Sinaunang drama ng Russia. Kontemporaryong drama ng Russia

Kaugnayan Ang pananaliksik ay dahil sa pangangailangan na baguhin ang kagamitan ng analytical na paglalarawan ng drama, dahil ang drama ng ikadalawampu siglo ay naiiba sa sinaunang, Renaissance, klasikal.

Novelty ay binubuo sa pag-activate ng kamalayan ng may-akda sa Russian drama mula sa pagliko ng ikalabinsiyam at ikadalawampu siglo. hanggang sa kasalukuyan, mula sa "bagong drama" hanggang sa pinakabago.

Ang dula ay hindi lamang ang pinakasinaunang, kundi pati na rin ang pinakatradisyunal na uri ng panitikan. Ito ay pinaniniwalaan na ang mga pangunahing prinsipyo ng pagtanggap at interpretasyon ng isang dramatikong teksto ay maaaring ilapat sa sinaunang drama, at sa "epiko" na teatro ng B. Brecht, at sa existential drama ng moral na pagpili, at sa isang walang katotohanan na dula.

Kasabay nito, naniniwala ang mga mananaliksik na ang drama ay nababago: sa bawat makasaysayang panahon, nagdadala ito ng isang tiyak na "espiritu ng panahon", ang moral na nerve nito, inilalarawan ang tinatawag na totoong oras sa entablado, ginagaya ang "grammatical present" na paglalahad. sa hinaharap.

Naging malinaw na ang mga batas ng genus, ang teorya nito, na nakita mula pa noong panahon ni Aristotle, ay hindi na tumutugma sa mga bagong proseso ng modernong drama.

Ang konsepto ng "modernong drama" ay napakalawak kapwa sa kronolohikal at aesthetic na mga termino (makatotohanang sikolohikal na drama - A. Arbuzov, V. Rozov, A. Volodin, A. Vampilov; drama " bagong alon"- L. Petrushevskaya, A. Galin, V. Arro, A. Kazantsev; post-perestroika "bagong drama" - N. Kolyada. M. Uvarova, M. Arbatova, A. Shipenko)

Ang kontemporaryong drama ay nailalarawan sa pamamagitan ng genre at pagkakaiba-iba ng istilo... Noong 60-90s, journalistic at pilosopikal na simula, na makikita sa genre at istilong istruktura ng mga dula. Kaya, sa maraming dulang "politikal" at "produksyon", ang batayan ay isang dialogue-debate. Ito ay mga kontrobersyal na dula na umaakit sa aktibidad ng mga manonood. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matinding salungatan, isang banggaan ng mga magkasalungat na pwersa at opinyon. Eksakto sa pampublikong drama madalas nating nakakatugon ang mga bayani ng isang aktibong posisyon sa buhay, mga bayani-manlalaban, kahit na hindi palaging nananalo, na may bukas na mga finals, na hinihikayat ang manonood na aktibong gumana ang kanilang mga iniisip, nakakagambala sa sibil na budhi ("The Dictatorship of Conscience" ni M. Shatrov, " Minutes ng isang pagpupulong" at "Kami, ang nakapirma sa ilalim ng "A. Gelman).

Ang grabitasyon ng kontemporaryong sining patungo sa isang pilosopiko na pag-unawa sa mga problema ng siglo ay nagpapataas ng interes sa genre ng intelektwal na drama, parable play. Kondisyon na pagtanggap sa modernong larong pilosopikal iba't iba. Ito ay, halimbawa, ang "pagproseso" ng mga hiniram na libro at mga maalamat na plot ("The House That Swift Built" ni Gr. Gorin, "Don't Throw Fire, Prometheus!" M. Karim, "Mother Jesus" ni A. Volodin, "The Seventh Feat of Hercules" . Roshchina); makasaysayang retrospections ("Lunin, o ang Kamatayan ni Jacques", "Mga Pag-uusap kay Socrates" ni E. Radzinsky, "The Tsar's Hunt" ni L. Zorin). Ang ganitong mga anyo ay nagpapahintulot sa atin na magdulot ng walang hanggang mga problema, kung saan ang ating mga kapanahon ay nasasangkot din: Mabuti at Masama, Buhay at Kamatayan, digmaan at kapayapaan, ang layunin ng tao sa mundong ito.

Sa panahon ng post-perestroika, ang theatrical at dramatic na wika ay ina-update lalo na nang aktibo. Maaari nating pag-usapan ang tungkol sa mga modernong avant-garde na tendensya, tungkol sa postmodernism, tungkol sa "alternatibong", "iba pa" na sining, na ang linya ay pinutol noong 1920s, at nanatili sa ilalim ng lupa sa loob ng maraming dekada. Gamit ang "perestroika" teatro sa ilalim ng lupa hindi lamang tumaas sa ibabaw, ngunit din "legalized", equalized sa mga karapatan sa opisyal na teatro. Ang ugali na ito, siyempre, ay gumagawa ng mga bagong hinihingi sa drama, ay nangangailangan ng pagpapayaman nito sa mga di-tradisyonal na anyo. O mga kontemporaryong dula Ang ganitong uri ng akh ay binabanggit bilang mga paglalaro na may mga elemento ng absurdismo, kung saan ang kahangalan ng pag-iral ng tao ay kinukuha nang matingkad at masining, na humahantong sa kuwento sa isang talinghaga o isang makabagbag-damdaming metapora. Ang isa sa mga pinakalaganap na sandali ng modernong teatro ng avant-garde ay ang pang-unawa sa mundo bilang isang baliw, isang "hangal na buhay", kung saan ang mga nakagawiang ugnayan ay nasira, tragicomic at katulad na mga aksyon, mga phantasmagoric na sitwasyon. Ang mundong ito ay pinaninirahan ng mga tao-mga multo, "idiots", werewolves ("The Wonderful Woman" N. Sadur, "Walpurgis Night, or the Commander's Steps" ni Ven. Erofeev) bilang isang parusa ay inilagay nila siya sa isang bahay-baliwan, kung saan siya ay dati na; doon siya, sa isang banda, nakilala ang kanyang dating magkasintahan Si Natalia, sa kabilang banda, ay sumasalungat sa maayos na si Borka Mordovorot, na nagpaparusa kay Gurevich ng iniksyon ng "sulfa"; upang maiwasan ang pagkilos ng iniksyon, si Gurevich, sa tulong ni Na talia, ay nagnanakaw ng alkohol mula sa silid ng kawani; gayunpaman, ang masayang paglalasing sa silid ay nagtatapos sa isang bundok ng mga bangkay, dahil ang alkohol na ninakaw ni Gurevich ay naging methyl alcohol; sa finale, niyurakan ng galit na galit na si Mordovorot Borka ang bulag, namamatay na si Gurevich gamit ang kanyang mga paa. Gayunpaman, ang mga kaganapang ito ay malinaw na hindi sapat para sa isang limang-aktong trahedya, kung saan ang isang mahalagang papel ay ginampanan sa pamamagitan ng pagbanggit na ang mga kaganapan ay nagaganap sa gabi bago ang Mayo 1, i.e. sa Walpurgis Night, at ang mga asosasyon kay Don Juan at ang Panauhang Bato ay direktang nilalaro: sa pamamagitan ng pag-iniksyon kay Gurevich na may "sulfa," inanyayahan siya ni Borka-Mordorovorot sa isang night party kasama si Natalya, kung saan si Gurevich, na nahihirapang gumalaw sa kanyang mga sirang labi, tumugon tulad ng estatwa ng kumander: "Darating ako ..." Sa katunayan, ang kalunos-lunos na balangkas at tunggalian ng dula ay nalalahad sa espasyo ng wika. Sa halip na ang klasikong salungatan sa pagitan ng tungkulin at damdamin, inilalahad ni Erofeev ang kanyang trahedya sa paligid ng salungatan sa pagitan ng karahasan at wika. Walang imik ang karahasan - iginiit nito ang katotohanan sa pamamagitan ng sakit ng biktima. Ang mas maraming biktima, mas malakas ang sakit, mas matatag ang katotohanang ito. Ang katotohanan ng kaguluhan. Malaya ang wika, ngunit maaari nitong tutulan ang walang awa na realidad na ito lamang ang ilusyon, pagbabago, immateriality nito: ang utopia ng karnabal ng wika na nilikha ni Gurevich ay hindi masasaktan sa kawalan ng pagtatanggol nito. Ang tao sa dulang ito ay tiyak na mabubuhay sa hangganan ng wika at karahasan (isang tao, siyempre, tulad ni Borka, ay malinaw na nag-uugnay sa kanyang buhay sa kapangyarihan ng karahasan). Sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanyang kamalayan, si Gurevich ay lumikha ng isang linguistic carnival sa kanyang paligid, ngunit ang kanyang katawan - at sa isang psychiatric clinic at kamalayan din - ay patuloy na nagdurusa mula sa pinaka totoong pagpapahirap. Sa esensya, ito ay kung paano muling binuhay ang medyebal na kuwento ng paglilitis sa pagitan ng kaluluwa at laman. Ngunit kasama si Erofeev, kapwa ang kaluluwa at laman ay napapahamak: hindi lamang ang katotohanan ng karahasan ay naglalayong yurakan ang lumikha ng masasayang linguistic utopias, ngunit ang patuloy na pagsusumikap para sa kalayaan, malayo sa mga chimera ng tinatawag na realidad, ay humahantong din sa pagsira sa sarili. . Kaya naman isang trahedya pa rin ang Walpurgis Night, sa kabila ng kasaganaan ng mga eksena at larawan ng komiks).

Bilang karagdagan sa Erofeev, ang postmodern na drama ay kinakatawan ng mga may-akda tulad ni Alexei Shipenko (p. 1961) Mikhail Volokhov (p. 1955), O. Mukhina (plays Tanya-Tanya, Yu), Ev. Grish-sovets (Paano ako kumain ng aso ”,“ Sabay-sabay ”), pati na rin ni Vladimir Sorokin (gumaganap ng“ Pelmeni ”,“ Dugout ”,“ Trust ”,” Dostoevsky-trip ”, screenplay“ Moscow ”[co-authored with film director Alexander Zeldovich]). Gayunpaman, marahil mayroon lamang isang manunulat ng bagong henerasyon na pinamamahalaang bumuo iyong teatro bilang isang independiyenteng penomenong kultural - na may sarili nitong integral aesthetics, pilosopiya, sarili nitong orihinal na dramatikong wika. Ito ay si Nina Sadur.

Ang dulang "Wonderful Woman" (1982) 1 ay maaaring maging susi sa phantasmagoric na teatro ni Nina Sadur (b. 1950) at sa kanyang masining na pilosopiya. Sa unang bahagi ng dula ("Field"), isang ordinaryong lingkod na si Lydia Petrovna, na ipinadala kasama ang isang "grupo ng mga kasama" upang mag-ani ng patatas at nawala sa walang katapusang mga patlang ng disyerto, ay nakilala ang isang tiyak na "tiya" na sa una ay nagbibigay ng impresyon. ng isang mahina ang isip na banal na tanga. Gayunpaman, sa karagdagang pagkakakilala, natuklasan ni "tiya" ang mga katangian ng isang leshachikha (siya ay "pinununahan" ang isang babaeng nahuhuli sa likod ng grupo), siya ay katumbas ng Kalikasan at Kamatayan (ang kanyang apelyido ay Ubienko), at tinukoy niya ang kanyang sarili bilang "ang kasamaan ng mundo." Malinaw, hindi tulad ng "mga breeder ng nayon" at iba pang mga tradisyonalista (Aitmatov, Voinovich at maging si Aleshkovsky), hindi iniuugnay ni Sadur sa natural na prinsipyo ang ideya ng "batas ng kawalang-hanggan", ang pinakamataas na katotohanan ng buhay, laban sa mga kasinungalingan. ng mga batas at relasyong panlipunan. Ang kanyang "kahanga-hangang babae" ay makasalanan at mapanganib, ang pakikipag-usap sa kanya ay nagdudulot ng hindi maintindihan na kalungkutan at sakit sa puso ("kahit paano hinila ... isang hindi kasiya-siyang pakiramdam"). Sa esensya, ang karakter na ito ay naglalaman ng mystical na kaalaman sa kailaliman ng kaguluhan, na nakatago sa ilalim ng shell ng isang ordinaryong, iniutos na pag-iral. Ang "kamangha-manghang babae" Ubienko ay nag-aalok sa kanyang kapwa manlalakbay ng isang kakaibang pagsubok sa ritwal: "Ang layout ay ang mga sumusunod. tumatakas ako. Nakakahabol ka. Kung mahuli mo ito - paraiso, kung hindi mo ito mahuli - ang katapusan ng buong mundo. Nagbabasa ka ba? " Sa hindi inaasahan para sa kanyang sarili, si Lydia Petrovna ay sumang-ayon sa mga kundisyong ito, ngunit, sa huling sandali, na naabutan na ang babae, natakot siya sa kanyang mga banta. Bilang kaparusahan sa pagkatalo, ang "babae" ay pinunit ang buong "itaas na patong" mula sa lupa kasama ang mga taong naninirahan dito at nakumbinsi si Lydia Petrovna na siya ay naiwang mag-isa sa buong mundo at ang kanyang buong normal na buhay ay isa lamang dummy na nilikha ng "aunty" para sa kapayapaan ng isip ni Lidya: "How real! Eksakto pareho! Hindi mo masasabi!"

Sa ikalawang bahagi ng dula ("A Group of Comrades"), ipinagtapat ni Lydia Petrovna sa kanyang mga kasamahan na pagkatapos makipagkita sa "babae sa bukid" ay talagang nawalan siya ng tiwala na ang mundo sa paligid niya ay totoo: "Kahit sa mga bata, nagdududa ako. ito, naiintindihan mo ba? kahit na ngayon ay pinahiya at pinalungkot nila ang aking puso, "- at pagkatapos, kapag ang pinuno ng departamento sa pag-ibig sa kanya ay sinubukang halikan siya, siya ay nag-react ng ganito:" Gusto akong halikan ng isang panakot. Isang modelo, isang dummy ni Alexander Ivanovich ... Hindi mo man lang ako mapapaalis, dahil wala ka doon, naiintindihan mo ba?" Ang pinaka-kapansin-pansin na bagay ay ang mga kasamahan, nang marinig ang pag-amin ni Lydia Ivanovna, sa hindi inaasahang pagkakataon ay madaling maniwala sa kanya. Ang mystical na paliwanag na inaalok ng "babae" ay kasabay ng panloob na damdamin ng mga taong sinusubukang protektahan ang kanilang sarili mula sa pang-araw-araw na mga alalahanin mula sa hindi nasagot na tanong: "Bakit tayo nabubuhay?" Kaya't bumangon ang pangunahing problema, na sinusubukang lutasin ng lahat ng mga karakter sa dula, nang walang pagbubukod,: paano patunayan na ikaw ay buhay? totoo? Ang tanging kapansin-pansing argumento ay ang kakayahan ng isang tao na lumampas sa mga limitasyon ng kanyang karaniwang tungkulin sa buhay: "Buhay lamang ang maaari kong tumalon mula sa aking sarili?" Pero saan? Si Lydia Petrovna ay "tumalon" sa kabaliwan, ngunit ang paglabas na ito ay halos hindi nagdudulot ng kaginhawahan. Sa esensya, ito ay isang paraan sa kamatayan - sa tunog ng isang sirena ng ambulansya, sumigaw si Lydia Petrovna: "Akin lang, tumigil ang aking puso. Ako ay nag-iisa, ako lamang ang nakahiga sa isang mamasa, malalim na lupa, at ang mundo ay namumulaklak, masaya, masaya, buhay!" Gayunpaman, ang kawalan ng kakayahan ng isang solong karakter sa dula (maliban sa "babae", siyempre) na makahanap ng nakakumbinsi na katibayan ng pagiging tunay ng kanyang sariling pag-iral ay pinupuno ang mga salita tungkol sa "pamumulaklak ng mundo" na may kalunos-lunos na kabalintunaan.

Ang pagkahumaling sa kagandahan, kahit na ang kagandahang ito ay nakapipinsala at ipinanganak ng kaguluhan, kahit na humantong sa kapahamakan, ay ang tanging posibleng patunay ng pagiging tunay ng buhay ng tao, ang tanging paraan na magagamit ng isang tao upang "tumalon sa kanyang sarili" - sa madaling salita, upang makahanap ng kalayaan.

Ang unang bagay na nakakakuha ng mata sa mga dula ng mga modernong may-akda ay ang kawalan ng mga malalaking kaganapan. Ang tirahan ng mga modernong bayani ay nakararami sa domestic, "grounded", "sa mga kaibigan", sa labas ng moral na tunggalian sa positibong bayani. Sa isang malaking lawak, lahat ng nasabi ay may kinalaman sa drama ni L. Petrushevskaya. Sa kanyang mga dula, ang paradoxical inconsistency sa pagitan ng mga salita sa kanilang pamagat - "Love", "Andante", "Music Lessons", "Columbine's Apartment" - at ang ordinariness, lack of spirituality, cynicism bilang pamantayan ng pagkakaroon ng mga bayani ay nakamamanghang. Ang dula ni L. Petrushevskaya na "Tatlong batang babae sa asul" ay isa sa pinakasikat. Ang imahe sa pamagat ay nauugnay sa isang bagay na romantiko, kahanga-hanga, "romansa". Gayunpaman, wala itong kinalaman sa tatlong kabataang babae, na nakatali sa malayong pagkakamag-anak at isang karaniwang "mana" - ang sira-sirang kalahati ng bahay ng bansa, kung saan sila ay biglang, sabay-sabay, nagpasya na gugulin ang tag-araw kasama ang kanilang mga anak. Ang paksa ng talakayan sa dula ay ang bubong na tumutulo: kanino at kung kaninong gastos ang pagkukumpuni nito. Ang buhay sa dula ay isang bihag, isang animated na pinuno. Bilang resulta, lumilitaw ang isang phantasmagoric na mundo, at hindi gaanong mula sa mga kaganapan (walang mga kaganapan sa dula, kumbaga), ngunit mula lamang sa mga diyalogo, kung saan naririnig lamang ng lahat ang kanyang sarili.

Ngayon isang bagong henerasyon ang dumating sa drama, isang "bagong alon". Isang pangkat ng mga batang kontemporaryong manunulat ng dula, na natukoy na (N. Kolyada, A. Shipenko, M. Arbatova, M. Ugarov, A. Zheleztsov, O. Mukhina, E. Gremina, atbp.), ayon sa mga eksperto sa teatro, nagpapahayag ng bagong saloobin. Ang mga dula ng mga batang may-akda ay nagpaparamdam sa kanila ng sakit mula sa "gulo ng pagiging tunay", ngunit sa parehong oras, pagkatapos ng "shock therapy", "itim na realismo" ng perestroika drama, ang mga kabataang ito ay hindi gaanong sinisiraan ang mga pangyayari na pumipinsala sa anyo. isang tao, ngunit tingnan ang pagdurusa ng taong ito, na pinipilit siyang mag-isip " sa gilid "tungkol sa mga posibilidad ng kaligtasan, pagtuwid. Ang mga ito ay parang "pag-asa, isang maliit na orkestra sa ilalim ng direksyon ng pag-ibig."

Alexander Vampilov

(1937-1972)

Ang motibo ng espirituwal na pagkahulog sa dula ni A. Vampilov "Duck Hunt"

Layunin ng aralin:

1. Ipakita ang kahalagahan ng drama ni Vampilov para sa panitikang Ruso, unawain ang mga artistikong tampok at ideolohikal na pagka-orihinal ng dulang "Duck Hunt"
2. Upang turuan ang mga mag-aaral ng isang espirituwal na prinsipyo na nag-aambag sa pagbuo ng isang maayos na personalidad sa pamamagitan ng mga konsepto ng kabaitan, pagiging sensitibo, pagkakawanggawa.
3. Itaguyod ang pagbuo ng pagsasalita, aesthetic na panlasa sa mga mag-aaral.

Kailangan mong magsulat tungkol sa kung ano ang hindi
natutulog sa gabi.
A. Vampilov

Sa panahon ng mga klase

1. Panimulang pananalita ng guro.

Teatro! Magkano ang ibig sabihin ng isang salita
Para sa lahat na nakapunta na doon ng maraming beses!
Gaano kahalaga at kung minsan ay bago
May aksyon para sa atin!
Namamatay kami sa mga pagtatanghal
Luha tayo sa bayani...
Bagama't minsan alam na alam natin
Na ang lahat ng kalungkutan ay tungkol sa wala!

Ang paglimot sa edad, kabiguan,
Nagsusumikap kami para sa buhay ng ibang tao
At umiiyak dahil sa kalungkutan ng ibang tao,
Sa tagumpay ng ibang tao, tayo ay nagsusumikap pataas!
Sa mga pagtatanghal, ang buhay ay sa isang sulyap,
At ang lahat ay magbubukas sa dulo:
Sino ang kontrabida, sino ang bida
Na may nakakatakot na maskara sa kanyang mukha.
Teatro! Teatro! Ang dami nilang ibig sabihin
Minsan ang iyong mga salita ay para sa amin!
At paano ito magiging iba?
Sa teatro, laging tama ang buhay!

Ngayon ay pag-uusapan natin ang tungkol sa drama ng Russia noong ika-20 siglo. Pag-uusapan natin ang gawa ng manunulat na pinangalanan ang pangalan isang buong panahon Russian drama - ang vampilov drama.

2. Curriculum Vitae tungkol sa manunulat (pre-trained na mag-aaral).

3. Magtrabaho sa teoretikal na materyal.

Q: Ano ang drama?

Q: Anong mga uri ng drama ang alam mo? Ipamahagi ang pagtutugma.

• Trahedya
• Drama
• Komedya

Muling nililikha ang talamak, hindi malulutas na mga salungatan at mga kontradiksyon kung saan kasangkot ang mga pambihirang indibidwal; hindi mapagkakasundo na sagupaan ng naglalabanang pwersa, namatay ang isa sa mga naglalabanang panig.

Ang paglalarawan ng personalidad sa dramatikong relasyon nito sa lipunan sa mahihirap na karanasan. Marahil ay isang matagumpay na paglutas ng salungatan.

Pangunahin ang pagpaparami ng pribadong buhay ng mga tao upang kutyain ang atrasado, lipas na.

T: Patunayan na ang dulang "Duck Hunt" ay isang drama sa pamamagitan ng paghahatid ng balangkas ng gawaing ito.

Kaya, ang bayani ng dula ay nasa malalim na kontradiksyon sa buhay.

4. Paggawa gamit ang teksto.

Narito ang isang mesa. Ipamahagi sa talahanayan ang mga pangunahing sandali ng salungatan mula sa buhay ni Zilov. (sa pamamagitan ng mga grupo)

Q: Aling parirala mula sa Russian klasikong drama kasingkahulugan ng motto na "Shove it - and the business is over"? ("Sa aba mula sa Wit").

Q: Anong larawan sa tingin mo sikat na artista maaari mo bang ilarawan ang relasyon ni Zilov sa kanyang mga magulang? (Rembrandt "Ang Pagbabalik ng Alibughang Anak").

Samakatuwid, ang tema ng isang taong nawala sa buhay ng isang "alibughang" anak. Higit sa isang henerasyon ang nag-aalala.

Q: Ano ang iba pang mga gawa na kilala mo tungkol sa paksang ito?

Q: Ano, sa iyong palagay, ang trahedya ng bayani? Bakit siya natalo sa lahat ng larangan ng buhay?

Q: Bakit tinawag na "Duck Hunt" ang dula? (Ang pangangaso para sa bayani ay paglilinis).

Pag-unlad ng pagsasalita. Ipahayag ang iyong opinyon sa pagsulat tungkol sa problemang “To be or not to be, or an eternal story about alibughang anak»

Output. Ang tema na itinaas sa dula, walang hanggan, ay isinasaalang-alang sa iba't ibang aspeto ngunit ang ilalim na linya ay palaging pareho: isang pagtatangka na baguhin ang buhay. Ang mga bayani ay nakakaranas ng huli na pagsisisi at nagsimula ng isang mas magandang buhay, o natigilan at sinubukang magpakamatay. Samakatuwid, ang mga tanong ni Hamlet ay walang hanggan.

Upang maging o hindi maging - iyon ang tanong;
Ano ang mas marangal sa espiritu - ang magpasakop
Mga tirador at palaso ng mabangis na kapalaran
O, sakupin ang dagat ng kaguluhan, patayin sila
Paghaharap?

Ang gawain ng playwright na si Vampilov ay mananatiling walang hanggan, bilang ebidensya ng All-Russian Festival of Contemporary Drama. A. Vampilova.

Takdang aralin.

1. Punan ang talahanayan sa seksyong "Mga Kaibigan".
2. Gumuhit ng poster para sa dula (o gumamit ng oral verbal drawing)

Mga sanggunian

1. M.A. Chernyak "Contemporary Russian Literature", Moscow, Eksmo Education, 2007
2. M. Meshcheryakova "Panitikan sa mga talahanayan", Rolf Moscow 2000
3. V.V. Agenosov "panitikan ng Russia noong ikadalawampu siglo. Baitang 11 ", publishing house" Drofa ", Moscow, 1999
4. N.L. Leiderman, M.N. Lipovetsky "Kontemporaryong Russian Literature, 1950-1990", Moscow, ACADEMA, 2003

Ang nilalaman ng artikulo

RUSSIAN DRAMATURHIYA. Ang propesyonal na dramang pampanitikan ng Russia ay nabuo noong huling bahagi ng ika-17 at ika-18 na siglo, ngunit naunahan ito ng isang siglong gulang na panahon ng katutubong drama, pangunahin sa bibig at bahagyang sulat-kamay na katutubong drama. Sa una, ang mga archaic na ritwal na aksyon, pagkatapos - ang mga round dance game at buffoonery fun ay naglalaman ng mga elemento na katangian ng drama bilang isang art form: dialogicity, pagsasadula ng aksyon, paglalaro nito sa mga mukha, na naglalarawan ng isa o ibang karakter (pagbibihis). Ang mga elementong ito ay pinatibay at binuo sa kwentong-bayan.

Drama ng alamat ng Russia.

Ang drama ng alamat ng Russia ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matatag na linya ng balangkas, isang uri ng senaryo, na dinagdagan ng mga bagong yugto. Ang mga pagsingit na ito ay sumasalamin sa mga kontemporaryong kaganapan, kadalasang nagbabago sa pangkalahatang kahulugan ng script. Sa isang kahulugan, ang drama ng alamat ng Russia ay kahawig ng isang palimpsest (isang sinaunang manuskrito, kung saan isinulat ang isang bago), sa loob nito, sa likod ng mas modernong mga kahulugan, mayroong mga buong layer ng mga naunang kaganapan. Ito ay malinaw na nakikita sa pinakasikat na mga drama ng alamat ng Russia - Isang bangka at Tsar Maximilian... Ang kasaysayan ng kanilang pag-iral ay maaaring masubaybayan pabalik sa hindi mas maaga kaysa sa ika-18 siglo. Gayunpaman, sa pagtatayo Mga bangka Ang archaic, pre-theatrical, ritwal na mga ugat ay malinaw na nakikita: ang kasaganaan ng materyal ng kanta ay malinaw na nagpapakita ng choric na simula ng plot na ito. Ang balangkas ay binibigyang-kahulugan nang mas kawili-wili Tsar Maximilian. May isang opinyon na ang balangkas ng drama na ito (ang salungatan sa pagitan ng despot-tsar at ng kanyang anak) sa una ay sumasalamin sa relasyon nina Peter I at Tsarevich Alexei, at kalaunan ay dinagdagan ng storyline ng mga magnanakaw ng Volga at mga malupit na motibo. Gayunpaman, ang balangkas ay batay sa mga naunang kaganapan na may kaugnayan sa Kristiyanisasyon ng Rus - sa pinakakaraniwang mga listahan ng drama, ang salungatan sa pagitan ng Tsar Maximilian at Tsarevich Adolf ay lumitaw sa mga isyu ng pananampalataya. Ito ay nagpapahintulot sa amin na ipagpalagay na ang Russian folklore drama ay mas matanda kaysa sa karaniwang pinaniniwalaan, at mula sa mga paganong panahon.

Ang paganong yugto ng Russian folklore dramaturgy ay nawala: ang pag-aaral ng folklore art sa Russia ay nagsimula lamang noong ika-19 na siglo, ang unang siyentipikong publikasyon ng malalaking folk drama ay lumitaw lamang noong 1890-1900 sa journal Ethnographic Review (na may mga komento ng mga siyentipiko ng sa oras na iyon V. Kallash at A. Gruzinsky ). Ang nasabing huli na simula ng pag-aaral ng folklore drama ay humantong sa malawakang opinyon na ang paglitaw ng katutubong drama sa Russia ay nagsimula lamang noong ika-16 at ika-17 siglo. Mayroon ding alternatibong punto ng view, kung saan ang genesis Mga bangka nagmula sa mga kaugalian sa libing ng mga paganong Slav. Ngunit sa anumang kaso, ang balangkas at mga pagbabago sa semantiko sa mga teksto ng mga kwentong alamat, na naganap sa loob ng hindi bababa sa sampung siglo, ay isinasaalang-alang sa mga pag-aaral sa kultura, kasaysayan ng sining at etnograpiya sa antas ng mga hypotheses. Ang bawat makasaysayang panahon ay nag-iwan ng marka sa nilalaman ng mga kwentong alamat, na pinadali ng kapasidad at kayamanan ng mga nag-uugnay na link ng kanilang nilalaman.

Ang sigla ng folklore theater ay dapat bigyang-pansin lalo na. Ang mga pagtatanghal ng maraming mga katutubong drama at komedya ay kasama sa konteksto ng buhay teatro sa Russia hanggang sa simula ng ika-20 siglo. - hanggang sa oras na iyon, sila ay nilalaro sa city fair at booth performances, at sa village festivals, hanggang sa mga kalagitnaan ng 1920s. Bukod dito, mula noong 1990s, nagkaroon ng napakalaking interes sa muling pagkabuhay ng isa sa mga linya ng folklore theater - ang belen, at ngayon ang mga pista ng Pasko ng mga belen ay ginaganap sa maraming lungsod ng Russia (kadalasan ang mga eksena sa kapanganakan ay itinanghal ayon sa lumang naibalik na mga teksto).

Ang pinakakaraniwang mga plot ng alamat teatro ng drama, kilala sa maraming listahan - Isang bangka, Tsar Maximilian at Imaginary master, habang ang huli sa kanila ay pinalabas hindi lamang bilang isang hiwalay na eksena, ngunit kasama rin bahagi ng sa tinatawag na "Mahusay na folk drama."

Isang bangka pinag-iisa ang ikot ng mga dulang may temang "magnanakaw". Kasama sa grupong ito hindi lamang mga plot Mga bangka ngunit pati na rin ang iba pang mga drama: Banda ng mga tulisan, Bangka, Black Raven... Sa iba't ibang bersyon - iba't ibang ratios ng folklore at literary elements (mula sa pagtatanghal ng isang kanta Ibaba ang ina sa Volga hanggang sa mga sikat na kwento ng pagnanakaw, halimbawa, Black hump, o Blood Star, Ataman Fra-Diavolo at iba pa.). Naturally, pinag-uusapan natin ang tungkol sa huli (simula sa ika-18 siglo) na mga bersyon Mga bangka, na sumasalamin sa mga kampanya nina Stepan Razin at Ermak. Sa gitna ng anumang bersyon ng cycle ay ang imahe ng pinuno ng bayan, isang mahigpit at matapang na pinuno. Maraming motibo Mga bangka kalaunan ay ginamit sa drama ng A. Pushkin, A. Ostrovsky, A. K. Tolstoy. Nagkaroon din ng baligtad na proseso: ang mga sipi at sipi mula sa mga sikat na akdang pampanitikan, lalo na ang mga kilala sa mga sikat na kopya, ay pumasok sa folklore drama at naayos dito. Mga rebeldeng kalunos-lunos Mga bangka naging sanhi ng paulit-ulit na pagbabawal sa kanyang mga palabas.

Tsar Maximilian umiral din sa maraming mga variant, sa ilan sa mga ito ang relihiyosong salungatan sa pagitan ni Maximilian at Adolf ay pinalitan ng isang panlipunan. Ang pagpipiliang ito ay nabuo sa ilalim ng impluwensya Mga bangka: dito umalis si Adolf patungo sa Volga at naging pinuno ng mga magnanakaw. Sa isa sa mga bersyon, ang salungatan sa pagitan ng tsar at ng kanyang anak ay nagaganap sa isang pamilya at sambahayan - dahil sa pagtanggi ni Adolf na pakasalan ang nobya na pinili ng kanyang ama. Sa bersyong ito, ang mga accent ay inilipat sa farcical, farcical character ng plot.

Sa folklore puppet theater, laganap ang mga cycle ng parsley plot at mga bersyon ng Christmas crib theater. Mula sa iba pang mga genre ng folklore drama ay laganap na fairgrounds, jokes of booths at merry-go-round "grandfathers", interludes ng mga lider ng bear sa "Bear's Fun".

Maagang drama sa panitikan ng Russia.

Ang pinagmulan ng dramang pampanitikan ng Russia ay nagsimula noong ika-17 siglo. at nauugnay sa teatro ng simbahan ng paaralan, na lumilitaw sa Russia sa ilalim ng impluwensya ng mga pagtatanghal ng paaralan sa Ukraine sa Kiev-Mohyla Academy. Labanan ang mga tendensiyang Katoliko na nagmumula sa Poland, Simbahang Orthodox ginamit na katutubong teatro sa Ukraine. Ang mga may-akda ng mga dula ay humiram ng mga plot ng mga ritwal sa simbahan, pininturahan ang mga ito sa mga diyalogo at sinalsal ng mga comedy interlude, musical at dance number. Sa genre, ang drama na ito ay kahawig ng isang hybrid ng Western European morality at milagro. Isinulat sa isang moralizing, matayog na istilong declamatory, pinagsama ng mga gawang ito ng drama sa paaralan ang mga alegorikal na karakter (Vice, Pride, Truth, atbp.) sa mga makasaysayang karakter (Alexander the Great, Nero), mythological (Fortune, Mars) at biblical (Joshua, Herodes , atbp.) atbp.). Ang pinakasikat na mga gawa - Aksyon tungkol kay Alexis, isang tao ng Diyos, Pagkilos sa Pasyon ni Kristo at iba pa. Ang pagbuo ng drama sa paaralan ay nauugnay sa mga pangalan ni Dmitry Rostovsky ( Dormition drama, Christmas drama, Rostov action at iba pa), Feofan Prokopovich ( Vladimir), Mitrofan Dovgalevsky ( Ang Makapangyarihang Larawan ng Sangkatauhan ng Diyos), Georgy Konissky ( Muling pagkabuhay ng mga patay ) at iba pa.Si Simeon ng Polotsk ay nagsimula rin sa teatro ng simbahan-paaralan.

Kasabay nito, nabuo ang drama ng korte - noong 1672, sa utos ni Alexei Mikhailovich, binuksan ang unang teatro ng korte sa Russia. Ang mga unang dulang pampanitikan ng Russia ay isinasaalang-alang Aksyon ni Artaxerxes(1672) at Judith(1673), na dumating sa amin sa ilang mga kopya ng ika-17 siglo.

Sa pamamagitan ng may-akda Aksyon ni Artaxerxes ay pastor Y-G. Gregory (kasama ang kanyang assistant, L. Ringuber). Ang dula ay nakasulat sa mga taludtod sa Aleman gamit ang maraming pinagmumulan (Lutheran Bible, mga pabula ni Aesop, German spiritual chants, sinaunang mitolohiya, atbp.). Itinuturing ng mga mananaliksik na hindi ito isang compilation, ngunit isang orihinal na gawa. Ang pagsasalin sa Russian ay malinaw na ginawa ng isang grupo ng mga empleyado ng Ambassadorial Prikaz. Sa mga tagapagsalin, malamang na mayroon ding mga makata. Ang kalidad ng pagsasalin ay hindi pare-pareho: kung ang simula ay maingat na ginawa, kung gayon ang kalidad ng teksto ay bumababa patungo sa dulo ng piraso. Ang pagsasalin ay isang pangunahing reworking ng Aleman na bersyon. Sa isang banda, nangyari ito dahil sa ilang lugar ay hindi tumpak na nauunawaan ng mga tagapagsalin ang kahulugan ng tekstong Aleman; sa kabilang banda, dahil sa ilang mga kaso ay sadyang binago nila ang kahulugan nito, na inilalapit ito sa mga katotohanan ng buhay ng Russia. Ang balangkas ay pinili ni Alexei Mikhailovich, at ang paggawa ng dula ay dapat na mag-ambag sa pagpapalakas ng diplomatikong relasyon sa Persia.

Orihinal na wika ng dula Judith(mga pangalan ayon sa iba pang mga listahan - Komedya mula sa aklat ni Judith at pagkilos ng Holofernovo), na isinulat din ni Gregory, ay hindi eksaktong itinatag. Mayroong hypothesis na dahil sa kakulangan ng oras na inilaan para sa paghahanda ng mga pagtatanghal, lahat ng mga dula pagkatapos Aksyon ni Artaxerxes Sumulat kaagad si Gregory sa Russian. Iminungkahi din na ang orihinal na bersyon ng Aleman Judith isinalin sa Russian ni Simeon Polotsky. Ang pinakalaganap na opinyon ay ang gawain sa piyesang ito ay sumunod sa pattern ng pagsulat Aksyon ni Artaxerxes, at maraming Germanismo at Polonismo sa kanyang teksto ang nauugnay sa komposisyon ng pangkat ng mga tagapagsalin.

Ang parehong mga dula ay binuo sa pagsalungat ng positibo at negatibong mga karakter, ang kanilang mga karakter ay static, bawat isa ay nagbibigay-diin sa isang nangungunang tampok.

Hindi lahat ng dula sa court theater ay nakaligtas sa atin. Sa partikular, ang mga teksto ng komedya tungkol kay Tobias the Younger at tungkol kay Yegor the Brave, na ipinakita noong 1673, pati na rin ang komedya tungkol kay David with Galiad (Goliath) at tungkol kay Bacchus with Venus (1676) ay nawala. Hindi laging posible na maitatag ang eksaktong may-akda ng mga natitirang dula. Kaya, Aksyon ni Temir-Aksakovo(ibang pangalan - Maliit na komedya tungkol sa Bayazet at Tamerlane, 1675), ang pathos at moralizing orientation na natukoy ng digmaan sa pagitan ng Russia at Turkey, marahil ay isinulat ni J. Gibner. Gayundin, marahil lamang, ang may-akda (Gregory) ng mga unang komedya sa mga balangkas ng Bibliya ay maaaring pangalanan: Maliit na cool na komedya tungkol kay Joseph at Isang malungkot na komedya tungkol kina Adan at Eba.

Ang unang playwright ng Russian court theater ay ang scientist-monk na si S. Polotsky (trahedya Tungkol kay Nechadnezzar na hari, tungkol sa katawan ng ginto at tatlong bata, sa yungib na hindi nasunog at Komedya-parabula ng alibughang anak). Ang kanyang mga dula ay namumukod-tangi laban sa background ng ika-17 siglo na repertoire ng teatro ng Russia. Gamit ang pinakamahusay na mga tradisyon ng drama sa paaralan, hindi niya itinuring na kinakailangan na ipakilala ang mga alegorikal na pigura sa kanyang mga dula, ang kanilang mga karakter ay mga tao lamang, na ginagawang ang mga dulang ito ay isang uri ng mapagkukunan ng makatotohanang tradisyon ng drama ng Russia. Ang mga pag-play ni Polotsky ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang maayos na komposisyon, kakulangan ng mga haba, nakakumbinsi na mga imahe. Hindi kuntento sa tuyong moralisasyon, ipinakilala niya ang mga nakakatawang interlude (tinatawag na "interludes") sa mga dula. Sa komedya tungkol sa alibughang anak, ang balangkas nito ay hiram sa talinghaga ng ebanghelyo, ang mga eksena ng pagsasaya at kahihiyan ng pangunahing tauhan ay sa may-akda. Sa katunayan, ang kanyang mga dula ay isang link sa pagitan ng paaralan-simbahan at sekular na drama.

Ang drama ng Russia noong ika-18 siglo

Matapos ang pagkamatay ni Alexei Mikhailovich, ang teatro ay sarado, at nabuhay muli sa ilalim ni Peter I. Gayunpaman, ang paghinto sa pag-unlad ng drama ng Russia ay tumagal nang kaunti: sa teatro ng mga panahon ni Peter, ang mga isinalin na dula ay pangunahing nilalaro. Totoo, sa oras na ito, naging laganap ang mga pagtatanghal ng panegyric na may mga kalunus-lunos na monologo, koro, musical divertissement, at solemne prusisyon. Niluwalhati nila ang gawain ni Pedro at tumugon sa mga pangyayari sa paksa ( Tagumpay ng Orthodox Peace, Paglaya ng Livonia at Ingermanland at iba pa), gayunpaman, wala silang gaanong impluwensya sa pagbuo ng drama. Ang mga teksto para sa mga pagtatanghal na ito ay sa halip ay isang inilapat na kalikasan at hindi nagpapakilala. Ang drama ng Russia ay nagsimulang makaranas ng mabilis na pagtaas mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, kasabay ng pagbuo ng propesyonal na teatro nangangailangan ng isang pambansang repertoire.

Ang drama ng Russia ng nakaraan at kasunod na mga panahon ay mukhang kawili-wili kung ihahambing sa European. Sa Europa ika-17 siglo. - ito sa una ang pamumulaklak, at patungo sa dulo - ang krisis ng Renaissance, isang panahon na nagbigay ng pinakamataas na pagtaas ng mature na drama, na ang ilan sa mga taluktok (Shakespeare, Moliere) ay nanatiling hindi maunahan. Sa oras na ito, isang seryosong teoretikal na batayan para sa drama at teatro ang nabuo sa Europa - mula Aristotle hanggang Boileau. Sa Russia, ika-17 siglo. - ito ay simula pa lamang ng isang pampanitikang dula. Ang malaking chronological cultural gap na ito ay nagbunga ng mga kabalintunaan na resulta. Una, nabuo sa ilalim ng walang alinlangan na impluwensya ng Kanluraning teatro, ang teatro at drama ng Russia ay hindi inihanda para sa pang-unawa at pagbuo ng isang holistic na aesthetic na programa. Impluwensiya ng Europa sa teatro at drama ng Russia noong ika-17 siglo sa halip ay panlabas, ang teatro ay binuo bilang isang anyo ng sining sa pangkalahatan. Gayunpaman, ang pag-unlad ng istilo ng teatro ng Russia ay nagpunta sa sarili nitong paraan. Pangalawa, ang makasaysayang "lag" na ito ay nagdulot ng isang mataas na rate ng karagdagang pag-unlad, pati na rin ang isang malaking genre at stylistic na hanay ng kasunod na Russian drama. Sa kabila ng halos kumpletong dramatikong paghina sa unang kalahati ng ika-18 siglo, ang kultura ng teatro ng Russia ay nagsumikap na "makahabol" sa isang European, at para dito, maraming mga lohikal na yugto ng kasaysayan ang mabilis na lumipas. Gayon din ang teatro ng paaralan at simbahan: sa Europa ang kasaysayan nito ay bumalik sa ilang siglo, sa Russia - wala pang isang siglo. Ang prosesong ito ay ipinakita nang mas mabilis sa drama ng Russia noong ika-18 siglo.

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. ang paglitaw ng klasikong Ruso (sa Europa, ang pamumulaklak ng klasisismo sa panahong ito ay matagal na sa nakaraan: Namatay si Cornelle noong 1684, Racine - noong 1699.) Sinubukan nina V. Trediakovsky at M. Lomonosov ang kanilang kamay sa klasikong trahedya, ngunit ang tagapagtatag ng dramang pampanitikan ng Russia sa pangkalahatan) ay si A. Sumarokov, na noong 1756 ay naging direktor ng unang propesyonal na teatro ng Russia. Sumulat siya ng 9 na trahedya at 12 komedya, na naging batayan ng repertoire ng teatro noong 1750s – 1760. Nabibilang din si Sumarokov sa unang mga akdang pampanitikan at teoretikal na Ruso. Sa partikular, sa Sulat tungkol sa tula(1747) ipinagtanggol niya ang mga prinsipyong katulad ng mga klasikong canon ng Boileau: isang mahigpit na paghihiwalay ng mga genre ng drama, ang pagtalima ng "tatlong pagkakaisa". Hindi tulad ng mga klasikong Pranses, si Sumarokov ay hindi batay sa mga antigong paksa, at sa Russian chronicles ( Khorev, Sinav at Truvor) at kasaysayan ng Russia ( Dmitry ang Pretender at iba pa.). Ang iba ay nagtrabaho sa parehong ugat. pangunahing kinatawan Russian classicism - N. Nikolev ( Sorena at Zamir), Y. Knyazhnin ( Rossslav, Vadim Novgorodsky at iba pa.).

Ang dramang klasiko ng Russia ay may isa pang pagkakaiba mula sa Pranses: ang mga may-akda ng mga trahedya ay sumulat ng mga komedya sa parehong oras. Ito ay bumagsak sa mahigpit na balangkas ng klasisismo at nag-ambag sa pagkakaiba-iba ng mga aesthetic na uso. Ang klasiko, pang-edukasyon at sentimentalist na drama sa Russia ay hindi pinapalitan ang isa't isa, ngunit umuunlad nang halos sabay-sabay. Ang mga unang pagtatangka na lumikha ng isang satirical comedy ay ginawa na ni Sumarokov ( Mga Halimaw, Walang laman na Pag-aaway, Dickhead, Dote sa pamamagitan ng Panlilinlang, Narcissus at iba pa.). Higit pa rito, sa mga komedya na ito, ginamit niya ang mga istilong kagamitan ng folklore inter-talk at farces - sa kabila ng katotohanan na sa kanyang teoretikal na mga gawa ay kritikal siya sa mga katutubong "laro". Noong 1760s – 1780s. nagiging laganap na ang genre ng comic opera. Binigyan siya ng parangal bilang mga klasiko - Prinsesa ( Ang kamalasan ng karwahe, Batter, Nagyayabang at iba pa), Nikolev ( Rosana at Lyubim), at mga comedy-satirists: I. Krylov ( palayok ng kape) at iba pa. Lumilitaw ang mga direksyon ng nakakaiyak na komedya at philistine drama - V. Lukin ( Mot Itinama ng Pag-ibig), M. Verevkin ( Dapat ganyan, Eksaktong pareho), P. Plavilshchikov ( Bobyl, Sidewalker), atbp. Ang mga genre na ito ay hindi lamang nag-ambag sa demokratisasyon at tumaas na katanyagan ng teatro, ngunit nabuo din ang mga pundasyon ng sikolohikal na teatro, minamahal sa Russia, kasama ang mga tradisyon ng detalyadong pag-unlad ng mga multifaceted character. Ang rurok ng drama ng Russia noong ika-18 siglo. Halos makatotohanang mga komedya ng Kapnist ( Yabed), D. Fonvizina ( Undergrowth,Foreman), I. Krylova ( Tindahang Moda, Aralin para sa mga anak na babae at iba pa.). Interesting ang "joke-tragedy" ni Krylov Trumph, o Podshipa, kung saan ang pangungutya sa paghahari ni Paul I ay pinagsama sa isang nakakatusok na parody ng mga klasikong pamamaraan. Ang dula ay isinulat noong 1800 - tumagal lamang ng 53 taon para sa klasiko na aesthetics, makabagong para sa Russia, upang magsimulang makita bilang archaic. Binigyang-pansin ni Krylov ang teorya ng drama ( Paalala sa komedya« Tawanan at kalungkutan», Pagsusuri ng komedya A. Klushin« Alchemist» at iba pa.).

Drama ng Russia noong ika-19 na siglo

Sa simula ng ika-19 na siglo. ang makasaysayang agwat sa pagitan ng Russian drama at European drama ay dumating sa wala. Mula noon, ang teatro ng Russia ay umuunlad sa pangkalahatang konteksto. kulturang Europeo... Ang isang iba't ibang mga aesthetic trend sa Russian drama ay nananatiling - sentimentalism (N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov, atbp.) Coexists na may medyo classicist romantikong trahedya (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy, atbp.) , liriko at emosyonal na drama (I. Turgenev) - na may mapang-uyam na pamphlet satire (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). Ang liwanag, nakakatawa at nakakatawang vaudeville ay sikat (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F. Koni, V. Karatygin, atbp.). Ngunit ito ay tiyak na ang ika-19 na siglo, ang panahon ng mahusay na panitikan ng Russia, na naging "ginintuang panahon" ng drama ng Russia, na nagbibigay sa mga may-akda na ang mga gawa ay kasama pa rin sa ginintuang pondo ng mga klasikong teatro sa mundo.

Ang unang dula ng bagong uri ay ang komedya ni A. Griboyedov Aba mula kay Wit... Nakamit ng may-akda ang kamangha-manghang kasanayan sa pagbuo ng lahat ng bahagi ng dula: mga tauhan (kung saan ang sikolohikal na realismo ay organikong pinagsama sa mataas na antas typification), intriga (kung saan ang pag-iibigan ay magkakaugnay na may sibil at ideolohikal na banggaan), wika (halos ang buong dula ay ganap na nahahati sa mga kasabihan, salawikain at catchphrases, na napanatili sa buhay na pananalita ngayon).

Pilosopikal na mayaman, malalim sa sikolohikal at banayad, at sa parehong oras ay makapangyarihang epiko, ang mga dramatikong gawa ni A. Pushkin ( Boris Godunov, Mozart at Salieri, Ang kuripot na kabalyero,Panauhing bato, Pista sa Panahon ng Salot).

Mapanglaw na romantikong motibo, mga tema ng indibidwal na paghihimagsik, isang presentasyon ng simbolismo na malakas na tinunog sa drama ni M. Lermontov ( mga Espanyol, Mga tao at hilig, Masquerade).

Isang sumasabog na pinaghalong kritikal na realismo na may kamangha-manghang katawa-tawa ang pumupuno sa mga kamangha-manghang komedya ni N. Gogol ( Kasal, Mga manlalaro, Ang auditor).

Ang isang malaking orihinal na mundo ay lumilitaw sa marami at multi-genre na mga dula ni A. Ostrovsky, na kumakatawan sa isang buong encyclopedia buhay Ruso... Sa drama niya, marami Mga aktor ng Russia, sa mga dula ni Ostrovsky, ang tradisyon ng realismo, lalo na ang minamahal sa Russia, ay itinayo.

Ang isang mahalagang yugto sa pagbuo ng drama ng Russia (bagaman hindi gaanong makabuluhan kaysa sa prosa) ay ginawa ng mga dula ni L. Tolstoy ( Paghahari ng kadiliman, Ang mga bunga ng kaliwanagan, Buhay na patay).

Ang drama ng Russia sa pagliko ng ika-20 siglo

Sa huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. nabuo ang mga bagong aesthetic na direksyon ng drama. Tinukoy ng eschatological moods ng turn of the century ang malawakang pamamahagi ng simbolismo (A. Blok - Balaganchik,estranghero,Rose at krus,Hari sa plaza; L. Andreev - Sa mga bituin,Tsar-Gutom,Buhay ng tao,Anatema; N. Evreinov - Gwapong despot, ganyang babae; F. Sologub - Tagumpay ng Kamatayan,Mga sayaw sa gabi,Vanka the Keeper and the Page Jean; V. Brusov - Ang manlalakbay,Lupa at iba pa.). Ang mga futurista (A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, K. Malevich, V. Mayakovsky) ay nanawagan para sa pag-abandona sa lahat ng mga kultural na tradisyon ng nakaraan at pagbuo ng isang ganap na bagong teatro. Ang isang matigas, agresibo sa lipunan, madilim na naturalistic na aesthetics ay binuo sa drama ni M. Gorky ( Bourgeoisie,Sa ilalim,Mga residente ng tag-init, Mga kalaban, Ang huli, Vassa Zheleznova).

Ngunit ang mga dula ni A. Chekhov ay naging tunay na pagtuklas ng drama ng Russia noong panahong iyon, mas maaga sa kanilang panahon at pagtukoy sa vector ng karagdagang pag-unlad ng teatro sa mundo. Ivanov,Gull,Kuya Ivan,Tatlong magkakapatid na babae,Ang Cherry Orchard hindi akma sa tradisyunal na sistema ng mga dramatikong genre at talagang pinabulaanan ang lahat ng teoretikal na canon ng drama. Halos walang balangkas na intriga sa kanila - sa anumang kaso, ang balangkas ay hindi kailanman may kahulugang pang-organisa, walang tradisyonal na dramatikong pamamaraan: ang simula - ang mga paikot-ikot - ang denouement; walang iisang "end-to-end" conflict. Ang mga kaganapan sa lahat ng oras ay nagbabago ng kanilang semantic scale: malaki ay nagiging hindi gaanong mahalaga, at araw-araw na maliliit na bagay ay lumalaki sa isang pandaigdigang saklaw. Ang mga relasyon at diyalogo ng mga karakter ay batay sa subtext, isang emosyonal na kahulugan na hindi sapat sa teksto. Ang tila simple at hindi kumplikadong mga pangungusap ay aktwal na binuo sa isang kumplikadong sistema ng estilista ng mga tropa, pagbabaligtad, mga tanong na retorika, pag-uulit, atbp. Ang pinaka-kumplikadong sikolohikal na mga larawan ng mga bayani ay binubuo ng mga pinong emosyonal na reaksyon, mga semitone. Bilang karagdagan, ang mga dula ni Chekhov ay nagpapanatili ng ilang uri ng theatrical na bugtong, ang solusyon kung saan ay umiwas sa world theater para sa ikalawang siglo. Tila sila ay plastic na pumapayag sa iba't ibang mga aesthetic na direktoryo na interpretasyon - mula sa malalim na sikolohikal, liriko (K. Stanislavsky, P. Stein, atbp.) hanggang sa malinaw na maginoo (G. Tovstonogov, M. Zakharov), ngunit sa parehong napapanatili ng oras ang aesthetic at semantic na hindi mauubos. Kaya, sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, tila hindi inaasahan - ngunit natural - ang deklarasyon ng mga absurdist na ang batayan ng kanilang aesthetic na direksyon kasinungalingan ang drama ni Chekhov.

Russian drama pagkatapos ng 1917.

Pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre at ang kasunod na pagtatatag ng kontrol ng estado sa mga sinehan, bumangon ang pangangailangan para sa isang bagong repertoire na naaayon sa modernong ideolohiya. Gayunpaman, sa mga pinakaunang dula, marahil isa lamang ang maaaring pangalanan ngayon - Mystery Buff V. Mayakovsky (1918). Talaga pareho kontemporaryong repertoire ng unang bahagi ng panahon ng Sobyet ay nabuo sa paksang "pagkabalisa" na nawala ang kaugnayan nito sa maikling panahon.

Ang bagong drama ng Sobyet, na sumasalamin sa pakikibaka ng mga uri, ay nabuo noong 1920s. Sa panahong ito, ang mga manunulat ng dula tulad ni L. Seifullina ( Virinea), A. Serafimovich ( Maryana, ang adaptasyon ng may-akda sa nobela Agos ng bakal), L. Leonov ( Badgers), K. Trenev ( Lyubov Yarovaya), B. Lavrenev ( Kasalanan), V. Ivanov ( Nakabaluti tren 14-69), V. Bill-Belotserkovsky ( Bagyo), D. Furmanov ( Mutiny), atbp. Ang kanilang drama sa kabuuan ay nakilala sa pamamagitan ng isang romantikong interpretasyon ng mga rebolusyonaryong kaganapan, isang kumbinasyon ng trahedya sa panlipunang optimismo. Noong 1930s, sumulat si V. Vishnevsky ng isang dula, ang pamagat nito ay tiyak na tinutukoy pangunahing genre bagong makabayang drama: Optimistang trahedya(binago ng pangalang ito ang orihinal, mas mapagpanggap na mga opsyon - Himno sa mga mandaragat at Tagumpay na trahedya).

Ang genre ng Soviet satirical comedy ay nagsimulang mabuo, sa unang yugto ng pagkakaroon nito na nauugnay sa pagkakalantad ng NEP bilang: Bug at Paligo V. Mayakovsky, Air pie at Katapusan ng Krivorylsk B.Romashova, Nabaril A. Bezymensky, Utos at Pagpapakamatay N. Erdman.

Ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng drama ng Sobyet (tulad ng iba pang mga genre ng panitikan) ay tinukoy ng Unang Kongreso ng Unyon ng mga Manunulat (1934), na nagpahayag ng pamamaraan ng sosyalistang realismo bilang pangunahing malikhaing pamamaraan ng sining.

Noong 1930s - 1940s, isang paghahanap para sa isang bagong positibong bayani ang naganap sa drama ng Sobyet. Sa entablado mayroong mga dula ni M. Gorky ( Egor Bulychov at iba pa,Dostigaev at iba pa). Sa panahong ito, ang sariling katangian ng naturang mga manunulat ng dulang gaya ni N. Pogodin ( Pace,Tula tungkol sa palakol,Aking kaibigan at iba pa), V. Vishnevsky ( Unang kabayo,Ang huling mapagpasyahan,Optimistang trahedya), A. Afinogenova ( Takot,Malayo,Masha), V. Kirshona ( Ang mga riles ay humuhuni, Tinapay), A. Korneichuk ( Ang pagkamatay ng iskwadron,Plato Krechet), N. Virta ( Lupa), L. Rakhmanova ( Hindi mapakali sa katandaan), V. Guseva ( kaluwalhatian), M. Svetlova ( fairy tale,Makalipas ang dalawampung taon), ilang sandali - K. Simonova ( Lalaki mula sa aming lungsod,mga taong Ruso, tanong ng Ruso,Pang-apat at iba pa.). Ang mga dula kung saan ipinakita ang imahe ni Lenin ay sikat: Lalaking may dalang baril Pogodin, Katotohanan Korneichuk, Sa pampang ng Neva Trenev, mamaya - gumaganap ni M. Shatrov. Ang drama para sa mga bata ay nabuo at aktibong binuo, ang mga tagalikha nito ay sina A. Brushtein, V. Lyubimova, S. Mikhalkov, S. Marshak, N. Shestakov at iba pa. gaano karaming mga matatanda ( Cinderella,anino,Ang dragon at iba pa.). Sa panahon ng Dakila Digmaang Makabayan 1941-1945 at sa mga unang taon pagkatapos ng digmaan, natural na sumikat ang dramang makabayan, parehong moderno at makasaysayang mga tema... Pagkatapos ng digmaan, naging laganap ang mga dulang nakatuon sa pandaigdigang pakikibaka para sa kapayapaan.

Noong 1950s, maraming mga utos ang inilabas sa USSR na naglalayong mapabuti ang kalidad ng drama. Ang tinatawag na. "The theory of conflict-free", proclaiming the only possible dramatic conflict "good with the best." Ang matinding interes ng mga naghaharing lupon sa modernong drama ay dahil hindi lamang sa pangkalahatang mga pagsasaalang-alang sa ideolohiya, kundi pati na rin sa isa pang karagdagang dahilan. Ang pana-panahong repertoire ng teatro ng Sobyet ay binubuo ng mga pampakay na seksyon (mga klasikong Ruso, mga banyagang klasiko, isang pagtatanghal na nakatuon sa isang anibersaryo o petsa ng holiday, atbp.). Hindi bababa sa kalahati ng mga premiere ang dapat ihanda ayon sa kontemporaryong drama. Ito ay kanais-nais na ang mga pangunahing pagtatanghal ay itinanghal hindi batay sa mga light comedy play, ngunit sa mga gawa ng isang seryosong tema. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, karamihan sa mga teatro sa bansa, na abala sa problema ng orihinal na repertoire, ay naghahanap ng mga bagong dula. Ang mga kumpetisyon ng kontemporaryong drama ay ginaganap taun-taon, at ang Teatr magazine ay naglathala ng isa o dalawang bagong dula sa bawat isyu. Ang All-Union Copyright Agency para sa opisyal na paggamit ng teatro ay inilalathala taun-taon ng ilang daang modernong dula, na binili at inirerekomenda para sa pagtatanghal ng Ministri ng Kultura. Gayunpaman, ang pinaka-kawili-wili at tanyag na sentro para sa pagpapakalat ng modernong drama sa mga lupon ng teatro ay isang semi-opisyal na mapagkukunan - ang WTO mashburo (All-Union Theater Society, kalaunan ay pinalitan ng pangalan ang Union of Theater Workers). Dumagsa doon ang mga novelty ng drama - parehong opisyal na naaprubahan at hindi. Ang mga typist ay nag-print ng mga bagong teksto, at halos anumang dula na kasusulat lang ay maaaring makuha mula sa typing bureau sa maliit na bayad.

Pangkalahatang pagtaas sining ng teatro noong huling bahagi ng 1950s, nagdulot din ito ng pag-usbong ng drama. Ang mga gawa ng mga bagong mahuhusay na may-akda ay lumitaw, na marami sa kanila ang nagpasiya ng mga pangunahing paraan ng pag-unlad ng drama sa mga darating na dekada. Sa paligid ng panahong ito, nabuo ang mga indibidwalidad ng tatlong manunulat ng dula, na ang mga dula ay itinanghal nang marami sa buong panahon ng Sobyet - V. Rozov, A. Volodin, A. Arbuzov. Ginawa ni Arbuzov ang kanyang debut noong 1939 kasama ang paglalaro Tanya at nanatiling nakaayon sa manonood at mambabasa nito sa loob ng maraming dekada. Siyempre, ang repertoire ng 1950s - 1960s ay hindi limitado sa mga pangalang ito, L. Zorin, S. Aleshin, I. Stock, A. Stein, K. Finn, S. Mikhalkov, A. Sofronov, A. Salynsky aktibong nagtrabaho sa drama , Y. Miroshnichenko, at iba pa. Ang pinakamalaking bilang ng mga palabas sa mga sinehan ng bansa sa loob ng dalawa o tatlong dekada ay nahulog sa hindi mapagpanggap na mga komedya nina V. Konstantinov at B. Razer, na nagtrabaho sa co-authorship. Gayunpaman, ang karamihan sa mga dula ng lahat ng mga may-akda na ito ay kilala lamang ngayon sa mga istoryador ng teatro. Ang mga gawa nina Rozov, Arbuzov at Volodin ay pumasok sa gintong pondo ng mga klasikong Ruso at Sobyet.

Ang huling bahagi ng 1950s - unang bahagi ng 1970s ay minarkahan ng maliwanag na personalidad ni A. Vampilov. Sa kanyang maikling buhay, sumulat lamang siya ng ilang mga dula: Paalam sa Hunyo,Panganay na anak,Pangangaso ng pato,Mga biro ng probinsyano(Dalawampung minuto kasama ang isang anghel at Ang kaso ng metranpage), Noong nakaraang tag-araw sa Chulimsk at hindi natapos na vaudeville Mga Tip na Walang Kapantay... Pagbabalik sa aesthetics ni Chekhov, tinukoy ni Vampilov ang direksyon ng pag-unlad ng Russian drama para sa susunod na dalawang dekada. Ang pangunahing mga dramatikong tagumpay ng 1970s - 1980s sa Russia ay nauugnay sa genre ng tragicomedy. Ito ay mga dula ni E. Radzinsky, L. Petrushevskaya, A. Sokolova, L. Razumovskaya, M. Roshchin, A. Galin, Gr. Gorin, A. Chervinsky, A. Smirnov, V. Slavkin, A. Kazantsev, S. Zlotnikov , N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina at iba pa. Ang mga aesthetics ni Vampilov ay may hindi direkta, ngunit nasasalat na epekto sa mga masters ng Russian drama. Ang mga trahedya na motibo ay nakikita sa mga dula noong panahong iyon, na isinulat ni V. Rozov ( baboy-ramo), A. Volodin ( Dalawang arrow,butiki, script ng pelikula Autumn marathon), at lalo na si A. Arbuzov ( Ang aking paningin para sa sore eyes,Masasayang araw ng isang malungkot na tao,Mga fairy tale ng lumang Arbat,Sa matamis na lumang bahay na ito,Ang panalo,Mga malupit na laro).

Hindi lahat ng dula, lalo na ang mga batang playwright, ay agad na nakarating sa manonood. Gayunpaman, kapwa sa oras na iyon at kalaunan ay maraming mga malikhaing istruktura na nagsasama-sama ng mga manunulat ng dula: ang Experimental Creative Laboratory sa Theater. Pushkin para sa mga playwright ng rehiyon ng Volga, ang Non-Black Earth Region at ang Timog ng RSFSR; Eksperimental na malikhaing laboratoryo ng mga playwright ng Siberia, ang Urals at ang Malayong Silangan; ang mga seminar ay ginanap sa Baltics, sa Houses of Creativity sa Russia; ang Center for Drama and Directing ay nilikha sa Moscow; atbp. Mula noong 1982, ang almanac na "Contemporary Drama" ay nai-publish, na naglalathala ng mga dramatikong teksto mga kontemporaryong manunulat at analytical na materyales. Noong unang bahagi ng 1990s, ang mga playwright ng St. Petersburg ay lumikha ng kanilang sariling asosasyon - "The Playwright's House". Noong 2002, inorganisa ng Golden Mask Association, Teatrom.doc at ng Chekhov Moscow Art Theater ang taunang New Drama Festival. Sa mga asosasyong ito, mga laboratoryo, mga kumpetisyon, nabuo ang isang bagong henerasyon ng mga manunulat ng teatro na naging tanyag sa panahon ng post-Soviet: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. at V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk, A. Obraztsov, I. Shprits at iba pa.

Gayunpaman, itinuturo ng mga kritiko na ang isang kabalintunaan na sitwasyon ay nabuo sa Russia ngayon: ang modernong teatro at modernong drama ay umiiral, na parallel, sa ilang paghihiwalay sa isa't isa. Ang pinakamaingay na directorial quests noong unang bahagi ng ika-21 siglo. nauugnay sa pagtatanghal ng mga klasikal na dula. Ang kontemporaryong drama, gayunpaman, ay nagsasagawa ng mga eksperimento nito nang higit na "sa papel" at sa virtual na espasyo ng Internet.

Tatiana Shabalina

Panitikan:

Vsevolodsky-Gerngros V. Russian oral folk drama. M., 1959
Chudakov A.P. Poetics ng Chekhov... M., 1971
Krupyanskaya V. Folk drama "Boat" (genesis at kasaysayang pampanitikan). Sa Sab. Slavic folklore... M., 1972
Sinaunang drama ng Russia( XVII - unang kalahati Xviii v.). T.t. 1-2. M., 1972
Lakshin V.Ya. Alexander Nikolaevich Ostrovsky... M., 1976
Gusev V. Russian folk theater noong ika-17 - unang bahagi ng ika-20 siglo L., 1980
Teatro ng alamat... M., 1988
Uvarova I., Novatsky V. At ang Bangka ay naglalayag. M., 1993
Zaslavsky G. "Paper Drama": Avant-garde, Rear-Guard o Underground ng Contemporary Theater?"Banner", 1999, blg. 9
Shakulina O. Sa alon ng St. Petersburg drama ... Magazine na "Theater Life", 1999, No
Kolobaeva L. simbolismo ng Russia... M., 2000
Polotskaya E.A. Sa mga tula ni Chekhov... M., 2000
Ischuk-Fadeeva N.I. Mga genre ng drama sa Russia. Tver, 2003

Ang kulturang medieval, gaya ng sinasabi nila, ay bumangon sa pagkasira ng sinaunang kultura. Ang Imperyong Romano, na nagawang pag-isahin ang maraming maliliit na tao sa halos buong Europa, noong ika-5 siglo. n. NS. ay napunit ng panloob na alitan. Ang walang katapusang pag-atake ng mga barbarians (mula sa Latin na barba - balbas) ay tuluyang nawasak ang makapangyarihang imperyo na ito. Ito ay mula sa V siglo. nagsimula ang kasaysayan ng kulturang medieval at nagtatapos ang panahon ng sinaunang kultura. Minsan ang simula ng kulturang medieval ay isinasaalang-alang mula sa Kapanganakan ni Kristo, dahil ito mismo ang nagsimulang bumuo hindi lamang ng isang bagong pananaw sa mundo at isang bagong saloobin sa mundo, kundi pati na rin ang mga bagong pormasyon sa lipunan: nagsimulang ipanganak ang mga bagong anyo ng kultura. , isang bagong saloobin sa tao ang lumitaw.

Panitikan Kanlurang Europa Middle Ages ito ay napaka-magkakaibang at sa mga tuntunin ng mga genre, sa unang lugar, ang isa ay maaaring mag-attribute ng isang malaking layer ng mga alamat at mga kuwento ng mga paganong panahon, na napanatili ng bawat European na tao; ngunit kabilang din dito ang maraming makasaysayang mga salaysay, at ang pinakasikat sa mga nobelang chivalry, atbp. sa Latin, nilikha din ang tula ng Vagants (Vagants - isang libot na tribo ng mga schoolboy, mga estudyante sa medieval). Ang tula ng Vagante ay ang mga Latin na tula ng mga natutunang klero, higit sa lahat ay pinupuri ang kagalakan ng buhay at paghagupit ng mga kaugalian ng simbahan.

Si St. Gregory (ikalawang kalahati ng ika-6 na siglo) ay tinawag na "The Dvoeslov". Nagmula sa isang marangal na pamilyang Romano, sa kanyang kabataan siya ay kumuha ng monastic vows, ay ang abbot ng isang bilang ng mga monasteryo, noong 590 siya ay nahalal na isang Romanong obispo (Pope) at nanatili sa kanila ng 14 na taon. Sa kanyang mga gawa, isang koleksyon ng mga kuwento tungkol sa mga himala ng Italic ascetics at mga santo ay lalong sikat. Ang mga kuwento ay binuo sa anyo ng mga diyalogo sa pagitan ni St. Gregory mismo at ng kanyang alagad na si Pedro.[P.431, 4]

Sa kasaysayan ng Western European medieval theater, dalawang panahon ang malinaw na nakikilala: maaga - V-XI na mga siglo. at mature - XII-XIV siglo. Ang unang panahon ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang uri ng mga pista opisyal na may mga elemento ng theatricalization, kadalasang nauugnay sa paganong mga ritwal (at samakatuwid ay inuusig ng simbahan), at mga misteryong liturhikal (katulad ng mga Byzantine).

Sa siglo XII sa halos lahat ng mga bansa Kanlurang Europa may mga propesyonal na aktor na palipat-lipat ng lugar at kadalasang gumaganap sa mga plaza ng lungsod. Sa France tinawag silang histrion, sa Germany - spielmans, sa Poland - dandies, atbp. Unti-unti, sa mga histrion, mayroong isang "dibisyon ng paggawa": mga komedyante-buffon, na ang sining ay malapit sa sirko, at mga juggler, na mga mananalaysay, mang-aawit at musikero, kung saan, namumukod-tanging mga troubadours - ang mga manunulat. at mga tagaganap ng mga tula, balada at tula - namumukod-tangi.

Ang unang Western European medieval playwright ay itinuturing na Adam de La Al (circa 1238-circa 1287), kung saan ang mga paglalaro ay may halong satirical na pang-araw-araw na motibo. [p.445, 4]

Ang ilang mga pista opisyal ay sikat sa kanilang pagiging dula-dulaan, tulad ng prusisyon sa simbahan sa Linggo ng Palaspas... Antiphonic, o dialogue, chants na may mga tanong at sagot, misa at canonical chorales ay parang isang teatro na pagtatanghal, na niluluwalhati ang mga himala ng Panginoon o ilang santo. Noong 970, mayroong isang talaan ng mga tagubilin, o mga patnubay, para sa pagsasagawa ng ganoon dramatikong aksyon sa panahon ng mga prusisyon o holiday. Kasama dito ang isang paglalarawan ng mga kasuotan, mga plot, mga kilos, at mga eksena sa pagtatanghal.

Ang pag-unlad ng liturgical drama ay nagpatuloy sa loob ng dalawang daang taon. Noong una, ang mga damit ng simbahan ay ginamit bilang mga kasuotan, at ang umiiral na mga detalye ng arkitektura ng mga simbahan ay ginamit bilang mga dekorasyon, ngunit nang maglaon ay naimbento ang mga espesyal na kasuotan at mga detalye ng disenyo. aksyon sa entablado... Ang liturgical drama, bilang isa sa pinakamahalagang kagila-gilalas na mga kilos, ay nagbigay-daan sa mga taong hindi marunong magbasa at mag-aral ng mga paksa sa Bibliya. Iba ang tawag sa mga dulang ito - passins (mga hilig) at miracli (mga himala). Ang mga dula ay alegorikal, at ang kanilang pangunahing layunin ay ang pagsasadula ng kaligtasan ng sangkatauhan.

Sa siglo XIV-XV. ang mga pagtatanghal sa teatro ay lalong lumalaganap. Ang mga ito ay, una sa lahat, mga farces, na may purong sekular at satirical na karakter, mga himala, kung saan ang imahe ng satirical mga pintura sa bahay interspersed sa mahimalang interbensyon ng santo at ang Diyos mismo, at ang mga misteryo ilagay sa relihiyosong mga paksa. Ang mga ito ay ipinakita hindi sa mga simbahan, at hindi kahit sa balkonahe ng simbahan, ngunit sa plaza ng lungsod - ito ay kilala na ang mga customer ng mga misteryo ay ang mga workshop ng lungsod at ang mga awtoridad ng lungsod. Ngunit, siyempre, ang mga misteryo ay inilagay sa ilalim ng kontrol ng simbahan. Mayroong tatlong pangunahing anyo ng pagsasagawa ng misteryo. Una, ang mga cart kung saan ipinakita ang mga indibidwal na yugto ng misteryo ay maaaring dumaan sa madla. Pangalawa, ang misteryo ay maaaring ipakita sa isang espesyal na platform ng singsing: dito naganap ang aksyon sa iba't ibang lugar sa platform, pati na rin sa lupa - sa gitna ng bilog na nabuo ng platform na ito. At, pangatlo, sa isang hugis-parihaba na plataporma, sa kasong ito, ang mga dekorasyon sa anyo ng isang gazebo ay na-install dito, na naglalarawan ng nais na bagay; kung sa pamamagitan ng hitsura nito ay imposibleng maunawaan kung ano ito, isang paliwanag na inskripsiyon ay nakabitin dito: "paraiso", "impiyerno", "palasyo", atbp. Maraming stage effect ang ginamit sa mga pagtatanghal. Ang teksto ng mga Misteryo ay madalas na improvised. Samakatuwid, ang mga nakaligtas na teksto ay hindi nagbibigay ng isang tunay na ideya ng likas na katangian ng pagganap sa kabuuan. Noong 1548. sa France ang mga misteryo ay ipinagbawal dahil sa malakas na kritikal na elemento sa kanila. [p.445, 4]

Ang pangunahing prinsipyo o pangunahing katotohanan (halaga) ng kultura ng Kanlurang Europa noong Middle Ages ay ang Diyos.

Mula noong mga ika-16 na siglo, bagong prinsipyo naging nangingibabaw, at kasama nito ang kulturang nakabatay dito. Kaya, isang modernong anyo ng ating kultura ang lumitaw - isang kultura ng pandama, empirikal, sekular at "naaayon sa mundong ito." Matatawag siyang sensual

Drama ng Russia

Ang pinagmulan ng drama ng Russia ay maaaring maiugnay hindi gaanong sa mga pagtatanghal ng teatro ng korte sa ilalim ni Alexei Mikhailovich (1672-1676), dahil sila ay mahalagang pagsasadula ng Kasulatan, gaano karami drama sa paaralan... Ang tagapagtatag nito ay itinuturing na siyentipiko-monghe na si Simeon ng Polotsk, na nagsulat ng mga dula batay sa mga kuwento sa Bibliya.

Ang dramang Ruso ay nagsimulang aktibong umunlad noong ika-18 siglo at higit sa lahat ay sumunod sa European drama. Ang unang kinatawan ng klasisismo ng Russia ay si A.P. Sumarokov, na may mahalagang papel sa pagbuo at pag-unlad ng teatro ng Russia. Ang mga trahedya ng Sumarokov ay nakasulat pangunahin sa mga makasaysayang tema. Sa kanila, ang mga pangunahing tauhan ay mas malamang na mga tagapagdala ng ilang mga ideya kaysa sa mga partikular na makasaysayang karakter. Sa kontradiksyon sa klasisismo, ipinakilala niya, sa halip na isang kuwento tungkol sa mga kaganapang nagaganap sa likod ng mga eksena, ang kanilang direktang pagpapakita. Ito rin ay nagpapakilala ng inter-act na kurtina, mga sound effect. Ang pagsasalita ay may posibilidad na lumapit sa kolokyal. Gayunpaman, ang kanyang pagtutok sa mga batas ng klasisismo at, sa partikular, sa gawain ni Moliere, ay medyo kapansin-pansin. Ang tugatog ng pag-unlad ng klasikong drama ay ang gawain ni D.I. Fonvizin. Sa kabilang banda, maaari siyang ituring na tagapagtatag ng isang bagong kalakaran sa teatro ng Russia - kritikal na pagiging totoo. Hindi niya ipinakilala ang anumang bagay na makabuluhan sa teknolohiya ng drama, ngunit sa kauna-unahang pagkakataon ay nagpakita ng isang maaasahang larawan ng buhay ng Russia, dito, sa hinaharap, ang pambansang pamamaraan ng artistikong ibabatay.

Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. nagkakaroon ng momentum ang comedy genre. Playwrights Ya.B. Knyazhnin, V.V. Kapnist, I.A. Si Krylov ay bumubuo ng isang bagong direksyon - isang satirical comedy, kung saan pinupuna nila ang marangal na lipunan at ang mga bisyo nito. N.N. Sina Nikolev at Ya.B. Ang mga prinsipe ay lumikha ng isang "trahedya pampulitika". Kasabay nito, lumitaw ang isang "nakakaiyak na komedya" at "bourgeois drama", na kumakatawan sa isang bagong direksyon sa entablado ng Russia - sentimentalismo. V.I. Sina Lukin at M.M. Kheraskov. Isang makabuluhang lugar sa repertoire ng teatro ng Russia noong unang bahagi ng 70s. Ang XVIII ay inookupahan ng comic opera. Ito ay hindi tulad ng isang pagtatanghal sa opera, sa katunayan, ito ay isang drama, kasama ang iba't ibang vocal number, solo, choral at dance scenes. Ang mga bayani ay mga magsasaka at karaniwang tao.

Sa simula ng siglo XIX. ang drama ng teatro ng Russia ay magkakaiba at sari-sari. Nanaig ang kabayanihan-makabayan na tema sa panahon ng mga digmaang Napoleoniko, at sa parehong oras ay nilikha ang isang bagong genre ng teatro, na tinawag na "pagbabago ng makabayan ng mga tao." Ang mga problemang sosyo-politikal na nag-aalala sa mga progresibong marangal na bilog ay makikita sa mga trahedya ng V.A. Ozerov. Ang kanilang tagumpay ay batay sa kaugnayan sa pulitika. Genre ng komedya sa unang quarter ng ika-19 na siglo. kinakatawan ng satirical comedy (IA Krylov, AA Shakhovsky, MN Zagoskin) at "noble" o "secular" comedy (NI Khmelnitsky). Noong siglo XIX. sa drama, ang mga tradisyon ng dramang pang-edukasyon, ang mga patakaran ng klasisismo ay sinusunod pa rin, ngunit sa parehong oras ang mga sentimental na motibo ay nagsisimulang tumagos dito. Sa unang quarter, sa bisperas ng pag-aalsa ng Decembrist, lumitaw ang isang bagong progresibong drama. Ang pinakakilalang kinatawan ng kalakaran na ito ay A.S. Griboyedov. Ang isang espesyal na pahina sa kasaysayan ng drama ng Russia ay inookupahan ng gawain ng A.S. Pushkin, na gumanap ng isang mapagpasyang papel sa buong kasunod na kasaysayan ng teatro.

Sa kalagitnaan ng siglo XIX. romanticism sa Russian drama ay kinakatawan ng gawain ng M.Yu. Lermontov, ngunit sa parehong oras ang melodrama at vaudeville ay naging laganap lalo na (D.T. Lensky, P.A.Karatygin, F.A.Kony). Ang pinakasikat ay ang "pagbibihis" na vaudeville - ang mga ito ay pangunahin sa French vaudeville, na ginawang muli sa paraang Ruso. Sa entablado ng Alexandrian noong 40s. hanggang 100 pagtatanghal ng vaudeville ang isinagawa kada season. Ang sentimentalismo at romantikismo ay napakaikling panahon sa kasaysayan ng dramang Ruso. Mula sa klasiko, agad siyang humakbang sa pagiging totoo. Ang kinatawan ng bagong direksyon - kritikal na realismo - sa drama at teatro ay si N.V. Gogol. Bumagsak din siya sa kasaysayan ng teatro bilang isang teorista na iginiit ang makatotohanang estetika at ang moral at pang-edukasyon na papel ng teatro, ang panlipunang katangian ng tunggalian sa dula.

Unti-unti, naging dominanteng istilo ang realismo sa teatro noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang isang kilalang kinatawan ng kalakaran na ito ay si A.N. Ostrovsky. Ang kanyang mga dula ay naging batayan ng repertoire ng teatro ng Russia kapwa sa kanya at sa mga kasunod na panahon. Sumulat si Ostrovsky ng 47 plays, ito ay - mga dulang pangkasaysayan, satirikong mga komedya, mga drama, "eksena mula sa buhay", isang fairy tale. Ipinakilala niya ang mga bagong bayani sa drama - isang merchant-entrepreneur; isang matalino, masiglang adventurer na marunong gumawa ng kapital; aktor ng probinsiya, atbp. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, bilang isa sa mga direktor ng Imperial Theaters na namamahala sa repertoire, gumawa siya ng maraming kapaki-pakinabang na pagbabago sa pag-unlad ng teatro ng Russia. Sa pagliko ng XIX-XX na siglo. ang teatro ay sabay-sabay na malakas na naiimpluwensyahan ng mga rebolusyonaryo at populistang ideya, kasama ng mga burges na panlasa. Sa panahong ito, laganap mga komedya ng pranses Labiche, Sardou. Ang pinaka-repertoire na Russian playwright ay sina V. Krylov, I. Shpazhinsky, P. Nevezhin, N. Soloviev na sumulat sa mga naka-istilong paksa: mga relasyon sa pag-ibig sa pagitan ng mga kinatawan ng iba't ibang klase. L.N. Binuksan ni Tolstoy ang isang bagong pahina sa drama ng Russia. Ang kanyang mahirap, personal na pagtatangka na maghanap ng katotohanan, mga paraan ng kabutihan at pangkalahatang hustisya, na natural na nagtatapos sa anathema, ay makikita sa isang bilang ng mga dula. Sa kanila, bumuo siya ng isang salungatan sa salungatan ng katotohanan ng tao at ang "opisyal" na katotohanan.

Ang Russia noong ikadalawampu siglo ay nagsimulang magtakda ng tono hindi lamang sa drama, kundi pati na rin sa teatro. Pangunahin ito dahil sa gawain ng Moscow Art Theater at ang bilog ng mga manunulat ng dulang kung saan siya ay nauugnay. Ang teatro ng Russia ay nagbigay sa mundo ng isang buong kalawakan ng mga kahanga-hangang manunulat ng dula. Kabilang sa mga ito, ang unang lugar ay walang alinlangan na kabilang sa A.P. Chekhov. Ang kanyang trabaho ay minarkahan ang simula ng isang qualitatively bagong yugto sa kasaysayan ng hindi lamang Russian kundi pati na rin ang European teatro. A.P. Si Chekhov, bagama't itinuturing na higit na isang simbolista, gayunpaman ay may ilang naturalistikong katangian sa kanyang mga dula at madalas, sa kanyang panahon, ay binibigyang kahulugan bilang isang naturalista. Nagdala siya ng bagong uri ng salungatan sa drama, isang bagong uri ng pagbuo at pag-unlad ng aksyon, lumikha ng pangalawang plano, mga zone ng katahimikan, subtext at marami pang ibang mga dramatikong pamamaraan. Ang kanyang impluwensya sa drama ng ikadalawampu siglo. (lalo na ang Russian) ay napakahalaga.

Gorky A.M. ay hindi limitado sa pagtatanghal lamang mga suliraning panlipunan... Inilatag niya ang pundasyon para sa isang bago masining na pamamaraan sa sining - sosyalistang realismo. Ipinaliwanag niya ang kanyang mga rebolusyonaryong ideya na may mga romantikong kalunos-lunos, pinupuri ang kusang, sa esensya, teomachist, paghihimagsik ng isang nag-iisang rebelde. Bagama't malinaw na nananawagan para sa isang rebolusyon, gayunpaman ay hindi niya ito tinanggap. Dito makikita kung paanong ang masining at totoong realidad ay hindi niya lubos na naunawaan. Ang ikalawang yugto ng kanyang trabaho, pagkabalik mula sa pangingibang-bansa, ay isang maikli ngunit puno ng trahedya na pahina ng kanyang buhay.

Ang mga dula ni L. Andreev ay nahilig sa simbolismo, ngunit hindi simbolista sa kanilang dalisay na anyo. Ipinahayag nila ang lahat ng pagiging kumplikado at kalabuan ng gawain ni Andreev. Para sa ilang oras siya ay nasa awa ng mga rebolusyonaryong ideya, ngunit kalaunan ay nagbago ang kanyang mga pananaw. Ang paglalahat ng mga tauhan, ang eskematiko na katangian ng pangunahing banggaan, ang kamangha-manghang tagpuan at mga imahe, ang ilang nakapagpapasigla at kalunos-lunos sa pag-iral ng mga bayani, lahat ng ito ay naglalapit sa kanyang mga drama sa teatro ng ekspresyonismo. Si Andreev mismo ang tumawag sa kanyang direksyon sa teatro na panpsychism. Sa dulang "Ang Buhay ng Isang Tao" ay inalis niya ang mga pahayag, na mula sa punto de bista ng teknolohiya ng drama, ay rebolusyonaryo mismo; ipinakilala ang tagapagsalaysay - Isang taong kulay abo, kamangha-manghang mga larawan ng matatandang babae, atbp. Ngunit ang kanyang trabaho ay walang kapansin-pansing impluwensya sa drama, sa halip siya ay isang pagbubukod mula sa pangkalahatang makatotohanang mga patakaran ng panahong iyon.

Ang drama ng Russia pagkatapos ng 1917, sa ilalim ng impluwensya ng umiiral na sistema sa Russia, ay umunlad pangunahin sa mainstream ng tinatawag na sosyalistang realismo (ang brainchild ni Gorky) at, sa kabuuan, ay hindi partikular na interes. Ito ay nagkakahalaga ng pag-highlight lamang M. Bulgakov, N. Erdman at E. Schwartz, bilang ang tanging, marahil, ang mga kahalili ng mga tradisyon ng Russian drama. Lahat sila ay nasa ilalim ng malakas na censorship, ang kanilang malikhain at personal na buhay ay napaka-dramatiko.

Katulad na impormasyon.

Tulad ng lahat ng panitikang Ruso sa pagsisimula ng siglo, ang drama ay minarkahan ng diwa ng aesthetic pluralism. Naglalahad ito ng realismo, modernismo, postmodernismo. Ang mga kinatawan ng iba't ibang henerasyon ay nakikilahok sa paglikha ng modernong drama: sa wakas, ang mga legal na kinatawan ng post-vampilov wave na Petrushevskaya, Arbatova, Kazantsev, ang mga tagalikha ng postmodern drama na Prigov, Sorokin, pati na rin ang mga kinatawan ng drama noong dekada nobenta. . Ang mga playwright na si Ugarov, Grishkovets, Dragunskaya, Mikhailova, Slapovsky, Kurochkin at iba pa ay nagawang maakit ang atensyon ng kanilang mga sarili - isang buong kalawakan ng mga kawili-wili at iba't ibang mga may-akda.

Ang pangunahing tema ng modernong drama ay ang tao at lipunan. Ang pagiging makabago sa mga mukha ay sumasalamin sa pagkamalikhain ng mga realistang manunulat ng dula. Maaari kang sumangguni sa mga gawa tulad ng "Kumpetisyon" ni Alexander Galin, "Mga hilig ng Pranses sa isang dacha sa labas ng Moscow" ni Razumovskaya, "Pakikipanayam sa pagsubok sa paksa ng kalayaan" ni Arbatova at marami pang iba. Nagawa ni Maria Arbatova na pukawin ang pinakamalaking interes sa mga kinatawan ng makatotohanang drama noong dekada 90 salamat sa problemang feminist, na bago para sa panitikang Ruso.

Ang peminismo ay lumalaban para sa pagpapalaya at pagkakapantay-pantay ng kababaihan. Noong 1990s, ang isang diskarte sa kasarian sa isyung ito ay kapansin-pansin. Ang literal na pagsasalin ng salitang "kasarian" ay "kasarian", ngunit ang kasarian sa kasong ito ay nauunawaan hindi lamang bilang isang biophysical factor, ngunit bilang isang sociobiocultural factor na bumubuo ng ilang mga stereotype ng lalaki at babae. Ayon sa kaugalian, sa kasaysayan ng mundo ng huling millennia, ang mga kababaihan ay binigyan ng pangalawang lugar, at ang salitang "lalaki" sa lahat ng mga wika ay panlalaki.

Sa isa sa kanyang mga talumpati, bilang tugon sa mga salitang "Nagkaroon na ng emansipasyon sa Russia, bakit ka lumalabag sa mga bukas na pintuan?" Sinabi ni Arbatova: “Upang pag-usapan ang naganap na pagpapalaya ng kababaihan, kailangan nating tingnan kung gaano karaming kababaihan ang nasa mga sangay ng kapangyarihan, kung paano sila pinapayagang ma-access ang mapagkukunan [pambansang badyet] at gumawa ng mga desisyon. Matapos suriin ang mga numero, makikita mo na wala pang usapan tungkol sa anumang seryosong pagpapalaya ng babae sa Russia. Ang babae ... ay may diskriminasyon laban sa merkado ng paggawa. Ang isang babae ay hindi protektado mula sa ... napakalaking domestic at sekswal na karahasan ... Ang mga batas sa bagay na ito ay gumagana sa paraang maprotektahan ang rapist ... dahil sila ay isinulat ng mga lalaki. " Bahagi lamang ng mga pahayag ni Arbatova ang binanggit upang ipakita ang bisa ng mga kilusan ng kababaihan na nagsimulang ipakilala ang kanilang sarili sa Russia.

Ang musical background ng play ay ang kantang "Under the Blue Sky" ni Khvostenko - Grebenshchikov. Ang anak na babae ng isang kapitbahay ay nag-aaral ng kantang ito, ang tunog ng musika ay wala sa tono at wala sa tono. Ang kanta tungkol sa perpektong lungsod ay lumalabas na layaw. Ang isang nasirang himig ay parang saliw sa isang hindi matagumpay buhay pamilya, kung saan, sa halip na pagkakaisa, sama ng loob at sakit ang naghahari.

Ipinakita ni Arbatova na ang isang emancipated na babae, na iginiit ang kanyang sarili, ay hindi dapat ulitin ang karaniwang lalaki, humiram ng kanyang sikolohiya. Tungkol dito - sa dulang "War of Reflections". Narito ang uri ng isang bagong babaeng Ruso ay muling nilikha, nagsusumikap na kumilos sa paraan, ayon sa kanyang mga maling ideya, karamihan sa mga kababaihan sa Kanluran ay kumikilos. "Naniniwala din ako na ang isang tao ay isang bagay ng pagkonsumo, at humihingi din ako ng kaginhawaan mula sa kanya. Hayaan siyang maging ganap na lahi at tahimik." Ang lalaki at babae ay nagiging mga salamin sa dula, na sumasalamin sa isa't isa. Sa unang pagkakataon, nagkakaroon ng pagkakataon ang isang lalaking bayani na makita ang kanyang sarili mula sa labas sa anyo ng isang moral na halimaw. Ang bagong feminismo ay hindi nangangahulugan ng digmaan sa pagitan ng mga kasarian, ngunit ang kanilang pagkakapantay-pantay, pagkakapantay-pantay.

Sa tanong na "Nakikita mo ba ang panganib mula sa peminismo?" Binanggit ni Arbatova ang mga bansang Scandinavian bilang isang halimbawa, kung saan hanggang 70% ng mga klero ay kababaihan, kalahati ng parlyamento at gabinete ng mga ministro ay inookupahan ng mga kababaihan. Bilang resulta, mayroon silang "pinaka balanseng patakaran, ang pinakamataas na seguridad sa lipunan at ang pinaka-legal na lipunan."

Ang iba pang mga pag-play ni Arbatova ay matagumpay din - "Ang Pagkuha ng Bastille" (tungkol sa pagka-orihinal ng Russian feminism kumpara sa Kanluranin) at "Pagsubok na pakikipanayam sa paksa ng kalayaan" (isang pagtatangka upang ipakita ang isang modernong matagumpay na babae).

Mula noong kalagitnaan ng 1990s, iniwan ni Arbatova ang drama para sa pulitika at nagsulat lamang ng autobiographical na prosa. Naniniwala si Skoropanova na ang drama sa katauhan ni Arbatova ay maraming nawala. Ang mga dulang iyon na nai-publish ay may kaugnayan sa araw na ito.

Ang realismo sa drama ay bahagyang na-moderno at maaaring i-synthesize sa mga elemento ng poetics ng iba pang masining na sistema. Sa partikular, ang ganitong kurso ng realismo ay lumilitaw bilang "malupit na sentimentalismo" - isang kumbinasyon ng mga patula ng malupit na realismo at sentimentalismo. Ang playwright na si Nikolai Kolyada ay kinikilala bilang master ng trend na ito. "Umalis ka, umalis ka" (1998) - binuhay ng may-akda ang linya ng maliit na tao sa panitikan. "Ang mga taong sinusulat ko ay ang mga tao sa mga lalawigan ... Nagsusumikap silang lumipad sa ibabaw ng latian, ngunit hindi sila binigyan ng Diyos ng mga pakpak." Ang dula ay itinakda sa isang maliit na bayan ng probinsiya sa tabi ng isang yunit ng militar. Mula sa mga sundalo, ang mga babaeng walang asawa ay nagsisilang ng mga bata at nananatiling mga solong ina. Kalahati ng populasyon ng naturang bayan, kung makaahon sila sa kahirapan, ay hindi magtatagumpay na maging masaya. Pinatigas ng buhay ang pangunahing tauhang babae, si Lyudmila, ngunit sa kaibuturan ng kanyang kaluluwa ay pinanatili niya ang lambing, init at lalim ng pagmamahal, kaya naman inihayag ni Lyudmila ang kanyang pagnanais na makilala ang isang lalaki upang lumikha ng isang pamilya. Sa kanyang buhay, lumitaw ang isang tiyak na Valentin, na ang katotohanan, gayunpaman, ay nabigo: siya (tulad ni Lyudmila - kanyang asawa) ay nais na makahanap ng isang malakas, mayaman na asawa. Sa Biyernes, ang lungsod ay nahuhulog sa walang pigil na kalasingan, at ang Valentine ay dumarating lamang sa Sabado at Linggo. Sa susunod na pagsasaya, insulto ng mga demobel si Lyudmila, at tumayo si Valentin para sa kanya. Para sa kanya, ito ay isang tunay na pagkabigla: sa unang pagkakataon sa kanyang buhay (ang pangunahing tauhang babae ay may isang may sapat na gulang na anak na babae) isang lalaki ang tumayo para sa kanya. Si Lyudmila ay umiiyak sa kaligayahan dahil sa pagtrato bilang isang tao. Ang sentimental na tala na lumaganap sa dula ni Kolyada ay sumasalamin sa pangangailangan para sa kabaitan at awa. Ang katotohanan na ang lahat ng mga tao ay hindi nasisiyahan, hinahangad ni Kolyada na bigyang-diin ito at ang kanyang iba pang mga gawa. Ang awa ay tumatagos sa lahat ng isinulat ni Kolyada at tinutukoy ang mga detalye ng kanyang trabaho.

Sa harapan ng drama ay maaaring hindi ito ang tao mismo, ngunit ang katotohanan sa Russia at sa mundo. Gumagamit ang mga may-akda ng pantasya, simbolismo, alegorya, at ang kanilang pagiging totoo ay binago sa post-realism. Ang isang halimbawa ay ang "Russian Dream" (1994) ni Olga Mikhailova. Ang dula ay sumasalamin sa panlipunang pagkawalang-kibo ng karamihan sa lipunang Ruso, pati na rin ang walang humpay na panlipunang utopianismo. Ang gawain ay muling nililikha ang maginoo na mundo ng isang fairy tale-dream, na isinalin sa realidad ng dekada nobenta. Sa gitna ng dula ay ang imahe ng modernong Oblomov, ang kaakit-akit na binata na si Ilya, na nailalarawan sa pamamagitan ng katamaran at katamaran. Sa kanyang puso, nananatili siyang bata, na umiiral sa mundo ng pantasya. Hinahangad ni Ilya na hikayatin ang Frenchwoman na si Catherine sa aktibidad sa lipunan, ngunit hindi maaaring baguhin ng kanyang lakas o ang kanyang pag-ibig ang pamumuhay ni Ilya. Ang finale ay may nakakaalarma at kahit na eschatological na konotasyon: hindi maaaring magtapos nang maayos ang gayong pagiging pasibo.

Ang mga tampok ng eschatological realism ay lumilitaw din sa dula ni Ksenia Dragunskaya na "Russian Letters" (1996). Ang inilalarawan na may kondisyong alegorikal na sitwasyon ay kahawig ng sitwasyon ng "Cherry Orchard": isang bahay sa bansa na ibinebenta ng isang binata sa Gabi kapag lumipat sa ibang bansa ay isang metapora: ito ay isang tahanan ng pagkabata, na inilalarawan bilang tiyak na mapapahamak, tulad ng hardin sa harap ng bahay (dahil sa radiation, namamatay dito ang lahat ng nabubuhay na bagay). Gayunpaman, ang Skye na lumitaw sa pagitan ni Nightlegov at ng batang babae ay maaaring umunlad sa pag-ibig, nilinaw ng may-akda, at ito, na may malungkot na wakas, ay nag-iiwan ng malabo ngunit pag-asa para sa posibilidad ng kaligtasan.

Kaya, kahit saan ang mga code ng sentimentalism, modernism, o postmodernism ay ipinakilala sa makatotohanang drama. Mayroon ding mga borderline phenomena, na kinabibilangan ng mga dula ni Yevgeny Grishkovets. Sa isang malaking lawak sila ay nakahilig sa realismo, ngunit maaaring kabilang ang mga elemento ng modernistang daloy ng kamalayan. Si Grishkovets ay naging tanyag bilang may-akda ng monodramas na "How I Ate a Dog", "Sabay-sabay", "Dreadnoughts", kung saan mayroon lamang isang karakter (kaya ang terminong "monodrama"). Ang bayani ng mga dulang ito ay pangunahing nakatuon sa pagmuni-muni, kasama ang mga resulta kung saan ipinakilala niya ang madla. Sinasalamin niya ang pinaka-iba't-ibang mga phenomena ng buhay at madalas sa tinatawag na " mga simpleng bagay», Pati na rin ang tungkol sa kategorya ng oras. Ang bawat tao'y nakakakuha ng kaalaman sa mga paksang ito sa paaralan at unibersidad, ngunit ang bayani ng Grishkovets ay naghahangad na mag-isip nang nakapag-iisa. Ang proseso ng malayang pag-iisip, medyo walang muwang, nakalilito, hindi nakoronahan ng magagandang resulta, ay sumasakop sa isang sentral na lugar sa mga dula. Naaakit siya sa sinseridad ng bida ng monodrama, na naglalapit sa kanya sa mga nakaupo sa bulwagan. Madalas na muling binibigyang kahulugan ng bayani ang ilang mga katotohanan ng kanyang talambuhay. Kung ano sa kanyang kabataan ay tila normal at maliwanag sa kanya, ngayon ay pinupuna niya, na nagpapahiwatig ng personal na paglaki, isang pagtaas sa moral na mga kinakailangan para sa kanyang sarili.

Ito ay kagiliw-giliw na si Grishkovets ay hindi lamang isang playwright, kundi isang artista din. Inamin niya na nakakatamad na sabihin ang parehong teksto nang paulit-ulit, at ang bawat bagong talumpati ay may kasamang iba't ibang mga sandali. Iyon ang dahilan kung bakit nagkaroon ng mga problema ang Grishkovets sa publikasyon: ang kondisyonal na pangunahing teksto ay nai-publish.

Kasama ng monodrama, ang Grishkovets ay lumikha din ng isang "play sa mga diyalogo" "Mga Tala ng isang Ruso na Manlalakbay", na binibigyang-diin ang kahalagahan ng pagtitiwala sa magiliw na komunikasyon. Ipinakita ng may-akda na ang pagkakaibigan ay napaka-boring para sa isang tao, dahil una sa lahat, pinalalakas nito ang paniniwala sa pangangailangan ng isang tao. "Ang dalawa ay higit pa sa isa." Tinutukoy ng pasalitang genre ang mga kakaibang katangian ng mga tula ng dulang ito. Bago sa amin ay ang mga pag-uusap ng magkakaibigan tungkol dito at iyon. Sa dulang "City" ay may paghalili ng mga pag-uusap (dialogues) at monologues. Ibinunyag ang mga pagtatangkang malampasan ang kapanglawan at kalungkutan, na tumatagos sa pangunahing tauhan ng mga akda. Sa ilang mga punto, siya ay napapagod lamang sa buhay, at higit sa lahat hindi mula sa mga drama at trahedya nito, ngunit sa halip mula sa monotony, monotony, pag-uulit ng parehong bagay. Gusto niya ng maliwanag, hindi pangkaraniwan, gusto pa niyang umalis bayan, iwan ang pamilya; ang kanyang panloob na paghagis ay sumasalamin sa teksto. Sa huli, muling iniisip ng isang tao ang kanyang sarili sa maraming paraan at nakahanap ng isang karaniwang wika sa mundo, kasama ang mga mahal sa buhay. Isang pagtatangka na muling suriin ang sarili, bumalik sa mga tao at makakuha ng karagdagang dimensyon sa buhay, na magbibigay bagong kahulugan matagumpay na nagtatapos ang pagkakaroon sa dulang ito. Una sa lahat, binibigyang-diin ng may-akda na ang isang tao ay gamot para sa isang tao.

Ang mga dula ni Grishkovets ay may makataong singil at may mataas na antas ng pagiging maaasahan. Sa pamamagitan ng lahat ng kilala, siya ay tumagos sa panloob na mundo indibidwal na personalidad at tinatawag ang kanyang mga karakter sa pag-renew ng sarili, naiintindihan hindi bilang isang pagbabago ng mga lugar, ngunit din bilang isang panloob na pagbabago ng isang tao. Si Evgeny Grishkovets ay naging malawak na kilala sa pagliko ng siglo, ngunit kamakailan ay nagsimulang ulitin ang sarili nito.

Kasama ng makatotohanan at post-realistic, lumikha sila ng mga kontemporaryong playwright at modernistang drama, lalo na ang mga drama ng walang katotohanan. Ang mga dula ni Stanislav Shulyak "Investigation", Maxim Kurochkin "Opus Mixtum", Petrushevskaya "Twenty-Five Again" ay namumukod-tangi. Ang diin ay ang hindi nareresolba na mga kontradiksyon ng sosyo-politikal na buhay, na hanggang ngayon ay idineklara ang kanilang mga sarili. Itinuturing ni Skoropanova na "Twenty-Five Again" (1993) ang pinakakapansin-pansing gawain ng ganitong uri. Gamit ang kamangha-manghang mga kombensiyon at inilalantad ang kahangalan ng nangyayari, tinututulan ng may-akda ang walang humpay na panoptismo, iyon ay, laban sa pagsalakay ng estado sa pribadong buhay ng mga tao. Ipinagtatanggol ni Petrushevskaya ang karapatang hindi sumang-ayon at, sa pangkalahatan, iba, kung saan hindi masanay ang mga kampeon ng pamantayan, na sinira ang mga kapalaran ng ibang tao. Ang dula ay binubuo ng mga diyalogo sa pagitan ng isang Babae na nakalabas mula sa bilangguan at isang Batang babae na itinalaga sa kanya para sa social adaptation ng kanya at ng kanyang Anak na ipinanganak sa bilangguan. Napagtanto na ang batang ito ay isang nilalang na mas mukhang hayop kaysa sa isang tao, ang Batang babae ay naging matapang at nagsimulang magtanong ng mga tanong na inireseta sa kanya ng talatanungan. Hindi maintindihan ng nakababatang pangunahing tauhang babae na ang Babae ay nakalaya na, at nagbabanta ng pangalawang pagkakakulong. Hindi binibigyang intindi ng dalaga na ang kaharap niya ay isang Babae pambihirang kakayahan... Tila nagtatanong si Petrushevskaya: ito ba ay talagang napakahalaga sa estado, kung kanino eksakto siya nanganak? (At kanino nanganak ang Birheng Maria? Ngunit iyon ay sinasamba, dahil ipinanganak niya si Kristo.) Iginiit ni Petrushevskaya sa mass reader at viewer ang kategorya ng privacy - personal na teritoryo ng lahat.

Sa mga dula na isinulat ni Petrushevskaya na nasa bagong siglo, ang dula na "Bifem" (2001) ay namumukod-tangi. Ang dula ay may borderline na estilistang kalikasan at sa pamamagitan ng likas na katangian ng paggamit ng mga kamangha-manghang mga kumbensyon dito ay malapit sa modernismo. Ang karaniwang pangalan na Bifem ay kabilang sa babaeng Petrushevskaya na may dalawang ulo. Ang aksyon ay inilipat sa hinaharap, nang ang mga organ transplant, kabilang ang mga transplant ng utak, ay naging posible - ngunit napakamahal. Isa si Bee sa mga unang pumayag na ikabit ang pangalawang ulo sa kanyang katawan, ang kanyang ulo lang namatay na anak na babae, yungib Fem. Ang mga ulo ay nagsasalita sa buong pagtatanghal, at lumalabas na si Bee ay labis na ipinagmamalaki ang kanyang sakripisyo, sa pagtupad sa kanyang moral na tungkulin sa kanyang anak na babae, at si Fem, sa kabaligtaran, ay labis na pinahihirapan, na napagtanto na ang isang babae tungkol sa dalawang ulo ay hindi malalaman. alinman sa pag-ibig o kasal, at nakikiusap sa kanyang ina na tapusin ito sa aking sarili. Ang pagkakabit ng mga ulo sa iisang katawan ay sumisimbolo sa ugnayan ng pamilya para kay Petrushevskaya. Ang manunulat ay nangangaral ng pagkakapantay-pantay sa pamilya: kung wala ito sa pamilya, saan ito magmumula sa lipunan? Naglalaman din ang "Bifem" ng mga tampok ng dystopia, na nagbabala na kung walang pagbabagong moral, ang pinakabagong mga pagtuklas sa siyensya ay walang hahantong at bubuo ng mga halimaw.

Ang Men's Zone (1994) ay isang postmodern na dula. Tinukoy mismo ng manunulat ang genre bilang "cabaret". Ang aksyon ay nagaganap sa isang conditional na "zone", na nakapagpapaalaala sa parehong kampong piitan at isa sa mga bilog ng impiyerno. Dinadala ng may-akda ang mambabasa sa mga larawan ng mga sikat na tao: Lenin, Hitler, Einstein, Beethoven. Ang laro na may mga larawang ito, na sumisira sa kanilang karakter ng kulto, ay nilalaro ni Lyudmila Petrushevskaya sa buong paglalaro. Bago sa amin ay hybrid-quote na mga character. Ang bawat isa sa kanila ay nagpapanatili ng mahusay na itinatag na mga tampok ng imahe, at sa parehong oras ay nakakuha ng mga tampok ng isang bilanggo, isang thug, na ipinakita sa oras ng pagganap ng isang ganap na hindi naaangkop na tungkulin para sa kanya, katulad: Hitler bilang Nars, Lenin bilang isang buwan na lumulutang sa kalangitan, sina Einstein at Beethoven ay inilalarawan, ayon sa pagkakabanggit, sina Romeo at Juliet. Lumilitaw ang isang schizo-absurdist na katotohanan, na sumisira sa esensya ng dula ni Shakespeare. Ang aksyon ay nagaganap sa ilalim ng gabay ng isang tagapangasiwa na nagpapakilala sa totalitarianism ng pag-iisip at logocentrism. Sa kontekstong ito, ang “male zone” ni Petrushevskaya ay lumalabas na isang metapora para sa isang totalitarian mass-produced na kultura na gumagamit ng wika ng mga maling katotohanan. Bilang isang resulta, hindi lamang ang imahe ni Lenin ay na-desacralized, kundi pati na rin ang walang kondisyong pagsamba ng anumang kulto sa pangkalahatan.

Gumaganap din si Mikhail Ugarov ng isang parody game na may mga larawan ng mga tunay na makasaysayang figure sa play na Green (...?) April (1994-95, dalawang edisyon - isa para sa pagbabasa, ang isa para sa pagtatanghal ng dula). Kung si Korkia sa dulang "The Black Man" ay tinanggihan ang imahe ni Stalin na nilikha ng opisyal na propaganda, kung gayon si Ugarov sa kanyang paglalaro ay tinatanggal ang imahe ni Lenin at ng kanyang asawa at kasamang si Nadezhda Krupskaya. Tulad ng Petrrushevskaya, ang kanyang mga karakter ay simulacra. Kasabay nito, ang mga imahe ng mga character ay personified sa ilalim ng mga nominasyon na "Lisitsyn" at "Krupa". Hindi nagmamadali si Ugarov na ibunyag ang kanyang mga card at sabihin kung sino mismo ang kanyang mga bayani. Siya ay nag-udyok na makita ang mga ito sa pamamagitan ng mga mata ng isang binata mula sa isang matalinong pamilya, si Seryozha, na walang ideya kung sino ang nakaharap sa kanya ng balangkas, at samakatuwid ay hindi naka-program para sa Leninist myth. Lumilikha ang may-akda ng isang purong virtual, iyon ay, kathang-isip, ngunit posibleng katotohanan. Inilalarawan nito ang isang pagkakataong pagkikita ni Seryozha noong araw ng Abril noong 1916 sa Lake Zurich sa Switzerland kasama ang dalawang estranghero. Ang hitsura ng dalawang ito ay nagtatakda sa manonood sa isang nakakatawang paraan: sumakay sila sa kanilang mga bisikleta, at ang babae ay agad na nahulog, at ang kanyang kasama ay humagalpak sa tawa at hindi mapatahimik ng mahabang panahon. Ang dalawang figure na ito ay kahawig ng mga clown at naaalala ang karaniwang circus trick ng paggaya. Ang "Lisitsyn" ay tumugon nang labis na hindi sapat sa pagbagsak ng kanyang asawa na sa loob ng mahabang panahon ay hindi siya makahinga mula sa pagtawa. Ang "Lisitsyn" ay isang aktibo, buhay na buhay na paksa na may maikling tangkad, ang "Krupa" ay ipinakita bilang isang malamya at matabang babae na may mapurol na ekspresyon sa kanyang mukha. Sa tandem na ito, ang "Lisitsyn" ay kabilang sa papel ng isang guro, at "Krupa" - ang papel ng kanyang hangal na mag-aaral. Ang "Lisitsyn" ay palaging nagtuturo sa lahat, habang nagpapakita ng matalim na hindi pagpaparaan at kabastusan. Ang mga asawa ay matatagpuan sa parehong clearing bilang Seryozha, at magsimulang kumilos, upang ilagay ito nang mahinahon, hindi sibilisado. Ang "Lisitsyn" ay palaging nagsasalita at sa pangkalahatan ay kumikilos nang walang kahihiyan. Sa kauna-unahang pagkakataon, nakilala ni Seryozha ang mga taong ganito at halos hindi kinukunsinti ang mga nangyayari, ngunit, bilang isang taong may mabuting asal, siya ay tahimik. Naramdaman ni "Lisitsyn" ang nagniningning na hindi pag-apruba at nagpasya na "turuan" si Seryozha ng isang aralin: pumasok siya sa kanyang bilog at itinuro na ang katalinuhan ay kawalan ng kalayaan. "At narito ako," sabi ni Lisitsyn, "isang napakalayang tao." Sa pseudo-cultural na mga pag-uusap, sinusubukan ng "Lisitsyn" sa lahat ng posibleng paraan upang hiyain si Seryozha at, bilang karagdagan, upang painumin siya. Ang pag-iwan ng isang ganap na lasing na binata sa pagbuhos ng ulan, ang perpektong pahinga na "Lisitsyn" at "Krupa" ay umalis patungong Zurich. At pagdating ng tren sa gabi, dapat dumating ang nobya ni Seryozha.

Sa paglalaro ng imahe ng isang pinuno, hindi lamang inaalis ni Ugarov sa kanya ang kanyang propaganda ng sangkatauhan, ngunit muling nililikha ang mismong modelo ng mga relasyon sa pagitan ng estado ng Sobyet at ng mga mamamayan nito, batay sa kawalang-galang sa isang tao, hindi pagsunod sa kanyang mga karapatan, upang lahat ay maaaring mapahamak anumang oras. Ang pagpapawalang-bisa sa mga kulto ng sistemang totalitarian ay isang mahalagang hakbang tungo sa pagtagumpayan nito.

"Stereoscopic Pictures of Private Life" (1993) ni Prigov - tungkol sa kulturang masa. Ipinakita ni Prigov na ang kultura ng masa sa ating panahon ay sumailalim sa isang pagbabago. Ang napakatinding ideolohikal na pangangailangan ay pinapalitan ng isang diskarte ng malambot na pang-aakit, nagkukunwaring nakakabigay-puri na pang-aakit, matamis na boses na pag-aalis ng alikabok sa utak. Ito ay isang mas disguised at sopistikadong paraan ng pag-impluwensya sa globo ng kamalayan at ang walang malay. Nag-aambag ito sa pagbuo at pagpapaamo ng mga karaniwang tao, dahil ginagaya nito ang katuparan ng kanilang mga hangarin. Nananatiling hindi nagbabago, ipinakita ni Prigov, ang palsipikasyon ng imahe ng katotohanan, ang paglapastangan sa espirituwal na prinsipyo, ang pagkawasak nito sa tao. Sa dula, sinuri ni Prigov ang epekto sa mga tao ng mass television production. Ang kanyang atensyon ay naaakit sa pamamagitan ng mga palabas sa pag-uusap, kung saan maaaring walang masama, mapagpahirap, hindi kayang bayaran para sa utak. Kung mayroong isang pagkakahawig ng salungatan, ito ay isang salungatan sa pagitan ng mabuti at pinakamahusay. Si Prigov ay gumagawa ng isang dula mula sa isang serye ng mga maliliit na eksena (28 sa kabuuan). Ito ay mga yugto mula sa buhay ng isang pamilya. Ang comic dialogue ay gumaganap ng pangunahing papel sa mga miniature. Ang mga paksang sakop ay sunod sa moda: sex, AIDS, rock music. Samantala, ang mga medyo tiyak na ideya ay unti-unting iminungkahi:

Ang pangunahing bagay sa buhay ay sex. "Kabataang henerasyon, ipaubaya sa amin ang kapangyarihan at pera, at makipagtalik para sa iyong sarili."

Ang mga komunista ay mabubuting tao. Isang dialogue sa pagitan ng isang apo at isang lola ang ibinigay. Sinabihan ang apo sa paaralan tungkol sa mga komunista, at nakumbinsi siya ng lola sa ideya na ang mga komunista ay "ilang mga ligaw."

Mayroong kung ano ang pinaniniwalaan ng karamihan. "Masha, naniniwala ka ba sa Diyos?" - "Naniniwala ang karamihan, ibig sabihin, malamang, may Diyos."

Pagkatapos ng halos bawat isa sa 28 eksena, palakpakan ang pumutok. Ginagawa ito upang makakuha ng naka-program na tugon mula sa isang potensyal na manonood.

Hindi inaasahang lumitaw ang mga dayuhan, ngunit wala sa mga miyembro ng pamilya ang nagmamalasakit sa kanya. Pagkatapos ay lumitaw ang halimaw. "Ikaw ba yan Denis?" - "Hindi, ako ito, ang halimaw." - "Ah sige." Kinakain ng halimaw si nanay, at pagkatapos ay ang iba pa sa pamilya. Ang halimaw ay sumisimbolo sa kapangyarihan ng media sa isang tao. Ngunit sa wakas, kapag kinain ng halimaw ang alien, pareho silang nalipol. Ang isang dayuhan ay isang simbolo ng isang tunay, "ibang" kultura, na nag-iisa ay maaaring labanan ang kultura ng masa.

Tuloy-tuloy ang naitalang palakpakan matapos walang maiiwan sa entablado. Maliban kay Masha at Diyos, lahat ng iba pang mga karakter ay kinakain. Ginaya ng halimaw ang sarili, tumagos ito sa kaluluwa ng mga tao.

Sa pagpasok ng siglo, isang henerasyon ng twenties ang pumasok sa drama. Ang kanilang mga gawa ay kadalasang napakadilim at ginalugad ang problema ng kasamaan sa isang paraan o iba pa. Ang pangunahing lugar sa mga dula ay inookupahan ng mga larawan ng kawalang-katauhan at karahasan, kadalasan ay hindi mula sa estado, ngunit kasamaan, na nakaugat sa mga relasyon ng mga tao at nagpapatotoo kung paano pinuputol ang kanilang mga kaluluwa. Ganito ang "Plasticine" ni Sigarev, "Claustrophobia" ni Konstantin Kostenko, "Oxygen" ni Ivan Vyropaev, "Pub" ng magkapatid na Presnyakov. Ang ganitong mga madilim na dula at sa ganoong bilang ay hindi kahit sa mga araw ng underground. Ito ay nagpapahiwatig ng pagkabigo sa mga halaga. modernong sibilisasyon at sa tao mismo. Gayunpaman, sa pamamagitan ng paraan ng kontradiksyon, pagpapalapot ng mga itim na kulay, ipinagtatanggol ng mga batang may-akda ang mga mithiin ng sangkatauhan.

Eksklusibo magandang lugar sa modernong drama, ang mga remake ay inookupahan din - bago, modernized na mga bersyon sikat na mga gawa... Ang mga manunulat ng dula ay bumaling kay Shakespeare, na pinatunayan ng "Hamlet. Bersyon "Boris Akunin," Hamlet. Zero Action ”ni Petrushevskaya,” Hamlet ”ni Klim (Klimenko),“ A Plague on Both Your Houses ”ni Grigory Gorin. Sa mga Ruso na may-akda, bumaling sila sa Pushkin ("Dry, Ziben, As, o The Queen of Spades" ni Nikolai Kolyada), Gogol ("Old World Love" ni Nikolai Kolyada, "Bashmachkin" ni Oleg Bogaev), Dostoevsky ("Crime Paradoxes" ni Klim), Tolstoy (" Anna Karenina - 2 ”ni Oleg Shishkin: posibleng nakaligtas si Anna), Chekhov (“ The Seagull. Version ”ni Akunin). Ang pamantayan ng mga klasiko sa pagtatasa ng modernidad ay kinikilala bilang mas layunin kaysa sa anumang pamantayang ideolohikal. Sa ibang mga kaso, nakikipagtalo sila sa kanilang mga nauna o pinalalim ang kanilang mga obserbasyon. Ngunit, una sa lahat, ang drama ay tumutukoy sa mga pangkalahatang halaga ng tao na ipinamana ng mga klasiko. Ang pinakamahusay na mga dula na nilikha ng mga kontemporaryong manunulat ng dula ay naging pag-aari hindi lamang ng Russian, kundi pati na rin ng dayuhang drama.

Ang panitikan ng Russia noong huling bahagi ng XX - unang bahagi ng XXI na mga siglo sa kabuuan, na tila Skoropanova, ay may malaking interes. Nagtuturo siyang mag-isip, bumubuo ng isang moral na pakiramdam, tinatanggihan ang pangit, madalas na nagbibigay sa isang hindi direktang anyo ng isang ideya ng maganda at kanais-nais.

Hulyo 14 2010

Ang isa pang tanyag na tema ng dramang pampulitika ay ang tema ng totalitarianism, ang pagsupil sa indibidwal sa ilalim ng mga kondisyon ng sistemang Stalinist. Sa mga dula ni M. Shatrov ng mga taong ito - "Dictatorship of Conscience" (1986) at "Further ... further ... further ..." (1985) (tulad ng inilathala noong 1987 "Brest Peace", 1962 ) - ang imahe ng soberanya at nag-iisang diktador na si Stalin ay ikinumpara sa matalino, malayong pananaw at makatarungang "demokrata" na si Lenin. Hindi na kailangang sabihin, ang mga gawa ni Shatrov ay nawala ang kanilang kaugnayan sa sandaling ang mga bagong katotohanan tungkol sa personalidad at likas na katangian ng mga aktibidad ng "pinuno ng pandaigdigang proletaryado" ay ipinahayag sa lipunan. Ang mito ng perpektong Ilyich ay gumuho, at kasama nito ang "paggawa ng alamat" ng playwright na si Shatrov ay tumigil.

Kung si M. Shatrov ay nagtrabaho sa Stalinist na tema sa loob ng balangkas ng tradisyonal, makatotohanang teatro, pagkatapos ay lumitaw ang mga dula kung saan ang isang pagtatangka ay ginawa (tiyak na kontrobersyal at hindi palaging nakakumbinsi) upang ipakita ang mga figure na mythologized ng ideolohiya ng Sobyet sa isang parody, katawa-tawa na anyo. Kaya, noong 1989, ang "paratrahedya" sa mga tula ni V. Korkia na "Black, o I, poor Soko Dzhugashvili", na itinanghal sa Student Theater ng Moscow State University, ay nakatanggap ng nakakainis na katanyagan.

Nang mabaha ang mambabasa ng batis ng mga alaala tungkol sa karanasan sa kampo ng mga nagkaroon ng malupit na kapalaran na maranasan ang pressure ng totalitarian system, umakyat din sa entablado ng mga sinehan ang mga kalunos-lunos na bayani noong panahon ng Gulag. Ang pagtatanghal ng kwento ni E. Ginzburg na "Isang Matarik na Ruta" sa entablado ng Sovremennik Theater ay nagtamasa ng mahusay at karapat-dapat na tagumpay. Ang mga panahon ng perestroika at post-perestroika ay naging in demand para sa mga dula ng sampu o dalawampung taon na ang nakalilipas, na may mga bihirang pagbubukod sa tradisyonal na artistikong at dokumentaryo na anyo, na binibigyang kahulugan ang karanasan sa kampo: "Republic of Labor" ni A. Solzhenitsyn, " Kolyma" ni I. Dvoretsky, "Anna Ivanovna" ni V. Shalamov, " Tatlo "ni Y. Edlis," Apat na interogasyon "ni A. Stavitsky.

Upang makayanan, manatiling tao sa hindi makataong kalagayan ng kampo - ito ang pangunahing dahilan ng pagkakaroon ng mga bayani ng mga gawang ito. Kahulugan mga sikolohikal na mekanismo, pagkontrol sa personalidad, ang kanilang pangunahing tema.

Sa pagtatapos ng dekada 1980, ang mga pagtatangka ay ginawa upang bumuo sa parehong materyal na iba pang mga aesthetic system, upang isalin ang salungatan sa pagitan ng indibidwal at ng totalitarian na lipunan sa isang mas malawak, unibersal, tulad ng kaso sa mga anti-utopiang nobelang ni E. . Zamyatin o J. Orwell. Ang gayong dramatikong dystopia ay maaaring ituring na dula ni A. Kazantsev na "Great Buddha, tulungan mo sila!" (1988). Ang pagkilos ng gawain ay nagaganap sa “huwarang Komunidad na pinangalanang Mahusay na Ideya”. Ang naghaharing rehimen doon ay minarkahan ng espesyal na kalupitan sa lahat ng uri ng hindi pagsang-ayon, ang tao ay naging isang primitive na nilalang na may primitive instincts at ang tanging malakas na emosyonal na pagpapakita - takot sa hayop.

Sa diwa ng walang katotohanan na teatro, sinubukan ni V. Voinovich na ipakita ang parehong salungatan sa Tribunal (1984, na inilathala noong 1989). Ang pagtatangka na lumikha ng isang Sobyet na bersyon ng teatro ng walang katotohanan sa kasong ito ay hindi maituturing na ganap na matagumpay, ang pangalawang kalikasan ay malinaw na naramdaman dito, una sa lahat, ang impluwensya ng "Proseso" ni F. Kafka. At ang katotohanan ng Sobyet mismo ay napakawalang katotohanan na ang isang pagtatangka na muling "baligtarin" ang mahabang pagtitiis na mundo, upang gawing isang tuluy-tuloy na pamamaraan ng hudisyal sa isang buhay na tao ay hindi maaaring makakumbinsi sa artistikong paraan.

Siyempre, ito ay nagkakahalaga ng noting na ang problema ng relasyon sa pagitan ng indibidwal at ng estado ay isa sa mga pinaka-kagyat at palaging magbibigay ng mayamang lupa para sa artistikong pagtuklas.

Ang kakayahang magsalita nang malaya tungkol sa mga dating ipinagbabawal na paksa, panlipunan at mga usaping moral Ang lipunan sa panahon ng perestroika ay humantong sa katotohanan na ang domestic scene ay napuno, una sa lahat, ng lahat ng uri ng mga character mula sa "ibaba": mga puta at mga adik sa droga, mga taong walang tirahan at mga kriminal ng lahat ng mga guhitan. Ang ilang mga may-akda ay nagromanticize ng kanilang mga marginal, ang iba ay sinubukang ibunyag ang kanilang mga sugatang kaluluwa sa mambabasa at manonood sa abot ng kanilang makakaya, habang ang iba ay nag-claim na ilarawan ang "katotohanan ng buhay" sa lahat ng hindi nakikilalang kahubaran nito. Ang malinaw na mga pinuno ng theatrical seasons 1987-1989. ang mga ganitong gawain ay naging: "Mga Bituin sa kalangitan ng umaga" ni A. Galina, "Dump" ni A. Dudarev, "Mesa ng kababaihan sa bulwagan ng pangangaso" ni V. Merezhko, "Mga eksena sa palakasan ng 1981" at "Our Decameron" ni E Radzinsky.

Sa mga nabanggit na playwright, si A. Galin ang unang nagdala mga eksena sa teatro ang buong bansa ng mga bagong "bayani" ng panahon, gayunpaman, kahit na ang paksa ng prostitusyon ay naging karaniwan sa pamamahayag ng pahayagan at magasin. Sa oras na nilikha ang The Stars in the Morning Sky, kilala na ang pangalan ng playwright. "Ang kanyang maraming taon ng matagumpay na martsa sa mga yugto ng ating bansa at sa ibang bansa, - isinulat ng kritiko sa teatro na si I. Vasilinina, - A. Galin ay nagsimula sa dulang" Retro ".<...>Kahit na hindi niya makuha ang pinakailalim ng mga tunay na dahilan para sa ito o sa pangyayaring iyon sa buhay sa bawat isa sa kanyang mga dula, palagi siyang tumpak na nakakahanap ng isang modernong masakit, magkasalungat at, sa pamamagitan nito, isang kawili-wiling sitwasyon. Minsan hindi siya masyadong abala sa mga panlipunang pinagbabatayan ng kapalaran ng kababaihan, ang kanyang hindi mapakali na pag-asa sa pangkalahatang klima ng ekonomiya at pampulitika ng bansa, ngunit tiyak na nakikiramay siya sa babae, na nagpapakita ng posible na interes, atensyon, kabaitan sa kanya ".

Ang mga salitang ito ay lalong totoo kaugnay ng dulang "Mga Bituin sa Langit ng Umaga". Matapos basahin ang Galinsky, naiintindihan namin na ang manunulat ng dulang may kaugnayan sa kanyang mga pangunahing tauhang babae ay kinuha ang posisyon ng isang matapat na abogado. Ang prostitusyon ay isang realidad ng ating realidad, at sinuman ay may hilig na sisihin ito, ngunit hindi ang mga prostitute mismo. Narito ang isang banal at mapagkunwari na lipunan na mahiyaing itinago ang "mga gamu-gamo" para sa ika-101 kilometro, upang hindi maitim ang huwarang tanawin ng Olympic Moscow. Narito ang mga bata o, sa kabaligtaran, brutal sa isang makahayop na paraan, mga lalaki na nawala ang lahat ng paggalang sa isang babae. At narito ang mga kapus-palad na kababaihan mismo - at anuman ang kapalaran, pagkatapos ay "ang walang hanggang Sonechka Marmeladova, hangga't nakatayo ang mundo." Tanging, hindi katulad ng pangunahing tauhang babae ni Dostoevsky, walang sinuman ang nagsagawa ng kanyang sarili, bukod dito, hindi niya iniisip ang katotohanan na, marahil, sa ilang mga punto ay nagkamali, na mayroon pa ring pagpipilian. At ayon dito, wala sa apat na pangunahing tauhan ang naghahanap ng isang karapat-dapat na paraan sa kanilang kasalukuyang sitwasyon. Hindi rin ito ibinibigay ng manunulat ng dula, bagama't sadyang binibigyang-diin niya ang mga pagkakaugnay ng Bibliya sa kapalaran ni Maria, marahil ang pangunahing "nagdurusa" sa mga pahina ng dula. Mga motibo ng Kristiyano, sa palagay ko, ay lumilitaw sa "Mga Bituin sa Kalangitan ng Umaga" ang lahat ng parehong walang kabuluhan, dahil ang kuwento mismo na sinabi ng manunulat ng dula, isang medyo theatrical, malayong balangkas sa maraming paraan "hindi umabot" sa mga taas ng Bibliya.

Ang isang mas walang ingat na paglulubog sa mga problema ng "ibaba", sa pangungutya at kalupitan ng pang-araw-araw na buhay, pinakain at inaruga ang isa sa mga pinakasikat na manunulat ng dula ng bagong henerasyon - si Nikolai Kolyada. Sa ngayon, nakapagtanghal na siya ng higit sa 20 plays, na walang alinlangan na record noong 1990s. Kung gaano karapat-dapat ang gayong pansin sa manunulat ng dula ay isang pinagtatalunang punto, ngunit ang mga dahilan para sa atensyon na ito ay maaaring maunawaan. Ang Kolyada, sa kaibahan ng mga manunulat ng dula ng "bagong alon," ay nagdala ng mabagyo na sentimentalidad at puro teatro na ningning sa pamilyar na araw-araw na drama. Sa karamihan ng kanyang mga gawa ("The Game of Forfeits", "Barack", "Murlin Murlo", "Boater", "Slingshot") ay binabati tayo ng pinaka-primitive na setting - higit pa o hindi gaanong kahabag-habag na tipikal na pabahay: "Ang wallpaper sa bumagsak ang apartment. Duguan ang lahat ng pader. Ang may-ari ng apartment, na parang sa kabila ng isang tao, ay durog na mga surot. Sa labas ng bintana ay malabo, kakaiba, hindi makalupa, hindi maintindihan na mga tunog ng night city. Ang dalawang taong ito ay kakaiba. Para bang ang mga pilak na sinulid ay nakaunat sa pagitan nila at ikinonekta ang mga ito ”(“ Slingshot ”). Mula na sa itaas ay malinaw na ang karumihan at kahabag-habag ng nakapaligid na mundo sa anumang paraan ay hindi nakakasagabal sa marubdob na kahusayan sa pagsasalita ng playwright.

Sa gayong mga kaibahan ng bulgar at kahanga-hanga, binuo ni Kolyada at ang mga karakter ng kanyang mga bayani. Ang lahat ng kanilang mga katangian at pag-aari ay malinaw na pinalaki, ang kanilang mga reaksyon ay mataas, kaya ang patuloy na kapaligiran ng pagkilos dito ay isang iskandalo. Maaaring ayusin ng mga bayani ang mga bagay nang eksklusibo sa isang nakataas na boses. Sa huling pangungusap lamang ng dulang "Murlin Murlo" ay mayroong 25 tandang padamdam. Gayunpaman, kinakailangan na tandaan na ang mga karakter ng Kolyada ay nag-aaway nang napakahusay, dahil ang iskandalo para sa kanila ay ang tanging holiday at libangan sa kanilang buhay.

Ang pagkakabuo ng balangkas sa mga akda ng manunulat ng dulang ito ay hindi rin nagkakaiba sa pagkakaiba-iba. Kadalasan ay sinusunod niya ang isang win-win pattern: sa isang probinsyang bayan na may monotonous at kalahating mahirap na pag-iral, biglang lumitaw ang Someone Beautiful, isang bisitang bisita, na gumagambala sa nakakainip, karaniwang takbo ng buhay. Sa kanyang pagdating, binibigyan niya ng pag-asa ang mahihirap na lokal na naninirahan sa pinakamahusay, para sa pag-ibig, pag-unawa sa isa't isa, paglilinis. Maaaring iba ang pagtatapos ng kuwento, ngunit mas madalas ay wala pa ring pag-asa. Ang mga bayani ay naiwan na may wasak na kapalaran at bigong pag-asa. Sa "Tirador", halimbawa, isang magandang bagong dating na nagngangalang Anton, bagaman siya ay bumalik, ngunit huli na - ang may-ari ay nagpakamatay na. At sa "Murlin Murlo" ang pangunahing karakter na si Aleksey ay naging duwag at taksil.

Tamang tandaan ng mga kritiko na ang pinakamahinang punto sa mga dula ni Kolyada ay ang mga monologo ng mga bayani, at habang tumatagal, mas nakikita ang kahirapan ng kanilang wika, na karamihan ay binubuo ng mga cliches at vulgarisms.

Ang mga gawa ni N. Kolyada ay kakaiba, una sa lahat, dahil ibinubuod nila ang pag-unlad ng "bagong drama". Ang mga diskarte sa avant-garde, nakakagulat na mga detalye at mga marginal na bayani ay pumasa dito sa kategorya ng kultura ng masa, nawawala ang hysterical at masakit na katalinuhan na katangian ng mga karakter at salungatan ng mga drama ni L. Petrushevskaya.