Rembrandt harmenszoon van rijn - talambuhay at mga kuwadro na gawa. Rembrandt - lahat ng kailangan mong malaman tungkol sa sikat na Dutch artist Painting "The Return of the Prodigal Son"

Flora (1641, Dresden)

The Parable of the Rich Man (1627, Berlin)

Ibinalik ni Judas ang 30 pirasong pilak (1629, pribadong koleksyon)

Self-portrait (1629, Boston)

Nagdalamhati si Jeremias sa pagkawasak ng Jerusalem (1630, Amsterdam)

Larawan ng Isang Siyentipiko (1631, Hermitage)

si Anna ang propetisa (1631, Amsterdam)

Apostol Pedro (1631, Israel)

Bagyo sa Dagat ng Galilea (1663, Boston)

Self-portrait kasama si Saskia (1635, Dresden)

Kapistahan ni Belshazzar (1638, London)

Ang Mangangaral at ang Kanyang Asawa (1641, Berlin)

"Saskia sa isang pulang sumbrero" (1633/1634, Kassel)

Stone Bridge (1638, Amsterdam)

Portrait of Mary Trip (1639, Amsterdam)

Ang Sakripisyo ni Manoi (1641, Dresden)

Babae (1641, Warsaw)

Panoorin sa Gabi (1642, Amsterdam)

Banal na Pamilya (1645, Hermitage)

Flora (1654, New York)

Pagbabalik ng Alibughang Anak (c. 1666-69, Ermita)

Saskia (1643, Berlin)

Ang Sabwatan ni Julius Civilis (1661, Stockholm)

Batang babae na sumusubok sa mga hikaw (1654, Hermitage)

Sindhiki (1662, Amsterdam)

Jewish Bride (1665, Amsterdam)

Larawan ni Maertena Soolmansa (1634, pribadong koleksyon)

Alegorya ng musika. 1626. Amsterdam.

Ngunit mas libre at mas magkakaibang sa komposisyon ang mga self-portraits at portrait ni Rembrandt ng mga taong malapit sa kanya, kung saan ang artist ay matapang na nag-eksperimento sa paghahanap ng psychological expressiveness (self-portrait, 1634, Louvre, Paris; "Smiling Saskia", 1633, Galerya ng sining, Dresden). Ang mga paghahanap sa panahong ito ay nakumpleto ng sikat na "Self-portrait with Saskia" o "The Merry Society"; circa 1635, Picture Gallery, Dresden), matapang paglabag sa mga artistikong canon, nakikilala sa pamamagitan ng buhay na buhay spontaneity ng komposisyon, ang libreng estilo ng pagpipinta, major, puno ng liwanag, makulay na sukat.

Mga komposisyon sa Bibliya noong 1630s ("The Sacrifice of Abraham", 1635, Ermita ng Estado Petersburg) ay nagtataglay ng selyo ng impluwensya ng pagpipinta ng Italian Baroque, na nagpapakita ng sarili sa isang medyo sapilitang dinamika ng komposisyon, matalim na mga anggulo, at mga kaibahan ng liwanag at anino. Ang isang espesyal na lugar sa gawa ni Rembrandt noong 1630s ay inookupahan ng mga mitolohikong eksena kung saan hinamon ng artist ang mga klasikal na canon at tradisyon ("The Rape of Ganymede", 1635, Art Gallery, Dresden).

Ang monumental na komposisyon na Danae (1636-1647, State Hermitage, St. Petersburg), kung saan siya ay tila pumasok sa mga polemics kasama ang mga dakilang masters ng Renaissance, ay naging isang matingkad na sagisag ng mga aesthetic view ng artist: ginampanan niya ang hubad na pigura ni Danae , malayo sa mga klasikal na mithiin, na may matapang na makatotohanang spontaneity, at ang senswal-katawan, perpektong kagandahan ng mga imahe ng mga Italian masters ay sumalungat sa kagandahan ng espirituwalidad at init ng pakiramdam ng tao. Sa parehong panahon, si Rembrandt ay nagtrabaho nang husto sa pamamaraan ng pag-ukit at pag-ukit ("Woman Pissing", 1631; "Rat Poison Seller", 1632; "Wandering Couple", 1634), lumikha ng matapang at pangkalahatan na mga guhit na lapis.

Noong 1640s, isang salungatan ang namumuo sa pagitan ng gawain ni Rembrandt at ng limitadong aesthetic na hinihingi ng kanyang kontemporaryong lipunan. Malinaw niyang ipinakita ang sarili noong 1642, nang ang pagpipinta na "Night Watch" (Rijksmuseum, Amsterdam) ay nagdulot ng mga protesta mula sa mga customer na hindi tinanggap ang pangunahing ideya ng master - sa halip na ang tradisyonal na larawan ng grupo, lumikha siya ng isang heroically uplifted na komposisyon na may isang eksena ng pagganap ng guild ng mga shooters sa isang signal ng alarma, iyon ay ... mahalagang isang makasaysayang larawan, na pumupukaw sa mga alaala ng pakikibaka sa pagpapalaya ng mga mamamayang Dutch. Ang pag-agos ng mga order mula kay Rembrandt ay nabawasan, ang kanyang mga pangyayari sa buhay ay natabunan ng pagkamatay ni Saskia. Ang gawa ni Rembrandt ay nawawalan ng panlabas na pakitang-tao at ang dati nitong likas na pangunahing mga tala. Sumulat siya ng mahinahon, puno ng init at intimacy, mga eksena sa Bibliya at genre, na inilalantad ang mga banayad na lilim ng mga karanasan ng tao, damdamin ng espirituwal, pagkakalapit ng magkamag-anak (David at Jonathan, 1642, Holy Family, 1645, parehong sa Hermitage, St. Petersburg) .

Lahat higit na kahalagahan kapwa sa pagpipinta at sa mga graphic ni Rembrandt, ang pinakamainam na paglalaro ng liwanag at anino ay nakakakuha ng isang espesyal, dramatiko, emosyonal na tensyon na kapaligiran (ang monumental na graphic sheet na "Christ Healing the Sick" o "One Hundred Guilder Leaf", circa 1642-1646; puno ng hangin at light dynamics landscape "Three Trees", etching, 1643). Ang 1650s, na puno ng mahihirap na pagsubok sa buhay para kay Rembrandt, ay nagbukas ng panahon pagiging malikhain artista. Si Rembrandt ay lalong bumaling sa portrait genre, na naglalarawan sa mga taong pinakamalapit sa kanya (maraming larawan ng pangalawang asawa ni Rembrandt na si Hendrickje Stoffels; "Portrait of an Old Woman", 1654, State Hermitage, St. Petersburg; "Son Titus Reading", 1657, Museum of Kasaysayan ng Sining, Vienna).

Parami nang parami ang artist na naaakit ng mga imahe ordinaryong mga tao, mga matatandang nagsisilbing sagisag ng karunungan sa buhay at espirituwal na kayamanan (ang tinaguriang "Portrait of the Artist's Brother's Wife", 1654, Museo ng Estado sining, Moscow; "Portrait of an old man in red", 1652-1654, Hermitage, St. Petersburg). Itinuon ni Rembrandt ang kanyang atensyon sa mukha at mga kamay, inagaw sa dilim ng malambot na nakakalat na liwanag, ang mga banayad na ekspresyon ng mukha ay sumasalamin sa kumplikadong paggalaw ng mga kaisipan at damdamin; Ngayon ang magaan, pagkatapos ay ang mga pastel na brush stroke ay lumilikha ng ibabaw ng larawan, na kumikinang na may makulay at itim-at-puting mga kulay.

Noong kalagitnaan ng 1650s, nakuha ni Rembrandt ang isang mature na kasanayan sa pagpipinta. Ang mga elemento ng liwanag at kulay, independyente at kahit bahagyang magkasalungat sa maagang mga gawa ah artist, ngayon ay sumanib sa isang solong magkakaugnay na kabuuan. Ang isang mainit na pula-kayumanggi, ngayon ay kumikislap, ngayon ay namamatay na nanginginig na masa ng makinang na pintura na nagpapahusay sa emosyonal na pagpapahayag ng mga gawa ni Rembrandt, na para bang pinapainit ang mga ito ng mainit na pakiramdam ng tao. Noong 1656, idineklara si Rembrandt bilang isang insolvent debtor, lahat ng kanyang ari-arian ay naibenta sa auction. Lumipat siya sa Jewish quarter ng Amsterdam, kung saan ginugol niya ang natitirang bahagi ng kanyang buhay sa matinding kalagayan. Ang mga komposisyon sa Bibliya na nilikha ni Rembrandt noong 1660s ay nagbubuod sa kanyang mga pagninilay sa kahulugan buhay ng tao... Sa mga yugtong nagpapahayag ng pag-aaway ng dilim at ng liwanag sa kaluluwa ng tao (Assur, Haman at Esther, 1660, The Pushkin Museum, Moscow; The Fall of Haman or David and Uriah, 1665, The State Hermitage Museum, St. Petersburg) , isang masaganang warm range , flexible pasty na paraan ng pagsulat, matinding paglalaro ng anino at liwanag, kumplikadong texture ng makulay na ibabaw ay nagsisilbing magbunyag ng mga masalimuot na banggaan at emosyonal na mga karanasan, upang pagtibayin ang tagumpay ng kabutihan laban sa kasamaan.

Ang makasaysayang larawan na "The Conspiracy of Julius Civilis" ("The Conspiracy of the Batavs", 1661, isang fragment ng Pambansang Museo, Stockholm). V Noong nakaraang taon Nilikha ng Buhay Rembrandt ang kanyang pangunahing obra maestra - ang monumental na pagpipinta na The Return of the Prodigal Son (circa 1668-1669, State Hermitage, St. Petersburg), na naglalaman ng lahat ng artistikong, moral at etikal na isyu ng trabaho ng artist sa ibang pagkakataon. Sa pamamagitan ng kamangha-manghang kasanayan, muli niyang nililikha dito ang isang buong hanay ng mga kumplikado at malalim na damdamin ng tao, na nagpapasakop sa masining na paraan upang ipakita ang kagandahan ng pag-unawa, pakikiramay at pagpapatawad ng tao. Ang kasukdulan na sandali ng paglipat mula sa pag-igting ng mga damdamin tungo sa paglutas ng mga hilig ay kinakatawan ng mga sculpturally expressive poses, maramot na mga kilos, sa isang emosyonal na istraktura ng kulay na kumikislap nang maliwanag sa gitna ng larawan at kumukupas sa may kulay na espasyo ng background. Ang mahusay na Dutch na pintor, draftsman at etcher na si Rembrandt van Rijn ay namatay noong Oktubre 4, 1669 sa Amsterdam. Napakalaki ng impluwensya ng sining ni Rembrandt. Naapektuhan nito ang gawain ng hindi lamang ng kanyang mga kagyat na mag-aaral, kung saan si Karel Fabricius ay naging pinakamalapit sa pag-unawa sa guro, kundi pati na rin ang sining ng bawat higit o hindi gaanong makabuluhang Dutch artist. Ang sining ni Rembrandt ay nagkaroon ng malalim na epekto sa pag-unlad ng lahat ng makatotohanang sining sa mundo mamaya.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Dutch na pintor, draftsman at engraver, Mahusay na master chiaroscuro, pinakamalaking kinatawan ang ginintuang panahon ng pagpipinta ng Dutch. Nagawa niyang isama sa kanyang mga gawa ang buong hanay ng mga karanasan ng tao na may gayong emosyonal na intensidad na hindi niya alam noon. sining... Ang mga gawa ni Rembrandt, lubhang iba-iba sa pagkakaugnay ng genre, bukas sa manonood ng walang tiyak na oras espirituwal na mundo karanasan at damdamin ng tao.

Si Rembrandt Harmenszon ("anak ni Harmen") van Rijn ay isinilang noong Hulyo 15, 1606 (ayon sa ilang mapagkukunan, noong 1607) sa isang malaking pamilya mayamang may-ari ng mill na si Harmen Gerritszon van Rijn sa Leiden. Ang pamilya ng ina, kahit pagkatapos ng rebolusyon sa Netherlands, ay nanatiling tapat sa pananampalatayang Katoliko.

Sa Leiden, nag-aral si Rembrandt sa isang paaralang Latin sa unibersidad, ngunit nagpakita ng pinakamalaking interes sa pagpipinta. Sa edad na 13 siya ay ipinadala upang mag-aral ng sining sa ilalim ng makasaysayang pintor ng Leiden na si Jacob van Svanenbürch, isang Katoliko sa pamamagitan ng pananampalataya. Hindi mahanap ng mga mananaliksik ang mga gawa ni Rembrandt na may kaugnayan sa panahong ito, kaya nananatiling bukas ang tanong ng impluwensya ng Svanenbürch sa pagbuo ng malikhaing istilo ni Rembrandt: masyadong kaunti ang nalalaman ngayon tungkol sa Leiden artist na ito.

Noong 1623, nag-aral si Rembrandt sa Amsterdam kasama si Peter Lastman, na nakatapos ng internship sa Italya at nagdadalubhasa sa mga paksang pangkasaysayan, mitolohiko at biblikal. Pagbalik sa Leiden noong 1627, si Rembrandt, kasama ang kanyang kaibigan na si Jan Lievens, ay nagbukas ng kanyang sariling workshop at nagsimulang mag-recruit ng mga estudyante. Sa loob ng maraming taon ay nakakuha siya ng malawak na katanyagan.

Ang pagkagumon ni Lastman sa pagkakaiba-iba at detalye sa pagganap ay may malaking epekto sa batang artista. Ito ay malinaw na dumating sa kanyang unang nabubuhay na mga gawa - "The Stonening of St. Stephen "(1629)," Scene from sinaunang Kasaysayan"(1626) at" Ang bautismo ng bating "(1626). Sa paghahambing sa kanyang mga mature na gawa, ang mga ito ay hindi pangkaraniwang makulay, ang artist ay nagsusumikap na maingat na isulat ang bawat detalye ng materyal na mundo, bilang matapat hangga't maaari ihatid ang kakaibang setting ng kasaysayan ng Bibliya. Halos lahat ng mga bayani ay lumilitaw sa harap ng manonood na nakasuot ng magarbong oriental na kasuotan, kumikinang sa mga alahas, na lumilikha ng isang kapaligiran ng kamahalan, karilagan, kasiyahan (Allegory of Music, 1626; David before Saul, 1627).

Ang mga huling gawa ng panahon - "Tobit at Anna", "Balaam at ang Asno" - ay sumasalamin hindi lamang sa mayamang imahinasyon ng artist, kundi pati na rin sa kanyang pagnanais na maiparating ang mga dramatikong karanasan ng kanyang mga bayani bilang nagpapahayag hangga't maaari. Tulad ng iba pang mga Baroque masters, sinimulan niyang maunawaan ang kahalagahan ng matalas na nililok na chiaroscuro para sa paghahatid ng damdamin. Ang kanyang mga guro na may kaugnayan sa pagtatrabaho sa liwanag ay mga caravaggist ng Utrecht, ngunit mas ginabayan siya ng mga gawa ni Adam Elsheimer, isang Aleman na nagtrabaho sa Italya. Ang pinaka-caravaggist na mga pagpipinta ni Rembrandt ay ang "The Parable of the Unreasonable Rich Man" (1627), "Simeon and Anna in the Temple" (1628), "Christ in Emmaus" (1629).

Ang pangkat na ito ay kaakibat ng pagpipinta na "The Artist in His Studio" (1628; marahil ito ay isang self-portrait), kung saan nakuha ng artist ang kanyang sarili sa studio sa sandaling pag-isipan ang kanyang sariling likha. Ang canvas na ginagawa ay dinadala sa harapan ng larawan; sa paghahambing, ang may-akda mismo ay lumilitaw na isang dwarf.

Isa sa mga hindi nalutas na isyu sa malikhaing talambuhay ni Rembrandt ay ang kanyang masining na paggunita kasama si Lievens. Sa paggawa ng magkatabing, hindi lang minsan ay kinuha nila ang parehong paksa, gaya nina Samson at Delilah (1628/1629) o The Resurrection of Lazarus (1631). Sa bahagi, pareho silang naakit kay Rubens, na noon ay kinikilala pinakamahusay na artista sa buong Europa, minsan hiniram ni Rembrandt ang mga artistikong nahanap ng Lievens, minsan ito ay eksaktong kabaligtaran. Para sa kadahilanang ito, ang pagkakaiba sa pagitan ng mga gawa ng Rembrandt at Lievens ng 1628-1632 ay nagpapakita ng ilang mga paghihirap para sa mga kritiko ng sining. Kabilang sa kanyang iba pang sikat na mga gawa - "Valaam's donkey" (1626).

Ito ay bahagi ng isang artikulo sa Wikipedia na lisensyado sa ilalim ng lisensyang CC-BY-SA. Buong teksto mga artikulo dito →

Rembrandt Harmenszoon van Rijn - sikat na pintor, etcher at draftsman ng "Golden Age". Pangkalahatang pagkilala at katanyagan, isang matalim na pagbaba at kahirapan - ito ay kung paano mailalarawan ang talambuhay ng dakilang henyo ng sining. Sinikap ni Rembrandt na ihatid ang kaluluwa ng isang tao sa pamamagitan ng mga larawan; kumakalat pa rin ang mga alingawngaw at hula tungkol sa marami sa mga gawa ng artista, na natatakpan ng misteryo.

Ang simula ng ika-17 siglo ay kalmado para sa estado ng Dutch, na nakakuha ng kalayaan ng republika sa panahon ng rebolusyon. Umunlad ang bansa industriyal na produksyon, Agrikultura at pangangalakal.

Sa sinaunang lungsod ng Leidin, na matatagpuan sa lalawigan ng South Holland, sa isang bahay sa Vedesteg, si Rembrandt, na ipinanganak noong Hulyo 15, 1607, ay gumugol ng kanyang pagkabata.

Ang batang lalaki ay lumaki sa isang malaking pamilya, kung saan siya ang ikaanim na anak. Ang ama ng hinaharap na artista na si Harmen van Rijn ay isang mayamang tao na nagmamay-ari ng isang mill at isang malt house. Sa iba pang mga bagay, mayroong dalawa pang bahay sa estate ng Rhine baths, at nakatanggap din siya ng isang makabuluhang dote mula sa kanyang asawang si Cornelia Neltier, samakatuwid. malaking pamilya namuhay nang sagana. Ang ina ng magiging artista ay anak ng isang panadero at marunong magluto, kaya ang mesa ng pamilya ay puno ng masasarap na pagkain.

Sa kabila ng kanilang kayamanan, ang pamilya Harmen ay namuhay nang disente, na sinusunod ang mahigpit na mga tuntunin ng Katoliko. Ang mga magulang ng artista, kahit na pagkatapos ng rebolusyong Dutch, ay hindi nagbago ng kanilang saloobin sa pananampalataya.

Tinatrato ni Rembrandt ang kanyang ina nang may paggalang sa buong buhay niya. Ito ay ipinahayag sa larawan, na ipininta noong 1639, na naglalarawan ng isang matalinong matandang babae na may mabait at bahagyang malungkot na hitsura.

Alien ang pamilya sekular na kaganapan at marangyang buhay mayayamang tao. Dapat ipagpalagay na sa gabi ay nagtipon si van Rijns sa mesa at nagbasa ng mga libro at Bibliya: ito ang ginawa ng karamihan sa mga mamamayang Dutch noong "Golden Age".

Ang windmill, na pag-aari ni Harmen, ay matatagpuan sa pampang ng Rhine: isang magandang tanawin ng isang azure na ilog ang bumungad sa harap ng tingin ng bata, na pinaliliwanagan ng mga sinag ng araw na dumaraan sa isang maliit na bintana ng pagbuo at pagdaan sa mga ambon ng alikabok ng harina. Marahil, dahil sa mga alaala ng pagkabata, natutunan ng hinaharap na artista na mahusay na makabisado ang mga kulay, liwanag at anino.

Bilang isang bata, si Rembrandt ay lumaki bilang isang mapagmasid na batang lalaki. Ang kalawakan ng mga lansangan ng Leydin ay nagbigay ng mga mapagkukunan ng inspirasyon: sa mga pamilihan sa pangangalakal maaaring makilala ng isa ang iba't ibang tao ng iba't ibang nasyonalidad at matutong gumuhit ng kanilang mga mukha sa papel.

Sa una, ang batang lalaki ay nag-aral sa isang Latin na paaralan, ngunit hindi siya interesado sa pag-aaral. Hindi gusto ng batang si Rembrandt ang mga eksaktong agham, mas pinipili ang pagguhit.

Ang pagkabata ng hinaharap na artista ay masaya, dahil nakita ng mga magulang ang mga libangan ng kanilang anak, at nang ang batang lalaki ay 13 taong gulang, ipinadala siya upang mag-aral para sa artistang Dutch Jacob van Swanenburg. Kaunti ang nalalaman mula sa talambuhay ng unang guro ng Rembrandt; ang kinatawan ng huli na Mannerism ay walang malaking pamana ng sining, kung kaya't halos imposibleng masubaybayan ang impluwensya ni Jacob sa pagbuo ng pag-unlad ng istilong Rembrandt.

Noong 1623, ang binata ay nagpunta sa kabisera, kung saan ang pintor na si Peter Lastman ay naging kanyang pangalawang guro, na nagturo kay Rembrandt ng pagpipinta at pag-ukit sa loob ng anim na buwan.

Pagpipinta

Ang pagsasanay kasama ang tagapagturo ay matagumpay, ang binata, na humanga sa mga pagpipinta ni Lastman, ay mabilis na pinagkadalubhasaan ang diskarte sa pagguhit. Maliwanag at mayamang mga kulay, ang paglalaro ng mga anino at liwanag, pati na rin ang masusing pag-aaral ng kahit na ang pinakamaliit na detalye ng flora - ito ang ipinarating ni Pedro sa kilalang estudyante.

Noong 1627, bumalik si Rembrandt mula sa Amsterdam sa katutubong lungsod... Tiwala sa kanyang mga kakayahan, ang artista, kasama ang kanyang kaibigan na si Jan Lievens, ay nagbukas ng kanyang sariling paaralan ng pagpipinta, na sa maikling oras naging popular sa mga Dutch. Ang Leavens at Rembrandt ay lumakad sa isang par sa bawat isa, kung minsan ang mga kabataan ay maingat na nagtrabaho sa isang canvas, na naglalagay ng bahagi ng kanilang sariling estilo sa pagguhit.

Ang dalawampung taong gulang na batang artista ay nagawang makakuha ng katanyagan sa pamamagitan ng kanyang detalyadong mga naunang gawa, na kinabibilangan ng:

• "Ang Pagbato ng Banal na Apostol na si Esteban" (1625),
• "Palamedeas bago si Agamemnon" (1626),
• "David na may ulo ni Goliath" (1627),
• "Ang Panggagahasa ng Europa" (1632),

Ang binata ay patuloy na kumukuha ng inspirasyon mula sa mga lansangan ng lungsod, naglalakad sa mga parisukat upang matugunan ang isang bystander at makuha ang kanyang larawan gamit ang isang pait sa isang kahoy na tabla. Gumagawa din si Rembrandt ng serye ng mga ukit na may mga self-portraits at portrait ng maraming kamag-anak.

Salamat sa talento ng batang pintor, si Rembrandt ay napansin ng makata na si Konstantin Hagens, na humanga sa mga pagpipinta nina van Rijn at Lievens, na tinawag silang mga promising artist. "Si Judas ay nagbabalik ng tatlumpung piraso ng pilak", na isinulat ng isang Dutchman noong 1629, inihambing niya ang mga sikat na canvases ng mga Italian masters, ngunit nakahanap ng mga bahid sa pagguhit. Salamat sa mga koneksyon ni Constantine, sa lalong madaling panahon nakuha ni Rembrandt ang mga mayamang tagahanga ng sining: dahil sa pamamagitan ng Hagens, ang Prinsipe ng Orange ay nag-utos ng ilang mga gawa sa relihiyon mula sa artist, tulad ng "Before Pilate" (1636).

Ang tunay na tagumpay para sa artist ay darating sa Amsterdam. Hunyo 8, 1633 Nakilala ni Rembrandt ang anak ng isang mayamang burgher na si Saskia van Eilenbürch at nakakuha ng isang malakas na posisyon sa lipunan. Ipininta ng pintor ang karamihan sa mga canvases habang nasa kabisera ng Netherlands.

Si Rembrandt ay inspirasyon ng kagandahan ng kanyang minamahal, kaya madalas niyang pinipintura ang kanyang mga larawan. Tatlong araw pagkatapos ng kasal, pininturahan ni van Rijn ang isang babae sa isang pilak na lapis na may suot na malapad na sumbrero. Si Saskia ay lumitaw sa mga kuwadro na gawa ng Dutchman sa isang maaliwalas na kapaligiran sa tahanan. Ang imahe ng mabilog na babaeng ito ay lumilitaw sa maraming mga canvases, halimbawa, ang misteryosong batang babae sa pagpipinta na "Night Watch" ay malakas na kahawig ng minamahal ng artist.

Noong 1632, naging tanyag si Rembrandt sa pagpipinta na "The Anatomy Lesson of Dr. Tulpa." Ang katotohanan ay umalis si van Rijn mula sa mga canon ng karaniwang mga larawan ng grupo, na inilalarawan na may mga mukha na nakaharap sa manonood. Ang napaka-makatotohanang mga larawan ng doktor at ng kanyang mga mag-aaral ay nagpasikat sa artista.

Noong 1635 ito ay isinulat sikat na pagpipinta sa kuwento sa Bibliya"Sakripisyo ni Abraham", na pinahahalagahan sa sekular na lipunan.

Noong 1642, nakatanggap si van Rijn ng isang order mula sa Shooting Society para sa isang larawan ng grupo upang palamutihan ang isang bagong gusali na may canvas. Ang pagpipinta ay nagkamali na tinawag na "Night Watch". Nabahiran ito ng uling, at noong ika-17 siglo lamang napagpasyahan ng mga mananaliksik na ang pagkilos na nalalahad sa canvas ay nagaganap sa araw.

Masusing inilarawan ni Rembrandt ang bawat detalye ng mga musketeer na gumagalaw: na parang sa isang tiyak na sandali ay tumigil ang oras nang umalis ang mga militiamen sa madilim na patyo para makuha sila ni van Rijn sa canvas.

Hindi nagustuhan ng mga customer na ang Dutch na pintor ay umalis mula sa mga canon na binuo noong ika-17 siglo. Pagkatapos ang mga larawan ng grupo ay seremonyal, at ang mga kalahok ay inilalarawan mula sa harapan nang walang anumang estatika.

Ayon sa mga siyentipiko, ang pagpipinta na ito ang dahilan ng pagkabangkarote ng artist noong 1653, dahil natakot ito sa mga potensyal na kliyente.

Teknik at pagpipinta

Naniniwala si Rembrandt na ang tunay na layunin ng artista ay pag-aralan ang kalikasan, kaya lahat ng mga pintura ng pintor ay naging masyadong photographic: sinubukan ng Dutchman na ihatid ang bawat emosyon ng taong inilalarawan.

Tulad ng maraming mahuhusay na master sa panahon ng "Golden Age", si Rembrandt ay may mga motibo sa relihiyon. Ang mga canvases ni Van Rijn ay hindi lamang ipininta nakunan ng mga mukha, ngunit buong plot na may sariling kasaysayan.

Sa pagpipinta na "The Holy Family", na ipininta noong 1645, ang mga mukha ng mga karakter ay natural, tila nais ng Dutchman na ilipat ang madla sa maginhawang kapaligiran ng isang simpleng pamilya ng magsasaka sa tulong ng isang brush at pintura. Ang mga gawa ni Van Rijn ay hindi matutunton sa isang tiyak na karangyaan. sinabi na ipininta ni Rembrandt si Madonna sa anyo ng isang babaeng magsasaka na Dutch. Sa katunayan, sa buong buhay niya, ang artista ay nakakuha ng inspirasyon mula sa mga taong nakapaligid sa kanya, posible na ang isang babae, na kinopya mula sa isang kasambahay, ay humihinga ng isang sanggol sa canvas.

Tulad ng maraming mga artista, si Rembrandt ay puno ng mga misteryo: pagkatapos ng pagkamatay ng lumikha, ang mga mananaliksik ay nag-isip nang mahabang panahon tungkol sa mga lihim ng kanyang mga canvases.

Halimbawa, sa pagpipinta na "Danae" (o "Aegina"), nagtrabaho si van Rijn ng 11 taon, simula noong 1636. Inilalarawan ng canvas ang isang dalaga pagkagising mula sa pagkakatulog. Ang balangkas ay batay sa alamat ng sinaunang greek tungkol kay Danae, anak ng hari ng Argos at ina ni Perseus.

Hindi maintindihan ng mga mananaliksik ng canvas kung bakit hindi kamukha ni Saskia ang hubad na dalaga. Gayunpaman, pagkatapos ng X-ray, naging malinaw na ang orihinal na Danae ay ipininta sa imahe ni Eilenbürch, ngunit pagkamatay ng kanyang asawa, bumalik si van Rijn sa larawan at binago ang mga tampok ng mukha ni Danae.

Gayundin, sa mga kritiko ng sining ay may mga kontrobersiya tungkol sa pangunahing tauhang babae na inilalarawan sa canvas. Hindi pinirmahan ni Rembrandt ang pamagat ng larawan, at ang interpretasyon ng balangkas ay kumplikado sa kawalan ng ginintuang ulan, ayon sa alamat, sa anyo kung saan nagpakita si Zeus kay Danae. Gayundin, ang mga siyentipiko ay nalilito singsing sa kasal sa palasingsingan mga babaeng hindi sumasang-ayon sinaunang mitolohiyang Griyego... Kasama ang obra maestra ni Rembrandt na si Danae Museo ng Russia Ermita.

"Jewish Bride" (1665) - isa pa misteryosong larawan van Rijn. Ang pangalang ito ay ibinigay sa canvas sa simula ng ika-19 na siglo, ngunit hindi pa rin alam kung sino ang inilalarawan sa canvas, dahil ang isang batang babae at isang lalaki ay nakasuot ng mga sinaunang kasuotan na kahawig ng damit ng Bibliya. Popular din ang pagpipinta na "The Return of the Prodigal Son" (1669), na nilikha sa loob ng 6 na taon.

Kung pinag-uusapan natin ang estilo ng pagpipinta ng mga kuwadro na gawa ni Rembrandt, kung gayon ang artist ay gumamit ng isang minimum na mga kulay, habang pinamamahalaan na gawing "buhay" ang mga kuwadro na gawa, salamat sa paglalaro ng liwanag at mga anino.

Matagumpay ding nagawa ni Van Rhine na ilarawan ang mga ekspresyon ng mukha: ang lahat ng mga tao sa mga canvases ng mahusay na pintor ay tila buhay. Halimbawa, sa larawan ng isang matandang lalaki - Padre Rembrandt (1639), ang bawat kulubot ay makikita, pati na rin ang isang matalino at malungkot na hitsura.

Personal na buhay

Noong 1642, namatay si Saskia sa tuberculosis, ang mga magkasintahan ay nagkaroon ng isang anak na lalaki, si Titus (tatlong iba pang mga bata ang namatay sa pagkabata), na sinuportahan ni Rembrandt. pakikipagkaibigan... Sa pagtatapos ng 1642, nakilala ng artista ang isang binibini na nagngangalang Gertier Dierckx. Ang mga magulang ni Saskia ay nalungkot sa paraan ng pagtatapon ng balo, na namumuhay sa karangyaan. Nang maglaon, idinemanda ni Dirks ang kanyang kasintahan dahil sa paglabag nito sa pangakong pakasalan siya. Mula sa pangalawang babae, ang artista ay may anak na babae, si Cornelia.

Noong 1656, dahil sa kahirapan sa pananalapi, idineklara ni Rembrandt ang kanyang sarili na bangkarota at umalis patungo sa isang liblib na bahay sa labas ng kabisera.

Ang buhay ni Van Rijn ay hindi tumaas, ngunit sa kabaligtaran, ay bumagsak: isang masayang pagkabata, kayamanan at pagkilala ay napalitan ng mga umalis na mga customer at isang pulubi na katandaan. Ang mood ng artist ay maaaring masubaybayan sa kanyang mga canvases. Kaya, nakatira kasama si Saskia, nagsusulat siya nang masaya at maaraw na mga painting, halimbawa, "Self-portrait with Saskia on her knees" (1635). Sa canvas, tumawa si van Rijn na may taos-pusong pagtawa, at isang nagniningning na liwanag ang nagliliwanag sa silid.

Kung bago ang larawan artist ay detalyado, pagkatapos ay sa yugto ng kanyang mamaya trabaho, Rembrandt ay gumagamit ng malawak na stroke, at sinag ng araw napalitan ng dilim.

Ang pagpipinta na "The Conspiracy of Julius Civilis", na isinulat noong 1661, ay hindi binayaran ng mga customer, dahil ang mga mukha ng mga kalahok sa pagsasabwatan ay hindi maingat na ginawa, hindi katulad sa mga nakaraang gawa ni van Rijn.

Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, na nabubuhay sa kahirapan, noong 1665, nagpinta si Rembrandt ng sariling larawan sa imahe ni Zeuxis. Si Zevkis ay isang sinaunang pintor ng Griyego na namatay sa isang ironic na kamatayan: ang artist ay natuwa sa isang larawan ni Aphrodite na ipininta niya sa imahe ng isang matandang babae, at namatay siya sa pagtawa. Sa larawan, tumawa si Rembrandt, ang artist ay hindi nag-atubiling maglagay ng bahagi ng itim na katatawanan sa canvas.

Kamatayan

Inilibing ni Rembrandt ang kanyang anak na si Titus, na namatay sa salot, noong 1668. Ang malungkot na pangyayaring ito ay lalong lumala estado ng pag-iisip artista. Namatay si Van Rijn noong 4 Oktubre 1669 at inilibing sa Dutch Westerkerk church sa Amsterdam.

Sa panahon ng kanyang buhay, ang artist ay nagpinta ng humigit-kumulang 350 canvases at 100 mga guhit. Kinailangan ng sangkatauhan ng dalawang siglo upang pahalagahan ang mahusay na artist na ito.

Paglikha Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669) ay minarkahan ang pinakamataas na pamumulaklak ng sining ng Dutch noong ika-17 siglo at isa sa pinakamataas na sining ng mundo sa pangkalahatan. Demokratiko at tunay na makatao, na puno ng maalab na pananampalataya sa pagtatagumpay ng makatarungang mga prinsipyo sa buhay, isinama nito ang mga pinaka-advance at nagpapatibay-buhay na mga ideya sa panahon nito. Itinaas ng artista ang sining sa isang bagong antas, pinayaman ito ng hindi pa nagagawang sigla at sikolohikal na lalim. Gumawa si Rembrandt ng bagong pictorial language kung saan ang pangunahing tungkulin naglaro ng mga diskarteng may banayad na disenyo ng chiaroscuro at mayaman, emosyonal na matinding pangkulay. Ang espirituwal na buhay ng isang tao ay naging accessible na sa paglalarawan sa pamamagitan ng makatotohanang sining.

Si Rembrandt ay isang innovator sa maraming genre. Bilang isang pintor ng portrait, siya ang lumikha ng isang kakaibang genre ng portrait-biography, kung saan mahabang buhay tao at sa kanya panloob na mundo ipinahayag sa lahat ng kanilang pagiging kumplikado at hindi pagkakapare-pareho. Bilang isang makasaysayang pintor, binago niya ang malayong sinaunang at biblikal na mga alamat sa isang kuwento tungkol sa mga totoong tao sa lupa na pinainit ng mataas na humanismo. damdamin ng tao at mga relasyon.

Ang kalagitnaan ng 1630s ay ang panahon ng pinakamalapit na kalapitan ng Rembrandt sa istilong European baroque, malago at maingay, puspos ng mga theatrical pathos at mabagyong paggalaw, mga kaibahan ng liwanag at anino, magkasalungat na kapitbahayan ng naturalistic at pandekorasyon na mga sandali, kahalayan at kalupitan.

V isinulat ang panahon ng barok "Pagbaba mula sa Krus"(1634). Inilalarawan ng larawan ang alamat ng Ebanghelyo tungkol sa kung paano sina Jose ng Arimatea, Nicodemus at Iba pang mga disipulo at mga kamag-anak ni Kristo, na natanggap ang pahintulot ni Pilato, tinanggal ang katawan ni Kristo sa gabi, binalot ito ng isang mayamang saplot at inilibing ito.

Sa gawaing ito, nagsimula si Rembrandt mula sa sikat na pagpipinta ni Rubens na may parehong pangalan, gamit ang magkahiwalay na komposisyon na motibo ng dakilang Flemish at nagsusumikap na malampasan siya sa pagpapahayag ng mga espirituwal na paggalaw ng mga bayani.

Ang iba mahalagang tagumpay ang larawang ito, kasama ang indibidwalisasyon ng mga damdamin mga artista, ay ang paggamit ng liwanag upang makamit ang kabuuan multi-figure na komposisyon... Ang tatlong pangunahing sandali ng alamat - ang pag-alis mula sa krus, ang pagkahimatay ni Maria at ang pagkalat ng saplot - ay pinaliwanagan ng tatlong magkakaibang pinagmumulan ng liwanag, na ang intensity ay bumababa alinsunod sa pagbaba ng kahalagahan ng eksena.

Ang isang trahedya sa pamilya at ang pagkumpleto ng isang responsableng utos ay naglagay kay Rembrandt sa harap ng mahihirap na problema ng kanyang personal at malikhaing buhay. Ang artista ay lumabas mula sa krisis na ito na mature at matalino. Ang kanyang sining ay nagiging mas seryoso, nakolekta at mas malalim, at higit sa lahat, ang kanyang interes sa panloob na buhay tao, sa kung ano ang nangyayari sa kanyang kaluluwa.

Sa malapit na koneksyon sa ebolusyon ng gawa ni Rembrandt noong 1640s, dapat isaalang-alang ang isa sa pinakamahalagang gawa ng artist - "Danae" bagama't may petsa ang pagpipinta 1636. Si Rembrandt ay naging inspirasyon ng kanyang unang pag-ibig, si Saskia, upang lumikha ng imahe ni Danae, ang maalamat na Griyegong prinsesa, na ikinulong ng kanyang ama upang maiwasan ang kamatayan na hinulaan sa kanya ng kamay ng kanyang apo. Ngunit makalipas ang sampung taon, tulad ng ipinakita ng pinakabagong pananaliksik, ang artista, na hindi nasisiyahan sa paunang desisyon, ay makabuluhang muling inayos ang imahe ng pangunahing karakter. Ang modelo para sa huling bersyon ng larawan ay, tila, si Gertier Dierks, isang batang balo na nanirahan sa bahay ni Rembrandt pagkatapos ng pagkamatay ni Saskia, una bilang isang yaya para sa isang taong gulang na si Titus, at pagkatapos ay bilang isang buong maybahay. Kaya, ang ulo, kanang kamay at, sa isang malaking lawak, ang katawan ni Danae, na naghihintay sa kanyang piitan para sa kanyang minamahal (ayon sa alamat, si Zeus, na umibig kay Danae, ay tumagos sa kanya sa anyo ng isang ginintuang ulan), pati na rin ang pigura ng isang matandang katulong na babae, ay muling ipininta, sa isang matapang, malawak na paraan. kalagitnaan at ikalawang kalahati ng 1640s. Halos lahat ng iba pang mga detalye ng pagpipinta ay nanatiling pareho tulad ng ipininta noong 1636, na katangian ng nakaraang panahon na may maayos, pagguhit ng brushstroke.

Sa pangalawang bersyon, iyon ay, noong 1646-1647, nakatanggap si Danae ng isang malalim na sikolohikal na katangian, salamat sa kung saan ang pinakaloob na mundo ng isang babae, ang buong kumplikado at magkasalungat na hanay ng kanyang mga damdamin at karanasan, ay ipinahayag. Ang "Danae" ay isang visual tiyak na halimbawa ang pagbuo ng sikat na Rembrandt psychology.

Ang gawain ni Rembrandt noong 1650s ay pangunahing minarkahan ng mga tagumpay sa larangan ng portraiture. Sa panlabas, ang mga larawan ng panahong ito ay karaniwang nakikilala sa pamamagitan ng kanilang malalaking sukat at monumental na mga anyo. mga kalmadong pose. Karaniwang nakaupo ang mga modelo sa malalalim na armchair habang nakaluhod ang mga kamay at nakaharap nang diretso sa manonood. Ang mukha at mga kamay ay naka-highlight sa liwanag. Ang mga ito ay palaging matatandang tao, matalino sa pamamagitan ng mahabang karanasan sa buhay - mga matatanda at matatandang babae na may bakas ng malungkot na pag-iisip sa kanilang mga mukha at masipag sa kanilang mga kamay. Ang ganitong mga modelo ay nagbigay sa artist ng napakatalino na pagkakataon upang ipakita hindi lamang ang mga panlabas na palatandaan ng katandaan, kundi pati na rin ang espirituwal na hitsura ng isang tao. Sa koleksyon ng Hermitage, ang mga gawang ito ay mahusay na kinakatawan ng mga hindi kinomisyong larawan:

"The Old Man in Red", "Portrait of an Old Woman" at "Portrait of an Old Jew".

Hindi namin alam ang pangalan ng taong nagsilbing modelo ng portrait. Ang Matandang Lalaki na Pula. Dalawang beses siyang pininturahan ni Rembrandt: sa isang larawan ng 1652 (National Gallery, London) ay inilalarawan siyang nakaupo sa isang armchair na may mga armrests, sa malalim na pag-iisip, nakayuko ang kanyang ulo. kanang kamay; ang bersyon ng Hermitage ay tinatrato ang parehong paksa - isang lalaking nag-iisa sa kanyang mga iniisip. Sa oras na ito, ang artist ay gumagamit ng isang mahigpit na simetriko na komposisyon, na naglalarawan ng isang matandang lalaki na nakaupo nang hindi gumagalaw sa harap niya. Ngunit ang higit na kapansin-pansin ay ang paggalaw ng pag-iisip, isang banayad na pagbabago sa ekspresyon ng mukha: tila ngayon ay malupit, ngayon ay mas malambot, ngayon ay pagod, ngayon ay biglang naliwanagan ng isang surge ng panloob na lakas at enerhiya. Ganito rin ang nangyayari sa mga kamay: tila nanginginig ang mga ito, pagkatapos ay nakahiga na pagod na pagod. Ang artist ay nakakamit ito lalo na salamat sa napakatalino na kasanayan ng chiaroscuro, na, depende sa lakas at kaibahan nito, ay nagdudulot ng elegiac relaxation o dramatikong pag-igting sa imahe. Malaki rin ang papel ng paraan ng paglalagay ng pintura sa canvas. Ang kulubot na mukha ng matandang lalaki at buhol-buhol, pagod sa trabaho na mga kamay ay nakakakuha ng masining na pagpapahayag salamat sa isang malapot na halo ng mga kulay, kung saan ang magkakaugnay na mga greasy stroke ay naghahatid ng istraktura ng anyo, at ang mga banayad na glaze ay nagbibigay ng paggalaw at buhay.

Isang hindi pinangalanang matandang nakapula na may diin na dignidad, lakas ng loob at maharlika ang naging pagpapahayag ng bagong etikal na posisyon ng artista, na natuklasan na ang halaga ng isang tao ay hindi nakasalalay sa opisyal na posisyon ng isang tao sa lipunan.

Noong kalagitnaan ng 1660s, natapos ni Rembrandt ang kanyang pinaka taos-pusong gawain - Ang Pagbabalik ng Alibughang Anak. Ito ay makikita bilang testamento ni Rembrandt the human at Rembrandt the artist. Narito na ang ideya ng mapagpatawad na pag-ibig para sa tao, para sa kahihiyan at pagdurusa - ang ideya na nagsilbi si Rembrandt sa buong buhay niya - ay natagpuan ang pinakamataas, pinaka perpektong sagisag. At sa gawaing ito ay natutugunan natin ang lahat ng kayamanan at iba't ibang mga pictorial at teknikal na pamamaraan na binuo ng artist sa mahabang dekada ng pagkamalikhain.

Nililimitahan ng artist ang kanyang sarili sa sukdulan sa kulay. Ang larawan ay pinangungunahan ng golden ocher, cinnabar-red at black-brown tones na may walang katapusang kayamanan ng pinakamagagandang transition sa loob ng maliit na hanay na ito. Sa paglalagay ng mga pintura sa canvas, isang brush, isang spatula, at isang brush handle ay kasangkot; ngunit kahit na ito ay tila hindi sapat para kay Rembrandt - inilapat niya ang mga pintura sa canvas nang direkta sa kanyang daliri (ganito, halimbawa, ang sakong ng kaliwang paa ng alibughang anak ay nakasulat). Salamat sa iba't ibang mga diskarte, ang isang pagtaas ng panginginig ng boses ng ibabaw ng pintura ay nakakamit - ang mga pintura kung minsan ay nasusunog, pagkatapos ay kumikinang, pagkatapos ay mapurol na umuusok, pagkatapos ay tila kumikinang mula sa loob, at hindi isang solong detalye, hindi isa, kahit na ang pinaka-hindi gaanong mahalaga. , ang sulok ng canvas ay nag-iiwan sa manonood na walang malasakit.

Tanging matalino sa pamamagitan ng malaki karanasan sa buhay tao at dakilang gumawa malaking paraan ang isang artista ay maaaring lumikha ng mapanlikha at simpleng pirasong ito.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn ay ipinanganak sa Dutch city ng Leiden noong 1606 noong 15 July. Ang ama ni Rembrandt ay isang mayamang tagagiling, ang kanyang ina ay mahusay na naghurno, ay anak ng isang panadero. Ang apelyido na "van Rijn" ay literal na nangangahulugang "mula sa Rhine", iyon ay, mula sa ilog Rhine, kung saan ang mga lolo sa tuhod ni Rembrandt ay may mga gilingan. Sa 10 anak sa pamilya, si Rembrandt ang bunso. Sinundan ng ibang mga bata ang mga yapak ng kanilang mga magulang, at pinili ni Rembrandt ang ibang landas - masining, at pinag-aralan sa isang paaralang Latin.

Sa edad na 13, nagsimulang mag-aral ng pagguhit si Rembrandt at pumasok din sa unibersidad ng lungsod. Ang edad ay hindi nag-abala sa sinuman noon, ang pangunahing bagay sa oras na iyon ay kaalaman sa antas. Maraming mga iskolar ang nag-iisip na si Rembrandt ay pumasok sa unibersidad hindi upang mag-aral, ngunit upang makakuha ng reprieve mula sa hukbo.

Ang unang guro ni Rembrandt ay si Jacob van Swanenbürch... Ang hinaharap na artista ay gumugol ng halos tatlong taon sa kanyang studio, pagkatapos ay lumipat sa Amsterdam upang mag-aral kasama si Peter Lastman. Mula 1625 hanggang 1626 Bumalik si Rembrandt sa kanyang bayan, at nakipagkilala sa mga artista, at ilan sa mga estudyante ni Lastman.

Gayunpaman, pagkatapos ng maraming deliberasyon, nagpasya si Rembrandt na ang isang karera bilang isang artista ay dapat gawin sa kabisera ng Holland, at muling lumipat sa Amsterdam.

Noong 1634, pinakasalan ni Rembrandt si Saskia... Sa oras ng kasal, ang lahat ay nasa mabuting kalagayan (si Rembrandt ay nagkaroon sa pamamagitan ng pagguhit ng mga larawan, at ang mga magulang ni Saskia ay nag-iwan ng isang kahanga-hangang mana). Kaya hindi ito isang kasal ng kaginhawahan. Talagang mahal na mahal nila ang isa't isa at madamdamin.

Noong 1635 - 1640s. Ang asawa ni Rembrandt ay nagsilang ng tatlong anak, ngunit namatay silang lahat bilang mga bagong silang. Noong 1641, ipinanganak ni Saskia ang isang anak na lalaki na pinangalanang Titus. Nakaligtas ang bata, ngunit, sa kasamaang palad, ang ina mismo ay namatay sa edad na 29.

Matapos ang pagkamatay ng kanyang asawang si Rembrandt ay hindi sa kanyang sarili, hindi niya alam kung ano ang gagawin, at nakahanap ng aliw sa pagguhit. Noong taon nang mamatay ang kanyang asawa, natapos niya ang pagpipinta ng The Night Watch. Ang batang ama ay hindi nakayanan si Titus at samakatuwid ay kumuha ng isang yaya para sa bata - si Gertier Dirks, na naging kanyang maybahay. Lumipas ang mga 2 taon, at nagbago ang yaya sa bahay. Siya ay naging isang batang babae Hendrickje Stoffels... Ano ang nangyari kay Gertier Diercks? Idinemanda niya si Rembrandt, sa paniniwalang lumabag siya Kontrata ng kasal, ngunit nawala siya sa argumento, at ipinadala sa isang correctional home, kung saan siya gumugol ng 5 taon. Pinalaya, namatay siya makalipas ang isang taon.

Ang bagong yaya na si Hendrickje Stoffels ay nagsilang ng dalawang anak kay Rembrandt. Ang kanilang unang anak, isang lalaki, ay namatay sa pagkabata, at ang kanilang anak na babae na si Carnelia, ang tanging nakaligtas sa kanyang ama.

Iilan lang ang nakakaalam niyan Si Rembrandt ay may kakaibang koleksyon na kinabibilangan ng mga pagpipinta Mga artistang Italyano, iba't ibang mga guhit, mga ukit, iba't ibang mga bust at kahit na mga armas.

Ang paglubog ng araw ng buhay ni Rembrandt

Masama ang nangyari para kay Rembrandt. Walang sapat na pera, nabawasan ang bilang ng mga order. Samakatuwid, ibinenta ng artista ang bahagi ng kanyang koleksyon, ngunit hindi rin ito nagligtas sa kanya. Malapit na siyang makulong, ngunit pabor sa kanya ang korte, kaya pinahintulutan siyang ibenta ang lahat ng kanyang ari-arian at bayaran ang kanyang mga utang. Ilang oras pa siyang tumira sa isang bahay na hindi na niya pag-aari.

Samantala, si Titus at ang kanyang ina ay nagtayo ng isang kompanya na nakipagkalakalan sa mga bagay na sining upang kahit papaano ay matulungan si Rembrandt. Sa katotohanan, hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, ang artista ay hindi nagbabayad ng marami, ngunit hindi nito sinira ang reputasyon ni Rembrandt, nanatili siyang isang karapat-dapat na tao sa mata ng mga tao.

Napakalungkot ng pagkamatay ni Rembrandt. Noong 1663, namatay ang paboritong artista, si Hendrickje. Makalipas ang ilang panahon, inilibing ni Rembrandt ang kanyang anak na si Titus at ang kanyang nobya. Noong 1669, noong Oktubre 4, siya mismo ay umalis sa mundong ito, ngunit iniwan ang kanyang marka magpakailanman sa puso ng mga taong nagmamahal sa kanya.