Henri Matisse, Henri. Lukisan Matisse

rumah / Isteri curang

"Saya mendapati bidang aktiviti tanpa had dalam lukisan, di mana saya boleh memberi kebebasan kepada kreativiti saya yang tidak tenang."
© Henri Matisse, 25 Mei 1852

artis Perancis Henri Matisse turun dalam sejarah sebagai genius lukisan dunia yang diiktiraf, yang sebahagian besarnya menentukan perkembangan seni pada abad ke-20. Dalam mencari "I" artistiknya, dia berjaya mencuba beberapa gaya dan arah sekaligus, mengatasi setiap daripada mereka dan mengasaskan sekolah lukisannya sendiri, yang dipanggil "Fauvism" (fauve Perancis - "liar").

Walau bagaimanapun, tidak seperti rakan-rakannya di kedai, Matisse sendiri tidak menunjukkan apa-apa "kebiadaban", tetapi seorang lelaki yang sederhana dan damai. Dan jika artis avant-garde lain benar-benar membuat revolusi, cuba mencerminkan semangat pemberontakan zaman pada kanvas mereka, Matisse mencari "keamanan dan keseronokan", sentiasa bereksperimen dengan warna dan memikirkan semula makna warna.

“Saya mengimpikan seni yang seimbang, penuh kesucian dan ketenangan, seni tanpa plot yang sia-sia dan sibuk ... yang boleh memberi ketenangan kepada minda ... bagaimana kerusi berlengan yang selesa memberi rehat kepada orang yang letih» - kata Matisse.

Ramai orang masih tertanya-tanya bagaimana seseorang yang mempunyai kredo kreatif yang tenang itu berjaya menjadi salah satu tokoh utama dalam seni abad ke-20. Anehnya, soalan seperti itu tidak mula membimbangkan Matisse serta-merta, kerana sejarah artis hebat tidak bermula dengan dunia lukisan.

Henri muda - anak seorang saudagar bijirin yang berjaya - meramalkan kerjaya sebagai peguam, dan, sebagai anak yang taat, Matisse mula belajar undang-undang di salah satu sekolah berprestij di Paris. Selepas tamat pengajian, dia kembali ke kota asal, di mana dia tidak lama kemudian mendapat pekerjaan sebagai kerani di peguam bersumpah. Nampaknya masa depan lelaki muda itu telah diputuskan, tetapi kemudian nasib campur tangan dalam hidupnya, secara radikal mengubah semua rancangan.

Matisse berada di atas meja bedah. Serangan apendisitis akut yang dirantai untuk masa yang lama orang muda tidur, meninggalkannya tanpa sebarang hiburan. Ingin menceriakan kehidupan seharian "hospital" anaknya, ibu penyayang memberinya bekalan lukisan, membuka dunia baru dan tidak diketahui untuk Matisse muda. Kelas melukis menarik minat lelaki muda itu sehinggakan, bertentangan dengan kehendak bapanya, dia memutuskan untuk meninggalkan fiqh selama-lamanya dan kembali ke ibu kota untuk menjadi seorang artis.

Guru pertama Matisse, artis Perancis Gustave Moreau - seorang simbolis hingga ke teras dan mahir permainan warna yang diiktiraf - suka menghantar pelajar ke Louvre - untuk menyalin karya sarjana yang dihormati, teknik dan teknik mengasah lukisan klasik. "Anda perlu bermimpi tentang warna", - dia mengulangi tuduhannya, dan Matisse, seperti tidak ada orang lain, dipenuhi dengan kenyataan ini, mengubah hidupnya menjadi pencarian cara yang ideal untuk menyampaikan emosi melalui warna.

Kemudian, Matisse menulis:

"Saya melihat sisi ekspresif warna semata-mata secara intuitif. Dengan menghantar landskap musim luruh, Saya tidak akan ingat warna warna mana yang sesuai untuk tahun ini, saya hanya akan diilhamkan oleh sensasi musim luruh ... Saya memilih warna bukan untuk mana-mana teori saintifik, tetapi dengan perasaan, pemerhatian dan pengalaman "

Minat pada warna sudah ketara dalam kerja awal Matisse. Sebagai peraturan, ini adalah percubaan seorang artis muda untuk melukis dalam semangat tuan lukisan yang diiktiraf. Salah satu karya ini ialah hidupan pegun yang dipanggil "Sebotol schiedam" (Nature Morte à la Bouteille de Schiedam): gubahan klasik, rona gelap dan tidak sekata, perhatian khusus kepada rona separuh memberikan persamaan dengan kanvas. Sementara itu, kekayaan warna hitam dan perak serta keluasan sapuan berus bercakap tentang pengenalan Matisse dengan kreativiti.

Selama bertahun-tahun pengajian, Matisse secara konsisten melalui semua peringkat evolusi seni klasik, mencuba tangannya pada setiap daripada mereka. Walau bagaimanapun, untuk semua kepentingan tradisi zaman lampau dalam pembentukan gaya artis, Matisse merasakan bahawa semua ini bukan untuknya. Louvre baginya seolah-olah perpustakaan besar yang penuh dengan buku-buku lama yang membuatkan pelajar yang letih mengantuk dan sayu. Matisse, sebaliknya, mendambakan sesuatu yang baru, luar biasa, tidak seperti yang telah dicipta sebelum dia.

"Saya nampaknya, setelah memasuki Louvre, saya kehilangan perasaan era saya, dan lukisan yang saya lukis di bawah pengaruh langsung tuan lama tidak menyatakan apa yang saya rasa.", - artis teringat.

Salah satu peringkat paling penting dalam perkembangan Matisse sebagai seorang artis ialah perkenalannya dengan karya-karya Impresionis, khususnya dengan karya yang kurang dikenali pada masa itu. Matisse berhutang ini kepada artis Australia John Russell, rakan dan mentornya, yang, buat pertama kali sejak Moreau, membuat Matisse serius memikirkan makna dan kepentingan warna dalam lukisan.

"Russell adalah guru saya, dia menerangkan teori warna kepada saya.", - mengakui Matisse.

Impresionisme dan eksperimennya sendiri dengan kontras warna sangat mempengaruhi karya pertama "bebas" artis. Ini, sebagai contoh, masih hidup "Hidangan dan Buah-buahan" (Vaisselle et Fruits), "Buah-buahan dan Periuk Kopi" (Fruits et Cafetière). Ini juga termasuk landskap pertama oleh Matisse - "Bois du Boulogne" dan "Taman Luxembourg" (Jardin du Luxembourg).

Selepas beberapa tahun, Matisse meninggalkan minatnya terhadap impresionisme dan terjun ke dalam penyelidikan karya pengikutnya. Dalam tempoh ini, artis mempunyai keluarga, tetapi, walaupun sempit posisi kewangan, dia terus mencari gayanya sendiri. Lukisannya hampir tidak dijual, bagaimanapun, Matisse tidak berhenti bereksperimen dengan warna, menganalisis kepentingan pelbagai warna dan kombinasinya.

“Pesona, ringan, kesegaran - ini semua adalah sensasi sekejap ... Artis impresionis ... sensasi halus dekat antara satu sama lain, jadi kanvas mereka serupa antara satu sama lain. Saya lebih suka, dengan risiko kehilangan daya tarikan landskapnya, menekankan cirinya dan mencapai konsistensi yang lebih besar."- menulis Matisse bertahun-tahun kemudian.

saya bakal isteri Amelie Pareyre Matisse bertemu rakan di majlis perkahwinan. Amelie adalah seorang pengiring pengantin, dan dia dan Matisse secara tidak sengaja duduk di sebelahnya. Gadis itu jatuh cinta dengan seorang lelaki tinggi berjanggut, mengeringkan setiap jambangan bunga violet yang diberikannya pada mesyuarat dengan berhati-hati. Pada masa itu, Matisse diseksa oleh keraguan dan dia tidak dapat memutuskan sama ada akhirnya menumpukan hidupnya kepada seni. Amelie pula menjadi orang yang percaya kepada artis, benar-benar percaya masa yang lama menjadi kawan setia dan muse pertamanya. Namun, di sebalik perasaan Matisse terhadap gadis itu, dia sudah faham bahawa tiada siapa dan tiada apa yang dapat memikat hatinya lebih daripada melukis. Mengumpulkan keberanian, dia mengaku:

"Mademoiselle, saya sangat sayangkan awak, tetapi saya akan sentiasa lebih suka melukis"

Yang pertama pameran peribadi artis diadakan tanpa banyak kejayaan, tidak menyebabkan respon yang sewajarnya daripada pengkritik. Kemudian Matisse memutuskan untuk meninggalkan ibu negara ke selatan Perancis dengan syarikat pointillist Paul Signac. Kagum dengan kanvasnya, Matisse mula bekerja dalam teknik pukulan mata yang serupa, dan, selepas beberapa ketika, karya pertama, bertajuk "Mewah, Keamanan dan Keseronokan" (Luxe, Calme at Volupté), keluar dari bawah berus.

Gambar itu bercanggah dan dengan caranya sendiri tidak sesuai dengan rangka kerja yang ditetapkan oleh pointillist. Tidak seperti rakan-rakannya, yang meninggalkan pencampuran fizikal warna dan memihak kepada pukulan berasingan, Matisse sekali lagi menumpukan perhatian pada warna. Setelah sengaja memilih julat terang - merah, ungu, oren - artis itu berlepas dari tafsiran realistik plot. Warna tepu kelihatan tidak semula jadi, mewujudkan ketegangan dan mengganggu "tenang" biasa unsur klasik. Walau bagaimanapun, tepatnya disebabkan percanggahan ini - gabungan bentuk klasik dan inovatif - Matisse buat pertama kalinya benar-benar berjaya menunjukkan kepada penonton penglihatan sendiri realiti.

Gambar itu berjaya dan diterima baik oleh pengkritik. Namun begitu, tidak lama kemudian Matisse meninggalkan pointillism, menyedari bahawa jalan ini bukan untuknya juga.

1905 adalah titik perubahan dalam kerja Matisse. Selepas pencarian panjang dan percubaan dengan warna, artis itu berjaya menghidupkan "rasa alam semula jadi"nya sebanyak mungkin. Bersama-sama dengan sekumpulan orang yang berfikiran sama, dia mengambil bahagian dalam Salon Musim Luruh, mempersembahkan dua karya baharu di pameran itu - “ Tingkap dibuka"(La Fenêtre Ouverte) dan" Wanita dalam Topi "(La Femme au Chapeau).

Lukisan-lukisan itu, dicat dengan tidak menghiraukan semua peraturan, menyebabkan banyak bunyi, bahkan menimbulkan kemarahan orang Paris yang terbiasa dengan eksotisme. Pengkritik menggelar mereka sebagai "periuk cat yang dilemparkan ke muka orang ramai," dan pengarangnya digelar "Fauves" atau "biadab".

Walaupun kritikan keras dan kemarahan orang ramai, "The Woman in the Hat" telah diperoleh oleh penulis terkenal dan pakar seni Gertruda Stein. Menurut salah seorang saksi mata, "Pelawat mendengus, melihat lukisan itu, malah cuba merobeknya"... Gertrude Stein tidak dapat memahami mengapa gambar itu kelihatan semula jadi baginya.

Jadi arah baru muncul dalam lukisan, yang memasuki sejarah seni di bawah nama "fauvisme". Matisse diiktiraf sebagai ketua Fauves, termasuk bekas rakan sekelas dari kelas Moreau. Setelah meninggalkan kaedah tradisional menggambarkan objek dan membina gambar, artis ini mula melukis dalam warna terbuka tulen, memudahkan dan menyusun skema. Warna terang, kadang-kadang agresif dan kontras tinggi membentuk asas komposisi dan menjadi kaedah utama "mengekspresikan perasaan" artis.

“Pemecahan warna telah membawa kepada pemecahan bentuk, kontur. Keputusan: permukaan bergetar ... Saya mula melukis dengan pesawat berwarna-warni, cuba mencapai keharmonian dengan nisbah semua pesawat warna "- teringat Matisse setengah abad kemudian.

Perancis memberi dunia galaksi yang besar artis yang cemerlang, salah satunya adalah yang terbesar dan paling banyak wakil terang pergerakan artistik Fauvisme, Henri Matisse. Kerjayanya bermula pada tahun 1892, apabila artis masa depan berjaya lulus peperiksaan di Akademi Julian Paris. Di sana dia menarik perhatian Gustave Moreau, yang meramalkan Matisse kerjaya yang cerah dalam bidang seni.

Dari awal abad ke-20, Matisse mula mencari dirinya sendiri. Dia melalui tahun-tahun tekanan menyalin dan meminjam, menulis banyak salinan. lukisan terkenal dari Louvre, cuba mencari gayanya sendiri. Keghairahan yang berleluasa untuk impresionisme pada masa itu memberi Matisse peluang untuk mengusahakan cara menyampaikan bentuk dan palet warna.

Pengkritik seni pada tahun-tahun itu menyatakan bahawa Matisse mempunyai persembahan warna yang pelik dalam kanvasnya, dibuat dalam gaya impresionistik. Artis itu dicirikan oleh penggunaan sapuan yang terang, kuat, sedikit melengkung dengan dominasi warna tepu yang sangat terang.

Suka tuan terkenal Impresionisme Paul Signac, Matisse gemar pointillism - sejenis impresionisme yang menggunakan banyak titik reput untuk menyampaikan imej. Gaya inilah yang akhirnya membantu artis memilih Fauvisme sebagai cara paling sesuai untuknya mencerminkan realiti sekeliling.

Malah, Matisse adalah pengasas sebenar Fauvisme. Terjemahan Perancis bagi istilah ini ialah "liar." Perkataan ini sepadan dengan konsep - "percuma", iaitu, tidak tertakluk kepada peraturan yang diterima umum.

Permulaan kejayaan Matisse boleh dianggap lukisannya "Woman in a Green Hat", yang dipamerkan oleh artis pada tahun 1904. Di atas kanvas, penonton melihat imej hampir rata seorang wanita dengan muka dibahagikan dengan jalur hijau. Oleh itu, Matisse memudahkan imej sebanyak mungkin, membenarkan hanya satu warna untuk menguasai.

Ia adalah kelaziman warna berbanding bentuk dan kandungan yang menjadi prinsip utama Fauvisme. Intipati gaya ini sangat dipengaruhi oleh daya tarikan Matisse dengan bentuk seni eksotik. Artis itu banyak mengembara, termasuk ke benua Afrika. Seni puak yang primitif tetapi pelik menarik perhatiannya dan memberi dorongan untuk memudahkan lagi imej dalam lukisan itu.

Kekayaan warna dalam kanvas Matisse dipinjam dari arabesque oriental yang terang. Dari sana, semangat untuk artis odalisque - gundik-penari Arab, yang imejnya dipamerkan dalam lukisannya sehingga tahun-tahun terakhir hidupnya - terbentang. Ia juga diketahui bahawa selepas bertemu dengan Dermawan Rusia Sergei Shchukin Matisse mula berminat dengan lukisan ikon Rusia kuno.

Atas jemputan Shchukin, Matisse datang ke Rusia, dan selepas itu dia menugaskan lukisannya yang paling terkenal - "Tarian". Sejenis "kembar" gambar ini ialah "Muzik". Kedua-dua kanvas mencerminkan intipati Fauvisme - keaslian perasaan manusia, kesucian menyampaikan emosi, ketulusan watak, kecerahan warna. Artis praktikal tidak menggunakan perspektif, lebih suka merah terang dan oren.

Matisse terselamat daripada dua perang dunia, tetapi walaupun kesukaran yang dialaminya, dia tidak kehilangan keikhlasan yang dia cuba wujudkan dalam lukisannya. Ia adalah untuk spontan kebudak-budakan, kejujuran dan kecerahan antusias kanvas beliau bahawa artis masih disayangi oleh ahli lukisan.

ANRI MATISS

Matisse Henri Emile Benoit (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 03.11.1954, Cimiez, berhampiran Nice), pelukis Perancis, artis grafik dan pengukir.

Kesan warna lukisan Matisse sangat kuat; tindak balas adalah, bagaimanapun, dan negatif, tetapi sentiasa sangat sengit. Lukisannya nyaring, riuh rendah, kadang-kadang memekakkan telinga. Mereka tidak lagi menimbulkan kekaguman yang tenang, tetapi paroxysms visual, ini bukan "perayaan mata", tetapi pesta yang tidak terkawal.

Dengan cara apakah Matisse mencapai kesan warna yang begitu kuat? Pertama sekali, kontras warna yang sangat diserlahkan. Marilah kita memberi lantai kepada artis itu sendiri: "Dalam lukisan saya" Muzik ", langit dicat dengan warna biru yang indah, biru yang paling biru, pesawat itu dicat dengan warna yang begitu tepu sehingga biru terwujud sepenuhnya, idea tentang biru mutlak; untuk pokok-pokok mereka mengambil hijau tulen, untuk badan - deringan cinnabar. Ciri khas: bentuk telah diubah suai mengikut pengaruh satah warna jiran, kerana ungkapan bergantung pada permukaan warna yang diliputi oleh penonton secara keseluruhan ".

Selepas menerima ijazah undang-undang, beliau bekerja sebagai peguam (1889-1891).Belajar di Paris - di Akademi Julian (dari 1891) di bawah A.V. Bouguereau, di Sekolah seni hiasan(dari 1893) dan di Sekolah seni yang bagus(1895-99) oleh G. Moreau; menyalin karya sarjana Perancis dan Belanda lama. Mengalami pengaruh neo-impresionisme (terutamanya P. Signac), P. Gauguin, seni Timur Arab, pada tahap tertentu - Lukisan ikon Rusia Lama (dia adalah salah seorang yang pertama di Barat menghargainya merit artistik; melawat Moscow pada tahun 1911). Selepas berkenalan dengan karya Impresionis, Post-Impresionis dan pelukis Inggeris J. Turner, A. Matisse mula menggunakan lebih banyak warna tepu, memberi keutamaan kepada warna terang ("Bois de Boulogne", c. 1902, Muzium Pushkin, Moscow; "Taman Luxembourg", c. 1902, Hermitage , St. Petersburg). Dia sangat dipengaruhi oleh seni P. Cezanne ("Bogel. Hamba", 1900, Muzium Seni Moden, New York; "Hidangan di atas meja", 1900, Hermitage, St. Petersburg).

Pada 1905-07 pemimpin Fauvism. Di Parisian Autumn Salon yang terkenal pada tahun 1905, bersama rakan barunya, dia mempamerkan beberapa karya, termasuk "The Woman in the Green Hat". Karya-karya ini, yang menimbulkan sensasi skandal, meletakkan asas bagi Fauvisme. Pada masa ini, Matisse menemui arca orang Afrika, mula mengumpulnya, berminat dengan ukiran kayu Jepun klasik dan seni hiasan Arab. Menjelang tahun 1906 dia menyelesaikan kerja pada gubahan The Joy of Life, plot yang diilhamkan oleh puisi "Afternoon of a Faun" oleh S. Mallarmé: plot itu menggabungkan motif pastoral dan bacchanalia. Litograf pertama, potongan kayu, dan seramik muncul; Meneruskan penambahbaikan lukisan, dibuat terutamanya dengan pen, pensel dan arang. Dalam grafik Matisse, arabesque digabungkan dengan pemindahan halus pesona sensual alam semula jadi.

Sejak separuh kedua tahun 1900-an, Matisse mendakwa jenis baru ekspresi artistik, menggunakan corak laconic, tajam dan pada masa yang sama fleksibel, komposisi berirama yang tajam, gabungan kontras beberapa zon warna, tetapi sangat cerah dan tempatan (panel untuk rumah agam SI Shchukin di Moscow "Tarian" dan "Muzik", kedua-duanya - 1910 , Hermitage, Leningrad), kemudian kaya dengan warna satu nada asas, lut sinar dan tidak menyembunyikan tekstur kanvas ("Bengkel Artis", 1911, Muzium Seni Halus Pushkin, Moscow).

Pada 1908-1912, Matisse, menggunakan hampir secara eksklusif warna tulen (dalam perkara yang jarang berlaku dia menggunakan peralihan, nada campuran), membina lukisannya pada tiga nada asas. "Satyr and Nymph" - harmoni hijau, merah jambu dan biru, "Dance" - biru, hijau dan merah, masih hidup dibina di atas harmoni ungu, kuning dan merah atau biru, ungu dan merah jambu. Kemudian, sekitar tahun 1912, dia beralih kepada warna empat bunyi, dan salah satu daripada empat nada dalam gambar diberikan tempat yang sangat kecil: "Tangier" - biru, oren, merah jambu, merah, "Di teres" - ungu, hijau, merah jambu, biru. "Pintu masuk ke Kazba" - merah, biru, hijau, merah jambu pucat. V tahun-tahun kemudian dia menggunakan kombinasi yang lebih kompleks dan mengembangkan paletnya dengan ketara, memperkenalkan pelbagai warna yang lebih besar.

Di sini adalah penting untuk mendedahkan maksud kata-kata Matisse tentang interaksi nada tulen. Bercakap tentang warna, Matisse, tentu saja, tidak bermakna penggredan ketepuan nada - keputihan, yang juga mungkin apabila menggunakan warna tulen (dalam primitif Itali dan Rusia). Dia, nampaknya, juga tidak memikirkan warna khayalan yang harus dilihat oleh penonton dalam perlanggaran satah warna tepu, sejenis gema teori neo-impresionis pencampuran warna optik. Getaran ini terlalu sedikit, dan sensasi warna pertengahan adalah sementara. Di sini ia datang, jelas sekali, tentang keperluan untuk memperkenalkan nada peralihan, yang Matisse datang kemudian.

Bekerja dalam warna tulen, Matisse mahu, seperti mana-mana pelukis, untuk mengelakkan monotoni - antitesis bergambar, tetapi dia tidak akan sentiasa berjaya, dan beberapa perkaranya dicirikan oleh monotoni (panel "Muzik"). Sebaliknya, dalam 10-an dia mahu mengekalkan kesucian warna dengan segala cara. Mengelakkan mencampurkan cat, dia menggunakan teknik yang serupa dengan kaca mata tuan lama, meletakkan cat gelap lebih ringan, contohnya, merah jambu - putih, biru - ungu, dll. Kemudian, untuk membuat cat bergetar, dia menggosoknya dengan kuat ke dalam kanvas, bukannya menggunakan warna putih, menjadikannya bersinar.

Kerja berterusan pada lukisan membolehkan Matisse menjadi virtuoso berus. Kontur dalam lukisannya dilukis dengan yakin dengan satu lejang. Lukisannya selalunya serupa (terutama dalam penghasilan semula) dengan lukisan berus. Kesannya selalunya bergantung pada sentuhan yang mahir dan berani.

Kadang-kadang dia menggunakan lapisan ketumpatan yang berbeza (contohnya, dalam "Gadis dengan Tulip"), menolak satu warna ke hadapan sehingga menjejaskan warna yang lain. Walau bagaimanapun, beberapa perkara dari tahun 1912 ditulis dengan tekstur yang licin dan membosankan. Sekiranya permukaan lukisan Matisse yang lain mungkin kelihatan kering dan membosankan, maka ini menunjukkan bukan mengabaikan bahan lukisan, yang tidak dapat difikirkan dalam artis yang hebat, tetapi ketakutan yang aneh terhadap keganasan terhadap bahan tersebut. Bagi Matisse, sebagai artis hiasan, penggabungan gambar dengan pangkalannya, kanvas, adalah sangat penting, keputihan dan strukturnya diambil kira olehnya sama seperti monumentalis mengambil kira permukaan dinding. Tetapi, mengingati asas, Matisse kadang-kadang terlupa tentang cat itu sendiri, oh ciri khusus dan kemungkinan lukisan minyak.

Yang paling penting ialah teknik perincian yang tidak lengkap, terutamanya yang ketara dalam "Maghribi", "Permainan bola" dan lain-lain; warna di tempat-tempat yang ingin ditenggelamkan oleh artis tidak diambil malap, tetapi kanvas kosong dibiarkan (yang kadang-kadang dilakukan untuk mendedahkan cahaya), atau perincian kekal kurang dicat (kebanyakannya lengan, kaki, dll.). Matisse terhad kepada lukisan matte, cecair dan tidak membayar perhatian istimewa soalan tekstur. Ini adalah jurang yang tidak diragukan dalam kerjanya, terutamanya jika anda membandingkan kerja keras jangka panjangnya pada kontras warna, sejenis kerja saintifik mengenai kajian tindak balas psikofizik terhadap kontras warna tertentu. Matisse tidak berpuas hati dengan sistem nada tambahan, yang ditemui oleh Delacroix, dibawa ke dalam sistem oleh Impresionis. Dia sedang mencari percanggahan, jeritan, persetujuan yang keras; di sini selari dengan muzik kontemporari Stravinsky, Strauss dan lain-lain adalah mungkin.Seperti komposer ini, dia dipengaruhi oleh kebimbangan, ketidakstabilan psikologi, dan perasaan berlebihan borjuasi moden.

Dalam cara terkawal dan tegas karya Matisse pada separuh kedua 10-an, pengaruh Kubisme adalah ketara (The Music Lesson, 1916-17, Museum of Modern Art, New York); karya tahun 1920-an, sebaliknya, dibezakan oleh motif spontan yang penting, kepelbagaian warnanya, dan kelembutan tulisan mereka (siri "Odalisque"). Dalam 30-40s, Matisse, seolah-olah, meringkaskan penemuan zaman sebelumnya, menggabungkan pencarian hiasan percuma pada zaman Fauvisme dengan pembinaan komposisi yang jelas secara analitikal (frieze di Muzium Barnes "Dance", 1931- 32, Merion, Philadelphia, Amerika Syarikat), dengan sistem warna bernuansa halus ("Cawangan pokok plum", 1948, koleksi peribadi, New York).

Karya Matisse secara keseluruhannya dicirikan oleh beberapa ciri-ciri biasa... Berusaha untuk mengatasi ketegangan bergelora kehidupan abad ke-20 Nilai abadi kehidupan, dia mencipta semula sisi perayaannya - dunia tarian yang tidak berkesudahan, ketenangan yang tenang dengan pemandangan yang indah, permaidani dan fabrik bercorak, buah-buahan berkilauan, pasu, gangsa, kapal dan patung. Matlamat Matisse adalah untuk memikat penonton ke kawasan ini. imej yang ideal dan mimpi, untuk memberinya perasaan damai atau samar-samar, tetapi kebimbangan yang menyihir. Kesan emosi lukisannya dicapai terutamanya oleh ketepuan yang melampau warna, kemuzikan irama linear, mencipta kesan pergerakan dalaman bentuk, akhirnya, subordinasi lengkap semua komponen gambar, yang mana objek kadang-kadang berubah menjadi sejenis arabesque, gumpalan warna tulen (Ikan Merah, 1911; Still Life with a Shell, 1940; kedua-duanya berfungsi - di Muzium Seni Halus Pushkin).

Matisse mencapai integriti dan, pada masa yang sama, kepelbagaian yang indah, pertama sekali, dengan merealisasikan hubungan tulen dan organik antara warna dan bentuk - linear-planar. Warna begitu mendahului bentuk baginya sehingga ia boleh dianggap sebagai kandungan sebenar lukisannya, dan segala-galanya hanyalah fungsi warna yang mempesonakan dan berkuasa. Lukisan seperti itu di Matisse sentiasa berada di bawah kualiti warnanya, pembangunan garisan berjalan selari dengan pembangunan kualiti bergambar. Dalam tempoh carian pertama, ia agak lembap dan anggaran ("Meja Makan Malam"), lukisannya secara beransur-ansur menjadi lebih tajam dan ekspresif. Matisse melukis banyak dan tanpa jemu dari alam semula jadi, lukisannya berjumlah beratus-ratus, dia adalah seorang virtuoso sejati dalam lukisan. Kemahirannya jelas terserlah dalam mana-mana lakarannya yang rancak dan tergesa-gesa daripada model. Pertama sekali, luar biasa adalah ketepatan yang dia meletakkan angka itu pada helaian, dengan segera mendapati korespondensi perkadarannya dengan satah kertas. Malah lakarannya adalah gubahan; mereka biasanya sesuai dengan arab ekspresif memotong pesawat secara menyerong. Sekeping alam semula jadi oleh artis yang menerima nampaknya serta-merta berubah menjadi permainan bintik-bintik hiasan dan pukulan; pada masa yang sama, bagaimanapun, daya hidup tidak berkurangan sama sekali, tetapi ditekankan secara mendadak. Tanpa memikirkan perincian, Matisse memahami paksi gerakan, dengan bijak menyamaratakan selekoh badan, memberikan integriti dan keteraturan kepada artikulasi bentuk. Lukisan Matisse sangat tajam, dinamik, ringkas dan singkat, keplastikan mereka sangat unik sehingga tidak boleh dicampur dengan mana-mana karya pelukis terkenal lain pada zamannya. Dalam keceriaan dan spontan, mereka tidak kalah dengan yang Jepun, dalam hiasan - dalam miniatur Parsi, dalam ekspresi garisan - dalam lukisan Delacroix. Lebih-lebih lagi, asas mereka sama sekali bukan "kebijaksanaan", bukan ketagihan kepada pukulan yang menakjubkan - ia membina dalam erti kata sebenar, kerana ia mendedahkan bentuk plastik dengan meyakinkan sepenuhnya.

Matisse Henri Emile Benoit (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 03.11.1954, Cimiez, dekat Nice), pelukis Perancis, artis grafik dan pengukir.

Dengan cara apakah Matisse mencapai kesan warna yang begitu kuat? Pertama sekali, kontras warna yang sangat diserlahkan. Marilah kita memberi lantai kepada artis itu sendiri: "Dalam lukisan saya" Muzik ", langit dicat dengan warna biru yang indah, biru yang paling biru, pesawat itu dicat dengan warna yang begitu tepu sehingga biru terwujud sepenuhnya, idea tentang biru mutlak; untuk pokok-pokok mereka mengambil hijau tulen, untuk badan - deringan cinnabar. Ciri khas: bentuk telah diubah suai mengikut pengaruh satah warna jiran, kerana ekspresi bergantung pada permukaan warna yang diliputi oleh penonton secara keseluruhan ".

Selepas menerima ijazah undang-undang, beliau bekerja sebagai peguam (1889-1891). Belajar di Paris - di Akademi Julian (dari 1891) di bawah AV Bouguereau, di Sekolah Seni Hiasan (dari 1893) dan di Sekolah Seni Halus (1895-99) di bawah G. . Moro; menyalin karya sarjana Perancis dan Belanda lama. Mengalami pengaruh neo-impresionisme (terutamanya P. Signac), P. Gauguin, seni Timur Arab, pada tahap tertentu - lukisan ikon Rusia kuno (dia adalah salah seorang yang pertama di Barat menghargai jasa seninya ; pada tahun 1911 dia melawat Moscow). Selepas berkenalan dengan karya Impresionis, Post-Impresionis dan pelukis Inggeris J. Turner, A. Matisse mula menggunakan lebih banyak warna tepu, memberi keutamaan kepada warna terang ("Bois de Boulogne", c. 1902, Muzium Pushkin, Moscow; "Taman Luxembourg", c. 1902, Hermitage , St. Petersburg). Dia sangat dipengaruhi oleh seni P. Cezanne ("Bogel. Hamba", 1900, Muzium Seni Moden, New York; "Hidangan di atas meja", 1900, Hermitage, St. Petersburg).

Bermula dari separuh kedua tahun 1900-an, Matisse menubuhkan jenis ekspresi artistik baharu, menggunakan corak laconic, tajam dan pada masa yang sama fleksibel, komposisi berirama yang tajam, gabungan kontras beberapa zon warna, tetapi sangat cerah dan tempatan ( panel untuk rumah agam S. I. Shchukin di Moscow "Tarian" dan "Muzik", kedua-duanya - 1910, Hermitage, Leningrad), kemudian kaya dengan warna satu nada asas, lut sinar dan tidak menyembunyikan tekstur kanvas ("Artis's Bengkel", 1911, Muzium Seni Halus dinamakan sempena A. S . Pushkin, Moscow).

Pada 1908-1912, Matisse, menggunakan hampir secara eksklusif warna tulen (dalam perkara yang jarang berlaku dia menggunakan peralihan, nada campuran), membina lukisannya pada tiga nada asas. "Satyr and Nymph" - harmoni hijau, merah jambu dan biru, "Dance" - biru, hijau dan merah, masih hidup dibina di atas harmoni ungu, kuning dan merah atau biru, ungu dan merah jambu. Kemudian, sekitar tahun 1912, dia beralih kepada warna empat bunyi, dan salah satu daripada empat nada dalam gambar diberikan tempat yang sangat kecil: "Tangier" - biru, oren, merah jambu, merah, "Di teres" - ungu, hijau, merah jambu, biru... "Pintu masuk ke Kazba" - merah, biru, hijau, merah jambu pucat. Pada tahun-tahun kemudian, dia menggunakan kombinasi yang lebih kompleks dan mengembangkan paletnya dengan ketara, memperkenalkan pelbagai warna yang lebih besar.

Di sini adalah penting untuk mendedahkan maksud kata-kata Matisse tentang interaksi nada tulen. Bercakap tentang warna, Matisse, tentu saja, tidak bermakna penggredan ketepuan nada - keputihan, yang juga mungkin apabila menggunakan warna tulen (dalam primitif Itali dan Rusia). Dia, nampaknya, juga tidak memikirkan warna khayalan yang harus dilihat oleh penonton dalam perlanggaran satah warna tepu, sejenis gema teori neo-impresionis pencampuran warna optik. Getaran ini terlalu sedikit, dan sensasi warna pertengahan adalah sementara. Di sini kita bercakap, jelas, tentang keperluan untuk memperkenalkan nada peralihan, yang mana Matisse datang kemudian.

Bekerja dalam warna tulen, Matisse mahu, seperti mana-mana pelukis, untuk mengelakkan monotoni - antitesis bergambar, tetapi dia tidak akan sentiasa berjaya, dan beberapa perkaranya dicirikan oleh monotoni (panel "Muzik"). Sebaliknya, dalam 10-an dia mahu mengekalkan kesucian warna dengan segala cara. Mengelakkan mencampurkan warna, dia menggunakan teknik yang serupa dengan kaca tuan lama, meletakkan pada cat gelap yang lebih terang, contohnya, merah jambu - putih, biru - ungu, dll. Kemudian, untuk membuat cat bergetar, dia menggosoknya dengan kuat ke dalam kanvas, bukannya menggunakan warna putih, menjadikannya bersinar.

Kadang-kadang dia menggunakan lapisan ketumpatan yang berbeza (contohnya, dalam "Gadis dengan Tulip"), menolak satu warna ke hadapan sehingga menjejaskan warna yang lain. Walau bagaimanapun, beberapa perkara dari tahun 1912 ditulis dengan tekstur yang licin dan membosankan. Sekiranya permukaan lukisan Matisse yang lain mungkin kelihatan kering dan membosankan, maka ini menunjukkan bukan mengabaikan bahan lukisan, yang tidak dapat difikirkan dalam artis yang hebat, tetapi ketakutan yang aneh terhadap keganasan terhadap bahan tersebut. Bagi Matisse, sebagai artis hiasan, penggabungan gambar dengan pangkalannya, kanvas, adalah sangat penting, keputihan dan strukturnya diambil kira olehnya sama seperti monumentalis mengambil kira permukaan dinding. Tetapi, mengingati asas, Matisse kadang-kadang lupa tentang cat itu sendiri, tentang ciri khusus dan kemungkinan lukisan minyak.

Yang paling penting ialah teknik perincian yang tidak lengkap, terutamanya yang ketara dalam "Maghribi", "Permainan bola" dan lain-lain; warna di tempat-tempat yang ingin ditenggelamkan oleh artis tidak diambil malap, tetapi kanvas kosong dibiarkan (yang kadang-kadang dilakukan untuk mendedahkan cahaya), atau perincian kekal kurang dicat (kebanyakannya lengan, kaki, dll.). Matisse mengehadkan dirinya kepada lukisan matte, cecair dan tidak memberi perhatian khusus kepada masalah tekstur. Ini adalah jurang yang tidak diragukan dalam karyanya, terutamanya jika kita membandingkan kerja keras jangka panjangnya pada kontras warna, sejenis karya saintifik mengenai kajian tindak balas psikofizik terhadap kontras warna ini atau itu. Matisse tidak berpuas hati dengan sistem nada tambahan, yang ditemui oleh Delacroix, dibawa ke dalam sistem oleh Impresionis. Dia sedang mencari percanggahan, jeritan, persetujuan yang keras; di sini selari dengan muzik kontemporari Stravinsky, Strauss dan lain-lain adalah mungkin.Seperti komposer ini, dia dipengaruhi oleh kebimbangan, ketidakstabilan psikologi, dan perasaan berlebihan borjuasi moden.

Pada keseluruhannya, kerja Matisse mempunyai beberapa ciri umum. Dalam usaha untuk menentang nilai-nilai kehidupan yang kekal kepada ketegangan kehidupan abad ke-20 yang bergelora, dia mencipta semula sisi perayaannya - dunia tarian yang tidak berkesudahan, ketenangan yang tenang dengan pemandangan yang indah, permaidani dan kain bercorak, buah-buahan berkilauan, pasu, gangsa, kapal dan patung. Matlamat Matisse adalah untuk menarik penonton ke dalam sfera imej dan impian yang ideal ini, untuk menyampaikan kepadanya perasaan aman atau samar-samar, tetapi kebimbangan yang menyihir. Kesan emosi lukisannya dicapai terutamanya oleh ketepuan melampau skala warna, kemuzikan irama linear yang mencipta kesan pergerakan dalaman bentuk, dan akhirnya, dengan subordinasi lengkap semua komponen gambar, untuk yang objek itu kadangkala bertukar menjadi sejenis arabesque, gumpalan warna tulen (Red Fish, 1911 ; "Still Life with a Shell", 1940; kedua-dua karya berada di Muzium Seni Halus Pushkin).

Matisse mencapai integriti dan, pada masa yang sama, kepelbagaian yang indah, pertama sekali, dengan merealisasikan hubungan tulen dan organik antara warna dan bentuk - linear-planar. Warna begitu mendahului bentuk baginya sehingga ia boleh dianggap sebagai kandungan sebenar lukisannya, dan segala-galanya hanyalah fungsi warna yang mempesonakan dan berkuasa. Lukisan seperti itu di Matisse sentiasa berada di bawah kualiti warnanya, perkembangan garisan berjalan selari dengan pembangunan kualiti bergambar. Dalam tempoh carian pertama, ia agak lembap dan anggaran ("Meja Makan Malam"), lukisannya secara beransur-ansur menjadi lebih akut dan ekspresif. Matisse melukis banyak dan tanpa jemu dari alam semula jadi, lukisannya berjumlah beratus-ratus, dia adalah seorang virtuoso sejati dalam lukisan. Kemahirannya jelas terserlah dalam mana-mana lakarannya yang rancak dan tergesa-gesa daripada model. Pertama sekali, luar biasa adalah ketepatan yang dia meletakkan angka itu pada helaian, dengan segera mendapati korespondensi perkadarannya dengan satah kertas. Malah lakarannya adalah gubahan; mereka biasanya sesuai dengan arab ekspresif memotong pesawat secara menyerong. Sekeping alam semula jadi oleh artis yang menerima nampaknya serta-merta berubah menjadi permainan bintik-bintik hiasan dan pukulan; pada masa yang sama, bagaimanapun, daya hidup tidak berkurangan sama sekali, tetapi ditekankan secara mendadak. Tanpa memikirkan perincian, Matisse memahami paksi gerakan, dengan bijak menyamaratakan selekoh badan, memberikan integriti dan keteraturan kepada artikulasi bentuk. Lukisan Matisse sangat tajam, dinamik, ringkas dan singkat, keplastikan mereka sangat unik sehingga mereka tidak boleh dicampur dengan mana-mana karya pelukis terkenal lain pada zamannya. Dalam keceriaan dan spontan, mereka tidak kalah dengan Jepun, dalam hiasan - dalam miniatur Parsi, dalam ekspresi garisan - dalam lukisan Delacroix. Lebih-lebih lagi, asas mereka sama sekali bukan "kebijaksanaan", bukan ketagihan kepada pukulan yang menakjubkan - ia membina dalam erti kata sebenar, kerana ia mendedahkan bentuk plastik dengan meyakinkan sepenuhnya.

Sebagai seorang artis grafik, bekerja dengan pen, pensel, arang, etsa, linocuts dan litografi, Matisse beroperasi terutamanya dengan garis, nipis, kadang-kadang terputus-putus, kadang-kadang panjang dan bulat, memotong latar belakang putih atau hitam [siri "Tema dan Variasi ", arang, pen, 1941; ilustrasi: kepada "Puisi" oleh Mallarmé, kepada "Pasiphae" oleh de Montherlant, kepada "Puisi Cinta" oleh Ronsard]. Pada tahun 40-an, Matisse sering menggunakan teknik appliqués daripada kertas berwarna (siri Jazz, 1944-47). Matisse beralih kepada arca dari awal tahun 1900-an, tetapi selalunya pada 20-30-an (pelepasan "Tokoh wanita bogel dari belakang", gangsa, 1930, Kunstmuseum, Zurich). Kerja terakhir Matisse - hiasan dalaman (termasuk tingkap kaca berwarna) "Chapel of the Rosary" di Vence, berhampiran Nice (1953). Matisse meninggal dunia di Cimieux dekat Nice pada 3 November 1954.

Seorang pelukis yang sangat baik, Matisse kebanyakannya seorang pewarna, mencapai kesan bunyi yang konsisten dalam komposisi banyak warna pekat. Bersama dengan lukisan, lukisan cemerlang, ukiran, arca, lukisan untuk fabriknya diketahui. Salah satu karya utama artis ialah hiasan dan tingkap kaca berwarna dari Dominican Chapel of the Rosary di Vence (1951).

pelukis Perancis lewat XIX- permulaan abad XX sangat separa untuk menari. Ballerinas Degas yang anggun dan kabaret prima Toulouse-Lautrec yang gagah perkasa hanyalah penjelmaan yang berbeza dari fesyen tema tarian... Henri Matisse yang hebat tidak terkecuali. "Saya sangat suka tarian. Perkara yang menakjubkan ialah tarian: kehidupan dan irama. Mudah bagi saya untuk hidup dengan tarian," kata tuan itu. Dan walaupun imej Matisse adalah asing kepada realisme, dan kanvas hiasannya mempunyai sedikit persamaan dengan gadis gangsa dalam tutus, tema tarian sentiasa muncul di semua titik perubahan dalam kerjayanya.

Tarian pusingan pertama muncul dalam lukisan awal artis "The Joy of Life". Tema ini menemui perkembangannya 4 tahun kemudian, apabila Matisse mula bekerja pada panel gergasi "Tari" dan "Muzik", yang ditugaskan oleh pengumpul dan dermawan Rusia yang terkenal S. I. Shchukin. Tetapi sebelum itu, pada tahun 1907, tuan membuat relief kayu dengan nimfa yang menari dan beberapa pasu pengarang untuk motif yang sama. Selepas itu, Matisse mula mencipta kanvas monumental untuk rumah agam Shchukin di Moscow.

"Apabila saya perlu melakukan tarian untuk Moscow, saya hanya pergi ke Moulin de la Galette pada hari Ahad. Saya menonton tarian itu. Saya sangat menyukai farandola ... Kembali ke tempat saya, saya menggubah tarian saya sepanjang empat meter, menyanyikan lagu yang sama". Sosok-sosok merah terang yang berputar-putar dalam tarian bulat gila bukan sahaja menggembirakan pelanggan, tetapi juga membawa pencipta gambar itu kemasyhuran yang sewajarnya. Bukan kebetulan bahawa hampir seperempat abad kemudian, Matisse sekali lagi kembali kepada tema tarian.

Pesanan itu, yang datang pada tahun 1930 daripada pengumpul terkenal Amerika Albert Barnes, sememangnya sukar: kanvas hiasan itu perlu diletakkan di dalam peti besi melengkung di atas tingkap. Pelanggan terkemuka itu bijak menyerahkan pilihan tema dan teknik kepada budi bicara artis. Tetapi, beralih kepada subjek kegemarannya, Matisse mencipta karya yang sama sekali tidak serupa dengan panel "Shchukin" yang dinamik dan hebat.

Tarian Paris "digagaskan oleh Matisse pada dekad ketujuhnya. Walau bagaimanapun, ia dianggap sebagai salah satu karya artis yang paling berani dan inovatif. Dan semua kerana terutamanya untuk pesanan ini, pengarang menghasilkan dan membangunkan teknik asli decoupage. (yang dalam bahasa Perancis bermaksud" potong "). Seperti teka-teki gergasi, gambar itu dipasang daripada serpihan yang berasingan. Dari helaian yang sebelum ini dicat dengan gouache, maestro secara peribadi memotong angka atau kepingan latar belakang dengan gunting, yang kemudiannya (mengikut kepada lukisan yang ditunjukkan oleh arang) dilekatkan pada pangkalan dengan pin. peringkat terakhir - lukisan cat pada kanvas - berlaku dengan bantuan seorang pelukis, bertindak atas arahan artis.

Karya decoupage dianggap karya agung Matisse akhir-akhir ini. Memandangkan sudah tua yang sakit, terlantar di atas katil, dia tidak melepaskan gunting dan sentiasa menuntut kertas berwarna.

Sebenarnya, panel "Tarian Paris" wujud dalam tiga versi. Versi terawal tetapi tidak lengkap pada dasarnya adalah lakaran persediaan. Dengan kerja kedua yang hampir siap sepenuhnya, kesilapan yang menyinggung timbul: Matisse membuat kesilapan dalam saiz bilik, dan keseluruhan kanvas terpaksa ditulis semula semula. Versi akhir telah diluluskan oleh pelanggan dan berjaya belayar ke luar negara. Dan yang sebelumnya, "cacat", artis itu diingatkan dan pada tahun 1936 dia mengakui untuk imbuhan yang sederhana kepada Muzium Seni Moden di kota Paris.

Hari ini, "Tarian Paris" betul-betul dianggap sebagai mutiara koleksi muzium ini - bukan tanpa alasan bahawa sebuah dewan khas dibina untuk mempamerkan kanvas gergasi. Lukisan itu dipasang dengan kukuh di atas tiga tingkap dalam peti besi melengkung dan, seperti yang diakui jujur oleh pengarah muzium, "tidak membayangkan kemungkinan pengangkutan."

Tetapi di sini penduduk St. Petersburg dan Moscow sangat bertuah: Muzium Seni Kontemporari di Paris telah ditutup untuk pembinaan semula jangka panjang. Panel unik itu dihantar ke Rusia dengan isyarat yang luas: pada mulanya ia digantung selama tiga bulan Pertapaan Negeri, dan kini (mulai 6 September) tiba di Muzium Seni Halus Negeri Pushkin. Dan satu lagi perincian yang menarik: semasa bekerja pada "Tarian Paris", Henri Matisse bertemu dengan seorang wanita Rusia yang sederhana, Lydia Nikolaevna Delektorskaya, yang pertama menjadi setiausaha, kemudian pembantu dan jururawat yang tidak boleh diganti, dan kemudian - rakan terdekat artis dan muse terakhir. . Pada Oktober 1933, Lydia Delektorskaya berpindah ke rumah Matisse dan "tinggal" di sana selama hampir 22 tahun, sehingga kematian tuan besar.

Panel Matisse "Tari" dan "Muzik", yang membuat sensasi skandal di pameran Paris Autumn Salon pada tahun 1910, telah ditugaskan oleh artis Perancis yang sudah terkenal artis Rusia dan pengumpul S. Shchukin, yang menjemput Matisse untuk Moscow, memperkenalkannya kepada V. Bryusov , V. Serov, N. Andreev, memberi peluang untuk melihat ikon Rusia lama, dari mana artis Perancis itu gembira.

Beginilah cara Matisse menyampaikan idea kedua-dua kanvas ini: "Saya bayangkan seorang pelawat masuk. Tingkat pertama terbuka di hadapannya. Dia perlu pergi lebih jauh, berusaha, dia perlu memberi inspirasi kepada perasaan ceria. Panel pertama saya menggambarkan tarian, tarian bulat di puncak bukit. Di tingkat dua. anda sudah berada di dalam rumah, semangat kesunyian menguasai di sini, dan saya melihat adegan muzik dengan pendengar yang penuh perhatian ... "Matisse juga melihat adegan ketiga, yang merangkumi keamanan sepenuhnya.

Tugas utama baginya adalah untuk mencapai integriti lukisan kuda-kuda ini, yang mempunyai sedikit kaitan dengan ensembel seni bina dan hiasan. Dalam kedua-dua gubahan, seseorang dapat merasakan gema gubahan Fauvist Matisse, yang dibuat di bawah kesan langsung tarian rakyat Perancis yang dilihatnya di selatan Perancis.

Mereka yang mengenali artis itu dengan baik berkata bahawa walaupun Shchukin tidak mengarahkannya untuk membuat komposisi kedua, ia akan tetap dilahirkan. Dalam "Tarian" yang dinamik dan panik seseorang dapat melihat foreshortenings yang kompleks, jalinan tangan dan badan yang luar biasa, dan dalam irama yang bertentangan dengan "Muzik" asas penyelesaian gubahan bukanlah dinamik, bukan pergerakan, tetapi imobilitas mutlak yang terpisah. , angka yang terletak di hadapan. Dua kanvas, satu dengan lima figura menari, satu lagi dengan lima figura berapi-api duduk, adalah serupa dalam skala warna, dalam bacaan satah bentuk, dalam tema abstrak, tetapi bertentangan dalam irama. Matisse, seperti yang ditulisnya sendiri, melukis lukisannya "untuk tepu, supaya ... biru terungkap sepenuhnya, seperti idea biru mutlak."

Selepas "Tarian" dan "Muzik" menyebabkan skandal di Salon Musim Luruh, S. Shchukin enggan membawanya pergi dan menjelaskannya dengan tidak sopan dalam penghuraian beberapa tokoh. Gadis-gadis muda baru sahaja menetap di rumahnya, dan dia tidak mahu memalukan mereka. Namun, selepas beberapa ketika, dia tetap berubah fikiran. Matisse, bagaimanapun, terpaksa meletakkan sedikit cat merah pada sosok budak pemain seruling itu untuk menyembunyikan tanda jantina. Kini panel Matisse "Tarian" dan "Muzik" dipamerkan di Muzium Hermitage Negeri di St. Petersburg.

Henri Matisse menyukai impresionis dan neo-impresionis, Gauguin, seni Timur Arab, pada usia 35 tahun dia menjadi pemimpin Fauves. Skema warnanya adalah elegan dan canggih, dan irama linear yang sangat muzik menghasilkan kesan pergerakan dalaman. Tiada seorang pun daripada pengikut Matisse berjaya mencapai apa-apa, seperti yang dia lakukan, menyelesaikan subordinasi komposisi dan hiasan semua elemen gambar, dia kekal tuan yang sempurna lukisan hiasan... Dia sendiri mencipta dunia muziknya sendiri yang unik, tarian pantas, dunia patung-patung berkilauan, pasu dan buah-buahan, dunia kedamaian yang tenang dan kelalaian yang menggembirakan.

Henri Matisse dilahirkan pada 31 Disember 1869 di utara Perancis, di Cato Cambresi, dan menghabiskan masa kecilnya di Boen-en-Vermandois. Bapanya seorang peniaga bijirin dan bermimpi bahawa anaknya akan menjadi seorang peguam. Selepas Lyceum Saint-Quentin, Matisse belajar undang-undang di Paris, bekerja untuk peguam di Boen-en-Vermandois. Buat pertama kali dia mencuba melukis selepas dia dimasukkan ke hospital dan menjalani pembedahan - apendisitis telah dikeluarkan. Pada usia 20 tahun, dia mula melukis di Sekolah Ventin de la Tour, dan pada tahun 1891 pergi ke Paris, di mana Bouguereau dan Ferrier menyediakannya untuk kemasukan ke Sekolah Seni Halus. Dalam kursus malam di Sekolah Seni Hiasan, dia bertemu Albert Marquet, memasuki bengkel Gustave Moreau di Sekolah Seni Halus. Dia banyak menyalin di Louvre, mengembara ke Brittany, dan pada tahun 1897 mempamerkan di Salon Persatuan Seni Halus Kebangsaan salah satu karya impresionistiknya yang paling penting - lukisan "Pencuci mulut".

Matisse sering dipanggil anak lelaki dan suami si pelapis. Pada tahun 1898 dia berkahwin dengan Amelia-Noe-mi-Alexandrine Prayer, orang selatan yang tinggi dan cantik. Dan bersama-sama mereka pergi ke London, di mana Matisse pertama kali melihat karya "held of the sun", romantis yang diidolakan oleh Impresionis - Turner. Salah seorang kawan Matisse teringat bahawa Matisse berkata bahawa dia mencintai London kerana "dia pertama kali bertemu dengannya di rumahnya Bulan madu".

Selepas London, artis itu pergi ke Corsica, ke Toulouse. Apabila Moreau meninggal dunia, Matisse meninggalkan Sekolah Seni Halus dan pada tahun yang sama 1899 mula menghadiri Akademi Carriere, mengambil arca (dalam kursus petang). Antara rakannya ialah Pissarro, Derain, Puy, Marquet, dengan siapa dia melukis hiasan hiasan, Mignac, Cross, Maillol dan artis terkenal lain pada masa itu.

Pada tahun 1901, Matisse mula mempamerkan karyanya di Salon of the Independent, di Galeri Berthe Weil, dan di Salon d'Automne. Bekerja pada tahun 1904 dengan Signac dan Cross, Matisse terpesona dengan perpecahan - sistem pelukis yang berdasarkan penguraian berkaedah nada warna kompleks menjadi warna tulen, dipasang pada kanvas dengan pukulan berasingan, bergantung pada pencampuran optik mereka dalam persepsi visual.

Dan pada tahun 1905 Matisse menjadi pemimpin aliran baru - Fauvism. Di Salon d'Automne, Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta dipamerkan bersama-sama dengannya, yang berkongsi pandangannya tentang lukisan, seperti dia, berusaha untuk memberi tumpuan kepada skema warna komposisi mereka, berdasarkan nisbahnya. bintik-bintik warna tempatan yang terang.

Pada tahun 1906, di Salon of the Independent, Matisse mempamerkan salah satu gubahan terbesarnya, "The Joy of Life", yang kemudiannya menjadi asas untuk panel "Dance". Pada masa ini dia melakukan pemotongan kayu dan litograf. Untuk seketika saya pergi ke Algeria, dan kemudian ke Itali.

Pada tahun 1907, kumpulan Fauvist berpecah, dan Matisse membuka bengkelnya sendiri. Lukisannya dipamerkan di New York, Moscow, Berlin. Dia menerbitkan Notes of a Painter dan menetap di pinggir bandar Paris, Issy-les-Moulineaux.

Pada tahun 1910, skandal meletus di Salon d'Automne kerana panelnya "Dance" dan "Muzik". Pada tahun 1911 Matisse melawat Moscow, pada tahun 1912 - Maghribi, mula mempamerkan arca. Sejak masa itu, pameran peribadinya telah diadakan di banyak bandar di seluruh dunia, dan galeri Bernheim-Gen kerap menganjurkan pameran peribadinya.

Pada tahun 1920, Henri Matisse, atas permintaan S. Diaghilev, membuat model pemandangan dan lakaran pakaian untuk balet Rusia.

Pada tahun 1921 dia berpindah ke Nice, mula bekerja ilustrasi buku dan ditugaskan oleh Barnes Amerika membuat panel lukisan monumental "Dance", yang dipasang di bandar Merion pada tahun 1933.

Anak lelaki artis Pierre membuka galerinya sendiri di New York, di mana dia mempamerkan karya bapanya. Setelah menjalani operasi yang sukar pada tahun 1941, dalam beberapa tahun kebelakangan ini Matisse lebih banyak bekerja sebagai artis buku, dan mula berminat dengan kolaj.

Kebanyakan Matisse suka melukis bunga, pokok dan wanita. Begini cara dia sendiri menulis tentang karyanya: "Saya bergantung sepenuhnya pada model saya, yang saya pelajari apabila dia bebas daripada bergambar, dan kemudian saya memutuskan untuk memilih pose untuknya yang paling sesuai dengan dirinya. model baru, saya melihat pose yang sesuai untuknya ketika dia dalam keadaan santai dan berehat, dan saya menjadi hamba kepada pose ini. Saya bekerja dengan gadis-gadis ini kadang-kadang selama bertahun-tahun, sehingga minatnya menjadi kering. Tanda plastik saya, mungkin, menyatakan keadaan fikiran mereka ... yang menarik minat saya secara tidak dapat dipertanggungjawabkan ... "

Itulah sebabnya wanitanya seperti bunga, dan bunga itu seperti orang yang hidup ...

Matisse memberikan wawasan baru tentang dunia. Jika hebat Leonardo da Vinci berpendapat bahawa keajaiban utama lukisan adalah keupayaan untuk menyampaikan isipadu sesuatu, kemudian Matisse menterjemahkan segala-galanya ke dalam pesawat. Epal telah bertukar daripada bola menjadi bulatan. Matisse mengambil kedalaman dari lukisan dan mula mengubah alam semula jadi, menjadikannya selaras dengan pemikirannya. Dia boleh menundukkan figura manusia kepada garis perhiasan, seperti yang berlaku di "Bilik Merah" miliknya, dia boleh mengalihkan angka itu berbanding sokongan - ini dia lakukan dalam "Standing Dawn". Malah lantainya tiba-tiba menjadi landai, dan warna-warna itu memberikan sensasi fizikal seperti udara gerah yang mengalir ("Pintu masuk ke Kozba") atau sejuk. air jernih dalam akuarium ("Ikan Merah").

Dengan kegembiraan Matisse melukis corak permaidani oriental, betapa berhati-hatinya dia mencapai nisbah warna yang tepat dan harmoni! Cantik, penuh dengan cahaya dalaman yang misteri dan kehidupannya yang masih, potret, bogel.

Pengkritik seni mengatakan bahawa jika Matisse bukan seorang pelukis, dia akan memasuki sepuluh pengukir Perancis terbaik. Dia adalah orang pertama yang menggunakan ubah bentuk demi ekspresi, dan, seperti yang dia akui sendiri, jika Mayol, sebagai ahli zaman purba, bekerja dalam jilid, dia, seperti sarjana Renaissance, terpesona oleh orang Arab, mencapai prestasi yang sangat baik. garis siluet. Salah satu patung gangsa Matisse yang paling terkenal, "Large Seated Nude" telah dicipta pada tahun 1920-an - pada masa yang sama dengan kanvasnya "Odalisque" dan "Nude Sitting on a Blue Cushion".

Orang sezaman mengatakan bahawa apabila Matisse memahat, dia terlalu sering membasahi tanah liat, dan dari sini, apabila mesin diputar, angka itu sering jatuh dan runtuh. Kemudian Matisse mengambil berus di tangannya dan memindahkan penglihatan plastiknya ke kanvas.

Salah satu yang terakhir kerja besar Henri Matisse adalah reka bentuk "Chapel of the Rosary" di Vence berhampiran Nice, di mana dari 1948 hingga 1951 dia bekerja sebagai arkitek, dan sebagai pelukis, dan sebagai pengukir, dan sebagai penghias.

Lukisan, luar biasa, ringan, plastik, sentiasa menduduki salah satu tempat utama dalam kerja Matisse. Pada tahun 1920-an, lukisannya telah dibangunkan dengan baik dan khusus, kemudian dia mula berminat dengan lukisan berus, yang ternyata sangat berwarna-warni untuknya. Pada tahun 1919, antara lukisannya muncul "tema topi dengan bulu burung unta", pada tahun 1935 - "tema cermin", pada tahun 1940 - "tema wanita di kerusi berlengan", dan pada tahun 1944 - "tema pic". Dalam teknik lukisan - monumental, kiasan-plastik - lukisan terakhirnya di "Chapel of the Rosary" juga dibuat.

Louis Aragon dalam novelnya yang luar biasa "Henri Matisse" menulis:

Semua kehidupan

Lukiskan dia perkataan yang terdengar dalam dirinya ...

Pada tahun 1952, Muzium Henri Matisse dibuka di Cato Cambresi. Dibuka semasa hayat artis.

Dalam artikel bertajuk "Kita mesti melihat dunia melalui mata seorang kanak-kanak", Henri Matisse mendedahkan rahsia kesegaran dan daya tarikan karyanya: "Saya percaya bahawa bagi seorang artis tidak ada yang lebih sukar daripada melukis mawar; tetapi dia boleh mencipta mawarnya sendiri hanya dengan melupakan mawar yang ditulis di hadapannya ... Langkah pertama untuk kreativiti adalah melihat rupa sebenar setiap objek ... Untuk mencipta adalah untuk menyatakan apa yang ada dalam diri anda."

Kecerahan warna, kesederhanaan teknik, ekspresi - lukisan artis Perancis Henri Matisse memukau dengan keasliannya. Pemimpin Fauvism mencuba banyak arahan dalam seni visual, sebelum menemui gayanya sendiri, yang dicirikan oleh watak "liar".

Zaman kanak-kanak dan remaja

Tempat kelahiran artis hebat itu ialah bandar utara Le Cato Cambresi di Perancis. Di sini pada tahun 1869 dalam keluarga seorang saudagar bijirin yang berjaya dilahirkan anak sulung, yang bernama Henri Emile Benoit Matisse. Nasib kanak-kanak itu adalah kesimpulan yang telah diketepikan - pada masa itu pewaris pertama dalam keluarga diwajibkan untuk mengambil alih perniagaan bapa pada masa akan datang. Tetapi, nampaknya, budak lelaki itu mewarisi gen ibunya, yang suka berjauhan masa lapang untuk mengecat kraf seramik.

Anri bersedia untuk masa depan secara terperinci, dia belajar di sekolah, kemudian di Lyceum. Selanjutnya, anak lelaki yang keras kepala, bertentangan dengan kehendak ketua keluarga, pergi ke Paris untuk memahami sains undang-undang. Dengan diploma yang jauh dari seni, dia pulang ke rumah, di mana dia bekerja selama beberapa bulan sebagai kerani.

Nasib ditentukan oleh penyakit itu. Biografi kreatif artis berbakat bermula pada tahun 1889 apabila Henri Matisse berada di bawah pisau pakar bedah dengan apendisitis.

Dia semakin pulih selepas pembedahan selama dua bulan. Supaya anak lelaki itu tidak bosan, ibunya membawa bekalan lukisan ke hospital, dan Matisse mula menyalin kad warna tanpa pamrih. Pada masa ini, pemuda itu akhirnya memahami apa yang ingin diabdikan hidupnya.

Melukis

Impian untuk menjadi pelajar Sekolah Seni Halus Moscow tidak menjadi kenyataan. Henri gagal menerima kemasukan sulungnya, jadi dia terpaksa terlebih dahulu duduk di meja orang lain institusi pendidikan, di mana mereka memperkenalkan anda kepada asas lukisan. Namun, pada tahun 1895, "kubu" menyerah - bersama dengan artis terkenal masa depan Albert Marquet Matisse, dia memasuki Sekolah Seni yang didambakan, di bengkel Gustave Moreau.

Bulatan minat pada permulaan kreativiti disertakan Seni moden Henri Matisse juga ingin tahu tentang arah Jepun. Simbolis kepada teras Moreau menghantar pelajarnya untuk belajar "bermain dengan warna" di Louvre, di mana Henri cuba meniru lukisan klasik dengan menyalin lukisan. Tuannya mengajar untuk "memimpikan warna", di mana artis Matisse mengembangkan semangat untuk mencari warna yang sesuai untuk menyampaikan emosi.

V kerja awal percampuran ajaran Moro dengan unsur-unsur pinjaman daripada ahli berus yang diiktiraf telah pun muncul. Sebagai contoh, kehidupan pegun "Sebotol schidam" terkenal kerana kekaburannya: dalam satu tangan, warna gelap mengkhianati tiruan Chardin, dan pukulan lebar dan campuran hitam dan perak -. Henri kemudiannya mengaku:

"Saya melihat sisi ekspresif warna semata-mata secara intuitif. Membuat landskap musim luruh, saya tidak akan ingat warna warna mana yang sesuai untuk masa tahun ini, saya hanya akan diilhamkan oleh sensasi musim luruh ... Saya memilih warna bukan mengikut mana-mana teori saintifik, tetapi mengikut perasaan, pemerhatian dan pengalaman."

Kajian klasik dengan cepat membosankan artis, dan dia beralih kepada impresionis, khususnya, memuja kanvas. Warna dalam karya awal masih membosankan, tetapi secara beransur-ansur memperoleh kekayaan, daya tarikan terhadap impresionisme mula berubah menjadi gaya uniknya sendiri. Sudah pada tahun 1896, ciptaan pertama seorang pelukis yang bercita-cita tinggi mula muncul di salon seni.

Pameran solo pertama tidak membuat percikan dalam kalangan pecinta seni. Henri Matisse memutuskan untuk meninggalkan ibu kota Perancis lebih jauh ke utara, di mana dia mencuba teknik pukulan mata. Pada masa ini, karya pertama, "Kemewahan, Keamanan dan Keseronokan", keluar dari bawah penanya. Tetapi lelaki itu tidak menemui cara penulisan "asli" ini sama ada.

Revolusi dalam karya artis datang pada tahun 1905. Matisse, bersama-sama dengan sekumpulan orang yang berfikiran sama, dicipta gaya baru dalam lukisan, dipanggil Fauvisme. Tenaga warna yang dipersembahkan pada pameran pada musim luruh memukau penonton. Henri mempersembahkan dua karya - potret "Wanita dalam Topi" dan lukisan "Tetingkap Terbuka".

Gelombang kemarahan menimpa artis, pengunjung pameran tidak memahami bagaimana mengabaikan semua tradisi begitu banyak seni visual... Pengasas gaya itu digelar sebagai Fauves, iaitu, orang ganas.

Walau bagaimanapun, perhatian sedemikian, walaupun negatif, membawa populariti Matisse dan dividen yang baik: lukisan itu mempunyai peminat yang gembira untuk membelinya. Sebagai contoh, penulis Amerika Gertrude Stein segera mengambil Woman in the Hat di pameran itu, dan lukisan The Joy of Life, yang muncul pada tahun 1906, dibeli oleh pengumpul terkenal Leo Stein.

Sedikit kemudian ia berlaku peristiwa penting- artis bertemu dengan komunikasi yang masih tidak diketahui, menghasilkan beberapa dekad persahabatan, di mana tuan-tuan berus bersaing antara satu sama lain. Picasso berkata bahawa kematian mana-mana daripada mereka akan menjadi kerugian yang tidak boleh diperbaiki untuk semua orang, kerana tidak ada orang lain untuk membincangkan beberapa isu kreatif dengan begitu ganas.

Dua daripada kanvas yang paling terkenal - "Tarian" dan "Muzik" - Matisse menulis untuk penaung Sergei Shchukin. Orang Rusia memesan lukisan untuk sebuah rumah di Moscow. Artis, yang mengerjakan lakaran, menetapkan matlamat untuk mencipta sesuatu supaya orang yang memasuki rumah agam itu akan berasa lega dan damai. Adalah menarik bahawa Henri secara peribadi mengawasi pemasangan lukisan - orang Perancis tiba di ibu kota Rusia, di mana dia diterima dengan penuh semangat. Artis itu sendiri kagum dengan koleksi ikon kuno pemilik rumah dan kesederhanaan orang Rusia.

Nampaknya, artis itu menerima bayaran yang baik, kerana dia segera pergi dalam perjalanan. Dilawati kisah oriental Algeria, dan pulang ke rumah, segera duduk untuk bekerja - cahaya melihat gambar "Blue Nude". Perjalanan ini memberi kesan yang tidak dapat dilupakan pada Matisse, unsur-unsur baru muncul dalam karyanya, lelaki itu mencipta litografi, ukiran pada seramik dan kayu.

Pesona Timur tidak dilepaskan, orang Perancis itu terus berkenalan dengan Afrika, setelah mengembara ke Maghribi. Dan kemudian dia pergi dalam perjalanan ke Eropah dan Amerika. Pada masa ini, karyanya secara beransur-ansur mula kehilangan tanda-tanda Fauvisme, mengisi dengan kehalusan dan kedalaman istimewa, hubungan dengan alam semula jadi muncul.

Semasa Perang Dunia II, artis itu didiagnosis dengan onkologi; selepas pembedahan, lelaki itu tidak boleh bergerak. Dalam tempoh itu, Matisse mencipta arah baru dalam bidang decoupage, yang berdasarkan kompilasi lukisan dari kepingan kertas berwarna.

Henri Matisse menamatkan kerjanya dengan projek reka bentuk berskala besar biarawati dalam Vance. Dikatakan artis itu hanya diminta menyunting lakaran kaca berwarna, tetapi dia bersemangat menyingsing lengan baju dan mencipta projek lengkap. Ngomong-ngomong, lelaki itu menganggap karya ini sebagai tanda nasib tertentu pada akhir hayatnya dan yang terbaik dalam simpanan karya seninya.

Kehidupan peribadi

Kehidupan peribadi Henri Matisse telah diserikan oleh tiga wanita. Pada tahun 1984, artis itu menjadi bapa buat kali pertama - model Carolina Zhobleau memberi pelukis berbakat seorang anak perempuan, Margarita. Namun, Henri langsung tidak berkahwin dengan gadis ini.

Isteri rasmi ialah Amelie Pareyre, yang ditemui oleh wakil dunia lukisan pada majlis perkahwinan seorang kawan. Gadis itu bertindak sebagai bridesmaid, dan Anri secara tidak sengaja terduduk di sebelah meja. Amelie dilanda cinta pandang pertama, pemuda itu juga mula menunjukkan tanda-tanda perhatian. Gadis itu menjadi orang rapat pertama yang mempercayai bakatnya tanpa syarat.

Sebelum perkahwinan, pengantin lelaki memberi amaran kepada pengantin perempuan bahawa kerja akan sentiasa mengambil tempat utama dalam kehidupan. Malah pada bulan madu mereka, keluarga yang baru dibuat itu pergi ke London untuk berkenalan dengan karya William Turner.

Anak lelaki Jean-Gerard dan Pierre dilahirkan dalam perkahwinan. Pasangan itu juga membawa Margarita ke dalam keluarga mereka untuk pendidikan. tahun yang panjang anak perempuan dan isteri mengambil tempat model utama dan muses artis. Salah satu lukisan terkenal yang didedikasikan untuk isterinya ialah The Green Stripe, yang dilukis pada tahun 1905.

Potret wanita tercinta ini memukau para pecinta seni pada masa itu dengan "kejelekannya". Penonton percaya bahawa wakil Fauvism bertindak terlalu jauh dengan kecerahan warna dan kebenaran yang berterus-terang.

Pada puncak populariti, yang jatuh pada 30-an, artis memerlukan pembantu. Matisse berpindah ke Nice bersama keluarganya pada masa itu. Pernah seorang imigran muda Rusia Lydia Delektorskaya muncul di rumah dan menjadi setiausaha pelukis. Pada mulanya, isteri tidak melihat bahaya pada gadis itu - suaminya tidak suka yang berambut perang. Tetapi keadaan berubah serta-merta: apabila dia secara tidak sengaja melihat Lydia di dalam bilik tidur isterinya, Henri bergegas untuk menariknya.

Selepas itu, Amelie menceraikan suaminya yang terkenal, dan Dilektorskaya menjadi muse terakhir Matisse. Apakah jenis hubungan yang memerintah dalam kesatuan ini, adakah itu cinta, atau pasangan itu terhad kepada kerja bersama, masih tidak diketahui. Di antara taburan lukisan dan lukisan yang menggambarkan Lydia, kanvas "Odalisque. Keharmonian biru ".

Kematian

Pada 1 November 1954, Henri Matisse mengalami strok mikro. Artis hebat itu meninggal dunia dua hari kemudian. Legenda mengatakan bahawa sebelum kematiannya, Dilektorskaya melawat pelukis di bilik tidur, di mana dia berkata:

"Pada hari lain anda akan berkata, mari kita mempunyai pensel dan kertas."

Henri menjawab dengan senyuman:

"Mari kita ambil pensel dan kertas."

Karya seni

1896 - "Sebotol schidam"
1905 - Kegembiraan Hidup
1905 - "Wanita dengan Topi"
1905 - Jalur Hijau
1905 - "Buka Tingkap di Collioure"
1907 - "Blue Nude"
1908 - Bilik Merah
1910 - "Muzik"
1916 - "Bather by the River"
1935 - "Bogel Merah Jambu"
1937 - "Wanita Berbaju Ungu"
1940 - Blaus Romania
1952 - Kesedihan Raja

Zaman kanak-kanak dan remaja

Melukis

Kehidupan peribadi

Kematian

Karya seni

Pilihan Editor