ละครรัสเซียตอนต้น ละครรัสเซียสมัยใหม่

ความเกี่ยวข้องการวิจัยถูกกำหนดโดยความต้องการในการเปลี่ยนเครื่องมือของคำอธิบายเชิงวิเคราะห์ของละคร เนื่องจากละครของศตวรรษที่ 20 นั้นแตกต่างจากยุคโบราณ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คลาสสิก

ความแปลกใหม่คือการกระตุ้นจิตสำนึกของผู้เขียนในละครรัสเซียตั้งแต่ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX จนถึงปัจจุบัน จาก "ละครใหม่" สู่เรื่องล่าสุด

ละครไม่ได้เป็นเพียงวรรณกรรมที่เก่าแก่ที่สุด แต่ยังเป็นวรรณกรรมประเภทดั้งเดิมที่สุดด้วย เป็นที่เชื่อกันว่าหลักการพื้นฐานของการรับและตีความบทละครสามารถนำไปใช้กับละครโบราณและโรงละคร "มหากาพย์" ของบี. เบรชต์และละครอัตถิภาวนิยมของการเลือกทางศีลธรรมและการเล่นที่ไร้สาระ

ในเวลาเดียวกัน นักวิจัยเชื่อว่าละครสามารถเปลี่ยนแปลงได้: ในแต่ละช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์มี "จิตวิญญาณแห่งกาลเวลา" บางอย่างซึ่งเป็นเส้นประสาททางศีลธรรมแสดงให้เห็นถึงเวลาจริงที่เรียกว่าบนเวทีเลียนแบบ "ปัจจุบันทางไวยากรณ์" ที่เปิดเผย ในอนาคต

เป็นที่ชัดเจนว่ากฎของสกุลซึ่งเป็นทฤษฎีที่นำมาใช้ตั้งแต่สมัยของอริสโตเติลไม่สอดคล้องกับกระบวนการใหม่ของละครสมัยใหม่อีกต่อไป

แนวคิดของ "ละครสมัยใหม่" นั้นกว้างขวางมากทั้งตามลำดับเวลาและเชิงสุนทรียศาสตร์ (ละครจิตวิทยาที่สมจริง - A. Arbuzov, V. Rozov, A. Volodin, A. Vampilov; ละคร " คลื่นลูกใหม่» - L. Petrushevskaya, A. Galin, V. Arro, A. Kazantsev; โพสต์เปเรสทรอยก้า "ละครใหม่" - N. Kolyada M. Uvarova, M. Arbatova, A. Shipenko)

ละครสมัยใหม่มีลักษณะตามประเภทและ หลากหลายสไตล์. ในทศวรรษที่ 1960 และ 1990 วารสารศาสตร์และ จุดเริ่มต้นทางปรัชญาซึ่งสะท้อนให้เห็นในแนวเพลงและโครงสร้างโวหารของบทละคร ดังนั้น ในละคร "การเมือง" และ "อุตสาหกรรม" หลายๆ เรื่อง การอภิปราย-อภิปรายจึงเป็นพื้นฐาน เหล่านี้เป็นบทละครที่มีการโต้เถียงที่ดึงดูดกิจกรรมของผู้ชม มีลักษณะเด่นคือความเฉียบแหลมของความขัดแย้ง การปะทะกันของกองกำลังที่เป็นปฏิปักษ์และความคิดเห็น ตรงที่ ละครนักข่าวเรามักจะพบกับวีรบุรุษที่มีตำแหน่งชีวิตที่กระฉับกระเฉง วีรบุรุษนักสู้ แม้ว่าจะไม่ได้รับชัยชนะเสมอไป ด้วยตอนจบแบบเปิดที่กระตุ้นให้ผู้ชมใช้ความคิดอย่างแข็งขัน รบกวนจิตสำนึกของพลเมือง (“เผด็จการแห่งมโนธรรม” โดย M. Shatrov, “ รายงานการประชุมครั้งเดียว” และ “เรา ผู้ลงนามข้างท้าย” A. Gelman)

แรงดึงดูดของศิลปะสมัยใหม่ที่มีต่อความเข้าใจเชิงปรัชญาเกี่ยวกับปัญหาของศตวรรษได้เพิ่มความสนใจในประเภทของละครทางปัญญา เรื่องอุปมาอุปมัย เทคนิคตามเงื่อนไขในยุคปัจจุบัน การเล่นเชิงปรัชญามีความหลากหลาย ตัวอย่างเช่น คือ "การประมวลผล" ของหนังสือที่ยืมมาและแปลงในตำนาน (“The House That Swift Built” โดย Gr. Gorin, “Don't Throw Fire, Prometheus!” โดย M. Karima, “Mother of Jesus” โดย A. Volodin, "The Seventh Labour of Hercules" โดย M. . Roshchina); ย้อนหลังทางประวัติศาสตร์ ("Lunin หรือความตายของ Jacques", "Conversations with Socrates" โดย E. Radzinsky, "Royal Hunt" โดย L. Zorin) รูปแบบดังกล่าวช่วยให้เราสามารถก่อให้เกิดปัญหานิรันดร์ ซึ่งในคนร่วมสมัยของเรามีส่วนเกี่ยวข้องด้วย: ความดีและความชั่ว ชีวิตและความตาย สงครามและสันติภาพ ชะตากรรมของมนุษย์ในโลกนี้

ในยุคหลังเปเรสทรอยก้า การต่ออายุภาษาการละครและนาฏกรรมมีการใช้งานเป็นพิเศษ เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับแนวโน้มเปรี้ยวจี๊ดสมัยใหม่ เกี่ยวกับลัทธิหลังสมัยใหม่ เกี่ยวกับศิลปะ "ทางเลือก" "อื่นๆ" ซึ่งเป็นแนวความคิดที่ถูกตัดขาดออกไปในช่วงทศวรรษที่ 20 และสิ่งที่อยู่ใต้ดินมานานหลายทศวรรษ ด้วย "เปเรสทรอยก้า" โรงละครใต้ดินไม่เพียงแต่โผล่ขึ้นมาบนผิวน้ำ แต่ยัง "ถูกกฎหมาย" ซึ่งทำให้สิทธิของตนเท่าเทียมกันกับโรงละครอย่างเป็นทางการ แน่นอนว่าแนวโน้มนี้ทำให้เกิดความต้องการใหม่ต่อละครเรื่องนี้ จำเป็นต้องมีการเสริมแต่งด้วยรูปแบบที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิม อู๋ ละครร่วมสมัยบทละครดังกล่าวถูกกล่าวถึงว่าเป็นบทละครที่มีองค์ประกอบของความไร้สาระ โดยที่ความไร้สาระของการดำรงอยู่ของมนุษย์ถูกจับได้อย่างเต็มตาและมีศิลปะ นำเรื่องราวไปสู่คำอุปมาหรืออุปมาที่เฉียบแหลม หนึ่งในช่วงเวลาที่พบบ่อยที่สุดของโรงละครแนวหน้าสมัยใหม่คือการรับรู้ของโลกว่าเป็นบ้านบ้า "ชีวิตที่โง่เขลา" ที่ซึ่งความสัมพันธ์ที่เป็นนิสัยพังทลายลงการกระทำต่างๆก็น่าสลดใจเช่นเดียวกันสถานการณ์ต่างๆเป็นภาพหลอน โลกนี้เป็นที่อาศัยของคนผี "ปัญญาอ่อน" มนุษย์หมาป่า ("Wonderful Woman" โดย N. Sadur "Walpurgis Night หรือขั้นตอนของผู้บัญชาการ" โดย Ven. Erofeev) ในตอนหลัง โครงเรื่องแผ่ออกไปในจิตเวชของโซเวียต โรงพยาบาลและสามารถสรุปได้สองสามคำ: แอลกอฮอล์ Gurevich เป็นการลงโทษพวกเขาถูกวางไว้ในโรงพยาบาลบ้าที่เขาเคยเป็นมาก่อน ด้านหนึ่งเขาพบกับเขา อดีตคนรักในทางกลับกัน Natalya ขัดแย้งกับ Borka ที่เป็นระเบียบด้วยปากกระบอกปืนซึ่งลงโทษ Gurevich ด้วยการฉีด "sulfa"; เพื่อป้องกันผลกระทบของการฉีด Gurevich โดยไม่ได้รับความช่วยเหลือจาก Natalya ขโมยแอลกอฮอล์จากห้องเจ้าหน้าที่ อย่างไรก็ตามการดื่มเหล้าที่ร่าเริงในวอร์ดจบลงด้วยซากศพมากมายเนื่องจากแอลกอฮอล์ที่ถูกขโมยโดย Gurevich กลายเป็นเมทิล ในตอนจบ ปากกระบอกปืนของ Borka ที่โกรธจัดเหยียบย่ำคนตาบอด Gurevich ที่กำลังจะตายด้วยเท้าของเขา อย่างไรก็ตาม เหตุการณ์เหล่านี้ยังไม่เพียงพอสำหรับโศกนาฏกรรม 5 องก์ ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการกล่าวถึงเหตุการณ์ในคืนก่อนวันที่ 1 พฤษภาคม กล่าวคือ ใน Walpurgis Night และการเชื่อมโยงกับ "Don Juan" และ "The Stone Guest" ก็เล่นโดยตรงเช่นกัน: หลังจากฉีด Gurevich ด้วย "sulph", Borka ปากกระบอกปืนเชิญเขาไปงานเลี้ยงกลางคืนกับ Natalya ซึ่ง Gurevich มีปัญหาในการเคลื่อนไหว ริมฝีปากแตกของเขาตอบเหมือนรูปปั้นของผู้บัญชาการ: "ฉันจะมา ... " อันที่จริง โครงเรื่องที่น่าเศร้าและความขัดแย้งของบทละครแผ่ออกไปในพื้นที่ของภาษา แทนที่จะเป็นความขัดแย้งแบบคลาสสิกระหว่างหน้าที่และความรู้สึก Erofeev เปิดเผยโศกนาฏกรรมของเขารอบความขัดแย้งระหว่างความรุนแรงและภาษาความรุนแรงนั้นพูดไม่ออก - มันยืนยันความเป็นจริงผ่านความเจ็บปวดของเหยื่อ ยิ่งเหยื่อมากเท่าไหร่ ความเจ็บปวดก็ยิ่งมากขึ้นเท่านั้น ความจริงข้อนี้ก็จะยิ่งเป็นพื้นฐานมากขึ้น ความเป็นจริงของความสับสนวุ่นวาย ภาษานั้นฟรี แต่มันสามารถต่อต้านความเป็นจริงที่ไร้ความปราณีนี้ได้โดยธรรมชาติที่ลวงตา ความแปรปรวน ความไม่เป็นรูปเป็นร่าง: ยูโทเปียของงานรื่นเริงทางภาษาที่สร้างขึ้นโดย Gurevich นั้นคงกระพันในการไม่มีที่พึ่งได้ บุคคลในละครเรื่องนี้ถึงวาระที่จะมีชีวิตอยู่บนขอบของภาษาและความรุนแรง (แน่นอนว่าบางคนเช่น Borka เชื่อมโยงชีวิตของเขากับพลังแห่งความรุนแรงอย่างไม่น่าสงสัย) ด้วยพลังแห่งจิตสำนึก Gurevich สร้างงานรื่นเริงทางภาษารอบตัวเขา แต่ร่างกายของเขา - และในคลินิกจิตเวช จิตใจของเขาด้วย - ยังคงทนทุกข์ทรมานจากการถูกทรมานอย่างแท้จริง โดยพื้นฐานแล้ว นี่คือวิธีที่เรื่องราวในยุคกลางเกี่ยวกับการดำเนินคดีระหว่างวิญญาณกับเนื้อหนังได้รับการฟื้นฟู แต่ใน Erofeev ทั้งวิญญาณและเนื้อหนังจะถึงวาระ: ไม่เพียง แต่ความเป็นจริงของความรุนแรงพยายามที่จะเหยียบย่ำผู้สร้างยูโทเปียทางภาษาที่ร่าเริง แต่ยังมุ่งมั่นเพื่ออิสรภาพอย่างต่อเนื่องห่างจากความฝันของสิ่งที่เรียกว่าความเป็นจริงด้วย นำไปสู่การทำลายตนเอง นั่นคือเหตุผลที่ "Walpurgis Night" ยังคงเป็นโศกนาฏกรรมแม้จะมีฉากและภาพการ์ตูนมากมาย)

นอกจาก Erofeev แล้ว นักเขียนบทละครหลังสมัยใหม่ยังมีการแสดงเช่น Alexei Shipenko (b. 1961), Mikhail Volokhov (b. 1955), O. Mukhina (บทละคร Tanya-Tanya, Yu), Evg. dog”, “ ที่ ในเวลาเดียวกัน") เช่นเดียวกับ Vladimir Sorokin (เล่น "Dumplings", "Dugout", "Trust", "Dostoevsky-trip", บทภาพยนตร์ "Moscow" [ร่วมกับผู้กำกับภาพยนตร์ Alexander Zeldovich]) อย่างไรก็ตามอาจมีนักเขียนรุ่นใหม่เพียงคนเดียวที่สามารถสร้างได้ โรงละครของตัวเองเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่เป็นอิสระ - ด้วยสุนทรียศาสตร์แบบองค์รวม ปรัชญา ภาษาที่น่าทึ่งของตัวเอง นี่คือนีน่า ซาดูร์

กุญแจสู่โรงละครแฟนตาซีของ Nina Sadur (b. 1950) และปรัชญาทางศิลปะของเธออาจเป็นบทละคร The Wonderful Woman (1982)1 ในส่วนแรกของละคร ("The Field") เพื่อนร่วมงานธรรมดา Lidia Petrovna ส่ง "กลุ่มเพื่อน" เพื่อเก็บเกี่ยวมันฝรั่งและหลงทางท่ามกลางทุ่งรกร้างที่ไม่มีที่สิ้นสุดพบกับ "ป้า" คนหนึ่ง ซึ่งในตอนแรกทำให้นึกถึงคนโง่เขลา อย่างไรก็ตาม เมื่อรู้จักกันมากขึ้น “ป้า” ได้เปิดเผยลักษณะของก็อบลิน (เธอ “เป็นผู้นำ” ผู้หญิงที่ตามหลังกลุ่ม) เธอมีค่าเท่ากับธรรมชาติและความตาย (นามสกุลของเธอคือ Ubienko) และเธอกำหนดตัวเอง เป็น "ความชั่วร้ายของโลก" เห็นได้ชัดว่าแตกต่างจาก "ชาวบ้าน" และนักอนุรักษนิยมอื่น ๆ (Aitmatov, Voinovich และแม้แต่ Aleshkovsky) Sadur ไม่ได้เชื่อมต่อกับหลักการทางธรรมชาติของแนวคิดของ "กฎแห่งนิรันดร" ซึ่งเป็นความจริงสูงสุดของชีวิตซึ่งตรงกันข้ามกับการโกหก ของกฎหมายสังคมและความสัมพันธ์ "ผู้หญิงที่ยอดเยี่ยม" ของเธอเป็นลางไม่ดีและเป็นอันตราย การสื่อสารกับเธอทำให้เกิดความปรารถนาและความเจ็บปวดในใจที่เข้าใจยาก ("อย่างใดดึง ... ความรู้สึกไม่พอใจ") โดยพื้นฐานแล้ว ตัวละครนี้รวบรวมความรู้ลึกลับเกี่ยวกับขุมนรกแห่งความโกลาหลที่ซ่อนอยู่ภายใต้เปลือกของการดำรงอยู่ตามปกติ “ผู้หญิงที่ยอดเยี่ยม” Ubienko เสนอการทดสอบพิธีกรรมแปลก ๆ ให้กับเพื่อนนักเดินทาง: “นี่คือการจัดตำแหน่ง ฉันกำลังวิ่งหนี คุณกำลังไล่ล่า ถ้าคุณจับได้ - สวรรค์ ถ้าคุณจับไม่ได้ - มันคือจุดจบของโลก ตัดไหม” โดยไม่คาดคิดสำหรับตัวเอง Lidia Petrovna เห็นด้วยกับเงื่อนไขเหล่านี้ แต่ในนาทีสุดท้ายหลังจากที่ได้ติดต่อกับผู้หญิงคนนั้นแล้วเธอก็ตกใจกับภัยคุกคามของเธอ เพื่อเป็นการลงโทษสำหรับความพ่ายแพ้ "ผู้หญิง" ฉีก "ชั้นบนสุด" ทั้งหมดออกจากโลกพร้อมกับผู้คนที่อาศัยอยู่บนนั้นและเกลี้ยกล่อม Lydia Petrovna ว่าเธอถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพังในโลกทั้งใบและชีวิตปกติทั้งหมดของเธอคือ แค่หุ่นจำลองที่ “ป้า” สร้างขึ้นเพื่อความอุ่นใจของลิด้า “เหมือนของจริง! เหมือนเดิมทุกประการ! บอกไม่ได้!"

ในส่วนที่สองของละคร ("กลุ่มเพื่อน") Lidia Petrovna ยอมรับกับเพื่อนร่วมงานของเธอว่าหลังจากพบกับ "ผู้หญิงภาคสนาม" เธอหมดความมั่นใจจริงๆว่าโลกรอบตัวเธอเป็นของจริง: "ฉันสงสัยแม้กระทั่งเด็ก ๆ คุณเข้าใจ ? แม้ว่าตอนนี้พวกเขาจะสับสนและทำให้ใจฉันเศร้า” และยิ่งกว่านั้นเมื่อหัวหน้าแผนกที่รักเธอพยายามจะจูบเธอเธอก็มีปฏิกิริยาเช่นนี้:“ หุ่นไล่กาต้องการจูบฉัน นางแบบ หุ่นจำลองของอเล็กซานเดอร์ อิวาโนวิช... คุณยิงฉันไม่ได้ด้วยซ้ำ เพราะคุณไม่ได้อยู่ที่นี่ เข้าใจไหม” สิ่งที่โดดเด่นที่สุดคือเพื่อนร่วมงานที่ได้ยินคำสารภาพของ Lidia Ivanovna ก็เชื่อเธออย่างไม่คาดคิด คำอธิบายลึกลับที่ "ผู้หญิง" เสนอให้เกิดขึ้นพร้อมกับความรู้สึกภายในของคนที่พยายามปกป้องตนเองจากความกังวลในชีวิตประจำวันจากคำถามที่ไม่ได้รับคำตอบว่า "ทำไมเราถึงมีชีวิตอยู่" จึงบังเกิด ปัญหาหลักซึ่งตัวละครทั้งหมดของละครพยายามแก้โดยไม่มีข้อยกเว้น: จะพิสูจน์ได้อย่างไรว่าคุณยังมีชีวิตอยู่? จริง? อาร์กิวเมนต์เดียวที่ควรค่าแก่ความสนใจคือความสามารถของบุคคลที่จะก้าวข้ามบทบาทในชีวิตปกติของเขา: “ฉันมีชีวิตอยู่เท่านั้นที่สามารถกระโดดออกมาจากตัวฉันเองได้” แต่ที่ไหน? Lidia Petrovna "กระโดดออกมา" ด้วยความบ้าคลั่ง แต่ทางออกนี้แทบจะไม่ช่วยบรรเทา โดยพื้นฐานแล้วนี่คือทางออกสู่ความตาย - ภายใต้เสียงไซเรนของรถพยาบาล Lidia Petrovna ตะโกน:“ ของฉันเท่านั้น หัวใจของฉันเท่านั้นที่หยุด ฉันอยู่คนเดียว มีเพียงฉันนอนอยู่ในดินที่เปียกชื้น โลกเบ่งบาน มีความสุข มีความสุข มีชีวิตชีวา! อย่างไรก็ตาม การไร้ความสามารถของตัวละครใด ๆ ในการเล่น (ยกเว้นสำหรับ "ผู้หญิง" แน่นอน) เพื่อค้นหาหลักฐานที่น่าเชื่อถือเกี่ยวกับความถูกต้องของการดำรงอยู่ของพวกเขาเองทำให้คำพูดเกี่ยวกับ "การเบ่งบานของโลก" เต็มไปด้วยการประชดประชันที่น่าเศร้า

ความหลงใหลในความงาม แม้ว่าความงามนี้จะเป็นหายนะและเกิดจากความโกลาหล แม้ว่าจะนำไปสู่ความหายนะก็ตาม - เป็นข้อพิสูจน์เพียงข้อเดียวที่เป็นไปได้ถึงความแท้จริงของการดำรงอยู่ของมนุษย์วิธีเดียวที่บุคคลสามารถ "กระโดดออกจากตัวเอง" - กล่าวอีกนัยหนึ่งเพื่อรับอิสรภาพ

สิ่งแรกที่ดึงดูดสายตาคุณในบทละครของนักเขียนสมัยใหม่คือการไม่มีงานใหญ่โต ที่อยู่อาศัยของฮีโร่สมัยใหม่นั้นโดดเด่นทุกวัน "บนพื้นฐาน" "ในหมู่พวกเขา" นอกการต่อสู้ทางศีลธรรมกับฮีโร่ในเชิงบวก ทั้งหมดข้างต้นเกี่ยวข้องกับบทละครของ L. Petrushevskaya ในบทละครของเธอ มีความคลาดเคลื่อนอย่างน่าประหลาดใจระหว่างคำในชื่อของพวกเขา - "ความรัก", "อันดันเต้", "บทเรียนดนตรี", "อพาร์ตเมนต์ของโคลัมไบน์" - และชีวิตประจำวัน การขาดจิตวิญญาณ ความเห็นถากถางดูถูกเป็นบรรทัดฐานสำหรับการดำรงอยู่ ของเหล่าฮีโร่ บทละครของ L. Petrushevskaya "Three Girls in Blue" เป็นหนึ่งในเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุด รูปภาพในชื่อมีความเกี่ยวข้องกับบางสิ่งที่โรแมนติก ประเสริฐ "โรแมนติก" อย่างไรก็ตาม มันไม่สอดคล้องกันในทางใดทางหนึ่งกับหญิงสาวสามคนที่เชื่อมต่อกันด้วยเครือญาติห่าง ๆ และ "มรดก" ร่วมกัน - ครึ่งหนึ่งของบ้านในชนบทที่ทรุดโทรมซึ่งทันใดนั้นพวกเขาก็ตัดสินใจใช้เวลาช่วงฤดูร้อนกับลูก ๆ ของพวกเขาพร้อมกัน หัวข้อสนทนาในละครคือหลังคารั่ว: ใครและต้องเสียค่าซ่อม ชีวิตในละครคือการถูกจองจำ ไม้บรรทัดเคลื่อนไหว เป็นผลให้โลกที่เพ้อฝันเติบโตขึ้นและไม่มากจากเหตุการณ์ (ดูเหมือนจะไม่อยู่ในละคร) แต่เฉพาะจากบทสนทนาที่ทุกคนได้ยินเพียงตัวเองเท่านั้น

วันนี้คนรุ่นใหม่เข้าสู่วงการละคร "คลื่นลูกใหม่" กลุ่มนักเขียนบทละครรุ่นใหม่ที่ได้รับการกำหนดไว้แล้ว (N. Kolyada, A. Shipenko, M. Arbatova, M. Ugarov, A. Zheleztsov, O. Mukhina, E. Gremina เป็นต้น) ตามคำวิจารณ์ของโรงละคร เป็นการแสดงออกถึงโลกทัศน์ใหม่ บทละครของนักเขียนรุ่นเยาว์ทำให้คุณรู้สึกเจ็บปวดจาก "ปัญหาของความถูกต้อง" แต่ในขณะเดียวกันหลังจาก "การบำบัดด้วยการช็อก" "ความสมจริงแบบสีดำ" ของละครเปเรสทรอยก้า นักเขียนรุ่นเยาว์เหล่านี้ไม่ได้ตีตราสถานการณ์ที่ทำให้เสียโฉมมากนัก บุคคล แต่มองดูความทุกข์ของบุคคลนี้ ทำให้เขาต้องคิดว่า " สุดขอบ " เกี่ยวกับความเป็นไปได้ของการเอาตัวรอด การยืดตัว พวกเขาฟังดูเป็น "วงออเคสตราน้อยแห่งความหวังภายใต้การควบคุมของความรัก" ..

Alexander Vampilov

(1937-1972)

ลวดลายของการตกทางวิญญาณในบทละคร "Duck Hunt" ของ A. Vampilov

วัตถุประสงค์ของบทเรียน:

1. แสดงความสำคัญของบทละครของ Vampilov สำหรับวรรณคดีรัสเซียเข้าใจลักษณะทางศิลปะและความคิดริเริ่มเชิงอุดมคติของละครเรื่อง "Duck Hunt"
2. เพื่อให้ความรู้แก่นักเรียนถึงหลักการทางจิตวิญญาณที่ก่อให้เกิดการพัฒนาบุคลิกภาพที่กลมกลืนกันผ่านแนวคิดเรื่องความเมตตาความอ่อนไหวการทำบุญ
3. เพื่อส่งเสริมพัฒนาการด้านสุนทรพจน์ สุนทรียภาพในนักเรียน

มีความจำเป็นต้องเขียนเกี่ยวกับสิ่งที่ไม่
นอนตอนกลางคืน
ก. แวมปิลอฟ

ระหว่างเรียน

1. สุนทรพจน์เบื้องต้นของอาจารย์

โรงภาพยนตร์! คำว่ามีความหมายมากแค่ไหน
สำหรับใครที่เคยไปมาแล้วหลายครั้ง!
สำคัญและใหม่แค่ไหน
มีการดำเนินการสำหรับเรา!
เราตายในการแสดง
เสียน้ำตาไปกับพระเอก...
แม้ว่าบางครั้งเราจะรู้ดีกันดี
ว่าความเศร้าโศกทั้งหมดนั้นไร้ค่า!

ลืมเรื่องอายุ ความล้มเหลว
เราปรารถนาชีวิตของคนอื่น
และจากความเศร้าโศกของคนอื่นเราร้องไห้
กับความสำเร็จของใครคนหนึ่ง เรากำลังเร่งอยู่!
ในการแสดงชีวิตอยู่ในมุมมองที่สมบูรณ์
และทุกอย่างจะเปิดขึ้นในตอนท้าย:
ใครเป็นวายร้าย ใครเป็นพระเอก
ด้วยหน้ากากที่น่ากลัวบนใบหน้าของเขา
โรงภาพยนตร์! โรงภาพยนตร์! มีความหมายมากแค่ไหน
สำหรับเราบางครั้งคำพูดของคุณ!
และมันจะเป็นอย่างอื่นได้อย่างไร?
ในละคร ชีวิตถูกต้องเสมอ!

วันนี้เราจะมาพูดถึงละครรัสเซียแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ เราจะพูดถึงผลงานของนักเขียนที่มีชื่อว่า ทั้งยุคละครรัสเซีย - ละครของ Vampilov

2. ข้อมูลชีวประวัติเกี่ยวกับนักเขียน (นักเรียนเตรียมอุดม).

3. ทำงานเกี่ยวกับเนื้อหาทางทฤษฎี

ถาม: ละครคืออะไร?

Q: คุณรู้จักละครประเภทไหน? กระจายการแข่งขัน

• โศกนาฏกรรม
• ละคร
• ตลก

สร้างความขัดแย้งและความขัดแย้งที่เฉียบแหลมและไม่ละลายน้ำ ซึ่งเกี่ยวข้องกับบุคลิกที่โดดเด่น การปะทะกันของกองกำลังสงครามที่ไม่สามารถประนีประนอมได้ หนึ่งในฝ่ายที่ทำสงครามพินาศ

ภาพลักษณ์ของบุคลิกภาพในความสัมพันธ์อันน่าทึ่งกับสังคมในประสบการณ์ที่ยากลำบาก การแก้ปัญหาความขัดแย้งที่ประสบความสำเร็จที่เป็นไปได้

ส่วนใหญ่ทำซ้ำชีวิตส่วนตัวของผู้คนเพื่อเยาะเย้ยล้าหลังล้าสมัย

ถาม : พิสูจน์ว่าละครเรื่อง “ล่าเป็ด” เป็นละครโดยถ่ายทอดโครงงานนี้

ดังนั้นพระเอกของละครเรื่องนี้จึงขัดแย้งกับชีวิตอย่างมาก

4. การทำงานกับข้อความ

มีโต๊ะอยู่ข้างหน้าคุณ แจกจ่ายคะแนนความขัดแย้งหลักจากชีวิตของ Zilov ในตาราง (ตามกลุ่ม)

ถาม: วลีใดจากภาษารัสเซีย ละครคลาสสิคมันมีความหมายเหมือนกันกับคติพจน์ "ผลักมันแล้วจบ" หรือไม่? ("วิบัติจากวิทย์").

Q: คุณคิดว่าภาพแบบไหน ศิลปินชื่อดังคุณช่วยอธิบายความสัมพันธ์ของ Zilov กับพ่อแม่ของเขาได้ไหม (แรมแบรนดท์ "การกลับมาของบุตรน้อยหลงหาย")

ดังนั้น เรื่องของคนที่หลงทางในชีวิต ลูกชาย "สุรุ่ยสุร่าย" กังวลมากกว่าหนึ่งรุ่น

ถาม: งานอื่น ๆ ที่คุณรู้จักเกี่ยวกับหัวข้อนี้คืออะไร?

ถาม: คุณคิดว่าโศกนาฏกรรมของฮีโร่คืออะไร? ทำไมเขาถึงพ่ายแพ้ในทุกด้านของชีวิต?

ถาม: ทำไมละครเรื่องนี้จึงเรียกว่า "ล่าเป็ด"? (ตามล่าหาฮีโร่ - ชำระล้าง).

การพัฒนาคำพูด แสดงความคิดเห็นเป็นลายลักษณ์อักษรเกี่ยวกับปัญหา “จะเป็นหรือไม่เป็น หรือเรื่องราวนิรันดร์เกี่ยวกับ ลูกชายสุรุ่ยสุร่าย»

บทสรุป.หัวข้อที่ยกมาในละคร นิรันดร์ ถือว่าอยู่ใน ด้านต่างๆแต่ผลลัพธ์ก็เหมือนเดิม นั่นคือความพยายามเปลี่ยนชีวิต วีรบุรุษประสบความสำนึกผิดที่ล่าช้าและเริ่มต้นชีวิตที่ดีขึ้นหรือไปถึงทางตันและพยายามฆ่าตัวตาย ดังนั้น คำถามของแฮมเล็ตจึงฟังดูเป็นนิรันดร์

จะเป็นหรือไม่เป็นคือคำถาม
อะไรประเสริฐกว่าในวิญญาณ - ยอมจำนน
สลิงและลูกธนูแห่งโชคชะตาอันเกรี้ยวกราด
หรือยกอาวุธขึ้นต่อสู้กับทะเลแห่งความทุกข์ยาก สังหารพวกเขา
การเผชิญหน้า?

ผลงานของนักเขียนบทละคร Vampilov จะยังคงเป็นนิรันดร์ตามที่เห็นได้จากเทศกาลละครสมัยใหม่ของรัสเซียทั้งหมด ก. แวมพิโลวา.

การบ้าน.

1. กรอกตารางในส่วน "เพื่อน"
2. วาดโปสเตอร์สำหรับการเล่น (หรือใช้การวาดคำด้วยวาจา)

อ้างอิง

1. ปริญญาโท Chernyak "วรรณคดีรัสเซียสมัยใหม่", มอสโก, Eksmo Education, 2550
2. M. Meshcheryakova "วรรณกรรมในตาราง", Rolf Moscow 2000
3. วี.วี. Agenosov วรรณกรรมรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 เกรด 11, สำนักพิมพ์ Drofa, มอสโก, 1999
4. เอ็นแอล ไลเดอร์แมน, M.N. Lipovetsky "วรรณคดีรัสเซียสมัยใหม่ 1950-1990", มอสโก, ACADEMA, 2003

เนื้อหาของบทความ

ละครรัสเซียละครวรรณกรรมมืออาชีพของรัสเซียก่อตัวขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 และ 18 แต่นำหน้าด้วยยุคพื้นบ้านที่มีอายุหลายศตวรรษ ส่วนใหญ่เป็นละครพื้นบ้านโดยปากเปล่าและบางส่วนที่เขียนด้วยลายมือ ในตอนแรก พิธีกรรมโบราณ จากนั้นเกมเต้นรำแบบกลมและตัวตลกมีองค์ประกอบของการแสดงละครในรูปแบบศิลปะ: บทสนทนา การแสดงละครของการกระทำ การแสดงสีหน้า ภาพของตัวละครตัวใดตัวหนึ่ง (ปลอมตัว) องค์ประกอบเหล่านี้ถูกรวบรวมและพัฒนาในละครพื้นบ้าน

ละครพื้นบ้านรัสเซีย.

ละครพื้นบ้านรัสเซียมีลักษณะโครงเรื่องที่มั่นคงซึ่งเป็นสถานการณ์จำลองซึ่งเสริมด้วยตอนใหม่ ส่วนแทรกเหล่านี้สะท้อนถึงเหตุการณ์ร่วมสมัย ซึ่งมักจะเปลี่ยนความหมายโดยรวมของสคริปต์ ในแง่หนึ่ง ละครพื้นบ้านของรัสเซียมีลักษณะคล้ายกับ palimpsest (ต้นฉบับโบราณซึ่งเขียนใหม่โดยใช้ข้อความที่เป็นเศษซาก) ซึ่งเหตุการณ์แรกเริ่มทั้งชั้นอยู่เบื้องหลังความหมายที่ทันสมัยกว่า เห็นได้ชัดในละครพื้นบ้านรัสเซียที่โด่งดังที่สุด - เรือและ ซาร์มักซีมีเลียน. ประวัติศาสตร์การดำรงอยู่ของพวกมันสามารถสืบย้อนไปได้ไม่ช้ากว่าศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตาม ในอาคาร เรือรากเหง้าของพิธีกรรมโบราณมองเห็นได้ชัดเจน: เนื้อหาเพลงมากมายแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงจุดเริ่มต้นของการร้องเพลงของพล็อตนี้ การตีความเนื้อเรื่องที่น่าสนใจยิ่งขึ้น กษัตริย์แม็กซิมิเลียนมีความเห็นว่าพล็อตของละครเรื่องนี้ (ความขัดแย้งระหว่างเผด็จการซาร์และลูกชายของเขา) ในขั้นต้นสะท้อนถึงความสัมพันธ์ระหว่างปีเตอร์ที่ 1 และซาร์อเรวิชอเล็กซี่และต่อมาถูกเสริมด้วยเรื่องราวของโจรโวลก้าและแรงจูงใจที่กดขี่ข่มเหง อย่างไรก็ตาม โครงเรื่องอิงจากเหตุการณ์ก่อนหน้าที่เกี่ยวข้องกับการทำให้เป็นคริสต์ศาสนิกชนของรัสเซีย - ในรายการละครที่พบบ่อยที่สุด ความขัดแย้งระหว่างซาร์มักซีมีเลียนและซาเรวิชอดอล์ฟเกิดขึ้นเนื่องจากประเด็นเรื่องศรัทธา สิ่งนี้ทำให้เราสามารถสรุปได้ว่าละครพื้นบ้านของรัสเซียนั้นเก่ากว่าที่คนทั่วไปเชื่อกัน และมีมาตั้งแต่สมัยนอกรีต

เวทีนอกรีตของละครพื้นบ้านรัสเซียหายไป: การศึกษาศิลปะคติชนวิทยาในรัสเซียเริ่มต้นในศตวรรษที่ 19 สิ่งพิมพ์ทางวิทยาศาสตร์ครั้งแรกของละครพื้นบ้านขนาดใหญ่ปรากฏเฉพาะในปี พ.ศ. 2433-2443 ในวารสาร Ethnographic Review (พร้อมความคิดเห็นของนักวิทยาศาสตร์ในเรื่องนั้น เวลา V. Kallash และ A. Gruzinsky ) การเริ่มต้นศึกษาละครนิทานพื้นบ้านช่วงปลายๆ ทำให้เกิดความคิดเห็นอย่างกว้างขวางว่าการแสดงละครพื้นบ้านในรัสเซียเกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 16-17 เท่านั้น นอกจากนี้ยังมีมุมมองอื่นที่กำเนิด เรือมาจากประเพณีฝังศพของชาวสลาฟนอกรีต แต่ไม่ว่าในกรณีใด โครงเรื่องและการเปลี่ยนแปลงทางความหมายในเนื้อความของละครพื้นบ้านซึ่งเกิดขึ้นอย่างน้อยสิบศตวรรษได้รับการพิจารณาในการศึกษาวัฒนธรรม ประวัติศาสตร์ศิลปะ และชาติพันธุ์วิทยาที่ระดับสมมติฐาน ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์แต่ละช่วงได้ทิ้งร่องรอยไว้บนเนื้อหาของละครพื้นบ้านซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยความสามารถและความสมบูรณ์ของลิงก์ที่เชื่อมโยงกันของเนื้อหา

สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือความมีชีวิตชีวาของโรงละครนิทานพื้นบ้าน การแสดงละครพื้นบ้านและละครตลกหลายเรื่องรวมอยู่ในบริบทของชีวิตละครของรัสเซียจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 - จนถึงเวลานั้นพวกเขาได้เล่นที่งานเมืองและการแสดงตลก และในวันหยุดของหมู่บ้าน จนถึงประมาณกลางปี ​​1920 นอกจากนี้ ตั้งแต่ปี 1990 เป็นต้นมา มีความสนใจอย่างมากในการฟื้นคืนชีพหนึ่งในแนวละครพื้นบ้าน - เปล และวันนี้เทศกาลคริสต์มาสของโรงละครเปลจัดขึ้นในหลายเมืองของรัสเซีย ข้อความที่กู้คืน)

นิทานพื้นบ้านที่พบบ่อยที่สุด โรงละครเป็นที่รู้จักในหลายรายการ - เรือ, ซาร์มักซีมีเลียนและ ปรมาจารย์ในจินตนาการในขณะที่ฉากสุดท้ายไม่ได้เล่นเป็นฉากแยกต่างหากแต่ยังรวมอยู่ด้วย ส่วนสำคัญในสิ่งที่เรียกว่า "ละครพื้นบ้านยอดเยี่ยม".

เรือรวมวงจรการเล่นในธีม "โจร" กลุ่มนี้ไม่ได้มีแต่เรื่องเล่า เรือแต่ยังมีละครอื่นๆ: กองโจร, เรือ, กาดำ. ในเวอร์ชันต่างๆ - อัตราส่วนของนิทานพื้นบ้านและองค์ประกอบวรรณกรรมที่แตกต่างกัน (จากการแต่งเพลง ลงแม่ไปตามแม่น้ำโวลก้าไปเล่าเรื่องโจรปล้นทรัพย์ เช่น โคกดำหรือดาวเลือด, อตามัน ฟรา เดียโวโลและอื่น ๆ.). แน่นอนว่าเรากำลังพูดถึงเวอร์ชันปลาย (เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 18) เรือซึ่งสะท้อนถึงการรณรงค์ของ Stepan Razin และ Yermak ศูนย์กลางของรูปแบบต่างๆ ของวัฏจักรคือภาพลักษณ์ของผู้นำระดับชาติ หัวหน้าเผ่าที่เข้มงวดและกล้าหาญ หลายเหตุผล เรือต่อมาถูกนำมาใช้ในละครของ A. Pushkin, A. Ostrovsky, A. K. Tolstoy นอกจากนี้ยังมีกระบวนการย้อนกลับ: ข้อความที่ตัดตอนมาและใบเสนอราคาจากงานวรรณกรรมยอดนิยม โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่รู้จักจากสิ่งพิมพ์ยอดนิยม รวมอยู่ในละครนิทานพื้นบ้านและได้รับการแก้ไขในนั้น สิ่งที่น่าสมเพชกบฏ เรือทำให้เกิดการแบนการแสดงซ้ำแล้วซ้ำอีก

ซาร์มักซีมีเลียนยังมีอยู่ในหลายรูปแบบ ในบางส่วนความขัดแย้งทางศาสนาระหว่างมักซีมีเลียนและอดอล์ฟถูกแทนที่ด้วยความขัดแย้งทางสังคม ตัวแปรนี้ได้รับอิทธิพลจาก เรือ: ที่นี่อดอล์ฟไปที่แม่น้ำโวลก้าและกลายเป็นอาตามันของพวกโจร ในฉบับหนึ่ง ความขัดแย้งระหว่างพระราชาและพระโอรสเกิดขึ้นจากเหตุครอบครัว เนื่องจากอดอล์ฟปฏิเสธที่จะแต่งงานกับเจ้าสาวที่พ่อเลือก ในเวอร์ชันนี้ สำเนียงจะเปลี่ยนไปเป็นเนื้อเรื่องที่ตลกขบขันและตลกขบขันของโครงเรื่อง

ในโรงละครหุ่นกระบอกนิทานพื้นบ้าน วงจรของแปลงผักชีฝรั่งและรุ่นของโรงละครเปลคริสต์มาสแพร่หลายไปทั่ว จากประเภทอื่น ๆ ของละครพื้นบ้าน, สวรรค์บนดิน, เรื่องตลกของเรื่องตลกและม้าหมุน "ปู่" - บาร์เกอร์, บทนำของผู้นำหมีใน "Bear Fun" เป็นที่แพร่หลาย

วรรณคดีวรรณกรรมรัสเซียตอนต้น

ต้นกำเนิดของวรรณคดีวรรณกรรมรัสเซียมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 และมีความเกี่ยวข้องกับโรงละครในโบสถ์ของโรงเรียน ซึ่งเกิดขึ้นในรัสเซียภายใต้อิทธิพลของการแสดงของโรงเรียนในยูเครนใน Kiev-Mohyla Academy ต่อสู้กับแนวโน้มคาทอลิกที่มาจากโปแลนด์ โบสถ์ออร์โธดอกซ์ในยูเครนใช้โรงละครพื้นบ้าน ผู้เขียนบทละครยืมโครงเรื่องของพิธีกรรมในโบสถ์ วาดภาพให้เป็นบทสนทนาและสลับฉากด้วยบทตลก ดนตรี และการเต้นรำ ในแง่ของประเภท ละครเรื่องนี้คล้ายกับลูกผสมของศีลธรรมและปาฏิหาริย์ของยุโรปตะวันตก เขียนในรูปแบบการประกาศอย่างมีศีลธรรมและสูงส่ง ผลงานละครของโรงเรียนเหล่านี้รวมเอาตัวละครเชิงเปรียบเทียบ (รอง ความภาคภูมิใจ ความจริง ฯลฯ) กับตัวละครทางประวัติศาสตร์ (อเล็กซานเดอร์มหาราช เนโร) ตำนาน (ฟอร์จูน ดาวอังคาร) และพระคัมภีร์ (พระเยซู นุ่น เฮโรดและอื่น ๆ ) ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด - แอ็คชั่นเกี่ยวกับอเล็กซี่ คนของพระเจ้า, การกระทำเกี่ยวกับความรักของพระคริสต์และอื่น ๆ การพัฒนาละครของโรงเรียนเกี่ยวข้องกับชื่อของ Dmitry Rostovsky ( ละครอัสสัมชัญ, ละครคริสต์มาส, แอ็คชั่นรอสตอฟและอื่นๆ), Feofan Prokopovich ( วลาดิเมียร์), มิโตรฟาน โดฟกาเลฟสกี้ ( ภาพลักษณ์อันทรงพลังของความรักที่พระเจ้ามีต่อมนุษย์), จอร์จ โคนิสสกี้ ( การฟื้นคืนชีพของคนตาย ) และอื่นๆ Simeon Polotsky เริ่มต้นในโรงละครของโรงเรียนคริสตจักรด้วย

ในทำนองเดียวกันการพัฒนาละครในศาล - ในปี 1672 ตามคำสั่งของ Alexei Mikhailovich โรงละครศาลแห่งแรกในรัสเซียก็เปิดขึ้น วรรณกรรมรัสเซียเรื่องแรกได้รับการพิจารณา การกระทำของ Artaxerxes(1672) และ จูดิธ(1673) ซึ่งได้มาถึงเราในหลายรายการของศตวรรษที่ 17

ผู้เขียน การกระทำของ Artaxerxesเป็นศิษยาภิบาล I-G. Gregory (ร่วมกับผู้ช่วยของเขา L. Ringuber) บทละครเขียนเป็นกลอน เยอรมันโดยใช้แหล่งข้อมูลมากมาย (คัมภีร์ลูเธอรัน นิทานอีสป บทสวดทางจิตวิญญาณของเยอรมัน ตำนานโบราณ ฯลฯ) นักวิจัยมองว่าไม่ใช่การรวบรวม แต่เป็นงานต้นฉบับ เห็นได้ชัดว่าการแปลเป็นภาษารัสเซียดำเนินการโดยกลุ่มพนักงานของ Posolsky Prikaz ในบรรดานักแปล อาจมีกวีด้วย คุณภาพของการแปลไม่เท่ากัน: หากจุดเริ่มต้นได้รับการดำเนินการอย่างรอบคอบแล้วเมื่อสิ้นสุดการเล่นคุณภาพของข้อความจะลดลง การแปลเป็นการแก้ไขเวอร์ชันภาษาเยอรมันอย่างจริงจัง ประการหนึ่ง สิ่งนี้เกิดขึ้นเพราะในสถานที่ที่นักแปลไม่เข้าใจความหมายของข้อความภาษาเยอรมันอย่างถูกต้อง ในทางกลับกันเพราะในบางกรณีพวกเขาจงใจเปลี่ยนความหมายทำให้ใกล้ชิดกับความเป็นจริงของชีวิตรัสเซียมากขึ้น โครงเรื่องได้รับการคัดเลือกโดย Alexei Mikhailovich และการแสดงละครควรจะช่วยกระชับความสัมพันธ์ทางการฑูตกับเปอร์เซีย

ภาษาต้นฉบับของละคร จูดิธ(ชื่อตามรายการอื่นๆ - ตลกจากหนังสือจูดิธและ การกระทำของโฮโลเฟิร์น) ยังเขียนโดย Gregory ยังไม่เป็นที่ยอมรับอย่างแน่นอน มีข้อสันนิษฐานว่าเนื่องมาจากไม่มีเวลาที่จัดสรรไว้สำหรับการเตรียมการแสดง ละครทั้งหมดภายหลัง การกระทำของ Artaxerxes Gregory เขียนเป็นภาษารัสเซียทันที นอกจากนี้ยังแนะนำว่าเวอร์ชั่นดั้งเดิมของเยอรมัน จูดิธแปลเป็นภาษารัสเซียโดย Simeon Polotsky ความคิดเห็นที่พบบ่อยที่สุดคืองานละครเรื่องนี้ซ้ำรูปแบบการเขียน การกระทำของ Artaxerxesและ Germanisms และ Polonisms จำนวนมากในข้อความของเธอเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของกลุ่มนักแปล

บทละครทั้งสองนี้สร้างขึ้นจากการต่อต้านของตัวละครทั้งด้านบวกและด้านลบ ตัวละครของพวกเขานั้นคงที่ โดยเน้นที่ลักษณะเด่นอย่างหนึ่งในแต่ละบท

ไม่ใช่ทุกบทละครของโรงละครศาลได้มาถึงเรา โดยเฉพาะข้อความตลกเกี่ยวกับ Tobias the Younger และ Egor the Brave ที่นำเสนอในปี 1673 รวมถึงคอเมดี้เกี่ยวกับ David กับ Galiad (โกลิอัท) และเกี่ยวกับ Bacchus กับ Venus (1676) ได้สูญหายไป เป็นไปไม่ได้เสมอไปที่จะสร้างผลงานที่แน่นอนของบทละครที่รอดตายได้ ดังนั้น, การกระทำของ Temir-Aksakovo(ชื่ออื่น ๆ - ตลกเล็ก ๆ เกี่ยวกับ Bayazet และ Tamerlane, 1675) สิ่งที่น่าสมเพชและการวางแนวทางศีลธรรมซึ่งถูกกำหนดโดยสงครามระหว่างรัสเซียและตุรกี สันนิษฐานว่าเขียนโดย Y. Gibner นอกจากนี้ สันนิษฐานได้ว่าผู้เขียน (เกรกอรี) ของคอเมดีเรื่องแรกในเรื่องพระคัมภีร์เท่านั้นที่สามารถตั้งชื่อได้: ตลกเล็ก ๆ น้อย ๆ เกี่ยวกับโจเซฟและ หนังตลกที่น่าเศร้าเกี่ยวกับอดัมและอีฟ

นักเขียนบทละครคนแรกของโรงละครในศาลรัสเซียคือนักปราชญ์ S. Polotsky (โศกนาฏกรรม เกี่ยวกับกษัตริย์เนฟคัดเนซซาร์ เกี่ยวกับพระวรกายทองคำและพระโอรสอีกสามคนไม่เผาในถ้ำและ ตลกเกี่ยวกับลูกชายสุรุ่ยสุร่าย). บทละครของเขาโดดเด่นท่ามกลางฉากหลังของละครรัสเซียในศตวรรษที่ 17 การใช้ประเพณีที่ดีที่สุดของละครในโรงเรียน เขาไม่ได้พิจารณาว่าจำเป็นต้องแนะนำตัวเลขเชิงเปรียบเทียบในบทละครของเขา ตัวละครของพวกเขาเป็นเพียงผู้คน ซึ่งทำให้บทละครเหล่านี้เป็นแหล่งที่มาของประเพณีการแสดงละครที่สมจริงของรัสเซีย บทละครของ Polotsky โดดเด่นในเรื่องความกลมกลืนขององค์ประกอบ การขาดความยาว และการโน้มน้าวใจของภาพ ไม่พอใจกับศีลธรรมอันแห้งแล้ง เขาแนะนำบทละครที่ร่าเริง (หรือที่เรียกว่า "วาจา") ในบทละคร ในภาพยนตร์ตลกเกี่ยวกับลูกชายสุรุ่ยสุร่าย เนื้อเรื่องที่ยืมมาจากอุปมาพระกิตติคุณ ฉากแห่งความรื่นเริงและความอัปยศอดสูของตัวเอกมีลิขสิทธิ์ อันที่จริง บทละครของเขามีความเชื่อมโยงระหว่างคริสตจักรของโรงเรียนและการแสดงละครทางโลก

ละครรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18

หลังจากการเสียชีวิตของ Alexei Mikhailovich โรงละครถูกปิดและฟื้นขึ้นมาได้ภายใต้ Peter I เท่านั้น อย่างไรก็ตามการหยุดพัฒนาละครรัสเซียใช้เวลานานขึ้นเล็กน้อย: ในโรงละครของ Peter the Great ส่วนใหญ่เล่นบทแปล จริงอยู่ การกระทำของ panegyric กับบทพูดคนเดียวที่น่าสมเพช นักร้องประสานเสียง ความหลากหลายทางดนตรี และขบวนแห่เคร่งขรึมเริ่มแพร่หลายในเวลานี้ พวกเขายกย่องกิจกรรมของปีเตอร์และตอบสนองต่อเหตุการณ์เฉพาะ ( ชัยชนะของโลกออร์โธดอกซ์, การปลดปล่อยลิโวเนียและอิงเกรียเป็นต้น) แต่ก็ไม่ได้มีอิทธิพลพิเศษต่อการพัฒนาบทละคร ข้อความสำหรับการแสดงเหล่านี้ค่อนข้างถูกนำไปใช้โดยธรรมชาติและไม่ระบุชื่อ ละครรัสเซียเริ่มประสบกับการเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วจากกลางศตวรรษที่ 18 พร้อมกับการก่อตัว โรงละครมืออาชีพที่ต้องการเพลงชาติ

ละครรัสเซียในสมัยก่อนและหลังดูน่าสนใจเมื่อเทียบกับละครยุโรป ยุโรปในศตวรรษที่ 17 - นี่คือความมั่งคั่งในช่วงแรกและในตอนท้าย - วิกฤตของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ก่อให้เกิดการละครที่เป็นผู้ใหญ่สูงสุดซึ่งยอดเขาบางแห่ง (เชคสเปียร์, Moliere) ยังคงไม่มีใครเทียบได้ ถึงเวลานี้ พื้นฐานทางทฤษฎีที่จริงจังสำหรับการแสดงละครและละครเวทีก็พัฒนาขึ้นในยุโรปเช่นกัน ตั้งแต่อริสโตเติลไปจนถึงบอยโล ในรัสเซีย ศตวรรษที่ 17 นี่เป็นเพียงจุดเริ่มต้นของละครวรรณกรรม ช่องว่างทางวัฒนธรรมขนาดใหญ่ตามลำดับเวลานี้ทำให้เกิดผลลัพธ์ที่ขัดแย้งกัน ประการแรก โรงละครรัสเซียและการแสดงละครที่สร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลที่ไม่อาจปฏิเสธได้ของโรงละครตะวันตก ไม่ได้เตรียมการสำหรับการรับรู้และการพัฒนาโปรแกรมความงามแบบองค์รวม อิทธิพลของยุโรปที่มีต่อโรงละครและละครรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ค่อนข้างภายนอกโรงละครพัฒนาเป็นรูปแบบศิลปะโดยทั่วไป อย่างไรก็ตามการพัฒนารูปแบบการแสดงละครของรัสเซียก็เป็นไปตามวิถีทางของตัวเอง ประการที่สอง "ความล่าช้า" ทางประวัติศาสตร์นี้นำไปสู่อัตราที่สูงของการพัฒนาต่อไป เช่นเดียวกับประเภทที่กว้างใหญ่และแนวโวหารของละครรัสเซียที่ตามมา แม้จะมีละครที่เกือบจะสมบูรณ์ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 วัฒนธรรมการละครของรัสเซียพยายามที่จะ "ตาม" ให้ทันกับวัฒนธรรมยุโรปและด้วยเหตุนี้ขั้นตอนทางธรรมชาติทางประวัติศาสตร์จำนวนมากจึงผ่านไปอย่างรวดเร็ว โรงละครของโรงเรียนและโบสถ์ก็เหมือนกัน: ในยุโรปมีประวัติศาสตร์ยาวนานหลายศตวรรษ ในขณะที่ในรัสเซียมีอายุน้อยกว่าหนึ่งศตวรรษ กระบวนการนี้ถูกนำเสนออย่างรวดเร็วยิ่งขึ้นในละครรัสเซียในศตวรรษที่ 18

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 การก่อตัวของความคลาสสิกของรัสเซียเป็นสิ่งที่จำเป็น (ในยุโรปความมั่งคั่งของความคลาสสิกในเวลานี้เป็นเวลานานในอดีต: Corneille เสียชีวิตในปี 1684, Racine - ในปี 1699) V. Trediakovsky และ M. Lomonosov พยายามทำโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิก แต่ ผู้ก่อตั้งคลาสสิกรัสเซีย (และวรรณกรรมรัสเซียโดยทั่วไป) คือ A. Sumarokov ซึ่งในปี 2299 ได้กลายเป็นผู้อำนวยการโรงละครรัสเซียมืออาชีพแห่งแรก เขาเขียนโศกนาฏกรรม 9 เรื่องและคอเมดี้ 12 เรื่องซึ่งเป็นพื้นฐานของละครเพลงในยุค 1750-1760 Sumarokov ยังเป็นเจ้าของงานวรรณกรรมและทฤษฎีของรัสเซียเรื่องแรก โดยเฉพาะใน สาส์นเกี่ยวกับกวีนิพนธ์(1747) เขาปกป้องหลักการที่คล้ายคลึงกับศีลคลาสสิกของ Boileau: การแบ่งประเภทของการแสดงละครที่เข้มงวดการปฏิบัติตาม "สามเอกภาพ" ไม่เหมือนกับนักคลาสสิกชาวฝรั่งเศส Sumarokov ไม่ได้ขึ้นอยู่กับ เรื่องโบราณและในพงศาวดารรัสเซีย ( โคเรฟ, Sinav และ Truvor) และประวัติศาสตร์รัสเซีย ( Dmitry Pretenderและอื่น ๆ.). คนอื่นทำงานในลักษณะเดียวกัน ตัวแทนรายใหญ่ความคลาสสิคของรัสเซีย - N.Nikolev ( โซเรนาและซามีร์), Ya. Knyaznin ( Rosslav, วาดิม นอฟโกรอดสกี้และอื่น ๆ.).

ละครคลาสสิกของรัสเซียมีความแตกต่างจากภาษาฝรั่งเศสอีกประการหนึ่ง: ผู้เขียนโศกนาฏกรรมพร้อมกันเขียนเรื่องตลก สิ่งนี้ทำให้ขอบเขตที่เข้มงวดของความคลาสสิคไม่ชัดเจนและมีส่วนทำให้เกิดเทรนด์ความงามที่หลากหลาย ละครคลาสสิกการศึกษาและอารมณ์อ่อนไหวในรัสเซียไม่ได้แทนที่กันและกัน แต่พัฒนาเกือบพร้อมกัน ความพยายามครั้งแรกในการสร้างตลกเสียดสีนั้นทำโดย Sumarokov ( สัตว์ประหลาด, การทะเลาะวิวาทว่างเปล่า, คนโลภ, สินสอดทองหมั้นโดยหลอกลวง, นาร์ซิสซัสและอื่น ๆ.). ยิ่งกว่านั้น ในคอเมดี้เหล่านี้ เขาใช้อุปกรณ์โวหารของการแลกเปลี่ยนนิทานพื้นบ้านและเรื่องตลก แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่าในงานเชิงทฤษฎีของเขา เขาวิพากษ์วิจารณ์ "เกม" พื้นบ้านก็ตาม ในช่วงปีค.ศ. 1760-1780 ประเภทของการ์ตูนโอเปร่าใช้กันอย่างแพร่หลาย พวกเขายกย่องเธอในฐานะนักคลาสสิก - Knyazhnin ( ปัญหาจากรถขนส่ง, Sbitenshchik, Braggartเป็นต้น), นิโคเลฟ ( โรซาน่าและความรัก) และนักแสดงตลกเสียดสี: I. Krylov ( หม้อกาแฟ) และอื่น ๆ ทิศทางของละครตลกน้ำตาไหลและละครชนชั้นนายทุนน้อยปรากฏขึ้น - V. Lukin ( มด แก้ไขด้วยความรัก), M.Verevkin ( ดังนั้นจึงควร, เหมือนเดิมทุกประการ), P. Plavilshchikov ( Bobyl, Sidelets) และอื่น ๆ ประเภทเหล่านี้มีส่วนทำให้เกิดประชาธิปไตยและเพิ่มความนิยมของโรงละครเท่านั้น แต่ยังเป็นพื้นฐานของโรงละครจิตวิทยาอันเป็นที่รักในรัสเซียด้วยประเพณีของการพัฒนารายละเอียดของตัวละครหลายแง่มุม จุดสุดยอดของละครรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เราสามารถตั้งชื่อคอเมดี้ที่เหมือนจริงของ V. Kapnist ได้แล้ว ( ยาเบดา), ดี. ฟอนวิซินา ( พง,นายพลจัตวา), I. Krylova ( ร้านแฟชั่น, บทเรียนของลูกสาวและอื่น ๆ.). "โศกนาฏกรรมตัวตลก" ของ Krylov ดูน่าสนใจ Trumpf หรือ Podshchipaซึ่งการเสียดสีในรัชสมัยของพอลที่ 1 ถูกรวมเข้ากับการล้อเลียนของเทคนิคคลาสสิก บทละครนี้เขียนขึ้นในปี ค.ศ. 1800 - ใช้เวลาเพียง 53 ปีสำหรับสุนทรียศาสตร์แบบคลาสสิกซึ่งเป็นนวัตกรรมสำหรับรัสเซียที่จะเริ่มถูกมองว่าเป็นของโบราณ Krylov ยังให้ความสนใจกับทฤษฎีการละคร ( หมายเหตุเกี่ยวกับเรื่องตลก« เสียงหัวเราะและความเศร้าโศก», บทวิจารณ์เรื่องตลกโดย A. Klushin« นักเล่นแร่แปรธาตุ» และอื่น ๆ.).

ละครรัสเซียในศตวรรษที่ 19

เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ช่องว่างทางประวัติศาสตร์ระหว่างละครรัสเซียกับละครยุโรปนั้นไม่มีผล นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา โรงละครรัสเซียก็ได้รับการพัฒนาในบริบททั่วไป วัฒนธรรมยุโรป. กระแสความงามที่หลากหลายในละครรัสเซียยังคงรักษาไว้ - อารมณ์อ่อนไหว (N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov ฯลฯ ) เข้ากับโศกนาฏกรรมสุดโรแมนติกแบบคลาสสิก (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy , ฯลฯ ) ละครโคลงสั้น ๆ และอารมณ์ (I. Turgenev) - พร้อมเสียดสีแผ่นพับ (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin) เพลงเบา ตลก และมีไหวพริบเป็นที่นิยม (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F. Koni, V. Karatygin เป็นต้น) แต่ในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นช่วงเวลาของวรรณคดีรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ที่กลายเป็น "ยุคทอง" ของละครรัสเซีย ทำให้ผู้เขียนซึ่งผลงานของเขายังคงรวมอยู่ในกองทุนทองคำของการแสดงละครคลาสสิกระดับโลกในปัจจุบัน

การเล่นประเภทใหม่ครั้งแรกเป็นเรื่องตลกโดย A. Griboyedov วิบัติจากวิทย์. ผู้เขียนประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่งในการพัฒนาองค์ประกอบทั้งหมดของบทละคร: ตัวละคร (ซึ่งความสมจริงทางจิตวิทยาถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างเป็นธรรมชาติด้วย ระดับสูงการพิมพ์) การวางอุบาย (ที่ซึ่งความผันผวนของความรักนั้นสัมพันธ์กับความขัดแย้งทางแพ่งและทางอุดมการณ์อย่างแยกไม่ออก) ภาษา (บทละครเกือบทั้งหมดถูกแยกย้ายกันไปเป็นคำพูดสุภาษิตและสำนวนที่มีปีกซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ในคำพูดที่มีชีวิตชีวาในปัจจุบัน)

ร่ำรวยทางปรัชญาลึกซึ้งและละเอียดอ่อนทางจิตวิทยาและในขณะเดียวกันงานละครของ A. Pushkin ก็มีพลังมหาศาล ( Boris Godunov, โมสาร์ทและซาลิเอรี, อัศวินขี้เมา,แขกหิน, งานเลี้ยงในยามโรคระบาด).

ลวดลายโรแมนติกที่มืดมิด, ธีมของการกบฏรายบุคคล, ลางสังหรณ์ของสัญลักษณ์ฟังดูทรงพลังในละครของ M. Lermontov ( ชาวสเปน, ผู้คนและความสนใจ, สวมหน้ากาก).

ส่วนผสมที่ระเบิดได้ของความสมจริงที่สำคัญกับพิสดารมหัศจรรย์เติมคอเมดี้ที่น่าทึ่งของ N. Gogol ( การแต่งงาน, ผู้เล่น, ผู้สอบบัญชี).

โลกดั้งเดิมขนาดมหึมาปรากฏในบทละครหลากหลายประเภทโดย A. Ostrovsky ซึ่งเป็นตัวแทนของสารานุกรมทั้งหมด ชีวิตชาวรัสเซีย. ในละครของเขาเชี่ยวชาญความลับของอาชีพการละครมากมาย นักแสดงชาวรัสเซียประเพณีแห่งความสมจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่รักในรัสเซียถูกสร้างขึ้นจากบทละครของ Ostrovsky

ขั้นตอนที่สำคัญในการพัฒนาละครรัสเซีย (แม้ว่าจะมีความสำคัญน้อยกว่าร้อยแก้ว) คือบทละครของ L. Tolstoy ( พลังแห่งความมืด, ผลแห่งการตรัสรู้, ชีวิตที่ตายแล้ว).

ละครรัสเซียช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 แนวโน้มความงามใหม่ในการแสดงละครได้รับการพัฒนา อารมณ์ Eschatological ของการเปลี่ยนแปลงของศตวรรษกำหนดการใช้สัญลักษณ์อย่างแพร่หลาย (A. Blok - บูธ,คนแปลกหน้า,กุหลาบและไม้กางเขน,ราชาในจัตุรัส; แอล. อันดรีฟ - มุ่งสู่ดาว,ซาร์-หิว,ชีวิตมนุษย์,อานาเตมะ; น. เอฟไรนอฟ - เผด็จการที่สวยงาม ผู้หญิงคนนั้น; เอฟโซโลกิบ - ชัยชนะแห่งความตาย,การเต้นรำกลางคืน,Vanka Klyuchnik และ Page Jean; วี. บรีซอฟ - นักเดินทาง,ที่ดินและอื่น ๆ.). นักอนาคตนิยม (A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, K. Malevich, V. Mayakovsky) เรียกร้องให้มีการปฏิเสธประเพณีวัฒนธรรมทั้งหมดในอดีตและการสร้างโรงละครใหม่ทั้งหมด ละครเรื่องนี้พัฒนาขึ้นในละครโดย M. Gorky ( ชาวฟิลิสเตีย,ที่ส่วนลึกสุด,ชาวฤดูร้อน, ศัตรู, ล่าสุด, วาสซ่า เซเลซโนวา).

แต่การค้นพบที่แท้จริงของละครรัสเซียในสมัยนั้นซึ่งล้ำหน้ากว่ายุคนั้นมากและเป็นตัวกำหนดทิศทางในการพัฒนาโรงละครโลกต่อไปคือบทละครของ A. Chekhov Ivanov,นกนางนวล,ลุงอีวาน,สามพี่น้อง,สวนเชอร์รี่ไม่เข้ากับระบบดั้งเดิมของประเภทนาฏกรรมและหักล้างหลักการทางทฤษฎีทั้งหมดของบทละคร แทบไม่มีความน่าสนใจในโครงเรื่องเลย - ไม่ว่าในกรณีใด โครงเรื่องไม่เคยมีคุณค่าในการจัดระเบียบ ไม่มีรูปแบบละครแบบดั้งเดิม: โครงเรื่อง - ขึ้นและลง - ข้อไขท้าย; ไม่มีความขัดแย้งแบบ "ตัดขวาง" เพียงอย่างเดียว เหตุการณ์เปลี่ยนมาตราส่วนความหมายอยู่ตลอดเวลา: สิ่งใหญ่ๆ กลายเป็นสิ่งไม่มีนัยสำคัญ และสิ่งเล็ก ๆ น้อย ๆ ทุกวันจะเติบโตไปสู่ระดับโลก ความสัมพันธ์และบทสนทนาของตัวละครสร้างขึ้นจากคำบรรยาย ความหมายทางอารมณ์ ซึ่งไม่เพียงพอต่อเนื้อหา ดูเหมือนว่าคำพูดที่เรียบง่ายและไม่ซับซ้อนจริง ๆ แล้วสร้างขึ้นในระบบโวหารที่ซับซ้อนของ tropes การผกผัน คำถามเชิงวาทศิลป์ การทำซ้ำ ฯลฯ ภาพเหมือนทางจิตวิทยาที่ซับซ้อนที่สุดของตัวละครประกอบด้วยปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน ฮาล์ฟโทน นอกจากนี้ บทละครของเชคอฟยังมีปริศนาเกี่ยวกับละครอยู่ ซึ่งวิธีแก้ปัญหาดังกล่าวได้หลบเลี่ยงโรงละครโลกในศตวรรษที่สอง ดูเหมือนว่าพวกเขาจะปรับให้เข้ากับการตีความกำกับความงามได้หลากหลาย - ตั้งแต่จิตวิทยาเชิงลึก โคลงสั้น ๆ (K. Stanislavsky, P. Stein ฯลฯ ) ไปจนถึงแบบมีเงื่อนไขที่ชัดเจน (G. Tovstonogov, M. Zakharov) แต่ในขณะเดียวกัน เวลาที่พวกเขารักษาความสวยงามและความหมายไม่สิ้นสุด ดังนั้น ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 20 ดูเหมือนสิ่งที่ไม่คาดคิด - แต่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ - เป็นการประกาศของพวกไร้สาระที่เป็นหัวใจของพวกเขา ทิศทางความงามเป็นละครของเชคอฟ

ละครรัสเซียหลังปี 2460

หลังจากการปฏิวัติเดือนตุลาคมและการจัดตั้งการควบคุมโรงละครของรัฐในเวลาต่อมา ความต้องการเพลงใหม่ซึ่งสอดคล้องกับอุดมการณ์สมัยใหม่ก็เกิดขึ้น อย่างไรก็ตาม ละครเรื่องแรกๆ อาจมีเพียงบทเดียวที่มีชื่อในวันนี้ - บัฟลึกลับ V. Mayakovsky (1918) เหมือนกันเลย ละครร่วมสมัยของยุคโซเวียตตอนต้นถูกสร้างขึ้นบน "ความปั่นป่วน" เฉพาะที่สูญเสียความเกี่ยวข้องในช่วงเวลาสั้น ๆ

ละครโซเวียตเรื่องใหม่ซึ่งสะท้อนการต่อสู้ทางชนชั้นเกิดขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1920 ในช่วงเวลานี้นักเขียนบทละครเช่น L. Seifullina เริ่มมีชื่อเสียง ( วิรินียา), อ. เซราฟิโมวิช ( มาเรียนา, บทประพันธ์ของผู้เขียนนวนิยาย กระแสเหล็ก), L.Leonov ( แบดเจอร์), K.Trenev ( Lyubov Yarovaya), บี. ลาฟเรเนฟ ( ความผิดพลาด), V. Ivanov ( รถไฟหุ้มเกราะ 14-69), V. Bill-Belotserkovsky ( พายุ), ดี. เฟอร์มานอฟ ( กบฏ) ฯลฯ การแสดงละครของพวกเขาโดยรวมโดดเด่นด้วยการตีความโรแมนติกของเหตุการณ์ปฏิวัติ การผสมผสานระหว่างโศกนาฏกรรมกับการมองโลกในแง่ดีทางสังคม ในช่วงทศวรรษที่ 1930 V. Vishnevsky เขียนบทละครที่มีการกำหนดชื่อไว้อย่างถูกต้อง ประเภทหลักละครรักชาติใหม่: โศกนาฏกรรมที่มองโลกในแง่ดี(ชื่อนี้ได้เข้ามาแทนที่ตัวเลือกเดิมที่เสแสร้งมากขึ้น - เพลงสรรเสริญกะลาสีเรือและ โศกนาฏกรรมแห่งชัยชนะ).

ประเภทของตลกเสียดสีโซเวียตเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในขั้นตอนแรกของการดำรงอยู่ที่เกี่ยวข้องกับการบอกเลิกของ NEP a: บักและ อาบน้ำวี. มายาคอฟสกี พายแอร์และ จุดสิ้นสุดของ Krivorylskบ.โรมาโชว่า ช็อตก. เบซีเมนสกี้ อาณัติและ การฆ่าตัวตายน. เอิร์ดมัน.

เวทีใหม่ในการพัฒนาละครโซเวียต (เช่นเดียวกับวรรณกรรมประเภทอื่น) ถูกกำหนดโดยสภาคองเกรสครั้งแรกของสหภาพนักเขียน (1934) ซึ่งประกาศวิธีการของสัจนิยมสังคมนิยมว่าเป็นวิธีการสร้างสรรค์หลักของศิลปะ

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 ละครของโซเวียตกำลังมองหาฮีโร่ตัวใหม่ บนเวทีมีการแสดงโดย M. Gorky ( Egor Bulychov และคนอื่น ๆ,Dostigaev และอื่น ๆ). ในช่วงเวลานี้บุคลิกของนักเขียนบทละครเช่น N. Pogodin ได้ก่อตัวขึ้น ( ก้าว,ขวานบทกวี,เพื่อนของฉันและอื่น ๆ), V. Vishnevsky ( นักขี่ม้าคนแรก,ปณิธานสุดท้าย,โศกนาฏกรรมที่มองโลกในแง่ดี), A. Afinogenova ( กลัว,ห่างไกล,Masha), V. Kirshon ( รางมีเสียงดัง ขนมปัง), อ. กรรณิกา ( การตายของฝูงบิน,เพลโต เครเชต์), น. เวอร์ตี้ ( ที่ดิน), แอล. รัคมาโนวา ( วัยชรากระสับกระส่าย), V. Gusev ( ความรุ่งโรจน์), ม.สเวตโลวา ( เรื่องราว,ยี่สิบปีต่อมา), อีกสักครู่ - K. Simonova ( ผู้ชายจากเมืองของเรา,คนรัสเซีย, คำถามภาษารัสเซีย,ที่สี่และอื่น ๆ.). บทละครที่แสดงภาพของเลนินเป็นที่นิยม: คนถือปืนโพโกดิน ความจริงกอร์นชุก, บนฝั่งของเนวา Trenev ภายหลัง - เล่นโดย M. Shatrov ละครสำหรับเด็กเกิดขึ้นและพัฒนาอย่างแข็งขันผู้สร้างคือ A. Brushtein, V. Lyubimova, S. Mikhalkov, S. Marshak, N. Shestakov และคนอื่น ๆ ผลงานของ E. Schwartz โดดเด่นกว่าใครซึ่งมีเรื่องราวเชิงเปรียบเทียบและขัดแย้ง ถูกจ่าหน้าถึงเด็กไม่มาก ผู้ใหญ่กี่คน ซินเดอเรลล่า,เงา,มังกรและอื่น ๆ.). ในช่วงมหาราช สงครามรักชาติค.ศ. 1941-1945 และในช่วงหลังสงครามครั้งแรก ละครรักชาติได้ปรากฏขึ้นอย่างเป็นธรรมชาติทั้งในสมัยใหม่และใน ธีมประวัติศาสตร์. หลังสงคราม บทละครที่อุทิศให้กับการต่อสู้เพื่อสันติภาพระหว่างประเทศเริ่มแพร่หลาย

ในปี 1950 สหภาพโซเวียตออกกฤษฎีกาจำนวนหนึ่งเพื่อพัฒนาคุณภาพของละคร ที่เรียกว่า. "ทฤษฎีการไม่ขัดแย้ง" ซึ่งประกาศความขัดแย้งทางละครที่เป็นไปได้เพียงอย่างเดียว "ดีกับคนดีที่สุด" ความสนใจอย่างแรงกล้าของวงการปกครองในละครสมัยใหม่นั้นไม่เพียงเกิดจากการพิจารณาเชิงอุดมการณ์ทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเหตุผลเพิ่มเติมอีกประการหนึ่งด้วย ละครตามฤดูกาลของโรงละครโซเวียตควรจะประกอบด้วยส่วนเฉพาะ (คลาสสิกรัสเซีย คลาสสิกต่างประเทศ, การแสดงที่อุทิศให้กับวันครบรอบหรือวันหยุด ฯลฯ) อย่างน้อยครึ่งหนึ่งของรอบปฐมทัศน์ต้องเตรียมตามละครสมัยใหม่ เป็นที่พึงปรารถนาที่การแสดงหลักไม่ได้จัดฉากในละครตลกเบา ๆ แต่ในผลงานของเรื่องที่จริงจัง ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ โรงภาพยนตร์ส่วนใหญ่ของประเทศที่กังวลเกี่ยวกับปัญหาของละครดั้งเดิม กำลังมองหาบทละครใหม่ มีการแข่งขันละครสมัยใหม่ทุกปี และนิตยสารเธียเตอร์ได้ตีพิมพ์บทละครใหม่หนึ่งหรือสองเรื่องในแต่ละฉบับ All-Union Agency for Copyright สำหรับการแสดงละครอย่างเป็นทางการ ตีพิมพ์ละครสมัยใหม่หลายร้อยเรื่องต่อปีที่ซื้อและแนะนำสำหรับการแสดงละครโดยกระทรวงวัฒนธรรม อย่างไรก็ตามศูนย์กลางที่น่าสนใจและเป็นที่นิยมที่สุดสำหรับการเผยแพร่ละครสมัยใหม่ในแวดวงการแสดงละครเป็นแหล่งกึ่งทางการ - mashburo ของ WTO (All-Union Theatre Society ต่อมาเปลี่ยนชื่อเป็น Union of Theatre Workers) ความแปลกใหม่ของการแสดงละครรวมตัวกันที่นั่น - ทั้งได้รับการอนุมัติอย่างเป็นทางการและไม่ใช่ พนักงานพิมพ์ดีดพิมพ์ข้อความใหม่ โดยเสียค่าธรรมเนียมเล็กน้อย คนพิมพ์ดีดจะได้งานเขียนใหม่ๆ เกือบทั้งหมดจากพนักงานพิมพ์ดีด

เพิ่มขึ้นทั่วไป ศิลปะการละครในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ทำให้เกิดการละครขึ้น ผลงานของนักเขียนที่มีความสามารถหน้าใหม่ปรากฏขึ้น หลายงานกำหนดเส้นทางหลักสำหรับการพัฒนาละครในทศวรรษหน้า ในช่วงเวลานี้มีการสร้างบุคลิกของนักเขียนบทละครสามคนซึ่งมีการแสดงละครมากมายตลอดยุคโซเวียต - V. Rozov, A. Volodin, A. Arbuzov Arbuzov เปิดตัวครั้งแรกในปี 1939 ด้วยบทละคร ทันย่าและสอดคล้องกับผู้ชมและผู้อ่านมาหลายสิบปี แน่นอนว่าเพลงของทศวรรษ 1950-1960 ไม่ได้จำกัดอยู่แค่ชื่อเหล่านี้ L. Zorin, S. Aleshin, I. Shtok, A. Stein, K. Finn, S. Mikhalkov, A. Sofronov, A. Salynsky ทำงานอย่างแข็งขัน ในละคร , Yu. Miroshnichenko ฯลฯ จำนวนการผลิตที่ใหญ่ที่สุดในโรงภาพยนตร์ของประเทศเป็นเวลาสองหรือสามทศวรรษคิดเป็นคอเมดี้ที่ไม่อวดดีของ V. Konstantinov และ B. Racer ซึ่งทำงานร่วมกัน อย่างไรก็ตาม บทละครส่วนใหญ่ของผู้แต่งเหล่านี้ล้วนเป็นที่รู้จักในปัจจุบันเฉพาะนักประวัติศาสตร์การละครเท่านั้น ผลงานของ Rozov, Arbuzov และ Volodin เข้าสู่กองทุนทองคำของคลาสสิกรัสเซียและโซเวียต

ปลายทศวรรษ 1950 - ต้นทศวรรษ 1970 โดดเด่นด้วยบุคลิกที่สดใสของ A. Vampilov ในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา เขาเขียนบทละครเพียงไม่กี่เรื่อง: ลาก่อนเดือนมิถุนายน,ลูกชายคนโต,ล่าเป็ด,เรื่องขำๆจังหวัด(ยี่สิบนาทีกับนางฟ้าและ คดีกับเพจมหานคร), ฤดูร้อนปีที่แล้วใน Chulimskและเพลงที่ยังไม่เสร็จ เคล็ดลับที่หาตัวจับยาก. เมื่อกลับไปสู่ความงามของ Chekhov Vampilov ได้กำหนดทิศทางสำหรับการพัฒนาละครรัสเซียในอีกสองทศวรรษข้างหน้า ความสำเร็จอันน่าทึ่งที่สำคัญของทศวรรษ 1970-1980 ในรัสเซียเกี่ยวข้องกับประเภทโศกนาฏกรรม เหล่านี้เป็นบทละครโดย E. Radzinsky, L. Petrushevskaya, A. Sokolova, L. Razumovskaya, M. Roshchin, A. Galin, Gr. Gorin, A. Chervinsky, A. Smirnov, V. Slavkin, A. Kazantsev, S. Zlotnikov , N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina และคนอื่น ๆ สุนทรียศาสตร์ของ Vampilov มีผลกระทบทางอ้อม ลวดลายที่น่าเศร้านั้นชัดเจนในบทละครของเวลานั้นที่เขียนโดย V. Rozov ( หมูป่า), อ. โวโลดิน ( ลูกศรสองลูก,กิ้งก่า, สคริปต์ภาพยนตร์ มาราธอนฤดูใบไม้ร่วง) และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง A. Arbuzov ( งานฉลองของฉันสำหรับดวงตา,วันสุขของชายผู้โชคร้าย,เรื่องเล่าของอารบัตเก่า,ในบ้านหลังเก่าอันแสนหวานแห่งนี้,ผู้ชนะ,เกมโหดร้าย).

ไม่ใช่ทุกบทละครโดยเฉพาะนักเขียนบทละครรุ่นเยาว์ที่จะเข้าถึงผู้ชมในทันที อย่างไรก็ตาม ทั้งในขณะนั้นและหลังจากนั้น มีโครงสร้างเชิงสร้างสรรค์มากมายที่รวมเอานักเขียนบทละครเข้าไว้ด้วยกัน: Experimental Creative Laboratory at the Theatre พุชกินสำหรับนักเขียนบทละครจากภูมิภาคโวลก้า, ภูมิภาคที่ไม่ใช่แบล็กเอิร์ ธ และทางใต้ของ RSFSR; ห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์เชิงทดลองของนักเขียนบทละครจากไซบีเรีย เทือกเขาอูราล และตะวันออกไกล การสัมมนาจัดขึ้นในรัฐบอลติกในบ้านแห่งความคิดสร้างสรรค์ในรัสเซีย ในมอสโก "ศูนย์การละครและการกำกับ" ถูกสร้างขึ้น; ฯลฯ ตั้งแต่ปี 1982 ปูม "ละครสมัยใหม่" ได้รับการตีพิมพ์เผยแพร่ตำราละคร นักเขียนร่วมสมัยและวัสดุในการวิเคราะห์ ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 นักเขียนบทละครแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้ก่อตั้งสมาคมของตนเองขึ้น - "The Playwright's House" ในปี 2545 สมาคมหน้ากากทองคำ, Theatre.doc และโรงละครศิลปะมอสโกที่ตั้งชื่อตามเชคอฟได้จัดเทศกาลละครใหม่ประจำปี ในสมาคมเหล่านี้ ห้องปฏิบัติการ การแข่งขัน นักเขียนบทละครรุ่นใหม่ซึ่งได้รับชื่อเสียงในยุคหลังโซเวียต: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. และ V. Presnyakovs, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk, A. Obraztsov, I. Shprits และอื่น ๆ

อย่างไรก็ตาม นักวิจารณ์ชี้ให้เห็นว่าสถานการณ์ที่ขัดแย้งกันได้เกิดขึ้นในรัสเซียในปัจจุบัน นั่นคือ โรงละครสมัยใหม่และการแสดงละครสมัยใหม่ อย่างที่เคยเป็นมา โดยแยกออกจากกัน การค้นหาไดเรกทอรีที่มีรายละเอียดสูงที่สุดในช่วงต้นศตวรรษที่ 21 ที่เกี่ยวข้องกับการผลิตละครคลาสสิก ในทางกลับกัน Dramaturgy สมัยใหม่ทำการทดลองเพิ่มเติม "บนกระดาษ" และในพื้นที่เสมือนของอินเทอร์เน็ต

Tatyana Shabalina

วรรณกรรม:

Vsevolodsky-Gerngros V. ละครพื้นบ้านช่องปากรัสเซีย.ม., 2502
Chudakov A.P. กวีนิพนธ์ของเชคอฟ. ม., 1971
Krupyanska V. ละครพื้นบ้าน "เรือ" (กำเนิดและประวัติศาสตร์วรรณกรรม)ในวันเสาร์ คติชนวิทยาสลาฟ. ม., 1972
ละครรัสเซียตอนต้น(XVII - ครึ่งแรก XVIII วี). ททท. 1–2. ม., 1972
ลักษณ ว. อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช ออสตรอฟสกี. ม., 1976
Gusev V. โรงละครนิทานพื้นบ้านรัสเซียในศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 20 L., 1980
โรงละครพื้นบ้าน. ม., 2531
Uvarova I. , Novatsky V. และเรือก็ลอยม., 1993
ซาสลาฟสกี้ จี. "ละครกระดาษ": เปรี้ยวจี๊ด, กองหลังหรือใต้ดินของโรงละครสมัยใหม่?"แบนเนอร์" 2542 ฉบับที่ 9
ชาคูลิน่า โอ. ตามกระแสดราม่าเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก...วารสาร "Theatrical Life", 1999, No. 1
โคโลบาเอวา แอล. สัญลักษณ์รัสเซีย. ม., 2000
Polotskaya E.A. เกี่ยวกับบทกวีของเชคอฟ. ม., 2000
Ischuk-Fadeeva N.I. ประเภทของละครรัสเซียตเวียร์, 2003

วัฒนธรรมยุคกลางอย่างที่พวกเขาพูดเกิดขึ้นบนซากปรักหักพังของวัฒนธรรมโบราณ จักรวรรดิโรมันซึ่งรวบรวมชนชาติเล็กๆ จำนวนมากจากเกือบทั้งหมดของยุโรปได้ในศตวรรษที่ 5 น. อี ถูกพรากจากความขัดแย้งภายใน การโจมตีไม่รู้จบของชาวป่าเถื่อน (จากภาษาละติน barba - เครา) ในที่สุดก็ทำลายอาณาจักรอันทรงพลังนี้ มันมาจากศตวรรษที่ 5 ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมยุคกลางเริ่มต้นขึ้นและยุควัฒนธรรมโบราณสิ้นสุดลง บางครั้งการเริ่มต้นของวัฒนธรรมยุคกลางถือได้ว่าเป็นการประสูติของพระคริสต์เพราะเป็นสิ่งที่เริ่มไม่เพียง แต่โลกทัศน์ใหม่และทัศนคติใหม่ต่อโลก แต่ยังรวมถึงการก่อตัวของสังคมใหม่: วัฒนธรรมรูปแบบใหม่เริ่มถือกำเนิด ทัศนคติใหม่ต่อมนุษย์ก็เกิดขึ้น

วรรณกรรม ยุคกลางของยุโรปตะวันตกมันมีความหลากหลายมากและในแง่ของประเภท อย่างแรกเลย เราสามารถระบุถึงตำนานและเรื่องเล่าในสมัยนอกรีตจำนวนมาก ซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้โดยชาวยุโรปทุกคน แต่พงศาวดารทางประวัติศาสตร์มากมายและนวนิยายอัศวินที่มีชื่อเสียงที่สุดและอื่น ๆ ก็เป็นของมันเช่นกัน กวีนิพนธ์ของชาววากันเตก็ถูกสร้างขึ้นในภาษาละตินเช่นกัน (ชาววากันเตเป็นชนเผ่าของนักวิชาการที่หลงทาง นักเรียนในยุคกลาง) กวีนิพนธ์ของชาววากันเตเป็นกลอนภาษาลาตินของนักบวชที่เรียนรู้ ส่วนใหญ่ร้องเพลงถึงความสุขของชีวิตและศีลธรรมอันเลวร้ายของคริสตจักร

St. Gregory (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 6) มีชื่อเล่นว่า "Dvoeslov" มาจากตระกูลโรมผู้สูงศักดิ์ เขาได้ถวายสัตย์ปฏิญาณตนเป็นนักบวชในวัยหนุ่ม เป็นเจ้าอาวาสวัดหลายแห่ง ในปี ค.ศ. 590 เขาได้รับเลือกเป็นบิชอปแห่งโรม (โป๊ป) และอยู่กับเขาเป็นเวลา 14 ปี จากผลงานของเขา คอลเล็กชั่นเรื่องราวเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ของนักพรตและนักบุญชาวอิตาลีมีชื่อเสียงเป็นพิเศษ เรื่องราวถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของการสนทนาระหว่าง St. Gregory กับ Peter ลูกศิษย์ของเขา [p.431, 4]

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครยุคกลางของยุโรปตะวันตก สองช่วงเวลามีความโดดเด่นอย่างชัดเจน: ต้น - ศตวรรษ V-XI และครบกำหนด - ศตวรรษที่สิบสอง - สิบสี่ ช่วงแรกมีลักษณะเป็นวันหยุดพื้นบ้านประเภทต่างๆ ที่มีองค์ประกอบของการแสดงละคร ซึ่งมักเกี่ยวข้องกับพิธีกรรมนอกรีต (และถูกเบียดเบียนโดยคริสตจักร) และความลึกลับทางพิธีกรรม (คล้ายกับไบแซนไทน์)

ในศตวรรษที่ XII ในเกือบทุกประเทศ ยุโรปตะวันตกมีนักแสดงมืออาชีพย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่งและส่วนใหญ่มักจะแสดงในจัตุรัสกลางเมือง ในฝรั่งเศสเรียกว่า histriions ในเยอรมนีเรียกว่า spielmans ในโปแลนด์เรียกว่า dandies เป็นต้น ทีละน้อยท่ามกลางประวัติศาสตร์ "การแบ่งงาน" เกิดขึ้น: นักแสดงตลกตัวตลกโดดเด่นซึ่งมีศิลปะอยู่ใกล้กับคณะละครสัตว์และนักเล่นปาหี่ซึ่งเป็นนักเล่าเรื่องนักร้องและนักดนตรีในทางกลับกันนักร้องก็โดดเด่น - นักเขียน และผู้แสดงกวีนิพนธ์ บัลลาด และกวีนิพนธ์

นักเขียนบทละครในยุคกลางของยุโรปตะวันตกคนแรกคือ Adam de La Halle (ประมาณ 1238 ประมาณปี 1287) ซึ่งมีบทละครที่ผสมผสานกับเรื่องเสียดสีและชีวิตประจำวัน [หน้า445, 4]

วันหยุดบางเทศกาลมีชื่อเสียงในด้านการแสดงละคร เช่น ขบวนไปโบสถ์ใน ปาล์มซันเดย์. บทร้องประสานเสียงหรือบทสนทนาที่มีคำถามและคำตอบ บทร้องหมู่และเสียงตามบัญญัติก็เหมือนกับการแสดงละครที่เชิดชูการอัศจรรย์ของพระเจ้าหรือนักบุญบางคน ในปี 970 มีบันทึกคำแนะนำหรือแนวทางปฏิบัติสำหรับการดำเนินการดังกล่าว ดราม่าในระหว่างขบวนแห่หรือวันหยุด รวมคำอธิบายของเครื่องแต่งกาย โครงเรื่อง ท่าทาง ฉากการแสดง

การพัฒนาบทละครต่อเนื่องเป็นเวลาสองร้อยปี ในตอนแรก เสื้อคลุมของโบสถ์ถูกใช้เป็นเครื่องแต่งกาย และรายละเอียดทางสถาปัตยกรรมที่มีอยู่ของโบสถ์ถูกใช้เป็นทิวทัศน์ แต่ต่อมาได้มีการประดิษฐ์เครื่องแต่งกายพิเศษและรายละเอียดการตกแต่ง การแสดงบนเวที. การแสดงละครซึ่งเป็นการแสดงที่น่าตื่นตาตื่นใจที่สุดงานหนึ่ง ทำให้คนที่ไม่รู้หนังสือสามารถศึกษาเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลได้ บทละครเหล่านี้เรียกว่าต่างกัน - กิเลสตัณหา (ความหลงใหล) และปาฏิหาริย์ (ปาฏิหาริย์) บทละครเป็นเชิงเปรียบเทียบ และเป้าหมายหลักของพวกเขาคือการแสดงความรอดของเผ่าพันธุ์มนุษย์ให้เป็นละคร

ในศตวรรษที่ XIV-XV การแสดงละครเป็นที่นิยมมากขึ้นเรื่อยๆ อย่างแรกคือเรื่องตลกที่มีลักษณะฆราวาสและเหน็บแนมอย่างหมดจด ปาฏิหาริย์ซึ่งมีภาพเหน็บแนม ภาพวาดของใช้ในครัวเรือนสลับกับการแทรกแซงอันน่าอัศจรรย์ของนักบุญและพระเจ้าเอง และความลึกลับเกี่ยวกับศาสนา พวกเขาไม่ได้แสดงให้เห็นในโบสถ์และไม่ใช่แม้แต่บนระเบียงโบสถ์ แต่ในจัตุรัสกลางเมือง - เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าการประชุมเชิงปฏิบัติการในเมืองและเจ้าหน้าที่ของเมืองเป็นลูกค้าของความลึกลับ แต่แน่นอนว่า ความลึกลับอยู่ภายใต้การควบคุมของคริสตจักร มีสามรูปแบบหลักในการไขปริศนา ประการแรกรถเข็นสามารถผ่านผู้ชมได้ซึ่งมีการแสดงความลึกลับในแต่ละตอน ประการที่สอง ความลึกลับสามารถแสดงบนแพลตฟอร์มวงกลมพิเศษ: ที่นี่การกระทำเกิดขึ้นในสถานที่ต่าง ๆ บนแพลตฟอร์มเช่นเดียวกับบนพื้นดิน - ในใจกลางของวงกลมที่เกิดจากแพลตฟอร์มนี้ และประการที่สามบนแท่นสี่เหลี่ยมในกรณีนี้มีการติดตั้งของประดับตกแต่งในรูปแบบของศาลาซึ่งแสดงถึงวัตถุที่ต้องการ ถ้ามันเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจว่ามันคืออะไรโดยการปรากฏตัวของมันจารึกคำอธิบายก็แขวนอยู่บนนั้น: "สวรรค์", "นรก", "วัง" ฯลฯ ใช้เอฟเฟกต์บนเวทีมากมายระหว่างการแสดง ข้อความของความลึกลับมักจะกลอนสด ดังนั้นข้อความที่รอดตายไม่ได้ให้ความคิดที่แท้จริงเกี่ยวกับธรรมชาติของบทละครโดยรวม ในปี ค.ศ. 1548 ในฝรั่งเศส ความลึกลับถูกห้าม - เนื่องจากองค์ประกอบที่สำคัญอย่างยิ่งในพวกเขา [หน้า445, 4]

หลักการหลักหรือความจริงหลัก (คุณค่า) ของวัฒนธรรมของยุโรปตะวันตกในยุคกลางคือพระเจ้า

เริ่มตั้งแต่ราวพุทธศตวรรษที่ 16 หลักการใหม่กลายเป็นความโดดเด่นและด้วยวัฒนธรรมที่อยู่บนพื้นฐานของมัน ดังนั้นรูปแบบที่ทันสมัยของวัฒนธรรมของเราจึงเกิดขึ้น - วัฒนธรรมที่เกี่ยวกับประสาทสัมผัส ประสบการณ์ ฆราวาส และ "สอดคล้องกับโลกนี้" เธอสามารถเรียกได้ว่าเย้ายวน

ละครรัสเซีย

ที่มาของละครรัสเซียสามารถนำมาประกอบกับการผลิตของโรงละครในศาลภายใต้ Alexei Mikhailovich (1672-1676) ได้ไม่มากเพราะ โดยพื้นฐานแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นบทละครของพระไตรปิฎกเท่าใด ละครโรงเรียน. ผู้ก่อตั้งคือ Simeon of Polotsk นักปราชญ์ที่เขียนบทละครตามเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิล

ละครรัสเซียเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันในศตวรรษที่ 18 และตามละครยุโรปโดยทั่วไป ตัวแทนคนแรกของคลาสสิกรัสเซียคือ A.P. Sumarokov ผู้มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวและพัฒนาโรงละครรัสเซีย โศกนาฏกรรมของ Sumarokov ส่วนใหญ่เขียนเกี่ยวกับประเด็นทางประวัติศาสตร์ ในตัวพวกเขา ตัวละครหลักมักจะเป็นผู้นำเสนอความคิดบางอย่างมากกว่าตัวละครในประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจง ตรงกันข้ามกับความคลาสสิก เขาแนะนำการแสดงโดยตรง แทนที่จะเป็นเรื่องราวเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นเบื้องหลัง เขายังแนะนำม่านโต้ตอบ เอฟเฟกต์เสียง คำพูดมีแนวโน้มที่จะเข้าใกล้การสนทนา อย่างไรก็ตาม การมุ่งความสนใจไปที่กฎของลัทธิคลาสสิกและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของ Moliere นั้นค่อนข้างชัดเจน จุดสุดยอดของการพัฒนาบทละครคลาสสิกคือผลงานของ D.I. ฟอนวิซิน ในทางกลับกัน เขาถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งทิศทางใหม่ในโรงละครรัสเซีย - ความสมจริงที่สำคัญ เขาไม่ได้มีส่วนสำคัญต่อเทคโนโลยีการละคร แต่เป็นครั้งแรกที่เขาแสดงภาพชีวิตรัสเซียที่เชื่อถือได้ซึ่งในอนาคตจะเป็นวิธีการทางศิลปะระดับชาติ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบแปด ประเภทตลกกำลังเพิ่มขึ้น นักเขียนบทละคร Ya.B. Knyaznin, V.V. Kapnist, ไอ.เอ. Krylov พัฒนาทิศทางใหม่ - ตลกเสียดสีที่พวกเขาวิพากษ์วิจารณ์สังคมอันสูงส่งและความชั่วร้ายของมัน เอ็น.เอ็น. Nikolev และ Ya.B. Knyazhnin สร้าง "โศกนาฏกรรมทางการเมือง" ในเวลาเดียวกัน "ละครตลกน้ำตา" และ "ละครฟิลิปปินส์" ก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งเป็นตัวแทนของทิศทางใหม่บนเวทีรัสเซีย - อารมณ์อ่อนไหว ตัวแทนที่สดใสของเทรนด์นี้คือ V.I. Lukin และ M.M. เครสคอฟ. สถานที่สำคัญในละครของโรงละครรัสเซียในช่วงต้นยุค 70 XVIII ครอบครองโอเปร่าการ์ตูน มันดูไม่เหมือนการแสดงโอเปร่า จริงๆ แล้วมันเป็นละครที่มีทั้งเสียงร้อง ร้องเดี่ยว ร้องประสานเสียง และฉากเต้นรำ วีรบุรุษเป็นชาวนาและ raznochintsy

ในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX ละครของโรงละครรัสเซียมีความหลากหลายและมีสีสัน แนวความคิดที่กล้าหาญและรักชาติมีชัยในช่วงสงครามนโปเลียนและในขณะเดียวกันก็มีการสร้างประเภทการแสดงละครขึ้นใหม่ซึ่งเรียกว่า "การกระจายความรักชาติของประชาชน" ปัญหาทางสังคมและการเมืองที่สร้างความกังวลให้กับกลุ่มขุนนางขั้นสูงสะท้อนให้เห็นในโศกนาฏกรรมของ V.A. โอเซรอฟ ความสำเร็จของพวกเขาขึ้นอยู่กับความเกี่ยวข้องทางการเมือง ประเภทตลกในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19 แสดงโดยตลกเสียดสี (I.A. Krylov, A.A. Shakhovsky, M.N. Zagoskin) และตลก "ขุนนาง" หรือ "ฆราวาส" (N.I. Khmelnitsky) ในศตวรรษที่ 19 ในการแสดงละครประเพณีของละครการศึกษากฎของความคลาสสิคยังคงถูกสังเกต แต่ในขณะเดียวกันลวดลายทางอารมณ์ก็เริ่มแทรกซึมเข้าไป ในช่วงไตรมาสแรก ก่อนการจลาจลของ Decembrist เรื่องราวดราม่าแนวใหม่ก็เกิดขึ้น ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของเทรนด์นี้คือ A.S. กรีโบเยดอฟ หน้าพิเศษในประวัติศาสตร์ละครรัสเซียถูกครอบครองโดยงานของ A.S. พุชกินซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อประวัติศาสตร์โรงละครที่ตามมาทั้งหมด

ภายในกลางศตวรรษที่ XIX แนวโรแมนติกในละครรัสเซียแสดงโดยงานของ M.Yu Lermontov แต่ในขณะเดียวกันเพลงประโลมโลกและเพลงก็ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ (D.T. Lensky, P.A. Karatygin, F.A. Koni) เพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเพลง "ด้วยการแต่งตัว" ซึ่งส่วนใหญ่เป็นเพลงฝรั่งเศสที่แต่งใหม่ในแบบรัสเซีย บนเวทีอเล็กซานเดรียในยุค 40 มีการจัดแสดงเพลงมากถึง 100 เพลงต่อฤดูกาล ความซาบซึ้งและความโรแมนติกเป็นช่วงเวลาที่สั้นเกินไปในประวัติศาสตร์ละครรัสเซีย จากความคลาสสิก เธอก้าวเข้าสู่ความสมจริงทันที ตัวแทนของทิศทางใหม่ - ความสมจริงที่สำคัญ - ในละครและละครคือ N.V. โกกอล นอกจากนี้เขายังเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของโรงละครในฐานะนักทฤษฎีที่ยืนกรานในสุนทรียศาสตร์ที่สมจริงและบทบาททางศีลธรรมและการศึกษาของโรงละครธรรมชาติทางสังคมของความขัดแย้งในการเล่น

ความสมจริงกลายเป็นรูปแบบที่โดดเด่นในโรงละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทีละน้อย ตัวแทนที่โดดเด่นของเทรนด์นี้คือ A.N. ออสทรอฟสกี้ บทละครของเขากลายเป็นพื้นฐานของละครรัสเซียทั้งในเวลาของเขาและในเวลาต่อมา Ostrovsky เขียนบทละคร 47 เรื่องนี่คือ - ละครประวัติศาสตร์, ตลกเสียดสี, ละคร "ฉากจากชีวิต", เทพนิยาย. เขาแนะนำฮีโร่ใหม่เข้าสู่ละครเรื่องนี้ - พ่อค้า-ผู้ประกอบการ; กระฉับกระเฉงมีพลังสามารถสร้างนักผจญภัยทุน นักแสดงระดับจังหวัด ฯลฯ ในบั้นปลายชีวิตของเขา ในฐานะหนึ่งในผู้กำกับของ Imperial Theatres ซึ่งรับผิดชอบด้านละคร เขาได้เปลี่ยนแปลงประโยชน์มากมายในการพัฒนาโรงละครรัสเซีย ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX โรงละครได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวคิดปฏิวัติและแนวคิดประชานิยมไปพร้อม ๆ กับรสนิยมของชนชั้นนายทุน ช่วงนี้แพร่ระบาด คอเมดี้ฝรั่งเศสลาบิชา, สารดู. V. Krylov, I. Shpazhinsky, P. Nevezhin, N. Solovyov ผู้เขียนหัวข้อที่ทันสมัย: ความรักขึ้น ๆ ลง ๆ ระหว่างตัวแทนของชนชั้นต่าง ๆ กลายเป็นนักเขียนบทละครในประเทศที่มีละครมากที่สุด แอล.เอ็น. ตอลสตอยเปิดหน้าใหม่ในละครรัสเซีย ความพยายามส่วนตัวที่ยากลำบากของเขาในการค้นหาความจริง วิถีแห่งความดีงาม และความยุติธรรมทั่วไป ซึ่งจบลงด้วยคำสาปแช่ง สะท้อนให้เห็นในละครหลายเรื่อง ในตัวพวกเขา เขาสร้างความขัดแย้งในการปะทะกันของความจริงของมนุษย์และความจริง "ทางการ"

รัสเซียในศตวรรษที่ยี่สิบเริ่มกำหนดโทนเสียงไม่เพียง แต่ในละคร แต่ยังรวมถึงในโรงละครด้วย สาเหตุหลักมาจากผลงานของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์และกลุ่มนักเขียนบทละครที่เขาเกี่ยวข้อง โรงละครรัสเซียทำให้โลกทั้งกาแล็กซี่ของนักเขียนบทละครที่โดดเด่น ในหมู่พวกเขา ที่แรกต้องเป็นของ A.P. เชคอฟ งานของเขาเป็นจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่เชิงคุณภาพในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซียไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโรงละครในยุโรปด้วย เอ.พี. เชคอฟแม้ว่าจะถือว่าเป็นสัญลักษณ์มากกว่า แต่ก็ยังมีลักษณะทางธรรมชาติบางอย่างในบทละครของเขาและมักถูกตีความว่าเป็นนักธรรมชาติวิทยาในสมัยของเขา เขานำความขัดแย้งรูปแบบใหม่มาสู่การละคร เป็นการสร้างและพัฒนารูปแบบใหม่ สร้างแผนที่สอง โซนแห่งความเงียบงัน คำบรรยาย และอุปกรณ์การละครอื่นๆ อีกมากมาย อิทธิพลของเขาที่มีต่อละครในศตวรรษที่ยี่สิบ (โดยเฉพาะภาษารัสเซีย) มีความสำคัญมาก

Gorky น. ไม่จำกัดแค่การแสดงละคร ปัญหาสังคม. พระองค์ทรงวางรากฐานสำหรับสิ่งใหม่ วิธีการทางศิลปะในงานศิลปะ - สัจนิยมสังคมนิยม เขาอธิบายแนวความคิดที่ปฏิวัติตัวเองด้วยเรื่องโรแมนติกที่น่าสมเพช ยกย่องการกบฏที่เกิดขึ้นเองโดยธรรมชาติ โดยพื้นฐานแล้วเชื่อว่าไม่มีพระเจ้า เห็นได้ชัดว่าเรียกร้องให้มีการปฏิวัติสำเร็จ กระนั้นก็ตาม เขาไม่ยอมรับมัน ที่นี่เราจะเห็นว่าเขาไม่เข้าใจศิลปะและความเป็นจริงที่แท้จริงอย่างเพียงพอได้อย่างไร ช่วงที่สองของการทำงาน หลังจากกลับจากการย้ายถิ่นฐาน เป็นหน้าสั้น ๆ แต่น่าสลดใจในชีวิตของเขา

บทละครของ L. Andreev มุ่งไปที่สัญลักษณ์ แต่พวกเขาไม่ใช่สัญลักษณ์ในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุด พวกเขาแสดงความซับซ้อนและความคลุมเครือทั้งหมดของงานของ Andreev บางครั้งเขาอยู่ในกำมือของแนวคิดปฏิวัติ แต่ภายหลังเปลี่ยนมุมมองของเขา ลักษณะทั่วไปของตัวละคร ความคร่าวๆ ของการปะทะกันหลัก การตั้งค่าและภาพที่ยอดเยี่ยม ความอิ่มเอมใจและความน่าสมเพชของการมีอยู่ของตัวละคร ทั้งหมดนี้ทำให้ละครของเขาใกล้ชิดกับโรงละครแห่งการแสดงออกมากขึ้น Andreev เองเรียกทิศทางของเขาในโรงละครจิตนิยม ในละครเรื่อง "The Life of a Man" เขาลบทิศทางของเวทีซึ่งจากมุมมองของเทคโนโลยีการละครเป็นการปฏิวัติในตัวเอง แนะนำผู้บรรยาย - คนในชุดสีเทา ภาพที่ยอดเยี่ยมของหญิงชรา ฯลฯ แต่งานของเขาไม่ได้มีอิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนในการแสดงละคร เขาเป็นข้อยกเว้นสำหรับกฎทั่วไปที่เป็นจริงในสมัยนั้น

ละครรัสเซียหลังปี 1917 ภายใต้อิทธิพลของระบบที่มีอยู่ในรัสเซีย ส่วนใหญ่พัฒนาให้สอดคล้องกับสิ่งที่เรียกว่าสัจนิยมสังคมนิยม (ผลิตผลของกอร์กี) และโดยรวมแล้วไม่ได้สนใจเป็นพิเศษ ควรเน้นเฉพาะ M. Bulgakov, N. Erdman และ E. Schwartz เนื่องจากอาจเป็นคนเดียวที่สานต่อประเพณีของละครรัสเซีย พวกเขาทั้งหมดอยู่ภายใต้การเซ็นเซอร์ที่เข้มงวด ชีวิตที่สร้างสรรค์และชีวิตส่วนตัวของพวกเขานั้นน่าทึ่งมาก

ข้อมูลที่คล้ายกัน

เช่นเดียวกับวรรณคดีรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ การแสดงละครมีจิตวิญญาณของความเป็นพหุนิยมด้านสุนทรียศาสตร์ที่โดดเด่น นำเสนอความสมจริง ความทันสมัย ​​ลัทธิหลังสมัยใหม่ ตัวแทนจากรุ่นต่างๆ มีส่วนร่วมในการสร้างละครสมัยใหม่: Petrushevskaya, Arbatova, Kazantsev ในที่สุดก็ได้รับรองตัวแทนของคลื่นหลัง Vampilian, Prigov, Sorokin ผู้สร้างละครหลังสมัยใหม่รวมถึงตัวแทนของละครยุค 90 นักเขียนบทละคร Ugarov, Grishkovets, Dragunskaya, Mikhailova, Slapovsky, Kurochkin และคนอื่น ๆ สามารถดึงดูดความสนใจให้กับตัวเองได้ - กาแลคซีทั้งหมดของผู้เขียนที่น่าสนใจและแตกต่างกัน

สาระสำคัญของการแสดงละครสมัยใหม่คือมนุษย์และสังคม ความทันสมัยบนใบหน้าสะท้อนให้เห็นถึงการทำงานของนักเขียนบทละครที่สมจริง เราสามารถอ้างถึงงานเช่น "การแข่งขัน" โดย Alexander Galin "ความหลงใหลในฝรั่งเศสที่กระท่อมใกล้มอสโก" โดย Razumovskaya "การสัมภาษณ์ทดลองในหัวข้อเสรีภาพ" โดย Arbatova และอื่น ๆ อีกมากมาย Maria Arbatova สามารถกระตุ้นความสนใจสูงสุดจากตัวแทนของละครที่เหมือนจริงในปี 1990 ด้วยประเด็นสตรีนิยมใหม่สำหรับวรรณคดีรัสเซีย

สตรีนิยมต่อสู้เพื่อความเป็นอิสระและความเท่าเทียมกันของผู้หญิง ในปี 1990 จะรู้สึกถึงแนวทางทางเพศในประเด็นนี้ การแปลตามตัวอักษรของคำว่า "เพศ" คือ "เพศ" แต่ในกรณีนี้ เพศไม่เพียงเข้าใจว่าเป็นปัจจัยทางชีวฟิสิกส์เท่านั้น แต่ยังเป็นปัจจัยทางสังคมและวัฒนธรรมที่สร้างแบบแผนบางอย่างของชายและหญิง ตามเนื้อผ้าในประวัติศาสตร์โลกในช่วงพันปีที่ผ่านมาผู้หญิงได้รับตำแหน่งรองและคำว่า "ผู้ชาย" ในทุกภาษาเป็นเพศชาย

ในการปราศรัยครั้งหนึ่งในการตอบสนองต่อคำว่า "มีการปลดปล่อยในรัสเซียแล้วทำไมคุณถึงทำลายประตูที่เปิดอยู่" Arbatova กล่าวว่า: “เพื่อที่จะพูดคุยเกี่ยวกับการปลดปล่อยเพศหญิงที่เกิดขึ้น เราต้องดูว่ามีผู้หญิงกี่คนที่อยู่ในอำนาจหน้าที่ พวกเขาได้รับอนุญาตให้ใช้ทรัพยากร [งบประมาณของชาติ] และตัดสินใจได้อย่างไร หลังจากตรวจสอบตัวเลขแล้ว คุณจะเห็นว่าไม่มีการพูดถึงการปลดปล่อยผู้หญิงที่จริงจังในรัสเซียเลย ผู้หญิง... ถูกเลือกปฏิบัติในตลาดแรงงาน ผู้หญิงไม่ได้รับการปกป้องจาก ... ความรุนแรงในครอบครัวและความรุนแรงทางเพศ ... กฎหมายเกี่ยวกับเรื่องนี้ทำงานในลักษณะที่จะปกป้องผู้ข่มขืน ... เพราะพวกเขาเขียนโดยผู้ชาย มีเพียงส่วนหนึ่งของคำแถลงของ Arbatova เพื่อแสดงความถูกต้องของการเคลื่อนไหวของสตรีที่เริ่มทำให้ตัวเองเป็นที่รู้จักในรัสเซีย

ภูมิหลังทางดนตรีของการเล่นคือเพลง "Under the Blue Sky" โดย Khvostenko - Grebenshchikov ลูกสาวของเพื่อนบ้านกำลังเรียนเพลงนี้ ดนตรีฟังไม่เข้าท่าและผิดจังหวะ เพลงเกี่ยวกับเมืองในอุดมคติถูกทำลาย ท่วงทำนองที่เสียไปก็เหมือนที่เคยเป็นมา ประกอบกับสิ่งที่ไม่ประสบผลสำเร็จ ชีวิตครอบครัวที่ความขุ่นเคืองและความเจ็บปวดครอบงำแทนความสามัคคี

Arbatova แสดงให้เห็นว่าผู้หญิงที่เป็นอิสระซึ่งยืนยันตัวเองไม่ควรพูดซ้ำผู้ชายทั่วไปยืมจิตวิทยาของเขา เกี่ยวกับเรื่องนี้ - ในละครเรื่อง "The War of Reflections" ที่นี่ประเภทของผู้หญิงรัสเซียใหม่ถูกสร้างขึ้นใหม่โดยมุ่งมั่นที่จะประพฤติตนตามความคิดที่ผิดพลาดของเธอผู้หญิงตะวันตกส่วนใหญ่ประพฤติตน “ฉันยังเชื่อว่าผู้ชายเป็นเป้าหมายของการบริโภค และฉันก็ต้องการการปลอบโยนจากเขาด้วย ให้เขาเป็นพันธุ์แท้และเงียบ ชายและหญิงกลายเป็นกระจกในละครสะท้อนซึ่งกันและกัน เป็นครั้งแรกที่ฮีโร่ชายได้รับโอกาสในการมองเห็นตัวเองจากภายนอกในรูปของสัตว์ประหลาดที่มีศีลธรรม สตรีนิยมใหม่ไม่ได้หมายถึงสงครามระหว่างเพศ แต่เป็นความเท่าเทียมกัน ความเท่าเทียมกัน

สำหรับคำถาม “คุณเห็นอันตรายจากสตรีนิยมหรือไม่” Arbatova อ้างถึงประเทศในแถบสแกนดิเนเวียเป็นตัวอย่าง โดยที่นักบวชมากถึง 70% เป็นผู้หญิง ครึ่งหนึ่งของรัฐสภาและคณะรัฐมนตรีมีผู้หญิงครอบครอง เป็นผลให้พวกเขามี "นโยบายที่สมดุลที่สุด ประกันสังคมสูงสุด และสังคมที่ถูกกฎหมายมากที่สุด"

บทละครอื่น ๆ ของ Arbatova ก็ประสบความสำเร็จเช่นกัน - "The Taking of the Bastille" (เกี่ยวกับความคิดริเริ่มของสตรีนิยมรัสเซียเมื่อเทียบกับตะวันตก) และ "A Trial Interview on the Theme of Freedom" (ความพยายามที่จะแสดงให้ผู้หญิงที่ประสบความสำเร็จสมัยใหม่)

ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1990 Arbatova ได้ละทิ้งบทละครเพื่อการเมืองและเขียนเพียงร้อยแก้วเกี่ยวกับอัตชีวประวัติเท่านั้น Skoropanova เชื่อว่าบทละครความสูญเสียอย่างมากในตัว Arbatova บทละครที่ตีพิมพ์มีความเกี่ยวข้องกับทุกวันนี้

ความสมจริงในละครได้รับการปรับปรุงให้ทันสมัยบางส่วนและสามารถสังเคราะห์ด้วยองค์ประกอบของกวีนิพนธ์ของระบบศิลปะอื่นๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง กระแสแห่งความสมจริงเช่น "อารมณ์อ่อนไหวที่โหดร้าย" ปรากฏขึ้น - การผสมผสานระหว่างกวีนิพนธ์ของสัจนิยมที่โหดร้ายและอารมณ์อ่อนไหว นักเขียนบทละคร Nikolai Kolyada ได้รับการยอมรับว่าเป็นเจ้านายของทิศทางนี้ "ไปให้พ้นไปให้พ้น" (1998) - ผู้เขียนฟื้นแนววรรณกรรมของชายร่างเล็ก "คนที่ฉันกำลังเขียนถึงคือคนในจังหวัด... พวกเขาพยายามจะบินข้ามหนองน้ำ แต่พระเจ้าไม่ได้ให้ปีกแก่พวกเขา" ละครเรื่องนี้เกิดขึ้นในเมืองเล็กๆ ของจังหวัดซึ่งอยู่ติดกับหน่วยทหาร จากพวกทหาร ผู้หญิงโสดให้กำเนิดลูกและยังคงเป็นแม่เลี้ยงเดี่ยว ครึ่งหนึ่งของประชากรในเมืองดังกล่าว หากพวกเขาสามารถหลุดพ้นจากความยากจนได้ ก็ไม่สามารถมีความสุขได้ นางเอก Lyudmila มีชีวิตที่แข็งกระด้าง แต่ส่วนลึกในจิตวิญญาณของเธอ ความอ่อนโยน ความอบอุ่น และความรักอันลึกซึ้งนั้นถูกรักษาไว้ นั่นคือเหตุผลที่ Lyudmila โฆษณาว่าเธอปรารถนาที่จะพบกับผู้ชายเพื่อสร้างครอบครัว วาเลนไทน์ปรากฏตัวในชีวิตของเธอ ซึ่งความจริงกลับทำให้ผิดหวัง เขา (เช่น ลิวดมิลา - สามีของเธอ) ต้องการหาภรรยาที่เข้มแข็งและร่ำรวย ในวันศุกร์ เมืองจะเข้าสู่ความมึนเมาอย่างไม่หยุดยั้ง และวาเลนไทน์ก็มาถึงทันเวลาของวันเสาร์และอาทิตย์ ในระหว่างการเลี้ยงครั้งต่อไป การถอนกำลังทหารดูถูก Lyudmila และ Valentin ก็ยืนขึ้นเพื่อเธอ สำหรับเธอแล้ว เรื่องนี้เป็นเรื่องที่น่าตกใจมาก: เป็นครั้งแรกในชีวิตของเธอ (นางเอกมีลูกสาวที่โตแล้ว) ผู้ชายคนหนึ่งยืนขึ้นเพื่อเธอ Lyudmila ร้องไห้อย่างมีความสุขที่ได้รับการปฏิบัติเหมือนคน โน้ตที่ซาบซึ้งในบทละครของ Kolyada สะท้อนถึงความต้องการความเมตตาและความเมตตา ความจริงที่ว่าทุกคนไม่มีความสุข Kolyada พยายามที่จะเน้นในเรื่องนี้และงานอื่น ๆ ของเขา ความสงสารแทรกซึมทุกสิ่งที่เขียนโดย Kolyada และกำหนดลักษณะเฉพาะของงานของเขา

ในเบื้องหน้าในละครอาจไม่ใช่ตัวเขาเอง แต่เป็นความเป็นจริงในรัสเซียและทั่วโลก ผู้เขียนใช้จินตนาการ สัญลักษณ์ อุปมานิทัศน์ และความสมจริงของพวกมันถูกแปรสภาพเป็นลัทธิหลังสัจนิยม ตัวอย่างคือ "Russian Dream" (1994) โดย Olga Mikhailova ละครเรื่องนี้สะท้อนถึงความเฉยเมยทางสังคมของสังคมรัสเซียส่วนใหญ่ เช่นเดียวกับลัทธิยูโทเปียทางสังคมที่ยังไม่หมดอายุ งานนี้สร้างโลกที่มีเงื่อนไขของความฝันในเทพนิยายขึ้นใหม่โดยอนุมานกับความเป็นจริงของยุค ในใจกลางของการเล่นคือภาพของ Oblomov สมัยใหม่ Ilya ชายหนุ่มผู้มีเสน่ห์ซึ่งมีลักษณะความเกียจคร้านและความเกียจคร้าน ในหัวใจของเขา เขายังคงเป็นเด็กที่อยู่ในโลกแฟนตาซี Ilya พยายามที่จะชักชวนให้เข้าร่วมกิจกรรมทางสังคมโดย Katrin หญิงชาวฝรั่งเศส แต่ทั้งพลังและความรักของเธอไม่สามารถเปลี่ยนวิถีชีวิตของ Ilya ได้ ตอนจบมีความหมายที่น่ารำคาญและแม้กระทั่ง eschatological: ความเฉยเมยดังกล่าวไม่สามารถจบลงได้ดี

คุณสมบัติของความสมจริงแบบโลดโผนยังปรากฏในบทละคร "Russian Letters" ของ Ksenia Dragunskaya (1996) สถานการณ์เชิงเปรียบเทียบตามเงื่อนไขที่พรรณนาชวนให้นึกถึงสถานการณ์ใน The Cherry Orchard: บ้านในชนบทที่ชายหนุ่ม Nochlekov ขายเมื่อย้ายไปต่างประเทศเป็นคำอุปมา: นี่คือบ้านในวัยเด็กซึ่งถูกมองว่าถึงแก่ความตายเช่นสวนใน หน้าบ้าน (เนื่องจากรังสีทำให้สิ่งมีชีวิตทั้งหมดตาย) อย่างไรก็ตาม Skye ที่เกิดขึ้นระหว่าง Nochlekov กับหญิงสาวสามารถกลายเป็นความรักได้ ผู้เขียนชี้แจงอย่างชัดเจน และจบลงด้วยความเศร้า ทิ้งความคลุมเครือ แต่หวังว่าจะเป็นไปได้ที่ความรอด

ดังนั้น รหัสของอารมณ์ความรู้สึกหรือความทันสมัยหรือลัทธิหลังสมัยใหม่จึงถูกนำมาใช้ในละครที่สมจริงทุกที่ นอกจากนี้ยังมีปรากฏการณ์แนวเขตซึ่งสามารถนำมาประกอบกับบทละครของ Yevgeny Grishkovets ได้ โดยมากจะมุ่งไปสู่ความสมจริง แต่อาจรวมถึงองค์ประกอบของกระแสจิตสำนึกสมัยใหม่ด้วย Grishkovets มีชื่อเสียงในฐานะผู้แต่ง monodrama "ฉันกินสุนัขอย่างไร", "ในเวลาเดียวกัน", "Dreadnoughts" ซึ่งมีอักขระเพียงตัวเดียว (ด้วยเหตุนี้คำว่า "monodrama") ฮีโร่ของบทละครเหล่านี้ส่วนใหญ่มีส่วนร่วมในการไตร่ตรองซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขาคุ้นเคยกับผู้ชม เขาไตร่ตรองถึงปรากฏการณ์ที่หลากหลายที่สุดในชีวิตและบ่อยครั้งที่เรียกว่า " สิ่งที่ง่าย” เช่นเดียวกับหมวดหมู่ของเวลา ทุกคนได้รับความรู้เกี่ยวกับวิชาเหล่านี้ที่โรงเรียนและมหาวิทยาลัย แต่ฮีโร่ของ Grishkovets พยายามคิดอย่างอิสระ กระบวนการคิดอย่างอิสระ ค่อนข้างไร้เดียงสา สับสน ไม่ได้รับผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยม เป็นศูนย์กลางของบทละคร ความจริงใจของฮีโร่ของ monodrama ดึงดูดให้เขาใกล้ชิดกับคนที่นั่งอยู่ในห้องโถงมากขึ้น บ่อยครั้งที่ฮีโร่คิดทบทวนข้อเท็จจริงบางอย่างเกี่ยวกับชีวประวัติของเขา สิ่งที่ในวัยหนุ่มของเขาดูเหมือนเป็นเรื่องปกติและเห็นได้ชัดในตัวเองตอนนี้ถูกวิพากษ์วิจารณ์จากเขาซึ่งบ่งบอกถึงการเติบโตส่วนบุคคลความต้องการทางศีลธรรมที่เพิ่มขึ้นสำหรับตัวเขาเอง

ที่น่าสนใจคือ Grishkovets ไม่ได้เป็นเพียงนักเขียนบทละครเท่านั้น แต่ยังเป็นนักแสดงอีกด้วย เขายอมรับว่ามันน่าเบื่อที่จะออกเสียงข้อความเดิมซ้ำแล้วซ้ำเล่า และคำพูดใหม่ของเขาแต่ละครั้งก็รวมช่วงเวลาที่แตกต่างกันออกไปด้วย นั่นคือเหตุผลที่ Grishkovets มีปัญหากับการตีพิมพ์: มีการเผยแพร่ข้อความพื้นฐานตามเงื่อนไข

นอกเหนือจากละครเดี่ยว Grishkovets ยังสร้าง "บทพูด" "บันทึกของนักเดินทางชาวรัสเซีย" ซึ่งเน้นถึงความสำคัญของการไว้วางใจในการสื่อสารที่เป็นมิตร ผู้เขียนแสดงให้เห็นว่ามิตรภาพเป็นสิ่งที่น่าเบื่อมากสำหรับบุคคล เนื่องจากก่อนอื่น มันเสริมสร้างความเชื่อในความจำเป็นของตนเอง "สองมีมากกว่าหนึ่งแล้ว" ประเภทการสนทนาเป็นตัวกำหนดคุณสมบัติของบทกวีของละครเรื่องนี้ ก่อนที่เราจะเป็นการสนทนาของเพื่อนเกี่ยวกับเรื่องนี้และเรื่องนั้น ในละครเรื่อง "The City" มีการสลับบทสนทนา (บทสนทนา) และบทพูดคนเดียว ความพยายามที่จะเอาชนะความปรารถนาและความเหงาที่ซึมซับตัวเอกของงานถูกเปิดเผย เมื่อถึงจุดหนึ่ง เขาเพียงแค่เบื่อชีวิต และโดยหลักแล้วไม่ได้มาจากละครและโศกนาฏกรรม แต่มาจากความซ้ำซากจำเจ ความซ้ำซากจำเจ การซ้ำซากจำเจในสิ่งเดียวกัน เขาต้องการความสดใส ไม่ธรรมดา เขาถึงกับอยากจากไป บ้านเกิด, ออกจากครอบครัว; การขว้างภายในสะท้อนถึงข้อความ ในท้ายที่สุด คนๆ หนึ่งคิดทบทวนตัวเองเป็นส่วนใหญ่และพบภาษาเดียวกับโลก กับคนที่รัก ความพยายามที่จะประเมินตัวเองใหม่ กลับไปหาผู้คน และได้รับมิติเพิ่มเติมของชีวิตที่จะให้ ความหมายใหม่การดำรงอยู่จบลงด้วยความสำเร็จในละครเรื่องนี้ ประการแรก ผู้เขียนเน้นว่าบุคคลเป็นยาสำหรับบุคคล

บทละครของ Grishkovets มีลักษณะที่เห็นอกเห็นใจและมีความถูกต้องในระดับสูง ผ่านสิ่งที่รู้แล้วเข้าไปสู่ โลกภายในบุคลิกภาพส่วนบุคคลและเรียกตัวละครของตนเพื่อต่ออายุตัวเองไม่เข้าใจว่าเป็นการเปลี่ยนสถานที่ แต่ยังเป็นการเปลี่ยนแปลงภายในของบุคคลด้วย Yevgeny Grishkovets กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ แต่เพิ่งจะกลายเป็นเรื่องซ้ำซากจำเจ

ควบคู่ไปกับการสร้างนักเขียนบทละครสมัยใหม่และละครสมัยใหม่ที่สมจริงและสมจริง โดยเฉพาะอย่างยิ่งละครที่ไร้สาระ บทละครของ Stanislav Shulyak "Consequence", "Opus Mixtum" ของ Maxim Kurochkin, "Again Twenty-Five" ของ Petrushevskaya เน้นที่ความขัดแย้งอย่างต่อเนื่องของชีวิตทางสังคมและการเมืองซึ่งประกาศตัวเองมาจนถึงทุกวันนี้ Skoropanov ถือว่า "Again Twenty-Five" (1993) เป็นงานที่โดดเด่นที่สุดในประเภทนี้ ผู้เขียนคัดค้านการตื่นตระหนกที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ซึ่งก็คือการต่อต้านการบุกรุกของรัฐเข้ามาในชีวิตส่วนตัวของผู้คนโดยใช้การประชุมที่น่าอัศจรรย์และเผยให้เห็นความไร้สาระของสิ่งที่เกิดขึ้น Petrushevskaya ปกป้องสิทธิ์ในการคัดค้านและความเป็นอื่นโดยทั่วไปซึ่งตัวแทนของมาตรฐานที่ทำลายชะตากรรมของคนอื่นไม่คุ้นเคย บทละครประกอบด้วยบทสนทนาระหว่างผู้หญิงคนหนึ่งที่ถูกปล่อยตัวจากเรือนจำและเด็กหญิงที่ได้รับมอบหมายให้เธอเพื่อปรับตัวทางสังคมของเธอและลูกของเธอที่เกิดในคุก เมื่อตระหนักว่าเด็กคนนี้เป็นสิ่งมีชีวิตที่ดูเหมือนสัตว์มากกว่าคน หญิงสาวจึงกล้าแสดงออกมากขึ้นและเริ่มถามคำถามที่กำหนดให้เธอโดยแบบสอบถาม นางเอกที่อายุน้อยกว่าไม่เข้าใจว่าผู้หญิงคนนั้นมีขนาดใหญ่แล้วและขู่ว่าจะจำคุกซ้ำแล้วซ้ำอีก ไม่ให้หญิงสาวเข้าใจว่าต่อหน้าเธอคือผู้หญิง ความสามารถพิเศษ. เหมือนเดิม Petrushevskaya ถามคำถาม: มันสำคัญจริง ๆ กับรัฐที่เธอให้กำเนิดหรือไม่? (และพระแม่มารีให้กำเนิดใคร? แต่เธอได้รับการบูชาเพราะเธอให้กำเนิดพระคริสต์) Petrushevskaya ยืนยันในผู้อ่านทั่วไปและผู้ดูหมวดหมู่ของความเป็นส่วนตัว - อาณาเขตส่วนตัวของทุกคน

จากบทละครที่เขียนโดย Petrushevskaya อยู่แล้วในศตวรรษใหม่ บทละคร Beefem (2001) โดดเด่นขึ้นมา บทละครมีลักษณะโวหารแนวเขตและใกล้เคียงกับสมัยใหม่ในแง่ของธรรมชาติของการใช้ความธรรมดาที่น่าอัศจรรย์ในนั้น ชื่อสามัญ Bifem เป็นของผู้หญิง Petrushevskaya ที่มีสองหัว การดำเนินการนี้ถูกขับเคลื่อนไปสู่อนาคต เมื่อการปลูกถ่ายอวัยวะ รวมทั้งสมอง กลายเป็นเรื่องที่ทำได้ แต่มีราคาแพงมาก บีเป็นคนแรกที่ตกลงที่จะแนบหัวที่สองเข้ากับร่างกายของเธอ หัวของเธอมีเพียง ลูกสาวที่ตายแล้ว, นักสะกดรอยทาง Fem. หัวหน้าพูดตลอดการแสดง ปรากฏว่า บีภูมิใจในความเสียสละของเธอมาก ทำหน้าที่ทางศีลธรรมให้ลูกสาว ในทางกลับกัน เฟม ถูกทรมานอย่างสาหัส โดยตระหนักว่าผู้หญิงที่มีสองหัวจะไม่มีวันรู้เช่นกัน ความรักหรือการแต่งงานและขอให้แม่ของเธอจบลงด้วยตัวฉันเอง การแนบศีรษะกับร่างเดียวเป็นสัญลักษณ์ของความสัมพันธ์ในครอบครัวใน Petrushevskaya ผู้เขียนเทศนาความเท่าเทียมกันในครอบครัว: ถ้าไม่ได้อยู่ในครอบครัวแล้วจะมาจากที่ไหนในสังคม? "เบเฟม" ยังประกอบด้วยลักษณะของโทเปีย โดยเตือนว่าหากไม่มีการเปลี่ยนแปลงทางศีลธรรม การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ล่าสุดจะไม่นำไปสู่ที่ใดและจะก่อให้เกิดคนประหลาด

The Male Zone (1994) เป็นละครหลังสมัยใหม่ ผู้เขียนเองได้กำหนดแนวเพลงว่า "คาบาเร่ต์" การดำเนินการเกิดขึ้นใน "โซน" แบบมีเงื่อนไข ซึ่งชวนให้นึกถึงทั้งค่ายกักกันและหนึ่งในวงกลมแห่งนรก ผู้เขียนนำผู้อ่านมาสู่ภาพของคนดัง: เลนิน, ฮิตเลอร์, ไอน์สไตน์, เบโธเฟน เกมที่มีภาพเหล่านี้ทำลายตัวละครในลัทธิของพวกเขาเล่นโดย Lyudmila Petrushevskaya ตลอดการเล่น ก่อนที่เราจะเป็นอักขระอัญประกาศแบบผสม แต่ละคนยังคงรักษาคุณสมบัติที่มั่นคงของภาพไว้และในขณะเดียวกันก็ได้รับคุณสมบัติของนักโทษซึ่งเป็นโจรที่แสดงในขณะที่เล่นบทบาทที่ไม่เหมาะกับเขาเลยคือ: ฮิตเลอร์ใน บทบาทของนางพยาบาล เลนินในรูปของดวงจันทร์ที่ลอยอยู่บนท้องฟ้า ไอน์สไตน์ และเบโธเฟน ถูกแสดงเป็นโรมิโอและจูเลียตตามลำดับ ความเป็นจริงที่ไร้สาระซึ่งบิดเบือนสาระสำคัญของการเล่นของเช็คสเปียร์ การดำเนินการนี้เกิดขึ้นภายใต้การแนะนำของผู้ควบคุมดูแล ซึ่งเป็นตัวกำหนดแนวคิดแบบเผด็จการและการยึดถือโลโก้ ในบริบทนี้ "เขตชาย" ของ Petrushevskaya กลายเป็นอุปมาสำหรับวัฒนธรรมมวลชนเผด็จการที่ใช้ภาษาของความจริงเท็จ ด้วยเหตุนี้ ไม่เพียงแต่ภาพลักษณ์ของเลนินเท่านั้นที่ถูกทำให้เสื่อมทราม แต่ยังเป็นการบูชาที่ไม่มีเงื่อนไขของลัทธิใด ๆ โดยทั่วไปด้วย

เกมล้อเลียนที่มีภาพบุคคลในประวัติศาสตร์จริงดำเนินการโดย Mikhail Ugarov ในละครเรื่อง "Green (...?) April" (1994-95 สองฉบับ - หนึ่งฉบับสำหรับการอ่านครั้งที่สองสำหรับการแสดงละคร) หาก Korkia ในละคร "The Black Man" หักล้างภาพลักษณ์ของสตาลินที่สร้างขึ้นโดยการโฆษณาชวนเชื่ออย่างเป็นทางการ Ugarov ในการเล่นของเขาหักล้างภาพลักษณ์ของเลนินและภรรยาและสหายของเขา Nadezhda Krupskaya เช่นเดียวกับ Petrushevskaya ตัวละครของเขาเป็นแบบจำลอง ในเวลาเดียวกันภาพของตัวละครนั้นเป็นตัวเป็นตนภายใต้การเสนอชื่อ "Lisitsyn" และ "Krupa" Ugarov ไม่รีบเปิดเผยไพ่ของเขาและบอกว่าใครคือฮีโร่ของเขากันแน่ เขาสนับสนุนให้พวกเขารับรู้ผ่านสายตาของชายหนุ่มจากครอบครัวอัจฉริยะ Seryozha ซึ่งไม่รู้ว่าใครเป็นคนผลักดันโครงเรื่องให้เขา ดังนั้นจึงไม่ได้ตั้งโปรแกรมไว้สำหรับตำนานเลนินนิสต์ ผู้เขียนสร้างเสมือนจริงอย่างหมดจดนั่นคือสมมุติ แต่ความเป็นจริงที่เป็นไปได้ มันแสดงให้เห็นโอกาสพบ Seryozha ในเดือนเมษายนปี 1916 ที่ทะเลสาบซูริกในสวิตเซอร์แลนด์กับคนแปลกหน้าสองคน การปรากฏตัวของทั้งสองคนนี้ทำให้ผู้ชมมีอารมณ์ขบขัน: พวกเขาขี่จักรยานและผู้หญิงคนนั้นล้มลงทันทีและเพื่อนของเธอก็หัวเราะคิกคักและไม่สามารถสงบลงได้เป็นเวลานาน ร่างทั้งสองนี้ชวนให้นึกถึงตัวตลกและนึกถึงกลลวงล้อเลียนมาตรฐานของคณะละครสัตว์ "ลิซิทซิน" เกินจริงตอบสนองต่อการล้มลงของภรรยาของเขาอย่างเกินจริงจนเขาไม่สามารถหายใจจากเสียงหัวเราะเป็นเวลานาน "Lisitsyn" เป็นคนร่างเตี้ยที่กระฉับกระเฉงและกระฉับกระเฉง "ครูปา" นำเสนอในฐานะผู้หญิงอ้วนที่ซุ่มซ่ามและมีสีหน้าหมองคล้ำ ควบคู่นี้ "Lisitsyn" เล่นบทบาทของครูและ "Krupa" - บทบาทของนักเรียนที่ไม่ฉลาดของเขา "ลิซิทซิน" สอนทุกคนเสมอ พร้อมแสดงความไม่อดทนและหยาบคาย ทั้งคู่ตั้งอยู่บนที่โล่งเดียวกันกับ Seryozha และเริ่มประพฤติตัวเพื่อพูดอย่างอ่อนโยนไร้อารยธรรม "Lisitsyn" พูดจาโผงผางตลอดเวลาและโดยทั่วไปมีพฤติกรรมไร้ยางอายอย่างยิ่ง Seryozha ได้พบกับผู้คนประเภทนี้เป็นครั้งแรกและแทบจะไม่ยอมทนกับสิ่งที่เกิดขึ้น แต่ในฐานะบุคคลที่มีมารยาทดีเขานิ่งเงียบ “ Lisitsyn” รู้สึกไม่อนุมัติและตัดสินใจที่จะ "สอน" Seryozha: เขาล่อให้เขาเข้าสู่แวดวงและสอนว่าความฉลาดนั้นไร้อิสระ “และฉันอยู่ที่นี่” Lisitsyn กล่าว “เป็นคนอิสระมาก” ในการสนทนาเชิงหลอกวัฒนธรรม "ลิซิทซิน" พยายามทำทุกวิถีทางเพื่อทำให้เซรีโอชาขายหน้าและยิ่งกว่านั้น ทำให้เขาเมา ปล่อยชายหนุ่มที่เมามายท่ามกลางสายฝนที่โปรยปราย "ลิซิทซิน" และ "ครูปา" ที่พักผ่อนเต็มที่แล้วออกเดินทางสู่ซูริก และเจ้าสาวของ Seryozha ควรมาถึงโดยรถไฟตอนเย็น

การเล่นกับภาพลักษณ์ของผู้นำ Ugarov ไม่เพียง แต่กีดกันเขาจากการโฆษณาชวนเชื่อของมนุษยชาติ แต่ยังสร้างแบบจำลองความสัมพันธ์ระหว่างรัฐโซเวียตกับพลเมืองของตนขึ้นใหม่ด้วยการดูหมิ่นบุคคลการไม่ปฏิบัติตามสิทธิของเขาเพื่อให้ทุกคน สามารถทำลายชะตากรรมของพวกเขาได้ทุกเมื่อ การหักล้างตัวเลขลัทธิของระบบเผด็จการเป็นขั้นตอนสำคัญในการเอาชนะมัน

"ภาพสามมิติของชีวิตส่วนตัว" (1993) Prigov - เกี่ยวกับมวลชน Prigov แสดงให้เห็นว่าวัฒนธรรมมวลชนในยุคของเรามีการเปลี่ยนแปลง ความต้องการทางอุดมการณ์ที่กดขี่ข่มเหงทั้งหมดกำลังถูกแทนที่ด้วยกลวิธีของการเกลี้ยกล่อมอย่างอ่อนโยน แสร้งทำเป็นประจบสอพลอ เจ้าชู้ และกลั่นแกล้งด้วยเสียงหวาน นี่เป็นวิธีที่ปกปิดและซับซ้อนมากขึ้นในการมีอิทธิพลต่อทรงกลมของจิตสำนึกและจิตไร้สำนึก มันมีส่วนช่วยในการสร้างและฝึกฝนคนมาตรฐานเนื่องจากเลียนแบบการเติมเต็มความปรารถนาของพวกเขา Prigov แสดงให้เห็นว่าการปลอมแปลงภาพของความเป็นจริงการดูหมิ่นหลักการทางจิตวิญญาณการทำลายล้างในมนุษย์ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง Prigov ในบทละครตรวจสอบผลกระทบต่อผู้คนในการผลิตรายการโทรทัศน์จำนวนมาก ทอล์คโชว์ดึงดูดความสนใจของเขาซึ่งไม่มีอะไรเลวร้าย, ตกต่ำ, เหลือทนสำหรับสมอง หากมีลักษณะที่ขัดแย้งกัน แสดงว่าเป็นความขัดแย้งระหว่างความดีกับสิ่งที่ดีที่สุด Prigov สร้างบทละครจากฉากย่อส่วน (ทั้งหมด 28 ฉาก) เหล่านี้เป็นตอนจากชีวิตของครอบครัวหนึ่ง บทบาทหลักในเพชรประดับเป็นของบทสนทนาการ์ตูน ครอบคลุมหัวข้อที่ทันสมัย: เพศ, โรคเอดส์, ดนตรีร็อค ในขณะเดียวกัน แนวคิดบางอย่างก็ค่อยๆ ได้รับการเสนอแนะ:

สิ่งสำคัญในชีวิตคือเรื่องเพศ “คนรุ่นใหม่ ทิ้งอำนาจและเงินไว้ให้เรา แล้วมีเพศสัมพันธ์เพื่อตัวคุณเอง”

คอมมิวนิสต์เป็นคนดี มีการสนทนาระหว่างหลานชายกับคุณยาย หลานชายได้รับการบอกเล่าที่โรงเรียนเกี่ยวกับพวกคอมมิวนิสต์ และคุณย่าก็เกลี้ยกล่อมให้เขาคิดว่าพวกคอมมิวนิสต์เป็น "คนป่าเถื่อน"

มีสิ่งที่คนส่วนใหญ่เชื่อ “มาช่า คุณเชื่อในพระเจ้าไหม” - "คนส่วนใหญ่เชื่อ ดังนั้น อาจมีพระเจ้า"

ได้ยินเสียงปรบมือเกือบทุกฉากจากทั้งหมด 28 ฉาก สิ่งนี้ทำเพื่อกระตุ้นปฏิกิริยาที่ตั้งโปรแกรมไว้ในตัวแสดงที่เป็นไปได้

จู่ๆ มนุษย์ต่างดาวก็ปรากฏตัวขึ้น แต่ไม่มีสมาชิกในครอบครัวคนไหนสนใจเขาเลย จากนั้นสัตว์ประหลาดก็ปรากฏขึ้น “นั่นคุณหรือเปล่าเดนิส” “ไม่ใช่ ฉันเอง สัตว์ประหลาด” - "ตกลง." สัตว์ประหลาดกินแม่ แล้วครอบครัวที่เหลือ สัตว์ประหลาดเป็นสัญลักษณ์ของพลังของสื่อมวลชนเหนือมนุษย์ แต่สุดท้ายเมื่อสัตว์ประหลาดกินเอเลี่ยนก็ถูกทำลายล้างทั้งคู่ มนุษย์ต่างดาวเป็นสัญลักษณ์ของวัฒนธรรม "อื่น" ที่แท้จริงซึ่งเพียงอย่างเดียวสามารถต้านทานวัฒนธรรมมวลชนได้

เสียงปรบมือที่บันทึกไว้ยังคงดำเนินต่อไปหลังจากที่ไม่มีใครอยู่บนเวที ยกเว้น Masha และ God ตัวละครอื่น ๆ ทั้งหมดจะถูกกิน สัตว์ประหลาดจำลองตัวเอง มันเจาะจิตวิญญาณของผู้คน

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ คนรุ่นอายุ 20 ปีเข้าสู่วงการละคร งานเขียนของพวกเขามักจะมืดมนเป็นพิเศษและสำรวจปัญหาของความชั่วร้ายในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่ง สถานที่หลักในบทละครถูกครอบครองโดยภาพของความไร้มนุษยธรรมและความรุนแรง ซึ่งส่วนใหญ่มักไม่ได้มาจากด้านข้างของรัฐ แต่เป็นความชั่วร้ายที่มีรากฐานมาจากความสัมพันธ์ของผู้คนและเป็นพยานว่าวิญญาณของพวกเขาพิการอย่างไร เช่น Plasticine ของ Sigarev, Claustrophobia ของ Konstantin Kostenko, Oxygen ของ Ivan Vyropaev และผับของพี่น้อง Presnyakov ไม่มีการแสดงละครที่มืดมนและในปริมาณเช่นนี้แม้แต่ในสมัยใต้ดิน สิ่งนี้บ่งบอกถึงความผิดหวังในค่านิยม อารยธรรมสมัยใหม่และในตัวเขาเอง อย่างไรก็ตามด้วยความขัดแย้งสีดำที่หนาขึ้นนักเขียนรุ่นเยาว์ได้ปกป้องอุดมคติของมนุษยชาติ

เฉพาะ สถานที่ที่ดีในละครสมัยใหม่ รีเมคยังถูกครอบครอง - เวอร์ชันใหม่ที่ทันสมัย ผลงานที่มีชื่อเสียง. นักเขียนบทละครหันไปหาเชคสเปียร์ตามหลักฐานของแฮมเล็ต เวอร์ชั่น” โดย บอริส อาคูนิน, “แฮมเล็ต. Zero Action" โดย Petrushevskaya "Hamlet" โดย Klim (Klimenko), "A Plague on Both Your Houses" โดย Grigory Gorin นักเขียนชาวรัสเซียพวกเขาหันไปหาพุชกิน ("Dray, ziben, ace หรือ Queen of Spades" โดย Nikolai Kolyada), Gogol ("Old World Love" โดย Nikolai Kolyada, "Bashmachkin" โดย Oleg Bogaev), Dostoevsky (“ Paradoxes of Crime” โดย Klim), Tolstoy (“ Anna Karenina - 2 "โดย Oleg Shishkin: ตัวเลือกอนุญาตให้ Anna ยังมีชีวิตอยู่), Chekhov ("The Seagull. Version" โดย Akunin) เกณฑ์ของความคลาสสิกในการประเมินปัจจุบันได้รับการยอมรับว่ามีวัตถุประสงค์มากกว่าเกณฑ์ทางอุดมการณ์ใดๆ ในกรณีอื่น ๆ พวกเขาโต้เถียงกับรุ่นก่อนหรือทำให้การสังเกตของพวกเขาลึกซึ้งขึ้น แต่ก่อนอื่น การแสดงละครหมายถึงค่านิยมสากลที่มอบให้โดยคลาสสิก บทละครที่ดีที่สุดที่สร้างขึ้นโดยนักเขียนบทละครสมัยใหม่ได้กลายเป็นสมบัติของไม่เพียง แต่รัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบทละครต่างประเทศด้วย

วรรณคดีรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 โดยรวมแล้วดูเหมือนว่า Skoropanova จะเป็นที่สนใจอย่างมาก สอนให้คิด สร้างความรู้สึกทางศีลธรรม ปฏิเสธสิ่งอัปลักษณ์ มักให้ความคิดที่สวยงามและน่าปรารถนาในรูปแบบทางอ้อม

14 กรกฎาคม 2010

หัวข้อที่ได้รับความนิยมอีกประการหนึ่งของละครการเมืองคือหัวข้อของลัทธิเผด็จการ การปราบปรามบุคคลภายใต้ระบบสตาลิน ในบทละครของ M. Shatrov ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา - "เผด็จการแห่งมโนธรรม" (1986) และ "เพิ่มเติม ... ต่อไป ... เพิ่มเติม ... " (1985) (เช่นเดียวกับใน "Brest Peace" ตีพิมพ์ ในปี 1987, 1962) - ภาพลักษณ์ของสตาลินผู้มีอำนาจสูงสุดและเผด็จการเพียงผู้เดียวซึ่งต่อต้านเลนิน "ประชาธิปัตย์" ที่ฉลาดและมองการณ์ไกล จำเป็นต้องพูด งานของ Shatrov สูญเสียความเกี่ยวข้องทันทีที่มีการค้นพบข้อเท็จจริงใหม่เกี่ยวกับบุคลิกภาพและธรรมชาติของกิจกรรมของ "ผู้นำของชนชั้นกรรมาชีพโลก" สู่สังคม ตำนานของ Ilyich ในอุดมคติล่มสลายและด้วยเหตุนี้ "การสร้างตำนาน" ของนักเขียนบทละคร Shatrov ก็หยุดลง

หาก M. Shatrov ทำงานในธีมสตาลินในกรอบของโรงละครแบบดั้งเดิมที่เหมือนจริง ในไม่ช้าบทละครก็ปรากฏขึ้นซึ่งมีความพยายาม (เป็นที่ถกเถียงกันอย่างแน่นอนและไม่น่าเชื่อเสมอไป) เพื่อนำเสนอตัวเลขที่เป็นตำนานโดยอุดมการณ์ของโซเวียตในรูปแบบล้อเลียนและพิลึกพิลั่น รูปร่าง. ดังนั้นในปี 1989 "โศกนาฏกรรม" ในข้อของ V. Korkia "Black หรือ I, Soco Dzhugashvili ผู้น่าสงสาร" ซึ่งจัดแสดงที่โรงละครนักศึกษาของมหาวิทยาลัยแห่งรัฐมอสโกจึงได้รับความอื้อฉาว

เมื่อผู้อ่านถูกน้ำท่วมด้วยบันทึกความทรงจำทั้งหมดเกี่ยวกับประสบการณ์ค่ายของผู้ที่ได้รับชะตากรรมอันโหดร้ายจากการประสบกับแรงกดดันจากระบบเผด็จการวีรบุรุษผู้โศกนาฏกรรมแห่งยุค Gulag ก็ปรากฏตัวขึ้นบนเวทีโรงละครด้วย การแสดงเรื่องราวของ E. Ginzburg "The Steep Route" บนเวทีของโรงละคร Sovremennik ประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่และสมควรได้รับ บทละครเมื่อสิบหรือยี่สิบปีที่แล้วกลายเป็นที่ต้องการในสมัยเปเรสทรอยก้าและหลังเปเรสทรอยก้า โดยมีข้อยกเว้นที่หาได้ยากในรูปแบบสารคดีแบบดั้งเดิม ที่เข้าใจประสบการณ์ในค่าย: “สาธารณรัฐแรงงาน” โดย A. Solzhenitsyn, “Kolyma” โดยฉัน . Dvoretsky, "Anna Ivanovna" โดย V. Shalamova, " Troika" โดย Y. Edlis, "การสอบสวนสี่ครั้ง" โดย A. Stavitsky

เพื่อความอยู่รอด ยังคงเป็นมนุษย์ในสภาพไร้มนุษยธรรมของค่าย - นี่คือเหตุผลหลักสำหรับการดำรงอยู่ของวีรบุรุษในผลงานเหล่านี้ คำนิยาม กลไกทางจิตวิทยาที่ควบคุมบุคลิกภาพเป็นประเด็นหลัก

ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 มีความพยายามที่จะสร้างระบบความงามอื่นๆ บนวัสดุเดียวกัน เพื่อแปลความขัดแย้งระหว่างปัจเจกและสังคมเผด็จการให้กว้างขึ้นและเป็นสากล เช่นเดียวกับในนวนิยาย dystopian โดย E. Zamyatin หรือ เจ. ออร์เวลล์ การต่อต้านยูโทเปียที่น่าทึ่งนี้ถือได้ว่าเป็นบทละครของ A. Kazantsev“ Great Buddha ช่วยพวกเขาด้วย!” (1988). การดำเนินการของงานเกิดขึ้นใน "ชุมชนที่เป็นแบบอย่างที่ได้รับการตั้งชื่อตามแนวคิดที่ยิ่งใหญ่" ระบอบการปกครองที่มีอยู่นั้นมีความโหดร้ายเป็นพิเศษต่อความขัดแย้งทุกประเภท มนุษย์ถูกลดขนาดลงเป็นสิ่งมีชีวิตดึกดำบรรพ์ที่มีสัญชาตญาณดั้งเดิมและการแสดงออกทางอารมณ์ที่รุนแรงเพียงอย่างเดียว - ความกลัวของสัตว์

ด้วยจิตวิญญาณของโรงละครที่ไร้สาระ V. Voinovich พยายามนำเสนอความขัดแย้งแบบเดียวกันในศาล (1984 ตีพิมพ์ในปี 1989) ความพยายามที่จะสร้างโรงละครไร้สาระรุ่นโซเวียตในกรณีนี้ไม่สามารถถือว่าประสบความสำเร็จอย่างสมบูรณ์ลักษณะที่สองรู้สึกได้อย่างชัดเจนที่นี่โดยเฉพาะอย่างยิ่งอิทธิพลของ "กระบวนการ" ของ F. Kafka และความเป็นจริงของสหภาพโซเวียตเองก็ไร้สาระมากจนความพยายามที่จะ "พลิกกลับ" โลกที่อดกลั้นไว้นานอีกครั้งเพื่อเปลี่ยนให้เป็นขั้นตอนการพิจารณาคดีอย่างต่อเนื่องเกี่ยวกับบุคคลที่มีชีวิตไม่สามารถโน้มน้าวใจทางศิลปะได้

แน่นอน เป็นที่น่าสังเกตว่าปัญหาความสัมพันธ์ระหว่างปัจเจกและรัฐเป็นปัญหาเร่งด่วนที่สุดปัญหาหนึ่ง และมักจะเป็นแหล่งอุดมสมบูรณ์สำหรับการค้นพบทางศิลปะเสมอ

โอกาสในการพูดได้อย่างอิสระเกี่ยวกับหัวข้อต้องห้าม สังคม และ ประเด็นทางศีลธรรมสังคมในยุคเปเรสทรอยก้านำไปสู่ความจริงที่ว่าเวทีในประเทศนั้นเต็มไปด้วยตัวละครทุกประเภทของ "ก้น": โสเภณีและคนติดยาคนจรจัดและอาชญากรทุกประเภท ผู้เขียนบางคนชอบล้อเลียนผู้ถูกขับไล่ คนอื่นๆ พยายามสุดความสามารถเพื่อเปิดเผยจิตวิญญาณที่บาดเจ็บให้ผู้อ่านและผู้ชมได้เห็น คนอื่นๆ อ้างว่าพรรณนาถึง "ความจริงของชีวิต" ในความเปลือยเปล่าที่ไม่ได้ปกปิดทั้งหมด ผู้นำที่ชัดเจนของฤดูกาลการแสดงละครปี 2530-2532 งานดังกล่าวได้กลายเป็น: "ดวงดาวในท้องฟ้ายามเช้า" โดย A. Galin, "Dump" โดย A. Dudarev, "โต๊ะสตรีในห้องล่าสัตว์" โดย V. Merezhko, "Sports scenes of 1981" และ "Our Decameron" โดย อี. ราดซินสกี้.

จากนักเขียนบทละครที่มีชื่อข้างต้น อ. กาลินเป็นคนแรกที่นำมาให้ ฉากละครทั่วประเทศของ "นางเอก" ใหม่ในเวลานั้น แต่เมื่อหัวข้อของการค้าประเวณีกลายเป็นที่คุ้นเคยในหนังสือพิมพ์และนิตยสารวารสารศาสตร์ เมื่อถึงเวลาเขียน Stars in the Morning Sky ชื่อของนักเขียนบทละครก็เป็นที่รู้จักกันดี “ A. Galin เริ่มต้นการเดินขบวนด้วยชัยชนะเป็นเวลาหลายปีผ่านขั้นตอนในประเทศของเราและต่างประเทศ” นักวิจารณ์ละคร I. Vasilinina เขียน“ A. Galin พร้อมบทละคร“ Retro”<...>แม้ว่าจะไม่ใช่ในละครแต่ละเรื่องของเขาก็ตาม เขาได้ลงลึกถึงสาเหตุที่แท้จริงของปรากฏการณ์ชีวิตนี้หรือปรากฏการณ์นั้น แต่เขามักจะพบความเจ็บปวด ความขัดแย้งสมัยใหม่ และด้วยเหตุนี้สถานการณ์ที่น่าสนใจอยู่เสมอ บางครั้งเขาไม่ได้ยุ่งมากกับภูมิหลังทางสังคมของชะตากรรมของผู้หญิงการพึ่งพาอาศัยกันที่ยากลำบากของเธอในบรรยากาศทางเศรษฐกิจและการเมืองทั่วไปของประเทศ แต่เขาเห็นอกเห็นใจผู้หญิงคนหนึ่งอย่างแน่นอนแสดงความสนใจความสนใจและความเมตตาต่อเธอ

คำเหล่านี้เป็นจริงโดยเฉพาะในบทละคร "Stars in the Morning Sky" หลังจากอ่านกาลิเนียน เราเข้าใจดีว่านักเขียนบทละครที่เกี่ยวข้องกับวีรสตรีของเขาได้รับตำแหน่งทนายความที่ขยันขันแข็ง โสเภณีเป็นความจริงของความเป็นจริงของเรา และฉันมักจะตำหนิใครก็ตามในเรื่องนี้ แต่ไม่ใช่โสเภณีเอง นี่คือสังคมที่ศักดิ์สิทธิ์และหน้าซื่อใจคดที่ซ่อน "แมลงเม่า" อย่างอาย ๆ บนกิโลเมตรที่ 101 เพื่อไม่ให้บดบังภูมิทัศน์ที่เป็นแบบอย่างของโอลิมปิกมอสโก นี่เป็นเด็กหรือผู้ชายที่โหดเหี้ยมอย่างไร้ความปราณีที่สูญเสียความเคารพต่อผู้หญิง และนี่คือผู้หญิงที่โชคร้ายเอง - และชะตากรรมใดก็ตาม " Sonechka Marmeladova นิรันดร์ตราบใดที่โลกยังคงนิ่งอยู่" เฉพาะซึ่งแตกต่างจากนางเอกของดอสโตเยฟสกีที่นี่ไม่มีใครประหารชีวิตตัวเองยิ่งไปกว่านั้นเขาไม่ได้คิดเกี่ยวกับความจริงที่ว่าบางทีอาจมีข้อผิดพลาดในบางจุดว่ายังมีทางเลือกอยู่ และด้วยเหตุนี้ จึงไม่มีตัวละครหลักสี่ตัวที่กำลังมองหาวิธีที่คู่ควรจากสถานการณ์ปัจจุบันของพวกเขา นักเขียนบทละครไม่ได้เสนอเรื่องนี้แม้ว่าเขาจะจงใจเน้นการเชื่อมโยงในพระคัมภีร์ไบเบิลในชะตากรรมของแมรี่ บางทีอาจเป็น "ผู้ประสบภัย" หลักในหน้าของละคร แรงจูงใจของคริสเตียนฉันคิดว่าปรากฏใน "Stars in the Morning Sky" เหมือนกันโดยเปล่าประโยชน์เพราะพล็อตเรื่องค่อนข้างเป็นละครและน่าสนใจซึ่งบอกโดยนักเขียนบทละครในหลาย ๆ ด้าน "ไม่ถึง" ความสูงในพระคัมภีร์

การหมกมุ่นอยู่กับปัญหา "ก้นบึ้ง" อย่างประมาทเลินเล่อมากขึ้นเรื่อย ๆ ในความเห็นถากถางดูถูกและความโหดร้ายของชีวิตประจำวันที่เลี้ยงและยังคงเลี้ยงดูนักเขียนบทละครที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคนหนึ่งของคนรุ่นใหม่ - Nikolai Kolyada จนถึงปัจจุบัน เขาได้กำกับการแสดงมากกว่า 20 เรื่อง ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นสถิติของปี 1990 สมควรได้รับความสนใจจากนักเขียนบทละครเพียงใดเป็นจุดที่สงสัย แต่เหตุผลสำหรับความสนใจนี้สามารถเข้าใจได้ Kolyada ซึ่งแตกต่างจากนักเขียนบทละครของ "คลื่นลูกใหม่" นำอารมณ์รุนแรงและความสว่างของละครมาสู่ละครประจำวันที่คุ้นเคยอยู่แล้ว ในงานส่วนใหญ่ของเขา ("Game of forfeits", "Barrack", "Murlin Murlo", "Boater", "Slingshot") เราพบกับสภาพแวดล้อมดั้งเดิมที่สุด - ที่อยู่อาศัยทั่วไปที่น่าสงสารมากหรือน้อย: "วอลล์เปเปอร์ใน อพาร์ตเมนต์กำลังล้มลง ผนังทั้งหมดเปื้อนเลือด เจ้าของอพาร์ทเมนต์ราวกับว่าจะทำร้ายใครซักคนตัวเรือดบดขยี้ นอกหน้าต่างมีเสียงที่คลุมเครือ แปลก พิลึก และไม่อาจเข้าใจได้ของเมืองยามค่ำคืน สองคนนี้ก็แปลกเหมือนกันนะ ราวกับด้ายสีเงินเหยียดยาวและเชื่อมเข้าด้วยกัน” (“หนังสติ๊ก”) จากข้อสังเกตข้างต้น เป็นที่แน่ชัดว่าความสกปรกและความน่าสังเวชของโลกรอบข้างไม่ได้ขัดขวางคารมคมคายของนักเขียนบทละคร

Kolyada ได้สร้างตัวละครของวีรบุรุษของเขาในความแตกต่างของความหยาบคายและความประเสริฐ คุณสมบัติและคุณสมบัติทั้งหมดของพวกเขาเกินจริงอย่างชัดเจนปฏิกิริยาของพวกเขาได้รับการยกย่องดังนั้นบรรยากาศของการกระทำที่ต่อเนื่องที่นี่จึงเป็นเรื่องอื้อฉาว ฮีโร่สามารถแยกแยะสิ่งต่าง ๆ ได้เฉพาะในโทนสีที่ยกขึ้นเท่านั้น เฉพาะในบรรทัดสุดท้ายของบทละคร "Murlin Murlo" มีเครื่องหมายอัศเจรีย์ 25 ตัว จริงอยู่ควรสังเกตว่าตัวละครของ Kolyada ทะเลาะกันอย่างสร้างสรรค์เพราะเรื่องอื้อฉาวสำหรับพวกเขาเป็นเพียงวันหยุดและความบันเทิงในชีวิตของพวกเขา

การสร้างพล็อตในผลงานของนักเขียนบทละครนี้ก็ไม่มีความหลากหลายเช่นกัน โดยปกติเขาจะดำเนินตามแผนแบบ win-win: ในเมืองต่างจังหวัดที่มีความซ้ำซากจำเจและกึ่งยากจน มีใครบางคนที่สวยงาม แขกรับเชิญปรากฏตัวขึ้นในทันใด ทำลายวิถีชีวิตที่น่าเบื่อและปกติ เมื่อเขามาถึง เขาได้ให้กำเนิดชาวเมืองที่น่าสังเวชหวังสิ่งที่ดีที่สุดสำหรับความรัก ความเข้าใจซึ่งกันและกัน การทำให้บริสุทธิ์ ตอนจบของเรื่องอาจแตกต่างกัน แต่บ่อยครั้งก็ยังสิ้นหวัง ฮีโร่ถูกทิ้งให้อยู่กับชะตากรรมที่พังทลายและความหวังที่หลอกลวง ตัวอย่างเช่นใน "Slingshot" มนุษย์ต่างดาวที่สวยงามชื่อ Anton แม้ว่าเขาจะกลับมาสายเกินไป - เจ้าของได้ฆ่าตัวตายไปแล้ว และใน "Murlin Murlo" ตัวละครหลักอเล็กซี่กลายเป็นคนขี้ขลาดและคนทรยศ

การวิพากษ์วิจารณ์ถูกต้องว่าจุดอ่อนที่สุดในบทละครของ Kolyada คือบทพูดของวีรบุรุษและยิ่งนานเท่าไร ความยากจนของภาษาก็จะยิ่งชัดเจนขึ้น ซึ่งส่วนใหญ่เป็นความคิดโบราณและหยาบคาย

ผลงานของ N. Kolyada นั้นมีความอยากรู้อยากเห็นก่อนอื่นเพราะพวกเขาสรุปผลลัพธ์ที่แปลกประหลาดของการพัฒนา "ละครใหม่" อุปกรณ์ล้ำสมัย รายละเอียดที่น่าตกใจและวีรบุรุษชายขอบผ่านเข้าไปในหมวดหมู่ของวัฒนธรรมมวลชน โดยสูญเสียความคมชัดที่ตีโพยตีพายและเจ็บปวดซึ่งเป็นลักษณะของตัวละครและความขัดแย้งของละครของ L. Petrushevskaya