran Raphael - dalam "Sistine Madonna".

The Sistine Madonna adalah salah satu karya Raphael yang paling sempurna dari segi bahasa: sosok Mary dengan bayi, dengan ketat menjulang di latar belakang langit, disatukan oleh irama pergerakan yang sama dengan tokoh St. Orang barbar dan Pope Sixtus II, yang gerak isyaratnya ditujukan kepada Madonna, serta pandangan dua malaikat (lebih seperti putti, yang merupakan ciri Renaissance), berada di bahagian bawah komposisi. Angka-angka itu juga disatukan oleh warna keemasan biasa, seolah-olah mempersonifikasikan pancaran Ilahi. Tetapi perkara utama ialah jenis wajah Madonna, yang merangkumi sintesis kecantikan ideal purba dengan kerohanian ideal Kristian, yang merupakan ciri pandangan dunia Renaissance Tinggi.

The Sistine Madonna ialah karya terkemudian oleh Raphael.

Pada awal abad XVI. Rom menjadi pusat kebudayaan utama Itali. Seni Renaissance Tinggi mencapai berbunga tertinggi di bandar ini, di mana, atas kehendak paus Julius II dan Leo X, artis seperti Bramante, Michelangelo dan Raphael bekerja pada masa yang sama.

Raphael melukis dua rangkap pertama. Dalam stanza della Senyatura (bilik tandatangan, meterai), dia melukis empat lukisan dinding-alegori sfera utama aktiviti rohani manusia: falsafah, puisi, teologi dan perundangan ("Sekolah Athens", "Parnassus", "Pertikaian", "Ukur, Kebijaksanaan dan Kekuatan "Di dalam bilik kedua, yang dipanggil" Stanza of Eliodorus ", Raphael melukis lukisan dinding pada subjek sejarah dan legenda, memuliakan paus:" The Expulsion of Eliodorus "

Ia adalah perkara biasa bagi seni Renaissance zaman pertengahan dan awal untuk menggambarkan seni dan sains dalam bentuk tokoh alegori individu. Raphael menyelesaikan tema ini dalam bentuk gubahan berbilang angka, kadangkala mewakili potret kumpulan sebenar, menarik untuk keperibadian dan tipikalnya.

Para pelajar juga membantu Raphael mengecat loggias Vatican bersebelahan dengan bilik Pope, melukis mengikut lakarannya dan di bawah pengawasannya dengan motif perhiasan antik yang dilukis terutamanya daripada gua-gua antik yang baru dibuka (oleh itu dinamakan "grotesques").

Raphael telah mempersembahkan karya pelbagai genre. Hadiahnya sebagai penghias, serta pengarah, seorang pencerita telah dimanifestasikan sepenuhnya dalam satu siri lapan kadbod untuk permaidani untuk Kapel Sistine pada adegan dari kehidupan rasul Peter dan Paul ("The Miraculous Catch of Fish", untuk contoh). Lukisan-lukisan ini semasa abad XVI-XVIII. berkhidmat sebagai sejenis standard untuk golongan klasik.

Raphael juga merupakan pelukis potret terhebat pada zamannya. ("Pope Julius II", "Leo X", rakan artis, penulis Castiglione, "Donna Velata" yang cantik, dll.). Dan dalam potretnya, sebagai peraturan, keseimbangan dalaman dan keharmonian berlaku.

Pada akhir hayatnya, Raphael sarat dengan pelbagai karya dan pesanan. Malah sukar untuk membayangkan bahawa semua ini boleh dilakukan oleh satu orang. Dia adalah tokoh utama dalam kehidupan seni Rom, selepas kematian Bramante (1514) dia menjadi ketua arkitek Katedral St. Peter, bertanggungjawab dalam penggalian arkeologi di Rom dan sekitarnya serta perlindungan monumen purba.

Raphael meninggal dunia pada tahun 1520; kematian pramatangnya tidak disangka-sangka oleh rakan seangkatannya. Abunya dikebumikan di Pantheon.

Sarjana ketiga terhebat Renaissance Tinggi, Michelangelo, jauh lebih lama daripada Leonardo dan Raphael. Separuh pertama kerjayanya jatuh pada zaman kegemilangan seni Renaissance Tinggi, dan yang kedua - pada masa Counter-Reformation dan permulaan pembentukan seni barok. Daripada galaksi cemerlang artis High Renaissance, Michelangelo mengatasi semua orang dalam kekayaan imej, kesedihan sivik, kepekaan terhadap perubahan mood awam. Oleh itu penjelmaan kreatif keruntuhan idea Renaissance.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Pada tahun 1488, di Florence, dia mula mengkaji dengan teliti plastik kuno. Kelegaan beliau "The Battle of the Centaurs" dari segi keharmonian dalaman sudah pun menjadi karya Zaman Renaissance Tinggi. Pada tahun 1496 artis muda itu pergi ke Rom, di mana dia mencipta karya pertamanya yang membawanya kemasyhuran: "Bacchus" dan "Pieta". Secara literal ditangkap oleh imej zaman dahulu. "Pieta" - membuka beberapa karya oleh tuan mengenai subjek ini dan mempromosikannya kepada bilangan pengukir pertama di Itali.

Kembali ke Florence pada tahun 1501, Michelangelo, bagi pihak Signoria, berusaha untuk memahat figura David dari blok marmar yang rosak di hadapannya oleh seorang pemahat yang malang. Pada tahun 1504 Michelangelo menyiapkan patung terkenal, yang dipanggil "The Giant" oleh Florentines, dan didirikan oleh mereka di hadapan Palazzo Vecchia, dewan bandar. Pembukaan monumen itu bertukar menjadi perayaan yang popular. Imej David telah memberi inspirasi kepada ramai artis Quattrocento. Tetapi Michelangelo menggambarkannya bukan sebagai budak lelaki, seperti dalam Donatello dan Verrocchio, tetapi sebagai lelaki muda yang mekar penuh, dan bukan selepas pertempuran, dengan kepala gergasi di kakinya, tetapi sebelum pertempuran, pada saat yang tertinggi. ketegangan kuasa. Dalam imej Daud yang cantik, dalam wajah tegasnya, pengukir itu menyampaikan kuasa ghairah raksasa, kemahuan yang tidak mengalah, keberanian sivik, kuasa tanpa batas seorang lelaki bebas.

Pada tahun 1504 Michelangelo (seperti yang telah disebutkan berkaitan dengan Leonardo) mula bekerja pada lukisan "Bilik Lima Ratus" di Palazzo Signoria

Pada tahun 1505, Pope Julius II menjemput Michelangelo ke Rom untuk membina makam untuk dirinya sendiri, tetapi kemudian menolak perintah itu dan mengarahkan lukisan siling Kapel Sistine yang kurang megah di Istana Vatican.

Michelangelo bekerja sendirian pada lukisan siling Kapel Sistine, dari 1508 hingga 1512, mengecat kawasan seluas kira-kira 600 meter persegi. m (48x13 m) pada ketinggian 18 m.

Michelangelo mendedikasikan bahagian tengah siling kepada pemandangan sejarah suci, bermula dari penciptaan dunia. Gubahan ini dibingkai oleh cornice, ditulis, tetapi mencipta ilusi seni bina, dan dipisahkan, juga oleh batang yang indah. Segi empat tepat yang indah menekankan dan memperkayakan seni bina sebenar plafond. Di bawah cornice yang indah, Michelangelo melukis para nabi dan sibyls (setiap angka adalah kira-kira tiga meter), dalam lunettes (gerbang di atas tingkap) dia menggambarkan episod dari Alkitab dan nenek moyang Kristus sebagai orang biasa yang sibuk dengan urusan seharian.

Dalam sembilan komposisi utama, peristiwa hari-hari pertama penciptaan terungkap, kisah Adam dan Hawa, banjir, dan semua adegan ini, sebenarnya, adalah himne bagi manusia yang melekat pada dirinya. Tidak lama selepas tamat kerja di Sistine, Julius II meninggal dunia dan warisnya kembali kepada idea batu nisan. Pada tahun 1513-1516. Michelangelo mempersembahkan figura Musa dan hamba (tawanan) untuk batu nisan ini. Imej Musa adalah salah satu yang paling kuat dalam kerja tuan yang matang. Dia meletakkan impian seorang pemimpin yang bijak, berani, penuh dengan kuasa raksasa, ekspresi, sifat-sifat kehendak yang sangat diperlukan ketika itu untuk penyatuan tanah airnya. Tokoh-tokoh hamba tidak termasuk dalam versi akhir kubur.

Dari 1520 hingga 1534 Michelangelo mengerjakan salah satu karya arca yang paling penting dan paling tragis - di Makam Medici (Gereja Florentine San Lorenzo), yang menyatakan semua pengalaman yang jatuh ke tangan tuannya sendiri, kampung halamannya, dan seluruh negara secara keseluruhan. Sejak akhir 1920-an, Itali secara literal telah dirobek oleh kedua-dua musuh luaran dan dalaman. Pada tahun 1527, tentera upahan mengalahkan Rom, Protestan merompak kuil Katolik di kota abadi itu. Borjuasi Florentine menggulingkan Medici, yang memerintah semula dari 1510

Dalam suasana pesimisme yang teruk, dalam keadaan keagamaan yang semakin meningkat, Michelangelo sedang mengusahakan makam Medici. Dia sendiri membina tambahan kepada gereja Florentine San Lorenzo, sebuah bilik kecil tetapi sangat tinggi yang ditutup dengan kubah, dan menghiasi dua dinding sakristi (dalamannya) dengan batu nisan arca. Satu dinding dihiasi dengan figura Lorenzo, sebaliknya adalah Giuliano, dan di bawah kaki mereka adalah sarkofagus yang dihiasi dengan imej arca alegoris - simbol masa yang mengalir pantas: "Pagi" dan "Petang" - di batu nisan Lorenzo, "Malam, dan" Siang "- di batu nisan Giuliano ...

Kedua-dua imej - Lorenzo dan Giuliano - tidak mempunyai persamaan potret, yang berbeza daripada penyelesaian tradisional abad ke-15.

Paul III sejurus selepas pemilihannya mula mendesak agar Michelangelo memenuhi rancangan ini, dan pada tahun 1534, mengganggu kerja di makam, yang dia selesaikan hanya pada tahun 1545, Michelangelo pergi ke Rom, di mana dia memulakan kerja kedua di Kapel Sistine - untuk melukis "Penghakiman Terakhir" (1535-1541) - ciptaan agung yang menyatakan tragedi umat manusia. Ciri-ciri sistem seni baharu terserlah dalam karya Michelangelo ini dengan lebih jelas. Penghakiman penciptaan, Kristus yang menghukum diletakkan di tengah-tengah komposisi, dan di sekelilingnya dalam gerakan berputar berputar digambarkan orang berdosa jatuh ke neraka, orang benar naik ke syurga, orang mati bangkit dari kubur mereka untuk penghakiman Tuhan. Semuanya penuh dengan seram, putus asa, kemarahan, kekeliruan.

Pelukis, pengukir, penyair, Michelangelo juga seorang arkitek yang cemerlang. Dia melaksanakan tangga perpustakaan Florentine Laurenziana, menghiasi Capitol Square di Rom, mendirikan Pintu Pius (Porta Pia), sejak 1546 dia telah bekerja di Katedral St. Peter, dimulakan oleh Bramante. Michelangelo memiliki lukisan dan lukisan kubah, yang telah disiapkan selepas kematian tuannya dan masih menjadi salah satu dominan utama dalam panorama bandar.

Michelangelo meninggal dunia di Rom pada usia 89 tahun. Mayatnya dibawa ke Florence pada waktu malam dan dikebumikan di gereja tertua di kampung halamannya Santa Croce. Kepentingan sejarah seni Michelangelo, impaknya terhadap sezaman dan era seterusnya tidak boleh dipandang terlalu tinggi. Beberapa penyelidik asing menafsirkannya sebagai artis dan arkitek pertama Baroque. Tetapi yang paling penting dia menarik sebagai pembawa tradisi realistik hebat Renaissance.

George Barbarelli da Castelfranco, digelar Giorgione (1477-1510), ialah pengikut langsung gurunya dan artis tipikal Zaman Renaissance Tinggi. Dia adalah orang pertama di bumi Venice yang beralih kepada tema sastera, kepada subjek mitologi. Landskap, alam semula jadi dan tubuh manusia yang telanjang yang indah menjadi objek seni dan objek pemujaan baginya.

Sudah dalam karya pertama yang diketahui "Madonna of Castelfranco" (kira-kira 1505) Giorgione muncul sebagai artis yang maju sepenuhnya; imej Madonna penuh dengan puisi, mimpi termenung, meresap dengan perasaan sedih itu, yang merupakan ciri semua imej wanita Giorgione. Sepanjang lima tahun terakhir dalam hidupnya, artis itu mencipta karya terbaiknya yang dilakukan dalam teknik minyak, yang utama di sekolah Venetian pada masa itu. ... Dalam lukisan 1506 "The Thunderstorm" oleh Giorgione menggambarkan manusia sebagai sebahagian daripada alam semula jadi. Seorang wanita yang menyusukan seorang kanak-kanak, seorang lelaki muda dengan kakitangan (yang boleh disalah anggap sebagai pahlawan dengan tombak) tidak disatukan oleh sebarang tindakan, tetapi disatukan dalam landskap yang megah ini oleh suasana yang sama, keadaan fikiran yang sama. Imej "Sleeping Venus" (kira-kira 1508-1510) diserap dengan kerohanian dan puisi. Tubuhnya ditulis dengan ringan, bebas, anggun, bukan tanpa alasan penyelidik bercakap tentang "muzik" irama Giorgione; ia tidak terlepas dari daya tarikan sensual. "Konsert Luar Bandar" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477? -1576) ialah pelukis terhebat zaman Renaissance Venetian. Dia mencipta karya mengenai kedua-dua subjek mitologi dan Kristian, bekerja dalam genre potret, bakat warnanya luar biasa, kepintaran komposisi tidak habis-habis, dan umur panjangnya yang bahagia membolehkannya meninggalkan warisan kreatif yang kaya yang mempunyai kesan besar kepada keturunan.

Sudah pada tahun 1516 dia menjadi pelukis pertama republik itu, dari 20-an - artis paling terkenal di Venice

Sekitar tahun 1520, Duke of Ferrara menugaskan kepadanya satu siri lukisan di mana Titian muncul sebagai penyanyi zaman purba, yang dapat merasakan dan, yang paling penting, untuk mewujudkan semangat paganisme (Bacchanalia, Feast of Venus, Bacchus dan Ariadne) .

Patrician Venice yang kaya menugaskan Titian untuk imej mezbah, dan dia mencipta ikon besar: "The Ascension of Mary", "Madonna of Pesaro"

"Pengenalan Maria ke Kaabah" (kira-kira 1538), "Venus" (kira-kira 1538)

(potret kumpulan Pope Paul III dengan anak saudaranya Ottavio dan Alexander Farnese, 1545-1546)

Dia masih banyak menulis tentang subjek purba ("Venus dan Adonis", "The Shepherd and the Nymph", "Diana and Actaeon", "Jupiter and Antiope"), tetapi semakin beralih kepada tema Kristian, adegan kesyahidan, di mana pagan joie de vivre, keharmonian antik digantikan dengan sikap yang tragis ("The Flagellation of Christ", "The Penitent Mary Magdalene", "St. Sebastian", "Lamentation"),

Tetapi pada penghujung abad ini, dan di sini, ciri-ciri era baru yang akan datang dalam seni, arah seni baru, sudah jelas. Ini dapat dilihat dalam contoh karya dua artis terhebat pada separuh kedua abad ini - Paolo Veronese dan Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, digelar Veronese (dia berasal dari Verona, 1528-1588), telah ditakdirkan untuk menjadi penyanyi terakhir perayaan Venice yang meriah pada abad ke-16.

: "Kenduri di Rumah Lewi" "Perkahwinan di Kana of Galilee" untuk refectory biara San George Maggiore

Jacopo Robusti, yang dikenali dalam seni sebagai Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - dyer: bapa artis adalah seorang pencelup sutera). Keajaiban St. Mark (1548)

("Keselamatan Arsinoe", 1555), "Pengenalan kepada Kuil" (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro di Piombino, Villa Rotonda di Vicenza, disiapkan selepas kematiannya oleh pelajarnya mengikut reka bentuknya, banyak bangunan di Vicenza). Hasil kajiannya tentang zaman dahulu ialah buku "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581), tetapi zaman purba baginya adalah "organisma hidup", menurut pemerhatian penyelidik yang adil.

Renaissance Belanda dalam lukisan bermula dengan Altarpiece Ghent oleh saudara Hubert (meninggal dunia 1426) dan Jan (c. 1390-1441) van Eyck, disiapkan oleh Jan van Eyck pada tahun 1432. Van Eyck menambah baik teknik minyak: minyak memungkinkan untuk menyampaikan kecemerlangan, kedalaman, kekayaan dunia objektif yang menarik perhatian artis Belanda, kedengarannya yang berwarna-warni.

Daripada banyak Madonna Jan van Eyck, yang paling terkenal ialah Madonna Canselor Rollin (sekitar 1435)

("The Man with the Carnation"; "The Man in the Turban", 1433; potret isteri artis Marguerite van Eyck, 1439

Banyak dalam menyelesaikan masalah seperti seni Belanda berhutang Rogier van der Weyden (1400? -1464) "Descent from the Cross" - karya tipikal Weyden.

Pada separuh kedua abad ke-15. menyumbang kepada kerja tuan bakat luar biasa Hugo van der Goes (sekitar 1435-1482) "Kematian Maria").

Hieronymus Bosch (1450-1516), pencipta penglihatan mistik gelap, di mana dia beralih kepada alegori zaman pertengahan, "The Garden of Pleasure"

Kemuncak Renaissance Belanda, tidak syak lagi, adalah karya Pieter Bruegel the Elder, yang digelar Petani (1525 / 30-1569) ("Dapur Orang Kurus", "Dapur Orang Gemuk"). "Lanskap Musim Sejuk" dari kitaran "Seasons" (tajuk lain - "Hunters in the Snow", 1565), "Battle of Carnival and Lent" (1559).

Albrecht Durer (1471-1528).

"Feast of the Rosary" (nama lain - "Madonna of the Rosary", 1506), "The Horseman, Death and the Devil", 1513; "St. Jerome "dan" Melankolis ",

Hans Holbein the Younger (1497-1543), "The Triumph of Death" ("Dance of Death") potret Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renaissance Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (sekitar 1420-1481), Potret Charles VII

Jean Clouet (sekitar 1485 / 88-1541), anak kepada François Clouet (sekitar 1516-1572), ialah pelukis terpenting Perancis pada abad ke-16. potret Elizabeth dari Austria, sekitar 1571, (potret Henry II, Mary Stuart, dll.)