Sydney Opera House. Australia

bahay / Manloloko ng asawa

Ang isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na mga gusali ng ika-20 siglo ay matatagpuan sa Australia. Itinayo noong 1957-1973, ang Sydney Opera House, na napapalibutan ng tubig, ay lubos na kahawig ng isang naglalayag na barko. Si Jorn Utson mula sa Denmark ay naging arkitekto ng maalamat na gusali.

Kasaysayan ng konstruksiyon

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, walang isang gusali na angkop para sa mga pagtatanghal ng opera sa Sydney. Sa pagdating ng bagong punong konduktor sa Sydney Symphony Orchestra Eugene Goosens ang problema ay naipahayag nang malakas.

Ngunit ang paglikha ng isang bagong gusali para sa mga layunin ng opera at orkestra ay hindi naging isang bagay ng unang priyoridad. Sa oras na ito, ang buong mundo ay nasa isang estado ng pagbawi pagkatapos ng digmaan, ang administrasyon ng Sydney ay hindi nagmamadali upang simulan ang trabaho, ang proyekto ay nagyelo.

Ang mga bayarin para sa pagtatayo ng Sydney Opera House ay nagsimula noong 1954. Nagpatuloy sila hanggang 1975, na may kabuuang $100 milyon na itinaas.

Napili ang Cape Bennelong bilang lugar para sa isa sa pinakamalaking istrukturang pangkultura. Ayon sa mga kinakailangan, ang gusali ay kailangang magkaroon ng dalawang bulwagan. Ang una sa kanila, na nilayon para sa mga palabas sa opera at ballet, pati na rin ang symphonic na musika, ay dapat na tumanggap ng halos tatlong libong tao. Sa pangalawa, na may mga dramatikong pagtatanghal at musika ng silid - 1200 katao.

Si Jorn Utson, ayon sa komisyon, ay naging pinakamahusay na arkitekto sa 233 na nagsumite ng kanilang trabaho. Ang inspirasyon para sa paglikha ng proyekto para sa kanya ay ang mga naglalayag na barko na nakatayo sa Sydney Harbor. Kinailangan ng mga tagabuo ng 14 na taon upang makumpleto ang proyekto.

Nagsimula ang konstruksyon noong 1959. Ang mga problema ay agad na nagsimulang lumitaw. Hiniling ng gobyerno na dagdagan ang bilang ng mga bulwagan mula dalawa hanggang apat. Bilang karagdagan, ang mga inaasahang layag ay napatunayang imposibleng ipatupad, kaya tumagal ng ilang taon ng mga eksperimento upang mahanap ang tamang solusyon. Dahil sa simula ng mga paglilitis noong 1966, si Utson ay pinalitan ng isang grupo ng mga arkitekto mula sa Australia, na pinamumunuan ni Peter Hull.

Noong Setyembre 28, 1973, binuksan ng Sydney Opera House ang mga pintuan nito. Ang pangunahin ay ang paggawa ng opera na "Digmaan at Kapayapaan" ni S. Prokofiev. Ang opisyal na seremonya ng pagbubukas ay ginanap noong Oktubre 20 sa presensya ni Elizabeth II.

Ilang numero

Ang natapos na opera ay agad na na-immortalize sa kasaysayan. Isa itong napakalaking complex na naglalaman ng 5 bulwagan at humigit-kumulang 1000 silid para sa iba't ibang layunin. Ang pinakamataas na taas ng Opera House ay 67 metro. Ang kabuuang bigat ng gusali ay tinatayang 161,000 tonelada.

Opera theater hall

1 bulwagan

Ang pinakamalaking bulwagan ng Sydney Opera House ay ang Concert Hall. Ito ay tumatanggap ng 2,679 bisita. Matatagpuan din dito ang Big Concert Organ.

2 bulwagan

Para sa mga palabas sa opera at ballet, ginagamit ang Opera Hall para sa 1547 na manonood. Ang bulwagan ay naglalaman ng pinakamalaking teatro-tapestry sa buong mundo na "Curtain of the Sun".

Hall 3

Ang drama hall ay kayang tumanggap ng 544 na manonood. Dito nagaganap ang mga pagtatanghal ng drama at sayaw. Mayroon ding isa pang tapestry na kurtina, na hinabi din sa Aubusson. Para sa madilim na tono nito, nakuha nito ang pangalang "Curtain of the Moon".

4 bulwagan

Ang Playhouse Hall ay idinisenyo para sa 398 na manonood. Ito ay inilaan para sa theatrical miniatures, lectures, at para din gamitin bilang isang sinehan.

Hall 5

Ang pinakabagong studio hall ay binuksan noong 1999. 364 na mga manonood dito ay makakakita ng mga dula sa diwa ng avant-garde.

Mula noong 1973, ang Sydney Opera House ay ginagamit halos buong orasan nang walang pagkaantala. Bilang karagdagan sa mga mahilig sa kultura at sining, ang gusali ay minamahal ng libu-libong turista na bumibisita sa Sydney. Ang Sydney Opera House ay naging isang tunay na simbolo ng Australia.

Video ng Sydney Opera House

– Sydney Opera House, at kahit na hindi mo pa naririnig, tiyak na madali mong makikilala ang larawan ng hindi pangkaraniwang istrukturang hugis ng layag na ito.

Ang aming kuwento ay magpapakilala sa iyo sa kakaibang gusaling ito nang mas malapit, malalaman mo kung bakit ito naging popular sa mga turista, at maaari kang magpasya kung ito ay karapat-dapat sa iyong pansin o hindi.

Ang kasaysayan ng Sydney Opera House

Ang kasaysayan ng pagtatayo ng isang sikat na landmark sa mundo ay nagsimula sa malayo 1954 taon nang ang British conductor sir J. Goossens Pagdating sa trabaho sa trabaho, natuklasan ko na mayroong hindi lamang isang opera house, kundi pati na rin ang anumang iba pang sapat na maluwang na silid kung saan ang mga tao ay maaaring makinig sa musika.
Nagalit siya sa ideya ng konstruksyon at sa lalong madaling panahon nakahanap ng angkop na lugar - Cape Bennelong Point, kung saan matatagpuan ang depot ng tram sa oras na iyon.
Si J. Goossens ay gumawa ng maraming trabaho, at ngayon, noong Mayo 17, 1955, ang gobyerno ng Australia ay nag-anunsyo ng isang kompetisyon upang bumuo ng isang proyekto para sa isang bagong opera house. Ang mga arkitekto mula sa buong mundo ay nagpadala ng kanilang mga disenyo, ngunit sa huli ay nanalo ang Dane J. Watson.
Nagsimula ang malakihang konstruksyon, na nag-drag sa loob ng 14 na taon at sa halip na orihinal na kinakalkula na 7 milyong dolyar ng Australia, nangangailangan ito ng 102 milyon.
Noong 1973, opisyal na binuksan ang Sydney Opera House, sa lalong madaling panahon ang gusali ay naging pangunahing simbolo ng arkitektura hindi lamang, kundi pati na rin ng Australia sa kabuuan.

Mga nangungunang atraksyon - ano ang makikita sa Sydney Opera House?

Walang alinlangan, ang atensyon ng mga tao mula sa buong mundo sa Sydney Opera House ang pinaka. ito ay naaakit ng madaling makilalang bubong, na para sa isang tao ay kahawig ng mga layag, sa isang tao ay may mga shell, habang ang iba ay nagsasabi na ito ay isang simbolo ng frozen na musika.

Alam mo ba? Maraming mga tao ang nag-iisip na ang bubong ay may puting ibabaw, ngunit sa katunayan, ang ilan sa mga tile nito ay puti, ang iba ay cream, dahil sa kung saan, depende sa sikat ng araw, maaari itong "magbago" ng kulay.

Ngunit bukod sa bubong, marami pang ibang bagay na nagpapangyari sa gusali. Napapaligiran ito ng tubig sa tatlong panig at nakatayo sa malalaking kongkretong tambak. Ang lugar ng teatro ay umabot sa hindi kapani-paniwalang mga numero - 22 libong metro kuwadrado. m.!

Ang teatro ay tumatanggap ng 4 malalaking bulwagan nang sabay-sabay:

Concert hall, na maaaring sabay na makatanggap ng 2679 bisita;
Opera theater idinisenyo para sa 1,507 na manonood, hindi lamang opera, kundi pati na rin ballet ang nilalaro dito;
Teatro ng Drama kayang tumanggap ng 544 katao;
Maly Drama Theater- ang pinaka komportableng bulwagan para sa 398 na manonood.

Bilang karagdagan sa mga pangunahing bulwagan, ang teatro ay may maraming iba pang mga silid - mga silid ng pag-eensayo, mga silid ng wardrobe, mga koridor, mga bar at mga restawran.

Aliwan

Walang alinlangan, ang pangunahing libangan ng Sydney Opera House ay pinapanood ang kanyang mga natatanging dula, pagtatanghal, opera at balete... Ang mga sikat na kumpanya sa teatro at ballet sa mundo, pati na rin ang mga orkestra, mang-aawit at iba pang mga artista ay pumupunta rito kasama ang kanilang mga pagtatanghal.

Alam mo ba? Ang teatro ay maaaring mag-host ng 4 na magkakaibang pagtatanghal sa parehong oras!

Mahahanap mo ang poster ng mga paparating na kaganapan sa ang opisyal na website ng Sydney Opera House.
Kung ikaw ay hindi isang masugid na mahilig sa sining o may kaunting oras ngunit gusto mong makilala ang sikat na gusali sa mundo, ito ay madaling gawin.

Sa pamamagitan ng pagbisita sa isa sa kanila, hindi mo lamang matututunan ang higit pang mga kagiliw-giliw na katotohanan tungkol sa sikat na gusali, ngunit bisitahin din ang "sa likod ng mga eksena" buhay teatro, kilalanin ang tropa na artista, at patikim ng theatrical food. Speaking of pagkain.
Mayroong maraming magagandang bar at restaurant sa bakuran ng Sydney Opera House. Ang pinakasikat ay:

Opera Bar- isang bar at isang restawran, na kasabay ng isa sa mga "paborito" sa mga taga-Sydney;
Bennelong- isa sa mga pinakamahusay na restawran sa Australia, ang chef kung saan ay si P. Gilmore, na naghahanda ng mga orihinal na pagkain mula sa mga sangkap ng Australia;
Portside sydney- ang pinaka-angkop na family friendly na restaurant para sa isang magaan na meryenda, isang tasa ng kape o dessert.

din sa gusali ng teatro mahahanap mo maraming souvenir shops nag-aalok sa mga turista ng napakalawak na seleksyon ng mga kaaya-aya at di malilimutang bagay.

Saan matatagpuan ang lokasyon ng Sydney Opera House?

Ang iconic na istraktura ay matatagpuan sa magandang Sydney Harbour sa Bennelong Point.
Madali kang makakarating dito mula saanman sa kabisera ng Australia, dahil malapit ang intersection ng mga ruta ng transportasyon sa dagat at lupa.
Mga coordinate ng GPS: 33.856873 ° S, 151.21497 ° E.

Mga oras ng pagbubukas ng Sydney Opera House

Bukas ang teatro sa mga bisita araw-araw mula 9 am (Linggo mula 10:00) hanggang hatinggabi.

Ang mga presyo para sa pagbisita sa teatro ay nakasalalay sa layunin ng naturang pagbisita - maaaring ito ay isang iskursiyon, o gusto mong makita ito o ang pagtatanghal na iyon, o gusto mo lang mag-relax at magkaroon ng masarap na pagkain sa isa sa mga theater restaurant - sa bawat kaso, ang presyo ay maaaring mag-iba nang malaki.
Para sa anumang mga katanungan na maaaring mayroon ka, maaari kang makipag-ugnayan sa "Info-service" ng teatro mula Lunes hanggang Biyernes, tel. +61 2 9250 7111, o sa pamamagitan ng pagsulat sa e-mail. tirahan [email protected]
Ang opisyal na website ng Sydney Opera House ay www.sydneyoperahouse.com.

Sydney Opera House - Mga Kawili-wiling Katotohanan

May-akda ng proyekto sa teatro ng Sydney Si J. Goossens, sa kabila ng dami ng trabahong ginawa niya, ay "pinaalis" sa Australia, dahil, diumano, nakakita sila ng mga ipinagbabawal na item ng "black mass" sa kanya.
Ang orihinal na AUS $ 7 milyon para sa teatro ay itinaas mula sa charity lottery.
Ang sikat na hugis ng layag na bubong ay makabuluhang pinalala ang acoustics ng mga lugar ng teatro, na may kaugnayan sa kung saan karagdagang mga kisame na sumasalamin sa tunog. Ang bubong, sa pamamagitan ng paraan, ay naging masyadong mabigat, at ang mga tagapagtayo ay pinilit na gawing muli ang buong pundasyon ng teatro.
Dahil sa matagal na pagtatayo, ang arkitekto ng Sydney Opera House na si J. Watson ay nahirapan sa pamahalaan ng Australia, at siya ay napilitang umalis sa Australia. Ang teatro ay natapos ng isa pang arkitekto.
Pumunta siya sa Sydney para magbukas ng isang opera house Reyna Elizabeth II ng Britanya.
Ang Sydney Theater ay may pinakamahabang theater curtains sa mundo, at ang malaking concert hall nito ay ang pinaka malaking organ sa planeta.
Ang Sydney Opera House ay ang unang gusali sa mundo na hinirang UNESCO World Heritage sa panahon ng buhay ng kanyang arkitekto.
Ang opera house ay ginagawa pa rin... Upang maghanda para sa 2000 Olympics, inimbitahan ng gobyerno ng Australia si J. Watson na kumpletuhin ang gusali, ngunit tumanggi siya. Ang kilalang arkitekto ay hindi na bumalik sa Australia pagkatapos ng sapilitang pagtigil sa pagtatayo.
Natanggap ni J. Watson noong 2003 ang prestihiyosong Pulitzer Prize para sa proyekto ng sikat na teatro sa mundo.
Sydney Opera House ay isang kalaban para sa pamagat ng isa sa 7 kababalaghan ng mundo.
Hanggang ngayon, hindi kahit isang beses hindi kailangan ang pagsasaayos ng sikat na gusali.

Sydney Opera House - video

Alamin ang higit pa tungkol sa Sydney Opera House sa video na ito. Maligayang panonood!

Ang mga ito at maraming iba pang mga lihim ay nakatago sa likod ng mga pader nito ng sikat na teatro sa buong mundo - magmadali upang makita ito, hawakan ang mga lihim nito at hawakan ang mahusay na musikal at teatro na sining na nagbubukas sa likod ng mga eksena araw-araw.

(English Sydney Opera House) - isa sa pinakasikat at madaling makikilalang mga gusali sa mundo, na siyang simbolo ng pinakamalaking lungsod ng Australia, Sydney, at isa sa mga pangunahing atraksyon ng Australia - Ang mga shell na hugis layag na bumubuo sa bubong ay gumagawa nito gusali na hindi katulad ng iba sa mundo. Ang Opera House ay kinikilala bilang isa sa mga natatanging gusali ng modernong arkitektura at mula noong 1973, kasama ang Harbour Bridge, ay naging tanda ng Sydney.

Matatagpuan ang Sydney Opera House sa Sydney Harbour, sa Bennelong Point. Ang lugar na ito ay ipinangalan sa isang Australian aborigine na kaibigan ng unang gobernador ng kolonya. Mahirap isipin ang Sydney na walang Opera, ngunit hanggang 1958 mayroong isang ordinaryong tram depot sa lugar nito (bago ang gusali ng opera, mayroong isang kuta, at pagkatapos ay isang tram depot).

Ang arkitekto ng Opera House ay ang Danish na si Jorn Utzon. Sa kabila ng tagumpay ng konsepto ng mga spherical shell, na nalutas ang lahat ng mga problema ng konstruksiyon, na angkop para sa mass production, tumpak na pagmamanupaktura at kadalian ng pag-install, ang konstruksiyon ay naantala, pangunahin dahil sa interior decoration ng lugar. Pinlano na ang pagtatayo ng Opera ay tatagal ng 4 na taon at nagkakahalaga ng 7 milyong dolyar ng Australia. Sa halip, ang opera ay tumagal ng 14 na taon upang maitayo at nagkakahalaga ng $ 102 milyon!

Ang Sydney Opera House ay isang Expressionist na gusali na may radikal at makabagong disenyo. Ang gusali ay sumasakop sa isang lugar na 2.2 ektarya. Ang taas nito ay 185 metro at ang maximum na lapad nito ay 120 metro. Ang gusali ay tumitimbang ng 161,000 tonelada at nakasalalay sa 580 na tambak, na ibinababa sa tubig sa lalim na halos 25 metro mula sa antas ng dagat. Ang suplay ng kuryente nito ay katumbas ng konsumo ng kuryente ng isang lungsod na may populasyon na 25,000. Ang kuryente ay ipinamamahagi sa 645 kilometro ng cable.

Ang bubong ng opera house ay binubuo ng 2,194 na pre-fabricated na mga seksyon, ang taas nito ay 67 metro, at ang bigat nito ay higit sa 27 tonelada, ang buong istraktura ay hawak ng mga bakal na kable na 350 kilometro ang haba. Ang bubong ng teatro ay nabuo sa pamamagitan ng isang serye ng mga "shells" ng isang di-umiiral na kongkretong globo na 492 talampakan ang diyametro, karaniwang tinutukoy bilang "mga shell" o "mga layag", bagaman ito ay hindi tama mula sa isang arkitektural na kahulugan ng naturang istraktura. . Ang mga shell na ito ay itinayo mula sa precast, hugis tatsulok na kongkretong panel na sinusuportahan ng 32 pre-fabricated ribs ng parehong materyal. Ang lahat ng mga buto-buto ay bahagi ng isang malaking bilog, na nagpapahintulot sa mga balangkas ng mga bubong na magkaroon ng parehong hugis, at ang buong gusali ay isang kumpleto at maayos na hitsura.

Ang buong bubong ay natatakpan ng 1,056,006 azulejo tile sa puti at matt cream na kulay. Bagaman mula sa malayo ang istraktura ay mukhang ganap na gawa sa puting tile, ang mga tile ay lumikha ng iba't ibang mga scheme ng kulay sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw. Salamat sa mekanikal na paraan ng pagtula ng mga tile, ang buong ibabaw ng bubong ay perpektong makinis, na imposible sa manu-manong takip. Ang lahat ng mga tile ay ginawa ng Swedish factory na Höganäs AB gamit ang self-cleaning technology, ngunit sa kabila nito, ang trabaho ay regular na isinasagawa upang linisin at palitan ang ilan sa mga tile.

Ang dalawang pinakamalaking shell vault ay bumubuo sa kisame ng Concert Hall at ng Opera Theater. Sa ibang mga silid, ang mga kisame ay bumubuo ng mga grupo ng mas maliliit na vault.

Ang istraktura ng stepped roof ay napakaganda, ngunit lumikha ng mga problema sa taas sa loob ng gusali, dahil ang nagresultang taas ay hindi nagbibigay ng tamang acoustics sa mga bulwagan. Upang malutas ang problemang ito, ang mga hiwalay na kisame ay ginawa upang ipakita ang tunog. Sa pinakamaliit na lababo, malayo sa pangunahing pasukan at sa pangunahing hagdanan, ay ang Bennelong restaurant.

Ang loob ng gusali ay pinalamutian ng pink na granite na dinala mula sa rehiyon ng Tarana (New South Wales), kahoy at playwud.

Para sa proyektong ito, natanggap ni Utzon ang Pritzker Prize, ang pinakamataas na karangalan sa arkitektura, noong 2003. Ang seremonya ng paggawad ay sinamahan ng mga salitang: "Walang duda na ang Sydney Opera House ang kanyang obra maestra. Isa ito sa mga dakilang iconic na gusali ng ika-20 siglo, isang imahe ng hindi pangkaraniwang kagandahan na naging kilala sa buong mundo - isang simbolo hindi lamang ng lungsod, kundi ng buong bansa at kontinente. . "

Ang Sydney Opera House ay naglalaman ng apat na pangunahing kumpanya sa sining ng Australia - ang Australian Opera, Australian Ballet, The Sydney Theater Company at ang Sydney Symphony Orchestra, bukod pa sa kung saan mayroong maraming iba pang mga kumpanya at mga teatro na nakabase sa Sydney Opera House. Ang teatro na ito ay isa sa mga pinakamasiglang sentro para sa sining ng pagtatanghal, na nagho-host ng humigit-kumulang 1,500 na pagtatanghal taun-taon na may kabuuang pagdalo ng higit sa 1.2 milyon. Isa rin ito sa pinakasikat na atraksyon ng Australia, na may higit sa pitong milyong turista na bumibisita dito bawat taon.

Ang Opera House ay may tatlong pangunahing performance hall:

Ang Concert Hall, 2679 upuan, ay ang tahanan ng Sydney Symphony Orchestra. Ito ay naglalaman ng pinakamalaking gumaganang mekanikal na organ sa mundo, na may higit sa 10,000 mga tubo.

Ang Opera House, seating 1507, ay ang tahanan ng Sydney Opera House at ng Australian Ballet.

Ang Drama Theater, 544 na upuan, ay ginagamit ng Sydney Theater Company at iba pang grupo ng sayaw at teatro.

Bilang karagdagan sa tatlong kuwartong ito, naglalaman ang Sydney Opera House ng ilang mas maliliit na kuwarto at studio.

Si Salome Amvrosievna Krushelnytska ay isang sikat na Ukrainian opera singer (soprano), guro. Sa kanyang buhay, si Salome Krushelnitskaya ay kinilala bilang isang natatanging mang-aawit sa mundo. Siya ay may namumukod-tanging lakas at kagandahang boses na may malawak na hanay (mga tatlong oktaba na may libreng gitnang rehistro), musikal na memorya (maaari siyang matuto ng mga bahagi ng opera sa loob ng dalawa o tatlong araw), at isang maliwanag na dramatikong talento. Ang repertoire ng mang-aawit ay binubuo ng higit sa 60 bahagi ng iba't ibang karakter. Kabilang sa kanyang maraming mga parangal at pagkilala, lalo na, ang pamagat na "Wagner's Diva of the 20th Century". Ang Italyano na kompositor na si Giacomo Puccini ay nagpakita sa mang-aawit ng kanyang larawan na may inskripsiyon na "maganda at kaakit-akit na Paru-paro". Si Salome Krushelnytska ay ipinanganak noong Setyembre 23, 1872 sa nayon ng Belyavintsy, na ngayon ay distrito ng Buchatsky ng rehiyon ng Ternopil, sa pamilya ng isang pari. Nagmula sa isang marangal at sinaunang Ukrainian na pamilya. Mula noong 1873, lumipat ang pamilya nang maraming beses, noong 1878 lumipat sila sa nayon ng Belaya malapit sa Ternopil, kung saan hindi sila umalis. Nagsimula siyang kumanta mula pagkabata. Bilang isang bata, alam ni Salome ang maraming mga katutubong kanta, na direktang natutunan niya mula sa mga magsasaka. Nakuha niya ang mga pangunahing kaalaman sa pagsasanay sa musika sa Ternopil gymnasium, kung saan kumuha siya ng mga pagsusulit bilang isang panlabas na estudyante. Dito siya naging malapit sa bilog ng musika ng gymnasium, kung saan miyembro din si Denis Sichinsky - kalaunan ay isang sikat na kompositor, ang una sa Kanlurang Ukraine propesyonal na musikero. Noong 1883, sa konsiyerto ng Shevchenko sa Ternopil, naganap ang unang pampublikong pagganap ni Salome, na kumanta sa koro ng lipunan ng pag-uusap ng Russia. Sa Ternopil, unang nakilala ni Salome Krushelnytska ang teatro. Paminsan-minsan, ang teatro ng Lviv ng lipunan ng pag-uusap ng Russia ay gumanap dito. Noong 1891 pumasok si Salome sa Konserbatoryo ng Lviv. Sa conservatory, ang kanyang guro ay ang sikat na propesor na si Valery Vysotsky sa Lviv, na nagpalaki ng isang buong kalawakan ng mga sikat na Ukrainian at Polish na mang-aawit. Habang nag-aaral sa Conservatory, naganap ang kanyang unang solo na pagtatanghal; noong Abril 13, 1892, ginampanan ng mang-aawit ang pangunahing bahagi sa oratorio na "Messiah" ni GF Handel. Ang unang opera debut ni Salome Krushelnytska ay naganap noong Abril 15, 1893, ginampanan niya ang papel ni Leonora sa dulang "Paborito" ng kompositor ng Italyano na si G. Donizetti sa entablado ng Lviv City Theater. Noong 1893, nagtapos si Krushelnytska mula sa Lviv Conservatory. Sa diploma ng pagtatapos ni Salome, isinulat: "Ang diplomang ito ay natanggap ni Panna Salome Krushelnitskaya bilang katibayan ng kanyang artistikong edukasyon, na nakuha sa pamamagitan ng huwarang kasipagan at pambihirang tagumpay, lalo na sa isang pampublikong kumpetisyon noong Hunyo 24, 1893, kung saan siya ay iginawad. isang pilak na medalya." Habang nag-aaral sa Conservatory, nakatanggap si Salome Krushelnytska ng alok mula sa Lviv Opera House, ngunit nagpasya siyang ipagpatuloy ang kanyang pag-aaral. Ang kanyang desisyon ay naimpluwensyahan ng sikat na mang-aawit na Italyano na si Gemma Bellincioni, na sa oras na iyon ay naglilibot sa Lviv. Noong taglagas ng 1893, nag-aral si Salome sa Italya, kung saan naging guro niya si Propesor Fausta Crespi. Sa panahon ng kanyang pag-aaral, ang mga pagtatanghal sa mga konsyerto, kung saan siya kumanta ng opera arias, ay isang magandang paaralan para kay Salome. Sa ikalawang kalahati ng 1890s, nagsimula ang kanyang matagumpay na pagtatanghal sa mga entablado ng mga teatro sa buong mundo: Italy, Spain, France, Portugal, Russia, Poland, Austria, Egypt, Argentina, Chile sa mga opera na Aida, Troubadour ni D. Verdi , Faust "C. Gounod," The Terrible Yard "ni S. Monyushko," African "ni D. Meyerbeer," Manon Lescaut "at" Cio-Cio-San "ni G. Puccini," Carmen "ni J. Bizet, " Electra "ni R. Strauss, "Eugene Onegin" at " Ang Reyna ng Spades"P. Tchaikovsky at iba pa. Noong Pebrero 17, 1904, sa Teatro alla Scala sa Milan, ipinakita ni Giacomo Puccini ang kanyang bagong opera na Madame Butterfly. Ang kompositor ay hindi gaanong sigurado sa tagumpay ... ngunit ang mga manonood ay nag-boo sa opera nang may galit. Nadurog ang kilalang maestro. Hinikayat ng mga kaibigan si Puccini na muling isagawa ang kanyang trabaho, at anyayahan si Salome Krushelnitskaya sa pangunahing papel. Noong Mayo 29, sa entablado ng Teatro Grande sa Brescia, ang bagong Madame Butterfly ay nag-premiere, sa pagkakataong ito ay isang matagumpay. Pitong beses na ipinatawag ng madla ang mga aktor at ang kompositor sa entablado. Pagkatapos ng pagtatanghal, naantig at nagpapasalamat na ipinadala ni Puccini kay Krushelnitskaya ang kanyang larawan na may inskripsiyon: "Ang pinakamaganda at kaakit-akit na Paru-paro." Noong 1910, pinakasalan ni S. Krushelnitskaya ang alkalde ng lungsod ng Viareggio (Italy) at ang abogadong si Cesare Riccioni, na isang magaling na eksperto sa musika at isang matalinong aristokrata. Ikinasal sila sa isa sa mga templo sa Buenos Aires. Pagkatapos ng kasal, nanirahan sina Cesare at Salome sa Viareggio, kung saan bumili si Salome ng isang villa, na pinangalanan niyang "Salome" at nagpatuloy sa paglilibot. Noong 1920, si Krushelnitskaya, sa tugatog ng katanyagan, ay umalis sa yugto ng opera, na gumaganap huling beses sa Naples Theater sa kanyang mga paboritong opera na Lorelei at Lohengrin. Inialay niya ang kanyang karagdagang buhay sa silid mga aktibidad sa konsyerto gumaganap ng mga kanta sa 8 wika. Nagsagawa ng paglilibot sa Europa at Amerika. Sa lahat ng mga taon na ito, hanggang 1923, palagi siyang pumupunta sa kanyang tinubuang-bayan at gumanap sa Lvov, Ternopil at iba pang mga lungsod ng Galicia. Siya ay itinali ng matibay na ugnayan ng pakikipagkaibigan sa maraming tao sa Kanlurang Ukraine. Ang mga konsyerto na nakatuon sa memorya nina T. Shevchenko at I.Ya. Si Frank ay nakakuha ng isang espesyal na lugar sa malikhaing aktibidad ng mang-aawit. Noong 1929, ang huling paglilibot ng S. Krushelnitskaya ay naganap sa Roma. Noong 1938, namatay ang asawa ni Krushelnitskaya na si Cesare Riccioni. Noong Agosto 1939, binisita ng mang-aawit ang Galicia at, dahil sa pagsiklab ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ay hindi nakabalik sa Italya. Sa panahon ng pananakop ng Aleman sa Lvov, si S. Krushelnitskaya ay napakahirap, kaya nagbigay siya ng pribadong mga aralin sa boses. Sa panahon ng post-war, nagsimulang magtrabaho si S. Krushelnytska sa Lysenko Lviv State Conservatory. Gayunpaman, ang kanyang karera sa pagtuturo ay halos hindi nagsimula at halos natapos. Sa panahon ng "paglilinis ng mga kadre mula sa mga nasyonalistang elemento" siya ay kinasuhan ng kawalan ng diploma ng konserbatoryo. Nang maglaon, natagpuan ang diploma sa mga pondo ng museo ng kasaysayan ng lungsod. Ang pamumuhay at pagtuturo sa Unyong Sobyet, si Salome Amvrosievna, sa kabila ng maraming mga apela, sa mahabang panahon ay hindi nakakuha ng pagkamamamayan ng Sobyet, na nananatiling isang paksa ng Italya. Sa wakas, sa pagsulat ng isang pahayag tungkol sa paglipat ng kanyang Italian villa at lahat ng pag-aari sa estado ng Sobyet, si Krushelnitskaya ay naging isang mamamayan ng USSR. Kaagad na naibenta ang villa, na binayaran ang may-ari ng kaunting bahagi ng halaga nito. Noong 1951, si Salome Krushelnitskaya ay iginawad sa titulong Honored Art Worker ng Ukrainian SSR, at noong Oktubre 1952, isang buwan bago ang kanyang kamatayan, natanggap ni Krushelnitskaya ang titulong propesor. Noong Nobyembre 16, 1952, tumigil sa pagtibok ang puso ng mahusay na mang-aawit. Siya ay inilibing sa Lviv sa Lychakiv cemetery sa tabi ng libingan ng kanyang kaibigan at tagapagturo - si Ivan Franko. Noong 1993, sa Lviv, isang kalye ang pinangalanan sa S. Krushelnytska kung saan siya nanirahan sa mga huling taon ng kanyang buhay. Ang memorial museum ng Salome Krushelnitskaya ay binuksan sa apartment ng mang-aawit. Ngayon ang pangalan ng S. Krushelnytska ay ang Lviv Opera House, Lviv Music Secondary School, Ternopil Music College (kung saan inilathala ang pahayagan na "Salome"), 8-taong paaralan sa nayon ng Belaya, mga kalye sa Kiev, Lvov, Ternopil, Buchach (tingnan ang Salome Krushelnytska Street ). Ang isang tansong monumento kay Salome Krushelnytska ay itinayo sa Mirror Hall ng Lviv Opera and Ballet Theater. Maraming mga artistikong, musikal at cinematographic na mga gawa ang nakatuon sa buhay at gawain ni Salome Krushelnitskaya. Noong 1982, sa A. Dovzhenko film studio, ang direktor na si O. Fialko ay nag-shoot ng isang makasaysayang at biograpikal na pelikula na "The Return of the Butterfly" (batay sa nobela ng parehong pangalan ni V. Vrublevskaya), na nakatuon sa buhay at gawain ng Salome Krushelnitskaya. Ang larawan ay batay sa mga tunay na katotohanan ng buhay ng mang-aawit at binuo tulad ng kanyang mga alaala. Ang mga bahagi ng Salome ay ginampanan ni Gisela Tsipola. Ang papel ni Salome sa pelikula ay ginampanan ni Elena Safonova. Bilang karagdagan, ang mga dokumentaryo ay nilikha, sa partikular, "Salome Krushelnitskaya" (itinuro ni I. Mudrak, Lvov, "The Bridge", 1994) "Two Lives of Salome" (directed by A. Frolov, Kiev, "Contact", 1997), cycle na "Mga Pangalan" (2004), dokumentaryo"Solo-mea" mula sa cycle na "The Game of Fate" (direktor V. Obraz, VIATEL studio, 2008). Marso 18, 2006 sa entablado ng Lviv National Academic Opera and Ballet Theater na pinangalanang S. Pinangunahan ni Krushelnytska ang premiere ng ballet ni Miroslav Skorik na The Return of the Butterfly, batay sa mga katotohanan mula sa buhay ni Salome Krushelnytska. Ang ballet ay gumagamit ng musika ng Giacomo Puccini. Noong 1995, ang premiere ng dula na "Salome Krushelnitskaya" (may-akda B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) ay naganap sa Ternopil Regional Drama Theater (ngayon ay ang Academic Theater). Mula noong 1987, ang Salome Krushelnytska Competition ay ginanap sa Ternopil. Isang internasyonal na kompetisyon na pinangalanang Krushelnytska ay ginaganap taun-taon sa Lviv; naging tradisyonal na ang mga opera festival.

Si Joyce DiDonato ay isang sikat na American opera singer, mezzo-soprano. Siya ay itinuturing na isa sa mga nangungunang mezzo-soprano sa ating panahon at ang pinakamahusay na interpreter ng mga gawa ni Gioacchino Rossini. Si Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) ay isinilang noong Pebrero 13, 1969 sa Pryre Village, Kansas, USA sa isang pamilyang may pinagmulang Irish, ang ikaanim sa pitong anak. Ang kanyang ama ay ang pinuno ng lokal na koro ng simbahan, si Joyce ay kumanta dito at nangarap na maging isang Broadway star. Noong 1988 pumasok siya sa Wichita State University, kung saan nag-aral siya ng vocals. Pagkatapos ng Joyce University, nagpasya si DiDonato na ipagpatuloy ang kanyang edukasyon sa musika at noong 1992 ay pumasok sa Academy of Vocal Arts sa Philadelphia. Pagkatapos ng akademya, sa loob ng maraming taon ay lumahok siya sa mga programa sa pagsasanay na "Young Artist" sa iba't ibang mga kumpanya ng opera: noong 1995 - sa "Santa Fe Opera", kung saan nakatanggap siya ng musikal na pagsasanay at ginawa ang kanyang debut sa opera sa malaking entablado, ngunit kaya malayo sa mga menor de edad na tungkulin sa mga opera na "The Marriage of Figaro" ni W. A. Mozart, "Salome" ni R. Strauss, "Countess Maritza" ni I. Kalman; mula 1996 hanggang 1998 - sa Houston Grand Opera at kinilala bilang pinakamahusay na "umuusbong na artista"; sa tag-araw ng 1997 - sa San Francisco Opera sa Merola Opera na programa sa pagsasanay. Sa kanyang pag-aaral at paunang pagsasanay, si Joyce DiDonato ay nakibahagi sa ilang mga kilalang patimpalak sa boses. Noong 1996, pumangalawa siya sa Eleanor McCollum Competition sa Houston at nanalo sa District Audition para sa Metropolitan Opera Competition. Noong 1997 nanalo siya ng William Sullivan Award. Noong 1998 nakuha niya ang pangalawang lugar sa kumpetisyon sa Operalia ng Placido Domingo sa Hamburg at unang pwesto sa kumpetisyon sa George London. Sa mga sumunod na taon, nakatanggap siya ng marami pang iba't ibang mga premyo at parangal. Sinimulan ni Joyce DiDonato ang kanyang propesyonal na karera noong 1998 sa mga pagtatanghal sa ilang mga kumpanya ng opera sa rehiyon sa Estados Unidos, pangunahin sa Houston Grand Opera. At nakilala siya sa isang malawak na madla salamat sa hitsura sa premiere ng mundo ng telebisyon ng opera na "Little Woman" ni Mark Adamo. Noong 2000-2001 season. Ginawa ni DiDonato ang kanyang European debut, na nagsimula kaagad sa La Scala bilang Angelina sa Cinderella ni Rossini. Nang sumunod na season, pinalawak niya ang kanyang kakilala sa mga European audience, na lumabas sa Netherlands Opera bilang Sesta Julius Caesar ni Handel, sa Paris Opera bilang Rosina sa The Barber of Seville ni Rossini at sa Bavarian State Opera bilang Cherubino sa Mazart's Marriage of Figaro. at sa mga programang konsiyerto na "Glory" ni Vivaldi kasama sina Ricardo Muti at La Scala Orchestra at "A Midsummer Night's Dream" ni F. Mendelssohn sa Paris. Sa parehong season sa United States, ginawa niya ang kanyang debut sa Washington State Opera bilang Dorabella sa "This Is What All Women Do" ni Mozart. Sa oras na ito, naging totoo na si Joyce DiDonato bituin sa opera na may katanyagan sa mundo, minamahal ng madla at pinuri ng press. Karagdagang karera pinalawak lamang nito ang paglilibot na heograpiya at binuksan ang mga pintuan ng mga bagong opera house at festival - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Royal Theater sa Madrid, New pambansang teatro sa Tokyo, ang Vienna State Opera, atbp. Si Joyce DiDonato ay nakolekta ng isang mayamang koleksyon ng lahat ng uri mga Parangal ng musika at mga parangal. Tulad ng itinuturo ng mga kritiko, marahil ito ang isa sa pinakamatagumpay at maayos na karera sa modernong mundo ng opera. At maging ang aksidenteng naganap sa entablado ng Covent Garden noong Hulyo 7, 2009 sa panahon ng pagtatanghal ng "The Barber of Seville", nang madulas si Joyce DiDonato sa entablado at mabali ang kanyang binti, ay hindi nakagambala sa pagtatanghal na ito, na natapos niya sa saklay. , o ang mga kasunod na naka-iskedyul na pagtatanghal. na pinangunahan niya mula sa wheelchair, na labis na ikinatuwa ng mga manonood. Ang "maalamat" na kaganapang ito ay nakunan sa DVD. Sinimulan ni Joyce DiDonato ang nakaraang season ng 2010-2011 sa Salzburg Festival at nag-debut bilang Adalgiz sa Norma Belinni kasama si Edita Gruberova bilang Norma, pagkatapos ay sa isang programa ng konsiyerto sa Edinburgh Festival. Sa taglagas sa Berlin, ginampanan niya ang papel ni Rosina sa "The Barber of Seville" at sa Madrid - sa papel ni Octavian sa "Der Rosenkavalier". Nagtapos ang taon na may higit pang mga parangal, ang una mula sa German Academy of Recordings na "Echo Klassik", na pinangalanang Joyce DiDonato na "Best Female Singer 2010". Ang susunod na dalawang parangal nang sabay-sabay mula sa English classical music magazine na "Gramophone", na pinangalanan siyang "Best Artist of the Year" at pinili ang kanyang CD na may Rossini's arias bilang ang pinakamahusay na "Recital of the Year". Sa pagpapatuloy ng season sa United States, gumanap siya sa Houston, at pagkatapos ay isang recital sa Carnegie Hall. Tinanggap siya ng Metropolitan Opera sa dalawang tungkulin - ang pahinang Isolier sa "Count Ori" ni Rossini at ang kompositor sa "Ariadne auf Naxos" ni R. Strauss. Natapos ang season sa Europe na may mga paglilibot sa Baden-Baden, Paris, London at Valencia. Ang website ng mang-aawit ay naglalaman ng isang abalang iskedyul ng kanyang mga pagtatanghal sa hinaharap, sa listahang ito para lamang sa unang kalahati ng 2012 mayroong mga apatnapung pagtatanghal sa Europa at Amerika. Si Joyce DiDonato ay kasal na ngayon sa Italian conductor na si Leonardo Vordoni, na kasama nila sa Kansas City, Missouri, USA. Patuloy na ginagamit ni Joyce ang apelyido ng kanyang unang asawa, na pinakasalan niya pagkatapos ng kolehiyo.

Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya - Soprano na mang-aawit ng opera ng Sobyet at Ruso. Doktor ng Music Sciences, Propesor. Si Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya ay ipinanganak noong Mayo 18, 1956 sa Moscow, ina, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - philologist, guro ng wikang Ruso at panitikan, ama, Kazarnovsky Yuri Ignatievich - pangkalahatan sa reserba, nakatatandang kapatid na babae- Bokadorova Natalya Yurievna - philologist, propesor ng wikang Pranses at panitikan. Palaging kumanta si Lyuba, pagkatapos ng paaralan ay nanganganib siyang mag-aplay sa Gnessin Institute - ang faculty ng mga aktor ng teatro sa musika, kahit na naghahanda siyang maging isang mag-aaral sa faculty ng mga wikang banyaga. Ang mga taon ng mag-aaral ay nagbigay kay Lyuba ng maraming bilang isang artista, ngunit ang mapagpasyang pagpupulong ay kasama si Nadezhda Matveyevna Malysheva-Vinogradova, isang kahanga-hangang guro, bokalista, accompanist ng Chaliapin, isang mag-aaral mismo ni Stanislavsky. Bilang karagdagan sa napakahalagang mga aralin sa pag-awit, si Nadezhda Matveevna, ang balo ng kritiko sa panitikan at iskolar ng Pushkin na si Academician V.V. Vinogradov, ay ipinahayag kay Lyuba ang lahat ng kapangyarihan at kagandahan ng mga klasikong Ruso, ay nagturo sa kanya na maunawaan ang nakatagong pagkakaisa ng musika at mga salita. Ang pagpupulong kay Nadezhda Matveyevna sa wakas ay natukoy ang kapalaran ng batang mang-aawit. Noong 1981, sa edad na 21, habang nag-aaral pa rin sa Moscow Conservatory, ginawa ni Lyubov Kazarnovskaya ang kanyang debut sa papel ni Tatiana (Eugene Onegin ni Tchaikovsky) sa entablado ng Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko Musical Theater. Nagwagi ng All-Union Glinka Competition (II na premyo). Simula noon, si Lyubov Kazarnovskaya ay nasa gitna buhay musikal Russia. Noong 1982 nagtapos siya sa Moscow State Conservatory, noong 1985 - graduate school sa klase ng Associate Professor Elena Ivanovna Shumilova. 1981-1986 - Soloist ng Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko Musical Academic Theater, sa repertoire na "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky, "Iolanta", "May Night" ni Rimsky-Korsakov, "Pagliacci" ni Leoncavallo, "La Boheme" ni Puccini. 1984 - sa imbitasyon ni Svetlanov ay inaawit ang bahagi ng Fevronia sa bagong produksyon "The Legends of the Invisible City of Kitezh" ni Rimsky-Korsakov, at pagkatapos noong 1985 - ang papel ni Tatiana ("Eugene Onegin" ni Tchaikovsky) at Nedda ("Pagliacci" ni Leoncavallo) sa State Academic Theater ng Russia. 1984 - Grand Prix ng UNESCO Young Performers Competition (Bratislava). Laureate of the Competition Miriam Hellin (Helsinki) - III na premyo at isang honorary diploma para sa pagganap ng Italian aria - personal mula sa chairman ng kumpetisyon at ang maalamat na Swedish opera singer na si Birgit Nilsson. 1986 - Nagwagi ng Lenin Komsomol Prize. 1986 -1989 - nangungunang soloista ng Kirov State Academic Theater: Leonora (“The Force of Destiny” ni Verdi), Margarita (“Faust” ni Gounod), Donna Anna at Donna Elvira (“Don Giovanni” ni Mozart), Leonora (“Troubadour” ni Verdi), Violetta ( "Traviatta" ni Verdi), Tatiana ("Eugene Onegin" ni Tchaikovsky), Liza ("The Queen of Spades" ni Tchaikovsky), Soprano ("Requiem" ni Verdi). Malapit na pakikipagtulungan sa mga konduktor tulad ng Jansson, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Ang unang dayuhang tagumpay - sa Covent Garden Theater (London), bilang Tatiana sa opera ni Tchaikovsky na "Eugene Onegin" (1988) 1989. - Inaanyayahan ng "Maestro of the World" Herbert von Karajan ang batang mang-aawit sa "kanyang sariling" pagdiriwang - ang pagdiriwang ng tag-init sa Salzburg. Noong Agosto 1989 - isang matagumpay na pasinaya sa Salzburg (Verdi's Requiem, conductor Ricardo Muti). Napansin at pinahahalagahan ng buong mundo ng musika ang pagganap ng isang batang soprano mula sa Russia. Ang kahindik-hindik na pagganap na ito ay minarkahan ang simula ng isang nakahihilo na karera, na kalaunan ay humantong sa kanya sa mga opera house tulad ng Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Ang kanyang mga kasosyo ay sina Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Capucciilli, Cossotto, von Stade, Baltza. Setyembre 1989 - pakikilahok sa world gala concert sa entablado ng State Academic Bolshoi Theatre ng Russia bilang suporta sa mga biktima ng lindol sa Armenia kasama ang Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Oktubre 1989 - nakibahagi sa paglilibot sa Milan Opera House "La Scala" sa Moscow (G. Verdi "Requiem"). 1991 - Salzburg. 1992-1998 - malapit na pakikipagtulungan sa Metropolitan Opera. 1994-1997 - malapit na pakikipagtulungan sa Mariinsky Theatre at Valery Gergiev. Noong 1996, matagumpay na ginawa ni Lyubov Kazarnovskaya ang kanyang debut sa Teatro alla Scala sa opera ng Prokofiev na The Gambler, at noong Pebrero 1997, kinanta niya ang bahagi ng Salome sa Santa Cecilia Theater ng Roma nang may tagumpay. Ang mga nangungunang master ng opera sa ating panahon ay nagtatrabaho sa kanya - tulad ng mga conductor tulad ng Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, mga direktor - Dzefirelli, Egoyan, Vikk, Taymor, Dew. .. "La Kazarnovskaya", gaya ng tawag sa Italian press, ay may higit sa limampung bahagi sa repertoire nito. Siya ay tinawag na pinakamahusay na Salome sa ating mga araw, ang pinakamahusay na tagapalabas ng mga opera nina Verdi at Verists, hindi banggitin ang papel ni Tatyana mula kay Eugene Onegin, ang kanyang calling card. Lalo siyang naging matagumpay sa pagganap ng mga pangunahing tungkulin sa mga opera na Salome ni Richard Strauss, Eugene Onegin ni Tchaikovsky, Manon Lescaut at Tosca ni Puccini, The Force of Destiny at Traviatta ni Verdi. 1997 - Lumikha si Lyubov Kazarnovskaya ng kanyang sariling organisasyon sa Russia - "The Lyubov Kazarnovskaya Foundation", upang suportahan ang opera art ng Russia: nag-imbita ng mga nangungunang masters ng vocal art sa Russia para sa mga konsyerto at master class, tulad ng Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura et al., Nagtatatag ng mga iskolarsip upang matulungan ang mga batang Ruso na mang-aawit. * 1998-2000 - malapit na pakikipagtulungan sa Bolshoi Theatre ng Russia. 2000 - tinatangkilik ng mang-aawit ang nag-iisang Children's Opera House sa mundo na pinangalanang Lubovi Kazarnovskaya (Dubna). Sa teatro na ito, nagpaplano si Lyubov Kazarnovskaya ng mga kagiliw-giliw na proyekto sa Russia at sa ibang bansa. 2000 - Pinuno ang Creative Coordination Council ng Cultural Center na "Union of Cities", na nagsasagawa ng malawak na gawaing pangkultura at pang-edukasyon sa mga lungsod at rehiyon ng Russia. 12/25/2000 - sa bulwagan ng konsiyerto na "Russia" isa pang premiere ang naganap - ang napakatalino na palabas sa opera na "Faces of Love", na na-broadcast nang live sa buong mundo. Ang tatlong oras na aksyong pangmusika, na ipinakita sa unang pagkakataon sa mundo ng isang nangungunang mang-aawit sa opera, ay naging kaganapan sa huling taon ng papalabas na siglo at nakakuha ng masigasig na mga tugon sa Russia at sa ibang bansa. 2002 - Si Lyubov Kazarnovskaya ay nasa gitna ng mga aktibong aktibidad sa lipunan, ay nahalal na Tagapangulo ng Komisyon para sa Kultura at Makatao na Kooperasyon ng mga munisipalidad ng Russian Federation, ay ang Tagapangulo ng Lupon ng Russian Musical Educational Society. Si Lyubov Kazarnovskaya ay ginawaran ng diploma mula sa isang prestihiyosong sentro sa Cambridge (England) bilang isa sa 2000 na pinakatanyag na musikero noong ika-20 siglo. Ang malikhaing buhay ni Lyubov Kazarnovskaya ay isang serye ng mapusok at hindi mapigilan na mga tagumpay, pagtuklas, tagumpay, kung saan ang epithet na "una" ay angkop sa maraming aspeto: * Grand Prix sa UNESCO vocal competition. * Ang Kazarnovskaya ay ang unang Russian soprano na inimbitahan ni Herbert von Karajan sa Salzburg. * Ang nag-iisang Russian na mang-aawit na gumanap ng mga bahagi ni Mozart sa tinubuang-bayan ng kompositor sa Salzburg sa kanyang ika-200 kaarawan. * Ang una at hanggang ngayon ang tanging mang-aawit na Ruso na gumanap ng pinakamahirap na bahagi ng Salome ("Salome" ni Richard Strauss) sa pinakamalaking yugto ng opera sa mundo na may napakalaking tagumpay. Ang L. Kazarnovskaya ay itinuturing na pinakamahusay na Salome sa ating mga araw. * Ang unang mang-aawit na nagrekord (sa CD) ng lahat ng 103 mga romansa ni Tchaikovsky. * Gamit ang mga disc na ito at ang kanyang maraming mga konsyerto sa lahat ng mga sentro ng musika sa mundo, binuksan ni Lyubov Kazarnovskaya ang pagkamalikhain sa musika ng mga kompositor ng Russia sa publiko ng Kanluran. * Ang unang mang-aawit ng opera sa isang pang-internasyonal na sukat, na gumawa ng isang hindi pa naganap na palabas sa saklaw nito - opera, operetta, romansa, chanson ... * Ang una at tanging mang-aawit na gumanap ng dalawang tungkulin sa isang gabi (sa opera na "Manon Lescaut" ni Puccini) sa dulang "Portrait of Manon "Sa entablado ng Bolshoi Theatre ng Russia. Kamakailan lamang, si Lyubov Kazarnovskaya, bilang karagdagan sa kanyang mga internasyonal na aktibidad, ay nagbigay ng maraming oras at lakas sa pag-unlad ng buhay musikal sa mga rehiyon ng Russia. Walang alinlangan, siya ang pinaka-kapansin-pansin na kababalaghan sa vocal at musikal na buhay ng Russia, at ang press na nakatuon sa kanya ay walang uliran sa genre at dami. Kasama sa kanyang repertoire ang higit sa 50 operatic role at isang malaking repertoire ng chamber music. Ang kanyang mga paboritong tungkulin ay Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("The Force of Destiny"), Amelia ("Masquerade Ball"). Ang pagpili ng isang programa para sa mga solong gabi, iniiwasan ni Kazarnovskaya ang isang nakakalat na seleksyon ng kahit na panalo, kaakit-akit na mga bagay, na nagbibigay ng kagustuhan sa mga kakaibang siklo na kumakatawan sa gawain ng iba't ibang mga may-akda. Ang pagiging natatangi ng mang-aawit, ningning ng interpretasyon, banayad na kahulugan ng istilo, indibidwal na diskarte sa sagisag ng mga pinaka kumplikadong imahe sa mga gawa iba't ibang panahon gawing tunay na mga kaganapang pangkultura ang kanyang mga pagtatanghal. Maraming audio at video recording ang nagha-highlight ng napakalaking vocal na posibilidad, mataas na istilo at ang pinakadakila talento sa musika ang napakatalino na mang-aawit na ito na aktibong nagpapakita sa buong mundo ng tunay na antas ng kulturang Ruso. Ang kumpanyang Amerikano na VAI (Video Artists International) ay naglabas ng isang serye ng mga video tape na may partisipasyon ng Russian diva, kabilang ang "Great Singers of Russia 1901-1999" (dalawang tape), "Gypsy Love" (video recording ng konsiyerto ni Lyubov Kazarnovskaya sa Great Hall ng Moscow Conservatory). Kasama sa discography ni Lyubov Kazarnovskaya ang mga pag-record para sa DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Sa kasalukuyan, naghahanda si Lyubov Kazarnovskaya ng mga bagong programa para sa mga solo na konsiyerto, mga bagong operatic na tungkulin (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), nagpaplano ng maraming paglilibot sa ibang bansa at sa buong Russia, gumaganap sa mga pelikula. Siya ay ikinasal kay Robert Rostsik mula noong 1989; noong 1993, ipinanganak ang kanyang anak na si Andrei. Ang ilang mga quote na ito ay hindi lamang karamihan ng masigasig na mga tugon na kasama ng mga pagtatanghal ni Lyubov Kazarnovskaya: "Ang kanyang boses ay malalim at mapang-akit na insinuating ... Nakakaantig, maganda ang naisagawa na mga eksena mula sa liham ni Tatyana at ang kanyang huling pagkikita kay Onegin ay walang pag-aalinlangan tungkol sa pinakamataas na kasanayan ng mang-aawit (Metropolitan Opera, New York Times)" Napakahusay , malalim, napakahusay na kontroladong soprano, nagpapahayag sa buong hanay ... Partikular na kahanga-hanga ang hanay at liwanag ng mga katangian ng boses "(Lincoln Center, recital," New York Times ")" Nakatutok ang boses ni Kazarnovskaya, napakalalim sa gitna. magparehistro at magaan sa itaas ... Siya ay isang nagliliwanag na Desdemona "(France," Le Monde de la Musique ")" ... Si Lyuba Kazarnovskaya ay naakit ang madla sa kanyang sensual, mahiwagang tunog na soprano sa lahat ng mga rehistro "(" Muenchner Merkur ")" Ang Russian Diva ay napakaliwanag sa papel ni Salome, - sa mga lansangan ay nagsimulang matunaw nang kumanta si Lyuba Kazarnovskaya huling eksena"Salome" ... "(" Cincinnati Enquirer ") Impormasyon at mga larawan mula sa opisyal na site: http://www.kazarnovskaya.com Isang bagong site tungkol sa magagandang bulaklak. Ang mundo ng mga iris. Pag-aanak, pangangalaga, paglipat ng mga iris.

Galina Pavlovna Vishnevskaya (Oktubre 25, 1926 - Disyembre 11, 2012) - mahusay na Russian, Soviet opera singer (lyricist dramatikong soprano). People's Artist ng USSR. Commander ng French Legion of Honor, Honorary Doctor ng ilang unibersidad. Si Galina Pavlovna Vishnevskaya ay ipinanganak noong Oktubre 25, 1926 sa Leningrad (ngayon ay St. Petersburg), ngunit ginugol ang karamihan sa kanyang pagkabata sa Kronstadt. Tiniis niya ang blockade ng Leningrad, sa edad na labing-anim na nagsilbi siya sa mga yunit ng pagtatanggol sa hangin. kanya malikhaing aktibidad nagsimula noong 1944 bilang soloista ng Leningrad Operetta Theater, at sinimulan ang kanyang karera sa malaking entablado noong ikalimampu. Sa kanyang unang kasal, ikinasal siya sa mandaragat ng militar na si Georgy Vishnevsky, kung kanino siya diborsiyado makalipas ang dalawang buwan, ngunit pinanatili ang kanyang apelyido; sa pangalawang kasal - kasama ang direktor ng teatro ng operetta na si Mark Ilyich Rubin. Noong 1955, apat na araw pagkatapos nilang magkita, pinakasalan niya sa ikatlong pagkakataon ang sikat na cellist na si M.L. Si Rostropovich, sa isang ensemble kung kanino (ML Rostropovich - una bilang isang pianist, at kalaunan bilang isang konduktor) ay gumanap siya sa pinaka-prestihiyosong mga lugar ng konsiyerto sa mundo. Mula 1951 hanggang 1952, umalis sa teatro ng operetta, kinuha ni Vishnevskaya ang mga aralin sa pag-awit mula kay V.N. Garina, pinagsasama ang mga klasikal na vocal sa mga pagtatanghal bilang isang pop singer. Noong 1952, nakibahagi siya sa isang kumpetisyon para sa grupo ng nagsasanay ng Bolshoi Theater, tinanggap, sa kabila ng kakulangan ng isang conservatory education, at sa lalong madaling panahon (sa makasagisag na pagpapahayag ng B.A. ... Sa loob ng 22 taon artistikong karera sa Bolshoi Theater (mula 1952 hanggang 1974) lumikha si Galina Vishnevskaya ng maraming (higit sa tatlumpung!) hindi malilimutang mga imahe ng babae sa Russian at Western European mga obra maestra ng opera ... Ang pagkakaroon ng napakatalino na debut bilang Tatyana sa opera na Eugene Onegin, ginampanan niya sa teatro ang mga tungkulin nina Aida at Violetta (Aida at La Traviata ni Verdi), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san ni Puccini), Natasha Rostova (" War and Peace" ni Prokofiev), Katarina ("The Taming of the Shrew" ni Shebalin, lumikha ng papel, 1957), Liza ("The Queen of Spades" ni Tchaikovsky), Kupava ("The Snow Maiden" ni Rimsky- Korsakov), Martha ("The Tsar's Bride" ni Rimsky- Korsakov) at marami pang iba. Nakibahagi si Vishnevskaya sa mga unang paggawa sa yugto ng Russia ng opera na The Gambler ni Prokofiev (1974, bahagi ng Polina) at ang mono-opera na The Human Voice ni Poulenc (1965). Noong 1966 nag-star siya sa pangunahing papel sa pelikula-opera na "Katerina Izmailova" ni D.D. Shostakovich (sa direksyon ni Mikhail Shapiro). Siya ang unang performer ng ilang mga gawa ni D.D. Shostakovich, B. Britten at iba pang mga kilalang kontemporaryong kompositor. Sa ilalim ng impresyon ng pakikinig sa kanyang pag-record, isinulat ang tula ni Anna Akhmatova na "A Woman's Voice". Sa panahon ng Sobyet, si Galina Vishnevskaya, kasama ang kanyang asawa, ang dakilang cellist at conductor na si Mstislav Rostropovich, ay nagbigay ng napakahalagang suporta sa kilalang manunulat na Ruso at aktibista ng karapatang pantao na si Alexander Solzhenitsyn, at ito ay naging isa sa mga dahilan ng patuloy na atensyon at presyon mula sa ang mga lihim na serbisyo ng USSR. Noong 1974, sina Galina Vishnevskaya at Mstislav Rostropovich ay umalis sa Unyong Sobyet at noong 1978 ay tinanggal ang kanilang pagkamamamayan, mga titulong karangalan at mga parangal ng gobyerno. Ngunit noong 1990, ang utos ng Presidium ng Kataas-taasang Sobyet ay nakansela, si Galina Pavlovna ay bumalik sa Russia, ang honorary na titulo ng People's Artist ng Unyong Sobyet at ang Order of Lenin ay ibinalik sa kanya, siya ay naging isang honorary professor sa Moscow. Conservatory. Sa ibang bansa, nanirahan sina Rostropovich at Vishnevskaya sa Estados Unidos, pagkatapos ay sa France at Great Britain. Si Galina Vishnevskaya ay kumanta sa lahat ng mga pangunahing yugto ng mundo (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Munich Opera, atbp.), Na gumaganap kasama ang mga pinakakilalang masters ng mundo ng musikal at theatrical na kultura. Kinanta niya ang bahagi ng Marina sa natatanging pag-record ng opera na si Boris Godunov (conductor Herbert von Karajan, soloists Giaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov), noong 1989 ay kinanta niya ang parehong papel sa pelikula ng parehong pangalan (direktor A. Zhulavsky , konduktor M. Rostropovich). Kabilang sa mga pag-record na ginawa sa panahon ng sapilitang paglipat, ang kumpletong edisyon ng opera ni S. Prokofiev na "Digmaan at Kapayapaan", limang mga disc na may mga romansa ng mga kompositor ng Russia na sina M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin at P. Tchaikovsky. Ang buong buhay at gawain ni Galina Vishnevskaya ay naglalayon sa pagpapatuloy at pagluwalhati sa pinakadakilang tradisyon ng opera ng Russia. Matapos ang pagsisimula ng perestroika, noong 1990, sina Galina Vishnevskaya at Mstislav Rostropovich ay naibalik sa pagkamamamayan. Noong unang bahagi ng 90s, bumalik si G. Vishnevskaya sa Russia at naging honorary professor sa Moscow Conservatory. Inilarawan niya ang kanyang buhay sa aklat na "Galina" (nai-publish sa Ingles noong 1984, sa Russian noong 1991). Si Galina Vishnevskaya ay isang honorary na doktor ng isang bilang ng mga unibersidad; sa loob ng maraming taon ay nagtrabaho siya sa mga malikhaing kabataan, na nagbibigay ng mga master class sa buong mundo at nagsisilbing isang miyembro ng hurado ng mga pangunahing internasyonal na kumpetisyon. Noong 2002, binuksan ang Center sa Moscow pag-awit ng opera Galina Vishnevskaya, ang paglikha kung saan matagal nang pinangarap ng mahusay na mang-aawit. Sa gitna, ipinasa niya ang kanyang naipon na karanasan at natatanging kaalaman sa mga mahuhusay na batang mang-aawit upang sapat nilang kinakatawan ang paaralan ng opera ng Russia sa internasyonal na entablado. Ang aspeto ng misyonero ng mga aktibidad ni Galina Vishnevskaya ay binibigyang-diin ng pinakamalaking pederal at rehiyonal na mass media, mga direktor ng mga teatro at mga organisasyon ng konsiyerto, at ng pangkalahatang publiko. Si Galina Vishnevskaya ay ginawaran ng pinakaprestihiyosong mga premyo sa mundo para sa kanyang napakahalagang kontribusyon sa mundo sining ng musika, maraming mga parangal ng mga Pamahalaan ng iba't ibang bansa: ang medalya "Para sa Depensa ng Leningrad" (1943), ang Order of Lenin (1971), ang Diamond Medal ng Lungsod ng Paris (1977), ang Order "For Merit to the Fatherland" III degree (1996), II degree (2006 G.). Galina Vishnevskaya - Grand-officier ng Order of Literature and Art (France, 1982), Chevalier ng Order of the Legion of Honor (France. 1983), Honorary Citizen ng lungsod ng Kronstadt (1996).

Si Angela Gheorghiu (Romanian Angela Gheorghiu) ay isang Romanian opera na mang-aawit, soprano. Isa sa pinakasikat na mang-aawit ng opera sa ating panahon. Si Angela Gheorghiu (Burlacu) ay ipinanganak noong Setyembre 7, 1965 sa maliit na bayan ng Adjud, Romania. Mula pagkabata ay halatang magiging mang-aawit siya, musika ang kanyang kapalaran. Nag-aral siya sa paaralan ng musika sa Bucharest at nagtapos sa National University of Music Bucharest. Ang kanyang propesyonal na operatic debut ay naganap noong 1990 bilang Mimi sa Puccini's La Boheme sa Cluj, sa parehong taon ay nanalo siya sa Hans Gabor International Vocal Competition Belvedere sa Vienna. Ang apelyidong Georgiou ay nanatili sa kanya mula sa kanyang unang asawa. Ang international debut ni Angela Georgiu ay naganap noong 1992 sa Royal Opera House, Covent Garden sa La Boheme. Sa parehong taon, ginawa niya ang kanyang debut sa Metropolitan Opera sa New York at sa Vienna State Opera. Noong 1994, sa Royal Opera House, Covent Garden, kinanta niya sa unang pagkakataon ang papel ni Violetta sa La Traviata, sa sandaling iyon naganap ang "kapanganakan ng isang bituin", nagsimulang tamasahin ni Angela Georgiu ang patuloy na tagumpay sa mga opera house at mga concert hall sa buong mundo: sa New York, London, Paris, Salzburg, Berlin, Tokyo, Rome, Seoul, Venice, Athens, Monte Carlo, Chicago, Philadelphia, Sao Paulo, Los Angeles, Lisbon, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zurich, Vienna, Salzburg, Madrid, Barcelona, Prague, Montreal, Moscow, Taipei, San Juan, Ljubljana. Noong 1994, nakilala niya ang tenor na si Roberto Alagna, na pinakasalan niya noong 1996. Ang seremonya ng kasal ay ginanap sa Metropolitan Opera sa New York. Matagal nang naging pinakamaliwanag na creative ang pares ng Alanya-Gheorghiu unyon ng pamilya sa entablado ng opera, hiwalay na sila ngayon. Ang kanyang unang eksklusibong kontrata sa isang kumpanya ng rekord ay nilagdaan noong 1995 kasama si Decca, pagkatapos nito ay naglabas siya ng ilang mga album sa isang taon, ngayon ay mayroon na siyang mga 50 album, parehong itinanghal na mga opera at solo na konsiyerto. Ang lahat ng kanyang mga CD ay nakatanggap ng magagandang review mula sa mga kritiko at ginawaran ng maraming internasyonal na premyo, kabilang ang mga parangal mula sa Gramophone magazine, German Echo award, French Diapason d'Or at Choc du Monde de la Musique, at marami pang iba. Dalawang beses noong 2001 at 2010 siya ay pinangalanang "Best Female Singer of the Year" ng British "Classical BRIT Awards". Ang hanay ng mga tungkulin ni Angela Gheorghiu ay napakalawak, lalo na ang kanyang mga paboritong opera nina Verdi at Puccini. Ang repertoire ng Italyano, marahil dahil sa kamag-anak na pagkakatulad ng mga wikang Romanian at Italyano, mahusay siya, napansin ng ilang mga kritiko na ang mga opera ng Pranses, Aleman, Ruso at Ingles ay gumanap nang mas mahina. Ang pinakamahalagang tungkulin ni Angela Gheorghiu: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Chilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Don Lucretia Borgia inumin Adinast Gounod "Fauod " - Margarita Gounod "Romeo and Juliet" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Swallow" - Magda Puccini "Bohemia" - Mimi Puccini " Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonor Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu ay patuloy na gumaganap nang aktibo at siya ay sa tuktok ng opera Olympus. Kasama sa mga pangako sa hinaharap ang iba't ibang konsiyerto sa Europe, America at Asia, Tosca at Faust sa Royal Opera House, Covent Garden.

Si Joan Alston Sutherland ay isang Australian opera singer at dramatic coloratura soprano. Isa sa mga pinaka-kahanga-hangang mang-aawit ng opera noong ika-20 siglo, tinawag ni Luciano Pavarotti ang kanyang malakas na magandang boses na "ang tinig ng siglo" at inilarawan ito ni Montserrat Caballe bilang "ang tinig ng langit". Malaki ang naiambag ni Joan Sutherland sa muling pagkabuhay ng bel canto repertoire. Dame Commander ng Order of the British Empire. Si Joan Sutherland ay ipinanganak noong Nobyembre 7, 1926 sa Sydney, Australia, sa isang pamilyang Scottish. Ang kanyang ina ay isang mang-aawit, mezzo-soprano, at tinuruan si Joan na kumanta. Ang unang pagtatanghal ng konsiyerto ni Sutherland ay naganap noong 1947 sa Sydney, kinanta niya ang aria ni Dido mula sa opera ni Purcell na Dido at Aeneas. Ginawa niya ang kanyang debut sa opera noong 1950 noong pangunahing partido sa opera na "Judith" sa Sydney. Noong 1951, matapos manalo sa isang prestihiyosong kompetisyon sa opera sa Australia, pumunta siya sa karagdagang pag-aaral sa London, sa Royal College of Music. Nakatanggap siya ng imbitasyon mula sa Royal Opera House, Covent Garden, at ginawa ang kanyang debut doon noong Oktubre 28, 1952, na ginampanan ang maliit na bahagi ng First Lady sa The Magic Flute ni Mozart, at ilang sandali bilang Clotilde sa Bellini's Norma, kasama si Maria Callas bilang Norma... Noong Disyembre 1952 ginampanan niya ang kanyang unang nangungunang papel - si Amelia sa opera na "Masquerade Ball" ni Verdi, na sinundan ng iba pang mga tungkulin: Agatha sa "Free Shooter", Countess sa "Figaro's Wedding", Desdemona sa "Othello", Gilda sa "Rigoletto ", Eve sa" Meistersingers ng Nuremberg ", Pamina sa" The Magic Flute ". Noong Oktubre 16, 1954, pinakasalan ni Joan Sutherland ang Australian conductor at pianist na si Richard Boning, at noong 1956 nagkaroon sila ng isang anak na lalaki, si Adam. Bilang isang tagahanga ni Kirsten Flagstad sa unang bahagi ng kanyang karera, sinikap ni Joan na iposisyon ang kanyang sarili bilang isang Wagnerian na dramatikong soprano, ngunit unti-unting nakumbinsi siya ng kanyang asawa na maaari siyang tumugtog ng mas mataas na mga nota nang madali at dapat niyang matutunan ang bel canto repertoire. Noong 1957-1958, ginampanan niya ang pangunahing papel ni Alcina sa opera ng parehong pangalan ni Handel, Emilia mula sa "Emilia from Liverpool" ni Donizetti at sa Vancouver ang papel ni Donna Anna sa "Don Giovanni", sa mga tungkuling ito, ang kanyang Ang potensyal na bel canto ay ganap at malinaw na ipinakita, na nakumpirma ang opinyon ng asawa. Noong 1958, sa Royal Opera House, pagkatapos magsagawa ng aria mula sa oratorio Samson ni Handel, nagbigay ng standing ovation ang mga manonood nang higit sa sampung minuto. Noong 1959, inanyayahan si Sutherland na lumahok sa paggawa ng "Lucia di Lammermoor" sa Covent Garden, ito ay isang pambihirang tagumpay sa karera ng mang-aawit - siya ay naging isang bituin. Nang sumunod na taon, naitala niya ang album na The Art of the Prima Donna, na nanalo ng Grammy para sa Best Classical Singer. Noong unang bahagi ng 1960s, matatag na itinatag ni Sutherland ang kanyang sarili bilang isang top-level na opera diva na may pambihirang boses. Matapos ang kanyang pagganap ng Alcina sa Venetian na "La Fenice", ang madla ay nagsimulang tumawag sa kanya na "La Stupenda" - Magnificent, at sa lalong madaling panahon ang lahat ng mga pahayagan sa mundo ay kinuha ang palayaw na ito. Noong 1960s, lubos na pinalawak ni Sutherland ang kanyang repertoire na may pinakamagandang bahagi ng bel canto: Violetta mula sa La Traviata, Amina mula sa Somnambula, Elvira mula sa The Puritans, Beatrice di Tenda mula sa opera ng parehong pangalan, Margarita de Valois mula sa Meyerbeer's Huguenots, ang pangunahing papel sa "Semiramis" ni Rossini, Norma sa "Norma", Cleopatra sa "Julia Caesar" ni Handel at iba pa. Noong 1966, idinagdag niya si Marie mula sa The Daughter of the Regiment, na naging isa sa kanyang pinakasikat na mga tungkulin. Noong 1965, ipinakilala ni Sutherland ang noo'y batang tenor na si Luciano Pavarotti sa Australia, at ang paglilibot ay napatunayang isang milestone sa karera ni Pavarotti. Bagama't kinilala siya bilang isa sa mga nangungunang mang-aawit sa opera, nagkaroon siya ng problema sa kadalisayan ng kanyang diksyon at patuloy na itinuturo ito ng mga kritiko. Ang mga naunang talaan ni Sutherland ay nagpapakita na siya ay nagtataglay ng isang kristal malinaw na boses at mahusay na diction. Gayunpaman, noong unang bahagi ng 60s, ang kanyang boses ay nawala ang ilan sa kalinawan na ito, ang ilan ay iniuugnay ito sa isang operasyon sa ilong, na siya ay sumailalim noong 1959, ngunit ang kanyang album na "The Art of the Prima Donna", na kanyang naitala pagkatapos ng operasyon, nagpapakita ng malinaw na boses at kalinawan ng diction. Siya ay patuloy na nakikipagpunyagi sa problemang ito na may iba't ibang tagumpay. Sa panahon ng 1970s at 1980s, si Joan Sutherland ay patuloy na gumana nang aktibo at salamat sa kanyang vocal flexibility at pinong diskarte, patuloy siyang kumanta ng nakakagulat na mahusay sa pinakamahihirap na bahagi at patuloy na pinalawak ang kanyang repertoire. Ang kanyang huling full-length na pagganap sa opera ay noong 1990 sa Sydney sa opera na The Huguenots, at sa parehong taon ang kanyang huling gala ay sinamahan ng kanyang mga kasamahan at kaibigan sa Covent Garden. Pagkatapos umalis sa malaking entablado, nagsimula si Joan Sutherland ng isang tahimik na buhay sa kanyang tahanan sa Switzerland, na medyo kakaunti ang mga pagpapakita sa publiko. Gayunpaman, hindi siya masyadong umalis buhay panlipunan-Siya ay nag-star sa mga pelikula, nagsulat ng isang autobiographical na libro, nagbigay ng mga master class, ay isang miyembro ng hurado ng maraming mga opera festival, kabilang ang Cardiff International Opera Singing Competition. Namatay si Joan Sutherland noong Oktubre 11, 2010 sa kanyang tahanan sa Switzerland. Joan Sutherland sa Lucia di Lammermoor ni Gaetano Donizetti. "Scene of Madness"

Si Pauline Viardot, buong pangalan na Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) ay isang nangungunang mang-aawit na Pranses, mezzo-soprano, ika-19 na siglo, guro ng boses at kompositor na may pinagmulang Espanyol. Si Pauline Viardot ay ipinanganak noong Hulyo 18, 1821 sa Paris. Anak at estudyante ng mang-aawit at gurong Espanyol na si Manuel Garcia, kapatid ni Maria Malibran. Bilang isang bata, pinag-aralan niya ang sining ng pagtugtog ng piano kasama si Franz Liszt at magiging isang pianista, ngunit ang kanyang kamangha-manghang mga kasanayan sa boses ang nagpasiya sa kanyang propesyon. Siya ay lumabas sa iba't ibang mga sinehan sa Europa at nagbigay ng maraming mga konsiyerto. Siya ay sikat sa mga tungkulin ni Fides ("Ang Propeta" ni Meyerbeer), Orpheus ("Orpheus at Eurydice" ni Gluck), Rosina ("The Barber of Seville" ni Rossini). Ang may-akda ng mga romansa at comic opera sa isang libretto ni Ivan Turgenev, ang kanyang malapit na kaibigan. Kasama ang kanyang asawa, na nagsalin ng mga gawa ni Turgenev sa Pranses, itinaguyod niya ang mga tagumpay ng kulturang Ruso. Ang kanyang apelyido ay binabaybay sa iba't ibang anyo. Kasama ang mga apelyido sa pagkadalaga Garcia, nakamit niya ang katanyagan at katanyagan, pagkaraan ng ilang panahon ng kasal ay ginamit niya ang dobleng apelyido na Garcia-Viardot at sa isang punto ay binitawan niya ang kanyang pangalan sa pagkadalaga at tinawag ang kanyang sarili na "Mrs. Viardot". Noong 1837, ang 16-anyos na si Pauline Garcia ay nagbigay ng kanyang unang konsiyerto sa Brussels, at noong 1839 ginawa niya ang kanyang debut bilang Desdemona sa Rossini's Othello sa London, na naging highlight ng season. Sa kabila ng ilang mga pagkukulang, pinagsama ng boses ng batang babae ang katangi-tanging pamamaraan na may kamangha-manghang pagnanasa. Noong 1840, pinakasalan ni Pauline si Louis Viardot, kompositor at direktor ng Théatre Italien sa Paris. Ang pagiging 21 taong mas matanda kaysa sa kanyang asawa, sinimulan ng kanyang asawa na ituloy ang kanyang karera. Noong 1844, sa kabisera ng Imperyo ng Russia, ang lungsod ng St. Petersburg, gumanap siya sa parehong entablado kasama sina Antonio Tamburini at Giovanni Batista Rubini. Maraming tagahanga si Viardot. Sa partikular, ang manunulat na Ruso na si Ivan Sergeevich Turgenev ay umibig sa mang-aawit noong 1843 matapos marinig ang kanyang pagganap sa The Barber of Seville. Noong 1845 umalis siya sa Russia upang sundan si Pauline at kalaunan ay naging halos miyembro ng pamilya Viardot. Itinuring ng manunulat ang apat na anak ni Polina bilang kanyang sarili, at sinamba siya hanggang sa kanyang kamatayan. Siya naman, ay isang kritiko ng kanyang trabaho, at ang kanyang posisyon sa mundo at mga koneksyon ay ipinakita sa manunulat sa pinakamahusay na liwanag. Tunay na karakter pinag-uusapan pa rin ang kanilang relasyon. Bilang karagdagan, nakipag-usap si Pauline Viardot sa iba pang mahuhusay na tao, kabilang sina Charles Gounod at Hector Berlioz. Sikat sa kanyang vocal at dramatic na kakayahan, binigyang inspirasyon ni Viardot ang mga kompositor gaya nina Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns at Giacomo Meyerbeer, ang may-akda ng opera na The Prophet, kung saan siya ang naging unang gumanap ng papel ni Fides. Hindi niya kailanman itinuring ang kanyang sarili na isang kompositor, ngunit aktwal na bumuo ng tatlong koleksyon ng musika, at tumulong din sa pagsusulat ng musika para sa mga tungkulin na nilikha para sa kanya. Nang maglaon, pagkatapos umalis sa entablado, sumulat siya ng isang opera na tinatawag na Le dernier sorcier. Si Viardot ay nagsasalita ng matatas na Espanyol, Pranses, Italyano, Ingles, Aleman at Ruso at gumamit ng iba't ibang pambansang pamamaraan sa kanyang trabaho. Salamat sa kanyang talento, gumanap siya sa pinakamahusay na mga bulwagan ng konsiyerto sa Europa, kabilang ang Opera House sa St. Petersburg (noong 1843-1846). Napakahusay ng kasikatan ni Viardot kaya ginawa siyang prototype ni Georges Sand ang pangunahing karakter ang nobelang "Consuelo". Kinanta ni Viardot ang bahaging mezzo-soprano sa Tuba Mirum (Mozart's Requiem) sa libing ni Chopin noong Oktubre 30, 1849. Ginampanan niya ang pangunahing papel sa opera ni Gluck na Orpheus at Eurydice. Noong 1863, umalis si Pauline Viardot-Garcia sa entablado, umalis sa France kasama ang kanyang pamilya (ang kanyang asawa ay isang kalaban ng rehimeng Napoleon III) at nanirahan sa Baden-Baden. Matapos ang pagbagsak ni Napoleon III, ang pamilyang Viardot ay bumalik sa France, kung saan nagturo si Pauline sa Paris Conservatory hanggang sa kamatayan ng kanyang asawa noong 1883, at nag-iingat din ng isang music salon sa Boulevard Saint-Germain. Kabilang sa mga mag-aaral at estudyante ni Pauline Viardot ang sikat na Desire Artaud-Padilla, Sophie Roer-Brainin, Bilodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant at iba pa. Nagkaroon siya ng mahusay na vocal school para sa maraming mang-aawit na Ruso, kabilang ang F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. Noong Mayo 18, 1910, namatay si Pauline Viardot, napaliligiran ng mapagmahal na kamag-anak... Inilibing sa sementeryo ng Montmartre sa Paris. Inialay ng makatang Ruso na si Alexei Nikolaevich Pleshcheev ang kanyang tula na "The Singer" (Viardot Garcia) sa kanya: Hindi! Hindi kita nalilimutan, mapang-akit na mga tunog, Bilang unang matamis na luha ng pag-ibig, hindi ko malilimutan! Nang ako ay nakinig sa iyo, paghihirap ay nagpakumbaba sa aking dibdib, At muli handa akong maniwala at magmahal! Hindi ko siya nakakalimutan ... Alinman sa isang inspiradong priestess, na natatakpan ng isang malawak na dahon na korona, Siya ay nagpakita sa akin ... at umawit ng isang sagradong himno, At ang kanyang tingin ay nag-alab sa banal na apoy ... Pagkatapos ay isang maputlang imahe sa kanyang Nakita ko si Desdemona, Nang siya, yumuko sa alpa na ginintuang, Siya ay umawit ng isang awit tungkol sa wilow ... at ang mga daing ay naputol ng malungkot na pag-apaw ng lumang awit na iyon. Gaano kalalim ang kanyang pagkaunawa, pinag-aralan ang Isa na nakakaalam ng mga tao at ang mga lihim ng kanilang mga puso; At kung ang isang dakila ay bumangon mula sa libingan, ilalagay Niya ang Kanyang korona sa kanyang noo. Minsan si Rosina ay nagpakita sa akin, bata At madamdamin, tulad ng gabi ng kanyang sariling bansa ... At, nakikinig sa kanyang mahiwagang boses, Sa matabang lupang iyon ay pinaglabanan ko ang aking kaluluwa, Kung saan ang lahat ay nakakaakit sa tainga, lahat ay nakalulugod sa mga mata, Kung saan ang walang hanggang bughaw na langit ay kumikinang, Kung saan ang mga nightingale ay sumipol sa mga sanga ng puno ng sikomoro At ang sipres, ang anino ay nanginginig sa makinis na ibabaw ng tubig! At ang aking dibdib, na puno ng banal na kasiyahan, Purong Kasiyahan, ay tumaas, At ang nakakagambalang pag-aalinlangan ay lumipad, At ang aking kaluluwa ay mahinahon at magaan. Bilang isang kaibigan pagkatapos ng mga araw ng masakit na paghihiwalay, handa akong yakapin ang buong mundo ... Oh! Hindi kita nalilimutan, mapang-akit na mga tunog, Bilang unang matamis na luha ng pag-ibig, hindi ko malilimutan!<1846>

Si Natalie Dessay (ipinanganak na Nathalie Dessaix) ay isang mang-aawit sa opera ng Pransya, coloratura soprano. Isa sa mga nangungunang mang-aawit sa ating panahon, sa simula ng kanyang karera ay kilala siya sa kanyang napakataas at transparent na boses, ngayon ay kumakanta siya sa mas mababang hanay. Gustung-gusto ng madla para sa mahusay na dramatikong pagganap at isang masiglang pagpapatawa. Si Natalie Dessay ay ipinanganak noong Abril 19, 1965 sa Lyon, lumaki sa Bordeaux. Habang nag-aaral pa, ibinaba niya ang letrang "h" mula sa kanyang pangalan, bilang parangal sa aktres na si Natalie Wood, at kalaunan ay pinasimple ang spelling ng fimilia. Sa kanyang kabataan, pinangarap ni Dessay na maging isang ballerina o artista at kumuha ng mga aralin sa pag-arte, ngunit minsan, nakikipaglaro sa mga kapwa mag-aaral sa isang hindi kilalang dula noong ika-18 siglo, kinailangan niyang kumanta, kinanta niya ang aria ni Pamina mula sa The Magic Flute, lahat ay namangha, pinayuhan siyang ilipat ang kanyang atensyon sa musika. Pumasok si Natalie sa State Conservatory sa Bordeaux, nakatapos ng limang taong pag-aaral sa loob lamang ng isang taon at nagtapos ng mga karangalan noong 1985. Pagkatapos ng conservatory ay nagtrabaho siya sa Orchestra National de Toulouse Capitol. Noong 1989, nakuha niya ang pangalawang lugar sa New Voices competition na ginanap ng France-Telecom, na nagbigay-daan sa kanya na mag-aral ng isang taon sa Lyric Arts School ng Paris Opera at gampanan ang papel ni Eliza sa The Shepherd Tsar ni Mozart. Noong tagsibol ng 1992, kumanta siya ng maikling bahagi ng Olympia mula sa "Tales of Hoffmann" ni Offenbach sa Opera Bastille, ang kanyang kapareha ay si Jose van Dam, binigo ng produksyon ang mga kritiko at madla, ngunit ang batang mang-aawit ay nakatanggap ng standing ovation at napansin. . Ang papel na ito ay magiging isang palatandaan para sa kanya, hanggang 2001 siya ay gaganap na Olympia sa walong iba't ibang mga produksyon, kasama ang kanyang debut sa La Scala. Noong 1993, nanalo si Natalie Dessay sa International Mozart Competition ng Vienna Opera at nanatili upang mag-aral at magtanghal sa Vienna Opera. Dito ay kinanta niya ang papel na Blonda mula sa "Abduction from the Seraglio" ni Mozart, na naging isa pang pinakasikat at pinakamadalas na gumanap na papel. Noong Disyembre 1993, inalok si Natalie na palitan si Cheryl Studer sa kilalang papel ng Olympia sa Vienna Opera. Ang kanyang pagganap ay nakatanggap ng pagkilala ng madla sa Vienna at ang papuri kay Placido Domingo, sa parehong taon na ginampanan niya ang papel na ito sa Lyon Opera. Nagsimula ang internasyonal na karera ni Natalie Dessay sa mga pagtatanghal sa Vienna Opera. Noong 1990s, ang kanyang pagkilala ay patuloy na lumalaki at ang kanyang repertoire ng mga tungkulin ay patuloy na lumalawak, mayroong maraming mga alok, siya ay gumanap sa lahat ng nangungunang mga opera house sa mundo - ang Metropolitan Opera, La Scala, Bavarian Opera, Covent Garden, Vienna Opera at iba pa. Ang isang natatanging tampok ng aktres na si Dessay ay naniniwala siya na ang isang mang-aawit sa opera ay dapat na binubuo ng 70% ng teatro at 30% ng musika at nagsusumikap hindi lamang na kantahin ang kanyang mga tungkulin, ngunit gampanan din ang mga ito nang husto, kaya ang bawat isa sa kanyang mga karakter ay isang bagong tuklas. hindi katulad ng iba. Noong 2001/2002 season, nagsimulang makaranas si Dessay ng kahirapan sa boses at kinailangang kanselahin ang kanyang mga pagtatanghal at recital. Umalis siya sa entablado at noong Hulyo 2002 ay sumailalim sa operasyon upang alisin ang mga polyp sa kanyang vocal cords, noong Pebrero 2003 bumalik siya na may solong konsiyerto sa Paris at aktibong ipinagpatuloy ang kanyang karera. Noong 2004/2005 season, si Natalie Dessay ay kailangang sumailalim sa pangalawang operasyon. Isang bagong pampublikong pagpapakita ang naganap noong Mayo 2005 sa Montreal. Ang pagbabalik ni Natalie Dessay ay sinamahan ng isang reorientation sa kanyang lyric repertoire. Siya ay sumusuko sa "liwanag", nang walang malalim na mga tungkulin (tulad ni Gilda sa "Rigoletto") o mula sa mga tungkuling hindi na niya gustong gampanan (Queen of the Night o Olympia) pabor sa mas "tragic" na mga karakter. Ang posisyon na ito sa una ay nagdulot ng malubhang hindi pagkakasundo sa ilang mga direktor at kasamahan. Ngayon si Natalie Dessay ay nasa tuktok ng kanyang karera at siya ang nangungunang soprano sa ating panahon. Naninirahan at gumaganap pangunahin sa USA, ngunit patuloy na naglilibot sa Europa. Makikita siya ng mga tagahanga ng Russia sa St. Petersburg noong 2010 at sa Moscow noong 2011. Noong unang bahagi ng 2011, kinanta niya (sa unang pagkakataon) ang papel ni Cleopatra sa Julia Caesar ni Handel sa Opera Garnier, bumalik sa Metropolitan Opera kasama ang kanyang tradisyonal. " Lucia di Lammermoor ", pagkatapos ay bumalik muli sa Europa na may bersyon ng konsiyerto ng" Pelléas at Melisande "sa Paris at London at isang konsiyerto sa Moscow. Kasama sa mga agarang plano ng mang-aawit ang maraming proyekto: La Traviata sa Vienna noong 2011 at sa Metropolitan Opera noong 2012, Cleopatra sa Julia Caesar sa Metropolitan Opera noong 2013, Manon sa Paris Opera at La Scala noong 2012, Marie ("The Daughter of the Regiment") sa Paris noong 2013, at Elvira sa Metropolitan noong 2014. Si Natalie Dessay ay kasal sa bass-baritone na si Laurent Nauri at mayroon silang dalawang anak. Sa entablado ng opera, bihira mo silang makitang magkasama, hindi katulad ng mag-asawang Alanya-Georgiu, ang katotohanan ay mas kaunti ang repertoire para sa baritone-soprano kaysa sa tenor-soprano. Para sa kapakanan ng kanyang asawa, pinagtibay ni Dessay ang kanyang relihiyon - Hudaismo.

Rita Streich (Disyembre 18, 1920 - Marso 20, 1987) - isa sa mga pinaka-revered at naitala na Aleman na mang-aawit ng opera noong 40-60s ng ika-20 siglo, soprano. Si Rita Streich ay ipinanganak sa Barnaul, Altai Krai, Russia. Ang kanyang ama na si Bruno Streich, isang korporal ng hukbong Aleman, ay nahuli sa mga harapan ng Unang Digmaang Pandaigdig at nalason sa Barnaul, kung saan nakilala niya ang isang babaeng Ruso, isang hinaharap na ina. sikat na mang-aawit Vera Alekseev. Noong Disyembre 18, 1920, nagkaroon ng anak na babae sina Vera at Bruno, si Margarita Streich. Di-nagtagal, pinahintulutan ng pamahalaang Sobyet ang mga bilanggo ng digmaang Aleman na makauwi at si Bruno, kasama sina Vera at Margarita, ay pumunta sa Alemanya. Salamat sa kanyang ina na Ruso, si Rita Streich ay nagsalita at kumanta nang mahusay sa Russian, na lubhang kapaki-pakinabang para sa kanyang karera, sa parehong oras, dahil sa kanyang "hindi dalisay" na wikang Aleman, sa simula ay may ilang mga problema sa pasistang rehimen. Ang mga kakayahan sa boses ni Rita ay natuklasan nang maaga, simula sa elementarya na siya ay isang nangungunang tagapalabas sa mga konsyerto sa paaralan, kung saan napansin siya ng mahusay na mang-aawit ng opera ng Aleman na si Erna Berger at dinala siya upang mag-aral sa Berlin. din sa magkaibang panahon kasama sa kanyang mga guro ang kilalang tenor na si Willie Domgraf-Fasbender at ang soprano na si Maria Ifogun. Ginawa ni Rita Streich ang kanyang debut sa opera noong 1943 sa Ossig (Aussig, ngayon ay Usti nad Labem, Czech Republic) na may papel na Zerbinetta sa opera na Ariadne auf Naxos ni Richard Strauss. Noong 1946, ginawa ni Rita ang kanyang debut sa Berlin State Opera, sa pangunahing tropa, na may papel na Olympia sa "The Tales of Hoffmann" ni Jacques Offebach. Pagkatapos nito, nagsimula ang kanyang karera sa entablado, na tumagal hanggang 1974. Nanatili si Rita Streich sa Berlin Opera hanggang 1952, pagkatapos ay lumipat sa Austria at gumugol ng halos dalawampung taon sa entablado ng Vienna Opera. Dito siya nagpakasal at noong 1956 ay nanganak ng isang anak na lalaki. Si Rita Streich ay nagtataglay ng isang maliwanag na coloratura soprano at madaling gumanap ng pinakamahirap na bahagi sa repertoire ng opera ng mundo, tinawag siyang "German nightingale" o "Viennese nightingale". Sa kanyang mahabang karera, gumanap si Rita Streich sa maraming mga sinehan sa mundo - nagkaroon siya ng mga kontrata sa La Scala at Bavarian radio sa Munich, kumanta sa Covent Garden, ang Paris Opera, pati na rin ang Rome, Venice, New York, Chicago, San Francisco, binisita. Japan, Australia at New Zealand, gumanap sa Salzburg, Bayreuth at Glyndebourne mga opera festival... Kasama sa kanyang repertoire ang halos lahat ng makabuluhang operatic role para sa soprano - kilala siya bilang pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin ng Queen of the Night sa Mozart's Magic Flute, Annchen sa Weber's Free Shooter at iba pa. Kasama sa kanyang repertoire, bukod sa iba pang mga bagay, ang mga gawa ng mga kompositor ng Russia, na kanyang ginampanan sa Russian. Itinuring din siyang isang mahusay na interpreter ng operetta repertoire at mga katutubong kanta at romansa. Nakatrabaho niya ang pinakamahuhusay na orkestra at konduktor sa Europa, nagtala ng 65 malalaking rekord ng gramopon. Matapos makumpleto ang kanyang karera, si Rita Streich ay naging propesor sa Academy of Music sa Vienna mula noong 1974, nagturo sa isang paaralan ng musika sa Essen, nagbigay ng mga master class, at pinamunuan ang Center for the Development of Lyric Art sa Nice. Namatay si Rita Streich noong Marso 20, 1987 sa Vienna at inilibing sa lumang sementeryo ng lungsod sa tabi ng kanyang ama na si Bruno Streich at ina na si Vera Alekseeva.

Si Cecilia Bartoli ay isang Italian opera singer, coloratura mezzo-soprano. Isa sa mga nangungunang at komersyal na matagumpay na mang-aawit ng opera sa ating panahon. Si Cecilia Bartoli ay ipinanganak noong Hunyo 4, 1966 sa Roma. Ang mga magulang ni Bartoli ay sina Silvana Bazzoni at Pietro Angelo Bartoli, mga propesyonal na mang-aawit, mga empleyado ng Rome Opera. Ang una at pangunahing guro ng boses ni Cecilia ay ang kanyang ina. Sa edad na siyam, unang lumitaw si Cecilia sa "malaking entablado" - lumitaw siya sa isa sa mga eksena ng karamihan sa Rome Opera sa anyo ng isang batang pastol sa paggawa ng "Tosca". Bilang isang bata, ang hinaharap na mang-aawit ay mahilig sa pagsasayaw at nakikibahagi sa flamenco, ngunit hindi nakita ng kanyang mga magulang ang kanyang karera sa pagsasayaw at hindi nasisiyahan sa libangan ng kanyang anak na babae, iginiit nila na ipagpatuloy niya ang kanyang edukasyon sa musika. Binigyan ni Flamenco si Bartoli ng gaan at hilig kung saan siya gumaganap sa entablado, at ang kanyang pagmamahal sa sayaw na ito ay may kaugnayan pa rin. Sa edad na 17, pumasok si Bartoli sa Santa Cecilia Conservatory. Noong 1985, lumabas siya sa palabas sa telebisyon na New Talents: kinanta niya ang Barcarole mula sa Offenbach's Tales of Hoffmann, Rosina's aria mula sa The Barber of Seville, at kahit isang duet kasama ang baritone na si Leo Nucci. At bagama't pumangalawa siya, ang kanyang pagganap ay gumawa ng splash sa mga mahilig sa opera. Di-nagtagal, nagtanghal si Bartoli sa isang konsiyerto na inorganisa ng Paris Opera bilang pag-alaala kay Maria Callas. Pagkatapos ng konsiyerto na ito, tatlong "heavyweights" sa mundo ng klasikal na musika ang nakakuha ng atensyon sa kanya - sina Herbert von Karajan, Daniel Barenboim at Nikolaus Arnoncourt. Ang kanyang propesyonal na operatic debut ay naganap noong 1987 sa Arena di Verona. Nang sumunod na taon, ginampanan niya ang papel na Rosina sa The Barber of Seville ni Rossini sa Cologne Opera at ang papel na Cherubino, na ipinares kay Nikolaus Arnoncourt sa The Marriage of Figaro ni Mozart sa Zurich, Switzerland. Inanyayahan siya ni Herbert von Karajan na lumahok sa Salzburg Festival at magsagawa ng Misa sa B minor ni JS Bach kasama niya, ngunit ang pagkamatay ng maestro ay hindi pinahintulutan na matupad ang mga plano. Noong 1990, ginawa ni Bartoli ang kanyang debut sa Opera Bastille bilang Cherubino, sa Hamburg State Opera bilang Idamante sa Mozart's Idomeneo, at sa United States sa Mostly Mozart Festival sa New York at pumirma ng eksklusibong kontrata sa DECCA. Noong 1991 ginawa niya ang kanyang debut sa La Scala sa papel na Isolier sa opera ni Rossini na "Count Ori", mula noon, sa edad na 25, itinatag niya ang kanyang reputasyon bilang isa sa mga nangungunang performer sa mundo ng Mozart at Rossini. Simula noon, mabilis na umunlad ang kanyang karera - enumeration pinakamahusay na mga sinehan mundo, mga premiere, recital, conductor, recording, festival at mga parangal na maaaring maging isang libro si Cecili Bartoli. Mula noong 2005, nakatuon si Cecilia Bartoli sa musika ng Baroque at maagang klasiko ng mga kompositor tulad nina Gluck, Vivaldi, Haydn at Salieri, at mas kamakailan sa musika ng Romantic na panahon at Italian bel canto. Kasalukuyan siyang nakatira kasama ang kanyang pamilya sa Monte Carlo at nagtatrabaho sa Zurich Opera. Si Cecilia Bartoli ay isang madalas na panauhin sa Russia, mula noong 2001 ay maraming beses na siyang bumisita sa ating bansa, ang huli sa kanyang mga paglilibot ay naganap noong Setyembre 2011. Napansin ng ilang kritiko na si Cecilia Bartoli ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na mezzo-soprano sa ating panahon dahil kakaunti lang ang mga kakumpitensya niya na may ganitong uri ng boses (hindi tulad ng soprano), gayunpaman, ang kanyang mga pagtatanghal ay nagtitipon ng buong bulwagan ng mga tagahanga, at ang mga disc ay ibinebenta sa milyon-milyong kopya.... Para sa kanyang mga tagumpay sa larangan ng musika, si Cecilia Bartoli ay ginawaran ng maraming parangal ng estado at publiko, kabilang ang French Orders of Merit and Arts and Letters at ang Italian knighthood, at isa rin siyang honorary member ng Royal Academy of Music sa London, atbp. Siya ang may-ari ng limang Grammy Awards, ang huli ay napanalunan niya noong 2011 para sa Best Classical Vocal Performance sa album na Sacrificium.

Si Jo Sumi ay isang Korean opera singer, coloratura soprano. Ang pinakatanyag na mang-aawit sa opera ay orihinal na mula sa Timog-silangang Asya. Sumi Cho ay ipinanganak noong Nobyembre 22, 1962 sa Seoul, South Korea ... Ang tunay niyang pangalan ay Jo Sugyeong. Ang kanyang ina ay isang baguhang mang-aawit at pianista, ngunit hindi nakakuha ng propesyonal na edukasyong pangmusika dahil sa sitwasyong pampulitika sa Korea noong 1950s. Determinado siyang bigyan ang kanyang anak na babae ng magandang edukasyon sa musika. Sinimulan ni Sumi Cho ang mga aralin sa piano sa 4 na taong gulang at pagsasanay sa boses sa 6 na taong gulang, kahit na noong bata pa ay kailangan niyang gumugol ng hanggang walong oras sa mga aralin sa musika. Noong 1976, pumasok si Sumi Cho sa Seoul Art School (Private Academy) "Sang Hwa", na nagtapos siya noong 1980 na may mga diploma sa vocals at piano. Noong 1981-1983, ipinagpatuloy niya ang kanyang edukasyon sa musika sa Seoul National University. Habang nasa unibersidad, ginawa ni Sumi Cho ang kanyang unang propesyonal na pasinaya, gumanap sa ilang mga konsiyerto na inorganisa ng telebisyon sa Korea, at kinanta si Suzanne sa Le Nozze di Figaro sa Seoul Opera. Noong 1983, nagpasya si Cho na umalis sa Unibersidad ng Seoul at lumipat sa Italya upang mag-aral ng musika sa pinakalumang institusyong pangmusika, ang National Academy of Saint Cecilia sa Roma, na nagtapos ng may karangalan. Kasama sa kanyang mga gurong Italyano sina Carlo Bergonzi at Gianella Borelli. Sa kanyang pag-aaral sa akademya, madalas na maririnig si Cho sa mga konsyerto sa iba't ibang lungsod ng Italy, gayundin sa radyo at telebisyon. Sa panahong ito napagpasyahan ni Cho na gamitin ang pangalang "Sumi" bilang kanyang pangalan sa entablado upang mas maunawaan ng madla sa Europa. Noong 1985 nagtapos siya sa akademya na may espesyalisasyon sa piano at vocals. Pagkatapos ng akademya, kumuha siya ng mga aralin sa boses mula kay Elizabeth Schwarzkopf at nanalo ng ilang mga kumpetisyon sa boses sa Seoul, Naples, Barcelona, Pretoria at higit sa lahat noong 1986, isang internasyonal na kumpetisyon sa Verona, kung saan ang mga nanalo lamang ng iba pang makabuluhang internasyonal na kumpetisyon ang maaaring lumahok, kung sabihin, ang pinakamahusay sa pinakamahusay na mga batang mang-aawit. Ginawa ni Sumi Cho ang kanyang European opera debut noong 1986 bilang Gilda sa Rigoletto sa Giuseppe Verdi Theater sa Trieste. Ang pagtatanghal na ito ay nakakuha ng atensyon ni Herbert von Karajan, na nag-imbita sa kanya na gampanan ang papel ng pahina ng Oscar sa opera na "Un ballo in maschera" kasama si Placido Domingo, na itinanghal sa Salzburg Festival noong 1987. Sa mga susunod na taon, patuloy na lumakad si Sumi Cho patungo sa opera Olympus, patuloy na pinalawak ang heograpiya ng kanyang mga pagtatanghal at binabago ang kanyang repertoire mula sa maliliit na tungkulin tungo sa mga pangunahing tungkulin. Noong 1988, ginawa ni Sumi Cho ang kanyang debut sa La Scala at Bavarian State Opera, noong 1989 sa Vienna State Opera at Metropolitan Opera, noong 1990 sa Chicago Opera Lyricist at Covent Garden. Si Sumi Cho ay naging isa sa mga pinakahinahangad na soprano sa ating panahon at nananatili sa ganitong katayuan hanggang ngayon. Gustung-gusto siya ng madla para sa kanyang maliwanag, mainit, nababaluktot na boses, gayundin sa kanyang optimismo at magaan na pagpapatawa sa entablado at sa buhay. Siya ay magaan at libre sa entablado, na nagbibigay sa bawat isa sa kanyang mga pagtatanghal ng banayad na oriental pattern. Bumisita si Sumi Cho sa lahat ng mga bansa sa mundo kung saan mahilig sila sa opera, kabilang ang ilang beses sa Russia, ang huling pagbisita ay noong 2008, nang libutin niya ang ilang mga bansa sa isang duet kasama si Dmitry Hvorostovsky bilang bahagi ng isang paglilibot. Siya ay may abalang iskedyul sa trabaho, kabilang ang mga paggawa ng opera, mga programa sa konsiyerto, makipagtulungan sa mga kumpanya ng rekord. Ang discography ni Sumi Cho ay kasalukuyang mayroong mahigit 50 recording, kabilang ang sampung solo album at crossover disc. Ang kanyang dalawang album ay pinakakilala - noong 1992 siya ay ginawaran ng Grammy Award para sa Best Opera Recording para sa opera ni Wagner na Woman Without a Shadow kasama sina Hildegard Behrens, Jose van Dam, Julia Varadi, Placido Domingo, conductor na si Georg Solti, at isang album na may opera. "Masquerade Ball" ni G. Verdi, na nakatanggap ng premyo mula sa German Gramophone.

Ang Civic Opera House / Lyric Opera ay isang opera house sa Chicago, Illinois, USA. Ang teatro ay may seating capacity na 3,563, na ginagawa itong pangalawang pinakamalaking teatro sa mundo pagkatapos ng Metropolitan Opera. Ang teatro ay bahagi ng isang 45-palapag na gusali ng opisina na may dalawang 22-palapag na mga pakpak. Ang gusali ay pagmamay-ari na ngayon ng Lyric Opera ng Chicago. Ang opera house ng lungsod ay itinayo noong 1929 ng kumpanyang Graham, Anderson, Probst & White, na nagtayo ng maraming gusali sa gitna ng Chigago, ang punong arkitekto ay si Alfred Shaw, nangunguna sa inhinyero ng sibil na si Magnus Gunderson ... Ang gusali ay matatagpuan sa pangunahing kalye Ang Chicago ay Walker Drive at may dalawang istilo at dalawang mukha - mula sa gilid ng Chicago River ay may tanawin ito sa huwarang istilo ng Art Deco, napakakaraniwan sa panahong iyon, ang tanawin mula sa gilid ng kalye na may mahabang hanay ng mga haligi, at ang loob ng tetra ay inspirasyon ng French neoclassicism , marahil bilang imitasyon ng Parisian Opera Garnier. Ang panloob na espasyo at ang bulwagan ay pinalamutian din ng mayaman, lalo na ang "nagniningas" na kurtina, na pininturahan ng mga eksena at mga karakter mula sa iba't ibang mga opera, namumukod-tangi, ang gitnang lugar ay inookupahan ng engrandeng martsa mula sa "Aida". Ang pangunahing customer at financier, na namuhunan ng kalahati ng halaga ng konstruksiyon, ay ang negosyanteng Chigag, pilantropo at patron ng sining na si Samuel Insull, na orihinal na empleyado ng kumpanyang General Electric ni Thomas Edison at pumunta sa Chicago upang palawakin ang negosyo. Sa loob ng ilang taon, ang bagong Chigago Edison (na kalaunan ay pinalitan ng pangalan at binago) ang naging pinakamalaking kumpanya ng electrification at power generation ng lungsod, at nagmamay-ari din ng ilan sa iba pang malalaking kumpanya ng lungsod. Si Insull ay ikinasal sa isang artista na maraming taon na mas bata sa kanya, pareho silang mahilig sa sining at itinayo niya ang teatro bilang regalo sa kanyang asawa, na tinanggihan ng isang pagtatanghal sa Metropolitan Opera (bagaman ang mga ito ay mga alingawngaw lamang, dahil ang kanyang asawa ay hindi isang mang-aawit o naghahangad na gumanap sa opera). Ang ideya ng pagsasama-sama ng opera house sa retail at office space ay upang makabuo ng karagdagang kita sa mga break sa pagitan ng mga season ng opera. Ang mataas na gusali na may dalawang pakpak ay kahawig ng isang higanteng upuan, kaya naman kung minsan ay tinatawag itong "trono ng Insull." Si Samuel Insull mismo. Gayunpaman, ang Great Depression na nagsimula anim na araw mas maaga ay may negatibong epekto sa teatro, ang teatro ay walang laman at nasa bingit ng kaligtasan, ang unang grupo ng opera ay naghiwalay. Si Insull mismo ang nawala sa halos lahat ng kanyang negosyo, na-prosecut, nagtago sa Europa, pagkatapos ay napawalang-sala at namatay sa Paris sa kamag-anak na kahirapan. Noong 1930s at 40s, ilang kumpanya ng opera ang nakabase sa teatro, wala sa mga ito ang nagtagal. Noong 1954, ang teatro ay inupahan ng Lyric Opera Company ng Chicago, na ganap na binili ang gusali noong 1993. Ang lyric opera ay nagsimula ng malakihang pagsasaayos. Ang lahat ng kinakailangang pag-update ay na-update, ang pandaigdigang muling pagtatayo ay natapos noong 1996.

Ang Mariinsky Theater ay isang opera at ballet theater sa St. Petersburg, Russia. Binuksan noong 1860, isang pambihirang teatro ng musikal na Ruso. Sa entablado nito ay may mga premiere ng mga obra maestra nina Tchaikovsky, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov at marami pang ibang kompositor. Ang Mariinsky Theater ay tahanan ng mga kumpanya ng opera at ballet at isang symphony orchestra Teatro ng Mariinsky... Masining na direktor at punong konduktor Valery Gergiev. Sa loob ng higit sa dalawang siglo ng kasaysayan nito, ipinakita ng Mariinsky Theater sa mundo ang maraming magagaling na artista: ang namumukod-tanging bass, ang nagtatag ng Russian performing opera school na si Osip Petrov ay nagsilbi dito, tulad ng mga mahuhusay na mang-aawit tulad nina Fyodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea at Hinasa ni Nikolai Figner ang kanilang mga kasanayan at naabot ang taas ng katanyagan. , Sophia Preobrazhenskaya. Ang mga mananayaw ng ballet ay lumiwanag sa entablado: Sinimulan ni Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vaclav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, George Balanchine ang kanyang karera sa sining. Nasaksihan ng teatro ang pamumulaklak ng talento ng mga makikinang na dekorador tulad nina Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fyodor Fedorovsky. At marami, marami pang iba. Matagal nang tradisyon na ang Mariinsky Theatre ay nagpapanatili ng isang pedigree, na nagbibilang ng isang siglo mula 1783, nang noong Hulyo 12 ay inisyu ang isang utos na nag-aapruba sa theatrical committee "upang pamahalaan ang mga palabas at musika", at noong Oktubre 5 ang Bolshoi Kamenny Theatre ay taimtim. binuksan sa Carousel Square. Ang teatro ay nagbigay ng bagong pangalan sa parisukat - ito ay nakaligtas hanggang ngayon bilang Teatralnaya. Dinisenyo ni Antonio Rinaldi, ang Bolshoi Theater ay humanga sa imahinasyon sa laki nito, marilag na arkitektura, entablado na nilagyan ng huling-salita ng theatrical technique noon. Sa pagbubukas nito, ibinigay ang opera ni Giovanni Paisiello na Il Mondo della luna ("Lunar World"). Ang tropang Ruso ay nagtanghal dito na kahalili sa mga Italyano at Pranses, mayroong mga dramatikong pagtatanghal, mga konsiyerto ng boses at instrumental ay itinanghal din. Petersburg ay nasa ilalim ng pagtatayo, ang hitsura nito ay patuloy na nagbabago. Noong 1802-1803, si Thomas de Thomon, isang napakatalino na arkitekto at draftsman, ay nagsagawa ng isang malaking reorganisasyon ng panloob na layout at dekorasyon ng teatro, kapansin-pansing nagbago ang hitsura at proporsyon nito. Ang bago, seremonyal at maligaya na hitsura, ang Bolshoi Theater ay naging isa sa mga landmark ng arkitektura ng kabisera ng Neva, kasama ang Admiralty, Stock Exchange, at Kazan Cathedral. Gayunpaman, noong gabi ng Enero 1, 1811, isang malaking sunog ang sumiklab sa Bolshoi Theater. Sa loob ng dalawang araw, ang mayamang interior decoration ng teatro ay nawasak sa apoy, at ang harapan nito ay malubhang nasira. Si Thomas de Thomon, na gumuhit ng isang proyekto upang maibalik ang kanyang minamahal na utak, ay hindi nabuhay upang makita ang pagpapatupad nito. Noong Pebrero 3, 1818, muling binuksan ang Bolshoi Theater na may prologue na Apollo at Pallas sa Hilaga at ang ballet ni Charles Didlot na Zephyr at Flora sa musika ng kompositor na si Catharino Cavos. Papalapit na tayo sa "gintong panahon" ng Bolshoi Theater. Kasama sa repertoire ng panahon ng "post-fire" ang "The Magic Flute", "The Abduction from the Seraglio", "Mercy of Titus" ni Mozart. Ang publikong Ruso ay binihag ng Rossini's Cinderella, Semiramis, Magpie the Thief, at The Barber of Seville. Noong Mayo 1824, napanood ang premiere ng Weber's Free Shooter, isang gawaing napakahalaga sa pagsilang ng romantikong opera ng Russia. Ang Vaudeville ay gumaganap nina Alyabyev at Verstovsky; Ang isa sa mga pinakamamahal at repertoire na opera ay ang Ivan Susanin ni Cavos, na tumakbo hanggang sa paglitaw ng opera ni Glinka sa parehong paksa. Ang kapanganakan ng katanyagan sa mundo ng ballet ng Russia ay konektado sa maalamat na pigura ni Charles Didlot. Sa mga taong ito ay naging regular si Pushkin sa St. Petersburg Bolshoi, na naglalarawan sa teatro sa walang kamatayang tula. Noong 1836, upang mapabuti ang acoustics ng arkitekto na si Alberto Cavos, ang anak ng isang kompositor at bandmaster, ang simboryo na kisame ng bulwagan ng teatro ay pinalitan ng isang patag, at sa itaas nito ay mayroong isang art workshop, isang bulwagan para sa mga dekorasyon ng pagpipinta. . Inalis ni Alberto Cavos ang mga column sa auditorium na humahadlang sa view at nasira ang acoustics, binibigyan ang auditorium ng pamilyar na hugis ng horseshoe, pinapataas ang haba at taas nito, na dinadala ang bilang ng mga manonood sa dalawang libo. Noong Nobyembre 27, 1836, ang unang pagtatanghal ng opera ni Glinka na A Life for the Tsar ay nagpatuloy sa mga pagtatanghal ng muling itinayong teatro. Sa pamamagitan ng pagkakataon, o marahil hindi nang walang mabuting layunin, ang premiere ng Ruslan at Lyudmila, ang pangalawang opera ni Glinka, ay naganap nang eksaktong anim na taon mamaya, noong Nobyembre 27, 1842. Ang dalawang petsang ito ay sapat na para sa St. Petersburg Bolshoi Theater na pumasok sa kasaysayan ng kulturang Ruso magpakailanman. Ngunit, siyempre, mayroon ding mga obra maestra ng musikang European: mga opera ni Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thom ... Sa paglipas ng panahon, ang mga pagtatanghal ng kumpanya ng opera ng Russia ay inilipat sa entablado ng Alexandrinsky Theatre at ang tinatawag na Circus Theatre na matatagpuan sa tapat ng Bolshoi (kung saan nagpatuloy ang mga pagtatanghal ng ballet troupe at ang Italian opera). Nang masunog ang Circus Theater noong 1859, isang bagong teatro ang itinayo sa lugar nito ng parehong arkitekto na si Alberto Cavos. Siya ang tumanggap ng pangalang Mariinsky bilang parangal sa naghaharing Empress Maria Alexandrovna, asawa ni Alexander II. Ang pinakaunang theatrical season sa bagong gusali ay binuksan noong Oktubre 2, 1860 kasama ang opera Life for the Tsar ni Glinka na isinagawa ng punong conductor ng Russian Opera na si Konstantin Lyadov, ang ama ng hinaharap. sikat na kompositor Anatoly Lyadov. Pinagsama at binuo ng Mariinsky Theater ang mga dakilang tradisyon ng unang Ruso larangan ng musika... Sa pagdating noong 1863 ni Eduard Napravnik, na pumalit kay Konstantin Lyadov bilang punong konduktor, nagsimula ang pinaka maluwalhating panahon sa kasaysayan ng teatro. Ang kalahating siglo, na ibinigay ni Napravnik sa Mariinsky Theater, ay minarkahan ng mga premiere ng pinakamahalagang opera sa kasaysayan ng musikang Ruso. Pangalanan lamang natin ang ilan sa kanila - "Boris Godunov" ni Mussorgsky, "The Pskovite Woman", "May Night", "The Snow Maiden" ni Rimsky-Korsakov, "Prince Igor" ni Borodin, "The Maid of Orleans", "The Enchantress", "The Queen of Spades", "Iolanta "Tchaikovsky," The Demon "ni Rubinstein," Oresteya "ni Taneev. Sa simula ng ika-20 siglo, ang repertoire ng teatro ay kinabibilangan ng mga opera ni Wagner (kabilang dito ang tetralogy na Der Ring des Nibelungen), Elektra ni Richard Strauss, The Legend of the Invisible City of Kitezh ni Rimsky-Korsakov, at Khovanshchina ni Mussorgsky. Ang pinuno ng ballet troupe ng teatro noong 1869, ipinagpatuloy ni Marius Petipa ang mga tradisyon ng kanyang mga nauna na sina Jules Perrot at Arthur Saint-Léon. Masigasig na pinanatili ni Petipa ang mga klasikal na pagtatanghal tulad ng Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, na pinailalim lamang ang mga ito sa maingat na pag-edit. Ang "La Bayadere", na itinanghal niya, sa unang pagkakataon ay nagdala ng hininga ng isang malaking komposisyon ng koreograpiko, kung saan "naging parang musika ang sayaw." Ang masayang pagkikita ni Petipa kay Tchaikovsky, na nagsabing "ang ballet ay ang parehong symphony," na humantong sa pagsilang ng The Sleeping Beauty, isang tunay na musikal at koreograpikong tula. Ang choreography ng The Nutcracker ay nilikha sa pakikipagtulungan nina Petipa at Lev Ivanov. Matapos ang pagkamatay ni Tchaikovsky " Swan Lake"Nakahanap ng pangalawang buhay sa entablado ng Mariinsky Theater - at muli sa magkasanib na koreograpia ng Petipa at Ivanov. Pinalakas ni Petipa ang kanyang reputasyon bilang choreographer-symphonist sa paggawa ng ballet ni Glazunov na si Raymonda. Ang kanyang mga makabagong ideya ay kinuha ng batang si Mikhail Fokin, na nagtanghal ng Cherepnin's Pavilion of the Armida, Saint-Saens's The Swan, Chopin's Chopin's Chopin, at mga ballet na nilikha ni Scheherazade sa Paris sa musika ni Rimsky-Korsakov sa Mariinsky Theater. The Firebird" at "Petrushka" ni Stravinsky. Ang Mariinsky Theatre ay muling itinayo nang maraming beses. Noong 1885, nang ang karamihan sa mga pagtatanghal ay inilipat sa yugto ng Mariinsky bago ang pagsasara ng Bolshoi Theater, ang punong arkitekto ng mga teatro ng imperyal na si Viktor Shreter, ay nagdagdag ng isang tatlong palapag na gusali sa kaliwang pakpak ng gusali para sa mga workshop sa teatro, rehearsal room, power plant at boiler room. Noong 1894, sa ilalim ng pamumuno ni Schroeter, ang mga kahoy na rafters ay pinalitan ng bakal at reinforced concrete, idinagdag ang mga pakpak sa gilid, at pinalawak ang foyer ng manonood. Sumailalim sa muling pagtatayo at pangunahing harapan, na nakakuha ng mga monumental na anyo. Noong 1886, ang mga pagtatanghal ng ballet, na hanggang sa oras na iyon ay patuloy na tumakbo sa entablado ng Bolshoi Stone Theater ay inilipat sa Mariinsky Theater. At sa site ng Bolshoi Kamenny, itinayo ang gusali ng St. Petersburg Conservatory. Sa pamamagitan ng isang utos ng gobyerno noong Nobyembre 9, 1917, ang Mariinsky Theater ay idineklara na Estado at inilipat sa hurisdiksyon ng People's Commissariat for Education. Noong 1920, nagsimula itong tawaging State Academic Opera and Ballet Theater (GATOB), at noong 1935 pinangalanan ito sa S.M. Kirov. Kasama ang mga klasiko ng huling siglo, ang mga modernong opera ay lumitaw sa entablado ng teatro noong 1920s at unang bahagi ng 1930s - The Love for Three Oranges ni Sergei Prokofiev, Wozzeck ni Alban Berg, Salome at Der Rosenkavalier ni Richard Strauss; Ang mga ballet ay ipinanganak na nagpapatunay ng isang bagong koreograpikong direksyon na sikat sa mga dekada, ang tinatawag na drum ballet - "Red Poppy" ni Reingold Glier, "The Flame of Paris" at "The Fountain of Bakhchisarai" ni Boris Asafiev, "Laurencia" ni Alexander Crane, "Romeo and Juliet" ni Sergei Prokofiev, atbp. Ang huling pre-war opera premiere ng Kirov Theater ay ang Wagner's Lohengrin, ang pangalawang pagtatanghal na natapos noong huling bahagi ng gabi ng Hunyo 21, 1941, ngunit ang mga pagtatanghal ay naka-iskedyul para sa Hunyo Ang 24 at 27 ay pinalitan ni Ivan Susanin. Sa panahon ng Great Patriotic War, ang teatro ay inilikas sa Perm, kung saan naganap ang mga premiere ng ilang mga pagtatanghal, kabilang ang premiere ng ballet na Gayane ni Aram Khachaturian. Sa pagbabalik sa Leningrad, binuksan ng teatro ang panahon noong Setyembre 1, 1944 kasama ang opera ni Glinka na si Ivan Susanin. Noong 50-70s. ang teatro ay nagtanghal ng mga sikat na ballet tulad ng Shurale ni Farid Yarullin, Spartacus ni Aram Khachaturian at Twelve ni Boris Tishchenko, choreographed ni Leonid Yakobson, The Stone Flower ni Sergei Prokofiev at The Legend of Love ni Arif Melikov, choreographed ni Yuri Grigorovich The Leningrad Symphony ni Si Dmitry Shostakovich na choreographed ni Igor Belsky, habang ang mga bagong ballet ay itinanghal, ang mga klasiko ng ballet ay maingat na napanatili sa repertoire ng teatro. Sa operatic repertoire, kasama si Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi, Bizet, lumitaw ang mga opera ni Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin, Khrennikov. Noong 1968-1970. ang isang pangkalahatang muling pagtatayo ng teatro ay isinagawa ayon sa proyekto ni Salome Gelfer, bilang isang resulta kung saan ang kaliwang pakpak ng gusali ay "pinahaba" at nakuha ang kasalukuyang hitsura nito. Ang isang mahalagang yugto sa kasaysayan ng teatro noong 1980s ay ang pagtatanghal ng mga opera ni Tchaikovsky na Eugene Onegin at The Queen of Spades, na itinanghal ni Yuri Temirkanov, na namuno sa teatro noong 1976. Sa mga produksyong ito, na napanatili pa rin sa repertoire ng teatro, isang bagong henerasyon ng mga artista ang nagdeklara mismo. Noong 1988, si Valery Gergiev ay naging punong konduktor ng teatro. Noong Enero 16, 1992, ang teatro ay ibinalik sa makasaysayang pangalan nito - Mariinsky. At noong 2006, natanggap ng tropa at orkestra ng teatro sa kanilang pagtatapon ang Concert Hall sa 37 Dekabristov Street, na itinayo sa inisyatiba ng artistikong direktor-direktor ng Mariinsky Theatre na si Valery Gergiev. Pinagmulan: Mariinsky Theater

Royal Opera House "Covent Garden" - isang teatro sa London, UK, na nagsisilbing venue para sa opera at ballet performances, home stage ng Royal Opera House at London Royal Ballet... Ito ay matatagpuan sa lugar ng Covent Garden kung saan nakuha nito ang pangalan. Sa una, ang Covent Garden ay nagsama ng ilang independiyenteng tropa, kasama ang mga pagtatanghal ng drama, musikal at ballet, mga palabas sa sirko ... Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang pangunahing lugar sa entablado ng teatro ay inookupahan ng mga pagtatanghal sa musika, at mula noong 1847, ang mga opera at ballet lamang ang itinanghal. Ang modernong gusali ng teatro ay ang pangatlo sa isang hanay na matatagpuan sa site na ito. Ito ay itinayo noong 1858 at sumailalim sa isang malaking pagsasaayos noong 1990s. Ang Royal Opera Hall ay tumatanggap ng 2268 na manonood at binubuo ng apat na tier. Ang proscenium ay 12.2 m ang lapad at 14.8 m ang taas. Ang unang teatro sa site ng isang parke na matatagpuan dito ay itinayo sa pagliko ng 1720s-1930s. sa inisyatiba ng direktor at impresario na si John Rich at binuksan noong Disyembre 7, 1732 sa dulang The Way of the World batay sa dula ni William Congreve. Bago ang pagtatanghal, ang mga aktor ay pumasok sa teatro sa isang solemne na prusisyon, karga-karga si Rich sa kanilang mga bisig. Sa loob ng halos isang siglo, ang Covent Garden Theater ay isa sa dalawang drama theater sa London, simula noong 1660, pinahintulutan ni Haring Charles II ang pagtatanghal ng mga pagtatanghal ng drama sa dalawang sinehan lamang (ang pangalawa ay ang pantay na sikat na Drury Lane Theater). Noong 1734, ang unang ballet, Pygmalion, ay itinanghal sa Covent Garden, kasama si Maria Salle sa pangunahing papel, na, salungat sa tradisyon, ay sumayaw nang walang corset. Sa pagtatapos ng 1734, nagsimulang itanghal ang mga opera sa Covent Garden - una sa lahat, ang mga gawa ni Georg Friedrich Handel, ang dating direktor ng musikal ng teatro: ang una ay itinanghal ang kanyang maaga, kahit na mabigat na binagong, opera na "Faithful Shepherd" (Italyano: Il pastor fido), pagkatapos noong Enero 1735 isang bagong opera na "Ariodante" at iba pa ang sumunod. Noong 1743, ang oratorio ni Handel na "The Messiah" ay ginanap dito, at nang maglaon ay naging tradisyon sa teatro ang pagtatanghal ng mga oratorio sa mga tema ng relihiyon noong mga araw ng Great Lent. Ang mga opera ng kompositor na si Thomas Arn ay itinanghal dito sa unang pagkakataon, gayundin ang mga opera ng kanyang anak. Noong 1808, ang unang teatro, ang Covent Garden, ay nawasak ng apoy. Ang bagong gusali ng teatro ay itinayo sa unang siyam na buwan ng 1809, na idinisenyo ni Robert Smirk, at binuksan noong Setyembre 18 na may produksyon ng Macbeth. Ang pamunuan ng teatro ay nagtaas ng mga presyo ng tiket upang mabawi ang halaga ng bagong gusali, ngunit sa loob ng dalawang buwan ay ginulo ng mga manonood ang mga pagtatanghal na may patuloy na hiyawan, palakpakan at sipol, bilang resulta kung saan napilitan ang pamunuan ng teatro na ibalik ang mga presyo sa nakaraang antas. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang mga opera, ballet, mga pagtatanghal ng drama na may partisipasyon ng mga kilalang trahedya na sina Edmund Keane at Sarah Siddons, pantomime at maging ang clowning ay humalili sa entablado ng Covent Garden (ang sikat na clown na si Joseph Grimaldi ay gumanap dito). Nagbago ito nang, noong 1846, bilang resulta ng isang salungatan sa Her Majesty's Theater, ang opera house ng London, isang mahalagang bahagi ng kanyang tropa, na pinamumunuan ng konduktor na si Michael Costa, ay lumipat sa Covent Garden; ang bulwagan ay muling itinayo, at noong 6 Abril 1847 ang teatro ay muling binuksan sa ilalim ng pangalan ng Royal Italian Opera, na itinanghal ng opera ni Rossini na Semiramis. Gayunpaman, wala pang siyam na taon ang lumipas, noong Marso 5, 1856, nasunog ang teatro sa pangalawang pagkakataon. Ang ikatlong teatro, ang Covent Garden, ay itinayo sa pagitan ng 1857 at 1858. dinisenyo ni Edward Middleton Barry at binuksan noong Mayo 15, 1858 sa paggawa ng opera ni Meyerbeer na The Huguenots. Noong Unang Digmaang Pandaigdig, ang teatro ay na-requisition at ginamit bilang isang bodega. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, mayroong isang dance hall sa gusali ng teatro. Noong 1946, bumalik ang opera sa mga dingding ng Covent Garden: noong Pebrero 20, binuksan ang teatro kasama ang Sleeping Beauty ni Tchaikovsky sa isang labis na produksyon ni Oliver Messel. Kasabay nito, nagsimula ang paglikha ng isang kumpanya ng opera, kung saan ang Covent Garden theater ay magiging isang home stage.Noong Enero 14, 1947, ipinakita ng Covent Garden Opera Company (ang hinaharap na London Royal Opera) ang opera ni Bizet na Carmen dito.

Ang Moscow State Academic Chamber Musical Theater na pinangalanang B.A. Pokrovsky ay isa sa pinakasikat at hinihiling na mga teatro ng musikal ng Russia sa buong mundo. Matatagpuan ito sa gusali ng dating sikat na complex na "Slavianski Bazaar", kung saan noong 1897 naganap ang makasaysayang pagpupulong nina K.S. Stanislavsky at Vl.I. Nemirovich-Danchenko, na sumang-ayon na itatag ang Public Art Theatre (MHT) sa Moscow. Ito ay kung paano inilarawan mismo ni Boris Aleksandrovich Pokrovsky ang kasaysayan ng paglikha ng teatro sa aklat na "My Life is a Stage": "... nangyari ang lahat salamat sa mga aktibong problema ng kapalaran - sa Moscow nagpasya silang repormahin ang isang maliit na opera. grupong naglilibot sa Russia at saganang nagtatapon ng mahusay na gawaing basura sa ilalim ng trademark ng mga pagtatanghal ng opera. hiniling na tumulong sa muling pagsasaayos ng teatro. Nakatulong lamang ako sa teatro sa pamamagitan ng pagtatanghal ng isang dula para sa kanila. ensemble ng silid ... Kasabay nito, lumitaw ang isang maliit na opera ng noo'y batang kompositor na si Rodion Shchedrin na "Hindi lamang pag-ibig", na nabighani na sa marka ... at in-rehearse namin ang maliit na obra maestra na ito na may isang ensemble ng silid. Ang pagtatanghal ay nilalaro sa entablado ng Drama Theater. K.S. Stanislavsky at V.I. Nemirovich Danchenko. Nagkaroon ng tagumpay ... - kaya noong 1972 ay ipinanganak ang Moscow Chamber Musical Theater. "Nang noong 1972 itinatag ni Pokrovsky ang Chamber Musical Theater, wala pa rin siyang sariling lugar at ang mga unang pagtatanghal -" Not Only Love "ni Rodion Shchedrin," Maraming ado tungkol sa ... mga puso "Tikhon Khrennikov," Falcon Federigo degli Alberighi "ni Dmitry Bortnyansky ay nasa iba't ibang lugar sa Moscow. At pagkaraan lamang ng dalawang taon, noong 1974, ang teatro ay nakatanggap ng permanenteng pagpaparehistro. Unang Kalihim ng Union of Composers of the USSR) at DDShostakovich.Ang tropa ng batang teatro ay sinalihan ng mga mag-aaral ng Gitis - mga mag-aaral ng kursong pag-arte, ang pinuno nito ay si BA Pokrovsky. Ang "The Nose" ni D. Shostakovich ay isang hindi maunahang obra maestra ng direktor at "visiting card" ng Chamber Musical Theater. Ang conductor, People's Artist ng USSR Gen nadiy Rozhdestvensky. Mula sa mga unang araw, ang teatro ay naging isang tunay at sa loob ng maraming taon ang tanging laboratoryo ng modernong opera sa bansa, at sa parehong oras - ang natuklasan ng mga opera na pambihira. Walang sinuman ang maaaring maisip na ang maliit na cellar sa Sokol ay magiging isa sa mga pangunahing sentro ng kultura hindi lamang sa Moscow, kundi sa buong mundo. Dumating ang mga tao mula sa iba't ibang panig ng bansa upang makita ang mga maalamat na pagtatanghal. Dito ay lumikha ang Guro ng mga obra maestra - bihirang gumanap ng mga klasikal at modernong opera: Shostakovich's Nose, Stravinsky's Adventures of a Rake, Don Juan, o ang Pinarusahan na Libertine at Theater Director na si Mozart, The Rostov Action ni Metropolitan Dimitri ng Rostov ... mga opera ng mga kontemporaryong kompositor na naging mga klasiko na ang ginanap - "The Overcoat", "The Carriage", "The Wedding", "The Brothers Karamazov" ni Kholminov, "Life with an Idiot" ni Schnittke, "Count Cagliostro" ni Tariverdiev, "Poor Liza" ni Desyatnikova, "The Red Liar at sundalo na "Ganelina", "Swan Song" ni Kobekin, "Poor People" ni Sedelnikov; luma at hindi gaanong kilalang European opera - Haydn's Apothecary, Britten's Playing on the Water, atbp. Mula noong 2010, ang teatro ay nagtatag ng isang tradisyon: bawat taon, sa kaarawan ng Master, upang magdaos ng retrospective na palabas ng kanyang mga pagtatanghal. Ang pamamahala at ang creative team ng teatro ay pinapanatili ang pangalan ng tagapagtatag at sinusunod ang kanyang mga ideya, na kanyang ipinamana sa kanyang maraming mga libro at publikasyon, maingat at maingat na ibinalik ang pamana ng henyong direktor para sa mga susunod na henerasyon. At ang taunang pagdiriwang ng mga pagtatanghal ni Boris Pokrovsky ay magiging kumpirmasyon nito. Ang mga komento ng mga manonood sa Pokrovsky Moscow Chamber Musical Theater: Mga Mag-aaral ng Moscow Architectural Institute (# 106/23 May 2011 at 21:32) Noong Mayo 21, nanood kami ng isang dramatikong opera ng kompositor na si Giacomo Puccini sa teatro. Isang mahusay at masiglang pagganap. Ang lahat ay nasa itaas: tanawin, liwanag, pag-arte, boses ng mga aktor. Matagal na akong hindi nakakatanggap ng ganoong bagyo ng emosyon mula sa pagtatanghal! At nag-alala sila at umiyak. Ito ay para lamang sa kapakanan ng gayong emosyonal na pagkabigla na ito ay nagkakahalaga ng pagpunta sa mga sinehan. Salamat sa mga masters tulad ni Julia Moiseeva (Georgette), Nikolay Schemlev (Michele), Leonid Kazachkov (Luigi). Naniniwala ka talaga sa kwentong pinapakita ng mga artista. Ang dula ay lumipad sa isang hininga, at walang ni isang nakakainip na eksena - lahat ay naitanghal nang napakahusay. Hindi katanggap-tanggap na panoorin ang gayong pagtatanghal nang isang beses. Ito ay kinakailangan upang makita at suriin muli ito, na parang "upang makapasok sa paksa", sa pagsasalita, hindi ito gumana sa unang pagkakataon. Samakatuwid, tiyak na pupunta ako muli. Maraming salamat sa punong konduktor na si Vladimir Agronsky, direktor na si Igor Merkulov, at lahat ng mga artista na nagdadala ng manonood mula sa pang-araw-araw na buhay at pang-araw-araw na buhay sa mundo ng mga hilig, intriga at kaguluhan. Si Olga (# 95/07 May 2011 at 00:22) noong Mayo 4 ay nasa "The Magic Flute". Kapag pumasok ka sa bulwagan, maririnig mo ang mga tunog ng isang plauta at makita ang tanawin ng isang mahiwagang lupain - isang espesyal na mood agad na lumitaw, isang pagnanais na hawakan ang maganda, upang mahusay na musika, sa isang mahusay na trabaho, tamasahin ito nang lubusan. Kakaiba, for some reason hindi ko akalain na kakanta sila sa German. Ngunit gaano ito kaganda! At ang electronic board, kung saan ipinapakita ang pagsasalin ng Ruso, ay hindi ako kailangan, at ang lahat ay malinaw. Overture. Ang lahat ng mga bayani ng opera ay lumilitaw sa entablado, ang mga kapangyarihan ng liwanag at kadiliman, matalino at tuso, nakakatawa at majestically seryoso. At higit sa lahat ito si Mozart. Ang galing niya. Sa mga pares ng mga bayani, higit sa lahat ay naaalala ko sina Pamina-Olesya Starukhina at Papageno-Andrei Tsvetkov-Tolbin. Si Pamina ay napakasigla, malambing, mapagmahal, lumuluha kapag kumakanta tungkol sa kamatayan, ngunit sa parehong oras ay pilyo, masayahin, nakatatandang kapatid na babae, nagpapatawad sa mga kalokohan ni Papageno noong bata pa. Para sa akin, mas mahirap gampanan ang comedic character kaysa sa ideal na prinsipe. Sa katunayan, sa papel na ito, ang pangunahing bagay ay upang makahanap ng isang pinong linya upang hindi pumunta sa isang komedya, ngunit sa parehong oras upang mapatawa ang madla at manalo. Si Andrey Tsvetkov ay nagtagumpay nang mahusay. Ang kanyang bayani ay isang masayahin, hindi mapakali, mapaglarong bata, ngunit sa parehong oras ay napaka taos-puso. Ang Reyna ng Gabi, si Tatiana Fedotova, ay nasakop ako sa kanyang boses! Bravo! Aria ng Reyna ng Gabi ... walang mga salita! Fabulous! Nagustuhan ko ang Ladies trio: Alexandra Martynova, Tatiana Vetrova at Maria Patrusheva. Iba't iba, kaakit-akit, napakagagandang boses! Ang pangalawang pari, si Eden Ibraimov, sa una ay natakot sa akin ng kaunti, mas tiyak, nakaranas ako ng isang pakiramdam ng paggalang, paggalang, ang pari ay mayroon pa ring mabagsik na mukha, marilag na kilos. But then I smiled: sobrang emotional ng mga duet nila ni Papageno, parang ang mga artista mismo ang natutuwa sa mga eksenang ito! Sayang at hindi nakasaad ang mga pangalan ng mga aktres na gumanap sa mga papel na lalaki. Napakalinis ng mga mukha, parang bata na bukas na mga ngiti! Ang mga costume ay nabighani sa akin - lalo na ang costume ng Reyna ng Gabi at Sarastro. Ang imahe ni Sarastro ay naging napakahusay! Mukha talagang batang babae si Pamina sa tabi niya. Muli, tulad ng pagkatapos ng DSCH, lumakad ako sa kalye na humihingi ng mga melodies. Wala akong marinig kahit ano sa subway - nakatago ang mga tunog ng opera sa lahat ng tunog ng underground na transportasyon. Ang lahat ng impormasyon mula sa opisyal na website ng teatro - www.opera-pokrovsky.ru

Ang Teatro Goldoni ay isa sa mga nangungunang at pinakalumang opera house sa Venice, Italy. Ang teatro ay itinayo noong 1622, binago ang pangalan nito nang maraming beses at matatagpuan sa sentrong pangkasaysayan ng Venice, hindi kalayuan sa Rialto Bridge. Pinapatakbo ang teatro at ito ang pangunahing yugto para sa kumpanya ng opera ng Teatro Stabile del Veneto. Sa kasaysayan, lahat ng pangunahing mga teatro ng Venetian ay pagmamay-ari ng mahahalagang pamilyang patrician, halimbawa, ang mga sinehan na kilala ngayon bilang Teatro Malibran at Teatro San Benedetto ay pagmamay-ari ng pamilya Grimani, at ang La Fenice ay pagmamay-ari ng pamilyang Venier. Kasama ng mga pribadong sinehan, ang unang pampublikong opera house sa mundo, ang San Cassiano, ay itinayo sa Venice noong 1637. Ang pamilya Vendramin ay nagmamay-ari ng isang teatro na tinatawag na ngayong Goldoni. Ang teatro ay itinayo noong 1622 at binuksan sa komedya ni Antonio Ciofo, sa panahon ng kasaysayan nito ang teatro ay binago ang pangalan nito nang maraming beses, ito ay ang Teatro Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo, hanggang noong 1875 natanggap nito ang kasalukuyang pangalan pagkatapos ng manunulat ng dulang si Carl Goldoni. Noong 1652 (pagkatapos ng sunog) at noong 1684 ang gusali ng teatro ay naibalik nang dalawang beses. Sa unang yugto ng pag-iral nito, ang teatro ay pangunahing nagtanghal ng mga opera, ngunit noong ikalabing walong siglo ay nagho-host ito ng mga dramatikong pagtatanghal. Noong 1720s, muling itinayo ang Teatro San Luca at pinalitan ng pangalan ang Teatro Apollo. Ang gusaling ito ay nakaligtas hanggang ngayon. Noong 1752, ang mga may-ari ng teatro ay nagawang umarkila kay Carlo Goldoni, na sa oras na iyon ay itinuturing na pinakatanyag na manunulat ng dula sa Venice, upang manguna sa teatro. Ito ay isang pangunahing kaganapan sa buhay teatro ng lungsod at, marahil, ang stellar na panahon ng teatro. Gayunpaman, ang may-ari noon ng teatro mismo ay nagsikap na tanggapin direktang pakikilahok sa pamamahala at produksyon ng mga pagtatanghal at sa kadahilanang ito ay nagkaroon siya hindi mapalagay na relasyon at madalas na hindi pagkakaunawaan sa upahang direktor. Iniwan ni Carlo Goldoni ang teatro at Venice noong 1761 at pumunta sa Paris. Noong ikalabinsiyam na siglo, ang teatro ay sumailalim sa maraming pagsasaayos at pagsasaayos, kabilang sa pinakamahalaga ay ang muling pagtatayo noong 1818 sa ilalim ng direksyon ng arkitekto na si Giuseppe Borsato, ang pag-iilaw ng gas ay na-install sa teatro noong 1826, diumano sa unang pagkakataon sa Italya, sa 1833 ang interior ay inayos sa ilalim ng direksyon ng taga-disenyo na si Francesco Bagnara. Noong 1875, sa panahon ng pagdiriwang ng kaarawan ng playwright, ang teatro ay pinalitan ng pangalan na Karl Goldoni Theater. Pagmamay-ari ng pamilya Vendramin ang teatro hanggang 1937, nang ito ay naging pag-aari ng lungsod. Noong 1957, ang teatro ay sarado dahil sa pagkasira. Noong 1979, pagkatapos ng isang malaking rekonstruksyon, muling binuksan ng inayos na teatro ang mga pinto nito. Karaniwang interior ng teatro ng Goldoni teatro ng Italyano Ika-18 siglo, apat na antas, na may kapasidad na 800 katao, na may entablado na 12 metro ang lapad at 11 metro ang haba. Kasalukuyan itong nagho-host ng mga pagtatanghal ng drama, mga pagtatanghal sa opera, mga party ng mga bata at iba pang mga kaganapan na inorganisa ng kumpanya ng opera ng Teatro Stabile del Veneto.

Ang Voronezh State Opera and Ballet Theater ay naabot ng mahabang paraan ng pag-unlad. Noong Setyembre 1931, nagsimulang gumana ang isang teatro sa Voronezh musikal na komedya, na inayos batay sa kolektibo ng komunidad ng mga propesyonal na artista, na pinamumunuan ng mahuhusay na tagapag-ayos, direktor at aktor na si Lazar Arkadyevich Lazarev. Noong unang bahagi ng 30s ng huling siglo, ang Voronezh ang sentro ng Central Black Earth Region, na kinabibilangan ng mga lungsod na kalaunan ay naging mga sentrong pangrehiyon: Kursk, Orel, Tambov, Lipetsk. Ang isa sa mga pangunahing malikhaing gawain ng Voronezh Theater of Musical Comedy ay ang pagsilbihan ang mga nagtatrabaho sa rehiyon ng Chernozem. Sa oras na iyon, ang repertoire ng teatro ay kasama hindi lamang ang mga klasikal na operetta, kundi pati na rin ang mga modernong musikal na komedya. Mataas na lebel nag-ambag ang mga performer sa katotohanan na ang mga pagtatanghal ay palaging isang mahusay na tagumpay. Noong 1958, ang malikhaing ulat ng teatro ay naganap sa Moscow. Ito ay isang tagumpay at lubos na pinahahalagahan ng mga manonood at ng musikal na komunidad ng kabisera. Sa panahon ng paglilibot, iminungkahi ng chairman ng Union of Composers ng USSR T.N. Khrennikov na muling ayusin ang teatro ng musikal na komedya sa Musical Theater. Ang panukalang ito ay suportado ng Ministri ng Kultura at ng pamunuan ng rehiyon ng Voronezh. Ang desisyon na muling ayusin ang Musical Comedy Theater sa Musical Theater ay ginawa noong 1960. Ang unang pagtatanghal na minarkahan ang kapanganakan ng isang bagong teatro sa lupain ng Voronezh ay ang opera ni P. Tchaikovsky na si Eugene Onegin, na itinanghal ng unang punong konduktor ng teatro na si V. Timofeev. Ang premiere ay naganap noong Pebrero 25, 1961. Ang petsang ito ay ang kaarawan ng teatro. Sa dulang "Swan Lake" sinimulan niya ang kanyang paglalakbay mahusay na sining ballet troupe na pinamumunuan ng mahuhusay na koreograpo na si T. Ramonova. Noong dekada ikaanimnapung taon, ang mga mahuhusay na malikhaing pinuno, na kilala sa bansa, ay nagtrabaho sa teatro: direktor - People's Artist ng Belarus S.A. Stein, punong koreograpo - Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng Belarus K.A. Muller, punong artista - Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng RSFSR V.L. Tsybin. Ang panahon ng malikhaing pagbuo ng batang kolektibo ay nauugnay sa pangalan ng People's Artist ng RSFSR, nagwagi ng State Prizes Anatoly Alekseevich Lyudmilin - isang mahusay na konduktor, sensitibong guro at may talento na tagapag-ayos. Nilikha niya sa teatro ang mga pundasyon ng klasikal na opera at repertoire ng ballet, ay paulit-ulit na bumaling sa mga gawa ng kanyang mga kontemporaryo. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, higit sa 10 pagtatanghal ang itinanghal, kabilang ang Aida, Rigoletto, La Traviata ni G. Verdi, Carmen ni J. Bizet, Tosca at Cio-Cio-San ni G. Puccini, The Queen of Spades "ni P. Tchaikovsky ," The Demon "ni A. Rubinstein," Lud Gidiya "ng Bulgarian composer na si P. Khadzhiev," Years of Fire "ni A. Spadavekkia. Noong 1967, ang Artist ng Tao ng USSR na si Yaroslav Antonovich Voshchak ay inanyayahan sa post ng punong konduktor. Ipinagpatuloy niya ang mga tradisyon ng A. Lyudmilin, ang pangunahing kung saan ay ang mataas na kultura ng musikal ng teatro. Ang mga opera na "Mazepa" ni P. Tchaikovsky, "Troubadour" ni G. Verdi at "Russian Woman" ni K. Molchanov, na itinanghal niya, ay naging tunay na mga kaganapan sa teatro, sinamahan sila ng pagmamahal ng madla at mataas na papuri mula sa mga kritiko . Sa ilalim ng Ya.A. Voshchak noong 1968, ang Musical Theater ay pinalitan ng pangalan na Voronezh State Opera and Ballet Theater. Noong dekada 70, isang mahalagang papel sa malikhaing buhay ng teatro ang ginampanan ng mga punong konduktor, Honored Artist ng Kazakh SSR I.Z. koreograpo - Honored Art Worker ng Russian Federation G.G. Malkhasyants, punong artista - N.I. Kotov, punong koro, Pinarangalan na Artist ng Russian Federation L.L.Ditko. Noong dekada 90, dumating ang isang bagong pamumuno: ang punong konduktor, Pinarangalan na Artist ng Russian Federation na si Yu.P. Anisichkin, punong direktor, pinarangalan na manggagawa ng sining ng Russian Federation A.N. Zykov, punong artista, pinarangalan na manggagawa sa sining ng Russian Federation na si V.G. Kochiashvili. Sa loob ng higit sa 10 taon, ang artistikong direktor ng ballet ay ang People's Artist ng Russian Federation N.G. Valitova. Ang grupo ng koro noong 1999 ay pinamumunuan ng laureate ng mga internasyonal na kumpetisyon na si V.K. Kushnikov. Mula sa araw ng pagbubukas, higit sa 200 pagtatanghal ang itinanghal sa entablado ng teatro, kabilang ang buong sikat na klasikal na opera at ballet repertoire. Mula sa mga unang taon ng operasyon nito, ang teatro ay itinuturing na isang organikong kumbinasyon ng mga klasikal na tradisyon na may kasalukuyang uso musikal at teatro na sining. Ang mga opera na "The Daughter of Cuba" ni K. Listov, "The Brest Fortress" at "Russian Woman" ni K. Molchanov, "Anne Frank's Diary" ni G. Fried, sa unang pagkakataon na itinanghal sa entablado ng Voronezh, ay nakatanggap ng lahat. -Pagkilala ng unyon. Ang paggawa ng opera na "Brest Fortress" (direktor S. Stein, conductor G. Orlov, artist V. Tsybin, choirmaster V. Izhogin) ay nakatanggap ng malawak na tugon. Parehong nabanggit ng metropolitan at lokal na pahayagan hindi lamang ang husay sa boses ng mga gumaganap, kundi pati na rin ang mataas na uri ng kasiningan, na naging posible upang lumikha ng mga larawan ng mga buhay na bayani. Ang pagtatanghal ay ginawaran ng Honorary Diploma sa All-Union Theater Competition. Gumagana ang teatro sa malapit na pakikipag-ugnayan sa mga kompositor ng Voronezh. Noong 1971, naganap ang premiere ng ballet na "The Song of Triumphant Love" sa musika ng kompositor at conductor ng teatro na si M. Nosyrev, batay sa gawain ni I. Turgenev. Ang pagganap ay lubos na pinahahalagahan ng mga kritiko at manonood at sa loob ng higit sa 10 taon ay napanatili sa repertoire (konduktor M. Nosyrev, koreograpo D. Aripova, artist B. Knoblok). Sa pakikipagtulungan sa kompositor na si G. Stavonin, ang unang Voronezh opera na "Oleko Dundich" (1972), na tinawag ni TN Khrennikov na "isang kahanga-hangang kaganapan sa buhay musikal ng bansa", at ang ballet-symphony na "The Tale of the Russian Land "(1982) ay itinanghal. Sa okasyon ng ika-400 anibersaryo ng Voronezh at ang ika-300 anibersaryo ng armada ng militar ng Russia noong 1986, ang teatro ay nagtanghal ng produksyon ng opera ni G. Stavonin na "Vivat, Russia!" Ngayon, ang repertoire ng teatro ay may kasamang higit sa 40 mga pamagat - mga klasikong Ruso at dayuhan, mga gawa ng ating mga kontemporaryo. Sa nakalipas na mga dekada, ang mga soloista ng opera at ballet, na kilala sa bansa, ay nagtrabaho sa teatro, na nakakuha ng pagkilala sa kanilang talento: opera soloists, People's Artists of the Russian Federation E. Poimanov, S. Kadantsev, Honored Artists of ang RSFSR F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E .Svetlova, V. Ryzvanovich, Y. Danilova (People's Artist ng Buryatia), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchy, G. Kolmakov; ballet soloists People's Artists of the Russian Federation N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - nagwagi ng mga internasyonal na kumpetisyon ng ballet sa Moscow, Paris, Varna, ang kanyang pangalan ay kasama sa aklat na "The Best Giselle Performers" na inilathala sa USA, Mga Pinarangalan na Artist ng Russian Federation L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev. Bawat taon ang mga batang performer ay pumupunta sa teatro: mga nagtapos ng Voronezh Academy of Arts at mga konserbatoryo ng bansa - sa opera troupe, ang Voronezh Choreographic School - sa ballet, ang Voronezh Rostropovich Musical College - sa orkestra at koro ng teatro. Malawak ang heograpiya ng mga paglilibot sa teatro. Ang sining ng Voronezh ay pinalakpakan sa Alemanya, Espanya, Czech Republic, Poland, Austria, Japan, Finland, mga bansang Aprikano. Noong 1996, ipinakita ang Sleeping Beauty ballet sa 38 lungsod sa France, at noong 1997 at 1999 ay nilibot niya ang India. Mula noong 2000, ang ballet ng Voronezh ay naglibot sa Holland, Germany, Belgium kasama ang mga pagtatanghal na Giselle, The Nutcracker at The Sleeping Beauty. Noong Mayo 2005, ang kumpanya ng ballet ay nakibahagi sa International Festival na nakatuon sa gawain ni P.I. Tchaikovsky, na ginanap sa Germany. Noong 2006 at 2009 ang teatro ay naglibot sa USA at Canada, kung saan ipinakita nito ang mga ballet na Cinderella ni S. Prokofiev, Giselle ni A. Adam at A Thousand and One Nights ni F. Amirov. Opera performances "Troubadour" (conductor Mechislav Novakovsky (Poland), director A. Zykov), "Othello" (conductor Y. Anisichkin, director F. Safarov), "The Queen of Spades" (conductor Y. Anisichkin, director A. Zykov ) 1999 at 2001 ay ipinakita sa Netherlands. Ang Voronezh Opera at Ballet Theater, ang nag-iisa sa Central Black Earth Region, ay nakikita ang gawain nito sa pagtataguyod ng opera at ballet art sa lahat ng rehiyon ng rehiyon, pagsasagawa ng pagbisita sa mga palabas, patuloy na pagpapalawak ng heograpiya ng mga paglilibot. Opera troupe ng Voronezh State Opera and Ballet Theater Coloratura sopranos Yekaterina Gavrilova Pinarangalan na Artist ng Russian Federation Lyudmila Marchenko Elena Petrichenko Laureate ng International Competition Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova Soprano Laureate of the All-Russian Kumpetisyon ng Galinabronakovna Makovnakov Alexandrova Hall ng Russian Federation Ilya Kunakovskaya Olga Maksimennova Narodnaya Narodnaya Hall artist ng Russian Federation Alexandra Tyrzyu laureate ng International Competition Lyudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - soprano Tatyana Kibalova Laureate ng International Competition Yulia Knyaze Laureate ng International Competitions Yulia Knyaze Laureate D Laureate ng International na Kumpetisyon ng Elena Knyaze Tennis Bashkirov Evgeny Belov Aleksey Ivanov Pinarangalan Artist ng Russian Federation Yuri Kraskov Pinarangalan Artist ng Russian Federation Pinarangalan Artist ng Russian Federation Yuri Kraskov Pinarangalan Artist RF Alexander Anikin Leonid Vorobiev Oleg Guryev nagwagi ng International at All-Russian na mga kumpetisyon na si Igor Gornostaev Sergei Meshchersky Alexey Tyukhin Diploma-recipient ng International Competition Roman Dyudin Basy Nikolay Dyachok Honored Artist ng Russian Federation Alexander Nazarov Honored Artist ng Buryatia Mikhail Turchanis Ivan Chernyshov Pinuno ng Opera Company Nadezhda Kopytina Directors Alfred Melukha Sofya Shalagina Assistant director, host ng pagganap Pinarangalan na Manggagawa ng Kultura ng Russian Federation Tatiana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoly Maltsev Pinagmulan: http://theatre.vzh.ru/

Ang Teatro Carlo Felice ay ang pangunahing opera house sa Genoa, Italy. Ang teatro ay matatagpuan sa sentro ng lungsod, malapit sa Ferrari Square at ang simbolo ng lungsod; sa harap ng teatro ay mayroong isang equestrian monument sa Giuseppe Garibaldi. Ang desisyon na magtayo ng bagong opera house sa Genoa ay kinuha noong 1824 nang maging malinaw na ang mga kasalukuyang sinehan sa lungsod ay hindi nakakatugon sa mga pangangailangan ng lungsod. Bagong teatro kailangang tumayo sa parehong hanay at makipagkumpitensya sa pinakamahusay na mga opera house sa Europa. Ang isang kumpetisyon sa arkitektura ay inihayag, kung saan pinili nila ang disenyo ng gusali ng opera house ng lokal na arkitekto na si Carlo Barbarino, ilang sandali pa ang sikat na Milanese na si Luigi Canonica ay inanyayahan din na magtayo ng entablado at bulwagan, kung saan ang account ay lumahok na siya. sa ilang malalaking proyekto - ang pagpapanumbalik ng La Scala, ang pagtatayo ng mga sinehan sa Milan , Cremona, Brescia, atbp. Para sa teatro, napili ang isang lugar kung saan matatagpuan ang dating Dominican monastery at ang Church of San Domenico. Ang complex ng monasteryo na ito, na itinayo noong ikalabintatlong siglo, ay kilala sa kanyang kamahalan sa arkitektura at mahahalagang gawa ng sining ng interior decoration. Ang ilan ay nagtalo na ang monasteryo ay isinakripisyo sa teatro, ngunit hindi ito totoo. Noong mga araw ng "Kaharian ng Italya" ni Napoleon, ang monasteryo ay nagtataglay ng mga kuwartel at mga bodega ng kanyang hukbo. Malubha ang pagkasira ng complex at noong 1821, ayon sa plano ng muling pagtatayo ng lungsod, ito ay ganap na giniba, at ang desisyon na magtayo ng isang teatro ay ginawa noong 1824. Ang unang bato ng bagong gusali ay inilatag noong Marso 19, 1826. Ang engrandeng pagbubukas ay naganap noong Abril 7, 1828, kahit na ang pagtatayo at dekorasyon ay hindi pa ganap na natapos. Ang unang opera sa entablado ng teatro ay "Bianca at Fernando" ni Vincenzo Belinni. Ang teatro ay ipinangalan kay Duke Carlo Felice ng Savoy, pinuno ng Genoa. Ang five-tiered hall ay kayang tumanggap ng humigit-kumulang 2,500 na manonood. Sa kasunod na mga taon, ang teatro ay naibalik nang maraming beses, noong 1852 na-install ang ilaw ng gas, noong 1892 - electric lighting. Sa loob ng halos apatnapung taon, mula noong 1853, nagpalipas ng taglamig si Giuseppe Verdi sa Genoa at paulit-ulit na nagtanghal ng kanyang mga opera sa Teatro Carlo Felice. Noong 1892, pagkatapos ng muling pagtatayo para sa pagdiriwang ng ika-400 anibersaryo ng pagtuklas ng Amerika ni Christopher Columbus (sinalungat ng Genoa ang karapatang ituring na maliit na tinubuang-bayan ng Columbus), si Verdi ay hiniling na bumuo ng isang angkop na opera para sa kaganapang ito at ilagay ito sa ang teatro, ngunit tumanggi siya, na binanggit ang kanyang katandaan. Ang Teatro Carlo Felice ay patuloy na inayos at nanatili sa mabuting kalagayan hanggang sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ang unang pinsala ay natamo noong 1941, nang ang bubong ng gusali ay nawasak mula sa paghihimay ng mga tropang Allied at ang natatanging pagpipinta ng kisame ng auditorium ay lubhang nasira. Pagkatapos, noong Agosto 1943, pagkatapos ng isang nagniningas na bomba, nasunog ang mga lugar sa likod ng entablado, ang mga dekorasyon at mga dressing room ay nawasak, ngunit ang apoy ay hindi nakakaapekto sa pangunahing bulwagan, sa kasamaang-palad, sa oras na iyon ang teatro ay higit na nagdusa mula sa mga magnanakaw na nagnakaw ng maraming mahahalagang bagay. bagay. Sa wakas, noong Setyembre 1944, pagkatapos ng isang pagsalakay sa himpapawid, halos mga pader na lamang ang naiwan sa teatro. Ang teatro, na mabilis na inayos, ay nagpatuloy sa aktibidad nito sa lahat ng oras na ito, at maging si Maria Callas ay gumanap doon. Ang mga plano para sa pagpapanumbalik ng kapital ng gusali ng teatro ay nagsimula noong 1946. Noong 1951, isang proyekto ang napili batay sa isang kompetisyon, ngunit hindi ito natupad. Ang teatro ay sarado dahil sa mga kondisyong pang-emergency noong unang bahagi ng 1960s. Noong 1963, ang sikat na arkitekto na si Carlo Scarpa ay ipinagkatiwala sa pagbuo ng proyektong muling pagtatayo, ngunit naantala niya ang trabaho at ang proyekto ay handa lamang noong 1977, gayunpaman, dahil sa hindi inaasahang pagkamatay ng arkitekto noong 1978, ang proyekto ay nahinto. Ang susunod na plano ay pinagtibay noong 1984, si Aldo Rossi ay napili bilang mga punong arkitekto ng bagong teatro, si Carlo Felice. Ang pangunahing leitmotif ng mga developer ay ang kumbinasyon ng kasaysayan at modernidad. Ang mga dingding ng lumang teatro at ang harapan na may mga bas-relief, pati na rin ang ilang mga elemento ng interior decoration, na idinagdag sa bagong interior, ay naiwan, gayunpaman, ang karamihan sa teatro ay itinayong muli mula sa simula. Noong Abril 7, 1987, inilatag ang pundasyong bato ng bagong teatro. Isang bagong matataas na gusali ang idinagdag sa likod ng lumang teatro, mga yugto ng pabahay, mga kontrol sa mobile platform, mga silid sa pag-eensayo at mga dressing room. Ang sarili ko auditorium na matatagpuan sa "lumang" teatro, ang layunin ng mga arkitekto ay muling likhain ang kapaligiran ng lumang plaza ng teatro kapag ang mga pagtatanghal ay ginanap sa kalye sa sentro ng lungsod. Samakatuwid, sa mga dingding ng bulwagan, ginagaya ang mga panlabas na dingding ng mga gusali, mga bintana at balkonahe ay ginawa, at ang kisame ay may tuldok " mabituing langit". Noong Oktubre 18, 1991, sa wakas ay tumaas ang kurtina ng Carlo Felice Theater, ang unang pambungad na kaganapan ng season ay ang opera" Troubadour "ni Giuseppe Verdi. Ang Carlo Felice Theater ay isa sa pinakamalaking opera house sa Europa, na may may kapasidad na 2000 upuan.

Ang Samara Academic Opera and Ballet Theater ay isang musical theater sa Samara, Russia. Ang Samara Academic Opera and Ballet Theater ay isa sa pinakamalaking Russian musical theater. Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong Hunyo 1, 1931 kasama ang opera ni Mussorgsky na si Boris Godunov. Ang mga pinagmulan nito ay mga natatanging musikero ng Russia - isang mag-aaral ng Taneyev at Rimsky-Korsakov, konduktor at kompositor na si Anton Eichenwald, konduktor ng Bolshoi Theater Ariy Pazovsky, sikat na konduktor ng Russia na si Isidor Zak, direktor ng Bolshoi Theatre na si Joseph Lapitsky. Ang mga masters bilang conductor na sina Savely Bergolts, Lev Ossovsky, direktor na si Boris Ryabikin, mang-aawit na si Alexander Dolsky, People's Artist ng Ukrainian SSR Nikolai Poludenny, People's Artist ng Russia Viktor Chernomortsev, People's Artist ng RSFSR, future soloist ng Bolshoi Theater Natalia Shpiller, Lorey at marami pang iba. Ang ballet troupe ay pinamumunuan ng soloista ng Mariinsky Theater, isang kalahok sa maalamat na panahon ng Diaghilev sa Paris, si Yevgeny Lopukhova. Binuksan niya ang isang serye ng mga makikinang na koreograpo ng Petersburg, na sa iba't ibang taon ay tumayo sa pinuno ng ballet ng Samara. Ang mga koreograpo ng Samara Theatre ay ang mahuhusay na koreograpo na si Natalya Danilova, isang mag-aaral ni Agrippina Vaganova, ang maalamat na Petersburg ballerina na si Alla Shelest, ang soloista ng Mariinsky Theatre na si Igor Chernyshev, People's Artist ng USSR Nikita Dolgushin. Ang teatro ay mabilis na nakakakuha ng isang repertoire. Ang mga produksyon ng 1930s ay kinabibilangan ng opera at ballet classics: opera ni Tchaikovsky, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, mga ballet ni Tchaikovsky, Minkus, Adam. Ayon sa mga kinakailangan ng oras, ang teatro ay nagbabayad ng malaking pansin sa modernong repertoire. Sa panahon ng pre-war, sa unang pagkakataon sa bansa, itinanghal ang mga opera na "The Steppe" ni A. Eichenwald, "Tanya" ni Kreitner, "The Taming of the Shrew" ni Shebalin at iba pa. Ang mga poster nito ay naglalaman ng dose-dosenang mga pamagat, mula sa mga klasiko noong ika-18 siglo. ("Medea" ni Cherubini, "The Secret Marriage" ni Cimarosa) at maliit gumanap na mga gawain mga Ruso mga kompositor XIX v. ("Servilia" ni Rimsky-Korsakov, "The Enchantress" ni Tchaikovsky, "Elka" ni Rebikov) sa European avant-garde ng ika-20 siglo. ("The Dwarf" ni von Zemlinsky, "Les Noces" ni Stravinsky, "Arlecchino" ni Busoni). Ang isang espesyal na pahina sa buhay ng teatro ay co-creation kasama ang mga kontemporaryong Russian na may-akda. Ang mga natitirang kompositor na Ruso na sina Sergei Slonimsky at Andrei Eshpai, Tikhon Khrennikov at Andrei Petrov ay ipinagkatiwala ang kanilang mga gawa sa aming entablado. Ang world premiere ng opera ni Slonim na The Vision of Ioann the Terrible, na itinanghal ng mahusay na 20th century musician na si Mstislav Rostropovich sa pakikipagtulungan sa mga natitirang stage masters, director Robert Sturua at artist Georgy Alexi-Meskhishvili, ay naging isang makabuluhang kaganapan na malayo sa buhay kultural ng Samara. Sa pagsisimula ng Great Patriotic War, ang kultural na sitwasyon sa lungsod ay nagbago nang malaki. Noong Oktubre 1941, ang State Bolshoi Theatre ng USSR ay inilikas sa Kuibyshev / Samara (ang "reserve capital"). Ang artistikong inisyatiba ay ipinapasa sa mga pinakadakilang masters ng Sobyet na opera at ballet scene. Para sa 1941 - 1943 Ang Bolshoi Theater ay nagpakita ng 14 na opera at ballet sa Samara. Ang mga sikat na mang-aawit sa mundo na sina Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, ballerina Olga Lepeshinskaya ay gumanap sa Samara stage, Samosud, Fayer, Melik-Pashaev na isinagawa. Hanggang sa tag-araw ng 1943, ang Bolshoi Theater collective ay nanirahan at nagtrabaho sa Kuibyshev. Bilang pasasalamat sa tulong ng mga lokal na residente sa mahirap na oras na ito, ang kanyang mga artista ay dumating sa Volga nang higit sa isang beses pagkatapos ng digmaan kasama ang kanilang mga bagong gawa, pati na rin ang makasaysayang repertoire ng digmaan. Noong 2005, bilang paggunita sa ika-60 anibersaryo ng Tagumpay sa Dakilang Digmaang Patriotiko, ang kolektibo ng Bolshoi Theatre ng Russia ay nagpakita ng bagong pagpupulong sa madla ng Samara sa kanilang sining. Ang mga palabas sa paglilibot at konsiyerto (ballet ni Shostakovich na The Bright Stream, opera ni Mussorgsky na si Boris Godunov, ang dakilang Victory Symphony - Shostakovich's Seventh Symphony, isang brass band at opera soloists' concert) ay matagumpay na tagumpay. Tulad ng sinabi ng Pangkalahatang Direktor ng Bolshoi Theatre ng Russia A. Iksanov, "Para sa buong kawani ng Bolshoi Theater, ang mga paglilibot na ito ay isa pang pagkakataon upang ipahayag ang malalim na pasasalamat sa mga residente ng Samara para sa katotohanan na sa pinakamahirap panahon ng digmaan Ang Bolshoi Theater ay nakahanap ng pangalawang tahanan dito." Ang summit ng musikal na buhay ng Samara noong ikadalawampu siglo, isang tunay na makasaysayang kaganapan ay ang pagtatanghal sa entablado ng Samara Opera House of the Seventh ("Leningrad") Symphony ni Dmitry Shostakovich. Ang dakilang gawain, na sumasalamin sa mga kalunus-lunos na kaganapan sa panahon ng digmaan, na naghahatid ng lahat ng kadakilaan ng tagumpay ng mga sundalong Sobyet, ay natapos ng kompositor noong Disyembre 1941 sa paglikas sa Samara at ginanap ng Bolshoi Theater Orchestra sa ilalim ng direksyon ni Samuil Samosud noong Marso 5 , 1942. Ang teatro ay nabubuhay ng isang matinding buhay. Ang muling pagtatayo ay magtatapos, ang mga bagong pangalan ay lilitaw sa poster, ang mga mang-aawit at mananayaw ay nanalo ng mga prestihiyosong internasyonal at all-Russian na mga kumpetisyon, ang mga bagong malikhaing pwersa ay bumubuhos sa tropa. Ang mga kawani ng teatro ay maaaring ipagmalaki ang konsentrasyon ng mga mahuhusay, maliliwanag na malikhaing indibidwal. Ang mga pinarangalan na Artist ng Russia na sina Mikhail Gubsky at Vasily Svyatkin ay mga soloista hindi lamang ng Samara Theater, kundi pati na rin ng Bolshoi Theater ng Russia at ng Moscow Novaya Opera Theater. Si Anatoly Nevdakh ay nakikibahagi sa mga pagtatanghal ng Bolshoi Theater, matagumpay na gumanap si Andrey Antonov sa mga yugto ng mga teatro ng Russia at dayuhan. Ang antas ng kumpanya ng opera ay pinatunayan din ng pagkakaroon ng isang malaking bilang ng mga "may pamagat" na mang-aawit dito: 5 katutubong artista, 8 pinarangalan na mga artista, 10 nagwagi ng mga internasyonal at all-Russian na kumpetisyon. Maraming mga mahuhusay na kabataan sa tropa, kung saan ang mga nakatatandang henerasyon ng mga artista ay kusang-loob na nagbabahagi ng mga lihim ng kanilang mga kasanayan. Mula noong 2008, ang ballet troupe ng teatro ay tumaas nang malaki sa bar. Ang kolektibo ng teatro ay pinamumunuan ng Pinarangalan na Artist ng Russia na si Kirill Shmorgoner, na sa mahabang panahon ay pinalamutian ang ballet troupe ng Perm Theater. Inanyayahan ni K. Shmorgoner sa teatro ang isang malaking grupo ng kanyang mga mag-aaral, nagtapos ng isa sa mga pinakamahusay na institusyong pang-edukasyon sa bansa - ang Perm Choreographic School. Ang mga batang mananayaw ng ballet na sina Ekaterina Pervushina at Viktor Malygin ay naging mga nagwagi ng prestihiyosong internasyonal na kumpetisyon na "Arabesque", isang buong grupo ng mga mananayaw ng Samara na matagumpay na nagtanghal sa all-Russian festival"Mga Larong Delphic". Sa mga nagdaang taon, ang teatro ay nag-host ng ilang mga premiere na nakatanggap ng isang mahusay na madla resonance: ang mga opera na Mozart at Salieri ni Rimsky-Korsakov, Mavra ni Stravinsky, The Maid-Lady ni Pergolesi, Eugene Onegin ni Tchaikovsky, Rigoletto ni Verdi, Madame Butterfly ”ni Puccini, choreographic cantata“ Les Noces ”ni Stravinsky, ballet ni Hertel“ A Vain Precaution ”. Ang teatro ay aktibong nakikipagtulungan sa mga produksyong ito kasama ang mga masters ng Moscow mula sa Bolshoi Theater, Novaya Opera, at iba pang mga teatro ng Russia. Maraming pansin ang binabayaran sa pagtatanghal ng mga musikal na fairy tale para sa mga bata. Gumaganap din ang mga mananayaw ng opera at ballet sa entablado ng konsiyerto. Kasama sa mga ruta ng paglilibot ng teatro ang Bulgaria, Germany, Italy, Spain, China, at mga lungsod ng Russia. Ang masinsinang pagsasanay sa paglilibot ng teatro ay nagpapahintulot sa mga residente ng rehiyon ng Samara na makilala ang mga pinakabagong gawa. Ang mga pagdiriwang ay isang maliwanag na pahina sa buhay ng teatro. Kabilang sa mga ito ang Alla Shelest classical ballet festival, ang international festival na "Basses of the XXI century", "Five evenings in Togliatti", ang festival of opera art na "Samara spring". Salamat sa mga inisyatiba ng pagdiriwang ng teatro, ang mga manonood ng Samara ay maaaring makilala ang sining ng dose-dosenang mga pinakadakilang masters ng Russian at dayuhang opera at ballet art. Kasama sa mga malikhaing plano ng teatro ang mga pagtatanghal ng opera na "Prince Igor", mga ballet na "Don Quixote", "The Sleeping Beauty". Sa ika-80 anibersaryo, plano ng teatro na ipakita ang opera ni Mussorgsky na si Boris Godunov, kaya bumalik sa mga pinagmulan nito sa isang bagong yugto sa makasaysayang pag-unlad nito. Isang napakalaking kulay-abo na gusali ang tumataas sa gitnang plaza ng lungsod - ayon sa mga kritiko ng sining, "isang engrandeng monumento ng huli" estilo ng pylonade ", kung saan idinagdag ang mga brutal na klasiko", "isang kapansin-pansing halimbawa ng arkitektura ng 30s". Ang mga may-akda ng proyekto ay ang mga arkitekto ng Leningrad N.A. Sina Trotsky at N.D. Katselenegbogen, na nanalo sa kompetisyon para sa paglikha ng Palasyo ng Kultura noong 1935. Ang teatro ay matatagpuan sa gitnang bahagi ng gusali. Sa kaliwang pakpak ay may isang rehiyonal na aklatan sa loob ng ilang panahon, sa kanang pakpak - paaralang pampalakasan at isang museo ng sining. Noong 2006, nagsimula ang muling pagtatayo ng gusali, na nangangailangan ng pagpapaalis sa paaralan ng palakasan at museo. Sa pamamagitan ng 2010, ang jubilee season ng teatro, ang muling pagtatayo ay natapos.

Sydney Opera House - ang simbolo ng pinakamalaking lungsod ng Australia

(English Sydney Opera House) - isa sa pinakasikat at nakikilalang mga gusali sa mundo, ay ang simbolo ng pinakamalaking lungsod sa Australia - Sydney. Ang hugis ng layag na bubong ay ginagawa itong musikal na teatro na hindi katulad ng iba sa mundo.

Opera House Sydney kinikilala bilang isa sa mga pinakadakilang istruktura sa modernong arkitektura at ito ang tanda ng lungsod at kontinente. Ang pagbubukas nito ay naganap noong Oktubre 20, 1973 sa presensya ni Reyna Elizabeth II ng Great Britain.

Matatagpuan ang Sydney Opera House sa daungan sa Bennelong Point. Ang pangalang ito ay nagmula sa pangalan ng isang lokal na aborigine at kaibigan ng unang gobernador ng Australia. Noong nakaraan, mayroong isang kuta sa lugar na ito, at hanggang 1958 - isang depot ng tram.

Ang Danish na arkitekto na si Jorn Utzon ay naging arkitekto ng opera house, at noong 2003 natanggap niya ang Pritzker Prize para sa kanyang proyekto.

Sa kabila ng pagiging simple ng pagmamanupaktura at pag-install ng mga bahagi para sa mga spherical shell, ang pagtatayo ng gusali ay naantala, ang dahilan ay ang panloob na dekorasyon ng lugar. Ayon sa plano, ang pagtatayo ng teatro ay dapat na tumagal ng hindi hihigit sa apat na taon at nagkakahalaga ng halos 7 milyong dolyar ng Australia, ngunit ang opera ay itinayo sa loob ng 14 na taon at nagkakahalaga ng 102 milyon.

Daan-daang pinakamahuhusay na musikero sa mundo ang nagtatanghal sa Sydney Opera House bawat taon. Kung mahilig ka sa musika at mahilig tumugtog ng mga instrumentong pangmusika, dito ka makakahanap at makakabili kagamitan sa tunog mula sa pinakamahusay na mga tagagawa sa mundo.

Ang Sydney Opera House ay itinayo sa istilong Expressionist na may mga makabagong elemento ng disenyo. Ito ay 185 m ang haba at 120 m ang lapad. Ang opera ay sumasakop sa isang lugar na 2.2 ektarya. Ang gusali ay tumitimbang ng humigit-kumulang 161 libong tonelada, ito ay nakasalalay sa 580 na mga pile na hinihimok sa tubig sa lalim na 25 m. Ang kuryente na natupok ng gusali ay katumbas ng isang lungsod na may 25 libong mga naninirahan.

Ang bubong ng teatro ay binubuo ng 2,194 na seksyon, ang taas nito ay 67 m, at ang bigat nito ay halos 27 tonelada. Ang buong istraktura ay sinusuportahan ng mga lubid na 350 km ang haba. Ang bubong ng opera ay ginawa sa anyo ng isang serye ng mga shell, ngunit ito ay karaniwang tinatawag na sails o shell, na hindi totoo mula sa isang arkitektura punto ng view. Ang mga lababo na ito ay gawa sa mga tatsulok na kongkretong panel na nakakabit sa 32 pre-fabricated ribs.

Ang bubong ng gusali ay natatakpan ng 1,056,006 puti at matt cream azulejo tile. Mula sa malayo, mukhang purong puti ang bubong, ngunit iba't ibang kulay ang makikita sa iba't ibang kondisyon ng liwanag. Sa pamamagitan ng mekanikal na paglalagay ng mga tile, ang ibabaw ng bubong ay perpekto, na imposibleng makamit sa pamamagitan ng kamay.

Ang pinakamalaking vault ay bumubuo sa bubong ng Concert Hall at ng Opera Theater. Ang ibang mga bulwagan ay bumubuo ng mas maliliit na vault. Ang loob ng gusali ay ginawa gamit ang pink na granite, kahoy at playwud.

Turismo

Ang Sydney Opera House

Heograpikal na posisyon

| latitude at longitude (decimal): -33.856808 , 151.215264

Ang tanawin ng pinakamalaking lungsod ng Australia - Sydney - ay kakaibang nakikilala sa libu-libong iba pang mga lungsod sa mundo salamat sa dalawang elemento lamang: isang arched bridge Harbour Bridge at ang pambihirang gusali ng isang multidisciplinary theater, na mas kilala bilang “ Opera House» ( Opera house), isa sa pinaka mga sikat na gusali sa arkitektura ng mundo.

Ipinagdiwang kamakailan ng Sydney Opera House ang ika-40 anibersaryo nito sa malaking sukat, ngunit ang kasaysayan nito ay nagsimula nang mas maaga. Noon pang 1954, ang Sydney Symphony Orchestra at ang NSW Conservatory ay nagkaroon ng ideya na lumikha ng Sydney Opera House. Pinili ng pamahalaan ng estado ang site para sa hinaharap na gusali at inihayag ang isang bukas na internasyonal na kompetisyon para sa pinakamahusay na disenyo para sa opera house.

Sa Sydney Harbour sa Bennelong Point minsan may kuta, maya maya may tram depot. Napagpasyahan na magtayo ng isang kamangha-manghang gusali sa site na ito, na magiging mukha ng lungsod.

Pagsapit ng Disyembre 1956, 233 na aplikasyon mula sa 28 bansa ang natanggap na. Ayon sa alamat, ang hurado ay makabuluhang pinaliit ang bilog ng mga aplikante, tinatanggihan ang karamihan sa mga proyekto, nang ang isang sikat na Amerikanong arkitekto ng Finnish ay sumali sa mga hukom. Eero Saarinen... Siya ang nakilala sa mga tinanggihang bersyon ng "malinaw na paborito" - ang proyekto ng Dane Jorn Utzona (Jørn Utzon), mahalagang igiit ang kanyang tagumpay. Noong Enero 29, 1957, inihayag ang nagwagi - isang nagpapahayag na sistema ng alinman sa mga shell o layag, na iginuhit ni Uthon.

Noong 1950s. nagkaroon ng pagbabago sa mga kagustuhan sa arkitektura ng mundo: ang nakababagot na konserbatibo-industriyal na "internasyonal na istilo" na may katangian na pinatibay na kongkreto na "mga kahon" ay pinalitan ng isang bagay na ganap na naiiba, na ipinahayag sa mga kamangha-manghang malinis na linya ng mga curvilinear na anyo ng malinaw na natural, organikong pinagmulan. Bagong istilo ay tatawaging "structural expressionism" o "structuralism". Ang isa sa kanyang mga tagasunod ay ang parehong miyembro ng hurado, si Ero Saarinen, na iginiit sa tagumpay ng proyekto, na ngayon ay itinuturing na isang "icon" ng structuralism.

Ang arkitekto ay nagpasya na gawin ang mga bubong ng Sydney Opera House mula sa mga segment ng isang spherical na hugis, ng pare-pareho ang kurbada. Maya-maya, inihayag ni Jorn Utzon na ang inspirasyon ay nagmula sa orange peel cut sa triangular na mga segment. Ang pagkakaiba sa gusali ay nasa sukat lamang. Ang orange para sa Opera House ay magkakaroon ng diameter na 150 m, at ang crust nito ay magiging kongkreto, na natatakpan ng azulejo tile. Ang gusali ay sumasakop sa isang lugar na 2.2 ektarya. Ang haba nito ay 185 at ang maximum na lapad nito ay 120 m.

Sa panahon ng pagpapatupad ng proyekto, maraming mga paghihirap ang lumitaw, na humantong sa mga pagkaantala, makabuluhang pagbabago ng orihinal na konsepto at mataas na gastos sa pananalapi. Sa halip na ang nakaplanong apat na taon at pitong milyong dolyar ng Australia, ang opera ay tumagal ng labing-apat na taon upang maitayo at nagkakahalaga ng $ 102 milyon (iyon ay, lumampas ito sa paunang badyet ng higit sa 14.5 (!) Times).

Ang Sydney Opera House ay binuksan noong Oktubre 20, 1973 ng Reyna Elizabeth II.

Ang perpektong patag na bubong ng Sydney Opera House ay sumasakop sa mahigit isang milyong tile. Sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw, ang mga tile ay lumilikha ng ibang scheme ng kulay, at ang sikat ng araw na makikita mula sa tubig ay gumaganap nang maganda sa kanila.

Ang dalawang pinakamalaking vault ay bumubuo sa kisame Concert hall (Concert Hall) at ang Opera House ( Opera Theater). Sa ibang mga silid, ang mga kisame ay bumubuo ng mga grupo ng mas maliliit na vault. Sa pinakamaliit na "lababo" mula sa pangunahing pasukan at sa pangunahing hagdanan, naroon ang Bennelong restaurant.

Palaging nakakaakit ang Opera House nadagdagan ang atensyon mga propesyonal. Noong 2003, ang arkitekto na si Jorn Utzon ay iginawad sa Pritzker Prize (ang hindi binibigkas na analogue ng Nobel Prize sa arkitektura).