Si Rembrandt ang naging pangunahing adhikain ng artista. Mga sikat na painting ni Rembrandt van Rijn

At ang kanyang trabaho, na ipinakita sa artikulo, ay magpapakilala sa iyo sa isa sa mga pinakadakilang artista sa lahat ng oras. Rembrandt Harmens van Rijn (buhay - 1606-1669) - sikat na Dutch na pintor, etcher at draftsman. Ang kanyang gawain ay napuno ng pagnanais na maunawaan ang kakanyahan ng buhay, pati na rin ang panloob na mundo ng tao. Interesado si Rembrandt sa yaman ng espirituwal na mga karanasang likas sa mga tao. Ang gawa ng pintor na ito ay ang rurok ng sining ng Dutch noong ika-17 siglo. Ito rin ay itinuturing na isa sa pinakamahalagang pahina masining na kultura sa buong mundo. Kahit na ang mga taong malayo sa pagpipinta ay alam ang kanyang mga gawa. Si Rembrandt ay kamangha-manghang artista, na ang buhay at trabaho ay tiyak na kawili-wili sa iyo.

Ang artistikong pamana ni Rembrandt

Ang artistikong pamana na iniwan niya sa atin ay lubhang magkakaibang. Ipininta ni Rembrandt ang mga portrait, landscape, still life, at genre scenes. Gumawa siya ng mga pintura batay sa mitolohiya, biblikal, makasaysayang paksa, pati na rin ang iba pang mga gawa. Si Rembrandt ay isang hindi maunahang master ng pag-ukit at pagguhit.

Buhay sa Leiden

Ang buhay ni Rembrandt noong 1620 ay minarkahan ng maikling panahon ng pag-aaral. Pagkatapos ay nagpasya siyang italaga ang kanyang buhay nang buo sa sining. Sa layuning ito, nag-aral muna siya sa Leiden kasama si J. van Swanenburch (mga 1620-23), at pagkatapos ay sa Amsterdam kasama si P. Lastman (noong 1623). Sa pagitan ng 1625 at 1631 ang artista ay nagtrabaho sa Leiden. Ginawa ni Rembrandt ang kanyang mga unang gawa dito.

Dapat pansinin na ang kanyang mga gawa mula sa panahon ng Leiden ay nailalarawan sa pamamagitan ng paghahanap para sa malikhaing kalayaan ng may-akda, sa kabila ng katotohanan na ang impluwensya ng Lastman, pati na rin ang mga kinatawan ng Dutch Caravaggism, ay kapansin-pansin sa kanila. Ang isang halimbawa ay ang gawaing "Pagdadala sa Templo," na nilikha noong 1628-29. Sa "The Apostle Paul" (circa 1629-30), pati na rin sa "Simeon in the Temple" (1631), unang ginamit ng artist ang chiaroscuro bilang isang paraan na idinisenyo upang mapahusay ang emosyonal na pagpapahayag at espirituwalidad ng mga imahe. Kasabay nito, pinaghirapan ni Rembrandt ang larawan. Pinag-aralan niya ang mga ekspresyon ng mukha.

1630 taon sa buhay ni Rembrandt

Isang mahalagang kaganapan sa buhay ng master ang naganap noong 1632. Ang talambuhay ng artist na si Rembrandt ay minarkahan ng paglipat sa Amsterdam. Ang kanyang talambuhay na may kaugnayan sa panahong ito ay ang mga sumusunod.

Sa Amsterdam, hindi nagtagal ay nagpakasal ang artistang interesado kami. Ang kanyang napili ay si Saskia van Uylenburgh, isang mayamang patrician (ang kanyang larawan ay ipinakita sa itaas). Ang babaeng ito ay isang ulila. Ang kanyang ama ay miyembro ng Friesland council, burgomaster ng Leeverden. Ang dalawang kapatid ni Saskia ay mga abogado. Kabilang sa mga kamag-anak ng babaeng ito ang maraming opisyal ng gobyerno at mga siyentipiko. Nagdala siya ng sinag ng kaligayahan sa malungkot na tahanan ng artista. Nilagyan ni Rembrandt ang kanyang bahay ng maraming mga bihirang bagay, bilang isang resulta kung saan ito ay naging isang tunay na museo. Ang master ay gumugol ng maraming oras sa mga junk shop, benta at auction. Bumili siya ng mga print at painting, Indian at Chinese na inukit na mga trinket, lumang armas, estatwa, mahalagang kristal at porselana. Ang lahat ng mga bagay na ito ay nagsilbing background para sa mga painting na kanyang nilikha. Naging inspirasyon nila ang artista. Gustung-gusto ni Rembrandt na bihisan ang kanyang asawa ng pelus, brocade at sutla. Pinaulanan niya siya ng mga perlas at diamante. Ang kanyang buhay ay madali at masaya, puno ng pagkamalikhain, paggawa at pagmamahal. Sa pangkalahatan, ang 1630 ay isang oras kaligayahan ng pamilya at mahusay na tagumpay sa sining.

Mga larawan ng 1630s

Ang lahat ng mga portrait na itinayo noong 1630s ay nagpapakita ng kahusayan at kapangyarihan ni Rembrandt sa pagmamasid. Ito ay naglalapit sa kanya kay Keyser, van der Helst, Rubens at Van Dijk. Ang mga kuwadro na ito ay karaniwang ginagawa sa isang mapusyaw na kulay abo, patag na background. Ang kanyang mga gawa ay madalas na hugis-itlog sa format. Gumawa si Rembrandt ng mga portrait na humanga sa kanilang napakalaking plastic power. Ito ay nakakamit sa pamamagitan ng pagpapasimple ng chiaroscuro at black and white harmony, gayundin sa pamamagitan ng pagdidirekta ng tingin ng modelo. Ang lahat ng mga gawa ay puno ng dignidad, umaakit ng pansin sa komposisyon at pabago-bagong kadalian. Ang mga kuwadro ng panahon ng Amsterdam, kumpara sa mga Leiden, ay may mas makinis na texture. Ang ritmo ng mga kamay ay may simbolikong kahulugan(sinasadyang hindi ipakita ng artista ang isang kamay). Ito, pati na rin ang pagliko ng ulo ng pigura, ay naaalala ang pagkakaiba-iba at transience ng Baroque.

Mga katangian ng ilang larawan ng 1630

Kapag inilalarawan ang buhay at gawain ni Rembrandt sa panahong ito, hindi maaaring hindi lumingon sa mga larawang nilikha niya. Medyo marami sila. Ang "The Anatomy Lesson of Dr. Tulp" ni Rembrandt (nakalarawan sa itaas) ay nilikha noong 1632. Sa loob nito, ang may-akda ay kumuha ng isang makabagong diskarte sa paglutas ng problema ng isang larawan ng grupo, na nagreresulta sa isang nakakarelaks na komposisyon. Pinag-isa ni Rembrandt ang lahat ng mga taong kinakatawan sa pagpipinta sa isang solong aksyon. Ang gawaing ito ay nagdala sa kanya ng malaking katanyagan.

Sa iba pang mga larawan, na nilikha ayon sa maraming mga order, ang artist ay maingat na naghatid ng damit, mga tampok ng mukha, at alahas. Ang isang halimbawa ay ang akdang "Portrait of a Burgrave", na ipininta noong 1636 ni Rembrandt Garmens van Rijn. Ang buhay at gawain ng sinumang artista ay malapit na magkakaugnay. Halimbawa, ang mga larawan ng mga taong malapit kay Rembrandt, pati na rin ang kanyang mga larawan sa sarili (isa sa mga ito, nilikha noong 1634, ay ipinakita sa itaas), ay mas iba-iba at mas malaya sa komposisyon. Sa kanila, ang artista ay hindi natatakot na mag-eksperimento, nagsusumikap para sa sikolohikal na pagpapahayag. Dito dapat din nating banggitin ang self-portrait na nilikha noong 1634, at "Smiling Saskia", na ipininta noong 1633.

Ang sikat na pagpipinta na "Merry Society", o "Self-Portrait with Saskia" (larawan ng gawaing ito ay ipinakita sa itaas), nakumpleto ang paghahanap sa panahong ito. Ipininta ito noong mga 1635. Ang buhay at gawain ng pintor ay inihayag sa isang espesyal na paraan sa gawaing ito. Sa loob nito, matapang niyang sinira ang mga canon na umiiral noong panahong iyon. Ang pagpipinta ay namumukod-tangi para sa malayang paraan ng pagpipinta, ang buhay na buhay na spontaneity ng komposisyon, pati na rin ang puno ng liwanag, major, makulay na palette.

Mga komposisyon sa Bibliya at mga eksenang mitolohiya 1630

Noong 1630s, lumikha din ang artista ng mga komposisyon sa Bibliya. Isa sa pinakatanyag ay ang “Sakripisyo ni Abraham”. Itinayo ito noong 1635. Ang mga komposisyon ng Bibliya sa panahong ito ay minarkahan ng impluwensya ng pagpipinta ng Italian Baroque. Ang epekto nito ay makikita sa dynamics ng komposisyon (medyo sapilitang), light at shadow contrasts, at ang sharpness ng mga anggulo.

Sa akda ni Rembrandt sa panahong ito, ang isang espesyal na lugar ay nabibilang sa mga eksenang mitolohiya. Sa kanila, ang artista ay hindi sumunod sa mga klasikal na tradisyon at canon, na hinahamon sila nang matapang. Isa sa mga akda na mapapansin dito ay ang The Rape of Ganymede (1635).

"Danae"

Ang monumental na komposisyon na pinamagatang "Danae" ay ganap na naglalaman ng mga aesthetic na pananaw ni Rembrandt. Sa gawaing ito, tila nakipagtalo siya sa mga dakilang artista ng Renaissance. Ang hubad na pigura ni Danae na inilalarawan ni Rembrandt ay hindi tumutugma sa mga klasikal na ideyal. Nakumpleto ng artist ang gawaing ito nang may makatotohanang spontaneity, napaka-bold para sa oras na iyon. Inihambing niya ang perpekto, sensual-pisikal na kagandahan ng mga imahe na nilikha ng mga panginoong Italyano na may espirituwal na kagandahan, pati na rin ang init ng pakiramdam ng tao.

Iba pang trabaho

Gayundin noong 1630s, nagtalaga si Rembrandt ng maraming oras sa pagtatrabaho sa mga pamamaraan ng pag-ukit at pag-ukit. Mapapansin ng isa ang kanyang mga gawa tulad ng "The Wandering Couple" at "The Rat Poison Seller." Gumawa din ang artista mga guhit na lapis, pangkalahatan sa paraan at napaka-bold.

Ang gawain ni Rembrandt noong 1640s

Ang mga taong ito ay minarkahan ng isang salungatan sa pagitan ng mga makabagong gawa ni Rembrandt at ang napakalimitadong hinihingi ng kanyang mga kontemporaryo. Ang salungatan na ito ay malinaw na nahayag noong 1642. Pagkatapos ang gawa ni Rembrandt na "Night Watch" ay nagdulot ng marahas na protesta mula sa mga customer. Hindi nila tinanggap ang pangunahing ideya ng artista. Si Rembrandt, sa halip na ang karaniwang larawan ng grupo, ay naglalarawan ng isang heroically upbeat na komposisyon kung saan, sa alarma, ang guild ng mga shooters ay sumulong. Iyon ay, ito ay, maaaring sabihin ng isa, Ginising niya ang mga alaala ng mga kontemporaryo tungkol sa digmaang pagpapalaya na isinagawa ng mga mamamayang Dutch.

Pagkatapos ng gawaing ito, bumaba ang pagdagsa ng mga order para sa Rembrandt. Nagdilim din ang kanyang buhay sa pagkamatay ni Saskia. Noong 1640s, nawala ang panlabas na pagiging epektibo ng gawa ng artist. Naglaho rin ang mga major notes na naging katangian nito kanina. Si Rembrandt ay nagsimulang magpinta ng mahinahong genre at mga eksena sa Bibliya, na puno ng intimacy at init. Sa mga ito ay inihayag niya ang mga banayad na lilim ng mga karanasan, damdamin ng pamilya, espirituwal na pagkakalapit. Kabilang sa mga gawang ito, nararapat na tandaan ang "Banal na Pamilya" ng 1645, pati na rin ang pagpipinta na "David at Jonathan" (1642).

Parehong sa mga graphic at sa mga pagpipinta ni Rembrandt, lahat mas mataas na halaga nakakakuha ng isang napaka banayad na paglalaro ng chiaroscuro. Lumilikha ito ng isang espesyal na kapaligiran - matinding emosyonal, dramatiko. Bigyang-pansin ang monumental na graphic sheet ni Rembrandt na "Christ Healing the Sick" pati na rin ang "Hundred Guilder Sheet", na nilikha noong 1642-46. Dapat mo ring tawagan ang landscape ng 1643 na "Tatlong Puno", puno ng liwanag at dynamics ng hangin.

1650 sa mga gawa ni Rembrandt

Ang oras na ito ay minarkahan ng mahihirap na pagsubok sa buhay na sinapit ng artista. Noong 1650 nagsimula ang kanyang panahon pagiging malikhain. Si Rembrandt ay nagsimulang maging mas madalas sa portraiture. Inilalarawan niya ang mga taong pinakamalapit sa kanya. Kabilang sa mga gawang ito, nararapat na tandaan ang maraming larawan ni Hendrikje Stoffels, ang pangalawang asawa ng artist. Kapansin-pansin din ang "Portrait of an Old Woman" na nilikha noong 1654. Noong 1657, ipininta ng pintor ang isa pa sa kanyang sikat na mga gawa, "Son Titus Reading."

Mga larawan ng mga ordinaryong tao at matatanda

Ang mga imahe ng mga ordinaryong tao, lalo na ang mga matatanda, ay lalong umaakit sa artista. Sa kanyang mga gawa sila ang sagisag ng espirituwal na kayamanan at karunungan sa buhay. Noong 1654, nilikha ni Rembrandt ang "Portrait of the Artist's Brother's Wife", at noong 1652-1654 - "Portrait of an Old Man in Red" (nakalarawan sa itaas). Nagsisimulang maging interesado ang pintor sa mga kamay at mukha, na pinaliliwanagan ng malambot na liwanag. Para silang inagaw sa dilim. Ang mga mukha ng mga figure ay nailalarawan sa pamamagitan ng halos hindi kapansin-pansin na mga ekspresyon ng mukha. Ito ay nagpapakita ng masalimuot na paggalaw ng kanilang mga damdamin at kaisipan. Pinapalitan ng Rembrandt ang mga light at impasto stroke, na nagpapakinang sa ibabaw ng painting na may liwanag at anino at makukulay na shade.

Mahirap na sitwasyon sa pananalapi

Noong 1656, ang artista ay idineklara na isang insolvent debtor, bilang isang resulta kung saan ang lahat ng kanyang ari-arian ay naibenta sa ilalim ng martilyo. Napilitan si Rembrandt na lumipat sa Jewish quarter ng lungsod ng Amsterdam. Dito niya ginugol ang natitirang bahagi ng kanyang buhay sa sobrang sikip na mga kondisyon.

Mga gawa ni Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Ang mga komposisyon sa Bibliya na nilikha noong 1660s ay nagbubuod ng mga pagmumuni-muni ni Rembrandt sa kahulugan ng buhay. Sa kanyang gawain sa panahong ito ay may mga kuwadro na nakatuon sa pag-aaway ng liwanag at madilim na mga prinsipyo sa kaluluwa ng tao. Ang isang bilang ng mga gawa sa paksang ito ay nilikha ni Rembrandt Harmens van Rijn, na ang talambuhay at listahan ng mga pagpipinta ay interesado sa amin. Kabilang sa gayong mga gawa, nararapat na tandaan ang akdang "Assur, Haman at Esther", na nilikha noong 1660; at gayundin ang "David at Uriah", o "The Fall of Haman" (1665). Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang nababaluktot na istilo ng brushwork, maayang mayaman na kulay, kumplikadong texture sa ibabaw, at matinding paglalaro ng liwanag at anino. Ang lahat ng ito ay kinakailangan para sa artist na magbunyag ng mga kumplikadong emosyonal na karanasan at mga salungatan, upang patunayan ang tagumpay ng mabuti laban sa kasamaan.

Ang makasaysayang pagpipinta ni Rembrandt na pinamagatang The Conspiracy of Julius Civilis, na kilala rin bilang The Conspiracy of the Batavians, ay nilikha noong 1661. Ito ay puno ng kabayanihan at malupit na drama.

"Pagbabalik ng Alibughang Anak"

Sa huling taon ng kanyang buhay, nilikha ng artista ang gawaing "Return alibughang anak". Itinayo ito noong 1668-69. Ang monumental na canvas na ito ang pangunahing obra maestra ni Rembrandt. Nilalaman nito ang lahat ng moral, aesthetic at mga isyu sa sining, katangian ng late period kanyang pagkamalikhain. Ang artist na may pinakamataas na kasanayan ay muling nililikha sa larawang ito ng isang buong hanay ng malalim at kumplikado damdamin ng tao. Isinasailalim niya ang masining na paraan upang ibunyag ang kagandahan ng pagpapatawad, pakikiramay, at pag-unawa. Ang paghantong ng paglipat mula sa pag-igting ng mga damdamin hanggang sa matagumpay na paglutas ng mga hilig ay nakapaloob sa mga ekstrang kilos at nagpapahayag na mga poses. Makikita mo ito sa larawan sa itaas huling piraso Rembrandt.

Ang pagkamatay ni Rembrandt, ang kahalagahan ng kanyang trabaho

Ang tanyag na Dutch na pintor, etcher at draftsman ay namatay sa Amsterdam noong Oktubre 4, 1669. Harmens van Rijn Rembrandt, na ang mga gawa ay kilala at minamahal ng marami, ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa karagdagang pag-unlad pagpipinta. Ito ay kapansin-pansin hindi lamang sa gawain ng kanyang mga mag-aaral, kung saan si Carel Fabricius ay naging pinakamalapit sa pag-unawa kay Rembrandt, kundi pati na rin sa mga gawa ng bawat Dutch artist, higit pa o hindi gaanong makabuluhan. Ang mga pintura ng maraming mga masters ay sumasalamin sa impluwensya ng mga artista tulad ni Rembrandt van Rijn. Ang akdang "The Swamp", na isinulat ni Jacob van Ruisdael, ay marahil isa sa mga akdang ito. Ipinapakita nito ang isang disyerto na bahagi ng kagubatan na binaha ng tubig. Ang larawang ito ay may simbolikong kahulugan.

Kasunod nito, ang dakilang Rembrandt ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa pag-unlad ng makatotohanang sining sa pangkalahatan. Ang kanyang mga kuwadro na gawa at talambuhay ay interesado pa rin sa maraming tao. Ito ay nagpapahiwatig na ang kanyang trabaho ay talagang lubos na mahalaga. Ang mga obra maestra ni Rembrandt, na marami sa mga ito ay inilarawan sa artikulong ito, ay nagbibigay-inspirasyon pa rin sa mga artista.

Pangalan: Rembrandt (Rembrandt Harmens van Rijn)

Edad: 63 taong gulang

Aktibidad: artist, engraver, pangunahing kinatawan ng ginintuang edad ng Dutch painting

Katayuan ng pamilya: balo

Rembrandt: talambuhay

Rembrandt Harmens van Rijn – sikat na pintor, etcher at draftsman ng "Golden Age". Universal na pagkilala at kaluwalhatian, isang matalim na pagbaba at kahirapan - ito ay kung paano ang isa ay maaaring makilala ang talambuhay ng mahusay na henyo ng sining. Hinahangad ni Rembrandt na ihatid ang kaluluwa ng isang tao sa pamamagitan ng mga larawan; kumakalat pa rin ang mga alingawngaw at hula tungkol sa marami sa mga gawa ng artista, na nababalot ng misteryo.

Ang simula ng ika-17 siglo ay kalmado para sa estado ng Dutch, na nakakuha ng kalayaan ng republika sa panahon ng rebolusyon. Umunlad ang bansa industriyal na produksyon, Agrikultura at pangangalakal.

Sa sinaunang lungsod ng Leidin, na matatagpuan sa lalawigan ng South Holland, sa isang bahay sa Vedesteg, Rembrandt, ipinanganak noong Hulyo 15, 1607, ginugol ang kanyang pagkabata.

Ang batang lalaki ay lumaki sa isang malaking pamilya, kung saan siya ang ikaanim na anak. Ang ama ng magiging artista, si Harmen van Rijn, ay isang mayamang tao na nagmamay-ari ng isang mill at malthouse. Kabilang sa iba pang mga bagay, ang ari-arian ni Rhein ay kasama ang dalawa pang bahay, at nakatanggap din siya ng malaking dote mula sa kanyang asawang si Cornelia Neltje, kaya malaking pamilya namuhay nang sagana. Ang ina ng hinaharap na artista ay anak ng isang panadero at marunong magluto, kaya ang mesa ng pamilya ay puno ng masasarap na pagkain.

Sa kabila ng kanilang kayamanan, ang pamilya Harmen ay namuhay nang disente, na sinusunod ang mahigpit na mga tuntunin ng Katoliko. Ang mga magulang ng artist, kahit na pagkatapos ng Dutch Revolution, ay hindi nagbago ng kanilang saloobin sa pananampalataya.

Naging mabait si Rembrandt sa kanyang ina sa buong buhay niya. Ito ay ipinahayag sa isang larawang ipininta noong 1639, na naglalarawan ng isang matalinong matandang babae na may mabait at bahagyang malungkot na hitsura.

Sila ay mga estranghero sa pamilya kaganapang panlipunan At marangyang buhay mayayamang tao. Ito ay nagkakahalaga ng pagpapalagay na sa gabi ang van Rijns ay nagtipon sa mesa at nagbasa ng mga libro at Bibliya: ito ang ginawa ng karamihan sa mga mamamayang Dutch noong "Golden Age".

Ang windmill na pag-aari ni Harmen ay matatagpuan sa pampang ng Rhine: sa harap ng mga mata ng batang lalaki a magandang tanawin isang azure na ilog, na naliliwanagan ng sinag ng araw na dumadaan sa maliit na bintana ng gusali at dumadaan sa mga ambon ng alikabok ng harina. Marahil, dahil sa mga alaala ng pagkabata, natutunan ng hinaharap na artista na mahusay na makabisado ang pintura, liwanag at anino.

Bilang isang bata, lumaki si Rembrandt bilang isang mapagmasid na batang lalaki. Ang mga bukas na espasyo ng mga kalye ng Leidin ay nagbigay ng mga mapagkukunan ng inspirasyon: sa mga pamilihan ng kalakalan ay maaaring makilala ang magkakaibang mga tao ng iba't ibang nasyonalidad at matutong gumuhit ng kanilang mga mukha sa papel.

Sa una, ang batang lalaki ay nagpunta sa isang Latin na paaralan, ngunit hindi siya interesado sa pag-aaral. Hindi gusto ng batang si Rembrandt ang mga eksaktong agham, mas pinipili ang pagguhit.

Ang pagkabata ng hinaharap na artista ay masaya, dahil nakita ng kanyang mga magulang ang mga libangan ng kanyang anak, at nang ang batang lalaki ay 13 taong gulang, ipinadala siya upang mag-aral sa Dutch artist Jacob van Swanenburg. Kaunti ang nalalaman mula sa talambuhay ng unang guro ni Rembrandt; ang kinatawan ng late mannerism ay hindi napanatili ang isang malaking pamana ng sining, na ginagawang halos imposible na masubaybayan ang impluwensya ni Jacob sa pagbuo ng istilo ni Rembrandt.

Noong 1623, pumunta ang binata sa kabisera, kung saan ang kanyang pangalawang guro ay ang pintor na si Peter Lastman, na nagturo kay Rembrandt sa loob ng anim na buwan sa pagpipinta at pag-ukit.

Pagpipinta

Ang kanyang pagsasanay kasama ang kanyang tagapagturo ay matagumpay; humanga sa mga pagpipinta ni Lastman, ang binata ay mabilis na pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng pagguhit. Maliwanag at mayaman na mga kulay, paglalaro ng mga anino at liwanag, pati na rin ang maselang elaborasyon ng kahit na ang pinaka maliliit na bahagi flora - iyon ang ipinasa ni Pedro sa kilalang estudyante.

Noong 1627, bumalik si Rembrandt mula sa Amsterdam sa kanyang bayan. Tiwala sa kanyang mga kakayahan, ang artista, kasama ang kanyang kaibigan na si Jan Lievens, ay nagbukas ng kanyang sariling paaralan ng pagpipinta, na maikling oras naging popular sa mga Dutch. Sina Lievens at Rembrandt ay nakipagsabayan sa isa't isa, kung minsan ang mga kabataan ay maingat na gumawa sa isang canvas, na naglalagay ng bahagi ng kanilang sariling estilo sa pagguhit.

Nakamit ng dalawampung taong gulang na batang artista ang katanyagan sa pamamagitan ng kanyang detalyadong mga naunang gawa, na kinabibilangan ng:

• "Pagbato kay San Esteban na Apostol" (1625),
• "Palamedea bago si Agamemnon" (1626),
• "David kasama ang Ulo ni Goliath" (1627),
• "Ang Panggagahasa ng Europa" (1632),

Ang binata ay patuloy na kumukuha ng inspirasyon mula sa mga lansangan ng lungsod, naglalakad sa mga parisukat upang matugunan ang isang random na dumadaan at makuha ang kanyang larawan gamit ang isang pait sa isang tabla na gawa sa kahoy. Gumawa rin si Rembrandt ng isang serye ng mga ukit na may mga self-portraits at portrait ng maraming kamag-anak.

Salamat sa talento ng batang pintor, si Rembrandt ay napansin ng makata na si Constantin Heygens, na humanga sa mga pagpipinta nina van Rijn at Lievens, na tinawag silang mga promising artist. "Ibinalik ni Judas ang Tatlumpung Piraso ng Pilak," na ipininta ng isang Dutchman noong 1629, inihambing niya ang mga sikat na pagpipinta ng mga master na Italyano, ngunit nakahanap ng mga pagkukulang sa pagguhit. Salamat sa mga koneksyon ni Constantine, hindi nagtagal ay nakakuha si Rembrandt ng mayayamang tagahanga ng sining: dahil sa pamamagitan ng Hagens, ang Prinsipe ng Orange ay nag-atas ng ilang relihiyosong mga gawa mula sa pintor, tulad ng Before Pilate (1636).

Ang tunay na tagumpay para sa isang artista ay darating sa Amsterdam. Noong Hunyo 8, 1633, nakilala ni Rembrandt ang anak ng isang mayamang burgher, si Saskia van Uylenburch, at nakakuha ng isang malakas na posisyon sa lipunan. Ipininta ng pintor ang karamihan sa kanyang mga pintura habang nasa kabisera ng Netherlands.

Si Rembrandt ay inspirasyon ng kagandahan ng kanyang minamahal, kaya madalas niyang pinipintura ang kanyang mga larawan. Tatlong araw pagkatapos ng kasal, inilarawan ni van Rijn ang isang babae na nakasuot ng pilak na lapis na may suot na malapad na sumbrero. Lumitaw si Saskia sa mga painting ng Dutchman sa isang maaliwalas na kapaligiran sa tahanan. Ang imahe ng babaeng mabilog na pisngi na ito ay lumilitaw sa maraming mga canvases, halimbawa, ang misteryosong batang babae sa pagpipinta na "Night Watch" ay malakas na kahawig ng minamahal ng artist.

Noong 1632, niluwalhati si Rembrandt sa pamamagitan ng pagpipinta na "The Anatomy Lesson of Doctor Tulp." Ang katotohanan ay ang van Rijn ay lumayo sa mga canon ng karaniwang mga larawan ng grupo, na inilalarawan na may mga mukha na nakaharap sa manonood. sukdulan makatotohanang mga larawan Pinasikat ng mga doktor at ng kanyang mga estudyante ang artista.

Isinulat noong 1635 sikat na pagpipinta batay sa kuwento sa Bibliya na "Ang Sakripisyo ni Abraham", na pinahahalagahan sa sekular na lipunan.

Noong 1642, nakatanggap si van Rijn ng utos mula sa Shooting Society para sa isang larawan ng grupo upang palamutihan ang bagong gusali gamit ang canvas. Ang pagpipinta ay nagkamali na tinawag na "Night Watch". Nabahiran ito ng uling, at noong ika-17 siglo lamang napagpasyahan ng mga mananaliksik na ang pagkilos na nalalahad sa canvas ay nagaganap sa araw.

Maingat na inilarawan ni Rembrandt ang bawat detalye ng mga musketeer na kumikilos: na parang sa isang tiyak na sandali ay tumigil ang oras nang lumabas ang militia mula sa madilim na patyo upang makuha sila ni van Rijn sa canvas.

Hindi nagustuhan ng mga customer ang katotohanan na ang Dutch na pintor ay lumihis mula sa mga canon na binuo noong ika-17 siglo. Pagkatapos ang mga larawan ng grupo ay seremonyal, at ang mga kalahok ay inilalarawan nang buong mukha nang walang anumang static.

Ayon sa mga siyentipiko, ang pagpipinta na ito ang dahilan ng pagkabangkarote ng artist noong 1653, dahil tinatakot nito ang mga potensyal na kliyente.

Teknik at mga pagpipinta

Naniniwala si Rembrandt na ang tunay na layunin ng artista ay pag-aralan ang kalikasan, kaya lahat ng mga pintura ng pintor ay naging masyadong photographic: sinubukan ng Dutchman na ihatid ang bawat damdamin ng taong inilalarawan.

Tulad ng maraming mahuhusay na master ng Golden Age, si Rembrandt ay may mga motibo sa relihiyon. Ang mga canvases ni Van Rijn ay hindi lamang ipininta nakunan ng mga mukha, ngunit buong plot na may sariling kasaysayan.

Sa pagpipinta na "The Holy Family," na ipininta noong 1645, natural ang mga mukha ng mga tauhan; tila gustong gamitin ng Dutchman ang kanyang brush at pintura para dalhin ang mga manonood sa maaliwalas na kapaligiran ng isang simpleng pamilyang magsasaka. Hindi matutunton ng isa ang anumang karangyaan sa mga gawa ni van Rijn. sinabi na ipininta ni Rembrandt ang Madonna sa anyo ng isang babaeng magsasaka na Dutch. Sa katunayan, sa buong buhay niya, ang artista ay nakakuha ng inspirasyon mula sa mga taong nakapaligid sa kanya; posible na sa canvas ang isang babae, na kinopya mula sa isang katulong, ay duyan ng isang sanggol.

Tulad ng maraming mga artista, si Rembrandt ay puno ng mga misteryo: pagkatapos ng pagkamatay ng lumikha, ang mga mananaliksik ay nag-isip nang mahabang panahon tungkol sa mga lihim ng kanyang mga pagpipinta.

Halimbawa, nagtrabaho si van Rijn sa pagpipinta na "Danae" (o "Aegina") sa loob ng 11 taon, simula noong 1636. Inilalarawan ng canvas ang isang dalaga pagkagising mula sa pagkakatulog. Ang balangkas ay batay sa sinaunang alamat ng Griyego ni Danae, ang anak na babae ng hari ng Argos at ina ni Perseus.

Hindi maintindihan ng mga researcher ng canvas kung bakit hindi kamukha ni Saskia ang hubad na dalaga. Gayunpaman, pagkatapos ng isang x-ray, naging malinaw na si Danae ay orihinal na iginuhit bilang Eulenburch, ngunit pagkamatay ng kanyang asawa, bumalik si van Rijn sa pagpipinta at binago ang mga tampok ng mukha ni Danae.

Nagkaroon din ng mga pagtatalo sa mga kritiko ng sining tungkol sa pangunahing tauhang babae na inilalarawan sa canvas. Hindi pinirmahan ni Rembrandt ang pamagat ng pagpipinta, at ang interpretasyon ng balangkas ay kumplikado sa kawalan ng ginintuang ulan, ayon sa alamat, sa anyo kung saan nagpakita si Zeus kay Danae. Nataranta rin ang mga siyentipiko singsing sa kasal sa palasingsingan mga babae, na hindi sumang-ayon sa sinaunang mitolohiyang Griyego. Ang obra maestra ni Rembrandt na "Danae" ay nasa museo ng Russia Ermita.

"The Jewish Bride" (1665) - isa pa mahiwagang larawan van Rijn. Natanggap ng canvas ang pangalang ito sa simula ng ika-19 na siglo, ngunit hindi pa rin alam kung sino ang inilalarawan sa canvas, dahil ang isang batang babae at isang lalaki ay nakasuot ng mga vintage costume, nakapagpapaalaala sa pananamit ng Bibliya. Sikat din ang pagpipinta na "The Return of the Prodigal Son" (1669), na inabot ng 6 na taon upang malikha.

Kung pinag-uusapan natin ang estilo ng pagpipinta ni Rembrandt, ang artist ay gumamit ng isang minimum na mga kulay, habang pinamamahalaan pa rin na gawing "buhay" ang mga pagpipinta, salamat sa paglalaro ng liwanag at mga anino.

Matagumpay ding nagawa ni Van Rijn na ilarawan ang mga ekspresyon ng mukha: ang lahat ng mga tao sa mga pintura ng mahusay na pintor ay tila buhay. Halimbawa, sa larawan ng isang matandang lalaki - ang ama ni Rembrandt (1639) ang bawat kulubot ay makikita, pati na rin ang isang matalino at malungkot na hitsura.

Personal na buhay

Noong 1642, namatay si Saskia sa tuberculosis; ang magkasintahan ay nagkaroon ng isang anak na lalaki, si Titus (tatlong iba pang mga bata ang namatay sa pagkabata), kung saan suportado ni Rembrandt. pakikipagkaibigan. Sa pagtatapos ng 1642, nakilala ng artista ang binibini na si Gertje Dirks. Nagalit ang mga magulang ni Saskia sa paraan ng pagtatapon ng balo habang namumuhay sa karangyaan. Nang maglaon, idinemanda ni Dirks ang kanyang kasintahan dahil sa paglabag nito sa pangakong pakasalan siya. Mula sa pangalawang babae ang artista ay may anak na babae, si Cornelia.

Noong 1656, si Rembrandt, dahil sa mga kahirapan sa pananalapi, ay nagpahayag ng kanyang sarili na bangkarota at umalis para sa isang liblib na bahay sa labas ng kabisera.

Ang buhay ni Van Rijn ay hindi lumago, bagkus ay bumagsak: masayang pagkabata, ang kayamanan at pagkilala ay napalitan ng mga umalis na mga customer at miserableng katandaan. Makikita ang mood ng artist sa kanyang mga canvases. Kaya, nakatira kasama si Saskia, nagsusulat siya nang masaya at solar painting, halimbawa, “Self-portrait with Saskia on her knees” (1635). Sa canvas, si van Rijn ay tumatawa nang may taimtim na tawa, at isang maningning na liwanag ang nagliliwanag sa silid.

Kung bago ang pagpipinta ang mga pagpipinta ng artist ay detalyado, pagkatapos ay sa yugto ng huli na pagkamalikhain ay gumagamit si Rembrandt ng malawak na mga stroke, at ang mga sinag ng araw ay pinalitan ng kadiliman.

Ang pagpipinta na "The Conspiracy of Julius Civilis," na ipininta noong 1661, ay hindi binayaran ng mga customer dahil ang mga mukha ng mga kalahok sa pagsasabwatan ay hindi maingat na ginawa, hindi katulad ng mga naunang gawa ni van Rijn.

Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, na nabubuhay sa kahirapan, noong 1665, nagpinta si Rembrandt ng sariling larawan sa imahe ni Zeuxis. Si Zeukis ay isang sinaunang Griyego na pintor na namatay sa isang ironic na kamatayan: ang pintor ay natuwa sa larawang ipininta niya ni Aphrodite sa anyo ng isang matandang babae, at namatay siya sa pagtawa. Sa larawan, tumawa si Rembrandt; ang artista ay hindi nag-atubiling maglagay ng isang dosis ng itim na katatawanan sa canvas.

Kamatayan

Inilibing ni Rembrandt ang kanyang anak na si Titus, na namatay sa salot, noong 1668. Ang malungkot na pangyayaring ito ay lalong nagpalala sa estado ng pag-iisip ng artista. Namatay si Van Rijn noong Oktubre 4, 1669 at inilibing sa simbahan ng Dutch Westerkerk sa Amsterdam.

Sa panahon ng kanyang buhay, ang artist ay nagpinta ng mga 350 canvases at 100 na mga guhit. Kinailangan ng sangkatauhan ng dalawang siglo upang lubos na pahalagahan ang mahusay na artist na ito.

Karamihan mga imahe ng babae Ang mga canvases ni Rembrandt mula sa panahon ng 1934-1942 ay ipininta kasama ang minamahal na asawa ng artist na si Saskia van Uylenburch. Sa imahe ng sinaunang diyosa ng tagsibol na si Flora, inilalarawan ng master si Saskia nang tatlong beses - ang larawan na isinasaalang-alang namin ay nilikha sa taon ng kanilang kasal - malinaw sa mata na iniidolo ni Rembrandt ang kanyang asawa, hinangaan siya at inilagay ang lahat. ang lambing niya sa painting.

Si Saskia ay 22 taong gulang sa panahon ng kanyang kasal; sa 17 siya ay naiwan na ulila. Isang insidente ang nagdala sa kanya kasama ang kanyang magiging asawa - pumunta siya sa Amsterdam upang bisitahin ang kanyang pinsan, ang asawa ng mangangaral na si Johann Cornelis Silvius, na nakakakilala kay Rembrandt. Ang kasal ay naganap noong Hunyo 10, 1634. Noong 1942 - isang taon lamang pagkatapos ng kapanganakan anak na pinakahihintay Titus - Wala na si Saskia.

Ang Flora-Saskia ay ang sagisag ng kabataan, kasariwaan at kalinisang-puri; napakaraming kaakit-akit na pagkamahihiyain at pagiging bago ng dalaga sa kanyang hitsura. Mahusay na pinagsama ni Rembrandt ang mga larawang pastoral at historikal sa pagpipinta na ito. Sa tatlong Floras na ipininta kasama ang kanyang asawa (ang iba pang dalawang pagpipinta ay nilikha noong 1935 at 1941), ang unang pinaka-tumutukoy sa sinaunang panahon, ang iba pang dalawang larawan ay nagpapahiwatig ng mito lamang sa banayad na mga detalye.

2. "Danae" (1633-1647). Hermitage, St. Petersburg

Kahit na wala kang alam tungkol sa Rembrandt at hindi ka interesado sa pagpipinta, tiyak na pamilyar sa iyo ang pagpipinta na ito. Ang canvas, na nakaimbak sa St. Petersburg Hermitage, ay halos mawala nang tuluyan noong 1985 dahil sa isang vandal na binuhusan ito ng sulfuric acid at pagkatapos ay pinutol ang canvas gamit ang isang kutsilyo.
Ang pagpipinta, na naglalarawan ng isang hubad na batang babae na nakahiga sa isang kama sa sinag ng hindi makalupa na liwanag, ay ipininta ni Rembrandt para sa kanyang tahanan - ang sikat alamat ng sinaunang greek tungkol sa magandang Danae, ang magiging ina ng nagwagi ng Medusa Perseus, at si Zeus the Thunderer. Ang mismong hitsura ni Danae ay nagbigay ng bugtong sa mga mananaliksik ng pagkamalikhain, na kamakailan lamang nalutas: alam na ang modelo ni Rembrandt ay ang kanyang asawang si Saskia van Uylenburch, ngunit ang Danae na dumating sa amin ay hindi katulad ng asawa ng artista. Ang isang X-ray na pag-aaral ng canvas ay nagpakita na si Rembrandt ay bahagyang muling isinulat ang mukha ni Danae pagkatapos ng kamatayan ng kanyang asawa - at ginawa itong katulad ng mukha ng kanyang pangalawang kasintahan, ang yaya ng kanyang anak na si Titus na si Gertje Dirks. Nag-iba din ang hitsura ni Cupid sa ibabaw ni Danae - may pakpak na diyos tumawa, ngunit sa huling bersyon ay may pagdurusa na nagyelo sa kanyang mukha.
Matapos ang pag-atake sa pagpipinta noong 1985, tumagal ng 12 taon upang maibalik ito. Ang pagkawala ng pagpipinta ay umabot sa 27%; nagtrabaho sila sa pagpapanumbalik ng obra maestra ni Rembrandt ang pinakamahusay na mga masters- gayunpaman, walang mga garantiya ng tagumpay. Sa kabutihang palad, ang canvas ay nai-save; ngayon ang pagpipinta ay mapagkakatiwalaang protektado ng nakabaluti na salamin.

3. "Night Watch", (1642). Rijksmuseum - Pambansang Museo ng Amsterdam

Ang napakalaki, halos apat na metrong canvas ay naging tunay na nakamamatay sa karera ng lumikha nito. Ang tamang pamagat ng pagpipinta ay "Pagganap ng kumpanya ng rifle nina Kapitan Frans Banning Kok at Tenyente Willem van Ruytenburg." Ito ay naging "Night Watch" matapos itong matuklasan ng mga art historian, na nakalimutan sa loob ng dalawang siglo. Napagpasyahan na ang pagpipinta ay naglalarawan ng mga musketeer sa isang serbisyo sa gabi - at pagkatapos lamang ng pagpapanumbalik ay naging malinaw na sa ilalim ng layer ng soot mayroong isang ganap na naiibang orihinal na kulay - ang mga anino ay nagsasalita nang mahusay tungkol dito - ang aksyon sa canvas ay nagaganap sa paligid ng 2 alas-dose ng hapon.
Ang gawain ay inatasan ni Rembrandt mula sa Shooting Society, isang civil militia unit ng Netherlands. Ang isang larawan ng grupo ng anim na kumpanya ay upang palamutihan ang bagong gusali ng lipunan - si Rembrandt ay hiniling na ipinta ang kumpanya ng rifle ni Captain Frans Banning Cock. Inaasahan nila ang isang tradisyonal na seremonyal na larawan mula sa artist - iyon lang mga karakter sa isang hilera - gayunpaman, nagpasya siyang ilarawan ang mga musketeer sa paggalaw. Ang naka-bold na komposisyon, kung saan ang bawat figure ay bilang dynamic hangga't maaari, ay hindi nakahanap ng pag-unawa sa mga customer - ang kawalang-kasiyahan ay sanhi ng katotohanan na ang ilan sa mga itinatanghal ay malinaw na nakikita, habang ang iba ay nasa background. Ang "The Night Watch" ay literal na sinira ang karera ni Rembrandt - pagkatapos ng pagpipinta na ito na ang mga regular na mayayamang kliyente ay tumalikod sa pintor, at ang kanyang estilo ng pagpipinta ay nagbago nang malaki.
Sa pamamagitan ng paraan, ang kapalaran ng pagpipinta na ito ay hindi gaanong trahedya kaysa sa "Danae". Upang magsimula sa, sa ika-18 siglo ito ay ganap na barbarically pinutol upang magkasya sa bagong hall ng Shooting Society. Kaya nawala sa larawan ang mga musketeer na sina Jacob Dirksen de Roy at Jan Brugman. Sa kabutihang palad, ang isang kopya ng orihinal na pagpipinta ay napanatili. Ang "Night Watch" ay inatake ng mga vandal nang tatlong beses: sa unang pagkakataon ay pinutol ang isang malaking piraso ng canvas, sa pangalawang pagkakataon ang pagpipinta ay sinaksak ng 10 beses, at sa pangatlong beses ay binuhusan ito ng sulfuric acid.
Ngayon ang canvas ay itinatago sa Rijksmuseum - ang Pambansang Museo ng Amsterdam. Maaari mong tingnan ang larawang ito sa loob ng maraming oras - lahat ng mga character ay inilalarawan nang detalyado sa malaking canvas, parehong "custom-made" (sa totoo lang, mayroong 18 musketeers) at ang mga idinagdag ni Rembrandt sa kanyang sariling paghuhusga (16 na mga numero, ang pinaka misteryoso ay ang maliit na batang babae sa lugar ng "mga gintong seksyon" ng pagpipinta)

4. “The Prodigal Son in the Tavern” (1635 (1635). Dresden Gallery

Ang self-portrait na ito ng artist kasama ang kanyang minamahal na asawang si Saskia sa kanyang kandungan ay itinago sa Old Masters Gallery sa Dresden (kilala rin bilang Dresden Gallery). Walang alinlangan na ipininta ng artist ang larawang ito bilang ganap na masaya. Sa panahong ito ng kanyang buhay na si Rembrandt ay nagtrabaho nang husto at mabunga, naging tanyag, tumanggap ng mataas na bayad para sa kanyang mga gawa, at kabilang sa kanyang mga kostumer ay mga sikat at mayayamang tao. Ginawa ng master ang balangkas mula sa Ebanghelyo ni Lucas sa diwa ng mga panahon - ang alibughang anak ay nakasuot ng kamisole at isang malawak na sumbrero na may balahibo, ang patutot sa kanyang kandungan ay nakadamit din sa fashion ng panahong iyon. Sa pamamagitan ng paraan, ito ang tanging pagpipinta ng isang self-portrait ng artist kasama ang kanyang asawa - si Rembrandt ay gumawa ng isa pang imahe ng kanyang sarili at Saskia sa parehong pictorial space gamit ang engraving technique noong 1638. Sa kabila ng pangkalahatang masayang tono ng larawan, hindi nakalimutan ng may-akda na ipaalala sa iyo na sa lalong madaling panahon kailangan mong magbayad para sa lahat ng bagay sa buhay na ito - ito ay malinaw na pinatunayan ng slate board sa background, kung saan sa lalong madaling panahon ang nagsasaya. masingil. Nahulaan kaya ni Rembrandt kung gaano kalaki ang kanyang sariling kabayaran para sa kanyang talento?

5. "Ang Pagbabalik ng Alibughang Anak" (1666-1669). Museo ng Hermitage ng Estado, Saint Petersburg

Ito ang pinakamalaking pagpipinta ni Rembrandt sa isang relihiyosong tema. Ang semantic center ng larawan ay malakas na inilipat sa gilid, ang mga pangunahing figure ay naka-highlight na may liwanag, ang natitirang mga character ay natatakpan ng anino, na ginagawang imposibleng magkamali kapag binabasa kung ano ang inilalarawan. Sa pamamagitan ng paraan, ang lahat ng mga pagpipinta ni Rembrandt ay pinagsama ng isang mahalagang detalye - sa kabila ng pangkalahatang kalinawan ng pangunahing balangkas, ang bawat pagpipinta ay naglalaman ng mga misteryo na hindi kayang lutasin ng mga istoryador ng sining. Tulad ng batang babae mula sa The Night's Watch, ang Return of the Prodigal Son ay nagtatampok ng mga karakter na nababalot ng misteryo. Mayroong apat sa kanila - may isang karaniwang tumatawag sa kanila na "mga kapatid" ng pangunahing karakter. Ang ilang mga mananaliksik ay binibigyang-kahulugan ang babaeng pigura sa likod ng hanay bilang pangalawang, masunuring anak na lalaki - bagaman ayon sa kaugalian, ang tungkuling ito ay itinalaga sa lalaki sa harapan. Ang lalaking ito, balbas, na may isang tungkod sa kanyang mga kamay, ay hindi gaanong nagtanong - sa Ebanghelyo ni Lucas, ang kapatid ng dekano ay tumakbo upang salubungin ang alibughang kamag-anak mula mismo sa bukid, ngunit dito siya ay inilalarawan sa halip bilang isang marangal na gala, marahil. maging ang Walang Hanggang Hudyo. Sa pamamagitan ng paraan, posible na inilarawan ni Rembrandt ang kanyang sarili sa ganitong paraan - ang mga self-portraits, tulad ng alam mo, ay hindi karaniwan sa kanyang mga pagpipinta.

Noong Hulyo 15, 1606, ipinanganak ang pinakadakilang pintor ng Dutch, si Rembrandt Harmensz van Rijn.
Repormador sa hinaharap sining biswal ipinanganak sa pamilya ng isang mayamang tagagiling sa Leiden. Ang batang lalaki ay nagpakita ng interes sa pagpipinta mula sa maagang pagkabata, kaya sa edad na 13 siya ay nag-aprentis sa Leiden artist na si Jacob van Swanenburch. Kalaunan ay nag-aral si Rembrandt sa pintor ng Amsterdam na si Pieter Lastman, na dalubhasa sa mga paksang pangkasaysayan, mitolohiya at bibliya.

Noong 1627, nagawa ni Rembrandt na magbukas ng kanyang sariling workshop kasama ang kanyang kaibigan na si Jan Lievens - ang batang pintor, na halos 20 taong gulang, ay nagsimulang mag-recruit ng mga mag-aaral mismo.

Nasa unang bahagi na ng mga gawa ni Rembrandt, malinaw na nakikita ang isang espesyal na istilo ng pagpipinta, na nagsisimulang magkaroon ng hugis - sinisikap ng artista na ipinta ang kanyang mga karakter nang emosyonal hangga't maaari, literal na bawat sentimetro ng canvas ay puno ng drama. Sa pinakadulo simula ng kanyang paglalakbay, ang hinaharap na hindi maunahang master ng pakikipagtulungan sa chiaroscuro ay natanto ang kapangyarihan ng pamamaraang ito para sa paghahatid ng mga emosyon.

Noong 1631, lumipat si Rembrandt sa Amsterdam, kung saan siya ay binati nang labis; inihambing ng mga mahilig sa sining ang istilo ng pagpipinta ng batang artista sa mga gawa mismo ni Rubens - sa pamamagitan ng paraan, masaya si Rembrandt na kumuha ng mga pahiwatig mula sa karamihan ng mga aesthetics ng artist na ito.

Ang panahon ng trabaho sa kabisera ng Dutch ay naging isang palatandaan para sa genre ng portrait sa gawa ni Rembrandt - dito na nagpinta ang master ng maraming pag-aaral ng mga ulo ng babae at lalaki, maingat na ginagawa ang bawat detalye, na nauunawaan ang lahat ng mga subtleties ng mga ekspresyon ng mukha ng tao. mukha. Ang pintor ay nagpinta ng mga mayayamang taong-bayan - ang kanyang katanyagan ay mabilis na lumaganap at naging susi sa komersyal na tagumpay - at marami rin siyang ginagawa sa mga self-portraits.

Ang kapalaran ni Rembrandt - parehong personal at malikhain - ay hindi madali. Maagang napaboran ng katanyagan at tagumpay, ang mahuhusay na pintor ay bigla ding nawalan ng mayayamang kliyente na nabigong mapagtanto ang rebolusyonaryong tapang ng kanyang mga gawa. Ang pamana ni Rembrandt ay tunay na pinahahalagahan makalipas lamang ang dalawang siglo - noong ika-19 na siglo, ang mga realistang artista ay binigyang inspirasyon ng mga pintura ng master na ito, isa sa ang pinakamaliwanag na kinatawan ginintuang panahon ng pagpipinta ng Dutch.

Self-portrait sa edad na 54 - Rembrandt. 1660. Langis sa canvas. 80.3x67.3. Metropolitan Museum of Art

Rembrandt van Rijn(Hulyo 15, 1606 - Oktubre 4, 1669) - isang makinang na Dutch artist. Ipinanganak at lumaki sa pamilya ng isang ordinaryong miller sa lungsod ng Leiden. Nagtrabaho doon si Rembrandt hanggang 1632, at pagkatapos ay lumipat sa Amsterdam. Pagkalipas ng dalawang taon, pinakasalan niya ang isang babae mula sa isang mayamang pamilya, si Saskie. Ang pintor ay nag-imortal ng imahe ng kanyang napili sa marami sa kanyang mga canvases, na inihatid ang lahat ng kanyang pagkababae at kagandahan na may espesyal na pagmamahal at lambing. Ngunit ang talambuhay ni Rembrandt ay hindi kasing simple at karaniwan na tila sa unang tingin. Ito ay pinatunayan ng kanyang mga gawa, na sumasalamin sa nakatagong kakanyahan ng pang-araw-araw na phenomena at naghahatid ng panloob na mundo ng mga inilalarawan.

Mga tampok ng pagkamalikhain: ang interes na ipinakita ng artista sa panloob na mundo ng isang tao ay lumilitaw na sa panahon ng Leiden, nang ihatid ni Rembrandt van Rijn ang mga indibidwal na katangian ng mga tao sa pamamagitan ng kanilang mga larawan. Espesyal na atensyon binigyang pansin ng pintor ang pagbubunyag estado ng pag-iisip ang taong inilalarawan, habang inaalis ang maliliit na detalye.

gawa ni Rembrandt- Ito ay isang kamangha-manghang lawak ng pampakay na hanay. Ang mga gawa ng pintor ay nagpapakita ng pinakamalalim na humanismo. At sa parehong oras, ang pintor ay patuloy na nasa malikhaing paghahanap, sinusubukang hanapin ang pinaka-nagpapahayag na artistikong paraan. Ang mga patuloy na pagtatangka na ito na makamit ang pagiging perpekto ang naging dahilan ng Rembrandt van Rijn ngayon pinakadakilang artista. Ang mga manggagawa ng pinong sining ay tumitingin pa rin sa kanyang walang kapantay na husay, at ang mga canvases ng pintor ay nakakabighani sa unang tingin.

Mga sikat na painting ni Rembrandt van Rijn

Nang maglaon, nagpinta ang artist ng isa pang pagpipinta, na naging hindi gaanong sikat - "The Return of the Prodigal Son", kung saan inilarawan ni Rembrandt van Rijn ang isang kuwento sa Bibliya. Ang canvas ay puno ng habag at lambing, at sinumang nakakita nito kahit minsan ay sasang-ayon na sa harap niya ang pinakadakilang likha ng pintor na kanyang nilikha.

Ang gawa ni Rembrandt: mga pangunahing panahon

Ngunit ang tunay na makikinang na mga pagpipinta ng mahuhusay na Rembrandt ay nilikha niya sa pagitan ng 50s at 60s. Sa kabila ng katotohanan na ang artista ay may napakahirap na oras sa oras na ito dahil sa mga problema sa mga awtoridad at iba pang mga problema, mayroon pa ring sapat na puwang sa kanyang buhay para sa pagkamalikhain.

Mga huling painting ni Rembrandt

Ang pagpipinta na "Bathsheba" ay nararapat na hindi gaanong pansin. Nabigyang-inspirasyon si Rembrandt na ipinta ang pagpipinta na ito sa pamamagitan ng isang kuwento mula sa Lumang Tipan tungkol kay Haring David, ang pinuno ng Israel. Isang gabi, lumabas si David sa bubong ng kanyang sariling palasyo, kung saan napansin niya ang isang babaeng naliligo na may di-kapanipaniwalang kagandahan. Inutusan ng hari na alamin ang lahat tungkol sa babaeng ito. At ipinaalam sa kanya ng mga lingkod na may isang Bathsheba na naliligo. Inilipat ni Rembrandt ang eksenang ito sa kanyang canvas. Itinuon niya ang lahat ng kanyang atensyon sa pangangalunya, banal na galit at krimen sa dugo.

Ang Polish Horseman ay isa pang late-period painting ni Rembrandt na naging malawak na kilala matapos itong makuha ng isang maimpluwensyang kolektor. Ang pangunahing katangian ng canvas ay isang matapang na binata na nakasakay sa kabayo. Inilarawan ni Rembrandt ang kanyang karakter na gumagalaw, ngunit ang tingin ng taong inilalarawan ay maingat na sumugod sa malayo. Sa paghusga sa pamamagitan ng estilo ng pananamit kung saan ang binata ay nakadamit, siya ay kabilang sa Polish cavalry ng ikalabing pitong siglo. Nakasuot siya ng mahabang caftan, fur hat at leather boots. Ang mangangabayo ay armado ng punyal at sable, at sa kanyang kanang kamay ay may pana. Hindi pa rin alam kung sino ang eksaktong nag-pose para sa mahusay Dutch artist para sa larawang ito. Ang ilang mga mananalaysay na nag-aaral sa gawa ni Rembrandt ay may hilig na isipin na siya ay hindi isang cavalryman, ngunit isang ordinaryong Pole. Ang pintor ay nagbigay ng espesyal na pansin sa pangalawang karakter - ang kabayong pandigma. Ang kabayo ay matikas at marangal, ang mga butas ng ilong nito ay nakabuka. Dahil siya ay gumagalaw, ang kanyang puting-niyebe na mane ay nabubuo sa hangin, at ang mga kalamnan ay naglalaro sa kanyang katawan. Ang kabayo at sakay ay itinuturing bilang isang solong kabuuan, nagsusumikap para sa isang karaniwang layunin.

Ang kanyang mga pagpipinta ay makikita sa maraming museo sa buong mundo, ngayon ay kilala siya ng bawat tao sa Earth. Ang takot at kagalakan, sorpresa at galit ay natural na makikita sa kanyang mga gawa na imposibleng hindi maniwala sa kanila. Nakakabaliw na sikat kalunos-lunos na kapalaran at ang malungkot na pagbaba ng buhay ay nananatiling dahilan ng tsismis at pilosopikal na pangangatwiran.

Kabataan

Ang artistang si Rembrandt ay ipinanganak sa pamilya ng isang panadero noong 1606 sa Dutch city ng Leiden, na matatagpuan sa pampang ng Rhine. Maaga pa lang ay naramdaman na niya ang artistic talent. Matapos mag-aral sa bahay ng ilang taon, nagpunta ang binata sa Amsterdam upang kumuha ng mga aralin mula sa sikat na pintor na si Lastman. Hindi nagtagal ang pagsasanay, at sa edad na 19, bumalik si Rembrandt sa Leiden. Sa oras na ito, nagpinta siya ng mga larawan ng kanyang pamilya at mga kaibigan, at binigyan din ng malaking pansin ang mga larawan sa sarili. Marami sa mga gawa ng may-akda ang nakaligtas hanggang ngayon, kung saan inilalarawan niya ang kanyang sarili iba't ibang larawan.

Pagtatapat

Isang araw, ang isang naghahangad na artista ay nakatanggap ng isang mahusay na order mula sa Guild of Surgeons. Ganito lumilitaw ang akdang "Anatomy Lesson". Ang pagpipinta ay nagdudulot ng pagkilala kay Rembrandt. Agad siyang nakatanggap ng higit sa limampung order para sa mga larawan ng mga maharlika at maharlika sa Amsterdam. Kasabay ng katanyagan, lumalaki din ang kagalingan ng master. Nagsisimula siyang mangolekta ng mga antigo at kasuotan sa panahon. Bumili siya ng isang marangyang bahay, na pinupuno niya ng mga katangi-tanging antigong kasangkapan at mga bagay na sining.

Saskia

Sa edad na 28, si Rembrandt, na ang mga pagpipinta ay nagiging lalong popular, ay nagpakasal sa isang mayamang babae, si Saskia. Nag-asawa siya para sa pag-ibig at hindi lamang nag-save, ngunit nadagdagan din ang kapital ng kanyang minamahal. Iniidolo ni Rembrandt ang kanyang asawa, madalas na naglalarawan sa kanya sa iba't ibang paraan sa kanyang mga gawa. Ang isa sa pinakatanyag na mga painting ng artist, Self-Portrait with Saskia, ay nagpapakita ng isang masayang Rembrandt kasama ang kanyang batang asawa. Kasabay nito, ang artist ay tumatanggap ng isang order para sa isang serye ng mga gawa kuwento sa Bibliya. Ganito lumabas ang mga painting ni Rembrandt na may mga pamagat na "The Sacrifice of Abraham" at "The Feast of Belshazzar". Gayundin mula sa panahong ito ay kabilang sa isa sa mga pinaka mga tanyag na gawa master "Danae". Ang pagpipinta ay muling isinulat ng artist ng ilang beses at may ilang mga orihinal na bersyon.

Paglubog ng araw ng buhay

Ang masayang oras ng artista ay hindi nagtagal. Hindi lahat ay nagustuhan ang paraan ni Rembrandt sa paglalarawan ng isang tao bilang siya. Matapos maipinta ang pagpipinta na "Night Watch", isang hindi kapani-paniwalang iskandalo ang sumiklab. Lumitaw ang mga estranghero sa canvas. Marahil ang dahilan ay sa gitna ng trabaho, ang kanyang minamahal na si Saskia ay namatay sa tuberculosis. Sa larawan, kasama ang mga figure ng mga mamamana, makikita mo ang silweta ng isang batang babae, na nakapagpapaalaala sa asawa ng master. Nagsisimula nang bumaba ang kasikatan ng may-akda. Halos walang mga bagong order. Ang pagkawala ng kanyang tahanan at lahat ng kanyang mga ari-arian, si Rembrandt, na ang mga pintura ay nakakuha ng bago, pilosopikal na kahulugan, ay nagsisimulang ilarawan ang mga ordinaryong tao at ang kanilang mga mahal sa buhay. Nagpinta siya ng maraming larawan ng kanyang anak, pati na rin ang mga taong nakapaligid sa kanya mga nakaraang taon buhay. Sa oras na ito, ipinanganak ang mga kuwadro na gawa ni Rembrandt na may mga pamagat na "Portrait of an Old Man in Red", "Portrait of the Son of Titus Reading" at iba pang mga gawa. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, isa pang obra maestra ang lumitaw mula sa panulat ng master - "Ang Pagbabalik ng Alibughang Anak." Sa pagpipinta na ito, inilalarawan ng master ang kanyang sarili bilang isang walang hanggang wanderer na napipilitang gumala sa mahihirap na daan ng pagbabago ng katanyagan. Noong 1969, na inilibing ang kanyang anak at ang kanyang nobya, si Rembrandt mismo ay namatay, na walang hanggan na nag-iiwan ng kanyang malikhaing marka sa mundong ito. Ngayon, ang mga pagpipinta ng artist ay sumasakop sa isang lugar ng karangalan sa alinman malaking museo kapayapaan.

Ang pinaka Rembrandt. "Aralin sa Anatomy" (1632)

Ang pagpipinta na ito ay ang unang pangunahing komisyon na natanggap ni Rembrandt pagkatapos ng kanyang paglipat sa Amsterdam. Inilalarawan ng canvas ang autopsy na isinagawa ni Dr. Tulp. Hawak ng doktor ang mga litid ng kanyang mga kamay gamit ang mga forceps, na ipinapakita sa kanyang mga estudyante kung paano yumuko ang mga daliri. Ang ganitong mga larawan ng grupo ay napakapopular sa mga guild ng mga doktor noong panahong iyon. Totoo, bilang isang patakaran, ang mga miyembro ng grupo ay nag-pose para sa kanila, nakaupo sa isang hilera. Si Rembrandt, na ang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging natural at pagiging totoo, ay naglalarawan ng mga mag-aaral sa isang malapit na bilog, nakikinig nang mabuti sa mga salita ni Doctor Tulp. Ang mga maputlang mukha at ang bangkay mismo ay namumukod-tangi bilang maliwanag na mga spot ng liwanag laban sa madilim at madilim na background ng larawan. Ang gawain ay nagdala kay Rembrandt sa kanyang unang katanyagan, pagkatapos ay ang mga order ay umulan sa may-akda na may hindi kapani-paniwalang bilis.

"Self-Portrait kasama si Saskia" (1635)

Sa buong buhay niya, nagpinta si Rembrandt ng hindi kapani-paniwalang bilang ng mga self-portraits. Ang pagpipinta na ito ay isa sa pinakasikat. Inilalarawan nito ang kagalakan ng artista sa kaligayahan ng pagmamay-ari ng kanyang minamahal. Emosyonal na kalagayan nababanaag ang pintor sa bukas na tingin ng mga tauhan, sa maningning na mukha ni Rembrandt, na parang nasasakal sa kaligayahan at kagalingan. Gayunpaman, mayroon ding isang nakatagong provocation na nakatago sa larawan: pagkatapos ng lahat, inilalarawan ng artist ang kanyang sarili sa imahe ng parehong "prodigal son" na nagpipista kasama ang isang ordinaryong courtesan. Ibang-iba ang “alibughang anak” sa larawang ito sa sarili mula sa alam ng madla mula sa pagpipinta ng parehong pangalan!

"Danae" (1636)

Ang pinakasikat sa mga painting ni Rembrandt. Isinulat ito batay sa alamat ng ina ni Perseus na si Danaë. Ayon sa alamat, nalaman ng ama ng batang babae na siya ay mamamatay mula sa anak ng kanyang sariling anak na babae, at ikinulong siya sa isang piitan. Pumasok si Zeus sa bilanggo sa anyo ng isang ulan ng ginto, pagkatapos ay ipinanganak si Perseus. Ang pagpipinta ay umaakit sa hindi pangkaraniwang kulay nito, katangian ng gawa ng artist. Sa gitna ay isang hubad na babae, na ang katawan ay iluminado ng maliwanag sikat ng araw. Sa larawang ito, si Rembrandt, na ang mga pagpipinta ay madalas na naglalarawan ng mga taong malapit sa kanya, ay nakuha ang imahe ng kanyang minamahal na asawang si Saskia. Ang imahe ng anghel ay idinagdag pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang asawa. Tila lagi niyang iniiyakan ang sinapit ng namatay. Si Rembrandt ay gumugol ng mahabang panahon sa muling pagsulat ng kanyang paboritong likha, binago ang mood ng pagpipinta alinsunod sa kanyang damdamin. Ang kumbinasyon ng mga kumikinang na tono at ginintuang highlight ay humanga sa pagiging sopistikado at karilagan nito.

Ang kapalaran ng pagpipinta ay nakakagulat at dramatiko, pati na rin ang kuwento ng buhay ng artist mismo. Matapos ang pagkamatay ng may-akda, ang obra maestra ay nagbago ng maraming mga may-ari. Matapos makuha ang gawain ni Catherine II, ipinagmamalaki ng "Danae" ang lugar sa sikat na koleksyon ng Hermitage. Noong 1985, isang hindi kasiya-siyang insidente ang naganap sa museo, na halos nag-alis ng pagkakataon sa mundo na pag-isipan ang paglikha ni Rembrandt. Isang baliw ang lumapit sa painting at binato ito ng asido. Agad na nagsimulang bumula ang pintura. Ngunit kahit na ito ay hindi sapat para sa umaatake: nagawa niyang gumawa ng ilang mga hiwa sa canvas gamit ang isang kutsilyo bago siya pinigilan. Naapektuhan ng pinsala ang halos 30% ng obra maestra. Ang baliw ay naging isang Bronius Maigis, na kalaunan ay gumugol ng 6 na taon sa isang psychiatric clinic. Ang pagpapanumbalik ng pagpipinta ay tumagal ng 12 taon. Ngayon ay naka-display ito sa Ermita, pinoprotektahan ang obra maestra mula sa mga vandal. Isa pang kawili-wiling katotohanan. Madalas na itinatampok sa mga pelikula ang gawa ng sining at ang mga reproduksyon nito. Halimbawa, lumilitaw ang "Danae" sa seryeng "Gangster Petersburg" bilang pagpipinta ni Rembrandt na "Aegina".

"Pagmamasid sa Gabi" (1642)

Ang pagpipinta ay kinomisyon mula sa Rembrandt ng pinuno ng isang infantry division. Ang canvas ay naglalarawan ng isang kumpanya ng milisya na nagpapatuloy sa isang kampanya. Ang mga musketeer, na hinihikayat ng pagpalo ng mga tambol, ay inilalarawan kasama ng mga sundalo na may iba't ibang katayuan sa lipunan at edad, na handang makipaglaban. Lahat sila ay pinag-isa ng pagkalalaki at udyong makabayan. Ang gawain ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging maselan nito sa pagguhit ng lahat ng mga imahe at mga detalye. Ang pagpipinta ni Rembrandt na "The Night Watch" ay nagbubunsod sa mga manonood na tumitingin dito ng kumpletong kahulugan ng katotohanan ng lahat ng nangyayari. Sinubukan ng may-akda hindi lamang ipakita panlabas na mga tampok lahat ng mga character, ngunit din upang ipakita ang panloob na mundo ng bawat sundalo. Ang apotheosis ng larawan ay Triumphal Arch- isang simbolo ng mga nakaraang tagumpay at isang harbinger ng isang bagong maluwalhating tagumpay. Sa tulong ng mga makukulay na kulay (ginto, itim at dilaw), ibinubunyag ng manonood ang enerhiya, drama at solemnidad ng mood ng militar. Ang karakter at kapalaran ng bawat karakter ay nababasa salamat sa brush ng isang sikat na artist.

Mayroong maraming mga bersyon tungkol sa batang babae na itinatanghal halos sa gitna ng larawan. Siya ay naiiba sa lahat sa kanyang maliliwanag na kulay at mala-anghel na hitsura. Marahil ito ay isang uri ng maskot ng militia. Ayon sa isa pang bersyon, ang batang babae ay ang imahe ng minamahal na asawa ng may-akda, na umalis sa ibang mundo sa gitna ng pagpipinta. Tulad ng alam mo, ang trabaho ay hindi nagustuhan ng mga customer. Pagkatapos nilang bilhin ang painting, barbaro nilang pinutol ang canvas at isinabit sa banquet hall.

"Ang Pagbabalik ng Alibughang Anak" (1666-1669)

Ang pagpipinta ni Rembrandt na "The Return of the Prodigal Son" ay isa sa pinaka maliwanag na mga taluktok gawa ng isang sikat na artista. Isinulat ito sa mga huling taon ng buhay ng master. Ito ang panahon na siya ay napakatanda at mahina, nangangailangan at gutom. Ang tema ng alibughang anak ay paulit-ulit na lumitaw sa gawa ng artista. Ang gawaing ito ay isang konklusyon, isang pagbubuod ng maraming taon ng malikhaing libot sikat na may-akda. Ang pagpipinta ay nagpapalabas ng lahat ng init at lalim ng palette ni Rembrandt. Ang mga kumikinang na kulay at magandang paglalaro ng liwanag at anino ay nagtatampok sa mga larawan ng mga pangunahing tauhan. Ang hitsura ng kagalang-galang na matanda at ng kanyang alibughang anak ay nagpapahayag ng isang buong hanay ng iba't ibang mga damdamin: pagsisisi at pagmamahal, awa at ang kapaitan ng huli na pananaw. Ayon sa mga kritiko sa sining, inihayag ng "The Return" ang lahat ng sikolohikal na talento ng pintor. Inilagay niya ang lahat ng kanyang naipon na malikhaing karanasan, lahat ng kanyang hilig, lahat ng kanyang inspirasyon sa kanyang utak.

Konklusyon

Mahirap isipin kung paano inilarawan ni Rembrandt ang mga ipinakita sa artikulong ito. Ilang taon na ang lumipas mula nang likhain sila, gaano karaming uling mula sa mga tallow candle ang tumakip sa kanila sa loob ng tatlong siglo ng kasaysayan! Mahuhulaan lang natin kung ano ang hitsura nila sa kanilang mga kaarawan. Samantala, hanggang ngayon, milyon-milyong tagahanga ng talento ng sikat na pintor sa iba't ibang museo dumating ang mundo upang makita ang kanyang mga obra maestra.