ชื่อภาพแปลก ๆ คืออะไร? ภาพที่แปลกประหลาดที่สุด

2. Paul Gauguin “เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน?"

897-1898 สีน้ำมันบนผ้าใบ 139.1×374.6 ซม.
พิพิธภัณฑ์ ศิลปกรรม, บอสตัน

ภาพวาดเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งโดย Paul Gauguin โพสต์อิมเพรสชันนิสม์ถูกวาดในตาฮิติซึ่งเขาหนีจากปารีส ในตอนท้ายของงาน เขายังต้องการฆ่าตัวตาย เพราะเขาเชื่อว่า: "ฉันเชื่อว่าผืนผ้าใบนี้ไม่เพียงแต่เหนือกว่าผืนผ้าใบก่อนหน้าทั้งหมดของฉันเท่านั้น แต่ฉันจะไม่สร้างสิ่งที่ดีกว่าหรือคล้ายกันอีก"

ในฤดูร้อนช่วงปลายยุค 80 ของศตวรรษที่ผ่านมา ศิลปินชาวฝรั่งเศสหลายคนมารวมตัวกันที่ Pont-Aven (Brittany, France) พวกเขามารวมกันและเกือบจะแยกออกเป็นสองฝ่ายที่เป็นศัตรูกันแทบจะในทันที กลุ่มหนึ่งรวมถึงศิลปินที่เริ่มดำเนินการตามเส้นทางการค้นหาและรวมเป็นหนึ่งโดยใช้ชื่อสามัญว่า "อิมเพรสชันนิสต์" ตามกลุ่มที่สองนำโดย Paul Gauguin ชื่อนี้ไม่เหมาะสม P. Gauguin ในเวลานั้นอายุต่ำกว่าสี่สิบแล้ว ล้อมรอบด้วยรัศมีลึกลับของนักเดินทางที่ได้สำรวจดินแดนต่างประเทศเขามีความยิ่งใหญ่ ประสบการณ์ชีวิตทั้งผู้ชื่นชมและผู้ลอกเลียนแบบผลงานของเขา

ทั้งสองค่ายก็แบ่งตามความได้เปรียบของตำแหน่งเช่นกัน หากอิมเพรสชั่นนิสต์อาศัยอยู่ในห้องใต้หลังคาหรือห้องใต้หลังคา ศิลปินคนอื่น ๆ ก็เข้าครอบครองห้องที่ดีที่สุดของ Gloanek Hotel ซึ่งรับประทานอาหารในห้องโถงที่ใหญ่ที่สุดและอร่อยที่สุดของร้านอาหารซึ่งไม่อนุญาตให้สมาชิกของกลุ่มแรก อย่างไรก็ตาม การปะทะกันระหว่างกลุ่มต่างๆ ไม่เพียงแต่ไม่ได้ป้องกัน P. Gauguin ไม่ให้ทำงาน ในทางกลับกัน ในระดับหนึ่งช่วยให้เขาตระหนักถึงคุณลักษณะเหล่านั้นที่ทำให้เขาประท้วงอย่างรุนแรง การปฏิเสธวิธีการวิเคราะห์ของอิมเพรสชันนิสต์เป็นการแสดงให้เห็นถึงการคิดใหม่อย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับงานจิตรกรรม ความปรารถนาของอิมเพรสชันนิสต์ที่จะจับภาพทุกสิ่งที่พวกเขาเห็นซึ่งเป็นหลักการทางศิลปะของพวกเขา - เพื่อให้ภาพวาดของพวกเขามีลักษณะของการมองลอดโดยไม่ได้ตั้งใจ - ไม่สอดคล้องกับธรรมชาติของ P. Gauguin ที่มีพลังและมีพลัง

เขาพอใจน้อยลงกับการวิจัยเชิงทฤษฎีและศิลปะของ J. Seurat ผู้ซึ่งพยายามลดการวาดภาพให้เป็นการใช้สูตรและสูตรทางวิทยาศาสตร์ที่เย็นชาและมีเหตุผล เทคนิค pointillistic ของ J. Seurat การลงสีตามแบบแผนของเขาด้วยการขีดเส้นขวางของพู่กันและจุดทำให้ Paul Gauguin หงุดหงิดกับความซ้ำซากจำเจ

ศิลปินพักอยู่ในมาร์ตินีกท่ามกลางธรรมชาติ ซึ่งดูเหมือนพรมที่หรูหราและสวยงามสำหรับเขา ในที่สุดก็โน้มน้าวให้พี. โกแกงใช้สีที่ยังไม่ย่อยสลายในภาพวาดของเขาเท่านั้น ร่วมกับเขา ศิลปินที่แบ่งปันความคิดของเขาประกาศว่า "การสังเคราะห์" เป็นหลักการของพวกเขา นั่นคือการทำให้เส้น รูปร่าง และสีเรียบง่ายขึ้น จุดประสงค์ของการทำให้เข้าใจง่ายนี้คือเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของความเข้มของสีสูงสุด และละเว้นทุกอย่างที่ทำให้ความประทับใจนี้ลดลง เทคนิคนี้เป็นพื้นฐานของความเก่าแก่ ภาพวาดตกแต่งจิตรกรรมฝาผนังและกระจกสี

คำถามเกี่ยวกับอัตราส่วนของสีและสีนั้นน่าสนใจมากสำหรับ P. Gauguin ในภาพวาดของเขา เขายังพยายามที่จะแสดงออกว่าไม่ใช่เรื่องบังเอิญและไม่ใช่เรื่องผิวเผิน แต่เป็นการคงอยู่และจำเป็น สำหรับเขา กฎหมายเป็นเพียงเจตจำนงสร้างสรรค์ของศิลปิน และของเขา งานศิลป์เขาเห็นการแสดงออกถึงความกลมกลืนภายใน ซึ่งเขาเข้าใจว่าเป็นการสังเคราะห์ความตรงไปตรงมาของธรรมชาติและอารมณ์ของจิตวิญญาณของศิลปินที่ตื่นตระหนกด้วยความตรงไปตรงมานี้ P. Gauguin พูดถึงเรื่องนี้ในลักษณะนี้:“ ฉันไม่คำนึงถึงความจริงของธรรมชาติที่มองเห็นได้จากภายนอก ... แก้ไขมุมมองที่ผิดซึ่งบิดเบือนเรื่องเนื่องจากความจริง ... ควรหลีกเลี่ยงไดนามิก ปล่อยให้ทุกอย่าง หายใจเข้าอย่างสงบและสบายใจ หลีกเลี่ยงการโพสท่า... ตัวละครแต่ละตัวต้องอยู่ในท่านิ่ง" และเขาได้ลดมุมมองของภาพวาดของเขา นำมันเข้ามาใกล้เครื่องบินมากขึ้น โดยวางร่างไว้ในตำแหน่งด้านหน้าและหลีกเลี่ยงมุม นั่นคือเหตุผลที่ภาพที่วาดโดย P. Gauguin นั้นนิ่งเฉยในภาพวาด พวกเขาเป็นเหมือนรูปปั้นแกะสลักด้วยสิ่วขนาดใหญ่โดยไม่มีรายละเอียดที่ไม่จำเป็น

ระยะเวลา ความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นผู้ใหญ่ Paul Gauguin เริ่มต้นในตาฮิติ ที่นี่ที่ปัญหาของการสังเคราะห์ทางศิลปะได้รับการพัฒนาอย่างเต็มที่ร่วมกับเขา ในตาฮิติ ศิลปินได้ละทิ้งอะไรมากมายที่เขารู้: ในเขตร้อน รูปแบบต่างๆ มีความชัดเจนและชัดเจน เงานั้นหนักและร้อน และความแตกต่างนั้นคมชัดเป็นพิเศษ งานทั้งหมดที่เขากำหนดใน Pont-Aven ได้รับการแก้ไขด้วยตัวเอง สีของ P. Gauguin นั้นบริสุทธิ์ไม่มีรอยเปื้อน ภาพวาดตาฮิติของเขาประทับใจ พรมตะวันออกหรือภาพเฟรสโก ดังนั้นสีในนั้นจึงถูกนำมารวมกันเป็นโทนสีหนึ่งอย่างกลมกลืน

นำเสนอผลงานของ ป. โกแกง (หมายถึงการมาเยือนตาฮิติครั้งแรกของศิลปิน) เทพนิยายที่ยอดเยี่ยมซึ่งเขาประสบท่ามกลางธรรมชาติดั้งเดิมและแปลกใหม่ของโพลินีเซียอันห่างไกล ในพื้นที่มาตาเย เขาพบหมู่บ้านเล็กๆ แห่งหนึ่ง ซื้อกระท่อมให้ตัวเอง โดยด้านหนึ่งมีน้ำทะเลกระเซ็น และอีกด้านหนึ่ง มองเห็นภูเขาที่มีรอยแยกขนาดใหญ่ ชาวยุโรปยังมาไม่ถึงที่นี่ และดูเหมือนว่าชีวิต P. Gauguin จะเป็นสวรรค์บนดินอย่างแท้จริง เขาเชื่อฟังจังหวะช้าของชีวิตตาฮิติดูดซับสีสดใส ทะเลสีฟ้าที่ปกคลุมไปด้วยคลื่นสีเขียวกระทบแนวปะการังเป็นบางครั้งด้วยเสียงดัง

ตั้งแต่วันแรกที่ศิลปินได้สร้างความสัมพันธ์ของมนุษย์ที่เรียบง่ายและเรียบง่ายกับชาวตาฮิติ งานเริ่มจับ P. Gauguin มากขึ้นเรื่อย ๆ เขาวาดภาพร่างและภาพสเก็ตช์จากธรรมชาติมากมาย ไม่ว่าในกรณีใด เขาพยายามจับภาพใบหน้าที่มีลักษณะเฉพาะของชาวตาฮิติบนผ้าใบ กระดาษ หรือไม้ ร่างและท่าทางของพวกเขา - ในกระบวนการทำงานหรือระหว่างพักผ่อน ในช่วงเวลานี้ เขาได้สร้างภาพวาดที่มีชื่อเสียงระดับโลก "The Spirit of the Dead Wakes", "คุณอิจฉาไหม", "การสนทนา", "Tahitian Pastorals"

แต่ถ้าในปี พ.ศ. 2434 ทางไปตาฮิติดูสดใสสำหรับเขา (เขามาที่นี่หลังจากชัยชนะทางศิลปะในฝรั่งเศส) ครั้งที่สองที่เขาไปที่เกาะอันเป็นที่รักของเขาซึ่งเป็นชายป่วยที่สูญเสียภาพลวงตาส่วนใหญ่ไป ทุกอย่างระหว่างทางทำให้เขารำคาญ: บังคับให้หยุด, ค่าใช้จ่ายที่ไร้ประโยชน์, ความไม่สะดวกบนท้องถนน, ศุลกากรงุ่มง่าม, เพื่อนนักเดินทางที่ล่วงล้ำ ...

เพียงสองปีเขาไม่ได้อยู่ในตาฮิติ และมีการเปลี่ยนแปลงมากมายที่นี่ การจู่โจมของชาวยุโรปทำลายชีวิตดั้งเดิมของชาวพื้นเมือง ทุกสิ่งดูเหมือนกับพีโกแกงยุ่งเหยิงเกินทน: ไฟไฟฟ้าในเมืองปาปีติ เมืองหลวงของเกาะ และม้าหมุนที่แทบจะทนไม่ได้ใกล้กับปราสาทหลวง และเสียงเครื่องเล่นแผ่นเสียงที่ทำลายความเงียบในอดีต .

คราวนี้ ศิลปินพักอยู่ที่ปูโนอัวยา บนชายฝั่งตะวันตกของตาฮิติ สร้างบ้านบนที่ดินเช่าที่มองเห็นวิวทะเลและภูเขา เขาหวังว่าจะตั้งรกรากบนเกาะและสร้างเงื่อนไขสำหรับการทำงาน เขาไม่ได้สำรองเงินสำหรับการจัดบ้านของเขา และในไม่ช้า ตามปกติแล้ว เขาไม่มีเงิน P. Gauguin นับเพื่อนที่ยืมเงินจากเขาทั้งหมด 4,000 ฟรังก์ก่อนที่ศิลปินจะเดินทางออกจากฝรั่งเศส แต่พวกเขาไม่รีบคืน แม้ว่าเขาจะส่งการเตือนความจำถึงหน้าที่ของพวกเขาหลายครั้ง เขาก็บ่นเกี่ยวกับชะตากรรมและสถานการณ์ที่ลำบากใจอย่างยิ่งยวด...

ในฤดูใบไม้ผลิปี 2439 ศิลปินพบว่าตัวเองอยู่ในเงื้อมมือของความต้องการที่รุนแรงที่สุด สิ่งนี้จะเพิ่มความเจ็บปวดที่ขาหักซึ่งเต็มไปด้วยแผลและทำให้เขาต้องทนทุกข์ทรมานเหลือทนทำให้เขานอนไม่หลับและพลังงาน ความคิดถึงความไร้ประโยชน์ของความพยายามในการต่อสู้เพื่อดำรงอยู่ ความล้มเหลวของแผนศิลปะทั้งหมด ทำให้เขาคิดถึงการฆ่าตัวตายบ่อยขึ้น แต่ทันทีที่ P. Gauguin รู้สึกโล่งใจเล็กน้อยธรรมชาติของศิลปินก็ได้รับชัยชนะในตัวเขาและการมองโลกในแง่ร้ายจะสลายไปก่อนที่จะมีความสุขในชีวิตและความคิดสร้างสรรค์

อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้เป็นช่วงเวลาที่หายาก และความโชคร้ายก็ตามมาด้วยความหายนะเป็นประจำ และสิ่งที่แย่ที่สุดสำหรับเขาคือข่าวจากฝรั่งเศสเกี่ยวกับการเสียชีวิตของอลีนา ลูกสาวสุดที่รักของเขา P. Gauguin ไม่สามารถเอาตัวรอดจากการสูญเสียนี้ได้ เขาจึงได้รับสารหนูปริมาณมาก และไปที่ภูเขาเพื่อไม่ให้ใครหยุดเขาได้ ความพยายามฆ่าตัวตายนำไปสู่ความจริงที่ว่าเขาใช้เวลาทั้งคืนในความทุกข์ทรมานสาหัสโดยไม่ได้รับความช่วยเหลือใด ๆ และอยู่ในความสันโดษอย่างสมบูรณ์

เป็นเวลานานที่ศิลปินกราบไหว้อย่างสมบูรณ์เขาไม่สามารถถือแปรงไว้ในมือได้ การปลอบใจเพียงอย่างเดียวของเขาคือผ้าใบขนาดใหญ่ (450 x 170 ซม.) ซึ่งเขียนโดยเขาก่อนที่เขาจะฆ่าตัวตาย เขาเรียกภาพวาดว่า "เรามาจากไหน เราเป็นใคร เราจะไปที่ไหน" และในจดหมายฉบับหนึ่งที่เขาเขียนว่า: "ฉันใส่มันลงไปก่อนตาย พลังงานทั้งหมดของฉัน ความเศร้าโศกในสถานการณ์ที่น่าสยดสยองของฉันและวิสัยทัศน์ที่ชัดเจนโดยปราศจากการแก้ไขที่ร่องรอยของความเร่งรีบหายไปและทุกชีวิต ปรากฏอยู่ในนั้น"

P. Gauguin ทำงานกับภาพด้วยความตึงเครียดอย่างมากแม้ว่าเขาจะฟักความคิดในจินตนาการของเขามาเป็นเวลานาน แต่ตัวเขาเองก็ไม่สามารถพูดได้ชัดเจนว่าความคิดของผืนผ้าใบนี้เกิดขึ้นครั้งแรกเมื่อใด ส่วนนี้ งานอนุสรณ์เขียนถึงพวกเขาใน ต่างปีและในงานอื่นๆ ตัวอย่างเช่น รูปผู้หญิงจากศิษยาภิบาลตาฮิติถูกแสดงซ้ำในภาพนี้ถัดจากเทวรูป ตัวกลางคนเก็บผลไม้เจอร่างทอง "ชายเก็บผลไม้จากต้น"...

ความฝันที่จะขยายความเป็นไปได้ของการวาดภาพ Paul Gauguin พยายามที่จะทำให้ภาพวาดของเขามีลักษณะเป็นปูนเปียก ด้วยเหตุนี้ เขาจึงปล่อยให้มุมบนทั้งสองมุม (อันหนึ่งเป็นชื่อภาพวาด อีกมุมหนึ่งเป็นลายเซ็นของศิลปิน) เป็นสีเหลืองและไม่เต็มไปด้วยภาพวาด - "เหมือนปูนเปียก เสียหายตรงมุมและซ้อนทับบนผนังสีทอง"

ในฤดูใบไม้ผลิปี 2441 เขาส่งรูปภาพไปที่ปารีสและในจดหมายถึงนักวิจารณ์ A. Fontaine เขากล่าวว่าเป้าหมายของเขาคือ "ไม่สร้างความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนของสัญลักษณ์เปรียบเทียบอันชาญฉลาดซึ่งจะต้องได้รับการแก้ไข ในทางกลับกัน เนื้อหาเชิงเปรียบเทียบของรูปภาพนั้นง่ายมาก แต่ไม่ใช่ในแง่ของการตอบคำถามที่ถูกโพสต์ แต่ในแง่ของการวางตัวของคำถามเหล่านี้ Paul Gauguin จะไม่ตอบคำถามที่เขาใส่ในชื่อภาพเพราะเขาเชื่อว่าพวกเขาเป็นและจะเป็นความลึกลับที่น่ากลัวและไพเราะที่สุดสำหรับ จิตสำนึกของมนุษย์. ดังนั้นแก่นแท้ของสัญลักษณ์เปรียบเทียบที่ปรากฎบนผืนผ้าใบนี้จึงอยู่ในศูนย์รวมภาพของปริศนานี้ที่ซุ่มซ่อนอยู่ในธรรมชาติ ความสยองขวัญอันศักดิ์สิทธิ์ของความเป็นอมตะและความลึกลับของการเป็น

ในการมาเยือนตาฮิติครั้งแรกของเขา P. Gauguin มองดูโลกด้วยสายตาที่กระตือรือร้นของเด็กๆ ที่ยิ่งใหญ่ ซึ่งโลกยังไม่สูญเสียอัญมณีที่แปลกใหม่และงดงาม สายตาที่เชิดชูอย่างเด็กของเขาเผยให้เห็นสีที่คนอื่นมองไม่เห็นในธรรมชาติ: หญ้ามรกต ท้องฟ้าไพลิน เงาดวงอาทิตย์อเมทิสต์ ดอกทับทิม และทองคำบริสุทธิ์จากผิวชาวเมารี ภาพเขียนตาฮิติโดย P. Gauguin ในยุคนี้ลุกโชนด้วยแสงสีทองอันสูงส่งราวกับหน้าต่างกระจกสี มหาวิหารกอธิค, เปล่งรัศมีสง่าผ่าเผย โมเสคไบแซนไทน์, หอมกรุ่นด้วยสีสันที่ชุ่มฉ่ำ

ความเหงาและความสิ้นหวังอย่างสุดซึ้งซึ่งเป็นเจ้าของเขาในการเยือนตาฮิติครั้งที่สองของเขา บังคับให้ P. Gauguin มองเห็นทุกอย่างเป็นสีดำเท่านั้น อย่างไรก็ตามสัญชาตญาณตามธรรมชาติของอาจารย์และดวงตาของนักระบายสีไม่อนุญาตให้ศิลปินสูญเสียรสนิยมในชีวิตและสีสันของเขาไปโดยสิ้นเชิงแม้ว่าเขาจะสร้างผืนผ้าใบที่มืดมน แต่ทาสีด้วยสภาพสยองขวัญลึกลับ

ภาพนี้เหมือนกันทั้งหมดคืออะไร? เช่นเดียวกับต้นฉบับตะวันออกซึ่งควรอ่านจากขวาไปซ้าย เนื้อหาของภาพจะแผ่ออกไปในทิศทางเดียวกัน: ทีละขั้นตอน การไหลจะถูกเปิดเผย ชีวิตมนุษย์- ตั้งแต่เกิดจนตาย แบกรับความเกรงกลัวต่อความไม่มี

ต่อหน้าผู้ชม บนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่ยืดออกในแนวนอน แสดงให้เห็นริมฝั่งลำธารในป่า ในน่านน้ำที่มืดมิดซึ่งมีเงาลึกลับที่สะท้อนออกมาอย่างไม่มีกำหนด ในอีกด้านหนึ่ง - พืชเมืองร้อนที่หนาแน่นและเขียวชอุ่ม หญ้ามรกต พุ่มไม้หนาสีเขียว ต้นไม้สีฟ้าแปลก ๆ "เติบโตราวกับว่าไม่ได้อยู่บนโลก แต่อยู่ในสวรรค์"

ลำต้นของต้นไม้บิดตัวไปมาอย่างประหลาด พันกันเป็นตาข่ายลูกไม้ มองเห็นทะเลแต่ไกลด้วยยอดคลื่นสีขาวของชายฝั่ง ภูเขาสีม่วงเข้มบนเกาะใกล้เคียง ท้องฟ้า- "ปรากฏการณ์แห่งธรรมชาติอันบริสุทธิ์ซึ่งอาจเป็นสวรรค์"

เบื้องหน้าของภาพ บนผืนดินที่ปราศจากพืชพันธุ์ใด ๆ กลุ่มคนตั้งอยู่รอบ ๆ รูปปั้นหินของเทพเจ้า ตัวละครไม่ได้รวมกันเป็นหนึ่งเหตุการณ์หรือการกระทำร่วมกัน แต่ละคนกำลังยุ่งอยู่กับตัวเองและหมกมุ่นอยู่กับตัวเอง ส่วนที่เหลือของทารกนอนหลับได้รับการปกป้องโดยสุนัขสีดำตัวใหญ่ “สตรีสามคนนั่งยองๆ เหมือนฟังตนเอง เยือกเย็นในความคาดหมายบางอย่าง” ความสุขที่คาดไม่ถึง. ชายหนุ่มที่ยืนอยู่ตรงกลางหยิบผลไม้จากต้นไม้ด้วยมือทั้งสอง... ร่างหนึ่งตั้งใจอย่างมากที่ขัดกับกฎแห่งทัศนมิติ... ยกมือขึ้นมองด้วยความประหลาดใจที่ตัวละครสองตัวที่กล้าคิดเกี่ยวกับชะตากรรมของพวกเขา .

ถัดจากรูปปั้น หญิงสาวผู้โดดเดี่ยวเดินไปด้านข้างราวกับเครื่องจักรกำลังจมอยู่ในเงาสะท้อนที่เข้มข้นและเข้มข้น นกกำลังเคลื่อนเข้าหาเธอบนพื้น ทางด้านซ้ายของผืนผ้าใบ มีเด็กนั่งบนพื้นนำผลไม้เข้าปาก แมวตัวหนึ่งตักจากชาม... และผู้ชมถามตัวเองว่า: "ทั้งหมดนี้หมายความว่าอย่างไร"

เมื่อมองแวบแรก ดูเหมือนชีวิตประจำวัน แต่นอกเหนือจาก ความหมายโดยตรงแต่ละภาพมีการเปรียบเทียบเชิงกวี ซึ่งเป็นคำใบ้ถึงความเป็นไปได้ในการตีความเชิงเปรียบเทียบ ตัวอย่างเช่น ลวดลายของลำธารในป่าหรือน้ำพุที่พุ่งออกมาจากพื้นดินเป็นคำอุปมาที่ Gauguin โปรดปรานสำหรับแหล่งที่มาของชีวิต จุดเริ่มต้นลึกลับของการเป็น ทารกนอนหลับเป็นตัวเป็นตนพรหมจรรย์แห่งรุ่งอรุณแห่งชีวิตมนุษย์ ชายหนุ่มกำลังเก็บผลไม้จากต้นไม้และผู้หญิงที่นั่งบนพื้นดินไปทางขวา รวบรวมแนวคิดเกี่ยวกับความเป็นหนึ่งเดียวของมนุษย์กับธรรมชาติ ความเป็นธรรมชาติของการมีอยู่ของเขาในนั้น

ผู้ชายยกมือขึ้นมองเพื่อนด้วยความประหลาดใจ เป็นสิ่งแรกที่เห็นของความวิตกกังวล ซึ่งเป็นแรงกระตุ้นเบื้องต้นในการทำความเข้าใจความลับของโลกและความเป็นอยู่ คนอื่นเผยให้เห็นความกล้าและความทุกข์ทรมานของจิตใจมนุษย์ ความลึกลับและโศกนาฏกรรมของวิญญาณ ซึ่งมีอยู่ในความรู้ที่มนุษย์ไม่อาจหลีกเลี่ยงได้เกี่ยวกับชะตากรรมมรรตัยของเขา ความสั้นของการดำรงอยู่ของโลกและจุดจบที่หลีกเลี่ยงไม่ได้

ตัว Paul Gauguin เองได้ให้คำอธิบายมากมาย แต่เขาเตือนว่าอย่าปรารถนาที่จะเห็นสัญลักษณ์ที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปในภาพของเขา ให้ถอดรหัสภาพได้ตรงไปตรงมาเกินไป และยิ่งกว่านั้นเพื่อมองหาคำตอบ นักประวัติศาสตร์ศิลปะบางคนเชื่อว่าสภาวะหดหู่ของศิลปินซึ่งทำให้เขาพยายามฆ่าตัวตายได้แสดงออกอย่างเข้มงวดและรัดกุม ภาษาศิลป์. พวกเขาทราบว่ารูปภาพนั้นโอเวอร์โหลด รายละเอียดปลีกย่อยซึ่งไม่ได้ชี้แจงแนวคิดทั่วไป แต่ทำให้ผู้ดูสับสนเท่านั้น แม้แต่คำอธิบายในจดหมายของอาจารย์ก็ไม่สามารถขจัดหมอกลึกลับที่เขาใส่ลงในรายละเอียดเหล่านี้ได้

P. Gauguin เองถือว่างานของเขาเป็นข้อพิสูจน์ทางจิตวิญญาณ บางทีนั่นอาจเป็นสาเหตุที่ทำให้ภาพกลายเป็นบทกวีภาพ ซึ่งภาพเฉพาะเจาะจงถูกเปลี่ยนเป็นความคิดที่ประเสริฐ และเรื่องกลายเป็นจิตวิญญาณ พล็อตของผืนผ้าใบถูกครอบงำด้วยอารมณ์กวีที่อุดมไปด้วยเฉดสีที่เข้าใจยากและความหมายภายใน อย่างไรก็ตาม อารมณ์ของความสงบและความสง่างามนั้นปกคลุมไปด้วยความวิตกกังวลที่คลุมเครือในการติดต่อกับโลกลึกลับ ทำให้เกิดความรู้สึกวิตกกังวลที่ซ่อนอยู่ ความไม่ละลายอย่างเจ็บปวดของความลึกลับที่อยู่ภายในสุดของการเป็นอยู่ ความลึกลับของการเข้ามาในโลกของมนุษย์ และความลึกลับของการหายตัวไปของเขา ในภาพ ความสุขถูกบดบังด้วยความทุกข์ทรมาน การทรมานทางวิญญาณถูกชะล้างด้วยความหวานของการดำรงอยู่ทางกายภาพ - "ความสยดสยองสีทองปกคลุมด้วยความปิติยินดี" ทุกอย่างแยกออกไม่ได้เช่นเดียวกับในชีวิต

P. Gauguin จงใจไม่แก้ไขสัดส่วนที่ผิดโดยพยายามใช้ทุกวิถีทางเพื่อรักษาลักษณะคร่าวๆของเขา เขาชื่นชมความสมบูรณ์ ความไม่ครบถ้วน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง โดยเชื่อว่าเธอเป็นผู้ที่นำสายน้ำที่มีชีวิตมาสู่ผืนผ้าใบ และถ่ายทอดบทกวีพิเศษให้กับภาพซึ่งไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของสิ่งต่างๆ ที่เสร็จสิ้นและเสร็จสิ้นเกินไป

มีงานศิลปะที่ดูเหมือนจะกระทบศีรษะผู้ชมอย่างตะลึงงันและอัศจรรย์ใจ คนอื่นลากคุณเข้าสู่การไตร่ตรองและค้นหาชั้นความหมาย สัญลักษณ์ลับ ภาพวาดบางภาพปกคลุมไปด้วยความลับและความลึกลับลึกลับ ขณะที่บางภาพก็ประหลาดใจด้วยราคาที่สูงลิบลิ่ว

เราได้ตรวจสอบความสำเร็จที่สำคัญทั้งหมดในการวาดภาพโลกอย่างละเอียดและเลือกภาพวาดที่แปลกประหลาดที่สุดสองโหลจากพวกเขา ซัลวาดอร์ ดาลี ซึ่งผลงานทั้งหมดอยู่ภายใต้รูปแบบของเนื้อหานี้และเป็นคนแรกที่นึกถึง ไม่ได้รวมอยู่ในคอลเล็กชันนี้โดยเจตนา

เป็นที่ชัดเจนว่า "ความแปลก" เป็นแนวคิดที่ค่อนข้างเป็นอัตวิสัย และสำหรับทุกคนแล้ว มีภาพวาดที่น่าทึ่งซึ่งโดดเด่นจากผลงานศิลปะอื่นๆ มากมาย เราจะดีใจถ้าคุณแบ่งปันความคิดเห็นและบอกเราเล็กน้อยเกี่ยวกับพวกเขา

"กรีดร้อง"

เอ็ดเวิร์ด มันช์. พ.ศ. 2436 กระดาษแข็ง น้ำมัน อุบาทว์ พาสเทล
หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

The Scream ถือเป็นงานแสดงการแสดงออกที่สำคัญและเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

มีการตีความสองประการเกี่ยวกับสิ่งที่ปรากฎ: เป็นฮีโร่ที่ถูกจับด้วยความสยดสยองและกรีดร้องอย่างเงียบ ๆ โดยเอามือแตะหู หรือพระเอกปิดหูจากเสียงร้องของโลกและธรรมชาติที่ส่งเสียงรอบตัวเขา Munch เขียน The Scream สี่เวอร์ชันและมีเวอร์ชันที่ภาพนี้เป็นผลมาจากโรคจิตคลั่งไคล้ที่ศิลปินต้องทนทุกข์ทรมาน หลังจากเข้ารับการรักษาที่คลินิกแล้ว Munch ก็ไม่กลับมาทำงานบนผืนผ้าใบอีก

“ฉันกำลังเดินไปตามทางกับเพื่อนสองคน พระอาทิตย์กำลังตกดิน จู่ๆ ท้องฟ้าก็เปลี่ยนเป็นสีแดงเลือด ฉันหยุด รู้สึกเหนื่อยล้า และเอนตัวพิงรั้ว - ฉันมองดูเลือดและเปลวไฟเหนือฟยอร์ดสีน้ำเงินอมดำและเมือง เพื่อนของฉันเดินต่อไป และฉันก็ยืนขึ้น ตัวสั่นด้วยความตื่นเต้น รู้สึกถึงเสียงร้องที่ไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งทะลุผ่านธรรมชาติ” เอ็ดวาร์ด มุนช์ กล่าวถึงประวัติศาสตร์ของภาพวาด

“เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน?"

พอล โกแกง. พ.ศ. 2440-2441 สีน้ำมันบนผ้าใบ
พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน

ตามทิศทางของ Gauguin ควรอ่านรูปภาพจากขวาไปซ้าย - ตัวเลขหลักสามกลุ่มแสดงคำถามที่โพสต์ในชื่อ

ผู้หญิงสามคนที่มีลูกเป็นตัวแทนของการเริ่มต้นชีวิต กลุ่มกลางเป็นสัญลักษณ์ของการดำรงอยู่ทุกวันของวุฒิภาวะ ในกลุ่มสุดท้ายตามที่ศิลปินกล่าวว่า "หญิงชราที่ใกล้ความตายดูเหมือนจะคืนดีและมอบความคิดของเธอ" ที่เท้าของเธอ "นกสีขาวแปลก ๆ ... แสดงถึงความไร้ประโยชน์ของคำพูด"

ภาพเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งของ Paul Gauguin ผู้โพสต์อิมเพรสชันนิสม์เขียนโดยเขาในตาฮิติซึ่งเขาหนีจากปารีส ในตอนท้ายของงาน เขายังต้องการฆ่าตัวตาย: "ฉันเชื่อว่าผืนผ้าใบนี้เหนือกว่าภาพก่อนหน้าทั้งหมดของฉัน และฉันจะไม่สร้างสิ่งที่ดีกว่าหรือคล้ายกัน" เขามีชีวิตอยู่ต่อไปอีกห้าปี และมันก็เกิดขึ้น

"เกิร์นนิก้า"

ปาโบล ปีกัสโซ. 2480 สีน้ำมันบนผ้าใบ.
พิพิธภัณฑ์เรนา โซเฟีย มาดริด.

Guernica นำเสนอฉากแห่งความตาย ความรุนแรง ความโหดร้าย ความทุกข์ทรมาน และการหมดหนทาง โดยไม่ระบุสาเหตุในทันที แต่สิ่งที่เห็นได้ชัดเจน ว่ากันว่าในปี 1940 Pablo Picasso ถูกเรียกตัวไปที่ Gestapo ในปารีส บทสนทนาก็หันไปที่ภาพทันที “คุณทำอย่างนั้นเหรอ” - "ไม่ คุณทำได้"

ภาพปูนเปียกขนาดใหญ่ "Guernica" ซึ่งวาดโดย Picasso ในปี 1937 เล่าถึงการจู่โจมหน่วยอาสาสมัคร Luftwaffe ในเมือง Guernica อันเป็นผลมาจากการที่เมืองที่หกพันถูกทำลายอย่างสมบูรณ์ รูปภาพถูกวาดในเวลาเพียงหนึ่งเดือน - วันแรกของการทำงานบนรูปภาพ Picasso ทำงาน 10-12 ชั่วโมงและแล้วในร่างแรกก็สามารถมองเห็นได้ แนวคิดหลัก. นี่เป็นหนึ่งใน ภาพประกอบที่ดีที่สุดฝันร้ายของลัทธิฟาสซิสต์เช่นเดียวกับความโหดร้ายและความเศร้าโศกของมนุษย์

"ภาพเหมือนของ Arnolfinis"

ยาน ฟาน เอค 1434 สีน้ำมันบนไม้
ลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติ,ลอนดอน.

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงเต็มไปด้วยสัญลักษณ์ อุปมานิทัศน์ และแหล่งอ้างอิงต่างๆ จนถึงลายเซ็น "แจน ฟาน เอคอยู่ที่นี่" ซึ่งเปลี่ยนภาพวาดที่ไม่เพียงแต่เป็นงานศิลปะ แต่ยังเป็นเอกสารทางประวัติศาสตร์ที่ยืนยันถึงความเป็นจริงของเหตุการณ์ ซึ่งศิลปินได้เข้าร่วม

ภาพเหมือนของ Giovanni di Nicolao Arnolfini และภรรยาของเขาเป็นหนึ่งในผลงานที่ซับซ้อนที่สุดของโรงเรียนจิตรกรรมตะวันตก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือ.

ในรัสเซีย ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ภาพวาดดังกล่าวได้รับความนิยมอย่างมากเนื่องจากภาพเหมือนของ Arnolfini มีความคล้ายคลึงกับ Vladimir Putin

"ปีศาจนั่ง"

มิคาอิล วรูเบล. พ.ศ. 2433 สีน้ำมันบนผ้าใบ
สถานะ Tretyakov Gallery, มอสโก

“มือต่อต้านเขา”

บิล สโตนแฮม. พ.ศ. 2515

แน่นอนว่างานนี้ไม่สามารถจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของศิลปะโลกได้ แต่ข้อเท็จจริงที่แปลกคือข้อเท็จจริง

รอบภาพกับเด็กผู้ชาย ตุ๊กตาและฝ่ามือกดทับกระจก มีตำนานเล่าขาน จาก "เพราะภาพนี้พวกเขาตาย" ถึง "เด็กในนั้นยังมีชีวิตอยู่" ภาพดูน่าขนลุกจริงๆซึ่งทำให้คนมี จิตใจอ่อนแอความกลัวและการคาดเดามากมาย

ในทางกลับกัน ศิลปินยืนยันว่าภาพแสดงตัวเองตอนอายุ 5 ขวบ ว่าประตูเป็นตัวแทนของเส้นแบ่งระหว่าง โลกแห่งความจริงและโลกแห่งความฝันและตุ๊กตาคือมัคคุเทศก์ที่สามารถนำเด็กชายไปสู่โลกนี้ได้ มือเป็นตัวแทนของชีวิตทางเลือกหรือความเป็นไปได้

ภาพวาดดังกล่าวได้รับความอื้อฉาวในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2543 เมื่อได้รับการจดทะเบียนขายบนอีเบย์โดยมีเรื่องราวเบื้องหลังที่กล่าวว่าภาพวาดดังกล่าว "หลอกหลอน" "มือต่อต้านเขา" ถูกซื้อโดย Kim Smith ในราคา 1,025 ดอลลาร์ซึ่งถูกน้ำท่วมด้วยจดหมายจาก เรื่องน่าขนลุกและเรียกร้องให้เผาภาพวาด

วันนี้เราอยากจะบอกคุณเล็กน้อยเกี่ยวกับคนที่คิดว่าเป็นหนึ่งในคนมากที่สุด ศิลปินที่ไม่ธรรมดาความทันสมัย พวกเขาใช้เทคนิคที่ไม่ได้มาตรฐาน ความคิดที่ไม่ธรรมดาโดยใส่ความคิดสร้างสรรค์และความสามารถทั้งหมดลงในผลงานที่เป็นเอกลักษณ์

1. ลอเรนโซ ดูรัน

วิธีการสร้างภาพวาดของเขาขึ้นอยู่กับ การวิจัยทางประวัติศาสตร์การตัดกระดาษในจีน ญี่ปุ่น เยอรมนี และสวิตเซอร์แลนด์ เขารวบรวมใบไม้ ล้าง ตากแห้ง กดและแกะสลักภาพวาดของเขาอย่างระมัดระวัง

2. นีน่า อาโอยามะ

เมื่อมองแวบแรก ดูเหมือนว่าหญิงสาวชาวฝรั่งเศสคนนี้ไม่ได้ทำอะไรเป็นพิเศษเลย เธอแค่ตัดกระดาษออก แต่เธอติดกิ๊บติดผ้าหรือกระจก ปรากฎว่าสวย!

3. แคลร์ มอร์แกน

ศิลปินชาวอังกฤษ แคลร์ มอร์แกนสร้างสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งที่ไม่ธรรมดาซึ่งกลายเป็นน้ำแข็งในอากาศ วัสดุที่ใช้สำหรับศิลปิน ได้แก่ พืชแห้ง ธัญพืช แมลง ตุ๊กตาสัตว์ และผลไม้สด รายละเอียดการติดตั้งนับพันได้รับการแก้ไขบนสายเบ็ดเส้นเล็กที่มีความแม่นยำของช่างอัญมณี ประติมากรรมทางอากาศโดยแคลร์ มอร์แกน อุทิศให้กับโลกและสิ่งมีชีวิตทุกชนิดที่อาศัยอยู่บนโลก

4. ไมค์ สติลคีย์

Mike Stilkey สร้างสรรค์งานศิลปะจากสันหนังสือ เขาสร้างกำแพงหนังสือทั้งเล่ม และเขียนภาพของเขาไว้บนเงี่ยงของมัน ไมค์ใฝ่ฝันมานานแล้วที่จะตีพิมพ์อัลบั้มพร้อมภาพวาดของเขา แต่ไม่มีผู้จัดพิมพ์รายเดียวทำสิ่งนี้ ภาพวาดของเขาไม่พบการตอบสนองในหมู่นักวิจารณ์ จากนั้นศิลปินจึงตัดสินใจให้หนังสือเล่าถึงงานของเขา

5. จิม เดเนแวน

จิมวาดลวดลายบนผืนทรายด้วยความแม่นยำทางคณิตศาสตร์อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน จิมวาดภาพบนชายหาดเป็นส่วนใหญ่ แต่ใน เมื่อเร็ว ๆ นี้เขาเริ่มวาดภาพในทะเลทรายเช่นกัน “ผมไม่มีเวลาอยู่บนชายหาดมากเท่ากับในทะเลทราย” เขากล่าว “ทะเลชะล้างทุกสิ่งอย่างรวดเร็ว”

6. วิลส

ผลงานของเขาไม่ธรรมดาตรงที่เขาแกะสลักเป็นปูนเก่า

7. บรูซ มันโร

ในงานของเขาเขาทำงานด้วยแสง ไม่นานมานี้เอง การติดตั้งสนามแสงอีกแห่งของเขาถูกเปิดขึ้นในเมืองบาธของอังกฤษ เป็นทุ่งที่มีโคมประดับอยู่บนก้านพลาสติกบางๆ เหมือนเป็นฉากในภาพยนตร์อวาตาร์

8. เจสัน เมเซียร์

ปัญหาการติดยารุนแรงขึ้นทั่วโลก ในความพยายามที่จะดึงความสนใจของประชาชนทั่วไปมาสู่เธอผู้มีความสามารถ ศิลปินชาวอเมริกัน Jason Mecier วาดภาพเหมือนดวงดาวจากยาเม็ด สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือศิลปินใช้แท็บเล็ตเป็นวัสดุสำหรับผืนผ้าใบเท่านั้นซึ่งได้รับการปล่อยตัวตามใบสั่งยาพิเศษซึ่งเขาไม่สามารถหาได้ตามกฎหมาย อาจกล่าวได้ว่าเจสันกระทำการผิดกฎหมาย แต่การทำเช่นนั้นทำให้เขาสนใจการจำหน่ายยาอย่างผิดกฎหมาย

9. เจนนิเฟอร์ มาสเตร

การวาดภาพถ้าคุณไม่คำนึงถึงความเป็นจริงเคยเป็นมาและจะแปลกไป แต่ภาพบางภาพก็แปลกกว่าภาพอื่นๆ
งานศิลปะบางชิ้นดูเหมือนจะกระทบศีรษะผู้ชม ทึ่งและอัศจรรย์ใจ บางส่วนดึงคุณเข้าสู่ความคิดและค้นหาชั้นความหมาย สัญลักษณ์ลับ ภาพวาดบางภาพปกคลุมไปด้วยความลับและความลึกลับลึกลับ และบางภาพก็สร้างความประหลาดใจด้วยราคาที่สูงลิบลิ่ว

Bright Side ได้ตรวจสอบความสำเร็จที่สำคัญทั้งหมดในงานศิลปะโลกอย่างละเอียดถี่ถ้วนและเลือกภาพวาดที่แปลกประหลาดที่สุดสองโหลจากพวกเขา การคัดเลือกไม่รวมภาพวาดของซัลวาดอร์ ดาลี ซึ่งผลงานทั้งหมดอยู่ภายใต้รูปแบบของเนื้อหานี้และเป็นคนแรกที่นึกถึง

"กรีดร้อง"

เอ็ดเวิร์ด มันช์. พ.ศ. 2436 กระดาษลัง น้ำมัน อุบาทว์ สีพาสเทล
หอศิลป์แห่งชาติ ออสโล

The Scream ถือเป็นงานแสดงการแสดงออกที่สำคัญและเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก มีการตีความสองประการเกี่ยวกับสิ่งที่ปรากฎ: เป็นฮีโร่ที่ถูกจับด้วยความสยดสยองและกรีดร้องอย่างเงียบ ๆ โดยเอามือแตะหู หรือพระเอกปิดหูจากเสียงร้องของโลกและธรรมชาติที่ส่งเสียงรอบตัวเขา Munch เขียน The Scream สี่เวอร์ชันและมีเวอร์ชันที่ภาพนี้เป็นผลมาจากโรคจิตคลั่งไคล้ที่ศิลปินต้องทนทุกข์ทรมาน หลังจากเข้ารับการรักษาที่คลินิกแล้ว Munch ก็ไม่กลับมาทำงานบนผืนผ้าใบอีก

"ฉันกำลังเดินไปตามทางกับเพื่อนสองคน - พระอาทิตย์กำลังตก - ทันใดนั้นท้องฟ้าก็กลายเป็นสีแดงเลือด ฉันหยุดรู้สึกเหนื่อยและเอนตัวพิงรั้ว - ฉันมองไปที่เลือดและเปลวไฟเหนือฟยอร์ดสีน้ำเงิน - ดำและ เมือง เพื่อนของฉันเดินต่อไป และฉันก็ยืนขึ้น ตัวสั่นด้วยความตื่นเต้น รู้สึกถึงเสียงกรีดร้องอันไม่มีที่สิ้นสุดที่ทะลุทะลวงธรรมชาติ” เอ็ดวาร์ด มุนช์ กล่าวถึงประวัติศาสตร์ของภาพวาด

“เรามาจากไหน เราเป็นใคร เราจะไปไหน”

พอล โกแกง. 2440-2441 สีน้ำมันบนผ้าใบ
พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน

ตามทิศทางของ Gauguin ควรอ่านรูปภาพจากขวาไปซ้าย - ตัวเลขหลักสามกลุ่มแสดงคำถามที่โพสต์ในชื่อ ผู้หญิงสามคนที่มีลูกเป็นตัวแทนของการเริ่มต้นชีวิต กลุ่มกลางเป็นสัญลักษณ์ของการดำรงอยู่ของวุฒิภาวะทุกวัน ในกลุ่มสุดท้ายตามความตั้งใจของศิลปิน "หญิงชราที่ใกล้ความตายดูเหมือนจะคืนดีและมอบความคิดของเธอ" ที่เท้าของเธอ "นกสีขาวแปลก ๆ ... แสดงถึงความไร้ประโยชน์ของคำพูด"

ภาพเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งของ Paul Gauguin ผู้โพสต์อิมเพรสชันนิสม์เขียนโดยเขาในตาฮิติซึ่งเขาหนีจากปารีส ในตอนท้ายของงาน เขายังต้องการฆ่าตัวตายด้วยเพราะ: "ฉันเชื่อว่าผืนผ้าใบนี้ไม่เพียงแต่เหนือกว่าภาพก่อนหน้าทั้งหมดของฉันเท่านั้น และฉันจะไม่สร้างสิ่งที่ดีกว่าหรือคล้ายกันอีก" เขามีชีวิตอยู่ต่อไปอีก 5 ปี และมันก็เกิดขึ้น

"เกิร์นนิก้า"

ปาโบล ปีกัสโซ. 2480 สีน้ำมันบนผ้าใบ
พิพิธภัณฑ์เรนา โซเฟีย มาดริด

Guernica นำเสนอฉากแห่งความตาย ความรุนแรง ความโหดร้าย ความทุกข์ทรมานและการหมดหนทาง โดยไม่ระบุสาเหตุในทันที แต่เห็นได้ชัดเจน ว่ากันว่าในปี 1940 Pablo Picasso ถูกเรียกตัวไปที่ Gestapo ในปารีส บทสนทนาก็หันไปที่ภาพทันที “คุณทำอย่างนั้นเหรอ” - "ไม่ คุณทำได้"

ภาพปูนเปียกขนาดใหญ่ "Guernica" ซึ่งวาดโดย Picasso ในปี 1937 เล่าถึงการจู่โจมหน่วยอาสาสมัคร Luftwaffe ในเมือง Guernica อันเป็นผลมาจากการที่เมืองที่หกพันถูกทำลายอย่างสมบูรณ์ รูปภาพถูกวาดในเวลาเพียงหนึ่งเดือน - วันแรกของการทำงานบนรูปภาพ Picasso ทำงาน 10-12 ชั่วโมงและในสเก็ตช์แรกสามารถเห็นแนวคิดหลักได้ นี่เป็นหนึ่งในภาพประกอบที่ดีที่สุดของฝันร้ายของลัทธิฟาสซิสต์ เช่นเดียวกับความโหดร้ายและความเศร้าโศกของมนุษย์

"ภาพเหมือนของ Arnolfinis"

ยาน ฟาน เอค 1434 สีน้ำมันบนไม้
หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน, ลอนดอน

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงเต็มไปด้วยสัญลักษณ์ อุปมานิทัศน์ และการอ้างอิงต่างๆ จนถึงลายเซ็น "แจน ฟาน เอคอยู่ที่นี่" ซึ่งไม่เพียงเปลี่ยนให้กลายเป็นงานศิลปะ แต่ยังกลายเป็นเอกสารทางประวัติศาสตร์ที่ยืนยันถึงเหตุการณ์จริงที่ศิลปินเข้าร่วม .

ภาพเหมือนของ Giovanni di Nicolao Arnolfini และภรรยาของเขาเป็นผลงานที่ซับซ้อนที่สุดชิ้นหนึ่งของโรงเรียนจิตรกรรมตะวันตกของ Northern Renaissance ในประเทศรัสเซีย ปีที่ผ่านมาภาพดังกล่าวได้รับความนิยมอย่างมากเนื่องจากภาพเหมือนของ Arnolfini กับ Vladimir Putin

"ปีศาจนั่ง"

มิคาอิล วรูเบล. พ.ศ. 2433 สีน้ำมันบนผ้าใบ
Tretyakov Gallery, มอสโก

ภาพวาดโดย Mikhail Vrubel สร้างความประหลาดใจให้กับรูปปีศาจ ชายผมยาวผู้เศร้าโศกนั้นไม่เหมือนความคิดสากลที่ว่าวิญญาณชั่วร้ายควรมีหน้าตาเป็นอย่างไร นี่คือภาพความเข้มแข็งของจิตวิญญาณมนุษย์ การต่อสู้ภายใน ความสงสัย มือกุมอย่างน่าเศร้า ปีศาจนั่งด้วยดวงตาที่เศร้าโศก ดวงตาโตมองไปในระยะไกล ล้อมรอบด้วยดอกไม้ องค์ประกอบเน้นย้ำข้อจำกัดของร่างของปีศาจ ราวกับว่าประกบอยู่ระหว่างคานประตูด้านบนและด้านล่างของกรอบ

ศิลปินเองพูดถึงภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขา: "ปีศาจไม่ใช่วิญญาณชั่วร้ายมากเท่ากับวิญญาณที่ทุกข์ทรมานและโศกเศร้าด้วยทั้งหมดนี้เป็นวิญญาณที่ครอบงำและสง่างาม"

"อภิปรัชญาแห่งสงคราม"

Vasily Vereshchagin. พ.ศ. 2414 สีน้ำมันบนผ้าใบ
State Tretyakov Gallery, มอสโก

ภาพถูกเขียนขึ้นอย่างลึกซึ้งและสะเทือนอารมณ์จนเบื้องหลังกะโหลกทุกอันที่วางอยู่ในกองนี้ คุณเริ่มเห็นผู้คน ชะตากรรมของพวกเขา และชะตากรรมของผู้ที่จะไม่เห็นคนเหล่านี้อีกต่อไป Vereshchagin ตัวเองด้วยการเสียดสีที่น่าเศร้าเรียกว่าผืนผ้าใบ "ภาพนิ่ง" - มันแสดงให้เห็น "ธรรมชาติที่ตายแล้ว" รายละเอียดทั้งหมดของภาพรวมถึงสีเหลืองเป็นสัญลักษณ์ของความตายและความหายนะ ท้องฟ้าสีฟ้าใสเน้นความเสื่อมของภาพ แนวคิดของ "Apotheosis of War" นั้นแสดงด้วยรอยแผลเป็นจากกระบี่และรูกระสุนบนกะโหลกศีรษะ

Vereshchagin เป็นหนึ่งในจิตรกรการต่อสู้หลักของรัสเซีย แต่เขาวาดภาพสงครามและการต่อสู้ไม่ใช่เพราะเขารักพวกเขา ในทางตรงกันข้าม เขาพยายามถ่ายทอดทัศนคติเชิงลบที่มีต่อสงครามให้ผู้คนได้ฟัง เมื่อ Vereshchagin รู้สึกร้อนรนร้องอุทาน:“ ฉันจะไม่เขียนภาพการต่อสู้อีกต่อไป - ก็พอแล้ว! ฉันหยิบสิ่งที่ฉันเขียนใกล้กับหัวใจมากเกินไปฉันร้องออกมา (ตามตัวอักษร) ความเศร้าโศกของผู้บาดเจ็บและเสียชีวิตทุกคน ” อาจเป็นผลมาจากการอุทานนี้เป็นภาพที่น่ากลัวและน่าหลงใหล "The Apotheosis of War" ซึ่งแสดงถึงทุ่งนากาและภูเขากะโหลกศีรษะมนุษย์

"กอธิคอเมริกัน"

แกรนท์ วู้ด. พ.ศ. 2473 น้ำมัน 74×62 ซม.
สถาบันศิลปะชิคาโก ชิคาโก

รูปภาพที่มีพ่อและลูกสาวที่มืดมนเต็มไปด้วยรายละเอียดที่บ่งบอกถึงความรุนแรง ความเคร่งครัด และความถอยหลังเข้าคลองของผู้คนที่พรรณนา หน้าโกรธ โกยขวากลางภาพ เสื้อผ้าเก่าแม้ตามมาตรฐานปี 2473 ศอกโล่ง ตะเข็บบนเสื้อผ้าชาวนาที่ซ้ำรูปร่างของโกยจึงเป็นภัยคุกคามที่จ่าหน้าถึงใครก็ตาม ที่รุกล้ำเข้ามา รายละเอียดทั้งหมดเหล่านี้สามารถดูได้ไม่รู้จบและประจบประแจงจากความรู้สึกไม่สบาย "American Gothic" เป็นหนึ่งในภาพที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในศิลปะอเมริกันของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นมีมศิลปะที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 และ 21 ที่น่าสนใจ ผู้ตัดสินการแข่งขันที่ Art Institute of Chicago มองว่า "กอธิค" เป็น "วาเลนไทน์ที่ตลกขบขัน" และผู้คนในไอโอวารู้สึกขุ่นเคืองอย่างมากโดย Wood ที่วาดภาพพวกเขาในแง่ที่ไม่น่าพอใจ

"คู่รัก"

เรเน่ มากริตต์. 2471 สีน้ำมันบนผ้าใบ

ภาพวาด "คู่รัก" ("คู่รัก") มีอยู่สองเวอร์ชัน ฝ่ายหนึ่ง ชายและหญิงซึ่งศีรษะถูกห่อด้วยผ้าขาวกำลังจูบกัน และอีกคนหนึ่งกำลัง "มอง" ที่ผู้ชม ภาพที่น่าประหลาดใจและหลงใหล ด้วยร่างสองร่างที่ไม่มีใบหน้า Magritte ถ่ายทอดความคิดเรื่องความรักที่มืดบอด เกี่ยวกับการตาบอดในทุกแง่มุม: คู่รักมองไม่เห็นใครเราไม่เห็นใบหน้าที่แท้จริงของพวกเขาและนอกจากนี้คู่รักยังเป็นปริศนาถึงกันและกัน แต่ด้วยความชัดเจนนี้ เรายังคงมองดูคนรัก Magritte และคิดถึงพวกเขาต่อไป

ภาพวาดของ Magritte เกือบทั้งหมดเป็นปริศนาที่ไม่สามารถแก้ไขได้อย่างสมบูรณ์ เนื่องจากพวกเขาตั้งคำถามเกี่ยวกับแก่นแท้ของการเป็นอยู่ Magritte พูดถึงความหลอกลวงของสิ่งที่มองเห็นตลอดเวลาเกี่ยวกับความลึกลับที่ซ่อนอยู่ซึ่งเรามักไม่สังเกตเห็น

"เดิน"

มาร์ค ชากัล. 2460 สีน้ำมันบนผ้าใบ
หอศิลป์ Tretyakov ของรัฐ

"เดิน" เป็นภาพเหมือนตนเองกับเบลล่าภรรยาของเขา อันเป็นที่รักของเขาโบยบินไปบนท้องฟ้าและดูเหมือนถูกลากขึ้นไปบนเครื่องบิน ส่วน Chagall ที่ยืนอยู่บนพื้นอย่างไม่ปลอดภัย ราวกับสัมผัสเธอเพียงนิ้วเท้ารองเท้าเท่านั้น Chagall มีหัวนมในมืออีกข้างหนึ่ง - เขามีความสุข เขามีหัวนมอยู่ในมือ (อาจเป็นภาพวาดของเขา) และนกกระเรียนบนท้องฟ้า Marc Chagall มักจริงจังในการวาดภาพของเขา ได้เขียนแถลงการณ์อันน่ายินดีเกี่ยวกับความสุขของเขาเอง เต็มไปด้วยอุปมานิทัศน์และความรัก

"สวน ความสุขทางโลก"

เฮียโรนีมัส บอช 1500-1510 สีน้ำมันบนไม้
ปราโด, สเปน

"สวนแห่งความสุขทางโลก" - อันมีค่าที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Hieronymus Bosch ซึ่งได้ชื่อมาจากธีมของภาคกลางนั้นอุทิศให้กับบาปแห่งความยั่วยวน ภาพเต็มไปด้วยร่างโปร่งใส โครงสร้างที่น่าอัศจรรย์ สัตว์ประหลาดที่กลายเป็นภาพหลอน ภาพล้อเลียนนรกแห่งความเป็นจริง ซึ่งเขามองด้วยการค้นหาด้วยสายตาที่เฉียบคมอย่างยิ่ง

นักวิทยาศาสตร์บางคนต้องการเห็นภาพชีวิตมนุษย์ในอันมีค่าผ่านปริซึมของความไร้สาระและภาพต่างๆ รักโลก, อื่น ๆ - ชัยชนะของความยั่วยวน อย่างไรก็ตาม ความไร้เดียงสาและความไม่แยแสบางอย่างในการตีความของบุคคลแต่ละคน ตลอดจนเจตคติที่เอื้ออำนวยต่องานนี้จากหน่วยงานของคริสตจักร ทำให้คนสงสัยว่าการเชิดชูความสุขทางกายอาจเป็นเนื้อหาได้ จนถึงปัจจุบัน การตีความภาพใด ๆ ที่มีอยู่ไม่ได้รับการยอมรับว่าเป็นภาพจริงเพียงภาพเดียว

“สตรีสามวัย”

กุสตาฟ คลิมท์. ค.ศ.1905 สีน้ำมันบนผ้าใบ
หอศิลป์แห่งชาติ ศิลปะร่วมสมัย, โรม

“สตรีสามยุค” มีทั้งสุขและเศร้า ในนั้น เรื่องราวชีวิตของผู้หญิงคนหนึ่งเขียนขึ้นเป็นสามร่าง ได้แก่ ความประมาท ความสงบ และความสิ้นหวัง หญิงสาวถูกถักทออย่างเป็นธรรมชาติเป็นเครื่องประดับแห่งชีวิต หญิงชรานั้นโดดเด่นกว่าเธอ ความแตกต่างระหว่างภาพลักษณ์ของหญิงสาวกับภาพลักษณ์ที่เป็นธรรมชาติของหญิงชรากลายเป็น ความหมายเชิงสัญลักษณ์: ช่วงแรกของชีวิตนำมาซึ่งความเป็นไปได้และการเปลี่ยนแปลงที่ไม่สิ้นสุด ระยะสุดท้ายที่ไม่เปลี่ยนแปลง และความขัดแย้งกับความเป็นจริง ผืนผ้าใบไม่ปล่อยผ่าน มันเข้าไปในจิตวิญญาณและทำให้คุณนึกถึงความลึกซึ้งของข้อความของศิลปิน เช่นเดียวกับความลึกและความหลีกเลี่ยงไม่ได้ของชีวิต

"ตระกูล"

เอกอน ชิเอเล่. 2461 สีน้ำมันบนผ้าใบ
Belvedere Gallery, เวียนนา

Schiele เป็นนักเรียนของ Klimt แต่ก็เหมือนกับนักเรียนที่ยอดเยี่ยมคนอื่นๆ เขาไม่ได้ลอกเลียนครูของเขา แต่กำลังมองหาสิ่งใหม่ Schiele น่าเศร้า แปลกประหลาด และน่ากลัวกว่า Gustav Klimt มาก ในงานของเขา มีหลายสิ่งที่เรียกว่าภาพลามกอนาจาร ความวิปริตต่างๆ ลัทธินิยมนิยม และในขณะเดียวกันก็เกิดความสิ้นหวังที่น่าปวดหัว "ครอบครัว" - ของเขา ผลงานล่าสุดที่ซึ่งความสิ้นหวังถูกนำไปสู่​​สัมบูรณ์แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่านี่เป็นภาพที่ดูแปลกน้อยที่สุดของเขา เขาวาดภาพนี้ก่อนที่เขาจะตาย หลังจากที่อีดิธ ภรรยาที่ตั้งครรภ์ของเขาเสียชีวิตด้วยโรคไข้หวัดสเปน เขาเสียชีวิตเมื่ออายุ 28 ปี เพียงสามวันหลังจากอีดิธ โดยสามารถดึงตัวเธอ ตัวเขาเอง และลูกที่ยังไม่เกิดของพวกเขาออกมาได้

"สอง Fridas"

ฟรีด้า คาห์โล. พ.ศ. 2482

เรื่องราว ชีวิตที่ยากลำบากศิลปินชาวเม็กซิกัน Frida Kahlo กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางหลังจากการเปิดตัวภาพยนตร์เรื่อง "Frida" โดยมี Salma Hayek ในบทนำ Kahlo วาดภาพเหมือนตนเองเป็นส่วนใหญ่และอธิบายง่ายๆ ว่า "ฉันวาดภาพตัวเองเพราะฉันใช้เวลาส่วนใหญ่อยู่ตามลำพังและเพราะฉันเป็นคนที่ฉันรู้ดีที่สุด" Frida Kahlo ไม่ยิ้มในการถ่ายภาพตนเอง: ใบหน้าที่จริงจังและเศร้าโศกถูกหลอมรวม คิ้วหนา, หนวดที่สังเกตได้เล็กน้อยเหนือริมฝีปากที่บีบแน่น ความคิดเกี่ยวกับภาพวาดของเธอได้รับการเข้ารหัสในรายละเอียด พื้นหลัง ตัวเลขที่ปรากฏถัดจากฟรีด้า สัญลักษณ์ของ Kahlo ขึ้นอยู่กับ ประเพณีประจำชาติและมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับตำนานอินเดียในยุคก่อนฮิสแปนิก ณ ที่แห่งหนึ่ง ภาพที่ดีที่สุด- "Two Fridas" - เธอแสดงหลักการของชายและหญิงซึ่งเชื่อมต่อกันโดยระบบไหลเวียนโลหิตเดียวซึ่งแสดงให้เห็นถึงความสมบูรณ์ของเธอ

"สะพานวอเตอร์ลู เอฟเฟกต์หมอก"

โคลด โมเนต์. พ.ศ. 2442 สีน้ำมันบนผ้าใบ
พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

เมื่อดูภาพจากระยะใกล้ ผู้ชมจะไม่เห็นอะไรนอกจากผืนผ้าใบที่มีการทาน้ำมันหนาๆ บ่อยๆ ความมหัศจรรย์ของงานเผยออกมาเมื่อเราค่อยๆ เริ่มเคลื่อนตัวออกห่างจากผืนผ้าใบเป็นระยะทางไกล อย่างแรก ครึ่งวงกลมที่เข้าใจยากเริ่มปรากฏขึ้นต่อหน้าเรา ผ่านตรงกลางของภาพ จากนั้นเราเห็นโครงร่างที่ชัดเจนของเรือ และเมื่อขยับไปเป็นระยะทางประมาณสองเมตร งานเชื่อมต่อทั้งหมดจะถูกวาดอย่างคมชัดและเรียงเป็นแนวตรรกะ โซ่อยู่ตรงหน้าเรา

"หมายเลข 5, 2491"

แจ็คสัน พอลล็อค. พ.ศ. 2491 แผ่นใยไม้อัด น้ำมัน

ความแปลกของภาพนี้คือผ้าใบของผู้นำอเมริกันด้านการแสดงออกทางนามธรรมที่เขาวาดโดยเทสีลงบนแผ่นใยไม้อัดที่กระจายอยู่บนพื้นเป็นส่วนใหญ่ ภาพราคาแพงในโลก. ในปี 2549 ที่การประมูลของ Sotheby พวกเขาจ่ายเงิน 140 ล้านดอลลาร์เพื่อซื้อมัน David Giffen ผู้อำนวยการสร้างและนักสะสมภาพยนตร์ ขายให้กับ David Martinez นักการเงินชาวเม็กซิกัน “ฉันยังคงละทิ้งเครื่องมือทั่วไปของศิลปิน เช่น ขาตั้ง จานสี และพู่กัน ฉันชอบไม้ ช้อน มีด และเทสี หรือผสมสีด้วยทราย แก้วแตก หรืออะไรก็ตาม เมื่อเข้าไปข้างใน เป็นภาพวาด ไม่รู้ว่ากำลังทำอะไรอยู่ ความเข้าใจมาทีหลัง ไม่กลัวเปลี่ยนหรือทำลายภาพ เพราะภาพมีชีวิตเป็นของตัวเอง แค่ช่วยให้มันออกมา แต่ถ้าขาดการติดต่อ สกปรกและเลอะเทอะออกมาด้วยภาพ หากไม่ แสดงว่าเป็นความสามัคคีอย่างแท้จริง ความเบาของวิธีการรับและให้"

"ชายและหญิงอยู่หน้ากองอุจจาระ"

โจน มิโร. พ.ศ. 2478 ทองแดง น้ำมัน
มูลนิธิ Joan Miro ประเทศสเปน

ชื่อเรื่องดี. และใครจะคิดว่าภาพนี้บอกเราเกี่ยวกับความน่าสะพรึงกลัวของสงครามกลางเมือง ภาพวาดถูกสร้างขึ้นบนแผ่นทองแดงในสัปดาห์ระหว่างวันที่ 15 ถึง 22 ตุลาคม พ.ศ. 2478 อ้างอิงจากส Miro นี่เป็นผลมาจากความพยายามที่จะวาดภาพโศกนาฏกรรม สงครามกลางเมืองในประเทศสเปน. มิโระกล่าวว่านี่เป็นภาพเกี่ยวกับช่วงเวลาแห่งความไม่สงบ ภาพวาดแสดงให้เห็นว่าชายและหญิงเอื้อมมือกัน แต่ไม่เคลื่อนไหว องคชาตที่ขยายใหญ่ขึ้นและสีที่เป็นลางไม่ดีได้รับการอธิบายว่า "เต็มไปด้วยเรื่องเพศที่น่ารังเกียจและน่าขยะแขยง"

"การกัดเซาะ"

Jacek Yerka

นัก neo-surrealist ของโปแลนด์เป็นที่รู้จักไปทั่วโลกในเรื่องของเขา ภาพที่น่าตื่นตาตื่นใจที่ซึ่งความเป็นจริงรวมกันสร้างสิ่งใหม่ เป็นการยากที่จะพิจารณารายละเอียดอย่างยิ่งของเขาและการสัมผัสในระดับหนึ่ง แต่นั่นคือรูปแบบของเนื้อหาของเรา และเราต้องเลือกหนึ่งรายการ - เพื่อแสดงจินตนาการและทักษะของเขา เราขอแนะนำให้คุณอ่านเพิ่มเติม

“มือต่อต้านเขา”

บิล สโตนแฮม. พ.ศ. 2515

แน่นอนว่างานนี้ไม่สามารถจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของศิลปะโลกได้ แต่ข้อเท็จจริงที่แปลกคือข้อเท็จจริง รอบภาพกับเด็กผู้ชาย ตุ๊กตาและฝ่ามือกดทับกระจก มีตำนานเล่าขาน จาก "เพราะภาพนี้พวกเขาตาย" ถึง "เด็กในนั้นยังมีชีวิตอยู่" ภาพดูน่าขนลุกจริงๆ ซึ่งก่อให้เกิดความกลัวและการคาดเดามากมายในผู้ที่มีจิตใจอ่อนแอ ศิลปินรับรองว่าภาพนี้เป็นภาพตัวเองเมื่ออายุได้ 5 ขวบ ประตูเป็นตัวแทนของเส้นแบ่งระหว่างโลกแห่งความจริงกับโลกแห่งความฝัน และตุ๊กตาคือมัคคุเทศก์ที่สามารถนำเด็กชายไปสู่โลกนี้ได้ มือเป็นตัวแทนของชีวิตทางเลือกหรือความเป็นไปได้ ภาพวาดดังกล่าวได้รับความอื้อฉาวในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2543 เมื่อได้รับการจดทะเบียนขายบนอีเบย์โดยมีเรื่องราวเบื้องหลังที่กล่าวว่าภาพวาดดังกล่าว "หลอกหลอน" "มือต่อต้านเขา" ถูกซื้อโดย Kim Smith ในราคา 1,025 ดอลลาร์ ซึ่งต่อมาเต็มไปด้วยจดหมายที่มีเรื่องราวน่าขนลุกและเรียกร้องให้เผาภาพวาด

) ในงานกวาดที่แสดงออกของเธอสามารถรักษาความโปร่งใสของหมอก, ความเบาของใบเรือ, การโยกตัวของเรือบนคลื่นอย่างราบรื่น

ภาพวาดของเธอตื่นตาตื่นใจกับความลึก ปริมาณ ความอิ่มตัว และพื้นผิวที่คุณไม่สามารถละสายตาจากพวกเขาได้

ความเรียบง่ายที่อบอุ่น Valentina Gubareva

ศิลปินดั้งเดิมจากมินสค์ วาเลนติน กูบาเรฟไม่ได้วิ่งไล่ตามชื่อเสียงและทำในสิ่งที่เขารัก งานของเขาได้รับความนิยมอย่างล้นหลามในต่างประเทศ แต่แทบไม่คุ้นเคยกับเพื่อนร่วมชาติของเขาเลย ในช่วงกลางทศวรรษ 90 ชาวฝรั่งเศสตกหลุมรักภาพสเก็ตช์ประจำวันของเขาและเซ็นสัญญากับศิลปินเป็นเวลา 16 ปี ภาพวาดซึ่งดูเหมือนว่าควรจะเข้าใจได้เฉพาะกับเราเท่านั้นผู้ถือ "เสน่ห์เจียมเนื้อเจียมตัวของลัทธิสังคมนิยมที่ยังไม่พัฒนา" เป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนชาวยุโรปและการจัดนิทรรศการเริ่มขึ้นในสวิตเซอร์แลนด์เยอรมนีบริเตนใหญ่และประเทศอื่น ๆ

ความสมจริงทางอารมณ์โดย Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov อายุ 41 ปี เขาอาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและทำงานใน ประเพณีที่ดีที่สุดโรงเรียนสอนวาดภาพเหมือนจริงของรัสเซียคลาสสิก วีรสตรีในภาพวาดของเขามีความอ่อนโยนและไม่มีที่พึ่งในสตรีครึ่งตัวเปลือย ในหลาย ๆ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงนาตาเลียรำพึงรำพึงของศิลปินและภรรยา

โลกสายตาสั้นของ Philip Barlow

ในยุคปัจจุบันของภาพความละเอียดสูงและการเกิดขึ้นของไฮเปอร์ลิซึมความคิดสร้างสรรค์ ฟิลิป บาร์โลว์(ฟิลิป บาร์โลว์) ดึงดูดความสนใจในทันที อย่างไรก็ตาม ผู้ชมต้องใช้ความพยายามบางอย่างเพื่อบังคับตัวเองให้มองเงาที่พร่ามัวและจุดสว่างบนผืนผ้าใบของผู้เขียน อาจเป็นวิธีที่คนที่ทุกข์ทรมานจากสายตาสั้นมองโลกโดยปราศจากแว่นตาและคอนแทคเลนส์

Sunny Bunnies โดย Laurent Parcelier

ภาพวาดของ Laurent Parcelier คือ โลกที่สวยงามที่ซึ่งไม่มีความโศกเศร้าหรือความคับแค้นใจ คุณจะไม่พบภาพที่มืดมนและฝนตกในตัวเขา บนผืนผ้าใบของเขามีแสงอากาศและสีสดใสมากมายซึ่งศิลปินนำไปใช้กับจังหวะที่เป็นที่รู้จัก สิ่งนี้สร้างความรู้สึกว่าภาพวาดทอจากแสงตะวันนับพัน

พลวัตของเมืองในผลงานของ Jeremy Mann

สีน้ำมันบนแผ่นไม้โดยศิลปินชาวอเมริกัน Jeremy Mann วาดภาพเหมือนของมหานครสมัยใหม่ " รูปทรงนามธรรม, เส้น, ความคมชัดของแสงและจุดมืด - ทุกอย่างสร้างภาพที่กระตุ้นความรู้สึกที่บุคคลประสบในฝูงชนและความวุ่นวายของเมือง แต่ยังสามารถแสดงออกถึงความสงบที่พบได้เมื่อใคร่ครวญความงามที่เงียบสงบ” ศิลปินกล่าว .

โลกแห่งภาพลวงตาของ Neil Simon

ในภาพวาดของศิลปินชาวอังกฤษ นีล ซิโมน (นีล ซิโมน) ทุกอย่างไม่ใช่อย่างที่เห็นในแวบแรก “สำหรับฉัน โลกรอบตัวฉันเป็นชุดของรูปทรง เงา และขอบเขตที่เปราะบางและเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา” ไซมอนกล่าว และในภาพวาดของเขา ทุกอย่างเป็นภาพลวงตาและเชื่อมโยงถึงกันจริงๆ พรมแดนถูกชะล้างออกไป และเรื่องราวต่างๆ ก็ไหลเข้าหากัน

ละครรักของโจเซฟ โลรัสโซ

โจเซฟ โลรุสโซ ศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัยที่เกิดในอิตาลี ย้ายไปผ้าใบฉากที่เขาเห็นใน ชีวิตประจำวัน คนธรรมดา. การกอดและจูบ แรงกระตุ้นที่เร่าร้อน ช่วงเวลาแห่งความอ่อนโยนและความปรารถนาจะเติมเต็มรูปภาพทางอารมณ์ของเขา

ชีวิตในหมู่บ้านของ Dmitry Levin

Dmitry Levin เป็นปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์รัสเซียที่ได้รับการยอมรับซึ่งเป็นที่ยอมรับว่าเป็นตัวแทนของโรงเรียนที่สมจริงของรัสเซีย แหล่งงานศิลปะที่สำคัญที่สุดของเขาคือความผูกพันกับธรรมชาติ ซึ่งเขารักอย่างอ่อนโยนและหลงใหล และรู้สึกว่าตัวเองเป็นส่วนหนึ่ง

Bright East Valery Blokhin

ทางทิศตะวันออก ทุกสิ่งต่างกัน สีต่างกัน อากาศต่างกัน ต่างกัน คุณค่าชีวิตและความเป็นจริงนั้นวิเศษกว่านิยาย - นี่คือสิ่งที่ศิลปินสมัยใหม่คิด