தியேட்டரின் வரலாறு இரண்டாயிரம் ஆண்டுகளுக்கு முன்பு பண்டைய கிரேக்கத்திற்கு செல்கிறது. மிகவும் பழமையான கலையானது பொதுமக்களுக்கான கண்கவர் பொழுதுபோக்கு, ஆடை அணிந்த நடிகர்களின் பண்டிகைக் காட்சிகளாக உருவானது. நிகழ்ச்சிகள் முதலில் கிரேட் டியோனீசியஸுடன் ஒத்துப்போகின்றன - இது ஒரு பெரிய மத விடுமுறை.

இப்போது தியேட்டர் சந்தேகத்திற்கு இடமின்றி நகரத்தின் வழியாக ஆட்டுத்தோலில் பாடும் மனிதர்களின் ஊர்வலத்தை விட அதிகம். அவன் ஆகிவிட்டான் உயர் கலை, உயர் சமூகத்திற்கான தளர்வு வழி, கலாச்சார அறிவொளியின் இடம். தியேட்டரின் வரலாறு இன்றுவரை தொடர்ந்து வரும் ஒரு கவர்ச்சிகரமான வளர்ச்சி செயல்முறையாகும். இதை எங்கள் கட்டுரையில் வாசகரிடம் கூறுவோம். வழங்கப்பட்ட பொருளில் பல சுவாரஸ்யமான உண்மைகளையும் நீங்கள் காணலாம். எனவே, ஆரம்பிக்கலாம்.

தொடங்கு

கிமு 5 ஆம் நூற்றாண்டின் ஏதென்ஸில். இ. மத விடுமுறை நாட்களில் நாடக நிகழ்ச்சிகள் ஒரு ஒருங்கிணைந்த பகுதியாக இருந்தன. டியோனிசஸின் சிலையுடன் கூடிய ஊர்வலங்கள் மகிழ்ச்சியான கோஷங்கள் மற்றும் நாடக விளையாட்டுகளுடன் சேர்ந்துகொண்டன. ஏதெனியன் தியேட்டரின் வரலாறு ஒரு அமெச்சூர் நிகழ்ச்சியாகத் தொடங்கியது என்று நாம் கூறலாம் சிறிய அளவுபார்வையாளர்கள். ஆரம்பத்தில், சோகங்கள் மட்டுமே அரங்கேற்றப்பட்டன, பின்னர் நகைச்சுவைகள் காட்டப்பட்டன. நாடகங்கள், ஒரு விதியாக, ஒரு முறை மட்டுமே காட்டப்பட்டன என்பது குறிப்பிடத்தக்கது. இது தொடர்புடைய, சுவாரஸ்யமான படைப்புகளை உருவாக்க ஆசிரியர்களைத் தூண்டியது. நாடக ஆசிரியர் நாடகத்தை எழுதுவது மட்டுமல்லாமல், அவர் நடிப்பில் முழு அளவிலான பங்கேற்பாளராக இருந்தார், இயக்குனர், இசையமைப்பாளர், நடன இயக்குனர் மற்றும் நடிகராக கூட நடித்தார். இயற்கையாகவே, இவர்கள் மிகவும் திறமையானவர்கள்.

ஆனால் ஒரு கோரெக் (பாடகர் இயக்குனர்) ஆக, பெரிய திறமை தேவையில்லை. அவர்களுக்குத் தேவை பணம் மற்றும் அரசு அதிகாரிகளுடன் தொடர்புகள் மட்டுமே. கோரேகாஸின் முக்கிய பொறுப்பு பில்களை செலுத்துவதாக இருந்தது பொருள் ஆதரவுமற்றும் தியேட்டர் ஆதரவு. அந்த நாட்களில் இது போட்டிக்கான இடமாக இருந்தது; வெற்றியாளர்கள் சோரேகாஸ், கவிஞர் மற்றும் கதாநாயகன். வெற்றி பெற்றவர்களுக்கு ஐவி அணிவித்து பரிசுகள் வழங்கப்பட்டன. நடுவர் மன்றத்தின் முடிவால் அவர்களுக்கு வெற்றி கிடைத்தது.

ஒரு சுவாரஸ்யமான உண்மை என்னவென்றால், பண்டைய ரோமானியர்கள் யதார்த்தவாதத்தின் உண்மையான ரசிகர்கள். நடிகர் 100% பாத்திரத்தில் நடித்த ஒரு தயாரிப்பு சிறந்ததாகக் கருதப்பட்டது - தேவைப்பட்டால், அவர் இறக்க கூட தயாராக இருக்க வேண்டும்.

கிரேக்க தியேட்டருக்கு கூரை இல்லை; பார்வையாளர்களும் நடிகர்களும் உண்மையில் தெருவில் இருந்தனர். பண்டைய திரையரங்குகளின் அளவு மிகப்பெரியது, அவை 17 முதல் 44 ஆயிரம் பேர் வரை தங்கியிருந்தன. முதலில், பார்வையாளர்கள் உட்கார மர மேடைகள் பயன்படுத்தப்பட்டன, பின்னர் இயற்கை கல் சரிவுகள் தியேட்டருக்கு ஏற்றது. அப்போதுதான், கிமு 4 ஆம் நூற்றாண்டில். இ., ஒரு கல் தியேட்டர் கட்டப்பட்டது.

பெரிக்கிள்ஸ் தொடங்கி, அரசாங்கம் தியேட்டருக்குச் சென்று, பொருளாதாரத்தில் பின்தங்கிய குடிமக்களுக்கும் கூட அழகை அனுபவிக்கும் வாய்ப்பை வழங்கியுள்ளது என்பதை அறிய நீங்கள் ஆர்வமாக இருப்பீர்கள். இதை அடைய, அனைவருக்கும் தியேட்டருக்கு ஒரு முறை பார்வையிட மானியம் வழங்கப்பட்டது, பின்னர் மூன்று வருகைகளுக்கு.

கதை பண்டைய தியேட்டர்ஒன்று உள்ளது சிறப்பியல்பு அம்சம்: நடிகர்கள் தங்கள் சொந்த முகபாவனைகளின் உதவியின்றி தங்கள் பாத்திரங்களை நடித்தனர். இது அனைத்து வகையான முகமூடிகளால் மாற்றப்பட்டது, பெரும்பாலும் மிகவும் கோரமானது. உடல் அசைவுகள் மற்றும் ஆடைகளில் நடிகர் அதிக கவனம் செலுத்தினார். நடிகர்கள் ஆண்கள் கூட பெண் பாத்திரங்கள். அவர்கள் சமூகத்தில் ஒரு சலுகை பெற்ற நிலையை ஆக்கிரமித்தனர் மற்றும் வரிகளிலிருந்து விலக்கு பெற்றனர்.

ஒரு சுவாரஸ்யமான உண்மை என்னவென்றால், பண்டைய ரோமானிய நாடக ஆசிரியரான லிவியஸ் ஆண்ட்ரோனிகஸ் உலகின் முதல் "ஃபோனோகிராம்" இன் தந்தை ஆனார். அவர் குரல் இல்லாமல் இருந்தார், ஆனால் அவருக்காக பேசிய ஒரு பையனைக் கண்டுபிடித்து சூழ்நிலையிலிருந்து வெளியேறினார்.

பண்டைய நாடகத்தின் சில சொற்கள்

பண்டைய திரையரங்குகளில் பயன்படுத்தப்பட்ட பல வரையறைகள் இன்றுவரை பிழைத்துள்ளன. பண்டைய காலங்களிலிருந்து ஒரு சிறிய அகராதி கீழே கொடுக்கப்பட்டுள்ளது:

• ஆர்கெஸ்ட்ரா என்பது இரண்டு நுழைவாயில்களைக் கொண்ட தியேட்டரின் வட்ட வடிவ பகுதியாகும், இது நாடக மற்றும் பாடல் பாடகர்களின் நிகழ்ச்சிக்காக வடிவமைக்கப்பட்டுள்ளது. ஏதென்ஸ் தியேட்டரில் அதன் விட்டம் 24 மீட்டர்.
• ஸ்கேனா என்பது ஆடைகளை மாற்றுவதற்கான இடம். முதலில் ஒரு எளிய கூடாரம், பின்னர் துண்டுகளுடன் இணைக்கப்பட்டது அலங்காரம்காட்சிகள், எடுத்துக்காட்டாக, பின்னணி.
• ப்ரோஸ்கெனியம் - ஸ்கேனின் முன் ஒரு பெருங்குடல்.
• Paraskenium - பக்க கல் நீட்டிப்புகள்.
• மேடை என்பது ஆர்கெஸ்ட்ராவிற்கு மேலே ஒரு உயர்ந்த பகுதி, அங்கு நடிகர்கள் பழங்காலத்தின் பிற்பகுதியில் விளையாடத் தொடங்கினர்.
• எக்கிக்லேமா என்பது மரத்தால் ஆன ஒரு மொபைல் தளமாகும், இது அதிரடி காட்சியை மாற்றவும், மேடையைச் சுற்றி நடிகர்களை நகர்த்தவும் உங்களை அனுமதிக்கிறது.
• கோடர்னி - உயரமான உள்ளங்கால்கள் கொண்ட காலணிகள், ஸ்டில்ட்களை நினைவூட்டுகின்றன. அத்தகைய காலணிகளின் உதவியுடன், நடிகர்கள் உயரமானவர்களாகவும், மிகவும் ஈர்க்கக்கூடியவர்களாகவும், புராண உயிரினங்களைப் போலவே இருந்தனர்.

ஒரு குறிப்பிடத்தக்க உண்மை என்னவென்றால், ரோமில்தான் "ஃபினிடா லா காமெடியா" என்ற சொற்றொடர் முதலில் உச்சரிக்கப்பட்டது.

நாடக உலகில் பொம்மைகள்

பொம்மை நாடகத்தின் வரலாறு எகிப்தில் உருவானது, அங்கு பூசாரிகள் சடங்கு செயல்களைச் செய்ய ஒசைரிஸ் கடவுளின் பொம்மையைப் பயன்படுத்தினர். தொடக்கத்தில், பொம்மலாட்ட நாடகம் முற்றிலும் சடங்காக இருந்தது, ஆனால் இப்போது மதத்தின் பொருள் மறைந்துவிட்டது. பிரபலமான சடங்கு பொம்மை திரையரங்குகள் பல நாடுகளில் உள்ளன: ஜப்பான் ("புன்ராகு"), இந்தோனேசியா ("வயாங்"), கேடலோனியா ("எல் பாஸ்டர்ஸ்"), பெலாரஸ் ("பாட்லேகா") மற்றும் பிற.

அமெரிக்காவின் பொம்மை நாடக வரலாற்றில், 1962 இல் உருவாக்கப்பட்ட "ரொட்டி மற்றும் பப்பட்" என்ற தியேட்டர் தனித்து நிற்கிறது. இது ராட்சத பேப்பியர்-மச்சே பொம்மைகள், வெளிப்படையான அரசியல் மேலோட்டம் மற்றும் நுழைவாயிலில் சுவையான ரொட்டி உபசரிப்பு ஆகியவற்றைக் கொண்டுள்ளது. நடிகர்கள் மற்றும் பார்வையாளர்களுக்கு இடையிலான இந்த தொடர்பு குறியீடாகும்: நாடகக் கலை மக்களுக்கு முடிந்தவரை நெருக்கமாக இருக்க வேண்டும்.

பொம்மைகள் வெவ்வேறு அளவுகள் மற்றும் தோற்றங்களில் வருகின்றன. விரல் மற்றும் கையுறை பொம்மைகள், கரும்பு மற்றும் மாத்திரை பொம்மைகள், பொம்மைகள் மற்றும் ராட்சத பொம்மைகள் உள்ளன. ஒரு பொம்மை நாடக நடிகராக இருப்பது அவ்வளவு எளிதானது அல்ல, ஏனென்றால் நீங்கள் ஒரு உயிரற்ற பொருளை உயிர்ப்பிக்க வேண்டும், அதற்கு பாத்திரம் மற்றும் குரல் கொடுக்க வேண்டும்.

எந்தவொரு பொம்மை தியேட்டரின் சிறப்பியல்பு அம்சம் எதையாவது ஏளனம் செய்வது, ஒழுக்கத்தின் இருப்பு, ஸ்கிட்களில் ஒரு கல்விக் கூறு. பொம்மலாட்ட நாடகத்தைப் பார்ப்பவர் எந்த வயதினராக இருந்தாலும், அவர் சிரிக்க மட்டும் அல்ல, சிந்திக்கவும் ஏதாவது ஒன்றைக் கண்டுபிடிப்பார். பெரும்பாலும் பொம்மை தியேட்டரில் உள்ள ஹீரோக்கள் அழகற்றவர்கள், அசிங்கமான பாத்திரங்கள் கூட, உதாரணமாக, ஒரு கொக்கி மூக்கு கொண்ட பிரஞ்சு பொலிசினெல்லே.

நடிகர்கள் எப்போதும் பணக்காரர்கள் அல்ல என்பதை அறிய நீங்கள் ஆர்வமாக இருப்பீர்கள். அமெரிக்க பொம்மை தியேட்டர் வரலாற்றில், தியேட்டர் பார்வையாளர்கள் உணவுக்கு ஈடாக தயாரிப்பைப் பார்க்க முடியும் என்ற உண்மைகள் உள்ளன.

நாடகம்

நாடக அரங்கின் வரலாறு பழங்காலத்திலிருந்தே தொடங்குகிறது. பொம்மலாட்ட நாடகம், பாண்டோமைம், ஓபரா மற்றும் பாலே ஆகியவற்றுடன் இது கலை வடிவங்களில் ஒன்றாகும். நாடக நாடகத்தின் முக்கிய தனித்துவமான அம்சம் என்னவென்றால், நடிகரின் செயல்கள் அவர் பேசும் வார்த்தைகளுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளன. இந்த வகை வகைகளில் மேடை பேச்சுக்கு குறிப்பாக கவனம் செலுத்தப்படுகிறது. ஒரு நாடக நடிப்பின் அடிப்படை நாடகம். நடிப்பின் செயல்பாட்டில், மேம்பாடு சாத்தியமாகும்; செயலில் நடனம் மற்றும் பாடுவது அடங்கும். செயல்திறன் அடிப்படையாக கொண்டது இலக்கியப் பணி. ஒரு நாடகம் அல்லது ஸ்கிரிப்ட்டின் முக்கிய மொழிபெயர்ப்பாளர் இயக்குனர்.

ஸ்கிரிப்டை கைவிடுவது நல்லதல்ல என்று தியேட்டர்காரர்கள் நம்புவது மிகவும் குறிப்பிடத்தக்கது. இந்த சிக்கல் ஏற்பட்டால், நீங்கள் கண்டிப்பாக அதில் உட்கார வேண்டும்.

உள்நாட்டு நாடக மரபுகளின் தோற்றம்

ரஷ்யாவில் நாடக வரலாறு நிலைகளாக பிரிக்கப்பட்டுள்ளது:

• ஆரம்பம் ("விளையாட்டு")
• சராசரி.
• முதிர்ச்சியடைந்தது.

விளையாட்டுத்தனமான மேடை

பண்டைய ரோமில் இருந்ததைப் போலவே, ரஷ்யாவிலும் தியேட்டரின் வரலாறு முற்றிலும் தீவிரமான செயலாகத் தொடங்கியது. நாடக நிகழ்ச்சிகள் "வேடிக்கை" என்றும், நிகழ்ச்சிகள் "விளையாட்டுகள்" என்றும் அழைக்கப்பட்டன. பஃபூன்களைப் பற்றிய முதல் நாளேடு குறிப்பு 1068 க்கு முந்தையது. உண்மையில், பொதுமக்களை மகிழ்விக்கும் அத்தகைய நடிகராக யார் வேண்டுமானாலும் மாறலாம். மதக் கண்ணோட்டத்தில், பஃபூன்களின் நடவடிக்கைகள் வெட்கக்கேடானது. நாளாகமங்களில் அவர்கள் பிசாசின் வேலைக்காரர்கள் என்றும், கேலி, நையாண்டி மற்றும் மம்மிரி பாவங்கள் என்றும் அழைக்கப்படுகிறார்கள். கூர்மையான நையாண்டி தேவாலயத்தால் வரவேற்கப்படவில்லை, இருப்பினும், இது உண்மையில் யாரையும் தடுக்கவில்லை.

பஃபூனரியும் அதிகாரிகளுக்கு மகிழ்ச்சியளிக்கும் ஒரு கலையாக கருதப்படவில்லை; மாறாக, ஸ்கிட்களின் கடுமையான சமூகக் கருப்பொருள்கள் மற்றும் நவீன குறைபாடுகளின் கேலிக்கூத்து ஆகியவை நடிகர்களை ஆபத்தான மற்றும் தீங்கு விளைவிக்கும். ஆனால், மக்கள் பஃபூன்களின் நிகழ்ச்சிகளைப் பார்த்து சிரிக்க விரும்பினர். எவ்வாறாயினும், கிளாசிக்கல் தியேட்டர் என்பது இப்போது நமக்குத் தெரிந்தபடி, இந்த பஃபூனிஷ் ஸ்கிட்களிலிருந்து வளரவில்லை, ஆனால் அவற்றிலிருந்து சுயாதீனமாக, மாறாக, அவை இருந்தபோதிலும் கூட.

நடு நிலை

ரஷ்ய நாடக வரலாற்றில் அடுத்த கட்டம் விளையாட்டுத்தனமான மற்றும் முதிர்ந்த இடைநிலை ஆகும். இந்த கட்டத்தில், நீதிமன்ற மற்றும் பள்ளி திரையரங்குகள். அந்த நேரத்தில், ஜார் அலெக்ஸி மிகைலோவிச் ஆட்சி செய்தார், நீதிமன்ற அரங்கில் நடிகர்கள் வெளிநாட்டினர், பள்ளி தியேட்டரில் நடிகர்கள் மாணவர்கள். அலெக்ஸி மிகைலோவிச்சின் மரணத்திற்குப் பிறகு, பீட்டர் I ஆட்சிக்கு வரும் வரை நீதிமன்ற அரங்கின் செயல்பாடு இடைநிறுத்தப்பட்டது, அவர் "கண்ணாடிகள்" மீது நேர்மறையான அணுகுமுறையைக் கொண்டிருந்தார், ஆனால், பொழுதுபோக்கிற்கு கூடுதலாக, இது ஒரு பிரச்சார செயல்பாட்டையும் பெற்றது. 1702 ஆம் ஆண்டில், மக்களுக்கான ஒரு பொது அரங்கம் தோன்றியது. அதன் கட்டிடம் "நகைச்சுவை கோயில்" என்று அழைக்கப்பட்டது; அங்கு ஒரு ஜெர்மன் குழுவால் நிகழ்ச்சிகள் வழங்கப்பட்டன. இந்த தியேட்டரை மக்கள் ஏற்கவில்லை. பீட்டர் I தனது இலக்கை அடையவில்லை என்றாலும், அவர் தியேட்டரை மக்களுக்கு பிடித்த இடமாக, அணுகக்கூடிய மற்றும் பிரபலமான இடமாக மாற்றவில்லை, ஆனால் இதற்கு தேவையான அனைத்து முன்நிபந்தனைகளையும் அவர் வகுத்தார்.

நாடகக் கலை வரலாற்றில் ஒரு முதிர்ந்த நிலை

ரஷ்யாவில் தியேட்டர் உருவாக்கப்பட்ட வரலாற்றில் இந்த காலம் மிக முக்கியமானது. இந்த கட்டத்தில், தியேட்டர் நவீன மக்களுக்கு நன்கு தெரிந்த அம்சங்களைப் பெறத் தொடங்கியது மற்றும் ஒரு தீவிர தொழில்முறை சமூகமாக உருவானது. ஆகஸ்ட் 30, 1756 அன்று, இம்பீரியல் தியேட்டர் திறக்கப்பட்டது. அதே தேதி செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் உள்ள அலெக்ஸாண்ட்ரின்ஸ்கி தியேட்டரின் நிறுவன நாள். இது எலிசவெட்டா பெட்ரோவ்னாவின் கீழ் நடந்தது.

அந்த நேரத்தில் தியேட்டரின் ஒரு அம்சம் ரஷ்யர்கள் மற்றும் இருவரும் ஒரே நேரத்தில் பங்கேற்பது வெளிநாட்டு கலைஞர்கள். இந்த கட்டத்தில்தான் பாத்திரங்களின் செயல்திறன் முதலில் ஆண்களுக்கு மட்டுமல்ல, பெண்களுக்கும் ஒப்படைக்கப்பட்டது. கேத்தரின் II தியேட்டருக்கு அதிக முக்கியத்துவம் கொடுத்தார்; அவரது கீழ், செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் மூன்று குழுக்கள் இருந்தன, மேலும் இந்தத் தொழிலின் வளர்ச்சிக்காக ஒரு அற்புதமான தொகை செலவிடப்பட்டது.

மாநிலங்களின் வளர்ச்சிக்கு கூடுதலாக, கேத்தரின் பிரபுக்களின் தனியார் திரையரங்குகளிலும் கவனம் செலுத்தினார்; எடுத்துக்காட்டாக, ஷெரெமெட்டியேவ், வோல்கோன்ஸ்கி மற்றும் ருமியன்ட்சேவ் ஆகியோரின் தியேட்டர் இருந்தது. மாகாணங்களில் கூட அவர்களது சொந்த நில உரிமையாளர் குழுக்கள் உருவாக்கப்பட்டன. ரஷ்ய தியேட்டர், அதாவது தயாரிப்புகள், அவர்களின் பிரெஞ்சு சகாக்களின் மாதிரிகளின்படி கட்டப்பட்டது. பிரெஞ்சு நடிப்புப் பள்ளியின் தலைவர் I. A. டிமிட்ரிவ்ஸ்கி ஆவார், அவர் ஒன்றுக்கு மேற்பட்ட தலைமுறை அற்புதமான நடிகர்களுக்கு பயிற்சி அளித்தார்.

உனக்கு தெரியுமா?

இன்னும் சிலவற்றை வாசகருக்கு வழங்குகிறோம் வேடிக்கையான உண்மைநாடக கலை வரலாற்றில் இருந்து.

புஷ்கின் உயிருடன் இருந்த நேரத்தில், ரஷ்யாவில் தியேட்டர்கள் முழுமையாக இருக்கவில்லை. பின் வரிசைகள் முழு நிகழ்ச்சியிலும் மக்கள் தங்கள் காலில் நிற்கும் மக்களால் நிரம்பியிருந்தனர்.

ரஷ்ய நாடகக் கலையின் வரலாற்றில் ஒரு முக்கிய நாடகம் டி.ஐ. ஃபோன்விசின் எழுதிய "தி மைனர்" ஆகும், இது 18 ஆம் நூற்றாண்டின் அதிகாரிகள், பிரபுக்கள் மற்றும் வழக்கமான கதாபாத்திரங்களை கேலி செய்யும் முதல் முயற்சியாகும். ஸ்டாரோடுமா ( நேர்மறை தன்மை) முதலில் விளையாடியவர் மேலே குறிப்பிட்ட டிமிட்ரிவ்ஸ்கி.

1803 இல், ஏகாதிபத்திய திரையரங்குகள் பிரிக்கப்பட்டன. நாடக மற்றும் இசைக்குழு, ஓபரா மற்றும் பாலே, இசையின் பகுதிகளாக. ரஷ்ய மேடையில் விளையாடும் பிரெஞ்சு பள்ளியின் ஆதிக்கம் 19 ஆம் நூற்றாண்டு வரை நீடித்தது. ரஷ்ய தியேட்டர் இறுதியாக எழுந்து நின்று அதன் சொந்த வழியில் சென்றது. ஏற்றுக்கொள்ளப்பட்ட அனுபவம் ஒரு நல்ல தளமாக மாறியது, மேலும் புதிய திறமையான ரஷ்ய இசையமைப்பாளர்கள், நடிகர்கள் மற்றும் நடனக் கலைஞர்களின் கண்டுபிடிப்பு தியேட்டரை உயர் மட்டத்திற்கு உயர்த்தியது.

ரஷ்ய நாடகத்தின் முழு வரலாற்றையும் ஒரு கலைக்களஞ்சியத்தில் முதன்முதலில் விவரித்தவர் பி.என். அரபோவ் - "ரஷ்ய தியேட்டரின் நாளாகமம்". நாடக இதழ்கள் மற்றும் தொழில்முறை விமர்சகர்கள் தோன்றினர். இவ்வாறு, நாடகத்தின் வளர்ச்சி மற்றவற்றுடன் ரஷ்ய இலக்கியத்திற்கு உத்வேகம் அளித்தது.

மாஸ்கோவில் மிகவும் பிரபலமான தியேட்டர்

போல்ஷோய் தியேட்டரின் வரலாறு மார்ச் 28, 1776 இல் தொடங்குகிறது. மாஸ்கோவில் இந்த நாளில்தான் பேரரசி கேத்தரின் II இளவரசர் பீட்டர் உருசோவுக்கு ஒரு "சலுகை" கையொப்பமிட்டார், அவர் தியேட்டரை பத்து ஆண்டுகள் பராமரிக்க அனுமதித்தார். இது முதலில் பெட்ரோவ்ஸ்கி தியேட்டர் என்று அழைக்கப்பட்டது (நுழைவாயில் எதிர்கொள்ளும் தெருவின் நினைவாக). 1805 ஆம் ஆண்டில், கட்டிடம் முற்றிலும் எரிந்தது, கட்டிடக் கலைஞர் ஒசிப் போவ் உருவாக்கினார் புதிய திட்டம். 1820 இல், கட்டுமானம் தொடங்கியது, 5 ஆண்டுகள் நீடித்தது.

கட்டப்பட்ட தியேட்டர் பெரியதாக மாறியது, அதனால் அதன் பெயர் வந்தது. இந்த அழகான, இணக்கமான, பணக்கார கட்டிடம் மாஸ்கோவில் வசிப்பவர்களுக்கு 1853 வரை இரண்டாவது தீ விபத்து ஏற்படும் வரை மகிழ்ச்சியைக் கொடுத்தது. இந்த முறை புனரமைப்பு கட்டிடக் கலைஞர் ஆல்பர்ட் காவோஸிடம் ஒப்படைக்கப்பட்டது. தியேட்டர் 1856 இல் மீட்டெடுக்கப்பட்டது. இம்பீரியல் போல்ஷோய் தியேட்டர் ரஷ்யாவில் மட்டுமல்ல, உலகிலும் பிரபலமானது: இது சிறந்த ஒலியியல் கொண்டது. 1917 இல் புரட்சிக்குப் பிறகு, பெயர் மாநில போல்ஷோய் தியேட்டர் என மாற்றப்பட்டது. அலங்காரம் சோவியத் சின்னங்களுடன் கூடுதலாக இருந்தது.

பெரும் தேசபக்தி போரின் போது அவர் ஒரு வெடிகுண்டை எடுத்துக்கொண்டு பலத்த காயமடைந்தார். கட்டிடம் மீண்டும் புனரமைக்கப்பட்டது. 1987 வரை, கட்டிடம் சிறிய ஒப்பனை பழுதுபார்ப்புகளுக்கு உட்பட்டது. இப்போது போல்ஷோய் தியேட்டர் ஒரு கட்டிடம் புதிய காட்சி, நீங்கள் நவீன விளைவுகளைப் பயன்படுத்தலாம். அதே நேரத்தில், இது கிளாசிக்கல் கட்டிடக்கலை மற்றும் அதன் "கையொப்பம்" ஒலியியலின் உணர்வைத் தக்க வைத்துக் கொண்டுள்ளது, இது உலகின் சிறந்த திரையரங்குகளில் ஒன்றாகக் கருதப்படுவதற்கான உரிமையை வழங்குகிறது. இது போல்ஷோய் தியேட்டரின் வரலாறு.

இறுதியாக, இன்னும் ஒன்று, குறைவான சுவாரஸ்யமான உண்மை இல்லை. திரைப்படங்கள் முழுவதுமாகவோ அல்லது பகுதியாகவோ தியேட்டரில் அமைக்கப்பட்டுள்ளன: பேர்ட்மேன், தி டிசாஸ்டர் ஆர்ட்டிஸ்ட், லா லா லேண்ட், தி பாண்டம் ஆஃப் தி ஓபரா, பர்லெஸ்க் கதைகள், நாக் அவுட், ஸ்டம்பிங் ஆன் பிராட்வே, பிளாக்-இஷ் ஸ்வான்", "தி பப்பீட்டீர்", "ஒரு பயங்கரமான பெரிய சாதனை ”, “ஷேக்ஸ்பியர் இன் லவ்”, “மர்டர் இன் எ ஸ்மால் டவுன்”, “குவாய் ஓர்ஃபெவ்ரே”.

நாடகத்தின் வரலாறு (நாடகம் மற்றும் இந்த கலையின் பிற வகைகள்) தொடர்ந்து வளரும், ஏனெனில் அதில் ஆர்வம் இரண்டாயிரம் ஆண்டுகளுக்கும் மேலாக மாறாமல் உள்ளது.

யாருக்கும் நவீன மனிதன்திரையரங்குகள் திட்டமிட்ட கலாச்சார ஓய்வுகளின் ஒருங்கிணைந்த பகுதியாக மாறிவிட்டன. தியேட்டர்கள் இல்லாத ஒரு காலம் இருந்ததாலேயே பலர் தியேட்டரின் வரலாற்றில் ஆர்வமாக உள்ளனர்? இது எப்போது இருந்தது என்பதை நினைவில் கொள்வது கடினம், ஏனென்றால் முதல் திரையரங்குகள் பழமையான சமூகங்களில் தோன்றின.

அந்த தொலைதூர காலங்களில், ஏன் மழை பெய்கிறது, ஏன் திடீரென்று குளிர்ச்சியாக மாறியது, சர்வவல்லவருக்கு முன் அவர்கள் என்ன தவறு செய்தார்கள், அவர் பனி அல்லது கனமழையை அனுப்பினார் என்று மக்களுக்கு இன்னும் புரியவில்லை. அதனால் எதுவும் அவர்களை அச்சுறுத்தவில்லை, அவர்கள் ஒவ்வொரு முக்கியமான நிகழ்வுக்கும் முன்பாக ஒரு நாடக சடங்கை நடத்த முயன்றனர். இதுபோன்ற நிகழ்வுகள் பற்றிய தகவல்கள் தியேட்டர் எவ்வாறு தோன்றியது மற்றும் ஏன் அத்தகைய கவனம் செலுத்தப்பட்டது என்பதைப் புரிந்துகொள்ள எங்களுக்கு வாய்ப்பளித்தது.

பழமையானது முதல் நவீனம் வரை

பழமையான தியேட்டர், இயற்கையாகவே, அப்படி இல்லை நவீன தயாரிப்புகள். தொழில்முறை அல்லது திறமை பற்றி இங்கு எதுவும் பேசப்படவில்லை - மக்கள் தங்கள் ஆன்மாவையும் தங்கள் அனுபவங்களையும் ஒவ்வொரு நிகழ்விலும் வைத்து, நிகழ்வுகளை அவர்கள் உணர்ந்த விதத்தில் நாடகமாக்க முயன்றனர். தங்கள் பக்தியை எவ்வளவு உணர்வுபூர்வமாக பிரதிநிதித்துவப்படுத்த முடியுமோ, அந்தளவுக்கு அறுவடை சிறப்பாக இருக்கும் என்று அவர்கள் உண்மையாக நம்பினர். இவை அனைத்தும் மேம்படுத்தப்பட்ட இசை மற்றும் பாடல்களுடன் இருந்தன.

பின்னர், எங்காவது கிமு மூன்றாம் மில்லினியத்தில். எகிப்தில், கைவினைஞர்கள் மற்றும் விவசாயிகளின் புரவலர்களைப் பற்றி ஏற்கனவே மிகவும் ஒழுங்கமைக்கப்பட்ட நாடக நாடகங்கள் நிகழ்த்தப்பட்டன. கிரீஸ் திருவிழா நிகழ்ச்சிகளின் பிறப்பிடமாக மாறியது, அவை முக்கியமாக திறந்த வெளியில் ஏற்பாடு செய்யப்பட்டன. நாட்டுப்புற அரங்குகள் இங்கு பிரபலமாக இருந்தன. நடிகர்கள் எப்போதும் முகமூடி அணிந்திருக்க வேண்டும்.

மறுமலர்ச்சி - இந்த காலகட்டத்தில், முக்கியமாக நகைச்சுவை நிகழ்ச்சிகள் நடத்தப்பட்டன. அவை நகர சதுக்கங்களில் நடத்தப்பட்டன, மேலும் இந்த காட்சியைக் காண ஏராளமான மக்கள் கூடினர்.

எங்கோ 16 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில். - 17 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், உலகம் ஓபராவைப் பற்றி கற்றுக்கொண்டது, பின்னர், 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில், பாலே தோன்றியது; முதல் ஓபரெட்டாக்கள் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் மட்டுமே தோன்றின.

கடந்த ஆண்டுகளில் இருந்து இன்று தயாரிப்புகள்

18 மற்றும் 19 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தியேட்டரைப் பற்றி பேசுகையில், திறமையான நடிகர்கள் பங்கேற்ற நிகழ்ச்சிகள் மற்றும் தயாரிப்புகளைப் பற்றி நாங்கள் ஏற்கனவே பேசுகிறோம். அவை மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டன மற்றும் தியேட்டர் கட்டமைப்புகள் பழமையானவை மற்றும் மறுமலர்ச்சியிலிருந்து முற்றிலும் வேறுபட்டவை. எனவே, 19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் இருந்து, "நட்கிராக்கர்" என்ற பாலேவின் அற்புதமான தயாரிப்பு எங்களிடம் வந்தது. அந்த நாட்களிலும் இப்போதும் அவை அனைவருக்கும் கிடைப்பதில்லை. இது நிச்சயமாக, உற்பத்தியின் பெரும் மற்றும் தொடர்ந்து வளர்ந்து வரும் புகழ் காரணமாகும். முன்பு தேர்ந்தெடுக்கப்பட்ட சிலருக்கு மட்டுமே, உன்னதமான பெண்கள் மற்றும் தாய்மார்கள் தியேட்டர் போன்ற ஆடம்பரத்தை வாங்க முடியும் என்றால், இன்று அவை அனைவருக்கும் கிடைக்கின்றன. டிக்கெட்டுகளைச் சுற்றியுள்ள பரபரப்பு இருந்தபோதிலும், மக்கள் டிக்கெட்டுகளை வாங்குவதற்கான மாற்று வழிகளைத் தொடர்ந்து தேடுகிறார்கள். எனவே, எடுத்துக்காட்டாக, நீங்கள் அவற்றை எங்கள் இணையதளத்தில் ஆர்டர் செய்யலாம். இது வரிசைகள் மற்றும் எதிர்பாராத விரும்பத்தகாத சூழ்நிலைகளிலிருந்து உங்களைக் காப்பாற்றும்.

இன்று தியேட்டர் வித்தியாசமான தோற்றத்தை பெற்றுள்ளது. ஒவ்வொரு நாட்டிலும் இது ஒரு அடையாளமாகவும் பெருமையாகவும் மாறிவிட்டது. கட்டடக்கலை குழுமங்கள், அலங்கார வடிவமைப்பு மற்றும் விசாலமான அரங்குகள், பிரபல கவிஞர்கள், இயக்குனர்கள் மற்றும் நாடக படைப்பாளிகளின் உருவப்படங்கள், ஒரு விதியாக, எப்போதும் மண்டபத்தை அலங்கரிக்கின்றன. அன்று நவீன காட்சிஜார் ஆட்சியின் போது முதன்முதலில் அரங்கேற்றப்பட்ட நிகழ்ச்சிகளை நாம் அடிக்கடி பார்க்கிறோம். ஆம், அவர்கள் சில மாற்றங்களைச் செய்திருக்கிறார்கள், ஒருவேளை சில அதிகமாகச் செய்யப்பட்டிருக்கலாம் உண்மையான நிகழ்வுகள், மற்றும் எங்காவது கலை இயக்குனர்கள் இசைக்கருவிகளை சேர்க்க முடிவு செய்தனர், ஓபராவை பாலேவுடன் இணைத்தனர். ஆயினும்கூட, கடந்த காலங்களில் தியேட்டர் எப்போதும் இருந்தது என்பதை இது மீண்டும் உறுதிப்படுத்துகிறது, எதிர்காலத்தில் இது பார்வையாளர்களின் கவனத்தை ஈர்க்கும், கடந்த நூற்றாண்டின் செயல்திறன் மேடையில் வழங்கப்பட்டாலும் கூட - இது எங்கள் வரலாறு மற்றும் பலருக்கு இது கலாச்சாரம் மற்றும் மரபுகளை உருவாக்குவதில் ஒரு முக்கிய அங்கமாகும்.

நவீன மக்கள் சில சமயங்களில் தியேட்டரை குறைத்து மதிப்பிடுகிறார்கள், சினிமாவுக்கு ஆதரவாக தங்கள் தேர்வை செய்கிறார்கள். இருப்பினும், நாடகக் கலையுடன் ஒப்பிடக்கூடியது மிகக் குறைவு. ரஷ்ய தியேட்டர் அதன் உருவாக்கத்திலிருந்து உலகின் மிகச் சிறந்த ஒன்று என்ற பட்டத்தைப் பெறுவதற்கு நீண்ட தூரம் வந்துள்ளது. அதன் உருவாக்கத்தின் வரலாற்றை எங்களுடன் நினைவில் வைத்துக் கொள்ள உங்களை அழைக்கிறோம்.

ரஷ்யாவில், பெரும்பாலான ஐரோப்பிய மற்றும் ஆசிய நாடுகளை விட நாடகக் கலை மிகவும் தாமதமாக உருவாகத் தொடங்கியது. ஆனால் அதே நேரத்தில், பஃபூன்கள் நவீன ரஷ்ய கூட்டமைப்பின் பிரதேசத்தில் சுற்றுப்பயணம் செய்தனர், நிகழ்ச்சிகளை வழங்கினர், அதே போல் தெரு இசைக்கலைஞர்கள் காவியங்கள் மற்றும் புனைவுகளைச் சொன்னார்கள்.

படைப்பாளி முதலில்,ஒரு தொழில்முறை நாடகம் என்று சொல்லலாம் "நகைச்சுவை நடனம்"வம்சத்தின் முதல் மன்னர்களில் ஒருவராகக் கருதப்படுகிறார் ரோமானோவ் அலெக்ஸி மிகைலோவிச். இருப்பினும், அவரது மரணத்திற்குப் பிறகு, இந்த மாளிகையில் அதிருப்தி அடைந்த தேவாலயத்தினர் தியேட்டரை அழித்தார்கள்.

அதே காலகட்டத்தில், பணக்கார நில உரிமையாளர்கள் தங்கள் சொந்த திரையரங்குகளை உருவாக்கத் தொடங்கினர், அதில் செர்ஃப்கள் நிகழ்த்தினர். தியேட்டரின் தீவிர புரவலராக இருந்தார் பீட்டர் ஐ. இதில் ரஷ்ய பேரரசர்நிகழ்ச்சிகள் ரஷ்ய மொழியில் நிகழ்த்தப்பட வேண்டும் என்றும், "மிகவும் தீவிரமாக இல்லை, மிகவும் மகிழ்ச்சியாக இருக்கக்கூடாது, காதல் விவகாரங்கள் எதுவும் இல்லை, மிகவும் சோகமாக இருக்கக்கூடாது" என்று கோரினார்.

பீட்டரின் மரணத்திற்குப் பிறகு, நாடகக் கலை ஆட்சியாளர்களால் ஆதரிக்கப்படுவதை நிறுத்தியது மற்றும் ஆட்சிக்கு வந்த பிறகுதான். அன்னா ஐயோனோவ்னாஅது மீண்டும் அரசாங்க மானியங்களைப் பெற்றது.

படைப்பின் வரலாறு மாநில தியேட்டர் ரஷ்யாவில், பெரும்பாலான நிபுணர்களின் கூற்றுப்படி, ஷ்லியாகெட்ஸ்கியின் ஸ்தாபனத்துடன் தொடங்கியது கேடட் கார்ப்ஸ், அங்கு முதல் தியேட்டர் ஸ்டுடியோக்கள் ஏற்பாடு செய்யப்பட்டு பிரபுக்களின் குழந்தைகளுக்கு நடிப்பு கலை கற்பிக்கப்பட்டது. அதே நேரத்தில், ரஷ்யாவில் முதல் தொழில்முறை தியேட்டர் தோன்றியது யாரோஸ்லாவ்ல்வணிகர் ஃபியோடர் வோல்கோவின் குழுவை அடிப்படையாகக் கொண்டது.

நேரத்துடன் ரஷ்ய தியேட்டர்மக்கள்தொகையின் பல்வேறு பிரிவுகளில் இருந்து மேம்படுத்தப்பட்டு ரசிகர்களைப் பெற்றது.

போல்ஷோய் தியேட்டர்: படைப்பின் வரலாறு

மாஸ்கோவின் மையத்தில் அமைந்துள்ள போல்ஷோய் தியேட்டர், கலைக் கோயில் மற்றும் உலகப் புகழ்பெற்ற ஓபரா மற்றும் பாலே தியேட்டர் என்ற தலைப்பை சரியாகக் கொண்டுள்ளது. போல்ஷோய் தியேட்டரில் இரண்டு “பிறந்தநாட்கள்” உள்ளன - மார்ச் 1776 மற்றும் ஜனவரி 1852. ஆனால் இன்னும், பொதுவாக ஏற்றுக்கொள்ளப்பட்ட தேதி முதல்.

ஆரம்பத்தில், போல்ஷோய் தியேட்டர் பெட்ரோவ்ஸ்கயா சதுக்கத்தில் கட்டப்பட்டது, அதன்படி பெட்ரோவ்ஸ்கி என்ற பெயரைப் பெற்றது. தியேட்டரின் நிறுவனர் இளவரசர் பியோட்டர் வாசிலியேவிச் என்று கருதப்படுகிறார் உருசோவ், கச்சேரிகள், நாடக நிகழ்ச்சிகள் மற்றும் முகமூடிகளின் உள்ளடக்கத்தில் கேத்தரின் II இலிருந்து அதிக அனுமதி பெற்றவர்.

துரதிர்ஷ்டவசமாக, பெட்ரோவ்ஸ்கி தியேட்டர் திறக்கப்படுவதற்கு முன்பே தரையில் எரிந்தது, இது உருசோவின் நிலைமையை பெரிதும் மோசமாக்கியது. இளவரசர் இந்த விவகாரங்களை ஆங்கிலேயரான மைக்கேலிடம் ஒப்படைத்தார் மெடாக்ஸ், நீண்ட காலமாக அவருக்குத் துணையாக இருந்தவர். மெடாக்ஸின் பெட்ரோவ்ஸ்கி தியேட்டர் இருபத்தைந்து ஆண்டுகளாக நின்றது, அதன் போது அது மீண்டும் மீண்டும் எரிந்து வெள்ளத்தில் தப்பித்தது.

பின்னர், 1821 ஆம் ஆண்டில், ஆண்ட்ரி வடிவமைத்த போல்ஷோய் தியேட்டருக்கான அடிப்படை கட்டிடத்தின் கட்டுமானம் தொடங்கியது. மிகைலோவாமற்றும் ஒசிபா பியூவைஸ், இது நான்கு ஆண்டுகள் நீடித்தது.

அப்போதிருந்து, அனைத்து போர்கள், தீ மற்றும் பிற பேரழிவுகள் இருந்தபோதிலும், போர்டிகோவுக்கு மேலே அப்பல்லோவின் தேர் கொண்ட எட்டு நெடுவரிசை தியேட்டர் தலைநகரின் மையத்தில் உயர்ந்துள்ளது, இது வாழ்க்கை மற்றும் கலையின் நித்திய இயக்கத்தை குறிக்கிறது.

போல்ஷோய் தியேட்டர் கட்டிடம் வெளிப்புறத்தை விட உள்ளே குறைவாக இல்லை. ஐந்து அடுக்கு அரங்கம், பெரிய மேடை, நம்பமுடியாத ஒலியியல், கூரையில் ஓவியங்கள், கில்டட் ஸ்டக்கோ மோல்டிங், பல அடுக்கு படிக சரவிளக்கு பெரிய அளவுமற்றும் போல்ஷோய் தியேட்டரின் அலங்காரத்தின் மற்ற சிறப்புகள் கற்பனையை ஒன்றுக்கு மேற்பட்ட முறை ஆச்சரியப்படுத்தியது மற்றும் நாடக ஆசிரியர்கள், நடிகர்கள், நடனக் கலைஞர்கள், பாடகர்கள், இசையமைப்பாளர்கள் மற்றும் இசைக்கலைஞர்களை ஊக்கப்படுத்தியது.

சிறந்த ரஷ்ய நடன கலைஞர்கள், பாடகர்கள், நடன இயக்குனர்கள், இசைக்கலைஞர்கள், இசையமைப்பாளர்கள், நடிகர்கள் மற்றும் படைப்புத் தொழில்களின் பிற பிரதிநிதிகளின் நட்சத்திரங்கள் போல்ஷோய் தியேட்டரின் மேடையில் ஒளிர்ந்தன. கூடுதலாக, சிறந்த வெளிநாட்டு கலைஞர்கள் போல்ஷோய் தியேட்டரில் நிகழ்ச்சி நடத்துவதற்கான சலுகைகளை குறிப்பிட்ட நடுக்கத்துடன் நடத்தினார்கள்.

முதல் நடிகர் கிரேக்க தெசிபஸ் என்று கருதப்படுகிறார், அவர் டியோனிசஸின் நினைவாக ஒரு கவிதை போட்டியில் வென்றார்.

3 ஆம் நூற்றாண்டில் கி.மு. கிரேக்க நாடகத்தால் ஈர்க்கப்பட்ட ரோமானியர்கள், பண்டைய கிரேக்க நாடகங்களின் சொந்த பதிப்புகளை உருவாக்கி, மேம்படுத்தப்பட்ட மேடைகளில் அவற்றை நிகழ்த்தத் தொடங்கினர். இந்த நிகழ்ச்சிகளில் நடித்தவர்கள் அடிமைகளாக இருந்தனர். பெண்கள் விளையாட மட்டுமே அனுமதிக்கப்பட்டனர் சிறிய பாத்திரங்கள். ரோமானிய திரையரங்குகள் கிளாடியேட்டர் சண்டை, பொது மரணதண்டனை மற்றும் தேர் பந்தயங்களுக்குப் பழக்கப்பட்ட பார்வையாளர்களின் கவனத்திற்கு போட்டியிட வேண்டியிருந்தது, நாடகங்களில் வன்முறை மற்றும் கசப்பான நகைச்சுவை காட்சிகள் பெருகிய முறையில் உள்ளன. கிறிஸ்துவ மதம் பரவியவுடன், இத்தகைய கருத்துக்கள் முடிவுக்கு வந்தன.

இடைக்காலத்தில் நாடகத்தின் தோற்றம்

பின்னர், பல்வேறு விவிலியக் கதைகளை முன்வைத்து, பிற மத விடுமுறை நாட்களில் மர்மங்கள் விளையாடத் தொடங்கின.

மறுமலர்ச்சி தியேட்டர்

1576 ஆம் ஆண்டில், லண்டனில் முதல் தியேட்டர் கட்டிடம் கட்டப்பட்டது; அதற்கு முன், அனைத்து நாடகங்களும் ஹோட்டல்களில், கண்காட்சி மைதானங்களில் அல்லது அரண்மனைகள் மற்றும் உன்னத வீடுகளில் உள்ள அரங்குகளின் நடுவில் நடத்தப்பட்டன. இங்கிலாந்தின் ராணி I எலிசபெத் நாடகக் கலைகளை ஆதரித்தார்; அவரது பெயரைக் கொண்ட சகாப்தத்தில், முதல் தொழில்முறை நாடக ஆசிரியர்கள் தோன்றினர், அவர்களில் மிகவும் பிரபலமானவர் பெரிய ஷேக்ஸ்பியர், நடிகர்கள், நடிப்பின் போது முட்டுகள் மற்றும் உடைகளை மாற்றும் பாரம்பரியம். கிளாசிக்கல் தியேட்டர் இறுதியாக 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் உருவாக்கப்பட்டது.

மெட்ரியோஷ்கா பொம்மைகள் அசல் ரஷ்ய நினைவுப் பொருளாகக் கருதப்படுகின்றன, எனவே ரஷ்ய கூட்டமைப்பிற்கு வரும் சுற்றுலாப் பயணிகளிடையே மிகவும் பிரபலமாக உள்ளன. பல்வேறு நாடுகள். மிகவும் சுவாரஸ்யமான விஷயம் என்னவென்றால், இந்த மரத்தாலான வர்ணம் பூசப்பட்ட நேர்த்தியான அழகிகளின் உருவங்கள், ஒருவருக்கொருவர் உள்ளமைக்கப்பட்டவை, ரஷ்ய வேர்களிலிருந்து வெகு தொலைவில் உள்ளன.

முதல் ரஷ்ய கூடு கட்டும் பொம்மை

கிளாசிக் கூடு கட்டும் பொம்மைகளில் பொதிந்த மகிழ்ச்சியான, வட்டமான முகம் கொண்ட ரஷ்ய பெண்ணின் முன்மாதிரி, 19 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் ஜப்பானில் இருந்து ரஷ்யாவிற்கு கொண்டு வரப்பட்டது. சூரியனின் தேசத்திலிருந்து வந்த நினைவு பரிசு, ஜப்பானிய முனிவர் ஃபுகுருமாவின் மர உருவங்களைக் கொண்டிருந்தது, அவை ஒருவருக்கொருவர் கூடு கட்டப்பட்டன. நவீன கூடு கட்டும் பொம்மையின் மூதாதையர் நாட்டின் மரபுகளின் உணர்வில் அவை அழகாக வர்ணம் பூசப்பட்டு பகட்டானவை.

ஒருமுறை மாஸ்கோ பொம்மை பட்டறையில், ஜப்பானிய நினைவு பரிசு உள்ளூர் டர்னர் வாசிலி ஸ்வெஸ்டோச்ச்கின் மற்றும் கலைஞர் செர்ஜி மல்யுடின் ஆகியோரை ஒத்த பொம்மைகளை உருவாக்க தூண்டியது. கைவினைஞர்கள் ஒரே மாதிரியான உருவங்களை ஒருவருக்குள்ளேயே செதுக்கி வரைந்தனர். ஜப்பானிய நினைவுச்சின்னத்தின் முதல் அனலாக் ஒரு தலைக்கவசம் மற்றும் சண்டிரெஸ் அணிந்த ஒரு பெண்; அடுத்தடுத்த கூடு கட்டும் பொம்மைகள் அழகான வேடிக்கையான குழந்தைகளை சித்தரித்தன - சிறுவர்கள் மற்றும் பெண்கள்; கடைசி, எட்டாவது கூடு கட்டும் பொம்மையில், ஒரு ஸ்வாடில் குழந்தை வரையப்பட்டது. பெரும்பாலும், அந்த நேரத்தில் பொதுவான பெண் பெயரான மேட்ரியோனாவின் நினைவாக இது அதன் பெயரைப் பெற்றது.

செர்கீவ் போசாட் கூடு கட்டும் பொம்மைகள்

மாஸ்கோவில் பட்டறை மூடப்பட்ட பிறகு, 1900 ஆம் ஆண்டில் செர்கீவ் போசாட்டில் உள்ள கைவினைஞர்கள், ஒரு பயிற்சி மற்றும் ஆர்ப்பாட்டப் பட்டறையில், கூடு கட்டும் பொம்மைகளை உருவாக்கத் தொடங்கினர். இந்த வகை நாட்டுப்புற கைவினை பரவலாக மாறியது; மாஸ்கோவிலிருந்து போசாட் நகருக்குச் சென்ற போகோயாவ்லென்ஸ்கிஸ், இவானோவ்ஸ் மற்றும் வாசிலி ஸ்வெஸ்டோச்ச்கின் ஆகியோரின் பட்டறைகள் தலைநகருக்கு வெகு தொலைவில் இல்லை.

காலப்போக்கில், இந்த நினைவு பரிசு பொம்மை வெளிநாட்டினர் ரஷ்ய கைவினைஞர்களிடமிருந்து ஆர்டர் செய்யத் தொடங்கினர்: பிரஞ்சு, ஜேர்மனியர்கள், முதலியன அத்தகைய கூடு கட்டும் பொம்மைகள் மலிவானவை அல்ல, ஆனால் பாராட்டுவதற்கு ஏதோ ஒன்று இருந்தது! இந்த மர பொம்மைகளின் ஓவியம் வண்ணமயமாகவும், அலங்கரிக்கப்பட்டதாகவும், மாறுபட்டதாகவும் மாறியது. கலைஞர்கள் ரஷ்ய அழகான பெண்களை நீண்ட சண்டிரெஸ் மற்றும் வர்ணம் பூசப்பட்ட தாவணியில், பூங்கொத்துகள், கூடைகள் மற்றும் மூட்டைகளுடன் சித்தரித்தனர். இருபதாம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், வெளிநாடுகளுக்கு கூடு கட்டும் பொம்மைகளின் வெகுஜன உற்பத்தி நிறுவப்பட்டது.

பின்னர், ஆண்பால் கூடு கட்டும் பொம்மைகள் தோன்றின, எடுத்துக்காட்டாக, குழாய்களைக் கொண்ட மேய்ப்பர்கள், மீசையுடைய மாப்பிள்ளைகள், குச்சிகள் கொண்ட தாடி முதியவர்கள் போன்றவற்றை சித்தரிக்கிறது. மர பொம்மைகள் பல்வேறு கொள்கைகளின்படி கூடியிருந்தன, ஆனால், ஒரு விதியாக, ஒரு முறை எப்போதும் தெரியும் - எடுத்துக்காட்டாக, மேட்ரியோஷ்கா பொம்மைகள்-மணமகன்கள் பொம்மைகள்-மணப்பெண்கள் மற்றும் உறவினர்களுடன் ஜோடியாக இருந்தனர்.

நிஸ்னி நோவ்கோரோட் மாகாணத்தின் மேட்ரியோஷ்கா பொம்மைகள்

20 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில், கூடு கட்டும் பொம்மை செர்கீவ் போசாட்டின் எல்லைகளுக்கு அப்பால் பரவியது. எனவே, நிஸ்னி நோவ்கோரோட் மாகாணத்தில் கைவினைஞர்கள் தோன்றினர், அவர்கள் பிரகாசமான சால்வைகளில் மெல்லிய, உயரமான பெண்களின் வடிவத்தில் கூடு கட்டும் பொம்மைகளை உருவாக்கினர். மேலும் செர்கீவ் போசாட் கைவினைஞர்கள் இந்த பொம்மைகளை அதிக குந்து மற்றும் வளைந்த இளம் பெண்களின் வடிவத்தில் உருவாக்கினர்.

நவீன பொம்மைகள்

மெட்ரியோஷ்கா பொம்மை இன்னும் ரஷ்ய கலாச்சாரத்தின் அடையாளங்களில் ஒன்றாக கருதப்படுகிறது. நவீன கூடு கட்டும் பொம்மைகள் பல்வேறு வகைகளில் செய்யப்படுகின்றன: கிளாசிக்கல் வரைபடங்களுக்கு கூடுதலாக, பிரபலமான அரசியல் பிரமுகர்கள், தொலைக்காட்சி வழங்குநர்கள், திரைப்படம் மற்றும் பாப் நட்சத்திரங்களின் உருவப்படங்கள் உள்ளன.

செர்கீவ் போசாட்டில், பொம்மை அருங்காட்சியகத்தில், 20 ஆம் நூற்றாண்டின் ஆரம்ப மற்றும் நடுப்பகுதியில் உள்ள பல்வேறு எஜமானர்களிடமிருந்து கூடு கட்டும் பொம்மைகளின் தொகுப்புகள் உள்ளன, அதே போல் வர்ணம் பூசப்பட்ட முதல் பொம்மை. பிரபல கலைஞர்செர்ஜி மல்யுடின்.

தலைப்பில் வீடியோ

மோதல் என்பது எதிரெதிர் கருத்துக்கள், ஆர்வங்கள் மற்றும் பார்வைகளின் மோதல். இது தேவைகளை பூர்த்தி செய்யும் வகையில் வடிவமைக்கப்பட்டுள்ளது. IN மோதல் சூழ்நிலைஒவ்வொரு கட்சியும் அதன் இலக்கை அடையவும் அதன் பிரச்சினைகளைத் தீர்க்கவும் பாடுபடுகின்றன.

குடும்ப மோதல்களின் முக்கிய காரணங்கள்: - சுய உறுதிப்பாட்டிற்கான திருப்தியற்ற தேவை; - திருமணத்தில் தனிப்பட்ட தேவைகளை உணர வாழ்க்கைத் துணைகளின் விருப்பம்; - ஒருவருக்கொருவர் தொடர்பு கொள்ள இயலாமை; - அதிகப்படியான பொருள் லட்சியங்கள்; - உயர்த்தப்பட்ட சுயமரியாதையின் இருப்பு; - கல்வி பற்றிய கருத்துக்களில் முரண்பாடு; - கணவன், மனைவி, தந்தை, தாய் மற்றும் பலவற்றின் பங்கு பற்றிய கருத்துக்களில் முரண்பாடு;- பல்வேறு வகையானமனோபாவம்; - ஒரு உரையாடலை நடத்த தயக்கம்; - வாழ்க்கைத் துணைகளில் ஒருவரின் பாலியல் குளிர்ச்சி; - துணைவர்களில் ஒருவரின் பொறாமை; - விபச்சாரம்; - கெட்ட பழக்கங்கள், நிர்வாக வல்லுநர்கள் அணிகளில் மோதல்களுக்கான பின்வரும் காரணங்களை அடையாளம் காண்கின்றனர்: 1. வரையறுக்கப்பட்ட வளங்கள். பொருள், நிதி மற்றும் தொழிலாளர் வளங்கள் எப்போதும் குறைவாகவே இருக்கும். மேலாளரின் பணி, அமைப்பின் பல்வேறு கட்டமைப்பு பிரிவுகளுக்கு இடையில் அவற்றை உகந்த முறையில் விநியோகிப்பதாகும். ஆனால், விநியோக அளவுகோல்களின் தன்னிச்சையான தன்மை காரணமாக இதைச் செய்வது மிகவும் கடினம் என்பதால், அத்தகைய வரையறுக்கப்பட்ட வளங்கள் தவிர்க்க முடியாமல் பல்வேறு வகையான மோதல்களுக்கு வழிவகுக்கும்.2. பணி ஒன்றுக்கொன்று சார்ந்திருத்தல். அனைத்து நிறுவனங்களும் ஒன்றோடொன்று சார்ந்த கூறுகளால் ஆனவை, அதாவது ஒரு பணியாளரின் பணி மற்றொருவரின் வேலையைப் பொறுத்தது. ஒரு தனிப்பட்ட தொழிலாளி அல்லது ஒரு துறை சரியான முறையில் செயல்படவில்லை என்றால், இந்த ஒன்றுக்கொன்று சார்ந்திருத்தல் மோதலை ஏற்படுத்தும்.3. கருத்துக்கள், குறிக்கோள்கள் மற்றும் மதிப்புகளில் வேறுபாடுகள். பொதுவாக, நிறுவன கட்டமைப்புகளில், காலப்போக்கில், ஒரு சிறப்பு செயல்முறை உள்ளது, அதாவது, ஒரு குறுகிய துறையில் செயல்பாடு. இதன் விளைவாக, முந்தைய கட்டமைப்பு பிரிவுகள் சிறிய சிறப்பு அலகுகளாக பிரிக்கத் தொடங்குகின்றன. இத்தகைய கட்டமைப்புகள் புதிய இலக்குகளை உருவாக்குகின்றன மற்றும் அவற்றை அடைவதில் கவனம் செலுத்தத் தொடங்குகின்றன, இது மோதல்களின் சாத்தியத்தை அதிகரிக்கிறது.4. உள்ள வேறுபாடுகள் வாழ்க்கை அனுபவம்மற்றும் நடத்தை முறை. மக்கள் ஒருவருக்கொருவர் வேறுபட்டவர்கள். மற்றவர்களைப் பற்றி அலட்சியமாக இருக்கும் அதிகப்படியான ஆக்கிரமிப்பு, சர்வாதிகார ஆளுமைகள் உள்ளனர். இவைதான் பெரும்பாலும் தூண்டிவிடுகின்றன மோதல்கள். அனுபவம், கல்வி, சேவையின் நீளம் மற்றும் வயது ஆகியவற்றில் உள்ள வேறுபாடுகள் மோதல்களின் சாத்தியத்தை அதிகரிக்கின்றன.5. மோசமான தகவல் தொடர்பு. தகவல் சுமை, திருப்தியற்றது பின்னூட்டம், செய்திகளை திரித்தல். ஒரு குழுவில் உள்ள வதந்திகள் மோதலுக்கு சிறப்பு அவசரத்தை அளிக்கிறது. அவர்கள் ஒரு வினையூக்கியாக செயல்படலாம், குறுக்கிடலாம் தனிப்பட்ட ஊழியர்கள்உண்மை நிலையை புரிந்து கொள்ளுங்கள். தகவல் பரிமாற்றத்தில் உள்ள பிற பொதுவான சிக்கல்கள், பணியாளர்களின் போதுமான தெளிவாக உருவாக்கப்படாத வேலை பொறுப்புகள் மற்றும் பரஸ்பர பிரத்தியேக வேலை தேவைகளை வழங்குதல்.

ஆதாரங்கள்:

• ஒரு அணியில் மோதல்கள்: தீமை அல்லது நல்லது

உதவிக்குறிப்பு 4: உங்கள் குடும்பப்பெயரின் தோற்றம்: வரலாற்றை எவ்வாறு கண்டுபிடிப்பது

ஒவ்வொரு நபரும் தனது குடும்பப் பெயரை மதிக்கிறார்கள். ஒவ்வொரு நபரும் விரைவில் அல்லது பின்னர் அதன் தோற்றத்தின் ரகசியத்தை வெளிப்படுத்த விரும்புகிறார்கள். குடும்பப்பெயரின் தோற்றத்தின் ரகசியத்தை வெளிப்படுத்த வல்லுநர்கள் என்ன செய்கிறார்கள் என்பதைக் கண்டுபிடிப்போம்.

நாடகத்தின் வரலாறு மனிதகுலத்தின் உலகம்

பண்டைய கிரேக்கத்தின் தியேட்டர்

பண்டைய கிரேக்க நாடகம் மற்றும் நாடகத்தின் தோற்றம்.

கிரேக்கத்தில் நாடகத்தின் தோற்றம் நீண்ட காலத்திற்கு முன்னதாக இருந்தது, இதன் போது ஆதிக்கம் செலுத்தும் இடம் முதலில் காவியம் மற்றும் பின்னர் பாடல் வரிகளால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டது. "இலியட்" மற்றும் "ஒடிஸி" என்ற செழுமையான வீர காவியக் கவிதைகளை நாம் அனைவரும் அறிவோம், ஹெஸியோடின் (கிமு 7 ஆம் நூற்றாண்டு) உபதேசமான (அறிவுறுத்தல்) காவியக் கவிதைகள்; இவை 6 ஆம் நூற்றாண்டின் பாடல் கவிஞர்களின் படைப்புகள். கி.மு.

கிரேக்க நாடகம் மற்றும் நாடகத்தின் பிறப்பு விவசாயத்தின் புரவலர் கடவுள்களுக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட சடங்கு விளையாட்டுகளுடன் தொடர்புடையது: டிமீட்டர், அவரது மகள் கோர் மற்றும் டியோனிசஸ். டியோனிசஸின் நினைவாக சடங்கு விளையாட்டுகள் மற்றும் பாடல்களிலிருந்து, பண்டைய கிரேக்க நாடகத்தின் மூன்று வகைகள் வளர்ந்தன: சோகம், நகைச்சுவை மற்றும் நையாண்டி நகைச்சுவை (சத்தியர்களைக் கொண்ட கோரஸின் பெயரிடப்பட்டது).

• சோகம் டயோனிசிய வழிபாட்டு முறையின் தீவிர பக்கத்தை பிரதிபலித்தது.
• நகைச்சுவை - திருவிழா-நையாண்டி.
• சதிரோவ்ஸ்கயா நாடகம் ஒரு சராசரி வகையாகத் தோன்றியது. மகிழ்ச்சியான விளையாட்டுத்தனமான பாத்திரம் மற்றும் ஒரு மகிழ்ச்சியான முடிவுடியோனிசஸின் நினைவாக விடுமுறை நாட்களில் அதன் இடத்தை தீர்மானித்தது: சோகங்களை வழங்குவதற்கான முடிவாக நையாண்டி நாடகம் நடத்தப்பட்டது.

சமூக-அரசியல் மற்றும் நெறிமுறைக் கல்வியில் துயரக் கருத்துகளின் பங்கு மகத்தானது. ஏற்கனவே கிமு 6 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில். சோகம் குறிப்பிடத்தக்க வளர்ச்சியை எட்டியுள்ளது. முதல் ஏதெனியன் சோகக் கவிஞர் தெஸ்பிஸ் (கிமு VI நூற்றாண்டு) என்று பண்டைய வரலாறு தெரிவிக்கிறது. அவரது சோகத்தின் முதல் தயாரிப்பு (அதன் பெயர் தெரியவில்லை) கிமு 534 வசந்த காலத்தில் நடந்தது. கிரேட் டியோனீசியஸின் விருந்தில். இந்த ஆண்டு உலக நாடகம் பிறந்த ஆண்டாகக் கருதப்படுகிறது.

நகைச்சுவையில், சோகத்தை விட மிகவும் விரிவானது, அன்றாட மையக்கருத்துகள் புராணக் கதைகளுடன் கலக்கப்பட்டன, அவை படிப்படியாக ஆதிக்கம் செலுத்தியது அல்லது ஒரே மாதிரியாக மாறியது, இருப்பினும் பொதுவாக நகைச்சுவை இன்னும் டியோனிசஸுக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்டதாகக் கருதப்படுகிறது. மேம்படுத்தப்பட்ட ஸ்கிட்கள் நாட்டுப்புற கேலிக்கூத்து நாடகத்தின் ஆரம்ப வடிவமாகும், மேலும் அவை மைம்ஸ் என்று அழைக்கப்பட்டன ("சாயல்", "இனப்பெருக்கம்" என மொழிபெயர்க்கப்பட்டது; இந்த ஸ்கிட்களின் கலைஞர்கள் மைம்ஸ் என்றும் அழைக்கப்பட்டனர்). மைம்ஸின் ஹீரோக்கள் பாரம்பரிய நாட்டுப்புற நாடக முகமூடிகள்: ஒரு போர்வீரன், ஒரு சந்தை திருடன், ஒரு சார்லட்டன் விஞ்ஞானி, அனைவரையும் ஏமாற்றும் ஒரு எளியவன், முதலியன.

ஏதென்ஸ் தியேட்டர்.

பண்டைய கிரேக்க நாடகக் கலையானது கிமு 5 ஆம் நூற்றாண்டின் மூன்று பெரும் சோகவாதிகளின் படைப்புகளில் அதன் மிக உயர்ந்த மலர்ச்சியை எட்டியது - எஸ்கிலஸ், சோஃபோக்கிள்ஸ், யூரிபிடிஸ் மற்றும் நகைச்சுவை நடிகர் அரிஸ்டோபேன்ஸ், அதன் செயல்பாடு 4 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் பரவியது. கி.மு. மற்ற நாடக ஆசிரியர்களும் அதே நேரத்தில் எழுதினார்கள், ஆனால் அவர்களின் படைப்புகளின் சிறிய பகுதிகள் மட்டுமே நம்மை வந்தடைந்தன, சில சமயங்களில் பெயர்கள் மற்றும் அற்ப தகவல்கள் மட்டுமே.

ஹெலனிஸ்டிக் காலத்தின் தியேட்டர்.

ஹெலனிஸ்டிக் சகாப்தத்தில் (கிமு VI-I நூற்றாண்டுகள்), கிளாசிக்கல் சகாப்தத்தின் கிரேக்க தியேட்டர் நாடகம், நடிப்பு மற்றும் தியேட்டர் கட்டிடத்தின் கட்டிடக்கலை ஆகியவற்றில் குறிப்பிடத்தக்க மாற்றங்களுக்கு உட்பட்டது. இந்த மாற்றங்கள் புதிய வரலாற்று நிலைமைகளுடன் தொடர்புடையவை. ஹெலனிஸ்டிக் சகாப்தத்தின் தியேட்டரில் நகைச்சுவைகளும் சோகங்களும் இன்னும் அரங்கேறுகின்றன. ஆனால் 4 ஆம் நூற்றாண்டின் துயரங்களிலிருந்து. கி.மு. சிறிய துண்டுகள் மட்டுமே எஞ்சியுள்ளன, வெளிப்படையாக, கலை தகுதிஹெலனிஸ்டிக் துயரங்கள் சிறியவை. அந்தக் காலத்தின் மிகப் பெரிய நகைச்சுவை நடிகரான மெனாண்டரின் ஒரு நாடகமும் மற்ற நாடகங்களிலிருந்து பல பகுதிகளும் மட்டுமே எஞ்சியிருப்பதால், நகைச்சுவையை மதிப்பிடுவதற்கு அதிகமான தரவுகள் உள்ளன.

ஹெலனிஸ்டிக் சகாப்தத்தின் நகைச்சுவை புதிய அட்டிக் (அல்லது நியோ-அட்டிக்) நகைச்சுவை என்று அழைக்கப்படுகிறது. புதிய நகைச்சுவையில் காதலின் நோக்கம் பெரும் பங்கு வகிக்கிறது. புதிய அட்டிக் நகைச்சுவையின் ஆசிரியர்கள் அரிஸ்டாட்டிலின் மாணவர் தியோஃப்ராஸ்டஸின் உளவியல் கோட்பாட்டை பரவலாகப் பயன்படுத்தினர், அதன்படி அனைத்து குணநலன்களும் ஒரு நபரின் தோற்றத்திலும் அவரது செயல்களிலும் வெளிப்படுகின்றன. தியோஃப்ராஸ்டஸின் இயற்பியல் விளக்கங்கள் முகமூடிகளின் வடிவமைப்பை சந்தேகத்திற்கு இடமின்றி பாதித்தன, இது பார்வையாளர்களுக்கு இந்த அல்லது அந்த பாத்திரத்தை அடையாளம் காண உதவியது. புதிய நகைச்சுவையில் யூரிபிடிஸின் தாக்கம் கவனிக்கத்தக்கது. அவரது பல ஹீரோக்களின் வாழ்க்கையின் நெருக்கம், அவர்களின் உணர்ச்சி அனுபவங்களின் வெளிப்பாடு - இதுதான் யூரிபிட்ஸிலிருந்து புதிய நகைச்சுவை எடுத்தது.

பண்டைய கிரேக்க தியேட்டரின் கட்டிடக்கலை.

ஆரம்பத்தில், நிகழ்ச்சிகளுக்கான இடம் மிகவும் எளிமையாக ஏற்பாடு செய்யப்பட்டது: பாடகர் குழு, அவர்களின் கோஷங்கள் மற்றும் நடனங்களுடன், ஒரு சுற்று சுருக்கப்பட்ட மேடை-ஆர்கெஸ்ட்ராவில் (ஓர்ஹியோமாய் - “நான் நடனம்” என்ற வினைச்சொல்லில் இருந்து) நிகழ்த்தப்பட்டது, அதைச் சுற்றி பார்வையாளர்கள் கூடினர். ஆனால் பொதுவில் நாடகக் கலையின் முக்கியத்துவம் மற்றும் கலாச்சார வாழ்க்கைகிரீஸ் மற்றும் நாடகம் மிகவும் சிக்கலானதாக மாறியதால், மேம்பாடுகள் தேவைப்பட்டன. கிரீஸின் மலைப்பாங்கான நிலப்பரப்பு மேடைப் பகுதியின் மிகவும் பகுத்தறிவு ஏற்பாட்டைப் பரிந்துரைத்தது பார்வையாளர் இருக்கைகள்: ஆர்கெஸ்ட்ரா மலையின் அடிவாரத்தில் அமைந்தது, பார்வையாளர்கள் சரிவில் அமைந்திருந்தனர்.

அனைத்து பண்டைய கிரேக்க திரையரங்குகளும் திறந்திருந்தன மற்றும் ஏராளமான பார்வையாளர்களுக்கு இடமளிக்க முடியும். எடுத்துக்காட்டாக, டியோனிசஸின் ஏதென்ஸ் தியேட்டரில் 17 ஆயிரம் பேர், எபிடாரஸில் உள்ள தியேட்டர் - 10 ஆயிரம் பேர் வரை தங்கலாம். 5 ஆம் நூற்றாண்டில் கி.மு. கிரேக்கத்தில், ஒரு நிலையான வகை தியேட்டர் அமைப்பு உருவாக்கப்பட்டது, இது பழங்காலத்தின் முழு சகாப்தத்தின் சிறப்பியல்பு. தியேட்டரில் மூன்று முக்கிய பகுதிகள் இருந்தன: ஆர்கெஸ்ட்ரா, தியேட்டர் (பார்வையாளர்களுக்கான இருக்கைகள், டீயோமை - "நான் பார்க்கிறேன்" என்ற வினைச்சொல்லில் இருந்து) மற்றும் ஸ்கேன் (ஸ்கீன் - "கூடாரம்", பின்னர் ஒரு மர அல்லது கல் அமைப்பு).

தியேட்டரின் அளவு ஆர்கெஸ்ட்ராவின் விட்டம் (11 முதல் 30 மீ வரை) மூலம் தீர்மானிக்கப்பட்டது. ஸ்கேன்-ப்ரோஸ்கெனியத்தின் முன் சுவர், வழக்கமாக ஒரு பெருங்குடலின் தோற்றத்தைக் கொண்டிருந்தது, இது ஒரு கோவில் அல்லது அரண்மனையின் முகப்பை சித்தரித்தது. ஸ்கீனை ஒட்டி பாராஸ்கெனியா எனப்படும் இரண்டு பக்க கட்டிடங்கள் இருந்தன. பராஸ்கெனியா இயற்கைக்காட்சி மற்றும் பிற நாடக சொத்துக்களை சேமிப்பதற்கான இடமாக செயல்பட்டது. வட்டத்தின் பாதியை விட சற்று அதிகமாக ஆக்கிரமித்துள்ள ஸ்கேன் மற்றும் பார்வையாளர்களுக்கான இருக்கைகளுக்கு இடையில், நிகழ்ச்சி தொடங்குவதற்கு முன்பு பார்வையாளர்கள் தியேட்டருக்குள் நுழைந்த பத்திகள் இருந்தன, பின்னர் பாடகர் மற்றும் நடிகர்கள் இசைக்குழுவில் நுழைந்தனர். கிளாசிக்கல் சகாப்தத்தின் தியேட்டரில், பார்வையாளர்களின் கவனம் செயலின் வளர்ச்சியில், ஹீரோக்களின் தலைவிதியின் மீது கவனம் செலுத்தியது, வெளிப்புற விளைவுகளில் அல்ல. கிரேக்க தியேட்டரின் தளவமைப்பு நல்ல செவித்திறனை உறுதி செய்தது. கூடுதலாக, சில திரையரங்குகளில், ஒலியை அதிகரிக்க பார்வையாளர் இருக்கைகளுக்கு இடையே எதிரொலிக்கும் பாத்திரங்கள் வைக்கப்பட்டன. பண்டைய கிரேக்க தியேட்டரில் திரை இல்லை, இருப்பினும் சில நாடகங்களில் புரோஸ்கேனியத்தின் சில பகுதிகள் பார்வையாளர்களிடமிருந்து தற்காலிகமாக மூடப்பட்டிருக்கலாம்.

ரோமன் தியேட்டர்

ரோமானிய நாடகத்தின் தோற்றம்.

ரோமானிய நாடகம் மற்றும் நாடகத்தின் தோற்றம் கிரேக்கத்தைப் போலவே, திருவிழாக் கூறுகள் நிறைந்த சடங்கு விளையாட்டுகளுக்கு செல்கிறது. உதாரணமாக, சாட்டர்னாலியாவின் விடுமுறை - இத்தாலிய தெய்வமான சனியின் நினைவாக. இந்த விடுமுறையின் தனித்தன்மை பழக்கவழக்க சமூக உறவுகளின் "தலைகீழ்" ஆகும்: எஜமானர்கள் தற்காலிகமாக "அடிமைகள்" ஆனார்கள், மற்றும் அடிமைகள் "எஜமானர்கள்" ஆனார்கள்.

ரோமானிய நாடகம் மற்றும் நாடகத்தின் தோற்றங்களில் ஒன்று கிராமப்புற அறுவடை திருவிழாக்கள். தொலைதூர காலங்களில் கூட, ரோம் லாடியத்தின் ஒரு சிறிய சமூகமாக இருந்தபோது, ​​​​கிராமங்கள் அறுவடையின் முடிவைப் பற்றி விடுமுறையைக் கொண்டாடின. இந்த விடுமுறை நாட்களில், மகிழ்ச்சியான, கரடுமுரடான பாடல்கள்-ஃபெசெனின்கள் பாடப்பட்டன. கிரீஸைப் போலவே, இரண்டு அரை-பாடகர்கள் வழக்கமாக நிகழ்த்தி நகைச்சுவைகளை பரிமாறிக் கொண்டனர், சில சமயங்களில் காஸ்டிக் இயல்புடையது.

குல அமைப்பில் தோன்றிய பின்னர், ஃபெஸ்செனைன்கள் அடுத்தடுத்த நூற்றாண்டுகளில் இருந்தன, அவற்றில், ஹோரேஸின் கூற்றுப்படி, பிளேபியன்களுக்கும் பேட்ரிஷியன்களுக்கும் இடையிலான சமூகப் போராட்டம் பிரதிபலித்தது. இப்படித்தான் சதுராக்கள் எழுந்தன ("கலவை" என மொழிபெயர்க்கப்பட்டுள்ளது). சதுராக்கள் உரையாடல், பாடல், இசை மற்றும் நடனம் உள்ளிட்ட அன்றாட மற்றும் நகைச்சுவை இயல்புடைய வியத்தகு காட்சிகள்.

காமிக் இயற்கையின் மற்றொரு வகை வியத்தகு செயல்திறன் அட்டெலன்கள் ஆகும், அவை அப்பெனைன் தீபகற்பத்தில் வசிக்கும் பிற பழங்குடியினரிடமிருந்து கடன் வாங்கப்பட்டன, அதனுடன் ரோம் தொடர்ச்சியான போர்களை நடத்தியது. இளைஞர்கள் இந்த விளையாட்டுகளில் ஆர்வம் காட்டி, விடுமுறை நாட்களில் அவற்றை ஏற்பாடு செய்யத் தொடங்கினர். அட்டெலன் நான்கு நிரந்தர நகைச்சுவை கதாபாத்திரங்களைக் கொண்டிருந்தார்: மாக், புக்கோன், பாப் மற்றும் டோசின். அட்டெலன்களுக்கு கடினமான உரை இல்லை, எனவே அவற்றை நிகழ்த்தும் போது, ​​மேம்பாட்டிற்கான பரந்த வாய்ப்பு இருந்தது. மைம் நாட்டுப்புற நாடகத்திற்கும் செல்கிறது. கிரீஸைப் போலவே, மைம் நாட்டுப்புற வாழ்க்கையின் காட்சிகளை மீண்டும் உருவாக்கியது, மேலும் சில சமயங்களில் கட்டுக்கதைகளை பகடி செய்து, கடவுள்களையும் ஹீரோக்களையும் ஒரு பஃபூன் போல சித்தரிக்கிறது. எனவே, ரோமில் ஏறக்குறைய அதே சடங்கு விளையாட்டுகள் இருந்தன பண்டைய கிரீஸ். ஆனால் நாட்டுப்புற நாடகத்தின் வளர்ச்சி நாடகத்தின் பலவீனமான தொடக்கத்தைத் தாண்டி செல்லவில்லை. ரோமானிய வாழ்க்கையின் பழமைவாத வழி மற்றும் பாதிரியார்களின் வலுவான எதிர்ப்பால் இது விளக்கப்படுகிறது. எனவே, ரோமில் சுயாதீன புராணங்கள் எதுவும் இல்லை, இது கிரேக்கத்தில் நாடகம் உட்பட கலையின் "மண் மற்றும் ஆயுதக் களஞ்சியமாக" செயல்பட்டது.

குடியரசுக் காலத்தின் ரோமன் தியேட்டர்.

ரோமானியர்கள் கிரேக்கர்களிடமிருந்து முடிக்கப்பட்ட வடிவத்தில் இலக்கிய நாடகத்தை எடுத்து லத்தீன் மொழியில் மொழிபெயர்த்தனர், அதை அவர்களின் கருத்துக்கள் மற்றும் சுவைகளுக்கு ஏற்ப மாற்றினர். முதல் பியூனிக் போரின் வெற்றிகரமான முடிவுக்குப் பிறகு, கிமு 240 இல் பண்டிகை விளையாட்டுகளில், ஒரு வியத்தகு நிகழ்ச்சியை நடத்த முடிவு செய்யப்பட்டது. தயாரிப்பு கிரேக்க லிவியஸ் ஆண்ட்ரோனிகஸிடம் ஒப்படைக்கப்பட்டது, அவர் ஒரு ரோமானிய செனட்டரால் அடிமைப்படுத்தப்பட்டார், அவருக்கு லிவியஸ் என்ற லத்தீன் பெயரைக் கொடுத்தார். விடுதலையான பிறகு, அவர் ரோமில் தங்கி கிரேக்க மொழியைக் கற்பிக்கத் தொடங்கினார் லத்தீன் மொழிரோமானிய பிரபுக்களின் மகன்கள். இந்த ஆசிரியர் ஒரு சோகத்தை அரங்கேற்றினார், ஒருவேளை விளையாட்டுகளில் நகைச்சுவையாகவும் இருந்தார், அதை அவர் கிரேக்க மாதிரியிலிருந்து திருத்தினார் அல்லது கிரேக்கத்திலிருந்து லத்தீன் மொழியில் மொழிபெயர்க்கலாம். இந்த தயாரிப்பு ரோமானிய நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு முதல் உத்வேகத்தை அளித்தது.

235 முதல் கி.மு நாடக ஆசிரியர் Gnaeus Nevius தனது நாடகங்களை மேடையில் அரங்கேற்றத் தொடங்குகிறார். நேவியஸின் இளைய சமகாலத்தவர் டைட்டஸ் மேசியஸ் ப்ளாட்டஸ். அவரது பணி ரோம் ஒரு விவசாய சமூகத்திலிருந்து வலுவான மாநிலமாக மாறிய காலகட்டத்திற்கு முந்தையது - முதலில் அப்பென்னின் தீபகற்பம், பின்னர் முழு மத்திய தரைக்கடல் படுகை. பப்லியஸ் டெரன்ஸ் அஃப்ர், ப்ளாட்டஸைப் போலவே, பல்லையாட்டா வகைகளில் பணியாற்றியவர், அடுத்த தலைமுறை நாடக ஆசிரியர்களைச் சேர்ந்தவர். டெரன்ஸை புதிய ஐரோப்பிய நாடகத்தின் முன்னோடி என்று அழைக்கலாம். ஐரோப்பிய தியேட்டர் பலமுறை அவரது பணிக்கு திரும்பியது. அவரது நகைச்சுவையான "ஃபார்மியன்" மற்றும் "பிரதர்ஸ்" ஆகியவற்றின் தாக்கம் மோலியரின் படைப்புகளில் உணரப்படுகிறது.

ஏகாதிபத்திய காலத்தின் ரோமன் தியேட்டர்.

கிமு 1 ஆம் நூற்றாண்டில், ரோமில் உள்ள குடியரசு வீழ்ந்தது. சீசரின் படுகொலை மற்றும் கிமு 31 இல் ஆண்டனிக்கு எதிரான வெற்றிக்குப் பிறகு. ஆக்டேவியன் ரோமில் பேரரசர் ஆனார், பின்னர் அகஸ்டஸ் ("புனித") என்ற கெளரவ புனைப்பெயரைப் பெற்றார். அகஸ்டஸ் தியேட்டரின் சமூக முக்கியத்துவத்தை நன்கு புரிந்துகொண்டு அதன் வளர்ச்சிக்கு சாத்தியமான எல்லா வழிகளிலும் பங்களித்தார். முதலாவதாக, அகஸ்டஸ் ரோமானிய மேடையில் கிரேக்க வகையின் சோகத்தை புதுப்பிக்க விரும்பினார், அதில் அவரது குடிமக்களின் ஒழுக்கத்தை மேம்படுத்துவதற்கும் கல்வி கற்பதற்கும் ஒரு வழிமுறையாக இருந்தது. அகஸ்டஸின் இந்த அபிலாஷைகள் சிறந்த ரோமானிய கவிஞர்களில் ஒருவரான ஹோரேஸால் ஆதரிக்கப்பட்டது, மேலும் அவரது "கவிதை அறிவியல்" இல் பிரதிபலித்தது. இருப்பினும், ரோமானிய மேடையில் தீவிர வகையை புதுப்பிக்க அகஸ்டஸின் அனைத்து முயற்சிகளும் தோல்வியடைந்தன.

ஏகாதிபத்திய காலத்தின் சோகத்திலிருந்து, தத்துவஞானி சினேகாவின் சோகங்களைத் தவிர வேறு எதுவும் நம்மை அடையவில்லை. லூசியஸ் அன்னியஸ் செனெகா பேரரசர் நீரோவின் ஆசிரியராக இருந்தார், ஒரு காலத்தில் அவர் கீழ் மாநிலத்தில் மிக உயர்ந்த பதவிகளை வகித்தார், ஆனால் பின்னர் அவர் பேரரசருக்கு எதிராக சதி செய்ததாக குற்றம் சாட்டப்பட்டார், நீரோவின் உத்தரவின் பேரில், அவரது நரம்புகளை வெட்டி தற்கொலை செய்து கொண்டார். செனிகா தனது வாழ்க்கையின் கடைசி ஆண்டுகளில் சோகங்களை எழுதத் தொடங்கினார், அவரைப் பற்றிய நீரோவின் அணுகுமுறை மாறியது மற்றும் தற்போதுள்ள ஒழுங்கு குறித்த தனது கருத்துக்களை மிகவும் கவனமாக வெளிப்படுத்த வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது.

நாடக நிகழ்ச்சிகளின் அமைப்பு.

ரோமில் பல்வேறு நிகழ்ச்சிகள் நடைபெற்றன பொது விடுமுறைகள். வியாழன், ஜூனோ மற்றும் மினெர்வாவின் நினைவாக செப்டம்பரில் நடைபெற்ற ரோமன் விளையாட்டுகள் - பேட்ரிசியன் திருவிழாவில் நாடகங்கள் நிகழ்த்தப்பட்டன; அப்பல்லோ விளையாட்டுப் போட்டிகளில் - ஜூலை மாதம். 1 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதி வரை ரோமில் நிரந்தர தியேட்டர் கட்டிடம் இல்லை. கி.மு.; பழமைவாத செனட் அதன் கட்டுமானத்தை எதிர்த்தது. நிகழ்ச்சிகளுக்காக, மன்றத்தில் ஒரு மனிதனின் அரை உயரம் கொண்ட மர மேடை அமைக்கப்பட்டது. 4-5 படிகள் கொண்ட ஒரு குறுகிய படிக்கட்டு மேடை பகுதிக்கு இட்டுச் சென்றது, அதனுடன் நடிகர்கள் மேடையில் ஏறினர்.

இந்த சோகத்தில் அரண்மனைக்கு முன்பாக இந்த நடவடிக்கை நடந்தது. நகைச்சுவைகளில், இயற்கைக்காட்சிகள் எப்போதும் இரண்டு அல்லது மூன்று வீடுகளின் முகப்புகளைக் கொண்ட ஒரு நகரத் தெருவை சித்தரிக்கின்றன, மேலும் நடவடிக்கை வீட்டின் முன் நடந்தது. பார்வையாளர்கள் மேடையின் முன் பெஞ்சில் அமர்ந்தனர். ஆனால் சில நேரங்களில் செனட் இந்த தற்காலிக திரையரங்குகளில் இருக்கைகளை ஏற்பாடு செய்வதைத் தடைசெய்தது: செனட்டின் கருத்துப்படி, நிகழ்ச்சிகளில் உட்கார்ந்துகொள்வது பெண்மையின் அறிகுறியாகும். நாடக விளையாட்டுகளுக்காக கட்டப்பட்ட அனைத்து கட்டமைப்புகளும் அவை முடிந்த உடனேயே உடைந்துவிட்டன.

ரோமுக்கு ஒரு நிகழ்வு கல்லால் கட்டப்பட்ட முதல் நிரந்தர தியேட்டரின் தோற்றம். இந்த தியேட்டர் கிமு 55 இல் கட்டப்பட்டது. Gnaeus Pompey தி கிரேட் மற்றும் 40 ஆயிரம் பேர் வரை தங்க முடியும். 1 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில். கி.மு. ரோமில் மேலும் இரண்டு கல் திரையரங்குகள் கட்டப்பட்டன: பால்பஸ் தியேட்டர் மற்றும் மார்செல்லஸ் தியேட்டர். பிந்தையவற்றிலிருந்து, வெளிப்புற சுவரின் எச்சங்கள், மூன்று தளங்களாகப் பிரிக்கப்பட்டுள்ளன, அவை மூன்று உள் அடுக்குகளுக்கு ஒத்திருக்கின்றன, இன்றுவரை பிழைத்துள்ளன.

இடைக்காலத்தின் தியேட்டர்

வழிபாட்டு மற்றும் அரை வழிபாட்டு நாடகம்.

ஆரம்பகால இடைக்காலத்தின் நாடகக் கலையின் வடிவங்களில் ஒன்று தேவாலய நாடகம். பண்டைய தியேட்டரின் எச்சங்களுக்கு எதிராக, கிராமப்புற விளையாட்டுகளுக்கு எதிராக, தேவாலயம் தனது சொந்த நோக்கங்களுக்காக நாடக பிரச்சாரத்தின் செயல்திறனைப் பயன்படுத்த முயன்றது.

ஏற்கனவே 9 ஆம் நூற்றாண்டில், மாஸ் நாடகமாக்கப்பட்டது, மேலும் கிறிஸ்துவின் வாழ்க்கை, அவரது அடக்கம் மற்றும் உயிர்த்தெழுதல் பற்றிய புராணக்கதைகளிலிருந்து அத்தியாயங்களைப் படிக்கும் சடங்கு உருவாக்கப்பட்டது. இந்த உரையாடல்களிலிருந்து ஆரம்பகால வழிபாட்டு நாடகம் பிறக்கிறது. அத்தகைய நாடகத்தின் இரண்டு சுழற்சிகள் இருந்தன - கிறிஸ்துமஸ் ஒன்று, கிறிஸ்துவின் பிறப்பைப் பற்றி சொல்கிறது, மற்றும் ஈஸ்டர் ஒன்று, அவரது உயிர்த்தெழுதலின் கதையை வெளிப்படுத்துகிறது. கிறிஸ்துமஸ் வழிபாட்டு நாடகத்தில், கோயிலின் நடுவில் ஒரு சிலுவை வைக்கப்பட்டது, பின்னர் அது கருப்பு பொருட்களால் மூடப்பட்டிருந்தது, அதாவது இறைவனின் உடலை அடக்கம் செய்வது.

காலப்போக்கில், வழிபாட்டு நாடகம் மிகவும் சிக்கலானதாகிறது, "நடிகர்களின்" உடைகள் பன்முகப்படுத்தப்படுகின்றன, மேலும் "இயக்குநர் அறிவுறுத்தல்கள்" சோதனை மற்றும் இயக்கங்களுக்கான துல்லியமான வழிமுறைகளுடன் உருவாக்கப்படுகின்றன. பூசாரிகளே இதையெல்லாம் செய்தார்கள். வழிபாட்டு நிகழ்ச்சிகளின் அமைப்பாளர்கள் மேடை அனுபவத்தைக் குவித்து, கிறிஸ்துவின் உயர்வு மற்றும் பிற நற்செய்தி அற்புதங்களை மக்களுக்கு திறமையாகக் காட்டத் தொடங்கினர். வாழ்க்கையை அணுகுவது மற்றும் தயாரிப்பு விளைவுகளைப் பயன்படுத்துவது, வழிபாட்டு நாடகம் இனி ஈர்க்கப்படவில்லை, ஆனால் சேவையிலிருந்து பாரிஷனர்களை திசை திருப்பியது. வகையின் வளர்ச்சி அதன் சுய அழிவை மறைத்தது. தியேட்டரின் சேவைகளை விட்டுவிட விரும்பாமல், அதைச் சமாளிக்க முடியாமல், தேவாலய அதிகாரிகள் வழிபாட்டு நாடகத்தை தேவாலயங்களின் வளைவுகளின் கீழ் இருந்து தாழ்வாரத்திற்கு நகர்த்துகிறார்கள். ஒரு அரை வழிபாட்டு நாடகம் பிறக்கிறது. இங்கே சர்ச் தியேட்டர், முறையாக மதகுருக்களின் அதிகாரத்தில் இருப்பதால், நகர கூட்டத்தின் செல்வாக்கின் கீழ் விழுந்தது. இப்போது அவள் ஏற்கனவே தனது சுவைகளை அவனுக்கு ஆணையிடுகிறாள், தேவாலய விடுமுறைகளில் அல்ல, கண்காட்சிகளில் நிகழ்ச்சிகளை வழங்க அவனை கட்டாயப்படுத்துகிறாள், மேலும் கூட்டத்திற்கு புரியும் வகையில் அவனது தாய்மொழிக்கு முற்றிலும் மாறுகிறாள். வெற்றியைப் பற்றிய கவலையில், மதகுருமார்கள் அன்றாடப் பாடங்களைத் தேர்ந்தெடுக்கத் தொடங்கினர், மேலும் அரை வழிபாட்டு நாடகத்திற்கான பொருள் ஆனது. பைபிள் கதைகள், அன்றாட விளக்கத்திற்கு உட்பட்டது. பைபிள் புனைவுகள் காலப்போக்கில் கவிதை சிகிச்சைக்கு உட்பட்டவை. தொழில்நுட்ப கண்டுபிடிப்புகளும் அறிமுகப்படுத்தப்படுகின்றன: ஒரே நேரத்தில் பல காட்சிகள் ஒரே நேரத்தில் காட்டப்படும் போது, ​​ஒரே நேரத்தில் இயற்கைக்காட்சியின் கொள்கை இறுதியாக நிறுவப்பட்டது; தந்திரங்களின் எண்ணிக்கை அதிகரிக்கிறது. இருப்பினும், இவை அனைத்தையும் மீறி, தேவாலய நாடகம் தேவாலயத்துடன் நெருங்கிய தொடர்பைத் தொடர்ந்தது. நாடகம் தாழ்வாரத்தில் அரங்கேற்றப்பட்டது, தேவாலய நிதியுடன், அதன் திறமைகள் மதகுருக்களால் தொகுக்கப்பட்டது (நிகழ்ச்சிகளில் பங்கேற்பாளர்கள் என்றாலும், பாதிரியார்கள் மற்றும் பாமரர்களுடன்). இவ்வாறு, பரஸ்பர பிரத்தியேக கூறுகளை சிக்கலான முறையில் இணைத்து, தேவாலய நாடகம் நீண்ட காலமாக இருந்தது.

மதச்சார்பற்ற நாடகம்.

யதார்த்த இயக்கத்தின் ஆரம்பம்

ஒரு புதிய யதார்த்த இயக்கத்தின் முதல் தளிர்கள் பிரெஞ்சு நகரமான அராஸிலிருந்து ட்ரூவேர் (ட்ரூபாடோர்) ஆடம் டி லா ஹாலே (சுமார் 1238-1287) என்ற பெயருடன் தொடர்புடையது. டி லா அல் கவிதை, இசை மற்றும் நாடகங்களில் ஆர்வமாக இருந்தார். அவர் பாரிஸ் மற்றும் இத்தாலியில் (அஞ்சோவின் சார்லஸின் நீதிமன்றத்தில்) வாழ்ந்தார் மற்றும் ஒரு கவிஞர், இசைக்கலைஞர் மற்றும் நாடக ஆசிரியராக பரவலாக அறியப்பட்டார்.

13 ஆம் நூற்றாண்டில், நகைச்சுவையின் மின்னோட்டம் ஏற்கனவே அதிசயத்தின் தியேட்டரால் மூழ்கடிக்கப்பட்டது, இது வாழ்க்கை நிகழ்வுகளையும் அதன் கருப்பொருளாகக் கொண்டிருந்தது, ஆனால் மதத்திற்கு மாறியது.

அதிசயம்.

"அதிசயம்" என்ற பெயர் லத்தீன் வார்த்தையான "அதிசயம்" என்பதிலிருந்து வந்தது. மற்றும் உண்மையில், அனைத்து மோதல்கள், சில நேரங்களில் மிகவும் தீவிரமாக வாழ்க்கை முரண்பாடுகள் பிரதிபலிக்கும், இந்த வகை தெய்வீக சக்திகளின் தலையீடு நன்றி தீர்க்கப்பட்டது - செயின்ட் நிக்கோலஸ், கன்னி மேரி, முதலியன. காலமே - 14 ஆம் நூற்றாண்டு, போர்கள் நிறைந்தது, பிரபலமான அமைதியின்மை மற்றும் மனிதாபிமானமற்ற பழிவாங்கல்கள் - அதிசயம் போன்ற ஒரு சர்ச்சைக்குரிய வகையின் வளர்ச்சியை விளக்குகிறது. ஒரு அதிசயம், வழக்கமாக யதார்த்தத்தின் குற்றச்சாட்டுடன் தொடங்கிய ஒரு அதிசயம், எப்பொழுதும் ஒரு சமரசம், மனந்திரும்புதல் மற்றும் மன்னிப்பு ஆகியவற்றுடன் முடிவடைந்தது, இது நடைமுறையில் காட்டப்படும் அட்டூழியங்களுடன் சமரசம் செய்வதைக் குறிக்கிறது, ஏனென்றால் அது ஒவ்வொருவரிலும் சாத்தியமான நீதியுள்ள நபரை முன்னறிவித்தது. வில்லன். இது பர்கர் உணர்வு மற்றும் தேவாலயம் ஆகிய இரண்டிற்கும் பொருந்தும்.

மர்மம்.

மர்ம தியேட்டரின் உச்சம் 15-16 ஆம் நூற்றாண்டுகள், நகரங்களின் விரைவான வளர்ச்சி மற்றும் சமூக முரண்பாடுகளின் தீவிரம் ஆகியவற்றின் காலம். நகரம் ஏற்கனவே நிலப்பிரபுத்துவ சார்புநிலையை பெருமளவு முறியடித்துள்ளது, ஆனால் இன்னும் முழுமையான மன்னரின் ஆட்சியின் கீழ் வரவில்லை. இந்த மர்மம் இடைக்கால நகரம் மற்றும் அதன் கலாச்சாரத்தின் செழிப்பின் வெளிப்பாடாக இருந்தது. இது "மிமிக் மிஸ்டரீஸ்" என்று அழைக்கப்படுபவற்றிலிருந்து வளர்ந்தது - மத விடுமுறை நாட்களை முன்னிட்டு, மன்னர்களின் சம்பிரதாயப் பயணங்களின் நினைவாக நகர ஊர்வலங்கள். இந்த விழாக்களில் இருந்து, இடைக்கால நாடகத்தின் ஆரம்ப அனுபவத்தைப் பயன்படுத்தி, ஒரு சதுர மர்மம் படிப்படியாக வடிவம் பெற்றது. மர்ம நிகழ்ச்சிகள் தேவாலயத்தால் அல்ல, நகர பட்டறைகள் மற்றும் நகராட்சிகளால் ஏற்பாடு செய்யப்பட்டன. ஆசிரியர்கள் ஒரு புதிய வகை நபர்களாக இருந்தனர் - இறையியலாளர்கள், வழக்கறிஞர்கள், மருத்துவர்கள். நிகழ்ச்சிகள் நகரின் மேல்மட்ட முதலாளித்துவ வர்க்கத்தால் இயக்கப்பட்டிருந்தாலும், மர்ம நாடகங்கள் வெகுஜன பொது அமெச்சூர் கலையாக இருந்தன. நிகழ்ச்சிகளில் நூற்றுக்கணக்கானோர் பங்கேற்றனர்.

இந்த மர்மம் உலகின் உருவாக்கம், கடவுளுக்கு எதிரான லூசிபரின் கிளர்ச்சி மற்றும் விவிலிய அற்புதங்களைக் காட்டியது. மர்மம் இடைக்கால நாடகத்தின் கருப்பொருள் வரம்பை விரிவுபடுத்தியது மற்றும் இடைக்காலத்தின் அடுத்தடுத்த வகைகளால் பயன்படுத்தப்பட்ட பரந்த மேடை அனுபவத்தை குவித்தது. மர்மத்தை நிகழ்த்தியவர்கள் நகர மக்கள். பிரமாண்டத்தின் தனிப்பட்ட அத்தியாயங்கள் நாடக செயல்திறன்பல்வேறு நகர பட்டறைகளின் பிரதிநிதிகளால் நிகழ்த்தப்பட்டது. அதே நேரத்தில், மர்மம் ஒவ்வொரு தொழிலையும் முடிந்தவரை முழுமையாக வெளிப்படுத்த வாய்ப்பளித்தது. மர்மங்கள் நாடக நுட்பத்தை உருவாக்கியது, நாடகத்தின் மீதான மக்களின் ரசனையை நிறுவியது மற்றும் மறுமலர்ச்சி நாடகத்தின் சில அம்சங்களை தயார் செய்தது. ஆனால் 1548 வாக்கில், மர்ம சமூகங்கள், குறிப்பாக பிரான்சில் பரவலாக, மர்ம நாடகங்களைக் காண்பிப்பது தடைசெய்யப்பட்டது: மர்ம நாடகத்தின் விமர்சன நகைச்சுவை வரி மிகவும் கவனிக்கத்தக்கது. சமூகத்தின் புதிய, முற்போக்கு சக்திகளின் ஆதரவைப் பெறாததும் அவள் மரணத்திற்குக் காரணம்.

சீர்திருத்த இயக்கம்

நிலப்பிரபுத்துவத்திற்கு எதிரான பாத்திரம்

16 ஆம் நூற்றாண்டில் ஐரோப்பாவில் சீர்திருத்தம் வெளிப்பட்டது. இது இயற்கையில் நிலப்பிரபுத்துவத்திற்கு எதிரானது மற்றும் நிலப்பிரபுத்துவத்தின் கருத்தியல் ஆதரவிற்கு எதிரான போராட்டத்தின் வடிவத்தை எடுத்தது - கத்தோலிக்க திருச்சபை.

சீர்திருத்த இயக்கம் "கடவுளுடன் தனிப்பட்ட தொடர்பு" கொள்கையை உறுதிப்படுத்துகிறது, இது தனிப்பட்ட நல்லொழுக்கத்தின் கொள்கையாகும். பணக்கார பர்கர்களின் கைகளில், நிலப்பிரபுத்துவ பிரபுக்களுக்கு எதிராகவும் மற்றும் ஏழை நகர்ப்புற மக்களுக்கு எதிராகவும் அறநெறி ஒரு போராட்ட ஆயுதமாக மாறுகிறது. முதலாளித்துவ உலகக் கண்ணோட்டத்திற்கு புனிதத்தை வழங்குவதற்கான விருப்பம் அறநெறி நாடகத்தை உருவாக்குகிறது.

ஒழுக்கம்.

ஒழுக்கம் என்பது மதப் பாடங்கள் மற்றும் அன்றாட கவனச்சிதறல்கள் ஆகிய இரண்டிலிருந்தும் ஒழுக்கத்தை விடுவித்தது, மேலும் தனிமைப்படுத்தப்பட்டு, ஸ்டைலிஸ்டிக் ஒற்றுமை மற்றும் அதிக செயற்கையான நோக்குநிலையைப் பெற்றது.

கேலிக்கூத்து.

பகுதி கேலிக்கூத்து ஒரு சுயாதீனமாக நிற்கிறது நாடக வகை 15 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் இருந்து. இருப்பினும், அவர் இதற்கு முன்னர் மறைந்த வளர்ச்சியின் நீண்ட பாதையில் சென்றிருந்தார். பெயர் லத்தீன் ஃபார்டா ("நிரப்புதல்") என்பதிலிருந்து வந்தது. உண்மையில், மர்மங்களின் அமைப்பாளர்கள் அடிக்கடி எழுதினார்கள்: "ஒரு கேலிக்கூத்து இங்கே செருகவும்." மகிழ்ச்சியான மஸ்லெனிட்சா நிகழ்ச்சிகள் மற்றும் நாட்டுப்புற நிகழ்ச்சிகள் "முட்டாள் நிறுவனங்களுக்கு" வழிவகுக்கின்றன - குட்டி நீதித்துறை அதிகாரிகள், பல்வேறு நகர்ப்புற போஹேமியா, பள்ளி குழந்தைகள் மற்றும் கருத்தரங்குகள் ஆகியவற்றின் சங்கம். 15 ஆம் நூற்றாண்டில், கோமாளி சமூகங்கள் ஐரோப்பா முழுவதும் பரவின. பாரிஸில் நான்கு பெரிய அமைப்புகள் இருந்தன, அவற்றின் கேலிக்கூத்து நிகழ்ச்சிகளின் வழக்கமான அணிவகுப்புகள் நடத்தப்பட்டன. இந்த அணிவகுப்புகளில், பிஷப்புகளின் உரைகள், நீதிபதிகளின் விவாதங்கள் மற்றும் ராஜாக்களின் நகர நுழைவு ஆகியவை கேலி செய்யப்பட்டன. இதற்கு பதிலளிக்கும் விதமாக, மதச்சார்பற்ற மற்றும் ஆன்மீக அதிகாரிகள் ஃபார்சர்களை துன்புறுத்தினர், அவர்களை நகரத்திலிருந்து வெளியேற்றி, சிறையில் தள்ளினார்கள். கேலிக்கூத்து அதன் அனைத்து உள்ளடக்கம் மற்றும் யதார்த்தத்தை நோக்கி கலை அமைப்புடன் இயக்கப்படுகிறது. கொள்ளையடிக்கும் படைவீரர்களையும், துறவிகளை விற்பவர்களையும், திமிர் பிடித்த பிரபுக்களையும், கஞ்சத்தனமான வியாபாரிகளையும் கேலி செய்கிறார். கூர்மையாக கவனிக்கப்பட்ட மற்றும் கோடிட்டுக் காட்டப்பட்ட குணநலன்கள் நையாண்டித்தனமாக கூர்மைப்படுத்தப்பட்ட வாழ்க்கைப் பொருளைக் கொண்டுள்ளன. கேலிக்கூத்தர்களுக்கான நடிப்பின் முக்கியக் கொள்கைகள் குணாதிசயங்கள், கேலிச்சித்திரம், மற்றும் சுறுசுறுப்பு, கலைஞர்களின் செயல்பாடு மற்றும் மகிழ்ச்சியை வெளிப்படுத்துதல். முடியாட்சி மற்றும் தேவாலய அதிகாரிகள் பெருகிய முறையில் நகர்ப்புற சுதந்திர சிந்தனை மற்றும் அதன் வடிவங்களில் ஒன்றான ஃபார்சிகல் தியேட்டரை தாக்கினர்.

ஃபார்ஸ் பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது மேலும் வளர்ச்சிதிரையரங்கம் மேற்கு ஐரோப்பா. இத்தாலியில், commedia dell'arte கேலிக்கூத்தலில் இருந்து பிறந்தார்; ஸ்பெயினில் - "ஸ்பானிய நாடகத்தின் தந்தை" லோப் டி ரூடாவின் வேலை; மற்றும் இங்கிலாந்தில் ஜான் ஹெய்வுட் தனது இடையிசைகளை ஒரு கேலிக்கூத்தாக எழுதினார், ஜெர்மனியில், ஹான்ஸ் சாக்ஸ்; பிரான்சில், கேலிக்கூத்து மரபுகள் புத்திசாலித்தனமான மோலியர் மற்றும் சிறந்த ஷேக்ஸ்பியரின் கலையை வளர்த்தன.

பழைய மற்றும் புதிய தியேட்டருக்கு இடையேயான இணைப்பாக மாறியது கேலிக்கூத்து.

புதிய தியேட்டர்

தியேட்டர் (கிரேக்க தியேட்டரிலிருந்து - காட்சிக்கான இடம், காட்சி). தியேட்டரின் பொதுவான கருத்து நாடகக் கலை வகைகளாகப் பிரிக்கப்பட்டுள்ளது: நாடக அரங்கம், ஓபரா, பாலே, பாண்டோமைம் தியேட்டர் போன்றவை. இந்த வார்த்தையின் தோற்றம் பண்டைய கிரேக்க தியேட்டருடன் தொடர்புடையது, இது ஆடிட்டோரியத்தில் இருக்கைகளுக்கு கொடுக்கப்பட்ட பெயர். இருப்பினும், இன்று இந்த வார்த்தையின் பொருள் மிகவும் வேறுபட்டது.

அறிவொளி யுகத்தின் போது, ​​மாற்றம் நவீன கலாச்சாரம். ஒரு புதிய வாழ்க்கை முறை மற்றும் சிந்தனை வடிவம் பெறுகிறது, அதாவது ஒரு புதிய வகை கலாச்சாரத்தின் கலை சுய விழிப்புணர்வும் மாறுகிறது. "அறிவொளி" என்ற பெயர் கலாச்சார மற்றும் ஆன்மீக வாழ்க்கைத் துறையில் இந்த இயக்கத்தின் பொதுவான உணர்வை நன்கு வகைப்படுத்துகிறது, இது மனித மனதின் கோரிக்கைகளின் விளைவாக மத அல்லது அரசியல் அதிகாரங்களை அடிப்படையாகக் கொண்ட பார்வைகளை மாற்றுவதற்கான இலக்கை அமைக்கிறது.

XVIII நூற்றாண்டு உலக கலாச்சாரத்தை கொடுத்தது அற்புதமான கலைஞர்கள்இங்கிலாந்தில் ஷெரிடன், வால்டேர், டிடெரோட், பிரான்சில் பியூமர்சாய்ஸ், ஜெர்மனியில் லெசிங், கோதே, ஷில்லர், இத்தாலியில் கோல்டோனி போன்ற நாடகக் கலைக் கோட்பாட்டாளர்கள். பகுத்தறிவின் ஆதிக்கம் அறிவொளியின் கலை பகுத்தறிவால் பாதிக்கப்பட்டது என்பதற்கு வழிவகுத்தது; வாழ்க்கையின் பகுத்தறிவு பகுப்பாய்விற்கு வரிசைப்படுத்தப்பட்ட வடிவங்கள் தேவைப்பட்டன.

இருப்பினும், மனிதனின் இலட்சியத்தை இணக்கமான ஆளுமையில் கண்ட அறிவொளிகள், கலைக்கு வரும்போது உணர்வின் கோரிக்கைகளை புறக்கணிக்க முடியவில்லை. அறிவொளி நாடகம் உள்ளடக்கம் மற்றும் முறை இரண்டையும் குறிப்பிடத்தக்க வகையில் வெளிப்படுத்தியது ஒரு புதிய தோற்றம்சகாப்தத்திற்கு போதுமானதாக இருந்த உலகத்திற்கு.

இங்கிலாந்தில் அறிவொளி யுகத்தில் உள்ள தியேட்டர்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் தியேட்டர் பார்வையாளர்கள் மிகவும் ஜனநாயகவாதிகளாக மாறினர். நகர மக்களுக்காக ஸ்டால்களில் எளிய பெஞ்சுகள் நிறுவப்பட்டன. வேலையாட்கள், மாணவர்கள் மற்றும் சிறிய கைவினைஞர்களால் ரேக்குகள் நிரம்பியிருந்தன. நிகழ்ச்சிகளின் போது, ​​​​பார்வையாளர்கள் மிகவும் சுறுசுறுப்பாக நடந்து கொண்டனர், மேடையில் காட்டப்பட்டதற்கு அனிமேட்டாக பதிலளித்தனர்.

எனவே, இங்கிலாந்தில், அறிவொளி நாடகம் வளர்ந்து வரும் முதலாளித்துவ அமைப்பின் தீமைகளை விமர்சித்தது. தியேட்டரின் புதிய கருத்தியல் கோட்பாடு வெளிப்படுகிறது: பார்வையாளரின் சமூக மற்றும் தார்மீக கல்வி. இந்த கோட்பாடு இங்கிலாந்தின் பியூரிட்டன் மரபுகளுக்கு முற்றிலும் பொருந்துகிறது - பின்னர் பியூரிடன்கள் நாடகக் கலை தொடர்பாக தங்கள் நிலைப்பாட்டை மென்மையாக்கினர், மேலும் இனி தியேட்டருக்கு எதிராக போராடவில்லை, ஆனால் அதன் சீர்திருத்தத்திற்காக: ஒழுக்கக்கேட்டை ஒழிப்பது மற்றும் தியேட்டரை மாற்றுவது. சமூக பயனுள்ள நிறுவனம்.

தியேட்டர் சீர்திருத்தத்தின் நிரல் ஆவணம் பிரபுத்துவ நாடகத்திற்கு எதிரான பியூரிட்டன் இறையியலாளர் ஜெர்மி கோலியரின் கட்டுரையாகும், இது ஆங்கில மேடையின் ஒழுக்கக்கேடு மற்றும் இம்பீட்டியின் சுருக்கமான ஆய்வு (1698). கிட்டத்தட்ட 18 ஆம் நூற்றாண்டு முழுவதும் ஆங்கில நாடகத்தின் அழுத்தமான ஒழுக்கம் மற்றும் உபதேசத்தை இந்த கட்டுரை தீர்மானித்தது. ஜோசப் அடிசன் (கேட்டோ, தி டிரம்மர்), ரிச்சர்ட் ஸ்டீல் (பொய்யான காதலன், அல்லது பெண்களின் நட்பு; கவலையற்ற கணவன்), சாமுவேல் ஜான்சன் (ஐரீன்), கோலி சிப்பர் (தி கேர்ஃப்ரீ ஹஸ்பண்ட்; தி வைஃப்ஸ் லாஸ்ட் பிட்; தி எரிச்சலடைந்த கணவர்) இந்த திசையில் வளர்ந்தார். ).

1731 ஆம் ஆண்டில், அவரது நாடகமான தி லண்டன் மெர்ச்சண்ட் அல்லது ஜார்ஜ் பார்ன்வெல் வரலாற்றின் முன்னுரையில், நாடக ஆசிரியர் ஜார்ஜ் லில்லோ ஒரு புதிய அழகியல் திட்டத்தின் ஒரு அறிக்கையை வெளியிட்டார் - இது முதலாளித்துவ நாடகத்தின் யதார்த்தமான கோட்பாடு. சோகத்தின் வர்க்கக் கட்டுப்பாடுகளை அவர் எதிர்க்கிறார், இது உயர்மட்ட நபர்களை மட்டுமே ஹீரோக்களாக வெளிப்படுத்தியது. பிரபுத்துவத்தின் மீதான தனது விரோதத்தை மறைக்காமல், சோகம் முதலாளித்துவத்தின் தார்மீகக் கருத்துகளின் நடத்துனராக மாற வேண்டும் என்று அவர் கோருகிறார். பத்து ஆண்டுகளுக்கு முன்பு, 1721 ஆம் ஆண்டில், இங்கிலாந்தில் "பேட்டல் மேட்னஸ்" என்ற அநாமதேய நாடகம் தோன்றியது, இது முதலாளித்துவ நாடகத்தின் விருப்பமான கருப்பொருள்களில் ஒன்றில் எழுதப்பட்டது - சூதாட்ட ஆர்வத்தின் பேரழிவு விளைவுகளைப் பற்றி. பின்னர் நாடகம் கிட்டத்தட்ட கவனிக்கப்படாமல் போனது - ஒரு புதிய வகைக்கான நேரம் இன்னும் வரவில்லை. ஆனால் இப்போது முதலாளித்துவ பிரச்சினைகள் பார்வையாளர்களிடையே பெரும் தேவையாக மாறியுள்ளன.

நாடகத்தில் நையாண்டிப் போக்குகள் ஹென்றி ஃபீல்டிங்கால் வெற்றிகரமாக உருவாக்கப்பட்டன ("இங்கிலாந்தில் டான் குயிக்சோட்"; "கிராப்ஸ்ட்ரீட்ஸ் ஓபரா, அல்லது மனைவியின் ஷூவின் கீழ்"; "1736க்கான வரலாற்று நாட்காட்டி"). நையாண்டி கண்டனத்தின் தீவிரம் 1737 இல் நாடக தணிக்கை குறித்த அரசாங்க சட்டத்தை வெளியிட வழிவகுத்தது, இது அரசியல் நையாண்டிக்கு முற்றுப்புள்ளி வைத்தது. நாடக ஆசிரியர்கள் மற்றும் கல்வியாளர்களின் கவனமானது நடத்தையின் நகைச்சுவையில் கவனம் செலுத்தியது, இது குறைந்தபட்சம் சமூக நையாண்டிக்கான வாய்ப்பை வழங்கியது. இந்த காலகட்டத்தின் நகைச்சுவையின் மிகவும் சுவாரஸ்யமான படைப்புகள் ஆலிவர் கோல்ட்ஸ்மித் (நல்லது; பிழைகளின் இரவு) மற்றும் ரிச்சர்ட் ஷெரிடன் (போட்டியாளர்கள்; ஊழல்களுக்கான பள்ளி) ஆகியோரின் பேனாவுக்கு சொந்தமானது.

ஆங்கில கலைக் கலையின் சிறந்த பிரதிநிதி பிரபலமான டேவிட் கேரிக் (1717-1779), ஒரு மனிதநேயவாதி மற்றும் மேடையில் கல்வியாளர். ஹேம்லெட், லியர் மற்றும் பிற பாத்திரங்களில் ஷேக்ஸ்பியரின் நாடகவியலை வெற்றிகரமாக மேம்படுத்தினார்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் இங்கிலாந்தில் ஒரு புதிய வகையின் தோற்றத்தால் குறிக்கப்பட்டது - "கொடுங்கனவுகள் மற்றும் பயங்கரங்களின்" சோகம், இது புதியவற்றின் முன்னோடியாக இருந்தது. அழகியல் திசை- காதல்வாதம். இந்த வகையை உருவாக்கியவர் ஹோரேஸ் வால்போல். அவர் "தி மிஸ்டரியஸ் அம்மா" (1768) என்ற ஒரே ஒரு நாடகத்தை மட்டுமே எழுதினார் என்றாலும், திருமணத்திற்கு முந்தைய காதல் மற்றும் காதல் நாடகங்களில் எழுத்தாளர் பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தினார்.

பிரெஞ்சு தியேட்டர் XVIII நூற்றாண்டு.

அறிவொளியின் போது சமூகத்தின் ஜனநாயகமயமாக்கல் செயல்முறை ஒரு புதிய வியத்தகு வகையை உயிர்ப்பித்தது - முதலாளித்துவ நாடகம், பிரான்சில் டி. டிடெரோட், எம்.ஜே. செடன், எல்.எஸ். மெர்சியர் ஆகியோர் உருவாக்கியவர்கள்.

முதலாளித்துவ நாடகம் மற்றும் "கண்ணீர் நகைச்சுவை" ஆகியவற்றின் குறைபாடுகள் P. O. Beaumarchais இன் நகைச்சுவைகளில் சமாளிக்கப்பட்டன. செவில்லே பார்பர்"(1775) மற்றும் "தி மேரேஜ் ஆஃப் ஃபிகாரோ" (1784), இதில் புதிய வலிமைமோலியரின் மரபுகள் உயிர்பெற்றன மற்றும் கல்வி அழகியலின் சிறந்த அம்சங்கள் பொதிந்தன.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியில் பிரெஞ்சு முதலாளித்துவ புரட்சியின் போது கல்வி நாடகத்தின் வீரம் மற்றும் குடிமை அபிலாஷைகள் மிகப்பெரிய சக்தியுடன் வெளிப்படுத்தப்பட்டன. நிலப்பிரபுத்துவ-எதிர்ப்பு பாத்தோஸ் (சார்லஸ் IX, 1789, ஹென்றி VIII, 1791, ஜீன் கலாஸ், 1791, கயஸ் கிராச்சஸ், 1792) ஆகியவற்றால் தூண்டப்பட்ட எம்.ஜே. செனியரின் துயரங்கள் புரட்சிகர கிளாசிக்ஸின் நாடகவியலுக்கு எடுத்துக்காட்டுகள்.

பிரான்சில், அறிவொளி தத்துவஞானி வால்டேர், சமூகப் பிரச்சினைகளை அழுத்துவதற்கும் சர்வாதிகாரத்தைக் கண்டனம் செய்வதற்கும் தனது நாடகத்தை மாற்றி, சோகத்தின் வகையைத் தொடர்ந்து உருவாக்கினார்.

அதே நேரத்தில், பிரெஞ்சு மேடையில் நகைச்சுவை-நையாண்டி பாரம்பரியம் பராமரிக்கப்பட்டது. எனவே, லெசேஜ் (1668-1747) நகைச்சுவை "டர்கேர்" இல், சிதைந்து வரும் பிரபுக்களை மட்டுமல்ல, கந்து வட்டி முதலாளித்துவத்தையும் விமர்சித்தார். வெகுஜன பிரபலமான நாடகத்திற்காக நகைச்சுவைகளை உருவாக்க முயன்றார்.

மற்றொரு கல்வியாளரும் நாடக ஆசிரியருமான டெனிஸ் டிடெரோட் (1713-1784) மேடையில் உண்மையையும் இயற்கையையும் பாதுகாத்தார். பல நாடகங்களுக்கு கூடுதலாக ("கெட்ட மகன்", "குடும்பத்தின் தந்தை", முதலியன), டிடெரோட் "நடிகரின் முரண்பாடு" என்ற கட்டுரையை எழுதினார், அங்கு அவர் நடிப்பு கோட்பாட்டை உருவாக்கினார்.

வால்டேரின் கல்வி அவலங்களின் தயாரிப்புகளில், ஒரு புதிய வகை நடிகர்கள் தோன்றினர், வீரம் மற்றும் குற்றஞ்சாட்டுதல் கருப்பொருள்களின் குடிமைப் பரிதாபத்தை வெளிப்படுத்தும் திறன் கொண்டது.

பிரான்சில் அறிவொளியின் போது நாடக வளர்ச்சியில் சிகப்பு மற்றும் பவுல்வர்டு திரையரங்குகள் ஒரு பெரிய இடத்தைப் பிடித்தன. சிகப்பு நாடகத்தின் வகையானது பாண்டோமைம்கள், கேலிக்கூத்துகள், அறநெறி நாடகங்கள் மற்றும் ஃபாஸ்ட்ஸ்பீல்ஸ் ஆகும், அவற்றின் நிகழ்ச்சிகள் மேம்படுத்தும் கலையை அடிப்படையாகக் கொண்டவை. இவை பெரும்பாலும் நையாண்டித்தனமான நிகழ்ச்சிகளாக இருந்தன, கோரமான மற்றும் பஃபூனரியின் கூறுகளுடன், கச்சா நகைச்சுவை நிறைந்தவை. கயிறு நடனக் கலைஞர்கள், வித்தைக்காரர்கள் மற்றும் பயிற்சி பெற்ற விலங்குகள் - சர்க்கஸ் நடிகர்களின் முன்மாதிரிகள் - கூட கண்காட்சிகளில் நிகழ்த்தப்பட்டன. அவர்கள் பகடி மற்றும் நையாண்டிகளை விரிவாகப் பயன்படுத்தினர். இந்தக் கலையின் ஜனநாயகத் தன்மை, சலுகை பெற்ற திரையரங்குகளில் இருந்து அதன் மீது தாக்குதல்களை ஏற்படுத்தியது.

ஜெர்மன் தியேட்டரின் உருவாக்கம்.

ஜேர்மன் தேசிய நாடகத்தின் உண்மையான படைப்பாளி மிகவும் பிரபலமான ஜெர்மன் அறிவொளி எழுத்தாளர் காட்ஹோல்ட்-எஃப்ரைம் லெசிங் (1729 -1781) ஆவார். அவர் முதல் ஜெர்மன் தேசிய நகைச்சுவை "மின்னா வான் பார்ன்ஹோம்", நிலப்பிரபுத்துவ எதிர்ப்பு சோகம் "எமிலியா கலோட்டி" மற்றும் பல நாடக படைப்புகளை உருவாக்கினார். “நேதன் தி வைஸ்” என்ற கல்விச் சோகத்தில் ஆசிரியர் மத வெறிக்கு எதிராகப் பேசினார்.

"ஹாம்பர்க் நாடகம்" என்ற புகழ்பெற்ற புத்தகத்தில், லெசிங் அழகியல் மற்றும் நாடகக் கோட்பாடு பற்றிய தனது கருத்துக்களை கோடிட்டுக் காட்டினார். G. E. Lessing சமூக நாடகம், தேசிய நகைச்சுவை மற்றும் கல்வி சோகம், நாடகக் கோட்பாட்டாளர் மற்றும் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் ஜெர்மன் நாடகத்தில் யதார்த்த இயக்கத்தை உருவாக்கியவர்.

அறிவொளி கருத்துக்கள் ஜெர்மன் நடிப்பில் பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது, அதை யதார்த்தத்திற்கு நெருக்கமாக கொண்டு வந்தது. இந்த ஆண்டுகளில் ஜேர்மனியில் மிக முக்கியமான நடிகர் ஃபிரெட்ரிக் லுட்விக் ஷ்ரோடர் (1744-1816), "ஸ்டர்ம் அண்ட் ட்ராங்" கருத்துகளுடன் தொடர்புடையவர். 70 களில் XVIII நூற்றாண்டு "புயல் மற்றும் டிராங்" என்ற புதிய இயக்கம் ஜெர்மன் கலையில் எழுந்தது.

நிலப்பிரபுத்துவம் மற்றும் முழுமைவாதத்திற்கு எதிராகப் போராடிய முதலாளித்துவத்தின் மிகவும் முன்னேறிய, புரட்சிகர எண்ணம் கொண்ட வட்டங்களின் இயக்கத்தை இது பிரதிபலித்தது. மிகப்பெரிய ஜெர்மன் கவிஞர்கள் மற்றும் நாடக ஆசிரியர்களான கோதே மற்றும் ஷில்லர் இந்த இயக்கத்தில் பங்கேற்றனர். 1777 ஆம் ஆண்டில், மன்ஹெய்ம் நேஷனல் தியேட்டர் திறக்கப்பட்டது, இது 80-90 களின் மிகப்பெரிய ஜெர்மன் திரையரங்குகளில் ஒன்றாக மாறியது. 18 ஆம் நூற்றாண்டில், நடிகர், இயக்குனர் மற்றும் நாடக ஆசிரியர் ஏ.வி. இஃப்லாண்டின் செயல்பாடு அங்கு வெளிப்பட்டது. அவர் மன்ஹெய்ம் மேடையில் முதலாளித்துவ-பிலிஸ்டைன் நாடகவியலைப் பொருத்தினார் (அவரது சொந்த நாடகங்கள், அதே போல் ஏ. கோட்செபுவின் நாடகங்கள்), இது தியேட்டரின் படைப்பு முகத்தை தீர்மானித்தது.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில். ஜேர்மன் நாடகத்தின் வளர்ச்சியானது சிறந்த ஜெர்மன் நாடக ஆசிரியர்களான ஜே. டபிள்யூ. கோதே மற்றும் எஃப். ஷில்லர் ஆகியோரின் வீமர் தியேட்டரின் செயல்பாடுகளுடன் தொடர்புடையது. ஜெர்மனியில் முதன்முறையாக இங்கு அரங்கேறியது முக்கிய படைப்புகள்உலக கிளாசிக்கல் நாடகவியல் (கோதே, ஷில்லர், லெசிங், வால்டேர் மற்றும் பலர்), இயக்கும் கலையின் அடித்தளங்கள் அமைக்கப்பட்டன, ஒரு கலைக் கருத்துக்கு அடிபணிந்த ஒரு நடிப்பு குழுமத்தின் கொள்கை செயல்படுத்தப்பட்டது.

அவரது உள்ள கோதே தத்துவார்த்த திட்டம்மற்றும் கலை நடைமுறையில், அவர் பண்டைய கலையின் கடுமையான தரநிலைகளை பூர்த்தி செய்யும் ஒரு நினைவுச்சின்ன தியேட்டரை உருவாக்கும் கொள்கைகளை உறுதிப்படுத்தினார். நடிப்பின் "வீமர் பள்ளி" மன்ஹெய்ம் பள்ளிக்கு நேர்மாறானது மற்றும் கிளாசிக் பள்ளிக்கு நெருக்கமாக இருந்தது.

இத்தாலிய தியேட்டர்.

அதன் பொருளாதார மற்றும் அரசியல் பின்தங்கிய நிலை இருந்தபோதிலும், இத்தாலி அதன் நாடக வாழ்க்கையின் செழுமை மற்றும் பன்முகத்தன்மையால் வேறுபடுத்தப்பட்டது. 18 ஆம் நூற்றாண்டில் இத்தாலியில் உலகின் சிறந்த இசை அரங்கம் இருந்தது, இதில் இரண்டு வகைகள் வேறுபடுகின்றன - தீவிர ஓபரா மற்றும் நகைச்சுவை நாடகம்(ஓபரா பஃபே). ஒரு பொம்மை தியேட்டர் இருந்தது, மேலும் எல்லா இடங்களிலும் காமெடியா டெல் ஆர்டே நிகழ்ச்சிகள் நடத்தப்பட்டன.

இருப்பினும், நாடக அரங்கின் சீர்திருத்தம் நீண்ட காலமாக உருவாகி வருகிறது. அறிவொளி யுகத்தில், மேம்படுத்தப்பட்ட நகைச்சுவைகள் காலத்தின் தேவைகளைப் பூர்த்தி செய்யவில்லை. ஒரு புதிய, தீவிரமான, இலக்கிய அரங்கம் தேவைப்பட்டது. காமெடி ஆஃப் முகமூடிகள் அதன் முந்தைய வடிவத்தில் இருக்க முடியாது, ஆனால் அதன் சாதனைகள் பாதுகாக்கப்பட வேண்டும் மற்றும் புதிய தியேட்டருக்கு கவனமாக மாற்றப்பட வேண்டும்.

அறிவொளியின் கருத்துக்கள் இத்தாலிய தியேட்டருக்குள் ஊடுருவியது, நாடக மேடையில் சம்பிரதாயம் மற்றும் யோசனைகளின் பற்றாக்குறைக்கு எதிரான நீண்ட போராட்டத்துடன் இருந்தது. இத்தாலியில் ஒரு கண்டுபிடிப்பாளர் குறிப்பிடத்தக்க நாடக ஆசிரியர் கார்லோ கோல்டோனி (1707 -1793). அவர் படைத்தார் புதிய நகைச்சுவைபாத்திரங்கள். மேம்பாட்டிற்கு பதிலாக, செயல்திறன் ஒரு இலக்கிய உரையை அடிப்படையாகக் கொண்டது.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதி இத்தாலிய வரலாற்றில் நாடகப் போர்களின் காலமாக மாறியது. அபோட் சியாரி, ஒரு சாதாரணமான மற்றும் அதனால் பாதிப்பில்லாத நாடக ஆசிரியர், அவரை எதிர்த்தார், ஆனால் அவரது முக்கிய எதிரி, திறமையின் அடிப்படையில் அவருக்கு சமமானவர், கார்லோ கோஸ்ஸி ஆவார். கோஸி முகமூடிகளின் தியேட்டரை பாதுகாத்தார், மேம்படுத்தப்பட்ட நகைச்சுவை பாரம்பரியத்தை புதுப்பிக்கும் பணியை அமைத்தார். ஒரு கட்டத்தில் அவர் வெற்றி பெற்றதாகத் தோன்றியது. கோல்டோனி தனது நகைச்சுவைகளில் மேம்பாட்டிற்கு இடமளித்தாலும், கோஸியே இறுதியில் அவரது அனைத்து நாடகப் படைப்புகளையும் எழுதினார், அவர்களின் சர்ச்சை கொடூரமானது மற்றும் சமரசமற்றது. இரண்டு பெரிய வெனிசியர்களுக்கு இடையிலான மோதலின் முக்கிய நரம்பு அவர்களின் பொருத்தமின்மை என்பதால் பொது நிலைகள், உலகம் மற்றும் மனிதன் பற்றிய வெவ்வேறு பார்வைகளில்.

கார்லோ கோஸி (1720-1806) ஒரு திறமையான நாடக ஆசிரியர். கோல்டோனியின் நகைச்சுவைகளுடன் அவரது திறமைகளை வேறுபடுத்தும் முயற்சியில், கோஸி நாடக விசித்திரக் கதைகளின் வகையை உருவாக்கினார். இவை அவரது நாடகங்கள் “தி லவ் ஃபார் த்ரீ ஆரஞ்சு”, “தி மான் கிங்”, பிரபலமான “இளவரசி டுராண்டோட்”, “தி ஸ்னேக் வுமன்” மற்றும் பிற. அவர்களின் செழுமையான நகைச்சுவை மற்றும் நகைச்சுவைக்கு நன்றி, மேடைக்கான கோஸியின் திறமையான விசித்திரக் கதைகள் இன்றும் பிரபலமாக உள்ளன.

சோகங்களை எழுதியவர் விட்டோரியோ அல்ஃபியரி. இத்தாலிய திறமை சோகத்தின் பிறப்பு அவரது பெயருடன் தொடர்புடையது. அவர் ஒரு சிவில் சோகத்தை கிட்டத்தட்ட ஒரு கையால் உருவாக்கினார். தனது தாயகத்தை விடுவிக்க வேண்டும் என்று கனவு கண்ட ஒரு உணர்ச்சிமிக்க தேசபக்தர், அல்ஃபீரி கொடுங்கோன்மையை எதிர்த்தார். அவரது அனைத்து சோகங்களும் சுதந்திரத்திற்கான போராட்டத்தின் வீர துக்கத்துடன் நிறைந்துள்ளன.

மக்கள் பிரபுத்துவத்தின் கைகளில் இருந்து சுதந்திரம் பெற வேண்டும் என்று Alfieri வாதிட்டார்; அவர் மனித நபரின் சுதந்திரத்தை வலியுறுத்தினார், அதன் விருப்பம் பகுத்தறிவு மற்றும் கடமை உணர்வுக்கு மட்டுமே உட்பட்டது. "இளவரசர் மற்றும் இலக்கியம்" (1778-86) என்ற தனது கட்டுரையில், அல்ஃபீரி வியத்தகு கவிதையின் பணியை நல்லொழுக்கம் மற்றும் சுதந்திரத்தின் அன்பின் உணர்வுகளை எழுப்புவதாக வரையறுத்தார். அல்ஃபைரியின் சோகங்கள் சவுல், பிலிப், வர்ஜீனியா, புருடஸ் I மற்றும் ப்ரூடஸ் II இத்தாலிய நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு பங்களித்தன.

அறிவொளியின் டேனிஷ் தியேட்டர்.

டென்மார்க்கில் தொழில்முறை நாடகம் 18 ஆம் நூற்றாண்டில் எழுந்தது, அதன் உருவாக்கம் நாட்டின் பொருளாதார மற்றும் கலாச்சார வளர்ச்சியால் ஏற்பட்டது. செப்டம்பர் 23, 1722 இல், டேனிஷ் ஸ்டேஜ் தியேட்டர் கோபன்ஹேகனில் "தி மிசர்" நாடகத்துடன் திறக்கப்பட்டது, விரைவில் எல். ஹோல்பெர்க்கின் முதல் நகைச்சுவையான "தி டின் மேன்-பாலிட்டிசியன்" முதல் காட்சி நடந்தது.

1728 ஆம் ஆண்டில், நீதிமன்ற வட்டங்களின் பிரதிநிதிகள் டேனிஷ் மேடையை மூடுவதை அடைந்தனர். தியேட்டர் 1748 இல் மட்டுமே வேலை செய்யத் தொடங்கியது (ராயல் சதுக்கத்தில் உள்ள வளாகத்தில்). 1770 ஆம் ஆண்டில் இது ராயல் என்ற பெயரைப் பெற்றது மற்றும் நீதிமன்ற அமைச்சகத்தின் அதிகார வரம்பிற்கு உட்பட்டது. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில். தியேட்டர் சிங்ஸ்பீல்ஸ், ஜே. எவால்டின் நகைச்சுவைகள், வால்டேர் மற்றும் அவரது டேனிஷ் எபிகோன்களின் சோகங்கள் ஆகியவற்றை அரங்கேற்றியது, ஆனால் தியேட்டரின் திறமையின் அடிப்படையானது ஹோல்பெர்க்கின் நாடகவியலாகத் தொடர்ந்தது.

டென்மார்க்கில் அறிவொளியின் கருத்துக்களை ஊக்குவிப்பதில் முக்கிய பங்கு வகித்தது, ஹோல்பெர்க்கின் மரபுகளைத் தொடர்ந்த "லவ் வித் ஸ்டாக்கிங்ஸ்" (1772) என்ற பகடி சோகத்தின் ஆசிரியரான ஐ.எச்.வெஸலின் படைப்புகளால் ஆற்றப்பட்டது.

அறிவொளி நாடகம் உலக கலாச்சார வரலாற்றில் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க மற்றும் குறிப்பிடத்தக்க நிகழ்வுகளில் ஒன்றாகும்; இது ஐரோப்பிய நாடகக் கலையின் சக்திவாய்ந்த ஆதாரமாகும் - எல்லா நேரங்களிலும். புதிய திரையரங்கு இளம் ஆற்றலை செயலில் செலுத்த வேண்டியதன் அவசியத்தில் பிறந்தது. இந்த செயல், இந்த வேடிக்கையான கடல், எந்த கலைத் துறையில் விளைந்திருக்க வேண்டும் என்ற கேள்வியை நீங்களே கேட்டுக்கொண்டால், பதில் தெளிவாக இருக்கும்: நிச்சயமாக, நாடகத் துறையில்.

18 ஆம் நூற்றாண்டில் ஐரோப்பிய நாடகம் நீண்ட மற்றும் சிக்கலான வாழ்க்கையை வாழ்ந்தது. முழுமையானதாகக் கருதப்படும் அழகியல் நெறிமுறைகள் இந்த நேரத்தில் அவற்றின் முந்தைய அர்த்தத்தை இழந்தன. ஒரு நூற்றாண்டு காலப்பகுதியில், கருத்துக்கள் மற்றும் சுவைகள் நிலையான மோதலில் இருந்தன, மேலும் ஆடிட்டோரியங்கள் ஒன்றுக்கு மேற்பட்ட முறை பொது மோதல்களின் அரங்கமாக மாறியது. ஆசிரியர்கள் அரசியல் எதிர்ப்பாளர்களாக இருந்தனர், அவர்கள் தங்கள் கலையில் கடுமையான போராட்டமும் இருக்கக்கூடும் என்பதை முதன்முறையாக அறிந்தனர்.

ஓவியம் மற்றும் சிற்பம், இலக்கியம் மற்றும் இசைப் படைப்புகள் போன்ற பொருள் நினைவுச்சின்னங்களில் ஒரு கலை வடிவமாக தியேட்டர் பாதுகாக்கப்படவில்லை. ஆனால் தியேட்டரின் வரலாறு கடந்த காலத்தின் சிறந்த நடிகர்கள், அவர்கள் எப்படி நடித்தார்கள், அவர்களின் சமகாலத்தவர்களின் அபிலாஷைகளை அவர்கள் நடிப்பில் பொதிந்தார்கள், காலத்தின் கோரிக்கைகள் என்ன என்பதைப் பற்றி சொல்கிறது.

நாடக வாழ்க்கை ரஷ்யா XIXநூற்றாண்டு.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், ரஷ்ய ஏகாதிபத்திய திரையரங்குகளின் நெட்வொர்க் உருவாக்கப்பட்டது, அவை நிர்வகிக்கப்பட்டன
"அவரது இம்பீரியல் மாட்சிமை நீதிமன்றத்தின் அமைச்சகம்." செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் மூன்று திரையரங்குகள் - அலெக்ஸாண்ட்ரியா, மரின்ஸ்கி மற்றும் மிகைலோவ்ஸ்கி - மற்றும் மாஸ்கோவில் இரண்டு - போல்ஷோய் மற்றும் மாலி திரையரங்குகள் நீதிமன்றத்திற்கு அடிபணிந்தன.

நாடகங்களின் வருகையுடன் ஏ.என். ஆஸ்ட்ரோவ்ஸ்கி, ஐ.எஸ். துர்கனேவ், உரைநடை எஃப்.எம். தஸ்தாயெவ்ஸ்கி, நெக்ராசோவின் கவிதை, யதார்த்தவாதம் ரஷ்ய கலாச்சாரத்திற்கு வந்தது.

மேடையில் உண்மை என்ன என்பது பற்றிய பழைய யோசனைகளை உடைத்து, நாடகத்துடன் நடிப்பு கலையும் மாறியது. நவம்பர் 16, 1859 அன்று மாலி தியேட்டரில் ஆஸ்ட்ரோவ்ஸ்கியின் நாடகமான “தி இடியுடன் கூடிய மழை” முதல் காட்சி நடைபெற்றது. நிகழ்ச்சியைச் சுற்றி ஒரு புயல் வெடித்தது. கேடரினா பாத்திரத்தின் முதல் நடிகர் அற்புதமான நடிகை எல்.பி. நிகுலினா - கோசிட்ஸ்காயா. ஆஸ்ட்ரோவ்ஸ்கியின் நாடகங்களுடன், ரஷ்ய வாழ்க்கையின் கூறுகள், ஒரு புதிய, பணக்கார மற்றும் நவீன மொழி, மேடையில் வெடித்தது. மாலியின் நடிகர்கள் அடுத்தடுத்த தசாப்தங்களில் ஆஸ்ட்ரோவ்ஸ்கியின் நாடகங்களில் பிரகாசித்தார்கள். ஜி.என். ஃபெடோடோவா, எம்.என். எர்மோலோவா மாலி தியேட்டரின் அற்புதமான நடிகை.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் ரஷ்ய கலைஞர்கள் எம்.எஸ். ஷ்செப்கின், பி.எஸ். மொச்சலோவ், வி.ஏ. கராட்டிகின் சந்ததியினரின் நினைவாக புராணத்தின் உருவங்களாக இருந்தார். ஷேக்ஸ்பியர், மோலியர், கோகோல், ஆஸ்ட்ரோவ்ஸ்கி மற்றும் துர்கனேவ் ஆகியோரின் நாடகங்களில் ஷ்செப்கின் கிட்டத்தட்ட 600 வேடங்களில் நடித்தார். ரஷ்ய நாடக அரங்கில் யதார்த்தத்தை முதன்முதலில் உறுதிப்படுத்தியவர்களில் இவரும் ஒருவர்; ரஷ்ய மேடையில் உண்மையை உருவாக்கினார்.

மொச்சலோவ் ஷ்செப்கினுக்கு நேர் எதிரானவர். அவர் ரஷ்ய மற்றும் மேற்கத்திய நாடகங்களின் நாடகங்களில் முன்னணி பாத்திரங்களில் நடித்தார் - ஷேக்ஸ்பியரின் ஹேம்லெட், ஷில்லரின் நாடகமான தி ராபர்ஸ், சாட்ஸ்கி இன் வோ ஃப்ரம் விட் ஆகியவற்றில் கார்ல் மூர்.

நாடகங்களின் தயாரிப்புகளில், ரஷ்ய நடிகர்கள் நாடகக் கலையின் வரலாற்றில் இறங்கிய படங்களை உருவாக்கினர். எகடெரினா செமியோனோவா மற்றும் அலெக்ஸி யாகோவ்லேவ் ஆகியோரை பொதுமக்கள் பாராட்டினர். இந்த நடிகர்கள் தாங்கள் பிரதிநிதித்துவப்படுத்தும் நபராக முற்றிலும் மாறினார்கள். படிப்படியாக, மாலி தியேட்டர் நாடக தயாரிப்புகளிலும், போல்ஷோய் ஓபரா மற்றும் பாலே ஆகியவற்றிலும் நிபுணத்துவம் பெறத் தொடங்கியது.

போல்ஷோய் பெட்ரோவ்ஸ்கி தியேட்டர் 1825-1853

ஜனவரி 6, 1825 அன்று போல்ஷோய் பெட்ரோவ்ஸ்கி தியேட்டரின் திறப்பு மிகவும் புனிதமானது. அன்று மாலை புதிய திரையரங்கிற்கு வருகை தந்த பார்வையாளர்கள் கட்டிடக்கலை வடிவமைப்பு மற்றும் அதன் செயல்பாட்டின் உன்னதத்தன்மை, கட்டிடத்தின் முன்னோடியில்லாத அளவு மற்றும் அதன் ஆடிட்டோரியத்தின் அலங்காரத்தின் அழகு ஆகியவற்றால் அதிர்ச்சியடைந்தனர்.

எழுத்தாளர் செர்ஜி அக்சகோவ் நினைவு கூர்ந்தார்: “பழைய, கருகிய இடிபாடுகளில் இருந்து தோன்றிய போல்ஷோய் பெட்ரோவ்ஸ்கி தியேட்டர்... என்னை வியப்பில் ஆழ்த்தியது, மகிழ்வித்தது... எனக்குப் பிடித்த கலைக்கென பிரத்யேகமாக அர்ப்பணிக்கப்பட்ட பிரமாண்டமான பிரமாண்டமான கட்டிடம், அதன் தோற்றத்தால் என்னை மகிழ்ச்சியில் ஆழ்த்தியது. ..”

நிகழ்ச்சி தொடங்குவதற்கு முன், பார்வையாளர்கள் தியேட்டர் பில்டர் ஒசிப் போவை மேடைக்கு அழைத்து கைதட்டல் கொடுத்தனர்.

மார்ச் 11, 1853 அன்று மேகமூட்டமான, உறைபனியான காலையில், தெரியாத காரணத்திற்காக, தியேட்டரில் தீ தொடங்கியது. நெருப்பு உடனடியாக முழு கட்டிடத்தையும் சூழ்ந்தது, ஆனால் மேடையிலும் அரங்கத்திலும் தீ மிகப்பெரிய சக்தியுடன் எரிந்தது. “தீயில் மூழ்கியிருக்கும் இந்த ராட்சசனைப் பார்ப்பது பயமாக இருந்தது,” என்று ஒரு சாட்சி நெருப்பை விவரித்தார், “அது எரியும் போது, ​​​​எங்களுக்கு மிகவும் பிடித்தமான, மிக அழகான எண்ணங்களையும் உணர்வுகளையும் நமக்கு வழங்கிய ஒரு நபர் இறந்து கொண்டிருப்பது போல் எங்களுக்குத் தோன்றியது. நம் கண் முன்னே..."

இரண்டு நாட்களுக்கு மஸ்கோவியர்கள் தீப்பிழம்புகளை எதிர்த்துப் போராடினர், மூன்றாவது நாள் தியேட்டர் கட்டிடம் ரோமானிய கொலோசியத்தின் இடிபாடுகளை ஒத்திருந்தது. கட்டிடத்தின் எச்சங்கள் ஒரு வாரமாக எரிந்து கொண்டிருந்தன. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் இருந்து சேகரிக்கப்பட்ட நாடக ஆடைகள், நிகழ்ச்சிகளுக்கான சிறந்த இயற்கைக்காட்சிகள், குழுவின் காப்பகங்கள், இசை நூலகத்தின் ஒரு பகுதி, மற்றும் அரிய இசைக்கருவிகள் ஆகியவை தீயில் மீட்க முடியாத வகையில் இழந்தன.

1821 ஆம் ஆண்டில் பேரரசர் அலெக்சாண்டர் I ஆல் வரையப்பட்ட புதிய தியேட்டர் கட்டிடத்தின் வடிவமைப்பு, கட்டிடக் கலைஞர் ஒசிப் போவாவிடம் ஒப்படைக்கப்பட்டது.

ஐரோப்பாவின் மிகப்பெரிய திரையரங்குகளில் ஒன்றான இது எரிந்த தியேட்டர் கட்டிடத்தின் தளத்தில் கட்டப்பட்டது, ஆனால் முகப்பில் டீட்ரல்னயா சதுக்கம் இருந்தது.

போல்ஷோய் தியேட்டர் (1856-1917)

ஆகஸ்ட் 20, 1856 இல், மீட்டெடுக்கப்பட்ட போல்ஷோய் தியேட்டர் முன்னிலையில் திறக்கப்பட்டது. அரச குடும்பம்மற்றும் அனைத்து மாநிலங்களின் பிரதிநிதிகள் V. பெல்லினியின் ஓபரா "தி பியூரிடன்ஸ்" இத்தாலிய குழுவால் நிகழ்த்தப்பட்டது. இந்த காலகட்டத்தின் மாஸ்கோ பாலே அதன் வெற்றிகளுக்கு செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் குடியேறிய பிரெஞ்சுக்காரர் மரியஸ் பெட்டிபாவின் திறமைக்கு கடன்பட்டுள்ளது. மேடை நிகழ்ச்சிகளுக்கு நடன இயக்குனர் மாஸ்கோவிற்கு பல முறை வந்தார். 1869 இல் முதன்முதலில் காட்டப்பட்ட எல்.மின்கஸ் எழுதிய "டான் குயிக்சோட்" அவரது மாஸ்கோ படைப்புகளில் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்கதாகும். பெடிபா இந்த பாலேவின் மாஸ்கோ பதிப்பை செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் மேடைக்கு மாற்றினார்.

P. சாய்கோவ்ஸ்கியின் பணி நிகழ்ச்சி கலாச்சாரத்தின் வளர்ச்சிக்கு பெரும் முக்கியத்துவம் வாய்ந்தது. ஓபரா இசையில் இசையமைப்பாளரின் அறிமுகங்கள் - "தி வோவோடா" (1869) மற்றும் பாலே இசை - " அன்ன பறவை ஏரி"(1877) போல்ஷோய் தியேட்டரின் மேடையில் நடந்தது. இங்கே ஓபரா "யூஜின் ஒன்ஜின்" (1881) அதன் உண்மையான பிறப்பைப் பெற்றது, முதல் முயற்சி பெரிய மேடை 1879 இன் கன்சர்வேட்டரி உற்பத்திக்குப் பிறகு; இசையமைப்பாளரின் ஆபரேடிக் படைப்பாற்றலின் உச்சங்களில் ஒன்றான "மசெப்பா" (1884) ஓபரா முதலில் வெளியிடப்பட்டது; 1887 ஆம் ஆண்டு நிகழ்ச்சியில் "செரெவிச்சி" என்ற புதிய பெயரைப் பெற்ற "பிளாக்ஸ்மித் வகுலா" என்ற ஓபராவின் இறுதி பதிப்பு.

தியேட்டரின் வருடாந்திரங்களில் ஒரு மறக்கமுடியாத செயல்திறன் டிசம்பர் 16, 1888 அன்று I. முசோர்க்ஸ்கியின் நாட்டுப்புற நாடகமான "போரிஸ் கோடுனோவ்" இன் முதல் நிகழ்ச்சியாகும். N. ரிம்ஸ்கி-கோர்சகோவின் ஓபராக்களில் முதலில் போல்ஷோய் தியேட்டர் அரங்கின் ஒளியைக் கண்டது "தி ஸ்னோ மெய்டன்" (1893), பின்னர் "தி நைட் பிஃபோர் கிறிஸ்மஸ்" (1898). அதே 1898 ஆம் ஆண்டில், தியேட்டர் முதலில் பார்வையாளர்களுக்கு A. Borodin இன் ஓபரா "பிரின்ஸ் இகோர்" ஐக் காட்டியது, மேலும் இரண்டு ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, நடனக் கலையின் காதலர்கள் A. Glazunov இன் பாலே "ரேமண்டா" உடன் அறிமுகமானார்கள்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியிலும் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதியிலும் தியேட்டரின் ஓபரா குழுவில் பல சிறந்த பாடகர்கள் உள்ளனர். கடந்த ஆண்டுகளின் புகழ்பெற்ற பெயர்களில் யூலாலியா காட்மினா, அன்டன் பார்ட்சல், பாவெல் கோக்லோவ், நடேஷ்டா சலினா, இவான் கிரிசுனோவ், மார்கரிட்டா குணோவா, வாசிலி பெட்ரோவ், முதலியன. பாடகர்கள் இந்த ஆண்டுகளில் நாடக மேடையில் தோன்றினர், அவர்களின் பெயர்கள் விரைவில் பரவலாக அறியப்பட்டன. ரஷ்யா, ஆனால் வெளிநாட்டில் - லியோனிட் சோபினோவ், ஃபியோடர் சாலியாபின், அன்டோனினா நெஜ்தானோவா.

ஒரு நடத்துனராக தன்னை நிலைநிறுத்திய செர்ஜி ராச்மானினோவின் தியேட்டரில் செயல்பாடு பலனளித்தது ஒரு சிறந்த இசைக்கலைஞர். ராச்மானினோவ் ரஷ்ய ஓபரா கிளாசிக்ஸின் ஒலி தரத்தை தியேட்டரில் மேம்படுத்தினார். மூலம், ராச்மானினோவின் பெயர் நடத்துனரின் கன்சோலை இப்போது இருக்கும் இடத்திற்கு மாற்றுவதுடன் தொடர்புடையது; முன்பு, நடத்துனர் இசைக்குழுவின் பின்னால் நின்று மேடையை எதிர்கொண்டார்.

1899 ஆம் ஆண்டில், போல்ஷோய் தியேட்டரில் தி ஸ்லீப்பிங் பியூட்டி முதன்முறையாக அரங்கேற்றப்பட்டது. இந்த பாலேவின் தயாரிப்பு, இது ரஷ்ய மொழியில் இசை மற்றும் நடனத்தின் பொதுநலத்தை நிறுவியது பாலே தியேட்டர், மாஸ்கோவில் நடன இயக்குனர், லிப்ரெட்டிஸ்ட் மற்றும் ஆசிரியர் அலெக்சாண்டர் கோர்ஸ்கிக்கு ஒரு நீண்ட மற்றும் மகிழ்ச்சியான வேலையின் தொடக்கமாக இருந்தது. திறமையான கலைஞர்களின் ஒரு பெரிய குழு அவருடன் பணிபுரிந்தது - எகடெரினா கெல்ட்சர், வேரா கராலி, சோபியா ஃபெடோரோவா, அலெக்ஸாண்ட்ரா பாலாஷோவா, வாசிலி டிகோமிரோவ், மிகைல் மோர்ட்கின், நடத்துனர் மற்றும் இசையமைப்பாளர் ஆண்ட்ரே அரேண்டே, முதலியன அலங்காரத்திற்காக. புதிய உற்பத்திடான் குயிக்சோட் (1900) என்ற பாலேவுக்கு, கோர்ஸ்கி முதன்முதலில் இளம் கலைஞர்களான கான்ஸ்டான்டின் கொரோவின் மற்றும் அலெக்சாண்டர் கோலோவின் ஆகியோரை அழைத்தார்.

1911 ஆல்பர்ட் காவோஸ் சமர்ப்பித்த திட்டம் தியேட்டர் கட்டிடத்தை மீட்டெடுப்பதற்கான போட்டியில் வென்றது.

Kavos, Beauvais கட்டிடத்தின் அமைப்பையும் அளவையும் பராமரிக்கும் போது, ​​உயரத்தை அதிகரித்து, விகிதாச்சாரத்தை மாற்றி கட்டிடக்கலை அலங்காரத்தை மறுவடிவமைப்பு செய்தார். குறிப்பாக, கட்டிடத்தின் பக்கங்களில் விளக்குகளுடன் கூடிய மெல்லிய வார்ப்பிரும்பு காட்சியகங்கள் கட்டப்பட்டன. சமகாலத்தவர்கள் இந்த பெருங்குடலின் தோற்றத்தைக் குறிப்பிட்டனர், குறிப்பாக மாலை நேரங்களில் அழகாக, தூரத்தில் இருந்து பார்க்கும் போது, ​​மற்றும் எரியும் விளக்குகளின் வரிசை தியேட்டரில் வைர நூல் ஓடுவது போல் தெரிகிறது.

பியூவைஸ் தியேட்டரை அலங்கரித்த அப்பல்லோவின் அலபாஸ்டர் குழு தீயில் நாசமானது. புதிய ஒன்றை உருவாக்க, செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் உள்ள ஃபோன்டாங்கா ஆற்றின் மீது அனிச்கோவ் பாலத்தில் பிரபலமான நான்கு குதிரையேற்றக் குழுக்களின் ஆசிரியரான பிரபல ரஷ்ய சிற்பி பியோட்ர் க்லோட் (1805-1867) ஐ காவோஸ் அழைத்தார்.

க்ளோட் அப்பல்லோவுடன் இப்போது உலகப் புகழ்பெற்ற சிற்பக் குழுவை உருவாக்கினார். இது சிவப்பு செம்பு பூசப்பட்ட உலோக கலவையிலிருந்து லிச்சென்பெர்க் பிரபுவின் தொழிற்சாலைகளில் போடப்பட்டது.

ஆடிட்டோரியத்தை புனரமைக்கும் போது, ​​காவோஸ் மண்டபத்தின் வடிவத்தை மாற்றி, அதை மேடையை நோக்கி சுருக்கி, ஆர்கெஸ்ட்ரா குழியை ஆழப்படுத்தினார். ஸ்டால்களுக்குப் பின்னால், கேலரி இருந்த இடத்தில், அவர் ஒரு ஆம்பிதியேட்டரைக் கட்டினார். ஆடிட்டோரியத்தின் பரிமாணங்கள்: கிட்டத்தட்ட சமமான ஆழம் மற்றும் அகலம் - சுமார் 30 மீட்டர், உயரம் - சுமார் 20 மீட்டர். ஆடிட்டோரியம் 2000க்கும் மேற்பட்ட பார்வையாளர்களுக்கு இடமளிக்கத் தொடங்கியது.

இந்த வடிவத்தில், போல்ஷோய் தியேட்டர் இன்றுவரை பிழைத்து வருகிறது, சிறிய உள் மற்றும் வெளிப்புற புனரமைப்புகளைத் தவிர.

தியேட்டர் மனித உலகின் ஒரு அதிசயம்.