Lukisan klasik Jepun: nama yang paling terkenal. Hokusai - dunia jepun

Lukisan Jepun adalah aliran seni dunia yang sangat unik. Ini telah ada sejak zaman kuno, tetapi sebagai tradisi ia tidak kehilangan popularitas dan kemampuannya untuk mengejutkan.

Perhatian terhadap tradisi

Timur bukan hanya pemandangan, gunung dan matahari terbit... Ia juga orang yang mencipta sejarahnya. Orang-orang inilah yang telah mengekalkan tradisi lukisan Jepun selama berabad-abad, mengembangkan dan melipatgandakan seni mereka. Mereka yang telah memberikan sumbangan yang besar dalam sejarah artis Jepun. Terima kasih kepada mereka bahawa yang moden telah menyimpan semua peraturan lukisan tradisional Jepun.

Cara melukis

Tidak seperti di Eropah, seniman Jepun lebih suka melukis lebih dekat dengan grafik daripada melukis. Dalam lukisan seperti itu, seseorang tidak dapat menjumpai sebatang minyak yang kasar dan ceroboh yang begitu ciri khas para Impresionis. Apa sifat seni rupa seperti pokok Jepun, batu, haiwan dan burung - semua yang terdapat dalam lukisan ini dilukis dengan sejelas mungkin, dengan garis tinta yang tegas dan yakin. Semua objek dalam komposisi mesti mempunyai garis besar. Pengisian di jalan biasanya dilakukan dengan cat air. Warnanya dicuci, warna lain ditambahkan, dan di suatu tempat warna kertas dibiarkan. Hiasan betul-betul membezakan lukisan Jepun dari seni seluruh dunia.

Kontras dalam lukisan

Kontras adalah teknik lain yang biasa digunakan oleh seniman Jepun. Ini mungkin perbezaan nada, warna, atau kontras antara nuansa hangat dan sejuk.

Artis menggunakan teknik ketika dia ingin menonjolkan beberapa elemen subjek. Ini dapat menjadi urat pada tanaman, kelopak tunggal, atau batang pohon di langit. Kemudian cahaya, bahagian objek yang diterangi dan bayangan di bawahnya (atau sebaliknya) digambarkan.

Peralihan dan warna

Semasa melukis lukisan Jepun, peralihan sering digunakan. Mereka berbeza: sebagai contoh, dari satu warna ke warna yang lain. Pada kelopak teratai, peonies, anda dapat melihat peralihan dari teduhan cahaya ke warna yang kaya dan terang.

Juga, peralihan digunakan dalam gambar permukaan air, langit. Peralihan yang lancar dari matahari terbenam ke gelap, senja yang semakin mendalam kelihatan sangat indah. Dalam melukis awan, mereka juga menggunakan peralihan dari pelbagai warna dan refleks.

Motif utama lukisan Jepun

Dalam seni, semuanya saling berkaitan kehidupan sebenar, dengan perasaan dan emosi mereka yang terlibat di dalamnya. Seperti kesusasteraan, muzik dan bentuk kreativiti lain, terdapat beberapa tema abadi dalam lukisan. ia plot sejarah, gambar orang dan alam semula jadi.

Landskap Jepun adalah pelbagai. Selalunya dalam lukisan terdapat gambar kolam - perabot kegemaran untuk orang Jepun. Kolam hiasan, beberapa teratai dan buluh berdekatan - seperti inilah gambaran umum abad 17-18.

Haiwan dalam lukisan Jepun

Haiwan juga merupakan unsur yang sering berulang dalam lukisan Asia. Secara tradisinya, ini adalah harimau yang menjalar atau kucing peliharaan. Secara amnya, orang Asia sangat disukai dan oleh itu wakil mereka terdapat dalam semua bentuk seni oriental.

Dunia fauna adalah tema lain yang diikuti oleh lukisan Jepun. Burung - bangau, burung beo hiasan, burung merak mewah, burung walet, burung pipit yang tidak menarik dan bahkan ayam jantan - semuanya dijumpai dalam lukisan tuan oriental.

Ikan adalah topik yang sama relevan untuk artis Jepun. Ikan mas koi adalah ikan mas versi Jepun. Makhluk-makhluk ini hidup di Asia di semua kolam, bahkan taman dan kebun kecil. Ikan Koi adalah sejenis tradisi yang dimiliki oleh Jepun. Ikan-ikan ini melambangkan perjuangan, tekad, pencapaian matlamat mereka. Bukan apa-apa yang digambarkan sebagai terapung dengan arus, selalu dengan puncak gelombang hiasan.

Lukisan Jepun: menggambarkan orang

Orang dalam lukisan Jepun adalah topik yang istimewa. Artis menggambarkan geisha, maharaja, pejuang dan orang tua.

Geisha dilukis dikelilingi oleh bunga, selalu dengan jubah yang rumit dengan banyak lipatan dan elemen.

Orang bijak dilukis duduk atau menjelaskan sesuatu kepada murid-murid mereka. Imej saintis lama adalah simbol sejarah, budaya dan falsafah Asia.

Pahlawan itu digambarkan sebagai hebat, kadang-kadang menakutkan. Yang panjang itu terperinci dan seperti dawai.

Biasanya, semua perincian baju besi diperhalusi dengan bantuan maskara. Selalunya, pejuang telanjang dihiasi dengan tatu yang menggambarkan seekor naga oriental. Ini adalah simbol kekuatan dan kekuatan ketenteraan Jepun.

Para penguasa digambarkan untuk keluarga kekaisaran. Pakaian yang cantik, hiasan pada rambut lelaki sangat sesuai dengan karya seni itu.

Landskap

Landskap tradisional Jepun adalah gunung. Pelukis Asia berjaya menggambarkan pelbagai pemandangan: mereka dapat menggambarkan puncak yang sama di warna yang berbeza, dengan suasana yang berbeza. Satu-satunya perkara yang tidak berubah adalah kehadiran bunga yang wajib. Biasanya, bersama dengan gunung, seniman menggambarkan sejenis tanaman di latar depan dan melukisnya secara terperinci. Pergunungan dan bunga sakura kelihatan cantik. Dan jika mereka melukis kelopak yang jatuh, gambar itu menimbulkan kekaguman terhadap keindahan yang menyedihkan. Perbezaan suasana lukisan adalah kualiti budaya Jepun yang luar biasa.

Hieroglif

Selalunya komposisi gambar dalam lukisan Jepun digabungkan dengan tulisan. Hieroglif diposisikan sehingga kelihatan cantik secara komposisi. Biasanya mereka dilukis di kiri atau kanan gambar. Hieroglif dapat menunjukkan apa yang digambarkan dalam gambar, namanya atau nama artis.

Jepun adalah salah satu negara terkaya dalam sejarah dan budaya. Di seluruh dunia, orang-orang Jepun dianggap sebagai orang-orang pedantik yang menemukan estetika dalam semua manifestasi kehidupan. Oleh itu, lukisan Jepun selalu sangat harmoni dalam warna dan nada: jika terdapat beberapa warna terang, maka hanya di pusat-pusat semantik. Pada contoh lukisan oleh seniman Asia, seseorang dapat mempelajari teori warna, pemindahan bentuk yang betul menggunakan grafik, komposisi. Teknik pelaksanaan lukisan Jepun begitu tinggi sehingga dapat dijadikan contoh bekerja dengan cat air dan melakukan "mencuci" karya grafik.

Mempunyai sejarah yang sangat kaya; tradisinya sangat luas, dengan kedudukan unik Jepun di dunia mempengaruhi gaya dan teknik seniman Jepun yang dominan. Fakta yang diketahui Bahawa Jepun telah diasingkan selama berabad-abad bukan hanya disebabkan oleh geografi, tetapi juga oleh kecenderungan budaya Jepun untuk pengasingan yang telah menandakan sejarah negara itu. Selama berabad-abad dari apa yang kita sebut sebagai "peradaban Jepun", budaya dan seni telah berkembang secara terpisah daripada yang ada di seluruh dunia. Dan ini dapat dilihat dalam praktik lukisan Jepun. Contohnya, lukisan Nihonga adalah antara karya utama latihan melukis Jepun. Ini berdasarkan tradisi lebih dari seribu tahun, dan lukisan biasanya dibuat dengan berus pada kertas anda (kertas Jepun) atau eginu (sutera).

Walau bagaimanapun, seni dan lukisan Jepun dipengaruhi oleh orang asing amalan seni... Pada mulanya, itu adalah seni Cina pada abad ke-16 dan Seni cina dan tradisi seni Cina, yang sangat berpengaruh dalam beberapa aspek. Pada abad ke-17, lukisan Jepun juga dipengaruhi oleh tradisi Barat. Khususnya, pada masa sebelum perang, yang berlangsung dari tahun 1868 hingga 1945, lukisan Jepun dipengaruhi oleh Impresionisme dan Romantikisme Eropah... Pada masa yang sama, pergerakan seni Eropah baru juga dipengaruhi oleh Jepun teknik seni... Dalam sejarah seni, pengaruh ini disebut "Japaneseism", dan sangat penting bagi para Impresionis, Kubis dan seniman yang berkaitan dengan modernisme.

Sejarah panjang lukisan Jepun dapat dilihat sebagai sintesis dari beberapa tradisi yang mencipta karya estetika Jepun yang mapan. Pertama sekali, seni lukis dan seni lukis Buddha, serta lukisan keagamaan, telah meninggalkan kesan yang signifikan terhadap estetika lukisan Jepun; lukisan tinta air lanskap dalam tradisi lukisan sastera Cina - lain elemen penting dikenali dalam banyak lukisan Jepun yang terkenal; Lukisan haiwan dan tumbuh-tumbuhan, terutama burung dan bunga, adalah sesuatu yang biasanya dikaitkan dengan komposisi Jepun, seperti pemandangan dan pemandangan dari kehidupan seharian. Akhirnya, gambaran keindahan kuno dari falsafah dan budaya mempunyai pengaruh besar terhadap lukisan Jepun. Jepun kuno... Wabi, yang bermaksud kecantikan pendek dan kasar, sabi (keindahan patina semula jadi dan penuaan) dan yugen (rahmat dan kehalusan yang mendalam) masih mempengaruhi cita-cita dalam praktik lukisan Jepun.

Akhirnya, jika kita menumpukan pada pemilihan sepuluh karya Jepun yang paling terkenal, kita mesti menyebut ukiyo-e, yang merupakan salah satu genre seni yang paling popular di Jepun, walaupun ia termasuk dalam pembuatan cetakan. Ia menguasai seni Jepun dari abad ke-17 hingga ke-19, dengan seniman yang termasuk dalam genre ini membuat potongan kayu dan lukisan dengan subjek seperti gadis cantik, pelakon kabuki dan gusti sumo, serta pemandangan dari sejarah dan cerita rakyat, pemandangan perjalanan dan pemandangan, flora dan fauna dan juga erotika.

Selalunya sukar untuk membuat senarai lukisan terbaik daripada tradisi seni... Banyak kepingan yang luar biasa akan dikecualikan; namun, senarai ini memaparkan sepuluh lukisan Jepun yang paling dikenali di dunia. Dalam artikel ini, hanya lukisan yang dibuat dari abad ke-19 hingga hari ini yang akan dipersembahkan.

Lukisan Jepun mempunyai sejarah yang sangat kaya. Selama berabad-abad, seniman Jepun telah berkembang sejumlah besar teknik dan gaya unik yang merupakan sumbangan Jepun yang paling berharga untuk dunia seni. Salah satu teknik ini adalah sumi-e. Sumi-e secara harfiah bermaksud lukisan tinta, yang menggabungkan kaligrafi dan lukisan dakwat untuk mencipta keindahan langka dalam komposisi yang disikat. Keindahan ini bersifat paradoks - kuno tetapi moden, sederhana tetapi kompleks, berani, tetapi bawahan, tidak diragukan lagi mencerminkan asas kerohanian seni dalam Buddhisme Zen. Pendeta Buddha membawa briket tinta keras dan berus buluh ke Jepun dari China pada abad keenam, dan selama 14 abad yang lalu, Jepun telah mengembangkan warisan lukisan tinta yang kaya.

Tatal ke bawah dan lihat 10 Karya Lukisan Jepun

1. Katsushika Hokusai "Mimpi Isteri Nelayan"

Salah satu lukisan Jepun yang paling dikenali adalah The Dream of the Fisherman's Wife. Ia dilukis pada tahun 1814 oleh seniman terkenal Hokusai. Berikutan definisi yang ketat, ini sekeping yang luar biasa Hokusai tidak boleh dianggap sebagai lukisan, kerana itu adalah potongan kayu dari genre ukiyo-e dari Kinoe no Komatsu, yang merupakan buku shunga tiga jilid. Komposisi itu menggambarkan penyelam muda, ama, terjalin secara seksual dengan sepasang gurita. Imej ini sangat berpengaruh pada abad ke-19 dan ke-20. Karya telah mempengaruhi lebih banyak seniman kemudian seperti Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Okok, Fernand Knopf dan Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro menulis puisi nostalgia sambil menonton bulan"

Tessai Tomioka adalah nama samaran seorang artis dan kaligrafi Jepun yang terkenal. Dia dianggap sebagai pelukis utama terakhir dalam tradisi Bunjing dan salah satu pelukis gaya Nihong utama yang pertama. Bunjing adalah sekolah lukisan Jepun yang berkembang pada zaman Edo akhir di kalangan seniman yang menganggap diri mereka sastera atau intelektual. Setiap artis ini, termasuk Tessaya, mengembangkan gaya dan teknik mereka sendiri, tetapi mereka semua peminat besar. Seni cina dan budaya.

3. Fujishima Takeji "Matahari Terbit di Laut Timur"

Fujishima Takeji adalah pelukis Jepun yang terkenal dengan karyanya dalam pengembangan Romantik dan Impresionisme dalam gerakan seni yoga (gaya Barat) di lewat XIX- permulaan abad XX. Pada tahun 1905, dia melakukan perjalanan ke Perancis, di mana dia dipengaruhi oleh gerakan Perancis pada masa itu, terutama Impresionisme, seperti yang dapat dilihat dalam lukisannya pada tahun 1932, Sunrise Over the Eastern Sea.

4. Kitagawa Utamaro "Sepuluh jenis wajah wanita, koleksi kecantikan yang mendominasi"

Kitagawa Utamaro adalah pelukis terkenal Jepun yang dilahirkan pada tahun 1753 dan meninggal pada tahun 1806. Dia jauh terkenal dengan siri berjudul Sepuluh Jenis Wajah Wanita. Koleksi keindahan, tema yang mendominasi Besar cinta puisi klasik "(kadang-kadang disebut" Wanita dalam Cinta ", yang mengandungi ukiran terpisah" Naked Love "dan" Brooding Love "). Dia adalah salah satu seniman yang paling penting dalam genre potongan kayu ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Harimau"

Kawanabe Kyosai adalah salah seorang pelukis Jepun yang paling terkenal pada zaman Edo. Keseniannya dipengaruhi oleh Tohaku, seorang seniman sekolah Kano abad ke-16 yang merupakan satu-satunya seniman pada zamannya yang melukis skrin sepenuhnya dengan tinta India pada latar belakang serbuk emas yang halus. Walaupun dikenali sebagai kartunis, Kyosai telah menulis beberapa yang paling banyak lukisan terkenal dalam Sejarah Jepun seni XIX abad. Tiger adalah salah satu lukisan yang Kyosai gunakan cat air dan tinta untuk dibuat.

6. Hiroshi Yoshida "Fuji dari sisi Tasik Kawaguchi"

Hiroshi Yoshida terkenal sebagai salah satu tokoh terbesar gaya shin-hanga (shin-hanga adalah gerakan seni di Jepun pada awal abad ke-20, selama periode Taisho dan Shёwa, yang menghidupkan kembali seni tradisional ukiyo-e, yang berakar pada zaman Edo dan Meiji. (XVII - XIX abad)). Dia mempelajari tradisi lukisan minyak Barat, yang dipinjam dari Jepun pada zaman Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami mungkin merupakan artis Jepun yang paling popular pada zaman kita. Karyanya dijual dengan harga astronomi pada lelongan besar, dan karyanya sudah memberi inspirasi kepada generasi baru seniman, tidak hanya di Jepun, tetapi juga di luar negara. Seni Murakami merangkumi pelbagai media dan biasanya digambarkan sebagai super-flat. Karyanya terkenal dengan penggunaan warna, menggabungkan motif dari budaya tradisional dan popular Jepun. Isi lukisannya sering digambarkan sebagai "comel", "psychedelic" atau "satirical".

8. Yayoi Kusama "Labu"

Yaoi Kusama juga merupakan salah seorang pelukis wanita Jepun yang terkenal. Dia mencipta di pelbagai teknik, termasuk melukis, kolaj, memahat, persembahan, seni lingkungan dan pemasangan, yang kebanyakannya menunjukkan minat tematiknya terhadap warna, pengulangan dan corak psychedelic. Salah satu siri yang paling terkenal dari artis hebat ini ialah siri Pumpkin. Labu biasa yang ditutup dengan titik polka dengan warna kuning terang disajikan di latar belakang jaring. Secara keseluruhan, semua elemen tersebut membentuk bahasa visual yang sangat sesuai dengan gaya artis, dan telah dikembangkan dan diperhalusi selama beberapa dekad pengeluaran dan reproduksi yang sukar.

9. Temmyoya Hisashi "Roh Jepun No. 14"

Temmyoya Hisashi adalah seniman Jepun kontemporari yang terkenal dengan lukisan neo-nihonga. Dia mengambil bahagian dalam kebangkitan semula tradisi lama lukisan Jepun, iaitu lengkap sebaliknya lukisan Jepun moden. Pada tahun 2000, dia juga menciptakan gaya barunya, butouha, yang menunjukkan sikapnya yang tegas terhadap berwibawa sistem seni melalui lukisannya. "Roh Jepun No. 14" diciptakan sebagai sebahagian daripada skema seni"BASARA", ditafsirkan dalam budaya Jepun sebagai tingkah laku pemberontak golongan bangsawan yang lebih rendah dalam tempoh Negara-negara Berperang untuk merampas kekuatan kesempatan untuk mencari gambar yang sempurna kehidupan, berpakaian mewah dan mewah serta bertindak bebas yang tidak sesuai dengan kelas sosial mereka.

10. Katsushika Hokusai "Gelombang Besar dari Kanagawa"

Akhirnya, The Great Wave dari Kanagawa mungkin merupakan lukisan Jepun yang paling dikenali yang pernah dilukis. Ini sebenarnya yang paling banyak karya terkenal seni yang dicipta di Jepun. Ia menggambarkan ombak besar mengancam kapal di luar pantai Wilayah Kanagawa. Walaupun kadang-kadang disalah anggap sebagai tsunami, gelombang, seperti namanya, kemungkinan tinggi tinggi. Lukisan itu dibuat mengikut tradisi ukiyo-e.

Adakah anda gemar lukisan Jepun? Sejauh mana anda tahu mengenai artis Jepun yang terkenal? Mari pertimbangkan dengan anda dalam artikel ini artis terkenal Jepun yang mencipta karya mereka dengan gaya ukiyo-e (浮世 絵). Gaya lukisan ini telah berkembang sejak zaman Edo. Hieroglif dengan gaya ini ditulis 絵 絵 secara harfiah bermaksud "gambar (gambar) dunia yang berubah", anda boleh membaca lebih lanjut mengenai arah lukisan ini

Hisikawa Moronobu(菱 川 師 宣, 1618-1694). Dia dianggap sebagai pengasas genre ukiyo-e, walaupun, pada hakikatnya, dia hanya tuan pertama yang hidupnya terpelihara maklumat biografi... Moronobu dilahirkan dalam keluarga tuan pewarna kain dan sulaman dengan benang emas dan perak dan sekian lama terlibat dalam kraf keluarga, jadi ciri khas karyanya adalah pakaian kecantikan yang dihiasi dengan indah, yang memberikan kesan seni yang luar biasa.

Setelah pindah ke Edo, dia pertama kali belajar teknik melukis secara bebas, dan kemudian artis Kambun melanjutkan pelajarannya.

Sebilangan besar album Moronobu turun kepada kami, di mana ia menggambarkan sejarah dan plot sastera dan buku dengan contoh corak untuk kimono. Tuan juga bekerja dalam genre shunga, dan antara lain individu bekerja beberapa telah selamat menggambarkan wanita cantik.

(鳥 居 清 長, 1752-1815). Diakui pada akhir abad ke-18, tuan Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) mempunyai nama samaran Torii Kiyonaga, yang dia ambil ketika dia mewarisi sekolah Ukiyo-e Torii dari Torii Kiyomitsu setelah kematiannya.

Kiyonaga dilahirkan dalam keluarga penjual buku Shirakoya Ishibei. Genre bidzing memberinya kemasyhuran terbesar, walaupun ia dimulai dengan yakusha-e. Subjek untuk ukiran dalam genre bidzing diambil dari kehidupan sehari-hari: jalan-jalan, perarakan perayaan, pergi ke alam semula jadi. Di antara banyak karya artis, siri "Pertandingan keindahan bergaya dari tempat ceria", yang menggambarkan Minami, salah satu "tempat ceria" di selatan Edo, "12 potret keindahan selatan", "10 jenis kedai teh" berdiri keluar. Ciri khas master adalah kajian terperinci mengenai latar belakang dan penggunaan teknik yang berasal dari Barat untuk menggambarkan cahaya dan ruang.

Kiyonaga memperoleh kemasyhuran awalnya dengan dimulakan semula pada tahun 1782 dari siri "Model of Fashion: Models New as Foliage", yang dimulakan oleh Koryusai pada tahun 1770-an untuk penerbit Nishimurai Yohachi.

(喜 多 川 歌 麿, 1753-1806). Pada ini tuan yang cemerlang ukiyo-e dipengaruhi oleh Torii Kiyonaga dan penerbit Tsutaya Juzaburo. Sebagai hasil kerjasama jangka panjang dengan yang terakhir, banyak album, buku dengan ilustrasi dan siri cetakan diterbitkan.

Walaupun Utamaro mengambil plot dari kehidupan pengrajin biasa dan berusaha untuk menggambarkan alam semula jadi ("Buku Serangga"), kemasyhuran datang kepadanya sebagai seorang seniman karya yang didedikasikan untuk geisha dari kawasan Yoshiwara ("Buku Tahunan Rumah Hijau Yoshiwara) ").

Utamaro dicapai tahap tinggi dalam ungkapan keadaan fikiran di atas kertas. Buat pertama kalinya dalam pemotongan kayu Jepun dia mula menggunakan komposisi awek.

Ini karya Utamaro yang mempengaruhi impresionis Perancis dan menyumbang kepada minat orang Eropah terhadap cetakan Jepun.

(葛 飾 北 斎, 1760-1849). Nama sebenar Hokusai ialah Tokitaro. Mungkin master ukiyo-e yang paling terkenal di seluruh dunia. Sepanjang bekerja, dia menggunakan lebih dari tiga puluh nama samaran. Ahli sejarah sering menggunakan nama samaran untuk berkala karyanya.

Pada mulanya, Hokusai bekerja sebagai pengukir, yang karyanya terbatas pada niat artis. Fakta ini membebankan Hokusai, dan dia mula mencari dirinya sebagai seniman bebas.

Pada tahun 1778, ia menjadi magang di studio Katsukawa Shunsh, yang mengkhususkan diri dalam cetakan yakusha-e. Hokusai adalah seorang pelajar yang berbakat dan sangat rajin yang selalu menunjukkan rasa hormat kepada guru, dan oleh itu menikmati kebaikan Shunsho. Oleh itu, karya bebas pertama Hokusai adalah dalam genre yakusha-e dalam bentuk diptychs dan triptychs, dan populariti pelajar setara dengan guru. Pada masa ini, tuan muda telah mengembangkan bakatnya sehingga dia merasa sesak dalam kerangka satu sekolah, dan setelah kematian gurunya, Hokusai meninggalkan studio dan mempelajari arahan sekolah lain: Kano, Sotatsu (sebaliknya - Koetsu), Rimpa, Tosa.

Dalam tempoh ini, artis mengalami masalah kewangan yang ketara. Tetapi pada saat yang sama, dia dibentuk sebagai tuan yang menolak imej biasa yang dituntut masyarakat, dan mencari gayanya sendiri.

Pada tahun 1795, ilustrasi untuk antologi puitis "Kaka Edo Murasaki" diterbitkan. Kemudian Hokusai melukis lukisan surimono, yang langsung menjadi terkenal, dan banyak seniman mulai menirunya.

Dari tempoh ini, Tokitaro mula menandatangani karya-karyanya dengan nama Hokusai, walaupun beberapa karyanya diterbitkan dengan nama samaran Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

Pada tahun 1800, tuan mula menyebut dirinya Gakejin Hokusai, yang bermaksud "Melukis Hokusai Gila."

Siri ilustrasi terkenal termasuk 36 Pemandangan Gunung Fuji, yang mana Victory Wind adalah yang paling menonjol. Clear Day "atau" Red Fuji "dan" The Great Wave off Kanagawa "," 100 Views of Mount Fuji ", dirilis dalam tiga album," Manga Hokusai "(北 斎 漫画), yang disebut" ensiklopedia orang Jepun " Artis meletakkan semua pandangannya mengenai kreativiti dan falsafah ke dalam "Manga". Manga adalah sumber terpenting untuk mempelajari kehidupan Jepun pada masa itu, kerana ia merangkumi banyak aspek budaya. Secara keseluruhan, dua belas terbitan diterbitkan semasa hidup artis, dan selepas kematiannya - tiga lagi:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (setelah kematian artis)

Seni Hokusai mempengaruhi aliran Eropah seperti Art Nouveau dan Impresionisme Perancis.

(河 鍋 暁 斎, 1831 -1889). Dia menggunakan nama samaran Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, belajar di sekolah Kano.

Tidak seperti Hokusai, Kyosai agak tidak bermaya, yang menyebabkan dia berpisah dengan artis Tsuboyama Tozan. Selepas sekolah, dia menjadi tuan bebas, walaupun kadang-kadang dia mengulanginya selama lima tahun lagi. Pada masa itu dia sedang melukis kyoga, yang disebut "gambar gila".

Di antara ukiran yang luar biasa, seratus lukisan oleh Kyosai menonjol. Sebagai ilustrator, Kyosai membuat gambar untuk novel dan novel dengan kerjasama artis lain.

Pada akhir abad ke-19, orang Eropah sering mengunjungi Jepun. Artis itu sudah biasa dengan sebilangannya, dan beberapa karyanya kini ada di British Museum.

(歌 川 広 重, 1797-1858). Dia bekerja dengan nama samaran Ando Hiroshige (安藤 広 重) dan terkenal dengan motif semula jadi dan fenomena semula jadi yang halus. Lukisan pertama "Gunung Fuji di Salji", yang kini disimpan di Muzium Suntory di Tokyo, dia melukis pada usia sepuluh tahun. Petak karya awal berdasarkan peristiwa sebenar berlaku di jalanan. Kitarannya yang terkenal: "100 pemandangan Edo", "36 pemandangan Gunung Fuji", "53 stesen Tokaido", "69 stesen Kimokaido", "100 spesies yang dikenali Edo ". Monet dan artis Rusia Bilibin sangat dipengaruhi oleh 53 Stesen Jalan Tokaido, yang dilukis setelah melakukan perjalanan di sepanjang East Seaside Road, serta 100 Views of Edo. Dari siri genre katyo-ga dengan 25 ukiran, lembaran yang paling terkenal adalah "Burung pipit di atas unta yang diliputi salji"

(歌 川 国 貞, juga dikenal sebagai Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Salah satu artis ukiyo-e yang paling terkenal.

Dibayar Perhatian istimewa kepada pelakon kabuki dan teater itu sendiri - ini adalah sekitar 60% daripada semua karya. Juga dikenali adalah karya dalam genre penawaran dan potret ahli gusti sumo. Telah diketahui bahawa dia membuat 20 hingga 25 ribu plot, yang merangkumi 35-40 ribu lembaran. Dia jarang beralih ke landskap dan pahlawan. Utagawa Kuniyoshi (歌 川 国 芳, 1798 - 1861). Dilahirkan dalam keluarga pencelup sutera. Kuniyoshi mula belajar melukis pada usia sepuluh tahun ketika tinggal bersama artis Kuninao dalam keluarga mereka. Kemudian dia melanjutkan pelajarannya dengan Katsukawa Shunyei, dan pada usia 13 tahun dia memasuki bengkel Tokuyoni. Tahun pertama artis muda itu tidak berjalan lancar. Tetapi setelah menerima pesanan dari penerbit Kagaya Kitibei untuk lima cetakan untuk siri 108 Suikoden Heroes, semuanya meningkat. Dia mencipta watak-watak lain dalam siri ini, dan kemudian meneruskan pelbagai karya lain, dan setelah lima belas tahun dia menjadi setara dengan Utagawa Hiroshige dan Utagawa Kunisada.

Selepas larangan gambar pada tahun 1842 pemandangan teater, pelakon, geisha dan pelayan Kuniyoshi menulis siri "kucingnya", membuat ukiran dari siri pendidikan untuk suri rumah dan anak-anak, menggambarkan wira negara dalam siri "Tradisi, Akhlak dan Ketuhanan", dan pada akhir tahun 1840-an - awal tahun 1850-an, setelah melarang larangan, artis kembali ke tema kabuki.

(渓 斎 英 泉, 1790-1848). Terkenal dengan karya-karyanya dalam genre penawaran. Karya-karya terbaiknya merangkumi potret seperti okubi-e ("kepala besar"), yang dianggap sebagai contoh seni pada era Bunsei (1818-1830), ketika genre ukiyo-e sedang merosot. Artis itu menulis banyak surimono lirik dan erotik, serta kitaran lanskap "Enam puluh sembilan stesen Kisokaido", yang tidak dapat disiapkannya, dan disiapkan oleh Hiroshige.

Kebaruan dalam penggambaran Bijinga adalah sensual yang tidak pernah dimiliki oleh artis lain. Dari hasil karyanya, kita dapat memahami fesyen pada masa itu. Dia juga menerbitkan biografi The Forty-Seven Ronin dan menulis beberapa buku lain, termasuk A History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e Ruiko) yang mengandungi biografi artis. Dan dalam "Catatan Seorang Penatua Tanpa Nama" dia menggambarkan dirinya sebagai pemabuk yang jahat dan bekas pemilik rumah pelacuran di Nedzu, yang terbakar pada tahun 1830-an.

Suzuki Harunobu (鈴木 春 信, 1724-1770). Nama sebenar artis itu ialah Hozumi Jirobei. Dia adalah penemu percetakan polikrom ukiyo-e. Dia belajar di sekolah Kano dan belajar melukis. Kemudian, di bawah pengaruh Shigenaga Nishimura dan Torii Kiyomitsu, potongan kayu menjadi hobinya. Ukiran dalam dua atau tiga warna telah dibuat sejak awal abad ke-18, dan Harunobu mula melukis dalam sepuluh warna, menggunakan tiga papan dan menggabungkan tiga warna - kuning, biru dan merah.

Dia menonjol dalam gambar pemandangan jalanan dan lukisan dalam genre shunga. Dan dari tahun 1760-an dia adalah orang pertama yang mula memerankan pelakon teater kabuki. Karyanya mempengaruhi E. Manet dan E. Degas.

(小 原 古邨, 1877 - 1945). Nama sebenarnya ialah Matao Ohara. Dia menggambarkan pemandangan dari perang Rusia-Jepun dan China-Jepun. Namun, setelah penampilan fotografi, karyanya terjual dengan buruk, dan dia mula mencari nafkah di sekolah. seni yang bagus di Tokyo. Pada tahun 1926 Ernest Felloza, kurator jabatan Seni Jepun di Muzium Boston, memujuk Ohara untuk kembali melukis, dan artis itu mula menggambarkan burung dan bunga, dan karyanya dijual dengan baik di luar negeri.

(伊藤 若 冲, 1716 - 1800). Dia menonjol di antara artis lain kerana eksentrik dan gaya hidupnya, yang terdiri dari persahabatan dengan banyak tokoh budaya dan agama pada masa itu. Dia menggambarkan haiwan, bunga dan burung dengan cara yang sangat eksotik. Dia sangat terkenal dan mengambil pesanan untuk melukis layar dan lukisan kuil.

(鳥 居 清 信, 1664-1729). Salah satu wakil yang paling penting tempoh awal ukiyo-e. Walaupun pengaruh besar gurunya Hisikawa Monorobu, dia menjadi pengasas genre yakusha-e dalam gambar poster dan poster dan mencipta gayanya sendiri. Pelakon digambarkan dalam pose khas sebagai wira berani dan dicat di
mulia warna jingga dan penjahat itu masuk bunga biru... Untuk menggambarkan keghairahan, artis itu mencipta jenis lukisan mimizugaki khas - ini adalah garisan berliku dengan pukulan nipis dan tebal bergantian dan digabungkan dengan gambaran aneh otot-otot anggota badan.

Torii Kiyonobu adalah pengasas pelukis dinasti Torii. Pelajarnya ialah Torii Kiyomasu, Torii Kiyosige I, Torii Kiyomitsu.

Siapa artis ukiyo-e kegemaran anda?

Bahasa Jepun berbeza dengan bahasa Eropah dalam strukturnya, yang boleh menyebabkan kesulitan tertentu dalam pembelajaran. Namun, jangan risau! Khusus untuk anda, anda telah membuat kursus "", yang boleh anda daftarkan sekarang!

Lukisan monokrom Jepun adalah salah satu fenomena unik seni Timur. Banyak karya dan kajian telah dikhaskan untuknya, tetapi sering dianggap sebagai perkara yang sangat bersyarat, dan kadang-kadang bahkan hiasan. Ini tidak begitu. Dunia kerohanian artis Jepun sangat kaya, dan dia tidak begitu mementingkan komponen estetik tetapi juga tentang spiritual. Seni Timur adalah sintesis luaran dan dalaman, eksplisit dan tersirat.

Dalam catatan ini saya ingin memperhatikan sejarah lukisan monokrom, tetapi intinya. Inilah yang akan dibincangkan.

layar "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Apa yang kita lihat dalam lukisan monokrom adalah hasil interaksi artis dengan triad pain: kertas, berus, dakwat. Oleh itu, untuk memahami karya dengan betul, seseorang mesti memahami artis itu sendiri dan sikapnya.

"Landskap" Sesshu, 1398

Kertas bagi tuan Jepun, bukan hanya bahan improvisasi yang dia tunduk pada kehendaknya, tetapi sebaliknya - itu adalah "saudara", dan oleh itu sikap terhadapnya telah berkembang dengan sewajarnya. Kertas adalah bahagian dari alam sekitarnya, yang selalu diperlakukan oleh orang Jepang dengan keraguan dan berusaha untuk tidak menundukkan diri, tetapi untuk hidup berdampingan dengan damai. Kertas pada masa lalu adalah pokok yang berdiri di kawasan tertentu, untuk waktu tertentu, "melihat" sesuatu di sekitarnya, dan menyimpan semua ini. Inilah cara seorang artis Jepun melihat bahan tersebut. Sebelum memulakan kerja, tukang sering melihat Helaian kosong(merenungnya) dan barulah mereka mula melukis. Walaupun sekarang, seniman Jepun kontemporari yang mempraktikkan teknik Nihon-ga (lukisan tradisional Jepun) memilih kertas dengan teliti. Mereka membelinya untuk memesan dari kilang kertas. Untuk setiap artis dengan ketebalan, kebolehtelapan kelembapan dan tekstur tertentu (banyak artis bahkan membuat perjanjian dengan pemilik kilang untuk tidak menjual kertas ini kepada artis lain) - oleh itu, setiap lukisan dianggap sebagai sesuatu yang unik dan hidup.

"Membaca di kebun buluh" Syubun, 1446.

Bercakap mengenai kepentingan bahan ini, perlu disebutkan monumen kesusasteraan Jepun yang terkenal seperti "Notes at the Headboard" oleh Sei Shonagon dan "Genji Monogotari" oleh Murasaki Shikibu: dalam "Nota" dan "Genji" anda boleh menemui plot semasa pengadilan atau pencinta bertukar mesej ... Makalah di mana pesan-pesan ini ditulis sesuai musim, warna, dan cara menulis teks sesuai dengan teksturnya.

"Murasaki Shikibu di Kuil Ishiyama" oleh Kyoshen

Berus- komponen kedua adalah kesinambungan tangan tuan (sekali lagi, ini bahan semula jadi). Oleh itu, sikat juga dibuat mengikut pesanan, tetapi paling kerap oleh artis itu sendiri. Dia mengambil rambut dengan panjang yang diperlukan, memilih ukuran berus dan cengkaman yang paling selesa. Tuan menulis hanya dengan berus sendiri dan tidak lain. (Dari pengalaman peribadi: Saya berada di kelas master seniman Cina Jiang Shilun, para penonton diminta untuk menunjukkan apa yang dapat dilakukan oleh murid-muridnya yang hadir di kelas induk, dan masing-masing dari mereka, mengambil sikat master, mengatakan bahawa ia akan berlaku tidak berfungsi seperti yang mereka harapkan, kerana sikat itu bukan milik mereka, mereka tidak terbiasa dan tidak tahu menggunakannya dengan betul).

Sketsa dakwat "Fuji" oleh Katsushika Hokusai

Maskara adalah elemen penting ketiga. Maskara mempunyai pelbagai jenis: setelah pengeringan, ia dapat memberikan kesan berkilau atau matte, dapat dicampurkan dengan warna perak atau warna oker, jadi pilihan maskara yang tepat juga tidak penting.

Yamamoto Baytsu, akhir XVIII- abad XIX.

Subjek utama lukisan monokrom adalah pemandangan. Mengapa tidak ada warna di dalamnya?

Skrin berkembar "Pines", Hasegawa Tohaku

Pertama, artis Jepun tidak berminat dengan objek itu sendiri, tetapi pada intinya, komponen tertentu yang umum bagi semua makhluk hidup dan membawa kepada keharmonian antara manusia dan alam. Oleh itu, gambar selalu menjadi petunjuk, ia ditujukan kepada deria kita, dan bukan untuk melihat. Pemahaman adalah rangsangan untuk dialog, yang bermaksud hubungan. Garisan dan bintik-bintik penting dalam gambar - ia terbentuk bahasa seni... Ini bukan kebebasan tuan, yang meninggalkan jejak gemuk di mana dia mahu, tetapi di tempat lain, sebaliknya, tidak melukisnya - semua yang ada dalam gambar mempunyai makna dan makna tersendiri, dan tidak mempunyai watak rawak .

Kedua, warna selalu membawa semacam warna pewarnaan emosi dan dirasakan berbeza oleh orang yang berlainan dalam keadaan yang berlainan, oleh itu, peneutralan emosional memungkinkan penonton untuk masuk ke dalam dialog dengan tepat, untuk membuangnya kepada persepsi, perenungan, pemikiran.

Ketiga, ini adalah interaksi yin dan yang, setiap gambar monokrom adalah harmoni dari segi nisbah dakwat dan kawasan kertas yang tidak tersentuh di dalamnya.

Mengapa kebanyakan daripada ruang kertas tidak digunakan?

"Landskap" Syubun, pertengahan abad ke-15.

Pertama, ruang kosong membenamkan penonton dalam gambar; kedua, gambar itu dibuat seolah-olah telah seketika melayang ke permukaan dan akan hilang - ini disebabkan pandangan dunia dan pandangan dunia; ketiga, di kawasan yang tidak ada dakwat, tekstur dan warna kertas muncul (ini tidak selalu dapat dilihat pada pengeluaran semula, tetapi sebenarnya ia selalu menjadi interaksi dua bahan - kertas dan dakwat)

Sesshu, 1446

Mengapa landskap?

"Kontemplasi Air Terjun" oleh Geiami, 1478.

Menurut pandangan dunia Jepun, alam lebih sempurna daripada manusia, jadi dia mesti belajar darinya, menjaganya dengan segala cara yang mungkin, dan tidak memusnahkan atau menundukkannya. Oleh itu, di banyak lanskap anda dapat melihat gambar kecil orang, tetapi gambar itu tidak signifikan, kecil sehubungan dengan landskap itu sendiri, atau gambar pondok yang tertulis di ruang sekitarnya dan bahkan tidak selalu kelihatan - ini semua adalah simbol pandangan dunia.

"Musim: Musim Gugur dan Musim Sejuk" Sesshu. "Landskap" Sesshu, 1481

Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahawa lukisan Jepun monokrom bukan dakwat percikan secara kacau-bilau, ini bukan kehendak ego dalaman artis - ia adalah keseluruhan sistem gambar dan simbol, ini adalah repositori pemikiran falsafah, dan yang paling penting, cara komunikasi dan pengharmonian diri dan dunia di sekitar kita.

Di sini, saya fikir, adalah jawapan kepada persoalan utama yang timbul dalam penonton ketika berhadapan dengan monokrom Lukisan Jepun... Saya harap mereka akan menolong anda untuk memahaminya dengan paling tepat dan menyedarinya semasa anda berjumpa.

Setiap negara mempunyai pahlawan seni kontemporinya sendiri, yang namanya terkenal, yang pameran mengumpulkan banyak peminat dan ingin tahu, dan karya-karya mereka tersebar di koleksi peribadi.

Dalam artikel ini, kami akan memperkenalkan anda kepada yang paling popular seniman kontemporari Jepun.

Keiko Tanabe

Dilahirkan di Kyoto, Keiko memenangi banyak pertandingan seni ketika kecil, tetapi dia tidak lulus dalam bidang seni. Bekerja di jabatan hubungan antarabangsa dalam organisasi perdagangan pemerintahan sendiri Jepun di Tokyo, secara besar-besaran firma undang-undang di San Francisco dan di sebuah syarikat perundingan swasta di San Diego, melakukan perjalanan jauh. Dia berhenti dari pekerjaannya pada tahun 2003 dan, setelah mempelajari asas-asas lukisan cat air di San Diego, mengabdikan dirinya secara eksklusif untuk seni.

Ikenaga Yasunari

Artis Jepun, Ikenaga Yasunari melukis potret wanita moden pada zaman purba Tradisi Jepun melukis menggunakan berus Menso, pigmen mineral, hitam karbon, dakwat dan linen sebagai asas. Watak-wataknya adalah wanita zaman kita, tetapi berkat gaya Nihonga, seseorang mendapat perasaan bahawa mereka datang kepada kita sejak dulu lagi.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki adalah artis realis yang telah menguasai dengan sempurna teknik cat air... Abe boleh dipanggil seniman-ahli falsafah: dia pada dasarnya tidak melukis mercu tanda terkenal, lebih suka komposisi subjektif yang mencerminkan keadaan dalaman orang yang memerhatikan mereka.

Hiroko Sakai

Kerjaya Hiroko Sakai sebagai seniman bermula pada awal tahun 90an di kota Fukuoka. Setelah menamatkan pengajian di Seinan Gakuin University dan Nihon French School of Interior Design dalam Reka Bentuk dan Visualisasi, dia mengasaskan Atelier Yume-Tsumugi Ltd. dan berjaya menguruskan studio ini selama 5 tahun. Sebilangan besar karyanya menghiasi lobi hospital, pejabat syarikat besar dan beberapa bangunan perbandaran di Jepun. Setelah berpindah ke Amerika Syarikat, Hiroko mula mengecat minyak.

Riusuke Fukahori

Karya tiga dimensi Riusuki Fukahori adalah seperti hologram. Mereka dipenuhi cat akrilik, ditumpangkan dalam beberapa lapisan, dan cecair resin yang telus - semua ini, tidak termasuk kaedah tradisional seperti melukis bayang-bayang, melembutkan tepi, mengawal ketelusan, membolehkan Riusuki membuat lukisan patung dan memberikan kedalaman dan realisme terhadap karya-karyanya.

Natsuki Otani

Natsuki Otani adalah ilustrator berbakat Jepun yang tinggal dan bekerja di England.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu memilih asas untuk kreativitinya tema win-win- dia menarik kucing. Gambar-gambarnya popular di seluruh dunia, terutamanya dalam bentuk teka-teki.

Tetsuya Mishima

Sebilangan besar lukisan karya seniman Jepun kontemporari Mishima dibuat dengan minyak. Dia telah profesional dalam melukis sejak tahun 90-an, dia mempunyai beberapa pameran solo dan sebilangan besar pameran kolektif, baik dari Jepun maupun dari luar negara.